Revista Marvin 77:: OOPS!

Presidente :: Cecilia Velasco Martínez ceci@revistamarvin.com Publisher :: Manú Charritton manu@revistamarvin.com Editores :: Cecilia Velasco Martínez :: Humberto Polar hpolar@revistamarvin.com Coordinación Editorial :: Vicente Jáuregui vicente@revistamarvin.com Dirección de Arte :: Sandra González D sandra@revistamarvin.com Diseño Gráfico :: Edgar Vixama vixama@revistamarvin.com Coeditor de música :: Vicente Jáuregui Coeditor de cine :: Juan Patricio Riveroll ildemonio@hotmail.com Coordinador de moda :: Esteban Arzate kwa@revistamarvin.com Contenido web: :: Carlos Jaimes carlos@revistamarvin.com :: Orlando Oliveros orlando@revistamarvin.com Webmaster :: Ernesto Magaña ernesto@revistamarvin.com Administración :: Emmanuel Cortés Martínez emmanuel@revistamarvin.com :: Agustín Reséndiz Publicidad :: Tony Romay tony@revistamarvin.com PR y publicidad :: Delhy Segura delhy@revistamarvin.com Consejo Editorial :: Marisol Argüelles, Gabriela Fenton, Roberto Garza, Camilo Lara, Eliana Pasáran, Humberto Polar, Nacho Rettally, Jaime Romandía, Joselo Rangel, Carlos Verástegui.

Colaboradores en este número:: Benjamín Acosta, Jorge Arias, Lenin Calderón, Andrés Díaz, “El d1eg0”, Carlos Grajales, Arthur Alan Gore, Carlos Gutiérrez, Sergio Heisinger, Óscar G. Hernández, Juan Carlos Hidalgo, “El Jergas”, Chico Migraña, Mildred Pérez, Pablo Segovia, Rafael Toriz, Regina Zamorano.

Fotografía: Angélica Chema Sierra, Gustavo Dueñas para VoyeurCynthia Franco, Nicole A. Klinckwort, Cristian Ojeda.

FOT:: Gustavo Dueñas para Voyeur Distribución nacional (Foráneo, locales cerrados) :: Juan Nuño Publicaciones CITEM S.A. de C.V. Av. Del Cristo #101.

Col. Xocoyahualco. CP 54080.

Tlalnepantla. Estado de México Tel. 5238 0200 Representantes en el interior de la República Aguascalientes :: Lic.Blanca A. Jiménez blancaajr@hotmail.com Puebla :: Ricardo Cartas Figueroa ricardocartas@revistamarvin.com :: José Antonio Flores Cabrera joseantonio@revistamarvin.com Tijuana Radioglobal :: Jesús Antonio Lopez Rojo jesus@revistamarvin.com :: Manuel Cabrera manuel@revistamarvin.com

Si para los griegos eran los héroes quienes adquirían la dignidad de dioses por sus hazañas, en la actualidad los artistas son inflados por la parafernalia de los medios, de manera que los rockstars son representados como seres perfectos e inalcanzables. Pero lo cierto es que sus vidas están sujetas a las mismas condiciones que el resto de los mortales, y muchos terminan por mostrarse arrepentidos de sus actos y hasta de sus creaciones. Quisimos cerrar el año con una edición que desde diversas perspectivas y con sentido del humor, contara cómo con el paso del tiempo, algunos músicos, artistas plásticos y cineastas, han tenido el valor de declarar que algunas de sus creaciones les produce más pena que orgullo, y que en ocasiones es mejor decir “oops!”, que seguir engañando a los fans.

Además y para despedir la primer década del 2000, hicimos un recuento de los 100 discos que algunos colaboradores consideran sus favoritos, y que ya figuran como los nuevos clásicos del milenio. Por último, “hicimos aparecer” al Hombre Invisible de Ely Guerra con una portada exclusiva, y una entrevista donde nos contó cada detalle sobre su tan esperado disco de estudio.

Vicente Jáuregui.

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MARVIN es una publicación mensual de Música y Estilo México S.A. de C.V. con domicilio en Newton No.53 3er. piso interior 9, Col. Polanco, C.P. 11560, Delegación Miguel Hidalgo, México D.F. Tel/Fax:: (55) 5281 5203.

Edición 77, correspondiente a: DICIEMBRE 2009-ENERO 2010. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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Javier Muñoz Licenciado en Bellas Artes (Universidad del País Vasco) y más que medio periodista (Universidad de Navarra). Nací en Pamplona, España, en 1978. Llevo diez años ilustrando revistas, periódicos y campañas de publicidad; también escribo (tengo un blog, elcanodromo.blogspot.com) y pinto.

He trabajado para CNN.com, Grupo SIENA, Diario de Navarra, Diario de Noticias, La Voz de Almería, El Diario del Alto Aragón, Diari de Tarragona, Canarias, 7 La Opinión de Tenerife...

Entre tanto, he realizado dos exposiciones individuales de pintura (Pamplona, España y Atlanta, USA) y he participado en talleres impartidos por artistas como Antonio López y Juan José Aquerreta.

música_

14 The XX. Sombríos, minimalistas y deslumbrantes.

16Girls. Del fanatismo religioso a la fama.

18 The Faint. Clasificando lo inclasificable.

20 The Big Pink: el amor envuelto en una telaraña eléctrica.

22 Maldita Vecindad. 25 años de Pata de Perro.

24 The Dead Weather. Paint it White.

26 Sunset Rubdown. Spencer Krug: un geniecillo multipolar del indie.

28 The Flaming Lips. Un nuevo comienzo.

30 WARP Records. La permanencia de la innovación..

34 Nuestros cien discos favoritos de la década.

36 Que se arrepientan los débiles.

44en portada Ely Guerra. Hace aparecer a su Hombre Invisible.

62de cultoRolas bastardas.

marvin.com.mx este mes en marvin tv entrevistas con:

Wavves Nortec Panoptica Orchestra Adrián Terrazas Maldita Vecindad

cine_ 54ElsótanoAdiós a la escuela.

56Lars Von Trier: Anticristo. La arrogancia no es exclusiva del crítico.

64decultoAlfred Hitchcock: I Confess.

arte_ 60La realidad solarizada.

Fotografía subjetiva, la contribución alemana. 1948-1963

66decultoArte contemporáneo. Muerte y redención.

de fondo_ 40 La heredad de los ahorcados.

42 Arrepentimiento y variaciones en el rock.

otros_ 6Buenas NuevasNoticias de música, cine, arte y moda.

12GadgetsLo último en tecnología.

13EstiloLas últimas tendencias con el mejor estilo.

38La Lógica del Perro Demasiado tarde.

Reseñas 68 Música 73 Cine 74 Libros 75 Cómics 76 Gamer 78Links recomendados por “El Jergas” 80 El PilónJorge León y Rico. La industria musical y los derechos de autor.

Más Más Más:

Conoce a los mejores discos de la década según el Staff de Marvin. Opina sobre tus favoritos.

Ya tenemos a la banda invtada para nuestra próxima fiesta a celebrarse en El Imperial el próximo 16 de diciembre.

Descúbrela y gana entradas para cerrar el año a ritmo de una de las mejores propuestas de la música nacional.

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s a n e u b as nuev Séptima Fiesta Esencia Marvin presentada por J&B con Play&Movil Project, Dapuntobeat y DJ Saiko TXT:: Carlos Jaimes.

Si pudiéramos decirlo con dos palabras, cabría decir que la noche de nuestra 7a Esencia Marvin estuvo plagada de mucho ritmo y baile. Con una sugerente voz “sampleada” que decía: “…uh baby let’s get laid tonight”, el show comenzó cerca de las 23:15 horas mientras el telón del Imperial se abría para dar paso a Dapuntobeat. Intensa presentación la ofrecida por esta banda, quienes durante cerca de una hora nos pusieron a brincar con la fuerza de sus secuencias y la ejecución de sus instrumentos. El beat no paró desde el principio y la gracia de cada uno de sus integrantes a nivel individual, demostraba que estábamos frente a una banda con muchos años de experiencia. Valdrá la pena dar una escuchada al nuevo disco de este grupo, mismo que verá la luz en poco tiempo.

Posteriormente Play&Movil Project hicieron lo propio acompañados de bajo y batería. Quienes ya hayan escuchado las versiones en estudio de este dúo dinámico, sabrán que se trata de un proyecto que mezcla la picardía chilanga, nuevas tecnologías y distintos ritmos, para generar un atractivo show que se reflejó en la actitud del público que bailaba y aplaudía (con todo y groupies al frente). Destacaron piezas como “A coro”, “Wank”, “Salto de Rana”, la interpretación de rolas más recientes como “Margarita”, o la dulzura al estilo de este dueto, con todo e invitada especial en “Look to the Sky”.

La noche cerró con el son de DJ Saiko. Y contrario a lo que muchos podríamos pensar, no se trató de electrónica minimal con tintes de techno. Este residente de La Santanera (Playa del Carmen) preparó un set con ritmos jazz–funk–reggae latino que mostraron cómo se puede mantener el ambiente en todo lo alto, sin recurrir a elementos que todos ya conocemos. Durante poco más de una hora, Saiko fue despidiendo la velada dejando a todos con el calor a flor de piel.

Dapuntobeat. fot:: Cristian Ojeda

Play&Movil Project. fot:: Nicole A. Klinckwort

DJ Saiko. fot:: Cristian Ojeda

Dapuntobeat. fot:: Nicole A. Klinckwort

Estén pendientes de todo lo relacionado con la próxima edición de Esencia Marvin a través de:

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Play&Movil Project. fot:: Nicole A. Klinckwort

MÚSICA

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

Conexión PlayStation superó las expectativas

Sony decidió no participar en el Electronic Game Show de hace unos días, para realizar un evento exclusivo y presentar sus consolas los pasados 6 y 7 de noviembre. La producción del evento estuvo genial, con muchas consolas donde jugar, más espacio para mostrar sus juegos, bastantes regalos para los asistentes y todo esto sin pagar un peso. Quizá el único detalle fue que se superó la capacidad de asistentes que podían ingresar al evento. Pero dejando a un lado lo anterior, empecemos con lo que a mi gusto ha sido el juego más refrescante para la consola de Sony en los últimos meses, el Little Big Planet, un

juego sencillo pero muy bien producido, con un diseño de arte increíble y un gran soundtrack.

Otros juegos que destacaron fueron Ratchet & Clank Future: A Crack in Time, Uncharted 2, Killzone 2 e InFamous. Pero no todo fueron videojuegos, a las 22:00 hrs., Kinky estaba listo para poner a brincar al público. “Bailemos hasta quemarnos” fue la canción elegida para iniciar este concierto. Durante una hora y media y con un público emocionado, tocaron sus mejores éxitos como “Más”, “Ejercicio # 16”, “Cornman” y “Presidente”. La banda fue encargada del lanzamiento oficial del karaoke SingStar Latino, y cabe señalar que la melodía de “Cornman” ha sido utilizada como parte de la banda sonora del video juego Little Big Planet, para la plataforma de videojuegos PlayStation 3 La fusión de rock, dance, funk, techno, samba, música electrónica y una gran influencia de ritmos latinos, logró satisfacer al público y demostrar la calidad con la que un grupo mexicano puede ser capaz de estar presente en un evento de una empresa transnacional.

Dieron las 23:30 hrs., y el grupo inició la partida con “¿A dónde van los muertos?”, canción que provocó una explosión en la improvisada pista de baile, para así concluir con un día entero de videojuegos y música. Esperamos que el próximo año los organizadores ajusten las tuercas flojas de esta emisión de conexión playstation y el evento mejore.

Faith No More/ The Second Coming Tour TXT y FOT:: Angélica Chema Sierra.

Los gritos del público inundaron el Vive Cuervo Salón, al momento en el que Mike Patton tomó el micrófono para comenzar el concierto que para muchos ha sido el mejor de sus vidas; ya que fue una sorpresa para todos sus fans cuando se anunció la gira que marcaría su regreso a los escenarios, después de once años de ausencia: The Second Coming Tour. Tras abrir con “Reunited”, tema que se ha vuelto emblemático en esta gira, los integrantes de Faith No More hicieron brincar, cantar a todos sus seguidores con temas como “From Out of Nowhere”, “Epic”, “Easy” y “Midlife Crisis”.

La banda no se cansó de agradecer la entrega del público, demostrándolo en momentos clave del concierto, como aquel en el que Patton entonó unas líneas de “Cielito Lindo” o cuando se puso una máscara de luchador que un fanático lanzó al escenario mientras cantaba “Edge of the World”.

Tras regresar dos veces al escenario a petición del público, cerraron con el tema “We Care A Lot”, un concierto que sobrepasó todas las expectativas.

Smirnoff After Party Kings of Leon Smirnoff es parte de los mejores eventos de la ciudad, y por ello organizó el after party oficial de los Kings of Leon durante su visita a la Ciudad de México. La zona de pabellones fue el escenario perfecto que le dio una atmósfera urbana al after donde Rulo (Reactor) y Tito (Molotov) pincharon discos, siendo los encargados de poner a bailar a todos hasta bien entrada la madrugada.

Gracias a la mecánica Cocktail Yourself, cada quien podía crear su tragos con una variedad de elementos. Al final de la noche todos tuvieron un trago único y original de Smirnoff.

Lo mejor de la fiesta fue el Clearly Original Room donde podías divertirte con cubetas, brochas y pistolas de agua con pintura.

Kraftwerk remasterizado

Los legendarios alemanes que elaboraron toda una escuela musical a partir del techno, han dedicido remasterizar ocho de sus once discos de estudio, incluyendo: Autobahn, Radio–Activity, Trans–Europe Express, The Man–Machine, Computer World, Techno–Pop, The Mix y Tour De France Soundtracks. The Catalogue será el nombre que llevará este conjunto de discos que ya se pueden comprar de manera individual o en un box set que incluye los 8 CD’s en fundas especiales, con arte y fotografías nunca antes vistas, además de versiones en vinilo y descarga digital.

The Catalogue se lanzó a finales de noviembre del 2009 en nuestro país, y puedes comprarlo en la página oficial de la banda: www.kraftwerk.com o en tiendas musicales.

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MÚSICA Jaguares por el Jaguar en Xcaret, Playa del Carmen

los ganadores con

Alfonso André y Marco Rentería de Jaguares

TXT:: Manú Charriton.

Como todos sabemos, el mundo se está yendo por un tobogán y si no lo evitamos, correremos con la misma suerte. Por esto, el último 24 de octubre Grupo Quinta, Xcaret y Jaguares, decidieron realizar un concierto en el parque temático a completo beneficio de Onca Maya, organización sin fines de lucro, creada para ayudar a la conservación del Jaguar, animal en peligro de extinción.

Para ello se convocó en Quintana Roo a una campaña en pro de este felino a través de un concurso de diseño, arte y fotografía. Revista Marvin decidió sumarse a esta actividad como medio nacional. El ganador se hizo acreedor a un viaje para dos personas a Playa del Carmen, entradas al concierto y al after party junto a Jaguares. Hugo Castro Cruzalta fue el vencedor, quien nos acompañó junto a su hermano a Playa del Carmen. El evento fue impecable, desde la producción de Xcaret hasta la convocatoria de Grupo Quinta ayudaron a recaudar más de 380,000 pesos. La noche comenzó con un espectáculo representativo del jaguar con música y danzas prehispánicas. Luego siguió el turno de Jaguares. Su concierto fue una combinación entre todos los éxitos de Caifanes y lo mejor de los álbumes que Saúl y compañía supieron construir con esta nueva banda. Espero que actividades como esta hagan eco entre la gente y se multipliquen por miles para que el mundo sea nuestra casa por mucho tiempo más.

J&B / Sicario presentan 2 Many DJ’s Vamos llegando al fin de año, y parece que J&B y los Sicarios no quieren darnos tregua. El pasado jueves 5 de noviembre nos asaltaron nuevamente con una súper fiesta. Esta vez fue en el Woda (ex Roots Magic Club) que se llenó a reventar. El regreso de los hermanos Dewaele, más conocidos como 2 Many DJ’s (o Soulwax en su versión de banda) generaba gran expectativa y con razón. Cada vez que se presentan hacen explotar el lugar. Para esta ocasión fueron acompañados por Toy Selectah y Buraka Som Sistema, grupo portugués que aborda el sonido kuduro (proveniente de Angola). 2 Many DJ’s apareció en escena con unas pantallas detrás que condimentaron todo su show con sus esperadísimas nuevas animaciones. ¿Qué más se puede decir?. Se desató una locura por más de 2 horas. Nadie pudo parar de bailar un minuto. Estos belgas echaron una catarata de hits y mashups que incluyeron a Justice, The Gossip, Nirvana, Daft Punk, Yeah Yeah Yeahs y Michael Jackson, entre otros.

Pixies y su gira Doolittle TXT:: Tony Romay.

Uniéndonos a la celebración de los 20 años de Doolittle, asistimos a las dos primeras fechas de la gira que están dando los Pixies en Estados Unidos, el 4 y 5 de noviembre en el Hollywood Palladium de Los Ángeles. Como lo hicieron en Europa, los shows abren con la proyección de Un perro andaluz, el corto de Luis Buñuel y Salvador Dalí, al cual hacen referencia en “Debaser”.

Al finalizar, Black, Kim, Joey y Dave salieron al escenario y comenzaron su presentación con “Dancing the Manta Ray”, seguida de “Weird at My School”, “Bailey’s Walk” y “Manta Ray”, b-sides para verdaderos fans. De aquí en adelante se aventaron el Doolittle completito y en orden, rola por rola, desde “Debaser” hasta “Gouge Away”.

Todo un deleite de riffs, distorsiones, armonías, gritos de Frank, coros de Kim... están tocando como lo hacían hace 20 años, con todo el poder que los caracterizaba. Al terminar se despidieron de forma muy emotiva, todos les decíamos adiós con felicidad, sabiendo que regresarían para tocar la versión “lenta” de “Wave of Mutilation” titulada “UK Surf”, para después aventarse uno de sus mejores b-sides, “Into the White”, el público gritaba, slameaba, saltaba, volaba, sudaba. Llegó el segundo encore, aquí es donde cambia el setlist de sus conciertos, la primera fecha nos atacaron con “Isla de Encanta”, “Gigantic” y finalizaron con

Frank Black con la edición que rinde culto a los Pixies

Kim Deal y Dave Lovering

“Where is my mind?”, la segunda con “Holiday Song”, “Nimrod’s Son”, “Vamos” y “Caribou”. Al terminar su segundo show, pudimos convivir y platicar con ellos, donde no nos afirmaron, pero tampoco descartaron, que podrían venir a presentarse a nuestro país el próximo año.

Crucemos los dedos para que esto suceda. ¡Larga vida a los Pixies!

Joey Santiago guitarrista de los Pixies

CINE

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

Bruno Bichir se apresta a ser Alfaro Siqueiros en El mural

George Clooney negocia con Payne TXT:: JP RIveroll.

El muy ocupado George Clooney podría ser el protagonista de la nueva cinta de Alexander Payne, ganador del Oscar al mejor guión hace cinco años con Sideways. Sin embargo, en esta ocasión el drama familiar The Descendants ha sido escrito por Nat Faxon y Jim Rash, a partir de la novela homónima de Kaui Hart Hemmings. De prosperar las negociaciones de los representantes del actor con Fox Searchlight, Clooney se pondría ante la cámara de Payne en Hawai en febrero del año próximo.

The Descendants es la historia de un rico propietario de tierras que junto a sus hijas se desplaza a ese paraíso vacacional en busca del amante de su mujer, para intentar mantener a la familia unida. El pasado verano, Variety informaba que tras este film Payne empalmará con otro, Downsizing, en el que volverá a tener como protagonista a Paul Giamatti, junto con Reese Witherspoon y, ni más ni menos, Sacha Baron Cohen.

Clooney, el soltero entrado en años más cotizado de Hollywood, está filmando ahora mismo el thriller de Anton Corbijn The American, y en los próximos meses le veremos en tres cintas que han despertado interés en los festivales donde se han avanzado: The Men Who Stare At Goats, Up In The Air y Fantastic Mr. Fox. El nombre del ex protagonista de la serie E.R., de 48 años, ha sonado en los últimos días como uno de los candidatos a interpretar a Frank Sinatra en la biopic que tiene en cartera Martin Scorsese.

TXT:: JP RIveroll.

“Feliz y nervioso” se confesó Bruno Bichir a pocos días de comenzar a rodar El mural, película del argentino Héctor Olivera en la que interpretará a una figura que sigue siendo controvertida: David Alfaro Siqueiros. El film cuenta la historia apasionada, íntima y humana detrás del famoso mural “Ejercicio Plástico”, el cual fue realizado en 1933 por el artista en el techo, piso y paredes del sótano de la casa del magnate de los medios Natalio Botana. El mural recrea el viaje que el artista hizo al país suramericano para dar tres conferencias y pintar un mural de temática revolucionaria en La Boca, impedido por el clima político de la Argentina de los años 30. En su lugar, el mexicano recibió el encargo de Natalio Botana (Machín), director del influyente periódico Crítica, de pintar un mural en el sótano de su quinta Los Granados. Así, la mansión en las afueras de la ciudad se conviertió en escenario de pasiones, celos, traiciones y drama familiar, desatados con la llegada de la mujer de Siqueiros, la poeta Blanca Luz Brum (Peterson), quien provocó una fuerte reacción en la esposa de Botana, Salvadora Medina Onrubia (Celentano); para convertirse en amante del millonario, y aceptar el cortejo de Pablo Neruda (Boris). Si bien el aspecto romántico tiene su punto relevante en la historia, Bichir comenta que “no es necesariamente una película de amor; es una historia de pasiones, traiciones, encuentros de gente brillantísima”. La película se rodará a lo largo de nueve semanas en Buenos Aires, con estreno previsto para el próximo año. Será también en 2010 cuando “Ejercicio Plástico” salga a la luz, ya que el gobierno argentino planea exhibir la obra restaurada como parte de los festejos por el Bicentenario de la Revolución de Mayo.

La familia Gucci no quiere ir al cine TXT:: JP RIveroll.

La película que el cineasta británico Ridley Scott prepara sobre la familia Gucci, ex propietaria de la firma de moda y cosmética italiana que lleva su apellido, no cuenta precisamente con el apoyo de algunos de sus miembros. El film tiene previsto basarse en las luchas por el poder y el control de una marca con una facturación por encima de los 500 millones de dólares anuales, que culminaron con el asesinato de Maurizio Gucci por encargo de su mujer, Patrizia Reggiani, actualmente en prisión, a la que daría vida Angelina Jolie.

Patrizia Gucci, prima de la víctima, ha declarado a la prensa italiana su indignación por el tratamiento que al parecer tendrá el film, previsto para rodarse el año entrante, y acusa directamente a la pareja de Scott, la actriz costarricense Giannina Facio (ex de Julio Iglesias), de haberles traicionado. Según ella, Facio se ganó la amistad de la familia y convenció a Scott para que hiciera la película, que —afirma Patricia— se les presentó como “no escandalosa”.

Los Gucci temen por las informaciones de prensa que han trascendido, que el film, sin título oficial por ahora, dañe su imagen y por tanto advierten que

lucharan legalmente para bloquear la producción o impedir la distribución del mismo. Patrizia Gucci ha dicho al Corriere de la Sera que piensa escribir un libro para explicar su visión de la familia y que le mandará a Scott una copia para disuadirle de hacer una película “no autorizada” por los Gucci, quienes vendieron su imperio al conglomerado francés del que el actual marido de Salma Hayek, François–Henri Pinault, es cabeza visible, después del escándalo de sus sangrientas luchas intestinas.

Maurizio Gucci, nieto del fundador de la firma Guccio Gucci, fue asesinado en 1995 en un complot orquestado por su mujer, la cual está cumpliendo ahora mismo pena de cárcel, y Paolo Gucci estuvo a punto de enviar a prisión a su padre, Aldo, por fraude fiscal.

Ridley Scott está desarrollando junto a Giannina Facio como coproductora la biopic de la conflictiva familia desde hace tres años, cuando contrataron al guionista Andrea Berloff.

El proyecto parece que se materializará en 2010 y aparte de la rumoreada Angelina Jolie se ha hablado de que Leonardo DiCaprio podría incorporar a su marido y víctima Maurizio.

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ARTE

Drap–Art 09:

el arte apuesta por el reciclaje y tiene su festival

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

FOT:: cortesía de Drap–Art. La sociedad de consumo en que vivimos produce una cantidad enorme de desperdicios, así que utilizarlos como materia prima para el arte no

sólo es deseable sino necesario. No se trata sólo de una actitud ecologista, sino de apropiarse de materiales cuyo supuesto valor se ha reducido a su mínima expresión, y cabe sublimarlo para darle un valor como objeto de arte.

Se entiende y justifica la existencia de un Festival como el Drap–Art 09, que alcanza su sexta edición entre el 18 y el 21 de diciembre, cuando llegue a las salas del vital e influyente CCCB, localizado en Barcelona.

La programación se compone de intervenciones en el espacio público, mercado de arte y diseño, talleres, espectáculos, audiovisuales y cine acerca del medio ambiente, además de una exposición conformada con piezas de arte y diseño, realizadas con materiales reciclables y

que podrá ser visitada hasta el 10 de enero. En Drap–Art 09 confluirán más de 150 creadores, diseñadores, músicos, performers, talleristas, artesanos y teóricos del reciclaje artístico y creativo, invitados por la organización del festival.

Entre las propuestas más destacadas se haya la instalación Retroprogrès del artista español Carles Gispert, y las esculturas de la londinense Hannah Greenaway, creadas a partir de ir tejiendo y fundiendo bolsas de plástico del supermercado. Se trata pues de una loable fiesta de arte contemporáneo, que no sólo se centra en la experiencia estética sino que mueve a la reflexión social desde una estrategia lúdica, digna de verse y apoyarse.

