Soma 9 interiores

Contenido Director General Elfego Sosa Director Editorial Ricardo E. Tatto Diseño Edilberto Barrero Dávalos Corrección de Estilo Lourdes Flores Ricardo E. Tatto Colaboradores Emiliano Canto Mayén Carlos Castillo Novelo Miguel Ángel Civeira Jorge Cortés Ancona Igor F. Solís Sebastián Liera Manuel J. Tejada Créditos Imágenes e Ilustraciones: Erika Alcántara Robin Canul Suárez Marlene Dumas Bertha Gío Alonso Maza Alex Ross

Portada: Alonzo Maza Mixta 2008

Los artículos firmados y las imágenes son exclusivamente responsabilidad de sus autores. Patente del logo, registro de marca y derechos de autor en trámite.

Soma, Arte y Cultura: Año 01 N° 9 2009

Música Emiliano Canto Mayén* Ópera en Mérida: Tragedia y Bufonada

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Teatro Sebastián Liera. ¿Teatro y disciplina?

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Humor Soma Atizando con el cartonista Tony Peraza

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Artes Visuales Igor F. Solís, Brooklyn, NY. * Viaje a lo no lindo. Retrospectiva del trabajo de Marlene Dumas en MoMA 12 Miguel Ángel Civeira Venga a Nosotros Tu reino: Aspectos religiosos del mito del superhéroe en “Kingdom Come” 15 Cine Carlos Castillo Novelo Extraños bajo los reflectores: Los Ángeles de James Ellroy y David Lynch.

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Rígel Sólis Rodríguez Por una sociedad de consumo cultural responsable: Experiencia y ejemplo de los cineclubes. Vox Populi

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Suplemento Literario Punto y Soma No es esto lo que duele

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Jorge Cortés Ancona Benedetti más allá del canon

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Nuestro artista en portada Alonso Maza

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Editorial El verano ha comenzado con un fuerte impulso en materia cultural que, no obstante la amenaza epidemiológica aún latente, se perfila para ofrecer opciones en distintas disciplinas para aquellos vacacionistas que prefieren descansar en las inmediaciones citadinas y que para eludir el tedio acuden a darse un baño de arte en los museos, teatros, galerías y cines de la localidad.

Es por ello que para los que carecen del tiempo o la solvencia económica para irse en viaje de placer hacia otras latitudes, la abstracción de la mente y el placer estético constituyen una opción más que decorosa y gratificante en cuanto a que la ciudad, carente de playas (salvo una que otra insalubre alberca), tiene para ofrecer al veraneante una multitud de variables culturales al alcance del bolsillo, si bien el único requerimiento es la voluntad de pasársela bien en la ausencia de palmeras, arena y bikinis.

De entrada, nos encontramos de plácemes, ya que como recordarán, el mes pasado en este mismo espacio hice un llamado a las instituciones para reanimar la escena del jazz local, que se encontraba olvidada y carente de foros públicos, pero que ahora por creación espontánea y debido a la petición de la sociedad y de los mismos músicos, ha resultado en que se reactiven los conciertos para los melómanos jazzeros, con el inicio del IV Ciclo de Jazz en homenaje a una de las trompetas más influyentes del siglo XX: Miles Davis. El ciclo a efectuarse en el Teatro Mérida tendrá una duración de un mes, del 1 de julio al 5 de agosto, en el cual no sólo podremos apreciar conciertos todos los sábados a las 8PM, sino también una serie de películas alusivas a la temática jazzística cada miércoles a la misma hora.

Por otro lado, también comienza el Festival de Teatro 2009 “Wilberto Cantón”, del 10 al 19 de julio, que promete unas jornadas intensivas e ininterrumpidas para todos aquellos que gustan de los amplios y variados oficios que se ejercen sobre las tablas. Como plato fuerte para el inicio del festival, se hará la presentación oficial de la Compañía Estatal de Teatro, esfuerzo largamente anhelado por los artistas y público de la localidad. Desde aquí felicitamos a su nuevo director, el Mtro. Paco Marín.

Finalmente, el presente número se lo dedicamos al escritor uruguayo recientemente fallecido, Mario Benedetti, quien ocupa el suplemento literario Punto y Soma, propiciando en un artículo la revaloración y justa dimensión de su obra, así como indirectamente un texto poético de creación literaria. Inclusive protagoniza nuestro cartón humorístico. Como vemos, Benedetti continúa presente entre las risas, las lágrimas y, cómo no, las palabras…

Ricardo E. Tatto www.revistasoma.blogspot.com Envíanos tus imágenes, colaboraciones y comentarios a: somaculturarte@gmail.com Sintonicen la nueva sección cultural “El arte es largo, la vida breve…”, conducida por su servidor todos los jueves a las 5.45PM en vivo por Radio Fórmula en 650AM y a las 10.45PM en Telefórmula, por canal 70 de cable. Nos vemos ahí.

Psicosomáti .com

Espacio dedicado a los sitios más importantes y eclécticos en Internet así como en la blogósfera, con todo lo concerniente a temas relacionados con la cultura y las artes.

U-ABC Teoría http://tijuana-artes.blogspot.com

Blog con textos de archivo para estudiantes de Artes y Humanidades de la UABC que es coordinado por el escritor, filósofo y ensayista Heriberto Yépez. Aquí se pueden encontrar textos de García Canclini, Grombowicz, Baudrillard y videos como el de Chomsky Vs. Foucault.

Atari 2600 www.atari2600.blogspot.com

Blog administrado por el escritor Tryno Maldonado (1977) quien fuera finalista del XXVI Premio Herralde de novela en el 2009. Contiene artículos de su autoría donde explora diversos temas que van desde la literatura hasta la música. Maldonado también es editor de la editorial oaxaqueña Almadía.

Mérida Gallery Tour www.meridagallerytour.com

Página donde se puede encontrar información sobre los servicios turísticos para descubrir el lado artístico y cultural de Mérida, ya sea para conocer museos, galerías y apreciar los variados estilos arquitectónicos de la ciudad.

Apuntes de un escritor malo http://unescritormalo.blogspot.com

Blog administrado por el escritor Mauricio Bares, cuyos textos irreverentes firmados por Anónimo Hernández aparecen sin falta cada 30 días. Además, ofrece un taller literario virtual a cambio de una módica suma.

Ignorante ilustrado www.ignoranteilustrado.blogspot.com

Este blog se define como un foro para escritores esquizoides del siglo XXI. Es administrado por Alejandro Aldana, quien constantemente sube textos críticos de interés general provenientes de periódicos como La Jornada y otras publicaciones respetables.

The Beatles Spots www.thebeatlespots.com

Página en español que se ha constituido como uno de los principales foros para la discusión de diversos temas relacionados con el Cuarteto de Liverpool. Cuenta con videos, imágenes, música y demás elementos multimedia.

Ópera en Mérida: Tragedia y Bufonada fotografías : Robin Canul Suárez

Emiliano Canto Mayén es licenciado en historia por la UADY. Es miembro fundador de la Red Literaria del Sureste, ha sido director del Archivo Histórico Municipal y actualmente es colaborador de la sección cultural de Por Esto!

Emiliano Canto Mayén*

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engo el privilegio de conocer a un barbero ingenioso cuya plática me ha instruido en materias como el deporte, la política y el arte. Por ello y debido al reciente éxito de “El Barbero de Sevilla”, quisiera reproducir un diálogo entre él y yo, donde se expusieron sin enciclopedismos tres aspectos de la ópera: sus inicios, su florecimiento en Mérida y la historia tras las bambalinas de la obra de Rossini que aún tararean los que tuvieron el privilegio de asistir al Peón Contreras recientemente.

