Revista Sold Out, nº 27 by Revista Sold Out

ALBERTTINNY MANOLA

Sold Out es una revista cultural descargable y gratuita sin pretensiones escrita y diseñada por personas enamoradas de canciones, párrafos literarios, fotografías, películas y toda clase de manifestaciones artísticas

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Que no se te note.

Rocío Saiz (Roca Editorial)

Hay algo muy especial dentro de las redes sociales, y es el hecho de poder conocer cómo hablan, cómo piensan y cómo sienten aquellos artistas que hacen que nos lo pasemos tan bien desde las tablas.

Un caso esencial es el de Rocío Saiz, a quien conocíamos de Las Chillers, de Monterrosa y de su proyecto personal, además de su trabajo como actriz. Pero desde hace tiempo, insisto, gracias a las redes, conocemos a la persona, a la Rocío activista, a la Rocío que sufre, que se emociona, que celebra, que informa y señala. Por ello es importante ese libro, que considera “un entrenamiento a muerte del alma para atreverse a mostrarse tal cual una es”. Partiendo de la base de que vivir es el acto más heroico que haya visto nunca, la artista multidisciplinar anima en esta obra a liberarse, a mostrarse más que nunca en la vulnerabilidad, para tratar de ser un poquito más libres, y por ello esta “autoficción auténtica” es una original punta de lanza que hacemos nuestra con orgullo. Esa visión feminista y reivindicativa de la vida es un básico, al que Rocío añade la diversión, la sinceridad y esa pizca de locura que nos permite contar tantas cosas que quizás en determinados momentos nos han dejado sin palabras. “Podemos querer diferente, pero os aseguro que todas sufrimos igual, el dolor nos hace iguales”. El libro está ya en tu librería de barrio, como en Berkana, en la Calle Hortaleza de Madrid.

Un mes más con Arde Bogotá (¡y Tulsa!) recogiendo premios por sus canciones, discos y trayectoria, y un mes más recibiendo notas de prensa con carteles de festivales con muy pocas mujeres, o incluso ninguna. ¿Así se podría resumir el mundillo estas últimas semanas? Pues si le añadimos la nula gestión en pro de la salud mental de la escena, ya tenemos la foto al 100%. Así que cal y arena, yin y yang, dragón rojo y gato negro. Eso sí, los temas tendencia han sido aderezados por un montón de lanzamientos importantes, se han anunciado muchos conciertos que nadie se quiere perder (¡y venga más WiZinks del Dani, tío, se te va la olla!) y la vida sigue a la misma velocidad de siempre, sin perjuicio de llevarse a todo artista que ose bajar el ritmo para coger un poco a de aire. Hemos elegido poner en esta página 2, sin dudar además, una foto de Antonio Palazón (Meteórica), alguien que dentro de la industria sabe templar y adaptarse a los tiempos de los músicos. No en vano, su labor ha hecho, entre otras muchas cosas, que una banda como Despistaos, con más de veinte años de trayectoria, estén viviendo una edad de oro eterna del pop rock. Digo esto además porque en el súper hace un rato estaba sonando Estoy aquí entre canciones súper actuales, y generó en mí una felicidad inmensa. ¡Incluso me llevó a comprar más cosas de las que necesitaba, no os digo más! Como artista y como ban-

da, uno debe reinventarse por encima de todas las cosas, a su ritmo y con la calma que sea necesaria, porque está en juego el honor y prestigio del camino recorrido, las canciones con las que hizo historia, el recuerdo de actuaciones memorables, los valores, el alma, la identidad. También es bueno no abrir la boca si intuyes que tus ideales han cambiado un poco, pero eso es otra historia. Nos quitamos el sombrero, insisto, ante unos Despistaos que han conquistao nuevas generaciones al mismo tiempo que siguen teniendo bien arriba a las que estaban ahí cuando empezaron. Por ello, el lanzamiento del sencillo Mi mejor momento (Warner Music) es un premio para todos, pero sobre todo para sí mismos, dibujando una deriva autodestructiva de la que estamos empezando a ser conscientes, y nuestra mente ya empieza a pensar un poquito en cuidar cuerpo y mente. ¡Una retirada a tiempo, ya se sabe! La banda de Guadalajara ha anunciado una fecha importantísima en el Palacio de Vistalegre, a un año vista, y en cuestión de semanas estarán girando por Mexico, Chile y Perú. Ya en 2025 visitarán Barcelona, Murcia o Jaén como primeras fechas del año, con la calma. Vamos, que Daniel Marco y sus compis nos reconcilian con la vida. Hagamos nuestro este enfoque, y disfrutemos con conciencia de lo que la música nos da. Seamos sostenibles desde todos los ámbitos. ¡Medicina alternativa!

Texto y fotografía: Dani Pach

LEÓN BENA VENTE

BRILLANDOSOBREELCAOS

¡Lo que nos gusta un festín! En cuanto nos enteramos de que Abraham Boba iba a estar presentando el nuevo disco de León Benavente en La Salvaora Brown, en pleno barrio de Chueca, no pudimos resistirnos a la llamada de los valientes Ya en el lugar marcado a la hora señalada, nos vimos rodeados de un montón de fans, además de muchos artistas y amigos de la industria, que se iban poniendo en situación ante el artista vigués, que quiso regalarnos la pinchada de su vida. Si por entonces teníamos ganas de escuchar al completo esta Nueva sinfonía sobre el caos, cuando nos fuimos de allí la locura se apoderó de nosotros y de nuestros auriculares, algo que todavía experimentamos a día de hoy. Este nue-

vo disco abre una nueva era para la banda, siendo igual de directo, reflexivo y contundente que sus predecesores, y sumando ahora una apuesta decidida y desvergonzada por la electrónica y el baile, rindiéndonos al hecho de vivir rápido como única reacción a un mundo lleno de incógnitas León Benavente considera que el proceso de transformación y aprendizaje en el que se han visto inmersos en los últimos años, les ha llevado al lugar exacto al que se dirigían, aunque no fuesen del todo conscientes Si la premisa era seguir sorprendiéndose, seguir emocionándose, se han tocado las teclas correctas para ello, y una de ellas fue contar con la visión abierta de Martí Perarnau en la producción. El disco, de apenas 34 minutos, pone el acento en el hedonismo y en la personalidad de una banda que tenía claro que quería ser lo más distinto dentro de un distinto estilo, tomándose el tiempo necesario para que sonase justo así. Grabado durante semanas en los estudios Vacaloura, y masterizado por Víctor García en los

Ultramarinos Mastering, no podemos pasar por alto que es un trabajo autoeditado para el propio sello de la banda, Laventura, más allá de la colaboración obvia de G O Z Z , Panda y Altafonte Ya conocíamos adelantos como En el festín, Nada o La aventura, que nos ponían sobre la pista de una evolución singular y atrevida, y que seguimos saboreando en canciones que mantienen la estructura de siempre pero son más melódicas de lo común, como ocurre con la pista nueve, Brillando, que se abre incluso a los ritmos urbanos, siempre con la esencia LB presente Eso sí, la gente se seguirá volviendo loca en sus conciertos cuando suene Baile existencialista, que guarda esa rabia clásica, esa incendiaria forma de proceder que les ha traído hasta aquí. Y es que, siendo sinceros, las letras de un costumbrismo caótico ya estaban, revolviéndose ahora entre nuevos ritmos y velocidades. Las atmósferas y bandazos de Qué cruel es otro de los puntazos del disco, que termina con Gerry, un reflexivo y humano despertar.

“Como siempre he dicho, yo no soy un investigador, aunque tenga que investigar para documentarme.

Soy un contador de historias. Y eso es lo que voy a hacer.”

Jesús Báez Jesús Báez

Por fin ha caído en nuestras manos la esperada nueva obra de Jesús Báez, bajista y escritor (y viceversa), que muchos conoceréis gracias al hashtag #LaHistorietaMusical, ligado a un sinfín de historias interesantes sobre música en Twitter, que le ha llevado a colaborar incluso en Radio Nacional o la Cadena SER El que fuera autor de obras como Fuera, la oscuridad, El flautista en el camino o El nudo trenzado y otras historias mediocres, se deja llevar definitivamente por su pasión, la música, para brindarnos una obra llena de historias y de emociones, sobre las que sobrevuela inevitablemente la muerte, el fin del camino, pero que tiene un rayo de luz vital en un epílogo maravilloso en el que uno termina de honrar a la música como la gran esperanza sobre todas las cosas. El autor consigue con esta publicación que aprendamos, que conozcamos muchos detalles de las vidas de los artistas con los que crecimos, y eso es ya de por sí un valor interesantísimo que hace que no podamos parar de leer No en vano, la bibliografía, la filmografía, la hemeroteca de la que se ha valido para comple-

tar las historias, y los detalles informativos incluso de cada fotografía incluida en el libro, hace que uno se sienta orgulloso de que existan publicaciones así Jesús lo resume tal cual: son historias tristes, felices, amargas, pero sobre todo son historias increíbles que valía la pena contar, aderezándolas además con listas de Spotify diferenciadas para cada capítulo, creadas con el objetivo de que la experiencia de esta lectura sea completa En un mundo en el que todo va tan rápido, y en el que muchos leemos los hilos del autor en el metro, esta forma de parar el tiempo es todo un regalo Es cierto que hay páginas que impactan, y es que la vida no era fácil para los protagonistas de este libro, en un universo en el que tenían mucho que decir las drogas, el acohol, la carretera, las ideas suicidas, las enfermedades o los puntuales errores médicos, si bien Jesús también se esfuerza en desmitificar a los artistas, que al final son personas como nosotros y también cometen errores, algunos de bulto como los que os encontraréis en estas páginas Incluso analiza el falso romanticismo del macabro club de los 27, que nos han vendido como la edad maldita de los grandes nombres del rock. Es, en definitiva, nuestra recomendación del mes. Si al final todos tenemos que morir, que sea con música.