La filosofía de Jaloguin 2009 Concurso de calaveras Los Simpson El 29 de octubre se llevó a cabo en la Universidad de la Comunicación, un concurso de calaveras donde participaron alumnos, ex–alumnos, patrocinadores, además de la calavera de Marvin inspirada en la imagen de David Bowie. Luego de una pasarela de disfraces llegó el momento de que el jurado –conformado por Randy de Molotov, Carlos Anaya de Ogilvy, Francisco García de Línea Diseño– eligieron entre una gran cantidad de diseños, ideas y materiales. Los ganadores fueron: 1er lugar para 301 de Gestión de la Cultura y las Artes, 2do para 501 de Publicidad, y el 3ro para 701 de Mercadotecnia.

Al finalizar el concurso, la fiesta continuó en la parte posterior de la Universidad, en donde hubo música, monstruos y diversión.

habla español

TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Si ya de por sí es curioso ver a Foucault, Marx y Platón dibujados por Matt Groening, lo será más poder leer en el idioma de Cervantes el libro Los Simpson y la filosofía (análisis filosófico de la serie televisiva), gracias a la aparición de Blackie Books, un nuevo proyecto editorial afincado en Barcelona, que entre sus primeros títulos también tiene contemplados Do It (manual de guerrilla urbana firmado por Jerry Rubin) y Cosas que los nietos deberían saber, la muy reverenciada y aplaudida autobiografía del líder de Eels, Mark O. Everett.

Esta nueva plataforma pretende editar obras relacionadas con el mundo de la música y la cultura pop. Tras los primeros títulos, vendrá material de Richard Brautigan y Werner Herzog, entre otros. Se les puede seguir la pista en www.blackiebooks.org

MODA

BUENAS NUEVAS www.marvin.com.mx

Ana Ezquerro presenta Brumelia Con la idea de fusionar elementos de diseño contemporáneos con motivos de la cultura mesoamericana nace Brumelia, una colección de bolsas inspiradas en gráficos de varias regiones indígenas mexicanas (hay diseños de morrales otomíes y mazatecos), mismas que son trabajadas en conjunto con varias mujeres artesanas. www.umelia.com

La higuera de Ana Colección primavera-verano 2010

DFashion

sexta edición Trazando un puente entre la creatividd de los diseñadores de moda y la industria textil y manufacturera mexicana, se presentó durante los días 27, 28 y 29 de octubre la sexta edición primavera–verano 2010 del DFashion. En el Auditorio Plaza Condesa se congregaron alrededor de 1,550 personas para disfrutar las 15 pasarelas con 394 salidas, donde participaron modelos internacionales, y 150 compradores nacionales y extranjeros. Esperamos que la siguiente edición del DFashion, creado y fundado por COLOüRs, siga siendo una plataforma para la moda en México.

Inspirada en la imagen de la higuera, un árbol con muchas historias oníricas y una gran mitología detrás, Alejandra Quesada combina cortes y estampados mágicos que recurren a los recuerdos de la niñez, para reinterpretar la tradición mexicana en un mundo de fantasía. La higuera de Ana es una colección personalizada y artesanal dirigida a la mujer que no deja de ser niña, que va de la mano con la curiosidad, la coquetería, la comodidad y el capricho.

Gana un viaje al NY Fashion Week A partir del 17 de noviembre, Paola Hernández, una de las diseñadoras mexicanas más reconocidas de los últimos meses, quien recientemente presentó su colección de jeans 2009 festeja a lo grande su último cumpleaños, y lo hace invitando a quienes gustan de sus creaciones a su próximo show en el NY Fashion Week.

Los interesados en viajar a la ciudad de Nueva York y celebrar una jornada de moda y glamour al lado de esta diseñadora, deberán mandar una fotografía de sus jeans Paola Hernández a maddalen@paolahernandez.com Se premiará a la foto más original y la fecha límite para mandarla será hasta el próximo 25 de diciembre. El jurado encargado de escoger a la mejor imagen estará conformado por personalidades de la moda y el diseño como: César Arellano, Carlo Ross, Marvin Durán y la propia Paola Hernández. La premiación se llevará a cabo el próximo 8 de enero.

Más información en: www.paolahernandez.com

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12 Amazon Kindle Llegó el iPod de los libros Lo mismo que ocurre con la música parece estar pasando con los libros: la tecnología los reduce al tamaño de los microprocesadores. Con 20 centímetros y menos de 300 gramos, este patrocinio de Amazon funciona en mancuerna con ésa tienda electrónica en línea.

El asunto es grande, y la librería virtual cuenta con 300 mil libros, mientras que el Kindle tiene cabida para un promedio de 1,500, a un precio que no rebasa los 150 pesos por edición. Para enterarte a detalle, visita: www.amazon.com

computadoras portátiles de Olivetti MOTOROKR i856 Nextel y Motorola presentan el nuevo MOTOROKR i856, el primer slider con la tecnología iDEN, es decir, con cuatro servicios en un mismo dispositivo: conexión directa vía radio digital, telefonía, mensajes escritos y datos.

Además de las características tradicionales que ofrece un Nextel, el equipo está fabricado sobre la plataforma MOTOROKR, que brinda funciones avanzadas de reproducción de música, como sonido tridimensional y ecualizador. Incluye una tarjeta de memoria de 2GB, cámara de 1.3 MP, audífonos estéreo MOTOROKR EH20 y conector de audio de 3.1”, que lo hace compatible con cualquier audífono estéreo comercial.

Para más información, visiten: www.nextelrock.com.mx

En la búsqueda constante de innovaciones tecnológicas, Olivetti presentó su nueva línea de computadoras portátiles ultra-delgadas, complementando el diseño italiano con lo último en tecnología.

Equipos que fueron creados con el objetivo de optimizar procesos y están equipados con el mejor software y Procesadores Core® de Intel, incluyendo la versión más reciente de sistema operativo presentado por Microsoft: Windows 7.

Sony VAIO Los modelos más ligeros Sony presentó sus nuevos modelos, entre los cuales destaca la notebook de la Serie X, por su diseño de tan sólo 1.39 cm., de alto y que incorpora funcionalidad en un peso de tan sólo 760 gramos. Viene equipada con Windows 7 y batería de hasta 8 horas de duración, y puede alcanzar hasta 13 horas con una batería opcional LL de duración ampliada.

Más información en www.sony.com.mx

Videocámaras Flip HD Para capturar y compartir Cisco® acaba de lanzar dos cámaras de bolsillo: la Flip Mino y la Flip MinoHD, ambas ideales para tomar video en fiestas, escuela, viajes, deportes o en una noche con los amigos.

Puedes grabar hasta 60 minutos de video, y su unidad USB permite descargar los videos directamente a una PC o Mac, sin la necesidad de usar ningún cable. Sus baterías recargables se activan automáticamente cuando la USB desplegable se conecta a la computadora. El diseño viene en un pulido color negro para la Mino y en cromo brillante para la MinoHD. Para más información visita www.flipvideo.mx

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TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: Owen Richards.

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Nick Hornby es un novelista inglés que nos tiene acostumbrados a plasmar perfectamente el entorno de la clase media británica, sus manías y devaneos; en su más reciente obra, Sólo por una chica (Anagrama, 09), cuenta la historia de un patineto londinense que ve torcida su vida al embarazar a su novia de 16 años. El caso es que el chico crece rodeado de música, y mientras en México nuestro referente se divide en muchos ritmos y estilos, en la vieja Albión lo que entendemos por rock es el pop de todos los días.

La música de la cultura pop se ha infiltrado hasta lo profundo del ADN de las nuevas generaciones anglosajonas. Crecen en un contexto en el que la industria musical se encuentra en lo alto del PIB y es socioculturalmente de primer orden. Ya desde el kinder garden reciben sesiones de sensibilización hacia el arte. Prácticamente, en cada escuela elemental tienen acceso a instrumentos y a clases obligatorias y voluntarias de música.

Encienden la radio y hasta el espectro comercial es muy distinto del que suena de este lado del charco. Es verdad, los Beatles, Rolling y hasta Led Zeppelin son asuntos de los abuelos. Los padres en funciones pasaron por The Clash, The Cure y hasta agrupaciones más recientes (el niño de la novela de Hornby bautiza a su hijo en coincidencia con Rufus Wainwright).

En la televisión es cotidiana la aparición de las últimas novedades, y aunque hay frecuencias radiofónicas banales, el peso de las emisoras de la BBC sigue siendo real. Pongámoslo en claro, se quejan incluso de que el tabloide especializado en música, el manoseado New Musical Express, sea el equivalente del TV Notas y monstruosidades locales parecidas.

Traen al rock consigo desde la cuna y los acompaña a todas partes, es por ello que no debe sorprendernos la madurez de una banda del suroeste de Londres, formada en 2005, por unos mozalbetes que apenas van saliendo del equivalente a la preparatoria y que demuestran un propuesta muy consolidada para su edad, sobre todo porque no se desbocan por sonar ruidosos o tocar rápido; saben que la contención les puede beneficiar y no sueltan la velocidad en su renovada propuesta de música un tanto oscura y lúgubre, pero que no se instala como un nuevo dark; se trata un rock pop minimalista bien compactado y mejor tocado.

Egresados de la Elliot School, institución en la cual militaron también miembros de Hot Chip, Burial y Four Tet, han editado un disco debut que maravilla de principio a fin. XX es sobrio, sombrío e inspirador. Aunque comenzaron planeándolo con Diplo y Kwas, terminaron por producirlo ellos mismos, lo que les suma elogios al lograr un sonido macizo y coherente en cada una de las 11 piezas que lo conforman.

El álbum surge de una estrategia increíble de parte de Young Turks, el pequeño sello que los firmó hace algunos años y que al ver que la fórmula

tradicional de una temporada de grabación con un cierto productor no funcionaría, les dio la llave de un pequeño estudio disponible y con ella, la libertad para trabajar a sus anchas (terminaron las canciones dos años después). Y Romy Madley, Baria Qureshi, Oliver Sim y Jamie Smith no les decepcionaron; todo lo contrario, si en persona son tipos retraídos, escuetos y parcos, prefieren expresarse a través de la música. En los temas lo ponen todo aunque luego en las entrevistas no suelten una oración seguida.

Dos chicos y dos chicas que coincidieron en el instituto cuando tenían 15 años y que ahora rayan los 20, tímidos en grado sumo y amantes del color negro, se hacen acompañar de un puñado de canciones en las que los silencios valen tanto como las notas presentes. “Crystalized”, “Islands”, “Night Time”, “Basic Space” e “Infinity” son un póker que casi lo mata todo; son pequeños espacios habitados por la noche y los sueños que tienen también un rincón para el amor y el sexo. Rehúyen a la luz ya que fueron compuestas mientras sus autores tenían empleos nocturnos en tiendas de 24 horas y similares para sobrevivir.

El trabajo de un grupo valió para que fuera colocado en el puesto 6 de la Future List del NME de este año, e incluido en los festivales de Reading y Leeds (en los que regalaban camisetas en agradecimiento a sus escuchas), para luego girar con Florence and the Machine mostrando su sentido nocturno, ingrávido, y algo misterioso de la música.

“Vcr” y “Night time” también nos hablan de la manera en que han decantado esencialismo, contención y modernidad –como si de veteranos se tratara–; en su pop de ensueño hay tensión y poca velocidad; mucha sutileza y la ausencia de elementos no esenciales, que ha sido definido –muy acertadamente– como: “una suerte de pop ahorrativo (lo que deciden dejar fuera de sus canciones es tan importante como lo que deciden conservar) que se preocupa por la creación de atmósferas, que opta por la descompresión en busca del espacio oscuro que se respira entre notas y golpes rítmicos, intensificando esos vacíos la proximidad física con la que uno siente cada palabra que sale de las bocas de Oliver Sim y Romy Madley Croft”.

Si en lo inmediato pueden estar cercanos a The Big Pink o Glasvegas, sus afluentes son muchos más profundos: el bajeo de Peter Hook (New Order, Joy Division), lo artesal de Young Marble Giants, y un toquecito oscuro que nos remite a los momentos más afortunados de The Cure en algunas guitarras.

Para dejar en claro que han asimilado de todo un poco, en la edición especial del álbum incluyen una versión del “Hot Like Fire” de Aaliyah, en donde la transforman al R&B y el soul contemporáneo.

XX está lleno de anhelo y deseo; es críptico y atrayente, aun en su aparente simplicidad. Contiene mucho más de lo que muestra de entrada y ese es el gancho para quedarse atrapado entre sus negras redes por mucho tiempo.M

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del fanatismo religioso a la fama

TXT:: Vicente Jáuregui. FOT:: Arts & Crafts.

Pocas bandas tienen un miembro con una historia tan retorcida como la de Christopher Owens, cantante y guitarrista de Girls, presumiblemente, una de las mejores bandas del año. Para quienes creen que en los 60 todo fue amor, paz y flores, hay que recordar que una de las herencias más nefastas que nos legó el hippismo, fue la proliferación de gurús, sujetos de apariencia luminosa y psiqué maquiavélica que aprovechan el vacío de otros para lograr sus objetivos. Se trate de una secta asesina como la de Charles Manson, o la que David “David Moses” Berg bautizó como Children of God (Niños de Dios), su éxito consiste en persuadir con un discurso mesiánico.

Bajo un tono apocalíptico y prácticas sexuales explícitas, la familia del ahora cantante de Girls creció en el perverso y desconcertante mundo de "David Moses". Madre e hijos viajaban por comunas asiáticas y europeas, con la idea de que la prohibición del trabajo tradicional era necesaria, convencidos de que la prostitución femenina era la manera de ganar más adeptos al culto —Owens ha declarado que estuvo presente en esas prácticas varias veces—. A los 16 años logró salir de la burbuja para vivir con su hermana en Amarillo, Texas, y desde ese día ha tratado de reconectarse con el mundo a través de la música. Luego de trabajar en cualquier cantidad de lugares, adquirir una fuerte dependencia a las drogas, y pregonar sentencias nihilistas con un grupo medio punky, empacó sus cosas para respirar los vientos bohemios de San Francisco.

Sin embargo, las cosas no fueron sencillas bajo el sol de California: Owens comenzó una banda con su ahora ex–novia Liza Thorn, pero la aventura musical terminó junto con la tormentosa relación de dos años. Con el dolor del rompimiento, Owens quizo demostrar a su ex que era lo suficientemente talentoso y se puso a componer sus propias canciones, con ayuda de un amigo que ella misma le había presentado. Era el californiano Chet JR White,

un tipo que había estudiado ingeniería en audio, pero que tenía años en el desempleo y metiéndole duro a la pachanga. Al poco tiempo ambos estaban haciendo música y Owens encontraba su mayor musa en el desencuentro amoroso: escribió la canción abridora de Album, “Lust for Life”, inspirado en el truene del noviazgo. La rola tuvo repercusión inmediata con todo tipo de gente: desde amigos, hasta bloggeros y músicos dieron su aprobación, y el par decidió darle dirección a sus vidas tomando en serio la banda.

John Anderson se prendió con los avances que se publicaban en MySpace, y por ese medio, terminó apoyando a Girls en la guitarra junto al baterista Garret Godard, ambos como músicos invitados. Al final lograron producir 12 temas en un estudio improvisado en su sala de ensayos. El resultado es un disco ecléctico que ellos definen como “honesto, relajado, etéreo, repugnante y perfecto”.

Luego de escuchar varias veces Album, es difícil ignorar el efecto narcótico de sus atmósferas reverberadas, con guitarras capaces de producir nostalgia o destilar un olor del más rancio post–punk, melodías vocales descorazonadas que siempre explotan en coros de texturas technicolor, y letras que dejan entrever una mente hedonista, mas no vacía.

Los coqueteos con la psicodelia y el folk son casi obligatorios actualmente, sobre todo en un disco producido exquisitamente para destilar un diseño sonoro low fi.

Los cambios anímicos que hay entre cada rola son dramáticos, e involuntariamente reflejan que somos hijos posmodernos de la modalidad shuffle del iPod. Tomando en cuenta que únicamente el tiempo avala si un disco es "un clásico moderno", como afirma The Guardian sobre el debut de Girls, basta decir que se trata de uno de los mejores lanzamientos del año, sobre todo si consideramos que el desamor de un weirdo como Chris Owens, puede inyectar adrenalina al cancionero pop artsy fartsy.

Por cierto, este disco debut lleno de matices y momentos surf-pop, noise y shoegaze, es editado en México por el sello Arts & Crafts desde octubre. M

del fanatismo religioso a la fama

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TXT:: Orlando “chino” Oliveros. FOT:: cortesía Terrícolas Imbéciles.

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De unos años para acá, los especialistas en el ámbito musical se han dedicado a catalogar detalladamente a cada una de la bandas que van surgiendo, encasillándolas en un “género”. Así, la corrientes musicales tradicionales se han diversificado en toda clase de sub–géneros como: nü-metal, electroclash, new wave, garage, grunge, nü rave, electro punk, synth rock, etc.

En este contexto, la escena musical se ha visto invadida por miles de bandas que en su afán de experimentación y creación de nuevos sonidos, se han dedicado a crear la mezcla perfecta entre beat —elemento fundamental de la música electrónica­— y guitarras —como todos sabemos, el elemento fundamental del rock—.

Así han surgido bastantes grupos de electroclash, también conocido como dance punk. Entre ellos podemos encontrarnos a los desaparecidos a Death From Above, MSTRKRFT, Delorean, Ratatat, Whitey, y por supuesto a The Faint.

La banda originaria de Nebraska tiene ya un largo camino recorrido y varias producciones en su haber, en estos días el disco Fasciinatiion se está editando en México por Terrícolas Imbéciles. Tuvimos la oportunidad de hablar con Jacob Thiele, tecladista de esta banda oriunda de Omaha, Nebraska.

que entonces fuimos a la computadora para componer, lo cual también tiene mucho límites. Creo que al final tuvimos lo mejor de ambos métodos.

Han pasado cuatro años desde su última producción, ¿qué ha pasado con The Faint en todo este tiempo?

Construimos un estudio en Omaha, nuestra tierra natal. Se llama Enamel y quedó muy bien si me lo preguntas. Está en un viejo edificio con 100 años de antigüedad, rígidos pisos de maple. ¡Solía ser una morgue y mucha gente cree que está embrujado! Construir el estudio nos tomó dos años, lo cual fue bueno ya que nos forzó a destinar más tiempo en escribir las canciones antes de grabarlas.

Todo mundo ha tratado de clasificarlos en un género, pero si tu pudieras hacerlo ¿cómo definirías la música que hacen?

Techno punk.

¿Y cómo fue el proceso de composición?

Fue tedioso, pero creo que siempre lo es cuando tratas de complacer a cinco personas a la vez. El primer par de años lo pasamos tocando juntos, justo como hacíamos cuando iniciamos a tocar en el sótano de los padres de Todd y Clark. Nos dimos cuenta de que había muchas limitaciones, así

¿Qué nuevos elementos podemos encontrar en Fasciinatiion?

No estoy seguro de a qué te refieres. Tratamos de utilizar lo mejor de aparatos viejos y luego añadimos cosas nuevas en términos de tecnología.

Siempre tratamos de usar el mejor y más nuevo equipo–software para obtener un sonido fresco en nuestros álbumes. Los avances de la tecnología siempre serán un camino para obtener nuevas ideas. Un ejemplo de ello es que usamos un Melodyne (software para edición de música N. de R.) para manipular las voces y crear armonías.

Veo que hay cinco tracks extras remezclados por todo tipo de músicos, incluidos los mexicanos de Kinky. ¿Cómo fue trabajar con ellos? ¡Kinky nos encanta, y son muy buenas personas! Nos encanta que otros músicos reinterpreten nuestras canciones y sonidos, especialmente de gente que nos gusta. Siempre somos abiertos en dejar que otras personas hagan remixes de nuestra música.

El 5 de diciembre van a tocar en México, ¿qué podemos esperar de su show?

Actualmente no estamos de gira. Hicimos bastantes fechas cuando salió en disco, y ahora sólo hacemos shows ocasionalmente si algo divertido surge, como el festival Goliath. Nos encanta tocar en vivo y tratamos de dar lo mejor en cada oportunidad que tenemos de tocar para la gente. Nos divertimos, bailamos, programamos las luces para fortalecer los ánimos y proyectamos algunos videos que hemos hecho para nuestras canciones.

Es una experiencia multimedia que hemos creado para estimular a la gente a desinhibirse, bailar, disfrutarse a sí mismos y sentirse vivos con las infinitas posibilidades que tenemos. M

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Ponerte delante de un artista trae consigo una experiencia estética, lo mismo da que sea en directo que ante una grabación, si se tiene la disposición y estamos hablando de música.

El escucha deberá poner su fe en el milagro del arte y esperar que se suceda un fenómeno que le impacte, que cautive su sensibilidad. Se debe intentar hallar a creadores que busquen propiciar una experiencia inédita, que no se apeguen a patrones manidos.

Durante años esa era la garantía de casi cualquier disco del sello inglés 4AD. Sus maravillas vueltas discos poseían una marcada pátina de autor, un sello distintivo en cada unos de sus miembros y casi inevitablemente sumían al escucha en una ensoñación, en un paraje nebuloso en que reinaba una música enigmática.

Pasó el tiempo e Ivo Watts, el creador del concepto, se fatigó —quizá la industria acabó por enfadarlo— y vendió las acciones a Beggars Banquet Group y de su disquera se ocuparon otros personajes no tan visionarios. Si bien el sello no perdió nunca el rumbo, sí adoleció de falta de toque. Siempre representó un reto el seguir adelante sin el guía original, pero había que dar la pelea y sólo el esfuerzo redoblado traería consigo frutos suculentos nuevamente.

El debut de The Big Pink no se ciñe a esas atmósferas etéreas que 4AD convirtió en estandarte sonoro; si habremos de rastrear en el pasado del sello quizá el nexo sólo sean Lush y Pale Saints. Por aquí lo que hay es un estallido eléctrico, una densa telaraña que se tiende desde la guitarra, que se hace más compleja con las programaciones y que rinde tributo a los héroes del shoegaze: My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain.

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Y es que el dueto que da origen al proyecto trae consigo gran conocimiento musical. Millo Cordell es hijo de un productor y rastreador de talento para Island Recors y hombre al frente de Merok Records (que lanzó sencillos tempranos de Klaxons y Crystal Castles); mientras que Robbie Furze había colaborado nada menos que con el amo del noise: Alec Empire de Atari Tennage Riot. Juntos crearon el sello Hate Channel y ahora privilegian el poderío de las seis cuerdas y lo sazonan con pizcas psicodélicas a lo Stone Roses y techno de la cepa New Order.

Cierto es que la música del pasado incide de forma notable en lo que se está haciendo hoy; A Brief History of Love no niega su herencia pero la sublima y a fin de cuentas no es otra cosa que una colección de canciones actuales, que como en el caso de “Dominos” poseen una carga energética rutilante; que trazan una épica sucia que las convierte en himnos de la perversidad contemporánea. Puede que hallan colgado al grupo la etiqueta de arty, pero si ello hace que escojan una fotografía tan provocadoramente erótica para la portada como lo es la de Dennis Cooper, pues en hora buena.

Para todos aquellos que dudamos de los exabruptos de la coyuntura, no es buena señal que hayan ganado el premio Philip Hall Radar de esa mañosa máquina de fabricar hypes que es el New Musical Express, mejores señales nos aportan que hayan sido elegidos por TV On The Radio para abrir su pasado

tour europeo y que en breve hagan las Américas teloneando para Muse.

El caso es que Cordell y Furze se han rodeado de gente muy capaz para dar solidez a su incursión: Akiko Matsuura, procedente del dueto Comenechi; Leo Ross, con pasado hardcore en Error; Daniel O’Sullivan, músico del estruendo conocido como Sunn O))) y Jo Apps, la hermanita y colega experimental de Patrick Wolf.

A Brief History of Love pretende abarcar —según han explicado— el amplio espectro que contiene dicho sentimiento: “Cada aspecto diferente, lo bueno, lo malo, lo aburrido y lo excitante, pesadillas y sueños… la cosa completa”. Fue grabado en el estudio Electric Lady en Nueva York y al resultado se le ubica cerca de lo hecho por los también británicos Glasvegas y los daneses The Raveonettes; ambos con un pie en la tradición y otro en el presente. Cada uno interesado por el feedback pero también en incluir baladas, que en el caso de The Big Pink pasan por “Love in Vain” y la canción que nombra al álbum.

Pero la fuerza —musical y sensual— que generan se concentra en los 4 sencillos que han editado a la fecha: “Too Young To Love”, “Dominos”, “Velvet” y “Stop The World”, que poseen sofisticación y torrente guitarrero. Alguien tenía que retomar ese lado kinky de la música, provocar el latido mórbido que cada uno lleva dentro. Porque ya se sabe: el que esté libre de perversiones, que pague la primera terapia. M

22 Maldita Vecindad hace música y letra a manera de cronistas urbanos, ¿por qué?

R: Desde el principio tuvimos valores esenciales: uno era el trabajo colectivo, luego el sentido del humor como arma poderosísima para transformarnos a nosotros, y tres que la música nos podía salvar de ese momento de incertidumbre generacional.

El punto que encontramos para conciliar todo lo que íbamos viviendo era la crónica, como personajes viviendo la situación. El punk nos inspiró para hacer las cosas nosotros mismos, nos latían las temáticas de la trova cubana pero no su manera de expresarlas. Lo que más nos gustaba era la música popular mexicana. Chava Flores nos parecía maravilloso, el corrido también porque representaba una manera de aprender la historia del país. Entonces, al fusionar todo esto con lo que nosotros vivíamos en el barrio, llegamos a la crónica urbana de una Ciudad de México donde todos vivíamos y nadie se había atrevido a narrar desde ese punto, aunque ya estaban por ahí nuestros carnales de Botellita de Jerez, el genial Rockdrigo González y El Personal.

TXT:: Vicente Jáuregui.

Pocas bandas logran durar lo suficiente como para tatuarse en la memoria colectiva de manera firme y convertirse en referente de varias generaciones. Nacidos en 1985 en una ciudad que lucía escombrada por un terremoto y bajo un gobierno represor del rock, Maldita Vecindad logró el sueño de crear la música que no existía, con clásicos instantáneos que durante un cuarto de siglo han logrado dar identidad a todo tipo de personas. Como la verdadera banda de culto que es, los dejamos con una charla donde Roco y Pato hablan sobre sus orígenes y la celebración del 25 aniversario de la banda. ¿Cómo lograron desarrollar un sonido tan diferente al que había hace 25 años?

