Revista Marvin 98:: Cartoon!

DIRECTORIO

PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@revistamarvin.com EDITOR EN JEFE VICENTE JÁUREGUI vicente@revistamarvin.com PUBLISHER TONY ROMAY tony@revistamarvin.com DIRECCIÓN DE ARTE ABRAHAM BELTRÁN bran@revistamarvin.com DISEÑO GRÁFICO ANGELIKA BARBEYTTO angelika@revistamarvin.com COORDINACIÓN EDITORIAL Y WEB JIMENA GÓMEZ jimena@revistamarvin.com RESPONSABLE WEB DANIEL PATLÁN patlan@revistamarvin.com APOYO WEB VICTORIA KARMIN karmin@revistamarvin.com APOYO WEB ALEXANDRA STEVENS alexandra@revistamarvin.com WEBMASTER ERNESTO MAGAÑA ernesto@revistamarvin.com RP Y PUBLICIDAD DELHY SEGURA delhy@revistamarvin.com COORD. COMERCIAL Y ALIANZAS JEANINNE RODRÍGUEZ jeaninne@revistamarvin.com ADMINISTRACIÓN Y SUSCRIPCIONES EMMANUEL CORTÉS emmanuel@revistamarvin.com DISTRIBUCIÓN CARLOS GONZÁLEZ MARTÍNEZ carlosgm@revistamarvin.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com MARVIN TV PABLO SEGOVIA pablo@lphantfilms.com

/ CARICATURAS 98 RADIOHEAD CARTOON! MVN

FEBRERO 2012

CARTA editorial

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA

Se trate de La pantera rosa, Mazinger Z, Bob Esponja o Beavies and Butt-head; las caricaturas tienen el poder de disolver las barreras generacionales. Sin importar nuestra edad, sexo, nacionalidad o condición social, es muy posible que nuestro primer tema de conversación haya sido originado por la fascinación que ciertas historias y personajes nos causaban. Como pocas expresiones culturales, las caricaturas delinearon nuestras primeras complicidades en la infancia, además de modelar las memorias que permanecerán durante toda nuestra vida. Con ello en mente, ahora decimos sin temor a equivocarnos: “Desconfía de aquellos que renieguen del valor de los dibujos animados”

Pasando a lo musical, Radiohead es una banda que durante dos décadas ha vinculado a tres generaciones con su música, aunque quizá lo más sorprendente de esa hazaña es haberlo logrado mediante álbumes crípticos y arriesgados. Su tercer visita a México nos emociona mucho, y para celebrarla preparamos una radiografía con las anécdotas e historias detrás de sus ocho discos de estudio. Para entrar en sintonía con esta edición dedicada a los dibujos animados, la idea de caricaturizar a Radiohead parecía divertida y adecuada, sobre todo después de conocer el trabajo de David Llamas, un artista español con un estilo muy característico que podrás apreciar en nuestra galería de arte. Por último, en este número inauguramos #NewKidInTown, una sección con argumentos “a favor” y “en contra” del músico más hypeado del mes.

AGUASCALIENTES LIC.BLANCA A. JIMÉNEZ blancaajr@hotmail.com

- Vicente Jáuregui

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Citlaly Aguilar Sánchez, Martín Ángeles, Luis Arce, Manú Charritton, Arthur Alan Gore, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Jesús de León, Alejandro Mancilla, Hugo García Michel, Marco Antonio Patiño, Pablo Ponciano, Jesús Serrano, Paola Tinoco, Rafael Toriz, Mario Villagrán y Regina Zamorano.

CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo Flores, Juan Carlos Hidalgo, Leonora Milán, Humberto Polar, Nacho Rettally, Rafael Toriz, Carlos Verástegui.

RESPONSABLE DE DISTRIBUCIÓN Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calzada de Tlalpan 572, desp.

C-302 Col. Moderna. C.P. 03510. Benito Juárez, México D.F. Tel: (0155) 5618 8551 Mail: jnuno15@yahoo.com.mx

PUEBLA RICARDO CARTAS FIGUEROA ricardocartas@revistamarvin.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@revistamarvin.com PACHUCA NAYELY OLVERA nayely@revistamarvin.com MONTERREY NICOLÁS CHAPA nicolas@revistamarvin.com GUADALAJARA JUAN CARLOS BASURTO jcgbasurto@revistamarvin.com

CONTACTO MARVIN

Cozumel #61-4. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@revistamarvin.com Suscripciones: suscripcion@revistamarvin.com www.marvin.com.mx MARVIN es una publicación mensual de Milvoces, S.A. de C.V. con domicilio en Calle Cozumel, 61 int. 4, Col. Roma Norte, C.P. 06700, Delegación Cuauhtémoc, México D.F. Tel/Fax:: (55) 1998 0808/1818.

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD. IMPRENTA COMPAÑÍA IMPRESORA EL UNIVERSAL Allende 176. Col Guerrero. México DF. Tel. 5117 0190

Titulo de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte / Editor Responsable Luis Vicente Jáuregui Chagollán.

Edición 98 correspondiente a: FEBRERO 2012. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Titulo y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2011-100610180100-102. MARVIN es una Marca Registrada.

CONTENIDO

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BUENAS NUEVAS Noticias de música, cine y arte.

GADGETS Lo último en tecnología.

ESTILO Tendencias actuales.

Música

#NewKidInTown La moneda del hype tiene dos caras.

COORDENADAS. Nuevos talentos musicales.

Standstill. Vida y muerte en tres actos.

Liquits. Menos psicotrópicos y más amorosos.

Austin TV. Quedarse es vivir.

Dresden Dolls. Fundamentalmente, una banda en vivo. of Montreal. Entrevista con Kevin Barnes.

Lana Del Rey. 53 preguntas sobre Lana Del rey Los campesinos! Alcohólicos y melancólicos.

WU LYF. Bienvenidos al heavy pop.

The xx. Ojos tachados y paños oscuros.

AIR. Nuevo viaje a la Luna.

40 RADIOHEAD

EL ROMPECABEZAS QUE CAE EN SU LUGAR CORRECTO 52

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DE CULTO. Bandas animadas de ayer y hoy.

CINE

Sergio Pablos. El oficio de animar.

DE CULTO. McDull, la fiebre porcina que invadió Hong Kong.

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ARTE

Eastside Culture Crawl Festival.

15va edición del corredor de artes visuales de Vancouver.

Peter Kuper. El instante de la contemplación.

Galería. David Llamas, hiper identidad.

DE CULTO. Peter MaCarthy, perversión animada.

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DE FONDO

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Dibujos desanimados.

La educación sentimental.

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COLUMNAS

Off The Record.

Maldito sea el bastón de Gigi.

Por Arthur Alan Gore.

Bajo presupuesto.

Las caricaturas me hacen llorar.

Por Hugo García Michel.

El cuaderno amargo.

El libro electrónico y sus bemoles.

Por Paola Tinoco.

RESEÑAS

MÚSICA 70/ CINE 78/ Libros 76 EL PILÓN. Humberto Velez.

Actor de doblaje de Homero Simpson, Peter Griffin, Winnie Pooh y Profesor Fansworth.

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CONTENIDO WEB

C O L U M N A

El dreamatorium de Chema Solari El dreamatorium de Chema Solari Las series de televisión más esperadas del 2012.

T odos los d í as a las 2 pm

#HayUnaAnimacionEnMiSopa Cortos animados para abrir el apetito.

esencia LA

marvin

última Esencia Marvin del año llegó con una de las mejores noches que han visto los miércoles.

Vicente Gayo y Beach Fossils fueron los encargados de cerrar el año con un ambiente energético, en el cual sólo se podía hacer una cosa: bailar.

Fotos, reseña, podcast y videopodcast en www.marvin.com.mx/esencia

F O T: : D A N I E L PAT L Á N .

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a noche empezó con un set poderoso a cargo de los Vicente Gayo, quienes tocaron nuevo y no tan nuevo material. La mezcla de sonidos análogos y math rock, resultó ganadora para los satelucos. Con un audio increíble presentaron uno de los shows más propositivos e interesantes que la escena tiene para ofrecer. La espera valió la pena para tener (por fin) a Vicente Gayo en una presentación esencial. Y para cerrar la noche se presentó Beach Fossils, la teen band de las texturas (¡ay! ¡ay¡ ay!), que sorprendió a muchos y muy deseosos fans que se dieron cita en El Imperial –incluso horas antes de que se abrieran puertas–.

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Cerramos el año de manera espectacular, después de haber impulsado la escena independiente nacional durante un año más, y presentar algunas joyitas internacionales poco bookeadas en nuestro país. Queremos agradecer a todas las bandas que gustosas tocaron para ustedes, y especialmente al Imperial. Finalmente, les compartimos que este año tenemos varias sorpresas, así que estén pendientes porque este 2012 viene con mucha música en vivo para compartir.

buenas

cine

nuevas

La Cineteca se pone guapa SEDES ALTERNAS.

La Cineteca Nacional comienza este 2012 con el arranque del "Proyecto de ampliación y renovación del espacio de exhibición y resguardo cinematográfico", lo cual no significa que nos quedaremos sin disfrutar de una de las ofertas de programación más completas e interesantes de la Ciudad de México: desde el 16 de enero y hasta el mes de agosto, Cineteca Nacional traslada su programación a ocho sedes alternas.

Lumiere Reforma Río Guadalquivir 104, Col. Cuauhtémoc.

