Revista Marvin 99:: Japón

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おまけ

::ELPILÓN

Entrevista a Ayano Iwata, Mama-san de hostess clubs ホステスクラブの綾乃岩田、ママさんとのインタビュー

文 T X T : : B rett B ull . / @ t o k y o r e p o r t e r / w w w. b i g e m p i r e . c o m

01

Además de ser uno de los negocios más

rentables de Japón, los hostess clubs son lugares de relajación en donde las relaciones de negocios son lubricadas con karaoke y alcohol. Por la noche, miles de clubs de Tokio cobran vida; las calles se encienden con anuncios que muestran fotos de las delicias que aguardan. En un típico hostess club, la mama-san (propietaria del lugar) saluda a los clientes en la puerta. Adentro, las chicas lucen sus mejores ropas, y con tacones enormes dan la bienvenida a un mundo de fantasía que venden a un precio muy alto.

Ayano Iwata ha visto todo lo que este negocio puede ofrecer. Desde los 18 años, ha sido mama-san (la host más exitosa, maestra y en ocaciones verdugo de las chicas), teniendo como fin vitalicio halagar y confortar a algunos de los ejecutivos más poderosos de Japón. Por el momento Ayano está retirada, pero vive cómodamente gracias a las relaciones que mantiene con algunos de sus clientes, y pronto planea abrir otro club en Roppongi, Tokio.

En su departamento (regalo de un cliente), junto a una mesa llena de cajas de Chanel (regalados), Ayano contempla la foto de su Mercedes de 14 millones de yenes (otro obsequio) mientras inicia esta entrevista.

Brett Bull: ¿Por qué abrirste un nuevo club?

Mama-san Iwata: Originalmente renuncié porque mi hija era muy pequeña y ese ambiente no parecía adecuando para criar a un hijo. Ahora tengo dinero ahorrado y encontré un buen lugar en Roppongi.

02 BB: La económia de Japón no se encuentra tan bien como antes, ¿qué te hace pensar que tendrás éxito?

MI: Sí, la economía ha cambiado, pero eso no importa en este mundo. La gente rica siempre será rica. Casi todos mis clientes son presidentes de compañías. Además, me he asegurado de que mis hostesses sean las más bellas, deben ir al salón de belleza todos los días y cada chica debe tener por lo menos 30 atuendos distintos de Chanel y Gucci. También es importante que sean cultas y estén bien informadas. Insisto en que cada una de mis chicas lea los cuatro principales periódicos de Tokio; así podrán sostener conversaciones con hombres de negocios. También necesitan adaptarse al cliente: si a alguno le gusta la ópera o el kabuki, la hostess tendrá que aprender al respecto.

BB: ¿Nos podrías contar un poco acerca de las relaciones entre los distintos clubs de Ginza, por ejemplo?

MI: Todos los clubs de Ginza están conectados. Si algún presidente de una compañía importante está en un club, muchas mama-sans lo sabrán. Cada club tiene un vigilante o kurofuku (ropa negra en japonés), si me avisa que alguien importante está en un club vecino, llamaré y lo invitaré al mío. Además, el kurofuku también debe reclutar y robar chicas de otros clubs. Si tengo una buena relación con un club en particular, quizá no le robe a una hostess, pero aún así llega a pasar. No peleamos, todo es una dar y tomar.

Más entrevistas en

www.bigempire.com

03 BB: ¿Cómo se consiguen los clientes?

MI: Casi todos lo clubs tienen una política estricta de members only, y los nuevos clientes son recomendados. También hacemos una investigación para cerciorarnos de que puedan pagar; la mayoría son ejecutivos de bienes raíces o presidentes de compañías de electrónica, pero también hay muchos jugadores de béisbol y productores de cine... de cualquier forma no puedes confiarte de que pagarán. La primera visita cuesta 110,00 yenes, más costos adicionales por botella, copa, etc. El precio sube si quieres elegir a una hostess específica como "tuya” .

BB: ¿Qué buscas en una hostess?

MI: Mis chicas deben tener experiencia.

Es obligatorio porque deben hacerse responsables de que su cliente pague, si alguno abre una cuenta y promete pagarla después, la chica tiene dos meses para cobrar, de no hacerlo ella deberá pagar.

Deben ser inteligentes, pretender que su cliente es el mejor, hacer que gasten cada vez más y más; como incentivo reciben una comisión sobre la cuenta de su cliente.

También deben beber, ya que eso agrandará el monto. Una hostess no debe traicionar a su mama-san… nos da miedo que un cliente se enamore de su hostess, la mama-san es la número uno y eso nunca debe olvidarse.

BB: ¿Cuál es el secreto para ser una mamasan exitosa?

MI: Nunca tengo sexo con mis clientes. Cada día les digo que los amo, los necesito, que los deseo… pero nunca tengo sexo con ellos y por eso regresan una y otra vez a mí. Una chica fácil es aburrida, una chica difícil es interesante. M

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80

シネマ・レビュー

R E S E Ñ A S C I N E

Marvin y 20th Century Fox te regalan.

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Kagemusha

Marvin y 20th Century Fox te regalan.

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la sombra del guerrero

Tora! Tora! Tora!

Dirección: Akira Kurosawa.

REPARTO: Tatsuya Nakadai, Tsutomu Yamazaki, Kenichi Hagiwara, Jinpachi Nezu, Hideji Otaki y Daisuke Ryu. Género: Drama.

País: Japón.

Año: 1980.

Dirección: Richard Fleischer, Kinji Fukasaku y Toshio Masuda.

REPARTO: Martin Balsam, Joseph Cotten, E.G. Marshall, Tatsuya Mihashi, James Whitmore, So Yamamura y Jason Robard.

Género: Bélico.

País: Japón / EU. Año: 1970.

A principios de la década de los 80, Akira Kurosawa tenía dificultades para producir sus películas, de manera que George Lucas y Francis Ford Coppola decidieron financiar a su sensei. El resultado derivó en este filme impresionista, donde la belleza y la riqueza plástica se encarga de enfatizar el carácter épico e intimista que buscaba Kurosawa. Bajo tonalidades gélidas que emanan un ambiente de mortandad, la trama nos remonta al Japón medieval del siglo XVI, cuando las guerras feudales tenían al país devastado y sumergido en terribles conflictos. En medio del caos total, tres hermanos buscan llegar al poder, pero las circunstancias se tornan extrañas y un criminal termina en el trono, aunque con una limitante: puede engañar a todos (enemigos y niños incluidos) pero menos a las mujeres. Como es bien sabido, uno de los sellos de Kurosawa radica en su habilidad para dar un giro inesperado a la historia, y esta película no es la excepción en su filmografía.

Después de que Japón bombardeó Pearl Harbor en 1941, las bombas que EU lanzó sobre Hiroshima y Nagasaki dieron por concluida la Segunda Guerra Mundial. Ironías de la vida: ambos países limaron asperezas al reunir el capital para coproducir Tora! Tora! Tora!, una cinta cuyo título alude al código con que la Armada Imperial Japonesa anunciaba el éxito de un ataque. Como bien sabemos, las películas bélicas suelen ser tendenciosas y plagadas de propaganda, pero justo ahí está la principal virtud de este filme, que parte de acontecimientos históricos con un perfeccionismo cuasi documental. Sin los artilugios del efecto especial, héroes desproporcionados o la necesidad del tono patriótico exagerado, Tora! Tora! Tora! representa un gran acierto, sobre todo si la comparamos con la interminable cantidad de malas películas de guerra con que Hollywood nos ha bombardeado. Muy recomendable para los amantes de la épica clásica, es decir, la que desdeña romances bobos o héroes descerebrados.

Did you see

ブック・レビュー Rodolfo Fogwill Muchacha Punk

El poeta argentino dedicó unas palabras a la obra de Shua.

Espido Freire Cuentos Malvados

Otro acercamiento a la expresión más sintetizada de la narrativa.

Ana María Shua Cazadores de letras

Cuatro libros reunidos en uno; una condensación maravillosa que debemos al microrrelato.

Enrique Vila-Matas El viento ligero en Parma

Amo de reinventar el ensayo y dotarlo de un total sentido literario. Todo un referente para Karla.

Geney Beltrán y Verónica Murguía El hacha puesta en la raíz

Una compilación que ha servido con un efectivo termómetro de lo que se está haciendo dentro del género.

Fausto Alzati Fernández Inmanencia Viral

Otra prueba de la salud del ensayo en el México actual; acá diversas teorías formales eclosionan con el delirio de la cultura de masas.

Jonathan Franzen Las correcciones

Publicado una semana antes del 11-S, esta otra novela de gran envergadura acicateaba al modo de vida del Medio Oeste.

David Foster Wallace La broma infinita

Amigo íntimo de Franzen, mantuvieron una sana competencia. Aquí otro complejo y sarcástico retrato de nuestro tiempo.

Jonathan Franzen Cómo estar solo

Para abordar la crisis creativa el autor tuvo que incursionar en el ensayo y así aclarar las cosas.

R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1 El microrrelato es un excelente reto narrativo, un subgénero que goza de gran vitalidad, y que esta escritora argentina enfatiza con su talento.

El impacto de tal noción se refuerza con la elección de un entorno tan fascinante como el circo, repleto de personajes plásticos y misteriosos. Con características narrativas tan lacónicas, incluso podemos incluir aquí un cuento completo: “Por suerte creció hasta llegar a la estatura de un enano”.

La historia de Medidas relativas ilustra perfectamente la naturaleza de este libro: es juguetón, ocurrente y sagaz; logra que la complejidad de la vida se trasmine hasta el interior de la carpa y sus alrededores. No en vano un escritor tan grande como Fogwill se dio tiempo de dedicarle unas palabras a la autora: “Casi de vuelta de todos los saberes y –tal vez– de todas las transgresiones, Shua es una maestra de la paradoja y de su consabido malestar”. ¿Será que escribe cuentos brevísimos o novelas microscópicas?, Ana María tiene la lucidez y el sentido del humor como cómplices. Si alguien tuviese duda de que el mundo es un lugar extraño e insólito, consultar Datos fehacientes y comprobables de algunas personas reales y/o famosas mencionadas en el libro, les haría cambiar radicalmente de opinión. 文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Ana María Shua Fenómenos de circo Ed. Páginas de espuma

A esta joven escritora –nació en 1981– la conocimos por su participación en Línea de sombra (Ensayos sobre Sergio Pitol) y La conciencia imprescindible (Ensayos sobre Carlos Monsiváis). En ambos ya dejaba ver su sensibilidad para el género y una manera personal de dotarlo de frescura y flexibilidad.

Después nos enteramos que también le interesan la novela y la poesía –pero aún no da a conocer su trabajo en dichas disciplinas–. Karla se asume como una viajera irredenta que utiliza sus viajes como una fuente inagotable de conocimiento. Vacía sus hallazgos en diarios íntimos de los que toma las ideas para textos posteriores, más construidos y apuntalados teóricamente.

Su otra pasión es la lectura, herramienta fundamental del ensayista. En esta obra obtiene una mixtura entre lo que aprehende del mundo exterior, y las nociones extraídas de autores que la han marcado, así como de las ciudades en que se movían. Junto a ella podemos reconstruir la senda de Franz Kafka, Fernando Pessoa y Virginia Woolf. Este trabajo le mereció el Premio Nacional de Ensayo Joven “José Vasconcelos” 2011. 文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Karla Olvera La música en un tranvía checo Ed. Tierra Adentro

Mucho se le exige a este escritor norteamericano, que al gozar de prestigio literario y posicionamiento mediático, es analizado minuciosamente. Para este libro, Jonathan se propuso un ejercicio escritural de largo aliento, en el que retrata a tres generaciones de la familia Berglund. El resultado: una radiografía que cala, incomoda y puede llegar a herir. Para revisar el pasado y la actualidad (post 11-S), el escritor emuló a Balzac, Tolstoi y Proust y con ello pudo narrar la vida exhaustivamente. En el entorno de esa familia de clase media hay un acercamiento crítico a los yuppies, a la pugna entre conservadores y progresistas, a la ética y discurso de los rockeros, a la hipocresía y vaciedad del modelo social imperante. Se trató de un reto mayúsculo del que el escritor salió bien librado, gracias a sus sobrados recursos. Diversas fuentes lo consideran de lo mejor del 2011. 文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Jonathan Franzen Libertad Ed. Salamandra

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Sleigh Bells Reign of Terror Mom and Pop Music Nada más presentáneo y representativo de los tiempos que corren como Sleigh Bells. La chica estaba más cercana a expresiones edulcoradas del pop, mientras el hombre era un clavado del heavy metal más malabarista. ¿Una zona neutral para ambos? El hip-hop y la electrónica, usado a manera de un collage extremo que concilia elementos aparentemente disimiles.

En su contra podemos señalar lo repetitivo del estilo –no sólo entre LP’s sino de tema a tema–, aunque aquí se percibe un refinamiento de la propuesta: ya no son una especie de pegotes sobrepuestos y abrasivos, ahora se nota que buscaron que las partes se ajustaran más.

En ese jaloneo creativo entre Alexis Krauss y Derek Miller salió ganando la primera (aunque él opina lo contrario), ya que ahora hay una mayor tendencia al pop y el guitarrero es menos fiero, como es evidente en “End of the Line” y “You Lost Me”. De todo el álbum, “Crush” es la que mejor funciona para mostrar lo suyo.

Aunque aceptable, no puedo dejar de pensar en la maldición de los segundos discos. Quizá la apuesta sea capturar a quienes no se enteraron del debut a través de “Comeback Kid”. Es cierto, nuestra actualidad es caótica y saturada. Como símbolo, este álbum también lo es. 文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

RATATAT RATATAT

Maestros de combinar electrónica con riffs de guitarra en expansión.

Sleigh Bells Treats

Nos tomaron por sorpresa; su sonido salvaje nos sedujo. Tan imperfectos, tan actuales.

M.I.A. Arular

Pocos como ella al momento de samplear y armar temas con fragmentos de allí y de allá.

Reina del cut & paste.

ミュージック・レビュー

Lana del Rey Born to Die Interscope Records A veces suena a Sia y otras a Lykke Li. Básicamente, se trata de un disco pop rodeado de una nebulosa nostálgica que ha rebasado, inexplicablemente, las expectativas de algunos.

Y no era para menos. Podemos decir que, igual que muchas otras, Lana -ex Lizzie Grant- supo juntarse con las personas correctas que le atinaron al conjugar su, sino buena, por lo menos melodiosa voz con un ritmo que transita entre lo apaciguado y lo rítmico. Por supuesto, se trata de un disco fácil de digerir. El álbum, de pretensión épica, abre con “Born to Die”, canción que da nombre y sentido al disco, ya que es acá donde se encuentra el hilo conductor de todo el material. “National Anthem” y “Radio” sólo confirman la sensualidad, ingenuidad y melancolía que Del Rey quiso plasmar en esta entrega. Mención aparte merece “Video Games”, una canción lanzada previamente que, a pesar de la solemnidad de su letra, trasmite cierta estabilidad. Sin duda, este disco no es para todos: o te gusta o te aburre y lo detestas. 文 T X T : : D aniel H erran z .

SIA WE ARE BORN

Aunque el estilo musical de Sia es bastante desfachatado, cuando se pone a cantar canciones melancólicas -como “Paranoid Android” de Radiohead- su voz destila depresión.

LYKKE LI YOUTH NOVELS

Para muchos, pop eléctrico es la mejor manera de definir el sonido de esta sueca que no deja de lado las notas relajadas.

FIONA APPLE WHEN THE PAWN...

La simplicidad hecha música.

ミュージック・レビュー FUGAZI RED MEDICINE

El post-hardcore en toda su intensidad. Un disco lleno de poderío y experimentaciones.

NIRVANA IN UTERO

Nirvana en su estado de mayor crudeza y vulnerabilidad artística. Quizá no su mejor disco, pero sí el más visceral.

SONIC YOUTH DIRTY

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 El nombre Cloud Nothings puede prestarse a equívocos y hacernos pensar que se trata de un grupo de happy punk. La culpa es del primer disco de esta banda de Cleveland, su álbum homónimo de 2011, que casi parecía un homenaje a Blink-182. Pero todo cambió de súbito en Attack on Memory, un disco sorprendente por su fuerza e intenciones. Se trata de alt-rock, sin lugar a dudas, aunque esta vez más relacionado con bandas como Fugazi, Nirvana e incluso Sonic Youth. Esto resalta especialmente en temas como la inicial “No Future/No Past”, la noisy sonicyouthiana “No Sentiment” (con una guitarra que remite de inmediato a Thurston Moore), la irresistible “Fall In”, la explosiva “Separation” y, muy especialmente, la asombrosa “Wasted Days”, con sus casi nueve minutos de duración: un tour de force fuera de serie. El disco está producido por Steve Albini y eso puede ser o no una garantía. En este caso, lo es.

Un disco con el mejor noise rock que pueda imaginarse.

Entre los cinco mejores de estos neoyorquinos.

文 TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

JOHNNY CASH AMERICAN IV: THE MAN COMES AROUND

Es una verdad, aunque muchos no la recuerden o de plano la desconozcan, que una de las raíces primigenias del rock es la música country estadounidense. Hay quienes rechazan esto y dan preferencia al blues como padre único del mencionado género, pero músicos como los Everly Brothers, Buddy Holly, el mismísimo Elvis Presley y hasta los Beatles están ahí para desmentirlos: el country también depositó su simiente para que naciera el rock’n’roll. Por supuesto, hay un mal country, pero también hay otro muy bueno y es al que rinde tributo esta sensacional banda, de la que Norah Jones forma parte. He aquí una colección de espléndidos covers a composiciones de gente como Willie Nelson, Loretta Lynn, Dolly Parton, Kris Kristofferson y el gran Johnny Cash. Es un disco perfecto para los que, por prejuicios o ignorancia, hacen el feo a la música campirana del vecino país del norte; un trabajo de enorme calidad y belleza, una obra tan disfrutable como recomendable.

Quizás el disco ideal para introducirse en el estilo de este intérprete. Clásicos del rock al modo de Cash.

WILLIE NELSON SPIRIT

Uno de esos álbumes que pasan inadvertidos y que son un diamante no precisamente en bruto.

BUDDY HOLLY BUDDY HOLLY

El disco debut de Holly, en 1958; una finísima e imperdible colección de grandes canciones.

JOAN BAEZ DARK CHORDS ON A BIG GUITAR

Cuando la madurez interpretativa vale tanto o más que la combatividad de los inicios.

MICHELLE SHOCKED SHORT SHARP SHOCKED

La primera punk de la música folk en este su enorme y más significativo disco.

LOEY NELSON VENUS KISSED THE MOON

Un álbum único, soberbio, espléndido, intenso, sensual… y prácticamente desconocido.

文 TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

Militante feminista, portavoz y activista de las causas sociales más progresistas, música independiente como nadie (siempre ha grabado en su propia disquera), con un álbum con un título como éste (¿De cuál lado estás?), uno esperaría una serie de canciones anti todo. Curiosamente, no es así. Salvo el tema que da nombre al disco, y que sí es una larga letanía inspirada en movimientos como el de los Indignados o por el nuevo socialismo, el resto está conformado por composiciones introspectivas y muy personales de esta singular cantautora de ya larga trayectoria (estamos ante su opus No. 17 en 22 años de carrera). De ahí la presencia de piezas tan dulces como “If Yr Not” o la bellísima “Hearse” que habla del juramento de amor eterno entre dos amantes, cuando al morir sean enterrados uno al lado del otro. La gran cantante folkie-punk nos regala un disco que sin estar a la altura de Not a Pretty Girl o Dilate, resulta altamente aleccionador y disfrutable. 文 TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

CLOUD NOTHINGS ATTACK ON MEMORY CARPARK

THE LITTLE WILLIES FOR THE GOOD TIMES EMI

ANI DIFRANCO ¿WHICH SIDE ARE YOU ON? RIGHTEOUS BABE RECORDS

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the frightened ones?

ミュージック・レビュー

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 Gustavo Cerati Fuerza Natural

Un disco de narrativa nostálgica directo desde la pampa argentina.

El otro yo Mundo

Voz y unidad del disco, temática general de ambos discos.

Nacha pop El momento

La nostalgia y la construcción de metáforas sonoras hermanan a estos españoles.

Tom Waits Rain Dogs

La voz de barítono y agudeza de las letras.

Jarvis Cocker Jarvis

El sonido suave de la música en combinación con la solemnidad del vocalista.

Dana Glover Testimony

Letras apasionadas y cargadas de misticismo.

Them Crooked Vultures Them Crooked Vultures

La vieja escuela de riffs de guitarra y doble bombo.

David Lee Roth Skyscraper

En la portada de este disco, el siempre aventurero David no aparece persiguiendo rubias, sino escalando una roca.

Led Zeppelin Led Zeppelin IV

Sin este legendario álbum, la historia del rock sería tan distinta.

Curioso título para el nuevo material de esta banda española, quienes tenían dos años sin grabar un LP, pero habían lanzado varios EP’s en el ínter. Su anterior disco, Universal, resultó un tanto meloso y suave, mientras que Fue eléctrico es una narración nostálgica de diversos temas, entre los que sobresalen el amor y la soledad como constantes. Dentro de esta narrativa, la voz que impera es de la guitarra eléctrica –de ahí el título–; además, los verbos están conjugados en pretérito como un recurso meramente retórico, pues el presente ruidoso del disco es un hecho. El primer sencillo del álbum fue “Ayer”, un tema que ha sido muy bien recibido por los fans de la banda en Hispanoamérica. Para contextualizar, podemos decir que Fue eléctrico es más parecido a Cuando ya no quede nada (2007), pues comparten el pesimismo en las letras, además de que la voz de Jorge Martí se deja oír con mayor agudeza junto al sonido de las liras, algo que en conjunto ofrece instantes de desesperanza. 文 T X T : : C itlaly A guilar S á nche z .

Después de ocho años sin disco de estudio, el canadiense Leonard Cohen aparece con Old Ideas, diez canciones que, según declaró en agosto del año pasado, fueron escritas desde antes del 2008.

Producido por Ed Sanders y con la colaboración de Sharon Robinson, las viejas ideas de Cohen dejan ver su conocida influencia de la estética oriental y el ascetismo; quizá por ello el título del álbum sugiere que “ya no hay nada nuevo bajo el sol”. El ganador del Premio Príncipe de Asturias de las Letras, además de ser uno de los cantautores favoritos para los epígrafes en libros de poesía, hace alarde de su significativo nombre “El silencioso” como monje budista, pues en este álbum el silencio es uno de los elementos principales: las letras tienden a la nada. Y aunque para muchos parece una característica que demerite el trabajo, en Cohen, nunca deja de ser intencional: ocho años en silencio produjeron diez canciones y éstas a su vez, sin novedad, consiguen materializar otras ideas sobre lo viejo. 文 T X T : : C itlaly A guilar S á nche z .

David Lee Roth ha vuelto bajo la producción de John Shanks y Ross Hagarth, y así la alineación original de una de las bandas más representativas de los 80 grabó A Different Kind of Truth. El tiempo se detuvo en 1984, y ahora la banda parece recomenzar en ese punto de la historia… aunque con la edad a cuestas. Con guitarras pulidas, la temática del disco es por demás añeja, y se puede apreciar desde los títulos de las canciones: insinuaciones sexuales, la figura femenina como un estandarte de deseo y agresividad glamorosa; además de la inclusión de “She’s The Woman”, una canción inédita grabada en 1976. Admirable es que la banda mantenga con tanta firmeza su sonido primigenio, y que lo defienda en una época donde tanto se exige en “propuestas” nuevas: si muchas bandas retocan el sonido vintage de los 80, Van Halen sólo tiene que afinar sus riffs característicos. La vieja versión de Van Halen sigue palpable, lo nuevo es que Eddie reclutó a su hijo –Wolfgang– para sustituir al bajista Michael Anthony, así como el cambio de firma discográfica, después de años de fidelidad con Warner. 文 T X T : : C itlaly A guilar S á nche z .

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LA HABITACIÓN ROJA FUE ELÉCTRICO Mushroom pillow

LEONARD COHEN OLD IDEAS Columbia Records

VAN HALEN A DIFFERENT KIND OF TRUTH Interscope ecords

ミュージック・レビュー Antony & The Johnsons I Am a Bird Now

Obra maestra del dolor y la sensibilidad extrema. Lo de menos es si lo canta un gay o no.

Perfume Genius Learning

Un discreto debut concebido y realizado en una recámara.

Orfebrería emo-pop.

Rufus Wainwright Release the Stars

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 ¿Quién dice que siempre estamos del mejor humor? Que no podemos dejarnos llevar por tristezas insondables y pasajes de absoluta desolación. Sencillamente, hay momentos para que impere la tristeza, un dolor que llega a disfrutarse cuando uno quiere que la experiencia se potencie. Este es el disco perfecto para la ocasión: 100% melancolía convertida en canciones.

