Revista Sold Out, nº 21

“Dejémoslo que arda...”

Valmara

Algo que sirva como luz.

Fernando Navarro.

(Ed. Aguilar)

Es el libro del que todo el mundo habla, y diríamos que todo el mundo tiene ya en sus manos. El periodista y crítico musical Fernando Navarro ha conseguido muchas cosas bonitas e importantes con esta publicación tan esperada,

empezando por conseguir romper ese silencio, ya no solo hacia los seguidores de Supersubmarina, sino hacia ellos mismos. Este es un relato de superación, quién sabe si es el relato de un milagro, pero son sobre todo 383 páginas que hablan de amistad, algo que José, Juanca, Pope y Jaime siempre han puesto por encima de todas las cosas. Del éxito a los abismos hay apenas segundos, pero en esta historia con final abierto, la vida es la gran protagonista para una formación que en 2016 estaba escribiendo una de las páginas más especiales y singulares de la música rock de este país, página que día de hoy sigue muy presente en sus fans, quienes ponen notas al margen y se emocionan tanto como entonces, pese a tantos años de inactividad. Este libro es, en definitiva, un regalo para todas las partes, que nos hace muy felices y nos permite además tener una mayor perspectiva de lo que supusieron aquellas primeras horas de incertidumbre tras el accidente, y todo lo que vino después en forma de mazazos de todo tipo. En la lectura sobrevuela todo el rato un deseo nítido, que no es otro que el del regreso, algo en lo que todos hemos pensado y deseado cuando hablamos de Supersubmarina. Sin duda, ese deseo es permanente, y ahí seguirá, con ellos y con nosotros. Gracias, Fernando, por escribir esta historia fieramente humana Si aún no tienes el libro, por favor, cómpralo en tu librería de barrio. Por ejemplo, si vives en Madrid, te esperan en La Anónima (Embajadores, 166).

Además del libro que ves a la izquierda, Izal ha anunciado el lanzamiento de su biografía autorizada (¡contraprogramando a tope!), un libro que firma Miguel Ángel Bargueño. Vetusta Morla ha publicado dos nuevas canciones tras una pequeña pausa de apenas tres meses Love of Lesbian hará tan solo seis fechas este año, en las que tocarán muchos de aquellos himnos que grababan en cassettes y regalaban a sus amigos cuando estaban empezando. Varry Brava ha anunciado nuevo single para este mismo mes, con colaboración incluida. A Miss Caffeina les han entregado un disco de oro y dos de platino hace apenas unos días. Triángulo de Amor Bizarro dejará en manos del tarot y de sus fans los setlist de sus conciertos de este año, interpretando discos completos tal y como está haciendo Quique González. Como ya sabéis, y de ahí nuestra portada, Depedro ha publicado nuevo trabajo y ha anunciado también sus primeras fechas por todo el país. Ángel Stanic se ha aliado con _juno (Zahara y Perarnau) para publicar juntos dos pistas ‘viajeras’ dignas de encenderse un cigarro y no pensar en nada más. Bravo Fisher ha sacado su segundo sencillo de este año, con guiño total al Tomavistas, tras cuatro años sin darnos alegrías. Entre Los Planetas, Eric y Lagartija Nick nos están matando (con gusto) a documentales. Como Los Piratas no pueden volver, el hijo de Iván Ferreiro

parece haber entrado en escena para emularlos cueste lo que cueste. Sr. Chinarro también ha publicado canción en clave escolar, titulada Comunión Bunbury, que anunció su vuelta tras año y medio alejado de de los escenarios, ha puesto su voz en una nueva versión de La Salvación de Arde Bogotá. No sé si han sido Leiva y Rubén Pozo los que desencadenaron esta tendencia volviendo a ser Pereza por unos instantes, o la vuelta por un año de Deluxe, pero es evidente que aquí hay un patrón, y que la vieja guardia del pop y el rock nacional está muy viva y con mucho que decir. Y si no, que se lo digan a Amaral, que tras liarla parda en el SanSan, anunciaron la recién estrenada ZGZ, subiendo los índices de alegría en las redes sociales a un nivel más que merecido. Es cierto que en la Sold Out tenemos muy en cuenta los proyectos emergentes, y que analizamos mucho la deriva hacia lo urbano y lo electrónico, pero sabemos que son los artistas consagrados los que tienen que seguir marcando el camino, por tortuoso que sea, en un sector al que nadie ayuda y al que nadie agradece. Eso sí, la nueva reencarnación de La Oreja de Van Gogh nos descoloca un poco, lo admitimos, tanto como la vuelta de Melocos, pero bienvenidos son, tanto como los Despistaos, que celebra veinte años de carrera con una fiesta brutal en Guadalajara. Ay, lo que hemos vivido...

THE RAPANTS

LA MÁQUINA DEL BUEN ROLLO

Siempre ponemos la TVG, está esta peña en alguno de sus programas (tío, será magia, no sé), descojonándose de todo, porque los galegos somos divertidos, y nos sale la retranca y la pilladura por los poros, pero también poniendo en valor la música que se hace en Muros y en Galicia en general, en una escena con cada vez más nivel y más presencia, apostado por los sonidos tradicionales, por los idiomas históricos y por adaptar nuestra vida y nuestras cotumbres, unas veces a lo instrumental y otras veces a la forma de expresarse. The Rapants vuelven a demostrar finura y fiesta verbenera en este segundo disco, La máquina del buen rollo, en el que además de sus letras divertidas y directas, empastan súper bien una buena recua de estilos que van desde el rock a los ritmos latinos, el country y movidas más del groove, sin dejar de lado detalles de la música urbana actual. Vamos, que puedes disfrutarlo muchísimo con unos buenos auriculares y un buen equipo de sonido, y al mismo tiempo es perfecto para escuchar con tu grupo de amigos mientras os ponen chupitos de LK (ya le molaba al jäger estar al nivel) a punta pala. El disco empieza con Meu cariño, una pista que bailarían los Bee Gees por sus detalles disco de otra época, por mucho que los ritmos más rock quieran controlar la situación por momentos. Si no sabes bailar, ni mucho menos ligar, en Tuenti tienes un estribillo preparado para ir cantando por la calle al salir del Avante sin ningún tipo de vergüenza. La caja en esta canción es la prota, además de

una voz al puro stilo Strokes muradanos. Este himno pone el liston muy alto ya, pero de igual forma, la melódica Blaster W4u entra súper bien para agarrarnos un rato, que ya iba tocando. La melodía que se intuye de fondo, nos recuerda al Monteperdido de Carlos Sadness, y es de los temas con más cuerpo de este trabajo. Si cada canción es una atracción, apostamos a que esta es el mítico scalextric de los globos colgados (ni puta idea de su nombre oficial). Cerramos etapa, eso sí, en el Eolo, casi mareados en A lus con la composición más pop rock de todo el disco, muy cañera y contundente, aunque no tanto como Rue Franklin, una canción en la que parece liberarse la energía contenida hasta entonces. Contundente ante un bloqueo sentimental, con indecisiones y un Maps que no rula bien en el momento más importante. Al final salimos, joder si salimos, y The Rapants lo cuentan al más puro estilo urbano, con esos ritmos actuales que dan tanto sentido al conjunto de Chusma riders Si te querías montar en los coches de choque, no lo hagas si están estos chavales ya montados en los bólidos. Encaramos la parte final del disco con Novio imaginario, en donde montaron una intro baladesca para que bajes la guardia, y luego meterte unas guitarras groover y un ritmo frenético digno de romperla en la Pelícano, ante el estupor de los demás. Pago por verlo, te lo prometo. Sí, el western tiene unos minutos en este disco gracias a Country asesino, otro de esos temas con estribillo de los de dejarte la voz, y ya de paso perdonar en público por tus errores Esto termina en lo alto, aunque también te digo que no estuvo abajo en ningún momento. Cando pensa en min, ideal para los insomnes rabiosos, parece un tema montado para cuando te vas a casa solo porque se van todos los demás. ¡Qué discazo, rapantes!

