Revista Sold Out, nº 22

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El arte de ser mediocre.

Maialen Gurbindo. (Ed. Vergara)

En Sold Out somos fans totales de Chica Sobresalto y en general de Maialen, y una de las razones es la sinceridad con la que hace las cosas. Abonada al humor y la consciencia de quién es, la artista navarra quizás parezca dura consi-

go misma en estas páginas, pero la forma tan natural y tranquila con la que habla de la mediocridad que dice definirla, nos hace llegar a la conclusión de que una puede quererse teniendo muy presente de dónde viene, aceptando sus defectos, sus fracasos y sus vergüenzas como punto de partida para crecer y luchar. Este libro, en el que Maialen examina sus múltiples personalidades, desahogándose y tirando de su tan característico ingenio, se está solapando con un par de sencillos imprescindibles, uno junto a Bruno Alves y el más reciente junto a Fran Perea, que de forma casi fortuita nos está sirviendo de banda sonora ideal para acompañarlo. Maialen afirma que seguirá haciendo las cosas que quiere pese a ella misma, y deseamos que siga siendo así, mientras hacemos nuestros sus miedos, sus rarezas, asumiendo además que quizás todas deberíamos llevar a cabo, al menos una vez en la vida, este ejercicio tan importante de autoconocimiento y aceptación, en este presente en el que al fin estamos dando la importancia que merece a la salud mental. La sinceridad no tiene por qué ser necesaria, ni mucho menos en casos como este, y por eso El arte de ser mediocre es un relato necesario que se publicó hace pocas semanas y que quizás ha sido en cierto modo eclipsado por publicaciones más mediáticas. Gracias por ser tan de verdad, Maialen. Este libro, el primero, lo puedes comprar por ejemplo en la Librería Miriam, en C/ Castillo de Maya, 40, en Pamplona.

Lo reconozco, hace unos añitos creía que Twitter era algo así como un reflejo de la sociedad a nivel cultural, social y político. Luego me di de bruces con la realidad cuando vi que las encuestas electorales, que se hacían con emojis de frutas, no se correspondían en absoluto con el perro presente, y que al final acababan ganando los de siempre. Luego empezaron a surgir expertos en todo tipo de cosas, árbitros, incluso de curling y dardos, politólogos, volcanólogos, puentólogos, desastrólogos, cancerólogos o donutólogos (ojalá ser esto yo), y esto derivó en negacionistas del agua potable, del sol y de la respiración. Vamos, un cuadro de red social que otrora era un encuentro súper chulo a nivel cultural, y hoy es un vertedero que no conserva ni el nombre y en el que parece que solo flotan, como es lógico por su naturaleza, los voxólogos y fascistólogos, individuos salidos de la Universidad de Brazo Alto, que intuyo que muy cerca de California no debe de estar. Por lo que sea, hay peña respetable todavía en ese muro tan transitado, y por ello hago un apunte desde aquí a los recién llegados, y a los que estáis ya un poquito quemados: intentad no quejaros tanto, joder, que os molesta incluso que una banda publique muchos tuits. Pues es que tío, la idea natural de Twitter es que la peña escriba sus mierdas, y si lo hacen en modo descojone y no se meten con nadie, pues qué mejor, todo suma.

Como yo he venido aquí a poner en valor la labor cultural, generalmente desintereda, y el modo agenda de la peña ociosa, quería destacar el trabajo de cuentas como la Noel Turbulencias (de quien te cuento más cosas en páginas interioresy sí, soy consciente de que no hay páginas exteriores...-), los hilazos de La Historieta Musical de Jesús Báez, el noticiero incansable y particular Criado el Enterado, el señor de las ondas J. F. León (Rock’n’Roll Animal), los interesantísimos aportes de María Canet de Free Rockin’, la revisión semanal de Belén Montes y sus Tiempos Modernos, la Música Ligera copera de Markote, la lista de los viernes de Olga Fernández, las playlist conjuntas y las ganas de debatir de Jero Romero y Juan Ceñal (tela las listas musicales de este tío), la labor incansable de Javier Decimavilla, los análisis de Fernando Neira o los aportes siempre bienvenidos de Arturo Paniagua. Te aconsejo seguir a esta gente, y ya luego el algoritmo hará el resto si le da por ahí. Con todo, hay bandas que por lo que sea no tienen su perfil ahí, cuando deberían tener cuentas hasta en el bar de debajo de casa. Todo suma, todo cuenta, y el ejemplo de Alcalá Norte es brutal para que todo quisqui se pregunte quiénes son y qué música hacen. Si han caído torres como Carolina Durante, muy activos por cierto estos días, por algo será. Nos vemos en la Wurli, que hay bolazos. Lo hemos leído en X.

Es cierto que la edición de 2019 en Murcia marcó muchísimo a todos los que tuvimos la suerte de vivirla, pero el Big Up! tiene un don para reinventarse y para superar todas las expectativas cada vez que se celebra. De esta reciente edición, celebrada en Cartagena y con el objetivo primordial de poner en valor a la escena de la región, nos fuimos enamorados una vez más de las vibras, del amor por la música que derrocha el equipo de Son Buenos, y del nivel sobresaliente de las propuestas musicales seleccionadas para la ocasión. Seis artistas se iban a dar cita en diferentes puntos de la ciudad para que, mientras nos quedábamos súper pillados con las calles y la historia eterna de un lugar tan especial, nos topásemos con música en vivo sin ayuda de electricidad. Por supuesto, todas las propuestas se las arreglaron por dar alas a sus instrumentos y voces, dejando grandes sensaciones entre críticos, medios, profesionales de la industria musical, y también entre el público general.

La primera de las actuaciones, y por tanto la primera formación en poner en valor, fueron Karlan, formación murciana de indie pop que se inspira en los 90 para componer canciones frescas y con un contundencia muy particular, que por momentos nos recuerda a detalles de los madrileños Valmara (lo dejamos por aquí por si cae una colabo con la tontería :P) o a las sevillanas Borneo. Quizás su tema más conocido sea Julia - la enganchada es seria -, pero quería-

mos destacar su último lanzamiento, titulado

No me lamento, una pista con una pizca más de frenetismo, mala leche y mucha actitud. Karlan actuarán en agosto en el Cooltural Fest de Almería, y ya están preparando su directo con otro gran nombre propio de la zona, Raul de Lara. Más madera por si tenías dudas de ir o no a verles.

El segundo round nos llevó a la Plaza San Sebastian, donde la experiencia empezó a tornarse de otra pasta, ya que nos iba a recibir Eclectitonta con un gran despliegue de voces y materiales para enseñarnos sus canciones en forma de musical, con sus diálogos y sus formas cómicas y divertidas. No nos equivoquemos con este personaje lleno de inquietudes, inseguridades y desencantos que nace dentro de Llanos Ruiz, porque aunque solo podamos disfrutar en plataformas de dos de sus canciones, tiene entre manos una buena cantidad de composiciones que encajan en su show casi como si estuviéramos inmersos en un libro de relatos con inevitables conexiones entre sí. Por supuesto, veníamos con los deberes hechos y con 2022 bien escuchada, pero insisto, su actuación hizo que tanto ella. como sus músicos y el público en general, saliésemos todos juntos de nuestras zonas de confort, tratando de abrir los ojos para no perdernos detalle. Ponemos en valor por tanto una actuación inédita, muy original, con músicos que incluso se estrenaban ese día, y esperamos con ansia nuevas canciones, y

también nuevas fechas, que al final es la salsa de esto. Brindamos por las indirectas hechas canciones, al mismo tiempo que nos rendíamos a unas marineras espectaculares.

