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Nยบ 5 ESPECIAL ARTES ESCร‰NICAS

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Editorial

Portada: Carlos Ramírez

Circo, maroma y teatro ¡Esta es la primera llamada, primera! El cuerpo como medio de expresión por sí sólo es muy basto e infinito, inagotable diría. Bajo esta premisa en este número nos topamos con proyectos que van desde un teatro contemporáneo, performace con apoyos digitales, hasta danza que combina parktour e incluso marionetas y payasos, tanto nuevas y emergentes propuestas como proyectos consolidados. ¡Esta es la segunda llamada, segunda! Pronto cumpliremos un año de estar llevándoles alguna propuestas de arte contemporáneo de forma gratuita, prepárense para el número de aniversario, estando al pendiente en las redes sociales, con las presentaciones y sorpresas que les tendremos. ¡Está es entonces, la tercera llamada, tercera!, ¡comenzamos!

Néstor Rocha

Staff RGB Director editorial Néstor Rocha Editor Cristina Cuéllar Diseño Laura Rojas Corrección y estilo Alfredo Padilla Leticia Zwittag Coord. redes y web Dulce Mireles Web Master Josué Reyes Distribución Ana Teresa Torres Anahí Franco Ventas Nadia Blanco

Consejo editorial Edén Coronado David Bear Eleno Guzmán Lucía Ugalde Alfredo Padilla Juan José Campos Colaboradores: Viridiana Rocha, Arturo Moya, Pepe Luis Juárez Rdz Ricardo Zamora, Sandra Mena, Alan Zamora Pablo Melgoza, Alejandro López, Kareline García, Joaquín Lostaunau, Arturo Contreras, Gustavo Alonso, Guillermo Padilla, Juan Pablo Isordia, Martha Elena Mtz

Revista RGB artes visuales es una publicación bimestral. Número de reserva al Titulo de Derechos de Autor: 04-2012-021609495300-01. Los trabajos aquí publicados son responsabilidad de los autores.

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Contenido Red Light El Rinoceronte Enamorado Grupo Camaleón Juan José Campos

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Green Light Tanya Medina Papalolin Lizette Abraham Críos Filias y Fobias

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Selección web Rubí Díaz 38 Antonio Mtz 39 Stiletto 40 Shira 41

Blue Light Antonio Trejo

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Red light Artistas con trayectoria

El Rinoceronte Enamorado Grupo Camale贸n Juan Jos茅 Campos 5


Red light (artistas con trayectoria)

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El Rinoceronte Enamorado... del teatro El nombre es muy bueno, ¿de dónde o cómo surge? En los años ochentas, Jesús Coronado, Miguel Ángel Aguilar y Miguel Ángel Ontiveros conformaban una agrupación teatral denominada La Brigada Popular de Teatro (más conocida como La BPT) y además de la actividad escénica, durante varios años editaron una revista dedicada al fenómeno teatral que por titulo llevaba el de “El Rinoceronte Enamorado” el cual surgió cuando Jesús vio una nota periodística que daba cuenta de la localización geográfica de los últimos cinco rinocerontes negros que quedaban en África; entonces pensó que él y sus colegas (de los cuales muchos habían terminado por abandonar el oficio ante las crueles situaciones sociales y económicas) eran como esos paquidermos: una especie en peligro de extinción y que lo único que los rescataba era ese insólito “amor al arte”… Años después, cuando con la creación de la obra Pescar Águilas el colectivo formado en

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ese momento por el mismo Jesús Coronado, Angustias Lucio y Edén Coronado necesitaba de un nombre, se tomó aquel que significaba una clara postura del quehacer artístico y una tenaz batalla ante la permanente adversidad. ¿Cómo describen el proyecto a alguien que apenas conoce El Rinoceronte Enamorado? “El Rino”, como también se le conoce, es una compañía teatral mexicana que reúne a su alrededor artistas varios para crear sobre el escenario un teatro que intenta responder al tiempo que nos tocó vivir. Propone una dramaturgia que hable de la esencia provinciana que nos conforma e identifica en la íntima dimensión del dolor humano. Busca, a través de sus montajes escénicos, que el equilibrio entre el absoluto del silencio y la palabra perfecta revele el alma de los personajes.