Viajando a 1977

Manola

Es una de las artistas de las que más se está hablando en las últimas semanas, y de ello tiene gran parte de culpa El Sótano (Calaverita Records), su flamante primer disco, además de su apuesta por un nivel artístico y técnico altísimo para presentarlo en vivo como merece. Manola es Teresa Ríos, quien visitó Madrid estos días junto a Álex Fernández, y nos dio la oportunidad de compartir un par de cañas en la zona más cinéfila posible de la ciudad. Esta es una historia y un talante de película.

Hablemos de sentimientos nuevos. Estoy aliviada. Ese es el sentimiento más grande que tengo, porque ha sido un proceso súper largo. Empecé a componer el disco en 2021 cuando me vine a Madrid a vivir, y fíjate cómo me ha ido cambiado la vida: me ha dado tiempo a mudarme dos veces de casa, a volver, por supuesto, a Andalucía, y en ese proceso incluso llegué a pensar que el disco no saldría: cuando lo terminé de mezclar tenía toda la fuerza, el arranque, la motivación de haber estado inmersa en el disco, generé una idea de lo que quería que fuese el disco, y pensamos ya en dedicar (porque no tenía sello) dos meses en enviar el disco a todo el mundo que se nos ocurrió para intentar montar un equipo, esperando a alguien a quien le pudiese motivar. Aquello fue durísimo, porque me encontré mil noes, y lo más duro es que nadie era sincero del todo. Me encontraba mucho con la frase “me encanta

el disco, pero no tenemos tiempo”, o “tu proyecto es demasiado pequeño y no podemos abarcar lo que necesita”. Era muy frustrante porque yo lo único que quería era sacar el disco, nunca he tenido pretensiones más allá de eso. No estoy pidiendo que me cierren una gira de cien conciertos, o que mi objetivo sea ser famosa mañana mismo. Te estoy pidiendo ayuda porque mi sueño es sacar un disco y compartir mis canciones, nada más. Ahí crece en mí ese pensamiento de que quizás no sirva para esto, que es una lucha constante que tengo de toda la vida. Al final llegó Calaverita Records en un momento en el que ya casi nos habíamos dado por vencidos, pensando incluso en sacarlo solos. Escucharon el disco, les moló mucho, y hasta hoy.

¿Cómo llega el disco a Calaverita?

Pues te mentiría si dijera que fue por mí. Álex es una persona mucho más positiva en esa parte “empresarial”, nunca acepta un no por respuesta, y habló con nuestros amigos de Nadie Patín, que están muy contentos en Calaverita. Les pidió el contacto, envió el disco y Jorge, que es uno de los socios, nos contestó al instante. Fue súper sincero con nosotros, y mira, al final hemos sacado el vinilo con ellos.

Y al final creasteis un equipón, para el antes y el después del disco.

Con respecto a la música, siempre he teni-

do muchos miedos, y me pasó que cuando tuve el vinilo en mis manos y lo escuché, fui consciente de que me había metido mucha presión en el proceso, que había invalidado muchas de mis ideas, que he compuesto esto con 23 años, que el 90% del disco está grabado en casa (que es algo muy heavy), y al final me doy cuenta de la suerte que tengo, y que hago mío eso de que una persona inteligente es esa que se rodea de otras más inteligentes que ella. La gente con la que he trabajado siempre son amigos, familia. En Tuétano, Juan, que toca en Rufus, me dijo “tía, si quieres unas congas, soy tu hombre”, y yo le dije que adelante con ello cuanto antes. Club del Río me ofrecieron el estudio y fue súper bonito. Y Raúl de La Mina es nuestro guía espiritual, porque llevábamos las producciones hechas al 100%, pero él se encarga de aconsejarnos, de transmitir su amor total a la música, y se busca la forma de mejorar lo que parece inmejorable. De hecho, con las grabaciones de las voces es con quien mejor me he sentido, y es algo en lo que siempre soy muy crítica.

El disco parece súper emocional, y pensado para escucharlo del tirón. Lo cierto es que no me planteé el disco más allá de la necesidad de sacarlo. No había un orden de inicio, las canciones salieron y luego se fueron ordenando de forma natural. Asocio el orden a las fases del duelo: en Me extraño, la tercera pista, yo

estaba en la mierda, sin saber muy bien quién era, qué hacía aquí, sin perspectivas de nada, y en Hoy por mí (la sexta) ya está presente esa conciencia de “vale, ahora sé qué es lo que me duele”. Justo en la siguiente canción, Estoy aquí, ya estoy más tranquila, asumiendo y entendiendo las decisiones que en su momento tomé. Como todo duelo, es un proceso que acaba muy bien, siendo totalmente consciente del año que pasé.

Como la montaña que supera Izaro. Su montaña es aquí ese lago que sale en la primera canción, donde cuento que estoy cerca de un lago, donde la niebla me hacía huir. Para mis adentros, siempre había renegado un poco de mi tierra. Con siete años me fui a Cádiz a vivir, y siempre digo que soy gaditana pero no me gusta el Car-

naval, no me gusta la Semana Santa, no me gusta la playa. No sentía ese arraigo característico. Considero además que no tuve adolescencia, porque iba cada día al colegio, luego al conservatorio, y luego a mi casa, y no salía porque siempre he sido un poco ermitaña. Pero fue vernirme a Madrid a vivir y decirme a mí misma: hostia, es que soy súper andaluza, que estoy echando de menos todo lo que allí no me gustaba. Yo lo que necesito es volver, ya no por mi tierra, sino porque es mi gente, mi paz, mi lugar. El año de la composición del disco me lo pasé entre Madrid, Sevilla y Cádiz. Iba y venía porque me di cuenta de que no podía estar aquí. A Rufus les dije: sé que sois de Aranjuez, pero a mí vivir en Madrid me está quitando la salud. Si os parece bien que yo vuelva a mi casa, yo obviamente no voy a faltar jamás

a ningún concierto. Me da igual hacerme doce horas de coche si el lunes pueda estar en mi hogar. Se lo tomaron súper bien.

A los tiempos de Rufus, quizás ahora se unen tus propios tiempos. Cuando me preguntan esto pienso en que ojalá algún día no lo pudiese compaginar, porque mi proyecto estaría funcionando. A día de hoy lo llevo muy bien, además, me considero una persona muy responsable, muy fiel. A Rufus les doy prioridad dejando claro la importancia de mi proyecto, y de hecho ellos siempre me han alentado en ese aspecto Se puede compaginar porque mi objetivo es tocar, y las horas de coche me saben a gloria.

El disco es un caleidoscopio sonoro, y también lo es en lo visual.

A nivel estético quizás parezca que vamos con una imagen híper pensada, pero realmente no es así. Mi imagen la he ido construyendo en base a mi madurez, pero en mi día a día soy de la misma manera. En la gira de El largo mañana de Rufus, que teníamos que ir en traje y chaqueta, yo no necesité comprar ropa porque era la que ya tenía en mi armario. Es verdad que el vinilo, ese color rosa, esa imagen del coche, tiene mucho sentido con respecto al disco porque prácticmante lo compuse viajando. Quizás en una furgoneta, o en un tren, pero encaja en el sentido del disco. La estética tiene sentido a nivel sonoro, yo siempre digo que tenía que haber nacido en los años 50, soy una tía muy clásica, me gusta mucho lo antiguo. Hay muchas cosas orgánicas, y hay un poco de modernidad, es decir, al igual que me pongo estas gafas, que, por supuesto, no son de los 70, en la música también hemos buscado sonidos actuales, que encajan con mi edad.

