MVN 177 | Jessie Reyez

JESSIE REYEZ Locura de amor juvenil

EDICIÓN

177 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-FEB-20

+ ANA MARÍA OLABUENAGA Linchamientos digitales

+ 2020

Prospectos musicales

+ 2019

Lo mejor del año

EVITA EL EXCESO, www.alcoholinformate.org.mx, No de Permiso 193300201A0416

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS ASISTENTE DE ADMINISTRACIÓN ALAN CORONA admin@marvin.com.mx

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REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DISEÑO EDITORIAL ADRIANA GALLARDO adrianag.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx PROJECT TRACKING ALFREDO CALDERÓN alfredoc.marvin@gmail.com REDACTOR WEB ALDO MEJÍA COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sergio Benítez, Aldo Mejía, Wenceslao Bruciaga, Juan Carlos Hidalgo, Toño Quintanar, Diego Urdaneta, Romina Pons, Jorge Jiménez, Melissa Olivares, Iurhi Peña.

IMPRENTA Compañía Impresora El Universal Allende 176. Col Guerrero. México, CDMX. Tel. 5117 0190

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 177 correspondiente a: DICIEMBRE 2019 ENERO 2020. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

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EDICIÓN

CENTRAL REPORT

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

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DICIEMBRE 2019 - ENERO 2020

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MUTEK / Las ideas tienen eco.

ARROBA NAT / La nueva esencia del bolero.

AXEL CATALÁN / Las canciones urgentes de un alma joven.

HMLTD / Queers para principiantes sado.

NOA SAINZ / ¡Mayday! Una estrella en el camino.

RAUW ALEJANDRO / Nuevas vibras desde Puerto Rico.

SAMPA THE GREAT / La respuesta siempre estuvo en África.

JESSIE REYEZ / Voz profunda y un discurso cuyos mensajes, son sus señas claras de identidad.

ANA MARÍA OLABUENAGA / El odio como patrimonio universal LETRAS INDELEBLES / Lo mejor del 2019 por escrito.

CINE EN 2019 / Confidencias que habitan la imagen.

LO MEJOR DE LA DÉCADA LOS MEJORES DISCOS 2019 CUENTO / ¿Qué prefieres?

CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / André el gigante | El gigantismo de la lucha libre CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA / Tamara D.T. #MARVIN18 / Iurhi Peña

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EDITORIAL

e acabó la década y comienza una nueva etapa para el mundo. La nueva década seguirá siendo tomada por el talento latino alrededor del globo pero las nuevas generaciones no sólo escuchan reggaetón, también están clavadas en la música triste hecha sólo con voz y una guitarra como acompañamiento.

En las siguientes páginas encontrarán nuestros prospectos del 2020, lo mejor que pasó en este año y en la década según varios amigos/colaboradores de Marvin. En portada un talento canadiense con raíces colombianas, Jessie Reyez, de quien escucharemos mucho el próximo año; también jóvenes artistas mexicanos que nos sorprendieron y que en el 2020 van a sonar por todos lados como Noa Sainz, Axel Catalán y Arroba Nat. Al final del año siempre se siente esa nostalgia de que dejamos todo atrás, el recuento de la década nos muestra que el poder latino está controlando el planeta y es el momento idóneo para seguir creciendo. ¿Cuál es el artista de la década? ¿Cuál es la canción que va a marcar el 2010-2019?

Cada uno tiene sus elecciones y gustos pero si de algo estamos seguros es que la pasamos bien. ¡Que sea un gran año! ¡Que viva el arte! Porque el arte nace, crece y se reproduce pero nunca muere.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver.

Pero un desastre a la vez.

Aldo Mejía

Periodista de cultura, política y seguridad, egresado de la FES Acatlán. Estudioso de la contracultura y la narcocultura, así como de la relación entre ambas. Escritor en ciernes de crónica, cuento y ensayo.

Detective salvaje.

Sergio Benítez PR full time: PubliRelacionista por pura frustración, PeriodistaRock por mera emoción y PunkRocker por harta devoción. Hace mucho, dice poco y escribe más. Sencillamente un maldito monstruo sucio y maloliente.

Diego Urdaneta

Periodista musical, cubriendo música pop desde hace varios años en algunos de los medios más importantes del mundo: VICE, Playboy, Esquire, Washington Post.

Iurhi Peña

COLABORADORES

Estudió Artes Visuales la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM. Publica fanzines e ilustraciones sobre ser mujer en una ciudad de tercer mundo.

Actualmente es parte de Beibi Creyzi, editorial feminista queer de risografía y serigrafía junto que publica gráfica de mujeres y personas sexo-diversas de México y Latinoamérica.

Melissa Olivares

Nacida en Monclova, Coahuila, 1995, Virgo. Radica en León, Guanajuato, Lic. en ciencias de la comunicación en la universidad Quetzalcoatl de Irapuato. Artista gráfica e ilustradora freelance, y una marca de indumentaria llamada Mell Hell en la que se involucra de lleno en la dirección de arte, styling y procesos creativos en cada pieza.

Juan Carlos Hidalgo

Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P. J. Harvey.

Toño Quintanar

Escritor, adicto al cine, cuentista, guitarrista en Los Riot y nigromante frustrado. Estudió Literatura e Historia del Arte en la UNAM. Ganador del XXI Certamen Literario Juana Santacruz.

Wenceslao Bruciaga

Escritor, cronista, más de diez años como columnista de #ElNuevoOrden en Milenio. Melómano irremediable e insufrible, boxeador amateur. Es autor de los libros Tu lagunero no vuelve más (ed Moho 2000), Funerales de hombres raros (ed Jus 2012), Un amigo para la orgía del mundo (ed Discos Cuchillo 2016) Bareback Jukebox (ed Moho 2017).

Por culpa del hardcore punk lo tachan de ser un gay-antigay.

Romina Pons

Comunicóloga y periodista musical.

Ha colaborado para medios como Rolling Stone México, RMX y The Washington Post. Fue gerente de Reactor 105.7 y actualmente conduce Sálvame Diario junto con El Warpig por salvameradio.com.

Jorge Jiménez

Es comunicólogo, músico, escritor y guionista de televisión. Actualmente es Director Creativo de varios proyectos de TV Azteca. No soporta escuchar música con un audífono.

MUTEK 2019 FESTIVALES

MUTEK Las ideas tienen eco

DICIEMBRE 2019 | ENERO 2020

TXT:: Aldo Mejía FOT:: Arturo Lara

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Dieciséis años respaldan la edición mexicana de uno de los festivales de arte y tecnología más importantes del mundo. Estos son nuestros apuntes de nuestra experiencia en MUTEK 2019.

A ciegas. Así decidí ir al Nocturne 2 de MUTEK 2019.

Usualmente, investigo el cartel, repaso a los headliners, el talento femenino y a los mexicanos; investigo y pregunto qué no puedo perderme en un festival. Sin embargo, éste era un ejercicio que quería realizar desde hace tiempo y éste, uno de los festivales más longevos a nuestro país y con respaldo internacional, me parecía una oportunidad inmejorable. Y la experiencia que me llevo parece darme la razón.

Entrada la noche, en la Sala B de Fábrica, el artista y productor Ryoichi Kurokawa tuvo una presentación fantástica. En los visuales que lucía detrás de él se veía el video de una casa japonesa por al que el tiempo no había pasado en vano. Los muros parecían derruidos por la humedad y de las grietas del suelo germinaban plantas como en una cuestión de azar. Pero el artista le había agregado una especie de radiografía, parecía que le había tomado el pulso y con transiciones que parecían erráticas hacía gala de su muy estudiado set.

La música que le acompañaba se sentía -literalmente- recorrer el cuerpo. Con cada frecuencia que exploraba y transmitía al mismo tiempo, dejaba un rastro como de cosquilleo en los músculos. No se podían distinguir cortes entre piezas ni había tiempo para procesar lo que estaba sucediendo. A cada instante, Kurokawa nos ponía a merced de información nueva.

Le siguió su compatriota, Daito Manabe, quien debutó Dissonant Imaginary en nuestro país. Un experimento artístico que, según leí después, explora multidisciplinariamente el cerebro. Manabe aplicó sus conocimientos en neurociencia y arte digital para entablar un vínculo entre las máquinas y la sensibilidad humana. Cada una de las partes que diseñó y produjo para este show, lo hizo con sumo cuidado, y al terminar nos dejó en claro por qué es un veterano referente.

La única cosa que tenía en claro al ir a Nocturne era que debía llegar a tiempo para poder ver las instalaciones sin un montón de gente alrededor de la experiencia. Melting Memories, de Refik Anadol, era una increíble proyección que iba adquiriendo texturas como si fuese el propio

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muro el que estaba mutando. Mientras que 1.0 de 404.zero se constituyó de una proyección láser a través de una serie de marcos que se iban moviendo conforme su programación y un algoritmo aleatorio.

Entre los mexas a destacar de esa noche está KOI, talentosa artista que imprimió a su set un tenue candor oriental mientras nos hacía mover tímidamente en la enorme sala principal. En la sala secundaria, VOID, proyecto constituido por Andrés Arochi y Sebastián Lechuga, hicieron una aleación de sonidos e imágenes orgánicos y naturales con otros sintéticos y caóticos.

En el marco de MUTEK 2019, nos invitaron también a ser testigos de SKALAR, la gigante instalación de luces, espejos y música que evoca sentimientos y sensaciones humanas. A pesar de parecer ésta como una experiencia colectiva, cada uno tenía y experimentaba a su manera la obra venida desde Berlín. El espectáculo iba en ascenso hasta explotar de forma contenida y culminar en lo que semejaba el amanecer de un diminuto sol con decenas de rayos dirigidos y multiplicados.

Para cerrar esta edición del festival, el Auditorio Black Berry acogió el concierto de Kelly Moran y el regreso de Apparat en formato full band y con un nuevo disco bajo el brazo: LP5. Kelly atrapó la atención de una dominante mayoría que exigía silencio para apreciar el set de piano experimental que brindó. Nada estridencias mucho menos actos de desborde, sólo una muestra excepcional de piano.

Mientras que Apparat mantuvo a todos embelesados con la pulcritud en la ejecución de cada uno de los integrantes de su banda. Las nuevas canciones adquieren matices distintos, se acentúan algunos elementos y otros se atenúan para crear atmósferas palpables a la vista. Apparat no se contiene y explota. La música se hace acompañar por un juego de luces bien cuidado y que traduce algunos de los sonidos que se plasman a cada instante.

Cuando entrevisté a Damián Romero, director general de este festival, me dijo que él y su equipo se plantean la forma de vincular este evento con la ciudad. No sólo por la elección de lo venues que albergan cada una de las partes, sino por el establecimiento de ideas, luego de materializarlas, y la generación de pláticas que contribuyen y enriquecen cada edición de MUTEK. Esta vez no es la excepción, y todavía se escuchan y se sienten los ecos de algunos actos.

PROSPECTOS 2020

ARROBA NAT

LA NUEVA ESENCIA DEL BOLERO

Arroba Nat estrenó este año su álbum debut en el que plasmó, en nueve canciones, su experiencia tras una ruptura amorosa.

Enmarcó dichas letras con sonidos traídos del folk y el bolero, y por eso es mi elección como artista a seguir.

