Revista Terceiro Ato

Revista Terceiro Ato Edição temática | 2020

Panorama do Teatro na Baixada Santista ■

Entrevistas

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História

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Bastidores

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Crônicas

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Pagu e etc.

Crédito da foto: Eduardo Amaro

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Festivais

TERCEIRO SINAL Baixada Santista rica em artistas, palco de cenas teatrais e saraus, cidades à beira mar com intento de performar através de manifestações artísticas e exegéticas.

Encenar, comunicar, interpretar, fazer sonhar, surgir a lança da esperança. Destarte, fazer Arte! Litoral em coral faz poesia de sua maresia.

Somos cultura, tradição, povo, dom, tom, histórias, resistências, crônicas, belezas cênicas, canções, livros, danças, ações e representações. Teatro te tira da casca, tira de casa e dá asas.

A Terceiro Ato dá voz a todos nós que em alguma parte temos ARTE. Compreender o Teatro te adiciona ao gênio e ao oxigênio, este AR TE INSPIRA este AR TE EXPIRA AR TE mantém, persevera, persiste, insiste.

ARTE!

Texto: Nina Gagli foto: Sander Newton

EDITORIAL

“a mais humana e a mais efêmera das artes”

E

u me apaixonei pelo teatro na faculdade. Foi na Sanatório Geral de Artes Visuais, quando escrevi uma grande reportagem sobre o Festival Santista de Teatro e conheci seus bastidores. E foi ‘perdida’ pelas coxias do Guarany e do Coliseu, nos cafés do antigo Espaço Aberto e na luta então em vigor dos artistas locais contra a municipalização da Cadeia Velha na hoje, infelizmente fechada, Vila do Teatro que me encontrei em sua rica história e passei a ver nuances de Pagus, Plínios e Soffredinis pelas esquinas da vida.

O teatro foi então meu norte no jornalismo e se transformou em meu TCC: essa revista que seis anos depois chega até você, leitor.

Em um primeiro momento, ela foi concebida e sonhada à seis mãos: as minhas e as das jornalistas Mayara Sampaio e Nathamy Lopes. Com ela, fechamos nossa carreira universitária com a alegria do dez e seguimos viagem para Uberlândia, onde ela foi classificada como o melhor trabalho da categoria revista do Estado de São Paulo

e apresentada no XVIII INTERCOM – Congresso de Ciências da Comunicação da Região Sudeste em 2015.

Cinco anos depois, os tempos são outros. E não deixa de ser simbólico o fato de chegarmos em 2020 amparados pelo Poder Público – a Terceiro Ato foi contemplada pelo 7º Concurso de Apoio a Projetos Culturais Independentes no Município de Santos, com o Fundo de Assistência à Cultura (Facult) – para publicar nosso registro sobre a história de luta e resistência que envolve o teatro e o fazer artístico de um modo geral na Região.

Hoje o Teatro não é apenas uma coisa em minha vida: ele é tudo! E a Terceiro Ato foi sonhada e produzida para valorizar essa arte.

Escrevo a história da Articulação do Fazer Teatral na Região desde o Festival Nacional de Teatro de Estudantes até o atual Movimento.

O jornalista Lincoln Spada, que durante anos se dedicou à manutenção de um espaço jornalístico para o teatro dentro de seus blogs ‘O Palco Santista’ e ‘Revista

Relevo – as artes sem superfície’ assina quatro crônicas sobre dias fatídicos de teatro santista, como o espetáculo que deu início à criação do Gapa/BS e a encenação com pessoas em situação de rua dirigida por Zéllus Machado e Maria Tornatore em 2001.

Já a educadora Nina Gagli escreve sobre pautas identitárias no palco, com entrevistas com a atriz Renata Carvalho, Christian Malheiros e Tamirys O’hanna.

Em tempos de ataques à cultura e retrocessos, vamos forçar a caminhada para frente. Em tempos de violações de direitos, iremos lutar a cada dia mais para difundir a cultura e a história.

Acreditamos que todo teatro é político, pois provoca profundas transformações no espectador. E queremos que a Terceiro Ato também seja política, com o objetivo de ultrapassar as barreiras e fazer refletir. Evoé! ■ Rafaella Martinez Vicentini.

Jornalista, artista e uma eterna sonhadora que acredita na arte que faz acordar os homens e sonhar as crianças, como diria Drummond.

Foto: Paulo Von Poser

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SUMÁRIO

Ficha Técnica Rafaella Martinez Vicentini, 28 anos, de São Vicente (SP).

Graduada em Jornalismo (Unisanta), foi editora e jornalista do Diário do Litoral, onde também atuou como repórter de Cultura. Na área de comunicação, teve experiência na produção de jornais da TV Tribuna.

Integra o Teatro a Bordo (projeto de itinerância de espetáculos, oficinas e contação de histórias pelo País).

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71 Interartes 5

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Discos, filmes e livros

Panorama

6 ■ Teatro nacional 38 ■ Manufatura de monólogos 39 ■ Críticas

História 18 24 57 79

Movimento teatral ■ TEP/Unisanta ■ Cadeia Velha ■ Diário cênico

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Entrevistas

27 ■ Atores 31 ■ Da Baixada Santista para o mundo 44 ■ Dramaturgos 46 ■ Bastidores do palco

Calendário 10

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Festivais

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Encenações

Esquete

23 ■ Homenageados 30 ■ Atores de TV 49 ■ Diretores em SP

Segmentos 50 54

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Linguagens cênicas Artes integradas

Ambientes 59 62 63 68 71

Teatros de Santos ■ Palcos fechados ■ Espaços cênicos ■ Espaços formativos ■ Projetos itinerantes

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Perfil

42 ■ Miriam Vieira 66 ■ Tanah Correa 67 ■ Kadu Veríssimo 74 ■ Sérgio Mamberti

Lincoln Spada, 28 anos, de Santos. Jornalista (Católica Unisantos) e ator pós-graduado em Gestão Cultural. Criou os sites O Palco Santista e Revista Relevo e já foi repórter cultural em A Tribuna, Expresso Popular, Diário do Litoral e colunista na CBN Santos. Desde 2009, realiza assessoria para festivais e, escritor, já colaborou em revistas literárias.

Nina Gagli (Maria Carollyna Gagliardo Victor), 30 anos, de São Paulo e caiçara de Santos. Advogada e Filósofa (ambos via Católica Unisantos). Educadora que atua em Santos e São Vicente contribuindo no processo de aprendizagem das novas gerações, e que tem experiência em pesquisa histórica e novas mídias, respectivamente em edição de artes cênicas, e no site de cultura Revista Relevo.

Poeta nas horas vagas A Revista Terceiro Ato é uma realização da jornalista Rafaella Martinez Vicentini | Mtb.: 79116/SP Contato: rafaella.reporter@gmail.com Telefone: (13) 99104-5335 Colaboradores: Anna Amex e Sandro Lopes

InterArtes

FILMES ‘Birdman’ (2014), de Alejandro Iñárritu. Com Michael Keaton, Zack Galifianakis e Edward Norton.

Após recusar blockbusters, um ex-intérprete de super-herói busca retomar o auge dirigindo um texto consagrado para a Broadway. Melhor Filme do Oscar 2015.

‘Jogo de Cena’ (2006), de Eduardo Coutinho.

Com Marília Pêra, Andréa Beltrão e Fernanda Torres.

Documentário mistura a realidade e dramaturgia com atrizes desafiadas a apropriar das histórias de demais entrevistadas.

Discos ‘Ópera do Malandro’ (1979), de Chico Buarque. Um clássico do principal compositor de teatro musical brasileiro, inspirado em Brecht e Kurt Weill, reúne vários intérpretes nacionais.

‘Company - Original Broadway Cast’ (1970), de Stephen Sodheim.

Nenhum outro compositor revolucionou a estética dos musicais atuais quanto este no ‘musical conceitual’.

Reúne orquestra e nomes como Jones e Elaine Stritch.

Quando o Teatro se faz elo com outros segmentos ‘Ricardo III - Um Ensaio’ (1996), de Al Pacino. Com Alec Baldwin, Kevin Spacey e Winona Ryder. Documentário com cenas de bastidores, montagem teatral e entrevistas com nova-iorquinos sobre a obra-título de Shakespeare.

Por Dino Menezes.

Com mais de 30 prêmios, artista multimídia (artes cênicas, visuais, audiovisual, música e literatura) participou de festivais no Brasil e no exterior.

‘De Tempos Somos - Um Sarau do Grupo Galpão’ (2017), do Grupo Galpão. Revisitam números musicais de sua trajetória e, como sarau, mostra maturidade ao fazer uma polifonia como uma aula sobre a multiplicidade de habilidades do artista brasileiro.

Por Marcelo Marinho de Melo. Pós-graduado em História da Arte e com Licenciatura em Música, é professor e diretor teatral, com trilhas em diversos espetáculos.

Livros ‘Improvisação para o teatro’ (Ed. Perspectiva), de Viola Spolin.

Uma bíblia dos educadores em jogos dramáticos, é um manual para atores, professores e alunos sobre a arte do teatro, baseada nos princípios de Brecht e Stanislavski.

‘Para trás e para frente’ (Ed. Perspectiva), de David Ball. Além de ser um guia para a leitura de peças teatrais, ajuda a compreender o trabalho da direção cênica.

‘Panorama do Teatro Brasileiro’ (Global Ed.), de Sábato Magaldi. Fundamental para conhecer a história do teatro!

Por Vanessa Ratton. Jornalista, escritora infantil, poeta e dramaturga.

Mestre em Comunicação e Semiótica e pós-graduada em Teatro Brasileiro, leciona teatro no SESI e no SENAC, onde coordenou curso técnico de formação de ator.

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Panorama

Os jogos de luzes em nossos Brasis Texto: Lincoln Spada

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uitos são os espetáculos em listas dos principais prêmios do segmento artístico, predominantes em festivais e circuitos ao longo de 2019. No entanto, o inconsciente coletivo permite correlacionar estéticas, temas e recortes destas obras.

Assim, a proposta desse prólogo é apresentar um panorama nacional das tendências e influências do teatro brasileiro contemporâneo que, consecutivamente, já estão a ecoar nos grupos e nas casas de espetáculo da Baixada Santista.

Black power biográfico | Coletivos e artistas negros se destacaram recentemente. O ano de 2018 marcou a chegada retumbante de ‘Elza’, musical que já circulou em capitais e atraiu mais de 110 mil espectadores, e foi premiado

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Peça ‘Elza’ | Crédito da foto: Léo Aversa

com APCA (dramaturgia), Cesgranrio (direção e categoria especial), Reverência (dramaturgia, direção, espetáculo e categoria especial) e Shell (música).

A ordem cronológica é ignorada pelas sete atrizes-cantoras que se revezam entre ‘Lata D’Água’, ‘Se acaso você chegasse’, ‘Maria da Vila Matilde’ e ‘A Mulher do Fim do Mundo’. Marcada por uma série de tragédias pessoais, da morte dos filhos

e de Garrincha à violência doméstica e à intolerância, a jornada da cantora é contada com alegria a partir de suas reviravoltas e renascimentos, sob autoria de Vinícius Calderoni e direção de Duda Maia.

Também o carioca Coletivo 2ª Black ainda em 2018 foi premiado com um Shell (inovação) por criar um espaço de encontro, pesquisa, troca de saberes e apresentações de experiências com

Panorama artistas negros. A pauta identitária ganha força com indicações de outros musicais, como ‘Dona Ivone Lara - Um Sorriso Negro’ e ‘Novos Baianos’ para o Prêmio Aplauso. Entra na lista ‘Madame Satã - Um Musical Brasileiro’ e ‘Prot(agô) nistas - O movimento negro no picadeiro’, estes reverenciados pelo crítico teatral Miguel Arcanjo Prado com troféus em 2019.

O primeiro é um musical do belorizontino Grupo dos Dez, em que Taiguara Nazareth protagoniza na atual versão sobre a vida do emblemático transformista carioca João Francisco dos Santos, sob a direção de João das Neves e Rodrigo Jerônimo. Já ‘Prot(agô)nistas’ reúne 22 artistas dirigidos pelo circense Ricardo Rodrigues, onde abordam a dança Gumboot entre números de acrobacia, malabares e clowns, além de debater sobre o racismo e a questão da negritude.

O atualíssimo Chico Buarque | A mais notada produção em temporada no País é ‘Gota D’Água {PRETA}’. A obra foi contemplada pelo Prêmio Miguel Arcanjo Prado (espetáculo), indicado no Prêmio Aplauso Brasil, APCA e Shell (espetáculo, musical e inovação).

A montagem do premiado ator, diretor e dramaturgo

Peças ‘Prot(agô)nistas - O Movimento negro no picadeiro’ (Foto acima de Mariana Ser) e ‘Gota D’Água {Preta}’ (Foto abaixo: Sérgio Silva)

O diretor teatral Jé Oliveira (Foto abaixo: Sérgio Silva)

Panorama

No holofote, o diretor do Teatro Oficina, Zé Celso Martinez | Crédito da foto: Edson Lopes Jr.

Jé Oliveira – fundador do Coletivo Negro – mostra a versatilidade do artista ao longo de sua carreira, que transita entre diferentes ritmos, como rap e MPB. Inspirado originalmente no mito de Medeia, o musical então escrito por Chico Buarque e Paulo Pontes, em 1975, ganha uma releitura com elenco predominantemente negro, misturando clássicos do Chico com estilos da periferia, como o funk e o hip hop. A musicalidade ancestral e a influência das religiões de matriz africana compõem a escolha político-estética da obra que se conecta ao momento político do país em meio à metáfora

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de uma traição conjugal, reforçando as desigualdades raciais e sociais.

Outra obra de Chico também ganhou a ribalta nos últimos anos, pelas mãos do Teatro Oficina: ‘Roda Viva’.

Com direção de Zé Celso Martinez, a montagem narra a ascensão e queda de Benedito Silva, transformando por um anjo e um demônio num herói pop, o cantor de sucessos Bem Silver, fruto da indústria cultural e com sua genialidade pautada nas mídias. Para se manter no auge, molda-se em Benedito Lampião, cantor de música nordestina e, mais tarde, é sucedido pela sua esposa Juliana.

A peça questionadora de

Chico (1986) foi escrita durante o ápice da ditadura militar, em uma dramaturgia que se relacionava com a icônica montagem antropofágica de Zé Celso em ‘O Rei da Vela’. Agora é a televisão que, retratada como a opressora do protagonista no mundo showbiz, divide a vilania com as fake news da Internet pelos celulares. O Teatro Oficina chegou também nos últimos anos a estar em cartaz com o seu outro clássico citado, ‘O Rei da Vela’.

Holofote nos monólogos | Outras questões sociais também pautaram as casas de espetáculo, como o tema da imigração em ‘Um Panorama visto da ponte’.

Panorama

Peças ‘(In)justiça’ (foto acima de Caroline Ferreira) e ‘Todas as coisas maravilhosas’ (foto abaixo de Jorge Bispo)

O texto de Arthur Miller ganha versão local com direção de Zé Henrique de Paula e contracenado por Rodrigo Lombardi e Sérgio Mamberti. Em cena, a Nova York dos anos 20, onde a tensão entre americanos e italianos arrematam em mais violência nos subúrbios. O drama é ampliado porque chegam parentes da família principal de modo ilegal no país.

A montagem foi laureada com os prêmios Saci, ABCT (ambos na categoria ator) e Shell (direção).

O mesmo debate social também se faz presente em ‘(In)Justiça’, do Teatro Heliópolis, indicado no Aplauso Brasil (espetáculo). Em um tribunal, o que está por detrás de um veredito? Um ensaio cênico que reflete sobre aspectos do sistema jurídico do País. No enredo, o jovem órfão involuntaria-

mente comete um crime. A partir daí, o conflito do que vem a ser justiça, desde a praticada pela sociedade até nos tribunais, permeia texto em processo colaborativo do elenco com Evill Rebouças e direção de Miguel Rocha.

O assassinato de Marielle, o rompimento da barragem de Brumadinho e o incêndio do Museu Nacional ganham contornos pessimistas no monólogo ‘Sísifo’, protagonizado por Gregório Duvivier, que divide a autoria com o diretor Vinícius Calderoni.

Discussões filosóficas alcançam o mito grego, agora contemporâneo, em que o herói repete a rotina de carregar uma pedra morro acima só para vê-la rolar

e gerar um recomeço perene. A produção foi indicada na Aplauso Brasil (dramaturgia).

Outra obra de um ator só é ‘Todas as coisas maravilhosas’, indicada no Shell (direção e ator). No palco, Kiko Mascarenhas celebra 35 anos de carreira numa peça em que, ao retornar aos sete anos, o seu eu-lírico elenca compulsivamente uma lista de coisas que fazem a vida valer a pena. A razão é a das mais nobres: demover a sua mãe deprimida da ideia de cometer suicídio. Com texto de Duncan Macmillan e Joe Donabue, adaptado por Diego Teza e direção de Fernando Philbert, a peça numa linha de teatro do oprimido de Boal busca com as plateias encontrar argumentos para viver o hoje. ■

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calendário

Intercâmbios entre modos de fazer: nossos festivais

Texto: Rafaella Martinez

A

ligação da Baixada Santista com as artes cênicas é antiga, assim como a vontade de encurtar as distâncias entre os fazedores de arte e o público. Lar do mais antigo festival de teatro ainda em atividade no Brasil, a Baixada tem papel de destaque também por abrigar o primeiro festival de cenas do país e a cada dois anos cruzar os limites nacionais e promover uma verdadeira festa ibero-americana de artes cênicas. Competitivos ou não, cada festival cumpre com maestria seu

papel de disseminar a arte, formar público e promover a troca entre fazedores de teatro de todos os cantos.

FESTA - FESTIVAL SANTISTA DE TEATRO A mais tradicional FESTA do teatro santista teve início em 1958, pelas mãos de ninguém menos que Patrícia Galvão (leia mais na reportagem ‘Articulação do fazer teatral', página 18). Considerado o mais antigo evento do gênero no Brasil, o hoje Festival Santista de Teatro foi responsável por diversos capítulos da história cultural

Miriam Vieira na peça ‘Geração Trianon’, da Cia. Pernilongos insolentes pintam de humor a tragédia (foto: Wilson Melo)

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da região. O mais importante deles foi o de fazer com que o teatro santista ganhasse projeção nacional. Ao longo de seis décadas de existência, seu maior objetivo ainda se mantém vivo: promover intercâmbio e troca de experiência, rejeitando a mera mercantilização da arte.

Mais do que promover o encontro e debate de ideias com grupos de outras regiões, o festival fez com que a cidade se tornasse um laboratório de novos profissionais e revelou grandes nomes da dramaturgia brasileira.

Um dos grandes personagens dessa história foi Silvio Roupa, falecido em dezembro do ano passado.

Em entrevista ao programa Memória-História Oral, da Fundação Arquivo e Memória de Santos em 2018, ele destacou os primórdios da antiga Federação de Teatro e do FESTA. “Partiu do Oscar Von Pfuhl a ideia de formação de uma Federação do Teatro Amador de Santos. O Greghi Filho também abraçou a ideia

calendário e daí nasceu a federação. Nós participamos do 1º FESTA e ganhamos com o grupo ‘Os Independentes’ com ‘A Farsa dos Meninos Bonitos’. Nesse tempo fiz bastante pelo teatro. Lutei muito pelo Teatro Municipal, pois na época tínhamos teatro, mas não podíamos usar. Foi uma batalha com a Patrícia Galvão e com a Rosinha Mastrângelo, uma n'A Tribuna e outra n'O Diário, e na época eu trabalhava na atual Secretaria de Cultura. Batalhamos mesmo até conseguir o teatro que está aí, o que para nós foi a glória, o resultado da nossa grande luta”.

Também integrante dessa história, Maria Aparecida Celestino conta com entusiasmo suas lembranças do festival.

“O FESTA era a festa anual do teatro. Todo mundo se preparava para ele. Antes houve um festival de teatro organizado pelo jornal ‘O Diário’. Muita gente acha que o teatro é aquilo que se faz na televisão. É preciso mudar isso, levar as pessoas para o teatro e admirar o trabalho do ator. O FESTA incentiva isso. Quanto talento não existe por aí que está afogado? O teatro é uma escola de vida e a oportunidade que temos de viver outras vidas”, conta.

A atriz Liliane São Paulo (à esq.) na peça ‘É Doce ou Salgado?’ durante o FESTA (foto: Luiz Guilherme Santos)

Vall Carthom, integrante da Cia Teatral Saga, participa do festival desde 1992. "No 41º FESTA, em 1999, minha parceira Rosangela Oliveira e eu tivemos o prazer de levar de volta aos palcos o teatro feito por crianças. Isso fez as salas de aulas incentivarem as crianças a fazerem teatro e o FESTA acabou criando então a categoria mirim. O festival proporcionou muita coisa boa, como a questão de trocarmos informações com grupos de outros lugares", finaliza.

O festival mudou com o tempo o modo de fazer: deixou de ter caráter competitivo em 2009 e em 2011, voltou a ser nacional, recebendo apresentações de todo o País.

No mesmo ano, recebeu do

Ministério da Cultura a Ordem do Mérito Cultural, que contempla personalidades, grupos artísticos, iniciativas e instituições que se destacam por suas contribuições à cultura brasileira.

MIRADA - FESTIVAL IBERO-AMERICANO DE ARTES CÊNICAS Em 2010, a cena teatral da cidade foi reforçada com a criação do Mirada, o Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas, que reúne a cada dois anos companhias de diversos países da América Latina, mais Portugal e Espanha - as duas nações ibéricas. Em cinco edições, foram apresentados 404 espetáculos, de 15 países.

“Em um mundo sacudido

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calendário por frequentes crises socioeconômicas e humanitárias, os espaços dedicados ao encontro, ao intercâmbio, à reflexão e ao debate coletivo precisam ser conservados e estimulados. A manutenção de uma agenda de festivais e eventos diversos, conectando e envolvendo diferentes pontos do continente, reverbera uma pauta urgente e necessária e é dentro desse contexto que se insere o Mirada, corroborando a longa tradição de efervescência cultural da cidade”, destaca Danilo Santos de Miranda, diretor do Sesc São Paulo.

Para ele, o objetivo do festival também é “fortalecer o compromisso com a rica diversidade ibero-americana, estimulando o aprofundamento das relações entre os povos desse corredor sociocultural, repleto de afinidades e particularidades”.

FESCETE - FESTIVAL DE CENAS TEATRAIS O FESCETE surgiu em 1997, a partir da necessidade de incentivar os alunos do TESCOM a crescerem e explorarem novas estéticas.

Foi então que Pedro Norato e Karla Lacerda decidiram pedir para as turmas pinçarem cenas de espetáculos e apresentarem como trabalho de conclusão de curso.

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Espetáculo 'Mucho ruído por nada' encenado durante o MIRADA de 2018 | Crédito da foto: Matheus José Maria/Sesc SP

Já no primeiro ano, a ideia ultrapassou as paredes do TESCOM e foi aberta para outros grupos de teatros da região, seguindo para os teatros Rosinha Mastrângelo e do Sindipetro, ocupando outros espaços tradicionais da cidade. Hoje o festival investiga estéticas e integra todas as linguagens da arte (dança, música, arte audiovisual, teatro, artes plásticas etc.) abrindo espaço para participação de estudantes, amadores e profissionais.

No gênero (Festival de Cenas), o FESCETE é pioneiro no Brasil, onde homenageia personalidades santistas que contribuem com o fazer artístico e conta com a participação de profissionais de diferentes segmen-

tos: teatro, dança, música, poesia, literatura e artes visuais, além de promover mostras, cursos, workshops, performances, exposições, e concurso de poesia estudantil e universitária.

Na visão de Pedro Norato, o FESCETE tem como pilar a formação e o fomento do teatro. “Começamos a dar palco para grupos e artistas reconhecerem seus trabalhos. Essas cenas são como defesas de teses para mostrar para outros grupos.