-Querido amigo ¡hasta que se acuerda del pobre Fígaro! ¿Cuánto tiempo ha pasado?-Hola Fígaro, el suficiente para traerte estas barbas y esta melena; pero no creas que vengo solo a que me trasquiles pues traigo algunas dudas acerca de la ópera-¡Ah, qué bello! ¿Sabía usted acaso que a pesar de la perfección de las óperas italianas este género musical sufrió al darse su creación en Italia de un fracaso absoluto?-¡Sacrilegio! ¿Qué diablos dices Fígaro?-Nada más que la verdad. En Florencia hace poco más de quinientos años, un grupo de músicos, poetas y compositores asistieron a las conferencias del sabio Marsilio Finicio. Este erudito promovía la recuperación de las expresiones artísticas griegas y romanas y entre sus seguidores se encontró un músico llamado Nicolo Galilei, padre de Galileo, un físico prominente-Cierto, me suena un poco-Los compositores que escucharon a Finicio se propusieron revivir el drama griego, en el cual los personajes cantaban partes de sus diá-

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logos y alternaban sus declamaciones con coros y música triste o alegre. Por esta razón los músicos renacentistas crearon las primeras óperas en las que la poesía, la música, el canto y la danza se mezclaban en un solo género-Si no me equivoco la primera ópera fue “El Orfeo” de Claudio Monteverdi, en la que suena aquella canción tan triste de “Tu sei morta ed io respiro”-También Monteverdi compuso “L’Incoronazione di Popea” donde se canta aquella aria inolvidable de Séneca antes de su muerte-Entonces si tanto te gusta ¿porqué crees que en sus principios la ópera fracasó?-Porque al mezclarse tantas disciplinas artísticas en un solo género surgió algo muy diferente al drama griego y comenzaron los pleitos entre los artistas: los poetas defendían que lo más importante de la ópera eran sus versos, los compositores que la música, los músicos que las partes orquestales, los cantantes que su voz y ¡hasta los escenógrafos juraban y perjuraban que una ópera sin una escenografía excelente estaba destinada al olvido!- Afortunadamente eso no pasa en Yucatán. ¿Qué opinas de los montajes operísticos de los últimos años en Mérida?- La ópera en Mérida es para carcajearse o para ponerse a llorar-¡Cínico! Me largo de aquí por tus insolencias-Señor, no se vaya, permita que explique mis afirmaciones. La ópera ha llegado a ser en los últimos años el drama más perfecto, más ambicioso y más largo en el Estado. Primer acto: A finales del año, se organiza una rueda de prensa y se anuncia cuál ha sido la ópera elegida para el año que viene con la misma solemnidad con la que los cardenales anuncian en el Vaticano al nuevo Papa; aparecen luego convocatorias en el periódico para los papeles secundarios, al final del cuadro las muchachas más bellas de la ciudad empiezan a preguntarse qué ropa llevarán al Peón Contreras y, más importante, qué galán les pagará la entrada. Segundo acto: Dos meses antes del estreno inician los reportajes para la temporada de la ópera y yo me pregunto, en este punto ¿cuándo se ha visto una temporada de ópera con el montaje de una sola?, primero se entrevista al director de la orquesta sobre las características de la ópera, si la protagonista llevará un vestido azul marino o uno verde pistache; si se publica un conflicto entre los escenógrafos y el director se atraerá

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a más espectadores por el morbo, si a un cantante le duele la garganta o si ésta preferiría cantar en octubre en vez de mayo hay que publicarlo o anunciarlo antes del inicio de la ópera con tal de aumentar el suspenso y por último, rumoréese cancelaciones por la influenza o porque se quemó un telón cuando se tema que la audiencia no vaya a presentarse. Tercer acto: Este es el que más me gusta de todos, en el anterior gobierno, a la farsa escénica se sumaba el discurso de un histrión vestido de funcionario que alababa las bondades de la administración y acentuaba el hecho de que los yucatecos antes de cierto gobernante no eran lo suficientemente refinados ni cultos como para gozar de la ópera. Afortunadamente hace algunos años se eliminó ese “deus ex machina” y ahora sólo nos atenemos a la representación que por su calidad en la interpretación culmina brillantemente luego de tantos episodios trágico cómicos-Fígaro, el que describes es un panorama general pero ¿qué opinas de las representaciones y las óperas que hemos admirado desde el 2004?- ¡Qué gloriosos años, amigo mío, pero cuántos contrastes! En tiempos del exgobernador, en vista de que gustaba tanto de las obras faraónicas llegué a guardar esperanzas de asistir a una representación de “Aida”. Sin embargo, pese a esta decepción comenzamos con una comedia exquisita, “El elíxir de amor” cuya nitidez y alegría aún nos conmueve; luego, nos pusimos más sombríos: vino la cantata “Carmina Burana” y empezaron las tragedias en el Peón Contreras, un conmovedor “Rigoletto”, una elegante “Madama Butterfly” y los extravíos de una patética “Traviata”-¿Y “El Barbero de Sevilla” de este 2009?- -La opinión pública es contundente, la ópera de este año alcanzó éxito debido a que el público meridano ya estaba hastiado de tragedias con escenografías vanguardistas y de una calidad estética dudosa. Si a ello sumamos que se escucharon voces nuevas en el Peón Contreras y que el entusiasmo de su director contagió a su orquesta, todo nos lleva a afirmar que apostando más a las bufonadas y comedias edificantes se hará más serio y firme el gusto por la ópera no sólo en la capital yucateca sino en su estado-Fígaro, en vista de que ya casi acabas de dejarme más pelón que el presupuesto, cuéntame un poco la historia de la ópera que acabamos de presenciar en el Peón Contreras-Hasta donde yo sé, “El Barbero de Sevilla” es la primera parte de una trilogía del escritor francés Pierre Caron de Beaumarchais. Este inteligente autor de comedias nacido en 1732 y muerto en 1799 fue un aventurero y luchó en la guerra de independencia de Norteamérica.

Liberal y enemigo de la nobleza y la monarquía en Francia, creó el irreverente personaje de Fígaro, que siempre se las ingenia para criticar las malas costumbres y poner en ridículo a los nobles, doctores y sacerdotes corruptos-¿Y cuál es la trilogía de que me hablas?-La primera parte es “El Barbero de Sevilla”, la segunda “Las Bodas de Fígaro” (que musicalizó Mozart) y la última “La Madre Culpable”-¿Cómo es que Giacomo Rossini decidió tomar el argumento de la obra de Beaumarchais?-

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-¡Sobre qué terrenos más escabrosos estamos pasando! Hay rumores de que en 1816, Rossini se enteró con antelación de que pronto se estrenaría en Roma la opera “El Barbero de Sevilla” que Giovanni Paisiello había estrenado en San Petersburgo en 1782. En vista de que se supone que Paisiello no le agradaba nada a Rossini, se cree que este último se esforzó por terminar el Barbero de Sevilla en tan solo trece días. Así, el 20 de febrero de 1816 cuando los romanos entraron al teatro Argentina se imaginaban que el Barbero que iban a ver era el de Paisiello ¡qué sorpresa se llevarían al escuchar una ópera completamente nueva!. Debido a que en aquel entonces gustó más la ópera de Paisiello que la de Rossini, el primero no se quejó públicamente contra aquel que había intentado arruinar el estreno de su ópera en Roma, además, en vista de que el mismo año del estreno del Barbero de Rossini falleció Paisiello, se han elaborado las más extravagantes conjeturas acerca de la enemistad entre ambos compositores. Por otro lado, es cosa comprobadísima que Rossini plagió en 1813 el argumento y libretto de “La Italiana en Argel” que en 1808 había compuesto el hoy olvidado, Luigi Mosca- ¡Basta, basta Fígaro! ¡Si continúas trasquilando así todos nos quedaremos calvos y sin cejas!-

¿Teatro y disciplina?