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¿Qué proyecto están presentado o presentarán próximamente? Actualmente todos los esfuerzos de la compañía están focalizados en la edificación de su propia sede teatral y del proyecto que ahí tiene lugar; se trata de un Teatro que como muy pocos en el país, cuenta con un perfil de programación definido por una dirección artística. Ésta se conforma por tres ejes: Creación de la compañía (que incluye estrenos y repertorio), Las INVITADAS del Rino y Los EMERGENTES en el Rino. Para la sesión primavera 2012-invierno 2013 se tienen programados dos estrenos de la Compañía: “Salvaje Idilio” Juguete teatral escrito y dirigido por Jesús Coronado (a estrenarse a finales de mayo próximo) y “Mal” escrita y dirigida por Edén Coronado (octubre 2012) y una coproducción con el colectivo Cuarteto del Silencio, estás tres dentro del perfil Creación; dentro de Las INVITADAS se contará con la presentación de Microscopía Teatro y Género Menor en el mes de abril, la Compañía Nacional de Teatro en julio, Kraken Teatro en septiembre y Luna Avante en diciembre, por mencionar a algunos; e igualmente el programa Los EMERGENTES en el Rino buscará seguir siendo un espacio de promoción para los colectivos más jóvenes de la escena potosina. El teatro está lleno de supersticiones, rituales, etc., ¿hacen algo antes de pisar el escenario? Siempre cada montaje dicta las reglas a seguir; hay obras que

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requieren de las famosas llamadas para que el espectador se prepare para entrar a la ficción y otras que no. Para el actor sucede lo mismo: a veces se baila, otras se persigna (cada quien a su modo) y otras es indispensable contar con el aliciente de un sorbo etílico que ponga a tono la sangre. Lo que casi nunca falta es el abrazo fraterno y cómplice de los que se suben al barco de las aventuras infinitas que es el escenario. ¿Cómo se llega a ser un buen actor de teatro? (Hablando de disciplina, bases, estudio, etc) La cuestión debería ser  ¿cómo se llega a ser artista? Puesto que el teatro como tal, en su más alta dimensión busca ser Arte y esa debería ser la intención de todo aquel que osa subirse a un escenario. En términos técnicos habrá un mar de definiciones que rigen la disciplina, por lo que para nosotros es fundamental lo que trasciende la técnica y va más allá: tener un discurso, una voz propia y un caudal de vida son indispensables para un actor. Sin tener algo que decir, lo que se observa en el escenario son marionetas. Y por último,  pero no más importante, será la capacidad de riesgo, por que este oficio requiere de capacidades muy radicales. Si no existieran los rinocerontes, ¿qué otro animal enamorado serían? Tal vez una especie de quimera mítica, a saber, pero sin duda movidos por el amor…


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Red light (artistas con trayectoria)

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Grupo Camaleón 100 títeres y contando ¿Cuál fue el primer títere que crearon (de qué material, cómo era, cómo se llama, hace cuánto tiempo? El primer títere, es una cabeza de una calavera, y es para un cuento que todavía tenemos vigente, y se llama “Francisca y la Muerte”, esta hecho de alambre y papel de estraza, es una cabeza de tamaño un poco más grande de lo normal y tiene un velo que cubre el cuerpo del titiritero y hace aparentar que es mucho más grande y de cuerpo entero, este títere lo construimos en el año de 1994 y a la fecha sigue en acción. ¿A la fecha cuántos títeres y personajes tienen? Desde sus inicios camaleón teatro y títeres ha construido cerca de 100 títeres y cada uno de ellos tiene su personalidad bien definida y ninguno se parece a los otros. ¿Cuál es la mayor satisfacción de trabajar con títeres? Desde que descubrimos este maravilloso universo, todos los días aprendes algo nuevo, y siempre estás en busca de algo más, así que todo el tiempo se llena de satisfacciones y no se puede decir que una sea más grande que la otra, trabajar con títeres es una pasión inagotable. ¿Cómo es que se convierte en proyecto familiar? Cuando se comenzó a trabajar, nuestros hijos estaban muy pequeños, y no había con quien dejarlos, y siempre estuvieron viendo cómo trabajábamos y cómo ensayábamos, de tal forma que se fueron metiendo poco a poco, a la fecha se conforma como familia, aunque de todas formas ellos tienen sus propias inquietudes y necesidades y trabajan ellos por su cuenta en las disciplinas de danza y malabares, pero seguimos manteniendo el grupo como tal. ¿A qué sabe en la calle y a qué sabe en el teatro? En la calle tienes un sin fin de distracciones y dificultades (el ruido, los inspectores que no te dejan estar, la gente que pasa

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etc…) pero la gente se te entrega de una forma maravillosa, alli tienes de todo, gente de dinero, niños de la calle, vendedores, amas de casa que nunca habían visto teatro de títeres, de todo y es muy satisfactorio. En el teatro ya va gente que puede pagar un boleto y se está más protegido, es diferente, pero por eso se crean espectáculos para calle y para teatro, donde puedes sacar el mejor partido de cada uno y que las obras luzcan en su mejor forma, aunque los dos son diferentes son igual de satisfactorios, los dos son retos. ¿Han tenido peleas entre titiriteros y los camaleones? Mira, somos tan pocos en San Luis Potosí, que por lo general no nos encontramos y cada quien tiene su estilo, no hemos tenido ningún problema con otros grupos, y a nivel nacional los titiriteros forman una sociedad muy incluyente y se llevan muy bien, nos ha tocado estar  en  festivales y muestras, y la mejor sociedad la verdad es la de los titiriteros.