Todo estaba tan bien organizado gracias al equipazo de Son Buenos, que aún con el sabor del café asiático en los labios, nos sorprendimos casi sin pestañear ante el íntimo y sencillo directo de Helio, rodeado de un público muy familiar en la imponente Plaza San Francisco. Vamos, un gustazo de sobremesa. Este proyecto, que nace, crece y se desarrolla en la habitación de su protagonista, José Rodilla, se vale de minimalistas detalles electrónicos y un introvertido universo pop que marca sus versos, ligados al dramatismo, a la tristeza y a la melancolía, pero sin dejar de lado una energía muy característica que termina de dar forma a su propuesta, que obviamente tiene todo el sentido en un directo acústico como este. Vamos, que para el artista murciano este show fue en modo very easy, dejando a un lado la complejidad de sus canciones de estudio. Para muestra un botón, ya que su pista más reciente, Cara de Pena, tan llena de detalles y con partes corales para dejarte con la boca abierta un mes. Por supuesto, en Sold Out recomendamos esa canción, tanto como que sigáis a Helio en sus redes sociales, ya que además de su propuesta íntima y recogida, os vais a encontrar a un artista súper original, con un don creativo para improvisar letras y melodías con comentarios de seguidores y familiares, además de hacer versiones imposibles.

Fuimos haciendo amigos autóctonos en esta ruta musical, y ellos fueron los que nos acompañaron en el peregrinar a una de las zonas más emblemáticas de Cartagena, el Parque Torres, donde nos encontramos a Calare dando cera delante de la imponente Linterna, un faro de la época árabe que este día inolvidable hacía de guía para los musiqueros. Esta banda, que jugaba en casa y que ya tenía experiencia previa en faros, se encontró con muchísimo más público del que muchos esperaban por lo relativamente alejado del lugar. Pero es que había que gozarlo con temas como Ojalá (nuestro preferido) incluido en su EP homónimo. Sin duda, este era el proyecto más oscuro, más sucio en lo instrumental de los seis seleccionados, y quizás eso es lo que hacía más difícil la puesta en escena con las condiciones marcadas de inicio. Pero el punk, el emo, el pop rabioso, siempre se abre camino, resultando una actuación que marca un antes y después de una formación que actualmente está trabajando en el lanzamiento del que será su primer larga duración. Si te mola la música rock que suena en los garitos de mala muerte, aquí tienes un referente, y te aseguro que nos veremos dándolo todo en las primeras filas de sus bolos.

Cuando iniciamos la bajada, de camino al Teatro Romano nos fuimos enterando de que había una sorpresa a medio camino, así que nos esforzamos en seguir los pasos de la organización e incluso de la alcaldesa, que obviamente “sabía cosas”. Según nos acercamos a esta pasada de mirador, en un paseo espectacular, pudimos escuchar los últimos segundos de la prueba y se nos pusieron los pelos de punta. Eran ellos, los incombustibles Nunatak, que nos iban a regalar una pizquita de su directo en una situación y un paraje que no se va a igualar en la vida. Vaya si aún respira la banda cartagenera, que en modo Isla Invisible empiezan ya mismo su ruta festivalera con presencia en el Múrmura, BBK, Cruilla, Sonórica, FIB, La mar de músicas, No sin música, Sonorama y Cooltural, con más fechas pendientes de confirmación. ¡Pero qué gran regalo este, por favor, compis Big Up!

joseluis

Quizás este concierto era el más esperado por todos, por las vibras del artista y por el lugar elegido, tan emblemático y lleno de historia. La cosa se fue tan de madre que Joseluis, sin apenas experiencia en vivo, no dudó ante la idea de salir al exterior para tocar delante de las muchas personas que de inicio se iban a quedar sin verle por una cuestión de aforo. Al final se habilitó un poquito más de espacio, y así pudimos compartir con más gente las Navajas de Albacete de Joseluis en un ambiente íntimo, con un silencio respetuosísimo y un clima de admiración brutal. Había gente delante, a los lados e incluso a la espalda del artista, nadie quería perderse algo histórico en un formato tan bonito.

La guinda del pastel tenía que ser para Aixa, de quien estamos escuchando además su último sencillo, Lerei, mientras redactamos estas líneas. Qué proyecto más bien ejecutado, bajo esa premisa de “crear hasta morir”, poniendo en valor el folclore y la raíz de la que tanto nos gusta hablar y sentir en la Sold Out, y añadiendo a esa base unos ingredientes más propios de la música urbana y los ritmos latinos. El resultado es fresco y novedoso, pero es sobre todo esperanzador, teniendo en cuenta la solidez y naturalidad con la que disfruta el directo. El Puerto de Cartagena, a la altura del Espacio Cuarentaytres, se rindió ante esta actuación final del Big Up! Calles de Cartagena, en la que sí había rosas y claveles. Haciendo balance, solo podemos hacer la ola a Son Buenos por dar tanto valor a la cultura de su región, y por el trato exquisito a un montón de personas con unas ganas locas de conocer nuevas músicas.

Enxebre, bravú, troula, movida... e moita, moita, moita calidade.

Vale, que sí, que somos del norte y esto nos toca la patata una barbaridad, pero podemos asegurar que esta publicación a dúo entre Noel Miguélez (director del magazine radiofónico Turbulencias) y la ilustradora (entre otras muchas cosas) Victoria Sánchez, es de las más bonitas, especiales y curradas que han pasado por nuestras manos. Con medidas al estilo vinilo, tal y como Victoria planteó en su momento su Murcia Loves Indie, estas páginas descubren y ponen el valor la vibrante música que se hace en Galicia, enganchándonos primero con una narrativa esencial del folclore, el orquesteo y los estilos punteros en una tierra que puso incluso los pilares de esa Movida que sigue marcando generaciones como la de un servidor, y que nos regaló además otra revolución más reciente y en cierto modo encubierta, en esas tardes inolvidables de dibujos animados del Xabarín Club. ¡Vaia se somos do clube!

No vamos a hacer spoiler del interior del libro, aunque sí debemos destacar, entre otras cosas, el prólogo de

Pepe Cunha, que pone en valor la dificultad y la valentía a la hora de seleccionar a los artistas que se incluyen en esta publicación, y el epílogo del xornalista Rodri Míguez, que se centra en la ilusión de un futuro en el que se intuye un todavía mayor crecimiento de la industria musical galega, sin dejar de echar un ojo a los

que se dejaron el alma y la cara para defender y dar alas a la cultura propia por medio de las tradiciones y, por supuesto, de la lengua, del idioma. Por tanto, además de un montón de apuntes y de la narrativa histórica sobre la música en Galicia, guiándonos desde los artistas solistas de los años 50 hasta nuestros referentes de hoy en día, enlazados irremediablemente a una industria con oficinas potentísimas y a una cultura de salas imprescindible, podremos conocer las historias, de la A a la Z, de veintiseis propuestas musicales esenciales, que van desde Andrés Suárez a Xoel López, pasando por Grande Amore, Sés e incluso bandas tendencia como The Rapants. Llevamos aplaudiendo esta iniciativa desde que era tan solo una idea de Noel y Victoria, y en el caso de artistas como Triángulo de Amor Bizarro (a quienes podéis ver en formato ilustrado justo debajo de estas líneas), sirve como una reivindicación absolutamente necesaria, no en vano, es una formación que consideremos que no se ha valorado jamás (obviamente es nuestra humilde opinión) como merece, por trayectoria, por sus seis discos de alto voltage, por sus letras y por una actitud incansable y siempre renovadora del pop y el rock más crítico y contestatario.