The Movie Company Av. San Jerónimo 263, Col. Tizapan.

Sala Molière del IFAL (Instituto francés de América Latina) Río Nazas 43 Col. Cuauhtémoc.

Cine Lido Centro Cultural Bella Época. Tamaulipas 202 esq. Benjamín Hill. Col. Condesa.

Auditorio de la Biblioteca José Vasconcelos Eje 1 Norte esq. Aldama, Col. Buenavista.

Centro Cultural Tlatelolco Ricardo Flores Magón 1, Col. Nonoalco-Tlatelolco.

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CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica) Calzada de Tlalpan 1670, Col. Country Club.

Auditorio del Museo de Arte Carrillo Gil Av. Revolución 1608, esquina Altavista, Col. San Ángel.

Para más información sobre horarios y funciones escanea el código o ingresa a www.marvin.com.mx

Cirque Cirque du du Soleil Soleil

Croma Fest

La película en 3-D

El festival de la Industria multimedia

Paramount Pictures y el Cirque du Soleil anunciaron –el pasado mes de enero– la noticia de la realización cinematográfica del Cirque du Soleil Worlds Away. Con la pluma y dirección de Andrew Adamson y la producción de James Cameron, esta cinta promete retratar algunas de las interpretaciones artísticas y acrobáticas más complejas con todas las ventajas del 3-D. Aunque es muy pronto para hacer cualquier predicción sobre esta cinta, la idea de unir la icónica estética del Cirque du Soleil con la experiencia 3-D suena bastante interesante. Cirque du Soleil Worlds Away llegará a las pantallas este año.

Más de 30 artistas, desarrolladores y empresarios ayudarán a que el Croma Fest haga se debut del 13 al 19 de febrero. Apostándole a la animación, los efectos visuales y los videojuegos, el Croma tiene preparados siete días de intensa actividad multimedia y participaciones de algunas de las figuras más relevantes de este campo. Cabe destacar las participaciones del columnista y especialista en videojuegos, Gonzalo Frasca y del colectivo italiano MantraMare, que realiza animación en tiempo real con experimentación sonora.

Para conocer todos los detalles y horarios de este festival visita www.cromafest.com

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buenas

nuevas

ARTE

Christian Christian Jankowski Jankowski Llanto por la marcha de la humanidad

Tomando como base las estrategias de Televisa, el artista alemán Christian Jankowski desestabiliza el discurso mediático de la brillante empresa mediante una mordaz intervención. Al subrayar la imagen de la realidad que la compañía desea proyectar, se develan las paradojas e ideologías que existen detrás de ella.

Del mismo modo, el artista indaga en los archivos de la Sala Siqueiros y saca a la luz las historias no contadas del muralismo y sus protagonistas. Esta exposición valiosa y analítica, que sin duda toca temas pertinentes para los nacidos en esta geografía, estará abierta al público hasta el 2 de abril del 2012 en la Sala de arte público Siqueiros (3 Picos 29, Polanco).

Ecofest Ecofest Vida y cultura sustentable El próximo sábado 10 y el domingo 11 de marzo, la tercera edición del festival más verde de México, el EcoFest tendrá lugar. Con opciones de productos y servicios sustentables para todos, este festival viene a pintar de manera práctica un nuevo panorama para las más de 40,000 personas que asisten, las cuales también podrán asistir a distintos talleres y conferencias, que van desde lo meramente ecológico hasta actividades culturales como el performance y exposiciones.

Para más información visita www.laspáginasverdes.com/ecofest

Las Las Américas200 Américas200 exposición de Lluis Masachs

Dentro de su programa género y derechos, el Centro Cultural España presenta esta muestra que permite entender la evolución de las repúblicas americanas durante el siglo XX, con un eje centrado en la contribución de las mujeres en la creación de lo que ahora conocemos como América Latina. Lluis Masachs nació en Amer en 1980, y se dedica a la realización audiovisual y multimedia para obra y publicidad.

Las Américas 200 estará en el Centro Cultural España hasta el 26 de febrero.

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GADGETS::

Olloclip

El gadget del iFotógrafo profesional El iPhone tiene muchas virtudes, lamentablemente el poder’o de su c‡mara no es una de ellas. Esto puede solucionarse de manera sorprendentemente sencilla con un Olloclip.

Este ingenioso gadget es un lente que combina un fish eye con un gran angular y macro perspectiva y est‡ especialmente dise–ado para adaptarse al iPhone, de modo que con tan s—lo colocarlo ya est‡ listo para usarse. El Olloclip es el gadget perfecto para el iFot—grafo que no se conforma con instagramear sus pics.

Ordena el tuyo en http://olloclip.com

Popularis Optimus Mil teclados en uno

Cada quien tiene sus propias man’as para usar un teclado. Algunos no imaginan un mundo sin "manzanita" Z y otros siguen sin saber qu significa ese s’mbolo que se encuentra en la tecla de F4; sea cual sea el caso, todos lo usamos de distinta manera.

Popularis Optimus es la personalizaci—n tecnol—gica llevada a un estœpido y sensual extremo. Gracias a que se puede asignar cualquier funci—n a cada una de sus teclas (minis pantallas LDC con una resoluci—n de 64x64, que pueden proyectar cualquier imagen) este teclado es literalmente mil en uno. Ya sea para dise–o, web, programaci—n, o redes, este teclado hace cada tarea mucho m‡s pr‡ctica, divertida y colorida.

Pero claro, todos estos adjetivos no salen baratos; el Popularis Optimus tiene un valor de $1086 d—lares. www.artlebedev.com

Playstation Vita

Llega a México

El sucesor de PSP -y peor miedo del Nintendo 3D- el Playstation Vita por fin llegar‡ a Latinoam rica, el d’a escogido ser‡ este 22 de febrero.

Y seguramente muchos de ustedes ya saben todo lo que hay que saber de esta esperada consola, pero de todos modos perm’tanme enumerar algunas de la muchas cualidades tecnol—gicas: conectividad WiFi y 3G, experiencia 3D y si ordenas el paquete Playstation Vita Edici—n Limitada, podr‡s adquirir la consola Wi-Fi, la tarjeta de juego Modnation Racers: Roadtrip, una tarjeta de memoria de 4GB y un estuche r’gido para PS Vita.

Ordena el paquete PS Vita antes del 19 de febrero por s—lo $5999.00 12

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ESTILO::

Dr. York

Óptica / galería Al reunir la —ptica tradicional con una galer’a nace el concepto de Anteojer’a.

Adem‡s de realizar examen de la vista, y poner lentes a cualquier tipo de armaz—n, una rigurosa curadur’a es utilizada para seleccionar las marcas en exhibici—n. Con una propuesta arriesgada y marcas artesanales poco o nada conocidas en M xico, Dr. York tiene un modelo espec’fico para alguien espec’fico. dr-york.blogspot.com Date una vuelta en çlvaro Obreg—n 187-B Col.Roma DF/M xico.

Jansport

Personaliza tu estilo Con la premisa de que "cada backpack tiene una historia... la historia de quien la usa", la nueva colecci—n de Jansport ofrece una combinaci—n de materiales œnicos y compartimentos frontales, para mantener bien organizadas tus cosas, as’ como una funda interna para tu laptop. Escoge entre cuatro colores distintos para personalizar tu estilo.

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Escucha a The Weekend en

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#NEWKIDINTOWN

THE

Sabemos que recibes una gran cantidad de informaci—n, la mayor’a proveniente de los miles de blogs de mœsica que a diario te dicen qu est‡ de moda y a qui n debes escuchar. En esta nueva secci—n, nos damos a la tarea de poner las cosas en perspectiva y valorar por qu o por qu no debes escuchar al nuevo chico de la cuadra. De esa manera, podr‡s decidir si quieres recibirlo en tu iPod o enviarlo a la bandeja de reciclaje.

PRO

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CONTRA

En marzo del 2011, House of Balloons fue lanzado en descarga gratuita, The Weeknd era la firma detrás de ese mixtape que de un día para otro apareció en Internet; en él se encontraban nueve canciones llenas de sexo, drogas, atmósferas y esa sensación de levantarse y no saber dónde se está, con quién se está y quién demonios se es. Los oídos comenzaron a avisparse y pronto, lo desconocido hasta hace poco se convirtió en la imagen de lo bueno y nuevo que el R&B tiene para ofrecer. En menos de 12 meses The Weeknd lanzó tres mixtapes, todos gratuitos, todos geniales. La maquinita del hype comenzó a andar y la música dejó de ser el punto focal de la discusión, y si bien sería apresurado afirmar que en el proyecto de Abel Tesfaye (hombre detrás de The Weeknd) se encuentra el futuro de un género, también es imposible negar lo que aporta a la ecuación del R&B. Este género tan abusado, toqueteado y complaciente ha perdido honestidad, todo es limpio y brillante, las letras están saturadas de problemas de ricos o clichés de amor, la música se ha calmado y casado con su baby momma y cada nota, cada sílaba, es pensada y repensada para ver si encaja en la “marca” de quien la pronuncia. En las palabras de Abel Tesfaye, en cambio, hay decadencia y una noche eterna, hay vomito en el baño de la fiesta y una chica apunto de tener una sobredosis; las drogas son duras, las mesas de cristal y las mujeres se desmayan desnudas en un piso sucio y lleno de colillas, cada suave nota pronunciada en el falsetto (a la Michael Jackson) de Tesfay y cubierta en las atmósferas creadas por los productores Doc McKinney e Illangelo, demuestran una nueva perspectiva y hacen que la música de The Weeknd sea macabra y seductora por igual; una bocanada de la mejor mota jamás probada, una que ¿irónicamente? te recuerda a un respiro de aire fresco.