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Red light (artistas con trayectoria)

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Juan José Campos Ecléctico en el camino me volví

¿Desde hace cuanto tiempo estás inmerso en el teatro? Profesionalmente diría yo, desde hace 21 años, lo descubrí hace 26, y desde ahí me amarré a él, lo busqué y finalmente me enlacé de por vida. ¿Qué momento fue el decisivo para tomar el camino del teatro, cuál fue el punto de quiebre? En la secundaria, en tercer grado, octubre, clase de ciencias sociales: nos pidieron que dramatizáramos un episodio de la Revolución Industrial. No tenía la más mínima idea del teatro, pero me gustaba leer (la historia desde niño me apasionaba) y veía mucho cine y TV. Mis compañeros de equipo por eso, me encandilaron para que tomara las riendas del proyecto escolar, que lo escribiera, lo dirigiera, y para el protagónico, que era un patrón abusador, me dijeron que lo interpretara. Lo representamos. Fue un hit escolar y de ahí. Desde el principio, sin tener una clara conciencia, la dramaturgia, la dirección y la actuación me amarraron como puerco. Nunca más me quise bajar. Autodidacta, ecléctico en el camino me volví. ¿Cómo has visto la evolución del teatro en la ciudad, algún día habrá una industria, público y continuidad, o ya lo hay? Lenta, muy lenta de verdad. El canibalismo y la desunión nos siguen ganando. Hay intentos loables, pero creo que la falta de mecanismos, de apoyos reales que hagan que los artistas potosinos trasciendan es deficiente en el acompañamiento. La insistencia en seguir apostándoles a maestros, a directores foráneos por parte de las instituciones que administran la cultura en el estado, por encima de los creadores locales ya es francamente deprimente y habla de la falta de conexión con los teatristas potosinos. Y que los teatristas locales lo permitan es aun más aberrante. Lamentable.

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«Desde el principio, sin tener una clara conciencia, la dramaturgia, la dirección y la actuación me amarraron como puerco. Nunca más me quise bajar. Autodidacta, ecléctico en el camino me volví»

Sabemos que eres multifacético, escribes, actúas, enseñas (en el buen sentido) ¿qué es lo que más te gusta de estas facetas que acabamos de mencionar por encima de las demás, o hay algúna otra disciplina que también dominas? Soy un artista escénico. Y si, no me complico la vida: sólo escribo, dirijo y actuó, nada más. Me considero un creador que le gusta la escena y lo que en ella se puede generar. Y la enseñanza es un complemento que me reintegra con mis propias experiencias. Compartir en la docencia siempre es sumamente enriquecedor. ¿Cuando eras estudiante “le hacías el teatro” a la maestra cuando no llevabas la tarea? Sí. La verdad es que sí me gusta echarme mis rollos cuando las cosas no me salen, e intento justificar (no siempre, pero a veces, pues sí). Cada vez lo hago menos, pero la verdad es que con las maestras comúnmente me llevaba bien. Les caía bien digamos. Y me daban chance. Y con los profes, las más de las veces como que me venía valiendo, si estos no me interesaban. No era un tipo que pudiera ver un futuro claro durante mi estancia en la secundaria. Iba para ser uno más en los índices de jóvenes ninis ochenteros… lo que es.


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¿Qué tipo de artistas (cualquier rama del arte) inspiran o son ejemplo para Juan José Campos? Los que son capaces de sincerarse con su discurso. Los que no muestran temor ante lo que hacen. Me cagan las poses intelectualoides. Y la verdad es un mal canijo en nuestra ciudad. También se me pega, no creas. Me gustan las artes en general. La cultura popular en general. Me gusta mucho ver pintura, me pierdo en ella. Disfruto escuchar música, ver cine, televisión. La danza en ocasiones me exaspera, la verdad. Soy un maniático de las revistas (fui un maniático de las historietas por muchos años). Soy un lector incesante. Me gustan las biografías de políticos, los ensayos sobre cualquier tema. De no haber sido “teatrero” ¿qué te hubiera gustado hacer en esta vida? Teatrista. No me gusta lo de teatrero, el término me produce cierta fobia. Soy un artista del teatro. Y antes de conocer el teatro, no pensaba que iba a ser de mí. Cuando lo conocí, no pensé en otra cosa. Mi madre me decía de niño que iba a terminar de sacerdote o de maestro. Creo que por ahí no iba mi destino. Aunque suelo ser bastante moralista (en el buen sentido del término) y tradicionalista,