Sebastián Liera.* * Egresado del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Ha colaborado en medio centenar de producciones escénicas para agrupaciones e instituciones privadas y públicas de Coahuila, Morelos, Distrito Federal y Yucatán.

Actualmente imparte clases en la Escuela Superior de Artes de Yucatán y la Universidad Modelo, y es director operativo de la asociación civil “Teatro Hacia

Ilustración: Erika Alcántara

el Margen”

C

on motivo de las II Jornadas Teatrológicas que la Escuela Superior de Artes de Yucatán (ESAY) organizara a través del Centro de Investigaciones Escénicas de Yucatán (CINEY), fui invitado a compartir parte de mi experiencia docente acerca de un tema que de por sí, al menos así me lo parece, es como andar sobre arena movediza: Teatro y disciplina.

Dos mesas redondas, que parafraseando los chistes malos del Sup eran más bien rectangulares, sirvieron de marco para estas charlas entre juglares y cómicos de la legua: “El teatro de títeres en Yucatán” y “Teatro contemporáneo”. Yo tuve el honor de compartir el micrófono en ésta última, con mujeres y hombres de teatro de la talla de Francisco Marín, Salvador Lemis, Francisco Solís, Raquel Araujo, María Luisa Góngora, Nelson Cepeda, Miguel Ángel Canto y José Ramón Enríquez; quienes hablaron de teatro-laboratorio, el compromiso del actor, el concepto de la puesta en escena, la dramaturgia actual, las escuelas de teatro y sus experiencias en el teatro independiente y comunitario.

Cómo puede hablar de disciplina uno de los alumnos más indisciplinados que tuviera el Centro Universitario de Teatro de la UNAM en su historia reciente será una pregunta que, a no ser que la respuesta sea “por descaro”, dejaremos sin contestar por ahora. Otras fueron, sin embargo, las interrogantes que quedaron puestas aquella noche sobre la mesa: ¿Cómo convocar al alumno de teatro a ése actuar-pensar-actuar del que escribiera Luis de Tavira, que de suyo exige el oficio mismo en un espacio académico? ¿Bajo qué criterios de investigación y pedagógicos?

La respuesta, como bien se sabe, es diversa. Para el caso particular del Módulo de Actuación que impartimos entre finales de octubre y buena parte de noviembre del año pasado en la misma ESAY, partimos de dos principios con los cuales venimos trabajando de manera equilibrada desde otras experiencias: el bien-estar del juego frente al mal-estar de la cultura (Sigmund Freud dixit), apostando por el homo ludens y no sólo por el homo faber; junto con la construcción, por decirlo de algún modo, de un “espacio reglado” que brinde al alumno certidumbre y libertad en su actuar, tanto individual cuanto colectivo, de modo que más que un límite disciplinario, sirva como marco de seguridad.

El objetivo es reducir considerablemente las resistencias del alumno hasta niveles en los que pueda trabajar, asegurando una tranquilidad mínima necesaria para que llegado el momento se arriesgue asertiva-

mente en la exploración física y emocional que le demandará el oficio.

Dicho en palabras del director de teatro Humberto Proaño, colaborador de Seki Sano cuando éste retomó la experiencia de Teatro de las Artes en el Seminario de Actores del Teatro de la Reforma: “conducirle a que descubra por sí mismo y desenvuelva libremente las capacidades artísticas que posea”;B que eso y no otra cosa es lo más a que podemos aspirar.

Aunque éste no es el espacio para ahondar en explicaciones, para entender la metodología empleada en el diseño del Módulo es fundamental exponer aun de manera groseramente abrevada el marco teórico en el que fundamentamos la pertinencia de contar con un encuadre para regular el espacio de trabajo.

El punto de partida es un modelo de intervención cuya modalidad, conocida como Práctica entre varios, hemos venido probando en diversas experiencias de docencia teatral. En su instrumentación, la Práctica está estructurada sobre cuatro ejes: a) El partnership de cada miembro del equipo, b) La reunión del mismo equipo, c) El papel del director o responsable terapéutico y d) El punto de referencia teórico-clínico: el psicoanálisis freudiano, entendido según la enseñanza de Jacques Lacan y en la orientación que le ha dado Jacques Alain-Miller, iniciador de la Práctica;C porque, sí, la Práctica entre varios es inicialmente una forma de psicoanálisis aplicado sobre todo con niños autistas, cuya base conceptual (la de la Práctica) es la afirmación lacaniana de que el sujeto “está en el lenguaje, sin estar en el discurso”.

En definitiva, aunque José Gordillo afirme, no sin razón, que las y los artistas parecemos “pequeñas hordas integradas no pocas veces por pintorescos y bellos neuróticos”,D la psicosis no siempre resulta ser el signo característico entre alumnos y alumnas de teatro. Sin embargo, lo que sí ocurre es que en su mayoría estamos hablando de jóvenes que en otros modelos de intervención se les considera “en situación de riesgo”: depositarios y depositantes directos e indirectos de una compleja red de relaciones agresivas, con quienes la implementación pedagógica, que no clínica, de algunos elementos de la Práctica, como la intercambiabilidad y la sustitución entre los partnership o la convocatoria de un “tercero” que represente a un Otro regulado-regulador que contenga la violencia entre alumnas y alumnos e impida el abuso de poder por parte del maestro, puede ser viable para la construcción del “espacio reglado”.E

1 Humberto Proaño, El arte de la actuación, México, Zero, 1983, pag. 9.

2 Antonio Di Ciaccia, La practique à plusieurs, en Habitar el discurso.

El tratamiento en institución de los graves trastornos psíquicos infantiles, Miriam Gutiérrez Prieto y Antonino Bori (compiladores), México, APOL, 2006.

3 José Gordillo, Lo que el niño enseña al hombre, México, Trillas, 1992.

4 Sebastián Liera (coordinador), Seminario de Genealogía de la Actuación.

Módulo: El cómico de la legua, México, RED@ctuar, 2008.

5 Sigmund Freud, El malestar de la cultura, México, Alianza, 1998.

6 Ricardo Lema, Cultura, desarrollo y recreación. Bases teóricas para el desarrollo comunitario desde el tiempo libre, Argentina, VI Encuentro Internacional de Tiempo Libre y Recreación, 2003.

7 Pedro Fulleda Bandera, Ludología.

La indagación del juego por el juego, Medellín, Fundación Colombia de Tiempo Libre y Recreación, 2000.

8 Pablo A. Waichman, Tiempo libre y recreación: un desafío pedagógico, PW, 1993.

Al “meter” en la estructura del lenguaje (que según Lacan es reflejo de la estructura del sujeto) la noción de que se está en un espacio regulado, el alumno se siente, por un lado, con más libertad para proponer creativamente, ya que se sabe “protegido” de cualquier “arranque” por parte del maestro que pudiera significar burla o descalificación a su trabajo, y, por otro, se apodera de la “vigilancia” del encuadre cuidando que todos los miembros del colectivo cumplan con éste, pues de lo contrario se perdería la certidumbre y con ella la tranquilidad y la libertad creadora ganadas.