VALMARA

Con nueva organización sobre el escenario y con la incorporación de Irenne a los teclados, se abre una nueva vida para Valmara, que aprovechó su bolo en la Rockville para sacar músculo con un directo más trabajado, más rápido y con un elenco de canciones que dan ya para hablar de montaña rusa emocional Dejemos que ardan esas grandes sensaciones, porque es lo que al final engancha a la gente a los directos Seguimos gozando de himnos como Kenzo, El Viaje o el más reciente Incencio, sea domingo o sea martes, y celebraremos todo lo bueno que les pase a esta gente, porque sera más que merecido

Con una imagen muy reconocible, y con el semblante tranquilo y seguro de los viejos rockeros, Nacho Sarria nos recibió en el centro de Madrid, entre entrevistas en radio y diversas acciones promocionales de su flamante segundo trabajo en solitario, titulado El mundo es cruel (pero creo en él) (Esmerarte) El que fuera guitarrista de Los Labios, donde pasó de pipa a ocupar el lugar que dejaba Álvaro Suite, se confirma como una de las grandes revelaciones de la música nacional con su proyecto en solitario, algo que se venía fraguando desde que autoeditó su álbum homónimo para debutar en 2021, año en el que también dejó muy buenas sensaciones tras su actuación en el Monkey Week, en una Sevilla que le acogió con los brazos abiertos durante gran parte de su carrera musical. El artista malagueño presenta ahora un disco en el que se cruzan y empastan a la perfección diferentes estilos como la psicodelia, el funk, los ritmos 80s, el pop, los boleros e incluso la canción melódica, siempre con ese poso rockero que domina el conjunto con autoridad. Estas diez canciones han tenido su punto de cocción sobresaliente en los estudios de Paco Loco, han sido mezcladas por el gran John Agnello (Patti Smith, Aerosmith) y el mastering se llevó a cabo en los estudios Sterling Sounds, por donde pasaron en su día pistas de John Lennon o Springsteen. Con estos mimbres, si no te han entrado ganas ya de ponerte el vinilo, es que no eres de este mundo.

El cálido paso del tiempo es la canción que da inicio al disco, una elección súper acertada por ese aura iniciática que parece anunciar la entrada a un universo paralelo en el que uno es consciente del paso del tiempo y de las incertidumbres de un futuro incierto en el que conseguir encontrarse a sí mismo. Todos nos hemos propuesto ser valientes, tener fé en nuestro talento y ponernos en pie para demostrar que ahí estamos. Justo en este puto nos viene ya a la cabeza la frase de Jesús Báez, de La Historieta Musical, analizando a Sarria: “es un músico de hoy que planta los pies con firmeza en el pasado”. Es maravillosa y muy acertada esta definición. El malagueño también hace un interesante y díficil ejercicio de relativizar, algo que resume en Mala racha, un corte en el que ya se intuye un poquito de la psicodelia y los clásicos teclados rock, además de una parte coral exquisita. Las temáticas del disco empiezan a aflorar, en este caso dando protagonismo a la resignación (1) Del mismo modo, la esperanza (2) se adueña de Flor, el primer adelanto de este trabajo y la llave que nos abrió la puerta de un mundo musical que desconocíamos y que estamos degustando como pocas veces hacemos. Los sonidos de décadas pasadas hacen acto de presencia, en cuatro minutos que guardan una fuerza de las más bonitas e inesperadas del disco, con partes melódicas que entran por los oídos y por los ojos des-

de la primera escucha gracias a su nitidez. Cuando os digan que una canción no se puede ver, haced la prueba, ponedles esta y veréis cómo flipan. En el segundo adelanto, Mi amor no se vende (se regala) se muestra otra de las temáticas: las espectativas (3), arropado por guitarras afiladas que pasan por encima de la rítmica para poner todavía más énfasis a una declaración de intenciones de rockero dolido, que tira de orgullo como escudo para impulsarse. Había una flor, pero también hay lugar para las Rosas negras, una de las pistas que más se apoyan del folclore, en lo que parece ser un bolero lento y melancólico que nos lanza a los infiernos en unos últimos cuarenta segundos casi fantasmagóricos, tras una letra rota, quizás la más dura de todas. Es el entierro del amor y la fase de negación. Básicamente es una brutalidad. La dualidad y los contrastes se hacen patentes

en El agujero, donde la resignación vuelve a aliarse con la esperanza, en una composición mucho más positiva, como si el sol se hubiese zafado de las tinieblas para pedirnos que espabilemos. Estos minutos son una lección, un amanecer funky con tantas capas instrumentales que nos vemos obligados a regalarnos varias escuchas para intentar no perdernos ningún detalle de la que sin duda es una de las canciones más completas de este trabajo. El pop y el estribillo pegadizo se lo dejamos a Algo nuevo va a venir, una pista que parece presumir de sencillez hasta que se personan a partir del minuto dos las trompetas y metales en general. Se nos cae la baba ante esa puta maravilla que dura poquísimo, pero que es necesaria para que no se nos olvide que este no es un disco de rock al uso. No había mejor forma de salir del castillo de los miedos emocionales, que con esta alfombra roja de positivismo. Eso sí,

eso no quita que recuperemos la inocencia de quien confía en cualquiera, y es cuando empieza a sonar el último adelanto antes del lanzamiento del disco: Química inestable Con un sonido y unas melodías al más puro estilo NBA, y con ciertos detalles cercanos a la psicodelia, entra en juego la ansiedad (4), de nuevo descrita con el don del paisaje, de la transparencia y la claridad a la hora de describir lugares y sentimientos. El diálogo entre las guitarras es digno de abrirse el mejor vino que tengas en casa y celebrarlo una y otra vez, junto a otros muchos detalles.

A falta de dos canciones para terminar la escucha del disco, uno ya es consciente de la reivindicación silenciosa de lo orgánico, del arte de instrumentalización, de la música de artesano en la que se ve inmerso Sarria, y esto es sin duda lo que termina de poner en valor un trabajo que ya podemos tratar de indispensable. Eso sí, queda una última e importante llamada a la psicodelia en Di lo que piensas, una pista que habla de un alma sana, de no reprimir nuestra parte espiritual, de esa parte de nosotros que necesita curarse de los golpes tanto como nuestra piel Son tres minutos exactos que nos recuerdan a Kula Shaker, e incluso a la primera etapa de Sidonie, y se convierte desde ya en una de nuestras fijas en las listas del día a día por su mensaje.