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el rito del teatro y la enseñanza continua no han estado fuera de mi vida. A la larga, el teatro siempre es un ritual que está en comunión con el espectador y suele dejar una moraleja a través de la exposición de la fábula. Y es una vía que me permite ahondar en los más diversos campos de la vida. Soy todas las profesiones en una ¿Qué más puedo pedir? ¿Qué proyectos están en puerta para Juan José Campos? Quiero pensar que muchos. Tantos que mejor ya no digo nada. Si algo tiene que suceder, sucederá. Y ahí estaré para contárselos cuando deba ser. Gracias RGB. Orgulloso de entrar en su Era.


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Green light Artistas Emergentes

Tanya Medina Papalolin Lizette Abraham Crios Filias y Fobias 19


Green light (artistas emergentes)

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Tanya Medina Ser yo misma en escena ¿Cómo y cuándo sentiste que te latía la danza? pues desde niña obviamente, con mayor razón porque siempre he sido muy hiperactiva, en la adolescencia dejé un poco de enfocarme en la danza y me fui del lado de la música un tiempo, aunque en ese lapso sentía que hacía falta algo y ese algo era mi parte corporal, necesitaba movimiento, entonces fue cuando decidí estudiar danza, y lo tomé como una profesión seria, por lo que me metí a estudiar en la escuela estatal. ¿Cuáles fueron los motivos que te llevaron a escoger la danza como profesión? Pues simplemente no me visualizaba en ninguna otra profesión que no estuviera relacionada con el arte, y ésta es la que más me ha llenado mis expectativas, y pues ya estando adentro te das cuenta de realidades que pasan desapercibidas, tienes otra visión de las cosas y por lo tanto no dejas de aprender. ¿Quién ha sido tu mejor maestro, de quién has aprendido más? Pues no puedo decir quién ha sido el mejor ni el peor porque no lo son, simplemente vas sacando las cosas que te funcionan de cada uno, he tenido muchos maestros, coreógrafos y compañeros de los que he aprendido cosas muy interesantes, pero cada quien usa lo que le funciona, yo no pretendo seguir algo que ya esté determinado, me gusta ser yo misma en la escena. ¿Qué emociones experimentas al bailar? A grandes rasgos, disfruto mucho moverme, sentir cómo el cuerpo se llena de energía y cómo las emociones se canalizan en el cuerpo y salen con movimientos puros, porque están cargados de sensaciones, y no simplemente de formas que sólo llegan a ser estéticas y vacías, no tiene caso el movimiento si no transmite nada.

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¿Has creado y montado alguna coreografía? Si, cuando eres estudiante llevas una materia de composición y pues por lo tanto tienes que hacer pequeñas coreografías, pero dirigir una obra grande es algo en lo que estoy en proceso, aunque hablando de crear, siempre vas a tener que aportar en cualquier obra donde estés, claro que depende del director, pero en mi caso siempre ha sido de aportar y es mucho mejor porque es tu creación, tu estilo, eres tú misma y por lo tanto en escena se ve autentico, real.

«Simplemente no me visualizaba en ninguna otra profesión que no estuviera relacionada con el arte» ¿Cuáles son tus proyectos más inmediatos? Pues actualmente estoy en proyectos musicales, uno de ellos es aplicarlo en danza y estoy trabajando con un grupo de chicas de diferentes áreas del arte, estamos armando una creación colectiva que se presentará a mediados de abril, y para mayo está la residencia artística de Mireille LeBlanc, proyecto del cual espero ser parte.


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Green light (artistas emergentes)

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Papalolin Se pasan de payasos

¿De dónde viene el nombre de Papalolin? De origen náhuatl que significa el movimiento de la mariposa. Este nombre fue tomado por que nos representa; el movimiento y el encanto de la mariposa sería como la representación de lo que son nuestros espectáculos. ¿Cómo funciona el proceso creativo del grupo, de dónde toman ideas para sus presentaciones? En el grupo tenemos el concepto de proponer ideas innovadoras rescatando nuestras raíces; y de tomar los gags tradicionales combinándolos con las técnicas modernas, creando nuestro propio estilo. Satirizando las acciones cotidianas con la finalidad de manifestar una emoción o sentimiento, concientizando al público. ¿Tienen algún ritual antes de comenzar? Comienza desde la preparación individual para vivir nuestro personaje, y juguetear entre nosotros para lograr la ilusión perfecta sobre el escenario