En Sold Out nos enganchamos muchísimo a uno de los singles: 1977. Pues es una canción a la que tengo mucho cariño, primero por el título, porque mucha de la música que escucho es de los 70. Como siempre digo que me habría encantado nacer en los 50, en ese año tendría la edad que tengo ahora lanzando el disco. El número 7 me gusta, y además salieron en aquel año discos muy guays como el homónimo de Commodores. Por otro lado, esta canción tiene mucho guardado, y es que habla de cómo me sentía con Rufus en los primeros conciertos. La primera frase lo dice todo: hoy los focos no me alumbran, y no sé cómo explicarte cuánto cuesta volver a empezar cuando no te oye nadie. Cuando empecé con ellos, mi proyecto estaba totalmente parado al venirme a Madrid a estudiar además un master de periodismo, asumiendo por entonces que lo de la música no iba a funcionar. En mi cabeza rondaba siempre eso de esto va a acabar

mal, no va a funcionar. Esa frase, que se repite a lo largo de la canción, resume mucho este tema, porque yo nunca quise ser teclista. Jamás. Mi hermana es cantante de ópera, y cuando estábamos en casa, tranquilas, me decía “tía, acompáñame con esto”, y yo es que no me lo pasaba bien, no me gustaba acompañar a alguien. Me acompaño a mí porque no me queda más remedio. Y por eso con Rufus al principio tenía una sensación agridulce, porque sí, mi proyecto estaba paradísimo, y de repente me emocionaba cuando veía a la gente cantando Nebulosa Jade. ¡Qué estoy sintiendo, que me pongo llorar con alguien que está cantando una canción que no es mía! Me está gustando esta sensación, pero a la vez me encantaría estar yo cantando, y que algún día alguien pudiese cantar mi canción. Frustración y alegría al mismo tiempo, porque estoy experimentando algo que yo pensaba que no era para mí, y resulta que al final sí lo es. Pero al mismo tiempo me siento una incomformista que no está valorando esto que estoy viviendo porque tenga esa rabia interna que me pide hacer lo mismo con mis canciones. La canción debería haber acabado con un “esto sí va a salir bien”, pero en aquel entonces no lo sabía.

¿Y has sentido eso ya con tus temas? Pues es que este disco me ha ayudado a no tener la necesidad de sentirlo. La música al final es una carrera de fondo, y más en mi caso porque lo que hago no es comercial. Esto me ha ayudado a quitarme ese anhelo de gustar a la gente. Vivo de la música, estoy en una banda que es maravillosa, que son mi familia, y disfruto muchísimo tocando sus canciones. Y cuando tengo un concierto mío, me lo tomo como un regalo, porque no todo el mundo tiene la oportunidad de subirse a un escenario. Por lo tanto, si vienen dos personas yo seré la persona más feliz del mundo igual. Sé que en los conciertos que vengan tendré que poner dinero de mi bolsillo. Es una inversión. Ganarán dinero mis músicos, que es mi propósito hoy, porque no tenemos diecisiete años y nadie va a tocar conmigo sin cobrar. Lo que genero con una banda, lo invertiré en la otra, y entre medias comeré puchero (risas).

¿Cuánta ilusión hay en los directos?

A mí lo que más me gusta es componer y grabar. Es un proceso increíble, y ya decía antes que soy un poco ermitaña. De no haber conocido a Álex, yo no habría salido de mi cuarto, que tengo allí un piano. Nunca he tenido esa necesidad de salir fuera. Al final eres consciente de que el colofón es compartirlo, y en ese sentido tengo muchas ganas, sin pensar en el resultado. Ojalá la gente se dé la oportunidad de escuchar algo que no conoce, y sean respetuosos, silenciosos.

CERRANDO‘TODO ALREDEDOR’EN ‘MADRIDMUSICEXPERIENCE’

Acudimos a la llamada de Club del Río, para verles una vez más (y siempre serán pocas), esta vez en el Gran Teatro Caixabank, una cita que servía para cerrar el ciclo Madrid Live Experience, y en cierto modo para cerrar también la gira X Aniversario: Todo Alrededor. Siempre hay un cierto halo de nostalgia en lo que hacen estos músicos incombustibles, y en esta ocasión esa sensación iba a acentuarse incluso un poquito más El público, un pelín perezoso de inicio, fue introduciéndose poco a poco en un show en el que por suerte hubo más momentos de silencio que de costumbre en este tipo de eventos La banda de Esteban, los Álvaros, Adriano, Jacobo y los Juanes, siguen obligándose a vivir fuera de su zona de confort, y por eso siempre es una delicia escuchar y ver cómo los acordes, los ritmos de percusión, las voces y los coros empiezan en los gestos, en las muecas, en las posturas Al revés de lo que sucede con muchos músicos y artistas en general, sus cuerpos parecen la extensión de sus instrumentos. Es una gozada, tanto la interpretación de las canciones de su último trabajo, como el recorrido por aquellas composiciones con las que han ido tejiendo un camino distinto al de la mayoría. Ojalá ese folk tan íntimo, esa delicadeza natural, esa luminosidad en cada chorro de voz, nos acompañen muchos años. Siempre desde el amor.

ULTRALIGERA ULTRALIGERA

Texto: Dani Pach

Son una de las grandes revelaciones del rock en español, y están de dulce en la etapa previa al lanzamiento de un primer LP que quizás cambie sus vidas para siempre. Ultraligera son Gisme, Coque Fernández, Santi Urruela y Martín Aparicio, a quienes les une una aventura que no para de crecer y que tiene un capítulo inminente en el Teatro (de los sueños) Eslava, en donde agotaron entradas en apenas seis días. Nos tomamos unas cañas en Tirso de Molina para comentar esta y otras jugadas del rock, así, tan pichis.

Todo el mundo habla de Ultraligera. G: Y vemos con mucha alegría que esté surgiendo una comunidad tan chula que nos esté apoyando tanto, y que estén entendiendo nuestra propuesta musical y letrística, y las emociones que tratamos de generar en los conciertos, que creemos que es nuestro punto fuerte. Estamos viviendo esta aventura con la sensación del trabajo bien hecho, de orgullo propio y, por otro lado, con mucho agradecimiento.

Cómo se resume la historia de la banda.

G: es la historia de tres amigos que se juntan en el insituto, buscan un batería y no dan con la tecla, hasta que un día nos topamos con Martín, que venía de Galicia. Ahí es cuando se forma el cuarteto, y ahora es cuando hemos ido introduciendo a un guitarrista más, un amigo de otras bandas. Ya sabes, formábamos parte de esa movida adolescente en la que todos tenemos muchas bandas y todas van a llenar estadios. Luego la vida nos va bajando un poco a la tierra, y uno empieza a ser consciente de lo que supone tener una banda, y cuáles son las formas reales de trabajar en esto, las formas de hacer rock. La ilusión permanece al mismo tiempo que las bandas van cayendo, y al final lo que ha quedado es esto, este grupo de amigos. Publicamos por singles un EP, Europa, y a

partir de ahí empezamos a preparar nuestro primer disco, que es el que realmente nos ha impulsado a entrar en la escena, o eso es al menos lo que se percibe desde fuera.

Ese EP ya llamó mucho la atención.

G: aquí es donde entra la figura del manager, que es para nosotros uno más, un amigo, que entiende la música justo desde ese rol. La discográfica aparece al final para completar un esquema que supone para nosotros quitarnos trabajo en ciertas cosas, y para apoyarnos en otras. La verdad es que lo mejor de todo esto es que sigue intacta la premisa de por encima de todo, nada ni nadie modifique nuestra forma de hacer arte y de defenderlo.

En los adelantos del primer disco vemos mucho rock, y también intimismo.

G: con las letras siempre buscamos desarrollar un alter ego, y luego lo instrumental apoya esa idea. Es lo grande de la música: con una sola palabra, y con la música que hay detrás, con una determinada melodía, con un ritmo concreto, te hace sentir cosas mucho más grandes que si simplemente la hubieses visto escrita. Tratamos de contar historias de personajes que incluso podrían haber sido nosotros mismos si las cosas se hubiesen dado de otra forma. Incluso a veces contamos historias propias, aunque no somos de contar la vida tal cual se da, sino de imprimir decadencia en ciertos personajes medio enloquecidos que parece que soltamos por las calles, que jugamos con ellos como si fueran playmobils, y a los que en definitiva tenemos que poner en determinadas situaciones para ver cómo acaban. Matanza en el hotel, por ejemplo, habla de ese momento al final de una relación en el que los que la forman ya no se entienden, y entonces se baten en duelo con el escenario de un hotel de lujo

de fondo, para escenificar esa muerte del amor que todavía tiene chispas de pasión cuando recuerdas por qué empezó.

Ya que sacamos el tema de los últimos adelantos, habladnos de El Pueblo. G: El Pueblo es esa mirada nostálgica de lo que vas perdiendo cuando empiezas con la música. Ganas muchas cosas, pero te deshaces de muchas otras que puedes llegar a echar de menos: los fines de semana en familia, las cervezas despreocupadas de los sábados y domingos rodeado de amigos... Ahora te las tomas, pero dentro de un contexto de esto del rock, casi como un semi-trabajo Estás mucho rato pasándolo bien, pero al mismo tienes que estar un poco al loro de que la propuesta que tienes no decaiga. Miramos al pueblo que dejamos atrás, a esa chimenea encendida de cuando eras pequeño y estabas en torno a ella en una comida familiar... Lo miras desde la perspectiva de ir caminando por la calle hacia un concierto, y darte cuenta de que todo se ha perdido, de que casi estás perdiendo la cabeza por los horarios, por la falta de rutina, que es uno de los grandes peligros de esta profesión.