TXT:: Aldo Mejía FOT:: Cortesía de la artista

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Existe una generación de jóvenes músicos a los que les basta una guitarra y una letra sincera, sin complicaciones líricas, para conectar con un amplio público. Cuando yo posé el oído en ellos, su fama ya era notable y estaban llenando varios foros. Entre ellos figura Arroba Nat, una zacatecana de veintidós años que al panorama de sonidos que dominan la música mexicana vino a sumar la tradición del bolero y el folk.

Ausente fue la canción con la que conocí a Natalia, quien no presume de una voz privilegiada, sino una llena de sentimientos melancólicos venidos de su experiencia propia en el desamor. Su álbum debut lleva por nombre Para echar la lloradita, y las nueve canciones que lo componen surgieron de una relación que terminó mal y de algunas otras que ni llegaron a ser.

“Se me hace bien bonito que la gente conecte con cosas que yo he vivido y lo tomen como su propia experiencia. Me llena mucho de alegría que se las apropien y sean sus canciones”, me dice con un marcado acento en su voz respecto al recibimiento que ha tenido su trabajo. Y es que a ella tuve la oportunidad de verla en directo un par de días después de haber escrito acerca de “Ausente”. En vivo fue también que descubrí “Dormir sin coger”, cuya letra cantaban los fans a voz en pecho.

En ese concierto, intercalaba entre las canciones alguna anécdota y contaba su experiencia al tratar de superar la pérdida amorosa. Eso plantea un vínculo distinto pues pareciera que le habla a cada uno de ellos, como si fueran buenos amigos. Eso se debe a que Nat, me dice, no le gusta verse en un nivel

distinto a sus seguidores; los ve como un grupo de gente que comparte el amor que ella experimenta por la música.

Concebir su disco no fue tarea fácil. Un amigo suyo y ella hicieron un primer intento de grabarlo, pero no lo lograron. Fue entonces que recurrió a un par de amigos Chuyma y Kevin, para volverlo a intentar y puso en ellos plena confianza para llegar a buen puerto, pero el proceso le tomó un poco más del tiempo planeado. El resultado es media hora de melancólica sinceridad.

Le pregunto cómo es que llegó a este sonido tan particular y me explica que no fue sino hasta años recientes que empezó a escuchar a artistas como Juan Gabriel, José Alfredo Jiménez y Chavela Vargas. “Sentía que esa música era bien real porque me hacía llorar y dice las cosas como son. Entonces hice una playlist que se llamaba Para echar la lloradita e inconscientemente tomé elementos de ellos.

Pero también lo hice de bandas que sí crecí escuchando, como Enjambre y Los Románticos de Zacatecas.”

No es sino hasta que me dice esto que caigo en cuenta de que ya había un precedente para que naciera un proyecto como Arroba Nat. Ambas bandas que me menciona como influencias sentaron un precedente al vincular la canción de festival con el rock.

Sin embargo, la época en la que ella se está desarrollando como artista dista mucho de aquella en la que crecieron sus ídolos. Ahora cada vez hay menos disqueras de por medio y las redes sociales son una gran forma de mantener comunicación con sus seguidores, aunque es consciente de que el hate también

está al alcance de un click. Es por ello que se mantiene cerca de sus amigos y de quienes la fortalecen en lo anímico.

“Antes me costaba mucho trabajo expresar cómo me siento y poner mis sentimientos en palabras. Por eso escribir canciones para mí es como una terapia; es soltar, soltar, soltar. Y las canciones que hago son para mí, así que no temo compartirlas”, me explica luego de preguntarle si no temía ponerse en cierta posición de vulnerabilidad con sus letras. “No me gusta tener facetas. Así como soy al escribir, también lo soy con mi familia y sobre el escenario. Es mi esencia en todos lados”, remata con una risa abierta.

Me confiesa que es sobre el escenario donde más cómoda se siente porque es ella con su guitarra, y sin ella no sabría a bien qué hacer. Nat no pretende ocultar el entusiasmo que le causa la época en la que ha decidido crecer como artista. Se ha rodeado de músicos que le han tendido su amistad y la mantienen creativa a tal grado que tiene la vista fija en volver a grabar este disco con muchas colaboraciones.

“Apapáchame” y “La perra soledad” me parecen dos de las mejores canciones que se publicaron este año en la música mexicana: retoman cierta tradición cultural con la frescura de la juventud. Con un nostálgico brillo en el rostro, me dice que ahora escribe sobre la lejanía que mantiene con su familia pues la distancia comienza a pesarle.

Pero también me adelanta que ya compuso su primera canción de amor. Y me entusiasma ver el alcance que pueda tener Arroba Nat sólo con su guitarra y su esencia.

AXEL CATALÁN LAS CANCIONES URGENTES DE UN ALMA VIEJOVEN

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PROSPECTOS 2020

“A mediados del 88/ Vine al mundo a descubrir el lodo/ La nostalgia, el bien y el mal/ Ricos, pobres, era digital”.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Cortesía del artista

primera composición fue a los 8 años) tiene los desplantes de un veterano y reitera que lo suyo irá para largo. Se imagina haciendo canciones con muchos años a cuestas y aferrado a un oficio que escogió desde muy temprano.

Es como si tuviera muchos años más de edad (o tal vez sólo acumuló pronto experiencias y mañas que lo hacen sentirse un “viejoven” o adaptar el sobrenombre de “Perro viejo”, que aplicó también a su debut discográfico, también en formato Ep del 2016.

Me tocó compartir con Catalán la ruta y presentar un libro sobre David Bowie en Puebla; ese compilado inicia su título como Manual de Amor Moderno… y lo que hace Axel en directo es exactamente eso: imparte unas lecciones instantáneas para capotear los sinsabores existenciales. Pude constatar cómo hasta aquel salón de la BUAP llegaron varios incondicionales para hacer de esos temas himnos momentáneos que plantan cara al fracaso y la soledad. ¿Qué debo de pensar acerca de Axel ante las distancias cortas? Ni duda cabe que uno de sus atributos más notables es esa capacidad para crear complicidad entre él y sus seguidores. Me interesa destacar esa capacidad para conectar y hacer sentir a la gente que sus composiciones les pertenecen.

No creo que solamente sea un singer-songwriter, porque también con Los sinfuturo logró el año pasado una muy buena entrega de 7 canciones en apenas 31 minutos, que alude precisamente a lo que pareciera ser su obsesión; el disco fue nombrado Sinfuturo y la pareja que lo acompañó se adaptó perfectamente a las necesidades expresivas de un artista al que no le preocupa los años biológicos que lleva a cuesta sino la manera en que le ha

chupado el tuétano a la existencia.

Todo indica que Axel tiene un plan perfectamente urdido y una canción de ese disco le sirve para profetizar que lo que busca desatar es un: “Apocalipsis romántico”, pero siendo siempre “Austero” en términos de los arreglos y los elementos que incorpora. Conserva algo de esencia beatnik en “Tristeza”, pero a juzgar por lo que se escucha en Inútil Corazón sabe muy bien quienes son “Los enemigos” y como capotear la “Mala racha”.

Y las canciones de Catalán siguen sonando en los viajes y en las cunetas llenas de grava en las que uno puede pasarse tardes y noches contemplando los cielos. Suena “Ausencia”: “No sé por dónde irán/ Las corrientes de estos ríos/ Muérdeme una vez más/ Que quiero sentirme vivo”, y “Perro viejo”: “Tienes que notar que tras los años/ Estas algo viejo y muy tocado que nadie te va a aguantar/ Y el error es un trago más”.

Axel pone los acordes y el canto… lo que me hace rememorar algo que apunto ese viejo vaquero llamado Sam Shepard, el escritor que concibió a un caminante recorriendo París,Texas: “La soledad es la experiencia central de la vida moderna. Todos luchamos contra la soledad. Hay quien la elude buscando la seguridad de una familia, otros se rodean de gente. Yo escribo porque es una compañía constante. Llevo mis cuadernos a todas partes. Cuando escribo no me siento solo y necesito esa soledad para escribir. Es un conflicto sin solución”.

No sé qué pase en el futuro, pero en este momento –a un costado de una carretera estatal- tengo que la certeza de que Axel Catalán, Sam Sherpard, la soledad y la escritura tienen mucho en común.

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Quiero creer que en el folk que se hace en México existe una especie de tradición –algo velada- que pasa por Jaime López hasta alcanzar a Lázaro Cristóbal Comala. Se trata de un territorio músico-cultural que ha superado al geográfico; a lo largo y ancho del país han surgido artistas sobre los que cabría preguntarse porqué es que han escogido a la canción pura y destilada como su forma de expresión.

Eso nos permitiría especular si es que se trata de una mera economía de recursos o bien se debe a una convicción estética; a la postre quizá la respuesta correcta sea una combinación de ambas más algún otro factor… como la inmediatez de esa forma de expresión.

No es un asunto menor esa parte territorial si además tomamos en cuenta esa alternancia generacional, en la que veteranos como Carlos Arellano siguen dando pelea junto a noveles figuras que se mueven entre un desmadroso desenfado y ambiciones de conquistarlo todo con la facilidad de quien enciende un horno de microondas.

Entre esas voces emergentes se encuentra Axel Catalán, quien aunque originario de Morelia, ha sido un trotamundos que pertenece a otro pulso generacional: “A mediados del 88/ Vine al mundo a descubrir el lodo/ La nostalgia, el bien y el mal/ Ricos, pobres, era digital”.

“Los amantes” le ha servido para construir esos puentes directos con sus contemporáneos, pero luego ha probado con temas ya más arropados por el sonido entero de una banda, tal como ocurre con “Señor extraño”, un tema que pertenece a Inútil Corazón (2019) a su Ep más reciente. En ambas versiones Axel hace lo suyo sintiéndose igual de cómodo.

No deja de sorprenderme la claridad de sus ideas; como arrancó desde muy niño (su

PROSPECTOS 2020

HMLTD

QUEERS PARA PRINCIPIANTES SADO

TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Daniel Mutton

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En 1984, el escritor J.G. Ballard respondió: “Soy muy desconfiando de alguien como Genesis P-Orridge sus acrobacias extravagantes sólo me parecen intentos gratuitos por centrar la atención sobre si mismo” a una pregunta que el artista conceptual Graeme Revell le hizo a propósito del entonces fundador de legendarias bandas de industrial y arte sonoro como Throbbing Gristel y Pshychic Tv. La entrevista al último gran autor de la ciencia ficción más atinada, precisa y retorcida del siglo XX fue publicada en el fanzine de lujo RE/Search.

Confieso que la misma desconfianza me invade cuando escucho los sencillos de HMLTD que en los últimos meses han desencadenando impaciencia y leyenda urbana por igual. Su álbum debut, que saldrá en el próximo febrero, se está convirtiendo en los más anhelados por la crítica musical especializada y su base de fans, que han forjado a partir de sus videos sobrecargados de artillería queer y los conciertos que son descritos como espectáculos de sadomasoquismo andrógino, o no-binario, para la nueva semiótica posmoderna.

Escucharlos sin la simulada fama alarmista que los precede, es la prescripción más sensata para apreciar el concepto musical de esta banda conformada por provincianos británicos, como ellos se definen, que han invadido algunos antros de Londres con su espectáculo de gore gay, pero dejemos el maquillaje para después.