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¿Qué es lo más improvisado que han tenido que hacer en una presentación? Realmente siempre improvisamos sobre la marcha del espectáculo; pero las improvisaciones que más nos han marcado han sido llegar ante un público no esperado, donde tuvimos que adaptarnos a sus necesidades y a las dimensiones del escenario. ¿Cómo esperan que el público se sienta al terminar un espectáculo de Papalolin? Extasiados con un cúmulo de emociones, dejándolos con una mirada poética, desde la perspectiva cómica de la vida. ¿De niños tuvieron miedo a “ESO, el payaso diabólico”? Para alguno fue terrorífico pero para otros fue nuestro mentor por el que empezamos en esto y seguimos sus pasos .

Ilustración: Hayden Cruz


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Green light (artistas emergentes)

Lizette Abraham Zarandeadas de energia ¿Quién es y de dónde viene Lizette Abraham? Soy alguien que está interesada en la creatividad, la imaginación y la exploración de esta extraña realidad dudosa, nací en Mérida Yucatán, México y hace casi un año que radico en San Luis Potosí. ¿Cómo defines el Performance y en especifico, el que tú realizas? El performance es una presentación de una acción, sin actuar o fingir algo, es un ejercicio un poco más sincero y directo, haces algo que diga algo; que de hecho la vida y nuestros actos cotidianos, podrían decirse que son performances constantes, pero no hay la intención de que lo sean, y en un performance, presentado al público o sin público tiene la intención de serlo. Lo que yo hago más bien podría llamarse puesta en escena, es un termino yo creo con mayor libertad de hacer o decir, puesto que fusiono distintas disciplinas artísticas, como el performance, video, danza, música, sin limitarme a trabajar con otras disciplinas, técnicas y formas, como la literatura, la poesía o instalación, dibujo y nuevas tecnologías. ¿Haz realizado o participado en algún performance muy bizarro o friky? Un performance bizarro o freak es algo difícil de describir por que depende de quién lo diga. Lo que para unos es algo extraño para otros no lo es, pero sí sé a qué te refieres con algo muy fuera de lo común, he participado en algunos donde lo bizarro o freak se asoma cuando me doy cuenta, cómo la gente deforma su cara cuando me ve después de un acto (risas), podría describir uno donde me disfracé de una oruga y cuando salí era un cyborg que se conectaba a un cubo enorme lleno de tarjetas madre, y lo bizarro fue que cuando se dio la metamorfosis y salí de la oruga me conecté al cubo para que todos los focos de mi disfraz de cyborg que tenía se prendieran, me electrocuté, pues había

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llovido unas horas antes y era un lugar abierto y empecé a moverme de la manera más bizarra, la gente se impresionó de los movimientos que hacía, muchos me dijeron que fue muy extraño como de algo lindo y bello, cómo de una oruga sale un robot mitad humano que se conecta a una máquina y se mueve de la manera más extraña. Claro que nunca conté la verdad, pues en ese momento de la acción cuando me conecté me estaba dando zarandeadas de energía. No fue muy grave y fue impactantemente bizarro. Sabemos que paralelo al performance haces fotografía ¿Qué relación encuentras en estas dos artes? La fotografía construida, vengo a descubrirla junto al performance, puesto que siempre que realizo una puesta en escena, me da ideas para retroalimentarlas en imágenes. Hay una relación muy fuerte con los elementos que utilizo en las fotografías como por ejemplo en todas las imágenes mi cuerpo se vuelve una herramienta importante de expresión, y en los performances también, las mascaras, trajes o escenarios que utilizo lo he utilizado para salir a escena y a veces al revés, las preparo para fotografías y después para hacer una acción, los temas varían como las formas o los gestos, creo que es importante visualizar cómo me voy enriqueciendo de todas las posibilidades que encuentro en mi camino, es importante conocer mis medios de expresión y nunca limitarlos claro, pero más bien creo que lo significativo en la expresión de una pieza artística es que vas a decir o contar a través de esos medios, creo que esa es la parte más compleja y espesa, pues requieres de un ejercicio de sinceridad y serenidad conmigo misma y de preguntarme qué me duele, o qué me inquieta. Siendo un artista que ha estado en varios lugares de la república ¿Qué destacarías de San Luis Potosí en cuanto al Arte? San Luis Potosí, como en los lugares del sureste de la republica, el escenario del movimiento artístico es muy temprano aún, aquí no encuentro muchos espacios independientes, más bien hay muchos museos o instituciones dedicadas al arte, pero una iniciativa independiente que gestione el clásico espacio de iniciativa de un grupo de personas inquietas hacía con el arte, no me he topado mucho, lo que sí me sorprende de esta ciudad es la actitud y disposición de muchos creativos artistas, tanto de danza, visuales, teatro, para hacer las cosas y hacerlas bien, eso me encanta de aquí.