Existe un principio jurídico que dice: "primero en tiempo, primero en derecho". Muy pocos dudarían de su validez; luego entonces, es el principal reclamo que hago al trabajo de Abel Tesfaye. Puede que su calidad no esté a discusión –es un cantante de gran técnica– pero antes que él han llegado James Blake, Jamie Woon y Nicolas Jaar, entre otros. Sin derecho de piso y con mucho que probar, el arrebato de elogios en torno a su figura es un desacato a la prueba más implacable: la del tiempo. Sobre la densidad de sus letras ha corrido mucha tinta –que si habla sobre drogas sin pelos en la lengua, que si sus referencias sexuales son muy explícitas–, pero cantar sobre temas tan mórbidos, requiere algo más que emular descaradamente a alguien tan pusilánime como Michael Jackson. Y sobre atascar los falsettos con auto-tune... bueno, sólo diremos que fue Cher quien lo puso de modita.

Por otra parte, Abel parece aprovechar esa insólita forma de retorcer el soul y el R&B y entreverarlo con despuntes electrónicos; incluso parece apegarse a una fórmula ya experimentada que ha dado muy buenos resultados. También habría que señalar si las amistades con las que colabora te atraen. A mí me ocurre lo contrario con Drake (quien sueña con ser el nuevo Kanye). Tampoco me hace gracia que decida recrear “Dirty Diana” (otra vez Michael Jackson), sin ironía alguna en Echoes of Silence. Al momento de aparecer en el mercado lo envolvió el misterio y la sorpresa –que se van diluyendo gradualmente–, pero Tesfaye aún no sabe si dejarse llevar por el oropel o tirar por el lado más denso –que también lo jala–. Demasiada celebridad de microondas para alguien que apenas rebasa la veintena. En la sociedad del espectáculo, el talento precoz es el pasaporte infalible al éxito –siempre y cuando se acompañe de algo de talento–.

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

T X T: : J UA N C A R LO S H I DA LG O.

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COORDENADAS::

Los

NEGRETES

TXT:: ALEJANDRO MANCILLA.

Un tanto olvidados por los medios mexicanos (pero no por Marvin), este combo ha recibido elogios de la prensa de Francia, España y Brasil, gracias a ese punk callejero que muchos han puesto en el mismo cajón que Mano Negra.

Con elementos de rock urbano y esa pequeña dosis de salvajismo experimental que tanto se agradece, su música evoca ciudad, blues y punk primitivo –sin pose–. En sus canciones queda claro que las grabaciones lo-fi son un ingrediente esencial para su estilo, áspero y rancio por naturaleza.

Momentos importantes en la trayectoria del grupo: Tocar en el Vive Latino, salir en un documental de OnceTV, ganar el premio IMAS a Disco punk del año y ser nominados a los premios UFI en España.

La peor definición que han escuchado de su música: Que son una banda de garage.

Para ellos el punk es: “Parte vital de la banda y el eje desde donde nace nuestra música.

El punk ha perdido su esencia, hay mucho pseudo-punk basado sólo en la vestimenta”.

5 discos o canciones básicas para Los Negretes: Velvet Underground - White Light / White heat, Sumo - Divididos por la felicidad, Tom Waits - The Heart of Saturday Nights, Los Saicos – “Come On / Ana”, Woody Guthrie – “This Land is your Land”.

Próximos proyectos: Nuevo EP y gira europea para mayo del 2012.

Discografía: Los últimos diez minutos de María Duval (2008) y Mexico City Blues (2010).

Dibujos animados recomendados por Los Negretes: The Amazing Chan and the Chan Clan (Hanna Barbera). www.losnegretes.com Los negretes

@losnegretesdf los-negretes

Daniela Romero, aka Danipop, es una chica norteña (Ciudad Victoria) que desde el 2003 hace música intimista con una fuerte carga folkie. Para describir su sonido hay que rastrear sus influencias, que van del rock y la canción francesa hasta el pop.

En las canciones de Dani puedes encontrar pequeños paisajes de la vida, viajes, el amor y la belleza de las cosas cotidianas, todo en una constante búsqueda. Digamos que sus letras son un viaje ensoñador por la provincia, y como en estos tiempos los boletos de avión son tan caros, se agradece el vuelo.

Tres discos importantes: Nacho Vegas - Actos inexplicables, Beirut - The Flying Club Cub, Refree - La Matrona.

Obstáculos que ha enfrentado: “Coordinarme con las personas que han colaborado en el proyecto es complicado, ya que no me dedico al 100% a la música ¡buh!”.

Proyectos que vienen: Editar el disco Viajeros infinitos y escribir letras sobre mi nueva etapa de vida.

Alguno de tus héroes es: Alejandro Jodorowsky.

Discografía: Acoplado independiente del cómic Kid H con la rola "Adiós", acoplado homenaje al pop español de Pop Robot con la rola de “Maga”, acoplado de Action Grrrl cómics Caricaturas favoritas: Los Caballeros del Zodiaco. “Odiaba Dragon Ball porque, según yo, era la competencia de los Caballeros”.

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Seekers Who Are Lovers es Ángel Sánchez aka Antiguo Autómata Mexicano. Todo comenzó en Monterrey en el 2005 “sampleando discos rayados de 45 rpm, con frases de canciones prestadas-robadas, en una onda romántica de noise ambiental” –según nos cuenta Ángel–.

La banda tomó su nombre de una canción de Cocteau Twins, y aunque originalmente casi todo era cut & paste, decidió retomar el formato de canción original para no tirar por la borda sus raíces como songwriter. Un buen proyecto que ha recibido excelentes críticas por parte de medios internacionales como Pitchfork. ¡Que viva el glitch!

Discografía: You Are The Pride Of Your Street, Soundsister Records, 2006.

Proyectos: Un disco de versiones de Roxy Music. “Me inspira Brian Ferry convertido en Rick de Casablanca”. Hacer una versión de Berlanga cuando grabó “Indicios de arrepentimiento” sintiéndose Carlos Jobim y Juan Gabriel.

Influencias: Desde la canción ranchera hasta la electro balada, pasando por el crooning y los músicos setenteros románticos y sensuales.

Videos: Eréndira Ibarra, la guapa actriz de Las aparicio, es la modelo que aparece en el video “Blended By”. ¡Qué suertudo!

Caricaturas que lo marcaron: Señorita Cometa –que no es una animación en realidad–, los Thunderbirds y Peanuts. swalmusic Comenzaron en el 2007 con la intención de capturar lo que sus “pretenciosas cabezas decían” comenta Ángel (voz y guitarra del grupo defeño). Quizás por esas voces interiores tomaron el nombre del personaje central de El guardián entre el centeno (J.D. Salinger), libro de cabecera del asesino de John Lennon (y del stalker de Jodie Foster). Lo cierto es que el grupo y sus canciones mitad pop shoegaze y mitad post-punk, pertenecen al rock que se toma muy en serio, pero sin poses inncesarias y sí con canciones de buena manufactura. Puedes escuchar al grupo en la serie Bienes raíces (Canal 11). A seguirlos...

otrasmusicas.tumblr.com/swalmusic @antiguoautomata www.valevergasdiscos.com

Discografía: Ideas para comprar producido por Daniel Gutiérrez de La Gusana Ciega.

Influencias: The Zombies, My Bloody Valentine, Roxy Music, Magazine.

Tres discos básicos: Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn, My Bloody Valentine - Loveless, The Stone Roses - The Stone Roses.

Caricaturas básicas: Charlie Brown y La Pantera Rosa fueron importantes, pero consideran que Los 101 Dálmatas es una obra de arte. /holdenmx

@HoldenMx

holdenmx

holdenmx

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Artistas similares: King Crimson The Mars Volta

Pink Floyd

MÚSICA:: El cambio de idioma era necesario y evidentemente eso me puso en el escaparate. Ahora pienso mucho más cada palabra que escribo porque debo tomar muy en serio mi papel.

Vida y muerte en tres actos

En términos de producción, ¿cuál es la diferencia entre los elementos que conforman este trío?

EM: El primer EP es abstracto y experimental.

Suena añejo, casero; su universo es cerrado.

Los otros son más de canciones “comunes”.

Hay que escuchar cada disco enteramente para entender cómo se va desarrollando todo, pues si los escuchas fragmentados puedes extraviar ciertos elementos que vale la pena atender. Es un hecho que se trata de un trabajo totalmente distinto a los que hemos hecho previamente ya que antes cada canción podía entenderse por sí misma, no requería de un contexto, como ocurre esta vez. Ahora todo está supeditado a la historia que planteo. ¿Te gustan los viejos álbumes conceptuales, pretendías emular alguno en especial?

EM: Por un lado me gusta que existan trabajos profundos, poseedores de una coherencia global; y por otro me causa un tanto de rechazo, pecar de grandilocuencia. Pink Floyd me provoca esa sensación ambivalente, me atrae escuchar su trabajo porque cuenta con una planeación muy bien estructurada, pero también siento un poco de rechazo hacia él.

T X T: : A L E JA N D R O G O N Z Á L E Z C A ST I L LO.