Eso sí, la guinda del pastel tenía que cerrar este segundo disco de Sarria, y de hecho el

propio Nacho confiesa que es su canción favorita. El mundo es cruel (pero creo en él), la canción que da nombre al conjunto, es un ejercicio preciosista sobre el realismo, lo literal y las cosas buenas y malas de esta vida que tarde o temprano nos pasará por encima. La aceptación de este hecho nos hará pasearnos por todas esas temáticas: la resignación, la esperanza, las espectativas, la ansiedad, y sin duda, el dolor y la valentía, para aprovechar el tiempo y no ser una víctima más de sus fechorías. Es una de las canciones más bonitas que hemos podido escuchar este año, y tiene tantos arreglos, tantos detalles, tantas sorpresas escondidas entre las capas, que no sabemos ni cómo describirla. Es un ejercicio formidable de virtuosismo desde la sencillez, desde lo humilde de quien sabe y asume que sus pies siempre estarán pegados al suelo.

Sarria actuó en el Sound Isidro de Madrid, en la Sala el Sol el domingo 14 de abril, así que a partir de ahora se pondrá el mono festivalero para subirse al escenario del Galaxy Sound de Málaga a mediados de mayo; visitará además el siempre querido Portamérica el 5 de julio, y volverá a Málaga el 20 de ese mismo mes para participar en el 101 Music Festival Costa del Sol. A finales de agosto estará en Río Verbena pontevedrés, pero intuimos que habrá muchas más fechas en el horizonte durante este año para un artista con tanto que decir. Vaya si creemos en el mundo con un disco así, amigo Nacho.

“Este disco es una reivindicación silenciosa de lo orgánico, del arte de instrumentalización, de la música de artesano en la que se ve inmerso Sarria, y esto es sin duda lo que termina de poner en valor un trabajo que ya podemos tratar de indispensable”

QUIQUE GONZÁLEZ

La primera noche de Quique González en Madrid se convirtió en un sold out de alegría y nostalgia para aquellos que tuvieron la suerte de disfrutar en su día del directo en clave Salitre 48, al que ahora nos pudimos unir todos los demás fans para ser uno, y corear absolutamente todas las canciones de esta noche irrepetible Fue quizás el concierto más extenso de esta gira de celebración de sus 25 años de carrera, no en vano este disco está compuesto por 16 pistas, de las que Quique no descartó ninguna, ya que lo prometido es deuda y así se encargó de recordarlo desde el escenario. Tras la pausa, llegó otro buen puñado de grandes temas de ayer y de hoy para mayor colofón. Carlos Raya y César Pop fueron los grandes invitados en una noche llena de emociones que incluso parecían desbordar al propio artista, que se encargó de agradecer el trabajo de cada una de las personas de su equipo, además de mostrar su gratitud ante un público fiel que el considera como sus jefes. Qué bonito es esto de la música, y qué historia tan especial la de Quique González A por 50 años en el disparadero

La música de este país está de enhorabuena, porque Jairo Zavala acaba de publicar su nuevo trabajo de estudio, el séptimo ya, tras algo más de dos años, en los que aprovechó entre otras cosas para publicar un disco en directo con el que recordar las noches inolvidables de La Riviera en enero de 2020. Quedamos para echar una cerveza y hablar de los nuevos tiempos en el Circo de las Tapas, en Malasaña, donde teníamos que recomendarle el pincho de tortilla, para nosotros el mejor de la zona. Ahí queda eso.

Qué sensaciones notas y ves en el aire. Como el proceso de un disco es tan largo, al final llega un momento, el ahora, en el que estoy muy emocionado, porque tienes la oportunidad de presentar todo ese trabajo después de tanta reflexión, de tantas vueltas e incertidumbres en las que me apetece estar además. Es difícil manejar este momento actual en el que todo el mundo tiene tantas certezas y todo es tan fantástico, y yo estoy cómodo con la inquietud, el vértigo me motiva, y creo que en esta gira me lo voy a pasar muy bien.

Cuál sería la mayor incertidumbre. Soy padre de familia numerosa, entonces los hijos ya te generan muchas. Si extrapolas eso a tu oficio, a este gremio, imagina. Puedes fracasar, y estoy preparado para eso y para lo que venga.

Un lugar perfecto, y un Depedro que está en muchos sitios a la vez. Es una parte de la ideología de este disco, es decir, un lugar perfecto no tiene por qué ser un sitio geográfico, si no que va más enfocado a la geografía humana, a tu momento personal. A ese momento al que, de una forma romántica, te diriges para que las cosas mejoren, o no perder eso que has construido, que al final es algo cotidiano que nos pasa a todos constantemente.

El disco, geográficamente sí que ha viajado por medio planeta. Se grabó en Madrid, y lo más relevante del disco es que es la primera vez que me produce alguien, ya que siempre me había autoproducido yo mismo. Gustavo Guerrero, que reside en México, voló a Madrid, y estuvo dos meses en mi casa para esto. Es un músico mayúsculo, venezolano, al que admiro muchísimo, y que ha sido el comandante de esta nave que ha llegado a este puerto tan bonito. Luego sí que es cierto que se ha mezclado en Australia y se ha masterizado en California. Es curioso, no lo había visto así.

¿Y por qué Gustavo Guerrero?

El corazón me decía que tenía que ser él, que, al margen de su trabajo como productor, tiene un proyecto muy interesante que se llama Augusto Bracho.

Es una persona que tiene en sus herramientas gran parte del folclore, porque es un estudioso, y luego conoce toda la música occidental, anglosajona, entonces los códigos, las conversaciones, las decisiones eran comunes y me quedé completamente en sus manos. Le mostré las canciones con la guitarra, la voz y algún arreglo, y él ha sido el responsable de vestir las canciones, y el responsable al final de hacer este disco.

Leemos mucho sobre las métricas diferentes para este trabajo. Las métricas rítmicas, los pulsos, son diferentes. Hay terciarios y también a cuatro. En Latinoamérica hay mucho terciario, hay mucho corazón, entonces cuando escuchas un ritmo así ya te lleva a esos lugares, e incluso a África, al sur. Este disco mira mucho al sur también.

Hemos intentado definir con una palabra algunas canciones. En Coreografía, por ejemplo, sería “tribal”. Sí, tiene todo el sentido, tiene mucho cuero, y también tiene una colaboración muy interesante con Kilema, que es un músico de Madagascar que toca esa arpa, esa valiha, que es una caña de bambú que gracias a la imaginación sin límites, la convierten en un instrumento musical rodeándolo de alambres tensados. Ese intrumento es el que suena al final, que se parece un poco en sonido también a la kora del África occidental. Hicimos el año pasado un documental, de nuevo un viaje, que al final también aporta cosas a las canciones. Todo egoísmo, no es por ayudar en absoluto a esa maravillosa fundación llamada Agua de Coco, sino solo para mi beneficio personal (risas).

Me dicen “es que has dado voz a esto”, pero la realidad, ahora en serio, es que uno siempre se lleva mucho más en cualquier proyecto de ese tipo.

Para La Siembra, decimos “Latino”. Tiene aires de bachata, aunque Gustavo le dio la vuelta contando con el trabajo de Juanma Trujillo, que es un músico enorme también venezolano que ahora vive en Barcelona. Esta canción mira a Latioamérica, de frente además.