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Green light (artistas emergentes)

Críos Amistad en escena

Qué significa Críos? Críos inicialmente tuvo su origen en la referencia a Crío, Dios griego a quien se le relacionaba con la fuerza. Conforme el grupo ha avanzado, mucha gente piensa en Críos, como infantes. Nos agrada también esa percepción, ya que nos encanta ver nuestro trabajo como un juego constante entre nosotros, el espacio y el público.

«El aspecto más interesante es que la base de nuestras producciones es la amistad que hay entre los miembros del grupo»

En sus puestas vemos una muy buena producción en vestuario y maquillaje, ¿Quién lo hace? Todos nuestros proyectos han tenido diferentes colaboradores en estas áreas, al igual que la escenografía. En algunos casos son los mismos actores quienes proponen y realizan los elementos fundamentales del aspecto físico de sus personajes. En otros casos hemos recibido el apoyo de otros profesionales que han aportado su talento a alguno de nuestros proyectos.

Al momento de estar en escena y ver al público, ¿qué pasa si ven que alguien ya se durmió? Me parece que esto nunca ha sucedido. Supongo que si pasara, su sueño no duraría demasiado.

¿ Qué es lo mejor de formar parte de una compañía como Críos? El aspecto más interesante es que la base de nuestras producciones es la amistad que hay entre los miembros del grupo. A partir de nuestras relaciones surgen los proyectos que nos llaman a ser realizados o revisitados. Además de que esto nos lleva a sentirnos como un grupo joven que no persigue un paradigma, al contrario, nos gusta explorar distintas formas, estilos y orígenes. ¿ Cómo seleccionan al o la protagonista para un montaje? Esto depende del proyecto. En algunos casos en el origen del proyecto ya están planteados los intérpretes, en otros casos hay que buscarlos. Hasta el momento hemos encontrado a nuestros actores entre la gente que nos hace sentir cómodos y que nos ofrece un espacio de amistad e intimidad.

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¿ Qué es lo mas gracioso que les ha pasado en escena y el público no lo notó? Ha habido de todo. Utilería que no aparece, escenografía que está al borde del colapso, música equivocada. Lo mejor del caso es que, a pesar de todo, la ficción ha continuado y que las limitantes han llamado a la improvisación y a la creatividad, para hacer del error parte de la convención dramática de la puesta en escena. Con errores o sin ellos, sin duda el trabajo de Críos sobre el escenario, detrás del escenario o sin él, ha sido francamente disfrutable. Omar Flores Sarabia Director artístico “Críos producciones”


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Green light (artistas emergentes)

Filias y Fobias Tenemos alma de bufones

¿Cómo se conformó Filias y Fobias y hace cuanto tiempo? El grupo nació en el verano del 2003. Somos amigos que hacíamos teatro como actividad extra en la preparatoria y al salir quisimos seguir haciéndolo por nuestra cuenta. No podíamos esperar a que los grupos ya conformados nos invitaran ni a que sus propuestas concordaran con nuestras ideas, así que decidimos hacerlo a nuestro modo, de manera independiente. Parte del grupo estudió en la Escuela Estatal de Teatro de San Luis, además de prepararnos en diversos cursos y en otras áreas, como la danza, la comunicación y las artes plásticas. ¿Cómo ha sido la respuesta de parte del público en el tiempo que llevan juntos? Al principio fue difícil, nadie quiere ir a ver a unos desconocidos, de hecho ni los familiares o amigos confiaban en nosotros. Sin embargo hemos trabajado duro y continuamente, cada año montamos una o dos obras. También nos hemos dedicado a dar clases de teatro a jóvenes y niños en distintas instituciones lo cual ha sido muy productivo, pues tenemos el compromiso de hacer que otros amen y respeten el arte como nosotros lo hacemos. La respuesta ha sido genial, hemos formado nuestro público que siempre está al pendiente de nuestros nuevos trabajos. ¿Cómo ven la inquietud hacia el teatro en estos tiempos? El teatro es una actividad completamente humana y de contacto, por lo cual hasta hoy es una opción de entrete nimiento, pues como humanos necesitamos reunirnos y convivir, para eso nada mejor que un arte que es en vivo. El teatro cuenta con sus seguidores, no sólo los que estamos arriba del escenario, también los que lo estudian, los que lo escriben y los que son espectadores. Tal vez no somos mayoría, pero sí muy apasionados y no hemos permitido que el teatro no muera.