El pop de autor, el rock, el folk, el bravú y las orquestas (estas ya os digo yo que dan para libro por sí solas) conviven y se dan la mano sin ningún tipo de reparo en una tierra que abraza multitud de expresiones musicales, y que además las presume con orgullo, siendo por tanto un ejemplo que por desgracia no todos los pueblos de este lastimado país están sabiendo emular. En nuestra redacción itinerante nos hemos propuesto elegir uno de los capítulos como el que más nos ha gustado, asumiendo que es verdaderamente complicado elegir, y nos quedamos primero con el dedicado a los medios musicales que ayudaron, en muchos casos de manera desinteresada, a dar visibilidad a una escena tan interesante, empezando por Cuac FM y siguiendo por webs que echamos en falta hoy en día como el Tanaka Music de Bea Camiña. Se nos puso, además, la piel de gallina leyendo sobre el proyecto Galician Bizarre, y sentimos un orgullo inmenso con el artículo extenso sobre la música combativa. En definitiva, esto es una “xoia” que tiene que estar en tu colección particular, por fuciños, por cacheiras

TRÖTEGALÔPE

Texto: Dani Pach Fotografías: @bea11trice

Es pura ilusión, aderezada por una sensación de liberación exhultante y unas ganas de comerse el mundo que se intuye en la mirada y en una sonrisa eterna. Chema Ruiz, que en su día llenó estadios junto a sus compañeros de El Canto del Loco, y luego fue conquistando el underground de la capital en proyectos como Salvador Tóxico, vuelve con mucha energía en un segundo capítulo de su gran proyecto personal, Trötegalôpe Nos tomamos un buen tinto de verano en La Púa para charlar de sentimientos, de ilusión y del presente y futuro de un artista esperado por muchos.

¿Qué tal está Chema Ruiz hoy?

Estoy a tope, con muchas ganas, y acojonado también, porque había ahí un concierto importante, la primera vez que cantaba. Al final se juntaban las ganas de sacar fuera todo el trabajo que hacemos en el local, pero al mismo tiempo... cuando solo tocas un instrumento, en el escenario estás como resguardado, pero cuando tienes que transmitir es otro rollo.

Tras los dos EPs y el que será el nuevo disco, faltaba esa pata.

Faltaba que fuese real. La gente me preguntaba si esto, si yo mismo, era real, y la verdad es que no, porque estábamos solo en las redes. Pero ya he cambiado el chip, hay un directo y hay una banda.

El pasado marca, supongo, incluso en este nuevo proceso. Todo va por etapas. El Canto del Loco se terminó, y justo entonces saqué Belgrado, con Sony. Era algo que habíamos hablado los tres, es decir, cada uno iba a sacar su proyecto en solitario. El mío lo saqué muy rápido junto a dos buenos amigos míos, Inés Pardo y Mario de Inocencio, que son grandes músicos, pero yo en ese momento estaba muy perdido, no sabía ni quién era yo, ni hacia dónde dirigirme. Lo hicimos lo mejor que pudimos, pero era un proyecto que en realidad no tenía una base sólida, y se terminó porque cada uno tenía que seguir su propio camino. Al terminar con aquello, que no funcionó muy bien aunque dimos unos cuantos conciertos - con Girando por salas incluso -, yo seguía perdido y medité dejar la música, para dedicarme al vino. Mi mejor amigo es ingeniero agrónomo, e hice 2500 botellas de albariño con él, creando una marca, Che & Careta. Al mismo tiempo, hice una serie de ilustraciones, y las exponía en restaurantes y otros lugares, creando también música para ese concepto, al mismo tiempo que vendía las botellas. Lo llevé a cabo en Santander, Madrid, Málaga, Bilbao... y esto, sinceramente, me vino muy bien. Fue una desconexión total de la música, porque terminé un poco hasta las narices de ella y de su industria, y necesitaba encontrarme a mí mismo. Eso

fue el comienzo, lo que hizo que empezase a llevar las riendas de las cosas. Che &Careta me ayudó a ser autosuficiente, que era algo que necesitaba. Y entonces conocí a Javi Castellanos, en la Calle Hortaleza, con quien luego me reencontré. Me dijo que a ver si en algún momento hacíamos algo juntos, y cuando nos reencontramos me dijo que tenía una banda y necesitaba un bajista. Yo ahí dije, pues vamos a ello, y ese fue el momento en el que empecé a reconciliarme con la música. Tenía mis maquetas, y comenté con Javi mi deseo de que tocásemos parte de lo que había ahí, y eso da lugar a los dos EPs, porque estaba él y Javier León. Sucedió después de un tiempo que era él el que necesitaba desconectar de la música, y entonces yo cogí las riendas del proyecto, y creé Trötegalôpe. Es decir, mi proyecto nace del final de Salvador Tóxico. Para mí lo importante era esa banda, era Sal-

vador, pero cuando se terminó vi claro que era el momento de que esta nueva era empezase. Empecé a hacer canciones, y empecé a perder la inseguridad que tenía a la hora de cantar. Me di cuenta de que mis canciones valían la pena, me gustaban, y fui consciente que durante diez años tuve una inseguridad enormísima sobre mí mismo, sobre lo que era yo, y sobre lo que podía conseguir. Ahora creo que he conseguido romper todas las barreras y sé lo que quiero.

Es un reencuentro también de raíz. Cierto, con la referencia clara a mi abuelo, que era veterinario. Vivía en Maliaño (Santander) y me contaba muchas historias con su caballo. Un día, hablando con Javi de que tenía que buscar un nombre para el proyecto, le dije en broma: “corre, corre, caballito“. Fui a un concierto de Joe Crepúsculo, en una gira que hizo con banda,

y que me recordaba a cosas rock muy ochenteras. En el merchan había unas camisetas de Tomasito y él, en las que se veía a un caballo galopando, y justo al salir mi madre me mandó una foto de mi abuelo a caballo, que siempre le había dicho que tenía que hacerla en grande. De repente en mi cabeza algo hizo clic, todo tenía sentido, y ahí está el nombre de este proyecto.

En Trötegalôpe envuelves las canciones de un buen rollo digno de mención. Hay canciones como Sin Nirvana que lo representan muy bien, en el sentido de que todo el disco es súper energético. La única pista medio tiempo es al mismo tiempo la más grosa, la más cañera, la más guitarrera. Pero al mismo tiempo las letras son muy oscuras, todo el disco tiene un poso de oscuridad alucinante. Todo lo que digas, por ejemplo, es una sátira hacia mi persona sobre lo que he sentido, utilizando la comedia cuando al mismo tiempo es un drama. El disco tiene ese concepto de cantar con una sonrisa que todo es una puta mierda. El disco se llama Ego, y se vale de dos vertiente: el ego personal, y la destrucción del ser humano. De hecho, la primera canción, Chacal, habla de que estamos destruyendo el planeta. A pesar del aire festivalero de todo el conjunto, so-

lo hay una canción o dos que hablan de irse de fiesta, sobre todo Más y más, en donde la fiesta dura hasta el día siguiente. El resto de pistas hablan de personas que he conocido con mucho ego, del ego relacionado con el amor, y también de que el ser humano es un hijo de puta que está destrozándolo todo. Todo en modo Disney Channel para que la gente lo cante. He leído además mucha poesía femenina, de hecho ahí sigo, aunque siempre he sido más músico que lector. Me cuesta mucho sentarme a leer porque me distraigo a la mínima. La poesía me ha dado el pie perfecto para leer cosas más cortas pero que me interesan mucho, como la obra de Pita Amor, con quien he flipado. Mi abuelo tocaba el laúd, y a mi abuela le gustaba mucho la copla, entonces cuando vi un vídeo en youtube de Pita, me recordó a mi abuela pero como si fuera la bruja oscura, porque era la oscuridad absoluta. Y ese concepto me pareció lo mejor del mundo.