Roco: Cuando hicimos nuestro primer concierto en 1985 la situación era distinta: desde Avándaro el rock había sido censurado y sólo sobrevivió la escena del norte que eran bandas como el Tri, y la del sur, que era banda con varo para comprar sintetizadores y discos importados que les permitían copiar lo que llegaba de fuera. Nosotros no nos identificábamos con nada de eso y nos sentíamos sin generación. El rock estaba totalmente separado de la cultura popular mexicana y la mayoría de los grupos todavía estaban cantando en inglés, los “hoyos fonkis” eran organizados por las juventudes del PRI, por judiciales, los tiras te vendían de fumar adentro y afuera te apañaban… todo mundo estaba aprendiéndose los pasos de Travolta, entonces lo que nos impulsó a hacer música era crear algo que no existía. De una manera muy lúdica nos empezamos a juntar en una bodega que mi papá tenía en la Lagunilla. Nos dimos cuenta que para nosotros era tan importante lo que significaba Tin Tán como Johnny Rotten. En nuestras fiestas poníamos a Pérez Prado seguido de James Brown, a Bob Marley y los Tigres del Norte, pero como no había una música que juntara todo eso, decidimos hacerla.

Después de Avándaro, Carlos Monsiváis decía que había nacido la primer generación de mexicanos que querían ser gringos, ¿cómo terminó su voz en El Circo?

Pato: Nosotros tocábamos en lugares bien discímbolos por la música que hacíamos.

No éramos el arquetípico grupo de rock con chamarras de cuero, podíamos transitar desde “hoyos fonkis”, lugares públicos, espacios Universitarios, o un salón de baile. Por ahí nos topamos a Monsiváis. El Pacho escribía en periódicos y lo conocía, entonces, cuando surgió la idea de hacer bombas para la canción de “Mare” el Pacho se lanzó a grabarlo y quedó bien padre.

Ahora que cumplen 25 años ¿cuáles son sus planes?

R: Ahora estamos con un nuevo ciclo, si al principio la idea era romper los cercos para entrar en los medios, estar con trasnacionales, salir del país y demostrar que se podía hacer rock mexicano, ahora el reto es mostrar nuestro trabajo desde la total independencia, seguir tocando la música que suena viva, no la que gana premios o la que te bombardea la TV, sino la que suena en vivo en tu barrio durante dos horas y te transforma la vida. Así es la música que hacemos y ahora ya estamos con la infraestructura necesaria para sostener esta propuesta de autonomía.

Viene el nuevo disco de Maldita Vecindad, y en 2010 vamos a festejar nuestro 25 aniversario con varios proyectos que no les contamos para que sea una sorpresa. M

Hay más de Maldita Vecindad. Puedes verlo en Marvin TV www.marvin.com.mx

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TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: Cynthia Franco.

Alison Mosshart, de The Kills, sostiene una cerveza con ambas manos. A los pies de Dean Fertita, de Queens of the Stone Age, descansa una botella de vino tinto a la mitad. A la izquierda de esa imagen, Jack Lawrence, de The Raconteurs, se cruza de piernas mientras sus manos descansan en el punto donde se unen sus rodillas. No se despeina un sólo cabello. A su costado, Jack White, de The White Stripes, fuma un largo cigarro y exhala bocanadas que llenan el camerino del José Cuervo Salón de una neblina que huele a hojas quemadas.

Por separado y en conjunto, estas cuatro personas representan a una de las sociedades creativas más interesantes del rock alternativo actual. Podrían pecar de arrogantes y déspotas, pero en vez de ello parecen cuatro adolescentes disfrutando de una fiesta. Ríen y bromean.

La banda lleva por nombre The Dead Weather y está a unas horas de ofrecer su primera presentación en México, como parte de la gira de promoción de Horehound, su disco debut. Integrantes de su management personal nos han conducido –con una actitud mucho más rockstar que los rockstars mismos– hasta donde los músicos se relajan. El tipo de su oficina viste un traje negro con sombrero, parece salido de un cómic. Algo me hace sospechar que Jack White tiene mucho que ver con eso, después de haber visto el video de I Cut Like a Buffalo, con el cual el cantante, guitarrista y ahora baterista debutó como realizador. Su estética oscura, con referencias al cabaret y al burlesque, tiene mucho que ver con la indumentaria de este tipo grosero que nos indica, a los camarógrafos y a mí: “tienen 23 minutos” y que cierra la puerta del camerino por fuera.

Alison, Dean y Jack Lawrence hablan poco durante la charla, pero sus declaraciones sirven para refrendar algo que ya me quedó claro desde un segundo: White es el cerebro del grupo. Tanto que es quien toma el micrófono y hace las veces de periodista. Cuando disparo las preguntas y no es White quien contesta, interroga entonces a sus colegas.

Otra cosa: más allá de pretender ser presuntuosos sobre sus carreras musicales o sus inspiraciones compositivas, este cuarteto –que ni siquiera se pasa la mano por el cabello antes de ser filmado o siente empacho en mostrar sus cervezas y cigarros ante la lente– hace todo por diversión. Éste es El Extraño Mundo de Jack (White), donde las súper bandas no están conformadas por estrellas inalcanzables.

25 Apenas nos habías acostumbrado a White Stripes y The Raconteurs cuando nos sorprendiste con este nuevo proyecto, ¿cómo surgió todo?

Jack: The Dead Weather es el resultado de mucho trabajo, de habernos reunido en el estudio que construí en Nashville. Se trataba de hacer un grupo respirando un nuevo ambiente, componer nuevas canciones, tener a nuevas personas con quien trabajar y todo eso derivó en una banda.

La crítica se ha cansado de llamar a Dead Weather un “súper grupo”, ¿ustedes se sienten como tal?

Jack: No estoy seguro, nunca hemos pensado en nosotros de esa forma.

Provenimos de bandas bastante conocidas, pero eso no nos vuelve un súper grupo. A la gente que escribe le gusta poner ese tipo de calificativos. Nos consideramos mucho más una banda nueva, que una súper banda.

¿Quién tomó la iniciativa?

Kim: No lo sé, fuimos todos (ríe y da un trago a su cerveza).

Jack: No hubo quien tomara una decisión. Bueno sí, fue José Cuervo (sic), la cerveza, pues (sic). Este grupo es el tipo de cosas que hacemos cuando estamos borrachos y el paso siguiente es salir de gira. (Alison no para de reír)

¿Y hay planes para el futuro para esta banda o todo se quedará en un disco?

Jack: Ya estamos pensando en el siguiente álbum, de hecho hemos grabado algunos demos con la computadora.

¿Por qué decidiste estar detrás de la batería si usualmente eres un frontman?

Jack: Sucedió que cuando nos juntamos cada quien tomó su instrumento, había un guitarrista, un bajista y una cantante. Entonces me di cuenta que no había quién tocara la batería. (Alison continúa riendo) ¿No extrañas la guitarra?

Jack: ¡Sí la extraño mucho!, digo, adoro la guitarra, pero por otro lado la batería fue mi primer instrumento.

Hit the row, Jack Escuché su disco y me parece que está bastante balanceado entre lo que cada quien hace, aunque sí suena mucho más a uno de ustedes. Quisiera que me dijeran, desde su punto de vista, ¿qué tanto hay en la banda de The Raconteurs, The Kills, Queens of the Stone Age y The White Stripes?

Jack: Creo que es hora de que alguien más conteste (le coloca el micrófono a Lawrence, quien estaba distraído).

Lawrence: (voltea, sorprendido) Eh... pues sí... esas que nombraste son nuestras bandas.

(Alison vuelve a romper en carcajadas) Jack: ¡Excelente respuesta! ¡Eres un invitado de honor aquí!

(Ahora Dean también se carcajea) Jack: Supongo que te refieres al número de personas involucradas, de cada banda, para que este grupo salga adelante, te diré que... es muchísima.

Más bien me refería a qué tanto de la personalidad o de la música de las bandas de cada uno de ustedes está presente en The Dead Weather...

Jack: Mmm... (lo piensa bastante y Alison nuevamente se ríe, de manera intermitente bebe cerveza) mmm... Poco a poco... muy difícil (en español).

Cuando nos sentamos a escribir las canciones todas nuestras bandas y nuestras influencias salen a flote, en el fondo son nuestra esencia como personas y como músicos. Claro que ninguno de nosotros quiere repetirse, ni en la batería, ni en la guitarra, ni en nada, ni siquiera cuando nos paramos en el escenario. Me gusta The Kills, pero no quiero que mis canciones suenen a Kills. Las escucho y digo, están hermosas, pero nunca escribiré algo así, ¿para qué si ya tengo una Kill en la banda? Podrían “matarme”. ¿Grabar este disco fue tan divertido como realizar esta entrevista?

(Alison responde con una sonrisa y un trago).

Jack: Hubo veces en que (Alison) se la pasaba tirada en el piso, muerta de la risa. La verdad es que nos preocupamos bastante, pensamos que dejaría de respirar. La grabación fue así, se trataba de tener las cosas fluyendo, ir al estudio y componer mientras ella reía todo el tiempo.

Lawrence es un tipo bastante tímido, ¿no? (Él no se ha reído y parece distraído, como ausente. Ni siquiera ha cambiado de posición desde que comenzó la plática).

Jack: Cuéntame algo nuevo.

¿Y sus otras bandas?

Jack: Esos tipos tendrán que esperar a que haya el tiempo adecuado. No sé qué harás con The Kills (le dice a Alison), pero yo me encargo de White Stripes (ella asienta).

Jack y Alison vienen de presentarse con conceptos muy minimalistas, junto a otra persona con Stripes y Kills, ¿qué se siente compartir el escenario con más personas?

Alison: Fabuloso, no es incómodo en lo más mínimo. Está poca madre compartir el escenario con más personas. Es más divertido. ¿Cómo te sentiste dirigiendo el video de I Cut Like a Buffalo?

Jack: Estuvo muy bien. Siempre había tenido la inquietud de hacer algo así, pero resultaba complicado encontrar el tiempo, formar un equipo y hasta conseguir un presupuesto, pero aquí me propuse hacer algo visualmente atractivo, que no necesitara más que un cuarto oscuro y algunas cositas, que saliera barato y se hiciera muy rápido. Siempre tengo cosas de dirección en la cabeza, ideas visuales, y me da gusto que se hiciera en este momento. ¿Es quizá el inicio de una carrera en cine o dirigiendo videos para otras bandas?

Jack: Claro, tengo los planes, si a alguien le interesa mi nombre en un video. A ver qué pasa. Me gustaría realizar cortometrajes también, más adelante.

En una escena del video comparas a la prensa con los terroristas...

Jack: Sí, pero es una metáfora. La crítica no está dirigida hacia los periodistas nada más, todo dentro del video son imágenes, como el asunto de las chicas, para que cada quien le encuentre un significado. ¿De dónde vino la idea de grabar un tema de Bob Dylan (“New Pony”)?

Dean: Jack llegó al estudio con la idea de hacer una versión de ese tema en perspectiva femenina. Nos pareció interesante y quedó muy bien.

Jack: Dylan es uno de los grandes autores americanos. ¿Cómo van las cosas con Third Man Records, tu compañía?

Jack: Existe desde 2001, pero no teníamos una oficina física hasta este año, que decidí establecerla en Nashville. Fusioné una tienda de discos, un estudio, una compañía grabadora, un darkroom y hasta un lugar donde hacer entrevistas.

Todo va bien con ella. Podemos tener el disco de una banda listo en pocas semanas y venderlo. ¿Cómo encuentras tiempo para tantas cosas, Jack, desde dirigir un video hasta tocar con los Rolling Stones?

Alison: No lo sé. De verdad, este tipo es fantástico. Todo el tiempo está pensando en hacer cosas.

Dean: Lo mejor de todo es trabajar sin saber qué esperar. Todos hemos estado inmersos en la música desde hace mucho tiempo y hemos hecho discos, pero a veces se necesita ese sentimiento de comenzar de cero, desde el principio, y por eso formamos esta banda. (Alison no para de reír) M

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Sunset Rubdown Spencer Krug :

un geniecillo multipolar del indie TXT:: Juan Carlos Hidalgo. FOT:: cortesĂ­a de Jagjaguwar/ David Horvitz.

27 Michel Maffesoli es un sociólogo francés cuyos trabajos sobre tribus urbanas, bienes simbólicos e identidad, le han traído reconocimiento internacional.

Actualmente viaja por el mundo presentando su libro El Reencantamiento del mundo. Durante una presentación en Argentina apuntó que: “Las generaciones jóvenes ya no se reconocen en la sociedad oficial. Ahora bien, esa sociedad oficiosa, que yo llamo posmodernidad, ya no gira en torno del trabajo sino de la creación: hacer de la propia vida una obra de arte, poner el acento en lo cualitativo de la existencia, la dimensión un poco hedonista”.

Encuentro la frase muy apropiada para definir a un tipo como Spencer Krug, un canadiense de múltiple personalidad que es frecuentemente comparado con Damon Albarn (Blur, Gorillaz, The Good…) y Jack White (White Stripes, The Dead Weather y The Raconteurs) por esa poco frecuente habilidad para sostener más de tres proyectos sin extraviarse.

Sólo que Krug se mueve todavía en círculos independientes y no es un producto de masas (quizá lo será en el futuro). Su energía creativa se manifiesta a través de Wolf Parade (su grupo más conocido), pero también ha puesto en marcha Swan Lake, Frog Eyes y Sunset Rubdown.

Músicos tan polivalentes como él no hacen sino subrayar la necesidad de que el creador se vuelque a tiempo completo sobre su obra y aproveche las circunstancias; en este caso, una economía que le permite sobrevivir y los beneficios de la infraestructura tecnológica, que reduce costos operativos.

La gran capacidad creativa y amplitud de miras, le lleva a no ceñirse a un tipo de sonido único o militar en corriente alguna, entiende cabalmente que la música es un proceso creativo en expansión constante: abierto e ilimitado. Su trabajo suele tener buena prensa especializada y cuenta con incondicionales de sus casi siempre estruendosas propuestas por doquier, pero ello no se refleja todavía en los índices de venta, pero no se inmuta, persevera en lo suyo.

Por lo pronto, se muestra como un geniecillo del indie a cuyo proyecto solista –iniciado en 2005– fue sumando integrantes: Jordan Robson-Cramer, Michael Doerksen y Mark “The Nuc” Nicol y Camilla Wynne (quien juega un rol fundamental al compartir las voces). Con esta alineación dieron forma a Dragonslayer, un disco brillante cuyo sello disquero ya dice mucho de su naturaleza. Está editado por Jagjaguwar, una pequeña disquera localizada en Bloomington, Indiana, que se dedica a escarbar entre el folk de reciente creación, pero que también apuesta por sonidos más salvajes como los de Oneida. Esta camarilla, apoyada en Secretly Canadian para la distribución, ha apostado por artistas indomesticables, elusivos y con propuesta. Han cobijado material reciente de Dinosaur Jr., Okkervil River, Oneida, Parts & Labor, Bon Iver y The Besnard Lakes

En el caso de Sunset Rubdown no ha errado: tras editar Shut Up I Am Dreaming (06) y Random Spirit Lover (07) –ambos más ásperos– tienen en Dragoslayer su mejor obra, pues no se alejan de ese rock chatarrero y destartalado pero agregan un ápice pop que brinda cierta accesibilidad a los temas.

Guitarras distorsionadas, vibráfono y juegos vocales, muchas peripecias al cantar sobre un base rítmica rústica e impredecible, constituyen el ADN del álbum, que aunque comienza en todo lo alto con “Silver Moons”, alcanza su punto culminante en “Dragon’s Liar” –el corte final, que rareza– que se extiende hasta los 10 minutos 28 segundos, en una exploración que me hace sentir como si los Talking Heads en su mejor momento estuvieran con Jarvis Cocker sobre un escenario.

Si anteriormente la maraña sonora los dominó, ahora se apoyan en auténticas canciones, porque es verdad –no estoy loco–, “Idiot Heart” algo tiene del hombre de las gafas de pasta que inventó Pulp. Más cuando su discurso –que ha cobrado fuerza– se apoya en frases como: “And you know a heart, but it’s an idiot heart”.

El asunto crece en la medida que se percibe la labor colectiva, pero en ningún momento Krug cede la batuta; por ejemplo, “Paper Lace” es una canción que se publicó primero en el disco Emery Mine de Swan Lake, sólo que aquí el arreglo es distinto. Les vino bien asentarse y llegar al punto de disminuir los gritos y detallar las letras, que pese a todo no pierden su toque delirante.

El álbum entero parte de una película fantástica de los ochenta que narra la historia de un hechicero de la Edad Media destinado a vencer un dragón, que es el pretexto ideal para incluir diversas referencias mitológicas (Sansón y Dalila, Ícaro, Apolo).

Sunset Rubdown encontraron el equilibrio entre lo bizarro y lo luminoso, por lo que no extraña que en Metacritic, el portal dedicado a promediar las calificaciones de distintos medios sobre producciones recientes, les haya otorgado un honroso 8.2.

Spencer Krug, con su incansable espíritu, vuelve a levantar la bandera canadiense muy alto. Apenas hace muy poco se consideraba el centro energético del rock contemporáneo. Este nativo de Montreal ha dado en el blanco con uno de sus alter egos, a través del cual sigue siendo un artista de lo retorcido, un orfebre de la distorsión. Qué bien le hacen a la escena actual tipos tan insumisos e irreductibles como este. M

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TXT:: Mildred Pérez. FOT:: cortesía Warner.

Para entender el bien y el mal, sobre todo dentro de uno mismo, es necesario reservar un momento (se recomienda que éste dure como mínimo 70 minutos y se viva con los ojos cerrados) para asomarse y echar un vistazo a nuestro interior.

Encarar nuestros miedos, nuestras inquietudes, no siempre es fácil, y como dice Wayne Coyne, vocalista de The Flaming Lips, se requiere sobrepasar mentalmente el miedo a ser dominado y abrazar nuestra propia impotencia. Abracémosla, pues, y aislémonos en un lugar donde la introspección sea permitida. Ahora sí, a escuchar la décimo segunda producción de esta icónica banda de Oklahoma titulada Embryonic.

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este es el comienzo

Tres años tuvieron que pasar desde At War With The Mystics para que Wayne Coyne, Steven Drozd, Michael Ivins y Kliph Scurlock acapararan nuestra atención con este trastornado disco que, de entrada, es doble; algo poco común hoy en día, salvo cuando las disqueras sacan compilados o bandas con cierta idiosincrasia —que quizá tienen lo que para un escritor es el Writer’s Block— deciden editar su Greatest Hits.

Por fortuna, y claro que pudieron haberlo hecho, ése no es el caso de los Flaming Lips, agrupación que lleva desde principios de los ochenta haciendo música y superando las contrariedades que experimentan bandas tan longevas: cambio de vocalista (el primero fue Mark Coyne, hermano de Wayne), de guitarrista (Jonathan Donahue formó parte de los Flaming antes de enfocarse de lleno en su proyecto, Mercury Rev), de baterista y, claro, de disquera.

En su haber hay álbumes que fueron éxitos comerciales, como Yoshimi Battles The Pink Robots, otros que ganaron un Grammy, como At War With The Mystics, y algunos que fueron un desquicie total, como Zaireeka, disco cuádruple lanzado a finales de los 90 que exige cierto procedimiento para poderse escuchar: hay que oír los cuatro discos simultáneamente y perderse en un viaje sonoro de ruido, distorsión y, por supuesto, música.

Los shows de los Flaming Lips se hicieron famosos por incluir personas con botargas en el escenario, por las luces y los brillantes colores que éstas emanaban, así como por los visuales que implícitamente sugerían consumir alguna sustancia para disfrutar de semejante espectáculo.

Hoy, se considera que The Flaming Lips es una de las 10 bandas que deben verse en vivo antes de morir, y por si fuera poco, en la ciudad de

Oklahoma ya existe una calle con el nombre de la agrupación, además de que el hit “Do You Realize?” se proclamó como himno rock del estado de Oklahoma, sitio donde se formó la banda.

Después de tantos años creando música, uno podría creer que la creatividad y la autenticidad se ha perdido, pero con Embryonic, los Flaming Lips demuestran lo eficaces que son para experimentar, reinventarse y evolucionar musicalmente.

Embryonic

Embryonic es el resultado de jam sessions donde los miembros de la banda improvisaron hasta crear, finalmente, canciones épicas que invitan a mirarse al espejo, reconocerse y tolerarse; en palabras de Wayne, hay que “aceptar la naturaleza humana como perturbadora”, cosa que seguro harás al oír el agresivo y estridente tema “Your Bats”.

A veces podría parecer que estás en un ensayo, ya que puedes escuchar el “ejem” de alguien que se limpia la garganta antes de empezar una canción e incluso uno que otro estornudo, pero es sólo que en este disco la experimentación y la espontaneidad juegan un papel predominante.

Tanto el nombre del álbum como la portada –que sería obsceno describir con palabras– remite al nacimiento y, efectivamente, con Embryonic nace una nueva etapa de los Flaming, en la que continúan siendo originales, libres y auténticos, sólo que ahora nos obligan a encararnos una vez más con nuestro lado oscuro, como en “Evil”, donde se ejecutó a la perfección esa dualidad que existe entre hacer el bien o el mal; de vivir con tranquilidad o con arrepentimiento. Según Wayne, lo que se quería transmitir con dicho track es que “las criaturas débiles son fácilmente dominadas por las violentas” y “los seres humanos son capaces de cometer cosas horribles y crear

mucho sufrimiento en el mundo”. Cierto, y se agradece emitir ese mensaje a través de una canción tan siniestra, pero lamentablemente dudo mucho que eso cambie algún día.

Para seguir por el oscuro y tenebroso camino de la verdad, “See The Leaves” es la más representativa del disco, pues, como explica Wayne, “para comprender la vida, debemos, tristemente, de entender la muerte; para conocer el valor del amor, debemos intentar comprender la naturaleza del mal; para conocer el éxtasis, uno debe experimentar sufrimiento”; justo eso es lo que experimentarás al escuchar esta canción a solas: hacerle frente a tus demonios.

Embryonic es un viaje al cual no fuimos invitados, pero que podemos compartir e interpretar a nuestra manera, a lo largo de 18 canciones cuyos extraños títulos hacen homenaje al ego y hasta a los signos zodiacales. Aquí se manifiesta el crecimiento espiritual de estos músicos que han sobrevivido accidentes automovilísticos, abuso de drogas, pero sobre todo al tiempo, que a veces se lleva lo mejor de los músicos, impidiéndoles sorprender con cosas nuevas a sus fans.

Al oír “Silver Trembling Hands” desearás que los Flaming Lips den otro concierto en nuestro país —uno mejor, claro está—, para poder corear con todas tus fuerzas: “She forgets about the fear when she’s high…"

Prepárate para ser sacudido por sampleos de voces que hablan de matemáticas, baterías sucias, arpas y guitarras furiosas, teclados sigilosos, un potente bajo y colaboraciones de artistas como Karen O, cuyas vociferaciones hacen de “I Can Be a Frog” un tema bastante divertido, así como MGMT en “Worm Mountain”, una de las mejores canciones de Embryonic.

Psicodelia aterradora, pero fascinante, así que a abrir los ojos; ya es hora de despertar. M

Con Embryonic nace una nueva etapa de los Flaming, en la que continúan siendo originales, libres y auténticos, sólo que ahora nos obligan a encararnos una vez más con nuestro lado oscuro.

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Steve Beckett, fundador del mítico sello de Sheffield, revela las claves de la trascendencia de una aventura sónica que aún no termina.

TXT:: Lenin Calderón. FOT:: cortesía de WARP Records.

Esta disquera británica íntimamente ligada a la electrónica, se ha convertido, con el paso del tiempo y gracias a su visión, en la fantasía de cualquier sello independiente que desee trascender. Iniciada como una tienda de discos en la ciudad de Sheffield a finales de los 80, FON Records fue el comienzo y pronto sus propietarios Rob Mitchel (†) y Steve Beckett se decidieron por el nombre de WARP. Con motivo de sus veinte años, Beckett nos concedió una entrevista en la que revela sus secretos para mantener al sello fresco y en boga.

¿Cómo cambia la capacidad de un sello para ser “razonable”, especialmente al enfrentarse con nuevas tendencias?

Hubo un tiempo en el que era más sencillo vender cualquier tipo de música para cualquier tipo de sello musical. Pero aunque todo ha cambiado, puedo decirte que mi gusto personal se ha mantenido. Siempre me han gustado todos los géneros, desde DJ Mink hasta Seefeel pasando por Broadcast, Pulp y de regreso a Aphex Twin. Sólo los desafíos realmente inéditos se presentan por separado y por sí mismos. A mí, me encantan los desafíos.

En un inicio, WARP significó para muchos We Are Reasonable People (Somos gente razonable).

Steve Beckett: Siempre me gustó mucho ese eslogan. Es directo y al mismo tiempo está abierto a cualquier interpretación. Eso es importante para nuestra música, sobre todo si tomamos en cuenta que estamos muy orgullosos de nuestros artistas. La innovación y la calidad musicales han sido el común denominador entre ellos. En ese sentido, el nuevo álbum de Tyondai Braxton es un verdadero clásico de la WARP.

¿Cómo ha cambiado la promoción de la electrónica de avanzada?

Por supuesto que Internet puede ser una herramienta básica la mayor parte de las veces. Pero nosotros seguimos trabajando con los métodos más tradicionales. Siempre existen opciones buenas para aquellos que las buscan y eso es más evidente al hablar de la música electrónica y la producción digital.

Creo que siempre hay mercado para la música que es buena y que sorprende al público. Música de este tipo, afortunadamente, tenemos un montón.

¿Hasta qué punto un sello como WARP y sus artistas estuvieron o están limitados por un estilo o sonido en particular?

No existen los límites. Lo único que importa es la calidad. En lo particular, yo estoy abierto a cualquier cosa que tenga la capacidad de asombrar al público.

En ocasiones la gente se sorprende de las cosas que pueden gustarme. Me gusta la innovación en la mayoría de nuestros artistas, aunque valoro más la convicción que muestren sobre sus propuestas, que su único compromiso sea con la calidad. A menudo, ponerse límites resulta contraproducente.