Y en Habilidad, elegimos “Existencial”. Habla de un concepto que me resulta muy interesante, que es el del derecho al error, y de cómo esa palabra que define a la canción es tan peligrosa. Cuando tenemos talento en algo, muchas veces nos quedamos en un estadio muy inferior al que podríamos haber llegado si hubíeramos empleado el trabajo, la constancia o la voluntad. La habilidad es muy peligrosa. Yo estudié Bellas Artes, he hecho pintura, y al momento de terminar la carrera dejé de pintar, porque tenía mucha habilidad pintando, pero no tenía ninguna profundidad, no trabajé ese aspecto. Eso se me ha quedado ahí presente, porque al fi-

nal te quedas en la superficie, y no eres capaz de superar un error, o comenzar de nuevo, algo que también es interesante.

No sabemos si nos gusta más la complejidad de Fábula de la diferencia, o la sencillez de Niebla.

La Fábula tiene mucha profundidad, creo que en la letra hay varias capas de lectura, aunque bueno, Niebla también las tiene. El disco tiene mucho optimismo pero tiene también claros oscuros, y ese contraste es muy interesante. Esa pérdida de la memoria, de los recuerdos, que es de las cosas que más nos pueden separar de la realidad. Si se considera a alguien enfermo en este plano, desaparece como ente, como persona. Se vuelve invisible y ya no cuenta.

Eres muy del vivir el hoy, del carpe diem. Es que el ser humano debería estar más centrado en eso, y en cuidar su entorno cercano. A ver si eres capaz de asaltar los cielos sin primero cambiar tu entorno. Igual ocurre que a tu hermano le tratas fatal, o que en tu ambiente de trabajo eres muy progre pero luego en tu día a día no tratas bien a tus empleados. Hay mucho que hacer.

La portada y las fotos de Fajardo, por cierto, son espectaculares.

La foto de portada es además un homenaje a El Graduado, que ellos tienen un jaguar y yo tengo a uno de mis perros (risas), y quien ha vestido todo el conjunto ha sido Luis Toledo (Laprisamata), que tenemos la suerte de que vive aquí en Madrid y que es uno de los grandes diseñadores a nivel mundial. No me digas cómo, pero le engañamos para que tomara las riendas. Decía que la música le conectaba a la naturaleza, a la botánica de principios del siglo pasado cuando todo era manual, y el disco es muy orgánico, entonces todo parecía conectar.

“En la vida nada es una pérdida de tiempo si la sabes encauzar”. Uno va creciendo, y se da cuenta de que su soberbia y su ego le ha hecho subestimar a alguien que tenía al lado, y eso ha hecho que se perdiese algo maravilloso. A veces vida te da una hostia, y luego miras atrás y piensas en esa persona a la que no escuchaste, o me fui en aquel momento y tenía que haberme quedado diez minutos más a ver qué pasaba, o al revés, me tenía que haber ido antes y por no hacerlo cometí el error de mi vida. Es una frase que resume más bien esto.

En este disco no se perdió el tiempo, de hecho se grabó quizás muy rápido. Pues te diré que Gustavo, el pobre, estuvo en mi casa dos meses, y eso para mí es una barbaridad. Mi primer disco lo grabé en 45 minutos, que es lo que dura, porque grabamos las bases en directo. Mis discos, eso sí, tienen mucha pre-producción, ensayo mucho para luego grabarlo en directo. En este caso también la hubo, de hecho es el disco que más he trabajado. Gustavo ha hecho un trabajo descomunal, previamente a la grabación, que fueron dos meses, más luego la mezcla, master, etc. Está hecho co-

mo se hacían antes las cosas, con tiempo, que es en lo que había que invertir, y que es lo más difícil de conservar y lo más valioso.

Todo se resume al final, entre viajes y el tiempo, en eso que dices de que tu equipaje son tus canciones. Evidentemente, es parte de mí, pero no puedo resumirme solo en eso, y donde digo digo, digo Diego, pero déjame equivocarme

porque eso va a abrir otras puertas. En nuestro lenguaje occidental todo está lleno del “no”, existe la negación que no existe en otros lenguajes, porque conceptualmente es inasumible que cierres una puerta para siempre. Un “no” es la muerte, es un se acabó, ya no hay camino, y eso no existe directamente en muchos lenguajes mesoamericanos y en pueblos originarios.

Y cómo se llevan tantos contrastes a un directo en el que además suelen entrar también canciones de otros discos.

Se lleva bien porque tengo la suerte de tocar con músicos que son mucho mejores

que yo, y que además son los mismos que han grabado el disco. Por ejemplo, tengo la suerte de que Martín Bruhn vive en España (es de Córdoba) y tengo la suerte de que está tocando conmigo ahora. Es de los percusionistas más demandados del planeta, y ha tocado cuero y tambores casi desde que aprendió a andar. Veréis un gran show en directo, estoy convencido.

Nos fuimos a la Copérnico con la ilusión de unos niños para ver al fin de nuevo a The New Raemon, que nos esperaba en el escenario junto a otros siete músicos, con el objetivo de enseñarnos composiciones recientes al mismo tiempo que hacía un repaso por los temás más celebrados y coreados de su extensa discografía, incluida la versión perfecta de Te debo un baile, cuya sublime interpretación contó con una grande como Sara Sístole No sería la única colaboración, ya que al escenario se subirían también Anni B Sweet - por partida doble - y una Sofía Comas que tiene el ritmo eléctrico metido en el cuerpo incluso para ocasiones como estas La comunión con el público fue total, igual que el respeto hacia unos músicos que no podían sentirse más en familia Aquí somos unos enamorados del A propósito de Garfunkel (2008), se nos caía la lagrimita cuando sonaban ¡Hoy estreno! o Tú, Garfunkel, este último para cerrar un concierto que se terminó un poquito antes de lo deseado por los tiempos de la sala, pero que dejó arribísima a todos los que fuimos a emocionarnos por delante de la multitud de eventos que ofrecía la capital The New Raemon debería visitarnos cada mes Seríamos más felices

mourn

pista que abre este capítulo. Nos vimos en el singular hall / cafetería de su hotel en Malasaña, y las chicas hablaban con la naturalidad de quien lleva viviendo tantas experiencias que serían imposibles sin la magia de la música. The Avoider se compone de once canciones que suman algo más de media hora de punk, de pop, por momentos de mucha rabia y ruido, pero que también dejan un poquito de espacio a la calma con ciertos aires dream. Estos treintaydos minutos sobresalientes, empiezan con tralla, tal y como decíamos, en esa primera pieza que viene a recordarnos de dónde venimos y quiénes éramos en los 90, en una declaración de intenciones de esta formación que actualmente cuenta con Oriol Font (Uri) a la batería, protagonista desde la retaguardia también en proyectos como el hermanado de la propia Leia Destruye, Los Valientes o Bright Joy. Casi sin respiro, nos topamos con Could be friends, que se erige en forma de himno underground, contundente y melódico, que nos recuerda por detalles al mítico 99 Red Balloons de Nena, aunque en este caso hay mucho más cuerpo instrumental y más furia, algo que por cierto se palpa también en la canción que da nombre al disco, al más puro estilo post punk y con la que ya tenemos que levantarnos de la silla. ¡No puc mes! Eso sí, se

vienen acordes limpios y un aura más existencial en Truck Driver, que en una primera escucha parece una forma preciosista de cortar casi de raíz la velocidad para marcar un nuevo rumbo en el disco, por momentos incluso nirvanesco, que se refleja en el inicio de At midnight, muy del rollo About a Girl e igualmente noventero, sin necesidad de aliarse con el grunge y dejando ese poso de luminosidad que parece impregnarlo todo. Aun así, hay pistas que se revuelven, como Headache, una composición que apenas supera los dos minutos y que parece querer llevarnos a lo oscuro con una potencia que todavía no habíamos catado en este The Avoider Ocurre que después de la tormenta siempre llega la calma, y aquí es donde aparece Heal Hill, una canción más ligada a lo onírico y que supone un ejercicio de voces espectacular, casi dialogando con los teclados y donde por un ratito nos despojamos de toda distorsión para abrazarnos y sanar, al estilo Mourn, que nos invita a bailar, mostrándonos la montaña, el río, y en general un paisaje idílico en el que olvidamos que el tiempo sigue contando, y nos dejamos llevar. No sabemos si llamarlo rareza o inusual, pero es una de las canciones en las que más nos hemos visto en la necesidad de parar, revisar y analizar tanto detalle, y es que calma y pau-