El disco es un “do it yourself” además.

Y Álex Ferrer se encargó del master. Apareció Juan en este caso, que es el nuevo músico de la banda, y que iba justo a la velocidad que yo necesito para llevarlo a cabo. Hemos necesitado un año para grabar este disco, parece muy fresco pero al mismo tiempo está mega pensado, en

una etapa en la que pasó de todo, incluso perdí a mi gato.

¿Por qué Sin Nirvana?

Soy de la época, me encantaban, tanto como Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Temple of the Dog... La canción no va por eso, pero sí tiene la gracia, habla de que tienes que tener la personalidad fuerte para no creer todo lo que ves a tu alrededor, que al final es el leitmotiv del disco. Me dije: voy a hablar de por qué la gente es fan de una persona por ser influencer, y al mismo tiempo caer en las fake news y las mentiras que escribe alguien desde su casa. Lo mezclé con el happy casi sin querer y el resultado me gustó mucho.

Esta liberación, imagino que traerá consigo más fechas en salas.

Tenemos la nueva fecha recién anunciada del 21 de noviembre en la Sala Siroco, y estamos valorando cosillas para 2025. Visitaremos seguro Santander, pero de momento no puedo decir mucho más. El disco es muy pretencioso, esto lo puedo asegurar, pero la realidad es que somos un grupo nuevo, de alguien que no cantaba en sus anteriores bandas y que por tanto empieza de cero. Ha sido de puta madre el sold out del Perro y las sensaciones que nos llevamos, pero vamos paso a paso.

Con un segundo EP autoeditado recién salido del horno y titulado No mucho, solo para siempre, Anouck the Band se abona a la nostalgia y al romanticismo, haciéndose un hueco merecido y muy trabajado en una escena rejuvenecida en la que el pop en sus diferentes formas se hace fuerte. Hace ya un tiempo que teníamos ganas de compartir café con esta formación, y mira, los sueños se hacen realidad. La propia Anouck, acompañada del batería Andoni, se vienen a tomar algo antes de partir hacia el Deleste, un festival en su casa.

Quién es Anouck, y cómo ha llegado hasta aquí.

Anouck: pues yo soy Anouck persona, soy de Valencia y formé esta banda... es decir, con 16 años, o quizás algo antes, empecé a tocar sola, a componer canciones, a tocar la guitarra, y dos años después di mi primer concierto en solitario. Siempre me había gustado la idea de tener un grupo, era mi sueño absoluto, y por ello empecé a preguntar a músicos que iba conociendo si querían unirse a mi proyecto. Esto se estaba dando en Valencia, y por necesidad del proyecto y del momento vital de cada uno hemos ido cambiando de músicos hasta tomar la decisión, Andoni y yo, de venirnos a Madrid. Aquí volvimos a buscar nuevos músicos, y la verdad es que con la formación actual estamos muy a gusto.

Y os trata bien Madrid, espero.

Anouck: Fue bastante locura colectiva el hecho de venir, porque teníamos amigos que habían tomado ya la decisión de mudarse aquí, y entonces a mí me entró el gusanillo y se lo dije a Andoni y a los demás: ¿y si nos vamos también? Por suerte, tanto él como yo encontramos curro rápido, y yo estoy encantada, la verdad.

Andoni: es cierta esa locura, porque en Valencia formábamos parte de una incubadora de talentos y allí hicimos mucha amistad, también con proyectos como el de Muro María del que formo parte. Entre todos surgió la idea común de venir. Nos vinimos todos a la vez.

Y desde que llegasteis llamáis mucho la atención dentro de la escena.

Anouck: ojalá esto sea cierto, el último concierto que dimos en Madrid agotamos entradas, incluso el primero aquí ya había ido bastante bien de entradas. Vamos creciendo poco a poco, la siguiente parada es la Sala B este 23 de mayo, que creo que es el aforo más grande que hemos hecho hasta ahora, y a ver cómo se da.

El segundo EP sale casi al mismo tiempo que estáis presentando el primero.

Andoni: el primero fue el que marcó un

cambio o una evolución en el sonido de Anouck, al grabarse ya con una nueva formación. Todos coincidimos entonces en lo que queríamos, en hacia dónde íbamos, y creo que este segundo EP sirve para afianzar esa línea a seguir.

¿Por qué Rubén Segovia?

Anouck: Rubén fue primero nuestro productor y luego se convirtió en amigo, en Valencia. Es una persona que sabe mucho de música y se adapta a todo, no tiene ego, tan solo quiere hacer lo que tú, siendo algo así como un miembro más de la banda. Me entendió a la perfección desde el primer momento, cuando a mí me costaba explicar términos musicales o cómo quería sonar, y lo cierto es que después de dos años trabajando juntos, para mí es mucho más fácil explicarle lo que quiero. Hemos evolu-

cionado juntos muchísimo, me gusta cómo trabaja, tiene gusto y es muy profesional.

Hablemos de Corazones Rotos, y por ende de la gran Claudia Zuazo.

Anouck: Claudia es de mis mejores amigas, nos conocemos desde la incubadora de talentos de la que hablaba Andoni. Desde ahí forjamos una amistad muy fuerte, y la verdad es que para mí es una suerte tenerla cerca porque es, al mismo tiempo, una mujer dentro del mundo de la música con la que puedo hablar de problemas de composición y otras cuestiones. Esta canción la quise hacer entera en francés, pero cuando se la enseñé le encantó y me dijo que le gustaría mucho poner su voz o hacer algo en ella. Justo en ese momento, Claudia había compuesto también una canción que a mí me encantaba, y también quería cantar yo,

así que surgió el intercambio. Yo empecé haciendo canciones en inglés, luego me pasé al castellano, y esta canción en concreto me apetecía mucho hacerla en francés.

Cuál es el sentido general de este EP.

Anouck: es un EP más personal, a nivel relaciones amorosas, no solo desde el punto de vista romántico, sino también desde la amistad. El sentido es mi corazón abierto, al final cuenta lo que he ido sintiendo en el último año y medio, y cómo han ido evolucionando mis relaciones. Cuenta, por ejemplo, cómo un amigo me hizo ghosting de repente, que es algo de lo que no se suele hablar. Parece que solo se cuenta desde el punto de vista del amor, pero también sucede y quería hablar sobre ello.

Un EP conlleva fechas por regla general, y un formato de directo definido.

Anouck: en ese sentido estamos tratando de tomarnos más en serio a nosotros mismos a nivel show, incluso con detalles de quién entra primero y quién después al escenario cuando el concierto empieza. Queremos tirar más por el show que por el pasotismo indie, que es verdad que también mola, pero es un reto ser más producto.

Andoni: sí que nos queremos mantener los sintes, las pistas, las atmósferas que se generan en el disco. Ese es de hecho uno de los grandes cambios que estamos experimentando, que ha sido la incorporación de teclas en el directo, en de-

trimento de guitarras. Hemos priorizado, que nos acerca más a lo que queremos sonar. En el teclado estará Marina, y el objetivo es ese, mantener la intensidad, esas subidas, y respetar al mismo tiempo los ambientes. También queremos introducir más coros, teniendo en cuenta que los graba Anouck.