De esto se desprende una nueva estrategia encaminada a abatir las resistencias del alumno para con el hecho creativo, que no son sino las resistencias que a decir de Freud todos los individuos oponemos frente al sufrimiento social que nos significa, en principio, una renuncia pulsional en nombre de la Cultura; proceso al servicio de Eros que quiere reunir a los individuos aislados, luego a las familias, después a etnias, pueblos, naciones, en una gran unidad: la humanidad, y que, sin embargo, se contrapone a la pulsión agresiva natural de los seres humanos que lleva a mirar al Otro no solamente como un posible auxiliar, sino como una tentación para satisfacer en él sobre todo el propio impulso de servicio a Tánatos.F Ésta estrategia no es otra que al “edificar” nuestro espacio de trabajo, al mismo tiempo que lo signifiquemos regulado, lo caractericemos lúdico. El juego, como afirman ya varios estudiosos en la materia, es una herramienta de intervención en el desarrollo y la transformación culturales G que propone un discurso alternativo a la realidad de la vida cotidiana, manteniendo sus efectos positivos más allá de sus propias fronteras. “El hombre sabio que no solamente trabaja –nos dice Pedro Fulleda–, sino que además y sobre todo es capaz de jugar, es quien puede construirse desde el ejercicio de la Lúdica un destino superior para toda la Humanidad”.H Y la piedra angular de la Lúdica, su elemento definitorio por excelencia, la razón esencial que la convierte en factor primigenio de la existencia misma del ser humano cual ente biológicamente activo y por tanto poseedor de capacidad o impulso vital para actuar sobre sí mismo y sobre el medio que le circunda, es el ejercicio de la libertad.I De esta manera, el juego mismo viene a reivindicar la pulsión de vida por encima de la pulsión de muerte, sin menoscabo de una individualidad que ante el malestar de una cultura había tenido que replegarse por la imposición de normas dictadas más allá de la voluntad humana que lo aceptaba por responder a su necesidad de subsistencia. No hay sentido, pues, de gratuidad en el juego. Por supuesto, el hecho de que los efectos del juego sólo sean evidentes a través de la satisfacción obtenida durante su realización, oculta su utilidad práctica en beneficio del individuo, del grupo social y de la especie. Pero tal placer tiene su sentido más profundo en los procesos objetivos y dialécticos del desarrollo humano, hacia una condición superior en la existencia del individuo y de la especie; meta tal vez compartida por quienes insistimos en defender el derecho de cualquiera a hacer teatro y de disfrutar del teatro que otras y otros hagan.

Viaje a lo no lindo.

Retrospectiva del trabajo de Marlene Dumas en MoMA Igor F. Solís, Brooklyn, NY. * Es artista visual, principalmente enfocado a la pintura, dibujo y video. Su educación en el arte fue en el Pratt Institute, en Brooklyn, Nueva York y en The Arts Students League.

Expuso en Manizales, Colombia, en 2007 y colectivamente en la galería Inspire Fine Art, en la ciudad de Chicago. En julio del 2008 realizó la muestra “Nuevos dibujos y pinturas” en Mérida en la Galería Quid.

D

esde mi llegada a Nueva York este otoño la imagen de “The Kiss” (2003) usada como póster por el Museo de Arte Moderno (MoMA) para publicitar: “Digging your Own Grave” (Diciembre 14-Febrero 16 2009), la mayor retrospectiva de la sudafricana Marlene Dumas, encriptaba todos mis pensamientos que surgían cada vez mientras esperaba entre un tren y otro. Lo perturbador de la imagen, sublime y sugerente en la manera de aplicar y diluir el óleo sobre el lienzo, es que al final nos acercamos al espectro de manera sutil y subterránea por lo atractivo del rostro, muy probablemente de una mujer muerta, por lo que ya no pudo más que recordarme constantemente ir a la exposición aun siendo por el morbo de la mera imagen.

Nueva York está llena de sombras y ecos de culturas misteriosas, sucesos apilados, borrados, la omnipresencia de un estado todopoderoso que parece pactar con la oscuridad, casi como producto de la confabulación de un productor de HBO. Museum of Modern Art es la institución donde lo bello está sujeto a escrutinio, donde está de moda lo no bello, lo no apetecible estéticamente y donde se provee un constante reto a nuestra manera de mirar y a nuestra base moral, esa cortina que impide aceptar, entender y disfrutar. Pero entonces MoMA contrapone lo que una sociedad de consumo entiende de sí misma y lo que esta gran catedral de las artes proyecta, por lo que nada detiene al ciudadano común de ir con su familia y amigos para sentir, explorar lo que es el arte hoy y lo que ha sido también.

El volumen de la obra de Dumas en el MoMA y su consecuente paso en dos pisos distintos (sexto y tercero) en los que la curadora Cornelia Butler decidió organizar esta exposición, permiten percibir el trabajo de una artista que tiene una historia detrás suyo mas allá de la intelectualización formulada dentro de formas y colores. Su lucha por construir una identidad propia, enteramente femenina y feminista, es aplicada en su trabajo, como lo demuestra la preferencia de su paleta (rosas, cremas y turquesas), el negro como norma y la forma intuitivamente despreocupada en que accede a los lienzos para representar lo que sólo ella ve y nos hace creer que es posible.

Hay muchísimas historias en cada uno de los “retratos”, muchas personalidades conocidas, otras que sólo lo son para ella y su círculo;

soma | artes visuales | 13 “The Kiss” (2003)

otro tanto de luchadores sociales, terroristas y célebres desconocidos para nosotros, un tanto de niños y mujeres en posiciones sugerentes, libremente airados como si también fuera parte del viaje exponer lo socialmente oculto.

Está implícita en su estilo la relación formal con la fotografía usada originalmente por una de las figuras seminales, Gerhard Richter, quien como parte de su trabajo sarcástico y sombrío en muchos aspectos, utilizó ésta para garantizar así una “independencia-coercitiva” con un entorno que estaba siempre en deuda con la historia pero que le tocó romper con ella y replantearse a sí misma.

A esta generación le tocó lidiar con la supuesta “chop-calle” de la pintura después del Modernismo.

Así pues, dentro de los axiomas del post-modernismo encontramos siempre preguntas como la razón de la imagen en base a su hechura o a su copia directa por máquinas prácticas que lo hacen mejor y más rápido. Bajo este tenor el trabajo de Dumas funciona al “descubrir” en fotografías encontradas por accidente o tomadas con una polaroid, las posibilidades en su visión plástica; ella misma hace la referencia: “Imágenes de segunda mano pueden generar emociones de primer grado.”

En su obra están presentes influencias tales como Francis Bacon o Lucien Freud, así como una relación contemporánea en la que el trabajo neo-expresionista de Neo Rauch (Leipzig) y Luc Tuymans (Antwerp) denota una cierta pertenencia con la práctica dentro de su visión de la pintura. Pareciese que Dumas se apropiase para beneficio de su obra del sutil simbolismo decadente de Francisco Clemente para regresarnos a sus historias, en las cua-

“The Woman of Algiers” (2001)

“Jen” (2005)

“The painter” (1994)

“The human tripod” (1998)

les explota su identidad sudafricana como manera de dar forma a los esqueletos de su psique interna.

Hija de una ama de casa y un asiduo bebedor, Marlene Dumas crece hablando Afrikaans en su natal Kuils River, sitio que deja en 1976 para estudiar en Holanda en una universidad con orientación conceptualista, después de haber completado una licenciatura en artes visuales por la University of Cape Town, Sudáfrica. La relación con su compañero sentimental, el artista Jan Andriesse, así como con William Kentridge parecen ser importantes influencias dentro de la interacción con lo profundo de su mundo y la escena en Amsterdam con las discusiones en torno al arte.

Cómo Dumas canaliza su propia herencia cultural exótica de culpa colectiva y odio, se puede entender en su no muy claro discurso feminista, que ha sido constantemente repetido y prefabricado. El ejercicio en la fotografía y el texto dentro de su obra, en la cual el conceptualismo tiene cabida y funciona de manera poco apremiante, fluyen hasta la reaparición por la práctica de la pintura a través del neoexpresionismo a comienzos de los ochenta.