HMLTD, iniciales de Happy Meal Ltd, es un grupo inspirado en el sainete vocal del glam más primigenio e histérico, acaso el de Sparks o Alice Cooper, al servicio de beats programados en el espectro del industrial dance de colonizadores del género como KMFDM, My life with the Thrill Kill Kult, el

Pshychyc TV de su faceta dancefloor, o los Revolting Cocks, incluyendo los guiños homoeróticos de estos últimos. Hasta aquí la propuesta es gratificantemente espontánea.

El problemilla empieza con cierta propensión de componer tracks que los emparentan a los momentos oscuros de los Scissors Sisters, pero sin esa convicción pop alejada de toda pretensión ideológica que hicieron grandes a los Scissors.

Los HMLTD se han esforzado, en verdad, por enarbolar una epístola deconstructivista extraída de la academia de los últimos años, esa que hace parecer la estética, los tacones y los billets rojos carmesí como hechos científicos aplicables a las relaciones sociales normativas. Sus último sencillo, “The west is dead”, habla sobre fantasías del fin capitalismo heterosexual, aunque son patrocinados por marcas de ropa sin género, y algunos colectivos gays del Reino Unido ya empiezan a acusarlos de robarse algunas insignias propias de las subculturas homosexuales para presentarlas como dolorosas novedades anarquistas de un espectáculo sin que ellos mismos sepan de que va el dolor del placer anal en la vida real, o de los laberintos de las identidades trans. La diversidad sexual como pastelazos para perturbarse entre bugas, como les decimos desde el slang gay a los heterosexuales.

Si bien han salido reseñas de sus conciertos en donde se relatan confrontaciones con el público a punta de guitarrazos o insinuaciones porno, cuando se les entrevista en camerinos, además de describirlos como corderitos amansados de voz suave (a diferencia de Genesis P Orridge, cuya personalidad desbordante y confrontativa es la misma frente al micrófono, en las entrevistas o los

supermercados, además de que su auténtica convicción deconstructivista la llevó a recostarse en la cama de un quirófano para que la anestesia y los bisturís mapearan una cirugía de reasignación sexo genérica, cuya ruta la pondrían como brújula en los complejos caminos de la visibilización de las identidades trans) refieren una devoción a lo que han leído sobre los conciertos de Bowie, Adam Ant o los Talking Heads, pero no mencionan ni por pose, a nombres que si lograban desquiciar a su público y hasta provocar vómitos y convulsiones, como las presentaciones de GG Allin o los legendarios toquines de los Buttholes Surfers; también por esos días Henry Rollins, al frente de Black Flag, solía bajarse de los escenarios para partirle la madre a skinheads y dejarles claro que su música no estaba dedicada a alimentar el ego de neonazis de mierda, y Steve Albini con su Big Black hacía numeritos de penetraciones minimalista y urgente, sin tanta sofisticación ni outfits deliberados. ¿transgresión o moda extrema?

Quizás la respuesta se encuentre en los convencimientos generacionales. Lo que es un hecho es que su música es mucho más atrayente que los chismes sobre sus shows, o sus discursos de queers provistas desde el bricolaje millenial, dudosamente resumido por la síntesis de las redes sociales y sólo por eso vale la pena seguirles la pista, ya sea para ver hasta dónde son capaces de llegar, si la música definirá su nombre o por el contrario, sus performances de sangriento maquillaje los obligará a ser esclavos de su propio sadomasoquismo.

Su álbum debut, que saldrá en el próximo febrero, se está convirtiendo en los más anhelados por la crítica musical especializada y su base de fans, que han forjado a partir de sus videos sobrecargados de artillería queer.

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NOA SAINZ ยกMAYDAY! UNA ESTRELLA EN EL CAMINO

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PROSPECTOS 2020 TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Cortesía de la artista

preguntaba cómo había respondido la gente ante el cambio de sonidos, al parecer sus fans no se sintieron alejados de lo que había construido Noa, de hecho la respuesta fue más que buena y logró captar la atención de un sector que no estuvo cerca al principio de su carrera.

Una canción que varias tomaron como estandarte para cantarle a ese amor que dejaron y que hacía que entendiera que una forma de despertar es dejar de lado a ese amor que sólo te hizo daño.

Tiempo después me invitaron a la presentación del nuevo sencillo de Noa Sainz, era la primera vez que la vería en vivo. El lugar era pequeño, íntimo y tocó algunas canciones para después presentar el video de “qué bueno!”, otro himno para empoderar a esas personas a ponerle un STOP a esas relaciones tóxicas que van apareciendo en tu vida. La fotografía del video era increíble y la sorpresa nos la llevamos cuando vimos a las bailarinas twerkeandole en la cabeza a Noa. “Tú y yo no vamos despacio / Como satélite en el espacio / No tenemos que dar explicaciones / Si escuchan todas las conversaciones”, dice Noa Sainz en su más reciente sencillo llamado “Mayday!”, así como el llamado de auxilio y alerta, una canción para esos que nos dejamos ir en caída libre en el amor.

En esa plática que tuvimos me contó que desde pequeña tuvo un acercamiento con la música pero sus primeras clases de canto en forma los tomó cuando estudió actuación pero comenzó a cantar gospel cuando tenía 10 años.

Noa Sainz es una de las artistas más prometedoras dentro de la escena nacional, con un potencial enorme que va a posicionarse rápidamente dentro del pop nacional y va a poder crecer internacionalmente. Su equipo, su voz pero sobre todo su actitud le van a abrir puertas. Cuando platicamos en esa entrevista se le nota la ambición y la serenidad para tener en la cabeza sus metas. ¡Mayday! ¡Mayday! Estamos apunto de colisionar con una estrella.

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era el 2018, las mujeres repuntaban en los mejores álbumes del año y entre esos nombres se vislumbraba una Rosalía que había lanzado El mal querer; Kali Uchis tenía el Isolation repuntando en varias listas; Robyn y su disco Honey habían hecho a varios volver a creer en el pop inteligente; y Snail Mail comenzaba a dar de qué hablar con Lush. Y ahí, dentro de toda esa nueva oleada de mujeres haciendo música increíble estaba una chica de 19 años proveniente de Saltillo, Coahuila.

Su primer EP lleva por nombre No Science, la puso en el ojo de la gente y cuando la gente escuchó “FYT” todo se revolucionó. El beat, la voz, la letra… Todo conectó con el público, año y medio después esa canción tiene más de cuatro millones de reproducciones en Spotify, el video tenía varios plays pero por alguna extraña razón lo desaparecieron pero ya está otra vez arriba. Después de ese EP, Noa Sainz obtuvo el apoyo de un sin fin de personas que han ido con ella hombre con hombre en este trayecto que ha recorrido a pasos agigantados.

El concepto que envuelve a Noa Sainz la ha llevado a presentarse en festivales como Bahidorá y en la primera edición de Sónar México. Este año pudo hacer su primera gira en forma al lado de Fer Casillas. En Marvin la hemos seguido desde sus inicios y en lo personal es un proyecto que me emociona seguir.

Su éxito exponencial llevó a una major label a ponerle el ojo y firmarla, ahí es donde comienza la aventura. La verdad es que no tenía idea de qué podría pasar con alguien como Noa que se había desarrollado bajo el ambiente independiente y el sonido del R&B. El primer sencillo que sacó bajo el cobijo de Warner Music fue “despertar (el dolor)”, sorprendió a varios con un sonido distinto, tirándole más hacia el reggaetón y los sonidos urbanos que llevan repuntando las listas de las plataformas durante varios años.

Hace unos meses tuve la oportunidad de platicar con ella en uno de los nuevos proyectos que se acaban de gestar en Marvin y le

PROSPECTOS 2020

RAUW ALEJANDRO NUEVAS VIBRAS DESDE PUERTO RICO TXT:: Diego Urdaneta FOT:: 90th Shooter

Rauw Alejandro estrenó este año Trap Cake, Vol. 1, su primera entrega de larga duración; junto a una seguidilla de sencillos come streams que lo pusieron en la palestra.

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Es realmente difícil lograr un rompimiento en el mercado de música urbana latina. Todos quieren pertenecer a él. Ojalá pudiese tener a mano el número de cuántos artistas están haciendo reggaetón, dembow, dancehall o trap en español. Ed Sheeran, Justin Bieber, Drake, Demi Lovato, Katy Perry o Beyoncé han bebido de las aguas del reggaetón y han hecho sus colaboraciones con artistas clave del género cantando en español. El famoso “crossover” de los noventas ahora dio la vuelta al mundo, ahora es al revés. La sobresaturación de oferta en cualquier mercado (no solo el musical); dificulta enormemente el descubrimiento de artistas y propuestas nuevas. Algo fresco. Estar sentado en tu sofá viendo Netflix, perdiendo tiempo ante la cantidad de películas y documentales disponibles; quedando congelado ante tanta oferta y al final decidiendo no ver nada. Un escenario parecido sucede para la música latina.

Este presente del pop en español es uno nunca antes vivido. Y asomar la cabeza ante tantas propuestas de calidad (y de no tanta) se complica. Bad Bunny, luego de recibir su primer Grammy Latino a Mejor Disco de Música Urbana por X100PRE habló sobre la falta de innovación en el género y que muchísimas cosas “sonaban igual”; haciendo un llamado a toda la comunidad para innovar y tratar cosas nuevas. Tiene razón. Por eso quiero hablar de Rauw Alejandro, nacido en San Juan, Puerto Rico, alguien que está uniendo al rhythm and

blues con la música urbana y el pop mundial.

Alejandro es parte de la “nueva generación” de la música urbana latina. Lunay, Cazzu, Lenny Tavárez, Jhay Cortez, Myke Towers, Sech, Brytiago, entre los más sonados.

Encargados de refrescar la escena y volverla sustentable en el tiempo. El puertorriqueño vino de Soundcloud, el antiguo oasis y cuna de nombres vitales para entender lo que sucedía en otras escenas más underground además de lo que sonaba en el radio o televisores.

“Empecé en Soundcloud porque había un movimiento importante en Puerto Rico que venía de esta plataforma: Bad Bunny, Álvaro Díaz, por decir algunos. Era el único lugar donde propuestas parecidas a la mía tenían espacio y notoriedad”; me comentó el también autor de “Te hace falta”; canción perfecta para conocer la construcción de su propuesta: melodías bastante trabajadas; coros notables y fraseos que lo diferencian del resto de la escena.

Rauw Alejandro estrenó este año Trap Cake, Vol. 1, su primera entrega de larga duración; junto a una seguidilla de sencillos come streams que lo pusieron en la palestra. La última vez que lo entrevisté, Alejandro tenía en sus manos un disco de oro por “Fantasías”, sencillo de su autoría ft. Farruko que sobrepasa los cien millones de plays en Youtube y otros cien más en Spotify. “Espuma”; “Que le dé”, “Qué somos”, también entran en la lista de sencillos que el puertorriqueño de 25 años ha vuelto clásicos en su repertorio.

La voz de Alejandro es icónica. Una textura que realmente refresca lo que está sonando en el planeta mainstream; y probablemente su éxito lo coloca como el representante del R&B latino ante el mundo. Antes de Rauw Alejandro, De La Ghetto o Arcángel plancharon el camino de entrar al pop mundial tomando al R&B como vehículo. Incluso Ricky Martin o Enrique Iglesias lo hicieron. El 2020 se convierte en el año más importante de la carrera de Alejandro. Teniendo en sus manos la oportunidad de seguir posicionándose y adentrándose en la música popular llevando la bandera del rythm and blues.