Asumiendo que “ser razonable” pudiera ser el espíritu necesario para que cualquier sello musical tenga éxito en nuestros días, ¿qué tanto ha sido ese el caso de WARP? De alguna forma, yo todavía anhelo escuchar un demo que sea algo bestial, completamente fuera de lo común y producirlo como algo especial, como un 12”. En realidad, esta es una opción que aún se nos presenta gracias a la magnitud de nuestro sello y al extenso catálogo que podemos ofrecer al público. Estoy muy feliz de poderme dar el lujo de algo así. El único límite ahí es mi gusto personal porque puedo diferenciar lo que es bueno, grandioso o sorprendente, aunque no me guste nada en lo personal.

Generalmente hemos oído hablar del post–rock y el surgimiento de la indietrónica en términos de sonido. ¿Hasta qué punto artistas involucrados en ambas tendencias, como Radiohead, han propuesto cosas nuevas a través de la lírica?

Me apasionan la lírica y la palabra escrita no sólo de nuestras bandas sino de otros artistas también. Aunque también puedo muy bien abandonarme con ojos cerrados al placer instrumental de mis bandas favoritas, Autechre por ejemplo. La profundidad reflejada en las letras de muchas bandas etiquetadas como post–rock es intensa y hasta fantástica para mí, aunque esto bien pueda aplicarse a otros muchos géneros.

Prefiero no mencionar nombres, ya sabes, para no dejar a nadie fuera.

En perspectiva, ¿cuál es el instrumento o la máquina o la herramienta o el programa que cambió más profundamente las cosas –suponiendo que las cosas han cambiado?

Para mí, el advenimiento de la tecnología en la música tuvo más impacto en la distribución, la digitalización, la promoción y las mismas herramientas de comunicación. Los samplers, los secuenciadores y los MPC’s también tuvieron que ver, pero en lo personal pienso que es un campo muy amplio como para poder escoger sólo uno.

Todo mundo habla de la crisis económica mundial, ¿va esta a impulsar la producción musical independiente, suponiendo que las compañías trasnacionales musicales sufrieran las consecuencias?

Siempre hemos tenido una visión muy a futuro de las cosas, es por ello que podemos hacer que estos cambios jueguen de nuestro lado. Es preferible prepararse y luego enfrentarse a estos cambios en lugar de quedarse inmóvil. Aunque esta ocasión los cambios son económicos y ligeramente diferentes, aún contamos con el talento y la calidad necesaria para que nuestros artistas salgan adelante. Al público le llega, después de pasar diversos filtros, lo más destacado; aunque para ello tengamos que ver cómo muchos artistas terminan haciéndose a un lado.

artistas

Soy fan de Fur TV. Me encantó descubrir que, en parte, Warp está detrás del programa, ¿cómo ir del estudio de grabación al plató de filmación?

Siempre estuvimos rodeados por talento cinematográfico: Chris Cunningham, Jarvis Cocker, Chris Morris, David Slade, Vincent Gallo. Al mismo tiempo buscábamos hacia dónde dar nuestro siguiente paso, así que nos pareció una idea muy natural voltear en esa dirección. Todos en Warp somos entusiastas del arte y eso incluye tanto la música como el cine. Fur TV llegó como una cinta demo a la oficina aunque el director había hecho ya un largometraje con nosotros.

Ahora, nuestra compañía cinematográfica emplea a más gente que nuestro sello musical.

Boards of Canada: Este dúo escocés ha sido la delicia de los pacientes escuchas de la electrónica para consumirse indoors desde sus inicios con Warp en 1998. Más que músicos, paisajistas sonoros, BOC han gestado ambientes etéreos combinando breaks de hip–hop con melodías volátilmente pop en un prodigioso historial de álbumes.

Sabemos que andan de gira celebrando los 20 años de Warp, ¿van a incluirnos en estos festejos?

Tenemos planes de ir a N.Y. primero. Después, tenemos algunos planes para Sudamérica pero es cierto que Centroamérica necesita más atención. Avísanos si conoces algún buen promotor que pudiera organizar un buen evento. Estoy seguro de que, a fin de cuentas, nuestros artistas disfrutarían más visitando México que Frankfurt.

Aphex Twin: El brutal sonido de este paladín del ruido ha sido fundamental para la inclusión de los sonidos más ásperos y la revaloración del noise.

Artistas como Björk en su álbum Homogenic confirman la relevancia de este músico cuya lista de seudónimos –de Polygon Window hasta AFX– es casi tan bizarra como las mismas portadas de sus discos.

Warp, Steve Beckett A 20 años de haber iniciado an siendo sinónimo de y sus muchachos continú calidad y osadía musical.

Jamie Lidell: Este berlinés es un fichaje relativamente reciente de Warp con su álbum Multiply de 2005. Sin embargo, Lidell es un viejo conocido de la electrónica más freak de finales de los 90 a través de Super Collider, proyecto que encarnó con Cristian Vogel. Los oscuros beats funky y la exagerada distorsión vocal son su sello típico desde entonces.

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Autechre: Otro valuarte de Warp que desde un inicio representó los intereses del sello por hacer música que trascendiera, fueron punta de lanza de colecciones como el clásico compilado Artificial Intelligence ya en 1992. La prioridad del techno de consumo privado sobre el de consumo social y masivo, es evidente en la música de este dúo de ex b-boys.

Born Ruffians: Una banda que refleja la pujante escena indie canadiense actual, firmaron con Warp apenas el año pasado. Representan a la nueva generación de artistas del sello cuyo estilo apenas tiene un dejo del sonido electrónico que hizo célebre a Warp en los 90, de ahí la trascendencia de su fichaje y la relevancia de su propuesta que gira en torno a una sencillez sorprendente.

Nightmares On Wax: Fieles al sello desde sus inicios y siempre bajo la batuta de su fundador George Evelyn, fueron el primer gran hit de Warp con más de 30 mil copias vendidas de su primer sencillo “Dextrous”, desde entonces son un clásico de la disquera. Su álbum Smoker’s Delight de 1993 se convirtió de inmediato en el soundtrack del lounge ideal haciendo que el chill-out nos invadiera a finales de los 90.

Battles: Quizá la banda más representativa del llamado math–rock, un complejo estilo que combina estructuras rítmicas atípicas y acordes disonantes. Con el linaje de bandas como Helmet, Don Caballero o Lynx corriendo por las venas de sus integrantes, Battles debutó en Warp con Mirrored en 2007 recibiendo las críticas más positivas.

!!!: Esta banda formada en el 96 en Sacramento, California, ha hecho a través de sus discos, que el término dance–punk tenga sentido y cobre vida de forma clara en el sonido de artistas a quienes han influido, y que van desde MGMT hasta Mika.

Con Warp desde 2004, !!! se han dedicado a cultivar un sonido tan particular e impronunciable como su propio nombre.

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Benjamín acosta

andrés Díaz

arthur alan Gore

Juan Carlos hidalgo

Jorge “negro” hipólito

1

Doves The Last Broadcast 2002

Interpol Turn On The Bright Lights 2002

Human Drama Cause and Effect 2002

Arcade Fire Funeral 2004

Radiohead In Rainbows 2007

2

Band of Horses Cease to Begin 2007

Daft Punk Discovery 2001

Helloween The Dark Ride 2000

The White Stripes Elephant 2003

Arctic Monkeys Favourite Worst Nightmare 2007

3

Radiohead In Rainbows 2007

Arcade Fire Funeral 2004

Nightwish Century Child 2002

Radiohead Kid A 2000

Arctic Monkeys Humbug 2009

4

The Flaming Lips Yoshimi Battles the Pink Robots 2002

LCD Soundsystem Sound Of Silver 2007

El Clan Nadie está mejor muerto 2008

Daft Punk Discovery 2000

Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not

5

José González Veneer 2005

The White Stripes Elephant 2003

Ozzy Osbourne Down to Earth 2001

Animal Collective Merriweather Post Pavillion 2009

Empire of the Sun Walking on a Dream 2008

6

Goldfrapp Felt Mountain 2000

The Strokes Is This It 2001

Rob Zombie The Sinister Urge 2001

Vampire Weekend Vampire Weekend 2008

Fleet Foxes Fleet Foxes 2008

7

Ladytron 604 2001

Postal Service Give Up 2003

Cradle of Filth Nymphetamine 2004

TV On The Radio Dear Science 2008

LCD Soundsystem Sound of Silver 2007

8

Junior Boys Last Exit 2004

M.I.A. Arular 2005

Stereophonics Decade in the Sun: The Best of Stereophonics 2008

M.I.A. Arular 2005

The Libertines Up The Bracket 2002

9

Röyksopp Melody A.M. 2001

Radiohead Kid A 2000

Guns N’ Roses Chinese Democracy 2008

The Strokes Is this it 2001

The Libertines The Libertines 2004

Matmos A Chance to Cut is a Chance to Cure 2001

Yeah Yeah Yeahs Fever To Tell

Godsmack Faceless 2003

Antony and the Johnsons I’m a Bird Now 2005

The Flaming Lips Yoshimi Battles the Pink Robots 2002

10

Arctic Monkeys

2006

35 Se nos va la primer década del milenio, pero no sin dejarnos con grandes bandas que supieron tejer los sonidos que nuestra época demanda. No quisimos hacer un conteo que tuviera cien discos diferentes, sino una retrospectiva con los que se antojan memorables y atemporales para nuestros colaboradores. Como era de esperarse, hubo bandas como Radiohead o The Flaming Lips compitiendo por el primer lugar. Seguro que muchos discos se quedaron fuera, y por ello te invitamos a opinar sobre nuestra selección y a compartirnos tus favoritos. Entra a www.marvin.com.mx para opinar y enterarte de los 100 discos que no cupieron en esta edición impresa.

Vicente Jáuregui

alejandro mancilla

mildred Pérez

humberto Polar

andrés sánchez-juárez

Radiohead Kid A 2000

Interpol Turn On The Bright Lights 2002

Arcade Fire Funeral 2004

Danger Mouse The Grey Album 2004

Sonic Youth Sonic Nurse 2004

Deerhunter Microcastle 2008

Air Talkie Walkie 2004

Björk Vespertine 2001

Panda Bear Young Prayer 2004

The Flaming Lips Yoshimi Battles the Pink Robots 2002

Sonic Youth Rather Ripped 2006

Klaus and Kinski Tu hoguera está ardiendo 2008

Radiohead In Rainbows 2007

Jackson &His Computer Band Smash 2005

Radiohead In Rainbows 2007

The Flaming Lips Yoshimi Battles the Pink Robots 2002

The Flaming Lips Yoshimi Battles the Pink Robots 2002

The Flaming Lips Embryonic 2009

M83 Before The Dawn Heals Us 2005

Daft Punk Discovery 2001

Depeche Mode Playing the Angel 2005

Niza Canciones de temporada 2002

Goldfrapp Felt Mountain 2000

Portishead Third 2008

The Strokes Is This It 2001

Modest Mouse

Broadcast Haha Sound 2003

Radiohead In Rainbows 2007

Arcade Fire Funeral 2004

Interpol Turn On The Bright Lights 2002

Good News For People Who Love Bad News

Air Talkie Walkie 2004

The Postal Service Give Up 2003

Portishead Third 2008

Ricardo Villalobos Alcachofa 2003

Morrissey You Are The Quarry 2004

Portishead Third 2008

Daniel Melero Vaquero 2001

Grizzly Bear Veckatimest 2009

The Bird And The Bee The Bird And The Bee 2007

Modest Mouse The Moon & Antarctica 2000

La Barranca El Fluir 2005

Electric Light Orchestra Zoom 2001

Daft Punk Discovery 2001

Yo La Tengo I Am Not Afraid Of ou And I Will Beat Your Ass 2006

The White Stripes Elephant 2003

The Mars Volta De-Loused in the Comatorium 2003

Gorillaz Gorillaz 2001

Yeah Yeah Yeahs Fever To Tell 2003

Devendra Banhart Cripple Crow 2005

Sigur Rós Takk...

2005

2004

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Arrepentimiento, vaya palabra cargada de fuerza y dolor. Vivir debería significar todo lo contrario, aunque duela. En el mundo del metal el arrepentimiento no es moneda corriente. Algunos reniegan de su pasado, de algún detalle en concreto, de alguna canción, concierto, frase o aventura.

Arrepentirse es de humanos, como errar y reconocer el yerro. Vivir es lo difícil, porque para llegar al momento de arrepentirse de algo, primero debió suceder, y casi siempre, cuando las cosas pasan, el arrepentimiento es lo último en la lista de pendientes.

Ozzy dice que se arrepiente de haber querido matar a Sharon. Vaya, eso es algo fuerte, pero más que arrepentimiento su confesión se parece más a un: “si pudiera volver el tiempo atrás, ese detalle cambiaría, ninguno más”. Si la hubiera matado otra historia sería, pero no sucedió, y el hecho lo llevó a la cárcel y eventualmente a su primer intento formal de rehabilitarse de su adicción al alcohol y las drogas. No se arrepiente de haberle arrancado a mordidas la cabeza a un murciélago y dos palomas. Le molesta que se lo recuerden todo el tiempo porque significa reducir su carrera a dos hechos aislados. Escandalosos, pero aislados, tipo nota amarilla de revistucha de chismes.

Y es que uno es lo que ha vivido. Arrepentimiento es la frase favorita de los cristianos conversos. Pero eso no tiene chiste, vivir en el despilfarro, tocar fondo, encontrar a Dios (¿alguien recuerda que se hubiera perdido, por cierto?) y luego juzgar a todo mundo por su falta de tacto con la vida es hipocresía, no arrepentimiento. Algunos se convierten pero se callan. En lugar de ir por la vida diciéndole al mundo lo estúpidos que son por no ver a su Dios, siguen su camino y en la privacidad de sus charlas internas buscan la paz espiritual. Eso hasta loable es. Pero Dave Mustaine, de Megadeth, a pesar de ser cristiano desde hace algunos años, no ha dejado de escribir letras tipo Megadeth.

Tampoco regala biblias en sus conciertos. Trata de ser una mejor persona y se deja de tonterías y arrepentimientos. O tal vez no, pero el tormento del haber hecho estupideces lo deja para las tertulias consigo mismo.

2009 ha traído consigo grandes discos en el mundo del metal y el hard rock.

Uno de ellos es Anomaly, de Ace Frehley. El que fuera guitarrista fundador de Kiss y que encarnó por años el personaje del Space Ace, ha tenido una vida atribulada. En su disco, una de las canciones más controvertidas (por el uso de un coro de niños, algo que los puristas del rock no aceptan como válido, no por algo más) es “A Little Below the Angels”. La primera línea dice: “El alcohol era mi amigo”. Narra algunas experiencias y por ahí menciona el concepto arrepentimiento. Pero en la misma canción se sacude un poco la fuerza de dicho concepto y aclara: “Tomé decisiones arriesgadas, crucé la línea y perdí la fe en el amor. Ahora el camino es claro y mis metas son reales, con ayuda de arriba. Estamos un poquito debajo, apenas debajo de los ángeles. Y está bien, eso suena bien para mí”. Una lectura de estas frases sería que está bien equivocarse. Y también vale arrepentirse, somos humanos y tenemos derecho a serlo.

Lo malo en todo caso es hacer del arrepentimiento una forma de vida, un discurso vacío que termina por manipular a la gente y decirle que el infierno está lleno de gente que no se arrepintió a tiempo. Tal vez por eso hay más canciones anti remordimiento que en sentido contrario. Lo peor que puede suceder en el mundo es quitarle el elemento sorpresa y humano a la vida.

Aunque no es ni remotamente un ejemplo a seguir, Nikki Sixx ha declarado que no se arrepiente de haber vivido el infierno de la adicción a la heroína, porque en su torcida visión, la experiencia de haberlo padecido le ayuda hoy a sacar adelante a otros adictos. En el metal el arrepentimiento casi siempre se usa como envoltura para la frustración, como tapadera de la falta de talento y como excusa ante el destino. Pero es también el género del hombre rudo que no se deja seducir fácilmente por el sentimentalismo, así que dicha palabra es casi siempre un pedazo de basura escondida muy por debajo de la superficie.

Por ejemplo, ¿se arrepentirá la Rolling Stone de haber criticado tanto y tan duramente a Kiss? Lo más probable es que no. El cuarteto neoyorquino hizo una carrera tan exitosa que ni las más ridículas necedades de los pseudo críticos de dicha publicación la pudieron opacar. Porque parecía su misión abrirle los ojos a la gente sobre lo patético que era Kiss. No lo lograron, aunque tampoco es factible que les preocupe demasiado. El tiempo demostró que los incultos y faltos de criterio (así llamaron alguna vez a los fans de la banda) fueron ellos, porque Kiss ha vendido más de 80 millones de copias de sus discos, y eso en personas son números enormes. Si se arrepintieran perderían crédito, lectores, y rentabilidad. Para ellos, tirarle mala leche a la banda significó una especie de declaración de principios, aunque una y cada vez la historia demostrara que estaban equivocados.

Arrepentirse hubiera significado claudicar, aceptar que son mortales con una tendencia preocupantemente humana a la equivocación. Rolling Stone es entonces culpable de soberbia, pero no de arrepentimiento.

El arrepentimiento es entonces en el metal un arma de dos filos. Algunos lo han usado con fines propagandísticos (Jani Lane de Warrant dice que se arrepiente de haber escrito “Cherry Pie”, se vuelve noticia porque de esa rola vive, luego dice que nunca se arrepintió y que nunca dijo lo que dijo, que ese tema fue el motor de su carrera) y otros se han dejado seducir por sus garras en momentos de sensibilidad extrema (Mustaine diciéndole a Lars Ulrich de Metallica, frente a una cámara encendida, que no ha superado su salida de la banda). Como sea, arrepentirse es de humanos pero no de metaleros (aunque esto, claro, es sólo de dientes para afuera). M

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Descubro en una base de datos el nombre de Chaim Polar entre las víctimas del Holocausto. No hay mucha más información que la siguiente: nació en Polonia en 1894, murió en Auschwitz–Birkenau en 1944. Tomo un camión que me lleva de Berlín a Cracovia. Apenas al llegar, veo una escena magnífica: un hombre de unos 50 años y de bigote prominente se rehúsa a pagar los 20 centavos de zloty (moneda polaca) que una tierna anciana le reclama a cambio del uso de los baños de la estación. No entiendo una palabra de polaco pero puedo intuir que el indignado ciudadano está protestando por tener que pagar para orinar. En principio puedo entender el malestar: en lo personal pienso que a nadie se le puede negar un vaso de agua ni un baño prestado. Pero bueno, es una norma general en Europa que la gente pague una pequeña cantidad a cambio de baños públicos limpios, y es usual que se emplee ancianos en el pasivo oficio de recolectar ese dinero en la puerta de los mismos.

Para la apacible anciana polaca de nuestra historia este trabajo probablemente no tuvo ningún sobresalto hasta hoy. Ahora un hombre bigotón le está gritando con verdadera violencia. La viejita trata de impedirle la entrada al baño, el impertinente y urgido bigotudo la empuja y procede a mear sin pagar. La viejita llama a seguridad y en pocos segundos un gran alboroto suena desde el mingitorio de esta estación de bus situada en una sufrida ciudad, violentada históricamente por rusos y alemanes, centro de formación de quien con los años se convertiría en el papieski Juan Pablo II, escenario de masacres y expresiones de todo lo que puede ofrecer el ser humano. Los restos del ghetto de Cracovia pueden ser visitados, así como la fábrica de Oskar Schindler. El esfuerzo hecho por Hollywood para reflejar fidedignamente el sufrimiento del que estas calles fueron testigos no alcanza. El hombre del bigote termina de orinar y es sacado a empujones por dos policías inmutables. Es domingo en la mañana.

Polar.

Son las cinco de la tarde y el sol ya ha caído en el terreno donde se levantara hasta hace 64 años el campo de exterminio llamado Birkenau, a las afueras de un silencioso pueblo llamado Oświęcim, pero que el mundo conoce por el nombre que le dieron los invasores alemanes, Auschwitz. Aquí se levantó un avanzado complejo dedicado a asesinar seres humanos con criterios de eficiencia industrial. Eficiencia que se refleja en resultados: un millón de muertos en unos pocos meses son los números que orgullosamente deben haber mostrado los dirigentes nazis a sus demandantes jerarcas. Judíos predominantemente, pero también soldados rusos y ciudadanos polacos, homosexuales, artistas, intelectuales, deformes y gitanos. La escoria del mundo con el que los nazis soñaban. Chaim Polar estuvo allí, bajando la escalera, pensando que iba a darse una ducha después de 10 días de viajar como un animal en un vagón para finalmente morir peor que un animal, envenenado con Zyklon B sin saber por qué. Yo también estuve allí.

También estuve hace unos años en Pisac, un pueblo a las afueras de Cusco, en la sierra peruana. Pasé un buen tiempo mirando las representaciones de Santiago Matamoros, el santo patrón de la conquista española. Me llamó la atención una escultura en la que Santiago clava una espada en la garganta de un negrito llorón. La talla en madera era original del siglo XVII. Los ojos de Santiago eran azules y la barba tenía detalles de pintura dorada, el llamado Pan de Oro que los arquitectos barrocos utilizaron profusamente en altares y otros muchos detalles de las iglesias católicas de América. El negrito estaba vestido con la túnica característica de los indios peruanos del momento. Es decir, su rostro

recordaba a un africano pero su atuendo era localizado. Investigué un poco y pude leer que la escultura era una réplica de la imagen más popular del santo patrón de la lucha contra los árabes, muchos de ellos africanos, que invadieron España entre el siglo VIII y el siglo XV. La versión tropicalizada hacía ligeros cambios en el atuendo del personaje asesinado, también de piel oscura por lo que no era necesario modificarlo. El auténtico Matamoros podía tener su versión “mata–indios” sin alteraciones mayores.

Se dice que la conquista americana trajo alrededor de 14 millones de indios muertos. La cifra no es fácilmente comprobable. No hay tantos centros de investigación sobre el holocausto indígena.

Actualmente en Latinoamérica hay una innegable escisión entre las personas de raza blanca, las personas mestizas con predominancia de rasgos blancos, los mestizos con rasgos más tirados hacia lo indio y los indios de raza pura, así todos tengamos predominantemente apellidos españoles. Aunque eso no ha generado una guerra de grandes proporciones, sí genera una guerra diaria y silenciosa. Está compuesta de muchos ingredientes sueltos: marginación, desprecio, resentimiento. Todo esto se ve cada vez que un policía detiene a un auto caro o una empleada doméstica que se equivoca en una cuenta.

El gran problema de la historia es que todas las revelaciones sobre lo peligrosos e infames que somos como especie, se dan demasiado tarde. M

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TXT:: Rafael Toriz. ILUST:: Javier Muñoz/ www.javimunoz.com • elcanodromo.blogspot.com

Arrepentirse: un sentimiento complicado y contradictorio, una característica plenamente humana, es decir, mundana (ninguna divinidad que se respete se remuerde por sus designios), sólo se arrepienten aquellos conscientes de sus errores y acaso los cobardes, los astutos o los inocentes incapaces de asumir las consecuencias de sus actos. Sólo conocen la contrición aquellos que viven en carne propia los estragos ocasionados por lo hecho y por lo dicho. También por lo desecho y lo callado.

Los arrepentidos saben que la vida es una experiencia abierta y vastísima, un sendero escarpado y aparente destinado al yerro, una instancia imposible de adivinar o contener que nos consume a su paso, ineluctable y con puntualidad extrema.

Sólo se arrepienten los inseguros, los sorprendidos, los que no saben y los que supieron: los que dudaron, asintieron o difamaron. Los que no toleran su presente envenenado, quebrado o vacío. Los que han herido y lastimado. Los que han sufrido.

41 Arrepentirse, acaso la única manera de hacer frente a nosotros mismos sin engaños, es una manera de vivir en consonancia negativa con el dicho de los abuelos: a lo hecho, el pecho.

El arrepentido, en su afán exculpatorio, es consecuente consigo mismo de la manera más íntima y humana posible: el contacto desnudo y verdadero con la voluntad de los otros.

Las tormentas del pasado “Desde luego, toda vida es un proceso de demolición” escribió Francis Scott Fitzgerald en un texto a medio camino entre el relato y el ensayo titulado “The Crack-Up”, y no se equivocaba. A todas luces la experiencia de “estar vivo” cobra sentido por el hecho básico de que nos dirigimos hacia la muerte, de ahí que no seamos otra cosa que una espléndida entidad que se construye de continuo para disiparse con el esplendor de las grandes obras dedicadas al vacío, como las vastas catedrales o la escritura de libros.

Lo importante en nuestro proceso de destrucción creadora es procurar que la debacle personal no arrastre en su vorágine –como una supernova enfurecida– a las demás estrellas con las que compartimos el firmamento.

Desafortunadamente, al ser astros en combustión, estamos destinados a colisionar con el ambiente.

El arrepentimiento –denostado por la superación personal pagada de sí misma, la soberbia suprahumana de estirpe nietzscheana, el estúpido evangelio de nuestro frívolo presente que reza en boca de figuras mediáticas y otros palurdos “nunca me arrepiento de mis actos porque son míos”, y la hipócrita moral judeocristiana abocada a desarrollar la culpa como una herramienta de dominio sobre la singularidad de las masas– es un ejercicio moral del individuo que plantea una ética colectiva: asumo una falla personal y deseo remediar la circunstancia amistándome con el entorno. La contrición, cuando no se trata de una bellaquería a la usanza del catolicismo oportunista que permite todo tipo de desmanes, a sabiendas de que en el lecho de muerte es posible arrepentirse (razón entre otras por la que Lutero se revelaría justamente contra la iglesia), es un acto más o menos desesperado que procura a toda costa el alivio, como quien busca en la calígine del desierto el consuelo del oasis. El remordimiento, en su profundo desasosiego, es la daga impasible que nos torna plenamente humanos.

Alguien incapaz de reprocharse sus actos no sólo ha perdido la posibilidad de convivir consigo mismo sino que, en el sentido literal de las palabras, es incapaz de experimentar la cordialidad y la gratitud, conceptos esenciales para permanecer en el planeta.