Su obra tan cargada celosamente de emociones ha dado una colección de sujetos asilados entre si, ya que en realidad no otorga nada pero toma del espectador más de lo que él cree a pesar de lo placentero-perturbante de sus lienzos. Al final es el placer por el recorrido de sus colores e interpretación lo que parece un intercambio justo dentro de este juego en el que siempre hay más cosas que mirar, más de qué alarmarse y sentir.

E

scogí hablar de Kingdom Come porque fue una de las primeras novelas gráficas que leí y me reveló las ricas posibilidades del cómic. Kingdom Come no es un cómic alternativo, ni mucho menos, pero es una muestra de cómo incluso una novela gráfica salida de lo más mainstream del medio puede tener una gran calidad, profundidad y riqueza. Mi intención con este ensayo es invitar a que todos se acerquen a leer cómics, sobre todo buenos cómics y sobre todo con visión crítica, para descubrir en ellos sus posibilidades.

Kingdom Come es una novela gráfica del escritor Mark Waid y el artista Alex Ross publicada originalmente por DC Comics en 1996.

Esta obra tiene como protagonistas a los superhéroes del Universo DC y se sitúa en futuro próximo, en el que los héroes clásicos han envejecido y nuevas generaciones de superhumanos ocupan su lugar. Resumiré el argumento lo más posible (sin quemarle a nadie la historia) para pasar de lleno al análisis.

Veinte años en el futuro, los seres superpoderosos se cuentan por miles y forman parte de la vida cotidiana. Las nuevas generaciones de metahumanos se la pasan peleando entre sí sin tener consideración de las vidas humanas que destruyen a su alrededor, mientras en la tierra los mortales viven entre la desesperanza y el miedo. En esta situación conocemos a Norman McCay, un pastor protestante que está perdiendo su fe y que sufre de terribles visiones que implican el fin del mundo de una forma catastrófica.

McCay es visitado por el Espectro, el espíritu de la venganza, la encarnación de la ira de Dios. El Espectro sabe que pronto será necesario que ejecute la venganza contra el responsable de un grave mal, pero necesita de un hombre para emitir el juicio. Entonces, McCay es guiado por el Espectro a través del tiempo y del espacio para presenciar esta historia.

Superman, después de 10 años de haber permanecido como ermitaño, regresa a poner orden en el mundo. Su retorno inspira a varios héroes para salir de su retiro y volver a la acción, formando la Liga de la Justicia. Su objetivo: controlar a la caótica población de superhumanos que amenazan con destruir el mundo. Aquéllos que no se alinean son encarcelados en un gigantesco gulag en lo que alguna vez fuera Kansas.

VENGAA NOSOTROS TU REINO: Miguel Ángel Civeira

ASPECTOS RELIGIOSOS DEL MITO DEL SUPERHÉROE EN “KINGDOM COME”

soma | artes visuales | 16

Otra fuerza en juego es el otrora superhéroe Capitán Marvel, a quien Lex Luthor le ha lavado el cerebro para hacerlo creer que todos los superhumanos son malignos y que su destrucción es la única forma de salvar al mundo.

Cuando un motín en el gulag se convierte en una batalla campal entre superhumanos cuyo poder podría acabar con la vida en la tierra, los países miembros de las Naciones Unidas toman la decisión de atacar con poderosas bombas nucleares el epicentro de la batalla para acabar con los superhombres.

Es en el momento en que va a caer la bomba cuando el Espectro detiene el tiempo y le pide a McCay que emita un juicio. Si la bomba cae, morirán miles de superhumanos. Si no, morirán millones de humanos. De cualquier forma es genocidio, pero ¿quién es el culpable? ¿De quién es este horrible pecado? ¿Contra quién debe el Espectro ejercer la Venganza? Y entonces… Bueno, tendrán ustedes que leer el cómic.

Los temas que explora Kingdom Come son muchos, pero el que discutiremos a continuación es el de la reinterpretación religiosa de los superhéroes según esta obra.

Mucho se ha dicho que los superhéroes son los descendientes directos de los héroes mitológicos y que los cómics son la fuente de nuevas mitologías. Después de todo, muchos personajes de cómic tienen un origen mitológico: la Mujer Maravilla es una amazona inmortal protegida por las diosas y los poderes del Capitán Marvel vienen de los mismos dioses. Así que de cierta manera, la idea de que los superhumanos son los nuevos dioses ha estado presente desde hace algún tiempo. Kingdom Come parte de esta idea y la reviste de un sentido no sólo mitológico, sino verdaderamente religioso.

El título mismo se refiere a thy kingdom come, fragmento del Padre Nuestro en inglés, y que corresponde al castellano “Venga a nosotros Tu Reino”. La frase a su vez se refiere al fin del mundo, tras el cual llegará el Reino de Dios. La elección del título dota de un significado religioso a la obra, pues nos deja en claro que la guerra entre superhumanos en ella descrita es precisamente el Juicio Final predicho en el Apocalipsis.

De hecho, la novela comienza con versos de éste e imágenes que representan fuego y azufre, ángeles y demonios combatiendo sobre una tierra destruida y desolada. Las visiones de Norman McCay, siempre acompañadas de versículos bíblicos, van cumpliéndose una por una a lo largo de la obra.

La pérdida de fe que sufre McCay no proviene de la falta de pruebas o señales que indiquen la presencia de un poder superior; sabe que la Palabra de Dios es cierta y que se está cumpliendo, pero que anuncia, de forma inevitable, sufrimiento para los seres humanos.

Entonces se aparece el Espectro. Él es, literalmente, la encarnación de la ira de Dios, de la misma manera en la que Cristo fue la encarnación de su amor. Es el espíritu de la Venganza, pero ni él puede evitar el desastre que viene, pues está facultado para el castigo del pecado y no para su prevención. El Espectro guía a McCay como Virgilio a

*Miguel Civeira (Mérida, Yucatán) es licenciado en letras hispánicas por la Universidad Modelo.

Es coordinador de ciclos de cine en el Centro Cultural José Martí y ha colaborado en diversas revistas y periódicos.

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Dante para presenciar los acontecimientos que llevarán al Juicio Final.

En la novela, los superseres son vistos como dioses por los humanos comunes y tienen con ellos una relación de deidad-adoradores. Superman se comporta como un dios benévolo que busca inspirar confianza en sus creyentes y convertir a los rebeldes a su bando mediante la prédica de verdad y justicia. Batman, aunque humano, también asume la actitud de un dios, en este caso, de uno terrible y vengativo que inspira temor en su pueblo, al que tiene controlado con su ejército de robots y su sistema de cámaras de seguridad que lo hacen omnisciente y omnipresente. La Mujer Maravilla es embajadora de la paz, pero está dispuesta, con su autoridad de diosa, a imponer la paz mediante la guerra si es necesario. Los metahumanos de las nuevas generaciones se comportan como dioses veleidosos y egoístas que juegan con el destino de la humanidad sin que ésta les importe en lo absoluto.

Pero en general, ninguno de ellos le rinde cuentas a la humanidad. Superman nunca preguntó a los seres humanos si deseaban ser salvados y protegidos, y no reconoce sobre él ninguna autoridad humana. Los “mortales”, por su parte, están acostumbrados a que los metahumanos ocupen el papel de nuevos dioses, no se oponen, ni tienen el poder para hacerlo, y aceptan dejar el destino de su existencia en manos de los superseres.

