Revista Sold Out, nº 20

ELYELLA|MARÍABLAYA|VAHO|IZARO VENGA,BEA|LAPAINS|WAKAME|CLARAPEYA VIVASUECIA|PATRICIALINT|CARRERABLANCA

ALCALÁNORTE|VILLANUEVA|MONTEPERDIDO ANADIE|MONTESCO|ANOTHERWASTEDYEAR

KARMENTO

Sold Out es una revista cultural descargable y gratuita sin pretensiones escrita y diseñada por personas enamoradas de canciones párrafos literarios fotografías películas y toda clase de manifestaciones artísticas

Puedes escribirnos para sugerir lanzamientos y publicaciones a revistasoldout@gmailcom aunque también puedes enviarnos opiniones y sugerencias que puedan inspirar contenidos diferentes para nuestraspáginasenpróximosnúmeros

Te invitamos a suscribirte y que la Revista Sold Out llegue cada mes a tu correo electrónico También la puedescompartircontuentornoyamigos

Texto: Dani Pach

Fotografía: @bea11trice

Fito y por supuesto la luna.

Kike Babas & Kike Turrión. (BAO Komikiak)

Si eres un amante del rock español de las últimas décadas, y además eres un loco de los cómics, sin duda esta publicación te va a interesar. Estamos ante la novela gráfica oficial de un grande de nuestra música como Fito Cabrales, desde sus jóvenes

inicios como camarero, pasando por la inolvidable etapa con Platero y Tú, y por los años del reconocimiento como Fito y Fitipaldis, cuando se terminaría convirtiendo en uno de los artistas rock más importantes de nuestro país. Los dos Kikes, Babas y Turrión, llevaron a cabo una investigación y guionización digna de elogio, rodeados al mismo tiempo de una decena de los ilustradores y dibujantes más importantes a nivel estatal. Entre otros, firman autores como Alberto Peral, Raquel Alzate o un viejo conocido como Iosu Berriobeña, portadista de Los Marea. El resultado es una auténtica obra de arte que va ya por la quinta edición, a pesar de que se publicó hace apenas unos meses. Es extremadamente bonito conocer de una forma tan preciosista qué se le pasaba por la cabeza y por el corazón a Fito en los eventos y decisiones más importantes de su vida, en escuchar a su corazón para dar por terminadas unas etapas en favor de otras, al mismo tiempo que ocurrían tantas cosas buenas en esa época dorada del rock español que a día de hoy sigue sin tener una renovación generacional real. Si las sombras de Robe, Fito, Kutxi, Rulo, el Drogas, Rosendo, Evaristo, Jorge Ilegal, Yosi o Sherpa son enormes, pues qué menos que empezar a rendir homenajes, en forma de documentales, discos homenaje y, por supuesto, cómics. Esta obra la podéis comprar en la web de BAO, con una camiseta de regalo y hasta ocho postales. Lo que viene siendo una puta joya.

Isla Lavanda, Ginebras, Izaro, Vaho, Suu, Ganges, Maika Makovski, Zahara, ElyElla, Lisasinson, Anni B. Sweet, Shego, Merino, Pipiolas, Jordana B, Fuel Fandango, María de la Flor, Christina Rosenvinge, Marinita Precaria, Borneo, Vega, Eme DJ, La Bien Querida, Sara Sístole, Morgan, Detergente Líquido, Marta Movidas, Sara del Valle, Cristina Quesada, Bloodymel, Travesía Amarte, Rocío Saiz, Valmara, Nena Daconte, Paula Koops, Yarea, Ainoa Buitrago, Eva Mcbel, Gara Durán, Yoly Saa, Chica Sobresalto, María de Juan, Celia Becks, Grasias, Maren, Soleá Morente, Alison Darwin, Mónica Morado, Kora, Pan, Tessa, Vosotras Veréis, Andrea Santiago, Barei, Maja Ivarsson, Jenny & the Mexicats, Tulsa, Melenas, La Niña Paracaídas, Judeline, Los Punsetes, Pau Vegas, Margarita Quebrada, Xenia, Fillas de Casandra, Claudia Halley, Madbel, Dani Dicostas, Repion, Montesco, Eva Calero, Kuve, Ara Fiore, Nadia Sheikh, Carrera Blanca, Lucy Morry, Inés Errandonea, La Vero Paz, Muro María, Emily Damelio, Sistema de Entretenimiento, Fin del Mundo, Sofía Lafuente, Cristina Rubio, Ede, Nat Simons, Tronco, Anouck The Band, Valeria Castro, Vicente Calderón, Carmesí, Idoia, Eva Ruiz, Karmento, Amigas!, Emilia Pardo y Bazán, Carla Collado, Venga Bea, Anadie, Monteperdido, muchas bandas con mujeres como Niña Polaca, Triángulo de Amor Bizarro, La La Love You, Rufus T.

Firefly o Gorila Flo, referentes de la industria musical como Bea Camiña o Ana Medina, voces imprescindibles en las ondas como Arantxa Sánchez o Laura Piñero, escritoras sobresalientes como Anabel Vélez o Magela Ronda, e incluso una gran actriz como Carmen Ruiz. A riesgo de dejarnos algunos nombres, estas son prácticamente todas las mujeres que han tenido cabida durante este tiempo en la Sold Out, y sinceramente, podrían ser muchas más El mundillo musical se dejó la puerta abierta en los días del covid, y por ahí han entrado para ocupar su lugar un montón de mujeres artistas con muchísimo talento, que han sido arropadas además por las que ya estaban ahí, luchando desde hace muchos años por ese espacio vital, y por el respeto de todos. A los medios nos toca estar a la altura, ahora que “la etapa de los blogs” ya es historia, ahora que parece que muy poca gente lee reseñas y críticas musicales, no cesemos en ese empeño de contar a quien esté atenta a nuestras líneas que hay una revolución cultural, que hay un movimiento y una nueva generación de mujeres artistas que merece y necesita de toda nuestra atención. No podemos dejar pasar este barco tan lleno de talento, debemos seguir escribiendo para mantener inquietas a las mentes, y para que nadie nos vuelva a decir que no sabe qué escuchar. Ya no es siempre lo mismo. 2

SHINOVA

La primera vez que pude sentarme frente a los de Bilbao, acababan de publicar Volver (2016, Warner Music), en medio de un revuelo interesante, porque su propensión a la búsqueda de nuevos sonidos seguía sin dejar conforme a sus primeros fans y a la crítica. Aquello sucedió días después de convertirse en la gran sensación del escenario emergente en el Festival Gigante. Tras subir ocho plantas (¡tela con los edificios de Serrano!), Gabri dijo que ellos estaban contentos, y eso era lo que importaba, sin mirar atrás. Tras vivir experiencias increíbles en todo tipo de espacios, y tras presentar sus discos incluso en el barco solar del Retiro, nos volvimos a encontrar hace un año en la sala de invitados de La Riviera. Habían pasado muchos años, la banda es ya uno de los referentes pop rock de este país, y Gabri, de sobra conocido ya por todos pero con la misma cercanía de siempre, nos decía en clave Sold Out exactamente lo mismo: el presente y la familia musical que te rodea es lo que importa, y eso te anima a perseverar. Shinova eligió este camino, el de construir, y ahora añade una nueva planta a su carrera, que ya es un ejemplo a seguir para muchos. El Presente era uno de los discos más esperados de este año, y ha llegado como un intenso ciclón en el que conviven pistas bailables, momentos de nostalgia y muchos minutos de la fuerza y actitud rockera que siempre ha caracterizado a los vascos. Es cierto que Alas fue un primer adelanto en modo-bomba que nos puso alerta sobre lo que se venía, incluso con esa versión

ElPresente, tambiénconlasonrisaintacta.