El proyecto florece en pandemia, junto a otros grandes proyectos. ¿Cómo os veis vosotros dentro de esta generación?

Andoni: yo te diría que nos identificamos con una escena que aquí en España todavía no está muy explotada ni tiene demasiado público.

Anouck: aquí una exponente podría ser, por ejemplo, Núria Graham. Es una escena todavía pequeña y quizás por eso nos terminan incluyendo en una escena más indie, que por otra parte es un nicho cada vez más general y ya no se sabe muy bien qué es.

Andoni: la realidad es esa, nos rodeamos de muchas bandas amigas que sí pertenecen a una escena y a un estilo más común, incluso por círculos y por estilo de salas, pero Anouck the Band se sale de la norma. Eso tiene sus cosas buenas porque te diferencias, pero al mismo tiempo planteas una nueva escena no consolidada. Por suerte hay público en este país que escucha este estilo, de hecho fuimos a ver a Alice Phoebe Lou en el Lula Club y estaba petado. Así que aquí estamos.

Habéis encajado en el Deleste, que eso dice mucho bueno también.

María AS: es que es un festival en Jardines de Viveros, en Valencia, la ciudad donde nace el proyecto, y qué mejor carta de presentación que en una ocasión así.

Qué supone volver a casa.

Anouck: el valenciano es un público bastante diferente al de Madrid. La gente no sale tanto a conciertos como sucede aquí, no está tan inculcado en su estilo de vida, o en los planes del fin de semana. Para ellos, de hecho, ir a un concierto es El Evento, por lo poco común. Cuesta también porque no hay cultura de salas, y al mismo tiempo la espera para poder tocar en ellas es enorme.

En cambio hay mucho festival.

Andoni: y hay mucha música y grupos muy guays por la zona. Es cierto también que en Madrid hay mucho público que en realidad es de todo el país, pero de igual forma es muy agradecido, siempre te sientes acogido en cualquier concierto. Son muchos los casos de bandas de Valencia que se han tenido que mover mucho al no tener mucho público allí.

Y a qué hora os vemos en los Jardines.

Anouck: Será en torno a las 18:30h del sábado. Le diríamos a la gente que apoye lo emergente y venga a vernos. Es lo bonito de los festivales, conocer bandas nuevas.

alcalá norte

Es esa banda de la que todo el mundo habla desde hace ya un porrón de semanas, primero porque su disco homónimo (abril 2024, Balaunka) sube el nivel, y después por su irreverencia en letras y en actitud. Están alborotando el avispero del underground, y poniendo colorados los caretos de los indies puritanos, y esto pues oye, hay que ponerlo en valor. Nos fuimos a una casa con aires de nobleza un poco un punki para charlar de su movida, y para que nos contasen qué narices come el admin, que nos tiene locos en X.

Quiénes son Alcalá Norte y porqué habla todo el mundo de ellos.

Barbosa: somos un grupo que empezamos formando Juampi (guitarra) y yo.

Rivas: Juampi vive en Suecia, pero el año que viene se queda “para siempre”.

B: ahora está aquí unas semanas. Esto empezó a finales de 2019, yo tenía un grupo de versiones, Juampi tenía otra banda e intenté hacer varias cosas con él. Cuando me aburrí y me fui de aquel grupo, le dije “tío, vamos a juntarnos para hacer algo”. Ese día estaba Rivas y se vino a un ensayo. Le dije si quería cantar y me dijo que sí, aunque no tenía ni puta idea, no había cantado jamás.

R: estás mintiendo, Juampi tenía una banda, allá por 2014, se llamaban Los Pablos, y una vez me invitaron al escenario a cantar una canción. Mi debut fue ahí, pero sí, la segunda vez que me puse frente al micro fue ese día.

B: pillamos un local por horas, y pensamos en dos canciones para yo qué sé, y esas fue-

ron Perlas ensangrentadas de Alaska y Boys don’t cry de The Cure. Nos pusimos a ver qué nos podía molar a todos, porque Juampi y Rivas quizás se parezcan más en gustos, pero no se acercan a los míos.

R: habíamos tenido el gusto de poner esto en común años antes, y nos habíamos apalancado en esas dos o tres olas.

B: quedamos cuatro o cinco veces, y de repente vino el covid, y en esas semanas aprovechamos para buscar a otras personas que se quisieran sumar a la movida, y conseguimos un primer bajista y un teclista. Así fuimos cerrando la primera formación. Tras el verano de 2020 empezamos a ensayar, ya con Jacobo y con Pedro.

R: tardamos como un año y medio en tener un repertorio similar al de ahora, o al menos al 60% o 70% del que tenemos hoy. Lo defendíamos ya en directos principalmente en Madrid desde 2021. Salimos una vez a Bilbao, a la rave que organizaban unos colegas en un bosque, y ya. Lo que explica que esto esté “explotando” es que Carlos Elías se unió a nosotros. La primera formación quebró, se fueron dos músicos que eran en cierto modo la base, los que sabían de instrumentos, de producción, y al entrar Carlos se nos empezó a hacer algo más de caso, no mucho más (risas), pero él nos abre los ojos, y hablo más por mí porque Barbosa llevaba vendido a esto desde el principio. Me taladró el cerebro convencido de que yo escondía en mi misticismo, en mi aura de “inalcanzable” ciertos miedos. Me di-

jo que diese la cara de una vez para que esto progresase. Me convenció, y de ahí surgieron cosas como grabar un disco, el irnos con Jose, Pablo, etc. a hacer que esto suceda de verdad, el decir al admin, a nuestro bajista, que se hicieste una cuenta de Twitter y se pusiese a hacer el canelo allí... Desde que decidimos gritar a los cuatro vientos que existimos, y desde que nos pusimos a llamar a todas las puertas que podemos, pues ha empezado a surgir eso de que se habla de Alcalá Norte. Ahora hay un disco detrás y hay una serie de personas que están mirando por nosotros. Siempre hemos ido por las calles pregonando que somos Alcalá Norte y que teníamos un bolo o una nueva canción, de hecho así conocimos a Carlos, en la cola de un concierto, pero es cierto que este último año, bien aconsejados, creciendo a partir de centrarnos en un disco, además de las plazas, ahora sonamos en alguna radio.

También entra en escena Adrián de VVV [Trippin’You].

R: con Adri grabamos de hecho solo la última canción, El guerrero marroquí. Carlos Elías: de este tema se grabaron voces y guitarras en Los Invernaderos, con la producción de Adri. Hubo que regrabar el bajo porque no terminaba de empastar bien en la canción, ya que aunque hizo una mezcla de puta madre, había cosas que se descontextualizaban con respecto al resto de temas. Ahí entró en juego Pablo Fergus (La Cafetera), el otro productor del disco.

R: ese tema lo produjo Adri, porque antes de trabajar con este equipo con el que estamos tan cómodos, probamos con otras personas. El estudio de Carlos, con quien ya habíamos grabado casi todo, les parecía muy caro, y nos dijeron que la última canción debíamos grabarla en otro sitio. Encajamos la búsqueda de una canción un poco más bakala con Adri, tenía todo el sentido. Fuimos al estudio más barato que encontramos porque ya no podíamos gastarnos el dinero en sonar bien. Lo grabamos de aquella manera, pero cuando nos desvinculamos de todo lo anterior, volvimos al estudio de Carlos - junto a Adri - y cogió esa coherencia.