Están además, las deidades verdaderas del Universo DC, el grupo de seres llamados la Quintaesencia, compuesta por Zeus, Shazam, Highfather, Ganthet y Phantom Stranger. También hace una aparición Orión, hijo de Darkseid, dios del mal. Otra deidad, Rama Kushna, es mencionada. Pero todos estos dioses se niegan a participar en el asunto de los mortales, temerosos de que su intervención pueda agravar las cosas. A parte esto, la novela está llena de motivos y símbolos religiosos.

Pero Kingdom Come no quiere decirnos que los superhéroes son dioses. El sentido de la obra es, de hecho, opuesto. Kingdom Come cuestiona la actitud arrogante de los metahumanos, que se atreven a pretender decidir sobre el destino de la humanidad cuando, a pesar de sus poderes, padecen de todas las debilidades y defectos humanos. Cuestiona la actitud pasiva de los mortales, que no se atreven a tomar el destino en sus manos. A estas actitudes se opone la inactividad de los verdaderos dioses, que dejan a la humanidad desamparada. Finalmente, Kindom Come nos dice que los metahumanos no son dioses, ni ángeles, ni demonios, sino que forman parte de la humanidad y es ésta la que debe elegir su propio destino, en vez de esperar a que los seres supremos lo decidan por ella. A fin de cuentas, no son Superman, ni Batman, ni la Mujer Maravilla los protagonistas de esta historia, sino Norman McCay, un hombre sencillo en busca de esperanzas. Kingdom Come no es una teodicea, sino, al contrario, una búsqueda de lo humano en lo que parece divino. -

Extraños bajo los reflectores: Los Ángeles de James Ellroy y David Lynch.

Carlos Castillo Novelo* En su libro “Ola de Crímenes”, el escritor norteamericano James Ellroy pormenoriza en artículos y cuentos su visión corrosiva de la ciudad de Los Ángeles y desnuda los sueños infructuosos de muchos aspirantes a superestrellas. En el texto titulado “Chicos malos en la ciudad de las lentejuelas”, Ellroy comienza arremetiendo contra su ciudad natal y la fama que ésta mantiene con sus fantasmas del glamour y el estrellato cinematográfico. El autor nos presenta a L.A. como una planta carnívora que atrae al tiempo que mata a aquellos exiliados de sí mismos que están dispuestos a todo con tal de formar parte de ese espectro ilusorio conocido como “fama”.

De camino a L.A. puedes reinventarte a ti mismo. Puedes adoptar la identidad deseada y hacer que esa actitud valga mil veces más que en tu lugar de origen. Puedes vivir en una comunidad de personas que vinieron a L.A. para ser distintas de cómo eran y envidiar a los pocos que hacen dinero con ello y que te desprecian por ser un perdedor.

En la obra particular, Ellroy documenta casos reales de asesinatos de aspirantes a actrices, muertes accidentales por abuso de drogas y la clandestinidad de la vida sexual de muchas celebridades de los 50`s con un realismo sucio e iconoclasta. En su narrativa encontramos personajes conocidos como Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Lana Turner, quienes sin ningún pudor cometen asesinatos, se drogan, fornican, hacen tratos con la mafia y son verdaderos depredadores de una industria podrida.

La chica no captaba bien el estereotipo sexual […] No sabía que el precepto podría encender una voluntad de cambiar. Tenía el entendimiento suficiente para captar el concepto. Quizás encontró otros arrestos para seguir adelante y quemó su antigua vida hasta los cimientos. No era más que una niña. No sabía un carajo de nada. Trabajó bajo un velo. Creía que el mundo del espectáculo era real.

La cita anterior se refiere al caso de una aspirante a actriz asesinada impunemente en su dormitorio. Su muerte - según Ellroy- se debió al desatino de meterse con las personas equivocadas y por tener la autoestima por los suelos. Para sustentar esto, se basa en los diarios de la joven que relatan gran parte de sus desordenes alimenticios y su obsesión enfermiza por un actor incipiente. En la misma cita vemos los mismos preceptos: el engaño, la farsa, la ingenuidad y ese afán de cambiar lo poco que se es, por el humo de lo que se puede ser.

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Bajo esta misma tesis, aparece el director David Lynch, quien en su película “Mullholland Drive” retrata bajo un esquema fantástico la pérdida de la identidad y/o el intercambio de éstas. En la cinta, una ingenua aspirante a actriz (interpretada por Naomi Watts) llega a Los Ángeles para participar en una audición. En su departamento descubre la presencia de una mujer glamorosa (Laura Elena Harring) que sufre amnesia. En la secuencia inicial, encontramos a éste mismo personaje salvándose de milagro de una ejecución y sufriendo el accidente que le hace perder la memoria.

En una escena especialmente significativa, la mujer desconocida mira un póster de Rita Hayworth y decide que así se le llame mientras recuerda todo lo relacionado con su vida (curiosamente la diva hollywoodense también usaba un nombre artístico). Pero los recuerdos no aparecen, las metáforas oníricas se suceden y la historia toma un giro delirante: las actrices cambian roles en medio de una maraña de sexo, drogas y mafiosos espeluznantes que también retrata James Ellroy en sus relatos. Los deseos por el estrellato que llevan a un individuo a buscar suerte en el showbizz son representados en la película por dos ancianos que viajan en limosina. La cara profunda y mortal de la ciudad de Los Ángeles es representada por un ser horrendo que vive en el traspatio de un restaurante de comida rápida. Es precisamente este ser horrendo el que transforma a los personajes en algo que no eran mediante un cubo azul que se los traga y los transmuta gracias a una llave azul escondida –Y esto también es significativo- en una bolsa de dinero. Sólo mediante estas metáforas podemos entender la trama completa ya que de lo contrario, se nos vuelve una obra aparentemente inconexa y angustiante. Es aquí donde aparece James Ellroy para clarificarnos las imágenes. Los amantes de la prosa y el realismo pueden fascinarse con la ciudad que el escritor ama y odia con la misma intensidad y los de la poesía pueden deleitarse con las imágenes al subconsciente que envía David Lynch.

Ambos autores le otorgan a la ciudad de Los Ángeles una presencia propia que influye activamente en sus personajes.

James Ellroy en “La Dalia Negra”, otra de sus novelas ambientadas en L.A., presenta la misma perspectiva en el caso real de una joven actriz que fue terriblemente torturada y encontrada muerta en el terreno baldío de una zona populosa de la ciudad. Mientras tanto, en uno de los tantos símbolos que podemos encontrar en “Mullholland Drive”, las dos protagonistas acuden a un musical donde inquietantes intérpretes se desvanecen para mostrarle al espectador que nunca tocaron una simple nota sino que todo se debió a un playback, es decir, a un fingimiento como parte del mismo engañoso efecto de la realidad del espectáculo.

A fin de cuentas, ambos artistas, desde su propio estilo, decodifican la transmutación real y cotidiana de sujetos ínfimos que anhelan ser parte de esa cortina de humo que representa el mundo del espectáculo. Los observan con el mismo tono pesimista y retratan a su modo lo extraño que existe bajo las luces californianas.

*Carlos Castillo Novelo (Mérida, Yucatán) es escritor y estudiante de Literatura Latinoamericana en la UADY, así como becario del Foecay 2009 y miembro de la Red Literaria del Sureste.

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Por una sociedad de consumo cultural responsable: Experiencia y ejemplo de los cineclubes Vox Populi

Ilustración: Erika Alcántara

¡

En esta esquina: la demagogia institucional y la propaganda gubernamental; en esta otra: los alternativos toletes y los independientes chingones; lucharán por el megacampeonato único del quehacer creativo, promocional y difusor cultural en la Mérida capital; la arena de bote en bote atestada de público consumidor y conocedor!