ENRIC

Montesfusco habla quedo y pausado, cuesta trabajo creer que se trata del mismo tipo que expone sus vísceras cada vez que Standstill, el grupo que comanda, se presenta en directo. Pareciera que el cantante esconde algo detrás de sus palabras, pero no hay tal; está feliz de comunicar que trae entre manos Adelante Bonaparte, un EP triple de osado concepto y atractivo empaque: “se trata de tres actos que requieren de técnicas narrativas distintas a las que ofrece un CD o un LP normal, pues son universos distintos entre sí. Más allá de que la gente prefiera los formatos inmediatos –impuestos por los avances tecnológicos– en Standstill intentamos escapar de la inercia; incluso hemos editado estos tres discos en vinil”. ¿Cuál es la historia que narra esta trilogía?

Enric Montesfusco: Como compositor necesitaba hablar sobre la sensación de ser padre y todo lo que eso supone, así que cuando escribí

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las canciones que conforman los discos, espontáneamente recordaba momentos de mi infancia y juventud; los actos que al final me llevaron a vivir lo que ahora me sucede. A través de tres etapas vitales intento explicarme a mí mismo por qué está ocurriéndome esto.

La primera canción del primer disco relata la muerte de mi padre, y en el último track defino que quiero convertirme justamente en eso, en padre: se trata de una muerte y un nacimiento virtuales.

No es simple hablar de la muerte y la vida.

Quizá antes, cuando escribías canciones en inglés, lo que pretendías era eludir esta clase de temas, esconderte en un idioma ajeno.

EM: Solía interpretar en inglés porque todos en el grupo éramos muy inocentes; queríamos sonar como los artistas que nos gustaban entonces, cuando éramos muy jóvenes. Con el tiempo entendimos que expresarnos lo mejor posible, sin fachadas, es importante.

¿No sentirán lo mismo los escuchas de Adelante Bonaparte?

EM: Yo creo que la complejidad no es sinónimo de dificultad digestiva. No hemos hecho un disco duro de tragar, no tiene un tono grave ni solemne; al contrario, este trabajo es de lo más cercano y frágil que hemos creado.

Incluso las letras son bien directas. Hay un equilibrio que hace que los discos no se alejen del escucha.

Respecto a la distancia, y para finalizar, ¿cómo ves tu natal Barcelona desde México? ¿Cuál es la influencia de ésta ciudad en la música de Standstill?

EM: Desde México alcanzo a ver un poco qué es lo que sucede; por un lado, Cataluña y Barcelona son sitios donde hay una tradición flamenca muy arraigada, con toda la cultura mediterránea, pero también se está muy conectado con la vanguardia europea. Esto nos estimula como artistas, a Standstill especialmente, porque hemos aprendido a forjar un camino propio en el cual encontramos una identidad lejana de los universos cerrados de las etiquetas y la música globalizada. M

Artistas similares: Ween

Men

T X T : : Pa b lo P onc i ano .

En

la década de los noventa, tres mexicanos que no tenían discos ni sello, tocaron en un escenario en España.

Un asistente se acercó y les comentó que su sonido era similar al de Ween, les obsequió un disco de dicha banda para que entendieran de lo que estaba hablando y, en ese instante, comenzó el viaje hacia el “rock pop psicodélico empeyotado”.

Ansiosos, contactaron al productor de ese álbum, Andrew Weiss, ex bajista de los Rollins Band y coproductor de aquel sonido místico que solían tener los Babasónicos. En 2001, Los Liquits lanzaron su primer LP: Karaoke.

Siguieron Jardín –producido en su mayoría por Meme– y Perfume Pantera, que solidificaron el sonido del grupo. De pronto, llegó el incomprendido Kimono en llamas; este trabajo, en palabras de Edi, el bajista: “es un disco conceptual que abre la caja de pandora, envuelve todo el surrealismo que hicimos de niños, es un álbum no apto para abstemios. Al terminar con nuestro sello, no hubo limitantes, fue un capricho que nos quisimos dar”.

Su nuevo material, Ven, Ven, sale a la venta en febrero de este año y cuenta con las participaciones de Joselo, Natalia Lafourcade y Julieta Venegas, nuevamente bajo la producción de Weiss, Edi comenta: “nos agrada su forma de trabajar, pues nos da libertad total, tanto técnica como creativa”.

“Sentimos que cerramos un ciclo con el Kimono y es emocionante iniciar

esta nueva etapa con el mismo productor.

Creemos que le saca la verdadera esencia al grupo. Caímos en un lugar cómodo, ya que después de estos cinco discos, este último define ese sonido que tanto buscamos, es una mezcla, un color. Este es el primer año de los siguientes diez”, concluye el bajista.

El ambicioso trabajo los llevó a experimentar con el bolero en un tributo a Los Panchos, y a utilizar instrumentos como el trombón y un piano con pedalier.

Ro, guitarra/voz, define a Los Liquits como “un grupo camaleónico”: “no nos tentamos el corazón a la hora de hacer las cosas, si una canción nos suena a que tiene que ser un bolero, se debe hacer así. No estamos definidos en un solo estilo, no somos rock, pop o ska; es como jugar con distintos amigos todo el tiempo”.

Edi agrega: “entendimos que para bailar no hay que correr. Nos gusta también poder tocar canciones que te hagan mover la cadera. Andrew les da un sonido psicodélico y salvaje; queríamos que estas rolas de esencia simple, tuvieran un arreglo que nos llevara a experimentarlas de una manera más arriesgada”.

Sus letras se caracterizan por estar llenas de subjetividad y relativismo, basta con darle una escucha a canciones como: “Chícharos mágicos” y “Oso carpintero”.

En esta etapa, los músicos aseguran que han dejado a un lado el peyote para darle un nuevo giro a su discurso, y en ese sentido el bajista

os p

sico

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pic

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Café Tacvba

más

amo

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Los Panchos

os

declara: “hemos estado enamorados y hemos sufrido por ello, con esa intensidad de vivir la vida, la música y el baile (…), creemos que está chido no forzarnos a seguir hablando de las mismas cosas, pues plasmamos nuestras vivencias en las canciones como un retrato de lo que vamos asimilando, aún así no hemos abandonado el surrealismo y el buen humor”.

Su trabajo va más allá de los escenarios. Recientemente fueron invitados para componer las canciones del programa animado, Jelly Jam: “es un mundo en donde la música es el pilar de todas las cosas, y cuando deja de sonar, la vida se detiene. Me gusta porque tiene que ver con lo que soñábamos de niños”, platica Edi y emocionado, agrega: “somos muy apegados a las caricaturas, me encantan El pájaro loco y Bob Esponja, debido a su incoherencia y locura; un lugar en donde cualquier absurdo puede suceder”.

El gusto de Ro es distinto: “me siento atraído por el anime, esas historias fantásticas que los japoneses crean en películas como El increíble castillo vagabundo, Ponyo, El viaje de Chihiro, Akira, El castillo de Cagliostro y Totoro”.

“Son sueños hechos caricatura, y Los Liquits tienen algo de eso en muchas de sus canciones: la posibilidad de fantasear, soñar y plasmarlo como una realidad que puede existir en un mundo como el nuestro. ¡Toda esta magia almacenada en una animación te da a entender que no es algo imposible ver elefantes e hipopótamos con tutus rosas!”. M

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Artistas similares: The Album Leaf

American Football

Don Caballero

MÚSICA::

l a te e Ún Hace

10 años surgió la “televisión de Agustín”, una banda integrada por cinco músicos que igual se disfrazaban como alumnos de secundaria pública, vaqueros o borregos. Finalmente optaron por vestirse como conejos y a partir de ahí comenzó la revolución. Durante esa década, la manera en que vemos la música cambió, y bandas como Hummersqueal, Gula, División Minúscula, Sad Breakfast, Thermo, Canseco, Panda y los mismos Austin TV, afectaron de manera directa a la juventud que no pudo vivir los años dorados de Caifanes, Fobia o La Cuca.

Dentro de aquella camada de bandas –la mayoría aún vivas– Austin TV sobresale por su detallada exploración del concepto y la identidad, esas cosas raras que muchas bandas parecen olvidar.

"Hemos estado seguros de lo que hacemos sin dudar ni un momento. Cuando hay muros de contención que parecieran infranqueables, de repente encontramos la forma de sobrepasarlos. Ese es el principal problema al que se enfrentan las bandas en México: de repente no hay público ni apoyo, o quienes te apoyan terminan metiéndote el pie. Es importante entender que lo más importante es la música. Estamos

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é ej

r

o t i c

cumpliendo 10 años, cosa que nunca creímos, pero estamos igual de emocionados que al principio" afirma Fando (guitarrista).

En esta década, Austin TV ha lanzado un EP homónimo y cuatro LPs (La última noche del mundo, Asrael, Fontana Bella y Los caballeros del albedrío), y como consecuencia de editar este último en Europa, ahora se encuentran dando una gira por allá. Sin embargo y a pesar de que hoy la escena mexicana ya no tenga el entusiasmo y energía de hace un lustro, todavía tienen mucho camino por delante, como señala Rata (bajista):

“Antes necesitábamos de todos para empujarnos. Ni las estaciones de radio, ni las revistas nos hacían caso; sólo teníamos Internet para comunicarnos y eso nos unía. Después los medios comenzaron a apoyarnos y fuimos dejando la camaradería.