Este tipo de propuestas son vitales y necesarias para que esta época dorada de la música latina siga teniendo salud y sea rentable en el tiempo. Opino igual que Bad Bunny; de a ratos, siento que muchos artistas (fuera y dentro del género) están tratando de repetir decenas de veces la misma mezcla que los hizo exitosos alguna vez. Y que eso suceda es terrible.

Una escena no sobrevive con solamente Bad Bunny, J Balvin, Karol G o Daddy Yankee.

Se necesitan voces, canciones y texturas como la de Rauw Alejandro. Desmembrar y deconstruir al reggaetón (o al género que sea popular en cualquier época) es importante para que siga mutando y convirtiéndose en algo más allá de solo música popular. La innovación, mezclas e influencias de otras músicas (o cualquier pedazo de arte) se necesita en la música urbana.

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PROSPECTOS 2020

SAMPA THE GREAT LA RESPUESTA SIEMPRE ESTUVO EN ÁFRICA

“Africa the new America, I hope our run is permanent. And this I put my pen in it, got my land and my permit with it”

TXT:: Romina Pons FOT:: Wami Aluko

musicalizado. Su música llegó incluso a oídos de Kendrick Lamar, quien por lo visto sintió afinidad con sus letras y reflexiones raciales, pues la invitó a ser telonera de sus shows en Australia. Posteriormente abriría la gira de conciertos de Lauryn Hill y Thundercat.

Para Sampa no fue fácil la vida en Sydney, así que se mudó a Melbourne, donde formó parte de un colectivo de artistas afroamericanos, y ahí pudo canalizar su frustración contra el racismo y su identidad a través de distintas manifestaciones creativas como música, pintura y poesía. Fueron las emociones y vivencias de esa época las que plasmó en su segundo mixtape, Birds and the BEE9, un álbum brutalmente honesto e iracundo, con el cual ganó el Australian Music Prize, algo así como el Mercury Prize australiano. Este premio además de darle notoriedad internacional, le dio solvencia económica y la suficiente seguridad en sí misma como para entender que sí podía vivir de su música y que podía decir lo que llevaba dentro sin temer en las consecuencias.

El 2019 fue el año de Sampa, y todo indica que es sólo el inicio. En junio formó parte de Glastonbury presentándose en el escenario Pussy Parlure, y en septiembre sacó su primer LP en forma con Ninja Tune, The Return, que llamó la atención de la prensa musical internacional. Si Birds and the BEE9 es un disco lleno de enojo e indignación, The Return se mueve

más hacia la esperanza y la reflexión, sin dejar de lado el espíritu contestatario. Por primera vez Sampa da rienda suelta a sus gustos musicales, explorándolos todos: jazz, un poco de reggae, soul, hip hop, R&B, música africana y hasta pop. Grabó los videos de “Final Form” y “OMG” en su natal Zambia, en este último incluso salen sus papás y la primera escuela en la que estudió. El disco cuenta además con las voces sampleadas de su madre y hermana. A pesar de su fuerza y ritmo, es también un disco melancólico, que plasma su necesidad de volver a casa, no sólo como lugar físico, sino como un estado mental.

En octubre de este año la revista australiana Happy Mag la integró en la lista de las quince artistas que están cambiando el juego en su país poniéndola en el segundo lugar, únicamente por debajo de Courtney Barnett.

Unas semanas después ganó el ARIA Award por mejor lanzamiento Hip Hop. Es la primera vez que estos premios integran dicha categoría, haciendo con ese premio doble historia.

Sampa cerró el año con un breve tour europeo en ciudades como Zürich y Berlin, y empezará el 2020 con tres fechas en Inglaterra para luego presentarse en Nueva York, Chicago, Washington, Boston, Detroit y otras ciudades estadounidenses. Hay que tener la atención fija en Sampa The Great, pues si bien ha logrado cosas grandes, aún no explota todo su potencial.

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Una mujer afroamericana camina de espaldas a la cámara, sus múltiples trenzas rebotan a cada paso. Danzantes africanos Nyaus en trajes típicos se mezclan con imágenes de lo que podría parecer un pueblo mexicano, pero no lo es. “Africa the new America, I hope our run is permanent. And this I put my pen in it, got my land and my permit with it”. El mensaje es claro y contundente, la canción es “Final Form” el primer sencillo de The Return, de Sampa The Great. Es un video cargado de energía, cadencia y protesta pero también frescura y mucho ritmo.

Sampa Tembo nació en Zambia en 1993, creció en Botswana y a los 18 años quiso probar el american dream mudándose a San Francisco con una amiga. Después de un tiempo su hermana la convenció de irse a Australia con ella donde continuó estudiando ingeniería en audio y producción en el SAE Institute.

Fue ese país quien la vio crecer pero no como ingeniera, sino como cantante y compositora.

En el 2015 hizo un mixtape producido por Godriguez a quien conocía de la escena underground de Sydney. Decidió subirlo a Soundcloud para descarga gratuita. Su propuesta llamó la atención del sello Wondercore Island en Melbourne, y la apoyaron para sacarlo en cd y vinil. Al año siguiente continuó lanzando sencillos en internet como “Black Dignity”, “Second Heartbeat” y “HERoes (The Call)”, que más que una canción es un slam de poesía

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JESSIE

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TXT:: Sergio Benítez FOT:: Cortesía Universal Music México

on apenas 28 años, Jessie Reyez se ha destacado en el mundo de la música, sí gracias por poseer una voz profunda, pero también por mostrar un discurso cuyos mensajes, son sus señas claras de identidad. Jessie es hija de migrantes colombianos y aunque nació en Toronto, Canadá, su herencia latinoamericana y la mezcla de culturas del país de la hoja de Maple siempre estuvieron presentes en su vida diaria. “Casi no tuve opción, porque allá nací. Es algo natural, pero también algo que se tiene que aprender. Los primeros cinco años de mi vida, era como si estuviera en Colombia, porque en mi casa se hablaba español, las costumbres, la comida y todo eso”; recuerda Jessie.

Los retos han estado presentes desde siempre en la vida de Jessie, pues cuando empezó la escuela, no sabía hablar inglés, “Pero tenía la fortuna de que, la primera escuela donde me inscribieron, había muchos inmigrantes. Había niños africanos, haitianos, chinos; que tampoco hablaban nada de inglés”, dice Jessie quien además, a muy temprana edad, se enfrentó al racismo y discriminación. “Fue después, en mi siguiente escuela, se reían porque yo tenía un acento al hablar. Era la primera vez que decía, ‘¿cuál acento?’ Porque yo no decía tomato, decía tomate. Situaciones como esas, te enseñan a tener una perspectiva mayor para entender los dos lados y enfrentar cualquier situación”, comenta Jessie.

Desde muy niña, Jessie estuvo expuesta a la música, «Desde chica siempre me gustaba mucho, siempre cantaba en la casa, siempre sentaba a mi familia para hacerles shows”, dice Jessie, quien cantaba canciones de Carlos Vives y se ponía hasta frutas en la cabeza haciendo shows de Celia Cruz. La música se convirtió en su mejor canal de comunicación, como ella lo explica: “La primera vez que me di cuenta que esa era la manera en que podía comunicarme de modo más honesto, fue cuando a los dieciséis años, le canté una canción mía a una amiga y ella se puso a llorar. Siempre he dicho que me gusta más cantar para poder comunicar, que sólo hablar”.

Una vez terminada la secundaria, Jessie toma la decisión de no asistir a la Universidad.

Se marchó a Florida donde trabajó como bar tender e interpretando música en la playa. Fue en esa época cuando la nacida en Colombia decidió qué era la música a lo que quería dedicar su vida. “Estaba en casa, en mi departamento en Fort Lauderdale. Mientras contaba mis propinas, pensaba en la vida, mientras escuchaba “Dream II” de BJ The Chicago Kid. Ese fue un momento sagrado para mí; sólo recuerdo haberme inspirado y pensar: ‘Esto es lo que quieres. ¿Qué estás haciendo? No pierdas tu tiempo. Tienes la habilidad, puedes caminar, puedes hablar. También puedes cantar, puedes trabajar, puedes lograr cualquier cosa’. Entonces comencé a moverme más fuerte, apresurándome más”, explica.

“Poder cantar o poder hacer poesía es como si uno escribiera una carta, sin que alguien interrumpa tus pensamientos y emociones, es algo potente. Por eso me gusta mucho y siento que tengo mayor facilidad para comunicarme a través de la música que con palabras normales y con frases comunes y corrientes”, agrega Jessie. De regreso a Toronto, comenzó sus estudios en la Remix Project Academy donde estableció sus primeros contactos dentro de la industria musical.

Aunque domina su lengua materna, el español, Jessie compone su música principalmente en inglés. Nuevamente Jessie enfrentó un reto más, pues haciendo lo que más le gusta, sufrió acoso sexual, como lo plasmó en “Gatekeeper”, tema de 2017, en el que la intérprete canadiense hace referencia a este episodio de su vida y que además acompañó con un cortometraje donde ilustra aquella experiencia de abuso.

Y es que las canciones de Jessie Reyez tienen como origen lo que sucede en su vida y así lo explica ella: “Si yo salgo de acá y me quiebro una pierna, mañana voy a escribir una canción sobre eso. Yo canto de lo que me ha pasado. Sé que muchas de mis canciones son tristes. Es ese estado de ánimo donde la recién nominada al Grammy se mueve mejor al momento de escribir. “Cuando estoy triste, me salen más fácil las emociones, es como si mi

Nacida en Toronto, CanadĂĄ y de ascendencia colombiana; Jessie pudo acercarse a la mĂşsica desde temprana edad. Cuando niĂąa Jessie cantaba y tocaba la guitarra junto a su padre en la iglesia.

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“Uno cuando es niño y quiere realizar un sueño, piensa que todo es lindo, pero eso no es la verdad”.

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cuerpo lo quisiera sacar de cualquier modo y de la manera que sale es en las canciones”, asegura Jessie.

Para ella, la música es sagrada y confiesa que la industria no ha sido como ella esperaba, “Uno cuando es niño y quiere realizar un sueño, piensa que todo es lindo, pero eso no es la verdad”. Pero hay dos cosas que se han mantenido sagradas para ella y que no dejará que nadie las toque y se mantengan puras: escribir la música de corazón a la boca y al papel y los shows en vivo, “Porque ahí no hay nada de política, nada de plata y nada de nada”, expresa Jessie, convencida de ello. Durante su aún corta carrera ha trabajado junto a músicos como Skrillex, Chance the Rapper, Diplo o Calvin Harris, de quien es “protegida”, musicalmente hablando. Se confiesa fanática de Quentin Tarantino y gusta de meter las manos en la hechura de los videos que acompañan sus canciones. De acuerdo con Jessie, la música es unidimensional, porque la atiendes con uno sólo de tus sentidos; “Me gusta mucho la idea de poder jugar con lo que escribo dándole una imagen a lo que se escucha, lo que eso te hace sentir en el corazón e imaginar en tu mente”, dice.

Aunque aún considera que tiene mucho que lograr dentro de la música, su talento la lleva a aspirar a involucrarse en el mundo cinematográfico. “Sí, totalmente; pero me falta madurar más en la música, quiero conseguir un Grammy, quiero sentirme mas asentada en la música para después mirar la otra montaña. La otra montañas es escribir una película y ganar un Oscar, algo así”, dice Jessie, quien está convencida que eso vendrá des-

pués, ya que por ahora quiere enfocarse cien por ciento en la música.