Uma vez que conseguimos ter três olhares diferentes para essa cena (as visões dos avaliadores), conseguimos dar uma devolutiva aos grupos para que eles possam agregar mais valores para o espetáculo que será produ-

calendário zido”, conta.

O evento busca também conscientizar com campanhas sobre o Desenvolvimento Sustentável e a Ecorresponsabilidade.

“Qualquer forma de manifestação artística é fantástica, e conseguir nos dias de hoje fazer a cidade respirar 15 dias de manifestações artísticas e receber artistas que já estão no cenário nacional para dialogar com quem está começando são as grandes conquistas do festival. A troca e a formação de novos grupos e plateias são coisas fanstásticas que conquistamos ao longo desses 24 anos”, completa.

FESTES - festival de Estudantes de Santos Paschoal Carlos Magno O FESTES surgiu em 2006 e recebeu o nome do diplomata e teatrólogo em homenagem ao centenário de seu nascimento. Criado por iniciativa da Secult Santos, o festival tem como objetivo estimular o interesse pelas artes, promover o resgate dos antigos festivais e ampliar a produção artística na cidade.

O evento acontece tradicionalmente sempre no mês de outubro e é voltado para escolas particulares, estaduais e municipais (de ensino médio e técnico), sediadas em Santos e Região.

Artistas de Arcoverde (PE) realizam sessão ao ar livre durante o Fescete em 2019 | Crédito da foto: Bruna Quevedo

FESTAC - Festival de teatro de cubatão Mais tradicional festival de teatro de Cubatão, o FESTAC foi criado em 1989 e tem como objetivo descentralizar de espetáculos a atividades formativas em bairros da Cidade, além de gerar o intercâmbio entre produções artísticas da região, e formar novas plateias.

O festival é realizado em revezamento de associações culturais locais com os coletivos da Cidade.

FestKaos - Festival teatro do kaos Retomado em 2019 após cinco anos de paralisação, o Festival Teatro do Kaos, de Cubatão, reúne diversos grupos regionais e nacionais em Cubatão com programação gratuita.

O festival visa valorizar o fazer teatral, promover a troca de experiências e a formação de plateia. Assim, difundindo as artes cênicas para diferentes públicos.

“O teatro me ensinou a pensar no meu semelhante.

E todo o teatro que faço é pensando no bem de todos, por isso, tudo que um dia sonhei, virou e continua virando realidade”, destaca o idealizador da mostra, Lourimar Vieira. ■ Revista Terceiro Ato

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A tradição das grandes encenações

Destaques da encenação vicentina (da esq. à dir.), marissol dias no núcleo indígena; o padre representado por Rodrigo Caesar e o núcleo dos navegantes liderados por Martim Afonso de Souza.

Ao lado, de traje verde, o diretor Lucas Magalhães | Crédito de fotos: Cássio Moraes Texto: Lincoln Spada

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e os festivais artísticos disputam os palcos e as plateias de Santos, coube às cidades vizinhas protagonizarem em relação a um calendário de encenações como principais apresentações cênicas a fim de agregar os artistas da Baixada Santista. A mais destacada é a Fundação da Vila de São Vicente, criada em 1982 e nominada como a maior do gênero em areias

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de praia do mundo, segundo o Guinness Book. São geralmente 1 mil participantes, entre elenco e equipe técnica do projeto, que segue de outubro a janeiro até a temporada de apresentações na semana de aniversário da primeira cidade do Brasil, 22 de janeiro.

Concebida numa soma de esforços dos coletivos vicentinos, no final dos anos 90 passa a ser adotada no calendário municipal e, consecutivamente, organizada pela

Prefeitura via Secretaria de Cultura. É nessa década que, reformulada, ganha proporções turísticas à medida que se apropria de arquibancadas, maiores estruturas, holofotes e elenco de celebridades para os papéis principais. A cada ano, a história da chegada de Martim Afonso na praia do Gonzaguinha é contada sobre uma distinta perspectiva. Ou até linguagem, como musicais.

Tendo como narrativa o

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Bacharel, Lucas Magalhães dirigiu pela primeira vez a encenação em 2019. “A experiência em si foi um misto de criatividade, frio na barriga, preocupação, mas, claro, um prazer imensurável ao ver o espetáculo daquela magnitude sendo gerado por nós. Em suma, foi incrível”. A bagagem de assistente de direção nos anos anteriores permitiu avanços. “Pude escutar de algumas pessoas do elenco que a encenação, esse ano, estava mais coreografada, pois ensaiamos bastante e buscamos desafiar o elenco nesse aspecto. Foi um espetáculo pensado minuciosamente para isso e, por conseguinte, para atingir o público no aspecto mais sensível possível”.

Na trajetória, o tradicional evento já foi prestigiado

por governador, ministro e consulados, além dos mais de 25 mil espectadores anuais. Na praia, dezenas de celebridades estrelaram, como Caco Ciocler, Camila Morgado, Emanuelle Araújo, Felipe Simas, Helena Ignez, Henri Castelli, Matheus Nachtergaele, Murilo Rosa e Oscar Magrini. O casal Bartira e João Ramalho por anos foi repetido pela vicentina Marissol Dias e Júlio Rocha.

Atualmente, o evento é gerido pela Adesaf - Associação de Desenvolvimento Econômico e Social às Famílias.

Cinquentinha na ativa Já a montagem mais antiga em atividade na Baixada Santista é a Encenação da Paixão de Cristo de Cubatão,

criada há 51 anos por jovens locais da Paróquia Nossa Senhora da Lapa e que hoje é produzida pela Associação Incena Brasil. Recebendo até 4 mil espectadores em sessão única, o evento ocorre no CSU - Parque do Trabalhador. “São mais de 200 pessoas envolvidas entre atores profissionais, voluntários, técnicos e produção. A participação da comunidade é voluntária e elas são inseridas nas oficinas de interpretação, maquiagem artística e objetos e adereços cênicos”, diz a presidente da associação, Rose Vieira.

Ela ressalta o espetáculo contar com intérprete de Libras, audiodescrição e acessibilidade para pessoas com deficiência. Com presença de atores profissionais, o espeRevista Terceiro Ato

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calendário táculo que já foi protagonizado por mais de 30 anos por José Augusto Silvério, o Zito, hoje abre seletiva para definição do papel principal. Nas recentes edições, contou com artistas convidados de fora da região, sob direção geral de Cibelly Piacentini, como Sérgio Mamberti (Herodes) e Leonardo Miggiorin (Pilatos). Se a encenação vicentina ganhou uma casa de memórias no Parque Cultural Imagens da 50ª Encenação da Paixão de Cristo de Cubatão Vila de São Vicente, a cubatense Crédito das Fotos: Thaty Santana rendeu um livro de Welington Borges.

Independência ou morte

Na foto abaixo, destaque para Imperatriz Leopoldina em Caminhos da Independência | Crédito: Teatro do Kaos

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Outra encenação tradicional é a Caminhos da Independência, realizada pelo Teatro do Kaos em sua sede no Largo do Sapo durante a primeira semana de setembro. “A primeira edição foi em 2002, com texto de Cícero Gilmar Lopes, direção de Tanah Correa e o Alexandre Borges fazia o D. Pedro 1º”, explica o idealizador do evento e diretor do Kaos, Lourimar Vieira. A narrativa sempre foi no mesmo espaço - às vezes ao ar livre, às vezes sob a lona circense - enquanto se construía o teatro em si.

O evento que já está inserido no calendário municipal narra a breve passagem de Dom Pedro 1º, na véspera da independência, por Cubatão, logo no mesmo largo e arredores, onde visitou um casal de amigos. Carlos Casagrande, Gabriel Braga Nunes, Juan Alba, Monique Alfradique, Nuno Leal Maia já foram convidados para papéis principais. No último ano, a ótica fe-

calendário minina remodelou a história, com direção de Miriam Vieira, texto de Dione Carlos e Maria Leopoldina interpretada por Tamirys O’hanna - todas as artistas já premiadas. Ambas as montagens cubatenses são custeadas pela Ecovias via Lei Rouanet.

Uma via-crúcis popular Por sua vez, a ‘Rua da Amargura’ ocorre desde 2007 em circulação nas semanas de Páscoa e seguintes pelas praças de São Vicente. Organizada pelo coletivo de artistas da Cidade, atualmente a montagem com mais de 70 atores, entre membros de grupos locais e amadores, recebe o nome de ‘Via Dolorosa - A Paixão de Cristo’, sempre com texto do Jobson Ricciardi e direção de Rodrigo Caesar e Lucas Magalhães.

Em 2019, foram 1 mil espectadores para assistir à obra que passa pela Praça Tom Jobim, Instituto Histó-

rico e Geográfico de São Vicente e até na Praça João Pessoa a cada semana. O próprio elenco - entre artistas e coro cênico - costuma criar e reciclar o figurino e o cenário dessa tragédia com final feliz, segundo Rodrigo. “Porque, diferente das Paixões de Cristo que acontecem na maioria das igrejas, nosso Jesus nasce, cresce, é crucificado e ressuscita no mesmo dia! Porém, cantamos músicas que fazem parte do repertório da Igreja, e algumas músicas do cancioneiro popular”.

A preparação sempre inicia após a Encenação de São Vicente, seguindo até a Páscoa. A pesquisa do grupo é de uma estética de circo teatro e teatro de rua. “As pessoas de idade diziam que, antigamente, em época de Semana Santa, os circos de bairros paravam suas apresentações para representar a Paixão. E eu sempre quis fazer algo que se aproximasse desse momento: o palhaço fazendo Judas, a bailarina dando vida à Madalena, esquete de músicas populares, principalmente de Vicente Celestino, e por aí vai”.

Outras obras Em simultâneo, os jovens

‘Rua da Amargura’ (foto acima) e teatro no Humaitá (foto abaixo) | Crédito das Fotos: Cássio Moraes

da Paróquia São José de Anchieta, no Humaitá, realizam há 29 anos a Encenação da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo num campo de futebol em frente à igreja, recebendo 4 mil fiéis, em arquibancada e estrutura apoiada pela Prefeitura. Exceto em 2000 não houve a temporada cristã, que conta com, pelo menos, 200 pessoas envolvidas, entre cantores, dançarinos, atores e parte técnica.

As encenações têm em comum serem gratuitas ou com 1 Kg de alimento não-perecível ou leite em pó a ser destinado para o Fundo Social de Solidariedade da cidade. Outros municípios também nos últimos anos estão investindo via apoio público realizar um evento desse porte, seja um feriado cívico, seja para uma montagem religiosa. ■

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ARTICULAÇÃO DO FAZER TEATRAL Texto: Rafaella Martinez

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erthold Brecht, um dos mais aclamados nomes do teatro mundial afirmou certa vez que todo teatro é um ato político, pois provoca reflexões para quem o assiste. A política está intrinsicamente ligada à raiz das representações teatrais: ainda na Grécia Antiga, o teatro era usado para expor os problemas enfrentados pela Pólis.

Os autores mais renomados também abordaram temas do cotidiano em suas obras, provocando profundas reflexões no espectador.

Na Baixada Santista, a articulação do fazer teatral passeia pelas vielas da história. Seus protagonistas encurtaram as distâncias entre a região e os grandes polos de produção nacional.

Levantaram a voz contra perseguições. Foram presos e torturados. Mas também produziram feitos significativos e consagraram a Baixada Santista como um dos maiores polos de cultura do Brasil – e do mundo.

Ao longo dos anos, as representações teatrais tiveram papel fundamental para

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a construção do caráter combativo do povo da região. Foi no palco do primeiro teatro oficial de Santos, o Guarany, que ocorreram diversos movimentos da abolição da escravatura e em defesa da República. Em uma de suas histórias mais emblemáticas, durante a estreia da peça 'A sombra da Cabana', do poeta e advogado José André do Sacramento Macuco, um escravo recebeu sua carta de alforria, que foi paga com o dinheiro da bilheteria.

Em outra ocasião, o doutor Carlos Garcia realizou ali uma conferência sobre as vantagens de um governo republicano, em janeiro de 1886. Além da importância para a arte e para a história,

HISTÓRIA

foi no teatro que surgiu o tradicional Banho de Doroteia, no carnaval de 1920. 'Fando e Lys', de Arrabal, peça-chave do teatro resistência, teve sua estreia nacional na cidade. ‘As confrarias’, de Jorge Andrade, também teve sua única montagem nacional em Santos.

Ainda no ano de 1966, Paulo Lara e Greghi Filho fundaram o TIC - Teatro Íntimo de Comédia. Instalado no prédio do Parque Balneário, o local contava com apenas 80 lugares. Como cita Carmelinda Guimarães em sua obra ‘Memórias do Teatro Santista’, o TIC “foi a primeira companhia de teatro estável de Santos, e a única, além de ser o primeiro tea-

Em Santos, Pagu na juventude (à esq., foto de acervo familiar) e já nos anos 50, durante reunião com atores e atrizes (à dir., foto de acervo da Fundação Arquivo e Memória de Santos.

HISTÓRIA tro a funcionar regularmente numa cidade de interior”. No espaço foram montados espetáculos como 'Toda Donzela Tem Um Pai que é uma Fera', de Gláucio Gill (três meses em cartaz com a casa lotada de terça a domingo) e o show 'As Insatisfeitas', estrelado por Rubinho Gonçalves. O teatro terminou por inúmeros problemas, inclusive a falta de apoio de órgãos públicos e privados.

Um furacão de nome patrícia galvão | É impossível falar do teatro santista sem citar Patrícia Galvão, ou simplesmente Pagu, apelido criado pelo poeta Raul Bopp. Escritora e jornalista nascida em São João da Boa Vista, integrou o movimento antropofágico, sob a influência de Tarsila do Amaral e Oswald de Andrade, com quem chegou a se casar. Como escreveu o jornalista e escritor Sérgio Willians no site Memória

Santista, desde jovem Pagu foi considerada “extravagante”, demonstrando Plínio Marcos (Foto/divulgação) u m comportamento considera- centivo a grupos amadores. do fora do padrão conservaTudo começou em 1958, dor da época. com um encontro que reuIngressou no Partido Co- niu nomes de peso como o munista Brasileiro (PCB) teatrólogo Paschoal Carlos em 1931, e chegou a ser pre- Magno (fundador do Fessa em Santos durante um tival Nacional de Teatro de comício grevista dos estiva- Estudantes), e jovens que dores do porto. Foi encarce- viriam a revolucionar o cerada na atual Cadeia Velha nário cultural da Baixada: por algumas semanas e pu- Plínio Marcos, Wilson Geblicou romances de forma raldo, Jansen Cavalcanti, clandestina (o conteúdo era Fernando Alves, Antônio considerado comunista).

Carvalhal, Evêncio da QuinRetornou para Santos em ta e Maurice Legeard.

1954, onde viveu até a morCom a vontade de fomente, em 1962. Na cidade, se tar um festival local e com a dedicou em especial ao tea- liderança da revolucionária tro, particularmente no in- Patrícia Galvão, o movimento culminaria com o Festival de Teatro Amador de Santos, o FESTA, que anos mais tarde se tornaria o mais antigo festival de artes cênicas do Brasil.

Jornalista do hoje centenário A Tribuna, Pagu usou o trabalho para cobrar do Poder Público apoio para a cultura local. Com a coorRevista Terceiro Ato

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denação de Luís Carranca, promoveu a primeira edição do FESTA dentro do próprio departamento de cultura do jornal, onde escreveu: “Caberá aos poderes públicos sem olhar a considerações de ordem política, sem pensar em aproveitar do estímulo cultural para se prestigiarem perante o eleitorado possível, dar todo o apoio a esse trabalho, que precisa do esforço e da cooperação de todos para poder ser efetivamente levado a efeito”.

O mundo segundo Plínio Marcos | O movimento teatral em Santos viveu sua efervescência na década de 60, muito por conta de a cidade começar a se destacar como celeiro de talentos cênicos; a aproximação com o fazer artístico de São Paulo e o crescimento na quantidade de apresentações após a criação do festival de caráter regional.

Nesse cenário, um dos no-

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mes mais fortes foi o de Plínio Marcos, escritor e dramaturgo santista presente diretamente no teatro atual. Pagu teria grande influência na estreia dramatúrgica de Plínio Marcos, com quem manteve uma relação de amizade e em quem reconheceu um escritor talentoso. O dramaturgo nasceu em 1935 e, sem ter frequentado o ensino formal, tentou inúmeras profissões, como funileiro e vendedor de livros, tornando-se, afinal, artista circense: o Frajola.

Plínio foi um dos primeiros a retratar com autenticidade temas como homossexualidade, prostituição e violência. Seus textos trazem diálogos e situações sempre cortantes e carregadas de gírias, oriundas das camadas sociais periféricas da sociedade. Entre suas obras mais conhecidas estão 'Barrela', sua primeira peça, de 1959, e 'Dois Perdidos Numa Noite Suja' (1966), 'Navalha na Carne' (1967), 'Quando as Máquinas Param' (1972) e 'Madame Blavatsky' (1985).

Nesse período, o teatro da Região e do Brasil manteve uma vertente engajada

contra a exploração política e social e coube a Plínio ocupar seu espaço, encontrando no povo os elementos fundamentais para a arte.

Morador do Macuco, ele conhecia a realidade do cais do Porto, dos arredores do Mercado e dos becos do Centro. Deu voz aos marginalizados, atuando no teatro amador também com o Sindicato dos Estivadores, seguindo a vida artística em São Paulo, onde faleceu em 1999.

Ditadura: a musa inspiradira | O Golpe Militar de 1964 teve profundo impacto no teatro da Baixada Santista. Personagem fundamental desse contexto, Carlos Pinto precisou abdicar de sua participação no movimento sindical e migrar para a militância cultural. Em parceria com outros representantes da classe artística, fundou a Federação Santista de Teatro Amador, da qual foi tesoureiro na primeira diretoria e nas eleições seguintes, eleito presidente, cargo que ocupou por quinze anos, durante a ditadura militar.

Em 1968, após a publicação do Ato Institucional nº 5, a censura passou a impedir grande parte das manifestações artísticas no Brasil. A Federal Santista

HISTÓRIA de Teatro Amador assumiu então um caráter político e contestador, com peças audaciosas, muitas vezes punidas com castigos severos. Presidente da Federação nos anos de chumbo do regime militar, Carlos Pinto conta que foi preso ‘algumas’ vezes, mas não se arrepende.

Para ele, “a ditadura era uma musa inspiradora”, que proporcionou “tempos difíceis, mas indiscutivelmente incríveis”. Em entrevista no ano de 2014, o ex-secretário de Cultura de Santos disse: “Havia uma causa pela qual se levantar e o teatro nada mais é do que isso, lutar contra um sistema. Qualquer espetáculo que apresente soluções está errado!

O papel da arte é escancarar o problema e era exatamente isso que fazíamos. E a população respondia lotando as apresentações. Aquele foi o melhor período do teatro amador de Santos”.

Na década de 70, com o esvaziamento proporcionado pela ditadura militar, o FESTA foi interrompido, mas, como destaca o saudoso Silvio Roupa, os amadores continuaram a luta por pautas urgentes, tais como a construção e a efetiva uti-

Artistas contra o fechamento da Secult, na sessão da Câmara de Vereadores nos anos 90 (à esq., foto/reprodução), e atual movimento teatral da Baixada Santista se reune na cadeia velha durante o FESTA 60 (acima, crédito da foto: adilson félix).

lização do Teatro Municipal Braz Cubas (inaugurado em 1979), que por anos foi ocupado apenas por companhias da capital.

Outro episódio marcante, já na década de 80, foi a ocupação da Cadeia Velha no Governo Maluf, quando artistas das mais diversas vertentes fixaram residência no espaço que até então permanecia fechado, com o objetivo de democratizar seu uso. Como relembra os diretores teatrais Miriam Vieira e Sérgio Guerreiro, a ocupação resgatou também a estrutura do espaço.

Nesse período, o movimento também promoveu caminhadas e apresentações com o objetivo de alertar sobre a importância do tombamento do Teatro Coliseu, anseio que se tornou realidade em dezembro de 1989.

Em 1987, o secretário de Cultura de Santos, Tanah Corrêa, inicia um trabalho

junto à Federação Santista de Teatro Amador, presidida por Naira Alonso. Com grupos mais amadurecidos, renasce em 1987, o I Festival Santista de Teatro Amador, cuja numeração passou a ser contada do ponto onde foi interrompida somente em 1997, graças ao memorável agitador cultural Toninho Dantas.

Nos anos 90, a luta por afirmação | Na década de 90, a então prefeita Telma de Souza criou o Projeto Carlitos, que ministrava aula de artes para alunos da rede pública no contraturno escolar. Muitos artistas hoje consagrados no cenário cultural passaram pelo projeto.

Parte dos alunos do projeto agregou ao movimento e no final da década lotou as galerias da Câmara Municipal de Santos contra a proposta de extinção da Secretaria de Cultura.

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Artistas protestam contra a detenção de Caio Martinez após peça censurada, em 2016 (crédito da foto: Rodrigo Montaldi)

Já no ano 2000, o FESTA promovia um abaixo-assinado que requeria que o Teatro Coliseu recebesse o nome de Plínio Marcos, o que não aconteceu.

Outra luta do movimento foi de 2005 a 2010 para a criação da Lei nº 2.455, que alterou o funcionamento do Fundo de Assistência à Cultura – Facult e definiu parâmetros para o apoio oficial a projetos artísticos independentes. O edital já proporcionou a circulação de dezenas de atividades culturais gratuitas em espaços descentralizados de Santos.

Coube ao movimento também a luta para que Santos abrigasse uma escola pública de teatro. Em sua mais recente ação, o Movimento Teatral da Baixada Santista (MTBS) articulou a ação contra o fechamento, a municipalização e posterior ideia de transformar da histórica Cadeia Velha de Santos em um Museu. Atual-

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mente abrigando a AGEM, o espaço segue com suas celas impregnadas de arte e cultura, funcionando como polo do Projeto Guri e espaço para ensaios, de exposição e apresentações teatrais.

Arte contra a barbárie | No mais recente – e significativo – episódio da luta do movimento teatral, o ator Caio Martinez Pacheco foi algemado após a apresentação do espetáculo ‘Blitz - O império que nunca dorme’, da Trupe Olho da Rua, no dia 30 de outubro de 2016, na Praça dos Andradas, em Santos.

O tumulto começou após o desligamento do som, quando os policiais algemaram Martinez sem falar qual o crime ele e o grupo teriam cometido. Pelo Boletim de Ocorrência (BO), a Trupe teria atentado contra símbolos nacionais (bandeira e hino) e Caio Martinez teria desobedecido a polícia e re-

sistido à prisão.

O movimento se uniu e protestou até a liberação do artista no Palácio da Polícia.

O ato levantou o debate sobre a censura.

Para Caio, o episódio remontou ao período da ditadura e disparou um gatilho de fascismo, chegando a declarar na ocasião: “Vivemos hoje um momento político de quebra da legalidade e de ascensão do conservadorismo que legitima essas ações do Estado que não tem base jurídica e que se dão apenas pela perversidade contra pessoas que se organizam socialmente. É triste e revelador de um contexto local e nacional”.

A ponderação foi reforçada por Junior Brassalotti, também integrante do Movimento Teatral da Baixada Santista, que enfatizou que, sobretudo, o pensamento crítico semeado nas apresentações teatrais acompanha o espectador após o fim da apresentação. Para ele, "se o público riu em determinada passagem foi porque pensou.

A política está junto com o humor o tempo inteiro e ele é o melhor acesso a ela. Teatro não foi feito para ser algo prazeroso e agradável. Não é um entretenimento barato e sim um instrumento de guerra". ■

Esquete

Os personagens do teatro Textos: Lincoln Spada Carlos Alberto Soffredini (1939-2001).

Autor e diretor teatral graduado em Letras, vencedor do Prêmio do Serviço Nacional de Teatro (SNT, 1967).