remixeada por Amable, y encima Berlín, Lobos y No cambiaría nada (esta última es sencillamente maravillosa, y te lo dice un amante de las baladas rock. ¡Si tienes a alguien que quieres a tu lado, cógele de la mano, maldita sea!) entraron en nuestros oídos al estilo Kramer en Seinfeld, vamos, sin preguntar, sorprendiendo a todos precisamente por los detalles y universos tan diferentes entre sí. Así, cuando saboreamos por primera vez los versos de Gloria, nos damos cuenta de que sí había algo común, y es que la nostalgia va a ser en cierto modo la protagonista de este quinto trabajo, ni mucho menos reñida con el “’¡hay que seguir, no queda otra!”. En el disco, con sutiles ritmos electrónicos como en Movimiento, se registran muchas localizaciones, algo que también es una seña de identidad de Shinova, que en esta ocasión nos llevan de paseo por Berlín, Barcelona, Buenos Aires o Madrid, en otra lección de Gabri a la hora de dotar de imágenes nítidas a sus letras. Supongo que en este punto es normal toparnos con una pista titulada Nuestra postal, uno de los grandes puntos de inflexión del disco, desnuda en lo emocional y llena de capas que parecen estar jugando entre ellas, manteniendo nuestra atención hasta que llega el frío de Diciembre, que quizás sea cosa nuestra, pero parece haberse compuesto más para el directo que para el disco, y no es algo malo. Es cierto que la canción de la que todo el mundo habla es Gato azul, y es entendible en cuanto suena la voz de Iván Ferreiro, pero que esto no os ciegue, porque este disco guarda joyas también al final: Pura ironía, con un estribillo clásico shinovés y con una buena ración de versos, y la guinda, Antes de que todo acabe, que está ya entre nuestras favs. Gracias, Erlantz, Dani, Ander, Josh y Gabri, de corazón.

VAD OVI GUA LUG LEO MAYO GIJ

Fotografías: @bea11trice

Texto: Dani Pach

VAHO

Esta banda está muy viva, y su público es sin duda de los más educados que nos hemos ido encontrando en los últimos años Vaho sorprendió con dos fechas en un mismo fin de semana en la Sala El Sol para presentar nuevas canciones, y venirse arriba entremezclando los himnos de siempre con los de esta post-pandemia tan fructífera Contaron además en su segunda fecha con las colaboraciones de grandes amigas como Celia Becks, Lalo GV o un Rayden que confirmamos que se lo pasó pipa en un escenario que hacía bastante tiempo que no pisaba No sé qué tiene esta banda, pero es algo diferente, especial, tal y como comentábamos con su manager Damián Lozano Una suerte de personas haciendo canciones

wakame

Aunque los soldouters pudimos disfrutar de Wakame en el TibiFest organizado por la web musical MiRollo hace exáctamente un año, es cierto que la experiencia en salas, y el año de crecimiento es un

plus que no podíamos dejar pasar El álbum Revolución Industrial (2023, Entrebotones) ha permitido a la banda murciana subir un par de marchas para ponerse al nivel de todas esas formaciones que piden a gritos una oportunidad en todo tipo de eventos musicales La intensidad de sus guitarras, el trasfondo rockero y una actitud innegociable pueden ser la clave para llegar Nos veremos en el Metaverso, gente

Luis Fercán

Luis Fercán hace el camino al andar, pero al echar la vista atrás, sonríe, y disfruta del volver, llevándole la contraria a Machado y al camino que por defecto parece marcarte la vida. Postales Perdidas (Calaverita / Metales Preciosos) es fruto del camino, de la nostalgia y del volver. Son nueve maravillosas canciones que se te meten tan adentro como pocas veces hemos experimentado. Luis se pide un vino en el Circo de las Tapas, en pleno Malasaña, para contarnos los detalles.

De sensaciones intuyo que vamos bien. Con respecto a las mías, es curioso porque pasaron unos meses desde que grabamos el disco hasta que lo publicamos, y aquellos días tuve muchos nervios que se fueron, y que volvieron en el momento en que se publicó. Me volví a emocionar como cuando salimos del estudio. Y luego sí que la gente lo está recibiendo de una forma increíble, no he escuchado todavía malas críticas. Es cierto que los singles eran un preludio para introducirles en el universo del disco, y creo que eso también funcionó.

¡Grabado en las montañas de Euskadi! Exacto, cerca de Donosti, en medio de las montañas en unos estudios que se llaman Gárate, un lugar en el que las casas más cercanas están a kilómetros. Así que estábamos en medio de la nada,

durmiendo en literas y viviendo una experiencia cojonuda.

Ahi estaba Nacho Mur, claro. El estudio es de Kaki Arkarazo, y Nacho lo escogió porque consideraba que era el sitio ideal para grabar el disco. Y tenía razón. Es el tercer trabajo en el que está presente, y somos ya más íntimos que compañeros de trabajo. Me encanta su curro, y para lo que yo quiero hacer y la forma en que quiero hacerlo, Nacho es el mejor. Para hacer cosas orgánicas, con mucha elegancia y sutileza, me parece que es el mejor.

Cuando un artista lanza un disco, muchas veces se echa mano de la metáfora de un viaje musical, pero esto ha sido un viaje de verdad. Ahí no hay metáfora, este es un viaje tal cual. Al contrario que el anterior disco, que está compuesto totalmente en casa en pandemia, este es todo lo contrario, se ha ido componiendo en carretera, en diferentes lugares. Desde la primera canción hasta la número nueve.

¡Cada vez que entrábamos en RRSS te veíamos en un sitio distinto! Fue una locura, porque cuando no giraba me iba de vacaciones por ahí. No sabría decir en cuantos lugares estuve, pero con la gira estuve en ciento diecisiete, y con este disco creo que van a ser más.

Supongo que libera viajar tanto.

Sí, me encanta además, aunque el cuerpo me está pidiendo también un poquito de tierra, un poquito de suelo. Necesito estabilizarme en un lugar fijo al menos un tiempo, porque llevo así varios años y para la cabeza, el hecho de estar siempre en lugares diferentes, le genera cosas buenísimas, pero también otras que la sacan de quicio. Llamo tener un sitio a estar una semana o un mes en el mismo lugar, que tampoco es que sea tanto, pero necesito ese cable a tierra.

En esas canciones vence lo orgánico, lo intenso, y mucha naturaleza. Lo que buscábamos era eso, que sonase muy real, muy orgánico, muy honesto, y creo que lo hemos conseguido bastante.

Y esa referencia a San Vicente do Mar... La pre-producción la hicimos allí, y es que yo vivo allí, en O Grove, que es uno de esos

sitios que te decía para echar cable a tierra. Queríamos que el disco tuviese también esa parte en casa, y el Náutico era ideal.

Diste mucha importancia a Una Señal. Queríamos publicarlo como single, pero nos parecía bien lanzar primero unos tres o cuatro porque quizás no lo veíamos como el tema de presentación, es decir, yo entendía que era Busco el ideal para eso, ya que es el que más envuelve la historia de todo el disco. Una Señal es una canción en la que hay un poco de todo, porque me veo mucho a mí, pero también hay un intento de encontrar nuevos sonidos, doblando la voz, con Nacho haciendo cosas distintas con sus guitarras, y a la salida del disco pensé: “ahora que ya está todo un poco masticado, hablemos de este tema que es algo así como café para cafeteros”

Nos sorprendió Ese Borracho, porque recuerda precisamente a otras cosas que hace Nacho Mur.

Cualquier cosa que hagas coreable y con determinados ritmos recuerda a La M.O.D.A., y quizás haya un poquito de eso, sí. Salió así, es un tema con toques folk, y bueno, yo encantado con que suene a ellos.

Encima pasas de Hay algo en esa luz a esa bomba y el contraste es muy loco. Es una buena hostia, tienes toda la razón.

Entre medias, has hecho otras cosas, como la colaboración con Carla Collado. Se resume en que es un tema precioso. Soy reacio desde hace tiempo a hacer colabos que no me emocionen, y en este caso, en verano me llegó un mensaje de Esteban, la persona que lleva las cosas de Carla, en plan “escucha este tema, a ver qué te parece”. Le dije que me parecía una putada porque no sé decir que no a estas cosas, pero al mismo tiempo no quería hacer colabos porque quería estar más centrado en lo mío. Me dijo también que Carla venía a mis conciertos en Barcelona. Recuerdo que escuché el tema, estaba con una amiga y le dije “tía, escucha esto a ver si es movida mía, pero esto me parece brutal. No sé cómo lo voy a hacer, pero quiero ha-

cer esto con ella”. La música de verdad está ahí. También hay que decir que no a un artista que te mole si su tema no te gusta, y de repente aparece una Carla, a la que yo no conocía... Llamé a Toño y a Laura, mis managers, y les dije “vamos a decirle que sí. No sé si va a poder ser ahora, pero vamos a hacerlo”, porque creo que hay que hacer cosas que estén bien, y en este caso está increíble. La suerte la tengo yo por poder poner mi voz ahí. ¡Y Carla, un solete, además!