Ha sido nominada al Grammy por Mejor Álbum Urbano Contemporáneo y sabe que ganar le haría muy feliz pues es una meta que se ha trazado desde hace mucho. “En mi casa tengo un papelote grandote que tiene visualmente todo lo que yo quiero lograr y ahí tengo un orfanato que quiero montar con mi mamá, ahí tengo una casa en Los Angeles, siete Grammy y otras cosas. Pero esa idea la tengo desde pequeña”, dice Jessie. Asegura que esto no cambiaría su proceso de hacer música, “Porque ha sido lo mismo de sed que empecé.

Desde un inicio decidí ser lo más honesta posible, particularmente porque la música que me ha pegado más a mi, es la de Amy Winehouse y ella me pareció muy honesta en su música. En mis tiempos duros yo la oía ella y sus canciones, sentía que tenía una amiga que me entendía”; dijo.

Hace unas semanas, en visita relámpago a México, Jessie ofreció un show acústico para algunos pocos y muy afortunados fanáticos. Este primer encuentro con su público mexicano fue descrito por ella como algo natural, pues aseguró haberse sentido como en casa. “No tengo mucha experiencia haciendo shows en Sudamérica, ni en México, ni en Colombia. Estaba nerviosa, pero feliz; Juanes también asistió y eso me parecía mentira”, expresó contenta. Si este 2019 fue un año de gran actividad para Jessie, el próximo traerá consigo más trabajo. “Estoy trabajando en mi primer álbum y vendrán más giras, menos dormir, mas trabajo, más felicidad y ojalá un Grammy, ¡carajo!”, concluye.

“Poder cantar o poder hacer poesĂ­a es como si uno escribiera una carta, sin que alguien interrumpa tus pensamientos y emociones, es algo potenteâ€?

Ana MarĂ­a Olabuenaga El odio como patrimonio universal

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“Un linchamiento digital es una tormenta de indignación online que busca arrasar con el prestigio de una persona o institución”

TXT:: Toño Quintanar FOT:: Cortesía de la autora

¿Qué podemos definir por “linchamiento digital”?

Un linchamiento digital es una tormenta de indignación online que busca arrasar con el prestigio de una persona o institución. Dicho proceso parte de la idea de que los linchadores actúan en nombre del “bien”, buscando y obteniendo para el “condenado” un castigo offline que puede incluir la pérdida de reputación, trabajo, bienes materiales e, incluso, la vida. Los antecedentes de este fenómeno datan de los linchamientos raciales ocurridos en Estados Unidos entre los siglos XIX y XX. ¿Cómo surge tu interés por este tema?

Fue después de enterarme de la muerte de Tiziana Cantone. Era una muchacha italiana quien sufrió de revenge porn. El suyo fue un video que se viralizó de forma notable; misma situación que, por supuesto, se tradujo en un acoso terrible. Ella se suicidó porque consideró que ya no había salida, ya que su video –una felación explícita– permanecería por siempre al alcance de los usuarios de Internet. Poco después de su muerte aparece en reddit una entrada: un emoji sonriendo con la leyenda “una puta menos”. En ese momento supe que este fenómeno, esta falta de empatía y humanidad, merecían ser estudiados. ¿Vivimos en una sociedad orwelliana?

Sí, pero también con unos toques de Huxley. Creo que nuestra sociedad combina tanto elementos de 1984 como de Un Mundo Feliz. La burbuja de las redes nos mantiene en este “mundo feliz” y dentro de esta realidad nos vigilamos entre todos. Todos somos “little brothers”.

Pareciera que el mundo virtual necesariamente tiene que regirse por etiquetas: los buenos y los malos.

Definitivamente todos jugamos un rol dentro del mundo digital. Este rol varía dependiendo de la red social en la que nos encontramos, así como del grupo al que estamos indexados. Somos conscientes de que estamos jugando un rol y de que no podemos perder la personalidad que nos es-

tamos creando. Una cuenta promedio de Twitter tiene 770 followers.

Las personas saben que tienen que estar a la altura del “teatro” que han construido para sus espectadores. Aquí es donde la indignación entra en escena. Algunos académicos de Harvard han descubierto que si tú subes entradas con una carga moral fuerte vas a tener un mayor impacto; misma situación que se traduce en mayor prestigio.

Parece que todo es resultado de un mismo problema: la falta de empatía.

Existen características humanas que hemos ido olvidando. Para que tú empatices con alguien es necesario establecer cierto nivel de contacto. La tecnología va más rápido que la construcción de las emociones humanas. Nuestra necesidad de postear –ser los primeros–supera nuestra capacidad de sentir piedad por alguien. ¿El odio impera?

Sí. Imperan el odio, la indignación y la ira. Imperan porque enganchan fácilmente. Nos “conectan” de forma inmediata con el evento en cuestión. Los algoritmos fortalecen y amplifican este vínculo; ya que están diseñados para favorecer aquellas entradas que tienen este tipo de carga moral. Esto permite, a su vez, un mejor posicionamiento de la publicidad. Básicamente, la indignación vende.

El tema que abordas en tu libro es sumamente volátil. Analizas los linchamientos digitales de personajes controversiales como Nicolás Alvarado y Marcelino Perelló. ¿Te encontraste con algún tipo de resistencia al momento de llevar a cabo tu investigación?

Todo el mundo me decía: “¿Por qué estudias a estas personas quienes, básicamente, son basura social?”, “¿Por qué recuperarlos del basurero?” Esto solamente me impulsó a seguir adelante. Precisamente mi interés era dejar en claro que no hubo un debido proceso. Quería discutir las argumentaciones en estos casos. ¿Las redes sociales han generado nuevos “códigos humanos”?

Me quedo con la reflexión de Gianni Vattimo. Él dice que la aldea digital es una “ventana” para ver lo social. Hay un basamento muy antiguo detrás de la tecnología. Las redes reflejan la carga moral con la que vivimos a diario. Seguimos siendo muy puritanos. Esto nos ha quitado profundidad como individuos, somos correctos o incorrectos. Tenemos una sola dimensión para elegir. ¿El caso del músico y escritor Armando Vega Gil puede considerarse un paradigma dentro de los linchamientos digitales?

El caso de Armando es muy importante, tanto por las cifras que ofrece en cuanto a fenómeno mediático, como por su dramatismo. Uno de los elementos más duros de este caso fue su carta de despedida. Es terrible decirlo, pero, muy probablemente, tenía razón en cuanto a que su suicidio era la única opción viable para evitar que su hijo cargara con su estigma. Sin duda iba a quedar marcado para siempre. Es algo muy doloroso. Mucha gente se lava las manos diciendo que él ya se encontraba pasando por un cuadro de depresión muy aguda. Es probable, sin embargo, debió de haber un detonante..

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na María Olabuenaga es una de las mentes más enérgicas de la era moderna. A lo largo de su carrera, esta realizadora se ha dado a la tarea de redefinir los estándares que son propios de la publicidad para vislumbrar enfoques revolucionarios que operan directamente sobre los afectos más viscerales del receptor.

Por supuesto, esta perspectiva mediática ha permitido a Ana María agudizar su juicio crítico hasta transformarlo en un afilado bisturí, misma cualidad que queda reiterada mediante Linchamientos digitales, libro a través del cual esta pensadora analiza algunos de los procesos más oscuros y descorazonadores surgidos a partir de esa relación cada vez más estrecha que persiste entre tecnología y ser humano.

En esta entrevista, Olabuenaga nos ofrece un caleidoscopio de reflexiones que dejan en claro que ese receptáculo de ira en el que se han transformado las redes sociales durante los últimos años no es sino un reflejo potencializado de aquellas heridas psíquicas que el ser humano ha albergado desde sus épocas más arcaicas, misma relación que no hará más que mutar con el paso del tiempo hasta alcanzar límites insospechados.

Letras indelebles Lo mejor del 2019 por escrito

A continuación, te presentamos algunos libros destacables que fueron publicados este año o que empezaron a circular en los primeros meses. Para todos los gustos hay en esta lista y de éstos derivan muchos a los que bien valdría dar seguimiento.

TXT:: Juan Carlos Hidalgo

BIOGRAFÍA Brett Anderson Tardes de persianas bajadas Ed. Contra

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POESÍA Mañanas negras como el carbón (2018) nos dejó enganchados y ansiosos, pues se detenía antes de que Suede comenzara a cobrar relevancia en el medio musical inglés. Algunas veces su autor y protagonista dijo que este libro no iba a existir, pero también cayó en la tentación –por fortuna. Dog Man Star (1994) supuso el estallido de la celebridad, pero también de un existencia confusa y convulsa; se venían las cuestiones del manejo de la sexualidad, la vorágine del britpop –del que siempre renegaron-, los excesos y las tormentas existenciales. Todo se agolpaba mientras no paraban de escribir canciones magníficas y de extraer de su público una feligresía atascada de hormonas. Anderson es muy autocrítico y puntilloso, por lo que no vaciló en abordar la partida de su colega Richard Butler y las complicaciones de la vida en la cresta de la ola. Un librazo para propios y extraños.

Rocío Cerón Spectio Ed. Tres Nubes/UANL

La autora se ha tenido que transmutar en La observante a propósito de una residencia en la casa de Luis Barragán; se mueve entre el tiempo y el espacio con sapiencia para extraer sus esencias y convertirlas en textos que anhelan convertirse en arte total. De este libro, que también funciona como una bitácora de sus hallazgos y rutas creativas, Rodrigo Castillo apuntó: “Al intentar regresar al núcleo, con las pausas y activaciones propias de la imaginación, el deseo y las sexualidades, el viaje se hace perpetuo, y en su devenir cíclico las mutaciones alrededor del camino toman forma de vestigios para intensificar otros sentidos”. Cerón se ha convertido en una figura central de la llamada poesía expandida y su cercanía con la tecnología y lo multidisciplinario hacen de su trabajo algo fascinante. Este libro permite tener una visión panorámica de su intensa manera de concebir al arte.

NOVELA Agustín Fernández Mallo Trilogía de la guerra Ed. Seix Barral

Lucía Berlín Una noche en el paraíso Ed. Alfaguara

PERIODISMO Esta escritora norteamericana nació en 1936 y murió en 2014; desafortunadamente, la celebridad le vino post-mortem, pero dado que lo que pervive es la obra, ahora podemos leer y descubrir a una autora poderosísima, demoledora y capaz de llegar hasta el tuétano de la vida. A todos nos sorprendió con Manual para mujeres de la limpieza y esta es una segunda entrega de sus cuentos (que se editó a finales del 2018 y roló hasta este año), de la que Andrés Rubín anotó en el diario La Vanguardia: “Una colección de veintidós autoficciones deslumbrantes, llenas de extrañamiento y mordacidad, belleza y desafección. Auténticos fulgores en la oscuridad”. Por si ello no fuera suficiente, José María Guelbenzu dijo de ella: “Creo que nunca he leído a una mujer más inteligente, sensible, tierna y valiente que Lucia Berlín”. Una maravilla que no se puede dejar pasar.

David Cortés Escritos en el tiempo Ed. El otro rock/Librosampleados

Un veterano del periodismo musical decide hacer una antología personal de sus textos. En este libro caben entrevistas, ensayos, crónicas y artículos. Es un testimonio valioso de la entrega, perseverancia y talento que este amante de la música y profesor universitario pone en cada una de sus piezas. Aquí coexiste una visión crítica con un afán de develar propuestas apasionantes para un entorno en exceso complaciente. David se ha aferrado a mostrarnos todo ese otro rock, del que el Señor González señala que: “se desarrolla lejos de los criterios comerciales masivos de la industria, pero que pondera la sofisticación y experimentación de la obra artística”.

