RockZone 108 - 11/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Ghost Brigade (Barcelona) © Carles Rodríguez

EDITORIAL

Hay meses en los que poder cerrar una entrevista para un grupo de portada nos lleva al borde del infarto, y otros, como éste, en el que el problema es justo el contrario y desearíamos poder realizar dos, tres y hasta cuatro portadas distintas porque el material lo merece. Reunir en un mismo número a Slipknot, Weezer, At The Gates y Lagwagon, merecedores todos ellos de ocuparla, es una suerte, pero también un quebradero de cabeza. Aunque puestos elegir, ojalá todo el año nos encontráramos con tan bendito problema. Enjoy!

SUMARIO

nº 108

9 / INTERFERENCIAS

24 / IRON REAGAN

38 / SET IT OFF

40 / ELECTRIC WIZARD

60 /

66 / LAGWAGON

ESPECIAL FOTO: FOO FIGHTERS

102 / HORN OF THE RHINO

106 / YOB

26 / weezer

32 / AT THE GATES

48 / SLIPKNOT

56 / PALLBEARER

72 / DISCO DEL MES

110 / RIVAL SONS

74 / CRíTICAS

114 / HUMMANO

SUMARIO

nº 108

120 / DEVIN TOWNSEND

124 / EN DIRECTO TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A

150 / DE GIRA + AGENDA

ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Karles Sastre, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Ilustración de portada: Smoke Signals Illustration.

new del mes_MACHINE HEAD ESTAMOS DE ENHORABUENA: ESTE MES SALE A LA VENTA LA NUEVA OBRA DE MACHINE HEAD, BLOODSTONE & DIAMONDS, Y ADEMÁS, LOS VAMOS A TENER TOCANDO POR NUESTRO PAÍS EN UNOS DÍAS.

or fin ha llegado el momento. Los titanes del groove metal Machine Head ya cuentan las horas para lanzar su octavo álbum, titulado Bloodstone & Diamonds, este próximo 7 de noviembre, y por si fuera poco, vamos a tener a Robb Flynn y compañía descargando sus nuevas canciones junto a todos sus clásicos el viernes 14 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona, el sábado 15 en La Riviera de Madrid y el domingo 16 en la sala Totem de Villava. Si algunos todavía andan indecisos sobre si acudir o no a tan bestiales citas con los de Oákland, cabe decir que Devil You Know y Darkest Hour serán sus teloneros de lujo. Éste será su primer trabajo para la discográfica Nuclear Blast y está compuesto de doce temas. Si a finales de abril ya pudimos disfrutar el primer adelanto de su nuevo álbum en forma de lyric video, ‘Killers & Kings’, recientemente ha aparecido otro potente y largo lyric de ‘Now We Die’ que, como era de esperar, también ha volado en la red. La opción de poder gozarlos en castellano y que esta última canción

aporte interesantes arreglos de cuerda no han pasado inadvertidos entre sus fans. Por si fuera poco, Machine Head han ido colgando durante todo el proceso de grabación interesantes vídeos para que todo el mundo pudiera comprobar que tienen grandes planes para la obra que dará continuidad a su discografía tras el exitoso Unto The Locust de 2011. Recordemos que el 22 de febrero de 2013 uno de los miembros fundadores de Machine Head, el bajista Adam Duce, abandonó la banda, en principio, de forma amistosa, pero sólo cuatro días después Flynn no tuvo reparos en reconocer que había expulsado a Duce por las diferencias entre ambos. A principios de 2014 Duce demandó al grupo ante la Corte Federal por varios motivos económicos e incluso difamación, pero el 2 de julio se emitió el fallo judicial sin que haya trascendido la sentencia. De todas formas, Machine Head no parecen haberse inmutado por todo esto, y con Jared MacEachern (Sanctity) a las cuatro cuerdas, están listos para volver a demostrar quién manda aquí con Bloodstone & Diamonds.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_

MONDO SONORO

uele pensarse que la rivalidad entre la prensa musical es parecida a la de los equipos de fútbol. Que los medios rajamos unos de otros y que intentamos pegarnos la zancadilla a poco que podamos para conseguir alguna exclusiva o robarnos los anunciantes. Siempre existen deshonrosas excepciones, que normalmente coinciden con quienes tienen un sentimiento de inferioridad respecto a los demás, pero por lo general, y más en estos tiempos en los que, quien más quien menos, es igual de pobre que su vecino, la cordialidad suele ser la norma. En algunos casos los lazos son aún más estrechos y la relación es de verdadera amistad, como la que existe entre RockZone y Mondo Sonoro. Y no es para menos teniendo en cuenta que sus dos redactores en jefe compartieron techo durante diez años. Imagínense la de chascarrillos sobre la industria que circulaban mientras cenaban una triste sopa de tetra brick o unos frankfurts recalentados. Además, desde hace bastantes años las redacciones de ambas revistas se encuentran en edificios enfrentados, por lo que no tenemos más que asomarnos a la ventana para saludarnos. Es por eso y por su indudable contribución a la escena musical de nuestro país que desde aquí les mandamos una enorme felicitación por su 20 aniversario y el éxito de su fiesta del pasado 10 de octubre. ¡Ahora a por veinte años más! (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@AfriDeLarge No pensaba que me fuera a alegrar tanto ver a Gerard Way en la portada de @RockZone. @silargu Portadaza, @RockZone, por el artista y porque es bonita de verdad. @13elena_ Ahora me arrepiento de que @RockZone no haga entrevistas en papel por la pedazo de portada de este mes. Gran portada, mejor entrevista. @leurii La @RockZone de octubre empapelaría mi habitación si fuese en formato papel. @pabsensi ¿Un 78 a Yob y a Earth? Pero si es del mejor doom que ha salido en todo el año, y ya es decir. D: @Fan2_Puk2 ¡Buena entrevista a @newfoundglory en la nueva @RockZone!

Os paso una foto con mi ídolo de juventud Rob Zombie en su última gira por aquí, en Barcelona. Mereció la pena la espera en su hotel para conseguir la foto. (ÓSCAR CASELLES)

@hardpressure ¡Me acaban de tocar unas Arnette muy pepino! Mil gracias a @RockZone. @FRCarlos De camino a ver el preestreno de Sonic Highways en el cine gracias a @RockZone. Yes!

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

LA COLUMNA DE ASSAF ¿Habéis visto los panderetas ésos del Bandera Negra? Vaya mangantes… No sólo dan chapas infumables por radio, que además ahora piden dinero para completar la ‘gesta épica’ de ‘mostrarnos’ cómo es la ‘escena’ ‘hardcore’ en cada rincón de este país en formato audiovisual. Os lo explico yo mucho más fácil, sin pediros dineros ni hacer lamentables vídeos. Una definición en Google: “Grupo social o profesional integrado por personas especialmente destacadas o conocidas públicamente”. Eso significa implícitamente que en toda escena hay cabecillas visibles y la parte silenciosa, los guapos y los feos, y en fin, un montón de chupavergas que miran más los parches que uno lleva en la chupa o que lucen un tatuaje nuevo cada vez que se quitan el jersey. Amigos, las escenas apestan, igual que tus gayumbos sucios porque te limpias mal el ojal y siempre dejas palominos, pero por desgracia, son necesarias para que haya shows, fanzines, bandas, peleas en los conciertos... Así que ya sabeis: todos a poneos parches, comprar merch en los bolos... apoya la escena local y todas esas muvis, que sin vosotros, los singermornings de Bandera Negra no tendrían a quién comerle la olla. ¡Esta vez, el ‘jódete’ va para Pau Navarra! (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra TASTE OF TRUTH

MARASME

RAPGENOMA

Blindfolded

De Llums I Ombres

Una Vida Es Un Intento

(AUTOEDITADO)

Con sólo un año de vida, Taste Of Truth ya presentan su primer EP bajo el título de Blindfolded. Lo que estos madrileños nos ofrecen son cuatro temas de metalcore algo manido, aunque no huyan de ciertas partes que rozan el deathcore más brutote. La ejecución es impecable, el batería David, el bajista y guitarra Sergio y el versátil vocalista Kan saben muy bien lo que se llevan entre manos, pero como acostumbra a pasar en este estilo, y no sólo en este país, sino en el mundo entero, es que todo es demasiado previsible. Se podría hacer un esquema de las estructuras de cada canción a ciegas y tras escucharlas luego veríamos que encaja a la perfección. ‘White Sheep’ escapa un poco de ello y, sobre todo, donde se les ve más cómodos es cuando tiran de down tempos pesadísimos, caso del de ‘Failure Is Inside You (Don’t Ever Let It Show)’, muy Thirteen Bled Promises, o el de ‘Worm VS Spider’, con un breakdown que te aplasta con ganas para luego despegar en un fugaz sprint final. Esta escena necesita un buen lavado de cara y, sobre todo, gigantes dosis de imaginación, aunque Taste Of Truth parecen tener la suficiente pericia para exprimirse mucho más la sesera en la próxima ocasión.

Marasme practican un poco de todo y todo lo hacen muy bien. Es una formación muy acorde con los tiempos que corren, para entendernos. Para empezar, ejecutan con crudeza un afectado ‘post de todo’ (hardcore, metal, rock…) con sludge, y en finales como el de ‘Metamorfosi De La Inèrcia’, hasta de black metal en una línea Wolves In The Throne Room. A través de minutajes más que generosos, con todas las canciones superando de largo los cinco minutos y llevándose la palma la final ‘La Caiguda Dels Ídols’ con más de 13 y medio, estos mallorquines demuestran tener las ideas muy claras y un mensaje más que meditado, sin atender a vacilaciones o medias tintas. Jeroni Sancho se desgañita con el alma, está claro que este hombre siente lo que escupe con rabia durante todo el largo, y desde luego los guitarristas Tomeu Canyelles y Manel Oriol, el bajista Chus Ponce y el batería David ‘Dubi’ Álvarez le acompañan que da gusto en composiciones desgarradas y oníricas. La instrumental ‘Endins’ es todo un viaje, pero las siguientes ‘Aquí Les Ombres Mai No Arribaran’, ‘Absència’ o ‘L’Horitzó Per Destí’ tampoco es que sean medianías precisamente… Bello desasosiego. Chapeau, Marasme.

Para Rapgenoma son tan importantes las rimas como la instrumentación que las acompañan. Básicamente no adornan sus rapeos sólo con bases pobres o a través de los típicos bombo-clap facilones, vamos. Por ejemplo, en la primera ‘Frases Como Piedras’ te asalta un tema funk en toda regla de bajo subido, con ciertos arreglos espaciales de lo más sorprendentes de la mano del encargado de sintes y teclados Dive Dibosso, pero en cambio en la siguiente ‘Cárcel De Papel’ es más bien el rock liviano el que toma el mando. En ‘Enemigos’ la guitarra de Toni Medialdea toma cuerpo e incluso se permite un punteado, mientras que en ‘Necesidad’ hay algo de reggae. Luego en ‘Dejando Rastro’ Alessandro Venosa vuelve a salirse a las cuatro cuerdas, para que en la diferente ‘Proverbios’ casi aparezca un riff Rage Against The Machine en una de sus muchas caras. Lo que no varía en ningún momento son las aportaciones al micro de los MC’s Chivo y Rubenladen, todo lo certeras y elocuentes (‘Politimierda’) que uno podría esperar en un trabajo de estas características. Los aficionados a formaciones como Beastie Boys, Falsalarma o Sólo Los Solo seguro que encuentran aquí buenos momentos que disfrutar.

https://tasteoftruth.bandcamp.com/releases

http://marasme.bandcamp.com

www.rapgenoma.es

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INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_INYOURFACE “Creo que todas las bandas buscan un sonido propio, pero muy pocas son las que lo consiguen” ADRIÁN SÁEZ

FORMACIÓN: Lucas Megías (voz), David Puerta (guitarra), José Miguel Mingorance (guitarra), Javier Rodríguez (bajo), Adrián Sáez (batería) PROCEDENCIA: Dúrcal (Granada) AFINES A: The Ghost Inside, Parkway Drive, Heights PRESENTAN: Arctic // Antarctic (Blood Fire Death)

INYOURFACE

uchos músicos olvidan que antes que saber tocar un instrumento, componer buenos temas o tener un buen directo, lo más importante para un grupo es tener algo que decir. Los granadinos Inyourface lo tienen. Su metalcore de nuevo cuño llega con un mensaje ecologista que invoca a la protección de los océanos y la naturaleza. “Sinceramente, creo que todo esto empieza a coger forma el día en que yo me dedico a estudiar temas medioambientales”, explica el vocalista Lucas Megías sobre el origen de sus inquietudes. “A partir de ahí se abre un abanico muy grande a la hora de empezar a trabajar las letras. En ese momento me dije ‘¿Y por qué no enfocarnos en temas naturalistas y medio ambientales si realmente lo sentimos?’”. En el caso de Inyourface, además, su concienciación no se queda solamente en los temas de su debut Arctic // Antarctic, sino que también se concreta en su membresía de la organización Sea Shepherd, de la que también forman parte bandas como Architects, Gojira o Vita Imana. “A día de hoy participamos en campañas publicitarias y eventos que se organizan con el fin de dar a conocer lo que está ocurriendo con nuestros océanos”, cuenta el bajista Javier Rodríguez. “Obviamente esto se produce a raíz de ser voluntarios de tierra de Sea

Shepherd España. Cualquiera de vosotros también podéis serlo”. El grupo empezó su andadura hace seis años cuando estos amigos del barrio prácticamente no sabían ni tocar un instrumento -“Digamos que fue a raíz de crear el nombre cuando empezamos a aprender a tocar. Puedo decir a día de hoy que sin Inyourface no se me hubiese ocurrido nunca el ponerme a dar gritos”, admite Lucas-, así que el proceso hasta llegar al sonido que encontramos en su primer álbum no ha sido fácil. “Hemos pasado por muchas fases para llegar a ello”, cuenta Javier. “Cuando empezamos no teníamos un estilo definido, prácticamente solíamos guardar todo lo que se creaba para poder tener algo que mostrar en directo. A medida que pasó el tiempo fuimos viendo que Inyourface tenía que centrarse en algo compacto y con cohesión, que ya no bastaba con crear, fue cuando empezamos a guardar muy pocas cosas de las que componíamos, tirábamos canciones a la basura directamente”. A raíz de grabar el single ‘Océano Del Odio’ en 2012 y de la entrada de José Miguel como guitarrista, todo fue creciendo exponencialmente, pero como es natural, la banda se encontró con problemas más mundanos antes de poder grabar con el productor

Alex Cappa. “Principalmente, la mayor dificultad fue el tema económico”, dice José Miguel. “Afortunadamente nos rodea gente que nos quiere mucho y nos han sido de gran ayuda para conseguir lo que hoy es Arctic // Antarctic. También dar con el sonido, ya que todos teníamos muy claro en nuestras mentes cómo tenían que sonar los temas y a veces eso te juega una mala pasada. Finalmente todos hemos quedado muy satisfechos con ello”. El álbum cuenta con las colaboraciones de Igor, vocalista de Dawn Of The Maya, en el tema ‘Homo Sapiens’, así como del pianista Germán Prieto y el violinista Pablo Iglesias, quienes contribuyen a darle una mayor personalidad. “En nuestro caso no intentamos copiar a ninguna banda y eso creo que se ve reflejado en el disco”, apunta Lucas. “Tenemos influencias de muchas formaciones diferentes, las cuales creo que enriquecen nuestra forma de crear las canciones. A mí por ejemplo me encanta Touché Amoré y a Adri le encanta Gojira, las cuales son bandas muy dispares que nos aportan gran variedad de sonidos”. Por su parte, el propio batería Adrián Sáez considera que la búsqueda de lo propio no significa necesariamente olvidar de dónde vienes. “A veces sí que nos hemos planteado crear algo que nos diferencie del resto de bandas, pero esto implica deshacernos de muchas de nuestras influencias más directas. Por tanto, siempre dejamos a un lado el querer ser diferentes y nos centramos en hacer realmente lo que nos gusta y sentimos. Creo que todas las formaciones buscan un sonido propio, pero muy pocas son las que lo consiguen”. El tiempo dirá si Inyourface son una de ellas.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

EL CORAZÓN DE LAS TINIEBLAS Joseph Conrad, ilustrado por Abraham Cruzvillegas (SEXTO PISO)

l marfil, el precioso y preciado marfil. Ni

exploraciones

científicas, ni misiones evangelizadoras, ni hostias en vinagre: lo que organizaban en el siglo XIX los europeos en África eran grandiosas

tiene el poder de encantar o de aterrorizar a las almas rudi-

operaciones comerciales para saquear colmillos de elefante.

mentarias de las tribus africanas e inducirlas a ejecutar aquela-

Joseph Conrad lo vivió en primera persona, concretamente en

rres en su honor. Pero el viaje tiene lugar a través del corazón

el Congo belga, y dejó constancia de su traumática experien-

de las tinieblas, un territorio inhóspito excepto para los indíge-

cia dando forma a una novela corta. El Corazón De Las Tinie-

nas que viven en sus chozas: “Estábamos incapacitados para

blas no es que sea una obra autobiográfica como tal, pero

comprender cuanto nos rodeaba. Pasábamos como espectros

el autor nacido en Polonia se inspiró en sus propias vivencias

perplejos a través de la noche de los primeros tiempos, por

a bordo de un barco de vapor que surcaba las aguas del río

una era perdida de la que a duras penas quedaban señales.

Congo. Así, el marinero Charles Marlow tiene una misión que

La tierra parecía otro mundo”. El desgarrado relato de Conrad

cumplir: encontrar al señor Kurtz, un hombre poco común que

arroja pues más luz sobre el expolio del África negra.

MARCOVALDO Italo Calvino, ilustrado por Alessandro Sanna (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

e vivir en la épo-

volvió a sentir una oleada de la impresión que lo embargara

ca actual, Mar-

cuando llegó de joven a la ciudad y aquellas calles, aquellas

covaldo sería un

luces lo atraían. Entonces lo invadió la tristeza de tener que

currante pringao. Así es, el

regresar allá abajo y descifró en el grumoso paisaje la sombra

personaje de estas historie-

de su barrio: le pareció un páramo estancado”. Como válvula

tas, escritas por Italo Calvi-

de escape, Marcovaldo busca las manifestaciones de la na-

no entre 1952 y 1963, es

turaleza dentro de la jungla de asfalto: setas, nieve, pájaros,

un peón de almacén que

flores, el río, el bosque, las estrellas, etc. Haciendo uso de

sobrevive en la ciudad in-

una estructura narrativa de lo más simple, Calvino nos invita

dustrial con su mujer y sus seis hijos hacinados en un cuchitril.

a reflexionar sobre la vida urbana a lo largo de las distintas

A pesar de todo, se muestra propenso al optimismo y deja

estaciones del año, introduciendo incluso varios alegatos anti-

entrever un fuerte punto de inocencia en su comportamiento, lo

consumistas. Un libro necesario que se ve reforzado por unas

que no quita que estos veinte relatos estén impregnados de me-

deliciosas ilustraciones de trazos aparentemente sencillos pero

lancolía: “Ascendieron hasta la cima de la colina. Marcovaldo

efectivos al 100%.

Dragon Fall Ultimate Edition

Álvaro López y Nacho Fernández

La novia y la ladrona Sergio Bleda y Rakel

Breve historia del... CÓMIC Gerardo Vilches (Nowtilus)

(Kiss Comix, La Cúpula)

(Dolmen)

Dragon Fall fue un fenómeno editorial sin precedentes en nuestro país. A mediados de los años 90 la parodia macarra del manga y anime que arrasaba en todo el Estado era producida por Álvaro López y Nacho Fernández, dos jóvenes autores que empezaban en la industria con su primera obra, publicada entre 1995 y 1999. Ahora, sus 57 números -más los extras y especiales- se reeditan en formato tomo con siete números cada uno, añadidos de los autores y mostrando toda su vigencia referencial y efectividad cómica. SG

La Blogosfera Bastien Vivès (Diábolo)

Este autor francés, conocido en España por obras como El Gusto Del Cloro o Ellas, despierta todas mis simpatías (e instintos más zafios) con tomos como el presente La Blogosfera, continuando la estela de los anteriores Videojuegos, Familia y Amor. Gags desternillantes sobre internet, la tontería supina y el mundo onanista en el que se mueven los nuevos autores de cómic. Carga las tintas hacia su hábitat local, pero las bromas pueden exportarse a cualquier rincón del sector y ponerle caras propias. SG

Menos mal que aún hay espacio en las librerías para los cómics pornográficos. Publicadas en la extinta Kiss Comix en los 90, La Novia Y La Ladrona y Hot Rockets, las dos historias de este tomo, fueron serializadas en dicha revista, contando con el trabajo de Sergio Bleda y Rakel; ahora son recuperadas para todos los amantes de la mezcla de géneros bufa, del gag lleno de fluidos y de formas por completo sensuales. Como con un buen clip porno, acompaña la lectura de una caja de pañuelos. SG

Libro de referencia ya sea para gente versada en la materia como para neófitos. Gerardo Vilches, historiador y crítico, hace un recorrido por todas las décadas, escuelas, corrientes, autores más influyentes y géneros definitorios. Planteado como un paseo agradable, comenzando desde las primeras tiras de prensa hasta la actual corriente de novela gráfica, sus 300 páginas recopilan un buen puñado de puntos de guía con los que comenzar a conocer este maravilloso mundo. SG

Los héroes están muertos

Analectas, el manga

VV. AA.

Confucio y East Press

(Dolmen)

(Herder)

Monografía dedicada a varias series televisivas nacidas en el siglo XXI. Con la premisa del ‘héroe y villano post 11-S’, los diferente ensayos que dan forma al tomo analizan las figuras arquetípicas en series como Fringe, Breaking Bad, Homeland o Mad Men desde un punto de vista político en unos casos, semiótoco en otros, dando como resultado una lectura completa y compleja sobre algunas de las series más importantes de los últimos diez años. Lectura imprescindible para seriófilos o regalo con el que no fallarás seguro. SG

Cada vez que sea necesario diremos lo interesante que es la propuesta manga de East Press en la que adaptan clásicos del pensamiento a este formato y enfocado a un público que tan pronto pueden ser disfrutado por la chavalada como por adultos con ganas de anotar unas cuantas píldoras. Los diálogos del maestro con sus alumnos se muestran en este tomo adaptados al siglo XXI para conocer un poco de los pilares del C y editado con el cuidado al que Herder Editorial nos tiene acostumbrados. SG 17

TOI’S IN THE ATTIC MALCOLM YOUNG, WE SALUTE YOU

uando en abril AC/DC anunciaron el cese temporal de la actividad de Malcolm Young a consecuencia de su delicado estado de salud, la noticia supuso un duro golpe para toda la comunidad rockera. Tras 40 años de carrera a sus espaldas, es fácil que tendamos a ver a miembros de un grupo de esta envergadura casi como a superhéroes, envueltos en un cierto halo de inmortalidad gracias a su vitalidad musical, puesto que para muchos de nosotros estos personajes han estado siempre presentes en nuestras vidas. Pero esto, como ya sabemos todos, no es más que una ilusión; nadie es inmune al paso del tiempo, ni siquiera los Stones, y cada vez es más frecuente que los protagonistas de las necrológicas sean músicos a los que respetamos y admiramos. Con respecto a Young, todas las noticias relacionadas con su estado se han convertido en un torrente de pesimismo y negatividad, anunciándose un nuevo álbum y otro tour sin contar con el guitarrista, hasta que hace unos días finalmente

explotó la bomba: Malcolm Young tiene demencia y ha sido trasladado a una residencia para recibir cuidados y supervisión porque es incapaz de valerse por sí mismo. ¡Qué horror! Días antes de tan triste comunicado los medios filtraban que el guitarrista es incapaz de recordar cómo tocar un instrumento que durante tantos años ha sido una extensión de su propio cuerpo y con el que ha creado increíbles riffs tan legendarios que ya forman parte de la historia del rock. ¿Os imagináis la frustración e impotencia de Malcolm y sus seres más cercanos? Hasta para un fan es muy difícil de asimilar. ¿Qué motivación vital puede tener este hombre sabiendo que está abocado a olvidar todo cuanto ha disfrutado y amado, y que nunca va a poder recuperarse? La vida y la muerte, amigos, un asunto jodido y delicado siempre. Ya sólo queda pinchar ‘Let There Be Rock’ a toda hostia alzando una cerveza bien fría, y brindar por uno de los grandes del rock. For those about to rock we salute you! (TOI BROWNSTONE)

TV EYE BASURA I N FORMATIVA

ba a escribir esta columna sobre la nueva temporada de la mejor sitcom de los últimos años, Bing Bang... Pero siempre hay un ‘pero’, después de los sucesos ocurridos por culpa de la mala administración sanitaria en nuestro país y su cínica postura ante los medios de comunicación. Hablando en esta columna de la televisión, el cambio de temática es moralmente obligatorio. Todo lo sucedido en el caso del ébola ha sido propio de una película mala de serie Z, con unos gobernantes ineptos que han querido estigmatizar a una persona, Teresa Romero, afortunadamente ya recuperada, que no tuvo acceso a la información adecuada en un caso de semejante magnitud de peligrosidad. Ver por la televisión la cara de Javier Rodríguez, el consejero de Sanidad en Madrid, nos dejaba como país de países del primer mundo en lo más bajo del escalafón. El personaje en cuestión, que acusó a Teresa Romero de mentir, debería dimitir, en vez de darse masajes a sí mismo con una desvergüenza escandalosa. ¿Cómo este tipo pue-

de ocupar semejante puesto? ¿Y encima lo quieren premiar? ¿Por qué tantas personas confiaron en un partido lleno de putrefacción? Son cuestiones que sólo Mulder y Skully deberían afrontar. Con esto tampoco estoy defendiendo al resto de partidos, que seguramente lo hubieran hecho, en el mejor de los casos, menos mal. Y qué decir de la ineptitud, falta de recursos a la hora de explicarse, de la ministra de Sanidad, Ana Mato, que encima, sería para reírse si no fuera el tema tan serio, le envía un vídeo a Teresa Romero felicitándola por haber superado el terrible virus. No será por su ayuda precisamente. El egoísmo humano no conoce límites, y la realidad es que, de donde surgimos, es donde la pandemia del ébola está causando catástrofes, y hasta que no llega a nuestros países, nos olvidamos del lugar de origen de la humanidad. “¿Es ésta la vida real?”, preguntaba un crío tras una anestesia en un vídeo de YouTube que se hizo famoso hace años. Sí chaval, por desgracia, ésta es la jodida vida real. (IGNACIO REYO)

DE CULTO_THE CHURCH DISCO BÁSICO: Starfish (1988) FORMACIÓN: Steve Kilbey (voz, bajo, varios instrumentos), Peter Koppes (guitarra, varios instrumentos), Marty Wilson-Piper (guitarra, bajo, varios instrumentos), Kim Powerl (batería)

AFINES A: Echo And The Bunnymen, U2, Love And Rockets

i el pasado mes hablamos de unos australianos que consiguieron el éxito masivo, ahora toca hacerlo de otra banda que, aunque efímeramente también triunfó, a un nivel menos espectacular que el de INXS, y que sigue en la brecha firmando obras más que notables. De tendencia entre psicodélica, post punk y pop, se les ha asociado a multitud de estilos. Tanto góticos, como nueva oleros, amantes de la psicodelia, el dream pop y demás tribus de los 80, adoraron a esta banda, que aún mantiene un reducto de fieles seguidores alrededor del planeta y continúa vigente creativamente. Igual que al grupo del arrogante, genial Ian McCullock, la película Donnie Darko hizo recordar a mucha gente la magia de una banda que hacía, y hace, obras de arte con sus melancólicas, melódicas canciones. Under The Milky Way es todo un clásico de los recopilatorios remember, pero si queremos escarbar en una discografía longeva, encontraremos muchísimos más excelentes temas del mismo calibre de misterio y grandeza. Uninvited, Like The Cloud es un ejemplo de la calidad que todavía atesoran en 22

este nuevo milenio, editando discos que nada tienen que envidiar al pasado. Este mismo año van a editar un nuevo álbum, y se ha publicado un tributo de bandas indies españolas reivindicando su legado. Fan acérrimo de ellos era Juan Valdivia, el arquitecto sonoro de Héroes Del Silencio, que tuvo la oportunidad de charlar con su ingeniero de sonido en la grabación de El Espíritu Del Vino. De facto, han publicado dos discos revisitando en clave acústica temas pretéritos junto a algunas nuevas piezas tituladas en español: ‘El Momento Descuidado’ y ‘El Momento Siguiente’. Peleando a la contra y con el carisma melancólico de Steve Kirby, que posee una más que recomendable discografía en solitario, The Church son para una minoría selecta que sabe paladear lo mejor de Oceanía más allá de su excelente garage, Mr. Cave, AC/DC o INXS. Otro valor a tener en cuenta son sus místicas, extrañas letras, que tanto te remiten al debut de The Mission como a Love And Rockets. Veinte álbumes avalan su intachable recorrido. Para amantes de sonidos oníricos y románticos sin remedio. (IGNACIO REYO)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es The New Order de Testament. En 2010 el Big Four del thrash metal (Metallica, Slayer, Megadeth y Anthrax) compartieron cartel en directo por primera vez. Ésos son los cuatro grupos a los cuales se les ha atribuido la popularización de un género hasta límites insospechados. No ha habido otro estilo musi-

cal dentro del metal que haya alcanzado esas cotas, gracias en gran parte a la inmensa popularidad de Metallica. Pero en aquellos tiempos, esos cuatro puestos todavía estaban por solidificar. Había la posibilidad de ampliarlo hasta una quinta banda. Había un montón de formaciones luchando por esa quinta plaza, pero por desgracia no había los fans suficientes como para poder apoyar a otro grupo de la misma manera que lo hacían con Metallica, Slayer y Megadeth (la inclusión de Anthrax siempre ha estadio abierta a debate). Para los verdaderos fans del género, como yo, era bastante desalentador que la gente no

profundizara y no fuera más allá de lo que les ponían delante. Aun así, era divertido especular sobre quién se merecería esa quinta corona. ¿Eran Exodus u Overkill los escogidos más obvios? ¿O podría ser algún recién llegado como Death Angel, Sacred Reich o Vio-lence? Cuando Testament editaron su segundo álbum, The New Order, en 1988, no había duda en nuestras mentes que ellos era los escogidos. De hecho, recuerdo cómo muchas revistas los llamaron ‘los nuevos Metallica’. Un gran cumplido para una banda que apenas habían dejado de ser teenagers. Todas las alabanzas estaban justificadas. El álbum era una bestialidad. Era difícil de creer que Chuck Billy fuese el sustituto de su vocalista original, Steve Sousa, cuando éste decidió unirse a Exodus. Y ahí estaban superando a la mencionada banda. Billy había ganado toda la confianza del mundo como cantante y frontman y, al igual que hacían

Hetfield o Araya, hacía que la gente sintiese que había valido la pena pagar hasta el último centavo. Canciones como ‘Trial By Fire’, ‘Into The Pit’, ‘Disciples Of The Watch’ y el tema título eran motivos para ganarse hasta al thrasher más exigente. Conforme ha ido pasando el tiempo, The New Order se ha posicionado en lo más alto si lo comparamos con algunos de sus contemporáneos o con nuevos discos hechos dentro de este revival thrash. De todas maneras, ese revival ha jugado a su favor, y la renacida popularidad que están disfrutando ha hecho que sus nuevos discos Dark Roots Of Earth y The Formation Of Damnation tengan un lugar preferente en su discografía. ¿Puedo apuntar que éste no será el último disco de Testament que pondré en mi Hall Of Fame? Dadme unos años y casi puedo garantizar que The Formation Of Damnation encontrará su lugar dentro de este Hall sagrado. Nos vemos, DANKO JONES

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA PERDIDA

LOCKE

GONE GIRL BABY GONE

ejos quedan los tiempos donde David Fincher tenía que agachar la cabeza y bajarse los pantalones (Alien 3, 1992) o su primer hitazo, uno de esas películas que reinventan un género y provocan una epidemia de subproductos más letales que el asesino de su Seven (1995), de la que se cumplirán veinte años en 2015. A partir de entonces, el director pudo dedicarse a realizar lo que le viniera en gana, y así parió el divertimento The Game (1997), la importantísima El Club De La Lucha (1999) y la simpática La Habitación Del Pánico (2002), con la que puso punto final a una primera hornada de productos taquilleros y pegadizos, además de unos recursos estéticos de primer nivel. Con Zodiac (2002) demostró que su ambición y su enorme clase no tenían límite, así que cogió aire con El Curioso Caso De Benjamin Button (2008) para volver a rodar otro El Padri-

MANOS A LA OBRA

no como el del asesino del zodíaco con La Red Social (2010), donde repetía los aciertos de Zodiac y convertía la creación de la red social más popular del mundo en una epopeya como El Padrino 2. Aunque Millenium (2011) tenía su gracia, Fincher empieza a sentirse cómodo en el terreno de la adaptación, algo que indudablemente limita la creatividad de un hombre con una visión tan poderosa. Perdida (2014) no elimina esa sensación. Es más, la acentúa. Y con eso no estoy diciendo que se trate de una mala película. Al contrario. Perdida es una película estupenda. Es oscuramente divertida, tiene una hermosa fotografiada helada y una banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross extraordinaria. Pero también es la película menos vigorosa de su director, que opta por utilizar los mismos mecanismos que el (sensacional) libro de Gillian Flynn, también guionista, dejando una sensación de falta de impacto realmente alarmante. No es que Perdida (el libro) sea el colmo de la originalidad, pero bien es cierto que lograba crear algún shock al lector que pasaba página, algo que al espectador que va de escena en escena puede resultarle algo forzado por instantáneo. Dos horas y media que duran un suspiro. Fincher ha vuelto a inventar otro estilo de cine: el ‘telefilm deluxe’. Qué cosas, ¿eh?

tado final de Locke, la intensa peripecia de un fulano de la construcción que tiene hora y veinte de viaje al más profundo de los abismos. Austera pero dinámica, con una jugosa colección de planos desde el interior del coche de su protagonista, Locke corre por nuestro cerebro al igual que el vehículo, sin frenos y hacia el caos existencial.

n un mundo perfecto, Manos A La Obra, la inolvidable telecomedia protagonizada por los inmensos Carlos Iglesias y Ángel de Andrés López, habría pertenecido a alguna cadena norteamericana de la época y habría incluido colaboraciones importantes detrás de las cámaras. Por ejemplo, el Michael Mann de hace unos años, el que aún tenía sentido del humor, podría haber rodado un impactante episodio ‘en directo’. El resultado de esa hipótesis tan loca se parece mucho al resul-

El infierno personal de un mal hombre bueno contado a través del manos libres de un brillante Tom Hardy que, además de hacernos sufrir (ojo a la secuencia en la que uno de los personajes al otro lado del teléfono narra una jugada de un partido de fútbol), también es probable que nos contagie el resfriado. Probablemente, la mejor de las películas sobrevaloradas del año, un chapuzas en casa desde Black Mirror con la intensidad de un Martin Scorsese en espacios reducidos para narrar, al igual que en Perdida (aquí al ladito la tienes), una cosa más propia de una buena sobremesa televisiva.

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> SÔBER INTERPRETAN ‘NÁUFRAGO’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

ôber están de celebración de sus veinte años de carrera. A finales de septiembre publicaban un doble DVD y doble CD en el que se recogen dos de sus mejores conciertos: uno correspondiente al de la gira de Morfología en la sala Cats y otro de la de Letargo en La Riviera. Los madrileños han estado presentándolo en las últimas semanas con distintas sesiones de firmas y shows acústicos, y durante su parada en Barcelona, tuvimos el honor de que Carlos Escobedo (voz, bajo), Jorge Escobedo (guitarra), Antonio Bernardini (guitarra) y Manuel Reyes (batería) se acercaran a nuestra redacción para interpretar su tema ‘Náufrago’. Este mes el grupo tiene programados cinco conciertos más en los que seguirán presentando su último trabajo de estudio y segundo desde que volvieran a reunirse. “Por un lado te lo tomas con más responsabilidad por ser el séptimo disco de una banda, con lo cual es una trayectoria muy larga de veinte años. Y después te lo tomas como el segundo disco de una nueva etapa”, nos decía

Jorge en la entrevista que les realizamos a la salida de Letargo. “Después de un reencuentro como el que ha sucedido, con la incorporación evidentemente de Manu Reyes, pusimos el listón muy alto con la nueva entrega de esta segunda etapa y tenemos que estar a la altura. Así que sí que hay esa presión, pero también esa seguridad de que el grupo se va a superar, va a evolucionar y va a hacer cosas en las que realmente se sienta a gusto. Sin ningún tipo de complejo, yo creo que estamos viviendo una etapa muy buena”. Preguntados si estilísticamente lo veían como una continuación del anterior Superbia, Carlos Escobedo decía: “Sí que hay cosas que conectan con el anterior, pero creo que ahora hemos intentado arriesgar un poco más. Tanto a nivel de composición como de producción. El concepto de canción lo teníamos muy claro, pero creo que hemos dado rienda suelta a la parte más instrumental que llevamos dentro, que eso es muy importante. Cuando te marcas unas pautas para una canción, es difícil salirse de ahí, pero ha habi-

do partes a las que le hemos añadido una vuelta más porque la estábamos disfrutando y nos apetecía desarrollarla instrumentalmente. Lógicamente puede recordarte a Superbia, lo raro sería lo contrario, porque forma parte de nosotros. Pero la experiencia que hemos adquirido en estos tres años nos ha llevado a dar un paso más maduro como banda”. Dado que en este doble directo se incluye un show de Morfolgía y que el grupo ofreció conciertos conmemorativos de éste, vale la pena recordar la importancia que tuvo no sólo en su carrera, sino en todo el panorama nacional. “Marcó un antes y un después en lo que se hacía aquí en cuanto a rock español”, recordaba Carlos. “Era diferente a lo que estábamos acostumbrados. Nosotros buscábamos un punto más romántico de entender el rock. Mucha gente nos ha comentado que gracias a ese disco empezaron a escuchar rock español y de repente oír una banda con este tipo de concepto les abrió a la hora de escuchar música nacional”.

IRON REAGAN

La mala política suele dar como resultado buena música. Quizá por ello durante los años de presidencia de Ronald Reagan, el hardcore americano escribió algunas de sus mejores páginas. Iron Reagan recuperan el espíritu combativo, y también desenfadado, de esa época en su nuevo disco The Tyranny Of Will. Texto: DAVID GARCELL

l 30 de marzo de 1981 el presidente de Estados Unidos Ronald Reagan era herido por los disparos de un demente -o de alguien muy cuerdo

Foto: DR

según se mire- obsesionado con la película Taxi Driver a la salida del Hotel Hilton en Washington D.C.. Tony Foresta, a quien conocemos como vocalista de los thrashers Municipal Waste, tenía 5 años cuando

sucedió el atentado, y según reconoce, apenas recuerda nada sobre el suceso. “Probablemente estaba viendo a los Muppets o alguna mierda así en la tele”, dice riendo. Reagan sobrevivió, pero las con-

“Odio cuando los grupos te pegan el sermón y parece que te miren por encima del hombro. No quiero escuchar bandas así” TONY FORESTA

secuencias de su nefasta política, tanto a nivel interior (la deuda nacional, la gestión del SIDA…) como exterior (Irán, Nicaragua…) se dejarían notar durante décadas. Probablemente, hasta nuestros días. Por ello no sorprende que su nombre sirviera de inspiración para la banda que Foresta inició en 2012 junto a su amigo Ryan Parrish, por entonces batería de Darkest Hour. “Originariamente se montó como un proyecto para que Ryan y yo nos divirtiéramos, poder estar juntos y tocar a nivel local”, explica acerca de la idea inicial que tenían. “Creo que todo cambió cuando nos juntamos todos en el local y vimos que teníamos entre manos algo bastante interesante”. Ese ‘todos’ incluye a los guitarristas Phil Hall (también en Municipal Waste y Cannabis Corpse) y Mark Bronzino, y al bajista Rob Skotis.

A pesar de estar ocupados con sus otras bandas, los dos últimos años han sido muy activos para Iron Reagan tanto en el estudio como en directo, editando un primer álbum, Worse Than Dead con A389 Recordings, un split con Exhumed, y recientemente The Tyranny Of Will, que supone su debut para Relapse Records. “Diría que por ahora este grupo es nuestra prioridad”, admite Foresta. “Hemos trabajado muy duro para poder compaginarlo todo. Me encanta este disco, así que quiero asegurarme de que llegue a la gente para que lo escuche. No creo que las expectativas hayan subido por haber fichado por Relapse, pero creo que lo están haciendo genial. Son gente muy guay y nos están ayudando en muchos campos”. The Tyranny Of Will fue producido por el propio grupo y grabado en los estudios Blaze Of Torrent de Richmond, Virgina, su ciudad natal, después de haber estado cuatro meses componiéndolo. “Todos estábamos desperdigados girando y viajando. Escribimos muchos riffs y letras en la furgoneta. La grabación moló porque lo grabamos todo con Phil, así que fue una experiencia más relajada de lo habitual en el estudio. Con mucha menos prisa. Luego mandamos los temas a Kurt Ballou de Converge para que los mezclara. Me encanta lo que hizo. De los discos en los que he tocado éste es mi favorito en cuanto a sonido”. Para promocionarlo la banda lanzaba hace unas semanas un cachondo vídeo para el tema ‘Miserable Failure’ en el que aparecen haciendo cameos miembros de Red Fang, Toxic Holocaust y Mudhoney. “Todo

fue idea del director Whitey Mcconnaughy”, explica. “Él lo arregló todo. Acabamos una gira y nos metimos en un avión sin dormir y cruzamos el país para filmarlo. Estuvimos filmando durante tres días, doce horas cada día. Estábamos muy cansados, pero mereció la pena. Lo pasamos muy bien y estamos encantados con cómo quedó”. Escuchando las ráfagas de trallazos que Iron Reagan lanzan desde sus discos es evidente que el grupo no oculta que sus influencias provienen directamente de la escena crossover de los 80 y los 90. “Adoro a The Accused, No Mercy, Agnostic Front, Suicidal Tendencies, los antiguos C.O.C. y Poison Idea”, dice Foresta preguntado por sus bandas favoritas de esa época. “Todas ellas son duras pero tienen un aire punk. Tienen una cierta energía y agresividad de la que disfruto mucho”. Es curioso, porque algunos de esos grupos tenían letras políticas pero a la vez, también tenían un rollo festivo. ¿Es eso lo que querían conseguir con Iron Reagan? “Desde luego quiero que estas canciones tengan más mensaje que las de mi otra banda”, afirma el cantante, “pero quiero que llegue de una manera más ligera que la mayoría de bandas políticas. Odio cuando los grupos te pegan el sermón y parece que te miren por encima del hombro. No quiero escuchar bandas así. ¡Y no olvidemos que, además de lo terriblemente mal que lo hizo, Reagan era un actor de mierda!”. Suerte tiene Foresta de no conocer a Toni Cantó...