En esta ocasión, Mike Hadreas consigue ampliar su proyecto de alcoba y mejorar su sonido, pero no incluye ni un chispazo de felicidad. Ya sea con la guitarra acústica o con el piano, lo suyo es crear piezas lentas que condensan la mala fortuna y el desamor. Originario de Nueva York pero afincado en Seattle, se trata de alguien muy joven que al parecer conoce de sobra todo tipo de infortunios: no canta de otra cosa. He aquí una oda a la inestabilidad emocional y la fragilidad, 12 canciones que son píldoras condensadas de dolor. Si se quiere sufrir, este es un fondo musical perfecto que debes escuchar de corrido.

Atormentado y melancólico.

Posee un talento inmenso para la composición y los arreglos.

文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

The Sisters of Mercy Vision Thing

La saturación como sello distintivo ha operado durante décadas como uno de los rasgos que más aprecian quienes prefieren moverse entre sombras. Vamos, que el abigarre sónico se lleva bien con los tonos menores y las letras oscuras. Este grupo neoyorquino ha dosificado sus descargas de opresión y claustrofobia en una larga lista de EP’s y éste, el más reciente que ha editado, se une a la fila para reafirmar que los bajos pueden asemejarse a un hacha, y que los teclados y las guitarras están capacitados para generar texturas tan ondulantes y extensas como la capa de terciopelo del conde Drácula. Apenas cinco temas, veloces y ríspidos, que ayudan a creer que el formato EP podría confrontar la agonía que la industria del disco lleva tiempo padeciendo.

Ingleses densos del mundo: ¡uníos en este álbum!

The Jesus and Mary Chain Psychocandy

Tocar la guitarra mientras se miran los zapatos es un acto que alcanza aquí proporciones místicas.

The Magnetic Fields Distortion

文 T X T : : A lejandro G on z á le z C astillo .

Capas y capas de distorsión cobijando a uno de los más sobresalientes cancioneros en la historia del pop.

Arcade Fire Neon Bible

Algunos ganadores del Grammy también poseen drama sin mesura.

The Cure Three Imaginary Boys

Al arranque de su vida, Xiu Xiu era comparado constantemente con Smith y los suyos.

Devendra Banhart Niño rojo

Este venezolano también posee un afán transgresor muy low-fi que poco a poco se ha ido relamiendo con tal de perder las puntas filosas.

Perfume Genius Put your back N 2 It Matador Records

A Place to Bury Strangers Onwards to the wall Dead Oceans

Si el universo fuese justo, hace tiempo que Xiu Xiu habría dejado de ser un acto alabado por minorías para convertirse en un fenómeno de ventas, quizá no capacitado para aparecer en TV cada cinco minutos, pero sí ser reconocido por los grupúsculos indies como lo que es: un combo que transita por diversos estados de ánimo con la sencillez que cualquiera se suena la nariz y, además, poseedor de una acto en directo sin desperdicio. Éste, su más reciente álbum, contiene la vieja desesperación de toda la vida (la aterrada voz de Jamie Stewart; sello distintivo de casa) solidificada con pasajes sonoros tan siniestros como melancólicos, aunque ahora parece que los de California han tomado un poco de sol, pues lucen una especie de sonriente malicia que hace de su temario, algo incluso bailable. Escuchar Always significa internarse en los terrenos del synth pop macabro para esquizoides, tal cual. 文 T X T : : A lejandro G on z á le z C astillo .

Xiu Xiu Always Polyvinyl

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Did you hear

ミュージック・レビュー

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1 tUnE-yArDs whokill

tUnE-yArDs comparte con Merrill Garbus ciertas líneas de investigación y acercamiento musical. ¿Será un feeling generacional?

Cranes Forever

Particularmente, en este disco las líneas de voz nos recuerdan a la volátil Alison Shaw.

Lykke Li Wounded Rhymes

Li Lykke Timotej Zachrisson ha dado lecciones de cómo conjuntar misterio, cierto misticismo y pop.

Los pilotos Los pilotos

Florent y Banin, guitarrista y teclista de Los Planetas, en su propio proyecto alterno en clave electrónica y krautrock.

Grupo de Expertos Solynieve Alegato meridional

La primera incursión de este taller musical. Incluye una gran versión de “Vivir con alegría” de Vainica Doble.

Litoral Incidents melòdics del món irracional

Un inspirado grupo de folk de Madrid que canta en catalán de Valencia y francés.

Fleet Foxes Helplessness Blues

No hay duda de que estos oriundos de Seattle, son todo un referente del folk contemporáneo.

Bowerbirds Hymns for a Dark Horse

Aquí –en clave low fi– estaba la semilla que florece a plenitud en su tercer disco.

Bon Iver Bon Iver

Justin Vernon se encuentra en estado de gracia y su estilo ha permeado entres sus contemporáneos. El falsete como forma de arte.

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¿Qué dirá Vaughan Oliver, el diseñador que le dio un estilo gráfico a la 4AD, de una portada como esta? Pero bueno, son otros tiempos y otros los sonidos. Los procedimientos han cambiado dejando intacto el deseo de que la música nos traslade a otra dimensión, cosa que Claire Boucher tiene bien claro.

En cada álbum, Grimes mejora y ya van cuatro. No hace falta complicarlo de más, la canadiense hace electro-pop, aunque le gusta sazonarlo con especias exóticas y algo de IDM (Intelligent dance music). Sabe como insertar discretamente una cítara o un vocoder para que los temas se deslicen. Quien diga que ella tiene que ver con el witch house navega en aguas pasadas. Para este disco se encerró un largo rato, y asumirse como una profesional le sirvió para que su sonido creciera y se cohesionara. Aunque Grimes posee un fino sentido melódico, casi etéreo, nos viene de maravilla la claridad que arrojan “Oblivion” y “Vowels = Space and Time”. Totalmente actual, totalmente inspirada. 文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

“Nos echaron de allí, nos tuvimos que largar. Hacia otro país, hacia otro lugar…”. De Granada hacia el resto del mundo, hasta establecerse en algún paraje de la Norteamérica más agreste y rural; así es como lo andaluz convive con el folk y el rock, llevando a Dylan y Neil Young en la memoria. Estos músicos saben incorporar muy bien las temáticas de su región, incluso desde la añoranza en la inicial “La nueva reconquista de Graná”. Esta banda eventual tiene un cariz de dream team, no sólo porque en ella está Jota –líder de Los Planetas– sino por el resto de la comitiva: el guitarrista Víctor Lapido (ex 091 y actualmente en Lagartija Nick), Antonio Lomas en la batería y el bajista Miguel López (Lori Meyers); Manuel Ferrón, cantante y letrista para Los Planetas; Montero Castillo (guitarras y voz); Aguirre Suárez (guitarra eléctrica y voz); Miguel Lópezen el bajo y Raúl Bernal, con un destacadísimo papel en los teclados. La banda logra ese cariz eléctrico de lo que han llamado country andaluz, nunca más pleno que en “Dime”. También incluyen “Blues chillando en un Cubo”, una adaptación de Kevin Ayers. Con este disco dejan una huella evidente y ya no se quedó en el desplante de un momento.

Grimes Visions 4AD

Grupo de Expertos Solynieve El eje de la tierra El ejército Rojo

文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

A partir de su propio nombre, no es difícil inferir que a Phil Moore y Beth Tacular les interesa la ornitología; de hecho, para grabar Hymns for a Dark Horse se internaron una temporada en el bosque para componer mientras clasificaban especies. Solían hacer algo bucólico, reposado, austero; y aunque su amor por el folk silvestre permanece, los recursos de grabación y las estructuras mismas han crecido de forma notable. En esta ocasión, los de Carolina del Norte se fueron a un estudio de Wisconsin para potenciar sus canciones; de alguna manera siguen los pasos de Bon Iver y logran un LP de exquisita belleza, que sirve para masajear al espíritu.

También recurren a falsetes, coros pastorales, instrumentos de cuerda y viento para cohesionar canciones de reconciliación con lo natural. El disco comienza de la mejor manera con “Tuck the Darkness In” e “In the Yard”, inspiran redención y así continúan hasta completar 11 piezas. ¿Siempre hará falta pensar en la fama y el reconocimiento masivo? No podemos saber si lo desean, pero quizá no les haga falta. Por ahora, el verdadero arte les agradece su dedicación y entrega. Desde los Montes Apalaches nos llegan tonadas que combinan sabiduría antigua con la tecnología de hoy. 文 T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Bowerbirds The Clearing Dead Oceans

マービン推薦

M A R V IN R E C O M I E N D A

Mark Lanegan Blues Funeral 4AD

Un funeral lapislázuli 青葬儀

Mark Lanegan jamás se conformó con pertenecer a los Screaming Trees, un grupo de rock ‘n’ roll salvaje incluido con calzador dentro del grunge. Su furia requería desperdigarse en varias agrupaciones como Queens of the Stone Age, The Gutter Twins, Soulsavers, The Twilight Singers, además de trabajar en mancuerna con Isobel Campbell, ex Belle & Sebastian.

Este hombre no tiene nada que probar, hace la música poderosa y siniestra que le da la gana, mientras su voz emana como de una caverna y le da al guitarreo con salvaje desenfreno. Sin embargo, ahora buscó homenajear al blues (¿Cómo entender de otra manera una rola que se llame “Bleeding Muddy Waters”?), y lo mejor es que consigue actualizar su sonido; tanto como si llevara un paso adelante lo que antes hacían The Cult y Sisters of Mercy. El cambio fundamental radica en que ahora, Mark se involucró en la composición de las partes de teclado, bajo y algo de batería (que luego reforzó el contundente Jack Irons).

Durante ocho años se dedicó a trabajar en material ajeno, y el año pasado congeló definitivamente a los Screamming Trees con Last Words: The Final Recordings. Ahora, su nuevo material se escucha brutal en canciones como “The Gravedigger’s Song” –sencillo de adelanto- y “Grays Black”. Con este disco, Mark prueba también con una caja de ritmos en la inesperada “Ode to Sad Disco” y las secuencias despuntan en “Quiver Syndrome”, donde luce su mejor forma rockera. Aun así, no falta quienes sienten forzada la mezcla de estilos, e incluso encuentran a “Harborview Hospital” muy cercana al peor U2.

Debemos reconocer que Lanegan no busca repetirse, y que en su lugar busca maneras para sorprendernos.

No son habituales los artistas con tal densidad y calado. Se trata de un músico que sabe cuándo apostar todas sus cartas, y que al alejarse de su estilo clásico jamás le tiembla el pulso. Con el tiempo aquilataremos todavía más su capacidad de riesgo. Qué buena noticia la de su presentación en México el próximo 9 de abril.

CALIFICACIONES 資格

驚くべき 5/5

良い 4/5

平均 3/5

2/5

1/5

退屈な 糞

文 T X T : : J uan C arlos H idalgo .

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70

the falling bombs?

01

“Si queremos ver el futuro, hay que voltear

hacia Japón”. Algunos estudiosos coinciden con esta premisa… y no es para menos. Con burdeles donde encuentras cualquier fantasía, donde los jóvenes decidieron crear su propia subcultura basada en animes y mangas que vivir en el mundo real, donde un programa del gobierno prevé que para 2025 robots humanoides cuidarán de los ancianos, donde hay cápsulas para que duerman quienes no tienen para una renta –aunque trabajen–; Japón es el país del mañana. Arrasado por desastres nucleares y terremotos e invadido por Estados Unidos en nombre de la democracia, el país del sol naciente cumple con todos los requisitos del Apocalipsis moderno. ¿Ya van viendo el futuro?

Literalmente, las bombas atómicas hicieron polvo a miles de japoneses en el acto, dejando solamente una impresión de sus cenizas en las paredes de los edificios, una sombra de su existencia. Unas semanas después, los gringos ocuparon el país (1945-1952), les escribieron una nueva constitución –basada en los amorosos principios de la democracia capitalista–, les prohibieron tocar las armas para siempre, les instalaron su sistema de consumo y, en poco tiempo, buena parte de la población comenzó a soñar con el sueño americano.

Claro que los japoneses tampoco eran monedita de oro, ellos, a su vez, habían invadido otros países asiáticos para formar un imperio en la Guerra del Pacífico, matando e importando esclavas sexuales para sus soldados. ¿Por qué tanto choro histórico? Porque el arte japonés es mucho más que muñequitos de plástico coloridos: en esencia, refleja las obsesiones de un pueblo extremista que hoy vive en perpetua crisis de identidad.

La derrota a manos de los gringos, los efectos de las catástrofes nucleares, las perversiones sexuales, el sistema capitalista y el infantilismo son sólo algunas de sus obsesiones.

Bombas de colores

Tres días después del lanzamiento de la bomba atómica de Hiroshima, los artistas Iri y Toshi Maruki fueron al sitio para ver con sus propios ojos la destrucción. Ante el horror de lo que vieron, crearon una serie de 15 murales llamados “Hiroshima Panels”, que describen la masacre provocada por la bomba, así como por otras guerras. Cuerpos, sangre, humo, cenizas y fuego se mezclan en visiones infernales de dolor y violencia nunca antes vistas.

Medio siglo después, las representaciones de la bomba han cambiado bastante. En “Mokomoko” (“Esponjoso”, 2008), el artista Makoto Aida muestra al hongo atómico con cara de conejito inofensivo, aunque los colores (rojo y negro) transmiten una sensación amenazadora.

OBSESIONES¿UnaJAPONESAS pesadilla americana? 文 T X T : : R egina Z am o ran o .

02 Takashi Murakami también ha hecho su interpretación de la bomba en su serie “Time Bokan”, cuyo nombre viene de un anime muy popular de los 70, donde en cada capítulo los malos morían con un resplandor de luz atómica.

Murakami te da a escoger de qué color quieres tu honguito nuclear: ¿Azul, rojo, negro o rosa?

De hecho, éste es un tema que preocupa muchísimo al artista. En 2005, organizó una exposición titulada “Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture”, que hacía una revisión muy superflat (o sea, muy edulcorada) de los artistas contemporáneos japoneses y cómo han representado el desastre nuclear.

Ahí estaban Godzilla –que nació del imaginario post-Hiroshima–, Astroboy, Hello Kitty y muchos otros personajes con quienes los japoneses han intentado sublimar su terror y su aflicción, expuestos como en una juguetería gigante.

Pero olviden esa definición de superflat que nos remite a una simple cosa bonita, heredera de las técnicas pictóricas japonesas, que supuestamente “denuncia” a la vez que alienta el consumismo al estilo Louis Vuitton (¡Ja!).

Para muchos, Murakami se ha convertido en el símbolo por excelencia de la personalidad japonesa que los gringos deseaban crear en la post-guerra, la de un hombre que ha adoptado todos y cada uno de los principios del american way of life, aceptando la infantilización del pueblo japonés y su sumisión a Estados Unidos, al grado de convertirlo en su modo de vida y su sistema de pensamiento, transformando profundos traumas sociales en algo simplemente cute (kawaii): una alienación como esta no puede hacer más que helar la sangre.

Lolicom

Si hubiera un manga ambientado en el mundo del arte japonés contemporáneo, el enemigo de Murakami debería ser Makoto Aida, un artista políticamente incorrecto que ha sido calificado como “flojo” y sin interés por vender sus obras.

Nacido en 1965, este pintor, videasta, escultor y perfomancero, es experto en hacer cuadros hiperrealistas como “Blender”, una licuadora llena de mujeres, o “The Ash Color Mountain”, que representa con sumo detalle una montaña de hombres muertos vestidos de traje. También es famoso por la serie de pinturas con la que saltó a la (mala) “fama” en 1996. En una de las piezas de “Dog”, cuya estética mezcla el arte japonés tradicional y el manga, vemos a una joven desnuda en cuatro patas, con las extremidades amputadas y una correa en el cuello.

03 Indignado por la obsesión de algunos japoneses con las niñas púberes y las adolescentes (que se traduce en un género del manga conocido como Lolicom), Aida también ha pintado cuadros donde una multitud de colegialas con poca ropa se sacan los intestinos y cortan la cabeza (“Harakiri Schoolgirls”). Por si fuera poco, también se ha masturbado 40 minutos frente a un ideograma que dice “pequeña niña”.

Capitalismo a rastras

Un robot vestido como si fuera un hombre japonés con traje recorre la ciudad de Nueva York, arrastrándose como un soldado raso. Ante los ojos atónitos de los transeúntes, una sexy enfermera lo sigue para asistirlo en su odisea. ¿Por qué lucha este pobre robot con imagen de hombre de negocios japonés? Su guerra es por obtener el mayor beneficio económico posible, el mayor placer y la mayor cantidad de objetos que delaten su estatus de ejecutivo. Se trata de la obra “Miyata Jiro”, de la artista Momoyo Torimisu, que con sus robots trajeados refleja la obsesión japonesa nacida en los 60, cuando los hombres de negocios y los salarymen (hombres asalariados) dominaban la sociedad de las grandes ciudades. En esos tiempos, un empleado en las grandes corporaciones tenía garantizado su trabajo de por vida. Todos querían ser ellos, y si no lo eras, entonces no había de otra: eras un perdedor. En sus obras, la artista de 44 años sintetiza muchos de los traumas y opresiones del espíritu japonés, como la ansiedad de ser exitoso y poderoso sin importar la destrucción que esto acarrea (“Horizons”), la sublimación y la negación compulsivas de la violencia y la guerra (“Mimimi”) o el desánimo de los trabajadores de las fábricas, que se sienten como simples máquinas olvidadas en el proceso de deshumanización del mundo (“Made in Sumida”).

Quizá todo ese malestar en el que parecen atrapados los japoneses puede resumirse en “Somehow I Don’t Feel Comfortable” (“De alguna manera no me siento cómodo”). La artista colocó dos conejos rosas gigantes, que para caber en la sala de exhibición deben mantener la cabeza hacia abajo, en una posición muy incómoda. De esta forma, Torimisu simboliza la condición de la mujer japonesa, así como el hecho de que los japoneses viven en espacios diminutos que ellos mismos suelen llamar “madrigueras”.

Pero la realidad puede ser aún más vergonzosa.

Lo que sale a relucir en esta obra es que la sociedad japonesa prefiere estar incómoda, ajena a sus heridas, cerrar los ojos y ocultarse tras la tecnología y la fantasía… todo con tal de no despertar de su pesadilla americana.

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Karuto āto

カルト・アート

DECULTO::ARTE

¿Irías a una zona donde acaban de lanzar una bomba nuclear para hacer arte? ¿Te atreverías a masturbarte 40 minutos frente a un ideograma? ¿Pintarías niñitas haciéndose el harakiri? Los artistas japoneses, sí. www.marvin.com.mx

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Did you ever wonder

CINEMA-NGA

01

Cómic

. Una palabra que ha enamorado a Hollywood en este nuevo siglo al encontrar en ella una veta que explotar, un yacimiento posible gracias a las nuevas tecnologías de efectos especiales, y en menor medida al reconocimiento mismo que el cómic ha tenido como un medio narrativo digno, gracias a su reposicionamiento bajo el término de novela gráfica. En Japón, la relación existente entre el cine y el arte secuencial narrativo –denominado manga en esos lares– es mucho más longeva que en occidente, y una de las razones principales para ello es la diversidad de géneros abordados en él, ubicándolo en un paralelismo muy interesante en relación al cine. A diferencia de occidente –en donde los cómics son sinónimo de superhéroes–, en Japón la temática abordada resulta avasalladora tanto por el género, como por el enfoque previamente determinado al tipo de público que va dirigido. Así pues, tenemos comedias románticas, horror, autobiografías, acción, erotismo, thrillers y dramas, por nombrar algunos –¿No les suena muy similar al abanico de opciones que ofrecen las películas?–. Si además tenemos en cuenta que el ritmo característico del manga es prácticamente cinematográfico en su ejecución –asemejándose a un storyboard–, es fácil entender porqué el cine japonés recurre frecuentemente a éstos como base para sus historias.

Tsuribaka Nisshi

CUANDO LA HISTORIETA SE LEE A 24 CUADROS POR SEGUNDO

文 T X T : : J o r g e G r ajales . / j o r g r a j a @ h o t m a i l . c o m

02

Un estudio realizado por la industria fílmica japonesa en 2010, arrojó el resultado de que el 80% de las películas realizadas allí son adaptaciones, ya sea de libros, programas de televisión o mangas. Si además tenemos en cuenta que muchas series televisivas están basadas en historietas, podríamos decir que aproximadamente un 60% del cine japonés tiene como origen un manga.

Un ejemplo típico de lo anterior es la saga de películas Tsuribaka Nisshi, basada en el eterno manga homónimo de Juzo Yamasaki y Kenichi Kitami que empezó a publicarse en 1979. Ésta es una historia centrada en la relación laboral y de amistad entre un empleado de una constructora japonesa y su jefe, que comparten el gusto por la pesca.

La trama costumbrista y humorística (cuya traducción sería algo como El Diario de un loco por la pesca) ha servido para una serie de 20 películas (entre 1988 y 2009) protagonizadas todas ellas por el actor Toshiyuki Nishida, con guiones del aclamado director Yoji Yamada.

Por cierto que Yojiro Takita –director de Violines en el Cielo (Okuribito), ganadora al Oscar por Mejor película extranjera en 2009– decidió realizar como siguiente película a tan aclamo filme, la adaptación de Tsurikichi Sanpei, otro manga muy popular sobre pesca, que está dirigido al público juvenil.

03

Johatsu Tabinikki

Esta cualidad fílmica inherente del manga fue explorada magistralmente en la adaptación del Ninja Bugeicho de Sanpei Shirato, realizada en 1967 por Nagisa Ōshima, el realizador de la controversial El Imperio de Los Sentidos y una de las figuras representativas de la nueva ola de cine japonés en los años 70. En Ninja Bugeicho, Oshima aborda la historia de manera experimental al fotografiar y animar los paneles del manga sólo con el movimiento de la cámara, además de efectos de sonido y la interpretación de los personajes por medio de la voz de actores, subrayando así el estrecho vínculo entre manga y cine.

Always Sanchōme no Yūhi

Y es que ningún realizador escapa a la influencia del manga, ya sean proyectos pensados para ser éxitos de taquilla, como la mencionada Nintama Rantaro de Miike o las adaptaciones del queridísimo manga setentero de boxeo Ashita no Joe (conocido en México como Joe Rocky), la compleja e intrincada trilogía de ciencia ficción y misterio Nijisseiki Shōnen (20th Century Boys) o Gantz, un exitoso manga con elementos de horror y acción; o bien, como punto de partida para proyectos más personales, como en el caso de Himizu (Topo) de Sion Sono –uno de los directores más interesantes del panorama cinematográfico nipón– quién toma como punto de partida el manga nihilista de Minoru Furuya, para reconfigurarlo a sus intereses y ofrecer una reflexión sobre los estragos que el terremoto del año pasado causó en la sociedad japonesa.

Por su parte Hirokazu Kore-eda, uno de los autores más prestigiosos del actual cine japonés, premiado en Venecia y un habitual en Cannes, decidió adaptar el manga Kūki Ningyō (Air Doll) de Yoshiie Gōda en 2009.

Ya sea en historias que van del tono cálido y costumbrista como Always Sanchōme no Yūhi (Always Sunset on Third Street) de Takashi Yamazaki, a lo experimental y meditativo del filme Johatsu Tabinikki (Soul Oddysey) de Isao Yamada o de plano a lo erótico y retorcido como Nana to Kaoru de Atsushi Shimizu, el cine japonés ha demostrado por años no sólo que siempre tiene un as bajo la manga, sino que el manga siempre ha sido su mejor as. M

Takashi Miike, un realizador que se ha vuelto extremadamente popular en occidente al grado de llegar al estatus de “culto”, gracias a su estrambótica visión fílmica, le debe al manga uno de sus mayores éxitos: la adaptación de Koroshiya Ichi (Ichi El Asesino) de Hideo Yamamoto, una perturbadora exploración de los límites del sadismo y el masoquismo dentro del ambiente yakuza (mafia japonesa), en la zona de Kabuki-cho. En el extremo opuesto se sitúa Nintama Rantaro (Ninja Rantaro), una desaforada y colorida adaptación del manga infantil de Sobe Amako.

Koroshiya Ichi

Kūki Ningyō

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カルト・ムービー

DECULTO::CINE

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why

Cuando tenía como siete u ocho años tocábamos taiko (tambores japoneses) en la escuela. Durante la clase todos bailábamos, y muy probablemente, fue el sonido de esos tambores lo que me hizo querer hacer mi propia música. -Cornelius

65 Gracias por la música,

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CORNELIUS 文 T X T : : M a r c o Pat i ñ o .

Sonidos vertidos en capas. El pop en un fantástico encontronazo con el heavy metal. Collage sonoro interminable. Lo electrónico y lo análogo. Gotas de agua al caer y la impresora marcando con tinta las hojas del papel. El platillo de la batería junto a frecuencias sintetizadas. Lluvia de imágenes tutti-frutti “agitafleco”. Sampler del sampler. Cuti, copy y paste. Rock clásico coloreado de tonos pastel. Electrónica endulzada, mermelada de hip-hop, bubblegum pop con sabor extra fuerte. Mosquitos que zumban en estéreo. El sonido de un cigarro cuando se enciende. Montaña rusa hipnótica que nos pasea por ambientes que se han formado desde la cabeza de un fanático de El planeta de los simios.