Pesquisador da cultura popular brasileira, dirige projeto do gênero no Sesc (1976-1977) e funda o Grupo de Teatro Mambembe e o Núcleo de Estética Teatral Popular. Escreveu ‘O caso dessa tal de Mafalda...’, ‘Mais quero asno que me carregue...’, ‘Hoje é dia de Maria’. No cinema, roteirizou ‘A Marvada Carne’, de André Kloetzel (1985, vencedor do Festival de Gramado). Na SBT, escreveu a novela ‘Brasileiras e Brasileiros (1990-1991). Venceu os prêmios APCA, Apetesp e Mambembe.

Greghi Filho (1937-2001). Iniciado no teatro por Patrícia Galvão em 1959, estreou em ‘Fando e Lys’. Ganhou mais de 20 prêmios, e se tornou num dos principais nomes do teatro infantil, autor de ‘A Farsa do Príncipe Invisível’ e ‘A Procura da Felicidade’. A sua peça mais famosa foi a adulta ‘Uma Rosa para Hitler’, sobre relação abusiva do ditador e uma judia.

Roberto P e r e s ( 1 9 4 5 2 0 1 4 ) .

Jornalista, crítico e diretor teatral, dirigiu o Corpo Estável de Dança de Santos (1991-1996), a peça ‘Kasato Maru’ (2009), a Escola de Artes Cênicas Wilson Geraldo (2010-2014). Foi coordenador cultural da Bienal de Artes Visuais, da Pinacoteca Benedicto Calixto (ambos entre 1993-1995) e do CCBEU (19982004). Premiado pela APCA, também lecionou em universidades sobre artes, teatro e cinema.

Roberto Villani (1939-2017).

Jornalista, cronista, autor e diretor teatral, especializou-se sobre teatro escolar, lecionando sobre a modalidade nos anos 70 em colégios e unidades de jovens infratores na Baixada Santista. Artista premiado, iniciou o Teatro Educativo Roberto Villani, e coordenou festivais do gênero. Dramatizou ‘Ploc, a borboleta mais linda que já vi’ e ‘Zanzalá’. Foi secretário de Cultura de Descalvado.

Oscar von Pfuhl (19031986). Nascido no Rio de Janeiro, o médico exerceu a dramaturgia em Santos, ganhando destaque a partir dos 60 no teatro infanto-juvenil.

Escreveu ‘A Árvore que andava’ (1960), ‘Dom Chicote Mula Manca’ (1969), ‘Romão e Julinha’ (1982), entre outros. Em plena ditadura, seus textos abordavam sobre a liberdade de expressão.

Toninho Dantas (19482010). Nascido no Guarujá, cursou a Escola de Arte Dramática (USP), atuou nas TVs Gazeta e Record, em espetáculos (‘Rasga Coração’ e ‘Revista do Henfil’) e integrou a Cia. de Ruth Escobar e o CPT de Antunes Filho. Em Santos, dirigiu nos anos 90 as edições do Festival de Música Popular Brasileira (Festhamar), do Festival Santista de Teatro (FESTA), além dos anos 2000 fundar o Curta Santos.

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HISTÓRIA

Tep/Unisanta, uma aula de história Texto: Lincoln Spada

A

s dramatizações sobre o capítulo camoniano de Inês de Castro e os versos secos de ‘Navio Negreiro’, de Castro Alves, foram os primeiros passos no palco de uma geração de alunos do Colégio Canadá que resultaram na história do mais longevo grupo cênico em atividade na Baixada Santista, o Teatro Experimental de Pesquisa (TEP/Unisanta), que alcançou recentemente o seu Jubileu de Ouro.

Claro que, à época, entre

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uma paródia de ‘Romeu e Julieta’ aqui e uma releitura de ‘Júlio César e Cleópatra’ acolá, o coletivo se bastava como Teatro e Informação. Um ano letivo depois, era a vez de Teatro Amador Cacilda Becker. No batismo seguinte, Teatro Verdade de Informação. As comédias escapistas até corriam eventualmente o risco da censura, conforme cita o fundador e atual diretor do TEP, Gilson de Melo Barros.

“Tinha que ir um censor lá no Colégio Canadá e depois dar um certificado. E de que a gente estava proibido. Como é que pode proibir o meu escrito?”, ele comenta em entrevista à Fundação Arquivo e

TEP encena peças ‘AcordAmor’ (acima) e ‘A Casa de Bernarda Alba’ (abaixo, ambos do acervo TEP/Unisanta).

Memória de Santos. “Foi quando comecei a perceber qual era o período que a gente estava atravessando”.

A caminhada nos palcos se torna fortalecida quando o grupo participa de um curso teatral que origina em ‘Ontem, hoje e liberdade’.

A peça de André Machado agrega os estudantes amadores com outros atores de Santos fazendo o elenco amadurecer enquanto TEP, na segunda metade dos anos 60.

“Junto dos anos 70, foram os tempos das grandes montagens, clássicos, em Santos”,

HISTÓRIA

TEP no ‘Projeto Limites’ (acima) e encenando ‘Florkactus’ (abaixo, ambos do acervo TEP/Unisanta). Na página seguinte, o diretor Gilson de Melo Barros (acervo do Curta Santos).

cita Gilson, em relação a ‘A Revolução dos Bichos’, de George Orwell, ‘A Casa de Bernard Alba’, de Federico García Lorca, ‘As Troianas’, de Eurípedes. Em 1978, ‘O Grand Vizir’, de René de Obaldia, consagra o grupo no mexicano Festival Cervantino de Teatro, premiando Nanci Alonso como melhor atriz do evento internacional. É a jovem Nanci quem capitaneará o grupo a partir dos anos 70, destacando-se na direção de ‘Capitães de Areia’, peça que receberia aval e elogios do seu autor, Jorge Amado. Na década seguinte, entre 1987 e 1988, a diretora junto de outros 70 artistas de Santos Revista Terceiro Ato ■

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HISTÓRIA decide fazer uma campanha em prol da saúde de Henfil.

A montagem local de ‘Henfil - A Relativa Revista’ seria para custear o tratamento do cartunista hemofílico que foi contaminado pelo vírus do HIV no hospital. “Além de ajudarmos nosso amigo, a peça era um alerta sobre a qualidade do sangue nos hospitais”, comenta Nanci, que convidou Gilson para dirigir o espetáculo. Infelizmente, o desenhista falece antes da estreia. A peça circula pelo Brasil, ganhando prêmios em Santos, Ourinhos e Pindamonhangaba.

A verba arrecadada da temporada, como também de outros espetáculos nos anos seguintes, é revertida para o projeto fundado e até hoje coordenado por Nanci: o Grupo de Apoio e Prevenção à Aids da Baixada Santista (GAPA/BS). “As pessoas sempre se sentiam acolhidas em nossas sessões, porque falávamos de amor e solidariedade. E, depois, abordávamos sobre a prevenção à doença”, relembra Nanci.

Coube a Gilson, nos anos 90, prosseguir com o TEP, fazendo morada na Unisanta.

Nesta etapa, textos autorais de Gilson foram encenados no Brasil e no exterior.

Sob a sua direção, ‘Acordamor’, ‘Florkactus’ e ‘Vila Belmiro’, entre outros, tendo como inovação o Projeto Limites, em que o elenco levava o teatro para os ônibus da Cidade.

Em seu histórico de mais de cinco décadas, numa jornada que ainda promete muitos passos e aplausos, o TEP/ Unisanta vivenciou ciclos com diversos artistas, como Christian Malheiros, Domingos Fuschini, Marco Antonio Rodrigues, Miguel Hernandez, Silvio Roupa, Toninho Dantas e Zellus Machado. ■

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Entrevistas

Da fé cênica ao olho no olho o árduo ofício do ator Texto: Lincoln Spada

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m autor reluz em suas novelas, o cineasta se consagra em filmes, mas o ator se encontra primordialmente nos palcos. É inestimável o árduo ofício do ator, de dialogar diretamente com o público, a poucos metros, convidando-o com a sua fé cênica que o espectador assuma a imagética do espetáculo como uma realidade temporal, um cochicho intimista de uma narrativa que lhe abra o imaginário.

Rosane Paulo Rosane, qual a sua primeira sua memória quanto à decisão de ser atriz?

Minha mãe me levou para assistir à ‘Paixão de Cristo’ no cinema, e me emocionei com o sofrimento de Maria, muito bem representado pela atriz. Lembro também de representar cenas de novela em casa com as amigas, escrever e dirigir cenas. Aos 11, de ter me apaixonado pela Eva Wilma como atriz [ela protagonizou ‘Mulheres

Recentemente, uma atriz praiagrandense conseguiu gerar essa empatia com a plateia e o júri em ‘As Sogras’, em 2019. Ao interpretar Violeta, Regina Maura foi a melhor atriz coadjuvante no 12º Festival Nacional de Teatro de Governador Valadares (o FENTA, em MG). “Estou muito feliz em todos os sentidos”, ela disse à Prefeitura de Praia Grande. “Foi uma surpresa para mim porque o elenco é incrível, todos têm muito destaque e, de repente, duas

atrizes da mesma peça sendo indicadas já seria maravilhoso. Ser premiada então, me deixa emocionada”.

A mesma ansiedade da artista idosa é partilhada pelo jovem Marcus Di Bello.

Aos 27, Marcus é arte-educador, dramaturgo, diretor teatral e, claro, ator. O chamado à carreira artística se deu ainda na infância. “criava minhas próprias brincadeiras e sempre fui muito observador quando era criança, então acredito que desenvolvi esse lado da ima-

de Areia’ na TV Tupi], comprando todas as revistas com alguma matéria sobre ela ou as gêmeas Ruth e Raquel. Bem verdade, nos anos 70, fui figurante da novela ‘Éramos Seis’ [TV Tupi], já que as gravações eram feitas ao lado do meu colégio.

Crédito: Márcio Barreto

Aproveitando a sua estreia nas telinhas, e qual foi a primeira experiência no teatro?

A primeira vez que subi num palco foi no Clube Saldanha da Gama, quando dirigi umas amigas e apresentamos personagens da ‘Praça da Alegria’ [programa de

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ginação e da invenção nessa época. Na adolescência, gostava de escrever poesias e de criar contos”. Iniciou no teatro aos 17, à época, para vencer a timidez.

Experiências do trabalho coletivo | “Com o teatro aprendi a lidar com a introspecção, desenvolvi minha expressividade e me tornei mais sensível na relação com o mundo e com as pessoas. Fazer teatro é mergulhar no imprevisível. É se colocar em risco a partir do encontro com o outro, é relacionar diferentes experiências de vida e perceber que não estamos sozinhos no mundo”. Desde 2009, está na escola teatral Tescom, onde também aprendeu as funções de produção e iluminação.

Envolvido em peças relahumor de TV, criado por Manoel humor de TV, criado por Manoel de Nóbrega]. Atuei como Ofélia e de Nóbrega]. Atuei como Ofélia e a Velha Surda (risos). Minha mãe a Velha Surda (risos). Minha mãe gostava, dava uma força, mas gostava, dava uma força, mas nunca permitiu que fizesse parte nunca permitiu que fizesse parte de um grupo de teatro, pois nade um grupo de teatro, pois naquela época não era muito bem quela época não era muito bem visto. Comecei mesmo a fazer visto. Comecei mesmo a fazer participações em novelas e teaparticipações em novelas e teatros depois, nos anos 90. Nessa tros depois, nos anos 90. Nessa época, como já era mais madura, época, como já era mais madura, os diretores sempre me davam os os diretores sempre me davam os papéis mais fortes. Minha estreia papéis mais fortes. Minha estreia nessa época foi como Medéia. nessa época foi como Medéia.

Depois interpretei a Psiquê, a Depois interpretei a Psiquê, a Bernarda Alba...

Bernarda Alba...

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cionadas à escola, como ‘Sleep Mode’, ‘Valsa nº 6’ e ‘Meu Deus...’, Marcus considera que a manutenção de uma jornada num amplo grupo teatral é uma transformação constante. “Esse contato contínuo com diferentes pessoas foi e continua sendo essencial para a renovação do meu fazer teatral e, consequentemente, da minha relação com o mundo”.

Para ele, estar em um coletivo teatral num mundo

Cia do Elefante/Grupo Tescom em ‘Esta partida não será televisionada’ (Crédito da foto: Rodrigo Montaldi Morales)

E o que teatro mudou em você E o que teatrodo mudou em você com o passar tempo? com o passar do tempo?

Essa minha primeira experiência Essa minha em teatro meprimeira mostrouexperiência que atuar em teatro me que atuar era muito amismostrou que uma simples era muito mais que uma simples imitação. Exigia muito mais do que imitação. muito mais do que pensei, e Exigia que esse deslumbre da pensei, e que esse deslumbre da profissão de atriz de televisão era profissão de atriz de televisão era passageiro. Tornei-me uma pespassageiro.

Tornei-me uma pessoa mais sensível, ativa, aberta. soa mais sensível, ativa, aberta.

O teatro nos ajuda a enxergar o O teatrode nosoutra ajudaforma a enxergar o mundo quando mundo de outra forma quando promove o autoconhecimento. promove o autoconhecimento.

Como funciona o seu procesComo funciona seupersonaprocesso criativo paraoum so criativo para um persona-

gem? Há referências externas, gem? Há referências externas, memórias afetivas ou pesquimemórias afetivas ou pesquisas de campo? sas de campo?

Sou uma atriz que se entrega Sou uma atriz que se entrega totalmente à criação de um pertotalmente à criação de um personagem. Leio muito, pesquiso: sonagem. Leio muito, pesquiso: acordo, durmo, almoço e janto o acordo, durmo, almoço e janto o personagem. Sempre me colopersonagem. Sempre me colocando no lugar dele, observando cando no lugar dele, observando no dia a dia tudo o que poderia no dia a dia tudo o que poderia caber naquele que irei dar a vida. caber naquele que irei dar a vida.

Vou criado uma atmosfera, um Vou criando uma atmosfera, um clima. Tem o ambiente, o signo, clima. Tem o ambiente, o signo, o passado que pode ser baseado o passado que pode ser baseado em minhas memórias afetivas, a em minhas memórias afetivas, a essência do personagem. Bem, o essência do personagem. Bem, o

cada vez mais individualista é revolucionário: “É gritar para todo mundo ouvir que é possível confiar no outro e construir algo juntos”. O teatro físico, o papel do clown, linguagens futuristas ou atuação minimalista já comporam o vocabulário cênico de Marcus nos palcos. Uma das propostas mais pertinentes

Entrevistas foi, com outros jovens, conceber antes das Jornadas de Junho o teatro de rua ‘Esta Partida não será televisionada’.

Vivências de enfrentar a rua | A obra da Cia. do Elefante, em 2013, era uma experimentação vívda do zeitgeist, em vista que manifestações pleiteando serviços públicos com padrão Fifa e questionamentos sobre o machismo no futebol e a higienização urbana para erguer estádios pautaram a agenda midiática em paralelo à temporada do coletivo de alunos, ex-alunos e professores do Tescom. “Nosso objetivo com esse trabalho era ter autonomia de apresentar sempre que quiséssemos. A rua nos proporcionou um olho no olho com o público que nos trouxe diversos aprendizados”.

Segundo Marcus, “Essa ideia de poder levar o teatro para todos os cantos nos motivava a estar em constante movimento”, à medida que adaptavam a peça pelos bairros de Santos e por cidades da Região e capital, onde a peça findou temporada em 2016. De todo modo, considera que “os reflexos desse processo estão presentes até hoje em nosso fazer teatral”. Por anos, o artista brilha com prêmios em festivais, em diferentes papéis, desde o Fescete até o Curta Santos. ■

mais importante é acreditar, passando a verdade ao público.

Quais os papéis ou espetáculos que mais te marcaram tanto no palco, como na TV e nas telonas?

Todos os papéis são importantes, gosto de todos. Porém, tem uns que marcam mais. Na televisão, claro, foi a imigrante italiana Mafalda [Terra Nostra, 1999], que foi de grande importância como experiência nesse ano que trabalhei com carteira registrada no Grupo Globo, tendo ainda feito outras participações na casa. No teatro, foi a

Marcus Di Bello no monólogo infantil ‘Cuscuz com Maçã’ (Foto: Acervo pessoal)

Medéia, que interpretei tanto dirigida por Sérgio Guerreiro, como por Charles Möeller. Já no cinema, foi como uma prostituta em ‘Lovi Stori’, curta dirigido por Dino Menezes [exibido até no exterior] e onde ganhei prêmios. Também queria mencionar uma personagem bíblica, a Herodíades [na Encenação da Paixão de Cristo de Cubatão].

Quando leciona, você sempre estimula exercícios de respiração aos seus alunos. Como você descreve a importância da respiração via diafragma na

interpretação no palco?

Respiração é vida! É um processo psíquico e fisiológico, involuntário e voluntário; e temos o controle de nossa respiração: acelerar, retardar ou parar. E uso esses exercícios como técnicas de respiração, porque podemos assim diferenciar o tom do choro e do riso, da palavra e do grito. Enfim, o controle da respiração é sempre importante para não perder o fôlego durante uma frase a ser dita, a ponto de ser recompor de algum esforço físico durante a cena.

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Esquete

Os personagens do teatro

As origens de quem brilha nas telas Textos: Nina Gagli Foto: Luiz Carlos Lacerda

Foto: Raimundo Rosa

Foto: Bruna Quevedo

Bete mendes (1949-)

Jandira Martini (1944-)

Alexandre Borges (1966-)

“A primeira vez que fui ao teatro foi em Santos. não vou conseguir ser nunca essa atriz que faz teatro, volta pra casa, e pronto, acabou. Por mais que queira que minha vida tenha um ritmo mais pianinho, nunca conseguiria me alienar das coisas que acontecem ao meu redor.

Esse meu lado atriz é um lado muito mais querido, tenho de admitir. Mas a política é também uma paixão, mas é também uma guerra, uma luta duríssima” Em registro no livro ‘Bete Mendes - O Cão e a Rosa’ (Coleção Aplauso), de Rogério Menezes, publicado em 2004

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“O TEFFI - Teatro Experimental da Faculdade de Filosofia [da Católica Unisantos, hoje herdado pelo Gextus] era um grupo muito sério (...).

Faziam parte a Eliana Rocha, Carlos Alberto Soffredini, Rubens Ewald Filho, Ney Latorraca e eu (...). Estava formada em Letras e fazia pós-graduação na área. Foi quando, em 1970, fiz um papel em “Medéia”, com Cleyde Yáconis no papel principal. Fui ficando, ficando... Se não fosse por isto, provavelmente eu seguiria uma carreira acadêmica”.

Em entrevista a Clara Monforte para o Jornal da Orla em 2014.

“Vim de Santos em 1985. Já fazia teatro infantil lá com meu pai, o Tanah Corrêa.

Sempre tive o sonho de ser ator. A família sempre preocupada (...). Em 1985, tomei coragem e vim para fazer um teste com o Antunes Filho, no CPT [Centro de Pesquisa Teatral], e passei.

E o grupo Boi Voador era muito ligado ao Antunes nessa época. Meu começo foi ali no Sesc Consolação, na Rua Dr. Vila Nova”.

Em entrevista ao Blog Miguel Arcanjo Prado em 2014

Entrevistas

pautas identitárias em cena

Texto: Nina Gagli e Lincoln Spada

O

ano de 2019 ressoou as potencialidades de três artistas da região que iniciaram nos palcos locais. O vicentino Christian Malheiros, de 19 anos, venceu o Troféu APCA - Associação Paulista de Críticos de Arte pelo longa-metragem ‘Sócrates’, após ver sua carreira ganhar destaque internacional ao ser protagonista da série ‘Sintonia’, pela plataforma de streaming da Netflix.

Já a santista Renata Carvalho, de 38 anos, está na HBO em ‘Pico da Neblina’, de Christian nas peças ‘Egbé’, da Wídia Cultural (à esq., DL/Arquivo) e no sucesso ‘Fedra’ (à dir, crédito: Edson Kumasaka)

Francisco e Fernando Meirelles, e Rodrigo Pesavento, estrelou no filme ‘Os Primeiros Soldados’, de Rodrigo de Oliveira, e no videoclipe ‘Das Estrelas’, da banda As Bahias e a Cozinha Mineira.

Laureada com o 8º Prêmio Questão de Crítica, consolidou-se como uma das vozes da representatividade trans também nos palcos.

Ela escreveu e estreou ‘Manifesto Transpofágico’, dirigido por Luiz Fernando Marques, a o mes-

mo tempo que está em temporada internacional com ‘O Evangelho Segundo Jesus, Rainha do Céu’, dirigido por Natalia Mallo e com texto de Jo Clifford. Por sua vez, a cubatense Tamirys O’Hanna, de 25 anos, retornou a Cubatão após uma meteórica ascensão, com pesquisas e estudos na Europa. A sua retomada a inseriu na atual única ocupação artística ativa na Baixada, o Galpão Cul-

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entrevistas

tural de Cubatão.

Ali, participa da programação e de espetáculos, como ‘Vila Parisi’, criação coletiva do Coletivo 302, e protagonizando como Imperatriz Leopoldina a montagem ‘Caminhos da Independência’, do Teatro do Kaos, sob direção e texto respectivamente de Miriam Vieira e Dione Carlos. Em cartaz em ‘3%’, pela Netflix, participa de ‘Os 3 Mundos’, produção da Sesi-SP com direção de Paula Picarelli e Nelson Baskerville que ganhou o Prêmio Shell de Teatro. Pela peça, Tamirys foi indicada ao Prêmio Aplauso Brasil. ■

Tamirys O’Hanna:

“Teatro é o meu futuro…”

Arte no andar acima | A princípio, o teatro não era a minha primeira opção.

Pensava em trabalhar com Gastronomia. E aí quando estava no Libertas, um [extinto] curso preparatório para ETEC, eu estava tentando aprender, mas no andar de cinema conheci o Fabiano [Di Melo, diretor teatral], que dava aula de teatro. Fiquei interessada, subi e acompanhei as aulas e ensaios. Ou seja, caí de paraquedas, como se os ensaios altos dos alunos no andar de cima fossem um chamado.

Quando parei para pensar, já não me imaginava fazendo outras coisas. Há questão da minha formação ser mais conservadora, pela Igreja Batista. E o teatro tem esse espaço de discussão de tabus, imagina, eu, mulher, preta, lésbica. Bem, em 2008, o Fabiano me chamou para o [Teatro do] Kaos. [Fabiano era um dos cursos profissionalizantes de atores no Kaos] Minha primeira peça era ‘Este Ovo é um Galo’. E lá no Kaos, o Douglas [Lima] estava me incentivando para seguir esse caminho do teatro, em fazer a EAD-USP. A 63 quilômetros | O Te-

Tamirys em ‘3%’ (à esq., Netflix/reprodução) e, antes, em ‘O Sertanejo e o Tinhoso’, da Cia Histórias do Baú (à dir., foto/divulgação)

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Interpreto uma guarda, policial. Recebemos o texto, há um período de ensaio, treinamento com a galera dos efeitos especiais. Depois rodamos as cenas meses mais tarde e há todo um período, um ano mais ou menos para editarem, finalizarem e ter o lançamento dos episódios.

Na trajetória de Tamirys, estudos de Teatro de Formas Animadas e encenou peças pela Europa (Crédito da foto: CastingLab)

atro do Kaos foi uma porta de entrada para eu passar na faculdade [de Artes Dramáticas]. Foi minha primeira bagagem, consegui o DRT por causa da formação lá, com o Lourimar [Vieira, diretor do Kaos]. Fui da primeira turma [do curso profissionalizante], ali que conheci o [diretor Nelson] Baskerville e a Cia Mungunzá. A EAD é o melhor curso do país, quem não quer ir lá? Você pode conhecer os melhores professores. Eu entendi que aquilo era muito grande, era a primeira vez que eu morava fora da cidade. Eu rompi de certa forma com a cidade e ali tem grandes nomes, grandes mestres.

O teatro envolve toda uma

questão de escuta, o teatro é um mergulho da empatia.

Escolher fazer teatro, escolher fazer teatro ainda mais em tempos conservadores...