Muchas veces da pena u orgullo pedir ayuda, pero creo que debería ser al revés, hace falta dejar el ego y asumir que todos vivimos en el mismo país y juntos podríamos hacer cosas más interesantes".

Los caballeros del albedrío (2011), muestra a una banda madura que propone un concepto más que un personaje. Atrás quedaron el Hombre hoja y el Hombre Conejo,

Patl á n .

T : : D aniel TXT:: y FO

pues ahora el simbolismo es sustituido por lo abstracto.

“Para representar que todos somos iguales creamos un símbolo con la inicial de los nombres de cada uno de nosotros". Con lo anterior la banda exhorta a la gente a formar ejércitos, sin embargo, en este país envuelto en una ola de violencia y muerte cabe la pregunta: ¿Qué tipo de ejército propone Austin TV?

“Nosotros no somos políticos ni estamos en la insurgencia, simplemente creemos que un mundo mejor es posible y por eso los invitamos a que se unan al ejército de Los Caballeros”.

Este concepto del ejército futurista está respaldado por un álbum doble, aderezado con samplers de películas: “el cine siempre ha sido un común denominador en la vida de este quinteto –dice Rata–, con este disco hubo momentos en los que nos costaba trabajo ponernos de acuerdo. Estuvimos en el bosque aislados durante cinco meses y había discusiones entre nosotros; todas las noches poníamos una película distinta, era un momento bien chingón donde a todos se nos olvidaba lo negativo. El cine fue algo que nos unió y por eso las canciones tienen el nombre y referencias de esas películas". M

Video de esta entrevista en

www.marvin.com.mx/dresden

Artistas similares: Television Pesonalities

The Smiths

Tiger Lillies

Jane Austen Argument que nos va abrir en Australia, y sentí esa honestidad emocional con ellos la primera vez que los oí. Pero es raro, me frustro cuando salgo de algún concierto sintiéndome vacía, sintiendo que no me ha hablado a mí, es como si me hubieran dado un producto… y eso me pasa mucho más seguido que salir inspirada de un show.

There is this thing, it's like talking, except you don't talk

Fundamentalmente, una banda en vivo TXT:: LA VERDADERA APÓSTOL DE LA GRACIA

It is a measurable feeling

Sus shows en vivo tienen mucho esfuerzo y atención en ellos, ¿cuál es la sensación que intentan crear?, ¿cómo debes sentirte al salir de sus conciertos?

Amada Palmer: ¡Esa es una buena pregunta!

Cuando salgas de un concierto de Dresden Dolls, o de cualquier buen show, en lugar de llegar a casa a dormir querrás hacer arte. ¿Inspirado?

AM: Sí, pero con más energía, emocionado por estar vivo, por estar enamorado y por ser una persona.

Brian Viglione: Que cada célula en tu cuerpo esté sobrecogida con esta sensación de compartir y disfrutar con otras personas la música. Sentirse fundamentalmente menos solo, eso también es algo importante, sentir que has experimentado algo con un grupo de seres humanos y que no estás solo, que tus emociones no son sólo tuyas.

Sing for the kid with the phone who refuses to sing

Cada vez la gente está más interesada en tomar fotos, videos, que en realmente ver o escuchar lo que está pasando frente a ellos… ¿eso los frustra o les molesta?

AM: Sí, eso es un poco frustrante, lo entiendo porque la gente quiere compartir, pero se ha vuelto más loco en los últimos dos o tres años, y lo que yo he hecho para manejar o controlar esto es hablar directamente con

FOT:: CORTESÍA DE ROAD RUNNER.

el público, decirles: “por esta canción, o este siguiente set de canciones, sólo escuchen”.

Creo que la gente reacciona con una especie de alivio, de que esa responsabilidad ya no está y sólo deben disfrutar.

Nosotros somos una banda con una gran base en Internet, así que es necesario que la gente comparta fotos y videos; mucha gente nos ha conocido por los clips posteados por fans en YouTube, no por la televisión, por los medios masivos o por fotos de Rolling Stone, así que es difícil balancear estos dos fenómenos.

BV: Es parte del paradigma actual de cómo la gente comparte sus experiencias, no es algo a lo que estamos acostumbrados, y ciertamente no lo que queremos emular.

Para nosotros se trata más de estar en el momento y disfrutar lo que está pasando. ¿Qué escuchan ustedes que los haga sentirse identificados o inspirados?

AM: Acabo de ver a Jeff Mangum y me dejó esa sensación, especialmente porque la comunidad estaba muy unida ahí, se sentía como una hermosa y enorme familia comprometida con la idea del amor, por más cursi que eso suene (risas), un cuarto y una idea llena de expresión apasionada; los mejores shows provocan eso. También vi a Laurie Anderson y me sentí identificada.

A veces lo siento en bandas que nadie ha oído, por ejemplo, con mis bandas teloneras. Hay una banda llamada The

Sus letras tienen una cualidad indescriptible, tienen sentido del humor, pero también un lado oscuro, ¿han tenido algunas respuestas específicas a una canción por parte de sus fans?

BV: Sí, hay muchos fans que citan la canción “Sing”, hay algunos que tienen tatuajes con algo relacionado a esa canción. Tenemos muchos correos de fans diciéndonos que nuestras canciones realmente resuenan en ellos, que les han ayudado; es maravilloso saber que les has dado una alternativa, por medio de la música, frente a lastimarse a sí mismos. Creo que Amanda tiene un verdadero don cuando se trata de poner emociones realmente complejas en una frase.

The time has come

¿Qué sigue para Dresden Dolls?

AM: Vamos a dar una gira por Australia y Nueva Zelanda y básicamente hemos hecho giras pequeñas cada año, vamos a seguir siendo fundamentalmente una banda en vivo. Yo voy a grabar un nuevo disco de solista y eso va a ocupar la mayoría de mi tiempo este año.

BV: Yo he tocado con otras bandas y proyectos. Hay mucha burocracia por parte de la disquera para que el próximo álbum de Dresden Dolls sea lanzado oficialmente, así que permaneceremos como una banda de directos.

AM: Tengo un favor que pedirte sobre el comentario que Brian acaba de hacer sobre la burocracia y álbum; no puedes publicarlo, si la disquera se entera estaremos en severos problemas.

BV: ¿Qué? ¡No dije nada!

AM: ¡No podemos hablar sobre eso!

BV: ¡Pero es cierto! M

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MĂšSICA::

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Suena como: The Olivia Tremor Control

entrevista con

Kevin Barnes

T X T : : V i cente J á u r eg u i .

F O T : : c o r tes í a de A r ts & C r a f ts M é x i c o .

Dentro de los lineamientos del pop, siempre habr‡ manera de dar una vuelta de tuerca a sus estructuras y clich s, as’ sea con recursos de estudio, o abigarrando sus zonas de confort hacia terrenos orquestales y melod’as retorcidas.

Desde los Beatles, decir ýpopý dej— de ser algo peyorativo, y por el contrario, el legado beatle dej— abierto el reto de: crear algo excepcional desde su contexto y simplicidad.

En

plena decadencia grunge, Kevin Barnes concibió of Montreal, una banda que retomó la psicodelia cuando aún no estaba de moda, y que con discretos elementos de funk y R&B logró tejer un sonido de alcances teatrales (para el crítico Daniel Kreps, “un concierto de of Montreal es lo más cercano que el indie rock está del Cirque du Soleil). Desde hace 16 años y con 11 discos de estudio, esta banda de Athens, Georgia, viene desafiando formatos y expectativas, especialmente con Paralytic Stalks (Arts & Crafts México, 7 de febrero), un disco muy personal en el que Barnes decidió componer, producir, tocar y hasta hacer de ingeniero desde su estudio casero. Aunque su personalidad en el escenario es extrovertida, hablar con Kevin demuestra que en muchas ocasiones, la timidez termina sólo donde la música comienza.

Paralytic Stalks es un título muy peculiar para un álbum, ¿conoces a algún stalker en la vida real o es sólo un personaje ficticio?

Kevin Barnes: Se me ocurrió cuando pensaba en distintas opciones para titular el disco; me gusta que puede funcionar de muchas maneras y que tiene una cualidad misteriosa.

Siento que este álbum es muy nostálgico, suena como si lo hubieran grabado en los sesenta, ¿cómo logras ese ambiente retro en el estudio?

KB: Me encanta ese tipo de música, amo el sonido de esos discos viejos y es algo a lo que aspiro; la concepción de la música de esa época me parece muy romántica, y replicar ese sonido de hace 30 o 40 años es algo difícil y complejo. Es emocionante saber que tú y otra gente nota esas cualidades en el disco.

Hay arreglos muy complejos en el disco, incluso coqueteos con el funk en "Ye, Renew the Plaintiff". Me da la impresión de que compones mucho en el estudio.

KB: Sí, en realidad compongo mucho directamente ahí, tengo uno en mi casa y básicamente entro y comienzo a jugar con ideas, generalmente son fragmentos de 30 segundos. En lugar de componer una canción pop de estrucutra típica, siempre pienso qué podría aportar para hacerla más interesante. Si observas, la historia de la composición siempre ha funcionado así, con gente tratando de infringir las estructuras convencionales, tratando de crear canciones no tan aceptables haciendo cosas extrañas.

Ya tienen planeada un gira para promocionar este disco, ¿son la clase de banda que parrandea mucho, o dedican su tiempo libre para ir al estudio y hacer música?