Objetivo: la luna

WEEZER

orniamo all’antico e sará un progresso’ (‘Volvamos a lo antiguo y progresaremos’). Con una cita atribuida a Giuseppe Verdi como declaración de intenciones firmaba Rivers Cuomo el interior del libreto de su tercer trabajo, Weezer (The Green Album) en 2001, después de casi cinco años ausente. Una desaparición forzada por el fracaso cosechado entre público y crítica por su anterior esfuerzo, Pinkerton (1996), la marcha 26

a Europa del carismático bajista Matt Sharp para centrarse definitivamente en los Rentals y, sobre todo, el bucle de dispersión, depresión y aislamiento en el que entró un Rivers exiliado en Boston una vez abandonados los estudios universitarios que había iniciado en Harvard sólo un año antes. Las circunstancias dejaban a Weezer en un limbo agónico del que nadie tenía particular interés en sacarles, ni público, ni prensa, ni siquiera ellos mismos. Contra todo pronóstico fueron

los mismos ejecutivos que estaban descuartizando lo que había sido el sello discográfico alternativo de referencia en los 90, Geffen, los que finalmente decidieron mantener en sus filas al grupo. La realidad es que Weezer eran de los pocos grupos de su generación que seguían dando beneficios, no sólo por su homónimo y glorioso primer álbum de 1994, sino también por el denostado Pinkerton que a finales de la década ya se había convertido en un disco de culto, un referente para

No es accidental. Cuando se cumple el 20 aniversario de aquel primer disco con el que revivieron una escena alternativa deprimida por los efectos secundarios del grunge, Rivers Cuomo y sus Weezer vuelven para recordarnos que ‘todo estará bien al final’. Un disco que significa una vuelta a los orígenes y un paso hacia adelante, una promesa que el propio Rivers desmenuza para RockZone desde su estudio en Los Ángeles. Texto: JOSÉ RUEDA Fotos: DR

muchos de los grupos de la segunda ola emo (de Dashboard Confessional a The Get Up Kids, pasando por Saves The Day o The Ataris), y que con el tiempo terminaría vendiendo casi un millón de unidades. Así que, cuando a las puertas del nuevo milenio Cuomo despertó del letargo y decidió reunir a la banda sin Sharp, fichar a un nuevo bajista, Mikey Welsh, y empezar a dar conciertos en salas pequeñas tocando versiones de Nirvana y Oasis bajo nombres ridícu-

los como Goat Punishment, Fried Air o Southern Fried Wing, la discográfica no tuvo demasiados problemas en dar una nueva oportunidad a Weezer. Con un buen puñado de canciones nuevas en el bolsillo y después de reclutar para la causa al brillante productor de su debut, Ric Ocasek, lo siguiente fue entrar a grabar un disco de power pop directo, luminoso y desbordante de hits instantáneos como ‘Photograph’, ‘Hash Pipe’ y la explotada pero aún disfrutable ‘Island In The

Sun’. Distorsión, melodías pegadizas y la intención declarada de recuperar el lugar que por derecho les pertenecía. ‘Torniamo all’antico e sera un progresso’… Y Weezer progresó. Después del disco verde vinieron otros cinco álbumes, su mayor y más olvidable hit (‘Beverly Hills’), un Grammy y otro retorno fallido a los orígenes (The Red Album tras Make Believe), para acabar con un período absolutamente enloquecido en el que Rivers tuvo tiempo de componer con 27

Weezer estrellas del hip hop, tocar junto al inclasificable Kenny G, dejar de lado su icónica guitarra para saltar sobre un trampolín y publicar dos discos repletos de colaboraciones que diluían el talento de Cuomo y concentraban más atención mediática en sus delirantes portadas que en sus logros musicales (Raditude y Hurley). Se podría decir que con aquellos dos últimos discos publicados consecutivamente en 2009 y 2010, Weezer tocaron fondo. Sus letras ingeniosas, los icónicos vídeos musicales, su relación tormentosa con los fans... Todo quedaba reducido a una parodia de lo que habían sido; ya no hacían bromas, ahora la broma eran ellos.

cómplices para el perdón Allí encontramos la génesis de lo que acabaría siendo este Everything Will Be Alright In The End (Republic Records), un disco que resume cuatro años de intensa pelea buscando la redención. Supongo que precisamente por eso hay una pausa prolongada y espesa antes de responder, un silencio casi incómodo al otro lado del teléfono cuando pregunto a Rivers por aquel momento crítico en su carrera. 28

“Bueno, la verdad es que me encantan todos nuestros discos, cada uno a su manera... Pero esta vez queríamos hacer algo diferente en vez de hacer un disco de pop rock sencillo y sacarlo apresuradamente. Esta vez preferimos dedicarle varios años y hacer algo realmente complicado, un clásico, un disco junto al que pudiésemos envejecer”. Una respuesta considerablemente más diplomática y amable que el primer single del disco, ‘Back To The Shack’, la peor canción del trabajo pero también una de las más significativas. Una carta abierta a sus fans en la que Cuomo empieza pidiendo perdón: “Lo siento, chicos, olvidé lo mucho que os necesitaba, pensé que encontraría un nuevo público... Olvidé que la música disco apestaba y acabé solo y sintiéndome estúpido”. Como una versión callejera y aún más explicativa que aquella cita de Verdi en el Green Album que obró el milagro de su primera resurrección. Rivers vuelve a enarbolar la bandera del retorno a las raíces, de la vuelta a los Weezer clásicos, sin excentricidades ni colaboraciones sospechosas con productores de encargo... Y sin embargo, lo hace con un single en cuyos créditos aparece como coescritor

Jakob Kasher, un rapero-productor semidesconocido cuyos mayores logros hasta la fecha han sido canciones de repertorio para Ke$ha, Kyle Minogue o Avril Lavigne. ¿Delirante? Seguramente, pero Weezer llevan veinte años moviéndose cómodamente en el delirio, así que a nadie le sorprendió demasiado cuando, hace un par de semanas, en una entrevista de promoción, Cuomo explicaba que no había nada raro en recurrir a la colaboración de un rapero arbitrario para escribir una de las canciones más personales e intransferibles del disco. “Bueno, Jacob también creció escuchando Weezer, es un fan más... Él también sabe por lo que hemos pasado”. En fin, Rivers Cuomo siendo Rivers Cuomo. Nada más y nada menos. Al margen de ‘Back To The Shack’, el nuevo álbum es brillante, rotundo y honesto, y cumple con casi todas las promesas y expectativas lanzadas. ‘Casi’, porque aunque muchos esperaban un trabajo compuesto exclusivamente por Rivers, lo del single no es casualidad. Hay hasta siete canciones coescritas en el disco, eso sí, con artistas bastante más interesantes: Bethany Cosentino (Best Coast), Patrick Stickles (Titus Andronicus), Brummel y Slegr (Ozma) o, el más inesperado de todos, Justin Hawkins (The Darkness). Sobre el británico, Cuomo confiesa que “En realidad, estaba bastante familiarizado con su música y su forma de escribir. Soy bastante fan de The Darkness pero no había coincidido con ellos, así que no sabía qué esperar de Justin cuando le invité al estudio por primera vez. Resultó ser un tipo encantador, muy educado y muy inglés, y con eso me refiero a que los ingleses tienen una energía muy diferente a la de los americanos”. Es curioso, pero

los créditos compartidos corresponden justamente a las canciones del álbum con el sonido más clásico: ‘Go Away’, ‘Lonely Girl’ o ‘Foolish Father’. Rivers se defiende: “Me encanta escribir canciones por mi cuenta y la mayor parte del álbum lo forman canciones que he escrito sólo yo, pero a veces me gusta juntarme con un músico al que admiro y empezamos a tocar… Y me parece una experiencia divertida, interesante y enriquecedora ver cómo trabajan y cómo escriben. Siento que estamos añadiendo otro ingrediente a nuestra música”.

LOS CRÍTICOS MÁS EXIGENTES Más allá de las colaboraciones, las reacciones al disco han sido muy po-

fan de Weezer si no odias a Weezer”, decía el batería Pat Wilson hace algunos años mientras intentaba explicar la tormentosa relación del grupo con sus seguidores. Una comunidad que durante años mortificó al grupo recordándoles que no estarían satisfechos hasta que no grabasen un disco a la altura de los dos primeros. Y cuando hablamos de Blue Album y Pinkerton, hablamos de dos trabajos incluidos entre los 500 mejores discos de rock de todos los tiempos para la publicación musical más mediática del planeta, Rolling Stone. Ése es el nivel de exigencia de los fans. Una comunidad integrada por un núcleo duro de nerds, sospechosos habituales de los foros de cómics, cine fantástico y videojuegos, e integristas del sarcasmo. Rivers que, harto

“Si vas a Twitter y buscas ‘Weezer’, te encuentras un reguero interminable de gente diciendo cuánto les gusta el nuevo álbum. Es una sensación increíble para nosotros, estamos alucinados, de verdad, no nos lo creemos…” RIVERS CUOMO sitivas. Por primera vez en su carrera, los críticos y los fans han abrazado un trabajo de Weezer de forma casi unánime. “No hemos tenido una recepción como ésta en la vida, así que hay muchos sentimientos nuevos. Si vas a Twitter y buscas ‘Weezer’, te encuentras un reguero interminable de gente diciendo cuánto les gusta el nuevo álbum. Es una sensación increíble para nosotros, estamos alucinados, de verdad, no nos lo creemos…”. En el caso particular de esta banda, conseguir la aprobación de los fans era un desafío bastante más ambicioso y exigente que lograr el visto bueno de la prensa musical. “No puedes ser un verdadero

de ellos, llegó a bautizarlos como “little bitches” durante la grabación del Maladroit (2002), tuvo que ver cómo en 2010 uno de esos fanáticos iniciaba una campaña online con la que pretendía recaudar diez millones de dólares y provocar la ruptura de la banda. Pat Wilson, de nuevo, respondió con sorna: “Si consigue recaudar veinte, hacemos una versión deluxe de la ruptura”. Curiosamente, desde aquel episodio, Weezer han logrado convertir toda la rabia y condescendencia de sus fans en algo tremendamente positivo que trasciende a la típica relación entre un grupo y sus seguidores. Hablan con ellos regularmente en

redes sociales, han resucitado el viejo club de fans que les acompañaba en los 90 y ahora organizan conciertos exclusivos y pases de backstage para los seguidores más dedicados. “Nos sentimos muy agradecidos por haber conseguido una relación tan cercana con nuestros fans. Ellos nos ayudan a definirnos, a saber quiénes somos y cuál es nuestra misión en este mundo. Nos quieren y desean lo mejor para nosotros”. Un cambio impensable que se empezó a gestar hace dos años durante un viaje imposible, el primer Weezercruise.

VOLVAMOS A LO CLÁSICO Con la excusa de promocionar un octavo disco, Hurley, que había sido recibido con frialdad e indiferencia, la banda decidió organizar una gira en 2011 que, bajo el nombre del primer single, Memories Tour, vendiese una idea atractiva para prensa y fans: una serie de conciertos en los que se tocasen los dos primeros discos íntegros, de principio a fin. El éxito de aquella propuesta les animó a coronar la gira con un crucero por el Caribe en el que celebrarían los veinte años de la banda dando tres conciertos. Mirar a los fans cara a cara, entender que estaban de su lado y tocar para ellos aquellas canciones funcionó como una epifanía. El crucero cambió la perspectiva del grupo en general y de Rivers en particular. “Empezamos a hacer los conciertos del Memories Tour y más tarde hicimos el Weezercruise. Estábamos tocando el Blue y Pinkerton rodeados por 2.000 de nuestros mayores fans y eso, de alguna manera, nos colocó otra vez en ese nivel de exigencia, en el punto de creatividad que usamos para escribir aquellos dos primeros trabajos. Así que ahí, en ese 29

punto, estábamos cuando empezamos a escribir este disco”. Rivers entendió que los fans estaban dispuestos a empujarle tan lejos y tan fuerte como fuese necesario para conseguir una colección de canciones a la altura de sus dos primeros álbumes… Y él aceptó el desafío.

WEEZER EXPLICANDO A WEEZER A la vuelta del crucero, Cuomo empezó a trabajar en las nuevas canciones y lo hizo como en los viejos tiempos, a solas, instalado en el garaje de su casa con sus guitarras de siempre y un piano. Pero escribía sin dirección, todo lo que salía de aquellas sesiones resultaba un poco vago, un poco disperso, hasta que tuvo una nueva revelación. Esta vez no fue a bordo de un barco, fue en uno de los retiros espirituales a los que se somete un par de veces al año desde que Rick Rubin le inició en la meditación durante la grabación del Make Believe. “Primero empecé escribiendo las canciones sin saber muy bien lo que estaba haciendo. Tenía pendiente un curso de meditación, 13 días completamente a solas en una habitación. Empecé a meditar y las canciones aparecieron desde el fondo de mi mente, y entonces me di cuenta de que, por debajo de ellas, había una especie de concepto que las unía”. Ese concepto creció y acabó convirtiéndose en los tres bloques temáticos que forman el disco (además de la suite final instrumental) y a los que Rivers se refiere como ‘The Panapticon Artist’ (su relación como artista con los fans, con la industria musical), ‘Bella Donna’ (su relación con las mujeres, un clásico en su discografía) y, por último, ‘Patriarchia’ (su relación con las figuras paternas). Un mundo autobiográfico a 30

tres niveles en el que un Cuomo más maduro expresa sentimientos y pensamientos respecto a los temas capitales de su vida: la música, el amor y la muerte. Pero sin caer en falsas solemnidades ni emociones impostadas. En ‘Back To The Shack’ y ‘I’ve Had It Up To Here’ habla de forma directa el Rivers músico que quiere reivindicarse; en ‘The British Are Coming’, Cuomo utiliza con inteligencia la alegoría histórica para atacar a la industria musical; ‘Da Vinci’, ‘Lonely Girl’, ‘Go Away’ y ‘Cleopatra’ son cuatro maneras de entender el amor, desde la inocencia al desengaño; ‘Ain’t Got Nobody’ es un canto a la soledad y el abandono de alguien que lo ha vivido con especial intensidad; mientras ‘Eulogy For A Rock Band’ lanza una mirada pesimista y existencial a la decadencia de una de sus bandas referenciales, sus ‘padres musicales’ (aparentemente, los Beach Boys); y en la emocionante ‘Foolish Father’, Rivers habla sobre su padre y sobre su propia paternidad. Este álbum está impregnado de la propia vida del grupo, de sus ci-

catrices y recuerdos. En estos últimos años han tenido que superar golpes durísimos, como la muerte por sobredosis del segundo bajista de la banda, Mikey Welsh, o la pérdida hace poco más de un año de la esposa de Pat Wilson. El propio Rivers Cuomo se vio envuelto en 2009 en un terrible accidente de tráfico que hizo peligrar su vida mientras viajaba a bordo del autobús de gira. Notas tristes que han tenido también contrapuntos positivos, como el nacimiento de los hijos de varios miembros de la banda (Pat, Rivers y Scott) o el reencuentro de Rivers con su padre Frank (el mismo del que cantaba en ‘Say It Ain’t So’) después de casi una vida entera separados. El padre, por cierto, se ha convertido en pastor de una de esas excéntricas iglesias baptistas del sur de Estados Unidos y sus vídeos en YouTube no tienen desperdicio. Pero más allá de la anécdota personal, Weezer han acabado siendo el ejemplo más improbable de una banda de rock casi indestructible. “En realidad estamos muy orgullosos de seguir juntos”, co-

“Tenemos que seguir juntos, tenemos que buscar la manera de enfrentarnos a cualquier problema que se nos venga encima” RIVERS CUOMO

menta Rivers con tono firme. “Es muy fácil caer en discusiones, separarse y echar a perder todo lo que has conseguido... Creo que el secreto puede ser que ninguno de nosotros tiene una opción mejor que tocar con el grupo, quiero decir, cuando los cuatro salimos ahí fuera y tocamos, la cosa se convierte en algo verdaderamente especial. Si nos sacas a alguno de nosotros de eso, todo cambia, no funciona... Así que tenemos que seguir juntos, tenemos que buscar la manera de enfrentarnos a cualquier problema que se nos venga encima”, concluye convencido.

UN FUTURO PROMETEDOR La banda está más unida que nunca, por primera vez en mucho tiempo se tratan como amigos y disfrutan pasando tiempo juntos más allá de ensayos, grabaciones y conciertos. Ahora les queda por delante una intensa promoción para la nueva obra. Lo próximo es un pequeño tour por seis ciudades: “El año que viene haremos un tour mundial clásico, en el que tocaremos

una mezcla de nuestros grandes éxitos con una selección importante de las canciones del nuevo disco. Pero primero vamos a hacer el EWBAITE Tour, donde tocaremos el disco entero, del principio hasta el final. Estamos muy emocionados con la idea y sabemos que nuestros fans también lo están”. ¿Pasarán por España después de doce años ausentes? De momento, Rivers deja escapar una risa cómplice a través del teléfono... “Nos encantaría estar por España durante el próximo verano”, y sin tiempo para que celebremos este amago de noticia, Rivers pregunta si la discográfica está promocionando bien el disco en nuestro país, si se habla de ellos por aquí. “Como artistas siempre estamos preocupados de que la compañía no esté promocionando el disco como debe. Nos ponemos bastante ansiosos y les apretamos para que lo promocionen más y mejor… Republic está haciendo bastantes cosas para difundirlo y nosotros estamos dispuestos a hacer lo que haga falta. Sabemos que no le puede gustar a todo el mundo, pero sentimos que hay una gran cantidad de personas a las que les va a encantar y tenemos que estar seguros de que lo escuchen y le den una oportunidad”. La convicción con la que Rivers defiende su último álbum resulta a la vez sorprendente y extrañamente conmovedora, sobre todo para alguien que, como yo, se ha pasado veinte años leyendo y escuchando sus entrevistas, declaraciones casi siempre parcas en emociones y palabras, evasivas, tremendamente inseguras. Rivers habla con una satisfacción especial de las tres piezas semi instrumentales que despiden el nuevo álbum: “Es difícil predecir el futuro, pero creo que

esas tres canciones, The Futurescope Trilogy, definitivamente son una pista de lo que somos capaces de hacer y de lo que nos divierte. Seguro que en el futuro de Weezer hay algo de eso pero también nuevos caminos que explorar y, por supuesto, el clásico sonido Weezer”. Un sonido que la banda ha recuperado en gran parte gracias a la producción (por tercera vez) de Ric Ocasek, como ya hicieron con el disco verde. Probablemente Ocasek es el único capaz de hacer prevalecer su criterio sobre el de Rivers y el propietario de la mayoría de las guitarras que sonaban en el Weezer de 1994 y que vuelven a sonar en este nuevo disco dos décadas después. Rivers Cuomo está rotundamente orgulloso de lo que ha conseguido con Everything Will Be Alright In The End y tiene un plan para defenderlo. Un plan que desliza antes de despedirse con un sonoro “muchas gracias” en perfecto castellano, mientras explica el concepto del vídeo que han rodado para ‘Back To The Shack’. En él, la banda aparece tocando en la superficie lunar. “Bueno, la letra habla sobre una banda, la nuestra, que ha perdido su camino, que perdió su alma y ahora se encuentra perdida en mitad de la nada… Y creo que, en realidad, eso es bastante parecido a estar en la luna. Y mientras tocan allí, se redescubren a sí mismos, sus raíces, su amistad... Y vuelven a rockear mientras la ‘=W=’ gigante se alza sobre la superficie de la luna. En ese preciso instante, entienden que están listos para volver, pelear y reconquistar la Tierra”. Ése es el plan de Weezer. Y la reconquista ya ha empezado.

Con la discreción que siempre les ha caracterizado pese a ser una de las bandas más importantes de la historia del metal extremo, AT THE GATES han ido materializando durante los últimos meses su siguiente episodio discográfico tras el capital Slaughter Of The Soul. 19 años después, At War With Reality hace honor a tan majestuosa trayectoria. Texto: Pau Navarra Fotos: DR

AT THE GATES

OS QUE YA LLEVAMOS EN ESTO unos cuantos años ya sabíamos que At The Gates, y sobre todo su vocalista Tomas Lindberg, no se iban a embarcar a crear un nuevo álbum sin estar plenamente convencidos de que podían brindar una colección de temas a la altura de la leyenda. Desde luego, At War With Reality (Century Media) colmará las expectativas de todos sus fans más acérrimos, pero como siempre, los que piensen que los suecos fueron solamente su obra maestra Slaughter Of The Soul, se van a quedar con las ganas de revivir tan excelsas composiciones en pleno siglo XXI. Este tipo de polémicas estériles siempre empañarán los retornos de las formaciones emblemáticas de cualquier estilo, pero qué quieren que les diga, para mí la música siempre ha sido como cualquier otro campo de la vida diaria… Porque, ¿sería justo exigirle a un cincuentón la misma potencia sexual que podría exhibir un crío de 22 años? Radicalmente no, y salvo contadas excepciones, eso está lejos de ocurrir en muchas bandas resucitadas en los últimos tiempos, por muy dignos que sean los resultados presentados. De hecho, por lo que nos cuenta en esta entrevista Anders Björler, guitarrista de un combo que completan Martin Larsson a las otras seis cuerdas, el bajista Jonas Björler y el batería Adrian Erlandsson, eso ni siquiera se les pasó por la cabeza a la hora de dar continuidad a una discografía que dejaron en el aire hace ya casi dos décadas. Anders simplemente cogió una guitarra y reunió un puñado de canciones que gustaron al resto, y puesto que la maquinaria ya estaba engrasada tras haber vuelto al ruedo

en 2007 para dar conciertos, se marcaron un ‘por qué no’ sin pensar demasiado en las consecuencias, sin que les influyera lo más mínimo el enorme peso que pueda significar para muchos el hecho de ser uno de los máximos responsables del Sonido Göteborg, de la eclosión del death metal melódico a nivel planetario. Como quien no quiere la cosa, con una humildad extraordinaria, Anders Björler nos cuenta cómo dieron continuidad a obras tan sensacionales como The Red In The Sky Is Ours, With Fear I Kiss The Burning Darkness o Terminal Spirit Disease con toda la calma del mundo… Como si fuera tan fácil llamarse At The Gates y publicar ahora tu quinto disco, como si no fueran una banda de infinita influencia todavía a día de hoy. La banda volvió en 2007, y para los fans parecía que estabais muy cómodos tocando sólo en unos cuantos festivales cada verano… Así que, ¿cuándo y por qué decidisteis grabar un nuevo álbum? ¿Qué ocurrió para que tomarais una decisión tan importante? ANDERS BJÖRLER “En efecto, tuvimos el tour de reunión a partir de 2008 y durante un par de años seguidos vimos que algo faltaba, algo creativo, habíamos perdido el crear música juntos como en los viejos tiempos. Eso provocó la decisión de hacer nueva música. El año pasado, en mayo, escribí algo de nuevo material y se lo mandé a Tomas y Jonas para comprobar su reacción, les encantó, y escribimos dos o tres canciones como si ya fueran a ser un álbum, y sonaban genial. No

pasó mucho más, lo hicimos así, tomamos la decisión y ya está. Sólo buscábamos crear música juntos de nuevo”. Cuando volvisteis para tocar en directo, lo hicisteis con el line-up clásico, porque At The Gates siempre han pensado en detalles como éste, ¿verdad? Es importante tener una imagen respetuosa con los fans, vuestro legado death metal… Desde el retorno, el grupo también fue siempre con cuidado a la hora de levantar falsas esperanzas a los fans a la hora de publicar un nuevo trabajo… “Debo decir que no hacemos las cosas teniendo mucho cuidado con lo que la gente pueda decir; hacemos esto o cualquier otra cosa con la esperanza de que luego le pueda gustar a la gente. At War With Reality es lo que somos hoy en día, han pasado casi veinte años desde Slaughter Of The Soul, y creo que éste es aún más thrash que Slaughter Of The Soul de varias maneras. Ha sido un álbum más fácil de realizar que si nos hubiéramos puesto sólo un año después de él a crearlo. Habría sido quizá igual de thrash o más de lo mismo. El nuevo es un poco más dinámico en sus estratos normales… Slaughter Of The Soul fue maravilloso en su tiempo, pero en lo que a mí respecta, fue un poco demasiado directo. No queremos lanzar expectación ahí fuera acerca de lo que hemos hecho. Este disco lo hemos compuesto yo y Tomas, escribiendo el álbum mirando al mundo, es yo y él básicamente. Es una experiencia intermedia, de muchas formas es 33

AT THE GATES como ir en una máquina del tiempo, como ir 25 años atrás. Ése era el sentimiento, algo muy inspirador”. ¿Sentisteis algo de miedo o vértigo durante los primeros días en que empezasteis a componer? “No, porque cuando empecé a escribir no sabía que eso iba a terminar siendo un álbum, simplemente me sentí inspirado y realicé nueva música. Fue cuando tuvimos dos o tres canciones que supimos que íbamos a hacer un disco. No tuvimos miedo, fue todo por diversión, pero casi cuando mezclamos el trabajo. Cuando la suerte estaba echada nos sentimos más nerviosos que actualmente, con todo completado, pero bueno, que eso va incluido en el hecho de publicar. Quizá no nerviosos, pero nos queríamos anticipar… Curiosidad, ésa es la palabra, teníamos curiosidad por conocer la reacción de la gente”. De cualquier modo, con canciones como ‘The Conspiracy Of The Blind’, nadie puede negar que At War With Reality sea un disco de At The Gates, ¿verdad? 34

“No, creo que como mínimo es un disco para todo el mundo, incluso hay arreglos más cercanos a Terminal Spirit Disease y Slaughter Of The Soul pero de hoy en día, de lo que nos gusta del viejo estilo, la forma de trabajar los riffs y la esencia melancólica de las partes musicales. Estábamos inspirados por toda nuestra discografía, y espero que guste a todos los fans de At The Gates de todos los periodos. Hay algunos elementos en cada canción para tratarlo de hacer más variado que Slaughter Of The Soul de varias maneras, siendo más dinámico e intentando ir hacia nuevas formas, intentando aproximar cada sonido de una manera diferente sin tirar de los mismos arreglos todo el rato”. Supongo que para la banda puede ser un problema si algunos metalheads empiezan a comparar At War With Reality con Slaughter Of The Soul, cuando, de hecho, vosotros habéis creado un nuevo álbum sin pensar en esos términos en ningún momento… “No, sólo empezamos a escribir música y no pensamos demasiado

en el pasado. Creo que la esencia ha perdurado porque nos hemos mantenido activos, nos separamos en el 96 y todos hemos estado activos en otras bandas. Yo toqué en The Haunted, Tomas tuvo The Crown, Disfear, todas esas formaciones, Adrian estuvo en Cradle Of Filth… Todo el mundo estuvo ocupado con algo. Eso nos llevó a hacer nueva música e ir hacia adelante, sin mirar nunca hacia atrás. No escuchamos más nuestro antiguo material, buscamos nuevas formas de inspirar a la gente otra vez, porque ahí fuera hay una nueva generación de metalheads, así que siempre hay nuevos fans viniendo hacia aquí. Tratamos de estar activos, de mejorar tanto como se pueda, intentando que siga siendo divertido mientras la gente nos siga apoyando”. Hace unos días Tomas dijo que At War With Reality era un disco 100% ‘vosotros’. ¿Qué quiso decir con esto? ¿Supervisasteis cada movimiento de Fredrik Nordström a la hora de grabar o algo así? “Creo que quiso decir que esto es lo que hemos querido hacer hoy en día, que creamos este disco tras sentirnos inspirados por la nueva música, y que de ahí parte el concepto de las letras. Pienso que Tomas hablaba en términos tanto musicales como de textos. Fredrik Nordström no tuvo un rol específico como productor; él grabó el disco, pero nosotros teníamos todo el álbum completo, toda la banda lo tenía ya hacia enero o febrero. Grabamos aproximadamente hasta junio, es un montón de tiempo, fuimos muy cuidadosos porque teníamos todo ese período, no queríamos que el

estrés afectara ninguna decisión, nos tomamos nuestro tiempo para armar cada canción, cada arreglo. Tomas dijo que At War With Reality es un disco muy reflexivo sobre el estado de los músicos que lo hemos hecho actualmente, que por supuesto tiene el poso melancólico de las influencias metálicas clásicas que hayamos tenido en el pasado, pero que por otro lado tenemos las que hemos ganado durante los últimos veinte años. Y eso es normal, porque somos músicos a los que nos gusta esto y disfrutamos de ello, y obviamente nos crea nuevas inspiraciones”. Igualmente, creo que para recuperar vuestro antiguo sonido o vuestra esencia como banda necesitabais a Nordström involucrado, ¿no? “Disfrutamos trabajando con él en los discos anteriores. Es complicado encontrar un estudio donde trabajar tan duramente, no hay demasiados estudios mejores en cuanto a niveles de profesionalidad, y Fredrik era una buena opción para nosotros cuando lo miramos hace unos meses. También en el pasado Fredrik tuvo un rol importante en el sonido de las guitarras, que hoy en día es más sencillo. Él innovó de forma profesional, él innovó hacia lo que nosotros queríamos. Estuvo contento con volver a hacerlo, quería participar, pero sólo grabó básicamente”. ¿Y qué papel jugó Jens Bogren? ¿Por qué le elegisteis para las mezclas? “Me gusta todo lo que ha hecho en el pasado, pero sobre todo el material con Katatonia. Cómo usa el bajo, porque por ejemplo en las antiguas

“Slaughter Of The Soul fue maravilloso en su tiempo, pero en lo que a mí respecta, fue un poco demasiado directo” ANDERS BJÖRLER producciones metal nunca puedes oír el bajo. Me gusta eso, las capas que le da a la música, cómo trata los ambientes, cómo busca que todo sea dinámico, cómo maneja cada sonido de una forma muy, muy cuidada. Ésa es la razón por la que le elegimos. Nos mandó una canción en marzo, una demo que nos hizo, y quedamos muy satisfechos”. La primera gran sorpresa del disco ya viene con la intro en castellano, ‘El Altar Del Dios Desconocido’. Gracias por el regalo, ¿pero por qué decidisteis hacer algo así? ¿Es un sampler de una película o algo parecido? “Es algo que viene inspirado por un género literario latinoamericano llamado Realismo Mágico, es algo que para Tomas fue muy inspirador. Empezamos a componer y a crear el álbum el año pasado, y entonces él estaba muy influenciado por todo eso y se coló en el álbum, realmente influyó en nuestro música, y se le ocurrió porque el Realismo Mágico fue una forma de expresión… Mmm… Estoy buscando las palabras… Una forma de expresión muy poética, porque durante las dictaduras que les golpeaban casi era una manera oculta de expresar sus miedos y sentimientos”. ‘Death And The Labyrinth’

y ‘At War With Reality’ son mis dos canciones favoritas del nuevo álbum. De hecho, casi lloro la primera vez que las oí… Son puro At The Gates en la línea de siempre, pero al mismo tiempo, y como has comentado, puedo apreciar que el pesimismo y la melancolía están presentes en cada corte de este disco. Es algo así como un disco oscuro para estos tiempos oscuros actuales, ¿no? “En general me gustan las cosas melancólicas, para mí eso es algo muy normal porque ésa es la forma en la que escribo, y compuse el 70% de este disco. Estuve muy inspirado por lo que hicimos en el pasado, y luego un poco también por compositores rusos, como Prokofiev, sobre todo por las disonancias. Así que quise tomar otras direcciones, evolucionar y no hacer lo mismo que ya hubiéramos hecho en el pasado, buscando nuevas vías todo el tiempo. Cuando haces un nuevo álbum debes ser más experimental y progresivo, debes buscar nuevas formas de expresarte, de renovarte a ti mismo, ésa es la constante lucha que mantienes para seguir adelante”. Por otro lado, temas como ‘The Head Of The Hydra’, ‘Upon Pillars Of Dust’ o ‘Eater Of Gods’ contienen todos vuestros elementos más celebrados. Rápidos como una bala, riffs brutales, estribillos con gancho… Este tipo de composiciones las tienes ya integradas en tu ADN musical para siempre, ¿verdad? “Sí, es una parte importante de mí, siempre me expreso en un estilo 35

“Sólo empezamos a escribir música y no pensamos demasiado en el pasado. Creo que la esencia ha perdurado porque nos hemos mantenido activos, nos separamos en el 96 y todos hemos estado activos en otras bandas” ANDERS BJÖRLER

melancólico, incluso con The Haunted o también con mi proyecto en solitario, así que la diferencia viene dada con el cuándo o cómo te expresas dentro de un grupo, con qué miembros de la banda estás en ese momento. Pero en mi caso particular, sí, es muy similar, es lo que me ha acompañado desde los últimos 25 años, cuando empecé a tocar la guitarra”. Los miembros de At The Gates nunca habéis dejado de tocar metal o de estar conectados a él, pero igualmente, ¿cómo crees que ha cambiado la escena y el negocio desde los 90? “Yo no puedo decir si la escena es mucho mejor, conozco muchos grupos de cuando la segunda ola cogió el testigo, como Soilwork, Gardenian, y ellos evolucionaron hacia un género más americanizado, mezclando casi 36

con hardcore o configuraciones más limpias. Estuvieron más influenciados por In Flames, no mucho más. Principalmente, la cosa que más ha cambiado es la piratería musical en internet, pero también puedes encontrar cosas positivas, porque los ordenadores han revolucionado la grabación. Hay mucha gente común creando con ellos y de una forma muy barata, y hay álbumes que se han hecho desde el salón de casa. Así que por supuesto le ha dado a la gente la posibilidad de alzarse con sus ideas y realizar discos de una forma terriblemente barata. Por otro lado, tal vez esté todo algo saturado, hay tantas bandas ahora mismo… Es complicado estar al tanto, quizá te gustan 200 bandas o más (risas), todo el mundo tiene una. Desde luego, la cosa ha cambiado, pero sobre todo en herramientas técnicas, ha ayudado a perfeccionar el ser

una banda, promoverla y cosas así. Para el fan joven hay una forma de encontrar tu camino por esta jungla, que es complicado algunas veces, y es YouTube, donde hay recomendaciones y otra gente que lo disfruta, click click, click click (imita el ruido que produce el ratón –ndr.). Es una buena forma, está bien”. Hablando de jóvenes metalheads, para mucha gente el metalcore nació de mezclar el Sonido Göteborg con los breakdowns propios del hardcore. ¿Sientes esta influencia como tuya o te interesan algo esos sonidos? “No, no lo creo, no creo que haya muchas similitudes, no pienso que hubiera ninguna banda sonando como eso, quizá para encontrar breakdowns tendrías que ir más hacia Meshuggah, porque creo que su

influencia es mayor ahí, son mucho más complicados (risas). Como decía, no, no creo que existan esas similitudes con los breakdowns de la nueva ola. Göteborg evolucionó y se americanizó, pero ése no es el caso de At The Gates, tenemos más melodías, no como en el estilo joven. En cualquier caso, una banda inspira a la siguiente formación, y luego ésa lo hace con otra, y tras perfeccionarlo se puede dar con algo nuevo”. Bandas como vosotros, In Flames o Dark Tranquillity creasteis el Sonido Göteborg, pero ¿en vuestros inicios podíais imaginar que tendría lugar ese impacto en la escena metal, vuestro éxito mundial o que inspiraríais a miles de bandas cada día? “No, por supuesto que no. Empezamos en casa sin saber incluso si tocaríamos, entrando en un concurso para ganar un contrato discográfico con Dolores Records. Automáticamente el contrato se hizo posible y eso es lo que ocurrió con nosotros, no hubo ninguna lucha, tuvimos mucha suerte, pero evidentemente había un trabajo duro detrás. No hay mucho más que contar sobre eso. Hicimos algunos conciertos para unas 200 personas, fue un fenómeno underground, pero de todas formas no podíamos saber que la cosa se haría grande de ninguna de las maneras”. El death metal de Estocolmo ha sido siempre crudo y muy duro, y el death de Göteborg siempre melódico, buscando el mejor riff posible. ¿Cómo explicas dos maneras de hacer tan diferentes y, a la

vez, tan inspiradoras en el mismo momento y país? Por aquel entonces, ¿había algún tipo de pique entre ambas escenas en Suecia? “No, había algo así como una gran amistad en los inicios. Tomas conocía a los chicos de Nihilist (primera encarnación de Entombed –ndr.) y era como una comunidad, con tape trading, fanzines de la gente, dando apoyo a las bandas… Éramos realmente un grupo muy pequeño de gente, quizá 200, todos suecos, así que no, nunca hubo ninguna hostilidad. La diferencia de estilo se dicta cuando una banda inspira al resto, y en Estocolmo eso ocurrió con las primeras bandas como Nihilist. La primera banda brutal inspiró a todas las demás formaciones locales de Estocolmo, y por eso, evidentemente, todas suenan similar allí, aunque también había grupos melódicos en Estocolmo, y al mismo tiempo, Göteborg también tuvo bandas brutales, aunque no fueron muy famosas, porque la escena melódica escaló mejor. También tienes un perfeccionamiento como Eucharist, que aunque salieron poco de Göteborg, fueron muy importantes para su sonido”. ¿Actualmente eres amigo o sigues a otras bandas de death metal suecas? ¿Cómo es tu relación con Dark Tranquillity o In Flames ahora? “Sí, conozco a la mayoría de gente de la escena y los otros tíos de At The Gates también conocen todas las bandas del pasado y del presente. Por supuesto, somos muy amigos de Dark Tranquillity, a menudo vamos por

ahí con ellos cuando encontramos un hueco. Con In Flames, pues sí, lo mismo. Dos de ellos son de mis mejores amigos, Anders (Fridén) colaboró en mi álbum en solitario al salir el disco con su sello (Razzia Records –ndr.) y Peter (Iwers) es el propietario de un bar local aquí en Göteborg, así que junto a Dark Tranquillity, son como familiares para mí. Todos somos como una pequeña familia según se mire”. ¿Qué te ha parecido el último álbum de In Flames? “No he escuchado el disco aún”. Bueno, pues ¿te han interesado sus dos o tres últimos álbumes, la dirección que han tomado últimamente? “Son algo diferentes a cómo eran In Flames, pero no tanto. Creo que quizá es algo parecido a cuando The Haunted hicimos el disco Unseen, tal vez de cuando tratamos de incorporar nuevos estilos musicales. Eso a veces puede ser problemático, no lo sé. A veces la gente sólo espera la vertiente agresiva de las bandas, es mi teoría, pero si tratas con gente abierta de mente, no hay problema”. ¿Consideras a At The Gates una banda legendaria? “No lo sé. Personalmente, para mí, no realmente. Para mí es sólo música, quizá eso sea más fácil de responder para un fan del grupo. Él te lo podría decir, pero para mí es un poco de música que he creado y no mucho más”.

SET IT OFF

Las acciones de Set It Off van al alza. Con SU segundo trabajo Duality, el grupo de Florida se siente preparado para intentar su asalto al mainstream sin renunciar a divertirse por el camino. Texto: Jordi Pons Foto: DR

l pasado 13 de octubre, justo el día antes de que se publicara el segundo álbum Duality (Rude Records) de Set It Off, su vocalista Cody Carson atendía nuestra llamada. Como es natural, el tipo estaba bastante excitado porque en las últimas semanas, gracias a su primer single ‘N.M.E.’, todo el mundo parece haberse puesto de acuerdo en que serán una de las bandas que lo peten en 2015. “Cuan38

do sacas un disco nuevo nunca sabes qué esperar, cómo reaccionará la gente”, nos dice. “Espero que la gente conecte con el disco aunque sea un poco distinto. Pero nunca había estado tan emocionado con un lanzamiento de Set It Off. De momento nueve de las diez críticas que he leído han sido positivas, así que estoy muy esperanzado”. Efectivamente, Duality es un álbum que no esconde sus ganas de llegar a

un público masivo. Un disco de pop en toda regla, que conserva algunos de los elementos orquestales de su debut Cinematics, pero con un acabado totalmente comercial conseguido por tres productores distintos. “Si te fijas, todos los artistas de éxito son los que crean su propio hueco”, empieza Cody para explicar su evolución. “Lady Gaga, por ejemplo, es la artista pop un poco loca, con vestidos extravagantes. Ke$ha es la chica borracha

“Subir demasiado pronto puede significar que caigas igual de rápido”

que la lía en el escenario. Katy Perry es la chica dulce… Set It Off podríamos encasillarnos y ser ‘la banda pop punk con sintetizadores’, pero no queríamos. Así que dijimos ‘a la mierda’. Para nosotros no se trata de tener un solo sonido o de encajar en un nicho, sino de ser nosotros mismos. Escribir música inspirados por lo que amamos, por la música con la crecimos. Supongo que te parecerá algo muy obvio, pero para nosotros pensar así fue algo

muy liberador y excitante. Para mí escribir música ahora es como jugar a videojuegos, igual de divertido”. El guitarrista Dan Clermont y el propio Cody son los motores compositivos del grupo. Durante nuestra charla explica que cada día se reunían en la casa del vocalista con el fin de escribir una nueva canción. Para Duality acabaron con más de 70 piezas distintas. Como explica Cody, su amor por la música viene de lejos. “Empecé a tocar el clarinete con 8 años. Mi abuelo también tocaba varios instrumentos y me dio lecciones cuando yo era muy pequeño. Pero eso despertó mi interés por la música y no dejé de estudiar, y durante un año fui al conservatorio. Fue durante ese periodo que empecé con la idea de formar Set It Off. No hay nada que quiera más que esta banda tenga éxito y soy una persona muy persistente (risas). No me importaría que ocurriese mañana mismo, aunque me daría un poco de miedo porque también creo que subir demasiado pronto puede significar que caigas igual de rápido. Pero llevamos seis años y siempre hemos ido subiendo de manera gradual. Así que si llegara el éxito de golpe estaría nervioso, pero si me llaman mañana para actuar en los MTV Awards estaría muy feliz (risas). Para mí el éxito es ver crecer algo que has creado con todo tu amor”. El camino que han tomado Set It Off no es muy distinto al que otras bandas de pop punk como Fall Out Boy o Panic! At The Disco tomaron ya hace tiempo. Y aunque Cody no esconde su admiración por ellos, también asegura que sus influencias van más allá. “También lo son My Chemical Romance, Michael Jackson, Earth Wind And Fire o Destiny’s Child, y creo precisamente que si tenemos una oportunidad de

tener éxito es coger todo eso y mezclar rock, pop y R&B de los 90. Y estoy muy contento de cómo lo estamos haciendo”. Ya que nombra a Michael Jackson, le comentamos a Cody que en varios momentos del álbum casi suena como él. El cantante se ríe. “Podría engañarte y decirte que he sido fan suyo desde que tenía 5 años, pero la realidad es que sólo empecé a prestarle atención hace tres años atrás. Me obsesioné con su genialidad. Cuando se publicó la demo de ‘Beat It’, con él cantando a capella sin instrumentos mientras la componía, aluciné. Pensé ‘joder, era un genio’. Y de ahí salió la idea para ‘Bleak December’. Nos lo tomamos como un desafío, pero no fue fácil. Así que la compusimos sin instrumentos Brandon (Paddock, productor), Dan y yo, sólo con nuestras voces. Lo que más nos ha influenciado de Michael Jackson es su actitud”. De momento, el futuro inmediato de Set It Off pasa por una gira norteamericana junto a Black Veil Brides. Una combinación que, sobre el papel, resulta bastante extraña. “Tienes razón, somos muy distintos”, dice riendo. “Pero veo a muchos fans de Black Veil Brides en nuestros shows. Para mí lo que tienen en común ambos grupos es que tenemos fans muy dedicados porque mantenemos un gran contacto con ellos. Sé que suena como un cliché, pero somos una familia. Son fans de verdad y los tratamos como se merecen. Si alguien viene y me cuenta sus problemas, lo escucharé. Aunque si te me acercas y te comportas como un gilipollas, yo haré lo mismo (risas)”.

Conjura De

A lo largo de dos décadas el culto hacia los británicos Electric Wizard se ha propagado con la misma virulencia de un virus mortal. La considerada como ‘la banda más heavy del mundo’ publica ahora su octavo disco, Time To Die. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

omo en varias ocasiones ha señalado Jus Oborn, vocalista, guitarra y fundador de Electric Wizard, la banda es un producto directo de su entorno. El 40

aislamiento propio de un ambiente rural y la larga tradición pagana de Wimborne, un pueblo del condado de Dorset, propició que en 1993 tres marginados aficionados a fumar marihuana, el ocultismo y el rock oscuro de los 70 decidieran

unir fuerzas. El que bautizaran a su grupo inspirándose en dos temas de Black Sabbath –‘Electric Funeral’ y ‘The Wizard’- ya dejaba claras sus intenciones. Desde que en 1995 el sello de Lee Dorrian, Rise Above, publicara su debut homónimo,

Brujos

“Cuando eres músico estás permanentemente agarrándote a tu juventud, a ese momento en el que todo lo que tenías era el vigor y la rabia” JUS OBORN

Oborn da las explicaciones.

ELECTRIC WIZARD Electric Wizard se convirtieron en sinónimo de buena música (su influencia en el doom metal actual es innegable) pero también de arrestos, broncas, problemas de adicción y una actitud intransigente. Su espíritu autodestructivo no ha impedido que hayan parido obras fundamentales para el género como Come My Fanatics.... (1996), Dopethrone (2000) o Witchcult Today (2007), pero sí que la composición de sus miembros haya tenido continuidad

más allá de unos pocos años. Fuera su intención o no, Oborn se ha convertido en el pilar fundamental sobre el que se sustenta la banda que ahora completan Liz Buckingham (guitarra), Clayton Burgess (bajo) y Simon Poole (batería), quien regresa tras la fugaz vuelta de Mark Greening durante la grabación de su último disco Time To Die (Witchfinder/ Spinefarm). Un trabajo temáticamente creado alrededor de la muerte y de la disputa legal con su antiguo sello. Jus

Has dicho que el tema principal de Time To Die es la muerte. ¿Has tenido alguna experiencia cercana con la muerte? ¿Piensas mucho en ello? JUS OBORN “Diría que he tenido demasiadas experiencias con la muerte (risas). Nací muerto, lo cual no creo que fuera algo bueno por lo que pasar. Aunque no lo recuerdo (risas). Me pusieron en una de esas cajas de plástico, creo. Nací prematuramente dos meses y medio antes de lo debido. Y cuando tenía cinco años caí de una escalera y me abrí la cabeza. Estuve inconsciente durante mucho tiempo y tenía alucinaciones pensando que estaba en Marte. Esto se extendió durante bastante tiempo (risas). Ésa es una larga historia. Por desgracia he tenido mucho contacto con la muerte. He visto a gente morir, lo cual tampoco es nada agradable”. ¿En qué momento escoges estos conceptos sobre los que trabajar y cómo te influyen? “Suele ocurrir bastante al principio. Con el nuevo disco empezamos a creer que no podríamos llevarlo a buen puerto porque teníamos muchos problemas con nuestro antiguo sello, 41

así que seguimos improvisando para un disco imaginario que nunca llegaríamos a grabar. Y eso tuvo su impacto, claro. Hizo que las cosas fueran bastante negativas y depresivas, fue bastante duro. Nos alejamos de la fórmula de escribir canciones y eso puede ser bastante liberador. La nueva obra es más como una jam”. En cierta manera el álbum nos lleva a algunos de vuestros primeros trabajos. ¿Había una intención de revisitar vuestro pasado? “Sí. Bueno, creo que cualquier grupo a menudo quiere mirar atrás y volver a su era dorada o a cuando empezaron, y ese sentimiento es el que buscábamos. Temáticamente, y las letras van de la mano, es un viaje circular que se cierra, y eso es lo 42

mejor. Creo que es una especie de capítulo final”. En el disco se escucha la gran química que Liz y tú tenéis tocando. ¿Cómo describirías el impacto que tuvo su entrada en el grupo y cómo ha evolucionado tu manera de tocar con ella? “Es una pregunta difícil. Al menos lo es desde dentro, pero creo que sobre todo nos ha ayudado a mantener el grupo a raya. Yo soy más propenso a que se me vaya la olla con alguna fantasía y Liz es la que dice ‘a la mierda con eso, vamos a mantenerlo heavy’. Musicalmente nos desafiamos el uno al otro, creo que eso es lo principal. Es importante no volverte complaciente, es importante no caer en eso”.