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La edición de bolsillo de la novela ganadora del Premio Biblioteca Breve 2018 se publicó en marzo de este año, así que vale para el presente recuento y más si se trata de una obra extraordinaria que debería recolectar lectores por cientos. El español es un artista total y global, formado en la física nuclear, la ciencia y las matemáticas se ha convertido en un protagonista de la vanguardia y ha sabido alimentar a la escritura de muchos otros elementos. Aquí nos presenta un tríptico enloquecido que pasa por Galicia, Nueva York, Uruguay, Florida, San Francisco, Normandía y otros tantos lugares. En este atractivo y complejo rompecabezas caben los fantasmas de García Lorca y Dalí, un cuarto astronauta en el primer viaje a la luna y muchos seres conectados por la música del azar.

Cine en 2019 Confidencias que habitan la imagen

TXT:: Toño Quintanar ILU:: Adriana Gallardo @adrianapez

Por supuesto, es imposible no tomar en cuenta ese fenómeno de masas que fue Joker, cinta la cual, más allá de su afilada propuesta estética, sorprende notablemente por esa potencia irreductible con la que confrontó ideologías desde antes de su estreno.

Independientemente de dichos conflictos, esta cinta podría definirse como un auténtico logro del cine contemporáneo debido a esa osadía con la que se atreve a conjuntar algo tan vilipendiado como es el cine de superhéroes con una perspectiva de autor la cual escapa, a penas por un pelo, de los códigos edulcorantes que son propios del cine comercial. El resultado es un auténtico hito que deja en claro que, incluso hoy en día, las narrativas de consumo masivo no necesariamente deben de ser proclives a la condescendencia.

un constante presentimiento La nostalgia es un mecanismo natural a partir del cual la mente humana se torna capaz de reconectarse con una serie de herencias vitales que, si bien no deben de marcar nuestro devenir, nos permiten acceder a una galería afectiva en la que los errores del pasado son analizados de forma quirúrgica mientras que los aciertos –aquellos que están innegablemente vinculados a la honestidad creativa más notable- se ven potencializados para gestar nuevas y potentes ramificaciones.

Es así como este año nos encontramos con una buena cantidad de producciones las cuales se valieron de las técnicas fílmicas más actuales para reconfigurar las perspectivas estéticas de autores tan variados y dispersos como Andréi Tarkovski (Ad Astra, High Life), Ingmar Bergman (The Lighthouse), Sergei Parajanov (Midsommar), Stanley Kubrick (The Mountain), George A. Romero (The Dead Don´t Die) y Vincente Minelli (The Souvenir).

Más de un purista ha asegurado que este ánimo de repetición podría definirse como la crisis por excelencia del cine actual, sin embargo, a su manera, este tipo de proyectos no hacen más que darle un refrescante aire de renovación a aquellas perspectivas seminales que forman parte activa de nuestro inconsciente visual.

Es en este punto en el que las nuevas tecnologías –aquellas que el día de hoy nos permiten toparnos con un rejuvenecido Robert De Niro en The Irishman- se transforman en el bastón positivista ideal de un dispositivo fílmico el cual tiene por inquietud prioritaria romper de forma definitiva con las imposiciones de la normalidad cartesiana.

la imagen rompe el marco A pesar de la serie de regulaciones mercantilistas que son consustanciales a todo tipo de industria, buena parte de la cinematografía gestada a lo largo de 2019 puede definirse como un auténtico mosaico anticolonial a través del cual espectadores de todo el mundo fueron capaces de ponerse en contacto con perspectivas etnográficas que van más allá de cualquier distancia cultural y étnica.

Mención especial merece el turbador retrato socioeconómico hilado por Bong-Jonn Ho a través de Parasite, cinta que hinca el dedo sobre una llaga antropológica la cual es resultado directo de la serie de disparidades que han hecho de nuestro planeta un lugar inhabitable para una buena cantidad de personas.

Sin embargo, el éxito que esta cinta ha cosechado en distintos festivales de todo el mundo no es más que un síntoma producto de toda una nueva militancia filmográfica que pretende hacer del celuloide la materia prima ideal para las indagaciones humanas más aguzadas.

Es de esta manera que nos encontramos con múltiples perspectivas ontológicas que abordan temas tan diversos como son: las toxicidades y contradicciones que son propias de los ambientes misóginos (Thunder Road, Skin, The Art of Self Defense, Monos, Dogman), cuestiones raciales de enorme preponderancia histórica (The Last Black Man in San Francisco, Dolemite is my Name, What You Gonna Do When the World’s on Fire?), así como enfoques femeninos de gran impacto emancipador (Diane, Gloria Bell, Portrait of a Lady in Fire).

Nuestro país no fue la excepción en cuanto a estas “lupas psíquicas” ya que algunos de sus panoramas más complejos y desgarradores fueron retratados de forma irreductible mediante ejercicios audiovisuales de pleno impacto afectivo como la descomunal Familia de Medianoche (Luke Lorentzen) o la escalofriante Huachicolero (Edgar Nito).

Desde su surgimiento en 1895, el cine no ha hecho otra cosa más que evolucionar a la par del propio pensamiento humano; misma situación que transforma a este formato artístico en un vívido receptáculo de la serie de temores y esperanzas que definen a cada época. A pesar de las transformaciones y rompimientos que el paso del tiempo seguramente traerá consigo, el desafío sigue siendo el mismo: fijar lo invisible, retratar al espectro humano a partir de los mecanismos químicos y esotéricos que son consustanciales a la imagen en movimiento.

esqueletos en el ropero No hace falta ser demasiado perceptivo para darse cuenta de que 2019 fue un año definido por muy necesarias movilizaciones éticas las cuales dieron pie a una suerte de enfrentamiento entre posturas renovadoras y modelos “clásicos”.

A pesar de la notoriedad de las nuevas voces (Alma Har’el, Paul Downs Colaizzo, Olivia Wilde, Chiwetel Ejiofor); este año también nos topamos con el retorno de grandes representantes de la “vieja escuela” como Martin Scorsese, Pedro Almodóvar, Quentin Tarantino, Harmony Korine, Jean-Luc Godard y Rob Zombie; mismos directores quienes no sólo dejaron en claro que no existe un “nuevo mañana” sin ellos, sino que también nos ofrecieron producciones que superan con creces a todo lo que venían haciendo a lo largo de la última década.

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l fenómeno fílmico es movimiento constante; un engrane que camina de forma irremisible dentro de esa maquinaria titánica que es el propio código humano. Su surgimiento no es sino una respuesta natural ante nuestra necesidad de plasmar en el lienzo incorpóreo de la memoria colectiva un registro simulacral que nos permita aprehender a la experiencia para volvernos partícipes de ella; misma situación que transforma al séptimo arte en un cronista definitivo de nuestro acontecer global. Como es de suponerse, la producción fílmica gestada a lo largo de 2019 no es más que un reflejo inequívoco –a veces terrible, en otras ocasiones brillante- de las circunstancias inéditas que definen a nuestra especie hoy en día y que, de forma paralela, también marcan la llegada de una nueva década preñada de incertidumbre.

Los mejores discos 2019 D

arle seguimiento constante a los lanzamientos que hacen los artistas a lo largo del año no es tarea sencilla. Apenas estamos tomándole el gusto a un álbum cuando ya aparecieron cuatro más en el panorama. Y todos exigen distinto nivel de atención y apreciación.

La primera lista de discos de este año rebasó los 200 títulos y luego volvimos a escuchar a cada uno.

Nos llevamos buenas sorpresas. A algunos les sentó bien el paso del tiempo y las letras nos hicieron mejor sentido. Con otros revivimos buenos momentos que sucedieron en los primeros meses y que a esta altura empezaban a diluirse. Algunos, quizá los más recientes necesitan asentarse y tomar su identidad en estos tiempos.

Tuvimos que suprimir los epés por efectos prácticos, pero la industria y el hecho de que un material de corta duración es más accesible para una banda, nos hará replantearnos el dedicarles su propio conteo.

Quizá tengamos que hacer una lista dedicada a los sencillos, pues las bandas se pueden costear una canción a la vez. Lo cual está bien, y así van cosechando éxitos.

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Nick Cave and The Bad Seeds Ghosteen Un disco con distintas auras como interpretaciones le dé el público. Algunos lo perciben como algo nostálgico con una gran carga de tristeza, mas la intención del grupo era “que cada canción se sintiera como si estuviera escalando hacia un estado exultante y eufórico, para que el disco fuera un recipiente que transportara al oyente lejos del mundo y sus problemas, y que viviera en el jubiloso y esperanzador más allá”, escribió Nick en su blog.

Días antes de que saliera a la luz, Cave lo definió como un espíritu migrante, y con la descripción previa vemos a qué se refería.

Sus letras pintan paisajes hermosos, llenos de paz interna. Señalan que la belleza está disponible para todos, simplemente hay que aprender a verla y apreciarla. La placa carece de percusiones porque necesitaban que estas canciones flotaran. Y lo lograron.

FKA Twigs MAGDALENE Cinco años tuvimos que esperar por un segundo disco de Tahliah, nombre de la talentosa artista al frente de este proyecto. Nueve canciones venidas de la historia de María Magdalena, uno de los personajes más incomprendidos de la Biblia. twigs echa mano de su figura para proyectarse como una acogida en un seno católico. Sin embargo, los tiempos la empujan lejos de ese aparente lugar seguro y la impulsan a asumirse como una mujer independiente, lejos de los estigmas que rodean a la figura femenina.

En esta placa, FKA Twwigs nos demuestra su poderío vocal y se hace acompañar por una producción un tanto más elaborada.

Difícil sería tratar de meterla en una categoría o género, se aleja de lo que está en el hype y en nueve canciones se abre totalmente para mostrarnos su imaginario. Pronto, en unos meses, seremos testigos de su acto en Ceremonia 2020

Brittany Howard Jaime

Este proyecto tiene escrito por todos lados esa influencia de Jaime López y de La Onda. En vivo, es divertido y enérgico. Cada uno les dará un significado personal a estas canciones, pero para nosotros suenan a la ciudad, palabras diarias que adquieren otra acepción cuando se adueña de ellas esta banda.

Once canciones para destruirse y reconstruirse desde cada una de ellas. Somos testigos de cómo Belafonte se hace con el paso del tiempo con una cantidad mayor de seguidores. No es esto una casualidad, pues parece que se pone a la altura del público y les habla de frente. Aún cuando se le escucha en una plataforma de streaming,

El episodio en solitario de Brittany trae consigo canciones llenas de emociones reales, venidas de muy dentro suyo. De paso, se aleja del sello musical del grupo al que pertenece y cobra un sentido propio. Con arreglos experimentales, llenos de texturas y con varias capas para distinguir.

Una producción que parece resultado de una serie de sesiones en vivo. Puede distinguirse la buena química que lidera esta grandiosa artista. Lleva ya unos meses fuera, pero todavía le queda mucha vida por delante.