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«Tenemos alma de bufones, somos adictos a ver sonrisas en el público, a escuchar sus carcajadas, ver sus ojos grandotes y sorprendidos, sus rostros alegres» ¿Cuáles son sus mas grandes “filias y fobias”? Tenemos alma de bufones, somos adictos a ver sonrisas en el público, a escuchar sus carcajadas, ver sus ojos grandotes y sorprendidos, sus rostros alegres. Los escenarios, las funciones, trabajar en cada montaje son nuestras filias y con ellas hemos ido venciendo nuestras fobias, ambas se mezclan dando como resultado nuevos personajes que viven en una nueva obra. ¿Qué viene para éste colectivo teatral? Tenemos dos nuevas obras en puerta, con una de ellas incursionaremos en el teatro para adultos, pues nos dimos cuenta que ya no somos los jovencitos de hace algunos años, nuestros personajes deben cambiar. Más seguiremos trabajando a nuestro estilo, no nos consideramos artistas. Somos amigos a los que, como no nos gusta este mundo, nos atrevimos a subirnos al escenario para crear el nuestro en donde somos muy felices, y nos gusta compartir nuestra alegría con aquellos que quieran ir a vernos. FILIAS Y FOBIAS -Aldo Resendiz -Mayra Mata -Jesús García -Marco Antonio Ramírez -Dirección: Ene Mata Guerrero -Técnico: Diego Alberto Muñoz.


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Green light Seleccionados web

Rubí Díaz Antonio Mtz Stilletto Shira 37


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Rubí Díaz

Bailarina Profesional

Humberto Romero Fotógrafo D.R. 2012


Antonio Mtz

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Stilletto

Estudio de danza & cĂ­a


Shira

Danza Arabe

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Blue light Textos libres

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Blue light (textos libres)

Antonio Trejo Abril... los niños y el teatro Abril… Los niños y el teatro: Es el mes de abril y por consecuencia aprendida, relacionamos este periodo con el festejo tradicional de homenaje a los niños. El 30 de Abril, celebramos en muchas partes del mundo “el día del niño”. Un día de fiesta, regalos y sobre todo reconocimiento a quienes con su sano desarrollo son la alegría de la casa o la familia. Y sin embargo, el mundo del niño visto a través de la óptica de los adultos parece ahora mucho más lejano de su palpable realidad. Esto no significa una mala intención del adulto, diríamos más bien una mala percepción de la actualidad y la forma en que el niño se desenvuelve en el mundo automatizado de ahora. Bajo esta premisa, y con un mundo cambiante día a día, seguimos sin embargo aferrándonos a viejos principios y conductas ya cadúcas en su mayoría. En el arte, a pesar de promover una actitud de apertura y diálogo con las nuevas generaciones, aún subsisten ideas y actitudes que van en contra del sano desarrollo de los niños. Al igual también muchos programas educativos y programas de atención a este sector de la población se han visto rebasados, no sólo por la inoperancia de su metodología como por la inoperancia de sus maestros e instructores, que acostumbrados a planear estrategias y planes de trabajo desde la comodidad de un escritorio, dejan pasar de largo la práctica directa con los niños. El teatro, nuestro gran aliado, a sufrido y permeado a lo largo de su desarrollo no sólo en México sí no en todo Latinoamérica, un atraso ancestral que raya en la ignorancia y la complicidad. En nuestro país la excepción hace la regla, pues sólo algunos profesionales del arte han evolucionado sus tendencias de acercar la expresión artística de calidad al sector infantil. La gran mayoría de grupos y compañías siguen produciendo espectáculos cuyo objetivo principal es el beneficio económico, y esto no tendría nada de malo, de no ser porque un gran porcentaje de estos espectáculos de corte infantil, se apoyan en viejas historias ya muy rebasadas por la imaginación, y poco creíbles para los niños de ahora. Espectáculos