El disco tiene oscuridad, pero mucha luz. R: es algo propio de la segunda formación. Es cierto que No llores, Dr G fue el primer acercamiento a un sonido más popero, y se

dio precisamente cuando la primera formación petó. Lo más razonable en aquel momento era que los músicos oscuros fuesen por un lado, y que por otro fuésemos los que estábamos dispuestos a hacer otras cosas, a seguir explorando, y a que esta canción no fuese una anomalía.

Quizás La vida cañón hizo de escaparate. B: 420N, que fue el primer single que sacamos sin un sonido tan maquetero, dio el primer petardacillo, luego No llores, Dr G quizás no tuvo tanta repercusión en primer momento, pero es verdad que La vida cañón en esta última época dio que hablar. C: Camuñas lo sabía, nos dijo “vamos a dar un hostión con esta canción, vamos hacer esto y lo otro, y a ver qué pasa”.

Y luego hay canciones amables (o no) co-

como La Calle Elfo

R: se la dedico a mi abuela, de hecho. Es un mejunje de cosas y tiene vida propia, habla de hecho de Dionisos, de Baco, dios mediterráneo que ahora vive en los bosques de Guadarrama, y que para practicar su bacanal se baja a Madrid. En concreto, tiene un atiquito en la Calle Elfo, donde celebra afters, que es la forma en la que celebra actualmente.

B: y pasa por el monolito de Alcalá Norte, la referencia de la portada. Esta canción es, como la mayoría, un frankenstein de cosas, porque en su momento se dio por el rollo Antonio Alcántara, igual que sucede con La vida cañón Alcántara es una persona que tiene mucha relevancia en mi vida, y por lo tanto la tiene en Alcalá Norte.

R: en la Calle Elfo descubrimos a Baco, porque Antonio Alcántara nos lo señaló.

B: es mi serie favorita, es la polla.

Hablemos de detalles en las canciones.

R: el único detalle puramente futbolístico es el estribillo de Supermán. Lo de Ronaldo y Georgina fue por una cuestión fonética, tenía las palabras en la cabeza y encajaba.

Y la ironía, ¿o es cosa nuestra?

B: la gente quiere tener la certeza siempre de si uno habla en serio o no. Qué más da, que cada cual escuche las canciones y saque sus propias conclusiones.

R: lo que va a quedar registrado, y es algo contra lo que he tenido que luchar a medida que he ido haciendo canciones, y que ha cambiado además mi forma de componer, es que al principio quería decir cosas, y ahora quiero decir cosas que suenen bien. Me da igual tergiversar el significado original de cómo esa frase llegó a mi cabeza con tal de que encaje mejor con la musicalidad y los instrumentos. No recomiendo a nadie que busque un significado concreto en estas letras.

La gente sí pone en valor ese orgullo de barrio, ese de dónde venís.

B: al principio queríamos llamarnos Ciudad Lineal, pero ya había un grupo que se llamaba así, de Barcelona, que ni tocaban.

R: si hemos logrado que la gente siga mentando a Ciudad Lineal al hablar de nosotros, cumpliremos el propósito original como banda de allí.

B: hemos adoptado de mascota el monolito, pero realmente solo hablamos del barrio en La Calle Elfo y en Supermán. Decimos también “sombra en Las Ventas”, porque una cosa es los límites de Ciudad lineal que reza en Google Maps, pero la realidad es que cualquier cosa que tu quieras que sea el barrio, es el barrio, sin pasarse demasiado.

R: la Ciudad Lineal sentimental tiene su núcleo, más o menos, en la Conce, y se va expandiendo de una forma un poco rara, engloba partes de Canillejas, de Hortaleza,

se expande por muchas partes. Luego está la dictada por la Comunidad de Madrid, tiene forma perfecta de un jamón.

B: sorteábamos jamones en los conciertos, para nosotros es muy importante, y también lo era para Antonio Alcántara.

R: ¡queremos tranvía!

B: el 70 es un gran autobús, pero como tranvía molaba mucho más.

Versionáis a otra banda que habla de calles de Madrid, como La Paloma.

B: nuestro segundo concierto fue con ellos, que habían hecho un bolo antes, o ni eso. Fue en la Moby Dick, con peña sentada.

R: nuestro primer bajista nos sirvió de enlace, con la nueva banda del bajista de Menta. De hecho lo anunciamos como La Paloma Vive porque lo que teníamos en aquel momento era su alias y ya.

B: nos los encontrábamos mucho por ahí, en plan risas, y cuando sacaron su disco, la presentación fue en la Sol, y decidieron llamar a bandas de colegas para que cada una hiciese una versión del disco. Nos asignaron la de Cosquilleo, en plan, hacer lo que os salga de los huevos. Casi ningún grupo cambiaron las letras, alguno quizás un poco, pero nosotros decidimos cambiar hasta eso. Rivas compuso sobre lo que tocaba en ese momento, que era el Evangelio de San Juan, y a tomar por culo.

R: justo ahí siento en lo fraternal de La Paloma. Pensaba en ese cosquilleo frío que experimena peña que luego se convierte. Me lo contaba mi padrino, que no le molaba nada que tuviese que ver con Cristo, y un día en la calle, en un día soleado, sintió unas ganas tremendas de entrar en una iglesia. Lo hizo de una, y desde ahí empezó a creer. La canción me parecía eso, una referencia a esos milagros de conversión. Intenté escribir en base al “he visto a Dios”, pero me di cuenta de que era Cristo en el viacrucis. Puro cristianismo joánico. Después de eso tuvimos una etapa de crisis, apenas dimos bolos, pero nos gustaba y la volvimos a tocar. Lucas nos animó a grabarla, creo que solo lo llegamos a hacer nosotros, y era genial porque nos dejaban jugar con la canción. Cuando llegó la propuesta de grabar el disco, ni nos lo pensamos. Ahí ya había que poner finura en las letras y escribí otras estrofas que se salen de lo joánico, porque lo que refieren no está recogido por Juan, de hecho me tuve que leer los cuatro evangelios para escribir esas líneas, bueno, en realidad la Pasión. Nos encanta, y les he mostrado siempre a ellos, no solo el hecho de que me guste el resultado final, sino también que esto me ayudó mucho a aprender a escribir canciones. Como la mitad de las letras las escribí justo después de Cosquilleo, a finales de 2023, estaba bastante influido por la forma de escribir de Lucas, algo que se ve perfectamente en la Calle Elfo, tomando su flow como mío.

VANGOURA

Es de una alegría inmensa que estemos rodeados de propuestas tan interesantes, con artistas tan jóvenes y con una forma de proceder de verdaderos veteranos del pop y del rock. La cosa además va de dúos, como esta propuesta de los madrileños Miguel Figueras e Ignacio Alarcón que, bajo el nombre de Vangoura, están presentando sangre y sal, un segundo trabajo impecable que celebraron por todo lo alto en vivo, en una Sala El Sol a rebosar de fans y de colegas de la industria. Antes de darlo todo en el escenario, pudimos charlar un ratito con estos chicos sobre el disco y su trayectoria, en el histórico backtage de esta sala en la que estamos ya por empadronarnos de tanto que vamos.

¡El segundo ya está fuera!

Miguel: Qué fuerte suena, segundo disco. Ignacio: es cierto que la gente es más de sacar singles, y ya el primer disco salió de una forma muy natural, muy conceptual con una historia muy concreta. Éste es otra cosa, pero sí que con dos discos parecería que llevamos siete años en esto (risas). Hace cuatro años, de hecho, de nuestra primera canción. Los álbumes nacen o no, surgen, pero no es algo tan planeado.

El entorno habrá cambiado mogollón desde el primero.