¿Por qué pediste a Mark Greening que volviera al grupo y por qué ha vuelto a irse? “(Risas) ¿Y cómo coño iba a saberlo? No teníamos un batería, le mandé un email, empezamos a tocar y la cosa fue bien. Parecía una buena idea en ese momento. Tenemos química musical, es evidente, e intentamos llevar eso al nuevo disco. Mark y Liz encajaban muy bien juntos, eso también era importante. Teníamos más química de la que pensábamos inicialmente. Pero por desgracia al final las cosas no funcionaron. Cuando tienes una relación con alguien e intentas recuperarla diez años más tarde, sinceramente, no creo que sea posible que funcione al final”. Existe esta idea romántica

“Sinceramente, creo que todo el mundo debería saber que el negocio musical es una mierda” JUS OBORN de que los miembros de los grupos tenéis que ser amigos. ¿Qué importancia le das a las relaciones personales con los otros miembros para hacer buena música? “Mantener la banda como amigos es probablemente el motivo por el que hemos tenido cambios en la formación. Es posible que los grupos que sacan la amistad de la ecuación duren más. Ése es el problema. No es nada fácil. Intento mantener la banda como banda y no sólo yo con músicos de alquiler, y para eso es importante mantener la amistad. No puedo ser frío y calculador con esas cosas… por desgracia”. Después de tantos años en Rise Above, ¿te costó mucho romper la relación con el sello? “Sí, fue muy difícil. El sello no quería que nos fuéramos. De hecho, tenían sus garras clavadas profundamente y empezaron a atacarnos como un montón de avispas. Sinceramente, creo que todo el mundo debería saber que el negocio musical es una mierda. Ahí lo tienes”. Ahora que tienes tu propio sello, Witchfinder Records, ¿qué planes tienes? “Alguna gente me ha dicho que podría fichar a otras bandas. Es una idea bastante buena porque podríamos cobijarlas bajo el manto de Electric Wizard y darles una oportunidad. Pero no depende de mí y todavía no he visto a nadie que merezca la pena

fichar. ¡Podríamos empezar un campo de refugiados!”. El otro día leí que la imagen que tienes de ti mismo a los 14 años es la que tienes el resto de tu vida. ¿Cómo de importante fue tu adolescencia para moldear cómo eres? “Creo que eso es verdad para cualquier músico, bueno, al menos para cualquiera que haga música dura, ya sea heavy metal, punk rock o hardcore. Estás permanentemente agarrándote a tu juventud, a ese momento en el que todo lo que tenías era el vigor y la rabia”. Así es (risas). Mucha gente cree que siempre estás, o bien puesto, o completamente jodido. ¿Qué hay de cierto en ello? “No lo sé, ahora mismo estoy jodido…”. Hoy en día existe un mayor interés por el doom por parte del público y los medios. ¿Es algo que te haga feliz o tienes una actitud protectora hacia la escena? ¿Te gustaría que Electric Wizard fuera una banda más grande? “Sí, claro que me encantaría que Electric Wizard fuéramos más grandes (risas). Si no qué sentido tendría fichar por un sello… Podrías quedarte en casa y escribir música para siempre. Pero en cuanto al doom, para mí es algo muy personal y me disgusta compartirlo con otra gente. Odio que

sea más popular. Hace que quiera escuchar música más y más oscura. Sé que me acabo de contradecir en mi respuesta, pero es lo que hay”. El año pasado hiciste de comisario en el Roadburn Festival. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Hubo algún grupo que no pudieras conseguir que tocara? “Los únicos que no conseguí es porque están muertos o se negaron a reunirse, algo que entiendo perfectamente (risas). En general no fue una experiencia fácil, me parece que no me gusta montar festivales y además, hay mucha más política de la que imaginaba. Pero fui muy feliz teniendo a los Pretty Things. ¡Estuvieron geniales!”. Sé que eres un gran fan del director español Jess Franco. ¿Cómo lo descubriste y que es lo que más admirabas de él? “Bueno, descubrí su trabajo por la tele a altas horas de la madrugada y copias malas de sus películas en VHS. Para serte sincero, es una inspiración. Era alguien totalmente independiente y estuvo completamente obsesionado con su visión durante mucho, mucho tiempo. Era alguien único. No dejaba que nadie le dijera lo que tenía que hacer o en qué dirección ir. Me gusta la gente con personalidad que crea su propio mundo y su propia dimensión y no dejan que nadie les dé órdenes”. Como tú… “Más o menos (risas)”.

Después de 14 años de carrera la banda catalana de black metal Foscor inicia una nueva etapa con un nuevo disco, nuevo sonido y nuevas expectativas. ¿Quién dijo miedo? Texto: Jordi Meya Foto: Rakel Rfh photography

MORIR PARA NACER

l 28 de enero de 2012, Foscor (‘Oscuridad’ en catalán) celebraban el décimo aniversario de su primera grabación con un concierto en la sala KGB de Barcelona. Aunque en aquel momento la banda todavía no sabía cómo, tenían claro que era necesario cerrar un capítulo antes de empezar a escribir el siguiente. Desde entonces el grupo se sumergió en un proceso largo y doloroso durante el cual incluso flotó en el aire la posibilidad de tirar la toalla. Pero después de reajustar la formación -que en la actualidad configuran Fiar (voz, bajo), Falke (guitarra), A.M. (guitarra) y Nechrist (batería)- y de encontrar un sonido que

reflejara sus inquietudes musicales de ese momento, por fin el próximo 25 de noviembre darán a luz su cuarto álbum, Those Horrors Wither, con el que se estrenan con la discográfica Alone Records. Quien lo escuche se encontrará con 40 minutos en los que presentan muchas novedades. Desde una mayor precisión técnica, afinaciones más graves, tempos más lentos y devaneos progresivos hasta quizá el elemento más llamativo, un nuevo registro en la voz de Fiar que estéticamente los distancia del black tradicional. Es un paso atrevido pero absolutamente necesario para una banda que no quería quedarse estancada.

Tras un bautismo de fuego en el Ritual Cvlt Fest, el grupo se encuentra ajustando su directo para las presentaciones oficiales de Those Horrors Wither los próximos 5 y 7 de diciembre en Madrid (Charada Club) y Barcelona (Bikini), pero antes, Fiar se pasó por nuestra redacción para explicarnos su reinvención. ¿Fue la celebración de vuestro décimo aniversario el punto de inflexión que os hizo replantearos las cosas? FIAR “Absolutamente. Cuando cumplimos diez años coincidió con un momento en el que sucedieron una serie de cosas en el grupo que desem-

FOSCOR aniversario en 2011 y 2012 y decidimos matar una etapa. Queríamos celebrar esos diez años en los que habíamos vivido muchas cosas que ni imaginábamos cuando empezamos, y al mismo tiempo, entrar en una nueva etapa que era totalmente desconocida. Por eso disfrazamos la celebración como un funeral, pero un funeral de buen rollo. Celebramos los diez años con orgullo porque sentíamos que no sólo era para nosotros, sino también para la escena y los grupos con los que hemos caminado juntos”.

“Necesitábamos volver a recuperar la ilusión que habíamos perdido. Teníamos que hacer un nuevo disco, pero queríamos forzarnos a hacer algo distinto” FIAR

bocaron en la salida de Guillem, el guitarrista. Llevábamos una dinámica de hacer mucho trabajo sin ver un camino claro y eso levantó algunas chispas. Estábamos un poco quemados, pero no sabría decirte de qué. Cambiamos de guitarrista, entró Albert de Vidres A La Sang (A.M.), que también en ese momento se habían separado, y eso nos llevó a un año de trabajo y conciertos para adaptarlo en el grupo. Pero estábamos tocando unas canciones de las que sentíamos cierta distancia. Necesitábamos volver a recuperar la ilusión que habíamos perdido. Teníamos que hacer un nuevo disco, pero queríamos forzarnos a hacer algo distinto. Celebramos el

A veces los grupos se queman porque el día a día impide que realmente valores lo que vas consiguiendo. “Nosotros celebramos los diez años tomando como referencia cuando se editó la primera promo, pero en realidad llevábamos más tiempo y también habíamos estado en otros grupos. En todo este tiempo hemos aprendido de muchísimas cosas porque nos ocupábamos absolutamente de todo, pero eso también hace que te quemes y pierdas la perspectiva. Personalmente yo sentía que no disfrutaba del grupo porque estaba más pendiente de la gestión. Había perdido contacto con la música, que es lo que realmente me gusta. Ahora tenemos una infraestructura que trabaja a nuestro alrededor y que te indica dónde tienes que centrar tus esfuerzos. Nosotros llevamos al grupo hasta donde pudimos con nuestras limitaciones, pero necesitábamos ayuda para tener más claro hacia dónde ir”. ¿La separación de Vidres A La Sang podría haberos ocurrido a vosotros? “Sí. En ese momento estábamos vivien-

do el mismo proceso. Si no hubiese salido Guillem estábamos condenados a desaparecer. En más de una charla en la que sale toda la mierda se llegó a plantear. A veces en los grupos se sufre por la implicación de cada miembro, pero muchas veces es por un problema de comunicación. Veíamos que no estábamos haciendo las cosas para poder disfrutar de la música. Es obvio que no hemos vivido del grupo, pero siempre hemos intentado llevarlo de la manera más profesional. Pero claro, llegas donde llegas y eso es lo que hacía que no disfrutáramos”. Es muy duro plantarte en el local de ensayo sin ganas y ver caras de malestar… “Eso es. Tal como estaban las cosas, lo más sensato era separarse. Gabi (Falke) y yo, que somos el núcleo del grupo, tuvimos una charla muy seria y nos planteamos si queríamos seguir juntos, porque también nos habíamos distanciado. Nos recuperamos y eso nos permitió estar donde estamos ahora. Y también tuvimos la suerte de que iban abriéndose algunas puertas. De hecho, cuando entró Albert, a nivel de conciertos, fue muy productivo. Fuimos a Francia, Italia, Holanda y festivales de cierto nombre. Y son cosas que nos vinieron, no que buscamos”. La verdad es que es un poco paradójico que ahora cerréis vuestra etapa más black, cuando parece que en los últimos años ha surgido un mayor interés hacia el estilo. “Para mí lo que ha ocurrido es que el black de siempre por fin se ha abierto de miras y se ha abierto a otros estilos. Se han perdido los límites y nosotros personalmente también lo hemos vivi45

FOSCOR

visto que podíamos hacer cosas que no sabíamos. Este proceso de ir aprendiendo es muy bonito. Y es algo que hemos vivido todos. Pedro (Nechrist) es un batería muy enérgico, más de corazón que de técnica, y en cambio este disco pedía más técnica por parte de todos. Sólo por eso, independientemente de cuál sea la respuesta, ya estamos muy contentos”.

do. Hemos querido aprovechar eso, no porque es lo que toca, sino porque lo sentíamos así. Por eso queríamos matar una etapa en la que nos sentíamos limitados por cosas por las que ni te das cuenta. Nunca hemos querido seguir una línea concreta para encajar en un estilo o por seguir a unos referentes. Siempre se nos ha catalogado como a un grupo más abierto, incluso avantgarde… No sé, yo tengo referentes dentro del black, del death, del doom, del pop, del post rock, y por eso sentíamos que teníamos que dar ese paso”. En cierta manera, el proceso que habéis vivido vosotros lo ha vivido mucha otra gente de la escena. “Yo creo que sí. Y quizá también los sellos han visto que tenían que abrirse porque ese mercado que estaban explotando tanto ya no funcionaba. Son ellos los que muchas veces muestran al público lo que hay que escuchar y todo eso crea una dinámica de crecimiento. Nosotros proponemos algo que es nuevo. Bebe mucho de lo que hemos hecho hasta ahora y a nivel emocional bebe mucho del black de los 90 noruego, pero hemos querido mostrar de verdad 46

nuestra personalidad”. ¿Cómo fue para ti el proceso de encontrar un nuevo registro de voz? “Fue un proceso muuuy complicado. Yo controlo el registro black o death, pero entrar en este nuevo terreno ha sido un nuevo mundo. Me he dado cuenta que no tenía ni idea. Empecé en casa una vez teníamos las demos definidas pero sin nada de voz. Empecé a componer líneas melódicas, sin letra. Ahí ya me di cuenta de que no controlaba algunos temas de afinación, pero nos gustaba, había ideas. Luego en el estudio ya grabando, me di cuenta de que no controlaba lo suficiente para grabar las voces en dos días. Por suerte lo hicimos con nuestro amigo Iban Puigfel de Nautilus Recordings, y pudimos grabar la música y luego yo trabajar cinco meses la voz en mi casa, para luego volver a grabarlas. OK, superas otra fase. Pero es que luego vas al local de ensayo y para mí coger el bajo y cantar con voz limpia fue como empezar de cero. Las neuronas me iban cada una por su lado. Llegamos a dar el primer concierto en el Ritual Cvlt y salió bien, pero queda mucho trabajo por delante. Me siento orgulloso porque hemos

¿Y cuál crees que será la respuesta? Quizá la ventaja es que hace seis años os hubieran metido muchos palos, pero ahora... “Pero la pregunta es: ¿Quién nos hubiera metido muchos palos? ¿Y hasta qué punto eso trasciende? Todavía no tenemos el feedback de nuestros seguidores de aquí. No tenemos preocupación, pero sí mucha curiosidad para saber cómo leen este cambio. Yo creo que la gente que ha seguido el grupo desde el principio entenderá lo que hemos hecho. Luego les puede gustar o no, pero lo entenderán”. Un inciso, en medio de todos estos cambios con Foscor, también te pones a cantar con Graveyard. ¿Qué es lo que te motivó a hacerlo? “En la escena de Catalunya, de España, nos conocemos todos los que hemos tenido una trayectoria similar, y cuando necesitas algo, sabes que puedes contar con que te echen una mano. Con Graveyard tenemos una relación de muchos años y se encontraron con que habían fichado por un sello alemán, iban a tener muchos conciertos y su bajista/cantante vive en Valencia. Fue precisamente él quien vio que no podría ensayar al nivel que necesitaban y me propusieron cantar

a mí. Y ya no era el cantar con ellos, sino que me ofrecían ir a actuar al Partizan, al Obscene Extreme Festival de la República Checa, fechas en Alemania… un montón de cosas que yo aún no había vivido con mi grupo. Mi filosofía es que todo lo que te puedas llevar a la tumba merece la pena hacerlo. Por suerte coincidió con que pudimos compatibilizarlo todo. Ojalá algún día no lo sea, porque significará que los dos grupos estamos a tope, pero por el momento lo es”. Volviendo a Foscor, en el disco encontramos transiciones a cargo de Obsidian Kingdom, Sathorys Elenorth de Narsilion o Peter Bjärgo de Arcana. ¿Cómo surgió la idea? “Esto va relacionado con otras cosas. Antes dirigíamos mucho las cosas, pero esta vez, por ejemplo, le dimos mucha libertad a Iván para que hiciera las mezclas. Lo mismo con el diseño. Y todo eso ha enriquecido el disco. Nuestra música siempre ha sido ambiental, pero queríamos que la música también se expresara en partes ambientales y eso nos llevó a apostar por gente cercana a nosotros para que compusieran y trabajaran las transiciones entre tema y tema. Que gente como ellos, como Peter, cuando yo era fan absoluto de Arcana, participara, es muy satisfactorio. Ha sido muy interesante que gente externa aportara su propia visión de nuestra música”. Una vez os llega el master del disco totalmente terminado, ¿cómo fue la sensación de escucharlo por primera vez? ¿Lo escuchasteis todos juntos? ¿Por separado? ¿Tenéis algún ritual para estos casos?

“Yo creo que la gente que ha seguido el grupo desde el principio entenderá lo que hemos hecho. Luego les puede gustar o no, pero lo entenderán” FIAR “Por primera vez lo escuchamos todos juntos en el coche del guitarrista. Nos llegó, nos íbamos a ensayar y fue subirnos al coche y nos quedamos todos en silencio escuchado el disco entero. Y fue en plan ‘Vale, ya está, lo tenemos’. Luego en el local no ensayamos nada porque pasamos todo el rato charlando”. Y de eso ya hace un año. Those Horrors Wither gira alrededor de los miedos... ¿Cómo enfocaste las letras? “Desde el segundo disco, en el que empecé a hacerme cargo de todas las letras, la apuesta siempre ha sido hablar del ser humano. En éste he querido hacerlo con un discurso muy vitalista. La mejor manera de vivir en armonía contigo mismo es conocerte a través de tus medios primigenios, lo que llamamos ‘los horrores’. Tú tienes unas limitaciones emocionales que te hacen responder a los inputs agresivos que recibes de una manera u otra. Te pueden hundir o hacerte crecer. Nosotros apostamos siempre por crecer, pero para eso tienes que controlar esos horrores. El amor, la muerte, la adicción, la senescencia, el paso del tiempo… Los temas que tratamos de forma poética en el fondo son muy terrenales. Y atemporales, que era otra cosa que buscábamos. Al final, el ser humano siempre vive y tropieza con las mismas cosas”.

Este lado humanista y tener que reflexionar sobre estos miedos, ¿te ha ayudado a superar los tuyos propios? “No sabría decirte si los he superado… Bueno, creo que no, pero me ayuda a entenderlos. Pero por ejemplo, sí que en algún caso me ha ayudado a detectar un problema que tenía e intentar superarlo. ¿Pero hasta qué punto pensar en estas cosas no es un castigo divino? Todo el mundo busca vivir en armonía y la gente que lo consigue sin pensar en nada de esto es envidiable. Pero para quienes sí pensamos en ello, el camino es el autoconocimiento hasta las últimas consecuencias. Por eso digo que tiene un mensaje vitalista, porque si no lo que te queda es el suicidio, nihilismo absoluto y muerte para todo el mundo porque nada vale la pena. Yo lo que guardo es crecer, aprender y mejorar”. Para acabar me gustaría volver a como hemos empezado: ¿Cómo te imaginas celebrando el 20 aniversario de Foscor? “Sí que me lo imagino. Muchas veces he pensado hasta qué edad podré tocar con Foscor. Me lo imagino esperando haber vivido muchas más cosas de las que hemos vivido hasta ahora. Tener muchas más experiencias que recordar y explicar. Y espero que sea con la misma gente y también con mucha más con la que celebramos los diez años. No por las ventas (risas), sino por el nexo de amistad o relación que hemos establecido con muchas personas. Es algo que valoro muchísimo”.

SLIPKNOT

SI ESTAR DENTRO DE UNA FORMACIÓN COMO SLIPKNOT YA ES DE POR SÍ UNA LOCURA, LOS ÚLTIMOS SEIS AÑOS HAN SIDO LOS MÁS CAÓTICOS DE TODA SU TRAYECTORiA. EL GRUPO TUVO QUE AFRONTAR EL GIRO RADICAL DE PASAR POR SU MEJOR MOMENTO DE POPULARIDAD GRACIAS AL ÉXITO DE ALL HOPE IS GONE A LA PÉRDIDA DE DOS MIEMBROS CLAVES COMO PAUL GRAY Y JOEY JORDISON. PERO LOS ENMASCARADOS DE IOWA HAN VUELTO A SACAR FUERZAS UNA VEZ MÁS CUANDO ALGUNOS YA LES DABAN POR ENTERRADOS. 5: THE GRAY CHAPTER ES SU PARTICULAR RESURRECCIÓN. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR

SLIPKNOT lipknot siempre han sido sinónimo de caos. Lo eran cuando sorprendieron al mundo entero con sus dos primeros discos, destacando por encima del resto de contemporáneos en plena oleada del nu metal gracias a una propuesta muchísimo más extrema que sus compañeros de generación y, especialmente, a una impactante imagen que no dejó indiferente a nadie en su momento. También continuaron siéndolo cuando llegó el momento de evolucionar (palabra maldita donde las haya para los seguidores más cerrados) en su sonido, primero con Vol.3: The Subliminal Verses y más tarde con All Hope Is Gone. Las diferencias entre los distintos componentes empezaban a surgir, pero a pesar de todo y por increíble que resultase, su música comenzó a adentrarse en el terreno más mainstream, y poco a poco resultó habitual el verles codearse entre la realeza de la MTV o encabezar festivales tan masivos como el Rock In Rio o el Download. Seguramente desde los tiempos de Pantera que no se había vuelto a ver a un grupo de metal extremo llegando a tales cotas de popularidad en todo el globo. Aun con las constantes tiranteces 50

entre unos y otros, los nueve enmascarados vivían su mejor momento, completamente asentados en la cima del mundo. Pero aquella balsa de aceite comenzó a hacer aguas cuando el 24 de mayo de 2010, el bajista Paul Gray, miembro fundador de Slipknot y uno de sus principales compositores, fue hallado muerto en la habitación de un hotel de Des Moines, Iowa, su localidad natal. La autopsia posterior reveló que la causa del fallecimiento fue debido a una sobredosis de morfina. Justamente ese mismo día, el resto de componentes de la formación ofrecieron una rueda de prensa acompañados de la mujer de Gray y su hermano. Sus rostros al descubierto llenos de lágrimas y sin máscaras eran el vivo retrato de la desolación. El futuro de Slipknot quedaba en vilo hasta nueva orden. Los meses siguientes no terminaron de calmar el ambiente enrarecido en torno a la banda. Mientras que el batería Joey Jordison confirmaba que el grupo seguiría adelante y que incluso ya estaban trabajando en material para un nuevo disco, Corey Taylor declaraba que aún no se encontraban preparados para continuar sin Gray. En cualquier caso, su vuelta a los escenarios se produjo en verano de 2011 durante una breve gira por festivales

europeos en los que Donnie Steele, guitarrista de Slipknot durante sus primerizos años de existencia, se hizo cargo del bajo... eso sí, oculto tras el escenario. Hacia finales de 2013 parecía que la maquinaria volvía a echar a rodar y anunciaban que se encontraban trabajando en la continuación de All Hope Is Gone. Pero entonces surgió un nuevo revés: Jordison abandonaba el taburete de la batería. Según un comunicado oficial por parte de Slipknot, el abandono se debía a motivos personales y de manera amistosa, algo que no coincidió con la versión de los hechos del propio batería, cuando poco después declaró haber sido despedido. Tan revuelto estaba el asunto, que el guitarrista Jim Root tuvo que dejar la gira en la que se encontraba inmerso con Stone Sour, el proyecto paralelo que comparte junto a Corey Taylor, para poder dedicarse por completo a la composición del nuevo álbum. Y así finalmente llegamos al verano de este mismo año, cuando en agosto Slipknot lanzaban dos videoclips correspondiente a dos nuevos temas, ‘The Negative One’ y ‘The Devil In I’, que adelantaban su quinto y esperadísimo trabajo de estudio: .5: The Gray Chapter (Roadrunner), en claro homenaje a su compañero fallecido. La larga espera llegaba a su fin. Como es lógico, eran cientos de preguntas las que se habían agolpado en nuestra cabeza, al igual que la de sus seguidores, durante todos estos meses inciertos y Jim Root fue en esta ocasión el encargado de intentar resolvérnoslas. Como podréis comprobar a continuación, no encontraréis ninguna referencia a Joey Jordison por petición expresa de su discográfica, por lo que intuimos que el asunto no ha debido

de terminar precisamente bien. Tampoco Jim menciona el nombre de los dos nuevos componentes que aparecen en el vídeo de ‘The Devil In I’, pero aunque todavía no se ha hecho nada oficial, los rumores que se filtran por los mentideros de la red parecen acertar en que el puesto de bajista lo ocupa ahora Alessandro Venturella, un británico casi desconocido en cuya biografía aparece como técnico de guitarras de Mastodon y miembro de bandas como Krokodil y Cry For Silence. Más familiar nos resulta el hombre encargado del papelón de sustituir a Jordison. Todas las pesquisas apuntan a Jay Weinberg, hijo de Max Weinberg, batería de la mítica E Street Band, y que durante una temporada estuvo girando con Against Me!. Lo que sí parece claro es que Slipknot vuelven dispuestos a cerrar muchas bocas con este nuevo artefacto y a demostrar que aún siguen muy vivos. El tiempo dirá si están en lo cierto o no, pero ahora el turno de tomar la palabra es suyo. Lo primero que quería preguntarte es cómo te sientes ahora que, por fin, después de todo por lo que habéis pasado en estos últimos años, hay un nuevo disco de Slipknot que está a punto de salir a la calle... JIM ROOT “Bueno, ahora mismo siento muchos nervios. Espera un segundo (Se le escucha hablar de fondo con otra persona -ndr.). OK, disculpa. Ahora mismo hay muchas cosas sucediendo que están fuera de nuestras manos en cuanto al lanzamiento. Hay dudas, sentimientos extraños y toda esa mierda. ¿Habremos hecho un buen trabajo? ¿Como lo va a recibir la gente? No sabemos si los fans estarán

“Ésta ha sido la ocasión en la que más unidos hemos estado durante una grabación desde The Subliminal Verses. Todo el mundo estaba muy concentrado, trabajando muy duro y manteniendo a Paul en la memoria” JIM ROOT

receptivos después de todo el tiempo que hemos estado parados y lo que ha sucedido en el pasado. Así que hay un poco de nerviosismo colectivo, pero eso para mí no ha comenzado hasta ahora que estamos todos en casa y ya hemos salido del estudio de grabación. Todos en la banda tenemos la misma sensación”. Es obvio que este trabajo viene muy marcado por el fallecimiento de Paul Gray. Vosotros mismos hacéis referencia a ello con el título. ¿Cómo afectó esto a todos los niveles a una estructura tan grande como la de Slipknot? “Ha sido todo un proceso de aprendizaje. Hemos tardado muchísimo tiempo en hacer este disco. Ha habido más de una razón, pero la principal ha sido que necesitábamos empezar un proceso a nivel personal girando. No podíamos entrar en el estudio y hacer un álbum tan pronto después de

que Paul nos dejase porque... Bueno, preguntas como éstas eran más difíciles de responder por aquel entonces, ¿sabes? La cosa es que necesitábamos superarlo antes de dar el siguiente paso, que era hacer un nuevo disco. Creo que esperamos demasiado y que no podíamos seguir retrasándolo más. Era el momento de volver a juntarnos. La gente estaba con muchas ganas de volver al trabajo, así que definitivamente era una cuestión de tiempo. Ha sido un proceso bastante revolucionario para nosotros. De alguna manera, ahora que hemos terminado la grabación y nos estamos preparando para empezar una verdadera gira mundial, es como dar un paso atrás para poder seguir adelante. Antes de salir de gira teníamos que buscar un sustituto para el tío que tocaba el bajo detrás del escenario. Ahora tenemos a un chico nuevo que va a estar en el escenario con nosotros y vamos a volver a presentarnos como una banda de nueve miembros”. 51

lante. Es como lo veo yo. Esta banda fue muy importante para él y para todos nosotros, por todo el trabajo duro y todo lo que habíamos pasado juntos. Lavarnos las manos y dejarlo habría sido lo más fácil. Es más complicado aprender de tus errores y eso es lo que debíamos hacer. Es muy triste que Paul ya no vaya a estar con nosotros nunca más, pero estoy agradecido de que al menos me enseñase muchísimo sobre cómo componer canciones. Aprendí mucho de su humanidad. Así que creo que es importante que continuemos”.

“Creo que la gente que critica nuestras canciones más melódicas de una manera negativa es porque realmente no conoce bien el grupo” JIM ROOT Corrígeme si me equivoco: creo que por aquel entonces ya habíais empezado a trabajar en la continuación de All Hope Is Gone, ¿verdad? “No, no teníamos nada preparado. No empezamos a escribir nada para este álbum hasta noviembre del año pasado. El ciclo de All Hope Is Gone ya había terminado, así que ése fue el momento en el que nos pusimos a trabajar en ello”. Fue entonces cuando decidiste dejar a un lado Stone Sour para centrarte de lleno en el nuevo disco de Slipknot, ¿no? “Bueno, en parte. Tiene mucho que ver con ello. No me daba la sensación de que nadie más en el grupo fuese a parar y empezase a componer. Había muchos sentimientos encontrados. Cuando salió el último álbum de Stone Sour, la gira seguía prolongándose cada vez más, hasta llegar al punto en el que se convirtió en ridículo. No tenía ningún sentido continuar, especial52

mente cuando ya teníamos unos plazos fijados para empezar a trabajar en el disco de Slipknot. En parte fue porque quería comenzar a componer cosas nuevas para el álbum y por otro lado me empezaba a sentir incómodo con alguna gente del grupo (Una semana después de la entrevista el propio Root declaró que le habían despedido del grupo vía telefónica –ndr.)”. En los meses siguientes hubo mucha confusión por las declaraciones que hicieron distintos miembros de la banda, sobre si debíais continuar sin Paul o no. ¿Supuso algún tipo de tensión en aquel momento? “Sí, bueno... Por aquel entonces todo eran preguntas. Teníamos que ver si podríamos seguir dando conciertos sin Paul. Afortunadamente fuimos capaces de continuar y creo que es importante, porque para Paul era necesario tocar, escribir y todo lo que conlleva estar en una formación. Así que en respeto al legado de Paul, debíamos seguir ade-

En el pasado siempre decíais que durante las grabaciones había mucha tensión entre vosotros. ¿Cómo fue esta vez? ¿Conseguisteis que debido a las circunstancias todos apartasen sus egos y se centrasen en ir en una misma dirección? “Sí, totalmente. Ésta ha sido la ocasión en la que más unidos hemos estado durante una grabación desde The Subliminal Verses. Todo el mundo estaba muy concentrado, trabajando muy duro y manteniendo a Paul en la memoria. Todos luchamos contra nuestros demonios personales, pero ahora estamos en un punto en el que no dejamos que nos afecten tanto entre nosotros. Hablamos más. Todo por lo que hemos pasado es un paso más en el proceso de curarnos y reunirnos como grupo. Definitivamente ha sido diferente a otras experiencias en el estudio. Había mucha más comunicación, abrazos y un trabajo increíble por parte de todo el mundo. Nos demostró que nos queremos los unos a los otros y que podemos seguir haciendo esto”. Ayer tuve la oportunidad de escuchar el disco y en mi opi-

nión, creo que está bastante bien. De primeras, me ha parecido mejor que All Hope Is Gone. Enhorabuena. “Gracias. Yo también lo prefiero a All Hope Is Gone. Estábamos realmente dispersos como grupo cuando hicimos ese disco. Acabamos de una manera muy diferente a la de cualquier álbum que habíamos grabado antes”. Hay un par de canciones que me llamaron mucho la atención, como ‘Custer’ y ‘The Negative One’, que conectan directamente con el sonido de vuestros primeros álbumes. “Sí, lo veo de la misma manera. Esas canciones las escribí en una sesión con nuestro nuevo batería en el primer estudio al que entramos. Estábamos haciendo una jam sobre una demo que teníamos y más tarde llegamos con los arreglos y los unimos. Como he dicho antes, de alguna manera tienes que ir hacia atrás para seguir adelante, creo que es parte del proceso de evolución. Todavía somos Slipknot y todavía seguimos haciendo lo que hacemos, pero de diferente manera. ‘Custer’ o ‘The Negative One’ son sólo una muestra de lo que hace el grupo”. Aparte de temas muy duros como es habitual en todos vuestros trabajos, también aparecen canciones más reposadas y melódicas. Es algo que habéis ido incluyendo en los últimos trabajos y que desconcierta a algunos de vuestros seguidores. ¿Te molesta que la gente no sea capaz de aceptar que Slipknot sabéis hacer algo más que sólo meter caña? “No. Para mí eso sólo demuestra que

son cerrados de mente. Si solamente hiciésemos canciones heavies y agresivas, sería como pintar un cuadro utilizando sólo el color rojo. Somos humanos y tenemos emociones humanas. No siempre te vas a sentir extremadamente agresivo. En algún momento vas a tener que poner algo de azul, verde, púrpura... otros colores en tu paleta. Puedes coger nuestro primer disco y escuchar ‘Wait And Bleed’, que es una canción con mucha melodía. No es como si estuviésemos haciendo algo que nunca hubiésemos probado antes. Creo que la gente que critica nuestras canciones más melódicas de una manera negativa es porque realmente no conoce bien el grupo”. También considero destacable la mayor presencia de los DJ’s y los samplers. Siempre los habéis utilizado, pero ahora parece que vuelven a estar en primer plano. Le da un toque muy old school al disco. “Sí, bueno, cuando estaba juntando los arreglos en mi garaje, intentaba dejar espacios para Sid (Wilson, programaciones) y Craig (Jones, samplers) para que tuviesen momentos donde poder meter sus partes, de alguna manera similar a como lo hacíamos en el pasado. En el último disco que hicimos parecía que no había suficiente espacio para que ellos pudieran hacer lo que acostumbran. Son una parte importante del grupo y le dan un toque especial, sobre todo los sonidos que trae Craig. Hay algunas canciones en las que juegan un gran papel, así que pensé que necesitaban su espacio para poder hacerlo. Ellos también han crecido y madurado como músicos, tienen sus propias opiniones e ideas. Creo que se puede decir que es par-

te de esta nueva etapa de Slipknot. Todo el mundo ha estado involucrado en el proceso de composición tanto como ha querido, porque aunque una canción estuviese completa, eso no quiere decir que la idea de alguien sea necesariamente mala. Estando en el estudio, podíamos probarlas, y si no llevaban al tema a un nuevo nivel, podíamos quitarlas también”. Ya sé que las letras son cosa de Corey, pero... ¿qué me puedes contar sobre ellas? “Como has dicho, eso es asunto de Corey. Cuando estuve escribiendo el nuevo material, los arreglos y demás, cuanto más pensaba en las voces, intentaba imaginar si Corey cantaría de una manera más melódica o gritando. Nunca sabes lo que va a cantar o decir. Intenté escribir los arreglos basándome en ello, pero Corey es capaz de coger algo que yo he hecho y cambiarlo por completo para que encaje con la idea que quiere contar. Es una persona con mucho talento para ello. Puede estar escribiendo algo muy personal para él, pero utilizando metáforas para que de alguna manera la gente sienta que es algo que les toca muy de cerca en sus vidas. Es muy bueno haciendo eso. Incluso si está cantando sobre su perro, puede que lo haga de una manera para que pienses que se puede tratar de tu novia, tu madre… ¡o incluso tu propio perro! (Risas)”. Como se puede ver en el videoclip de ‘The Devil In I’, hay dos nuevos miembros de Slipknot, cuyas identidades aún no han sido oficialmente reveladas. ¿Tomaron parte del proceso de composición y gra53

bación del nuevo disco? “Sí que estuvieron durante la parte de la grabación, pero no en la composición. El nuevo bajista creo que tocó en seis o siete canciones. Y obviamente, el batería en todos los temas del álbum. Estuvimos durante un mes en un estudio diferente con él probando todos los arreglos que había hecho previamente en mi garaje. También introdujo sus propias ideas y detalles y se ha implicado mucho. Para mí todo esto era importante si de verdad íbamos a seguir adelante como banda. Mick (Thomson, guitarra) y yo estuvimos hablando sobre si íbamos a tocar el bajo en el disco. Yo no quería hacerlo porque prefería estar más concentrado en las guitarras, los arreglos y cosas así. Hay mucho trabajo que hacer cuando estas grabando 18 canciones en muy poco tiempo. Y tocar el bajo no es algo que me guste mucho. Me da igual quien lo grabe mientras yo pueda tocar el resto de las canciones (risas)”. Como ya has dicho, van a estar presentes sobre el escenario cuando salgáis a tocar en la próxima gira. ¿Los consideráis miembros oficiales del grupo con el mismo peso que cualquiera de vosotros? “Aún no. Van a estar girando con nosotros, pero necesitan pasar por un proceso antes de llegar a eso. No sabemos cómo vamos a estar cuando salgamos a la carretera. Puede que ronquen demasiado fuerte o que el batería haga pis fuera de la taza del váter (risas). Pero ellos tienen que encontrar su propio camino. Nosotros lo hicimos cuando empezamos el grupo. Va a ser una gira en la que todos vamos a aprender los unos de los otros. 54

De alguna manera es como un nuevo comienzo, pero al mismo tiempo tienen que ganarse su puesto. Es por eso que sus máscaras lucen así. Tienen una apariencia ambigua porque ahora mismo tienen que encontrar su propia identidad dentro del grupo”. Eso es interesante. ¿Te refieres a que deben encontrar su propia personalidad para reformar sus máscaras al igual que vosotros habéis hecho? “Sí. Tienen que encontrar su identidad como hemos hecho los demás cuando empezamos. Es algo natural que ellos tengan que pasar por el mismo proceso. Pueden ser unos vagos y no cambiar nada, o ser creativos y hacer cosas interesantes con las máscaras. Es cosa suya (risas)”. Supongo que aún no puedes decirme quiénes son... ¿Habrá algún momento en el que lo hagáis oficial? “Bueno, no creo que sea asunto mío decir quiénes son. Conozco a mucha gente ahí fuera que tiene su opinión y cree saber quiénes son. Pero una vez salgamos y empecemos a girar, la gente se empezará a acercar y haremos más entrevistas con la prensa… tal vez ellos mismos puedan presentarse al mundo y hablar sobre quiénes son. Pero no me corresponde a mí decirlo o hacer un anuncio oficial de esto. Quizás Corey o Clown (Shawn Crahan, percusión) quieran hacerlo, pero personalmente prefiero dejar las cosas como están hasta que ellos sientan que están preparados para mostrarse al público”. Volviendo al vídeo, debo decir que vuestra imagen sigue resultando bastante espectacu-

lar. Sin embargo, siempre me he preguntado si a veces no os gustaría poder salir al escenario sin tener que llevar máscaras y demás parafernalia. “No lo sé. Para nosotros todo el rollo de las máscaras no va de tener una apariencia misteriosa o que nadie sepa nuestras identidades como si fuésemos superhéroes o algo así. Tiene que ver más con la personalidad que mostramos cuando estamos tocando sobre un escenario. A mí me ayuda. Cuando salgo ahí sin una máscara me siento más reservado y tímido. Pero llevando la máscara me ayuda a romper esa barrera un poco. Para mí eso es lo que significa y creo que aún es importante para Slipknot. ¿Habrá algún momento en el que dejemos de llevarlas? Lo dudo mucho. No puedo predecir el futuro”. En breve empezareis una gira mundial... Me gustaría aprovechar para preguntarte por qué en el tour de All Hope Is Gone había tan pocas canciones en los setlists de aquel disco, más aún cuando se trataba de presentar esos temas... “(Risas) Sí. De alguna manera fue un testimonio de lo poco unidos que estábamos cuando hicimos aquel disco. Lo acabamos de una manera en la que no todos estábamos realmente contentos. Y eso se tradujo cuando hicimos los conciertos. No estábamos satisfechos y no nos apetecía tocar muchas de esas canciones en directo. Pero creo que todos estamos más a gusto con los temas de este nuevo álbum, así que supongo que tocaremos más del nuevo material en los conciertos que de lo que lo hicimos con All Hope Is Gone. Ahora que lo dices, hemos

llegado al punto en el que tenemos un quinto disco de estudio y tenemos muchas canciones que intentar encajar durante una actuación de una hora u hora y media. Es difícil hacer que todo encaje bien. Aún hay gente que quiere seguir escuchando canciones de nuestros discos anteriores, así que tienes que tener cuidado con lo que incluyes en los setlists. Hay gente que por ejemplo viene esperando escuchar ‘Vermilion’ y si no la tocamos se enfadan, o cosas así. ¿Qué debemos hacer? ¿Un concierto de dos horas sin teloneros y tocar todas las canciones que quieran? No lo sé, es complicado”. En unas semanas estaréis encabezando vuestro festival, el Knotfest, primero en Estados Unidos y poco después en Japón. Sin duda esto es la confirmación de que sois uno de los mayores grupos de metal del mundo. ¿Cómo te sientes al tener tu propio festival? “Me siento muy orgulloso de lo que hemos hecho. Al principio nadie pensaba que duraríamos más de un disco, que no sobreviviríamos a una gira siendo nueve tíos y más haciéndolo de una manera tan extrema. Pero una vez hemos alcanzado este nivel, nos sentimos muy afortunados. Hemos trabajo muy duro para ello. Para mí, el Knotfest significa de alguna manera devolverles a los fans todo el apoyo que nos han dado. Pueden venir al festival y vernos, pero también vamos a tener un museo con todas nuestras indumentarias, máscaras, todo lo que hemos usado en el escenario, cosas que hemos hecho en vídeos y demás… todos pueden ir a verlo. Creo que es importante para la gente que realmente ha seguido a la banda de una manera tan cercana el

“Para nosotros todo el rollo de las máscaras no va de tener una apariencia misteriosa o que nadie sepa nuestras identidades como si fuésemos superhéroes o algo así. Tiene que ver más con la personalidad que mostramos cuando estamos tocando sobre un escenario” JIM ROOT poder tener todo esto delante de ellos. Es fantástico y espero que podamos seguir haciendo que el Knotfest crezca y llevarlo a otras zonas del mundo, no solamente a América o Japón. Me gustaría traerlo a Europa, pero hay muchos festivales allí. No sé si el Knotfest tendría cabida, pero espero que suceda en el futuro”.

por allí. Pero ahora que vamos a hacer todo el ciclo de un álbum tendremos la oportunidad de volver. Definitivamente es una región del mundo que echo de menos y estoy deseando volver. Ha pasado mucho tiempo... Así que para toda la gente de España deciros que esperamos veros muy pronto y muchas veces durante los próximos años”.

¿Elegís personalmente a las bandas del cartel? “Algunos de nosotros sí que estamos metidos en eso. Yo estoy más centrado en la parte musical y artística de las cosas, pero creo que Corey, Clown y alguien más si que están metidos de lleno en qué grupos van a tocar con nosotros en el festival. Yo estoy fuera de esa parte del negocio (risas)”.

Perfecto. Pues esperamos veros por aquí el año que viene. “Sí, eso espero. ¿De dónde eres?”.

Por último, lleváis mucho tiempo sin venir por España... ¿Algún mensaje que le quieras enviar a nuestros lectores y a todos vuestros fans que esperan volver a veros por aquí? “Lo echo de menos. Cada vez que vamos a Europa, al final no pasamos

Vivo en Madrid. “Oh, Madrid. Es una ciudad fantástica. Me encanta Barcelona también”. Sí. También hay un festival aquí, el Resurrection Fest, y hay muchísima gente que quiere que vayáis allí a tocar. “¿De verdad? Bueno, tendré que hablar con nuestro management, a ver si pueden hacer algo (risas)”.

Con un sonido expansivo y una fuerte carga melódica, los norteamericanos Pallbearer han dado un nuevo impulso a la escena doom. Pocas horas antes de su actuación en el Ritual Cvlt de Barcelona pudimos charlar con ellos. Texto: JORDI MEYA FotoS: DR/CARLES RODRÍGUEZ (DIRECTO)

PALLBEARER

esde que a los 16 años cogiera una guitarra, Brett Campbell se ha dedicado en cuerpo y alma a perseguir su sueño de vivir de la música. A raíz de la buena respuesta obtenida con Foundations Of Burden (Profound Lore), el segun56

do disco de Pallbearer, está cerca de conseguirlo. En activo desde 2008, el grupo de Little Rock, Arkansas, ha ido dando pequeños pero seguros pasos moldeando un sonido que aún partiendo del doom metal, no se aferra a restricciones estilísticas. Si de ello ya dieron buena muestra en

su debut Sorrow And Extinction en 2012, en su siguiente trabajo, grabado el invierno pasado junto a Billy Anderson (Sleep, Eyehategod), han logrado impregnar sus largas canciones de melancolía y belleza. Como ocurrió el año pasado con Deafheaven, con quienes giraron

su música, pero desde luego, no lo cambiaría por nada. Foundations Of Burden está teniendo muy buenas críticas. ¿Crees que con él habéis dado un gran paso artísticamente hablando? BRETT CAMPBELL “Para nosotros era el siguiente paso lógico. No lo veíamos como un gran paso. Son simplemente las nuevas canciones que teníamos y grabamos. Creo que es más dinámico que el primer disco, pero eso es sólo consecuencia de que nos sentimos más cómodos con nuestro sonido”.

por Estados Unidos, varios medios no especializados en metal les han dedicado amplias alabanzas. Y al igual que sus compañeros -el bajista Joseph. D. Rowland, el guitarra Devin Holt y el batería Mark Lierly-, Campbell todavía no tiene asimilado por qué el mundo está conectando con

¿Escuchasteis el primer álbum para ver cuál eran sus puntos flojos y cómo mejorarlo? “En realidad no. Tocamos esas canciones cada noche durante dos años, posiblemente no haya necesidad de volver a escucharlo nunca más (risas). Todavía me gusta mucho el primer disco, no podría quedarme con uno u otro. El segundo es diferente porque el enfoque fue distinto. Intentamos que las canciones fueran más progresivas, es más técnico. Pero eso es porque, después de tocar tantas veces las mismas canciones, necesitábamos hacer algo que fuera un poco más complejo. No es que el primer álbum sea muy simple, pero tampoco es muy técnico. Todos tocamos death metal también, así que nos apetecía darle un giro y que nos resultara más interesante. Salió de manera muy natural”. Porque cuando empezasteis con el grupo, ¿qué idea teníais en la cabeza? “Queríamos ser otra buena banda

de doom de Little Rock. La escena de allí es muy buena y queríamos seguir esa tradición. Nunca hubiéramos esperado estar donde estamos, es una locura”. Pero en vuestros discos se nota que no sólo habéis escuchado doom o metal... “No, claro. Muchas de las bandas locales de doom de ahí tampoco hacen doom tradicional. Tienes a Rwake, que incluyen muchos elementos extraños, son bastante atrevidos. Nosotros intentamos estar a ese nivel de calidad”. ¿Y habéis tenido el apoyo de la escena local? “Para serte sincero, nos hicimos más conocidos fuera antes que en Little Rock. Al principio no le importábamos a nadie allí, pero ahora sí. Nuestro concierto de presentación del disco fue el más grande que hemos dado. Ha sido a raíz de tener repercusión en la prensa nacional que el público local se fijó en nosotros. En realidad, la escena metal es pequeña, no creo que seamos más de 30 personas, pero todo el mundo es muy apasionado”. Después de dos años girando, ¿cómo cambió el grupo? “Creo que somos un grupo más compacto gracias a eso. Mis circunstancias personales también han cambiado mucho en este tiempo. Es difícil hablar de ello si entrar en mi parcela privada, pero hubo cambios muy importantes en mi vida. Tuve que desprenderme de algo que hacía mucho tiempo que sentía que debía dejar atrás. Tuve que reconectar con una parte de mí mismo que creía perdi57

prefiero eso a que no guste (risas), pero no me gusta encasillar los estilos. Si hay gente que no escucha metal y le gustamos es perfecto porque igual se interesarán por otras bandas y descubrirán que quizá les gusta el metal (risas). Nunca he entendido la gente que no quiere que las buenas bandas sean conocidas. Si algo es bueno, yo quiero que se conozca lo más posible”.

da. Y por otra parte, conocer a gente en lugares distintos me ha animado a ser más extrovertido. Cuando estoy en casa no soy muy sociable, pero en la carretera no me queda otro remedio que serlo. Y la verdad es que disfruto hablando con la gente. Antes me resultaba muy incómodo que la gente me halagara, pero ahora me lo tomo de una manera más natural. No dejo que se me suba a la cabeza, pero sí me gusta mostrarme agradecido. La mayoría de la gente que viene a los shows de Pallbearer se parece aunque sea de lugares distintos. Es gente con intereses similares. Ésta es nuestra primera gira europea y no sabía muy bien qué esperar, pero todo el mundo ha sido muy amable”. ¿Cómo te sientes cuando medios no estrictamente metal se interesan por vosotros? “No quiero prestar demasiada atención a lo que dicen los medios porque te jode la cabeza. Estoy muy feliz de que guste a todo el mundo,

Una de las características del grupo es que vuestra música tiene un lado luminoso que no es común en otras bandas de doom. “Mucha gente dice eso. No sé si somos tan luminosos, creo que es por la melodía. Mucha gente asocia eso a un sentimiento más feliz, pero para mí viene de la música progresiva en la que se utilizan muchas armonías. En el nuevo disco hemos intentado hacer algo así como una versión heavy de Pet Sounds (el disco de referencia de Beach Boys –ndr.), pero las letras son bastante oscuras. No creo que nuestra música sea edificante, sino más bien sobrecogedora. Se trata más de sentirse liberado, una especie de viaje a través de la música. Tanto en álbum como en directo intentamos crear ese viaje. Dependiendo del repertorio que elijamos podemos mostrar una cara más agresiva o más lenta, o más espacial, pero siempre intentamos que sea un viaje”. El tocar tempos lentos también te da más oportunidad de desarrollar las melodías.