Volviendo a tus singles, los clips parecen un cuaderno de viaje por capítulos. Fue surgiendo en realidad. Estos últimos años estuve mucho en Navia, que tengo allí a lo que considero mi segunda familia y muchos amigos que me han tratado increible. Mi zona segura ahora mismo es cuando estoy allí. Me siento tranquilo, surfeo, hago mis movidas, y queríamos grabar todos los videoclips con peña de allí. El que quema la silla, por ejemplo, es Avelino, que es el colega que tiene el chiringo donde surfeo; Luján y las niñas, que son las hijas de Avelino, salen en Frío al verte; en Una Señal salen Dani y Ríos, que son colegas Ninguno son actores, y esa pureza que tienen y cómo son, es lo que hace que el resultado sea tan emocionante. Me parecía bonito cerrar un disco en el que

estando de viaje, al final termino en Navia, y descubro entonces que hay algo mío allí. El final era este, esta es la peña que me encontré por el camino, y ahí queda eso.

Y en los shows, ¿cómo planteas esto?

Normalmente estaba saliendo yo solo, o con un formato diferente al que voy a llevar ahora. Que es cierto que voy a seguir yendo solo en la mayoría, pero en otros conciertos quiero ir con la banda con la que grabé.

Solo tú, como cuando todo empezó, en salas como la Buho Real. Sigo defendiendo además que hay que seguir yendo a esos sitios.

¿El tiempo ha pasado rápido o lento?

Pasa muy rápido. Aprovecho mucho los días, y parecen ir por eso más lentos, pero luego el tiempo se va muy rápido. Cuando por ejemplo hago Murcia y Alicante, disfruto mucho ambos conciertos, y cuando llega el lunes pienso que el finde ha sido eterno, pero luego pienso en que la última vez que había tocado en Murcia fue un año antes y parece que fue hace nada. ¡Me pasa el tiempo raro, pero bien!

¡Tienes como veintiocho fechas!

Por ahora son esas fechas, pero va a haber más, porque las cerradas son solo hasta mayo, que realmente está casi ahí ya. También habrá alguna sorpresa, alguna salida pequeña a Madrid, porque como decía, hay que seguir haciendo esas cosas.

Hay que volver y estar con las personas que te han ayudado desde el principio.

Marzo

14 Sevilla

15 Granada

16 Málaga

21 Zaragoza

22 Huesca

abril

6 BARCELONA

11 SANTANDER

12 BILBAO

13 OVIEDO

19 CÁCERES

20 BADAJOZ

25 PAMPLONA

26 VITORIA

27 DONOSTI

ELYELLA DEORO

Literal, en nuestro primer número reseñábamos Que nada nos pare (lo más importante) junto a La La Love You como un himno post pandemia súper necesario y con un gancho made in Vanana que nos había generado mucha felicidad como solo María y Mono saben. Veinte números después recogen su disco de oro, eso sí, por partida doble, y es que Todo lo que importa, junto a Viva Suecia, también iba a tener el mismo reconocimiento. El evento en la Sala el Sol, presentado Virginia Díaz, con confeti, chapitas y una mini sesión, fue todo un regalazo.

Fotografías: @bea11trice

Texto: Dani Pach

Augusta Sonora

¡Qué bien están!

A veces hay formaciones que van de tapado, sin tomar demasiado protagonismo pero ocupando plazas cada vez más importantes, con mucho curro y perseverancia. El camino de Augusta Sonora se viene con nueva temporada de salas, quizás una etapa clave para todo lo que pueda venir después, al mismo tiempo que siguen presentando Todas las canciones, un disco que les ha puesto en el mapa y que, como el vino, parece emanar todavía más matices con el paso del tiempo. Nos fuimos al Instituto Francés (aún estamos esperando a que nos pongan la caña) para charlar del presente y futuro de los pucelanos... y se vienen cositas.

Contadnos, ¿cómo estáis?

Muy bien, algo cansados porque hemos estado de promo todo el día, pero contentos también. Venir a Madrid siempre nos trae cosas buenas, encima nos hizo buenísimo.

En qué punto está Augusta Sonora hoy. Estamos en el punto de que vamos a cerrar el ciclo de Todas las canciones, que publicamos en marzo del año pasado, con el remix de We Are Not DJs, que saldrá el mes que viene (ya estaba en el disco físico y ahora estará en plataformas) Vamos a empezar una gira por toda España, pisaremos diversas salas y al mismo tiempo vamos a empezar a hacer nuevas canciones dentro de poco. Hemos empezado el despegue. El año 2023 fue el primer año real como banda, con el grupo ya consolidado, con la salida de ese primer disco, con los primeros conciertos y los primeros festivales. Nos hemos ido posicionando, y ahora queremos trabajar sobre lo sembrado y movernos.

El balance del disco va muy de la mano con vuestro crecimiento.

Es muy positivo desde el punto de vista de que somos una banda emergente y nos estamos autogestionando, por tanto, partiendo de cero hasta donde estamos ahora, pues vemos una evolución súper buena, claro. Un sobresaliente. Hemos hecho sold out en algunas salas, hemos actuado en festivales... En Valladolid, que aunque seamos de allí es una plaza muy complicada, estamos teniendo también mucho apoyo, mucha fuerza, y agradecemos además el apoyo institucional, con sorpresas como la actuación de los Goya y demás.

Y para colmo la familia ha crecido. Con los sellos vamos probando cosas, de hecho el disco salió con Flor y Nata, y el remix saldrá con Matrix Music. No nos hemos casado con nadie, de momento, y luego con la promo hemos estado con varias oficinas, y tampoco tenemos nada cerrado con nadie actualmente, salvo el booking con We Are Music. Y en la formación, se unirá en breve nuestro compañero Badiola. Badiola: soy un soltero musical, pero los más guapos de la fiesta se acercaron y me

preguntaron si quería formar parte de su banda. La idea surge en realidad de que este año queremos llevar algo más que un simple directo. Queremos montar un show. Teníamos una forma de enfocar los directos, pero en las nuevas fechas que abarcaremos desde abril, el objetivo es cambiarlo por completo, y una de las ideas que tenemos es que suene todo un poco más potente intentando rebajar las secuencias, para que todo sea más orgánico. Hoy en día, en los conciertos suenan ocho mil cosas que no se están tocando con un instrumento.

Cómo se consigue convertir un concierto en un show.

Se llama dirección musical, de hecho hay gente que se dedica solo a eso. Tenemos reuniones con el productor de todas nuestras canciones, que se dedica a esto

en Valladolid Nos hizo los sintes, de hecho, en el primer disco. Es un tema jodido, porque una cosa son las canciones, y otro mundo es el hecho de darles la vuelta, dónde tocamos, dónde paramos, dónde hacemos una parte instrumental... ya como quieras llevar visuales, luces, pantallas, y que todo encaje y tenga un sentido... lleva su tiempo. La evolución también es esto, hemos dado un pasito y la idea es seguir avanzando.

Uno de esos pasitos también sería versionar a Sexy Zebras, por ejemplo. Hemos tenido la suerte de coincidir con ellos en varios festivales, desde nuestro primer Conexión Valladolid hasta el Sonorama. Les hemos visto en El Desierto Rojo, les hemos ido a ver a Burgos y hemos ido estableciendo una relación más directa, más personal. Siempre han sido un referente, y es cierto

que no tiene nada que ver su estilo con el nuestro, ellos son más duros, nosotros somos más poperos, pero sacaron una canción titulada 1000 Tiros, que iba en consonancia con el disco que estábamos preparando. Este tema era una antítesis a lo que suelen hacer ellos, y surgió la idea de versionarla, darle una vuelta e incluirla en nuestro proyecto. Así se dieron las cosas, lo hablamos con ellos, estaban encantadísimos, y hasta hoy. De hecho, Gabi nos dijo, palabras textuales, que nos podíamos forrar con ella. ¡Tenemos un vídeo en el que lo dice!