01

Cornelius

, sobrenombre tomado del personaje de la famosa serie de ciencia ficción, llegó hasta nuestros oídos cuando la disquera Matador editó Fantasma en 1998, disco que ayudaba a consolidar una carrera ya ascendente en su natal Japón, donde era un ídolo pop en espera de convertirse en una explosiva tarjeta de presentación para el resto del mundo.

Keigo Oyamada (Tokio, 1969) –su nombre real– tocaba todos los instrumentos del disco, y ese particular virtuosismo se sumaba a diversas influencias musicales, evidenciadas conforme recorríamos el disco de portada color naranja.

En ese momento, algunos críticos lo compararon con Beck, quien había sacado el influyente Odelay apenas dos años antes.

Keigo comenzó su carrera en el dueto Flipper's Guitar, uno de los grupos clave del movimiento Shibuya-kei de Tokio, que a principios de los noventas también catapultara a Pizzicato Five y Shonen Knife, entre otros grupos. Ese momento es importante, ya que fue un primer estallido de lo que ha llegado a considerarse como el indie japonés. Cornelius ha remezclado a sus amigos y ellos lo han remezclado a él, confirmando un universo fantasmal de adentro hacia fuera.

Mediante el poder que otorga la remezcla, ese cúmulo de ideas le permitieron colaborar con músicos como el referido Beck, K.D. Lang y Sting; además de bandas como The Avalanches, Blur, y recientemente con MGMT.

02 Si el disco Fantasma era un recreo de la primaria, Point (2002) es la fiesta de graduación de la prepa. Sonidos acuáticos que crecen y siguen creciendo. La misma voz sonando a cien voces en japonés y en inglés. Speed metal y bossa nova unidos por el cantar de grillos. Repollo alemán que se come con palillos de madera. Rock progresivo dentro de una lonchera fosforescente.

Fan irredento de la serie y película que le dio nombre, en el 2000 se casa con su compañera y colaboradora Takako Minekawa y posteriormente decide llamar a su hijo Milo, al igual que el primogénito de Cornelius, el personaje.

Sonido Surround al servicio del remezclador.

Cornelius artista sonoro. Instalaciones de videoarte. Productor de música para el cine, para la televisión. Artista en amplio sentido.

Bandera blanca con un sol naciente rojo.

Evolución hacia sonidos complejos. Más texturas. Jazz para adelante. Sensous (2006) empuja el sonido de Cornelius hacia nuevas atmósferas. Infinito jam. Nuevo coqueteo con el rock. Como una piedra rodante pero en mood zen. Asalto a los sentidos con The Ultimate Sensuous Synchronized Show y larga vida al color. Sincronía ultra colorida, perfecta, rotundamente japonesa.

03 Cornelius colaborador. El músico que no deja de experimentar. El músico invitado. En la edición 2009 del prestigiado festival Meltdown, Cornelius fue parte de la Plastic Ono Band junto a Yoko Ono, Mark Ronson y Sean Lennon. Recientemente fue invitado a participar en un álbum homenaje a Phillip Glass, el músico que en enero del 2012 cumplió 75 años. Aquí, Cornelius, aparece junto con Memory Tapes y el brasileño Amon Tobin, entre otros, en un disco donde el minimalismo de Glass se reorganiza sónicamente.

Seguidor de Kiss y Black Sabbath, Cornelius se da tiempo para aparecer en programas televisivos como Yo Gabba Gabba!, donde enseña a contar a los niños de Nickelodeon y componer, junto con Beck, parte de la banda sonora de Scott Pilgrim vs. The World. Así, sus collages sonoros también se filtran a través de los rayos catódicos y el sonido óptico del cine. Su talento inquieto y saltarín no conoce de límites.

En 2009, Cornelius confirmó que visitaría nuestro país por primera vez, pero la alerta sanitaria de la influenza lo hizo desistir de sus planes y hasta hoy, nos mantenemos ansiosos de que su implacable talento se escuche en México. Mientras eso pasa, unas palabras del propio Cornelius sobre cómo se inició en la música: “Comencé a hacer música porque me gusta, pero nunca pensé en serio en convertirme en un profesional. Pero entonces, una compañía disquera escuchó a mi banda y nos preguntó si nos gustaría hacer un disco. Todo fue completamente por accidente”. M

Karuto myūjikku

カルト・ミュージック

DECULTO::MÚSICA

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Manga

漫画

::CÓMIC

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写真 F O T : : A l e j a n d r o O ta o l a .

A pesar de lo que mangas y animes puedan sugerir, la sociedad japonesa sigue siendo profundamente tradicionalista.

Lejos de las luces de kabukicho existen leyendas y rituales, música e instrumentos tradicionales que demuestran un gran respeto por las costumbres más antiguas.

楽譜 www.marvin.com.mx

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we had to run for shelter

ホームレス 写真 F O T : : T o n i F r a n ç o i s .

Aunque es la tercer economía más importante del mundo, Japón ha sufrido fuertes golpes en los últimos años; los salaryman que solían tener asegurado su trabajo de por vida son despedidos. Humillados, deciden abandonar a sus familias para vivir en la calle, y aunque terminan locos u olvidados, su tatemae les impide ser mendigos.

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Foto repōrto

フォト・レポート

::FOTOREPORTAJE

文 T X T : : JI M EN A G Ó M E Z .

En japonés existen dos palabras cuyo uso es común y

su relevancia ampliamente aceptada; honne y tatemae refieren a un concepto universal: el ser verdadero y el ser público, respectivamente. Sin embargo, en Japón esta idea no es relegada a una abstracción teórica, pues a partir de esos términos, se construye gran parte de la vida en sociedad. Así como aprenden a hacer fila o a no tirar basura, los japoneses son educados para separar sus sentimientos y anhelos de su personalidad pública desde muy pequeños; el honne debe permanecer oculto y siempre debajo la máscara (tatemae). La concepción occidental de Japón es injusta; solemos reducir una cultura compleja, basta y ajena, con estereotipos fáciles de repetir. Desconocemos mucho de su cultura, pero nos fascinamos con las luces de colores y la constante pantalla kawaii.

Aquí exploramos dos caras del honne de Japón…

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when the promise Vestido aqua con rojo: CĂ­trico Falda blanca plisados: Isaac Rankuroi Zapatos: Alejandra Quezada & Muro Accesorios: LuciĂŠrnaga

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Falda larga negra pliegues: Malafacha Falda larga blanco con negro: Malafacha Capa Salmon: Malafacha CinturĂłn: ArtesanĂ­a Chiapaneca

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55 Vestido de flores: Cítrico Falda verde con naranja: Cítrico Falda blanca plisados: Isaac Rankuroi Zapatos: Alejandra Quezada & Muro Accesorios: Ángela Coyota

KAMIKAZESTUDIO

Productor: César Ortiz Yáñez.

Dirección: Daniel García y Mario Villegas.

Ilustradores: Rafaela López, David Heras, Pelón Martínez, Alan Villalobos, Daniel Delgado.

Fotógrafo: Iván Aguirre.

Estilismo: Aurora Colavita & Laura Álvarez.

Peinado y Maquillaje en set: Catalina Sánchez.

Asistentes: María León & Haydee Bueno.

Hayarinomono

流行りの物

::MODA

Modelos: Issa Lish & Lee Velázquez Wanted Model Management www.wantedmodelmanagement.com

悪魔の風 AKUMA NO KAZE www.marvin.com.mx Pantalones negros envolventes: Tree life Top mezclilla: Cítrico Faja: Artesanía Chiapaneca Zapatos: Getas y Makiwaras

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of a brave new world unfurled beneath

Ganguro がんぐろ

Una de las modas más extrañas que el street fashion tiene para ofrecer. Las chicas ganguro se distinguen por su tez oscura (en Japón estar bronceado es símbolo de pobreza y por lo tanto mal visto) y pelo platinado, a su vez, el maquillaje consiste en líneas blancas alrededor de los ojos y en la boca. La ropa suele ser llamativa: mini faldas brillantes, brazaletes de colores, además de stickers.

Cosplay コスプレ

Nombra a quienes se disfrazan como sus personajes preferidos de manga, anime o películas y aunque no es técnicamente parte del street fashion, es común encontrar cosplayers en las calles de Tokio. No importa lo elaborado o básico del disfraz, el único requisito para hacer cosplay es tomar inspiración de un personaje ficticio.

Hime Gyaru 姫ギャル

El cabello –generalmente castaño claro– se usa en peinados altos y ondulados, el maquillaje es exagerado y el uso de pestañas postizas y pupilentes es mandatorio.

La moda consiste en vestidos cortos, generalmente de color rosa pastel y tacones.

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Center Guy センター街 Cuando un chico adopta el estilo manba se le denomina bajo el nombre de center guy. Las características se mantienen incluso en el maquillaje; la ropa es colorida y ligera: shorts, playeras sin manga, etc. El punto de encuentro para los chicos y chicas manba está en Shibuya Station en Tokio.

Decora

Classic Lolita/ Goth Lolita ロリータ・ファッション

Los accesorios son la parte fundamental de este estilo, Goth Lolita: la silueta es muy similar a los otros estilos de idealmente cada centímetro de tela debe estar cubierto lolitas (faldas abombadas y mucho encaje), sin embargo, con algún tipo de adorno. Generalmente lo adoptan chicas el maquillaje y los materiales son mucho más oscuros. entre 13 y 17 años y tiene su origen cuando la cantante Classic Lolita: es considerada la versión más madura y idol Tamoe Shinoara puso de moda el uso exagerado de sofisticada debido a que los colores no son tan llamativos. accesorios.

文 T X T : : J I M E N A G Ó M E Z . 写真 F O T : : G r a c ia s a w w w. t o k y o f a s h i o n . c o m

TRIBUS URBANAS EN JAPÓN Hayarinomono

Manba マンバ

Es la versión extrema de ganguro: el bronceado es más intenso y el maquillaje aún más exagerado. Los colores brillantes siguen siendo característicos de la ropa; el cabello es de colores y suele tener dreads. Puede confundirse con yamanba; la única diferencia entre ambos es el uso de maquillaje blanco. En el caso del yamanba sólo se usa en el párpado superior.

流行りの物

::MODA

Punk パンク

Esta moda proviene de occidente, pero en Japón se mezcla con otros estilos y se transforma en un estilo distintivo del street fashion japonés. Usan colores vibrantes y algunos elementos decora.

Kogal コギャル

Sweet Lolita 甘い ロリータ

El look consiste en un uniforme escolar (no se usan uniformes reales, sino una versión fashion), con falda corta y calcetines holgados. El pelo suele ser castaño claro y el maquillaje tiende a ser “natural”. Generalmente lo usan estudiantes, aunque algunas mujeres en sus veintes adoptan el estilo para verse más jóvenes.

Lolita es uno de los estilos más populares en la calles de Japón y cuenta con muchas variantes: sweet, goth, classic, horror, sailor, etc. Cada una tiene referencias al rococó, al estilo victoriano y en algunos casos, a la moda occidental de los años 50. El estilo sweet es colorido, especialmente con tonos pastel y cuenta con elementos decora, como moños y encaje.

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01

Hijo

UN

RO C K S T AR

LI T E RARIO

文 T X T: : J ua n C a r lo s H i da lg o.

Para ciertos artistas, es fundamental ajustar el trabajo a sus propias reglas, de manera que produzca una realidad alterna y alejada de la lógica común, de mundos particularísimos que no se parezcan a nada más. Es así que la obra de Haruki Murakami transcurre en dimensiones paralelas, donde las reglas se imponen sin importar cuán absurdas puedan parecer – no es casualidad que Murakami pertenezca al club de David Lynch–, o como él mismo lo dice: “Si alguien abriera mi cerebro encontraría cosas extrañísimas”.

Lo paradójico es que buena parte de su fama la debe a su novela más realista: Tokio Blues (Norwegian Wood en el original de 1987) es un retrato generacional de finanes de los años sesenta, que narra el choque cultural que vivía Japón en aquellos años, cuando un alud occidental ya pesaba sobre ellos.

“Sería maravilloso poder escribir como si tocara un instrumento. De adolescente me gustaban autores como Dostoievski, Kafka y Balzac, pero nunca imaginé que podría escribir algo que estuviese a la altura de las obras que nos dejaron. Así que, a una temprana edad, sencillamente abandoné toda esperanza de escribir ficción. Decidí que seguiría leyendo libros como afición y buscaría otra forma de ganarme la vida”.

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de profesores de literatura, Haruki creció en un ambiente bohemio y culto en la ciudad de Kobe. Además de teatro y literatura, estudió idiomas, lo que le permitió traducir a Scott Fitzgerald, Raymond Carver y Truman Capote al japonés –entre otros–. Más tarde, entre 1974 y 1982, este nativo de Kioto se atrincheró unos años en el Peter Cat de Tokio, un club de su propiedad en el que consolidó su pasión por el jazz como DJ. Como el tipo huraño que es, Haruki se deja ver poco en los medios y pese a estar casado, no quiere tener hijos. Lo irónico es que esos elementos no le han impedido convertirse en una especie de rockstar literario, en una figura con la que millones de lectores se identifican, sobre todo con su concepción de la fantasía, absurdo y la tensión contenida en sus historias.

Lo curioso es que mientras fuera de su país, autores de gran renombre como John Updike elogian su pluma, la academia japonesa lo calificó como una versión todavía más pop de Yukio Mishima, un escritor acusado de extranjerizante.

Poseedor de una vasta obra, Murakami comenzó a despuntar con La caza del carnero salvaje (82), una novela que no pudimos leer en español hasta diez años después –vía Anagrama antes de saltar a Tusquets–. Como hasta la fecha no hay una traducción de Dance Dance Dance (88), en México muchos le seguimos los pasos hasta Crónica del pájaro que da cuerda al mundo (94), una obra extensa, abrumadora y obsesiva.

El crítico David Morán ha logrado resumir de muy buena manera los parajes narrativos de este nómada silencioso: “En sus novelas los gatos hablan, el pop es parte esencial del zen, la realidad aparece parcheada de injertos fantásticos, los fantasmas andan perdidos y la comida siempre tiene un aspecto inmejorable, así que, ¿quién querría salir de ahí dentro? Él no.

Eso seguro”.

Y ese carácter ambulante lo ha llevado a vivir en Italia, Grecia y Nueva Jersey, buscando siempre la independencia de espíritu; siguiendo esa pauta que desarrolló en Sputnik, mi amor (lanzada en 99 y editada por Tusquets en 2001), y Al sur de la frontera, al este del sol (92, traducida al español en 2003); una novela considerada de madurez que generó mejores comentarios.

02 En la medida en que alcanzaba el tope de las listas de vendedores millonarios, la academia más ortodoxa recrudeció su rechazo, y pese a ello obtuvo importantes premios. La periodista Susana Pons explica su caso de la siguiente manera: “Alejarse de la tradición, junto con las muchas referencias occidentales, le ha supuesto a Murakami las mayores críticas en su país de origen, donde se le ha tildado de poco japonés.

Y si bien éstas tienen su razón de ser, sería incurrir en error englobarlo en la tradición occidental. El autor es más bien un hijo de su tiempo que pretende reflejar en sus obras las angustias y los deseos –en esencia, los mismos, independientemente del lugar– que impulsan al individuo a obrar de cierto modo”.

Lo que nadie podría reprocharle es el ahínco con el que trabaja, pues la cascada de títulos se prolonga: ahí están la alucinógena Kafka en la orilla (02) y El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas (85, editada por Tusquets en 2009), novela en la que Bob Dylan aparece como personaje. Pero no ha sido en la novela –género que domina– donde ha dado las sorpresas más festejadas; primero editó Haruki Murakami And The Music Of Words en 2002, una biografía hecha por uno de sus traductores –el inglés Jay Rubin–. Después vino De qué hablo cuando hablo de correr (07), ensayo en el que se explaya sobre una de sus pasiones: “Cuando haces grandes novelas, tienes que ser fuerte, así que cuando llegas a los 50 o los 60 años tienes que entrenarte para poder escribir”.

Para no bajar la guardia, Murakami se compró una casa en la misma isla donde se grabó Lost – Oahu, Hawái–, lugar en que pasa largos periodos de aislamiento. Alternando entre el encierro y Tokio compiló Birthday Stories, donde junto a los relatos Denis Johnson, Raymond Carver, David Foster Wallace, incluyó su texto titulado “Birthday Girl”. Más tarde redactó After Dark (04) de corte experimental y 1Q84, la trilogía que se publicó en partes, que pese a la vastedad y complejidad de su argumento, en el fondo es un homenaje a 1984, el paradigma apocalíptico de George Orwell.

Con una carrera que inició en 1979 con las novelas Hear the Wind Sing y Pinball –aún inéditas en español– el escritor japonés más célebre de los últimos veinte años no da señales de descanso; por el contrario, a estas alturas muestra un convencimiento total acerca de sus intenciones y objetivos: “Las buenas historias pueden encontrar lectores en cualquier país y en cualquier idioma. Cuando escribo mis novelas, yo soy el primero que no sabe qué va a suceder a continuación, y es precisamente por eso que sigo escribiendo. Espero que mis lectores experimenten la misma sensación y sientan la necesidad de seguir leyendo”. M

Bungaku

文学

::LITERATURA

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a clear blue sky?

01

02

Las

También cabe mencionar que en esta última, “no pasa nada” en el sentido estricto; las películas firmadas por la robusta figura de Totoro pocas veces obedecen las reglas “normales” de la narrativa. El juego con los tiempos –mucho más lento que el enloquecido ritmo al que nos tiene acostumbrados Hollywood y su cine para niños–, rompe con el carácter lineal de la historia, de manera que las emociones y los lazos con los personajes se construyen de manera distinta.

Además, aquí hay pausas, respiros y momentos para contemplar la belleza del kami.

obsesiones de Hayao Miyasaki son muchas y sus orígenes variados; en sus cintas, las mujeres son fuertes y valientes (un guiño a su madre que, amante de los libros, siempre se reveló ante las convenciones sociales), los personajes vuelan (su padre y su tío eran dueños de una compañía de aviación donde solía pasar sus tardes de infancia) y todo está lleno de vida.

Y es justo en el centro del imaginario de Miyasaki –que muchos asociamos como sinónimo de Ghibli– donde se encuentra esta vida… donde se encuentra el kami o shin, un concepto derivado del Shinto –una religión indígena de Japón– que refiere a una “esencia vital” capaz de adquirir una forma humanoide o animal, y en otras sólo una imagen abstracta.

Pero la relación entre estos dos estudios –Pixar y Ghibli– va mucho más allá de la amistad que sus dos líderes puedan tener, pues no es ningún secreto que Up le debe mucho a El castillo vagabundo, o que cuando Pixar se ve en dificultades para imprimirle kami a alguna escena, siempre recurre a las animaciones tradicionales que sólo Ghibli puede hacer en busca de inspiración. Pero todo esto sólo son curiosidades que no alcanzan a dibujar la influencia que estas cintas y sus personajes han tenido, no sólo en el cine, sino en cada par de ojos que se ha posado sobre ellas. Las heroínzas de Ghibli son algo formidable (de esto Pixar no ha tomado nota), no sólo evocan humanidad, sino que la redefinen bajo términos que habrían de ser universales, y así podríamos ponerles epítetos: Chihiro “la valiente”, Sophie “la sabia”, Hamu “la tímida”, Kiki “la poderosa”, Sheeta “la sobreviviente”, San “la guerrera”, Setsuko “la inocente”, Mei “la imaginativa”, Arrietty “la grande”, Rikako “la bella”…

Una característica del estudio Ghibli es que trabaja de manera tradicional (Miyasaki es famoso por su método peculiar de animar agua y fluidos): los cuadros se hacen a mano, y aunque se han integrado nuevas tecnologías como la CGI, una regla inquebrantable dicta que sólo el 10% de las imágenes –por película– pueden ser generadas con este tipo de tecnologías. La animación –entiéndase como técnica o género– no sólo da movimiento a lo estático, sino que efectivamente le da vida, evidenciando la presencia del kami en todos los detalles. Aunque las cintas de Ghibli preservan las técnicas artesanales, ello no significa que el trabajo del estudio se oponga a otro tipo de recursos; tomemos como ejemplo la narrativa de sus películas, que para nada es de corte tradicional.

2009

Desde la colina de Arrietty y el mundo las amapolas de los diminutos コクリコ坂から 借りぐらしのア リエッティ

2008

La historia del segundo filme de Gorō, fue escrita por su padre y basada en el manga del mismo nombre que narra la vida de Umi, una chica que vive junto al mar y que cada mañana iza una bandera hacia la playa, en señal de buenos deseos para los marineros. Shun, un joven de 17 años, ve esa bandera cada mañana al ir en bote a su escuela. Ambos jóvenes se conocen en Yokohama circa 1960, un momento histórico de Japón cuando (en vista de las olimpiadas que habrían de realizarse) todas las ciudades entraron en un frenesí de progreso, que arriesgaba la existencia de "lo viejo". Juntos deciden intentar salvar un antiguo club de cultura de la ciudad, y al hacerlo se comienzan a querer. Sin embargo, Umi y Shun descubren algo que cambiará los sentimientos que tienen el uno por el otro.

En esta cinta –de manos de la segunda generación de directores Miyasaki–, podemos notar que los valores y la esencia de Ghibli son perpetuados. La belleza de los cuadros continúa subrayando el kami en cada ola, en cada piedra, en cada pedazo de madera o ladrillo, mientras que una nueva mirada le otorga dinamismo.

Es muy pronto para decidir si este será un filme digno dentro de una historia como la de Ghibli, sin embargo, la simple belleza (tradicional y llena de kami) que el estudio ha construido, resulta suficiente para ir a dormir tranquilos, sabiendo que vivimos en un mundo donde Ghibli existe. M

Siguiendo esta notable lista de dibujos llenos de kami –cuyos nombres bien podrían encontrarse en la Odisea de Homero– nació Umi, personaje del más reciente filme de Ghibli titulado Desde la colina de las Amapolas (su estreno en Japón, en julio del 2011, fue un éxito en taquilla) dirigido por Gorō Miyasaki, hijo de Hayao.

En el universo animado de Ghibli no hay villanos convencionales, cada figura está cuidadosamente matizada: la mujer que produce hierro y corta árboles en La princesa Mononoke, de igual forma cuida leprosos; el padre de Ponyo muestra amor incondicional por su hija, pero el mejor ejemplo posible es Mi vecino Totoro, que carece de cualquier tipo de figura antagónica.

2010

La relación padre e hijo ha sido bastante comentada, pues a pesar de la imagen de noble abuelo canoso que Miyasaki tiene, al parecer es muy estricto y adicto al trabajo, cosa que supuestamente ha creado tensión entre ambos, al punto que Gorō ha afirmado lo siguiente: “para ser honesto, no somos muy cercanos, no sabemos como comunicarnos”.

La influencia de Ghibli no sólo es notoria, sino también agradecida: John Lasseter, amo y señor de Pixar, ha dicho en numerosas ocasiones que el trabajo del genio japonés lo ha influenciado más que el de ningún otro. Amigo de Miyasaki, Lasseter se ha convertido en un campeón de cada filme Ghibli (cuyo distribuidor en occidente es Disney) ya que siempre busca dar a conocer cada película a otros mercados.

Es importante detenerse en este concepto porque, prácticamente, el kami invade cada rincón de los filmes de Ghibli, es explícito y lo podemos ver tanto en formas básicas, como en las pelusas vivientes de Mi vecino Totoro (cuando la familia se muda a una vieja casa rural y aparecen miles de bolitas negras), o en El viaje de Chihiro, con la aparición de unos pequeños seres llamados Susuwatari (conejos de pelusa) o en manifestaciones más complejas: el príncipe espantapájaros parlante de El castillo vagabundo o el cerdo piloto de Porco Rosso.

2011

03

49 2007

Ponyo en el acantilado 崖の上のポニョ

2006

Cuentos de Terramar ゲド戦記

2005

El castillo vagabundo ハウルの動く城

2004

2003

Haru en el reino de los gatos 猫の恩返し

2002

El viaje de Chihiro 千と千尋の神隠し

2001

Mis vecinos los Yamada ホーホケキョ となりの山田くん

2000

1999

La princesa Mononoke もののけ姫

Ēga

映画

::CINE

文 T X T : : J ime n a G ó me z .

Ghibli, la palabra que acompaña la curiosa figura del gato/oso/conejo llamado Totoro (que en realidad es un troll), da nombre al estudio de animación más prestigiado de Japón y del mundo. En 1985 Hayao Miyasaki junto al director Isao Takahata (con el que Miyasaki había trabajado en Toei Animation durante muchos años) y Toshio Suzuki (productor de Nausicaä del valle del viento) fundaron este estudio cuando decidieron que era momento de trabajar en sus propios largometrajes animados, Ghibli representó la oportunidad de sustituir un currículo principalmente basado en manga y anime, por un mundo fantástico, a momentos triste pero siempre excepcional y deslumbrante.