La existencia, como nos demuestra la experiencia, suele presentarse a momentos como un intricado mapa de decepciones que contribuyen a volver siniestro el de por sí extravagante suceso que significa estar con vida; de ahí que la posibilidad de desdecirnos, de recular nuestras acciones, sea un derecho legítimo. No se puede condenar a alguien a vivir en el martirio de su error si éste no ha sido cometido de manera alevosa, criminal o abiertamente irresponsable (en este sentido, desde luego, no cuenta el mexicanísimo “usted disculpe” tan socorrido por el poder judicial que suele cometer todo tipo de tropelías y vejaciones con los ciudadanos a los que debiera proteger).

El arrepentimiento verdadero es exclusivo de aquellas conciencias que se han visto sin obsecuencias de cuerpo entero en el espejo.

La cultura de nuestros días, gestada en el capitalismo tardío de temple insaciable, se decanta por “una vida al límite” en la que todos nuestros actos se encuentran justificados por una suerte de hedonismo narcisista, que no conoce otro referente que su propia saciedad y satisfacción egotista,

negando de esta manera una de las condiciones indispensables para vivir en sociedad: la empatía. El desarrollo de sociedades altamente individualistas ha contribuido de manera categórica y criminal a que toda preocupación que no este dada única y exclusivamente desde el yo sea desechada por anacrónica, ridícula o inocente. En esta tierra de caníbales escuchar al otro se ha vuelto un delito de lesa humanidad. En ese sentido sólo un temperamento soberbio, estúpido u obcecado puede pensar que ninguno de sus actos puede ser enmendado. Sólo aquellos acomplejados que ignoran que la vida es un proceso de creación y destrucción continuo pueden sentirse perfectamente cómodos –a todas horas– en sus zapatos.

El beso y las monedas Al ser una conducta que compromete el proceder ético de los sujetos, no resulta sorprendente que una de las principales canteras estéticas para representar el arrepentimiento, hayan sido los textos religiosos y las fábulas, instancias literarias en que la intención moral es una constante, como sucede en incontables narraciones mitológicas.

Entre los principales relatos que abordan el arrepentimiento se destaca el Mahábarata (La guerra de los baratas), la epopeya mitológica más importante y extensa de la India. Dentro de esta obra monumental, escrita en verso, se destaca el Bhagavad guitá, que es la canción del dios Bhagaván.

En ella se cuenta la conversación entre Krishna, octava representación del dios Vishnú, y el arquero Arjúna, antes de la batalla de Kurukshetra, en la que Arjúna no quiere participar porque sabe que los ejércitos a los que tiene que combatir están conformados por sus parientes. Es aquí donde Krishna le da lecciones al respecto del equilibrio dhármico universal y lo alecciona en los secretos del Karma Yoga, lo que hace que Arjuna se entregue arrepentido a la autoridad de su dios.

Otra tradición, celebérrima en la cultura occidental, cuenta la historia de Judas el Iscariote, ese discípulo incómodo que habría entregado al hijo del hombre con un beso y recibido treinta monedas de plata por su traición. Entre las historias que conozco sobre el arrepentimiento ninguna me parece tan conmovedora, dolorosa y profundamente mal entendida como la de Judas, un hombre que pierde la fe en su profeta y que paga carísimo, por los siglos de los siglos, su humano derecho al desasosiego y la duda. Es sabido, según relata José Edmundo Clemente en su maravillosa Historia de la soledad, que Judas no sólo provenía de una familia acomodada sino que además era el encargado, por decirlo de alguna manera, de llevar las finanzas de los apóstoles, razón por la que dinero no podría haber sido la razón de su arrebato. No obstante el castigo para Judas, habiéndose arrepentido de su acto por cualquiera que fuera la razón que lo motivara, no conoce otro destino que el del suicidio por ahorcamiento, lo que le ocasionaría a su vez estallamiento de vísceras, muerte escalofriante donde las haya. Esta triste historia bien puede leerse como una alegoría de los arrepentidos, sobre todo si proviene de las entrañas del catolicismo más infame.

Personalmente prefiero entenderla de otra manera, viendo en la valentía y desazón del Iscariote la siempre conflictiva y contradictoria naturaleza humana, que destruyendo por distintas causas lo que más ama en el mundo es lo suficientemente consecuente consigo misma para despreciar los metales que la corrompen y extinguir su propia vida, no como un acto exculpatorio, sino como una afirmación absoluta que permite morir de pie por la plena asunción de los propios errores.

Arrepentirse, bien mirado, no es otra cosa sino un trabajo permanente encaminado a la noble posibilidad de fracasar mejor. M

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Arrepentimiento y variaciones

en el

rock

“Don’t have nothing to regret at all in the past except that I might’ve unintentionally hurt somebody else or something” Jimi Hendrix

La experiencia del arrepentimiento es horrible; se siente como si algo corroyera el alma, tal vez un ácido derramado sobre ella. El arrepentimiento es hijo de la conciencia moral y hermano de la culpa; se siente mal por haber cometido un perjuicio, y se lo reprocha, pues su madre, la conciencia, oteando desde su estricta posición, le echa un ojo adusto y amenazante al niño travieso e irresponsable. La culpa, la hermana mayor, quizá más precavida, suele en cambio acongojarse a veces por haber dejado de hacer lo que quería, y mira con desaire, orgullosa de sí misma, al niño arrepentido. Los hermanos pagan sus respectivas cuotas de angustia y junto a su madre, forman la gran familia sadomasoquista que se mantiene eternamente unida para ejecutar o recibir sus castigos, y mostrar los límites de lo aceptable.

En la historia occidental, Judas es probablemente el rey del arrepentimiento, pues terminó ahorcándose por haber entregado a Jesús ante Pilatos a cambio de unas cuantas monedas. Pero honduras aparte, los casos que se presentan aquí son arrepentimientos de avatares menores, confesables, cotidianos y comunes salidos de las lenguas del rock.

Sin arrepentimiento “When the sun rises I will not see I regret nothing, it was worth it Going through live without a timepiece Did pay off” Traitor, The Sugarcubes

El tema de las drogas –un lugar común en la historia del rock­– guarda, claro está, varias anécdotas. Unas son casi irrisorias y otras bastante funestas, y la inquietud y la polémica generadas por saber si los músicos se han arrepentido o no de haber andado el camino del vicio, siempre han producido interés a los ojos del público y los medios. Hay quienes condenan la vida “licenciosa” que suelen llevar los rockstars, y quienes la “justifican” debido a la intensidad que generalmente acompaña al quehacer artístico.

Así se han dado a conocer, desde casos tan simples como el del bajista de Pink Floyd, Roger Waters, quien en su única experiencia con LSD tuvo un “malviaje” que le quitó las ganas de volver a experimentarlo, hasta otros más

TXT:: Sergio Heisinger.

duros, como el de Omar Rodríguez-López y Cedrix Bixler-Zavala, de The Mars Volta, que vieron morir de una sobredosis de heroína a su amigo Jeremy Ward (de 27 años, curiosamente), uno de los fundadores de la banda, y frente a la evidencia decidieron alejarse de la drogas. En cambio, otros como Jimmy Page, pese a haber vivido también una experiencia trágica, en una entrevista publicada en Q Magazine confesó cuando se le preguntó si estaba arrepentido de haber usado cocaína y heroína: “No me arrepiento del todo, pues cuando necesitaba estar completamente enfocado, lo lograba. Presence y Through the Out Door fueron grabados en tres semanas: eso es avanzar de verdad. Hay que estar por encima de ello”.

A propósito de Led Zeppelin, y cambiando de tema, otro personaje que vive sin remordimientos ni culpas es Terry Reid, quien declaró no haberse arrepentido de rechazar la oferta que Page le hizo para tocar con esta banda, pues andaba ocupado en giras y otros asuntos, lo que le dio la oportunidad de tocar con otros músicos respetables, aunque no tan mainstream. Además agregó: “Estos chicos son amigos míos. No había Led Zeppelin cuando Jimmy Page estaba tratando de reunir al grupo, y si me hubiera unido, probablemente no habría el Led Zeppelin que conocemos”. Valiente declaración.

Por otra parte, muchos se habrán preguntado si “Creep”, que llegó a convertirse en el himno más popular de su generación, heredero del grunge, y que retrataba la patética imagen casi irrisoria de un personaje desencajado del mundo, era algo que Radiohead se había arrepentido de haber hecho. Phil Selway respondió en una entrevista que no tenía problemas con la canción: “No, no me arrepiento del todo. Ésta trajo el anuncio a la banda de que había más gente de la que posiblemente esperábamos para el primer disco, quienes además nos ayudaron a posicionarnos de manera firme, en esa etapa; ahora tenemos un buen disco para devolverles. En ese momento resultaba muy frustrante porque no teníamos suficiente trayectoria cuando ‘Creep’ salió, así que inevitablemente la gente nos iba considerando como ‘una banda de un solo éxito’ ”. Por su parte, Thom Yorke, quien tampoco se arrepiente de “Creep” –como quedó demostrado en su reciente concierto en México–, también dijo en el Tibetan Freedom Concert en 1993: “Vamos a tocar la siguiente canción porque nos sigue gustando. Nunca tuvimos un problema con ella. Cántenla si quieren”. Quedó confirmado para él que haber sido egoísta en un principio, hablar sobre sí mismo y su posición en el mundo –pese a que, paradójicamente, millones de personas se hayan reflejado en esa canción– tuvo su recompensa cuando, tiempo después, una chica le dijo en la calle que The Bends le había ayudado a pasar un momento difícil. “Así dejas de ser el pendejo egoísta que siempre fuiste”, confesó.

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Con arrepentimiento “I regret Not killing you while I had the chance” Vicarious Atonement, The Mars Volta

Entre los pequeños arrepentimientos se agrupan esos que son casi caprichosos.

Aunque su actitud podría pintarlo como un tipo que no se arrepiente de nada, Noel Gallagher confesó –humildad aparte– que se arrepiente de no haber dejado que su álbum (What’s the Story) Morning Glory cuajara y la banda se tomara un descanso y simplemente vivieran la vida, comentario que esperaba de alguien sabio: “Pero estábamos energizados por la juventud y la cocaína”. Björk confesó también su arrepentimiento por haber salido de gira de forma tan abrupta –debido al rotundo éxito de su álbum Debut– y no haber podido preparar un espectáculo en vivo, con arreglos y todo lo necesario, y sólo haber reproducido lo que estaba en el disco con la misma instrumentación. “Después de la experiencia con ese tour me prometí no volver a hacerlo nunca más”, comentó.

El arrepentimiento puede suceder, también, después de decir algo incómodo que le da rápidamente la vuelta al mundo y repercute como un gong en las orejas de miles o millones de individuos que aguzan interesados el oído. Así fue como Neil Young se arrepintió de haber criticado a George Bush por su abuso de poder, entre otros comentarios polémicos, concediéndose el derecho de la consabida libertad de expresión. Como consecuencia, las críticas aparecieron en los noticieros, lo cual llamó la atención de todo mundo, y él terminó en una confusión de la que no se sintió ni se siente feliz; aunque, si me preguntan, yo diría que sí tenía el derecho a expresar su inconformidad ante la guerra, y más allá de la mera habladuría, manifestar su opinión ante el mundo, creando con ello conciencia, y tomando partido frente a un suceso de tal importancia.

En todo caso, hay otras imprudencias –por usar un eufemismo– que, lejos de concientizar o manifestar una postura ideológica, se basan más en una expresión egoísta, o sea el mero arrepentimiento causado por el veneno de la lengua (discúlpeseme la mía). Así fue como Axl Rose, vocalista de Guns N’ Roses, tiempo después de haber compuesto –y cantado en público­– la canción “One in a Million”, donde habla de homosexuales, inmigrantes y negros despectivamente, mencionó que no volvería a hacerlo. El vocalista intentó justificarse diciendo que sólo expresaba su propio sentimiento después de haber sido asaltado por individuos de raza negra que intentaban robarle. ¿Una buena justificación?

Y como el dolor causado por el arrepentimiento suele ser insoportable, también hay quienes empuñan el látigo del arrepentimiento con cierto sadismo para usarlo contra otro… a veces con algo de gracia e inocencia. El propio Thom Yorke, para quien estar en una banda es también una oportunidad de vengarse de las injusticias del mundo, ha llegado a disfrutar la dulce venganza.

“Como cuando te abandona tu primera novia, te dices a ti mismo ‘un día voy a ser famoso y ella se arrepentirá’ ”. John Lennon –otro ni tan pacífico­ ni modesto– sintiéndose víctima de no haber sido reconocido su talento y genio artístico, reprochó a su tía, además de protestar contra sus profesores en la escuela: “Ahora tiras a la basura mi maldita poesía, te vas a arrepentir cuando sea famoso”.

A veces más vale reírse. Al final, poco vale el arrepentimiento cuando sólo ensombrece; prefiero al niño travieso que tropieza en el mundo pero se levanta ligero, sigue feliz y sólo voltea eventualmente para ver el yerro de sus pisadas y aprender de ellas. M

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Hace aparecer a su Hombre Invisible TXT:: VICENTE JÁUREGUI FOT:: GUSTAVO DUEÑAS para VOYEUR ASISTENTES FOT:: PACO DÍAZ / XIMENA DEL VALLE PRODUCCIÓN:: JIMENA RAMIREZ / BERENICE NOGUÉZ VESTUARIO:: ESTEBAN ARZATE MAQUILLAJE:: MAURICIO SALAZAR POSTPRODUCCIÓN:: GRAZIELLA REYNOSA / OMAR CARRASCO ARTE:: JUAN MANUEL CHAPARRO

46 PORQUE LAS MUJERES TIENEN SU LADO MASCULINO “Stranger soy, stranger de pasos nuevos.

Soy un extraño aquí, donde pertenezco y donde sigue girando el planeta... ” “Stranger” Ely Guerra

La epígrafe que encabeza este texto es parte de la letra de “Stranger”, primer canción que Ely Guerra muestra luego de tres años de trabajo, y sencillo que inaugura Hombre Invisible, un disco muy esperado por sus incondicionales fans, y que representa una nueva etapa en su carrera.

Para comenzar, la letra de “Stranger” es peculiar porque habla como si fuera cantada por un hombre, pero es precisamente ese carácter masculino el punto de partida para crear Hombre Invisible, un álbum cocinado a fuego lento y cuyo punto de partida fue un concepto visual protagonizado por entes mitológicos, seres fantásticos que son mitad animal, mitad hombre.

Esa imagen fantástica se originó por una necesidad de explorar nuevos caminos musicales, de ahí que Ely haya extendido una invitación a varios músicos amigos para que desarrollaran una secuencia armónica. Con ello en mente comenzaron a trabajar Enrique Bunbury, “Meme” de Café Tacvba, Juanes, el flautista Horacio Franco, Álvaro Henríquez de Los Tres, Gil Cerezo de Kinky, Gustavo Santaolalla y el maestro del stick Pablo Gigliotti. La idea era generar colaboraciones para inspirar cada nueva composición del disco.

Después de un largo proceso de gestación aparece Hombre Invisible, un disco que pudimos escuchar en casa de Ely el día que recibía el master de Nueva York. Si bien es difícil juzgar por una escucha, su sonido es arriesgado en tanto demuestra el compromiso que hay con la autenticidad, antes que con el sencillo pegajoso y desechable. Con las primeras impresiones de este disco que podrá descargarse digitalmente (arte y música), Ely Guerra nos contó cada detalle de su quinto disco de estudio.

Tu nuevo disco se llama Hombre Invisible ¿se trata de una referencia a los invitados que tuviste?

Sí, tiene que ver con todos ellos. Es la primera vez que invito a alguien a colaborar en un disco mío, la intensión era poder llegar a otros lugares, sobre todo en lo sónico, en la manera de comenzar una melodía. La lírica sigue siendo muy personal, aunque complazco a cada uno de los invitados en ciertos momentos.

Por otra parte, el Hombre Invisible también tiene que ver con mi parte masculina, la cual es muy fuerte y no me desagrada, pues al contrario, me ha ayudado a tener fuerza en muchos momentos, sobre todo de mi carrera.

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47 ¿Y cuál es la parte femenina del disco?

Yo quería que este disco fuera como un laboratorio, quería experimentar con la idea de que el proceso creativo de la mujer está en desarrollo. Todo esto que tú escuchas hoy lo provoqué por un motivo: siento que en la industria hay una necesidad de que las mujeres vendamos nuestros discos.

Y claro, yo quiero vender discos, a mí me encanta la lana, me gusta vivir de lo que hago, pero no me gusta ir en contra de mi naturaleza como creadora.

En algún momento sentí que cuando el objetivo es vender muchos de discos, se demerita tu capacidad creativa. Siento que hacer un hit es difícil, debe ser un reto, pero para mí es más importante comunicarme a través de mi música que hacer un hit. Creo que la música hecha por mujeres está en un proceso donde es mejor ir caminando. Para echar un brinco necesitas la ayuda de varones que te digan: “aquí está la rola terminada” o “no Ely, eso no está bien, tienes que ir para acá si quieres un hit”. Todo eso ya lo viví, ya lo comprobé, por eso las colaboraciones fueron a larga distancia y sólo pedía una secuencia armónica, pero como un punto de partida para las canciones que al final yo conduciría. ¿Qué tanto se involucran los músicos que te acompañan en vivo en la composición?

Los músicos que tocan conmigo están involucrados, pero hasta después de un proceso de composición solitario.

Cuando me llegaba una nueva secuencia armónica la trabajaba hasta hacer una canción, y después la pasaba al cuarto de ensayo para que los músicos hicieran sus arreglos, pues en la composición no estaban involucrados.

Era importante el potencial de Hernán como baterista y participando en la producción, o el talento de Demián Gálvez como el gran guitarrista que es.

Pasaron más de tres años desde Sweet & Sour.

Sí, este disco lo hicimos con mucho tiempo. Cuando me llegaba una secuencia nueva me levantaba a las 4 de la mañana, tomaba un té y le daba a la composición desde las 5, terminaba a las 6 de la tarde y a las 7 ya estaba grabando a mis músicos. Ese proceso de pre–producción duró año y medio.

Ahora que estamos escuchando el disco, lo siento menos protagónico vocalmente.

Yo celebro mucho las diferencias que hay en cada disco: es como mi cabello, no siempre puede estar igual. Creo que lo que tú percibes es que yo hice muchas armonías vocales, hay un juego vocal que no existe en otros discos, en algunos casos hay hasta diez tracks reforzando la voz. Entonces ocurre esta sensación de algo etéreo. Es un disco intenso y poderoso, pero a diferencia de Sweet & Sour no suena estridente.

48 ¿Cómo estás enfrentando la independencia?

El camino independiente te obliga a tomar en cuenta muchas cosas, aunque al final es un terreno que ya he recorrido.

Con EMI me ayudaban a sustentar varios de mis proyectos, pero siempre hubo una carga fuerte de independencia.

Mi música nunca ha sido algo que ellos observen como digerible o fácil de vender, en realidad nosotros sonamos poco en la radio, nunca hemos sido uno de esos proyectos perfectamente organizados que sabes que va a sonar en 97.7 (risas). Todo el tiempo hemos estado involucrados en los procesos creativos y uno ha puesto lana siempre. Cuando yo sentí que EMI se venía colapsando con un proceso natural de la industria, a mí me parecía lógico que yo era una artista de la que se tenían que despedir. Lo increíble fue que ellos no querían dejarme, era como un mal noviazgo donde tú tienes que hacer la retirada. Yo sentía raro porque sé lo complejo que es mi personaje y mi música, sobre todo sé lo difícil que es tratar conmigo, cuando tú tratas de imponerme algo yo digo: “a ver si puedes”. Cuando Camilo Lara y Fernando Grediaga me dijeron que no me fuera de EMI pensé, “chingón, aquí hay brothers”.

Pero cuando hice la pre–producción de año y medio la disquera nunca estuvo presente, obviamente porque confiaban en mí, pero al final yo estaba haciendo todo, y en ese sentido ya era una artista independiente que sólo contaba con dos brothers apoyándome. En ese momento yo les pedí que me dejaran ir y Camilo me apoyó para obtener una carta de retiro. Ahora con Verbigracia, que es una empresa independiente y profesional, trabajamos a nuestra medida. Si le damos el sencillo a las radiodifusoras, igual es “chicle y pega”, pero la cuestión es evitar el desgaste de querer sonar a fuerzas. La cosa es que la música fluya de manera natural por los oídos. ¿En ese punto surgió la idea de lanzar el disco digitalmente?

El mundo digital nos da un sin fin de posibilidades creativas, cosa que yo no lograría actualmente con un disco impreso. Yo quería lanzar una plataforma para descargas digitales, pero me enteré de www.mapamondo.com y le dije a Pati Carrera: “vámonos de la mano”. Yo entiendo la nostalgia de comprar un disco con su booklet, y seguramente haremos una

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49 edición impresa sólo por nostálgicos, pero voy a ser sincera: este es un trabajo sustentado por una sola persona, económicamente es difícil aventarse un reto así, estamos haciendo un disco súper profesional, hay pre–producción de año y medio, mezcla de Joe Chicarelli en Los Ángeles, masterización de Joe Laporta en Nueva York. Mi nivel no bajó, no podía decir: “ahora yo masterizo y hago la mezcla”. Para mí existe un gran compromiso con lo creativo, había que ser inteligentes y yo sentí que el mejor camino era hacer un lanzamiento digital, incluso para motivar no sólo a quien va a escuchar el disco, sino también a todo el equipo de gente que está trabajando conmigo. ¿A qué músicos latinos citarías como una gran influencia?

Yo creo que los hombres invisibles tienen mucho que ver, sonará romántico pero es verídico. En representación de Café Tacvba está “Meme” porque con él he trabajado bastante, es un personaje muy poderoso, auténtico y completo. A lo mejor será raro que esté Bunbury, pero él ha sido muy importante para mí, lo conocí cuando tenía 20 años y nos hicimos buenos amigos, cuando venía de gira con los Héroes del Silencio platicábamos y con él pude ver la importancia de ser uno mismo. Aunque muchos le dicen el Jim Morrison mexicano (risas), Bunbury es muy auténtico y defiende mucho la forma de pensar que está inscrita en sus canciones... si bien no es una gran influencia musical, sí me enseñó a ver hacia adentro para chingarle. ¿Qué tan importante es lo visual en tu música?

En líneas generales comprendo que hay cosas en mi persona que dependen más de lo visual que de lo sónico. Mis influencias no se limitan a escuchar, sino que requiero de motivos visuales para hacer mi sonido. También soy muy aferrada a mi propia lírica que es intensa, en el disco tengo frases muy fuertes como “soy prostituta de un mundo”, entonces le pido a Demián que toque una guitarra muy fuerte porque la letra amerita cierto power. A través de las palabras elijo los sonidos que surten un efecto en mí, que me permiten subirme al escenario y realmente transmitir. Suena estúpido porque uno tendría que contestar qué músicos le gustan, pero honestamente siempre parto de lo visual y de la lectura. De hecho este disco comenzó por el arte.

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"El Hombre Invisible (...) tiene que ver con mi parte masculina la

cual es muy fuerte".

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53 Antes de cualquier cosa yo hice una sesión de fotos porque ya sabía qué quería ver, tenía claro que el disco se tenía que llamar Hombre Invisible porque éstas retrataban una composición entre Ely–hombre–animal, y que éste último debía llevar falo. Cuando comento sobre esto me dicen que es muy raro, pero no lo es tanto: mi papá, por ejemplo, vio las fotos y me dijo que estaban increíbles, las entendió aunque es futbolista y no artista.

Es verdad, creciste en una familia deportista, ¿cómo te llegó la música?

Siendo transparente, yo sigo en mi cuestionamiento personal de cómo es que estoy en la música. En mi casa había un estéreo pero casi no era usado.

Recuerdo pocos momentos musicales y hasta te vas a reír porque no son muy refinados: un día estaba en el súper con mi mamá, vi el disco de Navidad de las ardillitas, entonces cuando llegué a mi casa lo puse y ahí estaba mi papá en el sillón, oyéndolo mientras se tomaba un whisky... ¡ese es el recuerdo más musical que tengo con mi familia! (risas).

Desde muy chica comencé a escribir, era muy solitaria y me metía en el clóset para hacerlo, en el fondo intuía que me iba a dedicar a esto, pero lo definí cuando me enteré que tenía voz. Estaba en cuarto de primaria en San Luis Potosí porque mi papá dirigía a “los cachorros”, y el padre Manso me dijo que yo pertenecía al coro. Con esa oportunidad descubrí el potencial de mi voz. Ya cantaba desde muy niña, de hecho hay un casete donde canto “El Rey” como a los dos años, todavía ni hablaba bien pero ya tarareaba.

Después hice mi primera canción a los 9 años y creo que no fue una decisión de mis padres, ni siquiera mía, fue algo que tuve que asumir y que hasta la fecha tengo que enfrentar haciendo malabares para lograr comunicarme con mi música. Por ese cuestionamiento luego es difícil explicar mis canciones en las entrevistas, porque o quedas como el típico místico etéreo, o quedas como el gran pendejo (risas). M

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TXT:: Juan Patricio Riveroll.

“La educación es esclavitud”, escribe McKenzie Wark. “La educación encadena la mente y la convierte en un recurso de poder”. Al pensar en las causas que han forjado esta sociedad deslavada y fugaz, embrujada por paupérrimos programas de televisión chatarra o una cartelera empantanada en el desazón superficial de refritos insufribles, la educación se postra como el principal culpable. Aunque los medios de comunicación comparten la responsabilidad, comenzando porque se permita que un par de televisoras privadas acaparen el tele–auditorio en claras prácticas monopólicas, es la instrucción en el aula lo que caracteriza el desajuste inicial que marcará de por vida al individuo. Marshall McLuhan equipara las prácticas educativas con el funcionamiento de una fábrica, “con sus inventarios y líneas de montaje” al estilo del siglo XIX, puesto que sin lugar a dudas, las instituciones educativas aún no han sido capaces de evolucionar, manteniendo así una estructura arcaica que presupone un futuro en cautiverio.