Si hablamos de Todas las canciones, pero de la canción y no del disco, parece un gancho para nuevos fans. Nos han llegado incluso a decir algunas personas que la consideran algo así como un himno, al citar a tantos grupos de esta escena musical de la que hablamos. Rubén siempre lo dice, no es necesario que todo lo que hacemos vaya centrado en el amor, y en esa canción se consolidan todos esos grupos que fueron y son parte de nuestra vida, y todas esas letras que nos han hecho llegar a algún lugar, porque cada persona encuentra un significado diferente, y de ahí el estribillo “volveremos a encontrarnos”. Para cada persona, el significado puede ser distinto, pero al final estamos todos en el mismo lugar cantando una canción.

Vais prácticamente ya a vistar un montón de ciudades, y son las primeras.

Exacto, luego vendrán unas cuantas más. De cara al verano también habrá, de hecho, más cosas, dejaremos las salas para visitar algún festival, y hay un par de cosas que haremos en Valladolid y en la provincia, pero no tenemos en la cabeza ni nos imaginamos nada de lo que pueda suceder más allá de las salas de ahora. Sí que es cierto que alguna fecha cerrada para después del verano sí hay.

El caso es que os estáis moviendo bien. Aquí cada uno tiene su papel en realidad. Por experiencias en otras bandas, Rubén puede cononcer a más gente de la industria en las grandes ciudades y en diversos festivales, pero luego se complementa muy bien con otros “augustas” que tienen mucho tirón en Valladolid porque han trabajado en la noche toda la vida y conocen a mucha gente también. Esta fuerza, estos detalles, te dan fuerza para cuando sales fuera a tocar.

Y cómo es vuestro entorno en Valladolid, cómo veis a las otras bandas. En Valladolid los grupos no salen, es decir, es todo más cerrado, y nosotros consideramos que es fundamental que una banda dé el paso de salir fuera, de arriesgar. Hay excepciones, como el caso de. Levitants, o Siloé, que ya es más nacional y se escapa ya de todo ese mundillo, pero lo notamos mucho. Ahora nos toca a nosotros intentar ocupar ese espacio que deja Siloé (risas).

¡DECINE!

Hace ya unas semanas, el equipo de comunicación de La Estrella Azul, la sobresaliente película de Javier Macipe, nos invitó a un pase privado del film en Madrid, con el objetivo de que pudiésemos emocionarnos tanto como sus ‘cinespectadores’ previos en el Festival de San Sebastián, donde obtuvo el Premio de la Juventud y el Premio de la Cooperación Española, y en el Festival de Cine Inédito de Mérida, donde recibió el Premio del Público. Por supuesto, consiguieron despertar muchos sentimientos y emociones en todos los que estábamos en los Cines Golem, gracias a la historia de Mauricio Aznar (Pepe Lorente), el lider de la banda zaragozana Más Birras, de quien Héroes del Silencio versionaría una de sus canciones (Apuesta por el rock and roll), e incluso Amaral interpretaría en acústico en alguno de sus conciertos su Tren de medianoche A medio camino entre Zaragoza y Santiago del Estero (Argentina), Macipe consigue atraparnos en esa etapa en la que el frontman busca encontrarse a sí mismo, escapar de los bafles, las distorsiones y la vida complicada, para abrazar la calma y, casi sin darse cuenta, a su maestro Miyagi particular. El director trata de dejar claro que esto no es un biopic, contando la historia de lo que en el fondo es una figura universal, la del artista que busca la constante reinvención en pro de su libertad y convencido en seguir sus sueños por delante de lo que pudiese dictar la industria patria.

La banda sonora de La Estrella Azul es un homenaje único a la música popular, al folclore, a las canciones compuestas con el corazón y la raíz, brindadas al pueblo para que las mantenga vivas de generación en generación. El contraste con temas de Más Birras como Esa chica llamada soledad, y el hecho de terminar encontrando puntos en común, hace de esos pasajes de le película una delicia y un aprendizaje esencial. En estos días en los que todo el mundo habla de cine, no deberías perderte esta gran estrella azul.

Fotografías oficiales

Texto: Dani Pach

Han tenido que pasar diez años para sacar adelante un film que parecía madito por momentos, con tres años de parón incluido por la pandemia, y con hasta catorce viajes de Macipe a América para buscar y encontrar la historia de la que hoy todo el mundo habla. El hecho de combinar a actores profesionales con personas que jamás habían actuado, también es otra de las claves y otro de los dones de esta película, en la que se ha mostrado un profundo respeto a la música, ya que todas las escenas, a cada cuál más complejas, se han grabado en riguroso directo, consiguiendo así una experiencia inmersiva que en muy pocas ocasiones hemos experimentado. De las polémicas previas, y de las dificultades técnicas no vemos preciso hablar, porque sería quitar el protagonismo a esos 129 minutos excelentes.

Texto: Dani Pach

Fotografía: @bea11trice

carrera blanca

Fue casi como un sueño para ellos tocar en la Sol tras petar la Siroco en apenas tres días, pero es que si además llenas la sala y tienes a todo el público entregadísimo, pues oye, olé tú Así, la banda madrileña presentó su Canciones de misa, además de nuevos sencillos como Tom Hanks, en sociedad con una puesta en escena muy seria, que no por ello deja a un lado ese toque divertido y rebelde que les ha traído hasta aquí Da la sensación de que las nuevas canciones se están alejando un poquito de ese cuqui punk inicial, pero es evidente que están subiendo el nivel al mismo tiempo que crecen sin parar

venga,bea

Otro joven proyecto busca su lugar en la escena madrileña, entre el pop moderno al estilo Nosotrash o Cola Jet Set, con los toques rabiosos de una artista almeriense a la que conocimos aquí por su sencillo Fumar, pero que tiene más grandes canciones en su haber como Señores o Tus Bragas En la Sala El Sol se presentó en blanco y negro (mix) para regalarnos un recital muy animado, rodeada de músicos sobresalientes y contando con colaboraciones como la de otra rebelde, Jordana B Una noche para recordar, sin duda, tanto por ellos como por los fans que poco a poco se van sumando a la causa La seguiremos de cerca

Texto:

Fotografía:

Más allá del escaparatismo, de los focos y de lo puramente mediático, lo que queda siempre es la tierra y las canciones. Y de ambas hemos venido a hablar aquí, mientras suena El Aguadero, la pista que abre un disco ilusionante, completísimo a todos los niveles y con ese aroma a raíz, a lo nuestro, a esas calles que nos vieron crecer y a las que hoy honramos. La Serrana es el nuevo disco de Karmento, y nos vimos obligados a secuestrar el sótano del Abonavida, en el centro de Madrid, para charlar un ratito con un vino, que nos lo merecemos, qué carajo.

¿Cómo es un día normal en la vida de Karmento ahora mismo?

Es difícil que un día pueda considerarlo normal del todo, estoy en ese punto de pillar lo que se supone que es la normalidad en esta profesión. Ahora que acabo de sacar disco, sería: levantarme a las 9:30h / 10:00h, tomarme un cafecito si puedo en mi casa, o en alguna cafetería de la ciudad (Albacete) si tengo que hacer algo fuera por la mañana; un día normal me encanta si puedo hacer algo de deporte, que a veces no puede ser; intento cocinar si puedo, aunque a veces tampoco puede ser; un día normal ahora mismo es coger un autobús de repente porque resulta que no recordaba que tenía una promo en Ma-

drid. Pero mi día a día, si se da en Albacete y es tranquilo, es un día muy normal. Me tomo mis horas para ordenador, facturas, movidas de oficina, toco un poco, hablo con mi manager... ¡me he apuntado a ballet (y a flamenco)! Y poco más, pero ya te digo que sobre todo con este último empujón del disco, ha sido básicamente preparar el show, ensayar, atender la estrategia... es muy difícil que haya habido dos días iguales en los últimos tres meses.