1998

1997

Susurros del corazón 耳をすませば

1996

Pom Poko 平成狸合戦ぽんぽこ

1995

1994

Puedo escuchar el mar 海がきこえる

1993

Porco Rosso 紅の豚

1992

Recuerdos del Ayer おもひでぽろぽろ

1991

1990

El servicio de entregas Kiki 魔女の宅急便

1989

Mi vecino Totoro となりのトトロ

1988

La tumba de las luciérnagas 火垂るの墓

1987

1986

El castillo en el cielo 天空の城ラピュタ

Did you see

D OS C INEAS TAS BR INDAN EN EL CEM ENTE R I O 墓

地

で

乾

杯 01

En la primera visita que hice a Japón, fui

acompañado por gente con gustos muy diversos, lo cual hizo imposible cumplir un sueño de la infancia: estar frente a frente con el Daibutsu o Buda de Kamakura, una estatua gigantesca de bronce color verde, sobreviviente del Tsunami que en 1495 destruyó su templo, dejándola al aire libre. Por fortuna, cuando viajé por segunda vez lo hice solo, con la misión de viajar 50 km al suroeste de Tokio para llegar a Kamakura y contemplar al Buda. Mi plan era bajarme en la primera estación de tren en KitaKamakura, ya que así llegaría desde las afueras para cruzar un cerro que tiene parques y templos, de manera que la visita sería algo más memorable que una simple misión turística.

Una vez que llegué a mi destino, el tren arrancó rápidamente mientras dos o tres pasajeros se alejaban con prisa para encontrarse con las personas que los esperaban en sus autos. Solo y en completo silencio, finalmente me encontraba listo para emprender la visita hacia el Buda de mis sueños… ahora nada podía detenerme.

Aquellos carentes de pensamiento mágico podrán reírse –y estaré de acuerdo con ellos, pues generalmente soy muy racional–, pero repentinamente algo me paralizó y en cuestión de segundos me sentí atraído hacia la dirección opuesta. Me enojé porque en esta ocasión no había tiempo que perder, no debía postergar mi visita al gran Buda, pero en medio de la incertidumbre, mientras observaba la estación experimenté un deja vú. Aunque hay varios templos cercanos e importantes en la zona, sabía de antemano que atrás de mí estaba el Engaku-Ji, un santuario con el suficiente misterio para mantenerme fascinado. Nunca sabré porqué, pero el recinto me sedujo y finalmente me dirigí hacia él, aunque en realidad ni siquiera pude visitarlo son clama, ya que terminé deambulando en un cementerio donde un anciano limpiaba una tumba.

Repentinamente quedé hechizado frente al discreto monumento, comencé a llorar invadido por una profunda melancolía y después de unos minutos, sentí mucha paz.

El viejo también mostraba lágrimas en sus ojos, y cuando le pregunté quién estaba enterrado ahí, me contestó algo que no entendí, algo que parecía un mugido. Cuando se dio cuenta de mi paupérrimo japonés, me espetó en inglés con voz fuerte: “Nothing, empty”. –Lo cual me sorprendió aún más. ¿Estaba vacía la tumba?

–A lo que respondió en japonés: "Sensei"

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す

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二

人

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映

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Con la película Segundo siglo (1999), Jorge Bolado rindió un homenaje a la historia del cine y caminando cruzó Escocia de lado a lado. Actualmente es director de las áreas de Cine y Televisión en CENTRO. Es un seguidor acendrado de The Beatles, William Faulkner y el soccer. En su Facebook anota ser originario Osaka-shi, Osaka, además de hablar eslovaco y japonés. Está iniciado en los ritos celtas.

02 Después agregó otra palabra que no entendí y remató con el gesto de filmar, simulando girar una manivela. De repente surgió una tremenda confusión, no entendí nada y sin embargo, cuando el hombre se fue contemplé unas botellas de sake que había sobre la tumba.

Me he dedicado al cine y he sido maestro por muchos años, y este encuentro me hizo sentir algo muy extraño; parecía que la situación me hablaba a mí, condenándome a morir ahí mismo Continué mi camino pensando que la experiencia podría opacar mi objetivo principal; pero ocurrió todo lo contrario: mi paz era tanta que pocas veces he disfrutado tanto una caminata y la visita al Buda fue maravillosa.

De vuelta en Tokio, el deja vú regresó en la estación central de Kamakura, y con ello me vino a la mente Yasujiro Ozu, el director que filmó varias de sus películas en las dos estaciones. Esa noche hubo una borrachera de la cual guardo poca memoria –la cortesía y amabilidad de los japoneses no permite que tu vaso permanezca vacío–, pero con la confianza del alcohol conté la aventura a mis anfitriones, y ellos me confirmaron haber estado en la tumba del maestro… cosa que corroboré llegando a México.

Yasujiro Ozu, maestro de maestros del cine japonés, es alguien tan lleno de magia, que una semblanza de su obra siempre resultará pequeña. Quizá influido por Ernst Lubitsch y por el cine mudo de los Estados Unidos, su etapa silente posee ligereza y alegría. Más tarde, su etapa sonora es descomunal y todas las palabras se quedan cortas. Mientras el cine normal está plagado de eventos, Ozu les huye como la peste: a veces, cuando los hay, solamente son nombrados pero jamás se muestran. En su lugar observamos aquello que sucede entre ellos, es decir, la vida misma en su delicada y hermosa cotidianidad.

03 Para los criterios de un cineasta que creó sus propios puntos de vista, resultaba normal que los actores dialogaran mirando directo a la cámara –ubicada a 90 centímetros sobre el suelo–, o que los colores primarios y las tomas frontales –aparentemente simples– permitan contemplar el fluir de la vida.

En las historias de Ozu abundan hijas que tienen que casarse, niños que tienen que crecer, problemas maritales, y todo es abordado con un gran conocimiento de causa, aún sin que él mismo se haya casado jamás. Por otra parte, sus películas suelen tener protagonistas femeninas, lo cual es peculiar para un mundo entonces tan machista y conservador. Por otra parte, es de los pocos cineastas en el mundo que puede presumir maestría tanto en su obra silente, como en su contraparte sonora.

Yasujiro Ozu, llamado el más japonés de los cineastas japoneses, influencia directa de cineastas tan diferentes como Jim Jarmusch, Abbas Kiarostami, Hou Hsiao Hsien, Paul Schrader, Aki Kaurismaki y Wim Wenders entre muchos otros; es un hombre que medía el avance de sus guiones por las botellas de sake que iba vaciando. Alcohólico conocido pero con un gran rigor en el trabajo, murió a los 60 años, mágica –o trágicamente– el mismo día de su cumpleaños, un 12 de diciembre de 1963.

En su tumba no está su nombre, en su lugar, sólo puede observarse el carácter Mu, que quiere decir: “vacío, nada”. Ahí está su obra para quien aún crea que la vida cotidiana está poblada por momentos mágicos. ¡Brindo con sake a su salud! M

Ēga 文 T X T : : C arlos B olado .

映画

::CINE

写 真 F O T : : ( tumba ) Tarouras h i ma .

映 画 制 作 者 仏

E l b u da de los ci n eastas www.marvin.com.mx

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OFF THE RECORD::

Periodista. la-sangre-de-metal.blogspot.com

Periodista de rock y escritor de ficción.

金 属 は 整 然 と し た 生 活 で す

Además del tradicional "mochilazo" y el ecoturismo (que tiene por objeto conjugar el disfrute de unas merecidas vacaciones con actividades amables con el medio ambiente), existe también una forma de viajar que si bien no tiene un nombre oficial, puede ser denominada como “turismo musical”.

Hace ya dos años, cuando tuve la oportunidad de viajar a Londres durante una semana para asistir al Download Festival en el Castillo de Donington, una amiga no podía creer que destinara más de la mitad de mi estancia en la capital inglesa a un concierto.

–¿De verdad te vas a perder todo lo que hay que ver en Inglaterra para escuchar a esos grupos? –me decía incrédula.

En efecto, la mayoría de la gente seguiría una agenda más o menos así: visitar el Big Ben, entrar a la Catedral, bordear el Río Támesis, subir al London Eye, recorrer Piccadilly Circus y visitar cuanto museo existe –los administrados por el Gobierno son gratuitos–.

Pero sí. Viajé un día en tren para llegar a Shelby –donde se ubica Donington–, pasé tres días delante de sus cinco escenarios y demoré otro día de regreso a Londres, cargando en la espalda la casa de campaña en la que dormí durante el Festival en el que vi a Slipknot, Marilyn Manson y Faith No More, entre muchísimas bandas. Finalmente, el último día lo dediqué a conocer algunas pinceladas de Londres. Pero así es el turismo musical: requiere sacrificar varias cosas.

Lo más interesante es el que turismo musical ilustra tanto a fans como a músicos. En el mes de julio de 2003, los integrantes de El Gran Silencio se presentaron en el Fuji Rock Fest, en Japón, muchos años antes que cualquier banda mexicana lo hiciera en Coachella. Los regiomontanos compartieron cartel con gente como Björk, Underworld y Massive Attack.

Poco después de su regreso a México, Tony –el vocalista–, nos contó lo distinto que era un festival nipón a uno mexicano: “¡Fue chistosísimo! Allá la gente que fuma carga con una especie de collarcito con un recipiente para la ceniza. Por lo tanto no ves colillas en ningún lado, y el único lugar donde había basura de cigarro era alrededor de nosotros, los mexicanos. Otra cosa que me llamó la atención es que no hay amontonamiento; la gente está acostumbrada a ir por dos carriles, uno de ida y otro de vuelta, hacia los escenarios. ¡Nada qué ver con el Vive Latino!”.

En mi humilde experiencia, aprendí que en Inglaterra te dejan meter hasta hieleras a los festivales y que en Coachella puedes recoger botellas vacías de agua para cambiarlas por una llena, para que no deshidrates. También sé que la reventa de boletos (siempre y cuando no sean diez) no está mal vista en este último y que en Europa les gusta ir disfrazados de abejitas a los festivales.

Después de varias experiencias, ahora podría responderle a mi amiga: "¡Claro! Los viajes a ritmo de rock también ilustran".

Colillas en Tokio yAbejitas en Londres

文 TXT:: A. A. GORE.

Donde el metal se vive ordenadamente

文 T X T : : C hico M igra ñ a .

TURISMO MUSICAL Una lista de pendientes personales: Graceland, la mansión de Elvis; Neverland, la residencia de Michael Jackson, la Caverna donde Brian Epstein descubrió a The Beatles y el edificio Dakota en Nueva York, donde Mark David Chapman asesinó a Lennon.

También la residencia de Bob Marley en Jamaica y los estudios Sonic Ranch en Texas, donde han grabado desde Led Zeppelin hasta Zoé. El Hotel Chelsea donde murió Nancy, la novia de Sid Vicious; el sitio donde estuvo el club punk CBGB y la tumba de Jim Morrison en el Cementerio Père-Lachaise, en París.

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た ば こ の 東 京 で ス タ ブ と ロ ン ド ン の 小 さ い 蜂

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コラム

Ofureko

Hablo porque tengo boca

“¿Cuántas balas tira un avión japonés al mes?”. Esa era la pregunta para que, se tratara de bote pateado, escondidillas o Stop!, pudieras separar a una persona y hacer tiempo para correr, esconderte o lo que fuera necesario. Cuando éramos niños, lo que sabíamos de Japón era lo que nos vendían los medios masivos en series como Los tigres voladores, Combate y Shogún, es decir, pensábamos que los japoneses eran violentos, malos y hablaban a gritos. La otra opción era leer los libros de historia, donde el énfasis siempre parecía estar en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Más adelante, uno descubría que se trata de una cultura milenaria con muchos elementos altamente rescatables; y cuando estás interesado en el metal, tarde o temprano Japón aparece en tu radar. Yo tenía un amigo de origen japonés, se llama Masao y cuando nos aburríamos de jugar gol, nos divertíamos aprendiendo a traducir palabras al japonés. Cuando también nos aburríamos con eso, él nos entretenía (y lo peor es que le creíamos) con historias de cuando sus abuelos lucharon en la Segunda Guerra Mundial, y de cómo sobrevivían en cuevas con sus metralletas.

También nos contaba las historias de cuando Kiss fue a Japón, de cuando Demonio pisaba pollitos en el escenario con sus enormes botas dentadas, o de cómo mató a una persona desde el escenario.

Eran tiempos en los que la imaginación no rivalizaba con Internet, claro. Después, cuando crecí tuve en mis manos la edición japonesa de Creatures of the Night, de Kiss, y como para mí era sólo un caset más, no sabía que era un artículo de colección altamente solicitado. Ya más grande supe que muchísimas bandas hacen un trato distinto con las distribuidoras japonesas e incluyen dos, tres o más temas extras a las ediciones normales de sus discos. Es una cuestión de mercadeo, me explicó alguien, allá los discos son muy caros y para motivar la venta le ofrecen un plus a la gente.

Es por ello que los discos de las bandas metaleras se cotizan muy alto cuando son ediciones japonesas, porque incluyen ese track oscuro que en el mundo occidental jamás salió editado, o porque, en el caso de Kiss, por ejemplo, es sólo en esas ediciones que encuentras réplicas en CD de los vinilos, con todo el arte que traían los LP originales, como la pistolita de cartón armable de Love Gun, o las estampitas que venían en la edición original del Alive II, que llegaron a mi vida cuando aún era niño y terminaron pegadas en la caja de un Turista Mundial que terminó en la basura. Más adelante en mi vida, cuando tuve oportunidad de entrevistar bandas, varios músicos me platicaban por qué Japón les atrae tanto (para muestra la cantidad de discos en vivo que se graban allá, como Deep Purple Last Concert in Japan, Maiden Japan de Iron Maiden, Tokyo Tapes de Scorpions, Judas Priest Unleashed in the East, Concerto Suite LIVE With the New Japan Philharmonic de Yngwie Malmsteen, The Exploiied Live in Japan…). Malmsteen me platicaba que allá no usan barricadas, ya que por más locos que se pongan, siempre guardan cierto orden. Aunque griten y enloquezcan (son famosas las imágenes de los Beatles y Kiss cuando fueron allá), cuando se necesita poner orden no hace falta la violencia; simplemente acatan instrucciones. Hace unos cuantos meses vino X Japan a México, y se notaba su manera de vivir: aunque son rockstars que se maquillan y se sacuden en el escenario, son formales, éticos y siempre agradecen. Gran cultura la japonesa, sin duda. Más allá de esas series donde los ponen como bárbaros, o de dos ciudades devastadas por sendas bombas atómicas, Japón es un país que podría servir de ejemplo para el resto del mundo en algunos aspectos de la vida… aunque, los conciertos de metal, será mejor vivirlos con la sangre caliente de acá.

::COLUMNAS

オフレコ

Iitaikara iundayo

Koramu

言いたいから言うんだよ

低予算 Tēyosan

BAJO PRESUPUESTO::

文 TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL.

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Mi sex symbol j a p o n é s

Hasta hace poco, yo pensaba que lo japonés no era algo que hubiese influido en mi vida. Nunca me he sentido del todo atraído por el cine de Akira Kurosawa (me resulta un tanto lento) o por la literatura de Yasunari Kawabata (aunque La casa de las bellas durmientes es una hermosa novela). Tampoco por los relatos del tan de moda Haruki Murakami (con todo y su Tokio Blues) o por las películas de artes marciales (y esto incluye a las de origen chino, taiwanés y coreano).

Mucho menos por los mangas y animes. Si acaso, me atrae la personalidad de ese delirante escritor y samurai que fue Yukio Mishima. Ya que mencioné a Murakami, cuando yo era niño, allá por los años sesenta del siglo pasado, en el pueblo de Tlalpan (hoy tan lamentablemente coyoacanizado) el dentista más conocido era un odontólogo japonés que tenía ese apellido y que figuraba como el terror de quienes padecíamos alguna caries o nos salía la muela del juicio.

El doctor Murakami era un bruto, un carnicero, el más temible quita dientes que yo recuerde. Era un tipo chaparrito que se parecía al emperador Hiroito y cuyas escalofriantes técnicas se basaban en un sadismo y una crueldad tipo yakuza. Al menos así lo conservo en mi memoria. Quizá de ahí provenga cierto rechazo mío a todo lo que provenga de la tierra del sol naciente (bueno, el sushi no me disgusta) y sin embargo… Cuando tenía doce o trece años, mis primeras calenturas se debieron a una joven japonesa que alimentaba mis fantasías eróticas preadolescentes, me provocaba sueños húmedos continuos y lograba invadir muchos de mis más entusiastas momentos de ocio onanista. Su rostro quizá no era el más bonito, pero esas piernas, dios santo, esas bellísimas piernas… Esos muslos sin par, enmarcados por una sugerente minifalda que dejaba todo y dejaba nada a la imaginación… Esas extremidades prodigiosas, las de la señorita Cometa, vaya que hicieron que aquellos años resultaran más amables y divertidos. La serie pasaba por las tardes en el Canal 5. Eran los tiempos de la televisión en blanco y negro, pero ello aumentaba el encanto de la institutriz, quien se hacía acompañar por un muñeco en forma de dragón (Chibigón) y trabajaba como niñera de dos chavitos tan torpes como simpáticos, mismos que respondían a los nombres de Koyi y Takeshi. Gracias a Wikipedia, hoy sé que la actriz que hacía a Cometa se llama Yumiko Kokonoe (durante el Campeonato Mundial de futbol de Japón y Corea, en 2002, Andrés Bustamante, en su papel de 'Ponchito', logró hacerle una sensacional entrevista para Los Protagonistas; ahí, mi antiguo símbolo sexual se presentó como una mujer de más de 50 años de edad que aún trabajaba para la televisión de su país). Por aquella época, el mismo canal 5 también trasmitía una serie japonesa de dibujos animados que yo veía con cierta asiduidad y que fue como el principio del alud de animaciones niponas. Astroboy era un niño robot que volaba y luchaba por la justicia. Pero jamás superaría en emoción y simpatía al gran Súper Ratón, a quien ya mencioné en mi columna del mes pasado. En ese Tlalpan de los años sesenta, teníamos un cine, el Cine Tlalpan (hoy sala Ollin Kan, chale), en el que sólo recuerdo haber visto una cinta japonesa: Godzilla contra Mothra. De Godzilla, ya se sabe que es como un dinosaurio enorme y colmilludo al que le encanta meterse a las ciudades y destrozar edificios; en cuanto a Mothra, era una especie de mosca gigantesca que se la pasaba peleando con Godzy a lo largo de la película. Francamente, no me acuerdo quién ganaba. Mi único encuentro real con un japonés (aparte del sanguinario dentista Murakami) se dio en 2004, en la ciudad de París, en la rive droite, frente al Hotel de Ville. Ahí, un sonriente joven nipón me pidió que le tomara una foto con su cámara y accedí gustoso. Luego, se ofreció a tomarme una instantánea idéntica y así aparecí para la posteridad, a un lado de ese falso hotel (que en realidad es la sede del ayuntamiento parisino). Eso fue todo. ¿Cómo dicen? ¿El rock japonés? La verdad, paso sin ver… y sin escuchar.

the frightened ones?

“Desde pequeño tengo problemas de inferioridad, era el chico que ASISTÍA a las fiestas vestido de negro y se quedaBA EN UN RINCÓN atemorizado de la gente. Componer The Wall fue parte de un proceso para liberarme un poco de esa neurosis, de esos miedos”.

- Roger Waters

03 En junio de 1981, en el Earls Court, Gilmour, Waters, Wright y Mason tocaron cinco noches seguidas. Fue la última vez que lo hicieron juntos (se reunirían para Live 8 el 2 de julio de 2005). La fuerza de Pink Floyd se había fragmentado, como señala Mason en el mismo documental: “Después del tour y la película, la banda llamada Pink Floyd que había existido desde 1968, ya no lo era más”). Los restos de Pink Floyd lanzaron The Final Cut, una obra en la cual se advierten resabios de The Wall, pero bajo una directriz más íntima y autobiográfica, ya que sus letras han sido relacionadas con los sentimientos que la pérdida paterna generaron en Roger Waters. El álbum dista mucho de ser un trabajo grupal, cuenta con un mínimo de participaciones de Gilmour y las intervenciones de Mason se escuchan desenfocadas. Además, la ausencia de Wright se hizo evidente.

04

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Cuatro años después de la aparición de The Wall, Waters abandonó la banda y Pink Floyd siguió adelante conducido por Gilmour y Mason, más el regreso de Wright; pero el impulso ya no fue suficiente como para encauzar la nave por el exitoso rumbo de antaño. El 2 de noviembre de 1989 cayó el muro de Berlín y en julio de 1990 Waters logró convertir su pared, aquella que nació de su propia inspiración, en una simbología del verdadero muro, el que partió una nación en dos: la fastuosa presentación de The Wall en ese sitio se llevó a cabo con la colaboración de The Scorpions, Van Morrison, Cindy Lauper y Ute Lemper, entre otros, un concierto legendario que meses después apareció registrado en el disco The Wall Live in Berlin.

Pink Floyd ya no volvió a ser el mismo y la muerte de Wright en 2008 impidió una posible reconciliación, no obstante los rumores que la auguraban. Pero Waters encontró en una pared, en ese muro levantado ladrillo a ladrillo, la posibilidad de resurgir como un ave Fénix para revivir con una gira aquello que sólo unos cuantos pudieron vivir en su momento.

Han pasado 32 años desde el nacimiento de The Wall y 30 de su conversión en un filme, pero el mito de éste álbum como una obra cumbre del rock persiste y persistirá, porque no obstante los argumentos en su contra, quien afirme que no es un buen disco, pasará a la historia como un asno o, en el mejor de los casos, como un verdadero palurdo. M

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Did you hear

39 “EN Una ocasión vinieron ocho tipos a un concierto con playeras que decían ‘Fuck Roger’ (…) Pero nosotros no echamos a Roger, no le hicimos nada. Él dejó Pink Floyd, envió una carta muy clara e inequívoca a CBS y EMI diciendo que dejaría la banda”.

-David Gilmour

01 l tiempo hizo su obra y dos años después Pink Floyd editó uno de sus discos más exitosos en cuanto a ventas se refiere, pero que artísticamente divide opiniones. La génesis de The Wall, como es de todos sabido, se dio en un concierto en la ciudad de Montreal cuando un grupo de fanáticos gritaba constantemente sugerencias de canciones hasta que Roger Waters, harto de las intromisiones, perdió la paciencia y escupió a uno de ellos. “El incidente —cuenta Nick Mason en Inside Out. A Personal History of Pink Floyd— fue un indicador de que tratar de establecer cualquier clase de lazo con la audiencia se estaba volviendo difícil”.

A partir de ese altercado, Waters desarrolló la idea de un show alrededor del concepto de una banda separada, física y mentalmente, de sus fans. Con esa pretensión en mente, el bajista pensó en una obra donde confluyeran una diversidad de medios: el disco, los conciertos y una película (misma que dirigida por Allan Parker y estelarizada por Bob Geldof en el papel de Pink, se estrenó el 23 de mayo de 1982 en el Festival de Cannes).

The Wall es considerado por muchos una de las obras maestras de Pink Floyd; sin embargo, se trata de una obra sobrevalorada que finca su reputación en méritos extramusicales. Su fama radica más en que marcó a una generación al hacerla voltear hacia el rock progresivo –justo cuando éste ya había sido desplazado del mainstream por el punk y la new wave–, que en lo balanceado de los temas que la componen.

Salvador Goves, líder del grupo de rock progresivo Govea dice al respecto: “Primero conocí la película, después alguien me prestó el álbum que, sin el apoyo visual, me pareció algo aburrido musicalmente hablando. Muchos lo sobrevaloran por su carga de crítica política y social —lo cual también es discutible— y parece que eso llama más la atención que la música”.

En esta temprana mitificación ayudó que, dada la complicada producción de la puesta en escena (una pared que se construye durante la primera mitad del concierto hasta finalmente separar al público de la banda, para caer al cierre del mismo), sólo se presentara en pocas ciudades (¡y no había DVD’s para capturar el directo!). Y es que para ser un disco doble, las canciones verdaderamente memorables no eran la mayoría.

02 Martin Thulin, productor y fundador de Fancy Free dice sobre The Wall: “es un disco que no he vuelto a escuchar en 25 años… no me gustó entonces y no lo he vuelto a escuchar. La película sí me gustó de adolescente (a pesar de que Bob Geldof es el actor principal) y todo el concepto del show en vivo me parece interesante; también me llama la atención que el disco haya tenido tanto éxito en la mera época del punk”.

Pero más allá de las opiniones que suscite, The Wall ha de ser recordado como el disco que acabó con la que hasta entonces era una agrupación muy sólida. Luego de Animals, cuando llegó el momento de pensar en un nuevo trabajo de Pink Floyd, David Gilmour apenas había terminado un disco homónimo como solista, Rick Wright trabajaba en su propio álbum (Wet Dream) y Nick Mason había estado ocupado en la producción de Green, del guitarrista Steve Hillage. Sólo Waters tenía composiciones para una nueva producción, así que de manera natural el resto de la banda se apoyó en las composiciones del bajista.