El tiempo se parará un poquito al menos en el local de ensayo.

C: en el local es donde más tiempo pasamos, donde más tranquilos estamos, en procesos de composición, preparando shows, haciendo fiestas... Nos hemos cambiado de local recientemente tras muchos años ensayando en un zulo en el que todo estaba mal, y hace unos meses nos montamos un local un poco más chulo, que da pie a organizar alguna fiesta, y sobre todo a pasar tiempo relajándonos. Antes íbamos a ensayar y gracias, porque no resultaba agradable ni para tomarse una cerveza ni para estar. Ahora tenemos sofás, una zona para tomar algo, una barra.

¿Por qué Pelo de foca?

G: queríamos que el nombre del disco aludiera más a una sensación que a una idea racional. Creemos que los nombres influyen y casi determinan la forma en la que se va a escuchar algo, algo que puede ocurrir también con la estética y todo lo que lo envuelve. Pelo de foca es una idea de algo extraño, ya que pocas veces uno se para a pensar en el pelo de una foca. Nadie, salvo quien curre en Faunia, tiene una idea u opinión real de ese tipo de pelo, por tanto es como entrar al universo de Ultraligera despojado de tus opiniones de siempre, para activar una parte menos racional de ti que te lleve a guiarte más por sensaciones. Creemos que es algo que falta en nuestro entorno, en el día a día.

Habladnos un poco de vuestro equipo.

C: el disco lo grabamos en Estudio Uno, con Ludovico (Vagnone), con quien habíamos trabajado ya en el EP. Nos gustó mucho su forma de trabajar en aquel momento, y quisimos que estuviese también ahora. Al mismo tiempo, investigando sobre quienes habían producido a bandas que nos gustaban, vimos que se repetía mucho el nombre de Óscar Clavel. Consultamos a la discográfica si era posible contactar con él, tuvimos una reunión en la que parecía entender el concepto, nos metimos al estudio después y la verdad es que estamos muy contentos con el trabajo que ha hecho. Estuvimos muy a gusto, entendió muy bien las canciones y en las mezclas consiguió alcanzar el sonido que queríamos, algo que desde mi punto de vista no habíamos conseguido antes.

Al respecto de los diseños de Alejo Trulls, una canción = un símbolo. G: esto surgió gracias a un viaje por Europa que hicimos Alejo y yo. Empezamos a comentar, a examinar maquetas, a idear algunas cosas. Luego nos reunimos todos juntos varias veces, porque ya sabes que hay ciertas propuestas que de madrugada se hablan desde otros puntos, pero a partir de este viaje con Alejo, que ahora mismo está diseñando en Suiza para marcas muy exclusivas, mantuvimos esa conversación a base de videollamadas. Él necesita ver qué sentimos, cómo lo sentimos, y le gusta mucho lo críptico, lo misterioso, las cosas no evidentes. Siempre ha sido proclive a hacer cosas que tengan varias miradas. Diseñó todo este concepto de símbolos, y fuimos comentándolos, ya que quería que cada canción tuviera su propio símbolo para que, de alguna manera, la gente lo pudiera hacer suyo, es decir, que tuviera algo visual en lo que depositar toda esa emoción que le pudiera generar una canción, que al final es algo un poco etéreo. Ha ido jugando con el diseño del CD, del vinilo, que hubiera desplegables...

C: cada símbolo está relacionado con alguna parte de la canción, con algo que venga incluido en la letra. En La basura, por ejemplo, el símbolo es una lágrima, que conecta con el verso donde empieza el puente. Cada símbolo es una imagen de algo que ocurre en la canción.

G: desdibujada y hecha ruina, que al final es como empieza la letra y como empieza el propio abedecario, y de donde parte el lenguaje escrito. El pequeño símbolo es que hubo una idea que luego acaba reducida, que termina siendo una cosa reducida al mínimo.

¿Con qué signo os sentís identificados?

C: diría que con el símbolo de la canción que da nombre al disco, que además es la más cañera y ganó el título por eso.

M: es la canción que mejor representa ese estilo de música que nos mola. Somos rockeros, y sí, hacemos pop rock, pero por el estilo de música que escuchamos, por cómo hemos percibido siempre la música dentro del rock and roll, disfrutamos muchísimo tocándola. En los conciertos no

lleva samplers, va todo a pelo. Es algo que nos flipa, y yo al menos lo siento así.

G: es cierto que en directo la gente se vuelve loca, es un poco noventera además.

Supongo que por cosas así se consigue llenar un Teatro Eslava en seis días.

C: yo perdí una apuesta con nuestro manager por esto, porque él estaba convencido de que se iba a llenar la sala en un plazo similar, y yo le decía “oye, que quizás lo vendamos todo igual, pero conforme se vaya acercando la fecha.” Lo demás me parecía una locura.

G: ¡yo decía catorce días!

C: nos jugamos una comida, así que tendré que invitarle en algún momento.

G: podríamos mentir y entonar el típico discurso de “oh, no nos lo esperábamos, qué sorpresa”, pero cuando dedicas tanto tiempo a tu proyecto, cuando es tu vida, al final sabes que para vivir de esto hace falta conseguir estas cosas e incluso más. La inversión, cuando llevas una buena producción, es grande, también en tiempo y en personal, entonces más bien nos invadió una sensación de tranquilidad, de confirmar que las cosas están yendo como queríamos que fueran cuando éramos chavales y escuchábamos nuestras maquetas de mierda en los altavoces malos de un coche. Que lo que un día soñamos se vaya cumpliendo nos da una pista de que la cosa va bien. La comunidad está creciendo, el arte es siempre una conversación entre quien lo hace y quien lo recibe, y éste último es capaz de modificar también lo que hace el creador. Nos gusta. C: la gente nos decía que por qué no cambiábamos de sala, pero queremos ir paso a paso.

G: es un sitio brutal además. La primera vez que salí con amigos por allí fue con trece años en una fiesta light. Se podía entrar con catorce, pero recuerdo mover con tipex la fecha de mi cumple. Borraba el circulo al 8 se te quedaba un 6 de puta

madre. De pronto, verme tocando en el escenario junto a mis amigos, haciendo rock ante mucha gente cantando nuestras canciones, va a ser una puta locura.

C: y esto después de un verano increíble, en el que hemos tocado en muchos sitios, nos han puesto a buenas horas, tenemos un club de fans que nos ha seguido a todas partes, con carteles, con merch...

G: ¡también producen memes los cabrones! Nos meten mucha caña, captan cualquier detallito y se lo pasan... Son la hostia.

C: como para no estar agradecidos. En el Jardín de las Delicias se generó un ambiente brutal. La gente así de entregada da un plus a la atmósfera de los conciertos.

Ginebrasdeoro

Qué bonita se pone la Sala El Sol cuando se brinda por las victorias que llegan sin esperarlas, fruto de la constancia, del curro para llegar y para mantenerse en una escena que no se lo pone nada fácil a las bandas, algo que se acentúa cuando están formadas por mujeres. Ginebras han luchado mucho, y lo siguen haciendo, por ese espacio tan necesario para las artistas, y un Disco de Oro es señal de que van por el buen camino en prácticamente todas las decisiones de su trayectoria Para los que un día fuimos a la Siroco a ver a una banda desconocida para la mayoría, con apenas una canción subida a plataformas desde unos días antes, es muy emocionante haber vivido desde las primeras filas tantos hitos, tantas grandes canciones, tantas salas llenas, tantos festivales Por ello, cerrar el círculo recogiendo un premio así de una canción que coreó toda la sala en aquella noche de jueves de junio de 2019, es para pellizcarse primero, y para felicitar una y otra vez a una formación que ya es historia contemporánea, activa, de la música de nuestro país Por supuesto, este evento no iba a estar exento de anécdotas dignas de contar, con el micrófono de Virginia Díaz sediento de titulares curiosos

Cuando se terminaron los elogios, las palabras llenas de emoción de las protagonistas, el humor de Raquel y las fotografías junto al elegente disco, las Ginebras se pusieron en modo trabajo, regalando a fans, medios y crítica, un mini concierto muy divertido y que nos convirtió de repente en unos verdaderos privilegiados, ya que ver en vivo, y en una sala mediana, a una banda que ha crecido tanto es un lujo que por suerte podemos contar También es cierto que han anunciado cuatro fechas en Madrid precisamente para celebrar el fin de la gira Billie Max volviendo allí donde todo empezó Por ello (y sentimos decirte que no queda ni una sola entrada disponible), actuarán cuatro veces en Madrid en el mes de mayo, precisamente en la Siroco, en Maravillas Club, en la Sala But y en La Riviera Si no te pilla bien la capital, no te preocupes, porque estarán desde febrero en Barcelona, Zaragoza, Bilbao, Toledo, Alicante, Sevilla y Santiago de Compostela. ¡Qué gozadita, amigas!

EMBUSTEROS ¿QUIÉN DIJO ‘VÉRTIGO’?