Han pasado ya unas semanas del lanzamiento. Qué sensaciones recoges. Mi sensación es que mi público es fiel, y se forma algo así como una familia en torno a lo que hago, y lo apoyan de una manera que me hace sentir muy tranquila, porque tengo la sensación de que hay calidad en el público que me acompaña y en la gente que se va uniendo a mi música y le va gustando lo que hago. Te da seguridad, en este mundo tan veloz de la vida musical y del consumo de arte y de cultura en general. Estoy teniendo un feedback muy bonito con el disco porque es un discazo, sinceramente, y como estoy tan contenta, tan enamorada del proyecto de La Serrana, creo que con quien conecta, lo está haciendo con mucha honestidad. Y eso hace que funcione.

Este disco, hablando claro, es un pueblo. Esto que dices es un feedback que he recibido desde siempre, ya no solo con La Serrana, que ha sido esa idea de que, contando lo pequeño, lo que está muy cerca de ti (en este disco yo me he ido al fondo de mi raíz o de mi propio paraje físico y metafórico), al final llegas a las historias universales, porque al final todos tenemos una casa a la que volver, un refugio al que deseamos regresar a veces. Todos deseamos volar y salir, todos tenemos relaciones conflictivas con nuestras familias, y a todos nos pasa que no nos damos cuenta de que a veces el amor se acaba. Al final, las historias que cuento son historias súper humanas que todo el mundo ha vivido y sentido desde un lugar muy sencillo, humilde, casi rural, pero no rural necesariamente de pueblo, sino de esa sensación de donde venimos.

Hay una tendencia en la música precisamente a volver a la raíz. No tengo una perspectiva tan amplia como para saber qué sucedía antes, las temáticas y los leitmotiv de los artistas van cambiando, y las razones quizás sean varias. En mi caso fue un movimiento muy natural de mi propio itinerario, de ida y vuelta. Me pilló en un momento de expan-

sión, crecí en una generación en la que lo normal era irse, todo era moverse hacia fuera, y de pronto hay una necesidad de implosionar, de ir hacia lo pequeño. Y teniendo en cuenta que estamos todos conectados, la gente ha mirado a su origen, y se ha encontrado con su casa. Han pasado mil años, estás cansado, no tienes un duro, el sueño ha dejado de funcionar y vuelves a casa a ver qué sucede. Y al volver descubres que suceden cosas que te pueden interesar. Es como cuando te vas de viaje tres días a Roma, por ejemplo, y lo quieres ver todo, caminas muchísimo, pero llega un momento en el que dices “buff, vámonos a casa ya, no?”. Es buscar el silencio y la calma entre tanto movimiento y tanto caos de esta sociedad actual.

Hablemos del proceso del disco. El proceso ha ido alimentándose y definien-

dose a sí mismo. Oviamente todo empieza en el momento en el que tienes unas canciones que crees que te apetece publicar. Son canciones que habían sido compuestas en diferentes momentos, y cuando yo vi que tenía ya unos cinco temas buenos, que consideraba que eran de calidad por la composición y por el contenido, me digo “vale, por aquí podemos seguir”. A la vez, yo estaba jugando y redefiniendo mi alter ego artístico, viendo por dónde iba, teniendo en cuenta el feedback de la gente con Este Devenir (2020, El Tragaluz), el feedback después del Benidorm Fest, porque para mí eso es súper importante, no solo del público, también de la gente que trabaja conmigo, e incluso del mío. Todo eso se fue mezclando, apareció el momento idóneo para grabar, y yo sabía que quería seguir hacia la vanguardia y el folclore, tenía cosas

claras. Me apetecía explorar lo orgánico de un modo profundo, me apetecía seguir trabajando con la idea de las voces populares... Entonces me encuentro a Joel Condal, y los dos congeniamos de una forma que no había pasado antes con un productor. Es un alma afín, él entendió lo que yo era, yo le entendí a él, y fue la leche. Moló un montón porque cuando nos conocimos, él me dijo dos o tres cosas que él pensaba de hacia dónde se estaba dirigiendo la música moderna, luego me dijo otras dos o tres cosas hacia donde no se dirigía, y yo le dije “estoy súper de acuerdo contigo”. Había ya algo que nos unía, y luego descubrimos además que los dos éramos unos flipados del alma humana y de la antropología de las sociedades y del mundo. Encima él es hijo de feriantes catalanes, con lo que tenía una historia infantil sobre las fiestas, la feria y los pueblos... y entonces empezamos a trabajar. Yo fui con los temas que tenía, que eran unos ocho, y en el tiempo que estuvimos grabando (empezamos a finales de julio), en el propio estudio yo ya tenía muchos temas, algunos los tenía a medias, pero ya tenía el título del disco. Porque un día junto a Vicente Navarro, que fue mi compi de sello, estuvimos compartiendo temas juntos, y hubo un momento en el que tenía un tema que se llamaba La Serrana. Ya había mucha definición hacia eso, pero además él dijo “pues yo creo que sería un buen nombre para un tercer disco de Carmen”, y os prometo que me vibró y me dije: “ya está, ¡ése es el nombre!”. ¡Es que lo sentí! Cuando me preguntaban cuáles eran mis influencias, yo me inventaba cosas, pero no por nada, sino porque hay un punto en el que no te has parado a pensar en ello de verdad. Hasta que dices, nena, tus influencias son la banda de tu pueblo, los pasodobles, la verbena, tu madre cantando. Me fui quitando capas, construyendo mi verdad, y al darme ese nombre... buah, y a partir de ahí, La Serrana generó un marco en el que todo lo que se desarolló desde ahí en adelante, fue moldeándose en base a esa idea. En el estudio terminamos los temas, y aunque todos estaban prácticamente como quedaron desde su base, Remanso, por ejemplo, había quedado demasiado pop. Yo quería que su mensaje estuviera, hablé con Joel y un día me dijo que tenía una propuesta al respecto. Total, que giró esta canción a una historia guapísima, casi de chacarera, de cambiar la idea de remanso de paz por un remanso de celebración, y que entraba incluso mejor en el disco. Cuando dos personas congenian en la búsqueda pasan cosas increibles. Las cuentas, que es una canción más oscura, la empecé con un arpegio, me metí en un bucle, y como quien da una poesía improvisada, salió. Es de esas canciones que se componen en una tarde. Ni siquiera

sé el porqué de esa letra, solo sé que salió así. Me la llevé, la empecé a cantar en el estudio. Entonces ya estábamos en el universo de La Serrana, por tanto habíamos entrado en la raíz, en el pueblo, en las historias que pasan en ellos, y me dije: “esto es la marimanta”, que viene a ser lo que es el coco en otras culturas, para asustarnos a niños y sobre todo a niñas para que no caminásemos solas por las calles. Al mismo tiempo, a la marimanta se la asoció también con la idea del ajuste de cuentas. Empezamos a desarrollar el concepto de la marimanta como idea de lo que asusta, de lo oscuro, de una narradora extraña que cuenta algo. De repente la letra - no cambié ni una sola palabraentraba perfecta, y me conecta con la idea de la noche, del abuso... Joel y yo explorando hasta que me dijo “¡entra! Entra y haz lo que quieras”. Esta canción se hizo el primer día, sin contar las mezclas maravillosas que hace él, que te cagas viva de lo bien que maneja el sonido, con una elegancia y una sensibilidad de morirse. Las cuentas me flipa, cuenta la historia brutalmente bien, y ahora incluso la letra tiene dos o tres significados nuevos que yo no había visto cuando la compuse. Así, en general con las canciones, ha sido un proceso brutal, de alquimia para mí, de algo que crees que es una cosa, y cuando lo empiezas a trabajar y a mezclar, se convierte en otra más profunda, más intensa, más significativa. Y por eso estoy enamorada del disco.

En Me dio pelusa pasó algo así, y de repente toma, una copla.