I: es completamente distinto, con aquel hicimos incluso vinilos, y nos lo guisamos y nos lo comimos nosotros. Ahora tenemos mucho más equipo a nuestro alrededor, está Ártica en el management y en el booking, y estamos enamorados de ellas; está BMG de por medio... ha crecido bastante la familia, y eso también nos libera un poco de ciertas cosas. Este disco, sin este grupo de personas... nos estaríamos muriendo por el nivel de curro. M: también es cierto que cuando amplías el equipo hay más cosas que hacer. Se nos ayuda en muchas, pero hay otras cosas de las que te tienes que ocupar que antes ni te dabas cuenta de lo necesarias que son para que tu música sea escuchada. Creo que lo único en común en ambos discos es que los hemos hecho con muy buenos amigos en los dos casos. En el primer disco con Blackpanda, y en el segundo con Ganges y con Bearoid. En el estudio hemos sentido esa confianza, esa sensación de estar entre amigos, a pesar de que ellos sean los productores. Del resto de cosas, sí que cambia absutamente todo. El primero casi era más bien para nosotros y ya. I: desde el principio nos conformábamos con ver nuestra música disponible en plataformas, aunque no la escuchase nadie. Poder ir a Spotify y tener a un clic una canción de Vangoura era el triunfo.

Este disco es más introspectivo. I: es que Miguel, por regla general, escribe muy introspectivo.

M: suelo mirame mucho hacia dentro, además han pasado dos años en total, desde que empiezas a componer, grabas, etc. Ha sido una etapa de mucho cambio tanto para Ignacio como para mí sobre todo, porque siempre he tenido claro que quería dedicarme a la música, asumiendo lo difícil que es, y vas haciendo más cosas al mismo tiempo. Ahora mismo lo tengo mucho más claro, pero me ha llevado todo este tiempo el darme cuenta, de dudar si rechazar cosas por seguir con esto, de si la estaré cagando a nivel laboral... La cosa iba de eso, de romper con ese pasado, recibir este nuevo presenta y analizar cómo te encuentras en él, que de momento creo que bien.

sangre y sal se divide en dos partes. la ruptura, la otra de reencuentro. M: quizás están más intercalados los temas, no es tanto una cara A y una cara B como se daría en un vinilo en lo temático. No está tan separado a nivel pistas, pero sí son esas temáticas las que desarrollamos. También parece que estamos todo el rato hablando de amor y de desamor, la mente nos engaña a veces, porque quizás estás

hablando de romper contigo mismo, con la persona que eras.

I: es de libre interpretación al final, la gente escucha las canciones y las enfoca por cómo las siente. Ahí empatizamos todos.

Hablabais de Bearoid y Ganges en la producción. intuyo que ibais al estudio con una idea más bien clara.

I: las canciones nacen siempre en Miguel, después de manera conjunta pasamos mucho tiempo en su casa dando forma a las demos. Si él tiene maquetitis, yo tengo maquetitis por tres, porque me paso todo el día escuchando, incluso hasta dormir, la voz de Miguel. Acabaré loco algún día. Pero sí, van muy depuradas al estudio, algo que ya pasó con las canciones del primer disco. Después, ayuda muchísimo el curro de produ, que te cambian los planes, lo que tienes en la cabeza para algo mejor, pese a que cuesta mucho desprenderse de tus ideas. Yo lo pasaba fatal en ese sentido. M: el sonido lo tenemos claro, sabemos lo que queremos, pero luego en el estudio elevan muchísimo lo que llevamos preconcebido. Rara vez, diría más bien que ninguna vez hemos empezado de cero.

Estáis rodeados de un montón de artistas amigos que están empezando a emerger, como Inazio, Malmo, Besmaya, Hey Kid... Hay escenón ahí.

I: ¿nos metes en esa escena? Hemos colaborado con Besmaya, que son como nuestros primos pequeños, y nos podemos ver en ese punto, y al mismo tiempo en la escena de Ganges, Trashi, Bearoid... Nos sentimos, por así decirlo, en el limbo, entre esos dos mundos. Que si gustamos a ambos públicos pues oye, de locos.

Quizás es porque tenéis esa parte muy 2000, pero también esa cara más dream. M: hay una cosa, en la que quizás estemos todos de acuerdo, y es que los proyectos que hemos surgido o nos hemos desarrollado en torno al confinamiento, tenemos ese punto común, ese dreamy. En la pandemia se puso de moda y creo que a muchos nos caló bastante. Quizás en nuestro caso lo estamos empezando a perder, aunque algo encontrarás en este nuevo disco porque tampoco es un cambio radical. Pero sí creo que estaríamos ahora más cercanos a ese rollito más “dosmilero”, con restos de otras cosas.

Hablabais antes de Besmaya y de su colaboración, y se intuye el buen feeling.

I: oos hemos encontrado con ellos muchas veces por ahí, y siempre ha habido mucho vacile, muy buen rollo, encima son muy graciosos los cabrones. Nos llevamos muy bien, es imposible que se den momentos malos con personas así, y la colaboración surge de forma natural. El vídeo de números rojos lo hicimos con otros amigos, como Telmo Trenado, con Raquel Hernández, con Cris Regatero... Fue una risa absoluta, y no me puede alegrar más que esto se haya podido dar así.

Nuestra canción favorita, de momento, es la más limpia: sería perfecto. I: es de mis favoritas también, porque es la que más me traslada a mi yo adolescente encerrado en mi habitación. Hay una referencia, y yo creo que se nota mucho, a Paramore con su The only exception, y yo ahí vuelvo a tener dieciséis años.

M: a mí me genera un algo muy placentero, es una canción abrazo. Me hace mucha ilusión que nos digas esto.

I: es muy suave, y la voz de Miguel está ahí todavía más increible. Es ese mood tranquilo con el queríamos (casi) terminar.

Y ahora, de salas y sobre todo, festis. I: y nos apetece muchísimo ya. Estaremos en el Festival de los sentidos, en el Mallorca Live, en el Festival Gigante. Es para fliparse.

Club del Río

MARENITAS

THE RAPANTS

RUBÉN POZO

el momento incómodo - Soy consciente (autoeditado)

¡Qué nos gusta un disco debut! La madrileña Malena Fernández da el salto definitivo como compositora en solitario, con diez canciones que abrazan el folk y el shoegaze, en un universo en el que parece fundir el rock alternativo y el dream, resultando un elenco de melodías agradables, sentimientos sinceros, y una cierta vulnerabilidad en general que por momentos nos encoge el corazón. Han valido la pena estos dos últimos años de tanto trabajo para una artista que no es precisamente una recién llegada a la escena madrileña, pero que jamás se había abierto en canal de esta forma. Es digno de valorar, ya que además tomó parte en la producción, complementando el trabajo impecable de Bearoid y Turian Boy. Nuestras favoritas son Dame un segundo y En mi casa, con esa guitarra que nos recuerda a otros tiempos. Si no la viste en Sound Isidro, ponte las pilas...

Carlangas y los Cubatas - Mucho con poco. (Virgin Music)

Una oda a las pequeñas cosas de poco más de dos minutos, con el espíritu punk de antaño. Así se resume el nuevo single de Carlangas, en el que no sé cuántos instrumentos incluye, pero entre los aires funk, la frenética y fiestera percusión, y los saxos de Mercè Palacios de la parte final, llevamos un rato que no paramos. Quizás te recuerde esta pista a Novedades Carminha, además de a algunos referentes punk y dance, apuntes muy alineados a unas letras sencillas y directas, con el objetivo de disfrutar de la buena compañía sin necesidad de hacer unos planes de la hostia. En la producción está el mismo Carlangas junto a Mundo Prestigio y otro nombre propio como Luca Petricca, y con tanta cera es normal que ya lo estemos bailando, y que no tarde mucho además en sonar en todas partes. Si quieres escucharla en directo, debes saber que el artista gallego ha anunciado una única fecha para todo este año en Madrid: será en el Ochoymedio el 21 de noviembre, y las entradas llevan ya unos días a la venta. ¡Pronto anunciará un montón de fechas y salas, así que atentos!