KB: Es una combinación de ambas cosas, sobre todo ahora que puedes grabar con una laptop… pero también nos gusta salir, pasarla bien. En la última gira la pasamos de maravilla porque sólo teníamos que preocuparnos por subirnos en el autobús.

También hubo situaciones extrañas al estar en gira, pues al no tener tu vida real, dejas de hacer ciertas cosas, sea cuales sean….

Islands

The Fiery Furnaces

también de la gente que viene a vernos. Es muy importante para nosotros que cada presentación que hagamos se sienta como un suceso especial.

He leído que te inspiras mucho en el cine. Si pudieras colaborar con cualquier director de cine para componer un soundtrack, ¿a quién escogerías?

KB: Quizás a Pedro Almodóvar. Definitivamente me gustaría que fuese una cinta de terror, me gusta ese género. Creo que sería un reto escribir canciones con esa tensión.

Solías hacer letras bastante crípticas hasta que decidiste plasmar lo que has leído en filósofos griegos y escritores franceses. ¿Esto también ocurrió en este disco?

KB: Sí, definitivamente. Pasé bastante tiempo leyendo a William Burroughs y otros escritores de ese tipo. Me gusta leerlos porque te llevan a un espacio muy vívido.

Por último, en esta edición de Marvin preguntamos a varios músicos cuáles son sus caricaturas favoritas, ¿tienes alguna preferida?

KB: King of The Hill. También me gusta mucho Aquaman. M

“Pasé por una fase en que pensaba mucho en la muerte.

Canciones como “Scenes From My Funeral” y “Buried With Me” fueron escritas cuando mi tío estaba muriendo”.

Sus shows en vivo son una explosión de energía, algo muy influenciado por el boudeville, ¿cómo describirías este concepto a alguien que no tiene ninguna referencia?

KB: Como algo excepcional que nunca es aburrido o predecible, es un show muy apasionado y emocionante. Nos gusta elevar la existencia, no sólo la nuestra, sino

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MĂšSICA::

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Artistas similares: Nancy Sinatra

En 1986 naci— Lizzy Grant. Durante su adolescencia intent—, sin mucha suerte, recorrer los resbalosos caminos del pop. Ahora es Lana Del Rey. TXT:: JIMENA GÓMEZ. Fot:: Nicole Nodland/Universal Music.

Lizzy Grant

Fiona Apple

Suzanne Vega

Quién es Lizzy Grant? ¿Quién es Lana Del Rey? ¿Cuál de las dos es real? ¿Qué habrá sido de Lizzy Grant?, ¿sigue por ahí, cantando suaves canciones pop bajo su nuevo nombre perfectamente moldeado? ¿O su nueva y recién bautizada persona mató y sepultó los restos de aquella fallida estrella pop, llamada Lizzy?

¿Estamos frente un nuevo monstruo de la industria?; ¿la manufactura de lo hipster, cínica y descarada? ¿Tenía Lizzy Grant que cambiar su nombre, deformar sus labios y agudizar su escote, para triunfar?, ¿está la fórmula del pop tan agotada, tan manoseada que es necesario aplicar este tipo de mercadotecnia a un mercado fresco?, ¿es el target del hipster tan adicto al hype, que sólo se necesitaba una chica linda cantando melancólicas tonadas en videos a la Instagram, para conquistar sus corazones?

¿Es su pasado, oscuro y popero, testimonio de lo calculado de cada uno de sus movimientos? ¿Cuál es la diferencia entre el empaque Disney de niña buena, y el empaque hipster de sex symbol?

¿Es la música de Lizzy esencialmente distinta a la de Lana? ¿Acaso no se trata de un talento real?, ¿no es su voz suave y tersa? ¿sus letras no son precisas y directas?, ¿su música cálida e hipnotízate?; ¿me atreveré a describir su sonido como honesto? ¿Qué nos está vendiendo Lana? ¿Autenticidad? ¿Sexo? ¿Música?

¿Queremos comprar lo que sea que venda? ¿Importa el empaque?, ¿lo compramos por el empaque? ¿Por qué habría de molestarnos ahora –con ella– que la música cada vez más funcione como cualquier otro mercado de compra y venta? ¿Por qué la envoltura y relleno cremosito, de Lana es más asqueroso o atractivo que el de cualquier otro músico?, ¿acaso no todos nos venden algo?, ¿comprar un disco de Metallica no dice algo de nosotros? ¿No lo compramos, en parte, para que diga algo de nosotros?, ¿qué dice Lana del Rey sobre sus fans?, ¿tiene fans?

¿Qué dice Lana Del Rey sobre la escena?, ¿o la escena sobre ella? ¿Será que los blogs indies gringos, que empezaron a desgastar sus adjetivos para describir la música de Lana (incluso antes de sacara un álbum), son los científicos locos que crearon el hype necesario para su subsecuente éxito? ¿O su éxito (¿modesto?) tiene sus raíces en lugar más oscuro?, ¿quizás en la mente de su multimillonario padre, quien ha guiado su carrera desde los días de Lizzy Grant, o de su extenso equipo en Interscope Records?

¿Cuántos días, años les habrá tomado crear su nombre, derivado de la actriz Lana Turner y el auto Ford del Rey?, ¿quién habrá sido el de la genial idea del colágeno en los labios?, ¿será esto el inicio de una nueva tendencia?, ¿pronto nos rodearán decenas de chicas cantoras con labios enormes y lentes de pasta, todas vendiendo sus dulces baladas para caminar por Brooklyn con la mirada perdida?

¿Es injusta nuestra perspectiva de Lana? ¿Podemos negar que su música es linda?, ¿que ella es linda?, ¿que su empaque es lindo?, ¿que nos reconforta poder cantar la simple música de una chica linda, sin temer perder nuestra reputación de artista de performance, o cualquier otra actividad alternativa a la cual estemos suscritos?

¿Es esta la respuesta del mercado a las innegables banales necesidades de todos, incluso de los más hipsters? ¿Será que Lana nos causa molestia, porque nos vemos en ella?, ¿porque vemos nuestra propia farsa?, ¿nuestra propia y arraigada manufactura? ¿La discutible artificialidad de Lana, nos obliga a ver a nuestro poser interno?

¿Todo esto debería tratarse de la música? ¿Podríamos olvidar todo lo que vemos, sabemos, compramos, negamos o amamos de Lana?, ¿qué nos quedaría? ¿Talento

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MÚSICA::

Alcoholismo y melancolía TXT:: Martín Ángeles. FOT:: cortesía DE Arts & Crafts México.

ÀResaca moral, musical o f’sica? ÀQu pudo provocar el cambio en el sonido de Los Campesinos!?

Aquel grupo que irradiaba felicidad en los primeros ‡lbumes y que tantos fans les consigui—, sufri— una ligera modificaci—n hacia lo melanc—lico. Su nueva producci—n se llama Hello Sadness, y Gareth Campesino (vocalista), explica que todo se debe a su ex novia y el d’a en que decidi— abandonarlo.

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Artistas similares: Dinousar Jr.

A

meses del truene, este nuevo disco y su respectiva gira ayudaron a despejar la mente de Gareth, sin embargo, me cuenta vía telefónica que allá, en su natal Cardiff, Inglaterra, el invierno es muy difícil y no puede dejar de recordar: “acá hace mucho frío, los días son horribles, lluviosos y a veces no hay muchas cosas qué hacer, estamos en la típica época de la Navidad. Además, este lugar no tiene mucha actividad para las bandas”, dice.

No sé por qué, pero me intrigaba saber qué le gusta beber para sobrellevar el frío y los últimos residuos de su pena amorosa; imaginaba a un tipo triste, cabizbajo y decepcionado del amor, pero después de una carcajada, responde muy franco que toma “cerveza, aunque no lo creas, me gusta tomar cerveza. De hecho, la bebo todo el tiempo sin importar si hace calor o frío, creo que es la bebida perfecta para cualquier época del año”.

Adiós tristeza. Hola, botella de licor

A propósito de la cerveza, la salida del nuevo álbum de su grupo y el dolor que lo abrumó por el fin de un romance, le cuento que el nombre del disco me recordó la última frase de la canción “Pum Bang Bang” de Los Esquizitos, que dice: “Adiós tristeza… Hola botella de licor”. Gareth vuelve a reír y asegura que funciona estupendamente bien, “creo que cuando nos sentimos vacíos bebemos un poco para tratar de conseguir un poco de felicidad, a mí me ha servido en muchas ocasiones, aunque digan que después me traerá otros problemas”, puntualiza.

Para no poner más limón sobre la herida, abordo el tema de la música, enfatizando que Hello Sadness tiene ciertos parentescos con lo más suave del sonido de los Smashing Pumpkins o con bandas como Dinosaur Jr., especialmente la canción “To Tundra”. Cuando lo comento, Gareth afirma que no fue algo premeditado, “nos gustan mucho esas bandas, es algo con lo que crecimos, pero no fue intencional sonar como si fueran los 90, sólo quisimos hacer algo distinto a lo de nuestros discos pasados. Creo que cuando tomas un rumbo más melancólico, inevitablemente suenas parecido a Dinosaur Jr. o a Pavement, por ejemplo”, señala el vocalista.