Porcentagem de streaming | Por conta da EAD, recebi o convite dos diretores do ‘3%’. Eles faziam audiovisual na USP e nos chamavam para o teste, precisavam de pessoas. Disse que não gostaria de participar, mais tarde, quando estavam na Netflix. Só na segunda temporada (até porque estava fora do país), Aí participei da segunda temporada e da terceira, como a guarda Marta. Tudo é muito bem planejado, como uma grande produção deve ser.

O teatro pede a mão | A resistência inicial foi com meus pais, lembro que o Amauri Alves [então secretário de Cultura de São Vicente e diretor da Encenação da Fundação da Vila de São Vicente] foi conversar com meus pais, dizer que o teatro era meu futuro. Ele tinha me dirigido na Encenação, foi um pai para mim, um pai do coração, e me levou para participar da encenação ‘Um Porto para o Mundo’ [em Vila do Conde, em Portugal]. Fui fazer a formação dos coros cênicos, onde é um trabalho com 400 pessoas.

Fiquei por um ano em Portugal, onde pesquisei com o Marcelo Lafontana sobre o Teatro de Formas Animadas. Também participei da companhia do Amauri, onde apresentamos em algumas cidades da Europa a peça ‘A Oca do Curumim’ [teatro infantil de lendas brasileiras], fomos de norte a sul de Portugal. ■

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entrevistas

Christian Malheiros:

“Tudo o que conquistei é estudo, vocação e estratégia Amor à primeira vista | Sabia que o teatro já era sagrado desde o primeiro dia em que pisei, numa turma do Programa Mais Educação da EMEF Mário Covas.

Isso foi aos nove anos. Lá tinha turma de hip hop, de teatro, e, bem, comecei a puxar meu bonde. Muito ativo, fui escondido de minha mãe, toda quinta e terça à tarde.

Falsifiquei até a assinatura dela na autorização (risos).

Aí teve um dia que ela me perguntou o que tanto eu estudava à tarde, e eu já tinha que pedir dinheiro para o figurino da apresentação.

Não consegui esconder (...).

A família em si sempre respeitou minha decisão.

Herança dos humildes | Geralmente, em uma família mais pobre como a minha, você precisa ajudar em casa. Eu fazia muitos bicos, já trabalhei em bar, já vendi sanduíche na praia, já fiz estágio no Tribunal da Justiça de São Paulo (...). Meus pais vieram de uma origem muito humilde, sempre quiseram que a gente estudasse,

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fosse alguém na vida. Meu pai falava: “Estuda para ser advogado, comprar a sua casa”. E o que meus pais enfatizavam muito era para a gente ter honestidade, transparência, saber como tratar as pessoas, nunca pegar nada de ninguém. “Saiba sempre entrar e sair pelo mesmo lugar”. Você pode amar ou odiar as pessoas, mas pelo menos, mantenha a educação, e que você deve ser a pessoa mais educada, simpática, linda do mundo.

Vou tentar todo dia | Costumo dizer uma coisa que às vezes até discordo (risos).

“95% de tudo o que conquistei até hoje é estudo, é vocação, é estratégia. Só 5% é talento”.

Estratégia no sentido de saber onde você quer chegar.

Você tem que saber. Eu sempre estudei muito, quando ia para um lugar, eu sempre soube quem estava fazendo o que, como chegar nas pessoas, quando ia para uma peça estudava sobre a proposta do grupo, a sinopse, além da história do teatro brasileiro.

Por exemplo, a estratégia

traçada para entrar na EAC [ligações diárias para conseguir um teste e, em seguida, pedir apoio para professora de artes para o teste de apresentar uma cena]. Vou tentar todo dia até conseguir.

E sou assim em tudo que faço, quando estabeleço uma meta, vou muito munido de estudos, de força de vontade.

Teatro de raiz e de vocação | Além da EAC, eu passei pelo CAMPSV, pelo TEP, Teatro Wídia, Vila do Teatro, SESI, o Teatro Genoma. Na companhias, tem algo que é comum a todas. É o teatro amador, o teatro de raiz. Ali é onde você entende o que é a profissão, o que é o fazer esse teatro, onde você só tem o conhecimento e a sua vontade de fazer ao seu favor. Você não tem patrocínio, não tem incentivo do poder público, e levo muito essa relação a sério, pois como aprendi a dar valor a profissão. Façam teatro como vocação. Porque você só fica no teatro se você ama. Se você não ama, vai embora, porque não tem

nenhuma coisa atrativa a não ser a magia do palco. (...) Eu só sei fazer teatro, é o que me move, o que me faz pensar, o que me faz levantar da cama no dia seguinte. De contribuir para uma mudança no mundo. Nessa questão toda que levo muito comigo é que o teatro me fez aprender a ser humano, a ter um olhar de compaixão com o outro, com as pessoas.

do o estágio no Tribunal de Justiça. Quando estava indo para a EAC, recebi uma ligação do Querô. Era o Alex. Não comecei nem a deixar ele terminar. “Olha, meu tempo é supercurto, porque neste horário da tarde estou fazendo o estágio”. Aí ele falou: “O papel é seu”.

Filme ou estágio | Olha, o ‘Sócrates’ foi uma coisa muito louca. Porque nunca quis fazer cinema(...). Bem, vi a chamada do teste de elenco do ‘Sócrates’ na TV. E eu já logo critiquei, imagina, ficar debaixo do sol por horas pra depois fazer uma ou outra cena. Não vou, não quero, não vou fazer. Enquanto isso, estava dando aula na rede estadual pelo Mais Educação, e o Alex [Alexandre Moratto, diretor do filme] e a produção do [Instituto] Querô entraram na sala procurando o pessoal para fazer teste no filme.

Todos os meus alunos quiseram ir. Eu já ia sair. O Alex, “ah, não vem fazer o teste?

Vem fazer o teste?”. Tá. Fiz o teste de improviso, aí começaram a me chamar para mais um teste, outro, outro, foi uma bateria. Já estava exausto! Aí já tinha arranja-

Itinerário de emoções | Gravei o filme, e foi um presente. Com ‘Sócrates’, a gente participou de muitos festivais em 2018, o filme estreou em Los Angeles, percorreu Canadá, França, já se apresentou em Cuba, já se apresentou na Grécia. É até um pouco engraçado no festival da Alemanha [International Filmfestival Mannheim-Heidelberg], porque só há quatro prêmios no festival, e eles dão só para diretores ou filmes. Não existe um prêmio específico de ator, mas ganhei o prêmio. Isso foi muito bacana. [Christian também foi premiado no Festival Mix Brasil de Cultura da Diversidade e indicado ao Film Independent Spirit Awards, principal mostra de cinema independente].

Uma lembrança que tive era da Mostra de Cinema

Christian protagonizou a série ‘Sintonia’ (Netflix/reprodução)

de Gostoso, lá em Natal. É uma ONG, tipo o [Instituto] Querô, quem faz o festival.

Cheguei na cidade, e parecia uma celebridade. Aí cheguei lá e durante a entrevista no making of, o menino que segurava a luz [assistente de fotografia] parou, deu uma pausa para trocar a bateria da câmera. Quando me reconheceu, que era do filme ‘Sócrates’ que ia estrear mais tarde, o menino chorou. Menino, uns 20 e poucos anos. Ele dizia que graças ao filme ele tinha mudado, que estava com vontade de mudar o jeito de lidar com a família, de ajudar mais os pais. Ele caiu em prantos.

Aquilo foi tão genuíno, tão marcante. ■

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Renata Carvalho,

a Rainha do Céu

“

A quem interessa retratar a imagem de Cristo como transexual? Isso é liberdade de expressão? É arte? É cultura?”, tuitou o presidente Jair Bolsonaro sobre ‘O Evangelho segundo Jesus, Rainha do Céu’. Protagonizado por Renata Carvalho, o monólogo pautou uma via-crúcis de debates de inúmeras pessoas públicas a cada sessão. Ora censuras, ora o ‘efeito Streisand’ lotando teatros pela América e Europa.

Na contramão dos tempos de Madalena, parte do atual Brasil atirou pedras o quanto pôde contra a atriz.

Teve deputado ameaçan-

“E se Jesus voltasse agora à Terra como uma travesti? Não era para amar ao próximo como a si mesmo?”

Johnny Hooker, em show em 2018

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do processo, juiz proibindo sessão, prefeitos fechando portas, sessão sem local revelado, polícia na plateia.

“O mais surpreendente é que todo esse ódio vem de pessoas que se autointitulam cidadãos de bem e defensores da palavra de Deus”, constata a diretora da obra, Natalia Mallo.

Renata se tornou rosto e corpo de quem resiste à intolerância de um país-continente. Com outras trans no auditório da Universidade Federal de Santa Catarina (UFSC), disse: “Esse espetáculo é atacado desde sua estreia, em 2016. Jesus é a imagem e semelhança de todo mundo. Menos de nós, pessoas trans. É ‘inapropriado’, é ‘sexualizado’.

Isso se deve

entrevistas à construção social do que vocês, cisgêneros, imaginam ser uma travesti. As pessoas dizem que não são preconceituosas. Mas quando falamos ‘Jesus travesti’, as máscaras caem. Isso é fruto da criminalização da nossa identidade, dessa construção social”.

Até então, em 2018, a peça já alcançava 200 sessões com mais de 16 mil espectadores. No enredo, “há releitura da parábola do filho pródigo, da samaritana no poço, das bem-aventuranRenata Carvalho no monólogo ‘Dentro de mim mora outra’ (Acervo pessoal)

entrevistas

A atriz na peça regional ‘Zona!’, de O Coletivo (à esq., crédito da foto: Adilson Félix) e, anos depois, no espetáculo ‘O Evangelho segundo Jesus, Rainha do Céu’ (à dir., crédito da foto: Lenise Pinheiro)

ças”, destaca o filósofo Leandro Karnal. “A peça é muito boa, a partir de uma reflexão correta teologicamente sobre a predileção de Jesus pela humanidade pecadora e não pelos doutores da lei”.

Renata iniciou no teatro em 1996, quando leu no Diário Oficial de Santos que a Secult oferecia um curso teatral. Três anos depois, estava no palco do TEP em ‘A Casa de Bernarda Alba’.

Logo, passou a fazer direção teatral, sendo que em 2002, fundou a Cia. Ohm de Teatro. Já em 2009, durante a cena rodriguiana baseada em ‘O Delicado’, sob direção de Maria Tornatore descobriu-se travesti. Em 2012, Maria a dirigiria no teatro biográfico ‘Dentro de Mim

mora Outra’. Produtora de festivais, como o FESTA e a Sansex, Renata se dividia na vocação teatral, com os ofícios de cabeleireira e maquiadora.

Também foi agente de prevenção da Secretaria de Saúde de Santos, no início da década, onde ainda atuava em peças de O Coletivo nas ruas da Cidade. Quase 10 anos depois, o Doutor em Letras (UFPE) Bruno Siqueira relata a vivacidade da atriz na peça que marcou de vez a sua carreira. “O momento final da peça é muito emocionante, na medida em que Renata Carvalho distribui pão para a plateia, afirmando ser seu próprio corpo: um corpo que comemos e nos saciamos. Pedindo para que todos se des-

sem as mãos em oração”.

Já o crítico teatral Dirceu Alves Jr., destaca à Veja: “Em linha dramatúrgica próxima à de outro solo, ‘A Alma Imoral’, a peça mistura depoimento e contação de história para tratar de opressão e intolerância, especialmente a sofrida pelos transgêneros. O carisma de Renata garante a empatia do público”.

Complementa-se a crítica de Caio Luidvik para a Folha de S. Paulo, que considera que o espetáculo “além de poético e envolvente, presta emocionante tributo ao próprio Filho de Deus”. Afinal, “sabe dosar a pregação propriamente dita com ações físicas, música e imagens potentes, o que deve muito à expressividade da atriz”. ■ Revista Terceiro Ato

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Panorama

O tear estendido da nova manufatura Textos: Lincoln Spada

O

ano de 2019 consolidou a edição experimental da Manufatura de Monólogos, idealizada pelo programador cultural, Silvio Luiz, do SESC Santos.

A proposta contemplava projetos de monólogos para serem desenvolvidos inicialmente na Fortaleza da Barra Grande de Santo Amaro durante o MIRADA - Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas, em setembro de 2018.

A inovação é de que os núcleos cênicos teriam a orientação gratuita de Luiz Fernando Lopes Marques, o Lubi, e Nelson Baskerville.

Ambos diretores teatrais santistas, atualmente estão em cartaz no circuito paulistano. Por exemplo, Lubi formou-se na EAD (USP) e é diretor e co-criador de espetáculos do Grupo XIX de Teatro desde 2001. Também desde 2000, orienta o Núcleo de Direção da Escola Livre de Teatro de Santo André.

Entretanto, o número

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maior de projetos inscritos de obras - ao todo, 11, de Cubatão, Guarujá, Santos e São Vicente -, obrigaram a reformulação da manufatura. A dramaturga paulistana Dione Carlos foi convidada a também integrar o time de orientadores.

“Nesta nova fase, cada monólogo foi transformado em um espetáculo teatral”, descreveu Silvio Luiz.

A estreia de fato da temporada, que previa um trimestre de pesquisas, foi prolongada para fevereiro de 2019. Além disso, alguns monólogos se ampliaram em peças - como ‘Resíduos’.

Logo, a proposta repercutiu para além das sessões únicas do teatro do Sesc. Parte dos coletivos organizaram as suas peças no Teatro Braz Cubas, em Santos, na mostra ‘Abril para Cena’, em referência ao mês das sessões.

Entre maio e junho, tiveram produções que participaram da campanha de popularização do teatro no Teatro do Kaos (Cubatão) e realizaram uma mostra de

apresentações no teatro de contêiner da Cia. Mungunzá (São Paulo), núcleo já dirigido por Baskerville.

Ainda, ‘Benjamin’, da Cia. Trilha de Teatro, e ‘O Suicídio mais bonito do mundo', do Coletivo Valsa Pra Lua, circularam por festivais nacionais. Já ‘Não Ela - Experimento Pudica’ esteve em cartaz no Espaço Satyros (São Paulo).

Em geral, as peças também são frutos da cena contemporânea. As obras, mesmo aquelas que se baseiam na literatura, como ‘Nostalgia do Amor Ausente’, de Pri Calazans, têm facetas sobre as pautas identitárias. As desiguldades racial, de gênero e diversidade sexual estão explicitadas em ‘Lágrimas de Laura’, da Cia. Vozavó, ‘Malditas’, de Malvina Costa e Daniela Paulino, e ‘Cartas para Satã’, protagonizado por Jackson França. A seguir, resenhas sobre parte dos espetáculos semeados pelo projeto do SESC Santos.

Nostalgia do Amor Ausente A expectativa de reencontrar quem ama é um prato de angústia e poesia. E a atriz Pri Calazans janta conosco tais fenômenos em ‘Nostalgia do Amor Ausente’. Baseada no conto homônimo do gaúcho Walmor Santos, a 830 quilômetros do Teatro Braz Cubas, a peça aborda a distância de dois anjos amantes. Ou melhor, almas gêmeas.

A melancolia está entre cigarros, a cadeira vazia, a luz noir de um ventilador de teto sob o holofote. Ali, Lúcifer narra a separação divina com Gabriel: exilado por ter sido mais amado que o Pai. A releitura de fatos bíblicos - Éden e Quaresma - são ambientes para interpretações sutis sobre casais desfeitos e, na dramaturgia, o estigma e a reclusão de homossexuais.

No palco, uma ironia implícita (o anjo caído como uma mulher) é uma descontrução dos padrões barrocos (atriz e retrato do amado são negros). A sutileza não é do romantismo ipsis litteris do conto teatralizado, pois a força vem do repertório, colorido pelo piano de Marcelo Marinho. Ponto da diretora, Déia Oliveira.

O brega e o biscoito fino se entrelaçam no palco.

‘Era pra ser’, de Bethânia, ‘Siga seu rumo’, de Pimpinela, ‘Vá pro inferno com seu amor’, de Milionário e José Rico, ‘Não’, de Tim Bernardes. Todas as melodias enaltecem o potencial de Pri em cena, que brilha quando performática. Se cenas da prosa até ofertam senso de perdão ao anti-herói, é o musical que nos aplaca em dores existenciais.

Benjamin, o Filho da Felicidade Após 130 anos da estreia do primeiro grande palhaço negro brasileiro, ‘Benjamin - O Filho da Felicidade’ chegou aos palcos por artistas locais na Baixada Santista. Um teatro de bonecos em miniatura e tamanho real remetem às cenas do pai capataz e da mãe escrava: “O destino de negro era fugir”.

Tal máxima ganhar ares ciganos quando o protaDe cima para baixo, foto das peças ‘Nostalgia do Amor Ausente’ (Crédito: Lairton Carvalho), ‘Benjamin, o Filho da Felicidade’ (Crédito: Fausto Franco) e ‘Lágrimas de Laura (Crédito: Catarina Bertholini)

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Panorama gonista vai ao Circo Spinelli, mas a peça tem como mote ‘fazer o palhaço’ ou ‘ser o palhaço’. Benjamin tomou batatas e tomates até rumar à segunda opção. Este clímax é em Santos, numa memória vexatória sobre a hostilidade da ilha diante do negro no picadeiro.

O clima perene de circo vem da vara cênica com bambolês bicolores evidenciando de cartolas a discos.

O elenco em quarteto de um idoso que beira ao Benjamin (Hugo Henrique) acima de uma torre ornada de figurinos mambembes. Números de clown vão ao piso: o jovem Benjamin (Jair Moreira) tem suporte de duas mímicas (Emanuella Alves e Kevelin Santos).

Jair é um ótimo anfitrião e joga bem em cena com Emanuella. Além das esquetes de corre-corre ou com baldes, o riso alcança o ápice nas imitações do marechal Floriano e do crítico teatral.

O teatro coincide com o ritmo da linguagem circense.

Tem direito às ‘Lonas Azuis’, a tributos artísticos e ótima interação com o público.

Tudo soa bem-vindo, êxito da diretora Miriam Vieira. Entusiasmo maior é que ‘Benjamin’ surpreende por

não remeter a nenhuma das peças recentes da diretora, do elenco ou do dramaturgo Ronaldo Fernandes. Tornam em memória viva a história do multifacetado ator, autor, compositor, cantor, figurinista, palhaço e produtor cultural do teatro circo brasileiro.

Lágrimas de Laura É preciso parir a avó Laura.

Nasce ‘Lágrimas de Laura’, peça protagonizada por Priscila Ribeiro, que nos convence a viajar épocas tão somente com uma cadeira colonial e um espelho emoldurado na vertical, levemente coberto com uma toalha de renda.

Um manifesto: a força do teatro está na dramaturgia assinada pela atriz.

A obra compreende na matriarca envelhecendo diante da narradora.

Reflexões sobre corpo, força e servidão atravessam todo o enredo, entremeado de cenas singelas. A porta-bandeira durante o hino da X-9 e a agraciada durante o ritmo das orixás. Maior dor para a plateia vem da saudade,

Letícia Tavares Homem em ‘Não Ela - experimento vênus pudica’ (Crédito da foto: Lairton Carvalho)

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do banzo, interpretado entre personagens que podem ser a avó, a neta, outra, mas também as demais mulheres negras.

Fácil se identificar, compreender a história da senhora que ensina a lidar com a dor engolindo o choro. Por vezes, a artista passeia com o espelho para o público, ecoando as suas sentenças, como “eu acho que o afeto é um hábito”. O desafio da diretora Juliana do Espírito Santo é ampliar o espaço cênico ou a movimentação da atriz, a fim também de potencializar a sua expressão vocal.

Não à toa é marcante quando o palco se torna num rito de canções e bençãos de arruda. Último ato, é uma verdadeira homenagem ao

‘Resíduos’ (Crédito da foto: Bruna Quevedo)

público em geral - em especial às mulheres negras presentes. Sem detalhar, a peça é uma moldura coerente a dar visibilidade a quem é silenciada diariamente.

Não Ela - Experimento Vênus Pudica Chega ao 34º dia “o procedimento que despe o passado obsceno de uma mulher para a plenitude de sua existência”. E o monólogo ‘Não Ela - Experimento Vênus Pudica’ logo nos leva à freudiana pulsão de morte. Fruto da autenticidade de Letícia Tavares no trabalho mais maturado da atriz que já vi em Plínio Marcos, García Lorca e musical infantil.

Em um jogo de luzes e sombras, a peça de plásticos infinitos é um tratamento de choque para a plateia. Nas fileiras, mulheres consentiram com a personagem, em lágrimas ao tentar recordar a cicatriz cesariana. Lá se vão memórias do primeiro banho e das incertezas de

quem sente na pele a cultura maternal vigente.

Entre homens, o striptease é sucedido por uma repulsa interna. A atriz relata uma série de assédios desde criança por um primo ou um segurança de mercado, até fazer oral por quem lhe prometera amor eterno. “As coisas foram acontecendo sem me permitir a sentir” repercute como síntese das experiências de afeto de boa parte das mulheres.

O processo de (des)construção do papel da mulher na sociedade corta toda a montagem: pulverizada de dualidades. Ora a virgem santa, ora a femme fatale. E a artista ocupa e decupa cada lugar-tempo do teatro, com direito a fôlegos, como hablar amores. Enfim, é uma carga emocional da personagem que extravasa a ponto de nos atar até o fim. À ela, cabe aninhar, temer ou admirar?

Resíduos Salgadinhos, pétalas e um samba-canção de outras gerações. As dimensões da caixa preta se emboloram no cruzamento do que o trio de atores descarta no decorrer de ‘Resíduos’. A não-palavra do elenco é substituída por um fantástico balé do cotidiano. Não que sons ilustram a maioria da peça, mas se ca-

dencia um ritmo nos passos dos artistas.

A individualidade no vai e vem de cada ator tarda os clímaxs: pontualmente quando trio ou duplas. Sozinhos, Felippe Alves, Marcus Di Bello e Paola Caruso retratam nossas intimidades, como uma ida ao cinema ou um desleixo no quarto. Cabe aqui memórias da plateia ou uma reflexão sobre a quantidade de lixo diário que geramos.

Juntos em cena, a sustentabilidade é sobreposta pelo imaginário da plateia. Um êxodo representado quando uma deixa a mala, outro abre os pertences. Noutrora, a falta de entrosamento refletida quando revezam suco e bolachas. O ápice é a subjetividade do cortejo dos atores enfileirando cadeiras a um contragosto de Paola a se assentar.

Também há risos do público, durante áudios icônicos de novela. O jogo lúdico de emergir o imaginário comum é o forte da peça dirigida por Dario Felix. O resultado da dramaturgia coletiva é uma evolução de abstrair estéticas e pautas de elenco (‘Meu Deus...’) e direção (‘Sleep Mode’). Uma interpretação inspirada dos versos de Drummond: “Se de tudo fica um pouco, mas por que não ficaria um pouco de mim?”. ■ Revista Terceiro Ato

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PERFIL

"Precisamos ter consciência do nosso papel como artista" Cria do teatro regional e militante do movimento cultural desde o regime militar, Miriam Vieira defende a arte ‘que olha nos olhos’ do público – e o faz pensar

Textos: Rafaella Martinez

F

oi ainda nos primeiros anos escolares que Miriam Aparecida Vieira se descobriu ‘do teatro’, embora sonhasse mesmo em ser professora ou aeromoça.

A primeira direção veio na 1ª série, onde escreveu um espetáculo sobre Folclore.

“Ela disse: a Miriam vai fazer teatro. Eu tinha capacidade de articular, falava alto, não tinha vergonha, coisas que faço até hoje”, relembra aos risos a mulher que esteve à frente de espetáculos memoráveis, como ‘Reclame – uma história de amor’.

Da escola, Miriam rumou para o teatro na igreja, onde encenou espetáculos bíblicos durante o período da catequese. De lá, migrou aos 13 anos para o extinto grupo Centauro, da Vila Margarida, de onde passou a participar do movimento cultural organizado de Santos. “À medida que entrava no segundo grau comecei a me envolver no movimento

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de teatro. Tudo começou ali, onde os grupos tinham pegadas populares em plena ditadura. Fiz parte do TEMO, que junto com outros cinco grupos produziram muitos trabalhos”, relembra.