Nos educan para funcionar como engranaje en la maquinaria económica global, y la única manera de tomar consciencia de las rejas bajo las cuales nos encerraron desde niños, es romperlas o traspasarlas, antes no. Sabes que has vivido bajo supuestos equivocados al momento en que ves los barrotes rotos a tu alrededor, feliz de huir, pero consternado al saber que has sido víctima de un encierro mental inmerecido, que favorece al sistema en el que estamos inmersos.

Luego de una excelsa filmografía que incluye los primeros pasos del neorrealismo italiano y continúa por un sendero íntimo y personal,

Roberto Rossellini abandonó el cine con la esperanza de que la televisión llegara a un público más amplio, para propagar con mayor eficacia las ideas que juzgaba necesarias para el individuo de la segunda mitad del siglo XX. Su último trabajo, empero, es un imprescindible ensayo sobre cine y educación, dos campos que para él están estrechamente ligados. En Un espíritu libre no debe aprender como esclavo, pone hincapié en que al ser humano se le debe enseñar cómo aprender y no qué aprender: “Los sistemas educativos aplicados hasta nuestros días han expresado la tendencia dominante a condicionar, esto es, limitar la capacidad potencial de cada individuo”. El texto completo deja un agrio sentimiento, repelente hacia todo lo que tenga que ver con la escuela como hoy la conocemos; deja ver con claridad las intenciones vedadas o evidentes de una institución que, cual perro guardián, es, junto con las fuerzas armadas y quizá también la religión, la principal causante de la opresión y la injusticia social del mundo moderno. Tras la lectura de Un espíritu libre... un padre de familia recapacitará a profundidad la siguiente vez que tenga que llevar a sus hijos al colegio. ¿Es necesario infringir sobre ellos la misma brutalidad intelectual de la que fuimos objeto? ¿Sabrán ellos quitarse las cadenas impuestas desde el pupitre?

Cuando Werner Herzog habla de la posibilidad de abrir una escuela de cine, propone como requisito de entrada a posibles prospectos que hayan viajado, solos y a pie, una distancia de alrededor de 5,000 kilómetros, por ejemplo de Madrid a Kiev. En su travesía dejarían plasmado en una bitácora sus experiencias, y al leerlas

él sabría quién caminó. “Mientras caminas aprenderías mucho más sobre hacer cine que si estuvieras en un salón de clase. Durante tu travesía aprenderás más sobre tu futuro que en cinco años de escuela. Tus experiencias serían lo opuesto del conocimiento académico, pues la academia es la muerte del cine. Es lo más opuesto a la pasión”. Partiendo de la idea del cine como símil de la vida, como espejo de una sociedad cuyos pasos parecen cada vez más accidentados, el verdadero cineasta no puede ignorar estas cuestiones. Rossellini lo lleva a otro plano: “A la vez que medio de diversión, el filme ha sido el caballo de Troya de la sociedad de consumo. (...) La función del cine y de la televisión es ahora otra: no sirven ya para promover un determinado prototipo de sociedad, como los filmes de otro tiempo, sino que desempeñan el papel de ‘opio del pueblo’ y hacen todo lo posible —no sé si por una forma de tropismo o por una iniciativa consciente— para mantener a las masas en un estado de infantilismo, movido por una suficiencia caprichosa que les da la ilusión de libertad”. Queda claro que los medios de comunicación y las instituciones educativas quedan emparentados en cuanto a alcahuetes de un sistema déspota de sumisión, hermanados bajo el empeño de mantener al sujeto en un pueril estado mental que conviene a pocos y desvirtúa a la inmensa mayoría.

Como partes de un mismo círculo vicioso, mientras no se dé un cambio radical en las estructuras educativas, no habrá mejoras en los contenidos mediáticos sino que, por el contrario, una desastrosa deformación de las ideas empeorará, corrompiéndose más cada día. M

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: TXT:: Jorge Arias. FOT:: www.antichristthemovie.com

Lars von Trier, autoproclamado “el director más grande del mundo”.

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En la pasada edición del Festival de Cannes, la película Anticristo de Lars von Trier causó controversia entre la crítica y el Jurado Ecuménico del certamen, en parte por el filme en sí, una mezcla de drama y violencia visual con fuerte carga sexual; pero también porque unos días antes, el cineasta danés se autoproclamó “El director más grande del mundo”, egolatría que sin duda predispone a cualquiera, sobre todo cuando te dedicas a calificar el trabajo fílmico de directores más importantes a nivel internacional. La obra en cuestión, considerada por el jurado citado como misógina, sexualmente violenta y sangrienta, ha polarizado la opinión de la crítica cinematográfica mundial, cuyos calificativos van desde “el error más grande del cineasta”, hasta “una grotesca obra maestra”.

Anticristo, que narra el dolor de una pareja tras perder a su único hijo, quien cae por una ventana mientras ellos tienen sexo, plantea la forma en que los padres experimentan el duelo, interpretados por Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe. Ellos intentan sobreponerse a un trastorno mental detonado por la muerte en sí, pero donde su

sexualidad es causa y efecto, transformando un acto placentero en un hecho doloroso. Claro que planteada de este modo no suena de escándalo; sin embargo la película sí tiene elementos visuales brutales, que sólo son comparables con la exquisita fotografía y narrativa fílmica que por momentos consigue Lars von Trier.

Polémica inaudita La controversia radica primeramente en los elementos sexuales presentados en Anticristo, como es de esperarse si tomamos en cuenta que, dado el entorno adverso que von Trier halló durante su estancia en Cannes, la sexualidad explícita y sin concesiones es susceptible de crítica por quienes detentan el título de “líder de opinión”.

En esta ocasión, el caso adquiere gravedad cuando la protagonista cuestiona dentro del filme la naturaleza femenina, llegando incluso a afirmar que la maldad es inherente al sexo femenino.

Que algunos momentos de este drama resultan impactantes para la audiencia, de eso no hay duda.

Pero el error del cineasta viene cuando, una vez

que se niega a justificar su obra, remata diciendo que Anticristo no es una película para el público, a los que ve como simples invitados. La audiencia, representada a veces de mala forma por la prensa, toma la declaración como una afrenta, se siente imposibilitada para interactuar con la obra fílmica y por tanto la agrede con una vehemencia inaudita, eliminando de tajo la belleza que por momentos aparece en Anticristo, demeritando el significado de ciertos elementos que ahí se encuentran, y que bien valdría la pena ser analizados desde una perspectiva distinta, menos dolida.

Algunos espectadores ajenos a esta declaratoria, pudieron ver sin empacho el filme, y encontrar en él una riqueza de significados importante, aunque ponerse en el extremo opuesto de la crítica también es peligroso, pues se corre el riesgo de sobrevalorar un discurso cuando estamos ávidos de encontrar significados a como dé lugar, ya sea porque la obra nos perturbe, o simplemente porque somos fanáticos de hueso colorado del artista, y por ende compramos todo lo que nos vende… incluso si su intención es no vendernos un carajo.

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¿Audiencia estática?

Ahora bien, en Anticristo hay mensajes que son difíciles de aceptar, sobre todo aquellos que exponen al ser humano como un ente visceral, dispuesto a los peores actos cuando las circunstancias son tan adversas que rebasan por completo su condición racional. En ese momento los espectadores podemos aceptar que es una historia difícil de tratar, y casi de forma natural nos ponemos del lado del artista, reconocemos su valentía, su estética grotesca o la complejidad de su obra. Pero también podemos deshacerlo, apegarnos a una realidad cómoda, socialmente hablando, y así descalificar todo lo que nos parezca desagradable, trasformando la complejidad del filme en algo hilarante, digno de repudio o ridiculizable hasta grados que también resultan ofensivos dentro de esa misma convención social. En todo caso, la decisión debería ser exclusivamente del espectador.

¿Pero qué ocurre cuando el artista desprecia lo que la audiencia tenga que decir en torno a su filme?

Para empezar hace que la crítica, ese monstruo de mil cabezas, haga de las suyas con argumentos simplistas sobre la violencia y el sexo, mismos que se desacreditan a sí mismos en una época donde estos elementos se encuentran más presentes que nunca en el cine; pero que a un nivel masivo aún provocan ese disgusto entre “las buenas conciencias”, que son las que terminan abarrotando las salas de cine.

Sin embargo, el valor que Anticristo podría tener como documento fílmico, donde sus planteamientos simbólicos estuviesen plenamente justificados para llevar el eje de la trama, e incluso encontraran su explicación en disciplinas como la psicología; no es lo mismo si la obra no pasa libremente hacia la audiencia, quienes tienen en su poder la capacidad de aprobar o desaprobar una obra, no como invitados de honor

a una historia de algún director danés, sino como interactuantes de la obra, capaces de descifrar los códigos, de compartir el dolor tal como se plantea en el filme, o incluso desacreditarla por parecerles pretenciosa y alejada de la realidad.

En todo caso, preferiría que fuera el público, ustedes, quienes se acerquen sin miedo a Anticristo. Sin prejuicios sobre lo dicho por un montón de viejitos pretenciosos que ven en Cannes un foro “abierto”, hasta que el escándalo hace acto de presencia. Sin temor a ser intelectualmente vapuleados por un director autoproclamado como “el más grande”. Hagan a un lado lo que se dice fuera del filme, tómenlo por la fuerza y hagan valer su voz lejos de juicios de valor sembrados por terceros, pero también lejos de un confort social en el cual nos podemos encontrar ahora, donde las pérdidas se traducen en eventos tristes a secas, cuando pensamos que el acto carnal sólo tiene una característica placentera o amorosa. M

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Alemania año cero. El 30 de abril de 1945, el Ejército Rojo, dirigido por el mariscal Zhúkov, tomaba Berlín y se encontraba a menos de 300 m., del búnker en el que yacía el cadáver del führer. Aldolfo Hitler se había suicidado junto a Eva Braun y la pesadilla del tercer Reich había llegado a su fin.

A partir de entonces Alemania hubo de reinventarse y refundar de fondo su cultura. La reconstrucción física, social y artística fue total. Fue necesario aprovechar incluso todo tipo de ruinas.

Un ejemplo de ello es la obra de Hermann Classen, cuyo trabajo de “fotografías en ruinas” es considerado un documento de primer orden para ilustrar la devastación de las ciudades alemanas a consecuencia de la guerra. Pero aunque desempeña este rol, el artista buscó usar de un modo distinto aquellos restos, transformar su naturaleza y volverlos elementos compositivos, aprovechando incluso su carácter geométrico.

Porque tal era el espíritu del momento, había que transformar las cosas de raíz, experimentar posibilidades distintas; era preciso detentar la libertad que el yugo nazi había negado a la existencia misma, y que en el arte, a todo lo que no fuera doctrinario y propagandístico consideró “degenerado” y pretendió erradicarlo para siempre.

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En cuanto a la fotografía, la corriente documental, aunque válida y necesaria, representaba también una sobreexplotación de la herida abierta, un regodeo en el inmenso dolor nacional.

Se entiende la necesidad de recurrir a la inventiva y retomar la parte experimental, que apoyada en las manipulaciones y recursos de laboratorio, centrara estas nuevas imágenes en el fenómeno estrictamente estético, les quitará el lastre de lo testimonial y les ganara reconocimiento como obras de arte en sí mismas.

Los primeros movimientos de esta renovación se registran alrededor de 1949, cuando Otto Steinert, con la colaboración de Peter Keetman y Ludwig Windstoßer, fundaron el grupo Fotoform.

La vanguardia germana recuperó anteriores escarceos, como el de la Bauhaus. Steinert organizó entre 1951 y 1958, tres exposiciones en los que ya figuraba el término y concepto de fotografía subjetiva, que a la postre calificaría la propuesta de una tendencia más interesada por integrar la

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forma al propio discurso y separarse de elementos obvios y explícitos.

Para ello recurrieron a distintas técnicas y procedimientos: reproducciones contrastadas, encuadres ajustados, estructuras abstractas, copias en negativo, solarizaciones, exposiciones prolongadas y fotogramas.

Steinert, pertrechado en la academia, impulsó la consolidación de la relación entre fotografía y arte, impulso su práctica internacionalmente y –sin pretenderlo– se constituyó como uno de los referentes fundamentales del arte abstracto que en las décadas siguientes había de eclosionar.

Su legado bien merecía una amplia exposición en la que se revisara puntualmente su derrotero histórico. Fotografía subjetiva. La contribución alemana, 1948–1963, actualmente montada en el Colegio de San Ildefonso, cumple con esta asignatura a través de cuatro núcleos temáticos: Precursores y fundadores, El grupo de vanguardia “fotoform”, Los discípulos de Steinert y Tendencias contemporáneas a la “fotografía subjetiva”.

Para el curador de la muestra, J. A. Schmoll, conocido también como Eisenwerth, los fotógrafos insertos en este movimiento: “Buscaban poner de manifiesto que no se trataba de rendir tributo a una reproducción objetiva de

la realidad, ni tampoco de ‘reflejar’ diversos objetos de la naturaleza, fueran paisajes, objetos industriales, arquitecturas o retratos, entre otros temas; sino más bien, de lograr productos artísticos con un valor inmanente”.

Tras recorrer Chile, Bolivia, Brasil, Perú y Ecuador, la muestra conformada por 165 fotografías de 22 artistas procedentes de la colección del Instituto para las Relaciones con el Extranjero de Alemania (IFA), arriba a México antes de regresar a Stuttgart, su lugar de origen, gracias al esfuerzo coordinado de la UNAM, CONACULTA, el Gobierno del Distrito Federal y el Instituto Goethe en México.

Así, podemos apreciar trabajos de Carl Strüwe, pionero de la microfotografía; Marta Hoepffner, fotógrafa experimental que inició su trabajo antes de la Segunda Guerra Mundial y Herbert List, representante pionero de la fotografía creativa quien ejerció una marcada influencia sobre la concepción de “fotografía subjetiva” de Steinert, un hombre reflexivo que logró dinamizar el arte de su tiempo más allá de la circunstancia y las dificultades, ya que para él: “el valor de la fotografía no depende del motivo, sino del poder creador del fotógrafo”. M

Fotografía subjetiva. La contribución alemana, 1948–1963 Antiguo Colegio de San Ildefonso • Centro Histórico, Cd de México • Hasta el 3 de enero de 2010

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TXT:: Arthur Alan Gore. FOT:: Nirvana / cortesía Subpop.

No soy el gran fanático de Radiohead, aunque parezca que todo aquel que se precie de escribir sobre música tiene la obligación, políticamente correcta, de idolatrar al grupo comandado por Thom Yorke.

Debo confesar que el disco que más me gusta es Pablo Honey, aunque la mayoría babeé por OK Computer (gran trabajo) y la consecuente etapa mucho más elaborada, ambiciosa e intelectual del quinteto de Oxford, protagonizada por Kid A y Amnesiac. Qué le vamos a hacer, soy de gustos mucho más sencillos.

La cosa es que fui a los dos conciertos de Radiohead en el Foro Sol en marzo pasado, y me sorprendí tanto como el resto de los presentes cuando el grupo decidió clausurar su segunda actuación tocando “Creep”.

Insisto, no soy el gran fanático de los ingleses, pero sí conozco la cantidad de historias y leyendas que rodean a la canción. Hay quienes sostienen que Thom Yorke la odia, porque muestra el rostro más comercial y rosado de la agrupación, razón por la cual había sido desterrada de su repertorio durante varios años. También me sé otras más truculentas, como aquella que me contó un amigo –también del medio periodístico nacional– respecto a que durante la primera visita de Radiohead a México, allá en 1994, personal de su disquera llevó a los músicos de reventón a un tabledance. Cuando los británicos llegaron al pintoresco centro nocturno, Yorke se mostró horrorizado al contemplar a las desnudistas realizar acrobacias en el tubo al ritmo de “Creep”, por lo que se prometió no ejecutarla nunca más en vivo. Ésta, como muchas otras anécdotas, no son cien por ciento comprobables.

Lo que sí es un hecho es que en aquella primera serie de presentaciones de Radiohead en México, que los llevó incluso a presentarse en Ojo de Agua, Estado de México, en algún momento Yorke

presentó así a “Creep”: “Ésta es la canción del karaoke”. Y la realidad es que Radiohead sí dejó de tocarla en vivo por espacio de casi siete años.

Por eso, pareciera que la canción –supuestamente repudiada por su creador– se referiría a sí misma en la letra: “I wish I was special, but I’m a creep”.

El microbio sólo quería divertirse Varios días después de los conciertos en el Foro Sol, me encontraba charlando con un alto ejecutivo de EMI Music –la disquera de Radiohead en México– que también dirige un popular grupo musical y dado que la charla nos llevó a hablar de los británicos, a quien mi interlocutor acompañó durante su estancia en México, le pregunté si sabía por qué habían tocado “Creep”, si la canción supuestamente no les gustaba. Él me respondió que lo tenían planeado desde hace tiempo y que ni Yorke ni los Greenwood ni nadie tiene un problema con ella. “¿Quieres que te diga cuál nunca tocarían? ‘High and Dry’, ésa sí le caga a Thom”, remató.

Esta situación me recuerda a la de Fobia. La banda integrada por Jay, Iñaki, Cha!, Leo y Paco, que después de una exitosa carrera en los terrenos del rock en español, decidió separarse en 1997.

Varios años después, los músicos anunciaron su reencuentro y tuve la oportunidad de asistir a la conferencia de prensa previa a su concierto en el Teatro Metropólitan. Ahí confesaron que la única situación que los incomodaba respecto a su vuelta a los escenarios era tener que tocar “El Microbito” en vivo, porque la rola ya no los prendía de tanto que había sido tocada. “Es nuestro ‘Creep’ ”, dijo Paco Huidrobo, con el humor negro que lo caracteriza. Posteriormente, durante la presentación, la banda se burló de su canción interpretándola a manera de karaoke sobre una pista musical en la que sonaba “Girls Just Wanna Have Fun”, de Cindy Lauper.

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A Kurt Cobain dejó de agradarle “Smells Like Teen Spirit” después del éxito descomunal que cosechó Nirvana tras la salida del disco Nevermind, donde se incluye la que, quizá, sea una de las canciones de los 90 más populares de todos los tiempos. Enfadado, cuando se le obligó a tocarla en el programa Top of the Pops, de la BBC, en 1991, Cobain le cambió la letra. El acto representó además una abierta protesta por obligar al grupo a realizar playback. Mientras sonaba la pista, Kurt cantó con una voz mucho más grave la línea: “Load up on drugs, kill your friends” en vez de “Load up on guns, bring your friends”. En el documental Live! Tonight! Sold Out!! de la banda pionera del movimiento grunge puede apreciarse este performance, así como otro en el que interrumpen la misma canción en medio de un concierto y Krist Novoselic dice al micrófono: “Vamos a saltarnos ésta”.

Existe otra coincidencia entre el hitazo de Radiohead y el de Nirvana. Cuando Thom Yorke le presentó la canción a sus compañeros, estos la detestaron y la ahora famosa guitarra de Johnny Greenwood durante el coro fue, originalmente, su manera de protestar. La rola le parecía tan aburrida que empezó a tocar esos acordes distorsionados con la idea de sabotear “Creep”. El resultado fue, paradójicamente, uno de los estribillos mejor construidos en una canción pop con poder.

Similar fue la situación de “Smells Like Teen Spirit”, pues al momento en que Kurt se la tocó por primera vez a sus compañeros de banda, Dave Grohl y Krist Novoselic consideraron que era un tema “ridículo y tonto”. Tanto se resistieron a tocarla, que Cobain los obligó a hacerla durante más de una hora, hasta que el bajista y el baterista comenzaron a ponerle de su cosecha.

Ésa es la razón por la que los tres firmaron la composición.

Odio desde el útero Me viene a la mente otro recuerdo. Cuando Iron Maiden se presentó en el Foro Sol en 2001, trajo a Rob Halford como abridor. Al cierre de la actuación, el entonces ex cantante de Judas Priest dejó que el público cantara “Breaking the Law” mientras sus músicos la ejecutaban, rehusándose a pronunciar una sola sílaba en el micrófono.

Por razones de trabajo, pero también de amistad, he estado cerca de muchas bandas de rock. En consecuencia, he atestiguado en primera fila lo complicado que les resulta componer una canción. ¿Qué tiene que suceder, entonces, para que a un músico llegue a producirle aversión su propia música? Tanto “Creep”, “Smells Like Teen Spirit”, “El Microbito” y “Breaking The Law” han sido determinantes en el despunte comercial de sus creadores, en la masificación de su música y en la popularidad desbordante de la que gozan los grupos. Algunos se han logrado reconciliar con sus hijos bastardos; a otros, como Kurt, no les alcanzó la vida para hacerlo. De hecho, se dice que Cobain concibió el crudo disco In Utero como lo más diferente posible a Nevermind, asqueado de lo que se había convertido Nirvana para el mainstream. ¿Se habrán arrepentido todos ellos de haber compuesto esos megahits? Quién sabe, pero de alguna u otra forma todos lo dieron a entender. Y las rolas, a su manera, se expresaron.

“El Microbito” dijo: “De ti me voy a alimentar”.

“Smells” gritó: “Me siento estúpido y contagioso”.

“Breaking” espetó: “Todo en mi interior es tan frustrante” y “Creep” remató: “Soy una carga, ¿qué demonios hago aquí?”. M

Músicos que se arrepienten de haberse conocido Los hermanos Gallagher de Oasis John Fogerty y los Creedence Mötley Crüe y John Corabi Axl Rose y el resto de los Guns N’ Roses Alan Boguslavsky y los Héroes del Silencio

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65 Pasados los años, Orson Welles repudió su majestuoso plano secuencia inicial en Touch of Evil como un gasto inútil y pretencioso de tiempo, dinero y esfuerzo. Por su parte, cuando John Ford era preguntado sobre Mogambo, su película más glamourosa y hollywoodense, respondía con un escueto y amargo: “No sé, no la he visto”.

En cambio, Alfred Hitchcock nunca pareció adaptarse al discurso y las formas del director que se rebela y lucha por cada página del guión, por cada encuadre, contra las poderosas fuerzas que, activadas por los engranajes del miedo y la avaricia, regulan el cine como industria. A diferencia de Orson Welles, John Ford, y tantos otros, Hitchcock parecía cómodo, en su espacio natural, moviéndose de una manera discreta que aparentaba sumisión, en los laberintos de presiones e intrigas que definían la política económica y mediática de los grandes estudios en Hollywood. Su obra discurrió fluida y serena en una vida entregada al continuo perfeccionamiento, sin contradecirse con las modas y corrientes tanto estéticas como éticas, impuestas desde los despachos de los ejecutivos que manejaban y manejan la industria cinematográfica.

Dirigió a los mejores y más reconocidos miembros del star system; tuvo a su disposición medios técnicos, humanos y monetarios, como únicamente la época dorada de Hollywood podía ofrecer; obtuvo el favor de un público, al que no sólo entretuvo con el suspense, sino a quien respetó en un constante requerimiento a su inteligencia con cada una de sus películas; mientras los magnates de los estudios vieron satisfechas sus inversiones en este hombre que se presentaba como un director metódico, rápido, eficaz, exitoso, con rodajes donde sus maneras suaves y conciliadoras, limaban los roces entre la sobrepoblación de egos que se dan cita en un plato.

Incluso se permitió la licencia de otorgar innovaciones narrativas como el “McGuffin”, alardes técnicos como la cabeza caliente (grúa hidráulica N. de R.) diseñada para The Rear Window, se arriesgó a incluir encuadres y planos tan perturbadores como violentos en un discurso fotográfico que era, irónicamente, aceptado como académico e institucionalizado. Pero sobre todo, destaca su inteligencia para dar muestras de humor negro, un sarcasmo corrosivo, y un fetichismo que rayaba en la perversión, sin que la censura de la época diera síntomas de percatarse de la profunda irreverencia y ambigüedad moral de muchos de los personajes que caracterizaron su cine.

Precisamente, en esos personajes fue donde el director londinense, formado en una sólida y estricta educación católica, definió los temas recurrentes que canalizó en su filmografía: la culpa y el arrepentimiento.

La psicología de sus personajes se define, casi siempre, en una profunda herida causada por un sentimiento de culpa —sea justificado, consciente, o no—, que se consolida en unos caracteres dramáticos atormentados por la duda y el remordimiento, cuyo paradigma sería la interpretación de Laurence Olivier en Rebecca, o Montgomery Clift en el papel de sacerdote en I Confess.

En una relación similar a la que Dostoievsky mantuvo con los personajes de sus novelas, Hitchcock se mostró distante, manipulador, y falto de cualquier síntoma de empatía hacia ellos, actuando como un demiurgo inflexible. Era como si estableciera una barrera infranqueable entre su propia experiencia como director cinematográfico, y las vicisitudes que sufren los personajes durante las tramas de esas mismas películas.

Con una primera lectura del libro titulado El cine según Hitchcock de François Truffautt, se descubre a un director y un hombre muy diferente al que sugiere la trayectoria y la concepción del cine del cineasta inglés. En la serie de entrevistas que componen el libro, Hitchcock, en un alarde de sinceridad

inusual para aquellos que viven del, por, y para el cine, se revela como alguien desencantado y severo tanto consigo mismo como con el mundo del cine.

Sí, Alfred Hitchcock era famoso, millonario, e incluso había llegado a poseer un control sobre su propia obra que pocos directores de la época podían conseguir, pero no era respetado por la crítica, que lo consideraba un director superficial, de puro entretenimiento. Tampoco esa industria, que tantos dividendos había obtenido de sus películas, se dignó a otorgarle un Oscar, pero el desengaño fue definitivo, cuando a finales de los años 60 vio cómo las puertas de Hollywood se le cerraban ante un proyecto suyo, por ser considerado violento y explícitamente sexual, hasta verse obligado a realizarlo en Inglaterra, bajo unas condiciones de producción precarias a las cuales ya no estaba acostumbrado, con el título de Frenzy (frenesí).

Leyendo las páginas del libro de Truffaut aparece un Hitchcock egocéntrico, obsesionado por el control total sobre todos los aspectos de la producción, lleno de rencor hacia algunas de las personas que marcaron su carrera, como fue Ingrid Bergman. Pero a la vez, se puede percibir tan autocrítico hasta el punto que con una filmografía de más de 60 películas, algunas de las cuales son consideradas hoy en día obras maestras, sólo aquellas producciones menores como The Birds o Psycho se libran de algún comentario hostil, o de un abatido y triste, por imposible, propósito de enmienda.