Vayamos al grano. Sirva como pretexto la polémica en materia de promoción cinematográfica surgida y seguida en la gustada revista Soma y como contexto el hervor cultural que agita mentes perversas y almas nobles en la mítica tierra del faisán en extinción y el venado de primera división A. Conste que no se trata de seguir mosqueando la mierda vertida con estilo y con decoro por los involucrados, o de buscar un bando ganador, ni completar verdades a medias ni mucho menos desmentir lo que ya está dicho por los susodichos. Se trata, en todo caso, de dejar claro a quién le importa la cultura.

En la cuarta dosis de Soma suministrada a los adictos y consumidores ocasionales de arte y cultura, Miguel Elenes cuestionó malalechera pero atinadamente: ¿a quién le importa el cine? Dos números más tarde, Vicente Addiego, Mario Helguera, Raúl Pérez y Aarón Rosette formaron línea de cuatro para defenderse, lanzar certero contragolpe y finalmente proponer elocuentemente hacer un solo equipo. Con el correr de otros números y su equivalente variable en días, los cinevidentes, cinéfilos, cinéfagos, cinévoros y demás categorías de consumidores cinematográficos continúan escuchando desprestigios cruzados y esperando la conjunción del dream team que practique lo que predica.

Nanométricamente comprobado por el que aquí digresiona, se sostiene que en todo creador, promotor o distribuidor cultural hay una buena carga de soberbia, ya que se cuenta con más conocimiento

que los demás y, en contraparte, el yang de aquel engreído ying es la voluntad en buenísima onda de liberar y compartir el conocimiento que se tiene y se considera útil. Si ambas cargas están en equilibrio o si la primera se conduce con esfuerzo hacia la segunda todos ganan en la pirinola cultural.

En mayor medida y en la experiencia de los cineclubes se ha comprobado también que para que un espacio pase de ser una mera sala de proyecciones debe cumplir al menos los siguientes tres requisitos: 1) contar con ciclos programados y enfocados a ciertos objetivos definidos, 2) asistencia continua del público, llegando el grupo a obtener algún grado de cohesión y 3) análisis, comentarios y debate de la obra cinematográfica apreciada en sus aspectos argumentales, técnicos, estéticos y sociológicos, por mencionar los más importantes.

No sobra dejar en claro de una maldita vez que la oferta cultural, léase cine, literatura, teatro, danza, música, artes visuales y un largo, variado y contemporáneo etcétera, importa quizá no primeramente ni más que a los oferentes, pero sí en gran medida al público consumidor, público que no es idiota y asiste a cuanta proyección fílmica, concierto, exposición, presentación o lo que le sea posible ir, público crítico y contestatario que necesita jugar el juego para hacer sinergia con las demás partes del aparato cultural con el único fin de crecer en cantidad y calidad.

Por todo ello es trascendente cuando El Cinito invita a sus espectadores a programar y presentar los ciclos de cine, La Esquina del Goya pregunta a su público qué quiere ver o la manera en que la revista Soma, Arte y Cultura abre un espacio para plumas que no son de la marca que no sabe fallar, es decir, para sus lectores. Y carajo, los tres anteriores son sólo ejemplos ilustrativos y no chupadera de pitos ni amarre de ridículas navajas, ejemplos para promotores, colectivos y grupos culturales independientes que pueden tener en su hermetismo y autocomplacencia un pie en el precipicio del snobismo al pretender ser sin existir para sus colegas, para la crítica y, peor aún, para su público.

Un día Ludwig van Beethoven escribió una carta a una infantil admiradora suya diciéndole que sólo la ciencia y el arte conducen al ser humano por el camino de la espiritualidad y el intelecto. Yo me atrevo a complementar diciendo que sólo transitando ese camino el mundo quizá pueda ser mejor.

Atte.

Rigel Solís Rodríguez

punto y soma

Ilustración: Bertha Gío

Crónica/Creación Literaria

In memorian, Mario Benedetti 1920-2009

No es esto lo que duele (Texto basado en “Cuadernos contra el ángel”, de Efraín Bartolomé) Manuel J. Tejada Loría*

A ella, la que tejió laberintos que no llevaron a ninguna parte Juan José Arreola *Manuel J. Tejada Loría (Mérida, Yuc., 1981). Ha publicado en el libro colectivo de poesía “El éter de las esferas” y es integrante del grupo literario MARSIAS. Actualmente es articulista de la sección de cultura del diario Por Esto!

Hay un libro en la mesa. Hay un trozo de manzana y un fragmento de sol que la tarde olvidó. Vuelco del alma, vuelco del corazón, hay un hombre también que documenta su silencio llenando los ojales de su camisa con botones tan tristes. Hay también unos cordones a la espera. Es junio. Son más de trescientos muertos por el narco y cuarenta y siete niños entre las llamas. Pero no es esto lo que quiero decir.

Escribo este desorden Para decir que no son años sino siglos, para decir que no son centurias sino milenios los que espero, hay que arrancarse los ojos, hay que escupir la lengua y volarse los oídos de una vez por todas, de una vez y para siempre. Se habla, se especula, se amenaza y se desdice, pero los días no dejan de caer como gotas de luz sobre oscuras cicatrices. He aquí un hombre con su garganta lista para hacer que florezca vergüenza en los cuchillos. Tampoco tengo miedo.

Este escribir sin ver Mi lengua recorriendo varias cicatrices, varios horizontes, dibujando letras en al aire, en la salinidad. Aquí donde yo estuve hubo un fantasma colmado de recuerdos. Sobre una cadera en plenilunio escribo: ella se va. Escribo sin ver, busco, indago, no encuentro sino el desorden de los días y una onfálica nostalgia de placeres. Un aliento marino me atrofia la garganta, me nubla la voz. Si mi memoria hablara se incendiaría el sitio donde estuvimos. La ciudad sería un jardín en llamas, nosotros el incendio.

Había una mujer, un hombre Memoria: capital de los despojos. Se llevaron nuestros huesos, nuestras calles, nuestros sueños, nuestros votos y nuestras decisiones. Mi pensamiento es entonces una red vacía donde diariamente intento el vuelo, no voy a decir derrumbe. Aunque no hay día sin que pierda las pestañas por tratar de entender cuál es el comienzo, cuál es el fin. En esta ciudad del despojo llamada Memoria había un hombre, una mujer con sueños tan tristes como ciertos. Pero no es esto lo que quiero decir.

Uno ya es otro De aquellos años sólo queda el silencio. Es posible que después del siguiente punto ya no te piense y me dedique entonces a mirar los muros de este laberinto que fueron tejidos con versos de Benedetti y ocurrencias tan inobjetables; o bien, que mañana me deslinde de este pueblo y emprenda un exilio voluntario hacia el insomnio; y no está de más decir, como aquella vez, que aquí la espera ya es lo de menos.

Uno ya es otro. Uno no emplea todas sus fuerzas en hacer apologías de un naufragio. Y sin embargo, no es esto lo que duele, ni lo que siempre ha dolido. La tristeza es un hábito que a estas alturas ya no se puede esconder.

Ilustración: Bertha Gío

Nadie te escucha Te busco en el sudor, en el gemido, en las mil y una noches invocando tu voz sobrenatural. Me asomo a los precipicios deletreando tu nombre, silabario de sueños, aleph de los días que llegaron como el fuego, que estallaron como el fuego y que ahora sólo son ceniza, está mancha de piedra que traigo en la frente, este fulgor de aquellos días que en mí hombro se retuercen una y otra vez hasta el cansancio. ¿Qué quieres decir, Manuel, si ya nadie te escucha?