Na década de 80, passou a fazer parte do Movimento Organizado de Teatro do Estado e do Movimento Nacional de Teatro, onde atuou como secretária e presidente da Confederação de Teatro de São Paulo, no mesmo período que passou a produzir e atuar na Cia Pernilongos Insolentes Pintam de Humor a Tragédia.

“Minha história do movimento de teatro e do fazer teatral nunca se desvinculou. Sempre fiz as duas coisas juntas: produção e discussão de uma política que contemplasse não só a produção propriamente dita, mas também a ocupação pública dos espaços”, conta.

Ainda combatente, ela afirma que existe hoje uma ‘realidade perversa’ na produção cultural das

cidades. "À medida que a gente perdeu espaço nos lugares oficiais das cidades fomos indo para locais alternativos e hoje em dia a gente não vê produções das cidades dentro dos palcos convencionais. Não que não é importante ocupar todos os espaços, mas é isso, temos que ocupar todos os locais.

Não temos que ficar restritos ao alternativo, precisamos ocupar os palcos, as ruas e todas as salas”, afirma.

Diretora de espetáculos da Cia Trilha e da Pixotes e Quixotes de São Vicente, Miriam afirma que acredita em um teatro que se comunica com o público, olhando nos olhos da plateia.

“Tenho uma linha muito próxima ao popular, que foi o teatro que eu aprendi a fazer.

Tive grandes professores de teatro, como Tanah Corrêa, Neyde Veneziano, Roberto Marchese e Amauri Alves, que de uma forma ou de outra acabaram me influenciando.

Gosto de um teatro que conversa com a plateia, que

PERFIL

Moradora de São Vicente, Miriam se descobriu 'do teatro' ainda na infância (foto: danilo tavares)

vai para plateia e que tem cena de plateia”, conta.

Miriam afirma também que o trabalho é diretamente impactado pelos atores, que criam junto a estética.

“Eu trabalho muito com os atores que exercem esse jogo. Eu como diretora não faço teatro pós-dramático, não tenho a concepção de uma plateia estática. Gosto também de trabalhos que me desafiem, como o 'Benjamin' e 'Reclame...', um espetáculo onde os atores foram construindo junto. O ator é o ser-criador e o diretor nada mais é do que o organizador da cena. Eu trabalho com o que o ator me propõe”.

LINHAS DE TRABALHO Atualmente, Miriam está na direção de dois espetáculos

distintos. Em 'Benjamin - o Filho da Felicidade', promove a discussão do abandono e do apagamento dos artistas negros do país. “É um dos homens mais importantes, que fez o circo-teatro e que morreu a mingua. Só se aposentou porque um grupo se reuniu para provar que ele era artista, que é exatamente o que a gente vive hoje.

A história se repete, nem sempre como farsa. É preciso identificar esses protagonistas. Nossa linha é a poética da cena e não o discurso. Acho que todos os teatros são válidos, mas eu optei pela poesia, embora seja um espetáculo muito duro”, finaliza.

Já 'O livro proibido de Madalena' vem da história de uma mulher que está

no convento obrigada. “É a discussão da liberdade da mulher. Por que precisa ser dentro dos padrões?

Madalena rompe com isso e ela vai para fogueira, mas não a personagem e sim todas as mulheres”, conta.

Com ambas as peças denunciando problemas sociais, Miriam afirma que os tempos são difíceis e a arte precisa resistir. “Precisamos ter consciência do nosso papel enquanto artista nessa sociedade. Não dá para ficar calado, vendo os absurdos que estão acontecendo nesse país. Não dá para aturar que se faça no Estado o que bem entender com a cultura. A cultura não pertence a eles e sim ao povo e a quem faz.

Não adianta ditar regras, pois vamos resistir”, finaliza. ■ Revista Terceiro Ato

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Entrevistas

Por dentro do subtexto

Texto: Lincoln Spada

U

m dramaturgo, um diretor, um iluminador, um maquiador, um sonoplasta, um figurinista, um produtor ou um fotógrafo, quando não se há assistentes para cada uma dessas funções. Enfim, além do elenco, faz-se essencial ter uma verdadeira família quando uma trupe pretende levantar uma obra cênica nos palcos ou nas praças. Autor de encenações com mil atores até comédias mais intimistas, o diretor teatral cubatense Cícero Gilmar Lopes reconhece esses desafios em mais de 30 montagens que seus textos participaram por diversas companhias teatrais da região.

"Quando você conta uma história, invariavelmente está defendendo uma ideia, um ponto de vista. Para que sua história seja absorvida, não necessariamente aceita, pois ou seu público pode discordar das razões dos seus personagens", descreve Cícero. "Mas, para isso ou aquilo, esse público tem que ser tocado". Para uma dramaturgia eficiente,

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Revista Terceiro Ato

Cícero (segundo à esq.) escreve e atua em ‘Os Filhos da Política’, do Grupo Macako que Ri’ (foto: acervo pessoal)

além de elementos técnicos que facilitem a leitura da companhia cênica para a montagem, o enredo necessita de conflito, além do respeito à inteligência da plateia.

"Um texto para teatro clássico, palco em italiano, é obviamente mais intimista.

Na encenação, tudo tem de ser grandioso, a começar pela interpretação dos atores. O gesto deve ter uma proporção maior, passa pela quantidade de elenco". Assim, as cenas devem ter volume, multidão, coro de vozes, ser cheia de elementos na arena, elenca o autor de 13 edições dos Caminhos da Independência, além de uma versão na encenação vicentina (2010).

"Particularmente, deixo

muitas dessas indicações no meu texto, mas é o diretor que finaliza o espetáculo".

Entre as montagens que o diretor do grupo Zona de Arte Macako Que Ri, foi pertinente a experiência de escrita colaborativa para 'Os Sapatos que deixei pelo caminho', junto ao Teatro do Kaos (2014). "Saí de um processo solitário", justifica. "O trabalho nascia das propostas de cenas dos atores-criadores, que, por sua vez, criavam as cenas baseadas na história do nosso protagonista [Lourimar Vieira], uma pessoa viva e presente no processo do espetáculo".

Entre biografias e ficções Outro

diretor

teatral

Entrevistas que também percorre a dramaturgia sobre traços biográficos é Ronaldo Fernandes.

O artista pernambucano fez de Santos um átrio para as suas peças mais maduras, 'Dentro de Mim mora outra' (2012) e 'Benjamin - O Filho da Felicidade' (2018). A primeira abordou sobre a transexualidade, dirigida por Maria Tornatore e estrelada pela consagrada atriz Renata Carvalho.

"Penso que ali foi que me reconheci como dramaturgo e passei a acreditar que eu poderia ser uma voz".

A experiência mais recente na região foi na que retrata o primeiro palhaço negro do País, Benjamin de Oliveira, dos mais notáveis da modalidade de teatro circo nacional, mas marginalizado e esquecido quando comparado aos demais artistas. Ao contrário da primeira peça, onde tratava diretamente com a atriz biografada, desta vez as escolhas dramatúrgicas eram divididas com a direção de Miriam Vieira. É nesta produção que foi instigado a se rever artista: "uma consciência de que eu sendo um dramaturgo preto, sempre estive a serviço de uma ideologia branca. (...)

Eu ainda não sabia que

O diretor teatral Ronaldo Fernandes (foto: acervo pessoal)

era preciso usar a minha negritude para dar voz às questões da negritude.

Depois do 'Benjamin', comecei a me perguntar: quantas dramaturgias brancas criei? Acho que pra ser aceito e reconhecido como dramaturgo, fui reproduzindo experiências majoritariamente brancas e escrever 'Benjamin' me abriu os olhos para isto".

Em relação às diferenças de escrever biografias e ficções, pondera maior zelo no primeiro gênero: "Quando se parte da história de uma pessoa que de fato existiu, é preciso ter cuidado, é necessário respeitar a trajetória de vida de quem serve de base para a dramaturgia. É preciso que lá também estejam as

fragilidades, pois são elas que criam a identificação. Somos irmãos nas fragilidades e não nas fortalezas".

Já na ficção, a sua base são referências não necessariamente de dramaturgos, mas pensadores, autores ou pesquisadores que se conectem com as ideias de sua trama. Por exemplo, a escritora infantil Ruth Rocha em 'Linda Flor' e o filósofo Nietzsche e o psiquiatra Daniel Siegel em 'Meu Deus...'. Embora considere mais livre a escrita para a ficção, reconhece que "todos os meus textos sofrem influência do processo de montagem. O encontro do texto com os atores e o diretor é um processo vivo, portanto, transformador". ■ Revista Terceiro Ato

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Entrevistas

Os bastidores

do palco Texto: Rafaella Martinez Vicentini e Lincoln Spada

O

trabalho dos profissionais nos bastidores de um espetáculo é maior do que você imagina. Conheça a história de alguns desses artistas das coxias.

“Aprendi a engatinhar no palco do municipal” Não é errado dizer que Noa Marchese nasceu no teatro.

O pai, Roberto Marchese, foi presidente da Federação Santista de Teatro e a mãe, a atriz Adna Cruz, hoje atua como diretora de dublagem.

Dando os primeiros passos de vida em cima do palco do Teatro Municipal pouco tempo após do Regime Militar, as lembranças de infância de Noa se misturam ao clima de tensão em relação às montagens teatrais dos pais e dos irmãos de Coxia, muitos que hoje são colegas de trabalho.

A primeira ação no teatro aconteceu durante a faculdade de Administração de Empresas. “Costumo brincar que filhos de artistas

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Revista Terceiro Ato

vão tentar negar os pais em algum momento. Só no meio da faculdade que eu comecei a pensar que podia juntar os conhecimentos administrativos e aplicar na cultura. Fiz diversos cursos em três anos, mas ainda sinto que minha entrada no mundo cultural veio das minhas vivências na infância”, conta.

Hoje diretora da Upah!

– Soluções Culturais, Noa conta que no início não havia modelo de negócios nos quais se inspirar na Baixada Santista e foi na prática que mãe e filha aprenderam a moldar o trabalho. “Tive a chance de ter reunião com o Zellus Machado,

por exemplo, que passou por lá para deixar vários projetos antes de falecer, uma lembrança afetiva que guardo comigo. Mas também conheci centenas de artistas nesse processo, confirmando a fala de que a Baixada Santista é um celeiro de grandes e talentosos profissionais”, afirma.

Ainda nessa fase, Noa criou uma Companhia de Teatro Infantil chamada Cia da Lua para treinar a inscrição em leis de incentivo fiscal. O grupo acabou conquistando editais e levando apresentações para escolas e foi assim que Noa passou de produtora para também escritora de espetáculos infantis.

Nessa época, ela estudou acessibilidade cultural e passou a investir em espetáculos que dialogassem também com pessoas com deficiência auditiva, visual

A produtora cultural Noa Marchese (crédito: Fabi Conway)

Rodrigo Montaldi Morales (Foto: Platão Capurro Filho)

ou com mobilidade reduzida.

“O primeiro espetáculo com tradução em LIBRAS em Santos aconteceu em 2013 no Teatro Guarany, com a produção da Upah.

Levamos muito a sério essa questão”, enfatiza.

Hoje atuante em diversas frentes – que vão do teatro ao cinema passando pela música, Noa acredita que a lógica de um projeto é aplicada a todas expressões artísticas. “A transparência é essencial para atuar nesse segmento e o pagamento digno para a mão de obra artística também é essencial, pois a pessoa que está executando um trabalho está de corpo, alma e mente”, diz.

Se enxergando agora

como artista, ela conta que exercita todos os seus lados.

“Poder fazer muitas coisas ao mesmo tempo é o que mais me encanta nessa área. Um dia estou focada no teatro, outro na música e outro no cinema. Sou plural e grata à área cultural por me permitir ser muitas”, finaliza.

“As reações estão nas ruas” Rodrigo Montaldi não se define bem como fotógrafo.

Para ele, a fotografia é uma forma de registrar o mundo e contar histórias - e é isso que ele faz. “Fotografar é uma forma que encontrei de fazer um registro histórico em um congelamento de imagem”, destaca.

Após atuar no fotojornalismo e em diversos projetos de teor educacional e cultural da região da Baixada Santista, além de promover mostras e exposições, ele se considera um artistas de múltiplas linguagens.

Para ele, que atua tanto no palco italiano como em espaços abertos, ‘as reações estão nas ruas’. “O teatro de palco tem barreiras e para meu ofício de registrar, você não consegue olhar nos olhos das pessoas. Já na rua a paisagem se transforma.

No teatro de rua o grande personagem é o público”, afirma.

Iluminar como ato cênico Quem compartilha da ideia de um teatro que evolui a cada etapa é Juliana Sousa, que já dirigiu a Paixão de Cristo de Cubatão, é atriz, arte-educadora e desempenha várias funções, também na área de iluminação - neste papel desde 'Bailei na Curva', do Teatro do Kaos (2000).

"Foi algo que surgiu sem pretensão alguma. Nasceu do encontro entre a necessidade da mão de obra técnica no teatro, e o meu desejo de estar envolvida, de alguma forma, numa produção teatral". Já que falta mão de obra no setor na região, com o passar

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Entrevistas do tempo passou a iluminar até os Grupos Artísticos de Cubatão, grupos de dança, shows musicais e até teatro de rua.

Premiadíssima na área desde 'O Guarani' (2003), ela comenta os desafios de iluminar espetáculos em espaços alternativos. Em 'República - Muito mais que quatro paredes', do Coletivo 302 (2017), imprimiu a sua identidade na luz em uma estrutura cênica ousada: um cubo de alumínio, como vigas que dividiam o cenário de um apartamento. "Ele requer diversas tonalidades em um espaço com pouquíssima amperagem para alimentação dos equipamentos. Só tínhamos como optar pelo LED em toda a composição de luz".

Desde efeitos de DJ com laser até cordões coloridos e luminárias precisavam ser compostos de lâmpadas LED. O mesmo modelo foi revisto no teatro de rua 'Vila Parisi' (2019, do Coletivo 302), onde nem era possível contratar um gerador no local. No cenário de um laboratório, as fontes frias de LED com incidências pontuais de vermelho e verde. No ambiente da vila, simular casas com cores quentes e interruptores,

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além de um spot em um tripé para uso manual de destacar fases da peça. Ainda, outros espaços da peça no Cruzeiro Quinhentista precisaram de lâmpadas junto a garrafas coloridas de álcool, ou latas de alumínio furadas em meio a um festão de luzes, respectivamente remetendo à uma casa de prostituição e a uma procissão no cemitério.

Enfim, de refletores artesanais até os de uso para jardins, de lanternas a elas, não foram poucas as formas de que Juliana fez nascer a luz em diferentes espetáculos.

"Foram esses projetos para

espaços alternativos que me conduziram a uma pesquisa de materiais e efeitos talvez únicos na minha carreira", comenta entre a rotina de compreender quantidade de equipamentos, cabeamento, dimensões do espaço, como fixar e alimentar os equipamentos, entre outros fatores para composição da luz. O maior desafio é a adrenalina de concluir o tempo de montagem em tempo hábil para que os atores façam a marcação, gravem as cenas e testem os efeitos - em seguida, as cortinas se abrem para o respeitável público. ■

Juliana Sousa (Foto: Acervo pessoal)

Esquete

Sucesso além da serra

Os diretores santistas celebrados na capital Textos: Nina Gagli Foto: Agência O Estado

Foto: Taba Benedicto

Foto: Acervo pessoal

Marco Antonio Gimenez (1955-)

Nelson Baskerville (1961-)

Neyde Veneziano (1944-)

Inicia no teatro paulistano em 1984. Licenciado em Psicologia, no Teatro-Escola Célia Helena foi professor (1991-2011) e co-diretor (2001-2004). Foi servidor da Funarte (1987-1990), secretário de Cultura de Santos (1995-96), fundou e foi diretor artístico do grupo Folias D’Arte (1998-2010), um dos grupos que lidera movimento Arte contra a Barbárie e resultará no programa de Fomento ao Teatro para a Cidade de SP. Hoje dirige o Teatrão em Coimbra (Portugal).

Venceu os prêmios Molière (1991) e Mambembe (1996).

Graduado na Escola de Arte Dramática (USP, 1983), lecionou no Teatro-Escola Célia Helena (1991-2010). Participou de mais de 10 novelas e minisséries, como ‘Pedra Sobre Pedra’, ‘Éramos Seis’ e ‘Viver a Vida’. No teatro, foi dirigido por Celso Frateschi, Bibi Ferreira, entre outros, e dirigiu desde 2005 mais de 15 peças, como ‘Luís Antônio-Gabriela’, ‘17 x Nelson’ e ‘As estrelas cadentes do meu céu são feitas de bombas do inimigo’. Ganhou os prêmios Shell, Cooperativa Paulista de Teatro e Governador do Estado.

Pós-doutora em Teatro (Itália, 1999), professora de teatro brasileiro (Unicamp), autora de livros desde 1991, encenadora e diretora teatral. Nesta função, estreia em 1984 com ‘Balada Feroz’ e ‘Procurando Firme’ (ambos em 1984). Já dirigiu 40 obras, desde a Encenação da Fundação da Vila de São Vicente (1999) até os grupos Parlapatões, La Mínima e Geração Trianon. Especializou-se nas pesquisas sobre teatro de revista, manifestações populares e o acervo de Dario Fo. Revista Terceiro Ato

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Segmentos

O teatro e as suas múltiplas linguagens Texto: Rafaella Martinez Vicentini

P

oucas pessoas frequentam o centro de Santos aos domingos à noite. As ruas, durante a semana ocupadas pelo vai e vem de homens e carros, respiram tranquilas. Um grupo de aproximadamente 40 pessoas aguarda o início de uma apresentação teatral.

Sem aviso, uma moradora de rua surge correndo, empurrando um carrinho de supermercado cheio de coisas aparentemente inúteis.

Em outro ponto, um bêbado questiona o banco que teria roubado seu dinheiro. Deus aparece no alto da Prefeitura, e uma mulher é violentada diante de nossos próprios olhos.

Pouco tempo se passa e várias outras pessoas resolveram acompanhar a movimentação. São aqueles que pararam e ficaram: trabalhadores do porto,

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Revista Terceiro Ato

crianças abandonadas e usuários de drogas.

Em uma cena épica daquele outubro de 2013, uma pessoa em situação de rua interage com o contexto apresentado e a realidade cruza tão bem cruzado a arte, que ambas se confundem. O que nos separa?

A cena narrada acima é da primeira apresentação do espetáculo teatral ‘Projeto Bispo – tratados como bichos, comportam-se como um’.

O espetáculo ‘de ruas’ como define um de seus atores, tinha como objetivo levar os espectadores a refletir sobre a loucura humana. Na prática, exatamente pelo fato de estar na rua, a peça enxergou a loucura de várias outras formas: os atores já foram ameaçados por autoridades policiais, a produção já foi multada e os espectadores quase foram atropelados.

Dificilmente as questões citadas aconteceriam caso o 'Projeto Bispo' fosse

Fora do espaço e do modelo tradicional, as múltiplas facetas da arte ocupam os espaços públicos e resignificam as cidades um espetáculo produzido e encenado no palco tradicional. “Eu acho que o ator e o espectador precisam estar sob a mesma luz, poucos metros de distância”, afirma o diretor do projeto, Kadu Veríssimo.

Há várias diferenças entre o espetáculo de palco e as apresentações de rua.

Diferenças além da ausência de equipamento técnico ou cenário, pois envolvem dramaturgia, preparação de atores, entrosamento de cena

Segmentos e linguagem específica.

Trupe do século 21 | Além disso, toda a trama pensada depois de muito tempo de ensaio pode ser mudada de uma hora para outra, sem aviso prévio.

Fora da caixa, qualquer fator interage com a cena e os atores jamais saberão quais são esses fatores até que eles aconteçam ao vivo e, nesse caso, a resposta precisa ser imediata.

A Trupe Olho da Rua surgiu em dezembro de 2002 com seis integrantes. Cada um investiu R$ 150 e, com o montante, passaram janeiro de 2003 viajando em busca de público. A experiência foi tão benéfica que, no retorno à Santos, a trupe decidiu dar continuidade à ideia, investindo na pesquisa e na linguagem aberta, própria para a rua.

“Naquela época, parecia que a população perdia cada vez mais o interesse no teatro

de palco, mas percebemos que na verdade, o que estava acontecendo com o teatro tradicional não se refletia nas ruas: lá havia muito público”, afirma Caio Martinez Pacheco, um dos fundadores.

Para João Paulo Teixeira Pires, outro integrante da trupe, dentre as diferenças entre o palco e a rua está, por exemplo, o que diz respeito ao erro em cena. “Quando se erra esteticamente no palco, o artista continua e por vezes nem deixa transparecer o erro. Na rua, a resposta é instantânea: o artista erra e as pessoas vão embora”.

Essa opinião é compartilhada pelo ator Junior Brassalotti. Para ele, o artista de rua precisa se reinventar a cada minuto para manter a atenção do público. “No teatro de caixa você está protegido, as pessoas foram até lá para te ver, há um respeito. Na rua ninguém te chamou, você está invadindo aquele

espaço. A pior coisa no teatro de rua é você formar uma roda e ela ir esvaziando”. coletividade | Ambos os grupos citados possuem uma forma diferente da tradicional para criar a dramaturgia que será empregada nos espetáculos: é uma construção coletiva e colaborativa. “Percorremos caminhos diferentes para chegar à dramaturgia. Desde 2008, por exemplo, nossos espetáculos se estendem até a plateia que assume muitas vezes o papel principal”, afirma Caio Martinez.

Para Brassalotti, a dramaturgia da rua é viva, pois a história está sempre sendo construída. “Transformamos a plateia passiva em algo extremamente ativo.

O público pode ser qualquer coisa, mas antes precisamos ter um jogo combinado. A gente sabe para onde quer que a plateia vá, se ela vai ou não depende da nossa

Circularam em praças as peças ‘Hamlet Futebol Clube’ do Teatro do Kaos (crédito: Sander Newton) e ‘Blitz’, da Trupe Olho da Rua (crédito: Gabriella Zanardi)

Segmentos competência”.

O conteúdo para rua também não cabe dentro da proposta de um ator convencional. “Na minha opinião, todo ator de rua deveria saber dar um salto mortal”, pondera Brassalotti. Isso porque a carga dos espetáculos a céu aberto exige um preparo físico maior por parte dos atores. Na maioria das vezes, a arte de rua inclui diversas outras vertentes dentro da tradicional: os espetáculos podem ser montados através do circo, da dança e da música.

A história do teatro se confunde com a própria história do homem.

Suas raízes estão nas apresentações da Grécia Antiga, onde a população expunha os problemas da pólis e dos cidadãos nos espaços abertos. Outras correntes acreditam que o teatro surgiu com o homem primitivo, em forma

de danças dramáticas coletivas. Em ambos os casos, a arte de usar o corpo e os gestos para apresentar uma determinada história e com ela provocar sentimentos diferentes na plateia surge na rua.

Abandonar a caixa | No Brasil, o movimento ganhou força e notoriedade nos anos 80, sendo uma voz contra a ditadura militar.

Em 1982, Amir Haddad, um dos expoentes do gênero no Estado de São Paulo, decidiu “abandonar a caixa” e ganhar a rua, acreditando que o teatro poderia voltar a ser teatro. Vários grupos apareceram, seduzidos pelas possibilidades que a rua oferecia em detrimento às dificuldades impostas pelo poder público para o uso dos espaços oficiais.

Junior Brassalotti afirma que o que garante a vida do espetáculo é a temporada e, quando nenhum espaço oficial da cidade oferece

essa possibilidade, a solução é ir para a rua e criar o próprio espaço. Para a trupe, a questão é utópica.

“Santos comporta até 20 apresentações simultâneas em suas praças”, afirma João Paulo Teixeira Pires.