“Sí, los tempos lentos hacen que la música respire más. También me gusta el grindcore, pero no es lo que intentamos hacer. Para mí la música tiene que chocar contra ti como una ola, tienes que ver las burbujas, la espuma… A veces te puede golpear con fuerza, pero otra puede ser una ola suave”. ¿Cuáles fueron las primeras bandas que llamaron tu atención hacia el doom? “My Dying Bride, Anathema, todas las del sello Peaceville en general. No tenía amigos que les gustara el metal, así que buscaba a ciegas”. ¿Te ha gustado la evolución de Anathema? “Me encanta todo hasta Judgement. A Fine Day To Exist también me gusta, pero cuando empezaron a sonar como Coldplay… Me alegro de que sigan teniendo éxito, pero ahora me suenan a rock cristiano (risas). No es mi rollo, pero sigo escuchando los discos antiguos”. ¿Ves a Pallbearer evolucionando de ese modo? No en la misma dirección, pero sí cambiando completamente el sonido que tenéis ahora. “¿Quién sabe? Desde antes del primer álbum ya teníamos un plan para los tres primeros discos. Sabíamos que éste sería más agresivo, más hard rock, como Deep Purple o Rainbow, aunque no suenen igual. Después del tercer disco no tenemos ningún plan, así que ya veremos”.

ESPECIAL FOTO

FOO FIGHTERS - HOUSE OF VANS (LONDRES) El pasado 11 de septiembre Foo Fighters ofrecían un concierto secreto en la nueva House Of Vans de Londres, una antigua estación de metro reconvertida en skate park, bar y sala de conciertos, dentro de una gira de calentamiento antes de la salida de su esperado Sonic Highways. A continuación os ofrecemos una representación gráfica de lo ocurrido ahí, así como una crónica del concierto que darían al día siguiente en un local aún más pequeño. Texto: Roberto Bua

fotos: Nathan Gallagher photography

omo era de esperar, cuando Foo Fighters (perdón, The Holy Shits, seudónimo bajo el que actuó la banda norteamericana) anunciaron una pequeña serie de conciertos íntimos por el Reino Unido, internet enloqueció por completo. Las entradas para la primera fecha en Brighton se agotaron en cuestión de segundos, de la misma forma que las de su actuación gratuita al día siguiente en la House Of Vans de Londres. El hecho de que las ciudades y salas se anunciaran por Twitter en el mismo momento en el que las entradas salían a la venta no nos puso las cosas demasiado fáciles a los que llevábamos días pegados a nuestras pantallas, rezando para

ver a la que probablemente sea la banda de rock más grande del planeta en lugares a los que irías a ver actuar al grupo de tus colegas. Aun así, alguien debió escuchar nuestras plegarias en el Olimpo del Rock y tuvimos la enorme suerte de poder asistir al último show de esta pequeña gira en el Islington Assembly Hall, una pequeña sala con capacidad para apenas 400 personas en el norte de Londres. La expectación se podía palpar en el ambiente y estaba claro que el público, una mezcla de fans, jefazos de la industria musical e incluso Roger Taylor y Brian May de Queen (¡Queen!), sabía que se trataba de una ocasión muy

especial. Pasando olímpicamente de la puntualidad británica (a ellos se les perdona), Grohl y compañía subieron al escenario dejando claras sus intenciones: “Hoy vamos a tocar temas que todos conocéis de forma distinta, y otros que no solemos tocar, ¡hasta que nos echen del escenario!”. Y el bueno de Dave no mintió: más de dos horas de concierto en el que repasaron su carrera, tocando prácticamente todos sus hits junto a una selección de canciones algo menos populares como ‘I’ll Stick Around’ o ‘Hey! Johnny Park’, todo salpicado de su particular sentido del humor. La verdad es que no me acababa de creer lo que estaba viendo, ya que el ambiente era

más propio de una fiesta entre amigos que de un concierto de un grupo de este calibre. En directo no tienen rival y no exagero al decir que probablemente sea la mejor banda de rock que he visto nunca (sí, debido a demasiadas malas coincidencias en la vida, ésta fue mi primera vez). Dave Grohl es puro carisma, el hecho de tener a tres guitarristas en el escenario hace que todo suene enorme y Taylor Hawkins me dejó claro que es un auténtico animal en ‘Cold Day In The Sun’. A destacar también los cambios que, como dijeron nada más empezar y debido a la ocasión, hicieron en cada uno de los temas, tocando una pequeña parte de una de sus

nuevas canciones en medio de ‘The Pretender’ o convirtiendo el final de ‘Learn To Fly’ en thrash metal. Hubieron muchísimos momentos cómicos, a destacar Pat Smear tirando caramelos Menthos al resto de la banda antes de tocar ‘Big Me’, algo que nos hizo especial gracia a sus fans más antiguos. Sin duda el momento más emotivo de la noche tuvo lugar cuando durante ‘Arlandria’ Dave Grohl paró momentáneamente el show para presentarnos a todos a su madre, quién se encontraba sentada en la parte superior de la sala: “¡No te das cuenta de la cantidad de canciones que hacen referencia a tu madre hasta que está entre el público, saludadla todos!”.

Como no podía ser de otra forma, la noche acabó con ‘Best Of You’ y la promesa de que volverán en verano para tocar en el Wembley Stadium. La señal inequívoca de que fue algo realmente especial fue que a la salida, como si se tratara de una gran película, no podía dejar de pensar en lo que acababa de ver, algo que no me pasaba desde mis primeros conciertos siendo un crío. Supongo que algún día decidirán retirarse y alguien tendrá que tomarles el relevo, pero de momento no parece que vaya a pasar. El trono sigue estando demasiado alto, y seguro que no soy el único que espera que siga siendo así durante mucho tiempo.

LAGWAGON

HACIENDO AMIGOS IMPRESCINDIBLES COMO POCOS PARA ENTENDER LA EXPLOSIÓN DEL HARDCORE MELÓDICO EN LOS 90, SE ECHABA DE MENOS QUE LAGWAGON NOS DELEITASEN CON NUEVAS CANCIONES. ESCUCHAR HANG, SU PRIMER DISCO EN NUEVE AÑOS, ES COMO REENCONTRARTE CON ESE COLEGA DE TODA LA VIDA DESPUÉS DE MUCHÍSIMO TIEMPO Y SABER QUE, A PESAR DE TODO, SIGUE SIENDO EL MISMO DE SIEMPRE. Texto: Gonzalo Puebla Fotos: DR

uando un grupo se pasa más de nueve años sin sacar nuevo material a la luz, lo lógico sería empezar a echarles en falta, o peor aún, pensar que están acabados. No 66

ha sido éste el caso de los californianos Lagwagon. Si bien es cierto que desde que en 2005 editaran Resolve no habían vuelto a dar signos de vida en cuanto a creatividad se refiere (obviando un EP en 2008, titulado de ma-

nera entrañable I Think My Older Brother Used To Listen To Lagwagon), la banda no había cesado su actividad sobre los escenarios en ningún momento. De hecho, en los últimos años ha sido bastante habitual verles incluso

ellos, su nuevo plástico, Hang (Fat Wreck Chords), ya se encuentra disponible. En él encontraremos el sonido que siempre les ha caracterizado: punk rock ultra rápido con las acertadísimas melodías de Cape. Eso y alguna que otra novedad en forma de riffs metaleros y sorprendentes arreglos, que lejos de desvirtuar su espíritu original, les hacen sonar más vivos que nunca. El siempre afable Cape (el resto de la formación la completan el grandullón Chris Flippin y Chris Rest a las guitarras, Dave Raun a las baquetas y el nuevo bajista Joe Raposo) nos atendió durante un buen rato para hablar de uno de los lanzamientos más esperados del punk rock en este curso y varios asuntos más, entre los que no faltó el recuerdo a su gran amigo Tony Sly.

“Nunca he visto a Lagwagon como un grupo de punk, sino como uno que tiene influencias del punk rock, pero también algo del metal” JOEY CAPE

por nuestro país en varias ocasiones, lo cual ha hecho que siguiésemos teniendo bien presente a los autores de obras capitales como Hoss o Double Plaidinum. Algo a lo que también han ayudado las múltiples aventuras de su carismático vocalista Joey Cape, ya fuese en solitario o colaborando con sus colegas de Me First And The Gimme Gimmes, Scorpios o Bad Loud. Pero claro, casi una década sin publicar un nuevo trabajo es demasiado tiempo, y algunos ya empezaban a impacientarse. Por suerte para todos

Durante los nueve años que han pasado entre Resolve y Hang has estado ocupado con otros proyectos, y sin embargo, también has estado dando conciertos con Lagwagon. Aparte de esto, ¿cuál es la principal razón por la que esta vez hayáis tardado tanto tiempo en sacar un nuevo trabajo? JOEY CAPE “Bueno, creo que la razón principal es que en Lagwagon no hacemos discos si no creemos que estamos preparados. Sé que probablemente no sea lo mejor para nuestros fans, pero creo que es mejor esperar porque así hacemos mejores discos. Yo escribo mucha música y a veces siento que no es la adecuada para Lagwagon. Si intentase forzar esas canciones para que sirviesen, seguramente no lo harían. Nos ha llevado mucho tiempo porque necesitábamos sentir que estábamos preparados. Somos muy apasionados de la música. Creo que

lo bueno de todo esto es que siempre vamos a estar orgullosos del álbum que hagamos e imagino que a nuestros seguidores también les encantará. Es mejor de esta manera”. Bueno, viendo que las reuniones últimamente están a la orden del día, quizás os hubiera salido mejor decir que os habíais separado. Incluso habríais levantado una mayor expectación... “Es posible, pero para mí así está bien. Creo que lo más importante es cómo se sienta el grupo con lo que hacemos. Y Hang es definitivamente nuestro disco favorito de todos los que hemos hecho. Todos estamos muy orgullosos de él. Eso es lo importante, tienes que hacer obras que te gusten. Si no es así, creo que la gente lo nota. Ven que hay convicción en la música, eso es más poderoso que seguir sacando discos sólo para que tu grupo continúe siendo popular. Yo no quiero hacer eso. Éste es el disco que más tiempo nos ha llevado hacer porque, aunque tengamos otros grupos, o estemos de gira, no pensábamos que fuese el momento. Cuando lo hicimos, era el momento perfecto. Todos estaban listos, trabajamos muy duro en ello juntos. Y me encanta eso porque la mayoría de las veces yo escribo todas las canciones, los arreglos, los llevo al resto del grupo y por supuesto, se nota su influencia en el álbum. Pero esta vez ha sido más una experiencia colaborativa. Empezamos a escribir las canciones juntos, trabajamos en ellas durante un par de años, les dimos forma. Durante cuatro meses estuvimos haciendo demos en la casa de nuestro batería. Y creo que hemos hecho el disco perfecto para nosotros. Y eso es 67

lo más importante, porque si empiezas a pensar en complacer a la gente y en agradar a todo el mundo, al final acabarás decepcionado. Así que tienes que satisfacerte a ti mismo”. Este verano te hicimos una entrevista para nuestro especial del Resurrection Fest y ya ahí nos comentabas que Hang iba a ser un álbum más orientado al hardcore y al metal, pero escuchándolo tampoco me ha dado esa sensación salvo un par de temas... ¿Cómo explicas desde tu punto de vista que el disco sea más duro? “Bueno, nuestra banda creció, especialmente por nuestra edad, escuchando música punk rock, pero también hard rock y metal. Nunca he visto a Lagwagon como un grupo de punk, sino como uno que tiene influencias del punk rock, pero también algo del metal. Sé que es un tanto atrevido, pero en este disco nos preguntamos ‘¿Qué queremos tocar?’. Y puedo ver que hay elementos del hard rock y el metal en los riffs de este disco. Muchos de los primeros trabajos que hicimos tienen cosas así. Pero créeme, es realmente imposible analizar tu propia música, y también es algo inútil de discutir porque todos tienen su jodida opinión (risas). No lo sé, todo lo que sé es que hay muchos riffs en este álbum, muchísimos solos de guitarra y que no tocamos rápido todo el rato. Creo que sónicamente es un disco muy heavy también. Tiene una gran producción. Todo lo que puedo decir es que me encanta y al grupo también (risas)”. ¿Eres fan del metal? ¿Qué grupos sueles escuchar? “No suelo escuchar mucho metal 68

nuevo. No soy realmente un seguidor del sonido metal. Crecí en los 70 y los 80, así que estaba muy metido en Black Sabbath y en las primeras bandas de metal influyentes. Me gustaba mucho la NWOBHM. Ya sabes, Iron Maiden, Judas Priest y millones de otros grupos. Pero también el punk rock. Realmente me gustan todos los estilos de música, no soy de ese tipo de personas que elijen la música como si fuese una moda. Pero crecí escuchando mucho metal, como todos en el grupo. Voy a cumplir 48 este año, dentro de tres semanas...”. ¡Vaya! Felicidades por adelantado. “¡Gracias! (Risas) Pero quiero decir, aún somos jóvenes. Venimos de aquella época y no tengo problemas en mostrar las influencias que tenemos bajo la manga. De todas maneras, no soy seguidor de los grupos de metal que no tienen melodías, así que todo eso de los gritos no es para mí. Pero aún hay grupos haciendo música que me gusta, como por supuesto cada disco que saca Slayer. Amo a esa banda... Pero no sonamos como Slayer, eso está claro (risas)”. A nivel de letras sí que me ha parecido un disco más oscuro y quizás hasta depresivo. ¿En qué te inspiraste? “Déjame explicarte... ¿Sabes lo que significa ‘late at night’, no? Estas apoyado en la barra de una bar, con tus amigos, emborrachándote y entonces empiezas a hablar del mundo en el que vives. Yo siempre he escrito sobre experiencias que me han marcado en mi vida como cuando un amigo ha muerto, cuando una mujer me rompió el corazón o de un colega porque

no fue leal. Ésas son las cosas sobre las que siempre he escrito porque me afectan. Pero en este nuevo disco, he pasado años y años sentado hablando con algún amigo sobre las cosas que pasan en el mundo. Y me decían: ‘Tienes que escribir una canción sobre eso’. Y yo pensaba: ‘No sé’. Hay muchos grupos haciendo álbumes sobre política, eso no es para mí, prefiero escribir sobre la naturaleza humana. Y entonces me di cuenta de que podía escribir un disco sobre la manera en la que veía el mundo en el que vivía, en el que mi hija tendrá que crecer, y resultaba aterrador. Hay una manera de escribir ese disco desde mi punto de vista humano y hablar de los problemas que veo en el mundo. Preocuparme por nuestro futuro, nuestra historia. Hay muchas cosas que veo que están desapareciendo y que son esenciales para nuestras supervivencia. Y decidí ir a por ello. Tenía algunas dudas sobre esto, porque puedes sonar muy pretencioso o bien como un hippie, y no quería caer en eso. Así que escribí sobre cómo me sentía, sobre mi mundo. Intenté darle al disco un sentimiento de confesión. He pasado dos años escribiendo estas letras y me siento muy orgulloso de ellas. Espero que la gente se pueda sentir identificada”. Es curioso porque desde fuera siempre ha dado la sensación de que Lagwagon sois gente divertida y cercana, pero luego escuchando vuestras canciones, especialmente en los últimos trabajos, uno se puede encontrar con letras realmente profundas... “Vaya, gracias... creo (risas). Creo que ha habido muchos malentendidos a lo largo de nuestra carrera y pienso que

“Creo que se tiene la idea equivocada de que Lagwagon somos un grupo de broma” JOEY CAPE

la mayoría son en parte culpa nuestra. Creo que se tiene la idea equivocada de que Lagwagon somos un grupo de broma. Si echo un vistazo a todo nuestro catálogo creo que habrá unas diez canciones en tono humorístico, divertidas o tontas. En la gran mayoría de nuestros primeros discos siempre había una o dos canciones que eran así. A algunos les parecieron graciosas, como ‘Falling Apart’, ‘Mr. Coffee’, y podría seguir... (Risas) Pero déjame decirte que el otro 80, 85, 90% de la música que escribimos es realmente muy oscura. Tenemos canciones de ese tipo en todos los discos y la mayoría de ellas son oscuras y melancólicas. Pero creo que lo que hizo que mucha gente tuviera esa percepción de nosotros es que siempre teníamos esas portadas tan divertidas. La razón por la que hicimos eso es porque cuando eres una familia y tienes que ponerte de acuerdo en algo, lo más fácil de coincidir siempre es en el humor. Y eso puede llegar a ser un problema para el resto de tu vida. Cuando estás discutiendo sobre qué es lo quieres que el

álbum refleje en la portada, no te tomas ningún comentario en serio hasta que alguien hace un chiste, entonces todo el mundo se ríe y piensas: ‘A la mierda... Lo ponemos en la portada’ (Risas). Y eso es lo que siempre hicimos. Creo que está bien porque tuvimos la idea de no tomarnos a nosotros mismos demasiado en serio. Haciendo música somos muy serios, pero hay algo de comedia que refleja el tipo de gente que somos. Bien, entonces sacamos Resolve, y aquel álbum estaba dedicado a mi mejor amigo que había muerto (se refiere a Derrick Plourde, primer batería de Lagwagon, que se suicidó en 2005 -ndr.). No había cabida para el humor en ese disco, era un tributo. Cuando perdimos a Derrick, cambiamos, todos en el grupo. Pensamos: ‘OK, ya no somos unos críos. ¿Qué vamos a hacer ahora?’. Entonces sacamos el EP I Think My Older Brother Used To Listen To Lagwagon. El título podía ser un poco tonto, pero no así la música. Y cuando estuve escribiendo las letras para este nuevo disco, se las enseñé al grupo y todos

estuvimos de acuerdo en que este iba a ser un álbum serio, no vamos a seguir siendo una banda de broma. No creo que queramos ser vistos de esa manera. Preferiría dejar un legado y que la gente piense que de verdad somos gente creativa y hacemos música de verdad. ¿Pero qué le vamos a hacer? Pusimos a Hoss de Bonanza en una de nuestras portadas. Pero está bien, puedo vivir con ello (risas)”. Una de las canciones más especiales del disco es ‘One More Song’, que según he leído, está inspirada en el último tema que estaba escribiendo Tony Sly y que tocó para ti durante la última gira conjunta que hicisteis. ¿Qué me puedes contar sobre ella? “Bueno, es difícil para mí hablar de Tony. No tenía planeado escribir ninguna canción para él, porque pienso que a veces la música y las letras son más que suficiente. Eso fue lo que hice cuando estuve escribiendo el disco para Derrick. Pero cuando pasó lo de 69

“La idea detrás de ‘One More Song’ es que si Tony Sly hubiera seguido vivo para terminar ese tema y pUDIERA haberla escuchado, sería genial, pero lo importante es que seguiría vivo y podríamos pasar más tiempo con él” JOEY CAPE Tony me dije: ‘No quiero exponerlo, no quiero hacer eso otra vez, voy a guardármelo para mí mismo, es algo muy personal’. Pero cuando estaba componiendo esta canción e intenté escribir la letra, recordé una canción que Tony me había tocado durante nuestra última gira juntos y no llegó a terminar. Y pensé: ‘¡Esto es bueno, tengo que contar esta historia’. La idea detrás de la canción es que si Tony hubiera seguido vivo para terminar ese tema y pudiera haberla escuchado, sería genial, pero lo importante es que seguiría vivo y podríamos pasar más tiempo con él. La canción no es importante. Su canción sí lo es, pero no es el hecho de que la canción exista en sí, y que la encontrásemos para que la gente pueda escucharla, porque no puede ser. No la grabó, no estaba terminada, pero era preciosa. Y él era una bella persona. Le echo de menos y ojalá estuviera aquí para terminar esa canción y estar con él. Eso es lo que quería decir cuando escribí este tema. La otra parte de la letra habla de que cada vez que pierdes a alguien, hay una parte de nosotros que siempre se siente un poco culpable. Me hubiera gustado poder hacer algo más. Es doloroso. Conozco a su familia y ya no está con ellos. Me duele muchísimo”. Debo decirte que este verano te vi en el Resurrection Fest y cuando tocaste ‘International You Day’, todos los que está70

bamos allí empezamos a cantar. Se me puso la piel de gallina. Creo que ha sido uno de los momentos más bonitos que he vivido durante un concierto. “Fue fantástico, sí. Es una canción muy hermosa, creo que es una de las mejores que Tony escribió. Toqué muchas veces esa canción durante los conciertos acústicos que hice con él, pero ahora cada vez que la toco veo a mucha gente emocionarse cantándola. Es alucinante”. ¿Cómo fue para ti dar un show acústico a las dos de la tarde en una festival de metal y hardcore como ése? “Sí, recuerdo que fue muy pronto. La verdad es que fue horrible (risas). Siendo honestos, tuve que cambiar la hora de la actuación, tenía jet lag, era muy pronto e incluso me sentía como si fuese aún más temprano, como si fuese a tocar a las ocho de la mañana. Es difícil cantar así y concentrarte. Pero al final resultó ser mejor de lo que esperaba. La gente vino a verme, cantaron, todo el mundo fue muy amable y acabé disfrutándolo. Lo único de lo que me arrepiento es que mi voz no era la mejor. Es mejor cantar por la noche porque ya estás más despierto. Pero el público estuvo fantástico. Lo que es interesante es que hice ese concierto a las tres de la tarde y luego salí con Lagwagon a las dos de la madrugada. ¡Había como doce horas de diferen-

cia! (Risas) Fue un poco locura, pero al final fue una buena experiencia”. Como bien dices, luego saliste a tocar con Lagwagon por la noche. Al igual que cuando actuasteis en 2010, lo hicisteis mientras llovía de lo lindo. ¡Casi parece una tradición! “Sí, es como si tuviésemos mala suerte (risas). Creo que en esa región de España llueve muchísimo y especialmente en esa época del año. Quizás no sería la mejor idea hacer el festival en esas fechas. Es una zona muy bonita, me encanta, pero la lluvia es muy dura. No sé cómo la gente se las puede apañar. En 2010 hubo una gran tormenta, eran como las tres de la noche y la gente seguía ahí. Pensé: ‘Guau, eso sí que es dedicación’. Creo que fue uno de nuestros conciertos más mágicos de aquel año”. ¿Qué te resulta más divertido a estas alturas, girar con Lagwagon, en solitario o con Me First And The Gimme Gimmes? “Es diferente. La verdad es que me lo paso muy bien con ambos. Pero con Me First And The Gimme Gimmes no nos lo tomamos muy en serio. No ensayamos. Es algo antiprofesional hasta el extremo. Nos lo tomamos como unas vacaciones, como ‘OK, vamos a salir de juerga a cualquier parte del mundo a pasarlo bien. Y, sí, bueno, todas las noches tenemos que dar un concierto, pero eso no importa’ (Risas). Pero en cambio Lagwagon es como una familia, llevamos juntos toda la vida. Nos emborrachamos juntos todas las noches y salimos a darlo todo. Nos queremos mucho y luchamos como una familia. Es diferente, pero ambos son muy divertidos. La cosa

es que Lagwagon toca su propia música y somos muy serios con lo que hacemos, es lo más importante para nosotros. Pero ni siquiera en los Gimme Gimmes todo el mundo bebe o sale de fiesta. En cambio en Lagwagon al final de la gira necesitamos ayuda porque nos pasamos de rosca con las fiestas (risas). Así que, de alguna forma, uno es más saludable y relajante”. Vaya, jamás hubiera pensado que sería más divertido ir de gira con Lagwagon que con Me First. “Bueno, eso es porque nos conocemos todos. Conozco a Chris Rest desde que tenía 4 años. Es de locos. A Chris Flippin le conozco desde hace 30 años, Joe Raposo igual y a Dave Raun desde hace 18. Es muchísimo tiempo. Joe y Dave se conocen desde que eran niños, crecieron en el mismo pueblo de California y llevan toda la vida juntos. Somos como una familia de verdad. Así que cuando salimos de fiesta, nos conocemos tan bien que resulta más divertido”.

ONE WEEK

RECORDS omo ya habéis leído, Joey Cape es uno de esos tipos que no puede parar con tal de saciar sus inquietudes creativas. Su penúltimo proyecto se trata de un sello discográfico muy especial en el que también ejerce de productor de

todos los álbumes que se publican: “Me encanta el proceso de producir discos. Lo he hecho durante años. Muchas veces he hecho de ingeniero en los discos de Lagwagon o para otros grupos. Es la parte que más disfruto del proceso junto a la composición, pero no me gusta cómo se está trabajando en ese campo a día de hoy. No me gusta el autotuning, el Pro Tools, que todo suene perfecto. Lo que de verdad me interesa es la interpretación, el momento. Me parece más real, es algo incuestionable. La idea de One Week Records es que no grabo a grupos completos, si no a cantautores tocando sus canciones, simplemente. Y creo que a la gente todavía le interesa eso y quiere escucharlo”. Así pues, Joey acoge durante una semana en su hogar a un músico en particular, con el que grabará en su estudio casero mientras comparte techo con su familia. Por ahí ya ha pasado gente como Chris Cresswell de The Flatliners o Brian Wahlstrom. “Para mí es genial tener a toda esa gente en mi casa. Durante una semana nos levantamos por la mañana, tomamos un café, por la noche un whiskey, hago la cena en la cocina... Para mi hija no hay ninguna diferencia entre Chris Cresswell e Iggy Pop. Está completamente emocionada. Durante muchos años he recibido demos de algunos fans pidiéndome que las escuchase. Muchas de ellas me encantan porque las han grabado con el teléfono

Para acabar, una pregunta curiosa: alguien me comentó que corre cierto rumor de que ya no giráis mucho por Canadá dado que a Chris Flippin no le dejan entrar en el país por ser demasiado alto. ¿Hay algo de cierto? “(Risas) Obviamente no es verdad, pero es gracioso. Nunca lo había escuchado. Es sólo que en algunos lugares del mundo tienen reglas muy estrictas sobre la gente que tiene una historia criminal. Y Chris Flippin tiene una muy grande. Creo que cuando eres un

móvil. Así que cuando escucho algún disco con una gran producción, pienso que prefiero escuchar demos con un sonido de mierda a eso, porque quiero escuchar la canción de verdad. Con la gente con la que trabajo hablo antes de la grabación, escogemos las canciones, hacemos los arreglos y un poco de preproducción. Y cuando vienen sólo se trata de capturar el momento. Es algo de lo que disfruto muchísimo”.

gigante, alguna gente busca problemas contigo, y Chris ha tenido muchos problemas en su vida. Pero eso fue hace mucho tiempo, cuando era más joven. Hay muchas fronteras donde le han visto y han pensado: ‘¿De dónde ha salido este tío?’. Hicimos una gira por Canadá hace no mucho y Chris

no pudo venir, así que llevamos a otro guitarrista. Pero las otras veces no ha tenido ningún problema, porque allí también tienen gigantes (risas)”.

DISCO DEL MES

E Denbora Da Poligrafo Bakarra (ONLY IN DREAMS) ROCK

BERRI TXARRAK

n 2014 se cumple el 20 aniversario de Berri Txarrak y la banda ya había dejado caer que iba a celebrarlo con algo muy especial. A lo largo de los últimos meses ellos mismos fueron dando cuenta a través de las redes sociales de su periplo por tres estudios distintos para trabajar con otros tantos productores, lo que confirmaba que el trío estaba creando su nueva obra con una metodología distinta. Que volvieran en marzo a Venice Beach para grabar con Ross Robinson (At The Drive-In, Slipknot) entraba dentro de los planes teniendo en cuenta el enorme resultado que obtuvieron en su anterior Haria, pero que en julio se trasladaran a Madrid para

hacerlo con Ricky Falkner (Standstill, Love Of Lesbian) y finalmente en septiembre a Colorado para, por fin, encontrarse con Bill Stevenson y Jason Livermore, el dúo detrás de las producciones de sus queridos Rise Against, hizo que las expectativas no dejaran de crecer. Y también las incógnitas por saber qué iba a salir de todo aquello… Denbora Da Poligrafo Bakarra (‘El tiempo es el único polígrafo’ en castellano) es finalmente un triple EP con un total de 20 temas, uno por cada año de carrera. Pero quien piense que estar de celebración les ha llevado a hacer un disco musicalmente nostálgico o regodearse en su propia historia se equivoca, porque es justo lo contrario. Denbora…

es una fotografía del presente de Berri Txarrak y, en cierta manera, también de su futuro. Obviamente encontramos sonoridades que nos resultan familiares, pero a la vez, descubrimos nuevos ángulos en su prisma. El primero de los EPs, el grabado con Robinson, es en cierta manera una prolongación de Haria y sirve como puente entre su pasado más inmediato y su momento actual. En sus siete temas nos encontramos riffs más pesados, en algunos casos cercanos al stoner (‘Armak’), otros más rápidos y rabiosos (‘Alegia), otros más atmosféricos (‘Zimelkor’), pero sin renunciar a las melodías vocales que les caracterizan. Aquí Berri plasman su lado más oscuro y

es el musicalmente más elaborado de los tres capítulos con los temas retorciendo sus estructuras (‘Etsia’, ‘Sutxakurrak’) y reclamando una mayor atención por parte del oyente. De haber sido éste, con tres o cuatro temas más, el nuevo álbum del trío resultaría satisfactorio, pero afortunadamente la cosa no queda ahí. A la que ‘Aditu Bihurtuak’ abre el segundo EP con 2 minutos de elegante calma ya advertimos que la cosa irá por otros derroteros. La voz de Gorka Urbizu suena mucho más limpia, así como las guitarras, una constante a lo largo de estos siete temas. La sensación se confirma con ‘Bigarren Itzala’ con un pegadizo punteo de guitarra y un estribillo luminoso y ‘Lemak, Aingurak’, donde el bajo de

toda una fiesta para quienes disfrutan con los Berri más directos. Seis pildorazos de apenas dos minutos, pero que no hay que confundir con simples punkarradas, pues tanto en la rockera ‘Orain Norbait Zara’ como en las noventeras ‘Hitzen Oinarri Ahulak’ y ‘Bigarren Eskuko Amets’, la personalidad del grupo se impone por encima de un estilo concreto. Merece también la pena destacar la profundidad de las letras. Como siempre, Gorka consigue atar lo social a lo individual, lo político a lo personal, retratando de manera poética el reto de asimilar la complejidad del mundo que vivimos y el inconformismo del que no renuncia a cambiar las cosas. Algo que queda resumido en En ‘Hel-

“UNA FOTOGRAFÍA DEL PRESENTE DE BERRI TXARRAK Y, EN CIERTA MANERA, TAMBIÉN DE SU FUTURO” David Gonzalez se vuelve funk y Galder Izagirre cambia su habitual pegada por un ritmo bailable. Berri nunca habían estado tan cerca del pop como aquí y la verdad es que lo hacen de maravilla. También es magnífica la intimista pero poderosa ‘Poligrafo Bakarra’, en la que tenemos la oportunidad de entrar en el interior de la mente de Gorka. “El tiempo es el único polígrafo, lo demás son conjeturas”, sentencia. La post punk ’26 Segundutan’ cierra este sorprendente EP que quizá descoloque a algunos, pero que personalmente considero todo un acierto. Para acabar, el tercer EP es

duleku Guztiak’ del segundo EP. “A menudo me acuerdo de Amaia Egaña”, canta en referencia a la exconcejala socialista desahuciada que se suicidó en 2012. Y sigue “del balón pinchado de los hermanos Bakú, de esa panda de malnacidos (…) de la lista de nombres de cárceles que aprendimos de memoria. A menudo me acuerdo de aquel disco azul de acordes simples pero emocionantes. Ahora ahí fuera no hay más que gravedad, todo está a punto de venirse abajo”. Por suerte, podemos seguir confiando en que Berri Txarrak estarán ahí para contarlo. JORDI MEYA

críticas

XTRMST HAS DE SABER... FORMACIÓN: Davey Havok (voz), Jade Puget (guitarra) PRODUCIDO POR: Jade Puget AFINES A: Converge, Minor Threat, AFI PÁGINA WEB: http://xtrmst.com/

RECOMENDADO POR:

XTRMST (DIM MAK)

HARDCORE

xtremist’ es como se lee XTRMST, el nuevo proyecto de Davey Havok y Jade Puget, respectivamente vocalista y guitarrista de AFI. Y parece que la garra que han ido perdiendo AFI en sus últimos trabajos la habían reservado para esta banda straight edge extrema. Siento una profunda alegría al ver cómo esta pareja aparcan también momentáneamente su proyecto electrónico Blaqk Audio y vuelve a sus raíces más crudas y extremas. 15 temas como 15 bombas de relojería con increíbles riffs a toda hostia, cambios de tiempos imposibles, un poder sónico impecable y un Davey Havok al que ¡por fin! volvemos a escuchar gritar. Como comenta él mismo en la nota

de prensa, Jade y él llevaban años hablando de hacer una banda de hardcore straight edge. “Empezamos componiendo y grabando a principios de 2012 y escogimos XTRMST como nombre porque expresa los mensajes representados en el disco. El movimiento straight edge no se caracteriza por la moderación. Se basa en verdades indudablemente objetivas”. Intachables temas como ‘Social Deathplay’ con una velocidad pasmosa, al igual que ‘Exterminate’, que nos recuerda a las primeras bandas skateras mezcladas con medio tiempos y ‘sasas’ grindcoretas, unidos a bizarradas como ‘Xtrmst’, que da título a su primer lanzamiento, o la imponente ‘The Way’, convierten a esta nue-

va banda en unos perfectos embajadores del movimiento straight edge. Grabado en el estudio casero de Puget, The Treehouse en Los Ángeles, por estos dos figuras que lanzan amor y odio en similares cantidades destilando canciones llenas de pureza, pasión y sobre todo, verdades como puños. En nuestra isla sonora que encontrarás en www.rtve.es/banderanegra ya bailamos al son de esta apisonadora musical llamada XTRMST que, si somos sinceros, nos ha sorprendido de manera muy positiva. A ver si algo de esto se les pega en el próximo disco de AFI y éstos vuelven a patear culos de veras. Sería una grata y más que feliz noticia, sin ninguna duda. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... JADE PUGET ¿Cuándo pasó Xtrmst de ser una idea a una realidad? “Davey y yo hemos sido straight edge casi toda nuestra vida y llevábamos mucho tiempo queriendo formar una banda de hardcore straight edge. Cuando estábamos componiendo Burials (el último disco de AFI –ndr.), compusimos una canción en ese estilo y a partir de ahí evolucionó todo”. En cierta manera, parece que Blaq Audio estaría en un extremo, Xtrmst en el otro y AFI quedaría en medio. ¿Es una manera de cubrir toda la música que os gusta? “Puede ser. Obviamente son proyectos muy diferentes y como compositores es muy emocionante poder trabajar en música tan distinta. Es muy estimulante. Componer para Xtrmst fue muy caótico, buscábamos hacerlo todo lo más sucio y bruto posible. Nada que ver

con cómo lo hacemos para los otros dos grupos”. ¿Cómo llegaste al straight edge y cómo crees que te ha influenciado como persona? “Fue a finales de los 80 cuando descubrí Minor Threat y lo que era el straight edge. Muchas bandas punk y hardcore lo eran, así que era fácil descubrirlo, pero nunca he ido por ahí predicando esta filosofía, para mí se trata de una decisión totalmente personal. Pero desde luego me ha ayudado a tener un mayor control de mi mente y mi cuerpo”. Hacía mucho tiempo que no escuchábamos a Davey gritar de este modo. ¿Le costó volver a hacerlo durante la grabación? “Yo me encargué de toda la producción, así que teníamos tiempo. Lo grabamos en una habitación muy pe-

queña. Recuerdo que hacía muchísimo calor, el ambiente era insoportable y eso ayudó a que Davey cantara de manera tan agresiva. Se quitó la camiseta y todo (risas)”. ¿Toca alguien más en el disco? ¿Vais a salir de gira? “El disco lo hicimos todo nosotros. Nos gustaría dar algunos conciertos y para ello buscaremos a un par de amigos que también sean straight edge”. Sorprende bastante que el álbum se edite a través del sello de Steve Aoki. ¿Cómo surgió? “Steve es amigo nuestro porque de joven también había sido straight edge. Nos dijo que eso había sido la razón por la que había cogido una guitarra y por la que había empezado Dim Mak, así que sentía que nuestro disco representaba el espíritu del sello. Estoy muy contento de haberlo hecho con él”. (JORDI MEYA)

cr í t ica s

RANCID ...Honor Is All We Know (EPITAPH) PUNK ROCK

e estado fuera demasiado tiempo y ahora he vuelto a donde pertenezco”, canta Tim Armstrong en el estribillo de ‘Back Where I Belong’, el tema que abre el octavo álbum de Rancid. Efectivamente, demasiado tiempo, más de cinco años, sin tener nuevo material de los de Berkeley. Demasiado tiempo para poder escuchar al grupo más sólido que ha dado el punk rock en las dos últimas décadas. Es verdad que es un poco desesperante para sus fans no saber nunca cuáles serán sus planes (sus giras y lanzamientos se anuncian con apenas semanas de antelación), pero hay que reconocer que ese

punto imprevisible también tiene su encanto. ...Honor Is All We Know se resuelve por la vía rápida. 14 temas en apenas 32 minutos en los que Rancid no descubren nada nuevo, pero demuestran que en lo suyo son los mejores. Es muy posible que componer temas como ‘Collision Course’, ‘Raise Your Fist’ o ‘A Power Inside’ no les lleve más de cinco minutos, pero ya sea cuando se acercan a los himnos a lo The Clash (‘In The Streets’) como cuando te arrojan a la pista a ritmo de ska (‘Evil’s My Friend’), como cuando les da por jugar con el rockabilly (‘Already Dead’) o el reggae (‘Everybody’s Sufferin’’), dan en la diana. Es un gustazo escuchar que la química entre las voces de Armstrong y Lars Frederiksen sigue intacta y que por muchos años que pasen y mucho dinero que hayan ganado, esa actitud de ‘que te jodan’ sigue siendo creíble. ...Honor Is All We Know no alcanza el nivel de Let’s Go, …And Out Come The Wolves, incluso diría que tampoco el del anterior Let The Dominoes Fall, pero es otro señor disco de Rancid. Y con eso basta. JORDI MEYA

ARIZONA BABY Secret Fires (SUBTERFUGE) ROCK, AMERICANA

arecía evidente y casi hasta inevitable que una aventura como la de Corizonas no terminase afectando de alguna manera al combo vallisoletano. Y efectivamente, Javier Vielba y el Sr. Marrón han aprovechado la experiencia vivida junto a Los Coronas para renovar su particular fórmula de entender el rock de raíces americanas. Personalmente, siempre había pensado que por muy singular que fuese su propuesta, se echaban en falta más matices y arreglos para terminar de dar con un resultado grandioso. En Secret Fires parecen haber dado con la tecla correcta,

empezando por reemplazar las percusiones por una batería al uso, dotando de mayor empaque a los temas. Ya en el inicio con ‘Real Lies’ o en ‘Time To Go’, vemos a un grupo más suelto, dispuesto a rockear como si fuesen una versión acústica de unos Pearl Jam primitivos, o en la inmediata ‘Owners Of The World’. Cortes en los que el Sr. Marrón tira de repertorio de punteos y slides. ‘Wooden Nickles’ deja entrever la sombra de otros grandes de los 90 como R.E.M., y no habría desencajado en Automatic For The People. O esa preciosidad con aires beatlenianos llamada ‘Don’t Look Back (On Yesterday)’. Para remate, la extensa ‘Create Your Own God’, con unos teclados tan The Doors, confirma que nos encontramos ante un discazo de los gordos. Ya sé que son muchas comparaciones con formaciones de alto calibre, pero créanme que en todo momento la personalidad de Arizona Baby queda patente en el álbum, manteniendo la esencia de austeridad pero aún más enriquecida. Todo un paso adelante. GONZALO PUEBLA

PIANOS BECOME THE TEETH Keep You (EPITAPH)

EMOCORE

Disfruta de un consumo responsable 35ª

i algo me gusta de las bandas que forman esa nebulosa llamada The Wave es que a pesar de tener elementos en común (en especial la influencia del post hardcore y el emo de los 90), cada una los expresa a su propia manera. En definitiva, lo que les une es más una actitud que un sonido, y eso se palpa en sus ganas de evolucionar lanzamiento a lanzamiento. En su tercer álbum Pianos Become The Teeth sorprenden canalizando su característica energía en unas composiciones fantasmagóricas y reposadas. Evidentemente, lo primero que salta al oído es el registro vocal de Kyle Durfey, quien ha dejado de gritar para pasar a cantar con voz limpia, y sus compañeros parecen haberse adaptado también a ello. Es curioso

cómo una voz distinta puede cambiar tanto el sonido de una banda. En la canción ‘Hiding’, de su split del año pasado con Touché Amoré, ya podíamos encontrar una pista, pero era difícil imaginar que optarían por hacer todo un álbum en esa línea. La mano del productor de moda entre la escena Will Yip (Title Fight, Circa Survive) enfatiza el carácter más elegante de la instrumentación, y el espacio entre notas es mucho mayor para que las melodías de voz fluyan con mayor libertad. Algunos temas como ‘April’ y ‘Late Lives’ te los imaginas interpretados por R.E.M. o Counting Crows y no te chirriarían, señal de que el grupo no ha titubeado a la hora de sumergirse a fondo en su opción por el cambio. Su valentía debería tener premio. JORDI MEYA

cr í ticas

NEW FOUND GLORY Resurrection (HOPELESS)

POP PUNK

ue New Found Glory son unas eminencias en esto del pop punk todo el mundo lo sabe, lo que yo no tenía tan claro era que a estas alturas de la vida pudieran sacar un disco tan bueno. En Resurrection nos encontramos, pues eso, una resurrección, ni más ni menos. Si no contamos su anterior trabajo, Radiosurgery, que no es un mal disco del todo, pero para mí sí su obra mas floja con diferencia, vemos que no sacaban un temazo de los suyos desde 2009. En este disco nos encontramos de repente una colección de canciones que podrían encajar en sus primeros trabajos tranquilamente. Llevan en esto más de 15 años y siguen sonando más frescos que la mayoría de bandas nuevas y, además, a pesar de la salida del

SLIPKNOT

.5: The Gray Chapter (ROADRUNNER)

METAL

s obvio que Slipknot han tenido sus razones para tardar seis años en sacar a la calle nuevo material. Las largas giras, sus proyectos paralelos y, sobre todo, el triste fallecimiento de Paul Gray junto a la sorprendente marcha de un pilar como Joey Jordison, han sido motivos suficientes para que el quinto álbum de los enmascarados de Iowa se retrasase más de lo debido. Y quizás es precisamente por todo ese lapso de tiempo que, tras escuchar The Gray Chapter, no puedo evitar sentir cierta decepción. No es que estemos ante un mal disco, pero esperaba que la

guitarrista Steve Klein, siguen con la contundencia de siempre. Si escaneamos este LP de arriba abajo vamos confirmando canción tras canción que estos tíos no se aburren de hacer lo que hacen. Como se ve perfectamente en el segundo single ‘Ready & Willing’, una de las mejores canciones del disco junto a ‘Degenerate’ (la que más me suena a ellos), ‘Stubborn’, en la que colabora Anthony

Raneri de Bayside y su curiosa voz, y ‘Stories Of A Different Kind’, también con un sonido más clásico, combinan a la perfección su sonido más actual con sus riffs más representativos. En definitiva, un disco que todas las bandas desearían sacar después de 15 años pero que sólo New Found Glory son capaces de confeccionar. Son un caso a estudiar.

banda se desmarcase dando un puñetazo de autoridad encima de la mesa. Con todo lo vivido, deberían de haber reunido material suficiente como para facturar un disco más oscuro y rabioso que nunca. Sin embargo, me temo que se han quedado a medias, grabando un álbum totalmente continuista de All Hope Is Gone. La parte buena es que cuando se ponen el mono de repartir caña siguen siendo una apisonadora. ‘Sarcastrophe’ o ‘Skpetic’ están a la altura de sus temas más cafres. Incluso ‘The Negative One’ y ‘Custer’ podrían haber encajado en sus dos primeros

y celebradísimos discos. Jay Weinberg realiza un trabajo descomunal y en ningún momento echas de menos a Jordison, mientras que el nuevo bajista Alessandro Venturella cumple con su labor. El problema viene cuando quieren ir más allá y terminan confundiendo Slipknot con Stone Sour (‘Killpop’, ‘Goodbye’). Algo que ya venían experimentando en las últimos trabajos, pero que aquí resulta más aburrido y previsible que nunca cuando sacan su lado más melódico. Una obra con demasiados altibajos, aunque disfrutable.