Las sesiones de grabación del álbum comenzaron en abril de 1979 en Francia, país donde el grupo se autoexilió para huir de la fuerte carga impositiva hacendaria existente en su país natal. Como productor llamaron a Bob Ezrin, y muy pronto éste y Waters se dieron cuenta de que si querían cumplir con las fechas de entrega prometidas, era necesario redoblar esfuerzos.

Por ese motivo se tomó la decisión de rentar un estudio más. De pronto Ezrin se encontró dividido en dos frentes: faltaban las partes de teclados y se le pidió a Richard Wright que abandonara sus vacaciones para que se metiera al estudio de grabación, pero se negó.

Al final aceptó y Ezrin le propuso ayudarle con las partes de teclados, pero el trabajo no fue satisfactorio para Waters.

Concluida la grabación, Waters viajó a Los Ángeles para hacer las mezclas finales del álbum, y fue allí donde pidió a su manager que despidiera a Rick Wright, quien podría quedarse como músico asalariado para la gira de The Wall y, en caso de que éste no aceptara, Waters boicotearía el proyecto. El tecladista aceptó, lo cual, dice Mason, fue de gran alivio para todos. El propio Mason habla de cómo se fue precipitando el final: “Roger todavía era mi amigo más cercano y éramos capaces de disfrutar la compañía del uno con el otro; pero nuestra amistad se estaba poniendo bajo tensión conforme él luchaba por modificar lo que había sido un banda ostensiblemente democrática, en la realidad de una banda con un sólo líder”.

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the falling bombs?

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E l mit o det r ás de T he W all 文 T X T : : D avid C o r t é s .

写真 F O T : : c o r tes í a de E M I .

En marzo de 1973, Pink Floyd lanzó al mercado The Dark Side of the Moon, una obra que propició un cambio fundamental en su trayectoria y que los llevó de líderes del subterráneo en la Inglaterra de fines de los sesenta, principios de los setenta, a convertirse en megaestrellas (quince años después de su aparición y luego de 724 semanas, el disco finalmente salió de las listas norteamericanas del Top 200). Sin embargo, el éxito trajo problemas. El cuarteto logró cierta continuidad con Wish You Were Here (1975) y Animals (1979); pero el trayecto que va desde la salida de Syd Barrett en 1968 hasta julio de 1977, cuando la banda ofreció el concierto final de su Animals tour, está lleno de fricciones y ríspidos desencuentros. Según Nick Mason, fue en ese año cuando el guitarrista David Gilmour señaló que Pink Floyd ya no tenía futuro, pues tenían todo lo que se habían propuesto como grupo y les era difícil encontrar algo más que hacer.

Hyōshi

表紙

::ENPORTADA

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01

Las

distancias entre las cosas son siempre relativas. Para querer a un territorio, como se quiere a una idea o a un fantasma, no es preciso conocerlo: basta con imaginarlo.

A semejanza de lo que sucede con las personas, para amar verdaderamente algo, es decir, con entrega y arrobamiento, es preciso desconocerlo. En el ámbito del deseo, como en la literatura, sólo es verdad lo que se imagina: uno se encandila del misterio.

Bajo esa perspectiva resulta, más que fácil, natural hablar del Japón –al menos de ciertas imágenes que he podido construir a través de símbolos específicos y luego de haber consumido toneladas de su cultura y sus electrodomésticos–.

Japón es una región concreta y alegórica con presencia en todo el mundo desde hace muchísimo tiempo. Y no deberíamos temer al enfrentarnos con lo diferente o lo desconocido desde nuestras limitaciones, puesto que, al igual que todos los hombres, vivimos atados a nuestras circunstancias.

Las cosas, como decía el sofista, acaban por reflejar el tamaño de la mirada.

Japón, sustancia plástica e infinita que Roland Barthes concibió como el “imperio de los signos” –algo que se construye y se deshace sin abandonar el espesor de la superficie– es una presencia fulminante en buena parte del globo. Su influjo en nuestras vidas ha sido decisivo, penetrando en todos los espacios de la vida cotidiana. Estamos familiarizados con las historias homosexuales de samuráis y con los secretos de los ninjas; sabemos de los relatos del Ise Monogatari y acaso hemos leído el estupendo Rashomon de Akutagawa –o vibrado con la estupenda versión de Kurosawa, una de las mejores películas de la historia–. Tenemos grabado a fuego los nombres de Hiroshima y Nagasaki y hemos regocijado al espíritu con las serenas imágenes de Hiroshige (maestro del ukiyo-e), gozado hasta el paroxismo con el arte del manga, el hentai y los colores y figuras de Takashi Murakami.

Conocemos el significado de Toyota, Sony, Mitsubishi, Honda y Nissan en la historia de la humanidad (estas palabras, por ejemplo, han sido escritas en una Toshiba) y algo hemos escuchado, cuando menos de pasada, al respecto del kabuki y el teatro Noh. Sabemos del señor Miyagi y de Hiroshima mon amour, porque no son un más allá de nuestra circunstancia sino un más acá palpable (en cierta ocasión, atendiendo una celebración de la Asociación México-Japonesa con motivo del año nuevo, me sorprendió muchísimo, luego de ver danzas regionales ejecutadas por adorables niños japoneses, el anuncio de un clásico oriental y ver salir al escenario, en medio de una ovación estrepitosa, a Armando Manzanero).

02 Todo este name dropping, a primera vista gratuito e inconexo, probablemente, pese a vivir en tiempos de mundialización, sea un coctel parecido al que los japoneses tienen al respecto de occidente (iba a escribir respecto de México pero desconozco la imagen que una generalidad ilustrada nipona pueda tener sobre nosotros y, por razones en las que no conviene detenerse ahora, es imprudente concebirnos sólo como occidentales), un lugar en el que conviven Michael Jackson con Jesús de Nazaret, el Che Guevara con Pizza Hut, el básquetbol con Los Simpsons, Messi y las pirámides mayas, Vargas Llosa y la cerveza alemana. De una manera o de otra, dependiendo cómo se mire el globo, todos somos un turista japonés.

En un libro extraño, documentado y lúcido (Lo próximo y lo distante. Japón y la modernidadmundo), el sociólogo brasileño Renato Ortiz escribe “ni exótico ni distante ni oriental, sino vecino y próximo” para referirse a la cercanía implícita con el imperio del sol naciente. Para él no existe una cultura global, puesto que si bien nos encontramos conectados no podemos hablar de un mundo integrado, toda vez que existen las fronteras (sobre todo las identitariasnacionales, incluso en tiempos de la red) que merman el verdadero cosmopolitismo.

No obstante Ortiz concibe un proceso de mundialización de la cultura que obedece directrices económicas, homogeneizando ciertos aspectos del consumo, promovido por los medios. Tal situación llevaría a pensar críticamente las imágenes de Tokio exploradas en películas como Lost in Translation y sobre todo las expuestas en esa obra de la pesadumbre y la soledad que es Enter the Void, construyendo la fantasmagoría de un territorio desierto donde sólo es verdad la incomunicación enajenada y la muerte.1 En el siglo XIX, fue el escritor greco-irlandés Lafcadio Hearn quien dio a conocer la cultura japonesa a occidente, dedicándole varios libros al país de sus amores –a la postre habría de casarse con una chica local y cambiaría su nombre por el de Yakumo Koizumi–. Sus obras exploran diversas facetas del Japón y recopilan, con la intervención de su escritura, tradiciones, leyendas y costumbres que dieron una primera imagen del oriente en nuestras costas.

De una manera o de otra, dependiendo cómo se mire el globo, todos somos un turista japonés.

03 En México, a principios del siglo XX, también tuvimos un niponista de excepción. José Juan Tablada, uno de mis poetas predilectos, introdujo al castellano la forma poética del haikú, que a él le permitía una exploración más bien plástica de la naturaleza. Prueba de ello son dos de los libros de poesía en castellano más bellos de todos los tiempos: Un día… (poemas sintéticos) y El jarro de flores, en donde los haikáis –término para definir su carácter mestizo y adaptativo, a diferencia del haikú tradicional– destacarán por su capacidad de síntesis y su potencia visual: “Tierno sauz/ casi oro, casi ámbar/ casi luz”; “Es mar la noche negra; la nube es una concha; la luna es una perla”; “Al golpe del oro solar/ estala en astillas el vidrio del mar; “¡Del verano, roja y fría/ carcajada,/ rebanada/ de sandía!”. Así mismo, como rasgo general, es conocida la ética de trabajo japonesa, que los ubica como la tercera economía más potente del planeta –sólo por debajo de Estados Unidos y China– y los hace el sexto país más exportador y el octavo más importador. Al día de hoy, los japoneses siguen siendo los amos y señores de la tecnología, lúcidos constructores de mundos paralelos que –como ha sucedido con el vasto universo del manga– han visto coronado su sueño de vidas múltiples a través del imperio de los videojuegos, una de las aportaciones culturales más grandes, complejas y estimulantes en la historia de la humanidad. A veces se nos olvida, pero es preciso recordar la vastedad de contenidos sentimentales, técnicos y hasta filosóficos que encierra una palabra como Nintendo, ese corporativo mucho más tangible y entrañable que Alá, Vishnú o el Espíritu Santo representado por un plomero italiano que habla inglés, parece mexicano y fue creado por japoneses.

Y no quisiera aproximarme al final de este artículo sin dejar de mencionar a Yukio Mishima, un escritor extraordinario que fue capaz, acorde con su cultura, de morir heroicamente por sus ideales, llevando hasta sus últimas consecuencias los valores ancestrales, permanentes como el monte Fuji y los cerezos en flor, que él sabía perdidos en el paisaje social de su país. Transcribo dos frases suyas que honda impresión me causaron: “El vicio que ha perdido su brillo es cien veces más tedioso que la virtud que ha perdido su brillo”.

“Las mujeres: burbujas de jabón; el dinero: burbujas de jabón; la fama: burbujas de jabón.

Los reflejos sobre las burbujas de jabón son el mundo en que vivimos”.

Luego de recordar que fueron los japoneses los creadores del imaginario fantástico de nuestros padres con monstruos como con Motra, Godzilla y Ultraman, y sabiendo que todas las referencias son volátiles, los recuerdos aparentes y el reconocimiento del otro un amasijo de malos entendidos, sólo resta asegurar, como sucede en el amor, que es quien mira ansioso sin comprender el que viene del oriente. M

1. Para muestra un ejemplo. De hace unos de años para acá, luego de que Enrique Vila-Matas escribiera en El País sobre los Hikikomoris, jóvenes recluidos en la casa paterna –a veces sin salir de su cuarto- hasta por años, el término cobró relevancia y se puso de moda en ciertos ambientes intelectuales.

東 へ の 最 短 距 離

Zahyōjiku

座標軸

::DEFONDO

文 T X T : : R A FA E L T O R I Z .

¡Áureo espejismo, sueño de opio, fuente de todos mis ideales!

-José Juan Tablada

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The flames

I'M BIG IN 俺は日本で超有名！ Natalia Lafourcade

Compositora y multi-instrumentista ¿Cuál era tu percepción de Japón antes y después de estar ahí?

Natalia Lafourcade: Antes de ir no sabía lo mucho que Japón podría influir en mi vida, en mi persona, en mi desarrollo. Japón no tenía gran significado, me daba lo mismo, pero después de tres visitas – que en realidad son pocas– siento que amo Japón porque es uno de mis lugares favoritos para visitar.

MARÍA DANIELA Cantante ¿Cuál era tu percepción de Japón antes y después de estar ahí?

María Daniela: Tenía la idea de que la gente era muy seria y que, seguramente, la moda estaría increíble. Pero lo que me había imaginado era muy distinto a lo que fue en realidad: a cada paso y hacia donde volteara parecía que estaba en otro planeta. Sólo puedo decir que terminé impactada y que me encantó.

Comenta tres cosas que te mantienen deseosa de regresar a ese país.

NL: La gente, porque es muy atenta y valora mucho la música. En mis dos primeros viajes la comida era difícil, pero ahora es de mis favoritas.

Además, la cantidad de cosas que se aprenden en la calles, los artistas, los museos… cada esquina es un mundo tan diferente al que me toca vivir en México, pero al mismo tiempo me hace sentir identificada. ¿Cómo describirías al público que te fue a ver en Japón?

NL: Es amable, atento, agradable, dedicado y detallista. Siempre te llevan un regalo para que los recuerdes. Aman la música y también a México.

Comenta tres cosas que te mantienen deseosa de regresar a ese país.

MD: La gente, la ropa y la comida.

Recomienda algunas bandas japonesas que te vuelen la cabeza.

NL: Cornelius es una de mis bandas favoritas. También House, una banda de música instrumental que me gusta muchísimo.

¿Cómo describirías al público que te fue a ver en Japón?

MD: En los lugares donde estuvimos nos fue muy bien, la gente respondió bailando y gritando quedito; intentaban hacer los mismos pasos que yo y querían hacer las coreografías (ríe).

Cuéntanos alguna anécdota de tu visita a Japón.

NL: En mi segundo viaje iba sólo con dos amigos y Asammi –mi manager en Japón–. Hicimos un tour por todo el país y tocamos en lugares muy pequeños pero acogedores. Teníamos que cargar maletas, un bombo, un glockenspiel, dos guitarras y una caja llena de cables y pedales. Ningún taxi nos dejó subir –por exceso de equipaje–; un día casi nos atoramos en un tren y tuvimos que correr bajo la lluvia con los instrumentos.

Recomienda algunas bandas japonesas que te vuelen la cabeza.

MD: Las 2NE1, Hinoi Team y Melt Banana. También hay una chica que se llama Kyary, ella tiene un sencillo muy padre que se llama “POMPOMPOM”.

Cuéntanos alguna anécdota de tu visita a Japón.

MD: Me daba mucha risa que hay tiendas donde no se permite que te pruebes la ropa (ríe); te la tienes que llevar porque de lo contrario se maltrata –según ellos–. También era gracioso que casi todos los letreros en inglés estaban mal escritos y significaban algo totalmente distinto de lo que querían decir.

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Mi primer show fue un fiasco, la gente te presta mucha atención y nadie habla mientras tocas. Me puse tan nerviosa que se me olvidó la letra, cómo tocar, cómo cantar; así que empecé a improvisar y aún así ponían atención. Cuando terminé aplaudieron a este concierto disonante que me inventé, y gracias a tantos acústicos que di en Japón recupere una confianza que había perdido. Aprendí a escucharme y a disfrutar mucho de mi guitarra y de mí misma.

Músicos mexicanos en Japón 日本在住のメキシコ人ミュージシャン Ongaku

音楽

::MÚSICA

文 TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

Hace unos 14 a–os, cuando estudiaba mœsica en el Conservatorio, fui a escuchar a unos amigos que tocaban ska (cuando el g nero aœn no estaba tan manoseado). Esa noche, la presencia de varios japoneses entre el pœblico resultaba sumamente extra–a, pero lo m‡s raro era que hab’an asistido por casualidad y, fascinados, terminaron por invitarlos a tocar a su pa’s.

Desde entonces, la idea de entrevistar a las bandas mexicanas que han tocado en Jap—n me parec’a interesante. Desde el virtuosismo de Alonso Arreola hasta el tontipop de Mar’a Daniela, aqu’ cuatro mœsicos que son big in Japan...

Alonso Arreola

Bajista, compositor, periodista, maestro de música, hipocondríaco y muerto en huelga. Viajero amante de las animaciones, la comida y la inestabilidad.

Pepe Mogt Músico electrónico de tiempo completo. Integrante

de Fussible, El Colectivo Nortec y Latinsizer.

¿Cuál era tu percepción de Japón antes y después de estar ahí?

Pepe Mogt: Hemos ido varias veces a tocar a Japón. La primera vez era de incertidumbre, había leído sobre Japón, escuchado anécdotas de amigos, pero fue hasta que aterrizamos en el aeropuerto de Narita que nos sentimos como en otro mundo.

Comenta tres cosas que te mantienen deseoso de regresar a ese país.

PM: En sí todo: la cultura en general, su clima y las amistades creadas allá. ¿Cómo describirías al público que los fue a ver en Japón?

PM: Es muy entregado. Cuando la gente va a un concierto investiga antes a quien escucharán… son muy educados, pero cuando se revientan lo hacen con todo.

Recomienda algunas bandas japonesas que te vuelen la cabeza.

PM: La lista es grande, pero diría que Yellow Magic Orchestra. De las contemporáneas sería Ryoji Ikeda y Ryuichi Sakamoto.

Cuéntanos alguna anécdota de tu visita a Japón.

PM: Casi todas fueron en el metro porque todo está en japonés. Al inicio era fácil confundir las estaciones y una noche llegamos al final de una línea, justo cuando el metro dejaba de funcionar hasta el día siguiente.

Lo bueno es que encontramos un restaurante chino en Yokohama que está abierto las 24 horas, y eso nos salvó del frío de la noche: era nuestro último día en Japón y nos pusimos a comer y a beber.

¿Cuál era tu percepción de Japón antes y después de estar ahí?

Alonso Arreola: Cuando no conoces Japón es fácil imaginar su alta tecnología, individualismo y eficiencia urbana, sin embargo, estando allá te impresiona su memoria histórica, sentido del humor, amabilidad y grandes paisajes naturales.

Comenta tres cosas que te mantienen deseoso de regresar.

AA: Luego de mi primera gira, regresé unos 10 meses después, precisamente por la comida (en especial el okonomiyaki de Osaka y la zona gourmet de las galerías Isetan), la tienda de anime Mandrake en Shibuya, la vibra de Harajuku y Akihabara en Tokio, el museo de Hayao Miyazaki, los templos de Nikko, el callejón Ponchoto de Kyoto y el Gran Buda de Kamakura (el de la foto). ¿Cómo describirías al público que te fue a ver en Japón?

AA: Respetuoso, perceptivo y muy pero muy prendido (sobre todo en Hiroshima y Osaka). Es maravilloso ver la cantidad y variedad de foros que tienen y lo intrigante que les parece tenerte allá.

Recomienda algunas bandas japonesas que te vuelen la cabeza.

AA: Les recomiendo a los amigos de Djamra, quinteto de progresivo instrumental con el que giré en cuatro ciudades y que vinieron ya al Vive Latino, así como todo lo que edita Poseidon Records, sello independiente que sacó mi álbum Música Horizontal allá.

Cuéntanos alguna anécdota de tu visita a Japón.

AA: Es casi inevitable recordar mi primera vez en un WC de alta tecnología japonés, con chorros de agua caliente, aire perfumado y música, ja, pero prefiero recordar a una anciana maestra de shamisen y koto que, al enterarse de que éramos músicos, nos llevó a su casa para enseñarnos su música. Nunca la olvidaré.

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are all gone

01

Aunque no tan radical como China, a

Japón también lo distingue un carácter de aislamiento con respecto al resto del mundo. Su cultura, ancestral y milenaria, es sumamente hermética, y son famosas las historias de quienes viajan al país con la esperanza de conocer a una geisha, pero se quedan con un palmo de narices.

Paradójicamente, Japón se ha convertido en un escaparate y un mercado muy importante para la cultura pop de otras naciones. Pese al hermetismo cultural, los jóvenes nipones se distinguen por un espíritu coleccionista y consumista fuera de serie, de manera que Japón representa el paraíso no sólo para bandas de heavy metal adoradas como auténticas deidades –Dream Theater, Guns N’ Roses o Hammerfall pueden dar cuenta de ello–, pues muchas agrupaciones de varios géneros lanzan ediciones especiales de sus discos en Japón; por no mencionar a cineastas como George A. Romero, creador del arquetipo zombie en el cine, que cuenta con una legión de fans mucho más numerosa que las huestes de muertos vivientes que él presenta en pantalla.

El regalito a los clientes frecuentes

La pasión que los jóvenes japoneses expresan hacia la música que les llega de fuera, es una forma de romper con ese hermetismo al que su cultura los confina. El japonés promedio tiene un poder adquisitivo bastante alto, no en vano, se trata de la tercer economía en el mundo, por detrás de Estados Unidos y China; y ello representa la posibilidad de comprar muchos discos.

Por eso, Japón es la tierra donde abundan las ediciones especiales y donde cualquier banda puede cosechar una gran cantidad de fans. No por nada muchas giras mundiales graban en vivo lo ocurrido en ese país. ¿Y cómo no consentir a los japoneses con algún regalito? Así pensó Björk, que para el lanzamiento de Biophilia en 2011 incluyó “The Comet Song”, un tema inédito disponible únicamente para los nipones.

Pero la historia es mucho más antigua: ya desde los Ramones, la edición japonesa del disco ¡Adiós Amigos! traía la versión de “R.A.M.O.N.E.S.” cantada por el bajista CJ Ramone, una canción tributo que Lemmy Kilmister de Mötorhead, le escribió al grupo.

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02

Un país con vida

Obviamente, ejemplos como los anteriores sobran: 30 Seconds to Mars le dedicó el tema “Anarchy in Tokyo” a Japón en la edición nipona de su álbum debut. Cuando Madonna, lanzó el famoso Ray of Light en 1998, destinó en exclusiva el bonus track “Has To Be” para la edición japonesa; lo mismo que Metallica hizo con “So What” en su disco homónimo de 1991. ¿Y qué decir de Arctic Monkeys? Su segundo álbum, Favourite Worst Nightmare, fue publicado en Japón antes que en cualquier parte del mundo con dos temas de pilón: “Da Frame 2R” y “Matador”.

Estreno el desnudo

Thom Yorke es un sujeto que tiene una fascinación especial por Japón. Apenas comenzado el 2012, realizó una sesión de fotografías de moda para la revista nipona Huge, titulada Walking on the Hyde Park. En ella viste los modelos de la marca Undercover, en un portafolio de varias páginas que salió a la venta en febrero.

Algunas páginas en Internet aseguran que el tema “Palo Alto”, podría hacer referencia a su predilección por Japón. Lo cierto es que ese país han ocurrido situaciones especiales para Radiohead: la primera vez que interpretaron “Nude” fue en 1998 en Tokio, como un encore que Thom realizó solo con su guitarra. Tras varios intentos por grabar la canción, fue hasta la producción de In Rainbows que lograron una versión satisfactoria en el estudio.

Por otra parte, varios de sus discos tienen ediciones especiales japonesas que incluyen no únicamente tomas alternas, DVD’s grabados en vivo, booklets o canciones inéditas, sino que de rebote se convierten en objetos de colección en otros países. En Mercado Libre, por ejemplo, existen ofertas de hasta 500 pesos por un ejemplar original de In Rainbows en su edición nipona. Pero eso no es todo, al igual que el Emperador, Yorke envió un mensaje a las víctimas del tsunami: “por algún tiempo he sentido que necesito escribir algo a nuestros fans, soy un aficionado de Japón, y me siento muy mal viendo lo que ha sucedido desde el terremoto y tsunami… mis amigos en Tokio me dicen que hay grandes cortes de energía, y aunque la ciudad continúa funcionando hay muchísimo qué reevaluar. Tokio, el templo de la luz y poder es algo diferente ahora”, escribió en un mensaje difundido por Twitter.

Sin que los fanáticos de Radiohead –que son muchos y muy celosos– se sientan menospreciados, es claro que Thom siente un lazo especial con el país del Sol Naciente.

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Los más “vendidos”

Japón es un paraíso para la venta de discos.

Regulado por la Asociación de la Industria de la Música de Japón, es una nación en la que los discos de oro, platino y diamante aún se entregan de manera honrosa. Para obtener el primero hay que desplazar más de 100mil unidades; para el platino, 250mil y para el más grande, el de diamante, un millón de discos.

Para darse una idea de la “pobreza” de otros territorios, en México las mismas preseas se obtienen con paupérrimas cantidades de 30mil, 60mil y 300mil –respectivamente–. El año pasado, la Asociación reconoció a Lady Gaga como una de las artistas occidentales que más discos venden en su territorio, dejando claro que si algo anhelan los jóvenes nipones, es su occidentalización –658,554 copias del disco Born This Way avalan lo dicho–. Aunque tradicionalmente los japoneses solían tener una vena rockera, las cifras dadas a conocer por su organismo regulador en 2011 revelan que la “popización” avanza a pasos agigantados. A continuación una muestra de lo que escuchan los japoneses en estos días. M

Los más vendidos en Japón Beautiful World Arashi (907mil 589) Born This Way Lady Gaga (658mil 554) Goodbye Lullaby Avril Lavigne (368 mil 483) Mind Travel Superfly (346mil 598) I’m With You Red Hot Chili Peppers (156mil 372) Songs For Japan Varios Artistas (152mil 554) MICHAEL Michael Jackson (130mil 082)

Live In Japan

Japón representa un paraíso para hacer grabaciones “en vivo”.

Incontables músicos entre los que destacan Deep Purple, George Harrison, Queen, The Cure, Sex Pistols, Guns N’ Roses, Primal Scream, Metallica, Rodrigo y Gabriela, John Coltrane y The Exploited han aprovechado la euforia del público. De ahí que la burlona letra “I’m Big In Japan” de Tom Wait no sea gratuita.