De vez en cuando, en la Sold Out nos permitimos lujos, licencias que son como sueños hechos realidad, y por eso no dudamos en hacer placaje a Mourn cuando nos enteramos de que visitaban nuestra ciudad, con la excusa del fiestón de Montgrí en la Sala el Sol, y aprovechando la salida de su nuevo disco, el quinto ya, titulado The Avoider (Cielos estrellados / Montgri). Por poner un poco de contexto hacia los recién llegados, la formación catalana, que a pesar de su insultante juventud, lleva más de diez años en la escena, sigue sorprendiendo y llamando la atención de medios, crítica y fans desde ese LP homónimo publicado en 2015, editado por el prestigioso sello Captured Tracks, y con el cual empezaron a volar, actuando por toda Europa y Estados Unidos, además de subirse a escenarios tochos de su propia ciudad como el del Primavera Sound. Al trío formado por Jazz, Leia y Carla no le sobró precisamente la suerte en sus siguientes lanzamientos, entre movidas con ese antiguo sello, pandemias y demás historias puntuales que se sucedían en el peor momento de todos, pero como de todo hay que sacar algo positivo, este quinto trabajo llega a nuestras manos más cuidado que nunca, más directo de lo que podíamos imaginar y con una fuerza de locos desde los primeros segundos de Endless looping, la uqe

sa no significa sencillez. Así que sí, nos quedamos un buen rato en esta canción, pulsando el repeat varias, veces, y ya después visitamos Du er her, una pista con muchísima progresión conforme pasan los minutos, y que consideramos que refleja a la perfección el presente de Mourn, más tranquilo y sobre todo con más tiempo para pensar, para madurar las canciones, y para conseguir que muchas canciones, como la que viene al caso, progresen dentro de sí mismas, envenenándose por momentos, y haciendo ver que oye, todo bien con nosotras, pero no te flipes, que seguimos teniendo el carácter y la guitarra afilada por lo que pueda pasar. En Wasted Day, seguimos teniendo esa sensación noventera, aunque nos recuerda también a proyectos magníficos como las Fin del Mundo, de quienes hablamos aquí en su momento. Después de conocer a Jazz, Leia y Carla, nos cuesta imaginar que puedan tener un día aburrido o desperdiciado, pero en cualquier caso nos lo cuentan bajando el ritmo, dando mucho protagonismo a la batería de Uri, y explotando en una comunión de instrumentos y coros a partir del minuto dos que nos ilumina los oídos una vez más. Wasted y lo que quieras, pero es precioso, justo antes de afrontar los últimos minutos

de un trabajo que se tiene que escuchar del tirón varias veces (ahora lo empezamos a entender) para encontrar una coherencia súper interesante que todavía no podemos describir. Llega el turno de Aftertaste, otros dos minutos más pop, donde manda la melodía y uno de los estribillos más pegadizos del disco, a pesar de la competencia. Es difícil no imaginar este tema en directo, con toda la fuerza que se le presupone, pero es sin duda una forma ideal de empezar a recapitular, aunque sea Scepter la que termine por poner la guinda a The Avoider. Volvemos a las distorsiones, a las voces dobladas, a un sonido quizás más sucio pero con punteos solitarios y limpios de guitarras, y en general a lo que siempre han sido Mourn, pero con ese punto de madurez y experiencia que hoy les avala y les permite cerrar canciones del tirón, sin florituras pero con una elegancia punk rocker de la que es complicado encontrar referencias en nuestro país. No habrá sido un camino nada sencillo para Mourn, por su eterna juventud y también por el hecho de ser mujeres dedicándose a hacer canciones desde hace tanto tiempo, con el run run de una sociedad limitadísima. Este es, por tanto, un disco liberador, perfecto para reecontrarse a sí misma, y para reafirmarse con orgullo.

Si vives en Zaragoza y alrededores, estás de suerte, porque Mourn actuará el 23 de mayo en La lata de bombillas. Pocos sitios hay en la zona que preserven ese gusto por lo underground con la posibilidad de ver de cerca a bandas como esta, así que ni se te ocurra hacer otros planes, que te conozco.

Por cierto, si bicheas en la web de Cielos Estrellados, te vas a encontrar otros discos recientes súper interesantes de artistas como Patricia Atzur, La Joya o JAVIVEGA, además de un montón de discos y colaboraciones increíbles de The New Raemon. Un lujo para todo descubridor.

Creíamos llegar un poco justos a los bolos del Mad Cool Talent, pero cuando entramos al Lula Club y la vimos encima del escenario, supimos que en realidad llegábamos justo a tiempo Melodías con algo parecido al glutamato y una sonrisa inmensa nos terminó de enganchar al directo de Lina de Sol, que suma en vivo su desparpajo natural a un buen puñado de composiciones de pop veraniego de un nivel sobresaliente, veáse La Ventana Abierta o Nada Importa Se ha ganado estar en el Mad Cool como si hubiera puesto el modo fácil, pero nada más lejos, y es que quizás estemos ante una de las sorpresas del año en este mundillo musical

ATOMIC ROSE

Esta banda de Honduras llegó a Madrid en su primer viaje importante en modo banda con el objetivo de revolucionarlo todo, y vaya si lo hicieron, ya que también estarán en el Mad Cool 2024 gracias a un directo contundente y muy reconocible

Daniela y su banda han dejado huella, por tanto, con su apuesta por el dream pop, presentando sus más recientes EPs publicados en 2023 (uno en directo y otro de estudio), además de enseñarnos Don’t bring your friends, su último sencillo, publicado en febrero. Un verdadero lujo del que intuimos que muchos no fueron del todo conscientes. Nos vemos en julio.

Patricia Lint vuelve a salir en la Sold Out una vez más, como si la vida nos llevase a coincidir todo el tiempo, pero la realidad es que hace méritos, y de eso han debido de tomar nota los amigos del Mad Cool Talent, porque esta artista de raices multiculturales sigue haciendo camino con su apuesta que baila entre el lo-fi, la música urbana y el R&B de nuestros días Si aún no la conoces, a finales de enero publicó su sencillo más reciente, titulado sola si me miras, y es una buena muestra de lo que puede ofrecer en unos escenarios que crecen junto a ella

Club delRío

Han marcado el camino sin apenas proponérselo, con una apuesta musical orgánica muy coherente en la que el folk ha sido el faro que les ha ido guiando, siempre con una idea de amistad, de comunidad y buenas intenciones. La formación madrileña ha publicado Todo Alededor, un álbum - el sexto ya - ideal para hacer balance de una carrera alejada de los eventos masivos, pero siempre presente en la escena por necesidad y merecimiento. Nos vimos en SLEEP’N Atocha, y nos tomamos un café para mirarnos al fin a los ojos.