En 2008, Los Campesinos! salieron de gira con No Age, un grupo que no niega su vena grunge. De ellos, Gareth tiene una opinión respetuosa, pues piensa que su sonido es más poderoso que el de su banda, y no se atreve a

Broken Social Scene

Johnny Foreigner

compararse con ellos. Cuando le pregunto si piensa que el grunge está de vuelta, él opina que sí, pero que “no viene con la fuerza que debería, aunque cada vez se escuchan más bandas con un sonido similar, por ejemplo Yuck, que están haciendo muy bien las cosas… la verdad amo a Yuck”, afirma.

Futbol, en la opinión de un británico

Ya coincidimos en dos cosas –el asunto de la cerveza y el gusto por Yuck–, pero aquí va la tercera: el track “Every Defeat A Divorce (Three Lions)” habla sobre futbol. Gareth nació en Gales, un país del Reino Unido que nunca ha participado en un Mundial de futbol, por eso se refugia en la selección inglesa y me cuenta que escribió la letra de esa canción, al recordar el difícil momento que vivió el equipo en la Copa Mundial de Francia 98. Los ingleses fueron eliminados después de pasar la ronda de grupos, en un dramático partido ante Argentina que terminó en penaltis.

Gareth apoya al Cardiff –el equipo de su ciudad–, pero de la liga Premier está con el Manchester United. Le comento que yo soy hincha del Arsenal y creo que para no entrar en polémica me dice: “Chicharito es fantástico, supongo que lo conoces. Carlos Vela también es excelente, está a préstamo ¿verdad? Debería regresar con el Arsenal”. ¿Una artimaña para simpatizar con los mexicanos que ven en Javier Hernández al mejor del mundo? Parece que no, en realidad le interesa el futbol de nuestro país y me pregunta por aquel delantero mexicano, “rubio y de cabello largo que fue al mundial en Francia”. Le recuerdo su nombre, es Luis Hernández, pero me ahorré la explicación de que se teñía el cabello con un peculiar tono de muñeca vieja.

El futbol es un tema tan amplio, pero ante el poco tiempo para la entrevista, volvemos al tema del nuevo disco. Sobre él Gareth afirma que se siente cómodo con el ligero cambio en su sonido: aunque eliminaron los teclados felices, no desterraron sus melodías pop. Además, asegura que Hello Sadness podría ser su disco más maduro hasta ahora. Finalmente, el líder de esta banda formada en 2006, pide una oportunidad más para estar frente al público mexicano y mostrar que mantienen la línea que los caracteriza, "sobre todo en los dos primeros tracks 'By Your Hand' o el sencillo 'Songs About Your Girlfriend'.

Otras canciones sí están construidas sobre la melancolía… pero no me apena decirlo”, sentencia reflexivo.

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MÚSICA::

B I E N V E N I D O S A L

HEAVY POP de

EN T

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VIS TA

S U L

A V I

MÉXICO

P A R A

Agradecimientos especiales A la Comisión de Turismo de Canadá, Gobierno de Vancouver y Air Canada.

Artistas similares: Xiu Xiu

Fugazi

Godspeed You! Black Emperor

"Conocemos la película Y tu mamá también (…) cuando comenzamos la banda nos juntamos todos una noche y vimos esa película juntos.

Fue un buen ejercicio verla".

- Ellery James Roberts

T X T : : M an ú C ha r r itton . F O T : : w e v e lost cont r ol .

Hace varios a–os, en la escuela, era fascinante que un amigo te introdujera a una nueva banda, ya que normalmente era casi la œnica forma en la que pod’as conocer nuevos grupos.

Actualmente insisto en este medio para conocer bandas, y as’ me pas— con WU LYF, un grupo que mi amiga Artemisa me present—. Aunque inicialmente no me volv’ tan fan, los escuch y me gustaron. Meses m‡s tarde, durante un viaje a Vancouver, descubr’ que la segunda noche se presentar’an en vivo en un club local, por lo que decidimos ir al concierto. Entonces entend’ de lo que hablaba mi amiga y pude entrevistarlos despu s del show. Aqu’ nuestro encuentro con WU LYF en los camerinos del Electric Owl. Me gustaría saber acerca de lo que están haciendo esta temporada, de dónde vienen y cómo les está yendo…

Ellery James Roberts: Uhm… bueno, manejamos desde Fargo. No puedo recordar dónde fue nuestra última tocada, quizás en Chicago.

Todo está saliendo muy bien, aunque los lugares donde tocamos son pequeños, están sold out siempre. Estados Unidos es un país bizarro y ajeno a todo lo que conocemos, así que es excitante estar vendiendo todos los boletos en cada concierto. Los shows han salido bastante bien. Hemos pasado demasiadas horas dentro de la van, lo cual ocasionó un bajón en Chicago, pero la gente parece saberse todas las canciones y entonces ocurre lo que siempre deseas que le pase a tu banda: ir a hacer shows repletos de gente que canta tus rolas. ¿Cuando y cómo empezó a pasar esto?

EJR: De alguna manera fuimos resistentes al comienzo y tuvimos un poco de suerte en el intento. No pasamos por el duro momento de tocar muchos shows sin gente, porque no tocábamos tanto. Hicimos un show al mes durante los primeros seis meses en un café de Manchester. Después de eso tocamos en un pequeño festival de Francia y la gente comenzó a preguntarse: “¿Quiénes son estos tipos?”. Creo que entonces se fue generando un hype en Internet y la gente de la audiencia decía: “Leí sobre ustedes en un blog, ¡impresiónenme!”. Luego quisimos hacer un disco. Se parece a una pelea de box: antes

de comenzar prestas atención a lo que pasa alrededor, inicia y tres minutos más tarde todo se ha terminado. ¿Cómo defines el estilo de WU LYF o las influencias que tienen?

EJR: Nuestra tirada en la música es, en sabia ambición, retomar la forma en que Nirvana hizo canciones pop que no eran realmente pop… siento que Bruce Springsteen hizo algo similar. En realidad ellos hicieron heavy pop, y eso es más o menos lo que hacemos nosotros. A mí me gustan cosas como Black Emperor (N. De R. Godspeed You! Black Emperor), porque construyen lentamente un momento de euforia y tienen canciones de 20 minutos. También está Fela Kuti con jams de 20 minutos. Nosotros tratamos de lograr eso, pero en tres minutos y con una sensibilidad pop que tenga una paleta de emociones muy amplia. Puede ser debatible si lo logramos, pero al menos eso es lo que intentamos. ¿Trabajaron con algún productor o tenían sus ideas ya muy claras?

EJR: Grabamos el disco los cuatro con Dave, quien es nuestro ingeniero en vivo. Él grabó las canciones. Trackeamos todo en una iglesia vacía de Manchester para tomar el sonido natural de ese lugar, así que la producción fue casi inexistente. Obviamente, luego manipulamos un poco el sonido, pero la idea era partir del sonido en vivo de la banda tocando en una habitación vacía. No hay grandes nombres en el disco.

¿Qué sabes de México?

EJR: Siempre me llamó la atención el día de muertos. Joseph y yo somos grandes fans de Frida Kahlo y Diego Rivera, de las pinturas de los espejos. Descubrí a Frida Kahlo cuando tenía 14 años y leí un libro acerca de ella. Lorca escribió acerca del duende y los sonidos negros diciendo que podrían estar relacionados con México, y es ahí donde encuentra una relación especial con la muerte. Él habló acerca de una sensibilidad superior respecto de la muerte, cosa que en Inglaterra es visto como algo morboso, y a mi entender, en México es una celebración.

Sólo he visto fotos pero parece algo increíble y vívido, es un lugar que siempre he querido visitar. También conocemos la película Y tu mamá también (ríe)… protagonizada por Diego Luna y Gael García. Cuando comenzamos la banda nos juntamos todos una noche y vimos esa película juntos. Fue un buen ejercicio verla. Evan –guitarrista del grupo– es muy fan y conoce mucho acerca de películas mexicanas. ¿Conoces alguna banda de rock de México?

EJR: Me temo que no. ¿Para cuándo su nuevo disco?

EJR: Tenemos el sueño de hacer tres discos.

Estamos planeando tener listo el segundo durante el próximo año y medio. Pero es algo que iremos viendo porque varias cosas están sucediendo. M

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MÚSICA::

THE

La

siguiente escena tuvo lugar durante la primavera de 2010, en la soleada California. Sobre el escenario, Oliver Sim y Jamie Smith optaban por arremangar las mangas de sus camisas, sin embargo, Romy Madley Croft no se deshacía de su saco y lejos de portar sandalias, sacudía contra el suelo un par de pesadas botas cuya suela parecía derretirse. Detrás de los músicos, una columna de abotagadas palmeras anunciaba que todos estábamos en Coachella, y aunque el sol ya bostezaba al ras del horizonte, el mercurio de los termómetros estaba a punto de ebullición.

“Intro”, el primer track del álbum debut del trío, consiguió que las palmas de miles se elevaran en el aire y Croft dibujara una sonrisa discreta, la misma mueca que ha mostrado en decenas de revistas alrededor del mundo, como si con

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TA OS OJ

PAÑOS Y S DO A H

S

En los dibujos animados se colocan taches en los ojos de las personas muertas, pero, Àqu ocurre en la vida real? Hablando de v’sceras, Àpodr’amos decir que una equis encima del coraz—n determina que ste ha dejado de convulsionarse? De ser as’, Àqu puede esperarse de un disco cuya negra portada s—lo presume la antepenœltima letra del alfabeto? Las mismas preguntas se hicieron muchos hace un par de años, cuando The xx puso a la venta su ‡lbum debut, y a la fecha siguen presumiendo con orgullo cruces sobre sus p‡rpados y pechos.