Querido - Decir adiós (autoeditado).

No hay quinto malo, y menos todavía si se trata del nuevo sencillo de esta prometedora formación que, sin hacer mucho ruido, nos ha ido empujando hacia su movida trascendental y cautivadora casi por inercia. Esta pista, según ha confirmado la propia banda, no tenía asegurado su sitio en el inminente primer disco (saldrá en el 31 de mayo), pero su análisis de la despedida del estatus de una persona que queremos que siga ahí, bien merece el esfuerzo. Entre Sergio M. Puga y Esteroarte anda el juego para sacar adelante una pista que te envuelve y embelesa, y que sin duda bebe de los grandes del pop y rock alternativo actual para crecer y explotar en un último minuto y medio muy emocionante. Andrés, Antón, Roque y Raúl están empezando a buscar su lugar en esta escena de locos, así que estaremos atentos a su disco, y a conciertos como el del 15J en Madrid o el del festival Planeta Sound.

Amor líquido - A ver quién miente más. (La Castanya)

Este sencillo de la banda madrileña nos pilla organizándonos para verles el 31 de este mes en el Teatro Eslava, y es que encima comparten inmensa plaza junto a Error 97 y La Juventud. Con guitarras distorsionadas y voces limpias, la formación comienza una nueva etapa, ya en modo “castanya”, contándonos una historia de una muerte - amorosa - anunciada. La cosa va de pop y punk con esa pizca de rabia que va creciendo conforme avanza la composición, entre gritos y distorsiones que por desgracia no abundan ni son tendencia en la escena, con la falta que hace a veces. Esta canción ha sido producida por la propia banda junto a una grande como Jimena Amarillo, y la mezcla fue cosa de Sergio Pérez (Baiuca, Mujeres, Joe Crepúscilo), además del curro de otras personalidades en el master, en el videoclip, etc. ¡Qué bien se rodea esta peña! Sin irnos del audiovisual, el clip dirigido por Lucía Toral es, en cambio, una exaltación de la amistad, liberador como pocos, con su toque de ternura y esas ganas de ser jóvenes forever. Lo dicho, espero que nos veamos todos en la Eslava, por favor.

Éxtasis - Ojitos marrones (Start Anew)

Ha aparecido esta peña en escena y casi de forma automática se ha adelantado el verano. ¡Llámalo casualidad! La banda de Barcelona, que no se casa con ningún estilo musical ni ningún ritmo concreto, sorprende ahora a sus fans con una canción de pop rumbero, fiestera como pocas, que habla de una relación de amor en su prime, en su momento álgido. Es un carpe diem de manual, que además se viene como tercer adelanto de un disco que intuimos ecléctico y disfrutón. Si no conocías a Éxtasis, te lo resumimos en una amistad sincera desde el parvulario en Viladecavalls, que hoy se mide también en canciones y en prácticamente en una vida en común en pro de los sueños. Si no pudiste verles en la fiesta de Último Acorde en Madrid, no te preocupes, que estarán en el Café la Palma el 29 de junio, justo un día después de visitar el Cottom Club de Bilbao. Del bolo del 26 de octubre esperamos más datos :)

A ti, que te gusta levantar la vista hacia las ventanas de los edificios del centro de tu ciudad, que te gusta ver el detalle en paseos aparentemente anodinos, y que seguro miras más allá de las portadas de las revistas musicales. A tí, amiga, te va a gustar mucho esta canción de la artista madrileña residente en Barcelona, que formará parte de un EP que presumiblemente se llamará Entre tú y yo Susi es una valiente, primero por mantenerse fuera de su zona de confort, con todo lo que conlleva, y luego por dar tanto valor al equilibrio entre lo sostenible y lo cuidado y meticuloso, dentro un proceso musical lleno de ilusión que incluso ha querido inmortalizar en vídeo (podéis verlo en Youtube). ¿Que ahora queremos grabarnos para vernos haciendo cosas así de guays cuando ya seamos súper mayores? Pues sí, claro. El museo habla del límite a las expectativas, de paisajes sentimentales idílicos, de nostalgia y de la necesidad de liberarse y vivir el momento. En la producción encontramos a Pau Roget, y el lugar donde pasan tantas cosas chulas es Cadàver Exquisit. El clip es maravilloso, y es la sorpresa de mayo.

Susi Abanades - El museo. (Acqustic)

¡De ‘musicalidade’ va la cosa!

Estaba yo recocijándome en mi sufrimiento habitual como celtista de cuna que soy, y en un momento dado hice la ruta de los podcast para poner en común mi amada condena mientras preparaba café. Normalmente solo escucho barallar a los chavales (en el buen sentido de la expresión) mientras hago otras cosas, pero esta vez hice por poner también la vista al servicio de Tenías que haber tirado, y me encontré como introducción del programa un vídeo completo en el que un artista interpreta una canción en clave celeste. Qué digo canción, amiguiños, esto es un puto temazo, en honor a la última y desastrosa acción de dos “delanteros” del Celta en semifinales de Europa League ante todo un Manchester United. El caso es que mientras yo cantaba casi a gritos la adictiva canción ante el estupor de los vecinos de toda mi manzana, me fijé un poco más en la imagen, y dirigiéndome a los vecinos, dije: “¡hostia, pero si este tío es Prexton!”. El modo remember se apoderó de mí, ya que en 2017 fui a ver a Edu (así se llama) a la sala Costello de Madrid, cuando aún conservaba yo un poco de mi acento guardés. Este tipo de casualidades me dejan loquísimo, ya que le había perdido la pista, y con ella me había perdido su evolución como artista, del cual recomendamos su canal de Youtube, su pedagogía y virtuosismo, y sus covers, claro, sin dejar de lado canciones recientes como Covent Garden (2021, autoeditada) Yo, que soy súper fan de estas conexiones, me vengo arriba muchísimo, porque Prexton me conecta con Moucho Records, Moucho me conecta con Bea Camiña (hemos hablado antes de su Tanaka Music), y Bea me conecta con Ernie Records, Heart of Gold - y el Huercasa, claro - e incluso con A Coruña, donde una vez nos conocimos en un ambiente cero musical Vamos, que Guidetti me ha alegrado el día a pesar de aquel lance de juego que jamás olvidaré ¿No os pasa que a veces echáis la vista atrás y os dais cuenta de la cantidad de proyectos musicales que se han ido alejando de vuestros oídos? A veces nos dejamos engañar, hablando de nuestra propia “evolución” como personas, que hacen que cerremos etapas casi bajo llave, y con ellas sus bandas sonoras Qué pena, porque a veces mola volver a artistas como Stereotipos (¡toma conexión coruñesa!), Kannon, Sugarless, Los Peces, Pastora, Hola a todo el mundo o Zenttric Supongo que a veces nos da miedo volver a esas canciones, porque enlazan a decisiones complicadas, al qué hubiese pasado de haber tomado otro camino. No quieres volver a decirte ese “tenías que haber tirado.”

LA CONTRA

Henry Cartier-Bresson: Alberto Giacometti, rue d’ Aléssia, París (1961)

Inazio: París (2020)