ENEKO CELESTINO

GONZALO PUEBLA

HORN OF THE RHINO

Summoning Deliverance (DOOMENTIA)

DOOM METAL, SLUDGE METAL

mm… Sí, ‘Awaiting The Scourge’ te pone en situación y ‘Exvenhstench’ es uno de esos divertidos mamporros sludge que tan bien ejecutaron en Grengus, pero no sé… No es lo que más cachondo me pone de Horn Of The Rhino. Espera, santo cielo, ahí está ‘Onward Through Domination’… Ya tenemos aquí a Javier Gálvez, qué hijo de puta… Ese monstruo que siempre se folla a casi todos los vocalistas de este país y que, encima, ha mejorado sus registros extremos. Oh Dios mío, tenéis el poder. En Summoning

Deliverance, y como demuestran temas como ‘High Priest’, los vascos han seguido indagando por el sludge torturado, y pese a que ésta no sea la vertiente que más les disfruto, con cortes como la genial ‘Builder Of Carrion Effigies’ o ‘An Excess Of Faith’, como si quieren sacarse la chorra y mearme en la cara. La absoluta agonía de ‘Their Tombs’ te destroza por todas partes, y ‘Deliverance Prayer’… Madre mía, para ésta no hay palabras. ¡‘Grim Foreigners’ tiene un giro tan diferente que se sale! No citaré a bandas internacionales para orientar a posibles nuevos fans porque, para mí, a estas alturas Horn ya han demostrado estar muy por encima de muchas formaciones sólo idolatradas por ser de fuera, pero si ya les conoces y sigues sin creerte que una de las mejores bandas de doom y sludge del mundo sea de Bilbao, joder, recurre rápido a un otorrino porque estás sordo, y luego a un psicólogo, porque eres tontísimo. PAU NAVARRA

c r í t i c as

KOBRA AND THE LOTUS High Priestess (SPINEFARM/KOBRA MUSIC)

HEAVY METAL, POWER METAL

o sé si sólo me pasa a mí o tengo una vena misógina que no controlo, pero normalmente realizo un boicot total a las típicas bandas con jamelga al frente que, antes de ver el CD o al resto de componentes, ya desde su misma portada casi te muestran hasta los pezones. De acuerdo, las tías tienen tetas y siempre las tendrán, pero se pueden llevar con normalidad, con clase, como Kobra And The Lotus, o con puterío y desfachatez, para disfrazar un subproducto la

mayoría de veces, por pura comercialidad, perpetuando el machismo al vender música cual porno, como Butcher Babies. Dicho esto, sobra decir que Kobra Paige, única superviviente original de esta banda, tiene todo mi apoyo y respeto, porque simplemente es una metalhead más, de vozarrón imaginativo y poderoso. Para su tercer episodio han sufrido su enésima desbandada, pero eso no ha impedido que consigan plasmar un correcto trabajo de heavy metal moderno en el buen sentido del término, el que cabalga lejos del revival y mira al futuro, pero sin olvidar el clasicismo. La verdad es que High Priestess empieza fuerte con ‘Warhorse’ e ‘I Am, I Am’, encima con cierto regusto a un US power muy Vicious Rumors o Helstar, pero luego decae bastante en ritmo y caña, y a veces incluso se torna hortera. ‘High Priestess’ recuerda a los Iced Earth de Ripper Owens y ‘Soldier’ o ‘Willow’ son redondas, así que, pese a todo, aquí hay buen material. PAU NAVARRA

DECAPITATED Blood Mantra (NUCLEAR BLAST) DEATH METAL

ersonalmente, siempre he considerado a Decapitated una de las bandas más efectivas de la escena death metal: siempre utilizan de buena manera unos recursos básicamente clásicos, controlan perfectamente la intensidad de sus blasts, la voz de ‘Rasta’ roza la perfección en su ejecución... Pero como suele ocurrir con otras bandas del estilo, insertarse de forma tan declarada en el clasicismo, aunque sea de forma personal, puede llevar a la repetición de ideas o a la búsqueda de la renovación hacia terrenos menos

seguros. No olvidemos que comenzaron como una banda muy técnica que progresivamente ha incorporado elementos groove en su catálogo, por lo que esto no es necesariamente nuevo, pero tampoco sostiene necesariamente una evolución. Es por ello que estamos ante un disco que podemos calificar de 100% efectivo, y que satisfará a sus fans de siempre, pero que empieza (como les ocurre a tantos grupos que se consagran) a repetir su fórmula y nos hace preguntarnos cómo seguirán manteniéndose atractivos y relevantes en próximos lanzamientos, algo que suele ocurrir cuando al escuchar un disco nuevo, la memoria viaja hacia aquellos primeros lanzamientos, frescos y que sonaban a algo nuevo. Es obvio, pues, que no estamos ante su mejor disco, pero como suele ocurrir en estos casos, es suficientemente bueno como para que los más acérrimos disfrutemos de él en espera de lo que traiga el futuro. SALVA RUBIO

ELECTRIC WIZARD Time To Die

(WITCHFINDER/SPINEFARM) DOOM METAL

lega un nuevo disco de Electric Wizard y la hora de morir se siente más cercana. O al menos, eso es lo que parece sugerir el cuarteto de Dorset cada vez que resurgen de la tierra, en este caso, para otorgarnos este Time To Die, un disco en el que la palabra ‘madurez’ viene a la memoria repetidamente. Y es que hay bandas que, quizá por saber explorar con elegancia una cierta y personal mística estética, logran algo tan difícil como acertar a transmitirla adecuadamente con su música una y otra vez,

corriendo los riesgos compositivos y de producción que sean necesarios. El sonido de este memento mori camina en este sentido, como si se arrastrara por barro y cenizas acumuladas en una profunda catacumba, y mientras que otras bandas buscarían eso tan relativo que es un ‘buen sonido’, Electric Wizard no dudan en hacer lo contrario: sacrifican los elementos necesarios para lograr un ambiente único. El oyente notará, pues, la voz casi perdida en la mezcla, o sentirá bajo y guitarras apagados y húmedos; pero de qué manera orgánica y prácticamente analógica emergen de las arenas movedizas cuando es necesario oírlos. Es prácticamente magia negra el cómo esta banda consigue llevarnos a un tiempo inmaterial, a un agujero negro perdido en unos años 70 que en realidad nunca existió ni existirá más que en la tormenta de gris, ocre y muda que siempre saben conjurar. SALVA RUBIO

despegar cuando Neko Case pronuncia ‘Champions Of Red Wine’ en un medio tiempo que embriaga. Con ‘Fantasy Fools’ el álbum empieza a coger velocidad, y seguramente el estribillo de la apocalíptica ‘War On The East Coast’ THE NEW PORNOGRAPHERS es uno de los clímax del disco. ‘Backstairs’ frena Brill Bruisers (MATADOR/POPSTOCK!) un poco las revoluciones, POP ROCK antes de otro de los momentos más memorables, 65 la fleetwoodmaquiana ‘Marching Orders’. Seguramente la segunda a portada o los títulos mitad del álbum cae más de las canciones en en la irregularidad, pero la contraportada no aun así encontramos son las únicas expresiones momentos de chispa como coloristas de este sexto disco la guitarrera ‘Born With A de The New Pornographers. Sound’ (en la que participa La música de los canadienses Amber Webber, cantante también desprende de Black Mountain), cromatismo multicolor, en un ‘Dancehall Domine’ o ‘Wide trabajo con protagonismo Eyes’, donde me vuelven de teclados que le dan un a recordar a la banda de aire algo ochentero. Pero no Stevie Nicks y compañía. hablo de aquellos 80 oscuros También recrean ‘Spidyr’, ni depresivos, sino de los escrita por Dan Bejar para más desenfadados y frívolos. otra de sus bandas, Swan El disco de la superbanda se Lake. Aunque con altibajos, abre a medio gas entre coros estos grandullones siguen y teclados con la canción brillando. homónima, y empieza a IGNASI TRAPERO

críticas

HANG THE BASTARD HAS DE SABER... FORMACIÓN: Tomas Hubbard (voz), Sam Rice (guitarra),

Joe Nally (bajo), Simon Grubb (batería) PRODUCIDO POR: Steve Sears AFINES A: Skeletonwitch, Valient Thorr, Kvelertak PÁGINA WEB: www.facebook.com/hangthebastard

Sex In The Seventh Circle (CENTURY MEDIA) STONER METAL

menudo los cambios de formación suelen ser vistos como un fracaso, tanto personal como del proyecto, pero también pueden suponer una opor� tunidad. En el caso de estos londinenses, así ha sido. En los cuatro años transcurridos desde que publicaran su debut Hellfire Reign, el grupo ha cambiado dos veces de vocalista siendo finalmente el bajista Tom Hubbard quien diera un paso al frente y se apropiara del micrófono. Ig� noro si esto ha sido la causa directa o si hubiera ocurrido igualmente, pero el caso es que Hang The Bastard han aprovechado para dar un giro a su orientación. Si antes

eran una banda hardcore con influencias sludge, en su segundo largo se han lanza� do directamente a las garras de un stoner metal con to� ques doom y en el apartado vocal, también black. Como poseídos por el espíritu del metal de Nueva Orleáns, y por supuesto de �� Black Sab� bath, sus riffs han subido considerablemente de peso y su sonido se ha endurecido. Y los gruñidos blackies de Hubbard dan a sus cancio� nes un aire maléfico que les sienta de maravilla. Desde luego su background también se deja notar y en momentos determinados también te podrán recordar a Cancer Bats (‘Absorption’) o Kvelertak

(‘Beyond The Pale’), pero tam� poco muestran ningún miedo a adentrarse en paisajes psicodélicos como en la lar� ga ‘Mist Of Albion’. Es todo este potaje de fuentes el que les permite a lo largo de 47 minutos ofrecer un disco lo su� ficientemente variado y diná� mico para que no decaiga tu atención. Arrebatos de furia, buenos solos, un batería con una gran pegada y sobre todo riffs como la copa de un pino llevan a concluir que Hang The Bastard no sólo han grabado su mejor disco, sino que de paso le dan una necesaria inyección de ener� gía a la nueva escena stoner metal. ¡Malditos bastardos! JORDI MEYA

HABLAMOS CON... JOE NALLY Han pasado cuatro años desde el debut, lo cual es mucho tiempo a pesar de los cambios de formación... ¿Teníais miedo escénico o qué? “Bueno, Hang The Bastard estuvimos muy cerca de separarnos a principios de 2013. Como dices, tuvimos muchos cambios en la formación y desapareci� mos del mapa. Sabíamos que teníamos que volver con algo muy fuerte para volver a llamar la atención de la gente. Pero entre los dos discos sacamos va� rios EPs y splits para llenar el hueco con algo de música”. Todos los temas están muy bien y el disco fluye genial. ¿Tomasteis algún álbum clásico como punto de referencia? “Es gracioso que digas eso porque

Sam a menudo se refería a Paranoid de Black Sabbath. Supongo que algo se nos pegó, no en cuanto a sonido, pero sí en su fluidez”. Aquí encontramos pepinazos como ‘Keeping Vigil’ y temas más atmosféricos como ‘Mist Of Albion’. ¿Crees que hay demasiadas bandas que pecan de ser unidimensionales? “Algunas lo son y les funciona bien. Personalmente prefiero los grupos que toman riesgos. A veces no funciona, pero cuando lo hace, merece la pena”. Las voces de Tom tienen un rollo black metal. ¿Os gusta esa escena? “A Tom le encanta el black metal. Hace unas semanas estuve en su casa y tiene una colección de discos que cualquier

fan de black metal envidiaría. Tom y yo estamos escuchando a Winterfylleth, es una banda británica de black metal alucinante”. Tocasteis el pasado verano en el concierto de Black Sabbath en Hyde Park. ¿Alguna anécdota graciosa que contar? “Recuerdo a Mike Patton de Faith No More hablando apasionadamente del Mundial de fútbol fuera de nuestro camerino. No me lo esperaba, así que le pregunté por el marcador en el parti� do Brasil contra Colombia. Me dijo que Brasil había ganado (risas)”. ¿Podrías nombrar algunos bastardos a los que te gustaría colgar? “Lo siento, es un secreto (risas)”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

1349

Massive Cauldron Of Chaos (INDIE RECORDINGS)

BLACK METAL

hora que está de moda ese black gafapasta que juega a ser Mastodon, Amplifier o The Ocean, olvidando claro está que si quiere convivir con nosotros como mínimo debe conservar el componente extremo, es genial que retorne una formación cáustica como 1349 para poner las cosas en su sitio. Y no lo digo por Deafheaven, pues ellos sí tienen un par de huevos, pero en efecto, hemos estado perdiendo el tiempo con banditas de mierda, porque nada podrá competir nunca con la antigua tradición noruega. Con una tríada inicial de discos absolutamente dañina y feroz y luego un experimental Revelations Of The Black Flame, con Demonoir los de Oslo demostraron que la peor de las crudezas a

ANTI-FLAG

A Document Of Dissent 1993-2013 (FAT WRECK)

PUNK ROCK

a primera guerra en Irak marcó un antes y un después en la vida de Justin Sane, el frontman de la banda de punk rock combativo Anti-Flag. Con la crisis en la zona del Golfo Pérsico comprendió que detrás del nacionalismo por el que los pueblos matan y mueren están los gobiernos con la única intención de enriquecer y mantener a las elites políticas y empresariales. El mensaje político de la banda les ha acompañado desde entonces, de forma más explícita en sus inicios, cuando gritaban temas como

mil por hora iba a volver a ser su emblema de guerra. Lo confirman cuatro años después con Massive Cauldron Of Chaos, otra tormenta de rayos y centellas que evidencia, sobre todo por las diabólicas labores en el micro de Ravn, que esta banda siempre ha sido mucho más que ‘el otro grupo’ de Frost de Satyricon. Y por supuesto, esto no es Darkthrone, esto

no es Burzum, aquí los dedos vuelan en riffs sensacionales y punteos a modo de metralleta, como en ‘Postmortem’ o ‘Godslayer’. Pocas cosas más virulentas y gloriosamente blackers vas a escuchar este año que ‘Exorcism’ o la memorable ‘Mengele’s’. Y es que, quien quiera artisteo, que se vaya a la jodida Fashion Week de Madrid. Hail Satan, hijos de puta.

‘Fuck Police Brutality’ o ‘This Machine Kills Fascists’. Éstas y otras reflexiones llenan de sentido el libreto de su última referencia: un recopilatorio con 26 de los temas con más miga de su carrera. Los de Pittsburgh llevan ya nueve discos en seis sellos diferentes. Desde el más cafre Die For The Government hasta el más reciente The General Strike, sin pasar por alto el discutidísimo The Bright Lights Of America, producido por la leyenda británica Toni Visconti (David Bowie, T. Rex) y lanzado por una multinacional. Al recoger de forma cronológica las dos

décadas de existencia de la banda, A Document Of Dissent 1993-2013 resume muy bien los episodios más sórdidos de la política interior y exterior norteamericana, desde Bush padre a Obama. Por si fuera poco, la presente compilación viene con un esquema temporal donde la banda pone en contexto cada uno de sus trabajos y sus respectivas consignas, algunas tan célebres como aquel ‘Turncoat’ dedicado a Bush hijo. Tremenda lección de geopolítica... A ritmo de punk y con el puño en alto, por supuesto.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

WIS(H)KEY

Violent Chapter (BLOOD FIRE DEATH)

METAL

i algo bueno tiene la escena nacional es que de vez en cuando surge una banda que desafía todo lo que los demás están haciendo y se impone incluso a lo que tantos imitan del extranjero. En este caso hablamos de los barceloneses Wis(h) key, que se desmarcan con un disco rico en matices, influencias y modos. Así, encontraremos desde el asalto casi djent con toques industriales de ‘Danse Macabre’ a las melodías inflamescas de ‘The Black

Coffin’, con su arrastrada chulería sureña, o la panterizada ‘Anthem Of Pestilence’, que desemboca, vía ‘My Own Sabotage’, en la interesante versión acústica de su tema ‘Alone’, tomado de su anterior trabajo, y que podría haber sido compuesto por los mejores Corrosion Of Conformity. Siempre acompañadas de la voz personalísima y thrasher de su cantante y productor Ori Novella, las guitarras de Chacón y García marcan los acordes como un tiranosaurio acercándose peligrosamente, respaldados por la sección rítmica de López y Román, dando como resultado un trabajo instrumentalmente muy compacto y con una producción a la que no hay nada que objetar. Un EP de cinco temas que, tras múltiples escuchas, sabe a poco. Esperemos que no se hagan esperar nuevos trabajos en los que desarrollen su personalidad y sentido del groove. SALVA RUBIO

PS I LOVE YOU

For Those Who Stay (PAPER BAG)

INDIE ROCK

n 2010, el debut de PS I Love You Meet Me At The Muster Station tuvo muy buenas críticas, especialmente por su canción de entrañable sonido amateur y vídeo marciano ‘Facelove’. Dos años después, el dúo canadiense de Kingston formado por Paul Saulnier (voz, guitarra, bajo) y Benjamin Nielson (batería) editó su segundo álbum, Death Dreams. Y ahora, con puntualidad canadiense, tras otros dos años editan el tercer disco. For Those Who Stay es el más ‘profesional’ de sus trabajos, empezando porque es el primero

grabado en un estudio con cara y ojos, que diríamos en mi tierra. Ciertamente, el sonido gana cuerpo en estas nueve canciones, que a uno le llevan a pensar en otras bandas semi amateurs (y, para mi gusto, infravaloradas) como Alex & The Horribles (la maravillosamente adolescente ‘Advice’ parece empezar como ‘Eskimo Girl’, ‘Limestone Radio’…), y por extensión, a grandes del indie americano de los 90 como Pavement (la final ‘Hoarders’, con esa larga introducción instrumental, o la ya citada ‘Advice’), Dinosaur Jr. (‘More Of The Same’) o incluso Sonic Youth (¡Ay, esa guitarra inicial de ‘Friends Forever’! O incluso la línea de guitarra de la inicial y frenética ‘In My Mind At Least’). Aun así, también rompen la cintura en canciones como la acústica ‘Bad Brain Day’, donde todo el fuzz de las sucias guitarras se desvanece como las nubes con los primeros rayos de sol tras la tormenta. No sé vosotros, pero yo tras este disco me quedo al menos un rato más con ellos… IGNASI TRAPERO

cr í ticas

ROYAL BLOOD Royal Blood (WARNER)

ROCK ALTERNATIVO

no ser que vivas en un agujero aislado de la actualidad musical, es casi imposible que no hayas leído, aunque sea de pasada, el nombre de Royal Blood. Si no tienes ni idea de lo que estamos hablando, tranquilo, que te lo explicamos rápido: Royal Blood es un dúo inglés formado por el bajista Mike Kerr y el batería Ben Thatcher, fundado hace poco más de un año y cuyo debut homónimo está siendo la penúltima sensación aupada por la prensa británica. No en vano, su álbum ha entrado en la lista de los discos más vendidos del Reino Unido durante su primera semana. Bien, pero ¿a qué suenan? Pues lo que proponen no deja de ser una revisión de lo que han ofrecido The Black Keys o The White Stripes, con cierto regustillo a Queens Of

TWIN ATLANTIC Great Divide (RED BULL)

ROCK ALTERNATIVO

as cuatro banderas y el título del último trabajo de los escoceses Twin Atlantic, Great Divide, tiene un trasfondo político. Me juego el cuello. Pero hablemos de música. Porque el tercer trabajo de estos cuatro chavales tiene mucha miga, y dentro del género pop rock alternativo apuntan alto, muy alto. Lejos quedan ya sus flequillazos y esos temas atrevidos con deje emocore como ‘Lightspeed’ o ‘What Is The Light? Where’s The Laughter?’ aparecidos en su debut. Ahora el guaperas Sam McTrusty y sus colegas siguen la senda marcada por canciones para todos

The Stone Age y Wolfmother en sus riffs. Precisamente su gracia es que Kerr utiliza su pedalera de efectos para que el bajo termine sonando como una guitarra, consiguiendo un sonido bien potente. Vale ¿y las canciones? Singles vocacionales hay unos cuantos (‘Little Monster’, ‘Figure You Out’, ‘Careless’...) y la media hora de duración resulta bastante entretenida. El problema viene con sus

influencias, que resultan tan evidentes que no puedes evitar pensar el ‘esto ya lo he escuchado yo en otro sitio’. Aun con todo y a pesar de las exageradisimas alabanzas que les señalan como los enésimos salvadores del rock, tendremos que darles un pequeño voto de confianza de cara a un segundo trabajo. Hypes más grandes han caído.

los públicos como ‘Make A Beast Of Myself’ y, sobre todo, la poderosa ‘Free’, con ese estribillo tan Biffy Clyro aderezado con un riff muy gordo de la escuela Weezer. Van de frente, con la sentida ‘The Ones That I Love’ abriendo el disco y ‘Heart And Soul’, una suerte de rock garajero inspirado en el éxito de Arctic Monkeys. Con ‘Hold On’ destapan su lado más pop con un medio tiempo de estribillo coreable y bailable, ideal para los tropecientos festivales de verano, y sólo se entregan a los guitarrazos de sus inicios en ‘Fall Into The Party’, ‘Cella Mate’ y ‘Actions That Echo’. Pero su

paleta de sonidos no acaba en esta dicotomía, porque la teatralidad de My Chemical Romance asoma en ‘I Am An Animal’ y también saben jugar con la épica facilona, como demuestran ‘Raise A Symphony’, ‘Why Won’t We Change’ y ‘Globalisolation’. Tanta variedad podría parecer chocante, pero resulta ameno como un anticipado greatest hits. Y si te quedas con ganas de más, el disco viene acompañado por un DVD con el documental From Valley To The Canyon, donde hablan sobre la grabación del disco y su breve pero intensa historia como banda.

GONZALO PUEBLA

LUIS BENAVIDES

INYOURFACE

Arctic // Antarctic (BLOOD FIRE DEATH)

METAL, HARDCORE

on tan corta edad y ya editando un disco tan completo como Arctic // Antarctic, Inyourface vuelven a asomar la cabeza en la escena nacional aleccionando a los presentes sobre estilo y gusto. Su metal hardcore me recuerda a Converge, Architects o Underoath, sólo que con un lado más agresivo, acercándoles a aspectos extremos y cercanos a lo que se podría denominar como deathcore, aunque no tengan nada que ver con ese estilo. Sí, no ofrecen nada nuevo. Sí, se parecen mucho a tantos

otros grupos, pero también lo hacen tantísimas otras bandas que muchos consideramos grupazos y nadie se queja de ello. Estos chicos lo hacen muy bien, y con tan sólo un EP y un single a las espaldas, sacar un primer álbum con este nivel compositivo es cuanto menos admirable. Para que un grupo de este estilo me guste ha de ser muy especial, y tampoco voy a mentir, no son lo mejor que he escuchado (a un nivel global), pero no me sale criticar negativamente un trabajo tan brutal como el que Inyourface se han sacado de la manga. Mi única nota negativa sería la producción, no porque esté mal hecha, sino porque en las partes muy cañeras pega perfectamente, especialmente por su sonido directo y crudo, como el propio nombre del grupo ‘en tu cara’, pero en las más sentidas, que son muchas, es desmesurada, muy agresiva para la paz que está transmitiendo la melodía. Escúchalo, no te va a decepcionar; todo lo contrario, habrás encontrado otra joya nacional. FER DÍEZ

THE HOLE

A Monument To The End Of The World (NECROMANCE)

DEATH METAL, THRASH METAL

jito a la que nos cae desde Las Palmas de Gran Canaria. Ni caso a ese logo que parece de banda de metal alternativo, pues The Hole son ante todo un cañonazo death thrash algo blacker en la onda Legion Of The Damned o The Crown. Un inicio como la intro ‘An Elegy For The End Of Time’ y un primer y cambiante zarpazo a toda leche como ‘Crushin’’ hará las delicias de cualquier fan del género, pero con canciones como ‘Hellride’, el cuarteto insular también demuestra que de

atrevimiento y buenas ideas también van sobrados pese a encontrarnos ante un primer álbum. Variedad también la hay a raudales, como en la sorprendente ‘Warrior’s Roar’, muy sueca y entre lo mejorcito del plástico, o en dos robustos medio tiempos como ‘Moonlight’ y ‘Pro Patria Mori’, ésta última incluso con un importante poso épico. Lo que realmente me ha llamado la atención de este trabajo es la voz del también bajista Edu Rodríguez, quien dentro de la brutalidad nos muestra aquí mucha amplitud de recursos. Grabado en los Digger Studios, ha sido Javi Félez en sus Moontower Studios quien, con su mezcla y masterización, ha colocado este álbum a otro nivel. Veremos cómo trampean con ese enorme problema logístico que supone ser canarios, pero ojalá veamos pronto a The Hole repartiendo estopa machacona como ‘Harsh Times’ por los escenarios de todo el país. Estaba avisado, pero igualmente The Hole han superado mis expectativas. PAU NAVARRA

cr í ticas

BLUT AUS NORD

Memoria Vetusta III Saturnian Poetry (DEBEMUR MORTI PRODUCTIONS) BLACK METAL

iempre, no puede ser de otra manera, se toma con cierta reverencia un lanzamiento de una de las bandas más potentes de la legendaria escena francesa de black metal, y en esta ocasión, con sorpresa. Tras su reciente trilogía 777 en la que la banda se dedicó a afianzar lo que podríamos llamar la corriente ‘trascendentalista’, tan cercana en espíritu y disonancia a lo que hacen hoy en día Mayhem, o incluso Ulcerate o Gorguts en términos death, Blut Aus Nord retornan a una saga inacabada en su carrera, Memoria Vetusta, cuyos discos precedentes

son nada menos que de 1996 y 2009. Es por ello, quizá, que podamos confirmar este álbum como un retorno puntual a otro tipo de sonido, pues tras los asaltos de ruido de anteriores trabajos, la influencia principal en Saturnian Poetry es nada menos que... Bathory. Pero no los iniciales, sino los de Hammerheart y demás obras vikingas. Lo que tenemos aquí, pues, no es el crudo black de vanguardia al que nos tenían acostumbrados, sino un disco de black metal melódico de corte fuertemente épico, en que predominan las voces melódicas (con un deje a lo Quorthon muy marcado), las partes acústicas, los ritmos andantes y rimbombantes... No es de extrañar, pues, que a ratos parezca que estamos ante un disco compuesto en esos años 90 en los que ‘estilo’ significaba experimentación y no sumisión a unas normas. Aunque estoy seguro de que muchos de sus últimos fans posiblemente se arranquen los auriculares de los oídos, estamos ante un disco sobresaliente y valiente. SALVA RUBIO

OBITUARY

Inked In Blood (RELAPSE)

DEATH METAL

acía mucho tiempo que Obituary no despertaban tanto interés con una nueva obra, pero el caso es que los de Florida han vuelto cinco años después de Darkest Day como auténticos héroes. Y cuando todos les mirábamos fijamente, qué quieren que les diga… Puede parecer sorprendente, pero incluso me resulta complicado encasillar temas como ‘Violent By Nature’ o ‘Back On Top’ dentro del género extremo. Demasiado fáciles incluso para ellos, alarmantemente

accesibles para un mito del death metal. Este trabajo tampoco es ninguna traición, pero quizá es excesivamente limpio, aquí apenas hay podredumbre, sobre todo se nota en la voz de John Tardy, e ignoro por qué carajo lo han producido ellos mismos, pues lo han hecho fatal. Hasta que no lo tuve en CD quise creer que era la maldita compresión del MP3, pero no... Los tams de la batería suenan artificiales y molestos durante sus 49 minutos, y vale que era el primer disco con Terry Butler al bajo, pero no hacía falta poner sus líneas por encima de todo. Death como sólo Obituary podrían crear lo hay poquito, casos de ‘Pain Inside’, ‘Inked In Blood’, ‘Out Of Blood’ y ‘Paralyzed With Fear’; ‘Deny You’, ‘Visions In My Head’ o ‘Within A Dying Breed’ siendo generosos, pues incluso me atrevería a decir que este álbum no empieza hasta su tercer corte. Aquí la mejor noticia es que Inked In Blood nos los volverá a traer el 27 de enero a Barcelona. Pobre. PAU NAVARRA

UKE-HUNT Uke-Hunt

(FAT WRECK CHORDS) PUNK FOLK

a disquera radicada en San Francisco Fat Wreck lanza Uke-Hunt, su primer disco de versiones con ukelele. Habéis leído bien. No es un titular de El Mundo Today, es rabiosa actualidad. Ya deberíais saber que el bueno de Fat Mike es un visionario muy cachondo y se atreve con todo. Además, todo queda en familia. Uke-Hunt es el proyecto de su buen amigo Spike Lawson, compañero de Mike en Me First And The Gimme Gimmes. De hecho, algo me dice que precisamente la última gira de esta superbanda de versiones les sirvió como

banco de pruebas. En su última (y única) visita a Barcelona el pasado mes de febrero, Lawson salió con un impecable traje blanco y tocó unos temas con su diminuta guitarra de cuatro cuerdas. Sus compañeros, mientras, cogían aire. El tío, con unos aires de truhán simpático, llenaba el escenario con su vozarrón y mucha actitud. ¿O no? Fue uno de los puntazos de la noche. Pensándolo bien, este disco de versiones bien podría haber sido parido por los propios Me First. Pero el también cantante de Swingin Utters se ha buscado otros cómplices. Así, completan la formación otros veteranos como Randy Burk (percusiones), Joe Rasposo (contrabajo) y Jamin Barton (saxo, harmónica y más). A destacar del entretenido debut de esta curiosa formación: Lawson cantando en italiano ‘Fascination’, un tema popularizado por Nat King Cole, la versión minimalista del ‘Enjoy The Silence’ de Depeche Mode y los coros do woop en el ‘The Prettiest Star’ de David Bowie. LUIS BENAVIDES

NACHTMYSTIUM

The World We Left Behind (CENTURY MEDIA) BLACK METAL

Nachtmystium nunca les negaré cierta personalidad especial, pero siempre les he considerado una de las bandas más sobrevaloradas del panorama extremo actual. Bajo mi punto de vista, ser ecléctico o diferente no quiere decir que seas bueno a la fuerza. Por ejemplo, este último álbum de la banda de Illinois –último de verdad, pues lo han vendido como su opus final- abre con ‘Intrusion’, un tema instrumental de black psicodélico de lo más liviano, para que luego ‘Fireheart’ siga con un ritmo ska en algo

así como un black alternativo bastante desagradable. Muy feo, pero es que luego Blake Judd y los suyos demuestran que pueden producir piezas realmente reseñables como ‘Voyager’ o la desgarradora ‘Into The Endless Abyss’. ‘In The Abscence Of Existence’ no mata, ‘The World We Left Behind’ menos aún, pero ‘Tear You Down’ en cambio es otra demostración de poderío, así que seguimos en un toma y daca que nos podría haber legado un álbum mucho más llamativo. No atender a los preorders de sus fans les ha costado la inmediata expulsión de Century Media, así que el mundo que dejan atrás sigue siendo el mismo: uno lleno de chorizos y caraduras, pero cuyo black metal más vanguardista sigue influido por Blut Aus Nord, Ulver, Ved Buens Ende, Deathspell Omega o Aborym, pero no precisamente por Nachtmystium. Por supuesto, inspirarse en los peores Pink Floyd en ‘Epitaph For A Dying Star’ tampoco les servirá para entrar en este selecto club. PAU NAVARRA 89

críticas

FIGHTER PILLOW

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Eli Molina (voz, guitarra), Manu Herrero (guitarra),

Alfonso Méndez (batería), Rubén Martínez (bajo) PRODUCIDO POR: Iban Gabarro AFINES A: Throwing Muses, Luz, Magnapop PÁGINA WEB: www.fighterpillow.bandcamp.com

Fighter Pillow (HANG THE DJ) INDIE ROCK

ran un secreto a voces. La existencia de Fighter Pillow es sabida desde hace años, muchos años. Y es que los chismorreos del estilo ‘fulano está tocando con mengano’ se contagian más rápido que un constipado en un parvulario. Casi siempre son ciertos, pero raras veces llegan a cristalizar. En este sentido, Fighter Pillow son una bendita excepción y el presente disco homónimo es la prueba más evidente. Las buenas lenguas apuntaban a Eli Molina, conocida por sus labores como cantante y guitarra de las geniales Me And The Bees, como la principal instigadora de esta nueva formación de indie rock. La nueva

aventura de Eli generaba expectación e ilusión. Y escuchada por fin su primera referencia, el balance es tremendamente positivo. Grabado y mezclado en los estudios Lluerna A/V por Iban Gabarro (Rosa Luxemburg, Eric Fuentes & El Mal), Figther Pillow es una colección de estribillos con puntería (los de ‘79 On Flames’, ‘Rancorous’ y ‘Neko’ son espeluznantes) y un atracón de guitarras noventeras, melancólicas y por momentos rabiosas (‘Eternal Youth’). Para entendernos, Fighter Pillow pueden evocar formaciones como Elastica, Throwing Muses y Lush. El disco, con once temas en apenas 36 minutos, transmite urgencia. La gestación, sin embargo,

se ha dilatado porque Eli y Manu Herrero, guitarra de Black Islands, se lo tomaron con toda la calma del mundo. En 2014 sacaron el último de los temas, ‘Polars’, y entraron en el estudio con Edu Chiniros de Las Ruinas al bajo y Eric Fuentes a la batería (sí, has leído bien). La base rítmica que grabó el disco, cabe decir, ya no forma parte de la banda y ha sido reemplazada por otra pareja de solvencia contrastada como Alfonso Méndez de (lo:muêso) y Rubén Martínez (Maika Makovski, Ainara LeGardon), batería y bajista respectivamente. En otras palabras, superbanda. Contando los días para verlos en directo. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... ELI MOLINA ¿Cuándo y por qué montas Fighter Pillow? “Surge en 2007, en paralelo a Me And The Bees... En casa grababa cosas para las Bees, y si tenía tiempo y ganas, me iba a casa de Manu con unas cervezas, grabábamos sonidos sobre las canciones maqueteras que previamente le había mandado y así pasábamos la tarde. Entre amigos”. Colaboraste en mi tema favorito de Mundo Fatal, el último disco de Me And The Bees. ¿Las echas de menos? “Mundo Fatal es un discazo maravilloso, lleno de canciones y de sentimientos, de momentos que todos hemos vivido juntos directa o indirectamente. Me siento muy orgullosa de ellos. Participé en dos temas en su nuevo disco y me han dedicado una canción, cosa que ninguno de mis exnovios hizo nunca ni con una flauta”.

¿Por qué dirías que ha tardado tanto en ver la luz este disco? “He ocupado mi tiempo haciendo otras cosas que quería realizar. Cuando hemos decidido que esto sonara hemos usado parte de ese tiempo en hacerlo”. Por este proyecto han pasado varios músicos... ¿Qué me podrías decir de tus actuales compañeros? “Manu, Rubén y Alfonso son ante todo mis amigos. Generosos y motivados, al igual que el resto de personas que tocaron con anterioridad en el proyecto”. Eric Fuentes grabó las baterías de éste, vuestro primer trabajo. “Sí, nos ayudó muchísimo dando fuerza a las canciones con sus baterías. Ya no está porque decidió irse, pero sigue con nosotros como jefe

del sello Hang The DJ”. ¿Eric metió mano en los temas? ¿Imponía tener a un grande como él? “Eric respetó las canciones tal y como estaban compuestas. Se centró en ser un buen batería para que todo funcionara, aunque le hicimos caso en algunas cosas como buen amigo y músico experimentado que es. En otras, no. Cada uno tiene su función y su libertad dentro de la banda. Y aunque todos opinamos, la composición es cosa mía”. El disco suena muy real, a banda sudando en el local. “Es un disco de rock, y Manu y yo teníamos muy claro cómo debía sonar. Somos bastante puñeteros buscando el sonido. El resultado es instintivo más que premeditado y responde a nuestros gustos personales. Estamos muy contentos con el resultado”. (LUIS BENAVIDES)

cr í ticas

FOREVER CAME CALLING

What Matters Most (PURE NOISE) POP PUNK

l documental No Room For Rockstars vio la luz en 2012 con material grabado durante el Warped Tour de 2010. De entre todas las bandas y artistas incluidas en el mismo me quedé prendado de esta jovencísima banda de California, por aquel entonces desconocida, sin contrato discográfico y con apenas una demo casera. Muchos jóvenes se sentirán identificados con ellos, porque el sueño de este entrañable grupo, comandado por dos nerds de libro como Joe Candelaria y John Swaba, es tocar en el festival itinerante. Y finalmente consiguen tocar en una fecha gracias a su perserverancia y la paternalista intervención del mandamás, Kevin Lyman. Antes, la cámara sigue su periplo en la carretera, de fecha en fecha, cual reality show, intentando vender su

C OPETH

Pale Communion (ROADRUNNER)

ROCK PROGRESIVO

omo sabrán, Mikael Åkerfeldt quiso marcar un antes y un después en la carrera de Opeth con Heritage. Cualquiera que hubiese seguido con un mínimo de atención su trayectoria sabía perfectamente que esto ocurriría tarde o temprano. Adiós a cualquier lazo que les uniese al metal, suprimiendo los guturales y abrazando más fuerte que nunca sus raíces progresivas de ascendencia setentera, los suecos arrancaban así la década y una nueva etapa. Y si bien la idea pareció gustar en general, el problema vino con que el resultado

maqueta en las puertas de acceso al festival. Dos años después de su participación en el docu, mucho han cambiado las cosas. El ahora cuarteto acaba de publicar su segundo largo What Matters Most y puede que hayan ganado en popularidad y presupuesto, algo que se nota en el sonido del presente trabajo y el acabado general, en la onda New Found Glory, pero juraría que los chicos

de Forever Came Calling mantienen intacta la frescura, la ilusión y la ingenuidad de sus inicios. Así, las letras nos dan pistas de las intenciones de una banda (‘Endangered Innocence’), no reniegan de su origen, ni de sus raíces (‘Spanish Mothers (I Just Miss)’) e incluso hacen bandera de su sencillez (‘Rather Be Dead Than Cool’). Todo eso de los rockstars no va con ellos.

final no estaba a la altura, dando la sensación de que Mikael se había quedado a medias en su primer intento. Afortunadamente, para esta nueva entrega ha sido capaz de corregir y mejorar lo que nos ofreció hace tres años y, ahora sí, en Pale Communion encontramos esos grandes momentos dignos de una discografía inmensa como la que poseen. La apertura a fuego lento de ‘Eternal Rains Will Come’ se antoja majestuosa, con unos juegos vocales que alcanzarán su cenit en ‘River’, una pieza de inicio acústico que nos retrotrae a los instantes más bellos de Damnation, para

cambiar de rumbo hacia la mitad, donde desenvuelven toda su pericia instrumental. ‘Cusp Of Eternity’ sería la más inmediata del lote, con un riff y coros que la convierten en una de las canciones más accesibles que han firmado jamás. Pero la clave sin lugar a dudas está en los 10 minutos de ‘Moon Above, Sun Below’, un laberinto de múltiples pasillos donde Opeth muestran todas su caras de una manera magistral. Tan sólo la parte central hace decaer una obra en la que Opeth vuelven a progresar adecuadamente.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

SET IT OFF Duality (RUDE)

POP PUNK, SYMPHONIC ROCK

a primera vez que escuché el álbum Duality no me gustó nada, ya que el estilo semihortera que están tomando muchas bandas de pop punk no me convence en absoluto. Pero después de un par de escuchas rápidas y una más a fondo a todo volumen con unos buenos cascos, cabe decir que he cambiado de opinión moderadamente. Aunque no se convertirá en uno de mis discos favoritos tengo que reconocer que tiene buenas canciones. Lo malo es que cuando acaba no sabes si has oído un B-sides de los Fall Out Boy más mainstream con toques de Taylor Swift

(‘Forever Stuck in Our Youth’ y ‘Why Worry’), Chiodos en sus comienzos (‘The Hounting’), My Chemical Romance espolvoreados con The Used (‘Duality’), unos Coheed And Cambria vitaminados con Backstreet Boys (‘Bleak December’) o U2 remezclado con One Direction (‘Ancient Story’). En serio, o incluso algo de Craig David con Bruno Mars en una canción como ‘Bad Guy’. Los mixes mentales en este disco son ilimitados, os reto a que hagáis los vuestros propios al catarlo tranquilamente en casa. Pero como decía antes, el segundo álbum de Set It Off gana puntos gracias a sus buenos temas, su gran sonido y un Cody Carson que brilla mostrando toda su versatilidad vocal. Y si en él colaboran William Beckett de The Academy Is... y Jason Lancaster de Go Radio, será por algo. Lo peor del largo es el hecho de que sea un popurrí que recuerda a otras bandas, haciendo que pierda personalidad y credibilidad. Vaya, que se le ve demasiado el plumero. ENEKO CELESTINO

WOLF

Devil Seed (CENTURY MEDIA) HEAVY METAL

evil Seed ni es vintage, ni la copia número 863 del sonido de la NWOBHM que vas a escuchar este mes. La séptima obra de Wolf es true heavy metal con una producción atronadora de Jens Bogren, aunque hacia el final se vuelva algo Iron Maiden. Seguramente, el haber empezado en el 95 y debutado en el 99, en pleno auge power, les negó el obtener mayor notoriedad, aunque sí cierto culto entre la parroquia más entendida, y de la misma forma, que ahora se les incluya injustamente en esta reválida del metal más clásico les

puede perjudicar, pues ellos siguen a la suya y ya llevaban muchos años sin ser entendidos antes de que esto estallara. ‘Shark Attack’ pega fuerte, la adornada ‘Skeleton Woman’ es la antesala perfecta para la oscura ‘Surgeons Of Lobotomy’, y ‘My Demon’ y las guitarras juguetonas de ‘I Am Pain’ atesoran mucha clase. Temas como ‘Back From The Grave’ se encargan de recordarte que el metal es, ante todo, caña, pero ‘The Dark Passenger’ nos los muestra con ganas de explotar todas sus posibilidades. Como en ‘River Everlost’ y sobre todo ‘Frozen’, las más Maiden del pack… ¡pero a ver quién es el fiera que escapa a su influencia! Así, los suecos esta vez efectúan una mezcla equilibrada de melodía y potencia más que satisfactoria. Me encantan Grand Magus porque son metal sin pretensiones, con cero intención de sumarse al revival. Me gustan Wolf y Devil Seed precisamente por lo mismo. PAU NAVARRA 93

críticas

AT THE GATES

At War With Reality (CENTURY MEDIA) DEATH METAL MELÓDICO

or muchas veces que lo escuche, el impecable inicio formado por la intro ‘El Altar Del Dios Desconocido’ y el estallido de ‘Death And The Labyrinth’ me sigue poniendo la piel de gallina, y ya casi salta la lagrimilla cuando ‘At War With Reality’ me pasa por encima. Sólo At The Gates podrían crear esos riffs, sólo ellos podrían honrar un estilo metálico que, por muy influyente que haya resultado, nunca ha sido igualado ni superado. Estamos ante una banda honesta como pocas, y aunque fiel a su legado,

que no ha querido vender At War With Reality como una petulante réplica de sus obras maestras. Éstos son los At The Gates de 2014, tan influenciados por The Red In The Sky Is Ours como por Slaughter Of The Soul, por muy importante que sea para el subconsciente colectivo su sublime y hasta ahora último trabajo. Los suecos no han estado 19 años ideando esta vuelta, en los de Göteborg todo es mucho más sencillo… simplemente un día el guitarrista Anders Björler se despertó inspirado y se sacó unos riffs que han acabado siendo un disco. At War With Reality no es un percutor, es un variado y melancólico nuevo capítulo donde conviven en armonía las thrashers ‘The Circular Ruins’, ‘Heroes And Tombs’ u ‘Order From Chaos’ con sus célebres misiles, casos de ‘The Conspiracy Of The Blind’ o ‘Upon Pillars Of Dust’, dejando por el camino además alguna joya como ‘The Head Of The Hydra’. Dignísimo regreso de uno de los grupos más grandes que haya oído nunca. PAU NAVARRA