Cigarettes After Sex Cry

Elsa y Elmar Eres Diamante

Tool Fear Inoculum

Sharon Von Etten Remind Me Tomorrow

La segunda placa del grupo que lidera Greg Gonzalez toma cierta distancia de su antecesor. Se siente un poco más invitante al baile y al íntimo abrazo. Crea atmósferas profundas, solemnes e intensas. Las letras siguen refiriendo a los sentimientos que provoca alguien y va más allá.

Nueve canciones son suficientes para darle nueva vida a un proyecto que avanza y que se mantiene de gira desde hace algunos años. Esparcen un mensaje de amor e intimidad que parece hacer tanta falta en estos días.

Luego de un proceso enorme para estar artista de origen colombiano, este año por fin pudo ver materializado su esfuerzo. El escribirlo le llevó tiempo, situaciones personales tan adversas como comunes como lo es una ruptura amorosa. Pero no se queda en ese episodio, sino que este álbum es acerca del aprendizaje adquirido en el camino.

Una docena de canciones en las que lo mismo nos pone a bailar o a cantar con fuerza. Una de las grandes sorpresas y muestra palpable de que el esfuerzo da buenos resultados.

Una producción potente, contenida a ratos, pero bien dirigida.

Se notan los años de experiencia y la dedicación puesta en cada uno de los cortes. Son canciones largas, que mantienen un nivel y que no se entregan a la euforia que se esperaría de un grupo de metal. En ningún momento explota, pero ello no quiere decir que no llegue a un punto.

Se puede percibir que es un grupo que pertenece a otra generación. Se mueven más lento, no le hacen tanta promoción al disco ni producen contenido visual a partir de él. En cambio, suman conciertos de a poco, y saldan la deuda que tenían con sus fans.

Una cosa es segura: bien valieron los trece años de espera.

En este nuevo trabajo, Sharon nos receta diez nuevas canciones que van de la desazón y la falta de amor en la que algunos gustamos de regodearnos. De forma velada, imprime cierta fuerza a los instrumentos y lo equilibra con una voz tersa desprovista del estorboso virtuosismo.

Como una constante en esta lista, nos encontramos letras sinceras, en las que cualquier individuo que haya amado se puede reconocer. Contagia de ese sello americano que tienen las canciones que nacen de una íntima guitarra y ante una imponente ciudad.

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Belanfonte Sensacional Soy Piedra

Este grupo regresó para reclamar el puesto que se ganaron décadas atrás y para demostrar que en ningún momento se vieron rebasados por las novedades. Este trabajo parece hilarse en trilogías y la décima engloba el concepto, baja las revoluciones y brinda unos minutos de gracia para procesar lo escuchado.

Bien valen un buen par de audífonos que hagan justicia a la producción. Hoy por hoy, ChemBros ostentan uno de los mejores shows en directo dada la producción visual y la forma de conducir a los asistentes. En el 2020 los veremos por tercer año consecutivo en nuestra ciudad, esta vez con un espectáculo diferente, en Ceremonia.

Billie Eilish WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? Este es el primer disco como tal de la súper estrella de la música nacida en este milenio. Al inicio de esta década nadie había escuchado sobre ella y ahora tiene a más de uno entusiasmado. Catorce canciones que hizo al lado de su hermano en la intimidad de su cuarto, y en las que imprimió gran carga sentimental con la que es sencillo conectar.

Su trabajo le ha valido comentarios positivos de grandes de la música y ahora llena arenas alrededor del mundo. Todavía no cumple ni la mayoría de edad y ahora piensa en el sucesor de este brillante material. Ya nos dio una prueba de su talento en Corona Capital, y el próximo año la tendremos de regreso en el Palacio de los Deportes.

The Chemical Brothers No Geography

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LO MEJOR DE LA DÉCADA La vida se compone de momentos inolvidables, esos momentos siempre están acompañados de amigos, artistas, discos, canciones, películas, conciertos, desastres… A continuación podrán leer algunos de los momentos más importantes de la década de varios amigos.de Marvin. ¿Cuál fue tu momento favorito de la década?

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Olga Straffon Label Manager Anglo en Universal Music México

Uili Damage Músico, Crítico, Comunicador

El mundo musical se volvió “urbano”. Y las otras músicas juveniles se quedan sin palabras, sin sorpresa a pasos agigantados. Pero James Holden, un DJ británico salido del colectivo de electrónica Border Community sorprende a los devotos del género (y de varios otros) con The Animal Spirits, un disco de rock progresivo y stoner, del mismo que está dictando la línea creativa y estilística musical en los pocos escenarios propositivos e interesantes que quedan en el mundo musical que no es “urbano”. Todo un “manual de uso” para aquellos que viven con dos pies izquierdos y votan por los sonidos a volumen nocivo.

Juan Carlos Hidalgo

Esta década comenzó a dibujarse muy diferente a como terminó: el rock alternativo predominaba en las listas de popularidad; los festivales del mundo tenían más bandas indies, y Arcade Fire, la banda que en la década anterior había surgido de la nada, cargaba la bandera de la mejor banda de esta nueva era. Al mismo tiempo, el hip hop y el R&B reclamaban su trono, después de casi una década de ausencia en las listas de popularidad, y Eminem regresaba a headlinear festivales con un nuevo enfoque de sobriedad y paz mundial. Las nuevas propuestas, fusionadas casi siempre al ritmo del reggeatón nos obligó a quitarnos los prejuicios y aprendimos (no todos) a aceptarlo. Esta es la década en la que los géneros musicales se fusionaron para ser parte del todo, una globalización musical llevada de la mano de la exigencia del público para estar hoy por hoy ante la mejor calidad musical que hemos experimentado en la historia de la música moderna. Se vienen cosas interesantísimas para la cultura y me da mucha emoción ser parte de esta nueva etapa.

Escritor, periodista y colaborador en Revista Marvin

La extraordinaria mancuerna de álbumes To Pimp a Butterfly y DAMN, posee una fuerza estética que consiguió que el género diera un salto exponencial en cuanto a su probidad y jerarquía cultural. Tanto el manejo del lenguaje como el discurso y la capacidad experimental han hecho de Lamar una figura visionaria y de auténtica ruptura. Que se entienda claramente, Kanye West únicamente vende humo; ha sido el californiano un artista total que consiguió que se aquilatara en su justa medida el lugar que ocupa el hip hop en el panorama cultural contemporáneo.

Nancy Pérez Label Manager en ONErpm

Dirigida por Dexter Fletcher (Eddie The Eagle) y escrita por Lee Hall, habla sobre la historia del icónico músico inglés Elton John.

A través de un musical, nos cuenta cómo comenzó su interés por la música, llevándonos por un recorrido por su familia, amores, demonios, excesos y logros. Taaron Egerton se apropió de Elton John, haciendo un maravilloso trabajo, interpretando las canciones del film con su propia voz pasando por clásicos como “Don´t Go Breaking My Heart”, “I´m Still Standing” y “Crocodile Rock”.

Hugo Corona Miércoles de Cine

Mike Sandoval Ilustrados, artista visual

Enero 10 de 2016, día en el que David Robert Jones pasó a otro plano de existencia. Su presencia física nos dejó y se consagró como el artista más importante de las últimas décadas. Se fue una persona, se quedó una leyenda. ¡Hasta siempre David Bowie!

Wencesalao Bruciaga Escritor, periodista y colaborador en Revista Marvin

Happy Mondays, Vive Latino, 2015. No sólo fue por todo lo épico y entrañable que implica el primer concierto de una legendaria y seminal banda como los Happy Mondays en tierras aztecas, y en un festival tan emblemático como el Vive Latino, sino por el hecho de ver al mismísimo Bez salir con sus inconfundibles pasos de baile maracas en mano y sombrero charro sobre su cabeza.

Además, todos quisieron probar del popper que descubrí al inicio del concierto, cuando empezaron los primeros coros de “Loose Fit”; toda la carpa quería rendirle tributo atascado a la único banda que ha sido capaz de poner los rudos hooligans a bailar sin miedo a poner en duda su machismo, probando drogas inusuales o extremas.

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Paso mucho tiempo encerrado en los cines. El efecto de comunidad qué se vive en una sala, es una de las razones qué me gustan. No fue la mejor película de la década ni de broma, pero fue el mejor momento para estar en una sala. La muerte de todos los super héroes en Infinity War, fue una experiencia increíble.

Walter Schmidt Periodista y músico en Decibel, Size y Casino Shanghai

Delhy Segura Directora Comecial en Revista Marvin

El llevar una década en MARVIN me ha dejado innumerables momentos llenos de música con icónicas presentaciones en conciertos y festivales al lado de gente que amo. Nueve años con Festival Marvin es sin duda mi top y mis conciertos más memorables de la década son Rolling Stones, Sir Mick Jagger en la máxima expresión de “(I Can`t Get No) Satisfaction ”.. y The Cure cuando Robert Smith escuchó nuestras mañanitas, la cuales hasta hicieron temblar a la ciudad de México.

Leonardo Vittorio Arena. Maestro de Historia de la Filosofía Contemporánea y Filosofías del Lejano Oriente en la Universidad de Urino (Italia), Arena se acerca a la filosofía del cantante británico David Sylvian,- especialmente en su carrera como solista, con un excelente ensayo donde se revela una incesante búsqueda espiritual, “Un hombre postmoderno, siempre cambiante, nihilista positivo, fascinante y a tono con el correr de los tiempos”. David Sylvian “Puede ser considerado un filósofo en su enfoque al escribir canciones”. Aquí nos aparece más real y humano que nunca.

Larissa Carpinteyro RP en Agencia Libre

Carlos Martin Schwab Periodista, traductor y músico cuando hace falta

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Fear Inoculum, de Tool: nunca una banda de culto manejó tan bien la expectativa por un nuevo álbum, esperado por años, y no defraudó en absoluto. Con un sonido incomparable, esta banda de metal progresivo te sumerge en un viaje en cada canción.

Concierto favorito de la década: Tom Petty and the Heartbreakers @ Forest Hills Stadium, Queens, NY /Julio 2017 - (40th Anniversary Tour). Mi show favorito no sólo de la década, si no de la vida. La última vez que lo ví en vivo y que desgraciadamente lo veré, pues falleció 3 meses más tarde. El setlist fue muy especial, tocó muchos éxitos y varias rarezas (4 del Wildflowers, y Walls-Circus del disco: She´s the One), una especie de despedida.

Alejandro Mancilla

Arturo J. Flores

Colaborador en Revista Marvin e integrante del proyecto .Documento

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Editor Playboy Mexico

Me quedo con la actuación de Julian Casablancas con The Voidz en el Corona Capital. Como quien vuelve con su ex con pasión renovada, el neoyorkino se reencontró con su pasión por hacer rock. Uno al que no le han salido telarañas como a los Strokes.

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La década pasada comenzó bien para la historia de los festivales en México. El Corona Capital 2010 fue un gran momento porque no todos los días se puede ver a Pixies (con Kim Deal, como debe ser), Echo and the Bunnymen, James e Interpol en el mismo sitio.

Aldo Mejía Periodista y escritor

Mixar López Periodista y escritor

Ghosteen de Nick Cave es tormento y es pasión, es sangre y es gloria.

Es el álbum de los dolores, el que lleva a cuestas la angustia, la advocación y la piedad. Una vibra bajo el impulso de una nota, de un verso, de una imagen; un pequeño fantasma o un duende de familia, como escribiría Oliverio Girondo.