Alfred Hitchcock termina mimetizándose con sus personajes en un acusado y feroz sentimiento de culpa, por no haber podido, o querido, evitar convertirse en un engranaje más del mundo cinematográfico, tan adulador como despiadado.M

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Arte contemporáneo

muerte y redencion TXT:: Regina Zamorano

Agosto 16, 2007. Un perro callejero, escuálido y sucio, bautizado Natividad, se encuentra amarrado con un mecate en una esquina de la sala de exposiciones.

En la pared, una frase escrita con alimento para perros grita: “Eres lo que lees”. Al lado, un aparato de sonido toca el himno sandinista al revés, mientras piedras de crack y marihuana se queman en un incensario.

La obra forma parte de una serie llamada Exposición n.1, cuyo autor, Guillermo Vargas, mejor conocido como Habacuc, es un artista costarricense de unos treinta años que realiza su primera muestra individual. Algunos visitantes de la galería Códice en Managua, Nicaragua, miran con curiosidad la “pieza”, otros se indignan y exigen que se respeten los derechos de los animales.

La polémica se desata. Se dice que el creador recogió al perro un día antes, expresamente para la muestra, y que el animal murió de hambre porque no quiso alimentarlo; se dice que aunque la gente pidió que lo liberara, él se negó. Por su parte, la galería desmiente estos rumores y dice que el perro escapó después de la inauguración.

Inmediatamente, inicia una campaña de repudio frente a estos hechos y se lanzan varias cartas al espacio cibernético para impedir que el artista participe en la Bienal del Istmo Centroamericano 2008. Al final, el numerito le valió a Habacuc una amplia variedad de insultos y más de un millón de firmas en su contra. De hecho, él mismo firmó la carta en lo que seguramente fue un arranque de sarcasmo. Sin embargo, la colaboración del artista no se canceló y a pesar de que ha dicho que nunca volverá a usar sujetos vivos en sus obras, dice no arrepentirse.

Para nosotros, los mortales que no pertenecemos al gremio del arte contemporáneo, es cada vez más difícil comprender las propuestas de los artistas plásticos. ¿La propuesta de Habacuc se puede considerar arte? ¿Debemos poner el grito en el cielo y demandar justicia? ¿Es legítimo hacer este tipo de obras?

Hegel proclamó la muerte del arte hace ya varias décadas, pero, obviamente, esta acta de defunción no debe tomarse al pie de la letra, porque está vivito y coleando en formas antes insospechadas. ¿Qué consecuencias tuvo esta

declaración? En términos muy sencillos, significa que el arte cambió de identidad. Antes se trataba de una imitación de la realidad que buscaba una unión con lo divino. Luego, gracias a Duchamp, Warhol y Cía., el arte ya no se concentró exclusivamente en la obra material —que el artista creaba con esmero con sus propias manos tras años de estudio de la técnica—, sino que “apareció” en los objetos cotidianos, tanto mejor si habían sido fabricados en serie. Actualmente, se llama arte a la mera intención de crear, sin que importe mucho la inteligibilidad del resultado... Basta con que alguien tenga una idea, la realice y la califique de arte para que se transforme en ello, porque desde el advenimiento de las vanguardias, las ideas son el pilar de las creaciones.

Así, un día de 1998, Tracey Emin decidió exponer su cama deshecha —con sábanas sucias, condones, calzones y otros objetos personales, como botellas de vodka vacías— en una galería, bajo el título My Bed. ¿Es eso arte? Tomando en cuenta que Emin es una de las artistas británicas más reconocidas a la fecha, podemos concluir que los entendidos en el tema piensan que sí. Sin embargo, es inevitable no sentir que este trabajo carece de interés universal, ya que se relaciona sólo a la vida de su creadora–dueña y es difícil conectarnos con él en cualquier plano.

Otro ejemplo cuestionable es un video de la estadounidense Andrea Fraser teniendo sexo con un coleccionista no identificado. La pieza se exhibe actualmente en la Tate Modern, en la exposición Pop Life, una retrospectiva de este movimiento. En otra sala de la misma muestra hay trabajos del reconocido artista Jeff Koons, que presenta toda clase de parafernalia (figuras de cerámica, fotos, esculturas), cuyo tema principal es nada menos que él mismo haciendo el amor con su ex–esposa, la actriz porno apodada la Cicciolina. ¿Estos creadores consumados de verdad buscan aportar algo o sólo conseguir fama al estilo Paris Hilton?

Me pregunto si esto no provoca una enorme confusión en la mente de los aspirantes a artistas. Si todo es arte, incluido eso, ¿qué proponer? ¿Cómo se determinan los criterios de admisión al mundo artístico? ¿Por la técnica? A quien le importa. ¿La estética? Es tan relativa. ¿Los valores? ¿De quién?

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Exposición n.1. Habacuc. Agosto 16, 2007

Jeff and Ilona. Jeff Koons.

Ante la arbitrariedad y volatilidad de los criterios, la tentación de renunciar debe ser fuerte. Es el clásico dilema de la página en blanco que padecen los escritores: ante el universo infinito de posibilidades, el vértigo que da la hoja vacía muchas veces es imposible de dominar.

11 de noviembre de 2004. En Costa Rica, un indigente nicaragüense de 25 años, llamado Natividad Canda, fue devorado por dos perros rottweiler luego de meterse ilegalmente a un taller junto con otros dos sujetos, quienes pudieron saltar la barda y escapar. El ataque sucedió frente a los ojos de los guardias de la propiedad, que aunque estaban armados no hicieron nada para ayudarlo e, incluso, tomaron video del horrible espectáculo. Fue hasta 45 minutos después que los bomberos pudieron ahuyentar a los perros con mangueras de alta presión. Natividad murió a su llegada al hospital por las hemorragias que le ocasionaron las 200 mordidas que recibió. Los medios de comunicación cubrieron con fascinación la nota; la familia pidió justicia, pero los guardias no fueron castigados.

2007. Habacuc, inspirado en este caso, prepara su Exposición n.1, en la que planea instalar una obra en homenaje al joven asesinado ante la indiferencia de los vigilantes costarricenses. Con ello, pretende mostrar las similitudes entre el perro callejero y la vida miserable del indigente y criticar cómo, en un abrir y cerrar de ojos, el sufrimiento de los marginados puede convertirse en espectáculo en nuestra sociedad. La reacción que obtiene del público es la esperada: indignación, polémica, circo mediático. No obstante, en la galería Códice nadie hace nada, nadie llama a la policía, nadie desata al perro, nadie arranca las croquetas pegadas en la pared ni le da un pedazo de pan al animal famélico. Por lo tanto, la obra es un “éxito”.

Surgen más dudas. Una vez aclarado el contexto, ¿es más factible considerarlo arte? ¿Este último debe ser algo que provoque una reflexión o puede ser meramente contemplativo? ¿Es necesario que cada obra se nos explique con peras y manzanas en estos tiempos? ¿Cabría la posibilidad de que casos como éste rediman la aparente vacuidad del arte contemporáneo? Quiero creer que sí. M

Michael Jackson and Bubbles. Jeff Koons.

My Bed. Tracey Emin. 1998.

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música 3x1

Devendra Banhart

What Will We Be Warner Bros

Tori Amos

Midwinter Graces

Sufjan Stevens

The BQE

Asthmatic Kitty

★★★★

Universal Republic

★★★

Con más de ese folk de baja fidelidad con el que Banhart se entrega a través de sus canciones, es que aparece What Will We Be. Con un buen ánimo para recibir al futuro, es que el cantautor de 28 años se ubica como parte de una trayectoria por demás prolífica. Si bien “Baby” se rodea de un groove setentero, la psicodelia no deja de permear sus composiciones que bordean los límites de una nostalgia perenne y fronteriza con una especie de festividad grisácea. Así es como, entre un paisaje nebuloso pero no desolado, genera canciones como “Brindo” o la rocker “Rats”. Banhart proyecta además su propio universo con desgarradoras baladas como “Meet Me At Lookout Point”, “First Song For B” y su continuación “Last Song For B”, así como disfruta de su habilidad para jugar con un poco de jazz (“Chin Chin & Muck Muck”) con el que aborda instantes de su infancia; mientras que “16th & Valencia Roxy Music” es un homenaje a la banda que encabezaron Eno y Ferry. What Will We Be resulta ser un disco que representa un eterno atardecer, húmedo y relajante. TXT:: Benjamín Acosta.

★★★

Entre al arte sonoro y una suite cinematográfica.

Stevens se ha aventurado en la creación de una obra que prescinde de la estructura tradicional de la música pop. En esta ocasión prefiere diseñar un disco cuyos trazos melódicos parecerían provocar un complejo arquitectónico para ser apreciado por los oídos. La ciudad de Nueva York aparece como el escenario para su inspiración, y de manera específica la carretera que conecta a los distritos de Brooklyn y Queens (de donde proviene precisamente el título del álbum). Un recorrido con tintes sinfónicos y que evocan una enrarecida sensación onírica–urbana, es lo que alcanza a definirse conforme emprendemos un viaje integrado por trece piezas envueltas de impredecible humor. La inercia sinfónica de pronto se sitúa en un entramado donde las programaciones y los sintetizadores hacen de las suyas, al tiempo de mantener su naturaleza instrumental. El DVD que lo acompaña incluye las imágenes que fueron proyectadas cuando Stevens lo presentó en el Next Wave Festival en 2007. TXT:: B.A.

Iron & Wine: Around the Well. No menos hippie ni menos folk.

Grizzly Bear: Veckatimest. Psicodelia en cámara lenta.

Band of Horses: Cease to Begin. Cuando se explora en las profundidades de la melancolía

Diana Krall: Christmas Songs. Para escuchar mientras se coloca el arbolito a ritmo de jazz.

Low: Christmas. Escúchese en caso de provocar un ambiente alternativo.

Tom Waits: Blue Valentine. Incluye la devastadora “Christmas Cards From A Hooker In Minneapolis”

Como parte de una discografía con la que se ha consolidado como intérprete y compositora, Tori Amos toma la decisión de grabar un disco acorde con las fiestas decembrinas. Si bien Abnormally Attracted To Sin marcó su regreso este 2009 tras dos años de silencio discográfico, cierra la década con una serie de canciones con las que podremos musicalizar las reuniones propias de la temporada.

Lo rescatable del asunto es que Amos consigue zafarse del cliché de este tipo de discos al evitar caer en el lugar común que representan. De hecho trabajó con músicos que son sus viejos conocidos para reelaborar clásicos como “Star of Wonder” y “What Child, Nowell”, al tiempo de ofrecer canciones originales: “Pink and Glitter” y “Our New Year”. El baterista Matt Chamberlain, Jon Evans en el bajo y el guitarrista Mac Aladdin, apoyan a la también pianista quien además recurrió a una big band y arreglos orquestales dirigidos por John Philip Shenale. Es así como la experiencia musical propia de la época consigue llegar más allá de lo habitual. TXT:: B.A.

Brian Eno: Ambient 1: Music for Airports. Experimental, relajante y paradigmático.

Monkey: Journey To The West. Damon Albarn y Jamie Hewlett recrean una historia influidos por un Shanghái moderno y tradicional.

David Byrne: The Catherine Wheel. Un tratado de ‘música visual’ elaborado por el ex–Talking Heads en 1990.

Massive Attack

Weezer

Echo & the Bunnymen

Splitting The Atom

Raditude

The Fountain

★★★

★★★★

★★★

Como preámbulo a su anunciado LP número cinco que se editará en 2010, el grupo de Bristol continúa en la siembra de más trip–hop. La oscuridad que cobijia su música se conserva abrigadora, y su perfil urbano de igual forma trata de mantener vivo un estilo que por momentos se cree degradado. Este EP contiene cuatro temas que intentan reubicarlos después del poco afortunado álbum 100th Window (2003), así como del soundtrack Danny the Dog (2004). “Splitting The Atom”, el tema de apertura, incluye la voz de su antiguo colaborador Horace Andy; mientras que en “Pray for Rain” aparece Tunde Adebimpe de TV On The Radio. La segunda parte de este adelanto presenta dos remezclas a temas que formarán parte de su próximo disco: “Psyche” (con Martina Topley–Bird, musa inspiradora de Tricky durante su etapa inicial) y “Bulletproof Love” (en la que aparece Guy Garvey de Elbow). Un entremés para sus incondicionales. TXT:: B.A.

Entre el hedonismo y la depresión que puede causar el realismo, entre la ironía y la estética vintage, está Weezer. La banda de Rivers Cuomo mantiene ese mood rocker tan dúctil como efectivo en términos del contagio que producen sus canciones. Con “(If You’re Wondering If I Want You To) I Want You To”, suena ese cuarteto que nos resulta familiar desde su memorable debut en 1994 y la imperecedera “Buddy Holly”. Pero en un tema como “Can’t Stop Partying” (producido por Jermaine Dupri y con la voz del rapero Lil Wayne) se busca el gusto de otras audiencias. Esta hipótesis, lejos de menospreciar, demuestra que el grupo no desmerece en lo absoluto y se sitúa en un plano seudo–dance que no implica un error. Raditude conserva su buena puntería, simultáneo al hecho de probar con un groove sintetizado como ocurre en “I’m Your Daddy” y “Love Is The Answer” con su influencia hindú y un acercamiento ‘espiritual’ a la música. TXT:: B.A.

El incansable Ian McCulloch, eterno líder conejo, es un personaje que afirma haber creado una de las mejores bandas de Liverpool. Desde Crocodiles, su memorable debut en 1980, los Bunnymen han transitado por diferentes etapas. Una historia llena de altibajos, con instantes particularmente luminosos que contrastan con otros sombríos. Es así como se han mantenido en una ruta sinuosa, que ahora tiene como escala una colección de diez temas con los que intentan rejuvenecer. Después de Siberia (2005) y un par de discos en vivo, esta banda emblemática del Reino Unido, contribuye a su propio legado en el que la guitarra de Will Sergeant resulta también un elemento clave. El disco carece de sorpresas —si acaso destaca la pegajosa “Drivetime”— y sencillamente cumple con el sentido melódico que el grupo mantiene desde su reconfiguración plasmada en Evergreen (1997). Ideal para nostálgicos y gustosos de la voz de McCulloch. TXT:: B.A.

Massive Attack: Blue Lines. La obra quintaesencial del trip–hop que vio la luz al iniciar los noventa.

Martina Topley–Bird: Quixotic. El debut como solista de una de las voces más sensuales del trip–hop.

Horace Andy: Living in the Flood. Escala obligada en la historia de este singular jamaiquino.

Green Day: Dookie. Otra notable banda californiana con un disco excepcional.

Nada Surf: Lucky. Una propuesta consolidada que también se dirige a la Generacion Y. Eels: Beautiful Freak. El debut que se convertiría en un clásico inclasificable por su eclecticismo.

The Jesus and Mary Chain: Stoned & Dethroned. Los años menos noise del grupo liderado por los hermanos Reid.

Echo & the Bunnymen: Songs to Learn and Sing. El resumen de los mejores años de los hombres conejo.

Badly Drawn Boy: Born in the U.K. Entre la herencia, el homenaje y la reflexión que implica ser británico.

Virgin UK

Geffen Records

Ocean Tours Ltd

música 3x1

69

70 Jay-Z

KISS

música 3x1

Julian Casablancas

The Blueprint 3

Sonic Boom

★★★★

★★★

Ni siquiera los detractores del hip–hop pueden negar que la carrera de Jay–Z ha sido prolífica.

Después de escuchar la culminación de su trilogía deben reconocer que este rapero neoyorkino encontró una fórmula que funciona muy bien.

Superficialmente, este disco podría pasar como una producción más de hip–hop: beats muy marcados, sampleos, rimas que hablan de bling– bling, además de un montón de colaboraciones (a veces parece que nadie puede hacer nada solo, ¿no?) y el larguísimo etcétera de lugares comunes.

Pero de manera irónica, muchas de las fortalezas de este disco vienen de los lugares comunes. Jay-Z redefine las reglas y desde el sencillo que lanzó como adelanto —”D.O.A”—, declaró la muerte del auto–tune, una aplicación para afinar las voces. Con las colaboraciones hizo un álbum de 15 sencillos potenciales. Basta escuchar las participaciones de sus cuates Kanye, Rihanna, Alicia Keys y Pharrell para confirmarlo. Además, el sampleo de “Forever Young” de Alphaville con el que cierra el disco, en la convenientemente nombrada “Young Forever”, nos demuestra que después de once discos, nos queda Jay–Z para rato. TXT:: “el d1eg0”.

Tal vez por la presión de los fans de escuchar nuevos temas de KISS (no a temas solistas, no a los clásicos de siempre, no a temas sinfónicos, sólo material nuevo), y teniendo en cuenta que sin fans no hay negocio (y KISS es un negocio muy rentable para sus miembros más antiguos), es que Gene Simmons (tan empresario como músico, o tal vez más empresario que músico en la actualidad) adelantó sobre este nuevo CD: “sólo guitarras, bajo, batería y voz; puro rock & roll”. El retorno a lo clásico comienza por la portada de este álbum, realizada por quien diseñó la de Rock and Roll Over (1976); y sigue por el sonido, que tiene la potencia y el cuerpo clásico de sus álbumes de los 70; continúa por sus temas, con la estructura vintage del KISS mezclada con arreglos que recuerdan sus canciones de los 80 con sus coros melódicos, como para cantar mientras caminas. Todo fue compuesto por Stanley y Simmons, y termina con solos muy a la Frehley de la mano de Tommy Dunster. Nada de amplificadores Rectified, la sexta cuerda afinada en Re al estilo del grunge, ni letras oscuras; todo es “fiesta, chicas y rock & roll”, con el toque romántico de siempre. TXT:: Carlos Grajales.

Roc Nation

Jay-Z: The Blueprint. Primera entrega de la trilogía.

Referencia casi obligada.

Jay-Z: The Blueprint 2: The Gift & The Curse. Segundo capítulo del plano.

Kanye West: 808s & Heartbreak. En menos de un año, Kanye participa –y prácticamente produce– en un disco que le declara la muerte a la esencia de su propio álbum.

Roadrunner Records

Phrazes for the Young Cult Records

★★★★ Pocos discos suenan tan parecido a su portada como este. El esperadísimo disco del vocalista de The Strokes resulta todo menos lo que uno podría esperarse.

Phrazes for the Young, título que hace referencia a la juventud, es un álbum lleno de peculiaridades.

Desde el número de tracks –solamente ocho–, hasta el descarado coqueteo del synth-pop con distorsiones de guitarra, nos recuerdan por qué Is This It es uno de los discos más importantes de la década que se agoniza. Las letras siguen siendo algo característico, sintomáticas de la época en la que vivimos y, en la mayoría de los casos, son de esas que no puedes escuchar con atención sin preguntarte si alguna vez has pasado por una relación tormentosa.

Musicalmente es un disco complejo pero totalmente digerible. Casablancas encontró la forma de experimentar y proponer sin pretensiones, con uno de los discos que seguramente estará en las listas de lo mejor del año. TXT:: “el d1eg0”.

Thom Yorke: The Eraser. Una referencia aventurada para un disco aventurado.

Julian Plenti: Julian Plenti is... Skyscraper. Lo que no se debe de hacer para un debut solista.

The Strokes: Is This It. Resulta interesante encontrar los lugares comunes entre este álbum y el trabajo solista de Casablancas.

Aerosmith: Rocks. Populares también en los 70 y 80, comparten con Kiss los inicios del glam metal que tuvo su época de oro en los 80.

Mötley Crüe: Shout at the Devil. Nacidos en pleno glam metal de los 80, se hicieron famosos por sus excesos de “fiesta, chicas y rock & roll” más que por su música.

Bon Jovi: Slippery When Wet. También de los 80, pero sin excesos conocidos. Su sello es: temas melódicos y coros pegajosos.

71 Boys Noize

The Pains Of Being Pure At Heart

Power

Higher Than The Stars EP

★★★★

★★★★

Power es el segundo disco de larga duración que Alexander Ridha saca bajo el nombre de Boys Noize. Hemos visto cómo la carrera y prestigio del alemán como representante del género electrónico, sube como espuma en una copa de champaña en un par de años. Para cuando Ridha se encontraba manufacturando Power era obvio su gran y afectuoso guiño a la carrera de sus coterráneos de Kraftwerk, sobre todo en cortes como “Kontact Me”, la cual está plagada de voces robóticas y melodías no bailables; igual pasa con “Trooper” y sus sonidos de soldados en marcha, acompañados por una secuencia de tambores que remiten al Electric Café de los ya mencionados Kraftwerk. Si bien es bueno que artistas como Boys Noize no llenen un disco con beats para bailar, es indispensable que exista un equilibrio entre lo que se puede escuchar sentado en tu sala, y lo que se tiene que acompañar de movimientos corporales, sin dejar de lado la calidad. Afortunadamente, Ridha hizo bien en temas como “Jeffer”, “Starter” o “Sweet Light”, con detalles profundos y gran producción que sembrarán éxitos, meneos de cabeza y despegues de talón. TXT:: “El Jergas”.

The Pains Of Being Pure At Heart es de los grandes grupos que nos reveló este 2009, con su disco debut homónimo bien pudieron dedicarse a recoger los frutos que les dio esa producción, sin embargo, para el bien común del noise rock, shoegaze y la música en general, decidieron sacar un segundo EP: Higher Than The Stars. El disco comienza con el enorme tema que le da título, un coqueteo de lo más sublime con The Cure, melodías que se mueven sutilmente sobre la dulzura de los teclados, una voz frágil que proviene de un adolescente andrógino, y un bajo que le da solidez imprescindible. The Pains Of Being Pure At Heart es un grupo de amigos que se conocen desde hace años, y la primera vez que tocaron juntos fue para el cumpleaños de la ahora tecladista Peggy Wang, han compartido vidas no sólo en el aspecto musical, sino también en el personal a un nivel de intimidad fraternal. Por eso es que les resulta tan fácil traducir esa armonía a través de su sonido onda The Cure–The Smiths– My Bloody Valentine. El resto de los tres temas incluidos son coronados por una remezcla de Saint Etienne a “Higher Than The Stars”. Un disco completamente recomendable. TXT:: “El Jergas”.

Felix Da Housecat: He Was King. Discazo de este 2009.

Kraftwerk: Electric Café (Techno Pop). Sin duda una de las influencias de Boys Noize.

Dusty Kid: A Raver’s Diary. El título lo dice todo.

Atlas Sound: Logos. Noise rock creado por la mente del vocalista de Deerhunter.

Girls: Album. Indie rock de San Francisco.

The Cure: Disintegration. Octavo disco de estudio de los ingleses.

Christmas in The Heart Sony Music

★★ Es usual que los grandes íconos musicales de EE.UU. dejen su estampa en un disco navideño. Además, el último trabajo de Bob Dylan tiene un objetivo benéfico: sus regalías serán donadas a Feeding America para alimentar a desamparados. Para este CD, Dylan reunió 15 temas de los que pasan de generación en generación: villancicos, himnos y temas navideños. Si algo se nota de Dylan es que en sus últimos trabajos ha dejado de luchar en contra de su propia leyenda, y se ha permitido exponer humor, ironía y ser un poco más accesible. No podemos calificar a este como un álbum típico de Dylan, sino como un trabajo de alta calidad tanto instrumental (te recuerda en ciertos tramos a la orquesta de Ray Conniff) como en sonido. Es alegre, distendido y emotivo, para disfrutar. Ya su voz es más emotiva que afinada (su modo de cantar aquí recuerda a Tom Waits), pero es lo que menos importa. Si alguna vez imaginaste la locura de un álbum de navidad de Dylan, esta es la respuesta que nos da por una causa humanista.

No te pierdas “Must Be Santa”, una alegre polka que cuenta con el acordeón de David Hidalgo. TXT:: C.G.

Guns N’ Roses: Use Your Illusion II. Seguro recuerdas la versión hard rock de la canción “Knocking on Heaven’s Door” de este álbum.

Jacob Dylan: Seeing Things. Aparte de pertenecer a The Wallflowers, este hijo de Bob Dylan lanzó su primer álbum solista, Seeing Things.

The Rolling Stones: Beggars Banquet. Sus majestades satánicas deben su nombre a un clásico de Dylan que supieron versionar: “Like a Rolling Stone”.

Boys Noize Records

Slumberland Records

música 3x1

Bob Dylan

72

Nirvana Los Jaigüey

música 3x1

A Place To Bury Strangers

Live At Reading Geffen Records

★★★

Los Jaigüey

Estamos frente al segundo álbum de la banda neoyorquina A Place To Bury Strangers, la crítica especializada ya los considera una banda de culto por su naturaleza subterránea, las historias y mitos que giran en torno a su música y la ejecución de la misma.

Oliver Ackerman, Jono Mofo y Jay Space nos demuestran que hacer “ruido” tiene su ciencia, que no todo ruidismo es ambiguo. Sobre todo, se rompe con la idea de que es un sonido no deseado, pues a través de 10 tracks nos hacen, literalmente, estallar los oídos con paredes sónicas, capas de guitarras procesadas que nos remiten a oscuros ambientes y nos hacen recordar desde Joy Division hasta los Smashing Pumpkins, pasando obviamente por Sonic Youth y la “bella suciedad” sonora que ofrecía Nirvana. Los mitos son verdaderos, este trío de Brooklyn fabrica sus propios pedales de distorsión, son capaces de crear un sonido gigantesco que conforme sale de las bocinas (o audífonos), crece a niveles exponenciales llenando habitaciones con exquisitas olas de estruendo. TXT: Orlando “el chino” Oliveros.

Las fiestas navideñas están cerca. Obviamente, las avalanchas de promociones, reediciones, lanzamientos de discos y demás artilugios tratan de acabar con nuestros aguinaldos. En este 2009 llegaron muchísimas novedades en cuanto a música se refiere, pero aquí hablaremos de Live At Reading, un nuevo intento por arrancarnos unos pesos del bolsillo por medio del fallecido Kurt Cobain y compañía.