Ongaku

音楽

::MÚSICA

ボ ー ナ k c a r t s u n o b l e d T: 文 TX

ore A. G : A.

.

La sociedad japonesa se distingue por muchas y variadas razones; una de las caracter’sticas m‡s renocibles es, sin duda, su gran consumismo.ƒsto es ir—nico si consideramos el tambi n famoso hermetismo de esta ancestral naci—n. El 16 de marzo del a–o pasado la televisi—n japonesa transmiti— un mensaje del Emperador Akihito, hijo del c lebre Hirohito (el primero en 22 a–os). El œltimo descendiente de la dinast’a al frente del Trono del Crisantemo, inst— a su pueblo a salir adelante, a sobrellevar la crisis nuclear provocada por el terremoto y el consecuente tsunami que padeci— la naci—n nipona, provocando una cat‡strofe en la Planta Nuclear de Fukushima. A diferencia de otros l’deres, que piden solidaridad y ayuda humanitaria cuando sus pa’ses experimentan una tragedia, Akihito se limit— a agradecer las muestras de ayuda de otras naciones, pero subray—: ýEspero, sinceramente, que nuestro pueblo pueda superar este momento desafortunado cuid‡ndose los unos a los otrosý.

ス · ト ラ ッ ク の 聖 域

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but the pain lingers on.

Speed, Glue & Shinki Eve

Erebus, 1971 Una banda armada con excelentes ejecutantes: Shinki Chen, que alguna vez fue llamado el “Jimi Hendrix japonés”; Masayoshi “Glue” Kabe, un bajista prodigioso y Joey “Speed” Smith, cuya fijación por los fármacos y una carencia de cuidado al interpretar ayudó a definir el estilo de la banda: música sucia, poco civilizada y embarcada en un viaje especular de estupefacientes, que paraliza la cabeza de cualquiera que se te atreva a tomar esta obra maestra de la psicodelia y el lo-fi entre su oídos.

Sugar Plant

Happy/Trance Mellow World Domination, 1998 Herederos directos de la obra de Cocteau Twins, en cada composición de Sugar Plant la idea se desenvuelve con el afecto de una sola onda continua, diluida por los territorios más insignes del shoegaze y el slowcore. Esta banda formada en Tokio en 1993 es la dulzura misma, y este un disco que no debe pasar inadvertido para fans de space rock y el dream pop.

The Seatbelts

Cowboy Bebop [Original Soundtrack] Miya Records, 1998 La música creada para el anime dista mucho del gusto de diversos escuchas; pero en la figura de Yoko Kanno, ese paradigma se subvierte. Se trata de una compositora espantosamente ágil; nombra un género, sus características, y ella compondrá una pieza antes que puedas decir: “la música para anime no vale la pena”. Aquí hay un jazz tan fresco, que podrías recomendárselo a los fans de The Vaccines y ellos lo amarían. Se trata de un álbum intrépido, tanto como la animación que se encargó de escoltar: Cowboy Bebop.

Shonen Knife

Yama-no Attchan Zero, 1984 La banda que acompañó a Nirvana durante una época en la promoción de Nevermind, es además uno de los grupos más divertidos de Japón. Esto debido a su distintiva forma de tocar garage rock, donde una aleación mutante entre The Beatles y The Ramones tomaba forma.

Tras aquella gira con Nirvana, la banda alcanzó cierta fama en Norteamérica, donde fueron muy bien recibidas por la élite del rock alternativo de los noventas.

Pizzicato Five

This Year’s Girl Phantom, 2000 Esta es la banda más difundida del llamado shibuya-kei.

Estos deconstructores del pop y arreglistas de lo kitsch, comenzaron a trabajar juntos desde la década de los ochenta.

Difundidos a mediados de los noventa por Matador Records con la discreta compilación Five

by Five, conquistaron lentamente el mercado norteamericano.

Lamentablemente la banda anunció su despedida a comienzos del 2001, dejando un legado lleno de coloridos contrastes en los anales del j-pop.

PsychoBaba

On the Roof of Kedar Lodge Japan Overseas, 2000 Un proyecto innovador originalmente liderado por Mhayow, el maestro de la cítara, con Ahkio en la tabla y el baterista Suttgun. Con la adición de Yoshimi P-We, la agrupación manifestó un collage hipnótico de sonidos tremendamente emocionante con el que contaban desde su formación.

Otomo Yoshihide

Out to Lunch Doubt Music,

2005 Yoshihide es uno de los genios más prolíficos de Japón, su música gira en torno a varios géneros, desde el jazz –como en este caso, donde realiza una radical reconstrucción de “Out to Lunch” de Eric Dolphy, una obra ya bastante radical–, hasta la más demencial electrónica con tintes de avant-garde. Toda su obra es profundamente valiosa, incluidos sus trabajos con Ground Zero, I.S.O. y Cathode.

the pillows

FLCL: Original Soundtrack, Vol 3.

King Records, 2005 Gainax es considerado uno de los estudios más importantes del anime, pues con series como NGE o KareKano, se encargó de comprobar que el anime podía ofrecer contenidos inteligentes y arriesgados sin dejar de ser entretenido. La música que acompañó a una de sus mejores series, FLCL, fue escrita por la banda de J-rock the pillows, quienes permanecieron en la misma tónica que la animación entregando un álbum original, entretenido y sumamente memorable.

Escucha estas bandas en

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Tipographica

God Says I Can’t Dance 1996 El rock progresivo y el jazz-rock son dos estilos que los músicos japoneses han adoptado de una manera soberbia.

Una banda que transita alegremente entre Frank Zappa, Elmo Hope o Thelonious Monk, y que además rescata la influencia de Can, Annette Peacock o el mismo Miles Davis.

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Nujabes

Merzbow

Metaphorical Music Hydeout Productions,_2003 De no ser por su muerte a los 36 años en un accidente de tránsito, Nujabes y su obra hubieran alcanzado el éxito comercial que merecían. Aunque puede argumentarse que pertenece al sector más comercial del hiphop, debajo de cada pegajoso beat hay una estructura musical que resalta por su contenido; basta escuchar el OST de Samurai Champloo para darse cuenta de ello. Mucho tiene que aprender la música mainstream acerca de este gran productor y DJ japonés.

OOIOO

Taiga Thrill Jokey, 2006 En OOIOO coexiste la amalgama femenina más poderosa de la música japonesa. Bajo el enérgico amparo de Yoshimi P-We –sí, la misma que combate robots rosas y la alocada percusionista de Boredoms– la banda está impregnada de una vivacidad y un dinamismo que pocos seres humanos son capaces de manifestar. Taiga, traducido como “gran río” en japonés y “bosque” en ruso, es una descripción acertada de la densidad artística que rodea a estas muchachas.

1930 Tzadic, 1998 Masami Akita es una leyenda.

Un artista indispensable para comprender la escena noise japonesa. Más de cien grabaciones, comenzando con Metal Acoustic Music en 1979, hasta el box-set compilado en 1997 por la disquera Extreme, conocido como Merzbox, respaldan su impresionante labor. Tratar de acoplar su obra al límite de un sólo álbum sería incluso un descaro, pero 1930, grabado para la disquera de John Zorn, es una excelente manera de entrar en su universo.

Nobuo Uematsu

Final Fantasy VII Square Soft, 1997 La música que ha acompañado a la serie Final Fantasy, siempre se ha distinguido por su extraordinaria versatilidad y su gusto por explorar, a través de diversos géneros, las atmósferas fantásticas del videojuego. Uematsu es el compositor detrás de esta simbiosis, y lo ha sido desde los comienzos de la saga.

Ikue Mori

One Hundred Aspects of the Moon Tzadik, 2000 El mundo necesita más compositores tan atrevidos como Ikue Mori. Ya sea perfeccionando el sonido de sus drum machines “rotas”, o colaborando con gente de la talla de Fred Frith, John Zorn o Zeena Parkins, en su figura se conjuga el arrebato de un compositor de vanguardia con la sabiduría de un excéntrico conocedor de cánones musicales. Este álbum es particularmente una delicada proeza de imaginación e inspiración.

Les Rallizes Dénudés

Fushitsusha

Allegorical Misunderstanding Avant, 1993 Keiji Haino era ya un guitarrista reconocido en la escena underground japonesa desde mediados de los setenta; pero con la formación de Fushitsusha, la relatividad de sus composiciones alcanzó métodos inventivos para los que sería difícil encontrar una analogía. Producido por John Zorn, este álbum representa para Haino la fuerza motriz necesaria para construir un mantra sonoro radical.

Ghost

Heavier than a Death in the Family Phoenix Records, 2010 No hay banda más mítica que Les Rallizes Dénudés. Su sonido podría categorizarse entre los más abrasivos e incomprensibles en la historia del rock, como una especie de rock primitivo recrudecido por el noise más austero imaginable.

Sin ellos, la escena underground japonesa nunca hubiera contado con su eminente originalidad.

Sus presentaciones en vivo fueron extensas durante las décadas de los 70 y 80, pero pocas veces entraron al estudio de grabación para dar cuenta del estruendo causado.

Hypnotic Underworld Drag City, 2004 Masaki Batoh creó este conjunto en apariencia lleno de irregularidades –los miembros cambian constantemente y corría el rumor de que vivieron como nómadas por las calles de Tokio–. Sin embargo, esta “comunidad musical” ostenta en todo momento una consonancia notable: desde sus primeros álbumes con Drag City, su colaboración con Damon & Naomi y el ambicioso platillo que resultó ser Hypnotic Underworld; Ghost es uno de los proyectos más intrigantes del rock contemporáneo.

Yellow Magic Orchestra Solid State Survivor EMI, 1979

Situados en segundo o tercer lugar en la escena electrónica a finales de los años setenta, YMO fue una de las bandas más populares del género, debido al uso de los sintetizadores, las cajas de ritmos y un sentido del humor sumamente hilarante. Ryuichi Sakamoto, Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi están destinados a tomar su lugar junto a Kraftwerk, como verdaderos innovadores de la música electrónica; aunque posiblemente ya se encuentran en tal pedestal.

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Goodbye,

Far Out

Far Out Buy or Die Records, 1971 Far East Family Band es considerada por muchos como el primer grupo de rock progresivo surgido en Japón. Far Out, sin embargo, es la primera encarnación de aquella banda. ¿Sorprendidos?

Lo sé. Con un sonido que podría describirlos como el Pink Floyd japonés, este disco y esta banda concretaron en 1971 una obra de space-rock que combina instrumentación japonesa tradicional, con una vena muy marcada de rock progresivo.

Este disco es un pequeño eco que merece mayor resonancia.

The Flower Travellin’ Band

Satori Phoenix Records, 1971 Descrito como la respuesta japonesa al momento cuando Led Zeppelin conoció a Black Sabbath y Blue Cheer dentro del Ash Ra Temple, este grupo se presentó con dos álbumes de covers cuyas portadas mostraban a la banda completamente desnuda –en el segundo no sólo están desnudos sino que van en motocicleta–.

Luego llegó Satori y con él la consagración de FTB como uno de los actos más enigmáticos que hayan surgido del acid rock.

Cibo Matto

Viva! La Woman Warner, 1996 Pocos discos son tan frescos y atrevidos como el que la vocalista Miho Hatori y la instrumentista y ama del sample Yuka Honda, regalaron al mundo a mediados de los noventa. Este dueto de chicas japonesas, bautizadas con un nombre italiano y provenientes de la ciudad de Nueva York, son pura inventiva desenfrenada: melodías pegajosas que juegan y brincan libremente entre el hip-hop, el trip-hop y el funk. Las chicas prometieron además, la entrega de un nuevo álbum para este 2012.

Cornelius

Fantasma Matador, 1998 Fantasma fue el primer disco que mostró a Cornelius como un artista de completa vanguardia, un caleidoscopio asombroso de gamas y estilos musicales tramados con inteligencia.

Producto de la burbuja que dio origen a bandas como Pizzicato Five, conocida como shibuya-kei1, Keigo Oyamada (小山田 圭吾) suministra álbumes que exploran desde el indie-electronic bailable hasta atmósferas poco convencionales creadas como collages de sonidos.

Literalmente traducido como “estilo shibuya”; y atribuido a músicos provenientes de este distrito consumista, donde la llamada música pop, potenciada por la influencia de la chanson francesa, la bossa nova y el jazz deformó en una colisión musical y de estilos sin precedente: música occidental, masticada por la cultura mainstream japonesa y escupida en composiciones coloridas y emocionantes.

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Boredoms

Pop Tatari Reprise, 1993 Boredoms es la banda seminal del noise japonés.

Casi maniáticos en sus composiciones, recuerdan la fuerza estructural del free-jazz, pero acompañada por la actitud desenfrenada del punk. Aunque no fabrican música exactamente accesible, adentrarse en cada uno de sus álbumes constituye una experiencia única. De esta banda además han surgido proyectos alternos como OOIOO y el abrasivo conjunto Hanatarash.

Boris

Pink Souther Lord Records, 2006 Boris podría ser el hermano gemelo maligno de los Melvins.

Con su sonido plagado de sludge titánico a là Earth e influencias provenientes de terrenos como el punk, el noise y la música minimalista, la banda constituye una afirmación portentosa de los fines y las distenciones propias del metal.

De hecho, su empresa es tan monstruosa que algunos de sus álbumes consisten en una larga pista exploratoria llena de espeluznantes feedbacks y drone de la más alta categoría.

Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O. Univers Zen Ou de Zéro à Zéro Fractal Records (France), 2002 Fundado por el guitarrista Makoto Kawabata en 1996, este soul collective se caracteriza por recurrir de manera bastante explícita a sus influencias cada vez que entran a un estudio de grabación: Jimi Hendrix, Captain Beefheart o Terry Riley pasean plácidamente por su discografía. Aunque la alineación del grupo cambia tanto como sus referencias, la vena principal se mantiene intacta: psicodelia y space-rock distendido entre difusos paisajes sonoros. No hay mejor manera de adentrarse en las complicadas invenciones musicales de AMT, que prestando atención a uno de sus discos mejor logrados, sería uno de los paradigmas a seguir.

Blues Creation

Carmen Maki & Blues Creation Phoenix Records, 1971 Blues Creation es la turbulenta cabeza de Kazuo Takeda, decantada por sus infernales habilidades con la guitarra.

Esta joya, uno de los secretos mejor resguardados del rock pesado japonés a principios de los setenta, tiene tanto poder que sólo el aislamiento geográfico pudo evitar un mayor reconocimiento para esta banda. Álbumes como Demon & Eleven Children y este son obras maestras del rock pesado y la psicodelia. Una verdadera leyenda.

Ongaku

27枚のアルバムにおける日本 文 T X T: : LU I S A R C E .

Nuestro conocimiento sobre Jap—n parece condenado a pocas manifestaciones culturales altamente difundidas alrededor del mundo.

El binomio conformado por anime y manga Ñcon todas las expresiones art’sticas que conllevaÑ, o las refinadas costumbres a la hora de la comida, han sitiado a esta naci—n dentro de una opacidad cultural que connota dos o tres referentes directos, dejando de lado casi todos los dem‡s. Es un hecho: si pensamos en Jap—n, incurrimos en el descomunal error de pensar s—lo en anime y comida. Este desconocimiento mantiene a Occidente alejado de una comprensi—n profunda de los alcances que Jap—n ha logrado en diversas artes, anta–o consideradas como netamente occidentales. Ya que nuestro tema es la mœsica, bastar’a decir que Jap—n no s—lo ha gestado rockstars o idols medianamente reconocidos. Tambi n cuenta con una tradici—n sorprendente en materia de mœsica electr—nica y cl‡sica. Casos como el de Toru Takemitsu o Toshi Ichiyanagi demuestran que aquellos muchachos de ojos rasgados y mediana estatura han realizado lecturas precisas y enriquecedoras sobre ÒnuestraÓ cultura, nutri ndola con un formato m‡s ÒorientalÓ. Si bien es imposible decir que la mœsica japonesa es disfrutada por toda clase de pœblico en este lado del mundo, el acercamiento es cada vez m‡s evidente. Artistas norteamericanos buscan productores japoneses para su nuevo ‡lbum, mientras otros mœsicos retroalimentan esta relaci—n al trabajar directamente con gente como Otomo Yoshihide, Keigo Oyamada o Ikue Mori. En la actualidad, la mœsica japonesa est‡ sumergida en la bœsqueda de nuevos y atrayentes lenguajes, que sean capaces incluso de comunicarse directamente con la mœsica popular de occidente. Por supuesto, abarcar un universo musical de tal envergadura, requerir’a al menos seis o siete nœmeros de esta revista. Los siguientes discos no pretenden m‡s que ofrecer un panorama de tal intercambio, pues como peque–as y magn’ficas estampas musicales, acercan al escucha hacia una g nesis creativa-musical que no para de multiplicarse y sorprender a una rama de la cultura japonesa, que posiblemente dejar‡ a varios con la boca y los o’dos bien abiertos.

Shiina Ringo

Kalk Samen Kuri no Hana EMI, 2004 La carrera de Shiina Ringo pertenece al J-pop que busca formalizar idols en el mercado, pero que en algún punto salió mal. Aunque desde la salida de Shōso Strip (2000) vendió cuatro millones de copias vendidas, con Kalk, la mezcla de jazz, rock, new wave, J-pop e instrumentos tradicionales de diversas partes del mundo, sacudió las expectativas de sus fanáticos, creando música que algunos críticos han llamado avant-pop. El monstruo fue tan grande, que la misma Shiina Ringo no pudo repetir su hazaña y decidió descansar. Años después regresó con la banda Tokyo Jihen, pero sin emular lo realizado antes. Pero fuera de categorizaciones extrañas, Shiina Ringo es una artista valiosa para el J-pop, que sólo necesita recibir la difusión adecuada.

J a p ó n

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Artistas similares Sketch Show

Claude Debussy

John Cage

類似アーチスト Ruiyi ārchisuto

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Aunque Japón es un país de tradiciones

bastante arraigadas, ello no impidió a Ryuichi cultivar distintas vertientes: desde su conocimiento y gozo profundo por la llamada “música culta” –es fan irredento de Bach y Debussy–, encontró un vínculo con la música popular de su país y con las expresiones de vanguardia que van desde el minimalismo a la electrónica y el ruidismo.

Durante la primera mitad de la década de los ochenta, el joven compositor se convirtió en la figura sobresaliente de la Yellow Magic Orchestra, un grupo visionario en el uso de los sintetizadores y los recursos digitales. Su peculiar expresión del tecnopop encumbró a la banda a tal grado, que la prensa local los consideró tan importantes como los Beatles –toda proporción guardada–.

Sobre aquella época, el músico rememora: “Teníamos que agujerear setecientas tarjetas para programar la melodía más simple. Hoy se puede hacer cualquier cosa con un ordenador portátil. La red sirve para escuchar, ver y recibir, de manera que las posibilidades son ilimitadas". El espectáculo que presentaban incluía videojuegos y fuegos artificiales, pero la guerra de egos acabó con el proyecto, y Sakamoto arrancó una carrera en solitario de enormes proporciones: su disco debut Thousand Knives of Ryuichi Sakamoto fue editado en 1978 –mismo año que el disco homónimo de la YMO–, y fue el primero en usar el Roland MC-8, un secuenciador basado en la naciente tecnología de los microprocesadores.

Uno de los grandes aciertos que marcan su carrera fue vincularse a la creación de bandas sonoras. Con Merry Christmas, Mr. Lawrence –también conocida como Furyo– de Nagisa Oshima, recibió todo tipo de elogios, además de que pudo incursionar como actor y de paso alternar con David Bowie (protagonista de la peli).

En 1987, Ryuichi ganó el Oscar por la música de El último emperador de Bernardo Bertolucci; probablemente por ello el director le encarga componer la música de El cielo protector dos años más tarde. Ya abriendo los noventa, un reto mayúsculo sale al paso: le convocan para crear la música para la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, para lo cual se exige a fondo, se involucra con la cultura mediterránea y libra con maestría el reto.

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02 Con una reputación tan sólida, no debe extrañar que otros directores como Oliver Stone, Brian de Palma y Pedro Almodóvar le han llamado también. En 2000, después de recrear con orquesta estos trabajos en el disco doble Cinemage, Sakamoto se encamina hacia una etapa más experimental y en el ínter colabora con el artista sonoro alemán Alva Noto, mancuerna que podemos escuchar en los discos Vrioon (2003) e Insen (2005). Con David Sylvian (músico británico fundador de la banda Japan) grabó varios discos, entre ellos el logradísimo World Citizen (2003). Ya entrado el nuevo milenio, el turno fue para el guitarrista austriaco Fennesz, con quien grabó Sala Santa Cecilia (2005), Cendre (2007) y Flumina (2011). También fue durante la década pasada que dedicó un álbum epónimo al filósofo francés Derrida (2003), y el mismo año recopila algunas de sus piezas más accesibles en Moto.tronic.

El entendimiento universal inherente a la música de Ryuichi, es suficiente para discrepar con aquellos que pretenden encontrar en su trabajo tintes de exotismo.

Por ello, su respuesta ha sido tácita: “¿Entiendes, en cualquier caso, que la música del siglo XX y la música asiática son iguales o muy similares? Bueno. De hecho, el padre de la música del siglo XX, Debussy, estuvo influenciado por el gamelán indonesio. Pero te diré más. Por ejemplo, que la música de Brian Eno es más asiática que la mía”.

03 Sin dejar grandes lapsos exentos de novedad, nada parece ajeno a Sakamoto, quien es un obseso de las redes sociales y la tecnología. En 2004 cedió material para el videojuego Seven Samurai 20XX de Playstation 2, inspirándose en la legendaria película Los siete samuráis de Kurosawa. Pero su halo creativo es ilimitado y se manifiesta en áreas disímbolas: además de sumarse al debate internacional de las leyes de copyright, encabeza la Fundación moreTrees, dedicada a repoblar bosques para equilibrar las emisiones de carbono en la atmósfera.

Para cerrar el circulo publicó La música os hará libres –apuntes de una vida- (Ed. Altaír, 2011), que sintetiza un periodo de tres años de entrevistas con el director de la revista japonesa Engine, donde rememora a su padre de clase trabajadora, víctima de la guerra, así como su repudio a los nazis, y años más tarde al impacto del 11-S, entre muchísimas anécdotas interesantes.

Estudioso de John Cage e Iannis Xenakis, pocos tipos de música han escapado a su ejecución, así llegó a crear el sello Commmons en 2006, donde ficha propuestas que le interesan, como el postrock de Tortoise.

Pese a toda la actividad, Sakamoto no para de crear. Recientemente ha firmado opus notables como Chasm (2004), Out of Noise (2009) o Playing the piano (2009), y en 2006 colaboró en la música de Babel de González Iñarritu. Además, ha conseguido instalarse en un lugar más allá de la magia amarilla, en el que sonido y ruido son lo mismo: “La música es un lenguaje. Hay ciertas emociones y sentimientos, e incluso visiones, que sólo la música puede contar o expresar.

La música no es un lenguaje universal ya que todavía gravita sobre el contexto local e histórico. Sólo pretendo ser siempre muy cuidadoso con la creencia estereotipada de que la música es un lenguaje universal. El hecho es que no lo es. Así de simple”. M

Ryuichi Sakamoto se casó por segunda vez con la pianista y cantante japonesa Akiko Yano en 1982. Además de grabar y salir de gira juntos, son padres de Miu Sakamoto, una famosa cantante de J-pop.

Ongaku

音楽

::MÚSICA

S Ra yk ua i m c o ht i o

Más allá de la música, la magia y el ruido

音楽、魔法、騒音を超えて

文 T X T : : J ua n C arlos H i dal g o . 写 真 F O T : : w w w. s t a g e p l a n e t . n e t

El tama–o de un hombre -sobre todo el de un artista- se evidencia por la realizaci—n de sus ideas, as’ como por su obra y sus palabras.

Sobran argumentos para dimensionar a uno de los creadores m‡s notables de la mœsica del siglo XX, no s—lo de Jap—n, sino del mundo entero.

Pianista de formaci—n cl‡sica y un precoz virtuosismo para tocar y componer, Ryuichi Sakamoto (Tokio, 1952), ha sabido amalgamar la tradici—n occidental con la oriental: ÓPara m’ no hay separaci—n entre ruido y sonido. Supongo que componer equivale a dise–ar el tiempo con ruido y silencio (...) pues el ruido tiene todos los elementos musicales Ñmelod’a, armon’a y ritmoÑÒ ha declarado el etnomusic—logo.

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blue sky

11 Grupos occidentales que aman Japón Japan El grupo comandado por David Sylvian lleva la penitencia en su nombre. Canciones como “Life in Tokyo” no me dejarán mentir.

The Cure Títulos como "Japanese Whispers", frases como “You look like a japanese baby” (de “The Walk”) o canciones como “Kyoto Song” (The Head on the Door) no dejan lugar a duda.

The Vapors Cuando tu canción más conocida se llama “Turning Japanese”, tienes un pase directo a esta lista.

La Casa Azul Guille Milkyway es súper fan del J-pop, y canciones como “Cerca de Shibuya” lo delatan.