Un dato curioso es que empecé a componerla cuando decidí presentarme al Benidorm Fest, pensando en que podía ser la canción que llevase allí. Luego decidimos que fuera Quiero y duelo, cosa de la que me alegro enormemente porque creo que cada una está perfectamente donde está. Ya que me lo preguntas, yo tenía claro que quería hablar de la envidia, primero porque es mi pecado capital, porque creo que es el pecado no nombrado en el mundo del arte, y es una pena porque resulta que la envidia es algo súper humano. En el arte hay una especie de doble rasero, de una capa un pelín hipócrita, que me parece guay y yo la utilizo también, que es eso de que a todos nos parece bien que nos vaya bien a todos. Pero es que ocurre que, a veces, el hecho de que le vaya bien al otro no es compatible con que te vaya bien a ti, porque vivimos en un mundo capitalista. Cuando empiezo a crear la canción, aparece esta primera parte con esa expresión, y aquí tengo que decir: las primeras frases de esta canción se fraguaron hace un par de años, que estaba yo en casa de mi amiga Belén y escuché en la tele del salón a una señora en las noticias que decía “es que le ha dado

pelusa de la hermana”. Yo estaba en el pasillo, y digo ¡hostia, qué forma tan compasiva de hablar de la envidia! En ese mismo momento, en me salió eso de:

“Me dio pelusa / cuando te vi abrazar de aquella manera al arbol / que había un dios metido entre sus ramas, decías / me dio pelusa / me dio pelusa de tu dios.”

Eso se quedó ahí, lo guardé en un cajón y lo recogí a los dos años para lo del Benidorm, y entonces conecto con Ariel y Úrsula, porque Ariel es el alter ego de la luz, es la princesa que vende su voz por su sueño; y Úrsula es la sombra de Ariel, la que roba la voz porque no puede conseguir el sueño, porque es es un puto pulpo. La Úrsula nació pulpo, tía, ¿pero es que te puede pasar algo peor que nacer pulpo?

Ariel y Úrsula son las dos caras de una misma moneda que yo vivo, y a mí el efecto del dolor, del daño, del miedo a no ser lo suficiente, de la envidia, me colapsa las cuerdas vocales. El miedo a fallar, mi trauma que apareció con Karmento fue ese. Entonces, lo vi súper claro y me puse a buscar con Joel el trozo en el que Úrsula le dice a Ariel “¡Canta! ¡Canta!”, mientras la voz le va saliendo hasta quedarse sin ella para cumplir su sueño. Después de esto, me viene la A, y de pronto me aparece un pasodoble, y ya me vi en el proceso de una composición de copla básica, en la que cuentas la historia y hay un momento en el que cuentas el dolor del personaje, cuentas su verdad Joel me propuso una composición final, y ya vemos claro que estoy hay que grabarlo con la banda municipal. ¡Y nos fuimos un fin de semana

con la puta banda municipal! Fue algo precioso, y cómo no iba a terminar siendo un temazo. Hay muchas experiencias en este disco que lo hacen único. Antes me podían vender el rollo de “joer, es que ahora haces cualquier tema y ya lo puedes petar”, pero cuando tú haces algo que es profundo y es valioso, las almas lo notan, la gente lo nota. Puede tardar más o menos, puede llevarte a un lugar que esperas o que no, pero es una sensación tan bonita...

Y ahora el pueblo se va a las Américas. Mola porque voy a disfrutar y a ver cómo resuena allí Karmento, porque aunque tengo la sensación de que vamos a conectar, no tengo ni idea de cómo va a ir. Vamos a ir a disfrutarlo, me entran ganas de llorar de emoción, porque quién me iba a decir a mí en mi puñetera vida que iba a conocer Buenos Aires gracias a mi música.

Sí, nosotros también nos hemos quedado a vivir en el recuerdo del puto Wizink de los suecos. Esta es la gran victoria de los pequeños, de esas formaciones a las que nadie ha regalado nada, que han currado como bestias para pasar de tocar en pequeños garitos y en plazas, para llenar en su totalidad (más de 16 mil personas) el pabellón que parecía estar disponible solo para los elegidos a dedo. Viva Suecia hizo gala de ese Amor de la clase que sea, junto a muchas de esas canciones que les han traído hasta aquí, convirtiendo su recital en un homenaje a su gente y a ellos mismos, tal como tenía que ser Lo del momento Luz Casal no lo olvidaremos jamás, prometido

VIVA SUECIA

Fotografías: @bea11trice

Texto: Dani Pach

Son una de las grandes nuevas sensaciones musicales de nuestro tiempo, y han sacado un disco rebelde, divertido y lleno de sentido y coherencia. La vida musical sonríe a estos dos Javis, que son conscientes de que el fenómeno fan crece, los medios les siguen la pista y la industria les ata en corto. Algo tendrán, pensarás. Si quieres, ponte este Nuevos Lemas de Besmaya, que nos hemos ido a Sony para que les conozcas, y esto no deberías dejarlo pasar.

Intuyo que estáis pletóricos estos días. La realidad es que estamos hasta arriba de trabajo, pero también estamos muy contentos. La visión sincera es esa, estamos desbordados de curro, entre la preparación de la gira, la promo del álbum, las redes, los contenidos, los ensayos... estamos todo el día pegados al teléfono, al ordenador, haciendo cosas, pero bendito este trabajo, la verdad.

Los músicos hoy sois prácticamente CMs Es lo que les toca a los artistas hoy en día, eso que llaman el full stack (risas).

Quiénes sois y de dónde venís.

Somos Javi y Javi; uno es de Barcelona y se vino a vivir a Madrid. Somos colegas de toda la vida, y gracias al padre de Echavarry que es un melómano total, tuvimos un con-

tacto muy temprano con la música, y enseguida tuvimos esa inquietud de hacer canciones. Empezamos a hacerlas en la adolescencia, y en la universidad decidimos hacer un proyecto de pop en español. Empezamos a subir nuestra música a internet, funcionó sorprendentemente bien, y en cuanto terminó la pandemia empezamos a girar, a hacer singles, y ahora con este trabajo hemos hecho lo que veíamos hacer a los grupos que nos gustaban cuando éramos pequeños, que es publicar discos. Es volcar un año de vivencias, de creatividad en un formato álbum, y obviamente estamos muy felices. Hemos cumplido el sueño de nuestra infancia en estos días.

Os vimos en el Jardín de las Delicias y el público estaba entregadísimo.

Nos hizo mucha ilusión todo aquello, y más teniendo en cuenta el solape con un grupo grande, como en este caso con Sidecars. Siempre tienes un poco de miedo de que la gente no vaya al escenario pequeño, pero también notamos que ese espacio tuvo mucho tirón este año. Actuaban allí amigos nuestros como Malmö 040 o Inazio, y realmente el escenario pequeño se quedo precisamente pequeño.

Para este primer álbum os hermanáis con Paco Salazar. ¿Cómo llegáis a él? Le enviamos un mail hace casi tres años, cuando no teníamos ni compañía ni nada, independientes 100%, con un par de temas que parecía que funcionaban en Spotify. Le dijimos que nos gustaba mucho su trabajo, que habíamos visto lo que había hecho con Pol Granch y otros artistas, y enseguida co-

nectamos, incluso a nivel de preferencias musicales. El primer día en el estudio empezamos a hablar de música y le sorprendió el bagaje, el conocimiento que también teníamos nosotros, y ha sido a base de compartir infinidad de gustos musicales, que al final se ha convertido en una pieza esencial de nuestro proyecto.

Podemos dejar a un lado las etiquetas. Hacemos pop... hacemos música popular.

Lo digo porque viendo las colabos, son tres artistas muy diferentes entre sí que encajan a la perfección en lo vuestro. Son artistas que nos gustan, y nos hacía ilusión hacer cosas juntos. Defendemos que, por encima de todo, nuestra música es un poco todoterreno. Eso queríamos plasmar en este disco, no somos un grupo catalogable en un estilo, nos gusta jugar con todo lo que tengamos a mano, y nos hacía ilusión tener en un mismo álbum a un artista urbano de México como es Nsqk, a una artista bedroom pop como es Yarea, y a una banda legendaria de indie como los Sidonie. Es cierto que cuando les invitamos a colaborar, les explicamos el sentido del disco en su totalidad, y el sitio a donde ellos venían, y notamos un tremendo respeto por parte de ellos. Todos se ponen el traje de Nuevos Lemas cuando entran.