Qué diferencias detectáis con este lanzamiento.

Las expectativas en realidad son las mismas que con los discos anteriores, que siempre es ampliar nuestro público, que nos escuche más gente, y sobre todo es la excusa para volver a reactivar el aparato, volver a hacer gira, volver a compartir nuestra música. Tenemos muchas ganas de eso, de tocar, de recorrernos toda la península, ahí estamos ya, tras diez años, ya maduritos (risas).

Erais amigos, luego fuisteis banda... Y hemos dejado de ser amigos (risas).

¡El tiempo habrá pasado volando! Y ahora se comparte menos tiempo musical en el ocio, es decir, antes nos íbamos al campo, sacábamos la guitarra y tocábamos en cualquier lado, o vivíamos juntos un tiempo... ahora quedamos mucho para ensayar, y salen menos guitarras en momentos de ocio, porque en esos momentos nos gusta más hablar, por ejemplo. También hacemos menos viajes de ocio porque estamos viajando todo el rato con la banda, pero lo bueno es eso, que el paradigma amistad no ha cambiado nada. Esa es la esencia de la banda, nos conocemos desde antes siquiera de plantear un proyecto musical hacia afuera. Nos juntábamos desde pequeños, algunos íbamos juntos al colegio desde los 7 u 8 años, y mucho después surgió esto. Siempre va primero el vínculo de amistad.

Qué nostalgia lo del “retiro musical”. Antes sí podíamos hacer eso porque teníamos más tiempo, y más cuando éramos estudiantes. Con los años entra en juego la vida personal, ya que cada uno tiene que ir haciendo su camino, es más complicado, aunque intentamos seguir haciéndolo. Club del Río es la razón perfecta para ello, aunque ahora todo es más profesional, compartimos mucho tiempo en la furgoneta y lo que decía, es una excusa para seguir haciendo esas cosas que antes hacíamos innatamente.

Cuál es el leitmotiv de este disco. Nuestros discos son autobiográficos, hablan de nuestras etapas de la vida, y es cierto que nuestro disco anterior era más introspectivo, más bucólico, porque reflejaba una etapa un poco más dura en lo emocional. Creo que este disco representa justo la superación de una etapa un poco más oscura. Tiene esa luminosidad que te aporta el haber superado un bache.

En el proceso contabais con Brian Hunt. Los temas llegaron bastante construidos al estudio, hicimos un par de maquetas antes, y queríamos trabajar in situ esa espontaneidad del momento, y ver qué proponia Brian en caliente. Como es tam-

bien músico, de repente sacaba una guitarra o un teclado y decía: “oye, ¿qué os parece si hacemos esto?”. Fue algo muy dinámico, muy del momento, y una foto de la canción en ese mes, porque ahora las canciones las tocamos de otra forma, y el año que viene se tocarán de otra, porque están vivas, son como serpientes que van creciendo. Buscábamos a alguien fresco, colega, porque ya le habíamos conocido por otros proyectos como Joe la Reina, y queríamos probar. Fue una relación retroactiva: llegábamos con una idea y Brian siempre le daba ese punto extra para conseguir un sonido más original. También le dio homogeneidad al disco, porque cada canción viene de un sitio o de una época diferente, y la prueba de que ha funcionado se ve en el hecho de que se mojó mucho en la postproducción, y se viene a conciertos con nosotros. Es un plus desde el verano pasado, además es un amante del humor negro, y nos entendemos mucho también con eso. Ha fluido en lo artístico y en lo personal, y sabemos que podemos contar con él.

Ahora empiezan a darse muchas más referencias folk que antes aquí. El folk siempre ha estado ahí, aunque quizás ahora se está visibilizando más. Pero en el camino, allá donde vas, siempre hay alguien haciendo folk, en una mesa, en una casa... está en cada familia, en cada pueblo, en cada comunidad, está presente. Nosotros hemos bebido de todo eso, porque nos gusta viajar, nos hemos inspirado en muchas cosas, y nos alegra mucho que se dé importancia a proyectos de amigos que conocemos desde hace años. Precursores como tal no somos, al final la música es un ciclo que va y vuelve, y recupera y recicla. Nosotros fundimos todas nuestras influencias en esta banda, pero nada más que eso. Nos vienen a la cabeza Lole y Manuel, y es que en los 70 y 80 había muchísimas bandas haciendo esto. Los tiempos van cambiando, y es cierto que el folk se había hundido un poquito bajo toda esa capa de lo urbano y moderno, y ahora vuelve a resurgir de una forma natural. La gente quizás está ávida de pureza, de cosas no muy retocadas.

La canción que más nos ha impactado de momento es Cerca de aquí. Es de nuestras favoritas, y de hecho es la preferida incluso de Brian, y conseguimos además un sonido muy guay en este caso. Es una canción muy metafórica, y aborda una temática más bien esotérica, con esa idea pionera de que lo que está lejos está cerca, y que lo que es grande es pequeño. Es esa idea de que cuando ves las galaxias te das cuenta de que tú tienes el tamaño de una célula. Y ves una célula en un microscopio y tiene cosas orbitando alrededor, como si fuesen planetas. Todo está conectado de alguna manera, y esta canción habla un poco de esto. Es una tonada vieja, lleva años tocándose en casa y ha explotado ahora de igual forma que podía haberse dado en otro momento, y es un corte del disco un poco más oscuro, más de rareza, y consideramos que aporta y se complementa muy bien con el resto de canciones.

El disco, por lo que decís, parece un puzzle musical temporal, con piezas de muchos sitios.

Y siempre hemos hecho eso en realidad, vamos recuperando canciones de una etapa concreta, teniendo en cuenta alguna que se había quedado atrás en algún momento, porque al final son muchos años tocando... Se trabaja en conjunto en la elección, y ahí va surgiendo también la coherencia, pero es cierto que luego hay letras que vienen de hace cuatro o cinco años que se unen a otras que son súper nuevas. De hecho tenemos pendientes muchas antiguas que nunca han salido, que nunca se sabe, igual se quedan donde están o de repente se da la circunstancia de que encajan, y entonces las recuperamos, pero no de una forma consciente. La canción vuelve a reclamar su

sitio, en plan: “oye aquí estoy, hazme caso”. Hay un punto minimalista que lo envuelve todo, creatividades incluidas. Ese mensaje está, y no solo representa a los seis club del río, sino a la comunidad que nos ha seguido durante todos estos años. Ahí está ese abrazo en la portada, que representa el abrazo al final con toda nuestra gente. El diseñador Christian Schmitz, que es colega desde hace años, lo entendió a la perfección, nos hizo varias propuestas, todas en la misma línea, y no hubo que decirle casi nada. Nos presentó algo muy minimalista como dices, él viene de la edición de libros y entonces sus diseños son más abstractos. Es un arte con el que no habíamos trabajado nunca, jugando con las palabras para hacer las portadas. Nosotros siempre nos dejamos llevar en estas cosas, cuando vamos a publicar disco buscamos a alguien para ese cometido y le damos total libertad para que interprete y haga las cosas a su manera, y la primera vez que Christian nos enseñó sus propuestas, portadas solo con las letras bajo un fondo negro, nos rompió los esquemas, y de hecho nos costó asimilarlo. Pero luego lo entendimos y dijmos, joder, esto está muy guapo, es información, sin florituras. No hay una foto que te distraiga ni nada. Quedan muy bien en conjunto las portadas de los singles unidas y son fáciles de identificar cuando las ves, en medio de unas plataformas llenas de imágenes, fotos, arte, y de repente ver solo tipografía es algo que llama la atención. Es algo muy acertado.