Outro fator fundamental para o teatro de rua é a linguagem empregada. Por esse motivo, a dramaturgia precisa ser uma maneira de contar uma história com o corpo através do texto para um público popular que na maioria das vezes não tem o costume de ir ao teatro. “É preciso um diálogo aberto para poder falar com todas as classes”, afirma Caio.

Para quem está na rua, a função do teatro é ser antena da sociedade. O produtor cultural e artista circense Sidney Herzog acredita que sair de casa para ir até um teatro ainda é algo elitista e que a arte de rua pode mudar uma parcela da sociedade.

“Para quem passa por uma

Com a peça ‘De Repente Thiago’, da Esquadrilha Marginália de Teatro de Rua (crédito: Eduardo Ferreira) e a contadora de histórias Camila Genaro (crédito: Rodrigo Montaldi Morales)

Segmentos praça com uma roda de espetáculos ou um circo armado, aquela praça nunca mais será a mesma para quem viu. Mesmo que não tenha mais nada montado ali, ela tem um outro valor simbólico”, finaliza.

Um lugar entre duas linguagens | Aos 19 anos, o cubatense Matheus Lípari começou a desenvolver uma pesquisa sobre o teatro performático, segmento que abrange e ao mesmo tempo renova a arte teatral.

“Minha pesquisa me fez perceber que posso ser dono das minhas ações e criações e que em cena posso dizer muito sem usar necessariamente recursos vindos do texto”, destaca o ator, hoje com 25 anos.

Uma das técnicas, por exemplo, dizem respeito ao uso de luzes em cena.

“A performance é um lugar livre para criações. No caso da luz, ela altera o estado de percepção: pode ser usada

para mostrar caminhos ou ressaltar a penumbra”, enfatiza.

Era uma vez | Para quantas sensações e lembranças essas três palavras te remetem?

Dos clássicos infantis até as inúmeras notícias relatadas nas páginas de um jornal: viver é a arte de contar muitas histórias. De vasto currículo na arte cênica, a santista Camila Genaro bem sabe o poder quase mágico que emana das palavras contadas. A mulher que se descobriu artista durante o magistério entende que o ofício vai além do tempo que dura um conto.

“Hoje as pessoas não se escutam mais. Eu acredito e vivencio o fato de que quando estimulamos a imaginação, ganhamos um fio que irá conduzir as pessoas de todas as idades para um lado mais bonito da vida. Para a leitura, para a escrita, para a arte de sonhar... Quando a gente fala ‘Era uma vez’, estamos

Matheus Lípari no Galpão Cultural (Crédito: Matheus Cordel)

transportando o ouvinte para um lugar que só existe dentro dele”, conta.

Através dos tempos, a tradição oral marcou a história da humanidade, estimulando não apenas o ouvir, mas também despertando a imaginação de crianças e adultos.

Apesar de ser um dos mais antigos ofícios do mundo, a profissionalização é um dos obstáculos no caminho dos contadores de histórias.

Mais do que ter um papel fundamental na preservação e transmissão do saber e das manifestações da cultura popular, contar histórias é auxiliar na reescrita de algumas delas.

“Eu tinha um trabalho semanal na Gibiteca de Santos, onde atendia escolas de regiões vulneráveis da cidade. Um dia uma menininha veio animadíssima falar para mim que depois de ter escutado uma das histórias foi na biblioteca da escola e pegou o livro para ler para a irmã mais nova.

Aquilo me emocionou e me emociona sempre que falo, pois aquela criança estava mudando sua realidade, adquirindo um novo hábito e transmitindo para a sua família. É sobre essa magia que conto”, finaliza. ■ Revista Terceiro Ato

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Segmentos

Teatro que transborda

Roberto dirige a Cia Dons em ‘64 - O Canto Calado’ (foto acima, acervo pessoal), enquanto Kelly é arte-educadora (foto abaixo, de Raquel Siebra) Texto: Lincoln Spada

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o circo à dança, as linguagens irmãs-siamesas do teatro por vezes se intercalam nas produções cênicas. Além disso, habilidades como a desenvoltura corporal ou o bom timbre e afinação em musicais ganham pontos entre os atores e demais fazedores de cultura.

Em uma sociedade pós-moderna, que as fronteiras virtuais e científicas se reduzem em lufadas, o mundaréu artístico é ainda mais abrangente que um abraço materno: dificilmente os coletivos não comungam de outros campos artísticos.

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Revista Terceiro Ato

Em Santos há o coro cênico Broadway Voices, enquanto na vizinha São Vicente, os musicais escalam dezenas de jovens atores na Cia Dons de Teatro Musical. A direção é do vicentino Roberto Frantinelli, de 26 anos, que já cursou no TeenBroadway, SP Escola de

Artes, Senac SP, CP Teatro Musical, entre outras escolas especializadas no segmento.

"O teatro musical me permite buscar a 'perfeição' como artista completo, pois me permite usar teatro, música, dança e circo, conhecer um pouco mais sobre o caminho artístico que quero seguir e que hoje se tornou minha profissão".

O seu espetáculo mais recente foi 'O Canto Calado', musical que aborda sobre a ditadura militar.

Tanto essa, quanto outras montagens são inspiradas em uma autodenominada 'insônia criativa'. "Passo a madrugada criando e, quando o Sol nasce, já tenho algo pronto. É algo muito mágico para mim", diz o também diretor da Cia. Lúdicus de Circo. Outra artista que permeia ambos os segmentos é a arteeducadora santista Kelly Jandaia, de 33 anos.

"Comecei a minha carreira artística nas aulas livres de circo na Cadeia Velha [em 2005], e, após oito meses, montamos o

Luana Albeniz (Crédito da foto: Rogério Murilo Mesquita)

grupo teatral Os Panthanas, que misturava as linguagens de rua e circo", relembra a profissional em Educação Física. "Essa experiência foi um divisor de águas nas minhas escolhas", sendo que hoje, como arte-educadora, tem como processo criativo as suas próprias vivências: viagens, exposições, além de filmes, séries e livros.

A performer que denuncia | Por sua vez, a cubatense Luana Albeniz, de 20 anos, já percorreu países na Europa e na América Latina expondo os frutos das artes visuais, teatro, performance, circo e dança, "em que abordo uma pesquisa relacionando o bambolê e a dança contemporânea". Ela, que mais recente assume uma arte-denúncia, iniciou os estudos de música e balé

clássico na ETMD - Escola Técnica de Música e Dança Ivanildo Rebouças da Silva (Cubatão), depois a formação de atriz pelo Teatro do Kaos (também em Cubatão) e a Escola de Artes Cênicas Wilson Geraldo (Santos).

Paralelamente, participou de atividades formativas noutras linguagens, como a Bienal de Performance de Buenos Aires, a residência perfomática do Mirada Festival Ibero-Americano de Artes Cênicas de Santos, convenções de malabares e circo, entre outros. "Meu processo e aprendizado no teatro complementa e compõe a minha visão como performer. A relação com o público e com o meu próprio corpo, a consciência e o domínio do meu corpo e voz.

Não tenho apreço em pensar as artes de forma que não seja integrada".

Luana é enfática. "Sou movida artisticamente

pelas minhas inquietudes internas e sociais, sinto que explodo se não transbordo em arte". Foi assim que criou a performance cênico-circense 'Presente - Relatos de um corpo ausente', entre a angústia que sentiu com o assassinato da vereadora carioca Marielle Franco, um poema virtual de uma amiga, fatos da ditadura militar, e a história por detrás de 'Menino', clássico de Milton Nascimento. "Meus trabalhos se desenvolvem na imersão de, ao menos, dois segmentos artísticos".

O ator que dança | E do Grupo Janela de Teatro, é que o vicentino Lucas Onofre, de 27 anos, abriu seus caminhos para outras artes cênicas, vivenciando o Grupo Vigora de Dança, a Cia 5 e, atualmente, participa da Cia. Etra de Dança. "O teatro é primordial para um artista cênico, em questão de expressões, estudo, dramaturgia. Possui um longo processo criativo e também caminha lado a lado com a dança ao meu ver. Um simples movimento pode ser considerado uma dança".

Lucas complementa: "A intenção que você insere naquele movimento, a forma como você transforma um sentimento em movimento,

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Segmentos rua, este aderindo ao Grupo Adrenalina, dirigido por Ricardo Andrade.

Lucas (acima, acervo pessoal) e Kathlleen (abaixo, foto de Harley David Santos)

gesto, é uma dança. O nosso corpo fala de diversas formas.

Seja pelo olhar como por uma pirueta. Não consigo me ver sem essas duas artes juntas, e por ser ator e performer busco sempre me aperfeiçoar em cursos, oficinas e vivências que me ajudem a continuar amadurecendo e me descobrindo como um artista".

Esta mesma maturidade vai sendo acompanhada por outra jovem, a atriz santista Kathleenn Andrade Kezerle, de 18 anos. Na infância, foi Miss Santos Mirim, 1ª Princesa do Estado de São Paulo e modelo pela Agência By Clô, a partir dos 4 anos.

Logo, passou a fazer comerciais e campanhas publicitárias, rendendo viagens e aprendizados.

Ainda, aos 6 anos, a sua mãe a inscreveu simultaneamente nos cursos de teatro e dança de

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Revista Terceiro Ato

A miss que improvisa | Logo se viu desde as aulas teatrais e de música na UME Olavo Bilac até de teatro e jazz no Projeto TamTam. A partir dos 11, entrou na Tescom, onde logo no primeiro ano ganhou o prêmio de Melhor Atriz no Fescete, em 'Entre Julietas e Catarinas' (2011). É nessa última escola que prefere se especializar no núcleo de teatro musical. No ano seguinte, protagoniza 'O Pequeno Imperador' e 'O Príncipe e a Raposa', ganhando novos prêmios no mesmo festival.

Em sua carreira precoce, ainda atuou em espetáculos de mímica e pantomima, teatro físico e de bonecos.

Desde os 14 anos desenvolve a palhaça Dorine. Mas foi aos 15 que debutou sobre jams de improviso e pesquisas sobre expressão corporal, a partir da oficina da arteeducadora Luciana Raccini.

Desde então, tornou-se intérprete bailarina da Cia. Aplauso Contemporâneo, dirigido por Luciana. "A companhia valoriza a diversidade artística que cada um traz em si, sempre busca o diálogo entre dança, teatro, circo e artes plásticas".

Intérpretes, professores, músico e fotógrafo participam em conjunto de Kathleenn na companhia de dança. 'Algumas cenas e várias vidas', 'Estava Cega' e 'Planet Pink' são algumas das obras em que a artista participa. Ela exemplifica o processo criativo de múltiplas linguagens: "O expressionismo, o teatro do absurdo e o teatro de máscaras são pesquisas frequentes em que desenvolvo para meu trabalho como intérprete-bailarina, tanto na dança contemporânea, como no teatro". Agora, também sonha em se aprofundar na área de fotografia e videomaker. ■

História

Todos os caminhos levam para a Cadeia Velha Texto: Lincoln Spada

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nascedouro da última geração do teatro santista foi a múltipla Cadeia Velha de Santos, enquanto epicentro de uma teia de fazedores culturais, de diferentes segmentos artísticos, programas formativos e de difusão, como festivais, que avizinhados em datas e celas, tornam-se naturalmente o espaço como irradiador das artes integradas.

O edifício primou pela trajetória cultural, principalmente quando se tornou o único brilho na primeira década dos anos 2000. Da decadência até o fechamento por mais de 10 anos do Teatro Rosinha Mastrângelo e a criação da Escola de Artes Cênicas na década seguinte, quando é reconstruído o Teatro Guarany, faz do centro cultural próximo da Rodoviária Municipal como a maior referência para muitos dos artistas, que, na falta de espaços públicos em toda a região, adotam a rua como linguagem cênica.

Jovens do Projeto Guri (Crédito da foto: Sander Newton)

Atualmente sede da Agência Metropolitana da Baixada Santista (Agem), da regional do Projeto Guri, e de oficinas da Secult de Santos, o local tem um versátil repertório de funções sociais desde a sua fundação: Câmara Municipal, presídio, fórum, Tribunal da Justiça, quartel-general e até hospital - durante epidemias na Cidade entre 1872 e 1888. Eis a antiga Casa de Câmara e Cadeia, mais conhecida como Cadeia Velha de Santos.

“Ainda mais, porque é uma construção típica do Brasil, com pedra, cal, argila, areia e melado de cana-de-açúcar”, detalha Lu-

ciana Sans de Menezes, que arquitetou o projeto do último restauro do local (de 2011 a 2016) que guarda muitas memórias em seus 2 mil m², com 20 salas - dessas, 13 ambientes no térreo, sendo oito celas.

Nos idos de cadeia nova | “Na verdade, ela era chamada antes de Cadeia Nova, porque foi a segunda da Cidade”, destaca Luciana. O primeiro presídio de Santos também concentrava os poderes Executivo, Legislativo e Judiciário e foi erguido ainda no século 19, bem na Praça da República, mas demolido em 1870. Assim,

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História

Festivais e eventos de economia criativa ocorrem na Cadeia Velha, como exposições (acima, foto de Sander Newton), circo e audiovisual (abaixo, foto de Adilson Félix).

os serviços do Paço Municipal, da Câmara e do Fórum foram transferidos ao novo equipamento.

Já em 1820, as lideranças da futura cidade (a emancipação seria em 1839) cogitavam a construção de um local ampliado, bem no largo que pertencia aos Andradas.

Em 1831, o projeto original sem autoria previa a cadeia nova com dois pavimentos em todo o prédio, sem os alpendres (sacadas) no pátio interno, sequer janela cen-

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tral na fachada: no lugar, haveria um brasão do Império.

A princesa e a Pagu | Com o decorrer das obras, iniciadas em 1838, o prédio foi ampliado, até ser concluído 30 anos depois. A demora está relacionada com a Guerra do Paraguai. Com os combates, a economia do Império previa poucos recursos para investir, além de transformar o lugar, entre 1865 e 1866, em quartel. Somente a partir de 1870 é que centralizaria os

três poderes. A Princesa Isabel e seu marido visitaram o local em 1888, após a Cadeia Velha presidir manifestações abolicionistas.

Daí a razão da princesa batizar a plenária de vereadores. Mas no decorrer do século 20, o espaço perde gradualmente as funções políticas e policial. Luciana explica o funcionamento do espaço: “Nas Casas de Câmara e Cadeia, era bem comum que nas salas do pavimento superior funcionassem o Legislativo e o Fórum, e o primeiro andar fosse reservados aos presos.

O atual jardim central, no térreo, na época, era o pátio dos prisioneiros”.

Ali esteve a modernista Patrícia Galvão. Pagu foi a primeira mulher presa política no Brasil, em 1930.

Superlotado, com 300 encarcerados para 80 vagas, o prédio se tornou prisão até 1958. Logo, foi desativado, restaurado e tombado como patrimônio histórico em nível federal. Em 1973 e 1974, o espaço também foi tombado respectivamente em níveis municipal e estadual.

A reabertura oficial se deu em 1984, já como delegacia regional de cultura. Exceto durante a reforma entre 2011 e 2016, será o âmbito que exercerá até os dias atuais. ■

Ambientes

Os palcos regionais Texto: Rafaella Martinez

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registro do primeiro teatro santista data de 1830 na rua do Campo, depois Beco do Teatro (atual Rua Riachuelo), em um prédio que na época pertencia à Santa Casa da Misericórdia.

Quase todas as companhias que se apresentavam na capital vinham a Santos e para que as famílias pudessem chegar até o teatro era preciso que os escravos transportassem as cadeiras até o local. Iluminado com velas de cera e candeias de azeite, foi neste espaço, considerado como um “pardieiro” que a história do teatro santista começou a ser escrita.

Fechado definitivamente em 1879 devido às péssimas condições de conservação, o local se transformou em armazém cafeeiro e em loja, até ser demolido em 1940. Quando o Beco do Teatro entrava em sua fase decadente, por volta do ano de 1876, começou a ser sentida na cidade a ausência de um espaço que garantisse boas apresentações e comodidade. Foi assim que começou a ser sonhado o Teatro Guarany.

Teatro Guarany | Em 7 de dezembro de 1882 foi inaugurado na Praça dos Andradas o Teatro Guarany, primeiro palco da cidade destinado a grandes eventos.

Em meados da década de 20, com o surgimento do Teatro Coliseu, o Guarany entrou em decadência. Em 1950, passou por alterações em seu interior, onde foi instalado um cinema, um bar e uma loja. Em 1981, pouco tempo antes do seu centenário, um incêndio de grandes proporções destruiu o imóvel.

Em 1994, as ruínas do imóvel foram arrematadas por um comerciante por R$ 90 mil. Foi somente em 2003 que a Prefeitura de Santos

desapropriou o imóvel e iniciou um projeto de compra e recuperação.

No Guarany atual, duas colunas de ferro e parte da parede do piso superior remontam à construção original. Com capacidade para 340 pessoas, atualmente abriga também a Escola de Artes Cênicas Wilson Geraldo, da Secult. As pinturas são uma obra à parte. A primeira, no teto, retrata uma cena do clássico “O Guarany”, de José de Alencar. A segunda, pouco apreciada pelo público em geral por estar localizada no foyer do segundo piso, é uma releitura do artista Paulo Von Poser para um quadro de Benedito Calixto.

Artistas e estudantes de artes cênicas no foyer do Teatro Guarany (crédito de foto: Bruna Quevedo)

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Ambientes Teatro Coliseu | O Teatro Coliseu, tal como conhecemos hoje, foi inaugurado em 21 de junho de 1924. Sua história, porém, data de alguns anos antes. Em 1887 o local era um velódromo, que permaneceu em atividade até 1903. Em 1909 foi inaugurada no espaço uma edificação de madeira com capacidade para 800 lugares, que serviu para apresentações culturais e manifestações políticas. A edificação deu lugar, anos mais tarde, para um luxuoso teatro, construído em estilo neo-clássico.

Ainda na década de 30, o Coliseu passou a funcionar também como cinema e cas-

sino, atingindo seu apogeu na década de 40, quando recebeu grandes companhias em suas instalações. Nos anos 50, o teatro começa a perder sua força. Em 1967, parte da estrutura foi demolida para a construção de um posto de gasolina. O início da exibição de filmes pornográficos na década de 70 marcou a decadência do espaço.

Tombado pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico, Arquitetônico e Turístico (Condephaat) e pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Cultural de Santos (Condepasa) no fim da década de 80, o imóvel passou a pertencer à prefeitura

em fevereiro de 1993.

Em 1996 foi iniciada uma reforma que durou uma década, sendo o teatro devolvido para a população em janeiro de 2006. Em abril de 2013 o Coliseu volta a fechar as portas, reabrindo onze meses depois, em março de 2014.

Arquitetonicamente o teatro mais completo de Santos, a plateia do Coliseu possui a forma de ferradura, o que permite a observação de todos os detalhes das cenas. O terraço permite visão privilegiada do Centro Histórico de Santos e a cobertura do espaço possui a elegante forma de um piano.

Em 2019 o Poder Públi-

Fotos abaixo e ao lado da abertura do 60º FESTA (crédito de foto: Rodrigo Montaldi Morales

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Ambientes co anunciou a primeira das quatro etapas da reforma do espaço, com investimento de R$ 6,3 milhões em um convênio entre a Prefeitura e o Governo do Estado. A reabertura deve ocorrer em outubro e o término total das obras no final deste ano.

Teatro Municipal Braz Cubas | Inaugurado oficialmente em 10 de março de 1979, ele veio suprir uma carência cultural na cidade: na ocasião, todas as casas de espetáculos existentes eram particulares.

Em 1983, a delegacia de cultura de Santos, sob orientação de Carlos Pinto, promoveu uma oficina de teatro no espaço, reunindo os veteranos do teatro amador. Foi assim que pouco tempo após ser inaugurado, o Municipal passou a ser ocupado pelos artistas da região.

Fechado em maio de 2009 para reforma, o teatro reabriu em 2010 com melhorias, dentre elas a ampliação do número de assentos dos antigos 544 para os atuais 588 lugares. Em julho de 2014, o Municipal foi novamente fechado e reabriu em 2015.

Há um projeto de modernização do espaço aguardando recursos. Enquanto não acontece, a Prefeitura organiza o espaço.

Outros espaços | Em Guarujá, o Teatro Procópio Ferreira foi inaugurado em 15 de dezembro de 1979, passando por uma ampla reforma em 20011. Reinaugurado em abril de 2015, o teatro ganhou um novo projeto arquitetônico e teve seu layout modificado. Ao todo, no ano de 2019 recebeu 191 espetáculos, com uma soma total de público de aproximadamente 36 mil e 900 pessoas.

Outro palco da cidade é o Anfiteatro Ferreira Sampaio, anexo da Escola Napoleão Laureano no Jardim Maravilha. Ocupado desde 2009, tem 110 lugares e atende mais de 300 alunos por mês, distribuídos em 8 cursos.

Em Praia Grande, o Teatro Serafim Gonzalez, inaugurado em 2008, está ins-

talado no Palácio das Artes, complexo cultural de seis mil metros quadrados margeado pela Mata Atlântica. Capaz de de receber em um único espetáculo até 513 pessoas, o espaço tem mais de 1.300 metros quadrados de área e formato retangular que permite uma melhor propagação do som.

No mesmo complexo, foi inaugurado em 2014 Teatro de Bolso Leni Morato. Menor e mais intimista, quando comparado com o Serafim Gonzalez, o palco tem capacidade para 80 pessoas.

O Centro Cultural Raul Cortez de Mongaguá, inaugurado em dezembro de 1996, abriga o Teatro Municipal Ronaldo Ciambroni, com estrutura e capacidade para 320 espectadores. ■

Cortejo das Praiaças no foyer do Teatro Municipal Braz Cubas (acima, foto de Rodrigo Montaldi Morales)

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Ambientes

Cortinas Fechadas Texto: Rafaella Martinez

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ocais completamente abandonados, pichados, depredados e que, inclusive, colocam em risco a saúde pública. O cenário pitoresco poderia compor um espetáculo, mas embora estejamos, sim, falando de teatro, corresponde a uma cruel realidade de alguns espaços culturais da Baixada Santista. Ônibus no lugar de palco | O estimado Teatro Municipal de São Vicente nunca saiu efetivamente do papel.

A obra teve início na gestão Tércio Garcia, em 2009.

Em 2018, a Prefeitura começou a construção da nova rodoviária da cidade na parte frontal do prédio. Afirmou, por meio de nota, que mantém planos de recuperar o espaço e abrir, futuramente, o Teatro Municipal. “A área destinada exatamente ao palco e à plateia foi preservada para a instalação do futuro teatro vicentino”, destacou.

Da cultura para a saúde | Após se arrastar por mais de 30 anos, o que era para ter sido o Teatro Municipal de Cubatão, hoje dá espaço para um Centro de Saúde. Ao lon-

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Início da transformação do projeto do teatro municipal de são vicente em rodoviária (foto: nair bueno)

go dos anos, milhões foram gastos na obra, que permaneceu abandonada e ocupada do início da década de 90 até a destinação final, em meados do ano passado.

Em nota, a Prefeitura afirmou que um novo teatro, dentro do Parque Anilinas, será realidade em breve. A Secretaria de Cultura informa que, após levantar todo o descritivo das necessidades de obras e arquitetônicas do lugar, será aberto processo de licitação para contratar uma empresa que terminará a obra, realizada com recursos próprios e parcerias. O teatro do Anilinas compreende um espaço dentro do Centro Multimídia. Contará com 350 lugares na plateia, cumprindo todas as normas de

acessibilidade e segurança. A previsão é de retomar a obra ainda este ano.

A triste cena do rosinha mastrângelo |O teatro de arena Rosinha Mastrângelo foi inaugurado em 1º de setembro de 1992 no andar térreo do Centro Cultural Patrícia Galvão. Por quase uma década o Rosinha foi ponto de encontro do rock local, além de palco para o início da carreira artística de muitos amadores.