Lo de que es un disco para escuchar entero, de principio a fin, tampoco lo decís por decir.

Al final todo se reduce a componer mucho y a usar magia (risas). Hay recursos musicales de los que nos hemos valido para enlazar los temas, cambios de todo, etc. Entonces, cada vez que teníamos una canción, nos sentábamos y la poníamos en contexto. Si ya tengo la una y la tres, ¿de qué forma encajo la dos? Teníamos temas

ya hechos, eso sí, como Tu carita, Alemania imposible... pero estaba ya la idea desde el primer momento. También estamos contentos porque los temas generalmente son de tres minutos, y son escuchables individualmente. Es como una sitcom, que en cada episodio tiene una micro trama que te vale para verlo solo, pero te vas a enterar de más cosas si has visto los veinte capítulos anteriores y luego vas a ver los veinte siguientes.

¡Hay hasta un interludio!

El interludio está dando que hablar. Y mola, porque el que se ha escuchado el interludio, es porque se ha escuchado el disco entero.

La canción que cierra, es quizás la más mimada de todas.

de hecho fue la última canción que compusimos. Es como el resumen de Nuevos Lemas, y es también un agradecimiento a toda esa gente que nos ha acompañado, soportado, y disfrutado con nosotros. Es algo para compartir con nuestro círculo cercano, habla de nuestra vida, de cuando Santiago, nuestro manager nos llama cuando estamos con la familia, con nuestras novias y decimos eso de “es Santi, tengo que cogerlo”. El estribillo al mismo tiempo es universal: todos tenemos personas sin las cuales no somos del todo nosotros.

Me gusta esa frase de “todo tiene un dónde y un por qué”.

El disco es una forma de hablar de nuestra historia, pero es también aplicable a las historias de mucha gente. Hay hueco también para los demás, y eso es lo más bonito que nos está pasando, que otras personas vean ahí reflejada su historia. Todos hemos tenido golpes, todos nos hemos reafirmado, todos hemos perdido el norte alguna vez. Lo bueno es que el ingrediente común del disco es la esperanza.

Y por eso vais ya por 600.000 oyentes. Es heavy, y nos sorprende, pero lo mejor es poner cara en las salas a la gente que nos escucha. Ese es solo un número que subirá o bajará, pero la experiencia física, el contacto con la gente, es lo que cuenta. Pensando en esto, teníamos dos opciones, que era intentar aumentar ese número, o profundizar en lo que ya hay, y este segundo camino el que hemos elegido. Vamos a darles un universo para que nos conozcan bien, y eso es al final Nuevos Lemas. Al directo le hemos dado unas vueltas para la gira de salas y para los más de quince festis en los que estaremos.

clarapeya

Clara Peya se quita su corsé en el escenario para respirar mejor, para cantar esas canciones que compone sola en su habitación cuando ya es de noche y no tiene a quién hablar, porque la soledad es ese sentimiento universal que se lleva mejor si lo puedes canalizar a través de las canciones. En los Teatros del Canal, este mes de marzo, nos ha hablado a nosotras y nos ha recordado que “la perfección es inerte”, que no vale la pena buscarla, porque lo que de verdad nos va a llevar más allá es la imperfección. Sobre unas tablas casi en penumbra, la fuerza de Clara sobre el piano y una banda compuesta por Aina y Carmen a las voces, Adri a los sintes y teclados y Didak a la percusión, nos hace soñar con atmósferas llenas de esperanza, con caminos nunca recorridos. Hora y media de activismo casi político para presentar un disco lleno de colaboraciones que, en directo, suenan diferentes y, a la vez, iguales en las voces de Aina y Carmen. Dice Clara que “el tiempo duele, pero sin tiempo no existiría la música”.

Izaro

No es sencillo encajar texto en medio de unas fotos que hablan por sí solas de un recital que parece creado para reconciliarte con la música, con el directo y con las canciones. No es fácil encontrar un show tan elegante desde la naturalidad de quien hace del escenario su hogar para invitarnos a entrar, a quedarnos y a disfrutar de una cercanía de la que Izaro hace gala como nadie. Subimos y bajamos la montaña juntos, mientras sufríamos, nos emocionábamos y cantábamos con una sonrisa de oreja a oreja, porque la vida nos pone retos, y también gratitud. Sí, es posible que una artista pueda introducir tantos registros, tantas luces y sombras en sus shows, y si el público aporta el paraguas, pues bienvenido es, claro. Cerodenero tiene incluso más sentido después de esta experiencia tan íntima de una Izaro Andrés feliz y plena, rodeada de unos músicos increibles, atentos a todos los cambios teatrales que pide esta puesta en escena tan original. La artista de Euskadi está ya haciendo las américas, pero volverá a la península para actuar en Santander, Barakaldo, Gijón y Vilagarcía de Arousa, además de un lugar de sueño como Donibane Lohizune.

María Blaya

GRANDE es el reciente y flamante disco debut de la artista murciana afincada en Madrid, un trabajo salvaje en lo íntimo, y delicado en lo instrumental, que se encargó de presentar en la madrileña Sala Changó ante un público entregado y abierto a esta tendencia entre el bedroom, el urbano más intenso y la electrónica sutil, en un equilibrio del que se está alimentando toda una generación de nuevos artistas interesantísima que no debemos obviar. Ver a María Blaya es ver el futuro de nuestra música en este inusual presente, casi como un spoiler que no puedes evitar compartir con los demás. Estamos rendidos, por cierto, a la canción que cierra el disco, 5 MINUTOS MÁS, una composición tan llena de detalles, tan cuidada, tan bonita. Nada en realidad es tan importante, salvo este gran principio.

Entre Madrid, Tenerife y Lima, nace la inspiración de otro de esos nombres a tener en cuenta en esta nueva generación de artistas que abrazan lo urbano sin dejar de lado el pop junto a voces contundentes desde la aparente dulzura inicial. Patricia Lint se subió al escenario del Cadavra Club para regalarnos un concierto tan largo como agradecido, enseñando a flor de piel sus canciones, entre las que destacamos las que hoy podemos encontrar en plataformas, como la reciente sola si me miras. Entre el público se encontraban multitud de nuevos artistas, y cuando estas cosas suceden es porque se está cocinando algo importante en las salas. Si te perdiste este concierto, Patricia actuará esta misma semana en el certamen Mad Cool Talent, quizás de las cosas más importantes que lleva a cabo este festival año tras año, a modo de tradición que ojalá dure todos los años posibles.

p a t r i c i a l i n t

Texto: Dani Pach

En ocasiones, el público no es consciente de lo difícil que se lo pone a una artista, por emergente que pueda ser, con sus actitudes. Más allá de los gritos, que no acertaremos jamás a entender, nos encontramos a una valiente La Pains mostrando en vivo, entre otras, sus canciones incluidas en el EP Raíces, que por cierto, está sonando mientras escribimos estas líneas y nos está flipando muchísimo. La artista con base en Barcelona había actuado antes en la Ciudad Condal, Granada, Málaga y Valencia, y precisamente ese debe ser el camino. El escenario es vitamina, y este proyecto merece apostar y crecer.

l a p a i n s

ANADIE - Efectos secundarios de ser un ángel (Calaverita Records)

“Digamos que me extraigo el corazón, lo observo en tercera persona, y lo narro en primera”. ¡Esta es la clave para hacer un discazo, gente! Ana García publica este primer álbum de estudio tras romperla con sencillos sublimes como perdon x no contestar Hay mucho rap y mucha electrónica en este trabajo que reivindica la termura por encima de los daños y los trastornos. Entre estas once canciones delicadas, nos hemos quedado prendados por Anita, yo te invito, una pista con versos duros y preciosos, a modo de oda a esos ángeles que aparecen de la nada y nos rodean para curarnos el alma. La crítica social a nuestro tiempo está presente, centrada en los problemas e inquietudes de una juventud perdida, rota e incomprendida. Este “salvajismo poético” nos tiene in love, en un equilibrio perpecto entre urbano y pop. Lloremos milagros.