Benedetti más allá del canon Jorge Cortés Ancona*

Quién entiende el modo en que se mueven los valores en la Literatura. El poeta Mario Benedetti contaba con un elevado número de lectores y sus libros se difundían ampliamente a nivel internacional, algo que es muy raro dentro de la poesía hispanoamericana de los últimos 50 años.

Muchos críticos y otros poetas lo acusaban de que su poesía era muy simple, demasiado hablada, demasiado clara y directa. Para muchos parecía una escritura fácil e incluso le endilgaban el calificativo de comercial.

La realidad es que esas apreciaciones negativas derivaban de rancios prejuicios. La poesía de Benedetti se refería a la vida cotidiana, en la que incluía las relaciones de pareja, la tarea oficinesca, los avatares políticos y el humor que iluminaba la rutina, además de las condiciones del exilio y una visión propia de la gente urbana contemporánea.

Fue un poeta que buscaba comunicarse realmente con los lectores, y éstos lo han seguido porque les dice algo significativo para sus vidas, porque encuentran compatibilidad con sus expectativas o cuando menos se hallan frente al planteamiento de preguntas y respuestas que inciden en su circunstancia humana. ¿Qué otra función tiene la Literatura? ¿O es que tenemos que verla como ese regodeo en el lenguaje que da pie al forzamiento expresivo que de tanto querer lucir no dice nada? ¿Debemos decir que hay temas poéticos por sí mismos y que entre ellos está excluido el de la vida diaria y el del humano común?

Hay mucho de envidia en las críticas que se le han hecho. Sobre todo de quienes dicen no buscar la fama y demuestran un ansia narcisista cuando están ante cualquier público, aunque para su desgracia es poco lo que logran calar comunicativamente más allá de un cerrado y pequeño círculo. No menospreciemos la voluntad de los lectores ni tampoco las lecturas que les resultan sinceramente interesantes. No podemos negar el hecho de que Benedetti ha podido transitar a través de las generaciones, algo que tantos fenómenos literarios masivos no han podido lograr ni con toda la carga mercadotécnica o de respaldo político.

Los poemas de Benedetti tenían una apariencia de facilidad, pero se sostenían en una cuidada expresión. Se componían de versos alejandrinos, endecasílabos, heptasílabos, octosílabos, en series de un solo tipo de verso o combinados a libertad del poeta, o bien, desarticulando el verso medido.

Su coloquialismo no era nunca vulgar y sabía nutrirse del habla popular rioplatense. La estrategia retórica era lo suficientemente eficaz para lograr persuadir con esa faceta de sencillez.

Hay otras partes de su obra que también son de interés. Era un narrador sólido y los casos de “La tregua” en la novela y “Montevideanos” en el cuento constituyen textos que se vinculan fuertemente a la realidad de

todos nosotros, pedazos de vida que van cobrando significación dentro de su condición cotidiana. Es de notar también que Benedetti haya practicado recursos de otros tiempos, como el hecho de haber escrito una novela en verso, que es “El cumpleaños de Juan Ángel”.

Aparte, era un crítico incisivo. Mucho aprendí acerca de sus apreciaciones acerca de los poetas y narradores latinoamericanos o acerca del devenir de la cultura en función de una posible revolución social y política. Su crítica destilaba agudeza, con capacidad de observación y de analizar detalles que por lo común nos pasarían inadvertidos. Sin embargo, un pero que habría que hacerle era que a veces un excesivo prurito ideológico lo exacerbaba y lo hacía perder la objetividad, al grado de minimizar a autores como Borges o Vargas Llosa, subordinando lo que su obra puede tener de valor humano a las manifestaciones de su concepción ideológica.

Raro es que un autor se distinga en los cinco géneros literarios y Benedetti es justo un caso de ello. Menos conocida es su labor de dramaturgo y una obra como “Ida y vuelta” de los años 50 tiene mucho que aportar a tantas creaciones actuales que creen estar descubriendo el hilo negro. Si ahora se emplea el recurso del video y el power point, Benedetti empleó teatralmente el proyector de cine y el de diapositivas, además de estructurar eficazmente las acciones con un ritmo que no hacía perder el interés.

Otra obra suya fue “Pedro y el capitán”, bastante maniquea en su planteamiento pero que en el terreno pragmático contribuyó en gran medida a crear conciencia acerca de la desgracia de las dictaduras y el siniestro mundo de la tortura en Latinoamérica.

Benedetti estuvo de visita en Mérida en 1982. Era un hombre accesible, de sonrisa bondadosa, más bien bajo de estatura. Hubo una larga cola en la Librería Dante esa mañana para saludarlo, hacerle alguna pregunta y solicitar su autógrafo. Por la noche leyó sus poemas en Colón con Reforma ante un público numeroso y entusiasmado.

Mario Benedetti es un escritor cuya fama se debate entre dos grandes polos. El de un cariño real de los lectores, la admiración ferviente de su pueblo uruguayo (con grandes sectores en otros países de habla española) y por otro lado el pequeño mundo de la represión encubierta que tanto daño hace a la difusión de la literatura y el arte. Hay que desconfiar de los que se niegan a hablar y a escribir con claridad. A los que no tienden la mano a sus potenciales o reales lectores.

Tal vez importe poco cómo irá ascendiendo la reivindicación de Mario Benedetti en el controversial canon literario de Nuestra América, mientras su obra siga siendo leída amplia y efectivamente aun con el paso de las generaciones.

*Jorge Cortés Ancona (Mérida, Yucatán, 1964) Ha impartido clases en la Universidad Modelo (en las licenciaturas en Letras Hispánicas, Comunicación y Diseño) y la UADY (en la licenciatura en Artes Visuales.).

Colabora regularmente en el Por Esto! y actualmente es Subdirector General de Literatura y Promoción Editorial del Instituto de Cultura de Yucatán.

nuestro artista en portada Alonso Maza

Alonso Maza Herrera nació en Mérida, Yucatán, en 1980. Ha realizado estudios formales y autodidactas en Diseño industrial y Diseño en comunicación visual. Entre sus exposiciones colectivas participó con el colectivo Deisy Loría (Clicka de artistas visuales) que fue una agrupación interesada en las vanguardias, la tetralogía y el UFO art.

En enero del 2006 participó en Landings 2 con “Smurfosos Morbosos” (personajes de instalación textil sobre árbol en arríate) en Mérida, Yucatán. Más tarde, en noviembre del mismo año viajó al Festival Cervantino en Oaxaca, para participar con su instalación “Fausto y el amor, memoria 1”, en la Casa de Yucatán en Oaxaca. En el 2008 fue parte de la Exposición de artistas yucatecos en el Museo de Hacienda en México, D.F., con “Die, die, die”, “Yea yea yea” (pintura) y “May Dum” (arte objeto).

Entre sus exposiciones individuales podemos mencionar “Kill & Kuns” (instalación y pintura) en la galería ARO en Mérida, Yucatán, en el 2004. También “UFOsoníricos” en la galería “La Luz” en Mérida, Yucatán del 25 de mayo del 2007 al 29 de junio del 2007.

Asimismo, en el 2004 ganó el Primer lugar en la categoría de instalación de la 2DA Bienal Nacional de Yucatán y recibió la beca del FOECAY 2006 en la categoría de jóvenes creadores con el proyecto “Electro Domestique People” (instalaciones sónicas y cinéticas). En el 2008 participó en la Feria Internacional de Arte “Europ´Art” en Ginebra, Suiza, con “Yamkat de la cruz” y “Ufosoníricos” (instalación, pintura y arte-objeto), del 30 de abril al 4 de mayo.

Actualmente continúa creando en su casataller ubicada en el Centro Histórico de Mérida.

Contacto: Celular: 9992 36 9684

Sitio Web: www.karnekorp-bymaza.blogspot.com