Embusteros siempre han estado ahí, presentes desde hace una década en un entorno musical cada vez más cambiante, en el que han sabido mantenerse y buscar su sitio a base de grandes discos y un directo más que solvente Vértigo es el cuarto trabajo de estudio de los de Córdoba, y no sabemos si realmente puede ser un antes y un después en su carrera, tal y como leemos en diferentes medios, pero sí que se puede palpar en las canciones un proceso creativo más profundo, más emocional si cabe, incluso más delicado De hecho, en una primera escucha atenta de este larga duración al completo, todas esas virtudes se podrían representar a la perfección en El nido del cuco, una de las composiciones en las que notamos más corazón, más elegancia en lo instrumental y más alma en las letras El rock sigue ahí, los detalles electrónicos también, y los estribillos mantienen ese don de elevarnos, pero también hay pop, hay intimismo y hay mucho nervio, más

de lo habitual Las canciones de este trabajo se pueden considerar unas privilegiadas, ya que fueron seleccionadas entre unas treinta, y entraron al estudio para ponerse en manos de un grande y eterno Manuel Colmenero, productor que ha trabajado también con artistas como Vetusta Morla, Shinova o Eladio y los Seres Queridos Con estos mimbres y la citada evolución creativa, el resultado os lo podéis imaginar Es cierto que los adelantos ayudaron a hacernos una idea de lo que se venía, no en vano, Llévame a bailar se encargó ya en marzo de introducirnos al baile, en un ejercicio de libertad y de romper con el pasado En cualquier caso, la favorita de la Sold Out es la segunda canción del disco, Todo va bien, que nos tiene in love por sus voces dobladas, por cómo se va revolucionando conforme pasan los segundos, y por un mensaje que es algo así como una hostia de realidad, un “¡Espabila, tío!” que nos encanta Eso no quita que nos flipe el rit-

mo funky de Nadie sale vivo hoy de aquí, o la envolvencia a base de riffs de Y no lo ves, con esos coros y ese potente estribillo casi de estadio Hay incluso momentos disco, como ocurre en Que no se pare, donde quizás la banda experimenta una evolución más aguda, algo que se extiende en Al Infierno, una pista pese a todo más oscura en la que el bajo de José es dueño y señor De la canción que da nombre al disco agotaríamos todos los elogios, porque es quizás una de las más completas (y ojo, es mucho decir) y reveladoras de Embusteros en toda su carrera Este disco no baja el nivel ni al final, con una rotunda No te va a gustar que cede el protagonismo, la guinda, a Volver a casa, capaz de zarandearnos desde la calma al caos, con transición onírica incluida Ya somos fans del vértigo

Texto: Dani Pach Fotografías:

Kintsukuroi Ese es el título del primer álbum en solitario de Alberttinny, el nombre artístico de un Alberto Pérez que tiene esa mirada de quien empieza una aventura ilusionante, liberadora, poniendo el contador a cero tras formar parte de una de las bandas más importantes de nuestro país en los últimos diez años. Antes de su firma y showcase en Marilians, tuvimos el honor de poder compartir un cóctel en la zona centro de la capital. Esta primera ronda la pagó Alberto, tras una entrevista agradable y llena de paz.

¿Cómo te encuentras hoy?

He pasado por varias fases. Las vueltas siempre son un poco caóticas, con cierto nerviosismo, que es algo que también me pasaba en Izal tras los parones. Volver siempre lleva consigo mucha intensidad, y en este caso incluso más, porque esta película es muy distinta. Estoy planteando esto como un aprendizaje, que es básicamente lo que llevo haciendo durante cuatro o cinco años, porque hago muchas cosas que antes no hacía, componer, arreglar... y arrancar un proyecto en un contexto totalmente distinto, nuevo. A día de hoy todo ha cambiado mucho, incluidos los lugares donde se hacen los conciertos, la forma de consumir música... Estoy ilusionado, ahora concretamente estoy trabajando muchísimo porque estoy haciendo repertorios acústicos, repertorios con banda, y tengo esa preocupación por conseguir hacer algo bonito que me está llevando mucho trabajo pero me hace muy feliz poder seguir haciendo música.

¿Pesa quizás el nombre de Izal? Más que pesar, siento que puede ayudar un poco, al menos a posicionarme de alguna manera. Considero, por otra parte, que mi música no tiene nada que ver con aquello, y en ese sentido no hay lugar a comparativas. Tampoco pretendo llegar a ningún punto concreto, más allá de poder seguir viviendo de la música. El inicio fue ese y me encantaría poder seguir pagando las facturas así.

Tienes un equipón: Alejandro a la batería, Mikel Irazoki, Santos & Fluren... De hecho Mikel llegó por parte de Santos y Fluren, y es un tipo con mucho talento, con el que se puede trabajar muy bien. Toda persona que ha trabajado en el disco ha dejado algo ahí dentro, ha habido libertad en el estudio. Yo he querido llevar a cabo un proceso de grabación distinto, aprovechando que no había presiones (más allá de la mía, que yo me jugaba mucho), es decir, nadie había escuchado nada todavía. Quise que todo el mundo probara cosas, que sus ideas se pudieran desarrollar, y luego tratar de ser lo más selectivo posible y tomar decisiones. Fue un proceso bonito de grabación, y está siendo bonito en general. El inicio fue muy duro, muy triste, pero eso es lo que hizo impulsarme y llegar hasta aquí.

En Sold Out hemos definido el disco como una “liberación tranquila”. He tenido que llevar a cabo un proceso de autoconocimiento, porque cuando todavía

no tienes un discurso propio, cuando necesitas encontrar la forma en la que quieres decir las cosas, hay una parte de ti que quiere hacer cosas diferentes, probar cosas nuevas, y cuando terminas de hacer eso que es novedoso para ti, te das cuenta de que no te sientes identificado con el restultado. Yo quería empezar con algo que me identificase. Soy una persona que tiene que ir poco a poco, soy muy tímido y todo lo que supone una exposición, el abrirme en canal, el hablar de ciertas cosas, me supone mucho esfuerzo. Lo he hecho, me siento muy orgulloso de ello, y creo que he llegado al nivel que podía llegar en ese momento. Quizás ahora pueda hacer otras cosas, sin tantos complejos ni miedos, y eso espero, porque quiero sentirme liberado para cada uno de los momentos que viva. No me pongo límites, si acaso los pone mi personalidad, o como mucho mis limitaciones como músico.

La gira es una buena piedra de toque. Sí, y quiero llevarlo todo de una forma muy orgánica. Mi idea es presentar el disco sin fuegos artificiales. Quiero que la música sea la protagonista, quiero que sea un show chulo, con sus dinámicas, y poniendo siempre por delante toda la honestidad.

Mi propio incendio es para nosotros la canción que más define todo el disco. La elegimos como primer single porque es una canción muy emocionante. Una de las cosas nuevas que he tenido que aprender es

el hecho de respetar y entender mis tiempos de composición. Antes, cuando tenía que arreglar un disco o una canción, sabía cómo tenía que entrar, tenía mis métodos, pero en este caso es distinto Esta canción vino después de una época de sequía compositiva en un momento en el que yo quise estar mucho componiendo, y llegó un momento en que no salía nada. Cuando grabé la canción, al final acabé literalmente llorando. Por fin tenía otra canción, que además hablaba de mis miedos más profundos. Cuando fuimos al estudio a grabarla, nos pasó algo parecido, nos emocionamos mucho Santos y yo, y ahí decidimos que esta tenía que ser la carta de presentación. Hasta ese momento nos preguntábamos con qué salir. ¿Con Causas perdidas, que fue la última que compuse y me gusta mucho ese rollo también? Pero al final elegimos la canción que más nos había emocionado. Tengo muy presente su proceso de composición, el primer teclado buscando las notas, estar de madrugada con eso... Tengo un recuerdo muy guay.

En el caso de La Luz, nos gusta su calma. La primera estrofa de esta canción estuvo. grabada en mi móvil durante muchísimo tiempo. Tengo cosas guardadas en favoritos y de vez en cuando les doy una escucha. De ese trocito, la letra está tal cual, de hecho lo comprobé hace poco. Siempre me decía que tenía que continuarla, pero tenía que pensar muy bien de qué forma hacerlo, porque me parecía que estaba muy bien y había que tener cuidado de a dónde llevarla. Un día me puse a trabajar en ella y la terminé, pero solamente con guitarra y voz. Pasó el tiempo y me daba mucho miedo meterle mano a nivel producción en mi casa. No sabía qué hacer, así que decidí que sería la única canción que iba a llegar al disco sin ninguna identidad más allá de lo que ya había. Y una noche, Fluren, ya en Casa Murada, empezó a conectar teclados, empezó a tocar, a crear capas, a grabar, y yo estaba flipando mirando todo lo que estaba haciendo. Luego tiene algún detalle curioso, como un charles que aparece por ahí, que era una marca de claqueta. En lugar de ella, para que no me estuviera taladrando, Alejandro grabó un charles. Entonces, cuando estábamos grabando las voces, Santos siempre me ponía ese sonido, a mí me encantaba, y ya a la cuarta o quinta toma, tuve que decirle que había que incluirlo de alguna forma. El ambiente de sintes y teclados es de Fluren.