Alcalá Norte - La vida cañón.

(Balaunka)

Ya tenemos aquí el segundo adelanto de la banda de Ciudad Lineal, que empieza a dar que hablar en los corrillos de los “entendidos” de la música alternativa. Dicen que se han graduado en la escuela de Burning y The Cure, y no parece faltarles razón al respecto de estos últimos, ya que la melodía y los teclados te los firmaría muy tranquilo Robert Smith. La vida cañón es una canción en la que incluso los instrumentos parecen pasar por un momento divertido, y esto hay que aprovecharlo, a pesar de que la letra deje constancia de algo que ya sabíamos, y es que vivimos una etapa mierder de la historia que a saber cómo se recordará en el futuro. Qué vergüenza cuando nos estudien nuestros bisnietos, tú. Alcalá Norte sigue sondeando psicodelias dentro de ese pop directo y nítido con glosario propio que también se debiera estudiar. Si Supermán ya te flipaba, ojo con este nuevo sencillo, porque engancha incluso más. La banda presentará su disco el 26 de abril en El Sótano tras cambios en la formación, y parece que no habrá más adelantos, así que espabila y escúchate estos.

Another wasted year - No son para mí (autoeditado)

No sabemos si el sigiuente paso será hacer cosas en galego (¡ojalá!), pero este cambio al español es un acierto para los coruñeses, que se ven más cómodos y más sueltos con lo que hacen. Con un estilo vocal muy al estilo de los añorados Labs Trapp, sus letras hablan de ese milagro del coincidir y conectar, todo a la vez, tras una de esas relaciones tóxicas de las que uno sólo es consciente a toro pasado. Una vez más, y nunca serán suficientes, una canción alude a la importancia de la salud mental, a golpe de trallazo pop rock de algo menos de cuatro minutos que se convierte en la nueva y renovada carta de presentación de los AWY, que quizás encuentren su lugar en esa escena del norte de Galicia que llama cada vez más la atención a todo el país. Cierto es que faltan bolos y seguir el rebufo de todos esos artistas para poder acceder al público que merecen.

MONTESCO - Sol de medianoche. (Music Bus)

En su día incluímos aquí el single Encendido porque era digno de cárcel no hacerlo, y ahora nos ocurre lo mismo con el disco al completo. MONTESCO ha publicado un LP de diez canciones (intro incluida) que caminan entre el dream pop y la electrónica para ahondar como tema central en las relaciones postmodernas que se dan en las grandes ciudades. Puede que la tónica general sea tenue, pero hay un hilo melancólico que parece envolver las canciones como un velo, algo que termina de dar sentido al conjunto. Es cierto que los adelantos ya anticipaban esta línea de melodías interesantes y tan llenas de sombras, pero claro, encontrarte diez pistas tan bien empacadas nos gusta mucho. Hay incluso un guiño interlúdico, obsceno pero imprescindible a Stranger Things en 10:27, y con eso queda casi todo dicho. No tenemos una canción favorita todavía, pero sí podemos decir que la parte final del disco sube el nivel sobre total, con una casi folclórica Luz de marfil, un Ciclón que bien podría ser BSO en alguna peli de serie B, y la delicada y completísima Todo el oro

Villanueva - Mira cómo baila [feat. Alba Dunas] (Flor y Nata Records)

En otro retorno esperadísimo, el artista vigués vuelve al ruedo con un sencillo en el que se funde la canción de autor, los ritmos latinos y el folclore, firmando nuevos registros y dando pistas de lo que nos espera en su nuevo trabajo. Sin duda, no ha debido de ser un camino sencillo el que le ha traído hasta aquí, pero en esa odisea se ha ido rodeando de grandes nombres como Juanma Latorre, Raúl de Lara, Sergio Bernal (M-Clan), Edu Martínez (Sidonie, LHR), Ramiro Nieto (Sidecars), y la gran actriz multidisciplinar Alba Dunas, cuya voz encaja a la perfección. Esta es una canción que, haciendo honor a su nombre, invita a deshinibirse, a bailar y a aferrarse a ese hilo de esperanza que matiene nuestros sueños en pie, y lo hace con múltiples capas y un trabajo de producción y masterización brutal. Qué bueno que volviste, Josete, y qué importante para nuestra música.

Monteperdido - Florecer. (Sonido Muchacho)

Nos salimos del buenismo y de las guitarras limpias, porque amigas y amigos, ¡ha llegado la hora de la venganza! Monteperdido publica este himno por el amor y la justicia como primer sencillo de este año, inspirado en una historia real con la gasolina como protagonista. Una canción no apta para personas sin enemigos, ni para los que lo son directamente. Con la voz de Bego descendiendo a los abismos y unas guitarras del infierno que nos animan a ponerla a todo volumen, con las ventanas abiertas y a primera hora de la mañana, para reventar los oídos de los vecinos machirulos del barrio. Es un canto a los demás tipos de amor, como el que se tiene a esas amigas por las que mataríamos. Producido por Borja Pérez en Casa Linda el pasado verano, la banda mantiene la fuerza y el carácter que les ha traído hasta aquí, abrazando al pop que sigue escondido entre capas de rabia y desenfreno. Monteperdido actuará a finales de marzo en Ferrol y Vigo, a mediados de abril estarán en Córdoba, y el 27 de abril visitan Madrid.

¡Todo el mundo hablando de Dani Martín! ¡Y del WiZink! ¡Todo el rato! Sí, yo he criticado, pero no el hecho de que el ex-canto venda más de cien mil entradas en dia y medio, que me parece una brutalidad maravillosa, sino eso de que la peña sea capaz de planificar su vida a más de año y medio vista Llámalo envidia, chico, pero bastante tenemos con publicar el número de marzo en el propio mes de marzo, como para saber dónde estaremos a las puertas de 2026 Dicho esto, espero también que, tras decir que sólo va a actuar esos días en todo 2025, no empiece a cerrar festis para cuatro meses antes, que nos conocemos Veo a artistas tochas como Adele haciendo cosas parecidas, así que intuyo que es tendencia esto de tocar muchas veces en un sitio más “pequeño” antes que irse a un estadio enormísimo a hacer una sola fecha, pero es evidente que en el caso de Dani la cosa se nos ha ido de madre totalmente. Sé que hay mucha peña que ve estas cosas con la ceja p’arriba, en especial esas artistas que actúan este finde y ven cómo los colegas que no van a tu bolo porque la entrada de diez putos euros no incluye consumición, se han gastado más de sesenta para un concierto al que no saben siquiera si podrán ir Leía en este sentido a algún iluminado que decía que los emergentes son unos llorones, y que si no generan es porque son malísimos Claro que sí, majo, y lo dices tú, que tienes toda la pinta de no haber pisado El Perro, la Siroco o el Contraclub en toda tu vida, y de pasar por el escenario emergente del Festival Gigante solo porque justo ahí es donde ponen los foodtrucks Hay que leer más, y hay que escuchar más, amigui, que luego bien que nos hacemos la fotito en el Trigo en plan “yo estuve ahí cuando no eran nadie” Me descojono Yo, que soy un amante de lo idílico, estos días he soñado con la posibilidad de que esas bandas que llevan tiempo despuntando, hagan también ocho fechas en un mismo lugar pero en mini, pongamos que en la Siroco, y ya puestos, que abran para ocho proyectos increibles que necesitan apoyo (¡que una birra en el bar de enfrente no solape al pequeño!) Imaginad a unos Veintiuno abriendo en ocho fechas seguidas para Andrea Santiago, Gorila Flo, Nuevo Berlín, Malamute, Las Petunias, Amor Líquido, Alavedra y Cora Yako Yo lo veo, y tú lo ves

¡Quealguien lleneocho Sirocos seguidas!

"Venteapasear, yoteinvitoaunhelado..”

LA CONTRA

Evelyne Axell: Ice Cream (1964).

Radio Palmer Helado (2021)