Fechado desde 2009, foram muitas as promessas e paralisações de obras. A nova previsão de entrega é em meados deste ano, após uma parceria com a iniciativa privada que permitirá 100% do teatro modernizado. ■

Ambientes

Espaço é um lugar praticado Texto: Rafaella Martinez

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frase do livro ‘A invenção do Cotidiano', de Michel Certeau, define com exatidão o movimento que gradativamente ganha espaço no teatro santista. São muitos os motivos que podem justificar a migração da arte cênica para espaços alternativos.

O diretor André Leahun lida com teatro em Santos desde 1985 e viveu essa transição. Para ele, a insistência e a persistência são os motivos que fazem Santos ter um movimento teatral forte e atuante. Leahun acredita que a arte não precisa do espaço físico teatro para acontecer.

“Ainda está no subconsciente humano que teatro é algo elitista, pois a imponência do espaço tradicional assusta e nossa sociedade é, por si só, extremamente preconceituosa”. Para o diretor, a classe teatral santista está modificando essa ideia de forma inversa: ir até as pessoas e oferecer a possibilidade delas conhecerem em diversos outros espaços as produções culturais da cidade.

A experiência Tescom | Localizado na Avenida Conselheiro Rodrigues Alves, o TESCOM é um espaço que reúne as praticas artísticas, educativas e sociais. Enquanto coletivo, é oriundo do Grupo Teatral “Uma Mão Com Mel” dirigido por Iracema Paula Ribeiro, tendo o início de sua carreira em 1976. Atualmente, o espaço cultural promove encontros,

debates, workshops, projetos sociais e cursos livres.

Comandada pelos artistas Pedro Norato e Karla Lacerda, a escola já preparou mais de 1000 alunos e mantém em sua filosofia de trabalho, um curso voltado para a formação do ator, atuando com a expressão corporal, vocal, técnicas de atuação e estudos, características para o profissional da arte.

Sala Iracema Paula Ribeiro do Tescom, onde há mostras e aulas (foto abaixo, crédito da foto: Denise Braga)

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Ambientes 17 anos de arte e cultura em Guarujá | A Casa3 desenvolve atividades na área de artes cênicas na cidade de Guarujá. A escola surgiu do encontro de três artistas: Kadu Veríssimo, Marcelo Wallez e Tânia Mastroeni que celebraram a amizade e a profissão, através da criação do espaço.

Na escola são desenvolvidas atividades formativas em cursos de teatro, ballet (formação), jazz, sapateado, canto, dança de rua e dança contemporânea.

Os cursos são livres e despertam nos alunos a apreciação estética e cultural, possibilitando também a entrada no universo artístico, seja desenvolvendo carreira em teatro, cinema ou TV. Única escola de teatro em Guarujá, a Casa3 de Ar-

tes proporciona aos alunos a interação com linguagens diversas, possibilitando uma formação mais abrangente em arte.

Marcelo Wallez e Kadu Veríssimo, além de gestores do espaço, são atores e atuantes no Movimento Teatral de Guarujá, tendo desenvolvido em 13 anos de parceria diversos projetos culturais e estreado 25 espetáculos.

Teatro à serviço da cidade em Itanhaém | Há 29 anos, Silvio Luís Guimarães de Mello une teatro e cidadania para transformar a vida de crianças e adolescentes em situação de vulnerabilidade de Itanhaém através do Teatro Galpão.

Trabalhador do teatro há mais de 40 anos, ele acredita que o teatro deve transfor-

mar quem o faz e quem o vê.

“Não ministramos apenas aula de teatro. Trabalhamos com a educação e com o pensar, promovemos debates para que nossos alunos tenham consciência”, conta.

A sede do grupo – que ministra aulas para alunos de 9 a 17 anos de forma totalmente gratuita – é custeada por Silvio e sua esposa, através do trabalho dela e da venda de livros. Quando o grupo precisa se deslocar, começa uma vaquinha para custear o transporte.

Com um acervo com mais de 2 mil peças e uma média de 8 espetáculos por ano, já passaram pela porta do Galpão mais de 3.500 crianças de bairros carentes de Itanhaém. “Muitas vezes o nosso trabalho não aparece, pois é algo desenvolvido para e com a periferia. Teatro é coisa séria e que pode mudar realidades”, finaliza.

Uma morada para cultura no coração do Anilinas | Fruto dos anseios do Coletivo 302, o Galpão de Experimentos de Artes é um espaço de congraçamento social no coração do Novo Anilinas. Localizado no final do parque, ocupado anteriormente para o desempenho de funções burocráticas, é fruto de uma parceria com o

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Ambientes Poder Público Municipal, que concedeu a permissão de uso de ambiente coletivo.

“O Coletivo 302 existe desde 2014. Somos frutos do Teatro do Kaos e após a formação no curso passamos a nos reunir em espaços alternativos para ensaiarmos e percebemos que precisávamos de um espaço para os ensaios e apresentações”, enfatiza Sander Newton, integrante do coletivo. Atualmente no Galpão acontece mostras de teatro, saraus e encontros. janela de acesso | Trabalhar com a inclusão social é o objetivo da ONG TAMTAM, que por décadas ocupa o terceiro piso do Centro Cultural Patrícia Galvão, em um espaço alternativo chamado Café Teatro Rolidei.

A origem do grupo reforça ainda mais o poder de transformação que está atrelado ao teatro: o projeto teve início na extinta Casa de Saúde Anchieta, a face santista do horror que traduzia as clínicas de saúde mental.

A maior parte dos alunos possui atestado de capacitação profissional junto ao DRT. São profissionais e como tal precisam evidenciar isso nos ensaios. Em cena, narram através de seus corpos um mundo indigesto,

Coletivo 302 apresenta no galpão cultural de cubatão (ao lado, foto: jade oliver) ; acima, a professora Fábiola Moraes com alunos de Artes Cênicas na Casa3 (Crédito da foto: Eduardo Amaro)

arruinado pela ação do homem. Fora dela, sabem perfeitamente bem que o teatro é a ‘janela’ de entrada para um mundo que insiste em lhes fechar as portas.

Hoje, 30 anos depois, longe da Casa de Saúde Anchieta, mas ainda fiel à origem, não existe qualquer rótulo ou estereótipo. O teatro é trabalhado para pessoas com deficiência e demais públicos.

"Naquela ocasião, dentro de um sanatório ou aqui, vivendo de fato a inclusão, percebo que apenas a arte é capaz de resgatar aqueles que foram deixados para trás pelo sistema", conta o fundador Renato Di Renzo.

De mãos dadas em são vicente | Um ambiente democrático e colaborativo, onde artistas das mais diversas áreas possam desenvolver seus projetos sem as distrações de espaços públicos e a preços populares: essa é a ideia do espaço ‘Amigos da Cultura’, em São Vicente Instalado em um sobrado na Avenida Capitão Luiz Hourneaux, 507, no Jardim Paraíso, o equipamento conta com palco em três níveis, biblioteca e salão de balé no piso superior. No espaço também são ministrados cursos de teatro, música, dança, técnicas de som, luz e audiovisual. ■

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Tanah Correa:

“A preparação de um ator exige uma experiência que só o palco dá” Textos: Rafaella Martinez Vicentini

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uando recorro à minha memória afetiva, lembro-me que minhas tias encenavam pequenas peças e contações de histórias dentro de casa. Minha mãe também cantava óperas e meu avó pintava e tocava piano e violão. A maioria das imagens que tenho guardadas na mente são de espetáculos teatrais, logo na minha primeira infância.

Sempre trabalhei na área teatral. Comecei no teatro amador estudantil e na vida adulta. eu sobrevivia como técnico de processamento de petróleo na refinaria da Petrobras

de Cubatão. Porém, fui demitido por motivos políticos e perseguido pelo DOPS (Departamento de Ordem Política e Social), órgão do governo cujo objetivo era controlar e reprimir movimentos contrários à ditadura.

Então decidi procurar trabalhos na área teatral em São Paulo. Meu primeiro emprego remunerado foi como assistente de direção do espetáculo ‘O Santo Inquérito’, com produção de Flavio Rangel e com a Regina Duarte no elenco.

Me orgulho de ter trabalhado com muitos profissionais do teatro e acredito que aprendi muito mais do que ensinei.

Trabalhei c o m Umberto Magnani, J o ã o Fonseca, M a r c o Antonio Rodrigues,

Perfil Renata Zhaneta e com Plínio Marcos, além é claro, com meus próprios filhos.

Todos, em algum momento, fizeram teatro comigo.

Fui um dos incentivadores da criação da Secretaria de Cultura enquanto estava como assessor do gabinete de Educação durante o governo do prefeito Osvaldo Justo.

Uma das nossas maiores metas foi privilegiar e apoiar produções da Cidade.

E não somente no teatro, como também na música, cinema e dança. Lembro que mais de 40 grupos estavam em atividade naquele tempo. Bem, falavam que eu era muito populista. Mas, mesmo se fosse verdade, acredito que foi um período positivo pois conseguimos retomar o FESTA e vários espetáculos daqui saíram em turnê pelo País. É preciso desenvolver espetáculos de todas as formas de atuação teatral.

Agora, o teatro começou na rua. E ele consegue alcançar alguém que não está com o objetivo de assistir a uma peça, mas que acaba se encantando pelo enredo.

Mas reitero: é preciso olhar para ambos com cuidados e critérios iguais. ■

Tanah dirigindo nova versão de ‘Navalha na Carne’ (acervo/divulgação)

Perfil

Kadu Veríssimo:

“Ator e espectador precisam estar sob a mesma luz, a poucos metros de distância”

N

asci em Santos, mas morei minha vida inteira no Guarujá. E lembro que tinha por volta dos 11 anos quando entrei em contato com atividades artísticas através da escola.

Descobri também o gosto pelo traço. Passei a desenhar e a escrever bastante.

Busquei estudos na área e me formei em Artes Visuais (Unisanta, 2009). Ao mesmo tempo, comecei a fazer cursos de interpretação pensando em ser ator. Mas quis fazer outras coisas, não parecia suficiente. Hoje em dia, dirijo mais do que atuo.

Acredito que, nas artes, uma atividade complementa a outra. E quando você está produzindo um espetáculo.

acaba envolvido com tudo relacionado a ele. É uma causa que defendo nas oficinas que ministro: o fato de o ator ser também o criador, um profissional que deve participar de todo o processo artístico. Não não acredito mais naquilo de ser só ator, ainda mais se falarmos na questão financeira. Tem que saber fazer outras coisas para se virar no meio artístico.

Quando ando na rua, tudo para mim vira história ou personagem. E gosto de contar a história do outro, seja ele quem for. Uma das peças mais desafiantes foi o 'Projeto Bispo', pois aconteceu no meio de um processo de amadurecimento.

Foram

Kadu, à esq., dirige ‘Zona!’ (Foto: Rodrigo Montaldi Morales)

um ano e dois meses de processo, uma preparação considerada até que bem longa para quem faz teatro aqui. Outro que mexeu muito comigo foi 'Camille Claudel'. que estreou em 2005, foram quase dois anos de ensaio.

Esses trabalhos, que exigem mais concentração, estudo e um mergulho no assunto me dão muito mais prazer.

Percebo que a presença do público é maior quando a peça tem um ator conhecido, global. O teatro causa uma dúvida nas pessoas do que irão encontrar.

Então, quando existe este apelo televisivo, há mais interesse.

Uma coisa que eu senti com o 'Projeto Bispo' foi que muita gente jovem, que não tinha costume de ir ao teatro, teve interesse. Rolou um boca a boca que ajudou na divulgação. Diziam que era uma peça estranha. com gente doida e acontecia no meio da rua. Essa estranheza chamou a atenção.

Penso que ator e espectador precisam estar sob a mesma luz, a poucos metros de distância. E o legal é o imprevisto. Se começa a chover ou alguém desmaia, eu não vou fingir que nada aconteceu. Você aprende a incorporar essas situações inesperadas ao o que você propõe em cena. ■ Revista Terceiro Ato

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Ambientes

Texto: Lincoln spada

A

Quando a Pedagogia alcança o palco

s artes cênicas como ferramentas pedagógicas são tão comuns quanto às encenações infantojuvenis de fábulas da Disney nos auditórios escolares.

Jogos de improviso, dramatizações e técnicas de respiração e expressão corporal são algumas das atividades do teatro que são herdadas no dia a dia de quaisquer colégios. Você mesmo se

lembrará de algum fato que envolva tal fé cênica na sua antiga sala de aula.

Na Baixada Santista, há colégios tradicionais em montagem de espetáculos, como o COC Novo Mundo (Praia Grande), o Colégio do Carmo (Santos) e a Escola Verde que te quero Verde (São Vicente). Por outro lado, também estão abertas as portas de escolas de teatro, como a Casa3 (Guarujá), o Tescom (Santos) e o Teatro do Kaos (Cubatão).

O panorama chega a universidades santistas, como o Gextus na Unisantos, o TEP na Unisanta e um cur-

so profissionalizante de atores no Senac. Ainda, o Poder Público oferece cursos livres sobre o segmento.

Em Cubatão, cabe à servidora pública e arte-educadora Vanessa Souza idealizar, conceber e montar uma sala teatral no Centro Multimídia do Parque Anilinas, desde 2014, para lecionar artes cênicas gratuitamente para crianças até idosos - são mais de 100 alunos ao ano. Um dos legados é a criação no núcleo Cabras Cegas, de crianças interpretando peças anti-bullying e fábulas, que circulam na rede municipal

Alan Queiroz

sete turmas, mais da metade são idosos. Ao todo, leciono para 130 alunos, a mesma quantidade da Selma Bosch, que também dá aulas no PDA.

Você leciona teatro há quanto tempo? E há quanto contribui no Núcleo de Artes do PDA? Em média, qual é a faixa etária e quantidade de alunos ou turmas?

Crédito: Yvonne Guerin

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Leciono teatro há 13 anos, no Palácio das Artes (PDA) estou desde 2016. Atendemos a partir dos 14 anos, e temos alunos de várias idades, até com mais de 70. Aliás, temos muitos alunos da terceira idade, acredito, que nas minhas

Geralmente, cursos livres têm grupos muito heterogêneos.

Quais as razões mais comuns que você observa para alguém estudar teatro?

Muito heterogêneo, mesmo, em especial no PDA os motivos divergem pela idade. Os adolescentes vêm com o sonho de ser um ator famoso e global. Mas a

Vanessa Souza com alunos na conclusão anual das suas turmas de teatro (foto: Sander Newton)

de ensino.

Já em Praia Grande, há um núcleo de pesquisa teatral bem no Palácio das Artes, em que funcionários

dirigem e ensinam dezenas de alunos via cursos livres, em turmas para diversas faixas etárias. Um dos responsáveis pelo êxito do

projeto municipal, o diretor Alan Queiroz, concedeu entrevista abordando sobre a trajetória dessa iniciativa que completa 10 anos.

grande maioria vê o teatro como uma fuga dos problemas ou como um momento particular seu, uma atividade para ativar o corpo ou o cérebro. Temos pessoas que antes de começar a fazer teatro estavam em suas casas com depressão e hoje passam longe de remédios.

exigir um pouco mais, então trabalhamos por linguagens. Outras, que estão “engatinhando”, trabalho mais o processo de iniciação com temas e, à medida que evoluem, passo para as linguagens.

Trabalhamos muito o processo de construção de personagens nas mais variadas formas.

passam pelo palco.

Nas aulas, como se dá o planejamento do curso e como você avalia a evolução dos alunos?

Quando alguns começam a se destacar, são incluídos em grupos que fazem itinerância. Já os demais entram em cenas e espetáculos que ficam em cartaz no PDA. Todos em algum momento são inseridos em espetáculos e

Costumo planejar de acordo com a turma. Tem turma que posso

Poderia descrever um momento na classe ou comentário de um aluno que mais lhe marcou enquanto docente na área teatral?

Teve uma aluna que relatou que desde que o marido faleceu, ela se encontrava em casa deprimida, por quase cinco anos. Aí a vizinha dela fez a matrícula dela no PDA e a “obrigou” a vir. Resultado é que hoje ela faz parte do nosso grupo itinerante, fez turnês com a peça e passa longe de remédios.

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Ambientes

Mostra estudantil do Teatro do Kaos (acima, foto de Sander Newton) e conclusão dos alunos da EAC (abaixo, foto da EAC)

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Década de Referência | Por sua vez, Santos se tornou referência com a Escola de Artes Cênicas Wilson Geraldo, que já celebrou uma década formando atores profissionais da região no Teatro Guarany.

“Leciono teatro há 31 anos e coordeno a EAC desde 2015”, comenta a artista Renata Zhaneta.

“A faixa etária predominante é de 17 a 22 anos.

As disciplinas são: interpretação, expressão vocal, expressão corporal, história e teorias do teatro, com avaliações teórica e prática”.

A implantação do modelo profissionalizante veio do saudoso Roberto Peres, antecessor de Renata: “Com isso, a EAC se igualou aos melhores cursos de teatro da capital. Nossos ex-alunos estão inseridos não só no teatro, mas também no cinema e na dança”.

Desde 2016, a escola está conveniada com o Sindicato dos Artistas, propiciando o registro profissional de ator aos formandos - atualmente, há cerca de 120 alunos com tal formação gratuita. ■

Ambientes

Da Baixada para os confins do País Texto: Rafaella Martinez Vicentini

C

ruzar os limites da cidade e levar a arte para os confins do Brasil: essa é a sina de projetos da Região que utilizam Políticas Públicas Culturais, tais como editais e legislações específicas. No total, cerca de 500 municípios brasileiros já receberam a visita do projeto santista Teatro a Bordo e as apresentações cênicas do Widia Cultural, de Santos.

Há doze anos nas estradas, a ‘Caixola’ de aço do Teatro a Bordo transporta riquezas imateriais tais como apresentações, intervenções artísticas e oficinas educativas para regiões de um Brasil que muitas vezes o próprio Brasil desconhece.

A ideia de transformar um contêiner comum em palco, utilizando os mesmos recursos cênicos dos espaços convencionais, surgiu em 2007, durante um curso de Gestão Cultural que a atriz Talita Berthi frequentou. A proposta final do projeto era mapear e propor soluções para as necessidades culturais da

região. “Um dos maiores empecilhos na Baixada Santista é a deficiência de espaços culturais para apresentações. O uso de espaços alternativos é uma opção, mas sentia falta da qualidade técnica e dos recursos cênicos disponíveis nos espaços convencionais.

Não fazer a estética própria do teatro de rua e sim levar o teatro para a rua”.

A produtora acrescenta que o uso do contêiner é baseado principalmente no fato da caixa de aço ser um símbolo de troca. “Nessa nova circulação, não chegamos com o espetáculo pronto. Conversamos e conhecemos a população para poder assim dar voz ao público, que está convidado a interferir na cena”, afirma.

Com o passar dos anos e após visitar mais de 400 cidades brasileiras o projeto passou por diversas adaptações. “Hoje, com o imediatismo, precisamos pensar em novos formatos e em um espetáculo mais dinâmico.

Uma coisa, no entanto, não mudou: pelo menos metade de quem entra na nossa tenda nunca foi ao teatro e essa é a magia da itinerância. Precisamos criar plateias pelo Brasil e reforçar a importância da arte. Quando vamos embora a história fica naquela praça”, aponta o produtor Douglas Zanovelli.

Desde 2015 a arte do teatro a bordo anda de mãos dadas com a sustentabilidade. O sol, companheiro de viagens, é hoje o responsável pela iluminação cênica do contêiner-palco, a partir da instalação de módulos fotovoltaicos.

“Aliamos passado e presente. Nos inspiramos nas trupes de commedia dell’arte, que cruzaram a Europa entre os séculos XV e XVIII em carroças e, muitas vezes, criavam efeitos de luz em seus espetáculos com o sol de mãos dadas com o público e com a sustentabilidade (crédito: Sandro Lopes)

Ambientes refletido em espelhos. Além disso, a equipe técnica não precisa se preocupar com a busca por pontos de energia em bairros mais afastados que visitamos. Essa é a função da arte: apontar novos caminhos”, pondera Douglas Zanovelli. “Além de ser muito inspirador contar com a presença do sol durante a noite, estamos utilizando energia limpa, aliando arte e sustentabilidade na democratização do acesso à cultura”, completa Talita.

Pelo tamanho do projeto, o Teatro a Bordo funciona à base de leis de incentivo.

“Como fazer um projeto dessa estrutura e que seja gratuito para a população? Ele sempre foi um projeto penprojeto Teatro a Bordo leva artes às cidades (Fotos de Rodrigo Montaldi Morales e sandro lopes)

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sado para ser parte de políticas públicas de democratização de acesso à Cultura. A população precisa conhecer os benefícios da legislação e também a rigidez dela. Para ser aprovado e executado, o projeto passa pela mão de muita gente e há diversas prestações de contas, tanto para o Governo quanto para

o patrocinador. E qualquer pessoa pode acompanhar esse caminho que o dinheiro público faz nas plataformas digitais”, destaca Talita.

A mesma ideia é defendida pelo diretor Platão Capurro Filho, que já circulou por mais de 50 cidades do Estado amparado pelos editais do ProAC – Programa de

Ambientes Ação Cultural do Estado de São Paulo. Ele acredita, no entanto, que as oportunidades estão sendo limitadas.

“A verba disponibilizada não comporta a demanda de projetos inscritos.

Estamos acompanhando uma queda significativa no número de projetos aprovados e a junção de várias categorias distintas em um mesmo edital. Isso está dificultando o trabalho dos artistas”, conta.

Dentre os aspectos positivos, Platão reforça a importância de ‘estar onde o público está’ – e onde a arte geralmente não chega.

“Sempre procuro levar os espetáculos para regiões com baixo IDH, com população menor que cinco mil habitantes e preferencialmente

em zonas rurais. A presença do teatro é algo que impacta diretamente na vida dessas pessoas”, afirma.

Desafios | Para possibilitar a itinerância dos projetos, cada mecanismo tem suas contrapartidas e suas próprias formas de execução.

Enquanto a Lei de Incentivo à Cultura funciona via renúncia fiscal – onde pessoas comuns e empresas podem abater o valor destinado do Imposto de Renda -, o ProAC

projeto ‘Meu quintal é maior do que o mundo’ circulou por cidades do estado; abaixo, o diretor platão capurro filho (fotos de Rodrigo Montaldi)

possui duas possibilidades: editais específicos ou ICMS, que também funciona com incentivos fiscais.

Platão acredita que o principal desafio após a aprovação é a conciliação das agendas com as Secretarias Municipais e os atores envolvidos, situações naturais dentro de projetos itinerantes.

Já Talita destaca a importância de aliar as expectativas do projeto com os anseios dos patrocinadores.

“Entendemos que há um tripé: Lei, Artista e Empresa. O patrocinador na maior parte das vezes tem o desejo de atuar nos espaços onde está inserido e dentro desse cenário buscamos a interlocução para ir onde geralmente a arte não chega”, finaliza. ■ Revista Terceiro Ato

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Perfil

Visitando

o Senhor

Mamberti Texto: Lincoln Spada Foto: Raphael Montanaro

A

vizinhança em Santos felicitou extraordinariamente a amizade entre uma mulher de mais de 50 anos e um adolescente de 14, 15 no mais tardar. Era o ano de 1954.

“Todo mundo falava que ela era comunista, porque tinha sido presa no período da ditadura [de Vargas]. E aquela mulher estranha de repente apareceu no Clube de Cinema de Santos, e nos tornamos amigos. Todo dia que ela ia para o cineclube, passava em casa para me buscar”, detalha Sérgio Mamberti sobre as suas primeiras impressões de Patrícia Galvão. “Sim, a Pagu foi minha amiga de infância”.

O relato foi à Leda Nagle no último setembro, onde abordou sobre o seu ingresso ao mundo das artes ao lado do saudoso irmão mais novo, Cláudio Mamberti (19402001), ator de cinema, teatro e TV. Filho de um agitador cultural e uma educadora, Sérgio passou a infância sendo cativado pelas peças de Procópio Ferreira, no clube dirigido por seu pai na Cidade. Cresceu

Perfil com Bibi Ferreira, Cacilda Becker, Cleyde Yáconis e uma geração de grandes nomes do teatro. Na vida, já se encontrou com Jean Genet e os filósofos Jean-Paul Sartre e Simone de Beauvoir. Mas confessa que o seu repertório cultural foi com Monteiro Lobato, ainda na primeira infância. “Fui formado no ‘Sítio do Pica-Pau Amarelo’, que vejo como formação nobre”, diz à apresentadora.