Es curioso, tantos años trabajando juntos y te sigues sorprendiendo. Son productores que, como todos, pueden tener su sello personal, pero no lo imponen. Intuición por ejemplo, se hizo en mi casa, y no grabamos voces en el estudio porque consideraban que estaba increíble tal cual, y que no tenía sentido replicarla. Captan hacia dónde yo quiero ir, obviamente aportan sus movidas, y discutimos si hace falta, pero tienen una capacidad de trabajo inmensa.

¿Qué sientes cuando tus canciones de repente están en tus manos en físico?

Flipas. Viajé a Bilbao a propósito, a la fábrica, el primer día que iban a empezar con los vinilos. Todavía estaban cambiando el color al blanco. Estuve como una media hora viendo todo el proceso insitu, y cuando me explicaron cómo funcionaba todo aquello, me volví. Necesitaba verlo.

Está funcionando bien a nivel ventas. Yo estoy muy feliz, no me centro mucho en los datos, aunque Altafonte me va dando algo de info. Ya en preventa no esperaba que la cosa fuese tan bien, y ojalá la cosa vaya a más porque es un proyecto pequeño y todavía hay mucha gente que no me conoce. Confío en que las canciones seguirán flotando en el aire e irán llegando poco a poco.

¿Y quién te acompañará en el directo?

Vamos a estar cuatro personas en el escenario. Además de Alberto en la batería, me acompañará Txarlie Solano (Mäbu) y David T. Ginzo (TUYA) en teclados y guitarra, y un montón de cosas más. Es algo heavy.

A partir de aquí, a donde te lleve esto. Siempre he tenido hacía mí expectativas bajas como una medida de autoprotección, porque muchas veces te llevan a punto absurdo que además es infinito. Lo que me interesa es mantenerme en el trabajo, que es lo que va a hacer que tengamos un buen directo. Lo único que puede hacer mejorar las cosas es que cuando yo coja una guitarra, conecte con mi música y sea capaz de interpretarla como yo quiero. Eso es lo que más me preocupa ahora. Mientras trabajo en todo eso, no tengo la cabeza puesta en los números. Me quedo con los mensajes emotivos, y el trabajo en el local para crecer.

NADIE PATÍN

Rápido, rápido, rápido! Para los que vivimos con el agobio madrileño en los huesos, con esa prisa absurda, es un placer encontrarnos con propuestas como la de estos jerezanos, que quizás no puedan salvar el mundo, pero sin duda lo van a intentar Selu y Gome llenaron la Sala El Sol con un montón de colegas con ganas de dejarse la vida para convertir una noche normalita de entre semana en unas horas difíciles de olvidar Al más puro estilo calaverita, y con una energía descontrolada entre el power pop y el punk, uno solo puede rendir pleitesía a esta consecución de canciones tan llenas de carácter Ojo, estos chavales no son unos recién llegados, ya la liaron en el Monkey Week de 2021, por decir uno de esos sitios en los que estar siempre es una muy buena señal ¡Lo que nos habríamos perdido si a Selu no le hubiese dejado la novia! El Futuro es de nuestras pistas favoritas porque tampoco creemos en él

Kokoshca Unos jóvenes llamados

Texto: Dani Pach

Fotografías: @bea11trice

Que las preocupaciones y problemas de la mediana edad no apaguen nuestra luz juvenil. Estamos brindando en nuestra ofi itinerante porque Kokoshca ha publicado su nuevo disco, el octavo ya (aunque aquí hay debate) de una dilatada trayectoria en la que quizás el pop ha ganado terreno poco a poco, y la diversión y el carácter ha ido dejando una huella vital en la escena. Tuvimos una conversación de sobremesa interesante con Amaia, Iñaki y Álex a tan solo unas horas de presentar La Juventud (Sonido Muchacho) en una tarde-noche de podcast muy especial en Maravillas Club.

¿Aún os quedan nervios cuando publicáis nuevos discos?

I: enfocamos esto con muchas ganas porque es un disco que se grabó hace meses, y siempre tenemos esa espectación, de cuánto le gustará a la gente.

Am: siempre hay nervios, ese “a ver qué pasa”, pero nos pueden las ganas porque queremos que lo escuche todo el mundo.

Es ya vuestro octavo trabajo.

Al: ¡depende de dónde empieces a contar! Puede ser el octavo, o el quinto, o incluso el séptimo. ¡Incluso el cuarto! Es decir, es el séptimo si omitimos el disco en directo; es el quinto si hablamos de vinilos (quitando la épica de Birra y perdiz), y el cuarto si hablamos de la época ya con Sonido Muchacho, que es, por así decirlo, la época más seria.

¿La Juventud es una vuelta al origen?

I: ¿tú crees? hemos repetido fórmula en el sentido de que no solemos partir de una idea para hacer un disco conceptual, sino que vamos haciendo canciones, nos psico-

analizamos y vemos ahí que estamos hablando de ciertas cosas. El concepto de La Juventud encajaba con esto, no tanto por añoranza o nostalgia, sino por una distancia, quizás, y por lo que hemos dicho siempre: reflejamos ese energía desde la madurez de nuestros cuarenta años. No es un peterpanismo, no es nostalgia, pero sí que hay algo de apelar a la juventud y de canalizar esa energía. También hay un punto de dirigirnos a esa posible audiencia con discursos un poco más paternalistas, como puede ser el de Pepe Mújica.

Un Mújica que teneis siempre presente. I: nos dimos cuenta al llevar la juventud al disco, que Pepe Mújica está obsesionado con su mensaje hacia los jóvenes, con el hecho de aprovechar la vida. Nos parecía un buen altavoz, otro medium.

El disco tiene un punto bailable, hay amor, desamor... Am: como decía Iñaki, nunca partimos de un concepto, pero al componer nos dimos cuenta de que había una entidad que hablaba de una energía muy juvenil, una rabia, una iironía, unas ganas de vivir, una manera guay de estar en el mundo y de exprimir la vida, de vivirla a tope. Aunque uno cumpla años, no implica que no deba seguir descubriendo, seguir ilusionándose. I: y al mismo tiempo hay un punto de madurez, de ver que ya no estás tan ahí. Al: sí que en la parte estrictamente musical hay una intencionalidad. Hay una energía buscada, y empiezan a salir nombres tipo “esta es muy Blast Candy”.

Am: y hay cosas que nunca habíamos hecho, como meter sonidos más de Manchester, hemos hecho un corrido, no

hay tantísimas guitarras como puede haber en otros discos...

I: y en la energía sonora que se transmite nos decían cosas como Licorice Pizza, que no sabemos muy bien cómo explicarlo, que por eso hacemos canciones. El disco transmite ese frescor, ese brillo del inicio de tu madurez.

Entre La Mina con Raúl y el trabajo con Betacam, habrá sido un proceso brutal. I: solemos pre-producir las canciones y luego ya en La Mina delegamos y confiamos bastante en Raúl. Nos entendemos bien a la hora de buscar una unidad sonora.

Al: es de las veces que hemos ido con más canciones al estudio, unas quince o dieciséis. Llegamos un domingo por la noche para empezar el lunes, y ya a nuestra llegada Raúl lo tenía bastante claro. Despejó todas nuestras dudas en un momento, argumentando lo que haríamos. I: no teníamos mucho tiempo además. Teníamos una semana y era complicado con tantas canciones.

Am: ¡y no cabían en el vinilo!

I: y a Betacam lo consideramos un quinto Kokoshca. Él tiene su carrera en solitario, su camino, pero la parte de pianos, sintetizadores... De hecho vino de Madrid a Granada, a la grabación.

Muchas bandas dicen que su mejor disco es el que acaban de lanzar. ¡Vosotros lo decís de verdad!

Am: todos lo dicen porque es lo que hay que decir, pero en nuestro caso es la verdad.

Al: y creemos que la gente cuando lo dice es porque lo siente también. Y puede que

te equivoques, de hecho la historia está plagada de carreras con altibajos. Tiene que pasar mucho tiempo y tiene que dialogar mucho el disco con el público para acabar poniéndolo ahí, incluso para tu propia percepción. Lo natural es que cuando sales del estudio, quitando a gente demasiado autoexigente o perfeccionista, todo el mundo suele pensar eso.

I: sí que es cierto que el propio Raúl nos dijo que son las mejores canciones que les habíamos llevado, y él ya nos conoce un poquito. Incluso el sello nos lo decía, y bueno, también te lo quieres creer.

Hablad un poquito de Mi Barrio. Am: en el último año y medio descubrí los corridos estos nuevos, tipo Peso Pluma. No tengo mucha idea, pero recordé también que de pequeña escuchaba mexicanas, que las ponían mis padres. Me gustaba mucho cantarlas, y entonces me propuse hacer una, como un reto. Nosotros somos del barrio de San Juan, en Pamplona, que no es el centro, de hecho es un poco aburridillo, y en un momento dado nos fuimos. Ahora vivo de nuevo en Pamplona, y vuelvo por allí para visitar a mis padres, Todo ha envejecido mucho, de hecho hay un montón de farmacias.