Live at Reading es una muestra del poder que Nirvana podía desplegar en vivo, grabado en el ya lejano año de 1992, este concierto es quizá una de sus mejores y más memorables presentaciones. El disco es impecable y contiene todos los elementos que hicieron grande al trío de Seattle, además de mostrar versiones prematuras de temas que saldrían a la luz un año después, en el último disco de estudio de la banda In Utero. Cabe aclarar que se trata de una versión remasterizada, recuerden que existía una versión no oficial de este concierto, y en sonido 5.1 tanto para CD como para DVD. Definitivamente, Live at Reading es un disco que será un éxito entre los aguerridos fanáticos de Nirvana, pero no así con el resto del público que ya tiene o ubica al disco From The Muddy Banks Of The Wishkah, un documento que manifiesta la capacidad de la banda para realizar un demoledor acto en vivo. TXT: Orlando “el chino” Oliveros.

Joy Division: Substance. Oscuridad y pesadumbre en su máxima expresión, Substance recopila los mejores momentos de Curtis y compañía.

Sonic Youth: Dirty. Noise menos procesado, pero definitivamente igual de potente.

Nirvana: In Utero. Guitarras atascadas… guitarras hermosas.

Nirvana: From The Muddy Banks Of The Wishkah. El ya mencionado primer documento muestra el poder de la banda en vivo.

Nirvana: Unplugged In New York. ¿La despedida de Kurt Cobain?

Nirvana: Nirvana. Lo compramos solamente por “You Know You’re Right”.

Los Tres: Hágalo usted mismo. Triunfal regreso de esta legendaria banda chilena.

Maldita Vecindad: El Circo. Segundo disco de otros grandes cronistas de la ciudad.

Soda Stereo: Sueño Stereo. Último disco de otro gran trío de rock en español.

Exploding Head Mute Records

★★★★

Productora de Onda

★★★★ Cuando la pasión por el cine y la música se unen, no se puede esperar más que buenos resultados. El ejemplo claro es la banda conformada por Poncho Figueroa (Santa Sabina) y los hermanos Gustavo y Ricardo Jacob (La Escalera de Jacob), quienes se han dado un tiempo para contar pequeñas historias dentro de este proyecto llamado Los Jaigüey.

Funk, rock clásico, psicodelia, country y hasta un poco de pop podemos encontrar en Los Jaigüey, exquisito y a la vez divertido disco debut de este trío, en el cual, a través de 42 minutos nos cuenta nueve pequeñas pero profundas historias, las cuales bien podrían ser plasmadas en imágenes de algún cortometraje.

Conforme pasan los tracks, se van notando las “tablas” que poseen los tres músicos, pues el sonido de Los Jaigüey es impecable, lo cual seguramente se traduce en impresionantes presentaciones en vivo.

Otro acierto es el sentido del humor de sus letras, que son como crónicas urbanas corrosivas.

Simplemente de lo mejor que ha producido nuestro país en cuanto a rock se refiere en los últimos años, ojalá más bandas mexicanas tuvieran el ingenio lírico y musical con el que cuentan Los Jaigüey.

TXT: Orlando “el chino” Oliveros.

In A Lonely Place

Dirección: Nicholas Ray Reparto: Humphrey Bogart, Gloria Grahame Guión: Andrew Solt, Edmund H. North País: EUA Año: 1950 En 1959 Godard escribió: “Hubo teatro (Griffith), poesía (Murnau), pintura (Rossellini), baile (Eisenstein), música (Renoir). A partir de ahora está el cine.

Y el cine es Nicholas Ray”. In A Lonely Place es Nicholas Ray en uno de sus mejores momentos, con Bogart como el temperamental guionista de cine que resulta sospechoso de asesinato, logrando así que tres líneas narrativas viajen juntas por la pantalla: la historia de amor, la intriga de la investigación policiaca y el trabajo del guión que se escribe mientras avanza la cinta, como si el personaje fuera quien llevara a cabo la película que tenemos en frente. Responsable también de Rebelde sin causa (1955), Ray logra cautivar al espectador dotando de vida al cuadro, haciendo del cine una experiencia vital. En su libro I Was Interrupted dice querer “ayudar a crear un nuevo concepto de cine como una cosa viva, en constante respiración”. Descontando el carácter entrometido de la música para cine en boga en ese entonces, In A Lonely Place sale victoriosa de la batalla con el tiempo, siendo un clásico que proyecta su luz a través del tiempo de manera cristalina. TXT:: JP Riveroll.

The Hangover

Paranormal Activity

Gimme Shelter

Dirección: Todd Phillips Reparto: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha, Heather Graham Guión: Jon Lucas, Scott Moore País: EUA Año: 2009

Dirección: Oren Peli Reparto: Katie Featherston, Micah Sloat Guión: Oren Peli País: EUA Año: 2007

Dirección: Albert y David Maysles, Charlotte Zwerin Reparto: The Rolling Stones País: EUA Año: 1969

Del director de Old School (2003), The Hangover es la comedia perfecta para pasar un domingo cualquiera. Aunque es la típica dosis cómica con la que un gran estudio pretende vender millones de boletos, en este caso la operación está hecha con un cuidado inusitado, con personajes bien definidos, un guión obviamente exagerado pero coherente y verosímil al mismo tiempo, fotografía y música que sirven bien a la película, y un discreto elenco que hace de la combinación de estos ingredientes algo creíble. La genialidad de la cinta reside no en ver la noche en Las Vegas, sino el enredo en que están metidos los protagonistas a la mañana siguiente, con una cruda monumental cuyas implicaciones crecen mientras la trama avanza.

Además, hay un ingrediente que se lleva las palmas: el personaje de Alan Garner interpretado por Galifianakis, un comediante poco conocido antes del lanzamiento de esta cinta, ahora catapultado a los más altos niveles de popularidad. A esto habría que sumarle una breve intervención a cargo del ex–campeón mundial de boxeo Mike Tyson para aderezar aún más la comedia del año. TXT:: J.P.R.

Los eventos reales que llevaron a una pareja a una trágica... No, pero eso aparenta. Con The Blair Witch Project (1999) como referencia obligada, Paranormal Activity demuestra que al sub–género de horror hiper– realista todavía se le puede sacar jugo. Cuando una pareja empieza a sentir la presencia inminente de una fuerza inexplicable, él decide comprar una cámara para comprobarle al mundo y a sí mismos lo que está sucediendo en su casa. Cada plano de la cinta viene a partir de la cámara de video, una locación, dos personajes principales, y sólo cuatro personajes circunstanciales, dando como resultado una muy convincente cinta de terror que sorprende y aterra con buen tino. Como gran atributo están las actuaciones de los dos protagonistas, tan convincentes como para dudar, en ocasiones, si al menos parte de lo que se ve puede ser real. Rumores de distintos finales circulan en la red, sin embargo, el que finalmente saldrá a las pantallas comerciales mantiene el tono austero y realista de la cinta, mientras que el generado por computadora probablemente saldrá como extra en la versión del DVD. TXT:: J.P.R.

Este documental musical narra cómo el espíritu hippie de amor y paz que había caracterizado al festival Woodstock, se diluía unos meses después en el festival Altmont.

Al lado de Tina Turner, Jefferson Airplane, The Flying Burrito Brothers, entre otros, la banda más emblemática del Reino Unido contrató al equipo de seguridad conocido como los “Ángeles del infierno”, ya que el festival gratuito iba a concentrar alrededor de 300,000 personas. En un acto que parecía honrar su nombre, estos bikers decidieron que su trabajo ameritaba llevar cuchillos y tacos de billar, y justo cuando los Rolling tocaban la rola “Under My Thumb”, un miembro de los Hell Angels asesinó a puñaladas a Meredith Hunter, un joven negro de 18 años. Incluso Marty Balin, vocalista de Jefferson Airplane fue noqueado por los encargados de la seguridad, con la obvia cancelación de su presentación. Además de la violencia referida, el DVD muestra escenas de los Stones trabajando en la canción “Wild Horses” en Muscle Shoals, Alabama, además de algunas escenas de Charlie Watts en una sesión de fotos para la portada de Get Yer Ya-Ya’s Out!, donde sale brincando al lado de una mula.

Marvin y Warner Pictures te regalan algunos DVD’s para curarte la cruda de la película The Hangover. Para más detalles, visita la sección Trivias en www.marvin.com.mx

cine

73

74 Los bárbaros (ensayo sobre la mutación) Metaficciones

libros 3x1

Líneas perdidas

Alessandro Baricco

Rafael Toriz

Ed. Títere Se trata de un músico español con larga carrera en solitario al que la gente ubica cercano a personajes como Enrique Bunbury y Shuarma, con quienes efectivamente ha colaborado en distintos proyectos, que van del grupo Bushido a conciertos y documentales en homenaje al poeta Leopoldo María Panero. Si a ello sumamos sus cinco discos, podemos entender que cuente con un selecto grupo de incondicionales.

Pensando en ellos ha recopilado los escritos que tenía diseminados y que recuperan su pensamiento poético de carácter lírico y coloquial. No se trata pues de un poeta académico y riguroso sino de un artista explorando en una disciplina que le es cercana.

Un debut valiente que quizá no le sume nuevos adeptos, pero que dejará complacido a quienes le siguen desde hace tiempo. Tenemos delante a un tipo que se pregunta por su naturaleza y la de su oficio: “Todo rencor lo vomité a los treinta ¿dónde estaré dentro de 40 años? ¿Muerto o lleno de vida? ¿Escribiendo canciones al ritmo de un bastón?”. TXT:: Juan Carlos Hidalgo.

Anagrama El nuevo orden mundial, ese que se desprende del capitalismo salvaje, ha echado muchas cosas a perder, más allá de las economías de países y personas. Este imperio del mal gusto ha dado también al traste –según el italiano Alessandro Baricco- con industrias como la del vino, el futbol y el antiguo sistema de librerías, que en Europa formaban parte de la cultura burguesa. Para el autor de Seda estamos viviendo una nueva barbarie, que al estar vinculada con la tecnología reviste parecido a una mutación de la raza humana.

Los seres humanos que se derivan de este modelo social pueden ser considerados mutantes, que protagonizan un presente basado en un mundo de lo efímero, superficial y facilista. Para Baricco se ha perdido la capacidad de esfuerzo, ya sea para producir un vino con personalidad y profundidad, para preservar el arte de los jugadores creativos, o para fomentar una literatura importante que trascienda al best seller de la peor calaña.

Ubicado desde un nicho un tanto snob, el brillante pensador italiano ofrece este dinámico ensayo que muestra un panorama de la manera en que se ha ido googlealizando el mundo. Un texto rico en ideas y propicio para la polémica. TXT:: J.C.H.

Leopoldo María Panero: Poemas del Manicomio de Mondragón. La abrumadora influencia de un artista de la locura y la lucidez extremas.

Bruno Galindo, Enrique Bunbury y Carlos Ann: Panero. El disco en que recrean con voz y música los poemas de Panero.

Carlos Ann y Mariona Aupi. Santa N. El disco más reciente que ha grabado Carlos, ahora en pareja arman un cabaret mediterráneo.

Alessandro Baricco: Seda. Para conocer la parte literaria de este puntilloso y refinado autor.

Jean Baudrillard: El pacto de lucidez o la transparencia de Mal. Este fue otro ensayista de gran calado y capacidad para la reflexión y la polémica.

Michel Houellebecq: El mundo como un supermercado.

Un texto que se convirtió en escándalo que parte de una lucidez rabiosa e iconoclasta.

Jorge Luis Borges: El jardín de senderos que se bifurcan.

Maestro de la metaficción, en esta obra se incluye el genial relato titulado “La biblioteca de Babel”.

Roland Barthes: El susurro del lenguaje. Más allá de la palabra y de la escritura. Un estudio brillante sobre la revolución de la gramática y sus consecuencias en los meta–relatos.

Franz Kafka: La metamorfosis. La reflexión paradigmática que denuncia cómo el entorno fumiga a los individuos.

Carlos Ann

Ediciones de punto de partida Colaborador habitual de nuestra sección de fondo, el ensayista y narrador Rafael Toriz (Xalapa, 1983) nos entrega Metaficciones, un libro que contiene nueve cuentos que de manera autoreferencial, irónica y arriesgada, reflexiona sobre las ingratas tareas que encara quien asume el oficio de la escritura. Cada relato es diferente y sorprende por la perspicacia de sus ocurrencias: un bibliógrafo que decide adoptar una dieta de papel y tinta para devorar sus libros favoritos, la metaficción de una mujer que aburrida sale del relato para incitar a su autor, una bizarra ciudad Gótica totalitaria, la angustia ante la postergación del primer escrito que nunca se publicó, además de la contundencia y precisión de sus frases (“el corrector es el eunuco de la literatura”, “considero a la literatura periodística, además de vacía e inconexa, un mero efluvio cultural de moda”).

Con un brío experimental en cuanto a estructura y lenguaje se refiere, Toriz escribe en varias personas para lidiar con temas como el fracaso, el aburrimiento, la digestión literaria, la frustración, el desencanto y el pesimismo, este último sólo capaz de romperse durante los momentos de introspección literaria. TXT:: Vicente Jáuregui.

El arrepentimiento en viñetas

75 TXT:: Óscar G. Hernández.

El arrepentimiento, al igual que el amor, es uno de los sentimientos e ideas que definen lo que entendemos como humano. Es parte irremediable de toda ética y moral, y como tal es un tema ineludible para la creación artística. La lucha eterna entre el bien y el mal –dilema moral por excelencia– define, sin temor a equivocarnos, a todas las culturas del planeta. La conciencia de esta distinción (diferenciar lo bueno de lo malo, los errores de los aciertos, la vergüenza, la liberación, el perdón, el renacimiento, etc.) es lo que da lugar al arrepentimiento.

En el mundo del cómic, así como en la literatura, la música y todo el resto de las artes, integra de diversas maneras el tema del arrepentimiento. De las obras singulares que podrás leer sin temor a arrepentirte te traemos Una muerte en la familia, saga de Batman que narra la muerte de Robin, considerada de culto por los fans del hombre murciélago. También te presentamos Demon’s Regret de Mitch Brown & Wilfredo Torres, una serie sobre demonios arrepentidos que está dando mucho de qué hablar. Finalmente cerramos con la historieta argentina de culto por excelencia: El Eternauta, el mundo arrepentido.

Batman, una muerte en la familia Jim Starlin, Jim Aparo

DC Comics En esta entrega Batman, personaje oscuro por excelencia, se ve sumido en el más grande arrepentimiento. La trama del hombre murciélago se vio fortalecida con este suceso. Una muerte en la familia no sólo contribuyó a hacer más grande la mitología de uno de los personajes más importantes del cómic norteamericano, sino que además permitió que los lectores definieran el destino de Robin de forma directa. La DC Comis organizó una votación telefónica para saber si el “joven maravilla” debía vivir o morir, lo cual causó mucha polémica, pues para algunos el destino de Robin ya estaba decidido y el resto era sólo un truco de marketing. Lo cierto es que este número fue un parteaguas en la serie, y hoy día sigue siendo reeditado y leído a lo ancho y largo del planeta. El argumento está situado en el más puro estilo de los 80, entre la guerra fría y el terrorismo.

Batman enfrenta la muerte de su compañero de batallas a manos de su enemigo por excelencia, el Joker. La narración en sí tiene un ritmo bastante evidente, y en realidad no hay muchas sorpresas ni en el dibujo ni en el guión. Lo que atrapa al lector en realidad es algo previamente anunciado, y acaso el morbo por saber cómo ocurrió. Su más grande innovación fue el grado de violencia utilizado. Arrepentido y traumado por siempre a partir de este suceso, Batman regresaría a ser un personaje solitario que difícilmente podría aceptar un acompañante.

Demon’s Regret Mitch Brown & Wilfredo Torres

Digital Webbing Por lo regular, resulta demasiado difícil tomar argumentos que han sido utilizados hasta el cansancio. Sin embargo, el uso de ángeles y demonios por diversos autores, sigue seduciendo a un considerable mercado de lectores. Demon’s Regret plantea una trama que buscará insertar un giro de tuerca por medio del arrepentimiento. Los autores basan su historia en una pregunta: ¿Qué pasaría si los Ángeles caídos se arrepintieran de haber decidido luchar contra Dios? Bajo esta línea crearían un anti–héroe que no estuviera ni con dios, ni con el diablo. La gráfica de este cómic es bastante limpia, el uso digital de los colores pone al lector ante viñetas realizadas con buen gusto. Torres y Brown no se complican y realizan una estructura narrativa clásica que permite al lector integrarse rápidamente en la temática. Demon’s Regret es uno de los 10 finalistas del Comic Book Resources CB13, y ha comenzado a llamar la atención de los lectores. Cómics de este tipo nos muestran cómo se puede seguir hablando de un tema desde otra óptica y sin arrepentimientos.

El Eternauta, el mundo arrepentido H. G. Oesterheld, Solano López, Pol

Club del Cómic Ediciones Referirse al Eternauta es hablar de uno de los cómics históricos de la Argentina, si no es que de toda América Latina, con más de 50 años de existencia ha sido reeditado constantemente y leído por generaciones. Considerado no so sólo de ciencia ficción, sino también futurista y premonitorio respecto de las dictaduras sudamericanas. La desaparición de su autor a manos de los militares junto a todo el significado y contenido de este cómic, ayudaron a crear un enorme culto en ese país y fuera de sus fronteras. El Eternauta ha sido llevado a todas las áreas posibles de la cultura de la pampa como son obras de teatro, programas de radio, cine, música, bandera política, pintura mural, incluyendo alguna vez la portada de la revista Rolling Stone. La influencia de esta historieta es enorme en muchos sentidos. El mundo arrepentido es una de las obras que se editaron para celebrar los 40 años de existencia del cómic. Su contenido se apega a la tradición creada por Oesterheld y Solano, siempre con referencias de conflictos sociales; en esta ocasión, el Eternauta se encontrará en un mundo en descomposición que se arrepiente de su propia autodestrucción y decadencia. La realización está a la altura de sus creadores y no decepciona en ningún momento al lector, es una obra que habla por sí sola y de la que jamás nadie se arrepintió de haber leído.

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Ratchet & clank future a crack in time Distribuidor: SCEA Desarrollador: Insomniac Games Consola: PS3 ★★★★ En un fin de año donde la moda es explorar templos, jugar con guitarras y baterías de plástico, y disparar en modos de primera persona, esta propuesta de Insomniac viene a dar un aire fresco, para colocarse como una opción más que interesante a quienes gustan de las plataformas.

La historia sigue exactamente la línea de tiempo de sus dos antecesores, en donde Clank es capturado por las criaturas llamadas Zoni y Ratchet. A lo largo de los variados niveles tendremos que usar nuestras habilidades aprendidas en aquellos días de Mario Bros, y Tomb Raider; y lo mismo habrá que saltar, aplastar y romper cajas.

Pero también hay mucha acción con pistolas futuristas, los protagonistas tienen acceso a un arsenal bastante interesante que mientras hace daño a los enemigos, nos sacará una sonrisa con sus efectos tan curiosos y únicos.

Aunque es un juego con una imagen infantil, igual lo disfrutarán los mayores de casa. TXT:: Carlos Gutiérrez.

Beaterator Distribuidor: Take 2 Games Desarrollador: Rockstar Games Consola: PSP ★★★★ En el PSP, Beatarator es como un sueño hecho realidad.

Más que un juego es una caja de sonidos, beats y voces, que se resguarda en un paquete realmente pequeño.

Rockstar se alió con el afamado productor Timbaland para la creación de este título, para cerciorarse que su oferta realmente cumpliera con la promesa de crear música sin necesidad de nada más. El juego se divide básicamente en dos partes: Live Play y Studio. En Live Play es donde podremos “tocar” en vivo, tal y como su nombre lo indica. La interfaz es sumamente sencilla y hasta el más inexperto se encontrará haciendo música casi de inmediato. El modo Studio es un pequeño pero muy completo estudio de producción, que salvo las dificultades de la interfaz en el PSP, logra capturar la esencia de un editor de audio, e incluso nos deja exportar nuestras creaciones en formato WAV. Es difícil calificar un juego cuando en realidad se trata de un instrumento para crear música. Si buscan un juego, este no es el lugar, si buscan un estudio portátil, no hay que mirar más lejos. TXT:: C.G.

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TXT:: “El Jergas”.

Skateboarder Magazine

Arts & Crafts México

Sitio de la revista especializada en la disciplina de la patineta, lleva más de 40 años de existir y de ser una de las más leídas por su gran contenido, así que no extraña que la versión web no sea la excepción en calidad. Ofrece noticias, fotografías, videos, promociones y contenido extra de la revista física, lo cual es una gran ventaja ya que es difícil conseguirla en el DF.

Home de la versión nacional de Arts & Crafts, disquera indie–rock ubicada en Canadá. Con más de un año en nuestro país, A&C México se ha dedicado a traernos artistas como Julian Plenti, Jay Reatard, Yo La Tengo, Girls, Los Campesinos!, además de editar el tan pospuesto debut de Los Odio. Siempre con un precio amable y accesible para el consumidor. En su página pueden encontrar noticias, videos, revisar su catálogo de artistas, podcasts y enlaces a toda su red social.

www.skateboardermag.com

www.arts-crafts.com.mx

Babelgum Films

Juega.tv

Babelgum es una página que se encarga de albergar filmes profesionales y semi–profesionales de todo el mundo. El sitio cuenta con la característica de shuffle, exclusivas, videos relacionados con lo que estás viendo, sección temática y recomendaciones del editor.

Blog hecho por uno de los nombres más reconocidos en la reseña del videojuego, “El Paella”, quien a través de videos bastante dinámicos y entretenidos nos informa de lo más fresco en todas las consolas vigentes: Xbox, PlayStation 3, Nintendo Wii, Nintedo Dsi y muchos más.

www.babelgum.com/film

Eclectic Method

Dollar Bin Jams

Descubrí la página de este colectivo cuando buscaba un video relacionado con Quentin Tarantino, lo que encontré fue un mashup video– musical elaborado con segmentos y canciones de todas sus películas.

Asombroso. Un espectáculo visual de lo más placentero. Visiten esta dirección para ver más obras de este trío de londinenses dedicado, como ellos mismos describen, a la mezcla audio–visual.

Me había guardado este sitio desde el inicio de esta sección que pueden leer hace algunos meses. Siento que es tiempo que conozcan a Dollar Bin Jams, un blog musical que comparte música de la época en que el vinilo era el rey. House, disco, deep house, funk, hip–hop, soul, versiones 12”, remixes, mixtapes, rarezas, y sobre todo, mucho baile en esta bitácora con sede en Philadelphia.

www.eclecticmethod.net

+clics +links

juegatv.blogspot.com

dollarbinjamsonline.blogspot.com

Descubre otros sitios de interés en nuestra sección Más más más.

Visita www.marvin.com.mx

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Es muy común que la gente involucrada en la música, sea en la composición o la ejecución de algún instrumento, tenga muy poca idea de cómo funciona la industria musical, y mucho menos de qué son los Derechos de autor y cómo hacerlos valer jurídicamente. Enhorabuena, la Editorial Porrúa de México publica La industria musical y los derechos de autor, una investigación de Jorge León y Rico, músico y Licenciado en Derecho, que desarrolla varios temas relacionados con la industria musical y su relación con los artistas, además de aventurar estrategias para resolver la crisis de la industria ¿Cómo nació la idea de escribir La industria musical y los derechos de autor?

Inicié el libro hace como tres años, de los cuales año y medio duré escribiéndolo, y el resto en encontrar quien lo publicara. Como no existe bibliografía sobre los derechos de autor, las editoriales me decían que no se iba a vender, pero estuve de necio hasta que Porrúa decidió publicarlo. En el libro hablo de los derechos de autor, la distribución de un disco, la maquila, el management, la cuestión de la piratería, las descargas digitales, el precio de la música, etc. La intención era escribir sobre estos temas de manera muy sencilla para que lo pudiera leer un músico, un estudiante de derecho o un abogado.

la cuestión digital, las disqueras deberían tener un nuevo modelo, bajar el precio del disco para contrarestar la piratería, no ser voraces con el artista y quererlo amarrar, sino buscar nuevos medios de distribución.

¿Está dirigido a los músicos en general o sólo a quienes componen y participan de los derechos de autor?

Es para ambos. Para los autores menciono cómo hacer el registro, así como el monto promedio de los derechos, a dónde se tiene que acudir.

También está dirigido a un músico ejecutante que finalmente necesita entender cómo funcionan las disqueras, qué es un management. Siempre es útil tener un panorama general de cómo funciona la industria.

Por último, en un país como el nuestro donde la corrupción es moneda corriente, ¿habría que hacer un doble esfuerzo?

Sí, el libro parte de algunas sugerencias, y de recomendaciones como penas más altas a la gente inmiscuida con la piratería, sabemos que cuando se incauta el material apócrifo regresa, es todo un círculo vicioso.

Es muy difícil cambiar de tajo algo que culturalmente nos viene aquejando desde hace muchos años, pero creo que si cada quien asume su papel, si sabemos cuánto tiempo y esfuerzo requiere hacer un disco, te la piensas dos veces para comprar pirata. Ahora, hay que ver el otro lado de la moneda: un disco que cuesta entre 150 y 200 pesos es incosteable para quien gana el salario mínimo, las tiendas deberían no subirle ese 200%, y los discos podrían estar perfectamente en 50 pesos. Se trata de hacer un movimiento cultural para valorar más el disco, para saber las ganancias que está dejando de percibir no tanto la disquera, pero sí el artista. M

En tu opinión, ¿cómo se debe transformar una disquera para distribuir la música hoy en día?

De alguna forma el disco va a desaparecer, no en un 100%, pero será un objeto de colección, van a existir menos tiendas y cada vez será más una venta de culto para coleccionistas. La industria debe de estar preparada para eso, la gente apenas le está entrando a la cultura digital. Con la piratería y

¿Es piratería cuando uno descarga música de un blog?

La ley dice que cuando descargas algo para uso personal no es piratería, pero también es muy ambiguo, porque si el autor sabe que se está descargando su obra de la red y de manera gratuita, puede haber un conflicto. Como todavía no está bien regulado en cuestiones de Internet, aún no está muy claro el asunto.