El concierto con el que PXNDX pausó su trayectoria fue uno muy divertido. Zunny y yo empezamos sentados hasta arriba del lugar y terminamos en pista, gritando y cantando. Recordamos nuestras respectivas adolescencias y sellamos una amistad a prueba de la distancia.

Toño Quintanar Escritor en Revista Marvin y Guitarrista en Los Riot

Only lovers left alive. (Jim Jarmusch, 2013). El cine de vampiros se ve revitalizado magníficamente gracias a una propuesta audiovisual la cual reúne la iconografía más representativa del género para conjurar una auténtica radiografía existencial.

Aaron Enriquez Editor y escritor en PlanisferioMX, colaborador en Revista Marvin

Si good kid, m.A.A.d city fue el disco que insertó el cuchillo por donde hoy transita la vena de toda una generación de raperos, To Pimp a Butterfly es el álbum que partió la década en dos, sin piedad. La consagración de un Kendrick Lamar, que hoy lo tiene sentado en el trono, mirando a todos hacia abajo.

Alan Corona Asitente de Administración en Revista Marvin

Hector Padilla “Pada” Locutor y guionista

El Marvel Cinematic Universe. Esta saga comenzó a agarrar camino en la década que termina. Con una ambición nunca antes vista, con más aciertos que tropiezos, hay que reconocerle que se trata de algo histórico, único, y quizás, irrepetible, ya sea que te guste este tipo de cine o no.

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Para mí lo mejor de la década fue mi primer Vive Latino del 2012 cuando vi por primera vez a Foster the people y toco Pumped Up Kicks haciendo una interpretación con mariachi fue un momento importante para mí y es una de las bandas que cada canción que saca me gusta y me las aprendo.

Emiliano Arriaga Daniela Elbahara CEO Galería Daniela Elbahara, The League MX

Lo mejor para mí fue ir a Day N’ Vegas (1era edición de un macro fest de rap), el Flow Fest y el concierto de Bad Bunny en la Arena Ciudad de México

Diego Urdaneta Latam Publisher Vice Media

X100PRE fue un pilar que reformuló lo que significa hacer “música latina”. Quebró límites sobre qué género musical se debe mezclar o no. Transformó a Benito en una estrella mundial y logró que el mundo entero terminara de voltear hacia este lado

Annie Hart Música y compositora

Black Marble -It’s Immaterial- Cuando yo oí este album tuve el mismo sentimiento que tuvieria con Beach House y Au Revoir Simone - ¿por qué estoy haciendo música cuando el mundo tiene esta perfección? Es el new wave mínimo que yo quiero casi todo el tiempo.

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¿Noche memorable? 08 de Octubre, 2015: Jamie Cullum ofrece un concierto privado en The St. Regis Mexico City donde toca sus grandes éxitos y covers a sus canciones favoritas y, al final, invita a la audiencia a que subamos a tocar con él al escenario.

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Marketing en Google

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TXT:: Jorge Jiménez ILU:: Melissa Olivares

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a fiesta estaba dando un super bajón. Como siempre sucede, ya solo quedaban los necios. Alguien puso la nueva canción de Julión Álvarez, la verdad es que a nadie le gustaba Julión, solamente la dejaron porque sabían que era lo que se tiene que escuchar a esa hora en las fiestas de la capital. Una de las amigas de Julieta dijo: “Güey… hay que jugar ¿Qué prefieres?”

Las mujeres del lugar explotaron en éxtasis, gritaron en perfecta sintonía y podría decirse que fueron los 8 segundos más largos de sus vidas, aún cuando cumplieran 46 años y empezaran a sentir un poco los estragos de la menopausia, todas las que estuvieron presentes en esa fiesta estarían en el mismo canal. Y cómo no estarlo, por fin algo interesante iba a pasar esa noche.

—¿Qué prefieres? ¿Que te muerdan la oreja o que te besen el cuello?

—preguntó Julieta mientras veía fijamente a Benja.

Benja la miró curioso y confundido. Hace mucho no sentía tanta presión. Realmente no sabía qué contestar. Benja era un verdadero amante de los besos en el cuello, pero el hecho de que Julieta era su prima y la tenía que regresar a su casa lo limitó a contestar: —Hueva, Julieta, pregunta cosas interesantes A partir de ese momento Benjamín no se paró al baño en toda la noche por miedo a que se dieran cuenta que pre eyaculó en sus pantalones caquis por culpa de su prima.

Raúl intentó romper el silencio e hizo una pregunta que lo tenía muy conflictuado desde hace varias semanas —Oigan, ¿los bebés sueñan?

Julieta puso los ojos en blanco de puro coraje —Obviamente, Raúl, todos tenemos sueños —Osea sí, pero ¿qué sueñan? no conocen nada. ¿sueñan que se les caen los dientes? ¿cuáles?. O chance y sueñan que van montando a caballo en la playa. A esa edad te pesa mucho la cabeza. Lo dudo.

Todos miraron a Raúl con los ojos entrecerrados y el ceño fruncido intentando descifrar qué carajos es lo que acababa de decir.

Mariel, la más peda de la fiesta, y la única que cree que los shots de Bacardi blanco son buena idea, gritó: —¡JONÁS! ¿QUÉ PREFIERES?, ¿SER PIRATA O SER UN NINJA? —¡NINJA! —Jonás gritó sin pensarlo. Como si nada lo pudiera detener en esta vida.

Para todos fue muy incómodo. Sobre todo porque Jonás no tenía una pierna y perdió un ojo en la secundaría cuando un compañero le aventó un Boing de triangulito mientras acomodaba sus colores. Todos pensaban que Jonás sería un gran pirata, pero nadie tenía el corazón de decírselo.

Hoy por fin se casan Benja y Julieta, el tema de la boda será Piratas del Caribe, desafortunadamente Jonás no va a poder ir, tenía que trabajar, es visor de talentos de futbol. En verdad nada podía detenerlo.

EL GIGANTISMO DE LA LUCHA LIBRE

ANDRÉ EL GIGANTE CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

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D TXT:: Oscar G. Hernández

e que la lucha libre es un gran espectáculo, no se tiene dudas. Este deporte, que podríamos catalogar entre las artes escénicas, logra crear polémica en torno suyo como ningún otro.

Es fácil caer en la tentación de llamarle fake, y decir rápidamente que no son golpes reales, que es mera actuación; conclusiones muy evidentes al ver a los atletas hacer giros, piruetas y vestirse con colores y telas que bien podrían pertenecer a un montaje circense. El desconcierto y la sorpresa aparecen cuando repentinamente vemos golpes y patadas reales, cuando brota la sangre, cuando alguien muere, cuando llega el momento en que no podemos distinguir ficción de realidad. Es ahí precisamente donde ocurre la magia de la lucha libre; en el hecho de no poder probar hasta qué punto es completamente un montaje o completamente real.

Esa delgada línea entre ficción y realidad es lo que atrae y seduce a las masas de seguidores para formar parte de algo mayor: la lucha entre el bien y el mal. Los luchadores pertenecen a bandos de rudos y técnicos, de buenos y malos, de santos y demonios que empujan una leyenda, sobre la cual relatan la historia de personajes que las más de las veces se funden con la vida misma.

En el año 1984, Dave Letterman entrevistaba a André René Roussimoff quien era, y probablemente es, la figura más reconocida de la lucha libre a nivel internacional. André pesaba más de 250 kilos y medía 2.24 metros de altura. Letterman le preguntó cuánto tiempo pensaba seguir luchando. Roussimoff respondió –No lo sé, quizás esta noche sea mi última pelea. Nunca podemos saberlo… nunca podemos saber lo que ocurrirá en el ring.

Con esta frase resumía lo que representa subir a luchar, y mostraba lo que había sido su vida hasta ese momento.

André, El Gigante, como se le conocía en el mundo de la lucha libre, desde niño sufrió por su condición física y esa extraña enfermedad conocida como acromegalia o gigantismo. La leyenda de este luchador se inicia desde esa lejana infancia cuando Samuel Beckett era quien debía llevarlo a la escuela ya que el autobús escolar solía rechazarlo por su estatura. Tiempo más tarde correría la fortuna de ser descubierto e invitado a dedicarse a la lucha libre. A partir de ese momento el éxito parecía inevitable.

Box Brown, un artista de narrativa gráfica recopiló anécdotas y recurrió a una enorme cantidad de documentos de todo tipo para

reconstruir la biografía de este luchador y darlo a conocer desde una óptica que muestra la vida de una celebridad desde lo raro, desde la distinción por su cuerpo.

André, como luchador, fue un tema polémico debido a que era un personaje que inspiró a muchos a luchar, incluso sirvió de pretexto para crear películas de la serie Rocky.

Sin embargo, lo que Brown nos muestra no es a un Andrè como celebridad. Tampoco lo reduce simplemente a su lado humano, este luchador la mayor parte de su vida fue visto y tratado como un verdadero freak, a pesar de su éxito, de su fama y por su puesto de su dinero.

Brown arma un relato en el que evita caer en el drama fácil, a pesar de que durante toda esta novela gráfica veremos a un André alcoholizado, aunque nunca vemos de manera evidente su sufrimiento, Brown deja que el lector contemple y resuelva lo que está ocurriendo. El logro de este autor se basa en viñetas limpias con un estilo de dibujo que proviene del cartoon tradicional para traernos la leyenda de un verdadero gigante. Al recorrer sus páginas nos envuelve con una fuerza que proviene de la narración simple. No hay en la estructura de sus planchas composiciones complicadas o rebuscadas, sólo los cuadros clásicos del cómic bien aplicados para de esa manera sostener la historia.

André el Gigante, Vida y Leyenda nos hace sentir la grandeza de este luchador en sentido literal. Nos hace reflexionar también sobre las formas de racismo y marginación que se ejerce sobre los cuerpos que son diferentes, en este caso muy diferentes; nos muestra además cómo, hace apenas unas cuantas décadas, aún se podía recurrir a la formula circense para mostrar lo que se llamaba fenómenos y con ese argumento abarrotar una arena.

Esta novela gráfica se convirtió de inmediato en un best seller, por más de tres semanas estuvo en las listas de los libros más vendidos del New York Times. Se coinvertiría también en uno de los primeros cómics contemporáneos que se meten al género documental de manera más que brillante, obligando al lector a reflexionar sobre las fronteras del espectáculo y la realidad, de cómo la mitología de la lucha libre se recrea a partir de la vida de estos personajes que no sólo buscan ganar si no cumplir una función más trascendental en ese ring, en ese escenario que para ellos es la vida sin más esperanza que los gritos, aplausos y amor de sus espectadores en esa eterna batalla del bien y el mal.

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TAMARA D.T. CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

46 Soy de Cuernavaca pero ahora vivo en la Álamos con 2 gatos porque el tercero se fue a buscar una mejor vida, una rumi que es también un perro y un séquito de vecinos que me odian. Tenía otra rumi pero nos peleamos bien mamón y se mudó justo en frente. Me caga mi casera, que me asalta cada mes. Este año fue una mierda, me rompí la mano, me dio una enfermedad venérea, quistes en el ovario y sobre todo: me dejaron por un tal Santi el día de mi cumpleaños a pesar de que estoy bien guapa y soy bien chida y sobre todo; no me llamo “Santi”. Cuando crezca, voy a ser la princesa del karate. Excuse the blood.

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47 Instagram: @cumbiasborrascosas

Iurhi PeĂąa Ilustradora | Instagram: @iurhi

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