I: es un barrio variado, a veces pijo, a veces borroka, con monjas, gitanos...

Am: estaba incluso la cárcel de Pamplona ahí, que la tiraron hace unos años. I: vivimos allí aquel gran movimiento de insumisión. En la canción hablamos de ese ecosistema, desde la distancia.

Nos flipa Es una suerte, tan emocional. I: efectivamente, es una canción emocional que se empezó a componer, y esto quizás os sorprenda un poco, basándose un poco en Stromae Nació en piano, era un poco balada, pero queríamos darle un toque electrónico, italiano. Fue la última canción que grabamos, nos costaba mucho encontrar la forma a nivel rítmico, y al final quedó muy guay. Betacam hizo unos sintes preciosos y es muy emocionante cerrar el disco así, y además lo hace también con otra frase de Pepe Mújica que dice: “veo mis sueños arder, se esfuma mi juventud, no temo envejecer, temo que no estés tú.”

¿Y vosotros cuándo paráis?

Am: pues mira, si tocásemos todos los findes, acabaríamos quemadísimos, pero este último año hemos tocado muy poco porque estábamos preparando el disco, y ahora tenemos muchas ganas de esta gira. Disfrutamos de los viajes, de tocar juntos, del público, de la gente que conocemos... Al: hay algo existencial ahí. Pasa el tiempo y a veces dudas, te planteas muchas cosas, pero todo eso se esfuma cuando llega el momento de tocar. Es lo que nos da energía, y ojalá hacer esto toda la vida.

I: ¡a mí me gustaría hacer teatros!

EN CLAVE

Qué experiencia tan especial la del Big Up! Un año más y qué escena tan interesante y de gran nivel hay en Murcia. Con el objetivo de poner el foco en el talento emergente y el desarrollo de artistas con tanto que decir, este año pudimos disfrutar del directo de proyectos inesperados y más que bienvenidos, como el de La 126. Tres amigas de Elche con predilección por las distorsiones, los ritmos pegadizos y un rock muy punkero, fueron capaces de poner de pie a una pérgola a rebosar, dispuesta a conocer nuevas propuestas con un respeto absoluto. El trío publicó su primer EP en marzo de 2023, titulado Todo venía de antes (con ilustración de Marieta Buendía) en el que cierra Que pase el siguiente, un tema que también se puede disfrutar en su versión demo en plataformas. Medios y crítica se van haciendo eco de la proyección de las ilicitanas, mientras ellas ganan concursos de bandas y revientan tablas entre cataclismos y hits como Basta ya!!! o Demasiados veranos. Próximos shows: Valencia y Alicante.

LA126

La experiencia Big Up! tenía que servir también un año más como premio al trabajo y a la actitud de artistas que llevan muchos años luchando, ya no por buscarse un hueco en la escena (que también) sino por sobrevivir a ella y poder contarlo En esta búsqueda de un ecosistema sostenible en el que poder hacer grandes canciones y llevar a cabo shows solventes y a un nivel altísimo, tiene mucho que decir Claim, la banda afincada en Murcia y liderada por el gran Adrián Riquelme Desde el comienzo de su actuación, se encargaron de sembrar de himnos la pista del Escenario Estrella de Levante, y decimos himnos porque vimos a muchas personas coreando prácticamente todas las canciones de Bengala, el elegante último disco de una formación que sabe volver sobre sus pasos, y sobre todo ha aprendido a disfrutar más que nunca del camino, tras un año lleno de experiencias increíbles actuando en escenarios importantes de todo el país Si te pica la curiosidad y quieres leer de primer mano lo que piensan y sienten, tienes una entrevista muy interesante a Ramón y Adrián en el número 17 de la Sold Out Claim hace una pequeña pausa en el camino, al mismo tiempo que ha confirmado que la gira de presentación del disco continuará en 2025. Sin ir más lejos, está confirmada su participación en una nueva edición del Sansan Festival en Benicassim a mediados de abril Para entonces, algo nos dice que la banda traerá consigo un puñadito de nuevas canciones en su maleta. Si acabas de llegar y no sabes por dónde empezar a escuchar a Claim, es cierto que el hit Hermoso Caos te va a parecer algo maravilloso, pero no debes dejar pasar grandes canciones como Suspiros de España o incluso Sería un detalle, que abre el EP Barbados. Si te gustan las canciones más reflexivas, Berlín es tu canción, y si quieres preciosismo, ve a por Puente de los peligros Claim es el gran caramelo de una escena complicada

Imprescindibles Big Up!

Fueron sin duda una de las grandes sensaciones de esta edición del Big Up!, con un desparpajo y una forma de llegar tan adentro que pocas veces hemos experimentado La formación de Casas de Don Pedro (Extremadura) no renuncian al vanguardismo, al mismo tiempo que ponen en valor la raíz, la tradición, el rock e incluso lo electrónico. El resultado es un fiestón del que sentirse orgulloso, seas de donde seas, porque tienen el don de saber conectar con todo tipo de públicos Hace poquitas semanas, publicaron su sencillo más reciente, Septiembre, que inicia el segundo capítulo del que será su primer disco, tras un Jaribe formado por tres canciones que nos han devuelto al pueblo y al verano con infinito gusto. Jorge González (Infarto Producciones, Vetusta Morla) es uno de los principales valedores de este proyectazo, y esa es otra buena razón para escarbar en las capas de las canciones de los extremeños, y para estar atentos a sus prontas novedades

SANGUIJUELAS DEL GUADIANA

ruto

No sabríamos cómo definir lo que hace esta gente, aunque ellos lo resumen con que hacen música cool para gente rara, y eso debería servir. Hay quien dice incluso que son los Tame Impala murcianos, aunque quizás su rock y su psicodelia te haga sentir cosas muy diferentes Ganadores de concursos como el Crea Murcia o el de mejor banda debut en los Premios de la Música de la Región, el dúo formado por Bruno Laencina y José Antonio García quema etapas sin complejos ni reticencias en lo musical. Sin ir más lejos, el sencillo Sana Sana (aquí tenéis su portada), fruto de una parodia casi histórica, tiene un rollo RATM fabuloso, pero luego suena Madrid y todo se vuelve urbano a tu alrededor. La Reina del Nilo se deja llevar por un tímido reggae, y la mentada psicodelia nos vence con El sonido de tu voz. En definitiva, es una gozada la experiencia que proponen estos murcianos, que se subieron al escenario principal del Big up! con una fiebre considerable, aguantando el tirón con una actitud casi temeraria. Abonados a la autoedición, y con una trayectoria pequeña pero llena de hitos, son una de los proyectos de los que se puede intuir una mayor y divertida proyección

neón

Al cierre de esta edición, esta joven artista acumula en Spotify 238 oyentes mensuales, y si diésemos importancia a los números nos estaríamos perdiendo otra gran propuesta de esta edición del Big Up! 2024 Desde Almería, y siendo también ganadora de una batalla de bandas (Proyecto Vivero), la música de Nosoymeri consiguió en un momento dado traspasar las paredes de su habitación para ser al fin universal, liberando sus ritmos pop, urbanos y electrónicos, y junto a ellos una sensación de cierta calma, de paz controlada Destaca entre sus temas sin duda este Besarte, aunque te hará muy feliz descubrir el universo dreamy de No es tan fácil, o el mágico secretismo de sus Notas de voz La artista está a puntito de lanzar un EP de siete pistas con sus live sessions a juego, y de ello participará de nuevo un gran músico como Raúl Campos. Estarás a gusto entre las canciones de Nosoymeri si buscas delicadeza, y si estás ávido de fusión y estilos renovados desde la raíz Que le den a los números

Esta edición del Big Up! Congreso volvió a contar con un elenco de agentes de la industria musical de muchísimo nivel, y entre medias, la organización se sacó de la manga un homenaje más que merecido a MondoSonoro por cumplir treinta años siendo la publicación de referencia en relación a la música independiente de nuestro país La guinda de este reconocimiento fue una sorpresa en forma de tarta con la primera portada de la historia (¡salían los Red Hot!) comestible.