Momus Artista escocés que ha llevado su gusto por el J-pop a grados mark-davidchapmanescos.

Sparks Además de ser una de las bandas favoritas de Morrissey, tiene un disco llamado Kimono My House, muy, muy bueno.

Actualmente, el amplísimo catálogo del J-pop tiene tanto grupos considerados de culto, como boy bands o los equivalentes japoneses a bandas como The Beatles (The Wet Beans) y claro, también su propia mitología y héroes particulares. Acá les dejamos una lista:

12 Héroes del J-pop

Perfume Shizuko Kasaoki Grupo electropop Uno de los pioneros de culto formado de J-pop, que en los en el 2001 por tres años cuarenta lanzó chicas idols. Escucha el himno "Tokyo “Computer World” y tu Boogie-Woogie". percepción del pop no volverá a ser la misma.

Hibari Misora La llamada Reina del Enka Pink Lady (subgénero En plena década de los 70, existían muñecas del J-pop con de las integrantes, maquillaje, ropa y toda tendencias la parafernalia que te puedas imaginar. Ah, a la balada) también hacían música: “SOS” fue un gran tuvo mucho hit con el que ganaron muchos yenes. éxito hasta su fallecimiento en 1989.

Kosaka Kazuya and Wagon Masters Según muchos medios, gracias a este grupo se inaugura formalmente el J-pop tal como lo conocemos. ¿Su legado?

Además de hacer covers de Elvis, muchas chicas con look de Señorita Cometa y alma de groupie terminaban histéricas en sus shows.

Alphaville Uno de los hits de esta banda alemana se llama “Big in Japan”.

Bis Hacían el tema de Las chicas súperpoderosas, pero su influencia y fascinación por Japón anida en su estética y en canciones como “Theme From Tokyo”.

David Bowie Su disco Aladdin Sane estaba influenciado por el teatro kabuki. Por no mencionar el “cat from Japan” que habita en la letra de “Ziggy Stardust”.

Mecano “Entre miles de tornillos viven en Japón”... una visión del caos nipón en clave synth-pop.

Empire of The Sun Proyecto electro-glam de nombre poético, cuyos integrantes visten como samuráis.

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Brown Eyed Girls Estos baladistas derriten los oídos cursis de los fans del J-pop más radiable.

HIGH and MIGHTY COLOR Con hits instantáneos, este grupo de Okinawa ahora reniega del J-pop. Escucha “Ichirin no Hana” para darte una idea.

Utada Hikaru La más gringa de las J-pop nació en NY pero creció en Japón. Ha vendido más de 15 millones de canciones en Berrys Kobo descarga digital Banda femenina con ocho (y como 5 CD’s) lolitas japonesas que de su single bailan, cantan y hacen “Flavor of Life”. cosas dulces.

Pizzicato Five Una muestra de la herencia que dejó el J-pop en subgéneros como el shibuya-kei. Una gran banda con canciones tan emblemáticas como “Baby Love Child”.

Kottouten “Mystique” Cuando el goth y el J-pop se topan.

SDN48 Grupo de J-pop formado por seis chicas hermosas, que hacen shows inolvidables para adultos y conquistan oídos con tonadas como “Gagaga”.

J ポ ッ プ Ongaku

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Música amarilla para las masas 文 TXT::ALEJANDRO MANCILLA.

Imagina que te metes en una tienda de discos en Tokio. Despu s de sentirte decepcionado porque los empleados no son robots mutantes, te pones a buscar CD's en los estantes y entonces descubres que no sabes qu diablos es el J-pop: ÁQue Godzilla nos agarre confesados!

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Pongámoslo

en términos sencillos: el J-pop es la etiqueta que sirve para catalogar casi todos los géneros de la música moderna japonesa. Como se trata de una categoría tan incluyente, es obvio que tanto podemos encontrar música de gran calidad, como basura sumamente “artificial”… todo es cuestión del cristal con que se mire.

Cuentan los antiguos maestros samuráis, que el apelativo de J-pop se le ocurrió a los locutores de una estación setentera de radio llamada J-wave (algo así como Reactor, pero donde todos lucían como Koji Kabuto y Sayaka), cuando querían referirse a la música que no estaba basada en el formato común (kayôkyoku) de la tradición autóctona, es decir, a aquella música construida con estilos y recursos occidentales.

Para contextualizar, retrocedamos a finales de siglo antepasado (1868), cuando la llamada restauración Meiji permitió –como parte de la “modernización” del país– que la música extranjera tuviera difusión.

Posteriormente, ya en el siglo XX, la llegada del jazz influenció a muchos artistas japoneses de esa época para “hacer ruido” a partir de un lenguaje musical netamente americano. Durante la Segunda Guerra Mundial, el género fue censurado por razones similares a las que llevaron a Argentina a prohibir la difusión de la música anglosajona en los 80, cuando ocurrió la Guerra de las Malvinas contra Inglaterra. Curiosamente, el efecto de la prohibición suscitó la escucha clandestina de country, blues y hasta mambo en la isla asiática. Después, con el advenimiento mundial del rock and roll, los artistas J-poperos emergentes comenzaron a hacer covers del género, como viles César Costas pero de ojos rasgados.

02 Lo interesante vino en la década de los 80, cuando cansados de copiar, los artistas japoneses decidieron mezclar sus raíces tradicionales, con todo lo que escuchaban en la radio y en MTV, creando así un estilo único. Esta tendencia derivó en un subgénero llamado new folk music (o new music), que sin dejar de pertenecer al J-pop, se desmarcaba un poco del idol, esa ola donde los actores de moda o modelos que de repente se volvieron músicos, eran lo más representativo del J-pop –¿Dónde hemos visto eso antes?–.

Mención aparte merece el Shibuya-kei pop, subgénero ultra kitsch del J-pop (para los ojos no acostumbrados), que combina tweetpop con yeyé francés, electro y jazz; muy en la onda de Serge Gainsbourg. Como dice Momus (compositor, blogger y periodista de Wired) en su web oficial: “The Japanese word for trendy is 'kokoi', and it has an implication of 'cool, fashionable, smart'”. Qué razón tiene cuando hablamos del Shibuya-kei, la división más trendy del J-pop.

Otra de las puntas del iceberg son los llamados Seiyū, que gracias a la explosión del anime, han lanzado a la fama a ciertos personajes que además de ser locutores y encargarse del doblaje de las series animadas, son ídolos pop que incursionan en la música.

En los 90, el J-pop se consolidó como la música más comercial (Japón fue muchos años la segunda potencia discográfica mundial), y en ese momento la imagen comenzó a tomar más relevancia, incluso en los mismos 80 (que ya es decir algo), de manera que los nuevos artistas ahora tomaban elementos del manga y se disfrazaban hasta de Caballeros del Zodiaco para llevar al límite el culto a la personalidad.

03 A partir de la década pasada, los conceptos musicales continuaron cobrando fuerza, y la inercia de los 80 y 90 continuó la curiosa pesadilla mediática conformada por revistas pop, figuras de acción, karaoke, videojuegos y cajitas de cereal con las fotos de los ídolos.

Todo lo anterior se convirtió en una verdadero “universo aparte”, con excesos bubblegum que han hecho del J-pop una máquina consumista de crear artistas como si de clones se tratara.

Actualmente, muchos músicos de Japón están haciendo un pop “más sofisticado”, tratando de desmarcarse de tan irresistible pero arbitraria etiqueta, esa que recuerda a una guapa chica de ojos rasgados con playera de Hello Kitty, cuerpo y actitud de Scarlett Johansson (perdida en Tokio), además de una voz sexy e ininteligible para quienes sólo sabemos decir sushi, sayonara y Sr. Miyagi. Lo cierto es que fuera de su país, la mayoría de los artistas del género no arrastran multitudes, y sólo aferrados, geeks, nerds o adictos al indie rock, el manga y los videojuegos, pueden presumir que son fans. Por cierto, en algunos foros sobre el tema, los seguidores obsesivos del J-pop dicen que el K-pop (pop koreano) es aún más gay, lo cual, ya es mucho decir.

Mito J-pop

El engaño más grande es pensar que toda la música moderna que se produce en Japón es J-pop, sobre todo porque hay buen heavy metal japonés, hip-hop de calidad y una prolífica escena independiente de pop underground. Basta con escuchar el trabajo de Cornelius, Fantastic Plastic Machine (editado por Suave Records en México hace años) o las bandas incluidas en la serie de discos compilatorios Japan For Sale (compré el Vol. 1 casi por casualidad en El Chopo), que incluye bandas como Polysics, Jenka, Kodo o los Boom Boom Satellites para comprender que no todo el pop japonés es J-pop.

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Goodbye,

Yuki Chikudate Lugar de nacimiento: Okinawa Banda: Asobi Seksu

En el caso de esta banda de dream pop, la creatividad se divide entre los dos integrantes de la banda: Yuki y James Hanna. Sin embargo, quien se lleva los reflectores es, inevitablemente, la vocalista de origen japonés: no sólo su presencia oriental se impone, sino que además reivindica sus raíces al escribir algunas letras en su lengua materna.

A diferencia de Kazu –que parece tener mucho en su cabecita como para preocuparse por sus raíces niponas–, el factor Japón pesa más en la señorita Chikudate, quizá porque siguió en contacto con su cultura al asistir a una escuela japonesa en EU, aún cuando era tildada de “no ser realmente japonesa” por sus compañeritos (los niños pueden ser realmente malévolos). Asidua escucha del indie japonés de Ruins o Cornelius –pero no del popular J-pop (『ジェイポプ』), Yuki incorpora influencias japonesas en su trabajo, lo cual la estereotipa con la prensa, quienes no dejan de preguntarle sobre sus supuestas influencias J-pop o anime, géneros de los que confiesa no saber absolutamente nada.

Miho Hatori

Lugar de nacimiento: Tokio Banda: Cibo Matto El caso de Miho Hatori es particular. A diferencia del resto de las chicas citadas arriba, ella no es el único espíritu oriental en la banda que la lanzó a la fama, Cibo Matto, donde comparte el crédito vocal con Yuka Honda, también de Tokio. Sin embargo, me tomo la libertad de añadirla porque a diferencia de Honda, ella se involucró en la grabación y gira del álbum debut de Gorillaz, la banda ficticia de los dosmil. Sí, tal vez ustedes conocieron a Hatori en su modalidad animada, en su papel de Noodle. O quizá corrieron con la misma suerte que yo al descubrir su proyecto Smokey and Miho –mucho más de adulto contemporáneo pero increíble de cualquier forma–, con Smokey Hormel, guitarrista de Beck. O con Butter 08. O con los Beastie Boys. O con Sean Lennon.

O como solista. Sea donde sea que usted la haya conocido, sabe que es una vocalista extraordinariamente talentosa, guapa y carismática; que sus proyectos son valientes e interesantes, que la gente que la invita a grabar ha tomado una buena decisión. Pero lo más importante es que se le extraña en los escenarios, razón por la cual me emociono esperando que Cibo Matto haga válida su promesa de reunión y material nuevo para 2012. Lo que tal vez no sepa y puede parecerle simpático saber es que como Satomi y Kazu, Miho llegó a EU para estudiar arte. Además, ha compartido escenario con Yoko Ono, que también solía montar exposiciones antes de cantar.

Información inútil pero coqueta.

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Satomi Matsuzaki

Lugar de nacimiento: Tokio Banda: Deerhoof

Satomi llegó a San Francisco con la misión de convertirse en estudiante de cine, sueño que abandonó al conocer a los músicos de Deerhoof, quienes la reclutaron a pesar que no tenía un gran conocimiento musical… bueno, en realidad, ningún conocimiento musical. Afortunadamente todo se aprende con la práctica –ahí está el caso de Kim Deal con los Pixies–: Matsuzaki aprendió por sí sola a tocar el bajo, y hoy en día comanda el escenario en las presentaciones de Deerhoof, monopolizando la atención del público. Es un hecho que las bajistas tienden a conquistar corazones; si a esta máxima le añadimos la inocencia colegial de Satomi, aún cuando no podríamos describirla como particularmente hermosa, el resultado es una bomba. Una bomba japonesa que a diferencia del resto de las damitas de esta lista, volvió a sus raíces: ella vive en Tokio de nuevo, pero la banda opera bien a pesar de la distancia. A diferencia de Yuki, Satomi sí se identifica con su país de origen y se siente verdaderamente japonesa. Además, también ha incorporado letras en japonés a las canciones de Deerhoof, sin embargo, hay un abismo de traducción porque, aún cuando canta en inglés, es francamente complicado entender qué demonios está diciendo.

Ongaku

De Japón con amor

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::MÚSICA

日本から愛を込めて 文 T X T : : L eonora M il á n .

Jap—n le ha dado al mundo una serie de cosas extraordinarias: comida −deliciosa comida−, tecnolog’a, arte, cultura, filosof’a, orden dentro del caos... pero sobre todo, mucho talento. Conscientes de su potencial art’stico, algunas mujeres dejaron su vida en el lejano Oriente para probar suerte en EU, donde terminar’an aportando su voz, sensualidad y sobre todo, un estilo œnico a proyectos occidentales. Aunque pertenecen a g neros distintos entre s’, todas encabezan a sus bandas -y algunos proyectos alternos-, pero especialmente, las une la capacidad de disfrazar la intensidad con dulzura, algo poco frecuente en las vocalistas occidentales. Por otra parte, no puede negarse que emanan algo ex—tico, una fantas’a oriental que conquista a m‡s de un esc ptico.

Kazu Makino

Lugar de nacimiento: Kioto Banda: Blonde Redhead Colaboración: Battles

Mi favorita. Flanqueada por los gemelos italianos Pace, la tímida japonesa que llegó a EU para estudiar arte, fue arrojada por los aires después de perder el control de su caballo en 2002. Gracias a las bondades terapéuticas inherentes a componer e interpretar música, Kazu Makino superó el trauma y ello detonó la ruptura con el sonido desgarrador de sus melodías, tan característico de sus primeros discos. Es palpable que el dolor fue contenido a partir de su obra maestra, 23, aunque desde Misery is a Butterfly ya se anticipaba el cambio. La transición es mucho más evidente en Penny Sparkle, su último álbum, una joya que se aprecia después de unas cuantas pasadas... lo cual no debería sorprendernos si tenemos en cuenta que los diamantes surgen de un simple pedazo de carbón. Abusando de la metáfora, podemos decir que, para lograr que su carrera brillara como un diamante, Kazu debió hacer un gran esfuerzo; desde entender que el proceso creativo no está sujeto a un control absoluto, hasta superar la dificultad de compartir el escenario con los gemelos Pace, o la perseverancia que implica grabar nueve discos de Blonde Redhead. A partir de entrevistas y en la música misma, es fácil intuir que Kazu tiene una personalidad atormentada, sin embargo, el resultado artístico de ello, además del dolor y la angustia contenidos en su mente, es impresionante, pues de todos los aspectos de su vida, es en la música donde se encuentra más en paz.

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blue sky Artistas similares Beach House

類似アーチスト Ruiyi ārchisuto Galaxie 500

Wild Nothing

A V I S XCLU IN

EN

メモリーハウス

E

02 文 T X T : : M an ú C ha r r i tt o n . 写真 F O T : : Vanessa H e i ns .

Memoryhouse es una de las flamantes adquisiciones de Sub Pop, el legendario sello que reedit— su EP The Years en septiembre pasado. Por su sonido, muchos cr’ticos los comparan con Beach House. El proyecto comenz— para combinar visuales con mœsica, y luego fueron d‡ndole forma hasta llegar a a The Slideshow Effect, su primer larga duraci—n. Pude conversar, en exclusiva para Marvin, con Evan Abeele, compositor de esta banda de dream-pop procedente de Ontario, Canad‡.

01 Comenzaron este proyecto de manera bastante peculiar. Cuéntenme un poco de cómo fue y dónde se encuentran ahora como banda…

Evan Abeel: Creo que cuando empezamos sólo estábamos mojándonos los pies.

Nunca habíamos tenido una banda antes, así que todo era muy nuevo para nosotros.

Queríamos encontrar nuestro sonido, hay obstáculos en el aprendizaje, especialmente en entendernos como banda, pero estamos empezando a sentirnos más seguros de nosotros mismos.

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ISTA V E TR

Ustedes tomaron su nombre de un álbum clásico-experimental de Max Richter. ¿Qué los influenció más de él? ¿Cuál es su álbum favorito de Max? EA: Me gusta lo expresivo de sus composiciones. Dicen mucho sin realmente esforzarse por decir “algo”; es muy evocativo.

Es difícil escoger mi álbum preferido, me gustan mucho todos… ”Sunlight” de Song from Before es mi composición favorita. ¿Cómo se dio el acercamiento con SUP POP records?

EA: Creo que les gustaron las canciones, y nosotros –obviamente– los amamos, así que fue una buena combinación. ¿Cómo describirías el nuevo álbum The Slideshow Effect?

EA: Creo que hay mucho crecimiento en el disco, descubrimos quiénes queremos ser. Estas cosas toman tiempo, así que me da gusto no habernos apresurado, estoy orgulloso de lo que logramos en este álbum.

Teniendo en mente que comenzaron como un proyecto que mezclaba imágenes con sonido, me interesa mucho saber cómo son sus directos…

EA: Creo que nuestros shows son bastantes tradicionales: guitarras, teclados y batería Tenemos imágenes proyectándose sobre nosotros, lo cual crea la ilusión de que estamos tocando, en tiempo real, el soundtrack del filme que se está proyectando.

V R A M ビン

PA

RA

マー

03 ¿Quién graba sus videos?

EA: Jamie Harley ha hecho casi todos los de Memory House. Nuestra cantante, Denise Nouvion, también ha hecho unos cuantos. ¿Cuáles son algunos de sus artistas preferidos?

EA: Son demasiados y supongo van cambiando con nuestro humor. He estado escuchando mucho a Stevie Wonder últimamente. ¿Sería aburrido decir que mi banda preferida es The Beatles? ¿Qué sabes de México?

EA: Nuestra cantante solía ir de vacaciones a México cuando era más joven. Suena como un lugar pacífico con comida increíble. Toda la banda está enamorada de verdad con la comida mexicana.

Este mes el tema de la revista es Japón, ¿han tocado ahí?

EA: No, aún no, pero definitivamente es una de nuestras metas. Amamos su cultura. A mí me encantaría vivir ahí algún día. M

Artistas similares Cornelius

The Beatles

Gellers

類似アーチスト Ruiyi ārchisuto

Ongaku

ト

ル シ ュ ー ゴ

Entre la fantasía y la genialidad 幻想と天才の中間

::MÚSICA 02

Poseedor de un talento natural para producir enormes cantidades de pop silvestre, Tokumaru es autosuficiente para desarrollar sus ambiciosos proyectos, en los que recurre al japonés de forma natural –con salpicadas de inglés–. Si alguien piensa que lo anterior limita su propuesta, estaría cometiendo un error, por el contrario, sus melodías se filtran como los rayos del sol y sus armonías nos maravillan como cuando estábamos en el Kindergarten –la sensibilidad de la infancia es enorme, no deberíamos perderla–.

ク マ

音楽

T O K U M A R U

文 T X T : : J uan C arl o s H i dal g o .

01

Los

lugares comunes y las generalizaciones existen porque los pueblos y las culturas los provocaran. El pueblo nipón es conocido mundialmente por su perseverancia, y dentro del plano musical, Shugo Tokumaru es un ejemplo de dedicación absoluta: comenzó a darle al piano a los siete años y rápidamente se pasó a otros instrumentos. En la actualidad, este joven nacido en 1980 puede tocar 100 instrumentos con suficiencia, virtud que complementa con su pasión por los universos fantásticos –un tanto naif, un poco infantiles–, y así podemos entender por qué le han dado el calificativo del Sufjan Stevens del sol naciente (basta escuchar su tema “Rum Hee” para confirmar que la comparación es válida).

En sus canciones confluyen una gran cantidad de pistas y sonidos, de manera que es necesaria una gran habilidad para que los arreglos conserven ese carácter juguetón que tanto le interesa. En su universo, la tierra es un gran campo en el que brotan colores y formas delirantes por doquier, de ahí que sus canciones encanten particularmente a los niños.

Aunque forma parte del grupo Gellers, arrancó en solitario desde el 2004 con la edición de Night Piece. Como buen japonés, no perdió el tiempo y un año después lanzó L.S.T.. Después de dos años preparando material todavía más ambicioso apareció Exit, un álbum que lo inició en el mercado internacional. Pero la confirmación de que Tokumaru es un heredero generacional de Cornelius llegó con Port Entropy (Polivinyl Records, 2011), un álbum donde al menos tres cosas quedan claras: lo bien que entiende el legado Beatle (“River Low” es la prueba), que no ha perdido un ápice de ánimo lúdico (evidente en “Lahaha”, una de sus canciones insignia) y que nada le pide al indie pop occidental más visionario (“Straw” es impactante). Sin problemas, Shugo podría alternar con Fleet Foxes, Animal Collective o Akron/Family.

Port Entropy es un disco generoso; se desborda en campanas, trinos, xilófonos, carrillón, banjos y muchísimos detalles complementarios (escuchar “Drive Thru” para comprobarlo). Esa estética –como de cuento de hadas delirante– sedujo incluso al importante proyecto audiovisual de La Blogotequè, al grado que los franceses viajaron a Japón para registrarlo con sus habituales tomas de video verité. Pero el asunto no se quedó ahí, tras ser un invitado frecuente de los mejores festivales locales, Shugo se ha presentado también en Europa y Estados Unidos.

Shugo Tokumaru se desplaza entra la fantasía y la genialidad; si lo acompañamos en su viaje saldremos fascinados, como cuando de pequeños visitábamos una inmensa juguetería. No perdamos la capacidad de asombro, la fuente de la eterna juventud contiene litros de inocencia… y si es musical, pues mejor. M

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Artistas similares Male Bonding The Misunderstood Captain Beefheart

類似アーチスト Ruiyi ārchisuto

Como les comentamos en la edici—n pasada, Marvin estuvo de visita por Canad‡.

De las bandas que pudimos escuchar por all‡, entrevistamos a Crystal Antlers, un grupo de rock psicod lico originario de Long Beach, California, que estaba de tour presentando su segundo ‡lbum TwoWay Mirror junto a WU LYF. Luego de su set en el Electric Owl, pudimos conversar sobre los infortunios que casi impiden su presentaci—n, la actualidad de la banda y su conexi—n con Omar Rodr’guez-L—pez, guitarrista de The Mars Volta. 文 TXT:: Manú Charrit ton. 写真 F O T : : TO U C H AN D G O .

ア

ケデリ イ サ と 雪 吹 バーの

バンクー

r l i a e n Va n c o u v e e d o c i s p y e v e i t o r m e n ta s d e n

01 Primero que nada, me gustaría que me cuenten su aventura para llegar al show de esta noche.

Jonny Bell: Manejamos 24 horas para llegar hasta aquí, pues una tormenta de nieve retrasó bastante nuestra llegada (N. De R. llegaron una hora tarde y subieron a tocar directamente). Lo bueno fue que ganamos unas promociones en el camino y comimos gratis dos veces.

Cora Foxx: Fue un buen día. ¿Y cómo va la gira? ¿Vienen desde Los Ángeles?

Kevin Stuart: Sí, vinimos desde el sur bordeando la Costa Este hasta llegar a Canadá. Tuvimos varias presentaciones antes de llegar a Vancouver, pero el último tramo, cuando atravesamos North Dakota y Montana, resultó infernal. Lo curioso del viaje fue encontrar un mensaje que tú enviaste desde México avisando que vendrías a ver nuestro show en Vancouver. Casi no veo mi Facebook pero justo esta vez lo revisé.

C: El mejor concierto de mi vida fue en la ciudad de México.

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02 ¿Dónde tocaste?

C: En el Zero Fest, cuando tocaba con The Mars Volta. Hicimos DF, Guadalajara y Monterrey. Ahora me gustaría ir con Crystal Antlers. Europa y Japón están buenos, Sudamérica también, pero me encanta tocar en México. ¿Cómo va su segundo álbum? ¿Sienten una gran diferencia con el anterior?

J: Está muy bien que no le debemos nada a nadie. Antes acabábamos quebrados por grabar el disco. Ahora tengo un estudio en mi casa. Es nuestro propio disco, bajo nuestros propios términos. No hay un sello involucrado, así que existe una gran diferencia. ¿Cuáles son los planes en un futuro cercano para la banda?

J: En este momento tengo el estudio en mi casa y mucha gente quiere hacer discos y viene a grabar. Además, Crystal Antlers tiene muchas nuevas canciones y debemos grabarlas también. Pero ahora vamos a tener nuestra agenda bajo nuestros propios términos.

03 Supe que estuvieron grabando en nuestro país, ¿cómo ha sido su experiencia en México?

C: Nos volvimos mexicanos, pero todavía no aprendimos a hablar español muy bien (risas). Nos encanta México, me gustaría vivir allá. Aunque no he viajado mucho, he disfrutado bastante Punta Banda y Mazatlán. ¿Les gusta alguna banda mexicana?

C: Me gusta Plastilina Mosh y Kinky.