LA PARADE

Voces Del Exilio

(MANIYAX/GATO ENCERRADO) EMOCORE

speculando sobre el germen de este grupo de extraño nombre, mi cerebro formula dos posibles hipótesis a raíz de lo que había escuchado. Una, que La Parade tengan algo que ver con las bandas que hace años militaban en Outlast Records y que practicaban emocore cuando pocos en el Estado conocían este subgénero (Shameful Heaven, Sheregano). Dos, que miembros bastardos de Cordura, Pülsar y los Standstill de la época anterior a The Memories Collector se hubiesen juntado para hacer un poco de ruido. Recurriendo a la red de redes

descubro que ninguna de las dos hipótesis se cumple pero que, en cierta manera, no andaba tan desencaminado. Voces Del Exilio es el primer LP de este combo de Granada formado hace un par de años y que derrocha un emocore caracterizado por varios elementos: la sucesión continua calmatormenta con partes caóticas, arranques screamo y desarrollos musicales de lo más sugerentes. No queda ahí la cosa: crescendos más propios del post rock, cambios de ritmo constantes y una riqueza de registros vocales (recitados, desgarros, susurros, voces limpias) que sin duda es uno de los puntazos de este disco. Masterizado en los Ultramarinos Costa Brava con Víctor Garcia a los mandos, el sorprendente debut de La Parade alcanza su cenit creativo en su ecuador, con la cadena formada por ‘Diez Mil Rostros’, ‘Lo Que Fui, Lo Que Soy’ y ‘Ruinas De Infancia’; epopeyas sonoras todas ellas que rebasan con facilidad los cinco minutos. JORDI FORÉS

ORANGE GOBLIN Back From The Abyss (CANDLELIGHT) HEAVY METAL

espués del éxito conseguido con el magnífico A Eulogy For The Damned, los abanderados del heavy metal británico vuelven a la carga por todo lo alto con Back From The Abyss, su octavo álbum. Afortunadamente, aquellos continuos rumores de separación que afloraron a comienzos de década nunca llegaron a materializarse, sino todo lo contrario, ayudaron a Ben Ward y sus hooligans a reorientarse y a posicionarse como una de las bandas más potentes de la escena tras casi veinte años de duro trabajo, dejando parcialmente a un lado sus orígenes stoner y esos toques tan doom que

no terminaban de cuajar con sus composiciones para centrarse en un estilo más clásico. Olvidémonos de etiquetas innecesarias; Back From The Abyss es un buen disco de heavy metal. La marca de la casa corre a cargo de los rugidos de Big Ben y los pletóricos riffs del pequeño Joe Hoare, que junto a una sólida y contundente base rítmica y una mejorada producción gracias a Jamie Dodd, consiguen un cóctel a prueba de bombas. Sin duda una de las bazas más positivas se encuentra en la variedad de composiciones que aporta gran dinamismo. Así, con una dosis de macarrismo máximo con ‘Sabbath Hex’ y ‘The Devils Whip’ al más puro estilo Motörhead, siguiendo con medio tiempos épicos como ‘Heavy Lies The Crown’ y ‘Titan’, y meneando la cabeza inevitablemente con los dos chutazos de punk como son ‘Übersmensch’ y ‘Bloodzilla’, es imposible que estos 55 minutos de testosterona y cerveza puedan resultar monótonos. Cheers, mates! TOI BROWNSTONE

MARTYRDÖD Elddop

(SOUTHERN LORD) CRUST, BLACK METAL, PUNK

os cabrones han estado invernando demasiado tiempo, casi tres años, quizás algo cansados del poco reconocimiento obtenido tras ser una de la mejores bandas de crust black punk metal de los últimos años. Se han oxigenado, han cojido fuerzas y se han marcado nuevos retos, entre ellos seguir destrozándonos con una colección de patadas sónicas directas a la boca del estómago. Sin aliento te dejan con tan sólo una primera escucha. Siguen a lo suyo, Mikael Kjelman sigue escupiendo rugidos black metaleros mientras sus compañeros atacan riff tras riff y van soltando obuses con la

misma facilidad y poderío que un panzer germano aplasta a sus enemigos en el campo de batalla. Su característico crust punk sigue imperturbable, si un caso, todavía suena más mortífero, venenoso y virulento que nunca, pero el parón ha traído nuevas influencias que se acoplan a su personalidad con pasmosa facilidad. Escucha ‘Nodkanal’, con esas densas y monstruosas guitarras que parecen surgidas de las entrañas de un puto volcán en erupción. En ‘Martyren’ también se nota cierta evolución, clásicas melodías de metal ochentero asoman tímidas entre los abruptos ritmos de una base rítmica tan aplastante como desconocida, porque amigos, el empaste sonoro conseguido por el batería Jens Backelin y el bajista Fredrik Reinedahl es asombroso. Bienvenidas esas pequeñas nuevas pinceladas, aunque he de reconocer que cuando me ponen burro de verdad es cuando destripan sin piedad y a toda velocidad temazos como ‘En Jobbig Javel’, ‘Victoria’ o esa tremenda ‘Steg’. Han vuelto a lo grande, ya lo creo que sí. ANDRÉS MARTÍNEZ

cr í t icas

GERARD WAY Hesitant Alien (WARNER) POP ROCK

ocas situaciones son más complicadas para un músico que lanzarse en solitario después de haber alcanzado un gran éxito con su anterior banda. Son pocos los ejemplos en que una transición así haya salido bien. Si el artista se aferra a su pasado, probablemente acabe sonando como una versión aguada de la original. Por el contrario, si cambia radicalmente es muy probable que sus antiguos fans no le sigan. Difícil papeleta. Gerard Way parece haber optado por la segunda opción, aunque la verdad es que el último disco

de My Chemical Romance, Danger Days: The True Lives Of The Fabolous Killjoys, ya ofrecía algunas pinceladas de lo que aquí encontramos. Su gusto por el pop británico que se intuía en ‘Sing’ o ‘Planteary (Go!)’ sale aquí del armario y se plasma en una balada como ‘Brother’ o la inmediatez de ‘No Shows’ o ‘Zero Zero’, que por su simplicidad podrían ser obra de Elastica o Menswear. Way no ha perdido su olfato para crear buenas melodías (‘Action Cat’, ‘Millions’, ‘Drugstore Perfume’), pero si como decía en la entrevista del mes pasado tenía a David Bowie como referente, la realidad es que se ha quedado un poco corto a la hora de vestir las canciones con unos arreglos más interesantes. Lo curioso es que cuanto más se aventura el cantante y escapa de sus coordenadas habituales (‘How’s It Going To Be’, ‘Maya The Psychic’), mejor es el resultado. Ojalá lo tenga en cuenta de cara al próximo. DAVID GARCELL

DWARVES

The Dwarves Invented Rock & Roll (RECESS)

PUNK ROCK

espués de un parón de más de media década y tres años después del que podemos considerar su álbum de retorno, The Dwarves Are Born Again, creo que podemos respirar tranquilos y pensar que vamos a tener Dwarves para una buena temporada. Y eso no es más que una buena noticia, porque en un mundo saturado de bandas y donde todo parece inventado, siguen siendo únicos e incomparables. Es más, seguramente The Dwarves

Invented Rock & Roll sea su mejor obra desde el nunca suficientemente reivindicado Sugarfix. No cabe duda de que tanto Blag Dhalia como Hecannotbenammed tienen una fórmula secreta y personal para facturar punk rock de muchos quilates. Presidido por una nueva e impagable portada y dedicando cada uno de sus surcos a Bobby Faust –el mítico enano protagonista de alguna de sus cubiertas-, estamos ante un auténtico manual de lo que es la música de Dwarves. Los trallazos punk rock, casos de ‘Bleed Alright’ y ‘Get & Get High’, conviven con canciones de una irresistible melodía –a ver quién me discute que ‘Trailer Trash’ no es una de las canciones del año- o esos ramalazos garage de sus inicios, aderezado con esas letras inimitables repletas de referencias a las drogas, alcohol o las putas. No sé si Dwarves han inventado el rock’n’roll como proclaman, pero seguro que pocos han sabido sacar tan buen partido a un estilo propio tras más de 25 años de carrera. RICHARD ROYUELA

LONELY THE BRAVE

The Day’s War (HASSLE) ROCK ALTERNATIVO

n nuestro número de febrero incluimos a Lonely The Brave en nuestra lista de apuestas para 2014. Quizá nos dejamos llevar por la emoción tras escuchar su EP Backroads y nos adelantamos un año, pero no hay duda de que esta banda está destinada a ser grande. Con su puesta de largo en forma de álbum completo, Lonely The Brave confirman las grandes sensaciones apuntadas entonces con una serie de canciones que te imaginas encandilando por igual a los fans de Biffy Clyro, Pearl Jam y si me apuráis, hasta de

Coldplay. Armados con un sonido poderoso y emocional creado por arpegios de guitarra con mucho eco y la fantástica voz de David Jakes es difícil impedir que se te ponga la piel de gallina cuando los escuchas por primera vez. Está claro que donde mejor se mueve el grupo es en los medio tiempos con dosis de épica, y eso es lo que más abunda en The Day’s War. Quizá eso haga que de primeras parezca que al disco le falta algo más de dinamismo, algo que acentúa que sus mejores cortes (‘Trick Of The Light’, ‘Backroads’, ‘Black Saucers’) fueran los que ya habían publicado anteriormente, pero a medida que uno se va familiarizando con el resto de temas va apreciando los diferentes niveles de intensidad con los que trabajan. Así, ‘Islands’ opta por un tono más rockero mientras que ‘Dinosaurs’ o ‘The Blue, The Green’ son dos elegantes baladas, y la breve ‘The Day’s War’ abraza el minimalismo más absoluto. En cualquier caso, sólo por sentir una voz tan especial como la de Jakes ya merecen la pena. JORDI MEYA

LOWER THAN ATLANTIS

Lower Than Atlantis (SONY) ROCK ALTERNATIVO

l disco blanco de los Beatles, el negro de Metallica y el azul de Weezer. A la lista de portadas monocromáticas pensaba añadir el disco rosa de Lower Than Atlantis. Pero una vez escuchado con detenimiento, la asociación les viene muy grande. Me darán la razón sus primeros seguidores... Si es que todavía conservan alguno, claro. Porque ya no queda ni rastro del punk rock de su largo debut Far Q, un disco al que guardo mucho cariño por temas cargados de angustia y bilis como ‘B.O.R.E.D.’, ‘Taping Songs Off The Radio’ y ‘I’m Not Bulimic’. Ese disco capturaba muy bien a una

banda cargada de clichés pero suficientemente fresca y salvaje. En World Record se entregaron al rock más melódico. Se vinieron arriba, con ambición, y la jugada les salió redonda en su país. Repitieron fórmula en Changing Tune, ya desde una multinacional, y Duce y compañía mantuvieron su estatus con un álbum más bien irregular. Explico esto porque su cuarto trabajo, este homónimo con portada rosa, parece marcar un punto de no retorno. Su hambre de éxito ha podido con ellos. ¿Cómo me explicáis la base bailonga de ‘Ain’t No Friend’? ¿Y baladas semi acústicas como ‘Words Don’t Come So Easily’, más propias de formaciones como Maroon 5? Reconozco que el último single ‘English Kids In America’ me parece ultrapegadizo y he podido escucharlo más de 30 veces. Tiene detalles de Don Broco y un estribillo digno de Kids In Glass Houses, pero ya no son ellos. Con semejante transformación en sólo tres años, miedo me dan sus siguientes pasos. Otra boy band no, por favor. LUIS BENAVIDES 97

cr í ticas

KROKODIL Nachash (SPINEFARM) METAL

odavía recuerdo cuando el pasado abril nuestro amigo Lags de Gallows nos dejó escuchar un par de temas de una nueva banda metal en la que estaba implicado junto a miembros de Cry For Silence, Hexes y SkiTH. El tipo parecía de verdad emocionado, y escuchado ahora su álbum de debut, es comprensible por qué. Krokodil han sido noticia en las últimas semanas al haberse filtrado que su bajista James Leach es también ahora nuevo miembro de Slipknot, pero eso no debería eclipsar el gran trabajo realizado. Lo primero que hay que

advertir es que Nachash es un disco de metal contemporáneo, de eso no hay duda, pero que no se encasilla en ningún subgénero determinado. Más bien recoge un poco de aquí y de allá con dejes de thrash, death, stoner y progresivo para formar su propio mejunje. Quizá una comparación válida sea la de Mastodon (con quienes nos visitarán en diciembre), pero la propuesta de Krokodil es más abrasiva y violenta que la de los de Atlanta en la actualidad gracias a la agresiva voz de Simon Wright, que a ratos recuerda a un Corey Taylor más cabreado y chillón. Con tres guitarristas en su formación -además de Lags están Daniel P. Carter y Alessandro Venturilla-, no sorprende que en cada canción haya un número de riffs superior al habitual y que éstos sean de lo más variados. Un debut de lo más sólido que, esperemos, tenga continuidad en el futuro. Ah, y a los fans de Biffy Clyro seguro que les molará escuchar a Simon Neil colaborando en ‘Sun Riders’. JORDI MEYA

EXODUS

Blood In Blood Out (NUCLEAR BLAST) THRASH METAL

ary Holt sabía que tenía entre sus manos la última oportunidad de poner a Exodus en el mapa de una manera definitiva. Ser sustituto de Jeff Hanneman en Slayer durante los últimos cuatro años le ha dado a su banda de toda la vida un plus de popularidad y ha conseguido trascender de los cerrados mundos del thrash metal donde, ahí sí, son toda una leyenda y un pilar básico del estilo. Por ello lo mejor que podía hacer era dejar el pasado atrás recuperando a Zetro Sousa como vocalista, ¡con todo lo que se habían dicho!, llamar a su primer guitarra,

Kirk Hammet, para que le meta un solo y grabar un álbum que sonase a Exodus de principio a fin. Señores, objetivo cumplido. Sousa es el cantante por antonomasia de Exodus, lo de más querido se lo dejamos a Paul Baloff, y acentúa todavía más que Rob Dukes nunca fue el cantante que los de la Bay Area necesitaban. Viendo que la gran mayoría de Blood In Blood Out está escrito por Holt, y sabiendo que no le han dejado aportar demasiadas ideas en la composición del nuevo álbum de Slayer, pongo la mano en el fuego a que el guitarrista ha querido dar lo mejor de sí para mostrar a Kerry King el error que ha cometido. Quizás se han excedido algo en el minutaje de algunas canciones, caso de ‘Salt The Wound’, pero cuando Exodus se ponen a cabalgar de verdad –‘Blood In Blood Out’ u ‘Honor Killings’- comandados por la batería de Tom Haunting embutido en una orgía de riffs, sabemos por qué decir ‘Exodus’ equivale a la mismísima definición de thrash metal. Grandes. RICHARD ROYUELA

FRNKIERO ANDTHE CELLABRATION Stomachaches. (HASSLE)

PUNK ROCK, INDIE ROCK

e imagino, bueno no, estoy convencido, de que si este disco apareciera de la mano de algún sello diminuto californiano y Frank Iero no llevara el estigma de ser el exguitarrista de My Chemical Romance, muchos que se pajean (y con razón) con Jay Reatard, Ty Segall o Wavves hablarían de este disco en términos muy positivos. Pero ya se sabe que los prejuicios son poderosos y por desgracia, me temo que ni siquiera se molestarán en escucharlo. Ellos se lo pierden, porque Iero ha firmado un gran, gran

disco. Además de con la resaca emocional inevitable tras la disolución de su anterior banda, Iero también tuvo que lidiar con unos graves problemas estomacales (de ahí el título) que le tuvieron amargado durante una larga temporada. Sin embargo, Stomachaches. no es para nada un álbum depresivo; todo lo contrario. El guitarrista ha logrado canalizar todas sus frustraciones en unas canciones que sacan a relucir que quizá su aportación a las composiciones de My Chemical era mayor de lo que sospechábamos. Con un envoltorio lo-fi que le da un encanto especial, Stomachaches. se mueve entre el punk melódico de los Buzzcocks (‘all i want is nothing.’), el noise pop (‘joyriding.’), el garage (‘neverenders.’) y el power pop (‘she’s the prettiest girl at the party.’), pero sobre todo atrapa por su honestidad y falta de pretensiones. A la preciosa ‘stage 4 fear of trying.’ o la locuela ‘where do belong? anywhere but here.’ me remito. Con mucha menos fanfarria, por ahora le ha ganado la partida a Gerard. JORDI MEYA

DREMENUART Weightbearer (BLOOD FIRE DEATH) DEATHCORE

agamos una prueba. Entra en la página de Bandcamp de Dremenuart y escucha su EP debut, Weightbearer, al completo. ¿A que suena cojonuda esta banda de California? Un primer EP completísimo que nos recuerda a bandas como The Acacia Strain, Oceano o incluso Bury Your Dead. Si una banda saca un primer trabajo con esta calidad, no me quiero ni imaginar cómo sonará su primer LP, de hecho, ya están tardando en grabarlo. Weightbearer comprime en un puñado de temas todos los elementos clave del deathcore más actual. Breaks, voces guturales y gritos estri-

dentes, two step, down tempo y colaboraciones como la de Damon de Left In The Wake, Turri de Thirteen Bled Promises y Guille de This Thing Called Life en el tema ‘The Four Hoarsemen’. Es decir, que tiene un poco de todo. Grabado, mezclado y masterizado por el propio guitarrista de la banda, este EP suena crudo y potente, un gran trabajo de producción por parte de Vic Ortega. Imagino que ya te habrás percatado de que no estoy hablando de una banda americana sino un grupo de aquí, producto nacional 100%. ¿Te gustan menos? ¿Sigues queriendo ir a verles a todos los conciertos que den y comprarte hasta el último calcetín que saquen a la venta con su logo impreso? ¿O ya no piensas ni pagar 5 euros por verles actuar? Son buenos y punto, da igual de donde sean. Lo único que nos delata de que se trata de una banda de aquí son sus letras, donde se ve que el inglés no es su primer idioma, pero bueno, tampoco nos pongamos exquisitos y disfrutemos un poco. FER DÍEZ

críticas

TWEEDY Sukierae (DBPM)

ROCK

esde hace ya cierto tiempo, Wilco se han convertido en uno de esos grupos que inexplicablemente suscitan amor y odio extremo entre el público, haciendo complicado posicionarse en una zona intermedia. Por esta razón, cuando cayó en mis manos Sukierae concebido como un doble álbum de veinte temas, un escalofrío me recorrió todo el cuerpo y temí lo peor, pero afortunadamente la experiencia fue mucho más positiva de lo que había anticipado. Para muchos de los seguidores de Jeff Tweedy, y en concreto de Wilco, este álbum, que posiblemente no pasará de ser un trabajo anecdótico dentro de su carrera, tendría como misión secundaria poner en órbita a su vástago de 18 años, Spencer, quien estuvo a su lado durante todo el proceso

E ALICE COOPER

Raise The Dead - Live From Wacken (UDR)

HARD ROCK

100

s curioso cómo a veces muchos de nosotros nos quedamos tan sólo con los años dorados de un artista clásico. Conozco a mucha gente que adora discos como Love It To Death o Billion Dollar Babies, y sin embargo jamás se ha acercado a pequeñas joyas como Dirty Diamonds o The Eyes Of Alice Cooper. Curioso y recurrente error que puede ser subsanado escuchando de un tirón este monumental triple disco (el último es un Blu-ray) en directo que nuestra querida Alicia ha lanzado mezclando todas sus

compositivo y finalmente se encargó de las baterías, muy dignamente además. Lo cierto es que en Sukierae podemos encontrarnos con un puñado de temas notables que transitan en distintas atmósferas. Tweedy sénior recupera sonidos en ‘Wait For Love’ que recuerdan a su etapa más country, y a la vez sigue experimentando con ‘Diamond Light Pt. I’ y la brillante ‘Slow Love’, y emociona con delicias como

‘Nobody Dies Anymore’. Como es marca de la casa, la producción es impoluta, aunque cabe resaltar que en esta ocasión se percibe una calidez en el sonido y una frescura compositiva que hacen estos temas mucho más accesibles en las primeras escuchas que los últimos trabajos de Wilco; tanto, que algunos enterraremos el hacha de guerra, al menos por una temporada.

épocas, desde los días del Alice Cooper Group hasta sus últimos coletazos en estudio. Se echan en falta algunos de los mejores temas de su más reciente cosecha (‘Between High School & Old School’, ‘Detroit City’ o ‘Women Of Mass Destruction’), pero hay que darle las gracias por no soltarnos un nuevo live con tan sólo los clásicos de siempre, ya sabéis... ‘Under My Wheels’, ‘I´m Eighteen’ o ‘No More Mr. Nice Guy’. Por supuesto es imposible que no aparezcan estas joyas, pero es muy gratificante que se encuentren entre esa pequeña

perla llamada ‘He´s Back (The Man Behind The Mask)’, sus mega hits MTV como ‘Hey Stoopid’, ‘Poison’ o ‘Feed My Frankenstein’ o algún tema más contemporáneo como la maravillosa ‘Dirty Diamonds’. Quizás se haya pasado con las versiones, pero no hay duda de que nuestro hombre está en forma, que posee una banda de órdago y que hemos de congratularnos por tener a esta leyenda lista para ser ahorcada en cada show y con ganas de seguir sembrando el terror en cada nueva gira.

TOI BROWNSTONE

ANDRÉS MARTÍNEZ

KING TUFF

Black Moon Spell (SUB POP)

GARAGE ROCK

onocía la existencia de Kyle Thomas (el nombre real del tipo que se esconde bajo en seudonimo de King Tuff y que no hay que confundir con el actual cantante de Trouble) cuando reventaba amplis juntoa a John Mascis en el proyecto stoner Witch. Indagando en sus múltiples proyectos descubrí que, además, el tipo había trabajado en proyectos de lo más variados y que bajo este apelativo se dedicaba a destripar sus influencias más melódicas. Al parecer y a pesar de lo fuerte que toca su Gibson SG, tiene bastante tirón entre la parroquia indie, que lo tiene en un pedestal. Supongo que no se habrán

parado demasiado a pensar en las influencias que el mismo protagonista reconoce y que van desde Cheap Trick hasta The Sonics, pasando por la psicodelia setentera y, si me apuras, y siempre en pequeñas dosis, el heavy metal ochentero. Alguien me dijo que era como un Dave Grohl sumido en el underground, y ésa es una definición bastante acertada. Lo cierto es que aquí está, con su tercera entrega ya, y es justo reconocer la gran valía de una colección de canciones esplendorosas, vitalistas, optimistas y cargadas de buen rollo. Si como yo eres fan de Redd Kross, fliparás con un tema como ‘Sick Mind’; si además te gustan los riffs saturados y las ambientaciones lisérgicas, escucha el tema título, pues te volará la cabeza. ‘Headbanger’ es todo un himno power pop de musculadas guitarras y melodías embaucadoras, y ‘Demons From Hell’ conserva esa esencia añadiéndole garage y algo de psicodelia. Un gran disco, ideal para si te quieres desintoxicar del siniestro ambiente de estos oscuros tiempos que nos ha tocado vivir. ANDRÉS MARTÍNEZ

DARK FORTRESS Venereal Dawn (CENTURY MEDIA)

BLACK METAL

s innegable que Dark Fortress reciben mucha más atención mediática desde que su guitarra y cerebro V. Santura se convirtiera en la mano derecha de Tom G. Warrior en Triptykon. Y eso no tiene por qué ser inmerecido o negativo, pues el sexteto cuenta ya con una larga trayectoria en la que ha sabido evolucionar desde un melodic black de manual a los tratados de angustia y oscuridad que plasma hoy en día. Eso sí, Eparistera Daimones y otros aspectos de la vida diaria situaron a la banda “en un coma involuntario” a la hora de dar continuidad a su anterior Ylem, y aunque

Santura tuvo que aparcar la creatividad para su grupo, asegura que en diciembre de 2012 le fluyeron “las primeras grandes ideas para el álbum”. Sea como fuere, lo que nos encontramos de inicio en Venereal Dawn es la canción que le da título, un temón de 11 minutos que, aunque nos remite precisamente a Triptykon, algo a Mayhem también, no pondremos en duda su calidad al recordarnos a combos por los que sentimos total devoción. Dicho sea de paso, si se te pega algo de trabajar codo con codo con un genio indiscutible como Warrior, eso sólo puede desembocar en música excelsa… En ‘Lloigor’, ‘Betrayal And Vengeance’ o ‘Chrysalis’ ya nos encontramos a los últimos Dark Fortress desatados, sin escatimar en fantasmales coros femeninos y teclados, enigmas y neblina, con un Morean estelar al micro y los blasts justos y precisos para no romper su perversa atmósfera. ‘I Am The Jigsaw Of A Mad God’, ‘Odem’, ‘On Fever’s Wings’ o la atrevida ‘The Deep’ son black metal erudito para una banda, ahora sí, enorme. PAU NAVARRA

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n RockZone somos fans de Horn Of The Rhino, desde hace mucho ya, cuando se llamaban simplemente Rhino y eran una de las bandas más prometedoras de la escena metálica nacional, pero hace tiempo que dejaron de ser una promesa para convertirse en una auténtica realidad. Poseedores de una discografía impecable y un directo demoledor, no somos pocos los que pensamos que este trío de Bilbao son una de las mejores bandas de metal del continente, y cuando hablamos de metal, lo hacemos en el más amplio sentido de la palabra. Lentos y agónicos en ocasiones, brutalmente certeros y sangrantes en otras, Summoning Deliverance (Doomentia Records), su nuevo decálogo de horror y sufrimiento, los coloca de nuevo en primera línea de ataque con un disco que te destroza con tan sólo una escucha. Javier Gálvez, guitarrista, compositor y sobrenatural cantante del combo vasco que completan Sergio Robles (bajo) y Julen Gil (batería), nos atendió amablemente y nos contó cómo les van las cosas. Quinta obra ya. ¿Pensábais llegar hasta aquí cuando empezasteis? Supongo que ha sido una larga y dura travesía. JAVIER GÁLVEZ “Desde el principio no ha habido metas más allá de tocar en directo y editar discos. Al montar la banda, personalmente, lo que sí que tenía claro es que quería que fuese de largo recorrido, en la medida de lo posible; si no hubiese podido ser así hubiese pasado a otra cosa, pero siempre hemos tenido todo bastante claro y somos gente que no aguantamos chorradas. Cada uno sabe cuál es su sitio y nos llevamos muy bien desde el primer momento. En diciembre cumpliremos diez años y seguimos casi como el primer día”. En Summoning Deliverance creo que aun conservando vuestra marcada personalidad, es el disco más variado estilisticamente hablando que habéis grabado. Aunque en muchas ocasiones se os ha catalogado de banda doom, nunca he estado de acuerdo con esa percepción y aquí creo que os habéis desatado mezclando más influencias que nunca. ¿Estás de acuerdo? ¿Habéis querido arriesgar algo más o ha salido sim102

Lejos de perder fuelle, los bilbaínos Horn Of The Rhino vuelven a desplegar toda su fuerza en su quinto disco. Summoning Deliverance es la banda sonora de un mundo en descomposición. Texto: Andrés Martínez FotoS: DR

plemente de manera natural? “Totalmente de acuerdo. Tenemos elementos de muchos estilos, entre ellos del doom, pero no creo que seamos una banda doom, thrash o death, por nombrar algunos estilos. La verdad que haciendo lo que hacemos es bastante difícil catalogarnos y eso no está mal del todo. ¿Arriesgar? La verdad es que siempre hacemos lo que nos da la gana, no tenemos que responder ante nadie, así que no creo que arriesguemos nada en absoluto. Si a alguien no le gusta el disco es libre de no escucharlo, tan sencillo como eso”. A lo mejor me llamáis loco, pero vocalmente he encontrado incluso algún guiño al black metal. ‘Exvenhstench’ por ejemplo. “Puede ser, aunque partes black, que no guiños, se pueden escuchar sin problemas en temas como ‘Their Tombs’ o ‘Grim Foreigners’. Siempre hemos tenido matices, pinceladas aquí y allá de varios colores, pero esta vez está todo más marcado. Lo rápido es más rápido, lo lento es aplastante y los medio tiempos, brutales”.

“Siempre hacemos lo que nos da la gana, no tenemos que responder ante nadie, así que no creo que arriesguemos nada en absoluto” JAVIER GÁLVEZ

Seguís confiando en Xanpe, que os saca un sonido increíble. ¿Cómo grabáis en el estudio? ¿Soléis llevar los temas muy trabajados? “Xanpe se ha convertido en una parte importante de nuestro sonido, de eso no cabe duda. Somos muy amigos, nos conoce a la perfección y es muy bueno en lo suyo. ¡Muy importante! A grabar siempre vamos con todo muy atado. Si ya con todo claro hay veces que te puedes arrepentir de haber hecho según qué cosa, imagina si empiezas a improvisar: lo que grabes puede ser lo mejor que hayas hecho nunca o el mayor montón de basura jamás escuchado, y puedes no darte ni cuenta. Lo prefiero llevar todo muy claro, aunque esta vez muchas de las líneas de voz casi se han improvisado. Después de llevar tantos y tantos meses moldeando las canciones había partes de la voz que no acababan de convencerme, así que al grabarlas fue un poco como tirarse al vacío, coger aire y soltarlo todo según el momento. A día de hoy creo que todo ha quedado de puta madre”. Líricamente siempre habéis sido muy oscuros, pero me da la impresión de que en los textos os habéis extremado más todavía... ¿Una consecuencia imagino de lo podrido que está 103

“La raza humana está pidiendo a gritos la liberación, y no es otra que su absoluta aniquilación” JAVIER GÁLVEZ

el mundo? O mejor dicho, ¿de lo podrida que está la raza humana? Hay ocasiones que dan ganas de meterse en una cueva y no salir. “Apocalipsis, bestias imaginarias, misantropía… Tópicos que ya hemos cubierto en el pasado pero que esta vez cobran un nuevo significado. Un vistazo rápido a la actualidad mundial y dan ganas de vomitar. Desde los escándalos políticos por corrupción, miseria, cómo estamos controlados desde arriba, religión, guerras… hasta la estupidez más básica que te puedas encontrar en tu día a día; hay veces que uno no tiene la paciencia necesaria para lidiar con según quién o qué y dan ganas de acabar con todo. La raza humana está pidiendo a gritos la liberación, y no es otra que su absoluta aniquilación. El disco es conceptual y gira en torno a un personaje pasado de vueltas con la existencia del hombre que decide hacer algo”. A pesar de esos pequeños cambios en vuestro concepto, también están vuestros característicos y monstruosos zarpazos de puro doom demoníaco. 104

En este caso tenemos ‘Onward Through Domination’ y, sobre todo, ‘Deliverance Prayer’, con además esos altos registros vocales que marcan la diferencia respecto a otras bandas de similar estilo. Supongo que te lo han dicho muchas veces pero, ¿eres consciente de que es una de vuestras señas de identidad? Y una curiosidad: ¿Entrenas la voz de algún modo especial? “Nunca lo he visto así, estoy tan acostumbrado a mi voz que no creo que sea algo extraordinario, la verdad. Intento no desafinar y poco más (risas). Siempre la he tenido en cuenta como otro instrumento, si te soy sincero. Por otro lado, es normal lo que dices, ya que, generalmente, la voz en una banda es lo que marca la diferencia, lo que hace que puedas identificar rápidamente al grupo en cuestión, aunque creo que en nuestro caso los riffs son determinantes también, me atrevo a decir. No hago entrenamientos especiales más allá de calentar un poco antes de un bolo, que no siempre. No fumo tabaco e intento no beber alcohol si ese día voy a cantar, poco más”.

Otro punto a favor es esa preciosa portada obra de Nick Keller. Siempre he sido un gran admirador de este increíble ilustrador que ha hecho portadas para gente como Exordium Mars, Heresiarch, The Black Dahlia Murder o Bulletbelt. ¿Cómo contactáis con él? ¿Conocía ya la banda? Y por cierto, esa carátula pide a gritos una edición en vinilo, ¿no? “Después de que Rafa Garrés declinase nuestra oferta para este disco me puse a buscar un buen ilustrador. Contacté con tres y Nick fue el elegido, de lo cual me alegro enormemente, ya que, aparte de contar con su talento, que no es poco, la comunicación ha sido muy fluida. Desde el primer momento entendió lo que quería hacer, todo el concepto, las letras… Se metió en la historia de lleno. Le pasé un boceto y cosas que me gustaría ver en la portada y lo que me envió me dejó sin palabras. Él no conocía al grupo pero nada más contactar se compró el vinilo de Grengus, ¡antes de que hubiese podido enviarle nada! ¡Ahora es fan, por supuesto! El LP saldrá para finales

de año y, si todo va bien, también lo hará la nueva versión remezclada de Death Throne Monarch en formato doble vinilo, algo que muchos estábamos deseando desde hace tiempo”. Creo que habéis hecho algunas fechas por el extranjero... ¿Cómo os ha ido? ¿Creéis que visto cómo está el panorama en nuestro país, la solución pasa por girar más afuera, apostar por otros mercados más boyantes que el nuestro? Hablando de este tema con otros grupos que han tenido experiencias en Europa lo ven como la solución para no acabar quemándose en un país donde si pides que te paguen todavía te miran raro. “El pasado año estuvimos girando por Alemania junto a Beehoover y Conny Ochs, y fue bestial. Hicimos nueve fechas seguidas, sin descanso, que fueron agotadoras pero que hicimos sin problemas. Fue sorprendente ver que había gente coreando las canciones, fans a muerte que no daban crédito a que estuviésemos tocando en su ciudad… ¡Una locura! Realmente vamos a tocar donde sea, siempre que las condiciones sean favorables. No tocamos ni gratis ni por miserias ni por toda la cerveza del mundo, que hay quien te ofrece barra libre como si fueses un alcohólico y con eso queda todo listo. Si no se dan unos mínimos nos quedamos en casa, es preferible dar un par de buen bolos al año que dar 50 y perder dinero. A día de hoy hay gente que no entiende todo el gasto que conlleva poner en marcha a un grupo para dar un bolo aquí o allá, no hablemos ya de giras. Fuera la mentalidad es algo distinta, aunque supongo

que a un grupo de nuestro nivel en su país le pasará lo mismo. Aquí nos han ofrecido cosas buenas y malas, y fuera también, pero como he dicho, la mentalidad más allá de nuestras fronteras es distinta”. El año pasado tocasteis en el Day Of Doom de Barcelona y conozco mucha gente, entre los que me incluyo, que consideró que el vuestro, junto al de Trouble, fue el mejor concierto del festival. Teniendo en cuenta que aquella noche también estaban Pentagram, es para sentirse orgulloso. Ahora acaba de celebrarse la segunda edición y a pesar de que en el cartel estaban grupos como Confessor, Orange Goblin o Saint Vitus, parece que no acaba de arrastrar el público que por calidad, el festival merece. ¿Notasteis vosotros de algún modo vuestra participación? Y como anécdota, tengo que decirte que existe una foto del público mientras tocabais y éste… parece hipnotizado. En serio, es una instantánea que ha sido muy comentada. “Gracias por esas palabras. Si te digo la verdad, pensaba que muchos nos verían fuera de sitio tocando con bandas tan clásicas, pero al ver la reacción del público, me alegré. Sé que hubo gente que no tenía ni idea de nuestra existencia y quedaron encantados con nuestro set. Personalmente, como fan de Exhorder y Floodgate que he sido siempre, conocer a Kyle Thomas y verle/escucharle con Trouble fue uno de los puntos álgidos del festival. Este año me he quedado con las ganas de ver a Confessor, ¡¡argh!!

¡Estaría bien ver esa foto!”. En el caso de que pudierais elegir un productor para trabajar un futuro nuevo disco, ¿cuál sería el elegido? No hace mucho, un músico de una potente banda sludge nacional me comentó que Dave Grohl sería genial. “¡Dave Grohl hasta en la sopa! Seguramente Sanford Parker (una bestia que ha trabajado con gente como Lair Of Minotaur, Rwake, High On Fire o Samothrace, además de tocar con grupos como Buried At Sea o Minsk –ndr.). Nos gustan Kurt Ballow (guitarrista de Converge y reputado productor también -ndr.), Billy Anderson (Sleep, Fantômas, Eyehategod, Swans, Melvins, Agalloch... -ndr.)… pero Parker creo que haría un trabajo bestial con nosotros”. Por último, ¿qué esperáis conseguir con la edición de un disco tan sólido como Summoning Deliverance? ¿No es ahora, después de tanto tiempo y cinco excelentes álbumes, de empezar a recoger lo sembrado? “Como te he dicho al principio, nunca hemos tenido expectativas de ningún tipo. En lo que a mí respecta, se podría decir que ya he alcanzado el ‘éxito’, pues hago lo que siempre he querido hacer: escribir canciones, grabar discos y tocar en directo. Todo lo bueno que venga después es un añadido y es bienvenido, por supuesto, pero eso ya no depende de nosotros”.

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Para Mike Scheidt, vocalista y guitarra de

Yob,

componer canciones va

mucho más allá de juntar y ordenar unas cuantas notas... Es una manera de reconciliarse con la oscuridad que lleva dentro. Texto: Jordi Meya

FotoS: DR

No Hay Escapatoria 106

esde que en 2008 Mike Scheidt decidiERA reactivar Yob después de dos años de receso forzados, la atención hacia el trío de Eugene, Oregón, no ha parado de crecer. En los últimos años una impecable tripleta como The Great Cessation, Atma y el más reciente Clearing The Path To Ascend (Neurot Recordings), un directo de lo más poderoso y sus apariciones en el Roadburn Festival han conseguido colocarles en el podio de las formaciones stoner/doom actuales. Pero charlando con Scheidt, que con su barba y gafas redondas se asemeja a un John Lennon que hubiera vivido toda su vida en una comuna, uno se da cuenta que nada de esto parece importarle demasiado. Sí, aprecia el reconocimiento, pero en el fondo su relación con la música y su banda -que completan Aaron Rieseberg (bajo) y Travis Foster (batería)- es mucho más profunda. Él mismo nos lo contó durante su paso por el Ritual Cvlt Fest.

“Los grandes grupos de doom tienen un aura que es única, Y eso al fin y al cabo es lo que busca el público” MIKE SCHEIDT

Cuando un escritor hace una novela suele tener un principio y un final y luego va conectando los puntos intermedios. ¿Es parecido a cómo escribes los discos? MIKE SCHEIDT “Para mí no hay una analogía que lo explique exactamente, pero te diría que es parecido a cómo se hacían las fotografías antiguamente. Abres la palanca, dejas que entre la luz y luego la cierras. Capturas un momento. Yo siempre pienso en álbumes, no en canciones. Para mí son piezas musicales y cada canción es un movimiento. Cada canción tiene que tener su propio universo y luego funcionar bien con el resto. Tengo que encontrar la atmósfera y el sabor para cada disco. Que suene al mismo grupo pero con sabores y texturas diferentes. Eso es lo que busco”.

Después de siete discos, ¿cuesta más encontrar nuevos sabores? “Nunca andamos cortos de nuevas ideas. Sea lo sea que hagamos tenemos que justificar nuestra existencia. Si sintiéramos que nos repetimos sería el momento de dejarlo. Siempre intentamos aportar algo nuevo en cada disco, ir avanzando, pero al mismo tiempo, mantenernos fieles a nuestras raíces. Sí, mantener esa fidelidad pero ofrecer cosas que son únicas a cada álbum para no repetirnos. Creo que ése es el objetivo principal”. ¿En qué momento crees que Yob encontró su personalidad? “Sinceramente, creo que la encontramos ya en nuestro primer disco. Nuestra maqueta estaba basada en Holy Mountain de Sleep y Come By Fanatics.... de Electric Wizard. Era un doom muy limpio. Pero en el primer disco incluimos influencias del hardcore, del death metal, del black metal… Canciones mucho más amplias. Algunas seguían basadas en el doom, como ‘Asleep In Samsara’, que tenía mucha influencia de Sleep, pero otras como ‘Pain Of I’ o ‘Universe Throb’ eran otra cosa. Así que siempre hemos tenido un pie en la tradición y el otro fuera”. Tú venías de tocar en bandas de hardcore, pero el hardcore se asocia a la velocidad y el doom se basa en la lentitud. ¿Cómo fue pasar de una cosa a otra? “Bueno, también hay bandas punk que no son rápidas. Para mí lo importante era el intenso espíritu rebelde de la música, su pasión. Las cosas no tenían que ser perfectas, sólo que cuando subieras a un escenario fueras a por todas, te volvieras loco. Me sentía muy cómodo con eso. Y creo que en el doom es un poco lo mismo. La influencia punk de Yob viene de bandas como Black Flag o Corrosion 107

Colmillo Rojo

música que quiera”.

¿Crees que la gente tiene aún la paciencia para escuchar un disco como el vuestro de Mike Schidt participó componiendo y cantando ‘Dawn Rising’, uno principio a fin? de los temas del último disco de Red Fang. Siendo ambas bandas “Escribimos las de Oregón, pedimos al líder de Yob que nos contara cuál ha canciones en el sido su relación. “Conozco a esos tíos desde 2001. Tres de ellos local o en casa tocaban en un grupo llamado Party Time, y yo y Yob habíamos sin pensar en eso. tocado varias veces con ellos. Nos hicimos amigos de inmediato y Luego lo publicas y seguimos en contacto. En 2007 hicieron su primera gira americala gente lo escucha na como Red Fang y coincidimos en Memphis cuando yo estaba como quiere. Puede con Middian. Tocamos en un viejo videoclub y no había absolutaencantarles y que mente nadie (risas). Básicamente tocamos los unos para los otros y escuchen el disco acabamos totalmente borrachos. Siempre hemos ido a sus shows y entero u odiarlo ellos a los nuestros. El año pasado me pidieron cantar en su disco y que tiren el CD y les dije que sí. La brillantez de Red Fang es que no han cambiapor la ventana. No do nada. Siguen haciendo lo mismo que hacían con Party Time y tenemos ninguna lo mismo que hacían cuando empezaron en 2006. Creo que en expectativa en ese cada década aparece una banda de rock’n’roll que conquista los sentido. Llevamos corazones de la gente, y para mí esa banda es Red Fang”. el tiempo suficiente como para tener cierta confianza Of Conformity, que también tienen sus porque nuestro público ha ido crecienmomentos lentos y pesados. Para serte sincero, nunca he pensado en términos do y a menudo nuestros temas más épicos son los que más gustan. Esta de lento/rápido”. escena fue muy pequeña durante mucho tiempo y sólo interesaba a la genTécnicamente, ¿qué es lo más te que de verdad le iba este rollo, así difícil de tocar doom? que nunca me ha preocupado eso”. “Cada riff tiene que importar. Cada parte vocal tiene que importar. Porque ¿Y por qué crees que ahora no hay una batería detrás que lo tape está creciendo? todo. Si tienes un buen batería y toca “Bueno, creo que es una cuestión de rápido puedes esconder que tus riffs ciclos. Durante mucho tiempo hemos son una mierda. En cambio, en una banda de doom si no tienes riffs de ca- tenido música agresiva y rápida, que también es música que me gusta lidad, tu música se convierte en simple mucho, pero el doom lleva existiendo música de fondo y la gente se largará en la oscuridad durante 30 años. Es a los pocos minutos. Tener calidad es lógico que fuera así porque es música difícil, necesitas disciplina. Tienes que pensarlo bien todo especialmente aho- poco accesible, pero al final la gente que busca algo nuevo, algo excitante, ra que la gente tiene acceso a toda la 108

acaba llegando a este género. Es música muy honesta, que se ha hecho para gente que le va este rollo, para las otras bandas. Y también es música muy profunda, hecha por gente que está en el fondo, ya sea de una adicción, de la pasión, de la oscuridad, es algo muy rico y poderoso. Los grandes grupos de doom tienen un aura que es única, y eso al fin y al cabo es lo que busca el público”. ¿Te afecta el ánimo tocar música tan oscura cada noche? “No, porque la oscuridad sale de mí, no de la música”. Peor me lo pones… “No, es mi manera de seguir vivo. Cada uno viene a este mundo con una carga que tiene que llevar. Tienes que crear una relación con eso, sea saludable o no. Creo que el mejor arte sale de ahí. Se trata de no huir de ello”. ¿Crees que si huyeras no podrías hacer esta música? “No sé. Supongo que si tuviera la opción de ser auténtica y honestamente feliz, cualquiera lo escogería. Pero eso tendría un efecto profundo en tu vida. No pienso en ello. ¡Quiero sentirme mejor! Me encanta tocar esta música, me encanta girar y tener el respeto de la gente y de otros músicos, y también eso me hace feliz, pero siempre hay algo que duele. No hay escapatoria. Tenemos que seguir arrastrándonos por esta vida, pero me alegro de tener la música, porque sumergirte en las adicciones nunca funciona. Es un fracaso asegurado al 100% (risas)”.