Daí o seu encanto diante do papel de um bruxo de três mil anos: o Victor Astrobaldo Stradivarius Victorius, o Tio Victor do célebre ‘Castelo Rá-Tim-Bum’.

O programa infantil da TV Cultura teve estreia em 1994 e já foi exibido em 16 países da América Latina, a maior parte via canal Nickelodeon, rendendo prêmios até em Nova York. “Foi o meu maior legado, porque pegou gerações. É um coisa, assim, das pessoas me encontrarem e chorarem: ‘Você faz parte da minha vida, da minha infância. Se sou quem sou hoje, é por sua causa’”.

Sérgio se comove na entrevista. “Isto é a coisa mais importante, porque acho que aí a gente cumpre esse papel, essa função social do ator”, enfatizando que o programa educativo primava pela formação de cidadãos. Ator

Com Emilio Orciollo Netto na novela ‘Sol Nascente’ | Crédito da Foto: Grupo Globo

profissional desde 1962 com ‘Antígone América’, reúne mais de 80 peças, 50 filmes e 30 telenovelas em sua trajetória, Sérgio teve outros personagens marcantes.

Principalmente na TV, desde que estreou em ‘Brilhante’ no Grupo Globo (1981) como Galeno Sampaio. Em ‘Vale Tudo’, foi Eugênio (1988) e mais recentemente, em ‘Sol Nascente’, interpretou Manfredo (2016). Até está em cartaz na Netflix, como Matheus na série ‘3%’ (2016).

O diplomata da Cultura | “E o que é cultura?

Tem uma coisa nos faz como

brasileiros, que é justamente o cultivar dessa riqueza das etnias que contribuíram para a nossa identidade múltipla. Então, o brasileiro acolhe quem vem do exterior e logo a pessoa também se sente brasileira nessa comunicação muito cordial.

Sim, a gente tem uma barra pesada na nossa história, no tempo colonial, a gente sabe que tem uma herança da escravatura que ainda está muito presente. Mas, há uma cordialidade, uma alegria que não se encontra noutros países”.

Se o sonho de sua família era que fosse diplomata, SérRevista Terceiro Ato

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Perfil gio desempenhou esse papel a partir da Era Lula. Até o impeachment de Dilma, foi titular da secretaria nacional de Música e Artes Cênicas, a da Identidade e da Diversidade Cultural, a de Políticas Culturais e presidiu a Fundação Nacional das Artes. Na

Funarte, foi responsável pela itinerância da entidade pelo Brasil, alcançando a descentralização de representações em quatro das cinco regiões - exceto o Sul brasileiro.

Já no Ministério da Cultura, chefiou missões em prol do intercâmbio cultural com

Com Zé Celso Martinez durante Prêmio Arcanjo de Cultura no Theatro Municipal de SP (Foto acima: Edson Lopes Jr.) e durante sessão de ‘O Ovo de Ouro’ (Foto abaixo: Leekyung Kim)

a América Latina - “existe uma coesão muito nítida do continente” -, e participou de todas as reuniões relativas à proteção e conservação do patrimônio natural e cultural realizadas pela Unesco. “Fiquei seis anos cuidando de políticas para os povos indígenas. Não sabia que o Brasil tinha 227 etnias e 180 línguas falantes. Depois do meu trabalho, mais de 100 etnias foram apresentadas [ao Ministério da Cultura]”.

O artista e político ressaltou em entrevista à Carta Capital, em julho de 2019: “Fizemos quatro grandes conferências nacionais, onde foi criado o Sistema Nacional de Cultura, e o fomento passou a ser uma questão fundamental. Todo um processo de um SUS da Cultura, tudo isso está sendo desmontado”. Como futuro, desafia que o atual governo retome as discussões do projeto ProCultura, estagnado no Congresso Federal.

Frente contra o desmonte | “Existe uma política de extermínio cultural, de fazer como que a cultura perca seu papel de agente transformador, sendo que há um desmonte sistemático de todas as conquistas dos últimos anos”, denuncia o diretor teatral.

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O Pós-MinC Entre maio de 2016 a fevereiro de 2020, a ex-global Regina Duarte é o 9º nome entre ministros e secretários nacionais de Cultura. Ela sucede Roberto Alvim, que não durou três messes no cargo após rápida ascensão hostilizando publicamente Fernanda Montenegro, entre outros artistas. A queda se deu devido à pressão da Confederação Israelita, quando em vídeo institucional, o ex-secretário fez um discurso que emulava o nazismo.

“Emular a visão do ministro da propaganda nazista de Hitler, Joseph Goebbels, é um sinal assustador da sua visão de cultura, que deve ser combatida e contida”, disse em nota a entidade. “Uma pessoa com esse pensamento não pode comandar a cultura do nosso país e deve ser afastada do cargo imediatamente”. Autoridades do Judiciário e Legislativo estiveram do mesmo lado da Embaixada da Alemanha no Brasil: todos repudiaram a fala que copia o discurso nazista.

Em menos de um ano, o ministério foi transferido como braço do Ministério da Cidadania e até à época de Alvim, encontrava-se subordinado ao Ministério do Turismo, onde o titular da pasta, Marcelo Álvaro Antônio, é alvo de investigações em relação a um eventual laranjal mineiro do PSL, durante as eleições de 2018. Na primeira pasta, a Lei Rouanet foi atualizada com mais contrapartidas sociais, embora barrando o segmento de musicais com o teto de valores. Mas, em vista da rede de equipamentos públicos culturais e as próprias produções financiadas via Lei Rouanet terem apelo turístico, até então a secretaria se configura ao atual tal órgão.

Como o personagem Tio Victor do clássico programa infantil ‘Castelo Rá-Tim-Bum’ | Crédito da Foto: TV Cultura/Divulgação

Aos 80 anos, o artista não vê de modo pessimista o futuro da cultura, embora tenha perdido prestígio, status ministerial e várias produções e artistas tenham sido alvo de censuras e boicotes em eventos pelo país.

“A cultura já começou a ir para as ruas, mas concordo que tem que avançar mais (...). Acho que a cultura tem de assumir essa liderança, e tem de estar com a classe trabalhadora. Precisamos olhar para trás e aprender um pouquinho. Os estudantes foram fundamentais (na resistência à ditadura civil-militar).

E temos os movimentos do campo, como o MST que é revolucionário, e o MTST. Falta juntar tudo isso. Acho que os elementos estão aí. A cultura é o elemento aglutinador desse processo”.

Para a Carta Capital, Sérgio complementou da tendência de um desmonte das políticas culturais desde a gestão Temer (2016). “Não acredito que essa tempestade vai durar muito tempo”, prevê o santista em conversa com o jornalista político Bob Fernandes, em maio de 2019.

O seu anseio era o da retomada das políticas culturais, Revista Terceiro Ato

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Perfil em especial, a substituição da Lei Rouanet pelo ProCultura.

“Que procurava contornar determinadas distorções, que consideravam fundamentais para a gente combater, que era a concentração [de verbas] no Sudeste”.

No novo programa, “metade da Lei Rouanet seria utilizado para editais diretos (...), e a outra metade as pessoas podiam utilizar o mesmo mecanismo atual, mas com uma pontuação”. A depender dos critérios de acessibilidade e contrapartidas, “a empresa não precisaria investir nenhum percentual, ou além de ter o subsídio [renúncia fiscal], ela teria que fazer também uma inversão, utilizando de recursos diretos [privados]”.

Livro, mostra e espetáculos | Se não há o que comemorar na conjuntura política atual, Mamberti festeja os seus 80 anos nos palcos.

Na Baixada Santista, foi Herodes na 51ª Paixão de Cristo de Cubatão. Na China, interpretou Sr. Green, no clássico “Visitando Sr. Green”, em cartaz há cinco anos sob a direção de Cássio Scapin, amigo desde os tempos da TV Cultura. “Meu personagem é um velho judeu, que a mulher morreu e está muito solitário. Ele vai atravessar a

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rua e é quase atropelado por ra Sesc, escrita em parceria um jovem executivo, que é com Dirceu Alves. obrigado a prestar serviços Nos palcos, o homenacomunitários e vem visitá-lo geado com a Ordem de Mésempre às quintas-feiras”, rito Cultural já colecionou comenta à Regina Volpato os prêmios Saci (1964), Godurante junho de 2019, no vernador do Estado de São Programa Mulheres.

Paulo (1969, 1975), Molière Ainda, em dezembro es- (1975), APCA (1975, 1989), treou ‘O Ovo de Ouro’, sobre Mambembe (1995), Sharp um sobrevivente do campo (1995), Lumière (1998), ende concentração, que relata, tre outros. Graduado na Esjá na velhice a uma repórter, cola de Arte Dramática da que participou da cruel fun- USP (1961), destaca-se no ção do Sonderkommando teatro com ‘O Balcão’ (1969), - grupo de prisioneiros que ‘Réveillon’ (1975) e ‘Pérola’ trabalhavam nas câmaras (1995). “O teatro se mantém de gás e nos crematórios. A há mais de dois mil anos porpeça tem direção de Ricar- que não há nada que subsdo Grasson e texto de Lucas titua essa relação. Não há Papp. Nas artes plásticas, re- Internet, não há tela. É resviu sua memórias na exposi- piração com respiração. E é ção ‘Comandante Mamberti’, isso que faz do teatro uma idealizada por Regina Boni. experiência maravilha”. ■ Também em breve, o artista, que concebeu uma instalação no paulistano restaurante Ritz e tem uma estrela na Calçada da Fama do santista Cine Roxy, lançará sua autobiografia Com Rodrigo Lombardi na peça ‘Um Panorama pela Editovisto da ponte’ | Crédito da foto: Alê Catam

Diário Cênico 14 de março de 1886

Palco dos Boêmios Libertários Textos: Lincoln Spada Foto: FAMS/Divulgação

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data foi celebrada por duas mil pessoas no Teatro Guarany, em vista que o presidente da Câmara de Santos, major Joaquim Xavier Pinheiro, fundou uma sociedade para comprar escravos santistas e lhes dar a alforria nos palcos. Uma dezena foi liberta nessa noite, em uma época que já estavam livres os idosos e recém-nascidos. Santos era um município distinto: metade dos 6 mil habitantes eram negros; não à toa a cidade mantinha quilombos, como o de Quintino de Lacerda, no Jabaquara, e o de Pai Felipe, na Vila Mathias.

De acordo com pesquisas acadêmicas e históricas, há três versões para a eclosão de movimentos contra a escravização de negros entre as classes mais abastadas.

Alguns indicam um legítimo anseio de uma geração de jovens intelectuais pela liberdade de todos os cidadãos, outros de que a elite preferia o embranquecimento demográfico com a futura vinda de mão-de-obra europeia

para o país marginalizando os ex-escravos. Há ainda quem anote nos quilombos locais uma forma de apropriação da elite que colaboraria aos quilombos em troca de serviços domésticos dos supostos beneficiados.

Fato é que ao passar dos anos, as páginas de jornais amarelaram convencionando os movimentos abolicionistas da Cidade como representações do mais alto quilate cívico, afinal, por se oporem à maior tragédia do passado nacional. Em 1881, o mais famoso e descentralizado coletivo ganhou as ruas de Santos, a Bohemia Abolicionista. As reuniões diárias eram nos bancos dos jardins ou numa residência na Praça Rui Barbosa.

O movimento reunia o ex-marinheiro Eugênio Wansuit e o advogado Rubim César, ambos os mais eloquentes oradores entre os pares. O motim ideológico também vinha na forma de 15 jornais, manuscritos ou folhetins, como O Embrião, O Porvir e O Pirata. De tons panfletários, os textos mais ilustres pertenceram ao poeta Vicente de Carvalho. A

dramaturgia se fez presente nos textos de José Sacramento Macuco, que dá nome ao bairro santista.

Em 1884, registra-se que o autor encenou ‘A Sombra da Cabana’, onde toda a bilheteria arrecadada financiou a libertação de um escravo.

Segundo Francisco Martins dos Santos, em 1939, “a carta de liberdade foi entregue ao pobre homem em cena aberta, no Teatro Guarany, e nessa ocasião, enquanto Sacramento Macuco e os rapazes abolicionistas recebiam delirante ovação, o dr. Rubim Cesar pronunciava uma das suas mais belas [...] e violentas orações”.

Ao lado da Câmara de Santos, então na Cadeia Velha, o Guarany também era palco da libertação de escravos por outros coletivos, associações e grupos locais.

No mesmo ano, durante palestras sobre a abolição e a república, outra dezena de homens e mulheres ganhou a liberdade. E, durante toda a década, o mesmo teatro seria testemunha privilegiada de alforrias e campanhas contra a escravização na Cidade. ■

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Diário Cênico 13 de fevereiro de 1988

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Aids assusta moradores da fictícia ilha de Tanga, homônima ao único filme (de 1987) dirigido por Henrique de Souza Filho, o Henfil. Ele lutara contra a hemofilia, a ditadura, porém, rendia-se, junto aos dois irmãos, Chico e Herbert (Betinho), à infecção do HIV através de uma transfusão de sangue. Nesta campanha pela vida, os irmãos foram os pioneiros a conseguir a liberação da importação do antiviral AZT e receber apoio financeiro de artistas de todo o Brasil.

A extinta Federação Santista de Teatro Amador, então capitaneada por Nanci Alonso, também se organizava para lhe enviar verbas. O então secretário de Cultura Tanah Corrêa e os diretores teatrais Domingos Fuschini, Toninho Dantas e Paulo César Pereio engrossavam o coro de atores que encenavam ‘Henfil - A Relativa Revista’, com personagens clássicos do cartunista.

Não vieram boas notícias da capital paulista: Henfil faleceu antes da estreia.

Em 13 de fevereiro, em Cubatão, a resposta não tardou como homenagem póstuma. O tema voltava a ser discutido em encontros da classe artística no Teatro

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Solidariedade em Revista Municipal Braz Cubas. O movimento compreendeu a necessidade de um trabalho permanente de conscientização. Criava-se o Grupo de Apoio e Prevenção à Aids na Baixada Santista (Gapa/ BS), do qual é presidido até hoje por Nanci.

A montagem encenada pelo amigo Gilson de Melo Barros (TEP/Unisanta) seguiu em cartaz por dois anos. Toda a verba obtida pelo TEP financiava o Gapa/ BS: premiações e cachês desse espetáculo, como das intervenções urbanas e de uma peça infantil ‘A Princesa Aurora’. Esta última trata-se de uma menina enferma que vivia isolada em seu reino. Aos moldes de uma fábula, as crianças aprendiam a importância da inclusão nas escolas.

As campanhas preventivas ganharam a mídia e contavam com a colabora-

ção de mais de 100 voluntários, como os atores Alexandre Borges, Ney Latorraca, Sérgio Mamberti. Cartazes, partidas de futebol, venda de produtos foram alguns projetos realizados para subsidiar a casa do Gapa/BS. O teatro também apadrinhou a luta contra a Aids em duas oportunidades a se destacar.

Nos anos 90, havia até gincana de arrecadação em prol à ONG durante o Festival Santista de Teatro. Nos últimos anos, cabe ao Fescete - Festival de Cenas Teatrais realizar uma campanha de alimentos enlatados a serem doados pelos teatros da Cidade durante o evento para a entidade. O Gapa/BS atende atualmente mais de 400 famílias, 70 crianças estas, em situação de vulnerabilidade social ou órfãs de familiares com Aids - e distribui 65 cestas básicas para famílias cadastradas. ■ Acervo: Gilson de Melo Barros

Diário Cênico 7 de setembro de 2001

Liberdade sem Ruas Créditos das fotos: Adilson Félix (esq.), Prefeitura de Santos (cto.) e Canal Oito de Dança (Dir.)

Zéllus Machado

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ais de 600 quilos de alimentos não-perecíveis se acumulavam no Centro Cultural Patrícia Galvão em 7 de setembro de 2001. O feriado nacional marcava também a estreia do espetáculo ‘Homens de Papel’, ovacionado no teatro local por reunir na ribalta 11 pessoas em situação de rua. As cortinas de invisibilidade se desfaziam a cada cena sob a direção de Maria Tornatore e a coordenação de Zéllus Machado.

Há três décadas de diferença de sua concepção, a nova versão de ‘Homens de Papel’ continuava contemporânea. Os catadores de papel existiam e ainda persistem como personagens urbanos mostrando sobre a marginalização social em que vivemos e notamos - ou evitamos notar - em nosso dia a dia.

Num contexto de miséria perene de migrantes que vão da roça até os arranhas-céus, os personagens enfrentam seus vícios e seus traumas à medida que se revoltam contra o Berrão. Este, um patrão que a dureza capitalista não permite valores nobres de justiça ou solidariedade.

Plínio Marcos se consagrou como autor das vozes de

Plínio Marcos

uma parcela urbana que vive silenciada até os dias atuais.

A prostituta e o cafetão, o viciado e o detento são alguns dos anônimos que só chegaram aos palcos nas versões do dramaturgo que observou tão bem as noites e as manhãs do Centro de Santos. À época, a montagem também era uma homenagem póstuma que a Prefeitura organizava ao artista, falecido em 1999. Por sua vez, Zéllus morreu em 2012.

Anos mais tarde, em entrevista ao CulturalMente Santista (site de André Azenha), Zéllus explicou a iniciativa. “Falei para o [secretário de Cultura] Carlos Pinto. Sempre meus projetos com ele são aprovados. Plínio Marcos na veia. Fui à Pastoral do Valongo, falar com os caras”, em proposta que reuniu também a então Secretaria de Assistência Social (Seas) e o Fundo Social de Solidariedade. A peça findava ao som da X-9 santista, ‘Quando você ouvir a melodia...’.

A viúva de Plínio, Vera Artaxo, chorou na estreia relacionando a atuação do elenco à mensagem principal do autor: “que todo o ser humano tem um cantinho no coração, por mais

Maria Tornatore

que ele tenha sofrido e endurecido, que é um cantinho extremamente sensível que basta a gente saber tocar”. O sucesso da temporada deu sequência em ‘Mancha Roxa’, projeto que Zéllus convidou Dino Menezes para direção atrás de elenco formado inicialmente por mulheres em situação de prostituição.

Já Maria Tornatore seria lembrada pelo espetáculo mais de uma década depois. Em 2013, a Secult e a Seas a convidaram para o projeto ‘Se essa rua fosse deles...’, para coordenar oficinas de canto (Diego Spósito), percussão (com Márcio Barreto) e teatro (Cícera Carmo) para população em situação de rua atendida no Centro Pop, resultando numa temporada de cenas e rodas de partilha.

Coliseu, Sesc Santos e Tescom receberam as sessões da iniciativa no ano seguinte, durante mostra que revisitava os 15 anos do adeus de Plínio. “A arte realmente transforma. E o resultado serão instalações cênicas, onde cada um interpretará suas lembranças para o público”, disse Maria à época.

“Se resgatarmos uma pessoa, já valerá a pena”. ■ Revista Terceiro Ato

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Diário Cênico 30 de outubro de 2016

Crédito da Foto: Maycon Soldan

U

m celular, um crachá, um desodorante, um DVD, um gorro, uma parafina, uma pistola de plástico, um simulacro de tonfa, duas máscaras de cão, duas máscaras de rato, onze cartazes, utensílios domésticos e crânios de plástico.

O conteúdo era parte da cenografia de ‘Blitz - O Império que nunca dorme’, montagem contemplada pelo Governo Estadual e que teve sessão censurada pelo Governo Estadual em 2016.

O boletim de ocorrência de 30 de outubro ainda elencava um teste negativo para um pó branco - provavelmente sal - que, num copo de plástico, simulava ser entorpecente numa esquete, além de duas bandeiras, a do Brasil e a de São Paulo. Por estarem hasteadas de cabeça para baixo, com os esqueletos nas pontas,

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Revista Terceiro Ato

foi a alegação escolhida pela Polícia Militar para interromper a peça em plena tarde de um domingo ocioso na Praça dos Andradas, a mini-Roosevelt por ser rodeada de espaços culturais.

A sessão foi às 18 horas, mas o boletim no Palácio da Polícia a quatro quadras de distância foi concluído quase às 23. No ínterim, o diretor teatral da Trupe Olho da Rua, Caio Martinez Pacheco, foi algemado e levado à delegacia.

Do lado de fora, artistas e militantes, advogados e jornalistas faziam vigília à medida que circulavam mensagens nas redes sociais sobre a detenção do membro do Conselho de Cultura da Cidade e da Cooperativa Paulista de Teatro.

‘Blitz’ foi concebida como sátira sobre o histórico de repressão do Estado, a militarização da vida, o fetiche da violência e a mídia - principalmente de telejornais policialescos da TV aberta. Raro não ter risadas no decorrer das cenas, menos ainda a interação.

Ainda mais, quando teatro-denúncia há reflexões desde o mundo cão dos policiais até chacinas por São Paulo e os Crimes de Maio de 2006.

A censura dominical aderiu à agenda pública nos dias seguintes. A ouvidoria da PM, o Gregório Duvivier, os secretários de cultura, o Jean

Bandeiras contra a Censura Wyllys, a TV Cultura e os deputados estaduais se dividiam sobre a posição da ação policial contra o teatro de rua.

A fala mais notória veio do próprio governador à época, Geraldo Alckmin, em 1º de novembro: “Claro que a atitude deles [atores] foi de muito mau gosto. (...) Agora, liberdade de expressão é liberdade de expressão. Goste ou não goste, é um direito das pessoas”.

Infelizmente a sessão não se tornou excepcional anos seguintes - desde então, é cada vez mais comum ver desde prefeito mandar lacrar gibis até série da Netflix ser censurada por juiz. Para reflexão nos tempos atuais, com a palavra, o próprio Caio um dia após a fala do governador: “Gostaríamos muito de dar oportunidade dialética [com a PM], para poder fazer um debate público, onde colocassem os agentes públicos em um lugar que eles tivessem que respeitar a expressão artística e discordar dela, como qualquer cidadão pode fazer, sem se achar no direito de impedir que ela aconteça”. ■

CORTINAS CERRADAS Crédito da foto: Sérgio Silva

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quele feixe de luz que os holofotes iluminam, versam sobre a Arte acendida atravessadamente pela inspiração e exame dos cenários políticos, sociais e do dia a dia. Os escritores, cineastas, diretores, artistas, musicistas, dançantes e andantes produzem para “movimentar” nosso senso crítico e emocional.

O que ocorre com nosso Brasil e no nosso Brasil, definitivamente não são os holofotes da vida dos nossos artistas da Baixada Santista, não são o centro de tudo! A

luz interior destes que revelam muito mais do que 100 holofotes e são totalidade.

Enquanto rotina, a Vida é mesmo o clichê do Teatro sem ensaio, e nós, reles mortais, vamos reproduzindo continuadamente as mesmas cenas sem nos darmos conta.

Será que estamos fazendo o melhor roteiro possível de nós mesmos e dos nossos atos? Será nossa existência apenas uma experiência para o fim?

Luzes apagam-se e cortinas abaixam-se ou

fecham-se. Penso que não morremos quando a morte se dá; ao menos não os artistas e os que lutam, pois estes deixam o legado de si para a eternidade afrontando a demolição das instituições culturais, incomodando nosso ser para ação, promovendo a arte brasileira e provocando o debate.

Nossas peças, caráter e ações continuam em cartaz por muito tempo. Obrigada a todos vocês e façam valer sempre cada segundo. ■

Texto: Nina Gagli

Revista Terceiro Ato

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A Revista Terceiro Ato é uma publicação jornalística independente contemplada pelo 7º Concurso de Apoio a Projetos Culturais Independentes de Santos.

Prefeitura Municipal de Santos Secretaria de Cultura Programa de Apoio Cultural Facult 2017

Crédito da foto: Eduardo Amaro