J: A mí Control Machete.

K: Me gusta Julieta Venegas. Ella es cool. ¿Qué les gustaría decirle al público mexicano?

C: Que he disfrutado mucho de tocar allá, y que les encantaría Crystal Antlers. También sería muy bueno poder invitar a Omar Rodríguez-López a nuestro show o poder abrir uno suyo. M

結晶の角

Artistas similares

The Beatles

Air

Zoé

類似アーチスト Ruiyi ārchisuto

文 T X T : : V I C E N T E J Á U R E G U I . 写真 F O T : : D A N I E L PAT L Á N .

Ongaku

音楽

::MÚSICA

Contra la mentalidad suffle ýCada disco de Ventilader tiene un hilo conductor. En este nuevo ‡lbum se trata de un joven que tapa el ca–—n de un soldado con una florý. As’ describe Jorge Marr—n el concepto detr‡s de Astromelia, cuarto disco de estudio de Ventilader, una banda que arranc— en 2005 cuando el cantante y guitarrista conoci— a Merci (bater’a) en Monterrey. Es dif’cil creer que hace apenas siete a–os la violencia no era tan extrema en M xico, pero fue en ese contexto que Ventilader lanz— çpice (08), Olas (09) y el EP Gu’a y pasajero (11), tres ‡lbumes que abordan tem‡ticas de corte introspectivo.

Sin

embargo, durante los últimos años todo cambió radicalmente y, conscientes de ello, Ventilader aventura un discurso distinto en Astromelia, un disco que “habla sobre el problema de la inseguridad, la muerte y un gobierno que todo lo confronta con la fuerza. Astromelia es una flor de origen sudamericano muy arraigada en las costumbres de México. Recurrimos a su belleza como un puente para hablar de esta desagradable situación”. El tema se encuentra presente no sólo en el título del disco, hay además una canción titulada “Goles y matanzas” que según Jorge nació “después de ver el video en que matan a Esteban Cervantes, el héroe del metro Balderas. La escena me sacó las lágrimas e inspiró esta canción. En aquel momento estaba el mundial y por eso la titulé así”.

Bandas japonesas que Ventilader recomienda:

Akira Jimbo Boredoms Tokyo Ska Paradise Orchestra

Tomando en cuenta la calidad del disco, sorprende saber que fue grabado, producido y mezclado de manera totalmente independiente, en el cuarto de ensayo de la banda. Actualmente es común que los músicos esperen durante meses a que el productor de moda los apadrine, pero en Ventilader las cosas funcionan distinto: “para Astromelia buscamos rescatar la espontaneidad, lo cual es difícil cuando los oídos externos de un productor podrían romper la esencia de las canciones” comenta Merci. Para reafirmar la idea anterior, Jorge narra la siguiente anécdota: “este disco es muy artesanal, no queríamos límites de tiempo, dinero o depender del estado de ánimo del productor. Un día, por ejemplo, conocí casualmente a Julia Chira afuera de un restaurante. Ella estaba tocando algo de Yann Tiersen, me presenté y terminó tocando el violín en ‘Astromelia’ ”. Para redondear la idea de que el productor es algo prescindible, Gonchis (bajo) reflexiona: “el productor sirve para exponenciar la materia prima que ya se ha trabajado previamente. Creo que un productor sirve para señalar cuando una canción está lista, de lo contrario, uno se eterniza añadiendo cosas (risas)”.

Quizá una de las desventajas del iPod, es que nuestra paciencia para escuchar discos enteros se ha visto mermada: somos víctimas de la cultura shuffle y del sencillo radiable. Según Jorge, la intención de Ventilader con este disco es “dejar de ver la música como si fuera algo desechable, creemos que es algo tuyo, algo a lo que puedes darle su lugar. Por eso lanzamos un vinil, porque vale la pena sentarte a escucharlo en casa; queremos rescatar ese tipo de tradiciones”. Con mucha razón, Ignacio (teclados) redondea la idea señalando que “la mayoría de las bandas que están pegando es sólo porque le dieron a una rola. A nosotros eso no nos interesa, queremos hacer discos completos donde no haya canciones de relleno y el arte sea una cuestión esencial”. Por último, Prime (guitarra) concluye diciendo: “el disco se puede escuchar en todo el mundo, ya que además de poderlo conseguir físicamente, lo puedes descargar desde cualquier parte en iTunes y Amazon. Además, estamos tratando de que salga en Japón, con una chica japonesa que editó a María Daniela y Natalia Lafourcade allá”. M

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ス ク リ レ ッ ク ス Tenkōsē

転校生

::NEWKIDINTOWN

Escucha a Skrillex en

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CONTRA

Hay muchas cosas que reprochar a los gringos: George Bush, sus hamburguesas letales, la caída de Megaupload y propiciar un mainstream musical donde brilla la música más mediocre. Ejemplo de esto es el “fenómeno” de Skrillex, pero para analizarlo, primero hay que hablar de dubstep, un género que desde Inglaterra ha invadido la escena popular musical, y que como cualquier estilo musical, tiene el potencial de ser genial o basura… Skrillex es un exponente que pertenece a éste último extremo.

Para comenzar, no se trata de un artista nuevo y por eso, es irresistible hablar de su pasado screamo: antes de tener nombre de medicina, Skrillex era conocido en los bajos mundos como Soony Moore (insertar su foto con peinado emo), vocalista de From First to Last, grupo con el cual alcanzó cierta fama haciendo música inofensiva, amateuresca y bueno… screamo. Skrillex, por otro lado, con tres Grammys en su bolsillo, más una nominación a mejor artista nuevo –que afortunadamente acabó en manos de Bon Iver que, como los Simpsons, sabe que un Grammy no vale nada– y un disco extremadamente bien recibido por el público, se ha vuelto “la cara” más reconocible del dupstep. Miles de fans que salieron de quién sabe dónde lo siguen con peculiar devoción, permitiéndole reafirmar dos cosas:

Sabemos que recibes una gran cantidad de informaci—n, la mayor’a proveniente de los miles de blogs de mœsica que a diario te dicen qu est‡ de moda y a qui n debes escuchar. En esta nueva secci—n, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qu o por qu no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podr‡s decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

PRO

“El dubstep que ha llegado a EUA, y ciertos productores que no vale la pena mencionar, han capitalizado el mercado frat-boy (sic). Se ha convertido en una competencia sobre quién puede hacer el bajo más sucio y pesado, y me parece que eso no es necesario… lo encuentro muy frustrante ya que es un mala representación del sonido, al menos en lo que a mí me concierne”.

Por espontáneas, irreflexivas o juguetonas que parezcan las herramientas de este ecléctico productor y anteriormente líder de la banda From First to Last, deben tomarse –desde su inocente inmediatez– como recursos importantes en el aglomerado de la música bailable de los últimos años. Cuando tratamos con proyectos tan polémicos como Skrillex, es inevitable pensar que existen dos posibles enfoques en la apreciación de su trabajo: el primero consta de un público estrictamente desentendido del movimiento y los artilugios ejecutados por el músico. El otro, mucho más recóndito, involucra reconocer la formidable capacidad de Sonny Moore para crear música desinteresada, que echa mano del electro de proyectos como Deadmau5 o Benassi, más la fuerza descomunal del drum n’bass de Noisia y un toque de suntuosidad al estilo de Fat Boy Slim. Esta superlativa ensalada de ritmos podría tener un sabor excelsamente amargo, pero de alguna manera, Skrillex se las arregla para presentar composiciones que enfatizan la movilidad de cada sonido, prueba de un estilo compositivo basado casi por completo en la manufactura, la producción y el extraordinario pulimento de su música. Si bien esto puede asumirse como un método exclusivamente comercial, contiene también la mecánica de una elaboración cuidadosa y asombrosamente bien trabajada, elementos que en conjunto y a nivel producción permiten apreciar con mucho detalle cada eslabón de la cadena.

文 TXT:: JIMENA GÓMEZ / @jimena_blue

文 T X T : : L uis A r ce .

Una, que el público ingenuo y tendencioso necesita su versión diluida y barata de un género hypeado, y que sin duda cuenta con mucho mejores exponentes como Rusko, Benga, Skream y James Blake –añadir “post” a éste último para una correcta nomenclatura musical–.

Dos, que para todo nuevo género o propuesta musical interesante, siempre hay un gringo dispuesto a entrar al ruedo y darle en la madre. Y para cerrar les dejo esta dirección: girlsthatlooklikeskrillex.tumblr.com y las sabias palabras de James Blake al respecto:

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・

ラ

イジング

サ

ン

ザ

Goodbye.

The Risin’

SweetSuite

ス ィ ー ト ス ィ ー ト

Vale la pena seguir la pista de SweetSuite, uno de los proyectos más interesantes de la escena tecno-rock-pop del DF para el mundo. Sus ecos de high-energy aderezados con beats hiperbailables, estarán sonando los próximos meses con el estreno de su disco homónimo.

El dúo formado en el 2004 por la guapa Mayumi Toyoda (letras y voz) y Pepe García “PPG” (sintes y programación), hace música retrofuturista que retoma esa “lírica romántica, estremecedora, libre y un tanto melancólica”, según sus propias palabras. SweetSuite es un viaje que puedes presumir a tus amigos italo-discotequeros del Patrick Miller y a los new wavers de tu colonia.

Los discos que más los han influenciado: Doolittle de Pixies, Disintegration de The Cure, Seven and the Ragged Tiger de Duran Duran, True Blue de Madonna y I Remember Yesterday de Donna summer.

Le han hecho remixes a: The Faint, Gus Gus y JotDog. Además de una Dulce Suite, ¿qué significa el nombre?: “Es un juego de palabras, un lugar íntimo donde se lleva a cabo el juego de la pasión. También es nuestra mente”.

Mayumi nos comenta sobre J-pop y sus raíces japonesas: ”Mi padre es japonés, yo viví allá un año y la escena musical es maravillosa.

La gente ama la música y vive a través de ella. Aunque ya no existe, mi banda favorita de J-pop se llama Judy and Mary”.

Discografía: SweetSuite (2012), editado por LOV/RECS. En el disco participan: Emilio Acevedo (María Daniela), Paco Huidobro (Fobia), Pablo Valero (Santa Sabina), Manuel Angel Mart (Estirpe), Dardin Coria (Tijuana No), Ricardo Arreola y Edgar (Belanova).

Con una línea musical basada en influencias setenteras, The Risin' Sun es un proyecto explosivo que fusiona blues, R&B, rock and roll y hasta jazz. Sin hacer caso de la moda (y eso incluye sus peinados), la banda sigue sus instintos musicales, mismos que los han llevado a ponerse sobrenombres como Jerry Capone (en el bajo y vocales), Dr. Psicodelia (en las batería) y Ditziie (en la guitarra y vocales) y hacer un poderoso ruido psicodélico-rocanrolero en pleno 2012.

Según ellos, verlos en vivo es "una experiencia flameante que pone a bailar a la gente". Lo cierto es que el grupo tiene calidad, feeling y sobre todo: ¡no toca indie rock!

Ciudad de origen: D.F. Discografía: Sesión Kaleidoscope Eye (2010), Sesión Destroy (2010) y Sesión 4:21 (2011).

Planes: El grupo trabajará con Wayne Kramer (ex-guitarrista de los míticos MC5) en la grabación de algunos singles y se estará presentando en varias ciudades estadounidenses.

Bandas a las que se sienten afines en México: “No conocemos ninguna banda de R&B mexicana”.

Sus planes de dominar al mundo: “Van bien, estamos derrochando arroooz (sic). Hemos tocado en varios estados de nuestro país, lo cual nos ha dado confianza para ir a EU”.

Su nombre lo tomaron de: “Creemos que es representativo de la música que tocamos, lo sugerí y gustó” Jerry Capone (hubiera pedido opiniones sobre su nombre artístico también).

Cuando les mencionan “Japón” lo primero en que piensan es: “En la palabra ‘amarillo’ ”. risinsunband

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TheRisinSun

TheRisinSun

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TheRisinSun

www.therisinsun.com

sweetsuiteband sweetsuite_band weetsuiteband

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(Si alguien sabe de alguna otra red social donde el grupo pueda subir su música, por favor… ya no les digan).

Coordenadas es un secci—n dedicada a las bandas y proyectos a seguir, ya sea porque est‡n editando nuevo material o porque se trata de propuestas emergentes interesantes.

写真 F O T : : C laud i a O choa .

文 T X T : : A lejandro M anc i lla .

ア イ キ ャ ン チ ェ ー ス ド ラ ゴ ン ズ ！

I Can Chase Dragons!

En este proyecto alterno de Julio Gudiño, integrante del grupo The Plastic Revolutions, la experiencia no es colectiva: se trata de una oda a la introspección a través de samplers y efectos, justo ahí donde la música folclórica y el shoegaze se topan (no por nada, Julio dice que “la cumbia y el reverb se llevan muy bien”). Sus canciones son nostálgicas y parecen regresarnos a la niñez; con imágenes de playa, sol y gente divirtiéndose en el verano. Este pop psicodélico se ha presentado en el DF, Boston, NY y próximamente en Italia.

Su sonido es como: “Una mezcla de ballet folclórico mexicano con rock setentero y texturas electrónicas somnolientas”. (Haz de cuenta que Lucha Villa colaborara con My Bloody Valentine y Animal Collective les hiciera un remix).

Lo han influenciado bandas como: Beach House, El Guincho y Ariel Pink’s Haunted Graffiti.

Si para muchos Japón es sinónimo de sushi, Godzilla o colegialas hentai, Julio dice: "Me gusta mucho Japón porque, al igual que México, logra mantener vivas sus raíces y sus tradiciones al crear cosas nuevas, usando la tecnología como una influencia".

I Can Chase Dragons! se complementa con: Santiago Casillas (bajo y voz), Gabriela Jimeno (batería), Jorge Ross (visuales), Fernando Heftye (mezcla las canciones) y Julio Derbez (diseño).

Sus primeras experiencias con la música fueron: "A los 12 años tocaba Blink-182 con Charles en mi cuarto –guitarrista de los Plastics–. Sólo éramos dos guitarras eléctricas y mucha distorsión".

Discografía: Expansión (2012), lanzado en el blog New Weird Latin América y publicado en el sello Dos Pelícanos.

Zahyōjiku

座標軸

::COORDENADAS

さよなら

Sayonara es un dúo hidrocálido que destila novedad sónica, gracias a influencias bien asimiladas y canciones que evocan experimentación. Sin cerrarse a escribir sobre experiencias personales, la banda encuentra la belleza en temas como “el vacío de la gente en el mundo globalizado”. Así de fácil: rock + electrónica + sonidos extraídos de su colección de sintes vintage, conforman la arquitectura sónica de Sayonara, quienes en vivo recurren a la multimedia manteniéndose en la vanguardia desde 2005. Ah, les gusta ir a restaurantes japoneses para que el mesero diga el nombre del grupo al despedirse... supongo.

Discos que los influenciaron: Abbey Road de The Beatles, casi toda la discografía de Depeche Mode, Oxygen de Jean-Michel Jarre.

Integrantes: Israel Noise y José Luis Pérez (con músicos invitados).

Además de Sayonara, se saben estas otras palabras en japonés: Wakarimasen (no entiendo), sugoi (qué bien) e ichi, ni, san (1,2,3).

Sobre el movimiento musical en su ciudad: “Aguascalientes es una ciudad pequeña, pero gracias a la globalización e Internet, muchas bandas están saliendo. La entidad siempre ha sido cuna de buenos artistas, no sólo en la música”.

Discografía: Shareware (Misha Records), Zero, Empty, Trinity (independientes) y Mosaic (2012). (Todos se pueden descargar gratis en la página http://lamusicaesgratis.com) ¿La música debe ser gratis?

“Preferimos que la música llegue a la gente, a que un lote de CD’s se quede en cajas porque no se supo venderlos. Hay otras opciones de comercialización, como los conciertos en vivo y la publicidad”.

Sayonara le ha hecho remixes a: Manuela Hoffer de Noruega, Selectro-on y al Instituto Mexicano del Sonido.

Han colaborado con gente como: “Michiko Nakajima vino a la ciudad a dar clases de japonés y resulto ser cantante en un ensamble de góspel y maestra de Taiko. Al conocerla le platicamos del proyecto y colaboró. Por casualidad también sucedió con Senka Baralic, cantante de un grupo de blues en Bosnia”.

@icanchase

@sayonaranoise

ayonaramusic

/icanchasedragons

Sayonaranoise

sayonaranoise@gmail.com

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::GADGETS

ガジェット

Gajyetto

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スタイル

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術 芸 い し ら 晴 最新の素 buenas nuevas arte

Small Picture Story El vértigo y la sinestesia

Con una técnica limpia y orgánica, Nomoco –artista nacida en Fukuoka, Japón– crea imágenes que cautivan por su simpleza y serenidad. En su mundo hay paz y belleza, pero quizás lo más importante, es que en cada una de sus ilustraciones la vida se muestra palpable. La música es una gran influencia dentro de su trabajo, ya que brinda movimiento y ritmo a cada uno de sus trazos, al grado de afirmar que mientras escucha puede ver imágenes y colores. Su obra ha sido expuesta en Londres, Tokio, Singapur y Nueva York; y ha colaborado con varias revistas y marcas. Small Picture Story, muestra a cargo de la artista japonesa, estará en Vértigo Galería hasta el mes abril.

A un año del terremoto y tsunami en Japón Fumiko Nakashima interviene el t r o l e b ú s E l Re y El arte surrealista toma inesperados colores y símbolos con Fumiko Nakashima, pintora japonesa que visita la ciudad de México con motivo del aniversario del terremoto que Japón padeció hace un año. Para conmemorarlo Fumiko intervendrá “El Rey”, un trolebús ubicado a un costado del Parque España, cuya carrocería ha sido hogar de muchas obras y artistas. Simbólicamente, en esta ocasión el trolebús regresa a sus raíces, ya que fue un obsequio del gobierno japonés en los años 90. La intervención será inaugurada el 11 de marzo y corre a cargo de Garros Galería.

Vértigo galería (Colima 23 Loc. A, colonia Roma Norte).

Para más información visita: www.garrosccr.com

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画 映 い し ら 晴 最新の素 buenas nuevas cine

Masao Adachi

El cine revolucionario de los 60 en Japón

Durante los años 60 se vivió un momento histórico como ningún otro: la sociedad se estaba transformando en todo el mundo y la revolución era evidente. Masao Adachi vivió y construyó este momento en Japón. Cineasta independiente, artista experimental y una de las figuras más representativas de la escena underground, la obra de Adachi (censurada por muchos años en Japón) abarca diversas disciplinas, pero es en el cine –ya sea como director, guionista o actor– donde se consolidó como artista. Durante la pasada edición de FICUNAM (23 febrero - 1 de marzo) se llevó a acabo una retrospectiva de Masao Adachi, en la cual se mostraron algunas de sus obras más representativas, Prisionero/terrorista, Guerilla estudiantil femenina, entre otras. Cabe destacar el diálogo entre el director y el historiador de cine político GoHirasawa, donde se discutió la militancia y el impacto del cine revolucionario. Además, GoHirasawa presentó su libro acerca de Adachi el cual fue editado por la UNAM y forma parte de la Colección CUEC- FICUNAM. Este libro ya está disponible en librerías de nuestro país.

楽 音 い し ら 晴 最新の素 buenas nuevas música

Vive Latino 2012 C a z a d o r e s d e ta l e n to

Cada año, la cantidad de festivales que acontecen en México aumenta considerablemente. Sin embargo, ninguno podrá igualar la trayectoria del Vive Latino, que además de ser un festival, se ha convertido en una celebración entrañable que este 2012 festeja su 13va edición.

Sin lugar a dudas, la importancia del Vive Latino es enorme, y prueba de ello es que varias generaciones de todas las tribus urbanas se hermanan durante tres días para escuchar las mejores propuestas de Iberoamérica, y justo esa energía provoca que bandas de todos los géneros y lugares busquen tocar en alguno de sus escenarios. Con un cartel tan grande, es fácil olvidar que además de las bandas estelares, el Vive Latino también es una oportunidad para escuchar a las bandas del futuro, o como dice Adrián Dárgelos de Babasónicos “para estar en la vanguardia del entendimiento”. En Marvin nos dimos a la tarea de seleccionar a las bandas que a nuestro juicio, no te debes perder este Vive Latino. ¿Los criterios para escogerlas? Que además de ser bandas emergentes, posean un talento musical único y promisorio. Visita www.marvin.com.mx para escuchar lo que Antoine Reverb, Astro, Black Tide, Brainkiller, Capo, Mal'akh, Perrosky, Suave as Hell o Triciclo Circus Band (entre otras) tienen que ofrecer en este Vive Latino 2012. 文 T X T : : V icente J á uregui .

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BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte.

ESTILO Lo último en tecnología.

GADGETS Tendencias actuales.

ピンク・フロイト

36 PINK FLOYD E L M I T O D E T R Á S D E T H E WA L L

Música

COORDENADAS. Nuevos talentos musicales. #NewKidInTown La moneda del hype tiene dos caras.

Ventilader. Contra la mentalidad shuffle.

Crystal Antlers. Tormentas de nieve y psicodelia en Vancouver.

Memoryhouse. Entrevista exclusiva para Marvin.

Shugo Tokumaru. Entre la fantasía y la genialidad.

De Japón con amor.

J-Pop. Música amarilla para las masas Ryuichi Sakamoto. Más allá de la música, la magia y el ruido.

Japón en 27 álbumes.

El santuario del bonus track.

I’m Big In Japan. Músicos mexicanos en Japón.

DE CULTO. Cornelius, gracias por la magia.

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CINE

Ozu San. El buda de los cineastas.

Animación se dice Ghibli.

DE CULTO. Cinemanga. Cuando la historieta se lee a 24 cuadros por segundo.

ARTE

CÓMIC DE CULTO. Obsesiones japonesas ¿Una pesadilla americana?

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LITERATURA

Haruki Murakami. Un rockstar de las letras.

Honne/Tatemae.

DE FONDO

El camino más corto hacia el oriente.

COLUMNAS

Bajo presupuesto.

Mi sex symbol japonés.

Por Hugo García Michel.

Off The Record.

Colillas en Tokio y abejitas en Londres. Por A. A. Gore.

Hablo porque tengo boca.

Donde el metal se vive ordenadamente.

Por Chico Migraña.

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RESEÑAS

MÚSICA 70/ LIBROS 76/ CINE 78

MODA

Tribus urbanas de Japón.

Akuma no kaze.

FOTORREPORTAJE

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EL PILÓN. Entrevista a Ayano Iwata. Mama-san de hostesses clubs.

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DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com RESPONSABLE WEB DANIEL PATLÁN patlan@revistamarvin.com APOYO WEB VICTORIA KARMIN karmin@revistamarvin.com APOYO WEB Pablo Ponciano WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com

FLOYD 99 PINK JAPÓN MVN

MARZO 2012

COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com Foto Alejandro Otaola y Toni François.

TRADUCCIÓN AL JAPONÉS TOMOKO YASHIRO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Citlaly Aguilar Sánchez, Luis Arce, Carlos Bolado, Manú Charritton, David Cortés, A. A. Gore, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Daniel Herranz, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla, Hugo García Michel, Leonora Milán, Chico Migraña, Marco Antonio Patiño, Jesús Sánchez, Rafael Toriz, Mario Villagrán y Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp.

C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx

CARTA editorial

編集者便り

Pero, ¿por qué demonios quieren que esta nueva Marvin se lea al revés?

–Pregunta desconcertado Arturo García, nuestro fiel impresor y responsable de que cada número de Marvin llegue en perfecto estado a tus manos. La respuesta es tan breve y sencilla como la estructura de un haiku: porque está dedicada a Japón, y allá, las revistas se leen así. Desde hace más de un año, la idea de hacer un número especial sobre algún país nos parecía muy atractiva, pero de entrada la primer dificultad era estadística, ya que en el mundo existen casi 200 naciones que podrían ser exploradas editorialmente. Cuando regresó de su viaje por Japón, Borges ofreció una conferencia en la cual habló sobre la complejidad de la cultura japonesa: “Yo no podré resolver ningún enigma, ya que el Japón es un enigma para mí. Pero un enigma que puede ser encantador”. La cita viene al caso porque fue justo ese carácter misterioso lo que nos sedujo de Japón, un país que hemos estereotipado con adjetivos raquíticos, que no hacen sino delatar nuestro igual de complejo aturdimiento occidental. Del art rock de Ryuichi Sakamoto y Cornelius hasta la supuesta banalidad del J-pop, pasando por los mundos paralelos creados en Studio Ghibli, el realismo mágico de Haruki Murakami o el fervor con que los japoneses experimentan la moda, esperamos que este peregrinaje virtual deje abiertas tantas incógnitas como las que hasta hoy aquejan a Arturo, quien intrigado, decidió inscribirse a clases de japonés con nuestra traductora Tomoko Yashiro, para leer esta edición correctamente.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA

- Vicente Jáuregui.

AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com

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Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte / Editor Responsable Luis Vicente Jáuregui Chagollán.

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