RIVAL SONS

La música de Rival Sons ha logrado seducir tanto a quienes tienen puesto el pulso en las nuevas formaciones como a aquellos nostálgicos que piensan que cualquier tiempo pasado fue mejor. ¿Cuál es su secreto? Texto: María de los Ángeles Cerda FotoS: DR

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mencionan junto a Jack White, The Black Keys o Tame Impala como los grandes nombres del rock’n’roll de esta década. El pasado mes de junio, el cuarteto de Long Beach publicaba Great Western Valkyrie (Earache), un cuarto álbum que despliega tanto el respeto y la admiración por el blues y el rock como la espontaneidad de antaño. Sin embargo, ellos se niegan a hablar de revival, y, más bien, prefieren hablar de autorreferencia: muestran lo que está marcado a fuego en su ADN musical. La banda formada por Jay Buchanan (voz), Scott Holiday (guitarra), Michael Miley (batería) y su más nuevo integrante, Dave Beste (bajo), define su reciente trabajo como “lo más Rival Sons que hemos hecho”. Esto es lo que nos comentó su guitarrista antes de que el 5 de diciembre toquen en la sala Bikini de Barcelona, en la que será su única fecha en España por el momento.

os californianos Rival Sons han ocupado las portadas de los principales medios británicos especializados, han sido alabados por Jimmy Page y Glenn Hughes, y poseen una vitalidad que podría ser la envidia de cualquiera de sus contemporáneos. Muchos los

Al escuchar el nuevo disco es inevitable hacer comparaciones con Led Zeppelin. Sabemos que os lo han dicho miles de veces, pero esa influencia es muy evidente. Los riffs suenan grandiosos, la voz de Jay suena potente pero muy emotiva también cuando tiene que serlo, ¿es Led Zeppelin un punto de referencia constante para Rival Sons? ¿Qué importancia tuvieron en vuestra formación como músicos? SCOTT HOLIDAY “Suena curioso, pero Zeppelin no es un punto de referencia constante. Todos llevamos a Zep en nuestro ADN, pero quizás más importante es la ‘reverencia’ que, al igual que Led Zeppelin,

“¿Vamos a salvar el rock’n’roll? No. ¿Seremos los nuevos reyes del rock? No. ¿La próxima sensación en el planeta Tierra? No. ¿Rival Sons? Sí” SCOTT HOLI DAY sentimos por aquellos que les influyeron: Muddy Waters, Bukka White, Robert Johnson, Willie Dixon, Bert Jansch, Davy Graham, mucho soul por supuesto… ¡Son nuestros elementos básicos! Ésos son los músicos cuya influencia reconocemos muy conscientemente. Han estado junto a nosotros por mucho tiempo. En cuanto a la influencia de Zeppelin en mi formación, no podría hablar por el resto de los muchachos, pero para mí fue absolutamente inmensa. Tengo una teoría: todos los que crecieron en una familia escuchando rock’n’roll siempre tendrá una figura principal de adoración, o apreciación. Hacían fiestas enormes que duraban todo el fin de semana, tocaban distintos tipos de música… los Stones figuraban muy alto en la lista, como Hendrix, Van Halen, los Beatles, Pink Floyd, ZZ Top era muy importante, pero Zeppelin… Zeppelin le rendía culto a Led Zeppelin. Y así, naturalmente, esto me llevó a convertirme en guitarrista siendo muy joven. Aprendí muchas de sus canciones, aprendí quiénes eran sus influencias, y realmente aprecié cómo hacían sus discos. Esta banda no necesita ser mencionada como referencia, ellos están muy profundamente en nuestro ADN”. Además de esa fuerte influen111

RIVAL SONS cia, también hay un equilibrio entre el rock’n’roll y canciones muy melódicas, y en ese sentido, es un álbum trabajado de forma muy bonita. ¿Cómo conseguís ese equilibrio? “Es natural para nosotros, no forzado. Así es como escuchamos música, es la música que nos gusta, en especial porque somos, individualmente, distintos tipos de persona. Jay es mucho menos rockanrolero que yo. Puedo traer una pieza muy ruidosa y Jay la atacará casi un 100% desde el lado soul de la perspectiva. A mí me encanta el soul y el R&B, así que me gusta mucho lo que hace. En este disco, hubo canciones que casi no eran ni soul ni rock, era más ‘nosotros’. Como una aleación o algo que te lleva a una canción más pura”. Para grabar vuestro anterior disco Head Down sólo estuvisteis 22 días en el estudio. ¿Cuánto os tomó la grabación esta vez? “Nos dimos seis semanas esta vez, sólo porque no tuvimos que hacer una gira para cerrar el ciclo. Así que en cuanto a la diferencia en el proceso… no fue tan diferente. Trabajamos de una forma más cohesiva, y puede 112

que las cosas hayan fluido un poco más. Creo que como éste es nuestro quinto disco, estamos dando un nuevo paso. Sin olvidar la gran suma de Dave (Beste), que entró al grupo. Definitivamente, creo que ayudó a la energía en general de las sesiones. Sangre nueva. Y tiene una energía muy relajada”. ¿En qué ha cambiado la banda con el nuevo bajista? ¿Cambiaron de alguna manera las composiciones después de que Robin Everhart dejara el grupo? “Claramente hubo un cambio en la composición… Dave y Robin son intérpretes muy diferentes, y Robin contribuyó en la creación de las canciones, absolutamente. Ésa es la forma en que trabajamos. Las cosas funcionan muy bien en el estudio, la aportación de cada uno se toma en cuenta y es muy crucial. Habiendo dicho eso, cuando Robin se fue no tuve duda de que podíamos hacer otro disco que sonara a Rival Sons. Y esta nueva energía fue inspiradora para todos. De hecho sentí que podíamos seguir adelante y hacer nuestro mejor álbum hasta ahora, y creo que el resto de los muchachos piensa lo mismo”.

¿Cómo fue tener a Ikey Owens, teclista que ha trabajado con The Mars Volta y Jack White, en el estudio? “Estuvo sólo un día, ¡y ese día fuimos a Sun Records y Graceland! Somos amigos. Hemos tocado en casa, y pensamos invitarlo a este disco, pero no sabíamos cuándo lo tendríamos. Bueno… mi familia vino a quedarse por un fin de semana, planeé un viaje a Memphis y Jay solo se quedó en Nashville (donde el álbum fue grabado -ndr) y coincidió con que ése era el momento en que Ikey podía venir. Todo estaba pensado, al menos lo que necesitábamos que él hiciera, así que no me preocupé demasiado en estar ahí ese día. Aparte que tengo unos vídeos con las cosas que pasaron ese día, así como en secreto… es impresionante (desgraciadamente, Owens falleció unas semanas después de realizarse esta entrevista -ndr.)”. ¿Qué quiso decir Jay cuando dijo que os habéis vuelto “más vosotros mismos” en este álbum? “Tendrías que preguntarle a él, pero de eso interpreto que hemos hecho cinco discos juntos, con el mismo productor, somos las mismas personas, aunque Robin se haya ido, estamos de gira constantemente, y pasamos mucho tiempo juntos y compartiendo ideas y siendo creativos… quizás algunas de nuestras opciones son más naturales y basadas en lo que hemos construido, lo que somos. Estamos haciendo referencias a nosotros mismos más que a nada ahora. Nuestros roles individuales, y la forma en que los usamos, están mucho más definidos, y nos sentimos mas cómodos que nunca. Aunque Jay pudo haber

querido decir algo completamente distinto... Es probable”. El primer single, ‘Open My Eyes’, es una canción que suena gigantesca, y también ‘Rich And The Poor’ tiene un riff que es súper coreable y es muy fácil imaginarlo en un concierto con un público más masivo. ¿Qué respuesta han tenido esos temas en vivo? “Estamos pensando en tocar ciertos temas en vivo, pero generalmente nos concentramos en crear temas para el tocadiscos y para escucharlo con auriculares en lugar de pensar en arenas. Ahí es donde empieza la conexión. La gente escucha la música primero en su cabeza… después piensan ‘¡Tengo que escuchar esto en vivo!’”. Tenéis la capacidad de componer estas canciones que suenan tan grandes pero, al mismo tiempo, escribir temas más íntimos como ‘Jordan’ o ‘Where I’ve Been’, y también os hemos visto tocar en formato acústico. ¿Te sientes más vulnerable en esta faceta, o te acomoda tanto lo ruidoso como lo acústico? “Me gustan las dos. Pienso en general que los conciertos completos son mucho más divertidos y reflejan lo que esta banda es capaz de hacer. Usar mi equipo me permite desplegar la visión que estoy buscando… mi propio sonido y mi propia misión, y definitivamente, es así para Michael y Dave también, creo. Pero, realmente, disfruto haciendo estas presentaciones más íntimas. Saco una buena guitarra de acero, toco algunas

slides… reinvento esas canciones… Normalmente lo hago a medida que se me va ocurriendo… y muestra lo que Jay puede hacer a ese nivel, que es un punto muy bonito”. En los últimos años os habéis convertido en una de las formaciones favoritas de los medios británicos. ¿Cómo te sientes respecto el apoyo que os han dado y lo entusiastas que se muestran hacia vuestra música? “Soy un fan, y esto antes de que nos tomaran en cuenta, de la prensa musical inglesa. Revistas como Mojo, Classic Rock, NME, Q... son algunas de mis favoritas. Las compro cada vez que estoy en casa, desde mucho tiempo antes que esta banda existiera. No tenemos revistas musicales así en Estados Unidos. Ellos han sido muy favorables con lo que estamos haciendo, y es increíble. Pero no quiero apegarme demasiado... Los periodistas… te pueden dar la espalda en cualquier momento. Pero hasta ahora han sido agradables”.

pectativas que ponen en vosotros? En el sentido que os mencionan recurrentemente como la próxima gran banda de rock’n’roll. “Ah, eso es parte de su trabajo también, el hype. No nos preocupamos demasiado de eso, en serio, es lo que somos. Sólo vamos a tratar de hacer el mejor disco cada vez que nos pongamos a trabajar. No porque vayamos a salvar el mundo, simplemente porque es el compromiso que hemos hecho con cada uno y con nosotros mismos. Aceptar las ideas ridículas y fuera de control que la prensa impone en ti para generar el hype sería el beso de la muerte. ¿Vamos a salvar el rock’n’roll? No. ¿Seremos los nuevos reyes del rock? No. ¿La próxima sensación en el planeta Tierra? No. ¿Rival Sons? Sí. Sólo somos nosotros haciendo lo que sabemos hacer. ¿Grabar discos y hacer shows en vivo? Sí. Eso es lo más lejos que ha llegado el hype en mi cabeza”.

¿Cómo te sientes con las ex113

Vayan vestidos de raperos chulangas o de hair rockers glameros, está claro que Hummano son el ejemplo de que no se puede juzgar un libro (o un disco) por su portada. Su segundo trabajo We Hate You All!!! es una crítica a quienes sí lo hacen. Texto: Jordi Meya Foto: DR

arece que fue ayer cuando llegaba a nuestras manos Is The Shit, el debut de esta banda de deathcore de Tres Cantos. Pero en poco más de un año, Hummano han vivido un montón de experiencias, desde tocar con Hatebreed o

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Napalm Death a hacer su bautismo de fuego en el último Resurrection Fest, ganándose en el camino un buen puñado de fans. Estos estarán, o al menos deberían estar, encantados cuando escuchen We Hate You All!!! (Blood Fire Death), su segundo trabajo, grabado junto al especialista Alex Cappa en sus The Metal

Factory Studios. A lo largo de diez temas el cuarteto formado por Thomas ‘Sito’ Shutter (voz), Fernando Díez (guitarra), Pablo Fernández (bajo) y Adrián Arteche (batería) amplifican su tralla habitual con melodías más marcadas y unas composiciones más redondas. Un gran disco que eleva el nivel de la

escena nacional con la que también se muestran críticos en sus letras. Como podréis leer a continuación, si Sito y Fer dejaran la música, bien podrían ganarse la vida como pareja cómica. Antes de empezar a hablar del nuevo disco, haced un balance del ciclo de Is The Shit. ¿Os llevó a donde queríais? FER “Creo que nos ha llevado mucho más lejos de lo que esperábamos. Nunca nos imaginamos que llegaríamos a acabar el ciclo de conciertos

tocando en el Resurrection Fest, Restless Fest de Portugal y O’Marisquiño… Lo que empezó siendo una pequeña gira de promoción de Is The Shit entre septiembre y diciembre, se extendió hasta abril. La verdad es que para bien o para mal, a todo el mundo le suena el nombre de Hummano, y eso es lo que más me sorprende, que hayamos llegado ‘tan lejos’ para ser un grupo novel. También hay que decir que ni de coña hubiésemos llegado hasta donde estamos si no hubiese sido por Blood Fire Death, que sin saber nada de este humilde grupillo de Tres Cantos, con sólo una demo de dos canciones, apostó por nosotros y nos apoyó desde el minuto uno”. SITO “Yo opino que no, hicimos un auténtico discazo que nos costó sangre, sudor y lágrimas terminarlo y no ha tenido ni de lejos el reconocimiento y la importancia que debería haber tenido. Sí… hemos tocado en festivales, pero yo soñaba con una gira internacional teloneando a Lostprophets y hacerme colega de Ian Watkins que siempre ha sido, y sigue siendo, mi ídolo. Está claro que las cosas no han salido como deseábamos, ni para él ni para mí. Aun así, no pierdo la esperanza de que con este disco ocurra, que ganemos un pastizal y pueda sacarle de la cárcel”. Como ocurría con vuestro debut, lo primero que llama la atención es la portada. ¿Cómo os sentisteis más ridículos vestidos, de rappers o de glam rockers? SITO “Yo estoy acostumbrado ya a estas cosas, he participado en un cortometraje y hacía teatro de pequeño, con lo que disfrazarme o vestirme de otra persona, incluso travestirme, no

me supone ningún problema. He de decir que cada vez me veo mejor de mujer, el problema está en que los demás miembros del grupo también les está gustando mucho, demasiado yo diría. En la sesión de fotos para We Hate You All!!! yo andaba con un resacón brutal porque, cuando me toca interpretar un papel, me lo tomo muy en serio y es lo que hacían los grupos de esa época. El caso es que me tuve que apartar varias veces para irme a vomitar y cuando volvía veía unas escenas bastante turbias entre ellos, restregándose los paquetes en la cara… tocamientos… en fin. Quiero pensar que eran los efectos de toda la droga que me metí la noche anterior, pero no lo tengo del todo claro”. FER “Pues personalmente no me he sentido ridículo con ninguna de las dos. Como rapero me veía como un payaso, pero porque me quedaba la ropa gigante y no podía ni andar. Cada vez que nos movíamos de un sitio a otro para hacer fotos era un espectáculo. Llevar unos pantalones de un tío que mide 2 metros, con mi cinturilla de nena, pues como que es un poco complicado... Pero sentir, me sentía bien con ello. Con la sesión de fotos glam, tres cuartos de lo mismo. No me sentía ridículo, me daba asco a mí mismo, pero creía en ello. El asco es porque… bueno, no tienes más que ver las fotos (risas). Tan maquillado, con morritos… en fin, no hace falta que lo explique. Para nosotros Hummano es algo que nos tomamos muy en serio. Sí, las fotos, vídeos, carteles… es todo de cachondeo, pero con un trasfondo elaborado y madurado. No hacemos nada porque sí. El humor es simplemente nuestra forma de ser, mezclado con nuestro concepto de la música. Como realmente no nos 115

“El humor es simplemente nuestra forma de ser, mezcladO con nuestro concepto de la música. Como realmente no nos sentiríamos cómodos es con las típicas fotos de grupo malote. No somos así” FER sentiríamos cómodos es con las típicas fotos de grupo malote. No somos así”. Por cierto, ¿sois fans de alguna banda glam? FER “Musicalmente hablando, no, no creo que haya ningún grupo de ese estilo que me guste. En cuanto a imagen, sí, Steel Panther. Me parto con sus fotos, vídeos y portadas. Nos ayudaron mucho a la hora de preparar el artwork de We Hate You All!!!”. SITO “L.A. Guns, Twisted Sister, Poison, Cinderella, Warrant, Bon Jovi, Tesla, Dokken, W.A.S.P…. ¿Queréis que siga? Skid Row, Mötley Crüe, Guns N’ Roses… Y podría seguir”. Tanto la nueva imagen como el disco en general, o así me lo he tomado yo, es un ataque o una denuncia de la pose que impera en la escena. ¿Creéis que se entenderá o que la gente simplemente pensará que os gusta hacer el payaso? FER “Efectivamente, es una crítica a la importancia que muchos le dan a la imagen, a pertenecer a una escena que al final del día no apoyan. Una imagen que claramente tiene más importancia que la propia música, algo que me revuelve las entrañas. La música siempre es lo primero para mí, me da exactamente igual las pintas que tenga el grupo que me gusta, si llevan dilatas, tattoos o jerséis de lana con motivos navideños. Cada vez que voy a un concierto me llego a 116

sentir como un bicho raro por no tener nada de esas ‘características del nuevo hardcore’ y por ir con mi jersey de pico (risas). Tampoco quiero que se me malinterprete, que la gente puede vestir como le salga de los cojones, faltaría más, sólo me refiero a cuando una dilata o un peinado son más importantes que un acorde o un ritmo. ¿Que si la peña lo entenderá? No lo sé, espero que por lo menos les pique la curiosidad y nos pregunten o se lean alguna entrevista. La verdad es que tenemos bastante suerte porque la gente que nos sigue sabe que no somos unos payasos, saben que nuestra música es seria y sus comentarios siempre suelen hacer la distinción entre lo gracioso de la portada y lo serio de la música, y esto se lo agradecemos enormemente. No somos un grupo-chiste, sólo nos lo queremos pasar bien con lo que hacemos”. SITO “Yo en este aspecto soy un incomprendido dentro de mi propio grupo ya que considero que la imagen es muy importante dentro de una banda o una escena. Al ser el más joven y moderno siempre estoy pendiente de que mi imagen sea acorde con las últimas tendencias y que mi SWAG no quede en entredicho. De hecho, creo que a Fer no le caigo muy bien por eso, él es un pureta y le gusta todo como dice él, sino, es una ‘puta mierda’ o ‘éste de qué coño va’, pero bueno, tiene que empezar a comprender que la gente

ahora es diferente y que lo importante es estar a la moda, si no, no se folla ni se triunfa en la música”. ¿Qué es lo que más os reconcome de la escena en la que estáis? FER “Aparte de lo ya mencionado, no hay mucho que me reconcoma. Hay mucho listo y mucho jeta, peña que se intenta aprovechar o que cree que le debes algo, pero a esta gente se la ignora y listo. Sí que hay mucho que me gusta de esta escena y es que poco a poco hay mejores bandas, grupos que merece la pena seguir e ir a ver en directo. Con Is The Shit veíamos un grupo reducido de asiduos que iba a los conciertos, que era de agradecer, pero que se quedaba en eso, un grupo pequeño. Ahora vemos cómo está creciendo ese grupo. Vemos caras nuevas en más y más conciertos, y me refiero a conciertos tanto nuestros como de otros grupos. Estoy viendo cómo hay mucha gente que está apostando fuerte por grupos nacionales al igual que lo hacen con los de fuera. Todavía nos queda muchísimo camino por andar, pero es un comienzo”.

SITO “A mí me jode bastante cuando en nuestros conciertos, después de componer una parte claramente para hacer un two-step, la peña del público se ponga a moshear o a hacer un circle pit. Es algo que la escena no comprende y no asimila aún en este país. Cuando hay una parte de una canción en la que hay que bailar cruzando las piernas simultáneamente, ¿cómo es posible que te pongas a hacer molinillos y patadas voladoras? Hay que ensayar más en casa delante del espejo y desarrollar el oído y la rítmica porque de verdad que a mí me corta mucho el rollo cuando estoy sobre el escenario. Nos queda muchísimo por aprender de las escenas de otros países en este aspecto, en serio, pero bueno, poco a poco irán mejorando estas cosas”. En un mundillo donde rajar está al orden del día y donde todo el mundo va a la suya, dadme algún ejemplo concreto en el que hayáis ayudado a cambiar la situación. Porque al final no se trata sólo de criticar, sino de actuar. FER “¡Qué buena esta pregunta! En

serio. Es muy fácil hablar y criticar, sentadito en tu sofá de casa. Muchas veces lo pienso, que los grupos siempre dicen ‘que si la escena tal o la escena cual’, porque al ser un grupo, eres el afectado, la víctima, y no tienes que darle explicaciones a nadie. Los grupos han de apoyar lo mismo o más que el público, y han de darse cuenta de que ellos también son parte de ese público. Hemos visto grupos que han pasado olímpicamente de ver siquiera a las bandas con las que tocaban en un concierto, que tiene delito, de saber que hay un grupo tocando en una sala y preferir estar en la puerta bebiéndose una cerveza porque ‘es que no tenemos pasta’, pero eso sí… ‘Luego nos vemos en los bares y nos tomamos unas copas’. Nosotros no somos los mesías, tampoco los que lo hacemos todo perfecto y por eso nos creemos con derecho a criticar, pero sí intentamos hacer todo lo que está en nuestras manos para apoyar y hacer que la escena crezca y se fortalezca. En el último año sólo hemos ido a ver grupos nacionales, bueno, y a The Black Dahlia Murder y alguno más. Intentamos asistir a todos los que podemos siempre y cuando no nos pille tocando o currando. Con Hummano intentamos apoyar a todo dios, publicamos sus temas, sus vídeos, lo que haga falta para que se den a conocer o para apoyar a los ya conocidos. Si nos sigues en Facebook o Twitter, lo habrás visto. No es difícil ser un miembro activo de la escena, es simplemente querer hacerlo”.

Los temas nuevos son mucho más melódicos que en el anterior. ¿Pensáis que Is The Shit era demasiado inaccesible? ¿Habíais aparcado antes esta faceta a propósito? FER “Sí. Is The Shit no nos ha conseguido los ‘Likes’ que buscábamos y tuvimos que reunirnos para replantearnos nuestro estilo y el camino que seguiría nuestro segundo LP. Concluimos que había que hacer los temas más melódicos porque es lo que ahora se lleva. Si no metes melodía no eres nadie y nosotros queremos ser alguien, así que… Cuando componíamos los temas lo primero era el estribillo, si no había un estribillo popper, no el estilo, sino el botecito, no seguíamos con el tema. Si por el contrario lo teníamos, construíamos la canción alrededor de éste. ¡Salían los temas como bollos!”. Es fácil imaginar canciones como 'You Suck', 'Bitch-slap' o 'Pseudocidal' siendo cantadas por la peña en los conciertos. ¿Os daba un poco de envidia cuando veíais a Dawn Of The Maya o qué? FER “Sí, mucha. No es normal que la gente esté entregadísima en sus conciertos y que en los nuestros no se muevan nada, siempre a 3 metros del escenario con su cerveza en mano, mirándonos como si fuéramos unos bichos raros. Llegamos a plantearnos el poner sillas para tener un añadido y que la gente estuviera cómoda y no se marchara. Hemos introducido sólo esos tres temas con melodías muy marcadas para que la gente no nos tache de vendidos y así seguir siendo extremos. Es importante parecer que eres extremo pero sin llegar a serlo, porque si no, no vendes, y la gente no viene a 117

“SI FUERA POR LOS DEMÁS, TODO SERíA GUTURALES DEL AVERNO” SITO a la composición del tema y la letra, no había más que decir. Estaba clarísimo desde el principio que el tema tenía que ser así y no había nada más que quisiésemos decir aparte de eso: que se la mamamos a nuestro perro y nos gustó”.

tus conciertos. Y si la gente no nos da dinero, ¿para qué tocamos?”. SITO “(Risas) No hombre… La verdad es que el tener partes que el público pueda participar y cantar con nosotros siempre nos ha molado. En el primer disco también teníamos algún que otro coro, que con más o menos éxito, la gente se aprendió. El más reconocible sin duda es el de “Lets Be Proud!!” de ‘Cumming In The Face Of’. Sinceramente, a la hora de hacer las líneas vocales, no pensamos en estas cosas desde el principio sino que según va evolucionando la canción y la letra, puede llegar un punto en el que digamos ‘¿Y si metemos aquí un coro hooligan?’ o ‘este estribillo va a llevar melodía en la voz, os guste o no’ (Risas). Esto es algo que ha pasado en mi caso, ya que si fuera por los demás, todo serían guturales del averno, pero han sido bastante permisivos conmigo y el poder meter melodías, así que puedo estar satisfecho, y a ellos también les ha molado. Pablo incluso me apoya con esos melódicos en directo, con lo que se los tiene que tragar sí o sí”. ¿Cómo fue la experiencia de grabar 'I Blew My Dog And I 118

Like It? ¿Os vino la inspiración después de tocar con Napalm Death? FER “Sí, totalmente. Napalm Death es un grupo que nos gusta mucho a todos y quisimos copiarles un tema de su álbum Scum. Grabarlo fue intenso, nos costó muchísimo que todo sonara como queríamos. La línea vocal es muy compleja y la musical ya… ni te cuento. De los diez temas que componen We Hate You All!!!, ‘I Blew My Dog And I Liked It’ es el que más nos costó y con el que más contentos nos hemos quedado. La letra es la más profunda que hemos escrito, tiene un pedacito de cada uno de nosotros. Le tenemos un cariño especial y esperamos que la gente lo note cuando la toquemos en directo”. SITO “No, realmente fue nuestro intento de apuntarnos a la moda de las covers o versiones de pop por un grupo de metal. El caso es que durante los viajes de nuestra gira, nos dedicábamos a recopilar ideas para nombres de temas, como hicimos con el anterior disco, con una temática o una idea en común. De todas las ideas que tuvimos en el disco finalmente sólo se quedó ‘I Blew My Dog And I Liked It‘ ya que nos hizo muchísima gracia y en cuanto

Ya que Fer escribe en la revista, ¿qué nota le pondrías al disco? Y los demás, ¿qué nota le ponéis a él como crítico? FER “Un 100/100 a ambos. Está clarísimo que este país no ha visto un disco como We Hate You All!!! y que Hummano es una banda con estilo propio, la cual muy fácilmente podría venir de Wisconsin y ni lo sabrías. El álbum mezcla todo lo mejor de cada género y lo combina con una delicadeza y maestría envidiables. La producción es perfecta y si me dijeran que lo ha grabado Terry Date, me lo creería. Sin duda el disco va a ser lo mejor de este año y de los dos siguientes. En cuanto a mis críticas, qué decir aparte de lo que ya sabe todo el mundo. A mí no hay quien me tosa. Mi dominio de la lengua española junto con mis conocimientos sobre el metal nacional e internacional, hacen de cada una de mis críticas, pequeñas joyas que hacen que la gente lea la revista mes tras mes. RockZone sabe la estrella que tiene entre sus redactores y me cuidan bien”. SITO “Este tío es gilipollas…”.

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DEVIN TOWNSEND

“No puedo dejar que las expectativas de los demás definan lo que hago” 120

BENDITA LOCURA El prolífico y polifacético Devin Townsend regresa con su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Un álbum doble en el que recupera su alter ego cósmico, Ziltoid, y su banda DeviN Townsend Project. Y eso no es todo… Texto: Jordi Meya Fotos: DR

evin Townsend es un músico que se aburre fácilmente. Su búsqueda continua de nuevos estímulos explica por qué a lo largo de su carrera ha publicado discos en solitario, como Strapping Young Lad, con The Devin Townsend Band, Devin Townsend Project, Casualties Of Cool o IR8 (junto a Jason Newsted), además de producir a bandas como Lamb Of God, Soilwork o Misery Signals, o alistarse como guitarrista de grupos tan distintos como Front Line Assembly o The Wildhearts. 30 discos de estudio que abarcan desde el metal industrial al new age lo contemplan, pero probablemente el canadiense nunca había asumido un riesgo tan grande como el que supone su última creación. Z² (Inside Out Music), un doble trabajo que consiste en un disco, Sky Blue, firmado por Devin Townsend Project, y Dark Matters, la secuela de la opera rock Ziltoid The Omniscient que publicó en 2007. Para

facturarlos Townsend contó con la colaboración de músicos como los vocalistas Anneke Van Giersbergen y Chris Jericho, el guitarrista Dave Young o el bajista Brian Waddell, y orquestas americanas y checas, así como del ‘coro universal’ que recoge las aportaciones vocales que 2.000 fans hicieron a través de su página web. Pero ahí no acaba la cosa. Townsend también ha creado una serie de marionetas para los personajes de Ziltoid, programas de radio y una novela gráfica. Como el propio músico reconoce, la magnitud del proyecto le ha pasado factura. El esfuerzo detrás de este trabajo ha sido enorme. ¿Te has recuperado ya? “Estoy en camino (risas). Con cada disco necesitas un tiempo de recuperación y con éste todavía un poquito más. Me siento fatigado por los dos años de trabajo, pero estoy satisfecho. Veo la

recuperación en el horizonte”. ¿Te cuestionas a veces por qué te metes en estos líos? “¡Muchas veces! Espero haber aprendido la lección. Tiendo a reflexionar sobre los discos cuando ya los he hecho, me da una imagen clara de dónde estaba cuando los hice. Espero que la fatiga y el caos que ha supuesto hacer este álbum me ayude a aprender de cara al futuro y pensarme más las cosas antes de hacerlas”. ¿Tenías una idea clara de a dónde querías llegar o se te escapó de las manos? “Hubo una parte de eso. Como músico tengo una visión muy clara de la impresión que quiero dejar en la gente, pero no de la canción o del producto final, así que el proceso esencialmente es una irritante lucha para plasmar mi visión. Y no paro hasta conseguirlo. Por un lado hay un objetivo muy concreto de dónde 121

quiero terminar, pero cómo llego hasta ahí y lo articulo es una locura. Es como andar a oscuras. La mayoría de este proceso lo hago solo y luego a medida que crece el disco involucro a los demás. Mi prioridad es conseguir una representación vital de ese momento”. ¿Cuál es para ti la relación entre los dos discos? “Si lo miro estrictamente como una metáfora es un conflicto entre dos caras de mi naturaleza. El disco de Ziltoid es mi cara infantil, cómica y caótica, y el de The Devin Townsend Project es otra, es más sombría y adulta. Es un reflejo de quién soy. La génesis del proyecto fue que le presenté a la compañía y el management la idea de hacer otro disco de Ziltoid y crear muñecos, un cómic y otras cosas locas 122

que iban a costar un montón de dinero. Y ellos me dijeron ‘bueno, también tienes la banda, ¿por qué no haces las dos cosas a la vez en lugar de gastarte todo el dinero en una sola?’. Así que empezó casi como un compromiso por mi parte, y pensé que no sería un problema. Pero cuando empecé a hacerlo me di cuenta de que iba a ser mucho más difícil de lo que pensaba porque no soy el tipo de músico que pueda hacer las cosas porque sí, necesito sumergirme de lleno. Y estuve bastante perdido durante un tiempo, pero al final estuvo bien porque me forzó a sacar una parte de mí que estaba dormida. Un lado más depresivo y triste que se plasmó en el disco de DTP y del que ahora me siento muy orgulloso”. Hiciste una campaña de crowdfunding muy exitosa. ¿Te dio fuerza para presentarte a la discográfica y decir ‘hey, tengo toda esta gente apoyándome para hacer mis locuras’? “En parte sí, pero también funcionó de manera opuesta y me volvió muy inseguro. Normalmente trabajo pensando sólo en mí e ignorando totalmente al público, pero esta vez me di cuenta de que había mucha gente apoyándome y que aprecia lo que hago. Me hizo plantear qué significa todo esto y qué limitaciones conlleva.

Así que me dio poder pero al mismo tiempo, me hizo enfrentarme a mi autoestima, al éxito, a las críticas, que son cosas que siempre he intentado ignorar. Lo que está claro es que este proyecto fue fruto de la campaña de crowdfunding y es algo totalmente positivo… pero también me llevó mis problemas”. En Sky Blue encontramos algunas melodías muy pop. ¿Trabajar con Anneke te ayuda a que salgan más fácilmente? “Quizá de manera indirecta. No quiero que suene despectivo, porque no lo es, pero es como si tienes una nueva guitarra. Las cualidades de esa guitarra te ayudarán en ir en nuevas direcciones que antes no eran posibles. Si tienes una guitarra de ocho cuerdas te permite escribir cosas que no puedes con una de seis. Y es lo mismo que ocurre cuando trabajo con gente que tiene capacidades específicas. Me permite utilizarlas de manera que no podría por mí mismo. Los baterías, bajistas, cantantes, me inspiran. Y me gusta sentirme inspirado”. El disco de Ziltoid suena como una mezcla de teatro musical, dibujos animados, Frank Zappa… ¿Trabajas de manera muy distinta a cuando escribes un tema de metal? “Bueno, creo que escribir una buena canción de metal o de pop es muchísimo más difícil que escribir música vanguardista. La música del disco de Ziltoid sale de una absoluta libertad, ocurre muy deprisa porque no le doy más vueltas. No hay parámetros o estructuras a las que ceñirse. Escribir algo más comercial, escribir pop, es

muy difícil porque tiene una fórmula que hay que seguir pero que es muy fácil hacerla mal. En cambio, ¿cómo vas a hacer mal esta música alienígena? Para mí es mucho más fácil hacer locuras”. Cuéntame un poco sobre los otros elementos asociados al disco. ¿Trabajaste en ellos al mismo tiempo que la música? “Sí, todo ocurrió simultáneamente. Tenía a gente trabajando en los otros proyectos y lo íbamos poniendo en común. Como te decía, en estos momentos necesito sentirme inspirado y con la cantidad de discos que he hecho, hacer uno más puede resultarme aburrido. Así que trabajar a un nivel multimedia con los muñecos, los cómics, la web, el coro universal, las orquestas, me ayuda a propulsar mi energía. Cosa que, si hiciera simplemente otro disco más, no tendría”. ¿La gente que sólo escuche el disco e ignore todos los otros elementos se estará perdiendo mucho? “No me importa en absoluto. No está hecho para conseguir su aprobación, sino para desafiarme creativamente. No puedo dejar que las expectativas de los demás definan lo que hago”. ¿Cuál es el personaje o muñeco que te atrajo siendo un niño? “Para mí fue la película Cristal Oscuro de Jim Henson. Debía tener 8 años y cambió mi vida. La idea de hacer un mundo de fantasía tan espiritual me alucinó. Para mí es como una versión infantil de El Señor De Los Anillos. Desde entonces siempre quise

“Ahora todo va ultra rápido y es sÚper intenso, pero el problema de adaptación lo tenemos nosotros, no los niños” crear algo parecido a los muñecos de Cristal Oscuro. Y eso es lo que es Ziltoid. ¡Aunque es del espacio exterior! (Risas)”. ¿Has visto Cristal Oscuro recientemente? “Sí, y no pude soportar los diálogos”. Yo la vi hace un par de años porque de pequeño también me gustó mucho y me sorprendió lo lenta que es. ¡No pasa nada! “(Risas) Así es. Hay una versión que corre por ahí sin diálogos, sólo con la banda sonora, y es preciosa. Pero lo que dices me ocurre mucho con mis hijos. Les pongo una película que a mí me encantaba de niño y la ves ahora y te das cuenta de que no es tan buena. Pero eso no cambia lo que sentí la primera vez. Otra película que me encantó de niño fue Tron. ¿La has visto recientemente?”. No he tenido el estómago. Ni siquiera me gustó de crío. Lo que también se constata cuando ves películas infantiles antiguas es cómo se ha

acelerado todo. Ahora un niño necesita un ritmo altísimo para que preste atención. “Lo que los padres no podemos olvidar es que cada generación es distinta y que las cosas que funcionaban para tu generación no necesariamente funcionan para la siguiente. Sí, ahora todo va ultra rápido y es súper intenso, pero el problema de adaptación lo tenemos nosotros, no los niños”. Éste es tu trigésimo trabajo de estudio. ¿Significa que todo lo que haces lo publicas o tienes igual material para otros 30 discos que nunca han visto la luz? “Tengo toneladas de material inédito. Pero hay una buena razón para que no se haya publicado. Quizá podría aprovechar algunas cosas, pero la mayoría son simplemente malas. Para mí es necesario escribir continuamente, pero tengo asumido que no necesariamente merezca la pena ser escuchado (risas)”.

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EN DIRECTO

IN FLAMES

8 de octubre de 2014 Sala Razzmatazz, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Carles Rodríguez

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OBLIVION WOVENWAR

n ese proceso de continua renovación de su público, In Flames apostaron en su nueva gira europea por integrar en el cartel a dos formaciones dirigidas a contentar a sus seguidores más jóvenes. Una elección coherente, que también se refleja en sus setlits, pero que probablemente los distancia aún más de aquellos fans que añoran los tiempos de Whoracle o Colony. En cualquier caso, ello nos permitió poder ver por fin en directo en nuestro país a While She Sleeps, una de las bandas más prometedoras del nuevo metalcore británico, quienes fueron sorprendidos por la dedicación entusiasta de un par de centenares de fans que se habían plantado en la sala desde primera hora. A pesar de venir con una formación de circunstancias, por la ausencia de su sección rítmica habitual, los de Sheffield hicieron buenos todos los pronósticos. En apenas 25 minutos nos plancharon con el poderío de temas como ‘Death Toll’ o ‘This Is The

Six’ y Lawrence Taylor demostró ser un frontman sobrado de energía y que ya ha dejado atrás los problemas vocales que le llevaron a operarse hace unos meses. Buenísimos. No puede decirse lo mismo de Wovenwar, la banda donde militan los excomponentes de As I Lay Dying. Es difícil no sentir un poco de lástima por unos músicos que habían alcanzado un buen estatus y que, por circunstancias ajenas a ellos, se ven obligados a empezar prácticamente de cero. Si en su disco de debut su apuesta melódica funciona, en directo se convierte en una jaula y casi se percibe que la banda se reprime para no sonar más cañera. Algo que, añadido a la ausencia de los elementos de producción de estudio y al poco carisma del cantante Shane Blay, les sitúa en una tierra de nadie bastante peligrosa. En cierta manera es un peligro que también correrían In Flames dada la naturaleza de sus últimos discos,

pero los suecos son perros viejos y saben de sobras cómo tirar adelante un concierto. Para empezar, porque suenan como un cañón y además, en esta ocasión llevaban una potentísima producción de luces, con lo que tenían ganada la partida visual. Abrieron con ‘In Plain View’ y ‘Everything’s Gone’, los dos primeros temas de su reciente Siren Charms, del que interpretarían hasta cuatro temas más, dejando claro que al menos ellos sí creen en lo que hacen. Y probablemente es su propio convencimiento lo que ha conseguido que temas de su última etapa como ‘The Mirror’s Truth’ o ‘Fear Is The Weakness’ sean igual de celebrados que viejas perlas como ’Resin’ u ‘Only For The Weak’. Si le añadimos que al grupo se le veía de muy buen rollo (subieron a un par de fans al escenario para que filmaran la nu metalera ‘Cloud Connected’), podemos concluir que, a pesar de todas las críticas, In Flames están exactamente donde quieren estar. 125

cudía antes de la apertura de puertas al mítico Electric Ballroom, situado en el barrio de Camden, donde ya presentaba una ordenada fila de gente apurando el último trago. La actuación estaba encabezada por el cuarteto originario de Scranton, Pensilvania, que volvían una vez más a la capital inglesa como artista principal dentro de su propia gira, ya que ninguna de las veces anteriores habían venido como teloneros de ningún grupo. Se podría decir que pueden sacar pecho con la situación que viven ahora mismo; su último trabajo Rented World es casi tan bueno como su predecesor, On The Impossible Past, que como sabréis fue elegido por esta revista como mejor disco de 2012. Además, con varias fechas agotadas con antelación, ésta se sumaría a la lista de sold outs a última hora. Una vez situados dentro, y con pinta en mano, nos preparábamos para ver al primero de los dos teloneros que se traían los vecinos de Michael Scott 126

y compañía. Así, The Holy Mess, un trío de influencias punk a dos voces, aprovecharon cada minuto de los 30 que tuvieron para escupir una canción tras otra, y eso que según ellos venían sin dormir... Tocaba el turno de los australianos, The Smith Street Band. Hicieron gala de un rock desordenado, a lo Modest Mouse o The Front Bottoms, y se salieron a base de buenos y recomendables temas como ‘Don’t Fuck With Our Dreams’, ‘Ducks Fly Together’, ‘I Can’t Feel My Face’ o ‘Young Drunk’, ésta última coreada por casi toda la sala. Se merecen alguna que otra escucha los de Melbourne. Mientras que los Menzingers se instalaban la espera se hacía amena con Brand New, Sunny Day Real State o Postal Service como música de fondo en la sala. Con las luces apagadas se empezaron a escuchar los primeros acordes de ‘I Don’t Wanna Be An Asshole Anymore’ y ponían patas arriba un Electric Ballroom ya abarrotado. El

público, que parecía tranquilo en un principio, estaba ahorrando las energías para empezar a volar sobre las primeras filas con temazos como ‘Burn After Writing’, ‘The Obituaries’, ‘Good Things’ o ‘Where Your Heartache Exists’. Fueron mezclando cortes de los dos últimos discos (que fueron la mayoría) y dedicaron también tiempo a algún tema de sus primeras obras como ‘I Was Born’, ‘Time Tables’ o ‘Irish Goodbyes’. Se coreaba cada canción por todo lo alto, y los Menzingers encantados, claro. No pararon de agradecer a los más de mil asistentes el apoyo ofrecido estos años. La cosa llegaba a su fin y fue ‘In Remission’ la que ponía el pequeño parón antes del bis, para volver y terminar de cuajar una actuación redonda con dos canciones que se han convertido en auténticos himnos por sus fans: ‘Casey’ y ‘A Lesson In The Abusse Of Information Technology’. Cruzaremos los dedos para que se pasen pronto por España, que ya les toca.

THE MENZINGERS 2 de octubre de 2014 Electric Ballroom, Londres (Inglaterra) Texto Y FotoS: Alejandro Lozano

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YOB

RITUAL CVLT FEST

2 y 3 de octubre de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Jordi Meya Fotos: Carles Rodríguez

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NICHOLAS BULLEN

oncebido como un escaparate para artistas que giran en la órbita del doom, el metal experimental, el noise y el ambient, el Ritual Cvlt Fest proponía además de música en vivo la oportunidad de que el público pudiera participar e intercambiar sus opiniones en dos mesas redondas en las que promotores, representantes de sellos discográficos, agentes de contratación y también medios (RockZone participamos en ambas) debatimos sobre el concepto mismo de festival y la internacionalización de las bandas nacionales. Ambas resultaron ser muy interesantes, pero también evidenciaron que quizá quienes más podían salir beneficiados de ellas (los músicos locales) brillaron por su ausencia. Desaprovechar la oportunidad de darle tu disco al responsable de Season Of Mist o del jefe de prensa del Hellfest me parece que explica mucho de por qué a nuestra escena le cuesta tanto traspasar fronteras. Si en cuanto a la asistencia y las actividades paralelas la cosa no acabó de funcionar, desde un punto de vista artístico, el Ritual sí pudo considerarse todo un éxito. Alternando los conciertos de las bandas en la sala 2 de Razzmatazz con el showcase de artistas más experimentales y electrónicos como Esquelas, Sly And The Family Drone, Giant Axe Field o de nuestro colaborador Jesús Brotons en el adyacente Pop Bar, quien quiso pudo disfrutar de estímulos musicales de forma ininterrumpida durante horas. Centrándonos en los conciertos tradicionales, el dúo de Idaho Wolvserpent nos llevó de paseo por su brumoso doom con vetas black

NICHOLAS BULLEN

acentuado con toques poéticos de violín y aroma a incienso. Probablemente en una sala más pequeña su discurso llegaría mejor, pero aun así crearon una atmósfera más que especial. A continuación los andaluces Orthodox, también en formato dúo (voz/bajo y batería), aumentaron el nivel de decibelios con su oscuro doom sin fisuras. Quizá en algún momento se echó en falta la aportación de un guitarrista, pero en media hora quedó claro por qué son una de las bandas más reverenciadas de nuestra escena subterránea. Luego llegaría la descarga de Foscor, que presentaban en primicia temas de su nuevo disco Those Horrors Wither. Algunos se sintieron descolocados por la orientación más melódica en las voces, pero gracias a la potencia con la que siguen sonando y el dominio para pasar de pasajes más ambientales a otros de desgarrada visceralidad firmaron una de las mejores actuaciones del día.