Entre los asistentes podíamos ver a músicos de todos los niveles, estudiantes, personas recien llegadas a la industria, y otras con mucho interés en estar ahí, que atendieron a las explicaciones desde diferentes planos a personas de las que tenemos mucho que aprender, como el propio Arturo García de MondoSonoro Sur, Antonio Palazón (Meteórica), periodistas de todo clase y condición como Óscar García, Javier Lorbada, Fernando Neira, Lola López o Laura Piñero, y personas con mucho recorrido en la industria musical como Jordi Tello (Sony), Jorge González (Vetusta, Infarto), Carolina Sada (Prod Baltimore), Javier García (ARC), Willy Naves (AWAL), Omar Tenany (Yembe) o Virginia Pastor (Crash Music), además de las masterclass de producción de directo de Raúl de Lara, y la de Claudia Orellana relacionada con los press kits En la Sold Out tuvimos el honor de compartir mesa de debate alrededor de los formatos físicos junto a Luis J. Menendez de la revista Nuebo, y con Arturo de Mondo, y vimos después cómo se generaban mesas similares alrededor de la fotografía con nombres importantes de la imagen como Juan Pérez Fajardo y Charly Piazza. Un ratito súper interesante presentado por otra referente de la comunicación musical y periodística en la región, Angie Capel. En definitiva, una edición de verdadero lujo organizada por muy poquitas personas. Gracias, Toni, Claudia, Helena, Jaime, Iván, Mavi, y demás equipo Big Up! por hacer posible un encuentro tan enriquecedor

Delgado & Mäbu - Si me atreviera (autoeditado)

Lo decía Javi y tenía mucha razón: después de tantas vivencias compartidas, sabía que una colaboración tan especial llegaría tan solo en el momento adecuado. Si me atreviera es La Canción, honesta y vulnerable hasta el punto de poner los pelos de punta, de emocionar desde la desnudez de lo instrumental, de las voces limpias que conectan y se solapan a la perfección, de la delicadeza de cada sonido, de cada verso. Es folclore, es pop, es canción de autor si lo preferís, pero sin duda es con diferencia una de las canciones más bonitas que hemos podido escuchar este año. La imagen de portada cierra el círculo, un trabajo sobresaliente de la gran Donna Salama. Tendríamos que coger prestados adjetivos de otras reseñas para resaltar como se merece esta pista de tres minutos y medio digna de un buen bucle Delgado presentará en el Café Berlín, el 15 de noviembre, su nuevo disco Es más feroz la vida. Cualquiera se pierde esto...

A mí me vienes con estas guitarras de rock genuino y estas letras tan directas, y tienes mi atención ipso facto. Este trío formado por Gabi Marcos, Julio Molina y Nando Ros nos acercan este avance del disco que lanzarán en febrero bajo el título Allegro, ma non troppo, que si va a seguir la estela de esta pista, sin duda es uno de los grandes descubrimientos de los últimos tiempos. En este proyecto, abonado a las canciones de tres minutos, lo importante es la efectividad y la concisión, por encima de los solos curradísimos y la técnica virtuosa. ¡Aquí se viene a correr, chavales! Tanto es así que la banda avisa en su presentación de su propia disolución, marcada para el 27 de noviembre de 2027 a las 23:30h. Si con estos mimbres no te ha picado la curiosidad de darle al play, no sé a qué andas. Dejan clara su conciencia de clase y consideran que es tarde para cambiar, y casi mejor así, que pueden regalarnos esta dosis contundente de realidad. Si les visteis en el Cranc, pues olé por vosotros, gente suertuda.

Colectivo Panamera - Niña Caipiriña (Warner Music)

Damos gracias a la vida porque Nacho y Pepe sigan al pie del cañón con este proyectazo, creando canciones con mucho ritmo, casi estacionales, para robarnos una sonrisa siempre que pueden. Este corte es un nuevo adelanto de El Recreo el esperado tercer disco de la banda, y cuentan con el aporte en la letra de Mónica Carrillo, algo que nos sorprende tanto como nos alegra. Este funk brasileño que hace que te pongas a bailar como si fuera magia instrumental, trata de acercarnos la alegría y esa vida que gusta tanto vivirla, para tratar de dar sentido a las situaciones confusas de las relaciones afectivas. ¿Por qué no lo volvemos a intentar? Si buscabas un himno de las segundas oportunidades, no busques más y relájate. Parece la típica frase hecha, pero son tres minutos y medio de brisa, de aire necesario para desbloquear momentos. Colectivo Panamera dará el concierto más especial del año en La Riviera, el 25 de octubre.

(Acqustic)

Si una canción supone el comienzo de una nueva etapa para una formación, en este caso con la incorporación definitiva a Ciao Marina de Josefina Armendáriz en lugar de Álex, tenemos que mostrar un interés y una atención extra. Que la tristeza de una baja tan importante no empañe una composición preciosista que habla de lo mucho que nos atrae la mala vida, la autodestrucción, alternando momentos enérgicos de gran alegría con la bajona y el dolor más absoluto. Lo que viene siendo una especie de tragicomedia adornada hasta el punto de querer corearla a pleno pulmón. No sé si es cierto eso que dicen de que a veces menos es más, pero sí que es una canción que podría sonar súper bonita en un Libertad 8, y al mismo tiempo parece preparada para ser un inesperado himno de estadio, con sus aires pop, sus profundas melodías, su toque de la canción de autor y sus estribillos que elevan la canción y a nosotros mismos con ella. Viva lo incierto, si el resultado se parece a La Capital

Hoonine - Grieta (Son Buenos)

Es una artista tendencia por diferentes motivos, como su vital y enérgico papel en los conciertos de Viva Suecia, pero lo que más nos sigue llamando la atención es esa intensa búsqueda de un sonido electrónico cada vez más vanguardista, con el objetivo de que nos rindamos al baile desde la introspección, desde una conexión física pero también emocional. La artista murciana honra a la amistad incondicional como consuelo ante las agotadoras circunstancias de la vida, en poco más de tres minutos que, como mínimo, son súper liberadores. Es cierto que no estamos acostumbrados a un nivel tan alto de experimentación en nuestra escena, y por eso consideramos el caso de Hoonine como el ideal para aprender y entender qué estamos sintiendo al escuchar este tipo de composiciones envolventes, que en este caso contiene influencias UK garage en un universo house intersantísimo. Qué lujo lo tuyo, Carmen.

No estás soñando: la portada es real y este dúo maravilloso reinterpreta una canción a pachas. No podemos decir que Alejo no tenga grandes amigos, y es que esta es la quinta colaboración (¡la antepenúltima!) del que será su nuevo EP, titulado Diamantes en bruto ¿Te imaginas que uno de los ídolos musicales de tu infancia canta contigo una de tus canciones? Yo no podría dormir de la emoción. Ha sido la poesía la que ha llamado a colaborar a Kutxi en esta canción, admite Alejo, que consigue que la esencia de esta pista encaje a la perfección con la voz y las formas del de Berriozar, envolviéndolo todo con teclados, guitarras pop y detalles acústicos para que se te caiga la baba. La temática, ya conocida, ahonda incluso más ahora en la levedad de la vida y las relaciones sentimentales. Alejo ha tenido un verano movidito, actuando incluso en el Náutico de San Vicente do Mar, y hace pocas semanas compartió escenario con Amaro Ferreiro. El crecimiento de este artista se ve venir de lejos.

Ciao Marina - La Capital.

Alejo & Kutxi Romero - Diamantes. (Start Anew)

Talleres Molina - No voy a cambiar (Espora Records)

“Me llaman octubre, no pretendas saber más de mí...”

¡Querido milenial, estás de suerte! ¡Hay noticias frescas que nadie entiende mejor que tú! En primer lugar, Love of Lesbian ha publicado un disco casi perfecto, directo a todos los corazones de tu generación, básicamente porque suenan a lo que un día fueron, en una pseudo-despedida-celebración que hace las veces de fin de ciclo. Al mismo tiempo, la polémica invade a La Oreja de Van Gogh, tras el anuncio del “mutuo” acuerdo para que Leire abandone la banda tras 17 años dando el callo. La sombra de Amaia es extremadamente larga, supongo, porque a pesar de haber estado menos años en la banda, son los himnos de su etapa como frontwoman los que siguen dando réditos. La pela es la pela, y las emociones son pelas también, así que blanco y en botella. De un lado, un ejército de salvación, y del otro, un ejército del mobbing, para que podamos resumir de forma radical esta movida. Menos mal que nos queda Amaral, ante todo mucha calma, que parece que volverán con un discazo bajo el brazo del que esperamos y prometemos hablar pronto. La mala noticia la protagoniza Carmen Boza, que alza la voz para decir “basta” a esta industria tan agresiva y desenfocada, tomando la decisión de abandonar los escenarios en pro de su salud mental. Hay un buen número de entrevistas en la Sold Out en las que se ha tratado este tema, y lo raro más bien es que el resto de artistas aguanten esta espiral de producción musical y de contenido en redes que no tiene ningún sentido ni fin. “La música es a veces un lugar hostil”, reflexionaba Hoonine, y es que a muchos se nos olvida a veces que las artistas también son personas y, como tal, sufren, lo pasan mal y piensan en tirar la toalla cada dos por tres. Ojalá tuviésemos presente esto cuando nos ponemos a gritar en sus conciertos, cuando pasamos de comprar una entrada o un disco por lo “caros” que son, cuando les presionamos porque llevan tiempo sin publicar nada, o cuando les criticamos por “atreverse” a dar un giro al estilo, buscando nuevos horizontes. Ojalá una artista pudiese contar con una persona profesional del contenido que se encargase de llenar sus redes, comentando anécdotas, promocionando sus canciones, sus fechas e incluso su merch, mientras dicha artista se centra en crear. Ganaríamos todos, pero sobre todo ganarían las canciones, ganaría la creatividad Ganaría el arte. Es un deseo de cosas imposibles, pero es que aquí somos de soñar despiertos. Al menos eso...