En cuanto a los directos, se vienen meses más intensos de lo habitual. Somos bastante poco organizados, y llevamos ya un par de discos autoproduciéndonos y representándonos a

nosotros mismos, dentro de una dinámica muy artesanal, y la última gira se alargó mucho en el tiempo. Fueron tres años en los que tocábamos una vez al mes, iban surgiendo conciertos y lo íbamos compaginando con nuestra vida. En este caso, como algunos de nosotros tocan también en otros proyectos, incluso uno es padre, entonces hemos decidido condensarlo en poco tiempo, sacar la metralleta de conciertos. Así, lo tenemos todo en abril y mayo, más por una cuestión organizativa. Pero sí, estamos acostumbrados a salir a la carretera de igual forma. Este año incluso estaremos en el VID Festival, que nos hace mucha ilusión porque es un evento del que nos gusta su estilo, los artistas que traen, encima cumplen diez años también. Generalmente no nos llevan mucho de festivales, no solemos entrar en eso, quizás vamos a uno por año de media, pero nunca hemos hecho la típica gira de festis como hacen otras bandas que de repente ves en todos los carteles del verano.

Y parece aún así que los festivales se quieren abrir a más estilos. De igual forma nosotros vamos a ser fieles al disco, rescatando canciones de antes que van en consonancia con este sonido, de hecho creo que este es quizás el disco más propicio para tocar en un festival y que se pueda alinear con el ambiente que se suele generar en esos eventos. Es un disco enérgico, el directo es potente, pero si no nos llaman o no nos quieren dar ese lugar, iremos por otros derroteros, no nos importa mucho eso. Los festivales son una forma más de llegar a la gente, pero nosotros nos hemos adaptado siempre a cómo han ido dándose las cosas. También es verdad que en los festivales es todo un poco lioso, porque si no eres un cabeza de cartel, pasas por el escenario nada más que quince minutos, pruebas un instrumento que ya está ahí, te echan, te vuelves a subir con un límite muy marcado... Los festivales son peleones. Lo bueno es que ves muchos conciertos, conoces a mucha gente, es muy divertido... pero sí, no nos queremos imaginar esas giras de festi en festi. Hablamos de los grandes, claro. Club del Río sí que hemos visitado eventos más pequeños, más independientes, autogestionados. Hemos tocado en sitios así en Galicia, en Alemania, en Inglaterra, sitios donde se da valor a una cultura más rural. Aquí estamos empezando con eso. Recordamos el festival Reina Loba de Galicia, que ya no se hace pero en el que actuamos allí tres años seguidos, y lo organizaba un colectivo de gente que vive en el campo. En Inglaterra, el Bimble Bandada es un referente allí, solo beben zumo de manzana recién prensada o hidromiel, de repente amanece y aparece un tío con una gaita... son sorprendentes.

La banda de las melodías perfectas invitó a Sold Out a pasar una noche muy divertida en la Sala B de Madrid, en donde nos recibieron con corazones y fonendos para celebrar el lanzamiento de su nuevo sencillo, que supone además una nueva etapa, ya que abre la veda para la publicación del próximo álbum de los La La Tras los siete discos de platino obtenidos con Blockbuster, seguimos bailando el desamor, la ternura y el humor, con esa fórmula mágica que les ha traído hasta aquí, y que en cuestión de semanas les llevará a iniciar una temporada de festivales (con permiso del SanSan) intensita, con conciertos en Mexico incluidos

LALALOVEYOU

El Huercasa se celebrará el 5, 6 y 7 de julio en Riaza un año más, pero ya está generando hypes al más puro estilo americano Hace poquitos días organizaron en la estación de La Pinilla una fiesta de presentación de mucho nivel que se convirtió en un día completo de celebración con sombreros, botas de cowboy, bailes country, buena comida - y bebida, obviamente - y las actuaciones imprescindibles de Nestor Pardo, Angela Hoodoo y el californiano (y medio nashvillian) Sam Outlaw con su bandaza Encima, la entrada era gratuita, así que os podéis imaginar la que se lió en pocas horas en un día además ideal para dejar a un lado la chaqueta y dejarse llevar Algo nos dice que estaremos en Riaza en julio para dejarnos conquistar

angelahoodoo

sam outlaw

ÁNGELES, VÍCTOR, GLORIA Y JAVIER

Tengo tres estrellas y veinte cruces Dos años después, regresó al FIAS este maravilloso homenaje al eterno Federico García Lorca, que sigue vivo en sus poemas, y que gracias a iniciativas increibles como esta, está también presente en los teatros y ante el gran público Esta unión de fuerzas de músicos tan diversos que vienen del flamenco, de la electrónica e incluso del jazz, sigue haciendo historia, siendo ya un referente para muchos a la hora de poner en valor nuestra cultura, nuestras tradiciones y nuestros clásicos, elevándolos a un nivel que no imaginábamos En los Teatros del Canal arrancaron aplausos espontáneos y se vieron obligados a parar en más de una ocasión para devolver todo el cariño que llegaba desde las butacas Las emociones y las buenas vibraciones iban por tanto de arriba a abajo, disfrutando como nunca de esas complejas composiciones inspiradas en el Poema del Cante Jondo Estos cuarto musicazos actuarán en A Coruña el 15 de mayo, y estarán en Zaragoza el 29 de ese mismo mes

Suena Jaleo - Cómo hablo de ti a los demás (autoeditado)

A tope de neón y de poliamor, la banda de los músicos más ocupados de la capital está de volta (ojito al guiño) con este primer sencillo de 2024, grabado a dos voces, guitarrero como pocos y con una melodía de bajo interesante que se cuela en la fiesta de las complejas relaciones personales. Y es que en el amor no está del todo claro eso de que más de dos son multitud, y aunque las experiencias pueden ser súper bonitas, las inseguridades y las dudas nos quitan el sueño día sí y día también. Esto es así. El vídeo es maravilloso (y tenso, si me apuras) y es obra de Laura R. del Amo. Suena Jaleo se lo guisan y se lo comen ellos solitos, y van haciendo méritos con mucho curro para ir ganando fans desde que lanzaran hace poco más de un año su primer EP Empezar de 0 Una apuesta musical que seguimos de cerca desde hace tiempo y que deseamos ver en directo.

Blackpanda - BLU (Vanana Records)

Conocimos a Marta Marlo y a Andrés Lim en este formato dúo gracias a miss you, pista que se nos grabó a fuego y que nos acompaña los días desde principios de 2021. Ahora vuelven a nosotros, sin FaceTime ni historias, en una nueva e ilusionante etapa en la que gana enteros la electrónica y los ritmos urbanos actuales, apoyados en una percusión por momentos agitadísima, como ya pudimos comprobar en Efímero, el single previo. En esta ocasión hay menos disco y más pop, más dance, y la protagonista es la voz, más melódica y menos guerrera, asociando el amor platónico al color azul y poniendo la calma y tranquilidad por delante de todo lo demás. Se nota mucho, en cualquier caso, la mano de Ed is Dead en la mezcla y el máster. ¡Qué de cosas se pueden analizar y leer entre líneas en dos minutos y medio! Este nuevo sencillo formará parte de ese álbum con el que Blackpanda debutan al fin, y que verá la luz en este mismo año. La portada es un mano a mano brutal de Carlos Ojeda y Luis Valverde, que definen esta pista en una imagen de ensoñación increíble.