Tenía muchas ganas de ver a Pallbearer en directo después del buen sabor de boca que ha dejado su reciente Foundations Of Burden. Esa combinación de doom con la voz majestuosa de Brett Campbell tiene algo especial, y aunque en directo logran momentos de alta intensidad, en otros se echa un poco más de carisma en escena. De tenerlo y con algunos temas más accesibles, incluso pensé que el cuarteto de Arkansas podrían recoger el testigo de Soundgarden. Para rematar la primera jornada vivimos con Yob el que para mí fue el bolazo del festival. Como una versión doom de Dinosaur Jr., el trío liderado por Mike Scheidt nos sometió a una tormenta sonora en la que cada riff te partía como un hachazo. No sé cómo lo hacen, pero más que una guitarra, bajo y batería parecía que estuviera tocando una orquesta de distorsión. Sus largas sinfonías con reminiscencias de Sleep dejaron al personal boquiabierto. 129

FOSCOR

PALLBEARER La segunda jornada se abrió con la actuación de los británicos Hank y un stoner/sludge tocado con mucha rabia pero algo falto de personalidad. Tienen el sonido pero les faltan los temas para llegar al nivel de las bandas punteras del estilo. A Los canadienses Ken Mode les pasa un poco lo mismo. Apuestan todo a una violenta puesta en escena (el cantante y guitarrista Jesse Matthewson saltó la valla para gritarnos en la cara), pero su metalcore ruidista no se concreta en temas que de verdad atrapen. El estatus de Nicholas Bullen (Napalm Death, Scorn) le llevó a actuar en el escenario de Razz 2 cuando por su propuesta hubiera encajado mejor en el Pop Bar, pero él solito y sus artilugios rivalizaron en cuanto a potencia sonora con cualquiera de las otras bandas. Media hora de abrasivo noise en estado puro y ritmos industriales que pusieron a prueba la resistencia de algunos y TERROR 130

que contrastaba con el buen carácter que mostró fuera del escenario. La actuación del día vendría de la mano de los barceloneses Obsidian Kingdom. En vísperas de una extensa gira europea demostraron que están más que preparados para el reto. Ejecutaron los temas de su Mantiis con una perfección extrema, algo nada fácil, y encima su actitud encima de las tablas fue más pasional de lo habitual, acercándoles a unos Gojira en clave prog. Para quitarse el sombrero. Y el Ritual Cvlt llegaba a su fin con Ghost Brigade, quienes en breve lanzarán su cuarto álbum IV - One With The Storm. Mezclando doom, la vertiente melódica del death y desarrollos post metal, el sexteto finlandés dejó simplemente que la música hablara y se mostró poco comunicativo. Fue suficiente para firmar un buen concierto, pero no para que los visualicemos llegando a una

audiencia mucho mayor. Puede que se anunciara con poco tiempo, puede que sus promotores pecaran de optimistas, puede que quizá no haya tanto público para dos festivales parecidos (el Day Of Doom se celebraba a los pocos días), puede que quizá no tuviera un cabeza de cartel con suficiente gancho o puede que quizá nuestro país no esté preparado todavía para albergar una propuesta que se aleja del festival concebido como parque temático… En cualquier caso, fue un poco triste que la primera edición del Ritual Cvlt Fest no obtuviera una asistencia suficiente como para que el esfuerzo efectuado por los organizadores tuviera recompensa. Quienes miran con envidia festivales como el Roadburn harían bien en prestar atención y apoyar a la semilla que aquí se ha plantado. Esperemos que el año que viene siga germinando.

GHOST BRIGADE

OBSIDIAN KINGDOM

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OFF!

11 de octubre de 2014 Club Ancienne Bruselas (Bélgica) Texto Y Foto: Sergio Pozo

ay diferentes excusas para viajar e ir de bolo. Esta vez confluyeron dos: las ganas de disfrutar de OFF! en directo y visitar tiendas de vinilos. Entramos al Club Ancienne y aquello era otro mundo. Una sala acogedora con un cubo lleno de tapones para los oídos regalo de la casa y una cerveza exquisita. Saltan a la palestra Cerebral Ballzy que, aunque desconocía, me causaron muy buena impresión. Los jovenzuelos americanos metían una briza considerable. Una propuesta muy acorde con el modus vivendi OFF!. Keith Morris salió al escenario con un setlist tamaño sábana que engancha con cariño al suelo y, para qué engañarnos, yo ya estaba emocionado. No está de más recordar que este joven de 59 tacos es toda una institución en el movimiento punk hardcore. Fundó junto a Greg Ginn Black Flag formando más tarde Circle Jerks. Este grupazo llamado OFF! (Red Kross, Rocket From The Crypt,

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Burning Brides…) no es más que una reafirmación de que todo aquello no se inventó para fardar, forrarse ni practicar poses escénicas. Como se inicia su segundo larga duración, con ‘Void You Out’, empieza el espectáculo. Birras por el aire (qué delito desperdiciarlas), saltos, empujones… apenas un minuto delicioso de old school que no pararía en todo el show. Desde su primer EP llega ‘Black Thoughts’. Es difícil quitarle la vista de encima al bueno de Morris con esa camiseta vintage de Turbonegro con más agujeros que un queso gruyère. ‘I Got News For You’, ‘Crawl’, ‘Now I’m Pissed’, ‘Met Your Good’, ‘Borrow And Bomb’… fuerza, carácter, sentimiento, protesta. Morris controla todo desde el escenario: le pregunta al tipo en silla de ruedas si se encuentra a gusto, felicita al trío de teenagers de apenas 14 años por mantener viva la llama del punk, anima a las chicas a darlo todo. Es admirable, flipante que un monumento en vida como él se pase las alabanzas,

las críticas, las modas y ‘lo que vende’ por el forro. Ellos no han venido aquí a demostrar nada. Increíble ver a todo ese sold out en movimiento echando el resto. Con ‘Poison City’ no tengo más remedio que entrar en un momento de posesión extrema extrañando a la gente de alrededor que, al hablar conmigo, dicen “Ah, español… enjoy!”. Locura hasta alcanzar la veintena de hostias sonoras, fugaces y salvajes que se apoderan de tus tímpanos para invadir al instante el resto de tu cuerpo y gozar sin límites. Después de aquel alarde de energía y convicción, un descanso para marcarse cuatro temas más. No está todo perdido, todavía hay músicos que recogen su material sin necesitar pipas, público que arrasa en el merchan y salas que te dejan tomar unas birras antes de echar el cierre. Con la entrada del show puedes coger el transporte público de vuelta... Claro que se me escapó una lagrimilla en el primer tema, ¿a ti no te hubiera pasado lo mismo?

SAVAGE MESSIAH

6 de octubre de 2014 Rocksound Bar, Barcelona Texto: Andrés Martínez Foto: Eric Altimis

on la monumental oferta de conciertos que tenemos una vez finalizado el verano dudaba si bajar a ver a Savage Messiah. El día del concierto había sido nefasto, de aquellos que prefieres olvidar lo antes posible y la necesidad de desfogarme de alguna manera, más una última escucha a su magnifico último álbum The Fateful Dark, acabó de decidirme. ‘Sabia elección’, pensaba a la vuelta, porque el cuarteto londinense, con un público más bien escaso, nos demostró a todos cómo debe sonar el heavy metal en el siglo XXI. Para los que pensamos que su ya citada nueva obra es sin duda lo mejor que han grabado hasta la fecha, fue una bendición que basaran su setlist en esa sólida e imbatible colección de bombas metálicas. Si no recuerdo mal, casi sonó enterito recordando tan sólo su pasado con pequeñas y medidas ráfagas cuando atacaban

gemas como ‘Insurrection Rising’ o ‘The Last Confession’. El resto del repertorio, sus nuevas composiciones; había que defenderlas y lo hicieron de maravilla. Las guitarras de Dave Silver y Jeff Bailey (sobre todo la de éste último) nos elevaban con duetos cargados de melodía y solos de esos que hoy en día son muy difíciles de escuchar. ‘Hellblazer’ es uno de los ejemplos más claros con ese ataque a lo Tipton/Downing rubricado por una base rítmica trotando a toda pastilla. ‘Iconocaust’, el tema con el que abrieron a tumba abierta, debería de ser escuchado y adorado por todos los metalheads que se vuelven locos cada vez que La Doncella o cualquier pope del género nos visita. Heavy metal en tu puta cara que además sonaba más demoledor en directo que en disco. Uno de mis objetivos era comprobar si la prodigiosa voz de Dave Silver se mostraba tan poderosa sobre las tablas como lo

hace en estudio, y sin problemas: los altos registros grabados en temas como ‘Cross Of Babylon’ o ‘Minority Of One’ eran alcanzados con pasmosa facilidad. No había duda: estaban sonando como una puta apisonadora y los pocos que hasta allí nos habíamos acercado lo estábamos pasando en grande, lo mismo que la propia banda que, no solamente lo estaba dando todo, sino que tal vez estaban sorprendidos por la entusiasta respuesta de las primeras filas. Parecían flipar bastante, la verdad. Quizás fue una putada que coincidieran en el tiempo con las cercanas giras de Anathema o Accept, y sin duda eso restó asistencia a un show que por calidad, entrega y actitud hubiera merecido mucho más, pero así son las cosas. La próxima vez hacer como yo: aunque dudéis, apostar por ellos, pues tenéis mi palabra de metalhead de que no os arrepentiréis.

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THE SKULL

pesar de que todavía le cuesta arrancar, parece que los aficionados al metal más lento y pesado van a tener su punto de encuentro cada año en las carpas del Parc del Fòrum de la ciudad condal. El año pasado ya fue una edición inolvidable y será recordada, sobre todo, por la demostración de poderío de Horn Of The Rhino, la aplastante actuación de Trouble y la comprobación de que Bobby Liebling, el mítico cantante de Pentagram, seguía vivito y coleando, y con él, la leyenda de su seminal banda. En esta ocasión íbamos a tener ración doble pasando el festival a celebrarse en dos noches, y lo cierto es que el cartel prometía mucho. Los franceses Witchthroat Serpent fueron los encargados de abrir fuego y si bien he de reconocer que he pasado buenos momentos con su disco homónimo, en directo se mostraron discretos y poco convincentes. El sonido era potentísimo, su pétreo doom ocultista era ejecutado con suma precisión, pero faltaba algo, chispa, carisma, llámalo como quieras, pero el poco público congregado a esas tempranas horas no parecío conectar con temas como ‘Gospel Of The Witches’ o ‘Priestess 134

Of Old Ghost’. Evilhorse en cambio lo petaron. Avanzados representantes de la escena barcelonesa, su mezcla de sludge y psicodelia (esos solos, por Satán…) nos pasó por encima como un puto bulldozer y demostraron una vez más que los grupos de casa no sólo pueden mirar de tú a tú a cualquiera de fuera, si no que en muchos casos los superan sin problemas. Si te cruzas con ellos no dudes en vivir la experiencia de su directo y, de paso, hazte con su magnífico EP Cabeza De Vaca. Fliparás, te lo aseguro. Confessor eran esperados con ganas. Andaba el personal excitado ante la llegada de los americanos, y éstos no defraudaron. Su doom esquizofrénico y ultra técnico no dejó indiferente a nadie, como tampoco lo hacía la histriónica y aguda voz de Scott Jeffreys, uno de los cantantes más controvertidos, peculiares y originales del género. The Skull cerraban de modo triunfal la primera jornada. Si el año pasado Trouble con Kyle Thomas de vocalista nos dejaron a todos anonadados, esta vez era su cantante original Eric Wagner, al lado de otros ilustres del mítico combo como el batería Jeff Olson, quienes se encargarían de recordarnos que ellos también

han de ser considerados maestros y pioneros. The Skull son la otra parte de la leyenda Trouble y recordar lo bien que siguen sonando hoy en día piezas básicas de su repertorio primigenio como ‘The Tempter’ o ‘Victim Of The Insane’ es un lujo que no se puede dejar pasar. El año anterior abrimos el círculo y este año lo cerramos. El sábado no púdimos llegar a tiempo de ver entero el set de los andaluces Santo Rostro. Una lástima, porque los que hemos podido verlos en directo (demencial su concierto en la sala Rocksound de hace algún tiempo) sabemos de su potencial. De todas maneras, los últimos diez minutos de su show fueron tremendos con ese doom stonerizado que ejecutan de manera brutal. Sintiéndolo mucho, Loincloth se me hicieron mortalmente aburridos. Su disco Iron Balls Of Steel ya no me parece nada del otro mundo, pero es que en directo, donde su complejas estructuras y sus riffs de ultratumba no conectan, hay mucha técnica pero poca pasión. Que una buena parte del público abandonara sus puestos para echar un vistazo al merch o simplemente tomarse una cerveza al fresco no presagiaba nada bueno, y

DAY OF DOOM

10 Y 11 de octubre de 2014 Carpas Del Fòrum, Barcelona Texto: Andrés Martínez FotoS: Day Of Doom

SAINT VITUS

CONFESSOR 141

EVILHORSE

que no me vengan con la excusa de que su estilo enrevesado e instrumental no es de fácil digestión. Fríos como un tempano de hielo, sus temas parecen como bocetos inacabados que, eso sí, sonaron precisos y atronadores. Los finlandeses Lord Vicar nos hicieron tener sentimientos contradictorios. Soy de los que piensa que son una de las bandas de hard doom más infravaloradas que existe, tengo sus dos discos Fear No Pain y Sing Of Osiris en muy alta estima, pero su cantante Christian Lindersson la cagó, así de claro. No puede ser que sus compañeros lo estén dando todo (su guitarrista Kimi Karki se mostró tremendamente certero) y salgas como una cuba al escenario soltando gallos a diestro y siniestro e intentando mantenerte en pie. Una pena, porque temazos como ‘Sing Of Osiris Slain’ o ‘The Answer’ hubieran sonado como un puto cañón si su vocalista hubiera estado en mejores condiciones. A Orange Goblin los he visto en varias ocasiones y siempre ha sido antológico. Recuerdo mi primera vez en el Azkena Rock Festival, donde asistí atónito a cómo unos gafapastas le pedían a su brutísimo cantante Ben Ward una foto de recuerdo. En directo lo dan todo, ése es su secreto, y además en su repertorio 136

de stoner altamente metalizado poseen auténticos clásicos, muchos de los cuales destriparon sin piedad esa bendita noche. ‘Sabbath Hex’ sonó apoteósica, ‘Scorpionica’ literalmente nos fundió ya de entrada con una salida en tromba de las que se recuerdan, el riff de ‘The Fog’ fue de lo más demoledor de las dos noches, alguno de los nuevos temas rompieron con el eslogan “slow & heavy” que se veía en muchas camisetas, como esa suicida y motörheadiana ‘The Devil Whip’, y tampoco faltó la crudeza de uno de mis temas favoritos de la banda con ese tremendo ‘Some You Win, Some You Lose’. Jefazos. Y por fin, Saint Vitus. Como minutos antes habían proclamado los mismos Orange Goblin, respeto máximo por unos de los responsables directos del género. Y allí estaban, en principio para descargar tema por tema su gran clásico Born Too Late, aunque a la hora de la verdad, el setlist no se ciñó sólo a esos inmortales himnos. Born Too Late es una obra perfecta, pero repartidas por toda su discografía, Saint Vitus tienen demasiadas joyas como para no recordarlas, y yo agradecí que se acordaran de muchas de ellas, incluidos temas del álbum de su resurreción Lille: F-65, del cual

rescataron esa apoteósica ‘Let Them Fall’. El imponente vozarrón de Wino unido a la guitarra empapada en fuzz de ese hippie psicótico llamado Dave Chandler creaban esas atmósferas pétreas e impregnadas en azufre de temas tan imperecederos como ‘I Bleed Black’, ‘The Troll’ o ‘White Stallions’. Luego ya vino el Armagedón con la interpretación de su obra imperial. Sólo me gustaría comentar que, con toda seguridad, la demoníaca descarga de en concreto ‘Born Too Late’ y ‘Clear Windowpane’ ha pasado a ser uno de mis momentos favoritos del año. Me gustaría encontrar una explicación a todos los que proclaman a los cuatro vientos lo importante que son en su vida discos como Black Sabbath o Paranoid por qué cojones no van a rendirle pleitesía a uno de los herederos más genuinos del legado de los de Birmingham, otro de esos misterios a los que nos enfrentamos los que estamos en esto del rock´n´roll. Gran festival. Esperemos que la poca afluencia de público no desespere a sus organizadores y terminemos perdiendo otra de esas citas ineludibles que nos ofrece la escena rockera barcelonesa. El año que viene queremos a Sleep.

WOVENHAND 4 DE OCTUBRE DE 2014 SALA JOY ESLAVA, MADRID Texto: Gonzalo Puebla ILUSTRACIÓN: Smoke Signals Illustration

econozco que hasta hace tan sólo un par de meses era un auténtico novato en el universo Wovenhand. Aun con todo, me propuse ir con los deberes hechos antes de su visita para presentar su flamante Refractory Obdurate. Una nueva obra que ha vuelto a poner de manifiesto la división entre sus fieles: los que prefieren la versión más acústica, introspectiva y mística de sus inicios, y los que están encantados con la nueva orientación que están cogiendo en sus últimos trabajos, mucho más contundente y guitarrera. Sea como fuera, lo que estaba claro es que esa noche había que ir bien preparado con los tapones para los oídos, a riesgo de que nuestros tímpanos sufrieran más de lo debido. E hicimos bien, porque El Páramo se encargaron de recibirnos con una sonora tunda de las que se tardan en olvidar. Su segundo disco ha tardado en salir a la luz y ya sabemos que es una banda difícil de pillar sobre un escenario debido a los múltiples

compromisos de sus componentes, pero recomiendo a cualquiera que guste del stoner psicodélico que no se los pierda. Nos patearon el culo de lo lindo, dejándonos un regusto ideal para lo que nos venía a continuación. Ataviado con su sombrero, un enorme colgante en forma de cruz y una sotana india adornando el pie de micro, el reverendo Dave Eugene Edwards compareció ante los presentes para iniciar la ceremonia. Ya desde el hostiazo sónico de ‘Hiss’ (ese cambio de ritmo destroza nucas como nueces, se lo garantizo) quedaba claro que esta ocasión sería muy diferente a anteriores visitas. Al contrario de lo que era habitual hasta ahora, Dave canta de pie situado a un lateral del escenario, en lugar de hacerlo sentado como estaba acostumbrado. Una actitud que casa por completo con la actitud más rockera y gamberra de estos nuevos Wovenhand. Lo que no cambian son sus continuos gestos entre canción y canción, dignos de un chamán en pleno estado de trance.

Hasta algunos espectadores de la primera fila que calzaban su misma indumentaria no podían resistirse, dejándose llevar ante el poderoso ritual que estábamos presenciando. En cuanto al repertorio, toda el protagonismo recayó sobre Refractory Obdurate, que fue interpretado casi en su totalidad, con una mayor pegada aun si cabe que en su versión de estudio. ‘Masonic Youth’, ‘Field Of Hedon’, ‘Salome’, ‘The Refractory’ o la contagiosa ‘Good Shepherd’ alcanzaron cotas de una magnitud celestial, al igual que los rescates del anterior The Laughing Stalk, entre los que cabría destacar títulos tan poderosos como ‘King O King’ y ‘Long Horn’. El único guiño a su pasado se produjo ya en el bis con una acertadísima ‘Whistling Girl’ ejecutada en solitario por Dave, para que a continuación sus secuaces volvieran a arremeter con ‘Kicking Bird’ a modo de clausura. Desde esa noche, aquí tienen a un converso más en la iglesia de Wovenhand. 137

VREID + WINDIR + ULCUS 19 de octubre de 2014 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Laura Clavero FotoS: Rubén Navarro

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OBLIVION

oche épica en Razz 3 para los afortunados que pudimos disfrutar de la gira especial de tributo al ‘sognametal’ noruego. Una conmemoración del décimo aniversario de Vreid y el vigésimo para sus anteriores formaciones, las extintas Ulcus y Windir. Sus compatriotas Posthum fueron los encargados de abrir el festival pagano con una buena dosis de black metal progresivo. Sus atmósferas opresivas y oscurísimas resultaron un grato descubrimiento para todos aquellos que conocíamos poco sobre la banda. Llegaba entonces la ‘sognabrigade’ para invadir, literalmente, el pequeño escenario. Una formación de lujo que congregaba a los cuatro militantes en

las tres formaciones, Hváll, Steingrim, Sture y Strom, junto a Ese (guitarra en Vreid), Righ (teclados en Windir) y Vegard, el hermano del fallecido Valfar -alma máter de Windir- como vocalista sustituto. Siete hombretones nórdicos en un despliegue de poderío digno de sus ancestros vikingos. La primera parte de la noche se centró en repasar la discografía de los míticos Windir, con temas tan épicos como ‘Arntor, Ein Windir’, ‘Dance Of Mortal Lust’ o ‘The Spiritlord’. Vegard bajaba entonces del escenario para dar el relevo a sus colegas de Vreid. Momento para pasar de la majestuosidad del blackened folk a los ritmos más contemporáneos de su black metal con ‘The Reap’ o ‘Under

Isen’. Aprovecharon también para ofrecernos un pequeño homenaje a su época en Ulcus con un par de temas, entre los que destacó ‘The Profound Power’. El último tramo volvía a transcurrir con la formación al completo, reivindicando el legado de Windir con una espectacular interpretación de ‘Svartesmeden Og Lundamyrstrollet’, pero sin olvidar su presente black’n’roll de la mano de ‘Pitchblack’. Para terminar, nada mejor que dejarnos llevar por la majestuosidad de ‘Journey To The End’ para alcanzar el Valhalla musical. Una noche plagada de nostalgia, para celebrar la grandeza del black metal noruego, que difícilmente se repita. Larga vida a los habitantes del norte. 139

THE DICTATORS NYC 19 de Octubre de 2014 Sala Bikini, Barcelona Texto: Toi Brownstone Foto: Carles Rodríguez

frontar giras de bandas legendarias sin ningún lanzamiento discográfico siempre es un juego peligroso. Se explota la nostalgia del fan y acostumbra a implicar pasta a toda costa, en muchas ocasiones sin entrar en valoraciones sobre el estado físico de los músicos sobre un escenario. Por eso cuando The Dictators anunciaron una extensa gira por la Península, tras haber confirmado su presencia en el festival Serie Z de Jerez sin Andy Shernoff, una mezcla de entusiasmo y reticencia nos golpeó a unos cuantos. Y es que cuando en anteriores visitas uno los ha disfrutado y mantiene un gran recuerdo, da miedo que esa memoria quede manchada por un espectáculo decadente, como es el caso de muchas bandas de hard rock americanas que nos visitan.

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Además, presentar respetos a los neoyorkinos un día tan poco propicio como un domingo tampoco parecía presagiar nada bueno. Me equivoqué completamente, y me alegro, porque Bikini se convirtió en el enclave idóneo para una auténtica celebración del rock, con ‘Handsome Dick’ Manitoba y Ross ‘The Boss’ como perfectos maestros de ceremonias. ¿Cómo puede fallar un concierto con un repertorio que abre con ‘New York, New York’ y ‘The Party Starts Now’ de Manitoba’s Wild Kingdom? Técnicamente es imposible, y menos con una banda perfectamente engrasada y un sonido espectacular. Manitoba no es un teenager precisamente, pero con sus 60 años bien curtidos estuvo dejándose la garganta y los huevos, animando continuamente a un público rendido a sus pies, con el

que incluso compartió un maravilloso ‘Baby Let’s Twist’ bajándose del escenario. La única pega, porque en todos los conciertos debe haber alguna, fue la escasa duración del set, que apenas superó la hora, y la inclusión de las versiones ‘Slow Death’ de Flamin’ Grooves y ‘Kick Out The Jams’ de MC5 en detrimento de otros temazos de su discografía que echamos de menos. Aun así, terminar un concierto abrazando a tus amigos tras desgañitarte con himnos como ‘Who Will Save Rock N’ Roll?’ y ‘Stay With Me’ y ver que todo el mundo alrededor está igual de pletórico, no tiene precio. Necesitamos más bandas incombustibles como The Dictators que de vez en cuando nos recuerden la grandeza del rock. Sólo queda añadir una cosa más: Dictators forever, forever Dictators!

THE WILD FEATHERS 3 DE OCTUBRE DE 2014 SALA JOY ESLAVA, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla Foto: Francisco Javier Pérez

asi sin quererlo The Wild Feathers han terminado convirtiéndose en mi guilty pleasure particular de este 2014. Todo empezó cuando en marzo me invitaron a su primer concierto en España en la sala Caracol. En aquella ocasión colgaron el cartel de ‘no hay entradas’ y se encargaron de que todos los que estuvimos presentes tuviésemos muy en cuanta su nombre para el futuro más inmediato. Su sonido completamente deudor de grandes pesos pesados del rock americano no sonaba a priori excesivamente novedoso ni revelador, pero a raíz de ir escuchando su debut uno acaba rendido ante la evidencia de que saben manejar como pocas bandas tan jóvenes el americana. Tan sólo seis meses después regresaban al Viejo Continente únicamente para dar dos fechas en nuestro país. De hecho,

y como pudimos comprobar gracias a las redes sociales, los chicos se tomaron un par de semanas de descanso en la ciudad condal, aprovechando para hacer turismo y de paso empezar a componer nuevo material de cara su siguiente trabajo, que aparecerá en verano del año próximo. Pero antes de regresar a casa pudimos comprobar de primera mano que el éxito que están consiguiendo se debe a que lo que proponen está perfectamente medido a todos los niveles. Sobre el escenario sus temas más movidos ganan en contundencia rockera (‘Hard Wind’, ‘Backwoods Company’, ‘Alive’), mientras que los medio tiempos marca de la casa suenan a gloria, casos de ‘Got It Wrong’, la versión de Petty de ‘Listen To Her Heart’ o ese tema nuevo, ‘Happy Again’, que sonó de maravilla. Cada nota, cada armonía, la clavan con la

precisión de un reloj suizo. Pero es sin duda en los temas más lentos cuando The Wild Feathers brillan con luz propia, con las voces de sus tres cantantes llevando el peso. Especialmente sobrecogedora fue ‘Left My Woman’, uno de los puntos álgidos de la noche, junto a ‘The Ceiling’, que es desde ya su particular canción bandera con la que cerraron la actuación. Con el público en el bolsillo, cumplieron con el bis habitual: ‘The Weight’ de The Band, y el respetable entregado cantando hasta el final. La hora y cuarto que duró se nos pasó rápida, pero poco más se le puede exigir a un grupo de tiene un único disco, y más cuando éste es tan bueno y lo interpretan de semejante manera. Si se confirma la tendencia ascendente con su siguiente entrega, me temo que tendremos grupo para un rato largo. 141

ENTOMBED A.D. 28 de septiembre de 2014 La [2], Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: Eric Altimis

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GRAVE

omo Richard Royuela recalcó en su review de Back To The Front, Entombed son una banda de militancia, y así, que tan esperado disco haya resultado ser tan flojito desde luego no ahuyentó a los fieles que quisieron agasajar a L-G Petrov y los suyos en su nueva andadura. ‘Ahí te quedas, Alex Hellid, que nosotros vamos a seguir dándole al callo liberados de chorradas legales’. Y es que La [2] presentó un gran aspecto ante un cartel de auténtico lujo para los aficionados al death sueco de toda la vida, aunque algunos siempre pensaremos que esta formación siempre ha merecido tocar en plazas más amplias y ante un número de seguidores más notorio. Aun así, los metalheads catalanes respondieron, y es que los teloneros también acompañaron. Repuked empezaron a tocar a las siete y media de la tarde, en teoría y como se había anunciado desde hacía meses en la red, a la hora

de abrir puertas. Nos los perdimos, claro, pero sí llegamos sobrados para ver a unos jefes como Grave. Otra formación que no ha contado con titulares tan destacados como muchos otros compañeros de generación, pero a los que el tiempo parece haberles dado la razón. Sobrios y sin fisuras, tras el primer tema presentaron ese sonido tan podrido y Estocolmo que les hace justicia. Con un Ola Lindgren tumefacto al micro, fueron despachando ‘Deformed’, ‘Morbid Ascent’, ‘Christi(ns) anity’, ‘Amongst Marble And The Dead’, ‘Winds Of Chains’, ‘Eroded’ o su típico final con ‘Into The Grave’ en un show que nos puso a cien. La sonrisa con la que Petrov saltó al escenario, que además ya no se borró de su rostro, presagiaba que los creadores del death’n’roll iban a realizar algo grande esa noche. Y vaya si lo hicieron… Con sólo ‘Kill To Live’, ‘Second To None’ y la brutal ‘Pandemic Rage’ de su nueva encarnación, quedó más que claro que la banda no es

gilipollas y sabe perfectamente por qué la gente acude a verlos. Para rendir homenaje a su legado, evidentemente, y eso es solamente lo que Entombed A.D. hicieron durante 17 sensacionales canciones. Desde ‘I For An Eye’ pasando por ‘Living Dead’, ‘Stranger Aeons’, ‘To Ride, Shoot Straight And Speak The Truth’ u ‘Out Of Hand’, sin olvidarnos de ‘Wolverine Blues’, ‘Chaos Breed’, ‘Damn Deal Done’ o ‘Left Hand Path’. ¡Aquello fue una bacanal donde cabía todo su repertorio, con incluso más presencia de sus dos primeros iracundos álbumes! Vozarrón de Petrov, feliz de la vida y liberado, y la banda acompañando con ganas, pasándoselo de fábula ante una sala entregada pese al intermitente mal sonido de la PA de nuestra izquierda. Y los bises, para enmarcar: ‘Chief Rebel Angel’, ‘Abnormally Deceased’, ‘Supposed To Rot’ y ‘Serpent Speech’ para mandarnos a casa con el culo calentito. Tuvimos más Entombed que nunca. Un bolo fastuoso. 143

n los últimos años, Swans han alcanzado ese aura de banda intocable a la que cualquiera que no le dedique elogios superlativos corre el riesgo de quedar como un ignorante. Cada nuevo disco que publican es una obra trascendental, cada uno de sus conciertos, una experiencia religiosa. Es un estatus que contrasta enormemente con el que tuvieron durante años y años, en los que eran poquísimos los que se acordaban de ellos o ni siquiera sabían que existían. En cualquier caso, ni que tenga mucho de postureo, bienvenido sea este reconocimiento tardío y que sirvió para que la sala Apolo de Barcelona presentara una muy buena entrada. Como si tuvieran la intención de desatascarnos los tímpanos, Swans traían con ellos a Pharmakon, el proyecto de la joven Margaret Chardiet, en funciones de telonero. Media hora de noise industrial nada digerible con la chica pegando gritos, pero al que le faltó 144

potencia para resultar de verdad impactante, quedando simplemente como un molesto ruido de fondo. Pasado un cuarto de hora el vikingo Thor Harris salió el escenario y empezó a acariciar un gran gong. Durante unos minutos no estaba claro si el concierto había empezado o si simplemente estaba poniendo a punto su set de percusión. Pero poco a poco, y casi como por arte de magia, a la que se añadieron Phil Puleo a la batería y Christoph Hahn con su lap steel, empezamos a percibir un inquietante sonido que recreaba el oleaje del mar. Un oleaje que fue subiendo de intensidad a la que entraron el resto de componentes, Norman Westberg a la guitarra y Christopher Pravdica al bajo. Finalmente apareció Michael Gira y el sonido abstracto se concretó en forma de canción. Que nadie la reconociera fue normal, pues se trata de un tema inédito, ‘Frankie M’, que aparecerá en su próximo disco. Pero

así de impredecibles son Swans, porque aunque ésta era la gira de presentación de su último trabajo To Be Kind, sólo interpretaron dos temas de éste por otros dos más (la relajada ‘Don’t Go’ y la furiosa ‘Black Hole Man’) del que aún está por publicar. Un detalle que deja claro que a los conciertos de Swans no hay que ir a escuchar, sino a sentir. Cada canción se va extendiendo y mutando bajo la firme batuta de Gira, que en su papel de chamán ruidista, va hipnotizando no sólo al público, sino también a sus propios compañeros que parecen tener la libertad para moldear los riffs a su antojo. Es este carácter de jam imprevisible el que sustenta la tensión que en todo momento se palpa desde el escenario. Una tensión que alcanzó su máxima expresión en la media hora final, extendiendo el concierto hasta casi las tres horas. Una maratón que nos dejó exhaustos, pero a la que comparada con anteriores visitas, creo que le sobró peyote y le faltó cocaína.

SWANS 1 de octubre de 2014 Sala Apolo, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Nadia Natario

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ra una noche un tanto especial la de aquel martes en Shepherds Bush. Manchester Orchestra volvían a tierras británicas para seguir presentando su magistral Cope, pero no iban a venir solos. Kevin Devine y su Goddamn Band iban a apuntarse para, ahora sí, mostrar lo bien que suena su última obra Bubblegum en directo. Para aprovechar esta visita en conjunto, se les ocurrió la fantástica idea de añadir a Bad Books como grupo de apoyo, que como sabéis, lo componen Kevin Devine junto a Andy Hull y el resto de Manchester Orchestra, y que además cuentan con material de sobra por sus dos discos. Eso sí, puede que al que más le podía pesar la idea de esta gira fuera al pluriempleado bajista, Andy Prince, que al tocar en las tres bandas se iba a pegar la friolera de 27 conciertos en las nueve fechas programadas, siendo esa noche en Londres la meta de su maratón personal. Todo comenzaba con puntualidad, y era delito perderse los primeros minutos. 146

El O2 Shepherds Bush Empire casi lleno se daba el gustazo de presenciar cómo sonaban a la par las voces de Hull y Devine en temas como ‘Holding Down The Laughter’, ‘Never Stop’, o en esos preciosos silbidos de ‘Forrest Whitaker’. Casi no llegaron a la media hora de actuación, pero era comprensible viendo lo que les quedaba de noche. Con el mínimo cambio de equipo, era el turno del pelirrojo de Brooklyn, que con eléctrica en mano brillaría más que nunca en canciones como ‘Nobel Prize’, ‘Fiscal Cliff’ o ‘Private First Class’. No paraba quieto por el escenario, de un lado para otro, pasándoselo en grande. Recordó viejos tiempos con ‘Cotton Crush’ y ‘I Could Be With Anyone’ antes de terminar con la desgarradora ‘Brother’s Blood’, dedicada a su antiguo batería, Mike Skinner, recientemente fallecido. Llegaba la hora de los de Atlanta y sería con los sucios acordes de ‘Pride’ y la enérgica melodía de ‘Shake It Out’ con las que empezarían a dejar

pasmado al personal. Un público que se dedicaba a participar de manera voyeur, disfrutando de cómo clavaban nuevos temas como ‘Every Stone’, ‘The Ocean’ o ‘Cope’. Repasaron su repertorio con ‘I Can Barely Breath’, ‘Mean Everything To Nothing’ o ‘Simple Math’. Entre medias, Andy Hull se permitió interpretar en solitario sus propias versiones de ‘Colly Strings’ y ‘Sleeper 1972’, regalando un momento más íntimo y personal a la noche. Tras despedirse con ‘Top Notch’ volvieron con la balada ‘Deer’, una canción escrita y dedicada a todo el público que paga por sus conciertos, y que éste mismo supo agradecer interrumpiendo donde le correspondía con una cerrada ovación de más de un minuto. Conmovidos, terminaron la canción y dieron paso a la coral ‘Where Have You Been?’ y la versión al desnudo de ‘The Only One’ hasta romper con toda la banda al final de la canción. Seguiremos esperando esa visita prometida a nuestro país.

MANCHESTER ORCHESTRA KEVIN DEVINE BAD BOOKS

7 de julio de 2014 O2 SHEPHERDS BUSH EMPIRE LONDRES (INGLATERRA) Texto Y FOTOS: Alejandro Lozano

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oca euforia se veía en las caras de los asistentes después de la actuación del mítico vocalista de The Smiths en la que era su esperadísima primera gira por la Península en sus 25 años de carrera. Demasiado tiempo esperando para acabar digiriendo un repertorio irregular que puso al descubierto que su último álbum World Peace Is None Of Your Business es de lo más flojo de su extensa discografía. A pesar de ello, si en ese momento agridulce post concierto –o incluso un par de semanas después de que éste se celebrara- preguntásemos al respetable si volvería a repetir la experiencia, pongo la mano en el fuego a que una gran mayoría diría que sí. Y es en ese sinsentido, en ese punto intangible, donde hemos de buscar la magia de Morrissey. En pleno 2014 el vocalista ya no disimula su hastío por tener que seguir en el mundo de la música grabando discos

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y saliendo de gira –sin además jugar a cancelar sus apariciones en el último segundo- para seguir ganándose el pan y mantener su alto nivel de vida, pero es lo que hace que tengamos a un Morrissey en esencia pura, que no disimula y no tiene ningún pudor en mostrar ser ese señor de 55 años a medio camino entre la decadencia, el importarle todo un pito y el divismo en su estado más puro y natural. Que empezara con ‘The Queen Is Dead’ hizo que nos pusiéramos todos firmes esperando una noche histórica. Un simple espejismo ante lo que fue cayendo luego. Una parte central compuesta por insulsas canciones de reciente cosecha como ‘World Peace Is None Of Your Business’, ‘Kick The Brain Down The Aisle’ o una soporífera ‘Istanbul’ nos hicieron maldecir su figura en algún momento, pero a pesar de ello, Morrissey siguió siendo Morrisey hasta en sus momentos musicales más débiles.

Un figura de otros tiempos, repleta de carisma aun sin quererlo y que cuando le da la gana vuelca el concierto y pone aquello patas arriba, a ritmo de alguno de los momentos de su nunca olvidada primera formación (‘How Soon Is Now’, ‘Meat Is Murder’) con unas impactantes imágenes de maltrato animal que se acentuaron ante el cutrerío de las pantallas que llevaba –¿Sabrá que existen las pantallas de leds?- y una sobrecogedora ‘Asleep’ que consiguió callar al abarrotado recinto, o algunas perlas de su cosecha en solitario, casos de ‘I’m Throwing My Arms Around Paris’ y ese ‘Everday Is Like Sunday’ con la acabó el concierto ante el delirio colectivo. Y así, rompiendo su camisa y tirándola al público, Morrissey se fue y, si tengo que personalizar, dándome justo eso que esperaba ver. La próxima vez exigiré repertorio, pero por ahora, objetivo más que cumplido.

MORRISSEY

10 de octubre de 2014 Sant Jordi Club, Barcelona Texto: Richard Royuela FotoS: Nadia Natario

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DE GIRA

SKINDRED

7 de noviembre Sala Caracol (Madrid), 8 de noviembre Sala El Tren (Granada), 9 de noviembre Razzmatazz 2 (Barcelona)

lo largo de su carrera Skindred han recibido en dos ocasiones el premio a ‘Mejor Show en Directo en Gran Bretaña’. Por algo será. Este mes los galeses realizarán su primera gira por salas en nuestro país dentro un extenso tour europeo de presentación de su último trabajo Kill The Power (Double Cross/Napalm Records). Un quinto álbum que, según nos cuenta su batería Arya Googin, tuvo un parto algo complicado. Y es que para una banda que fusiona metal con reggae y funk, no siempre es fácil colocar todas las piezas musicales de su puzzle. Pero sea lo que sea que ocurre de puertas adentro, la banda liderada por el hiperactivo Benji Jebe siempre da el 100% cuando se sube a un escenario. Hasta ahora en España sólo habéis tocado en festivales. ¿Qué tendrá de distinto veros en una sala? ARYA GOGGIN “Lo mejor del grupo es que llevamos el espíritu de los festivales a los clubes. Así que si disfrutaste de nosotros en un festival, lo vas a pasar genial porque llevamos el mismo rollo festivo pero bajo techo. Lo cual hace que todo sea aún más intenso”.

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Vendréis a presentar Kill The Power, que salió en enero. “Eso es. Para nosotros este disco fue un paso adelante tanto a nivel compositivo como a nivel personal entre nosotros. Fue un disco complicado de hacer y por eso una vez lo publicamos todos nos sentimos aliviados. Vimos que todas las peleas habían servido para algo. Así que a nivel de banda, nos fue muy bien. Y además, Kill The Power se editó oficialmente en muchos países y los fans han tenido un mayor acceso a él. La gira también ha ido muy bien, fuimos cabezas de cartel del festival Woodstock en Polonia ante 700.000 personas, así que el disco nos ha permitido un montón de experiencias positivas”. ¿Cómo es tocar ante un público tan enorme como el del Woodstock? “¡Es increíble! ¡Indescriptible! Yo no tomo drogas, pero tiene que ser muy parecido. Fue un gran subidón. Estás ahí y es casi como una experiencia extracorporal. Empiezas a tocar y la gente explota. Pasó volando. La adrenalina se dispara”. Me imagino que en una si-

tuación así te gustaría poder dejar de tocar durante cinco minutos y poder simplemente contemplar al público. “¡Me encantaría poder ver al grupo desde el público! Durante un tiempo mi técnico de batería se ponía a tocar y yo me metía en el público si la sala lo permitía. Era divertido”. Has dicho que hacer Kill The Power fue difícil. ¿Por qué? “Bueno, somos cuatro personas con carácteres muy fuertes. Todos tenemos una opinión muy clara acerca de la música y cómo deben ser las canciones. Todos venimos con ideas distintas y no es fácil hacer que encajen. Es confuso. Que podamos tocar cuatro estilos a la vez no significa que debamos hacerlo siempre, y eso nos llevó a tensas discusiones. Pero al final hicimos que funcionara”. ¿Y cómo sonaría Skindred si sólo dependiera de ti? “Probablemente sería una mierda (risas). Quiero hacer música interesante, en la que creo y que guste a mis amigos. Si quisiera estar en una banda de rock clásico, lo estaría, o en una banda de reggae clásico, lo estaría, pero me

gusta Skindred tal como es. Si yo fuera el jefe probablemente pondría a los otros miembros en cajas y sólo los sacaría cuando los necesitara (risas). Pero musicalmente no cambiaría nada. Creo que la tensión es buena aunque cada día te vayas a casa odiando a los demás (risas)”.

AGENDA NOVIEMBRE ALL FOR NOTHING 5 Madrid, 6 Murcia, 7 Barcelona ANGUS AND JULIA STONE 6 Barcelona, 7 Madrid BIGELF 6 Barcelona, 7 Madrid, 8 Erandio CAT POWER 13 Barcelona, 14 Madrid

El grupo tiene su cara festiva, pero también trata temas más políticos. ¿Cómo se refleja vuestro lado político en el día a día? “Cuando estamos de gira intentamos enterarnos de la situación del país que visitamos. Cuando escribes canciones el lado político es más cosa de Benji. Habla de lo que pasa en su barrio, a la gente que conoce. Habla desde el corazón. No habla de asuntos mundiales, pero el caso es que son cosas que pasan en todo el planeta, ¿sabes? Hay ricos y pobres en todas partes. Pero todo depende de su estado de ánimo. Podemos lanzarle un riff muy oscuro, pero si él está con el ánimo festivo transformará el tema en algo animado, y viceversa”. Benji es todo un personaje y sabe encender al público como pocos. ¿Te distraes mirándole cuando estás tocando? “(Risas) Sí. Tienes que estar muy atento porque Benji puede parar una canción a la mitad o arrancarla en cualquier momento. El tío puede parar una canción y no sabe qué va a hacer a continuación. Me gustaría poder decir que es un caos controlado, pero no lo es (risas). Puede cambiarnos un setlist cinco minutos antes de salir a tocar. Desde luego, sabe conectar con el público. El mejor momento para vernos en directo es justo a mitad de la gira, que es cuando vendremos a España, así que estaremos totalmente engrasados”. ¿Es Benji siempre igual de activo o fuera del escenario se calma? “No, es así siempre. Es agotador. Sólo se calma cuando duerme (risas). En los ensayos es igual que en el escenario, aunque no haya público”. Ahora mismo la oferta de conciertos es enorme y la gente anda corta de dinero. Explica por qué deberían gastárselo en veros a vosotros. “Bueno, no quiero que la gente deje de ir a otros conciertos, pero nosotros ofrecemos una experiencia completa, en 3D. Si ya has visto a tu grupo favorito un par de veces, ¿por qué no arriesgarte a ver algo nuevo y distinto?”. (DAVID GARCELL)

DESTRUCTION 5 Villava, 6 Burgos, 7 AvilÉs, 8 Zaragoza, 9 Aldaia THE DRUMS 22 Madrid, 23 Barcelona DYING FETUS 26 Santander, 27 Madrid, 28 Badalona ELECTRIC MARY 20 Madrid, 21 Vitoria, 23 Zaragoza, 25 Barcelona ELUVEITIE 4 L’Hospitalet de Llobregat, 5 Madrid FISH 22 Barcelona, 23 Madrid GRAHAM BONNET 13 Barcelona, 14 Madrid, 15 Bilbao GUANO APES 8 Barcelona, 9 Madrid GUN 13 Madrid, 14 Cartagena, 15 Casetas HYPNOS 5 Barcelona, 6 Madrid, 10 Ourense, 11 A Coruña, 12 Gijón, 13 Bilbao, 14 Donostia, 15 Manresa JOHN GARCIA 26 Barcelona, 27 Madrid, 28 Bilbao KAMCHATKA 25 Aldaia, 26 Madrid, 27 Salamanca, 28 Ourense, 29 Barakaldo, 30 Barcelona KREATOR + ARCH ENEMY 28 Barcelona, 29 Madrid LIZZY BORDEN 6 Madrid, 7 Zaragoza, 8 San SebastiÁn MACHINE HEAD 14 Barcelona, 15 Madrid, 16 Villava MAD CADDIES 14 Oviedo, 15 Madrid, 16 Torelló MAYBESHEWILL 7 Madrid, 8 Barcelona MARCUS BLAKE 1 Castellón, 2 Aldea de San Miguel, 4 A Coruña, 5 Gijón, 7 Bilbao, 9 Barcelona MICHAEL SCHENKER 21 Santander, 22 Zaragoza, 23 Barcelona MOLOTOV JUKEBOX 20 Granada, 21 MÁlaga, 22 Sevilla, 25 Madrid, 26 Valencia, 27 Santander, 28 Gijón, 29 Barcelona NEVER SAY DIE! TOUR (Terror, Comeback Kid…) 22 Barcelona, 23 Madrid THE NOMADS 20 Madrid, 21 Valencia, 22 San SebastiÁn PICTURE 14 Madrid, 15 Barcelona SKINDRED 7 Madrid, 8 Granada, 9 Barcelona SÓLSTAFIR 25 Barcelona, 26 Madrid STIFF LITTLE FINGERS 24 Barcelona, 25 Madrid, 26 Bilbao SYLVAIN SYLVAIN 7 Madrid, 8 San SebastiÁn, 9 Bilbao, 10 Cáceres TOXPACK 6 Zaragoza, 7 Pamplona, 8 Madrid, 9 Badalona ULCERATE 29 Madrid, 30 Barcelona VIRGIL AND THE ACCELERATORS 19 Gijón, 20 Madrid, 21 Lleida, 22 Zaragoza, 24 Ourense, 25 A Coruña, 26 Vigo, 27 Valladolid, 28 Burgos, 29 Bilbao