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« Espectáculos infantiles con alusiones a los héroes y villanos de la pantalla, recreaciones muy efebas de aventuras espaciales, y toda una parafernalia, obras de teatro que apelan más al recurso facilón y los sentimientos de falsa ternura» infantiles con alusiones a los héroes y villanos de la pantalla, recreaciones muy efebas de aventuras espaciales, y toda una parafernalia, obras de teatro que apelan más al recurso facilón y los sentimientos de falsa ternura…ejemplos, (Todos los cuentos teatralizados de Pinocho, Harry el mago, El patito feo, Power Rangers, Bambi, Jonás y la ballena…) Espectáculos de Botargas de Barny, Bob Esponja, Naruto, Lazzy Town, Pokemon, y toda una serie de personajes de la televisión que poco o nada tienen que ver con la realidad de los niños.) Y pese a este panorama tan desolador para el teatro infantil o teatro para niños, sabemos que existen profesionales del arte escénico cuyas propuestas artísticas van más allá de la simple representación y no se contentan con sólo mostrar una parte de la realidad contemporánea, sí no que apuestan a crear en el niño espectador, una cualidad sensible que los haga entender desde su propia concepción del mundo, un panorama que le permita al niño desarrollarse sensible y emotivamente de una manera acorde a su propia visión… es decir, permitir al niño el disfrutar de un espectáculo escénico que le muestre no solo lo divertido que puede ser el teatro, sí no que también le enseñe y motive valores a desarrollar en su práctica cotidiana junto con sus compañero de clase, sus amigos, maestros o familiares. En este contexto me viene a la memoria los nombres de algunos de estos grupos, actores y directores que a lo largo de mis años de andanzas en los escenarios, tuve el gusto de conocer, convivir, aprender y disfrutar junto con ellos de


Foto de: Antonio Martínez

buenos momentos en la práctica del teatro para niños. Sin duda, la mejor recomendación de quien esto escribe sería en orden cronológico, los siguientes grupos y directores… El grupo La Carrilla, A.C con quienes tuve el gusto de trabajar, llevaron a escena algunos espectáculos de corte infantil, siempre comprometidos con la calidad del discurso escénico y el contenido de su mensajes, eso sí con muchos menos recursos técnicos y económicos, pero siempre dejando una grata impresión en cualquier teatro, foro o plaza al aire libre en que se presentaban. Sus trabajos más memorables serían quizás: “El Rey mocho”, “El león engañado” “Ruidos y extraños” “El Rey Mono contra el Demonio de Hueso Blanco” “Las tripas Gruñonas” “El Ogrito” y el proyecto de beca de Francisco Moran “Tengo un arma” El Grupo 55, de Larry Silverman, es otro referente del teatro para niños en la escena nacional, a la par de sus talleres pedagógicos y asesoría a los grupos nacionales. Sus puestas en escena más reconocidas, “El hado” “Yo así no juego más”, “Historias con ruidito” entre otras. Maribel Carrasco, y su dramaturgia contemporánea, internacional y sensible que recrea los mejor del mundo onírico infantil y los hallazgos afortunados de situaciones muy propias de los niños de hoy en día. Posteriormente, trataremos de anexar una pequeña entrevista con esta gran mujer del teatro en México. Mención aparte merece el grupo “Cuentamundos” emblemático de la perseverancia y el quehacer teatral en San Luis, a ellos se les reconoce la organización de sus dos festivales nacionales de teatro para niños y sus múltiples presentaciones de narrativa oral. De esa época son recordadas las puestas en escena “Los dos Jorobados”, “Dulcita y el Burro” y la escenificación de leyendas regionales, así como el

monólogo, “Yo así no juego más” Y más reciente en el ámbito local el grupo “Teatro a la calle” con los proyectos de “El Regreso de los cuentos vivientes” y “De Hadas, Brujos y magos” bajo la dirección de Tadzio Newman y Eloísa Zapata con quienes he tenido la fortuna de platicar y conocer sus inquietudes y motivaciones al respecto. Y no pudo dejar de menciona el trabajo ya de varios años de la maestra Ana Newman y sus talleres de teatro infantil que sin lugar a dudas han sembrado la semilla del arte escénico en una gran cantidad de niños y jóvenes de San Luis. Otro de las compañías teatrales ya plenamente consolidadas en San Luis Potosí, es “El Rinoceronte Enamorado”, que de manera profesional aborda temáticas infantiles…pero enfocadas a un público en general, es decir no propiamente teatro para niños. Destacamos el trabajo su trabajo escénico con las puestas en escena de “Papá está en la Atlantida” y “Señor Tlacuache” aunque ya hace unos años habían trabajado ampliamente en el programa nacional de teatro escolar con las obras “La venganza del gato Boris” y “Ubu Rey” versión para niños y adolecentes. La nota no estaría completa si omitimos el trabajo de la extinta compañía Estatal de Teatro Infantil “Gampagalúz” que dirige o dirigía la maestra Amparo Alvarado, y que había realizado un buen trabajo en las muestras nacionales de teatro infantil, bajo la coordinación del programa “Alas y Raíces a los niños” los auspicios del CONACULTA, y la Secretaría de Cultura local. En la actualidad no tenemos la certeza sí aún existe la Compañía Infantil de Teatro, dado que poco o nada se sabe al respecto, estamos a la expectativa. Hasta aquí un breve resumen del quehacer teatral para niños en San Luis, sus propuestas y algunos de sus resultados.

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Especial N. 5 de RGB revista

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