Trötegalôpe - SIN NIRVANA. (autoeditado)

Si mezclas rock, power pop y música de club te sale una movida bailable acojonante que esta banda madrileña ha sabido encajar de maravilla en un corte intenso y divertido que recibimos con mucha alegría, tras casi dos años desde sus últimas publicaciones. A la cabeza está Chema Ruiz, de los añorados El Canto del Loco y Salvador Tóxico, que imprime su caracter en una composición orgánica, con detalles de un rock más directo de lo habitual, y en la que ahonda en la idealización, en las apariencias que se dan en las relaciones personales y en las pantallitas. El fin es claro: no olvidarnos de nosotros mismos, tratando de estar bien y dejando a un lado esa toxicidad que todo lo impregna cuando bajamos la guardia. Es una canción muy completa, frenética y coreable, así que qué más quieres La banda actúa en Madrid el 16 de mayo, ¡y ya no quedan tickets!

Belize - Asedio. (Calaverita Records)

Aquí celebramos las vueltas inesperadas, y Belize nos alegró mucho las tardes y noches de 2015 y 2016 como para no estar híper felices por esta canción que sigue el camino marcado, volviendo a dar protagonismo a un faro, en este caso el de Punta del Hidalgo, de Tenerife. ¡Así que sí, vuelve la temporada de fruta! Se palpa la luz, la alegría, la bossa nova y la actitud positiva que en su día nos conquistó desde aquella preescucha del álbum homónico en Reno, a pesar de que las letras puedan representar una lucha del sí pero no, de un amor quizás imposible, en el ojo del huracán de armonías veraniegas, limpias, a tope de calorcito. Ya en modo calaverita, esta pista cuenta en la producción con Hans Krüger de Montreal Studios, y viene de la mano de un vídeo súper bonito, dirigido por Santi Barros y Gabriel Pout. Nos tomamos este Asedio como un homenaje y gratitud de la banda a sus seguidores, y en cierto modo a ellos mismos, ya que no deja de ser un paseo por sus propios recuerdos, esos que un día les llevaron a tocar por salas y festis de todo el país.

Lady Ma Belle - El Dolor (autoeditado)

Con una introducción al más puro estilo banda sonora de dramón cinéfilo, los de Murcia presentan un corte sentimental y enérgico, que incluye ese rayito de esperanza que parece hacerse fuerte conforme la composición se desarrolla. Esta canción, producida por Raúl Nacher, contiene ese mensaje positivo de que hay que seguir, por mucho que haya cosas rotas a nuestras espaldas, y esta idea se envuelve en un teclado y una atmósfera casi noventera, sin florituras en lo instrumental para que la voz sea protagonista, con ciertos arreglos pero manteniendo la nitidez y claridad. La acogida de esta y otras canciones recientes de Lady Ma Belle están desatando a la bestia, y les llevará a actuar en la REM el día 20 de abril, para luego pasar por ciudades como Valencia, Lleida o Marbella (Primera Fila Fest), además del volver a casa por el Fortaleza Sound. ¡Síganles!

La Plazuela & David de Jacoba & Texture - Alegrías de la ragua. (Universal)

El Roneo Funk Club merecía una continuación a la altura en forma de tercer capítulo ya de la formación granadina en forma de EP. Se titulará La Caleta, se publicará en mayo y contará con la grandísima colaboración de David de Jacoba. Si a la ecuación le sumas la fusión de los chavales de Texture, el resultado es inmenso y lo podemos comprobar fácilmente con este primer sencillo en el que aprovechan para cantar a la Costa Tropical, paseándose por ella con un sentimiento de pertenencia y de raíz lleno de emociones, que impactan de lleno en nuestros oídos y en nuestra piel. Es un experimento con un resultado increible en el que todas las partes han sido valientes al salir sin dudar de sus respectivas zonas de confort.

El clip es además el mayor recurso turístico que os podéis imaginar, así que ya os estáis metiendo en Youtube. En cuanto a sus fechas de abril y mayo, ya no quedan entradas para verles en Barcelona y Sevilla, y en Madrid y Granada está la cosa difícil.

Quiénes somos realmente.

A colación del regreso de Chino y compañía a los focos mediáticos, se ha abierto la caja de esos recuerdos ligados a la música que muchos hemos ido compartiendo en redes y en los desayunos con los compis de oficina durante estos últimos días La última vez que vimos a Supersubmarina fue en el SanSan 2016, dentro de un cartel en el que asomaban la cabeza bandas como Veintiuno o Viva Suecia (estos últimos no actuarían finalmente), y otros proyectos que se iban consolidando en la escena como Sexy Zebras o Full De estos últimos, nos hemos vuelto a poner sus canciones y nos han venido noches memorables a la cabeza, como el concierto en el Ochoymedio junto a Second y Grises a finales de ese mismo año Aquella fiesta nos cambio la vida a muchos, en lo musical y en lo personal, dentro de esta capital en la que todo ocurre y todo pasa, y uno va dando tumbos buscando su sitio. Hemos hecho la labor de remontarnos a esos años, y los carteles son una bofetada de nostalgia en los que encontramos nombres como Smile, Jack Knife, Bravo Fisher (aún en activo, y por cierto, con nuevos y grandes temas), Lucía Scansetti, Jero Romero, The Noises, We Are Standard, Joe la Reina, Delorean, Mendetz, Dinero, Polock, The Parrots, Modelo de Respuesta Polar, Manel, Cycle, Delorentos, Fizzy Soup, Ellos, Anaut, Maga, Julieta 21, Correos, Neuman, Eladio y los Seres Queridos, Tórtel, Supertennis, Destino 48, Los Coronas, Niños Mutantes, Mostaza Gálvez, Novedades Carminha, Gimnástica, Rusos Blancos, Berri Txarrak, El Imperio del Perro, Noise Box, Nixon, Olivia, Los Vinagres, Gole Yaika, Pasajero, Idealipsticks, The Rebels, Beluga, Bittersweet, The Magic Mor, Buffet Libre En fin, una escena que no se parece en nada a la actual, pero de la que venimos y a la que a veces, para volver a coger perspectiva, mola volver Es curioso, desempolvando esos discos de Full, se nos han venido a la mente muchas personas y momentos, y ese rayo de electricidad del que habla Azul Eléctrico, la pista que cierra el primer disco de la banda sevillana, que crecía sin hacer demasiado ruido, y que de alguna forma nos marcó a muchos, aun siendo conscientes más ahora que antes ¿Quiénes somos realmente? Pues quizas somos esas canciones que flotan eternas, náufragas como sus creadores, dispuestas a amenizarnos incluso una tercera guerra mundial

"Nosésisoy demuseootebeo peromedaigual..”

LA CONTRA

Salvador Dalí: Pierrot tocant la guitarra (1925)

Capitan Sunrise: El cubismo, la vanguardia (2014)