C

T X T : : A l e j a n d r o G o n z á l e z C as t i l l o .

F O T : : A l i ya Na u m o f f.

OSCUR O

Artistas similares: CocoRosie

Sea en la capoeira o el diseño gráfico, hay muchas fuentes de inspiración fuera de la música. - Romy Madley Croft

James Blake The Chromatics

ella comunicara lo difícil que le resulta creer que su música sea capaz de hacer sentir vivo a alguien.

Antes de aterrizar en Coachella, el otrora cuarteto se desempeñó como uno de los últimos ídolos pop que MySpace incubó.

Con el apoyo del hoy desahuciado sitio, aquellos cuatro chicos que se conocieron en el salón de clases y que solían desbaratar clásicos de Pixies con sus instrumentos, de pronto pisoteaban alfombras rojas, alzaban premios y firmaban autógrafos. Fue el sello Young Turks quien tendió las llaves de un estudio de grabación tras ofrecerles un local de ensayo, no sin antes advertirles que podían hacer lo que se les antojara con su par de guitarras, bajo y caja de ritmos. El resultado fue un álbum producido por el propio Jamie, manufacturado en sesiones de nueve de la noche a nueve de la mañana, un horario compartido por Oliver y Romy, quienes también prefieren las madrugadas para afilar su pluma. “A esa hora nadie puede distraerte –apunta la cantante y guitarrista–, es como, ya sabes, ese punto en el que te encuentras medio dormido y medio despierto”.

Con el empuje de “Basic Space” y “VCR”, los ingleses dejaron de ser la gema que los habitantes del subterráneo anhelaban limar, cuando se llevaron a casa el preciado Mercury Prize. Incluso Gorillaz, encantados por la melancolía del combo, hicieron su propia versión de “Crystalised”, segundo sencillo de un álbum que calentaba frías cajas de ritmos, con la reverberación de una guitarra que luchaba con las melodías de voces lánguidas y desilusionadas, a las cuales –tal como a la facha de sus dueños– costaba trabajo levantarles el ánimo. De golpe, el mundillo indie se hincó ante una música cuya dotación instrumental resultaba de lo más austera gracias al toque de Jamie: “Romy y Oliver llegaban al ensayo con los esqueletos de sus respectivas composiciones. El siguiente paso era mantenerlas lo más simples posible, de modo que pudiéramos ejecutarlas en vivo sin la ayuda de alguien más”.

Hoy día, tras la vorágine mediática y con el mundo aguardando escuchar algo nuevo, los londinenses ponen en circulación un demo elocuentemente titulado Open Eyes. ¿Llegó la hora de acabar con las equis funestas? Bueno, basta atender los recientes comentarios de Jamie –quien, por cierto, ha pasado los últimos días haciendo remixes para Adele y Radiohead, trabajando codo a codo con Drake y Gil Scott-Heron, incluso presentándose con We’re New Here– para intuir cuál será el rumbo que The xx tomará en su nueva entrega de estudio: “definitivamente sonará diferente al álbum previo y a cualquier otra cosa que hayamos hecho porque nuestros oídos se han abierto. PerThe Beatles sonalmente, cuando salió nuestro primer disco no estaba interesado en el techno y el house, pero en Chicago compré discos de Dancemania de los años 80 y 90”. Ahí tienen un aviso, viejos usuarios de largos flequillos Pixies sobre la frente: quizá vaya siendo hora de regalarle al ropavejero los paños oscuros y quitarse los taches de los ojos y el pecho para formar cruces con los pulgares y los índices, pero entre sonrisas, sobre la colorida The Cure pista de baile. M

¿CUÁL ES LA MAYOR INFLUENCIA PARA THE XX?

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MÚSICA::

T X T : : M A R C O PAT I Ñ O .

FOT:: CORTESÍA DE EMI MUSIC.

Nuevo viaje a la luna Cuando uno observa el cl‡sico filme Viaje a la luna de Georges M li s, y llega a la emblem‡tica escena cuando la c‡psula choca contra un ojo de la luna, casi inevitablemente surge en el espectador una sonrisa con alta dosis de nostalgia. Tal vez por los efectos, vanguardistas para su poca pero inocentes para nuestros ojos, o posiblemente porque la idea de viajar y conquistar la luna fue un eslogan que el siglo XX dej— incompleto.

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Artistas similares Serge Gainsbourg

Para hacer la música de Viaje a la Luna usamos muchos gadgets, nuevos programas y un montón de iPads.

La

posibilidad de revisar esta obra fundamental dentro de la historia del cine llegó al Festival de Cannes en 2011, después de varios años de restauración que comenzó cuando en 1993, se encontró la única copia conocida a color. Los encargados naturales de musicalizar esta nueva versión fueron los franceses Air, que extendieron la creación de este particular soundtrack a un nuevo álbum para el 2012: Le Voyage Dans La Lune.

A propósito de este proyecto, Marvin platicó con Nicolas Godin sobre este nuevo disco.

En la historia de Air, ha sido recurrente incluir temas como la melancolía, el espacio y las estrellas. Parece entonces, algo natural la idea de que ustedes musicalicen el filme de Georges Méliès. ¿Cómo se dio esta colaboración?

Nicolas Godin: Creo que por eso mismo nos llamaron. Pensamos que nuestro estilo y la película hacen la mezcla perfecta. Antes de aceptar dudamos un poco y nos dio cierto miedo porque se trataba de algo delicado; la obra de Georges Méliès es una especie de monumento nacional y el temor de arruinar algo que es súper cool pasó por nuestras mentes. Pero después todo fluyó muy rápido y bastante bien; cuando empezamos a hacer la música todo funcionó de maravilla.

Desde la aparición de su EP Premiers Symptômes, ya hablaban de la influencia del arquitecto Le Corbusier en su música, ahora, con la obra de Méliès su música se vincula nuevamente con otra figura francesa, como parte de su creación artística. ¿Consideras que Air es, hoy en día, un ícono representativo de la cultura francesa?

NG: Pienso que sí, porque para mucha gente alrededor del mundo somos parte de la

cultura francesa. Además, muchas de nuestras colaboraciones tienen, en efecto, alguna relación con el patrimonio de nuestro país. ¿Podrías señalar algo dentro de la escena musical francesa que sientas que particularmente los haya marcado o influenciado como músicos y que se distinga de la música generada en otros países?

NG: No, creo que es justo lo contrario. En Francia tenemos cosas más importantes que la música. La Fête de la Musique en París es un momento horrible porque mucha gente está tocando instrumentos a la vez y resulta algo caótico. Creo que somos mucho mejores en otras áreas como en el diseño de modas o para crear películas, libros y restaurantes. La música no es nuestro fuerte como nación aunque bandas como Phoenix, Daft Punk, Justice y nosotros hemos tratado de cambiar eso. ¿Cómo te sientes al escuchar tus primeros discos, al recordar los primeras giras de Air? NG: Son muy buenos recuerdos, nos divertimos mucho porque existía una buena energía en ese momento en París. Además, disfruto escuchar las viejas grabaciones.

Cuando hacemos discos deseamos que diez años después sigan siendo buenos, y así pasa justo cuando escucho los primeros discos. Se siente bien.

Existe una diferencia contundente entre los ambientes generados en sus conciertos y aquellos que se perciben al escuchar sus discos...

NG: Es que, de entrada, somos diferentes personas de las que éramos hace 10 años y además, cuando tocamos en vivo tenemos una energía mayor que hace que toquemos las canciones con mayor ímpetu. ¿Han pensado en hacer un disco en vivo?

NG: No, porque personalmente nunca compro discos de presentaciones en vivo; no me gusta escuchar discos en vivo, así que no creo que hagamos uno nosotros. Creo que se pierde el encanto… para disfrutar de un concierto tienes que estar ahí, sentir el momento, que después se irá. La experiencia de estar en un concierto debe ser algo tan

Brian Eno

Carlos Wendy

íntimo como tener una cita con una chica en un restaurante.

Si no son los álbumes en vivo, sin duda algo que los ha marcado son los soundtracks... ¿Cuáles son algunos de tus favoritos?

NG: Me gusta mucho Escape from New York de John Carpenter y Rosemary’s Baby de Krzysztof Komeda. ¿Con cuáles directores de cine te gustaría trabajar haciendo música para alguna de sus películas?

NG: Me encantaría trabajar con John Carpenter, Werner Herzog o Christopher Nolan, pero mi favorito sería Michael Mann. ¿Cómo fue tu experiencia al visitar México?

NG: Cuando hicimos promoción, nos sorprendió que los mexicanos estuviesen tan clavados con la música europea, con el romanticismo y cosas por el estilo, además, nos asombró la cantidad de gente que fue a ver nuestro concierto. ¿Cuál es la diferencia en su proceso de creación cuando trabajan como dueto y cuando incluyen colaboradores?

NG: Cuando hacemos música nos preguntamos: “¿Qué es lo que necesita esta canción?” Si, por ejemplo, necesitamos un cantante, buscamos uno. Cuando eres una banda nueva no puedes hacer eso porque en un grupo cada quien tiene su propia función: el bajista, el baterista, el cantante.

En nuestro caso tenemos gran libertad con la que podemos ser muy originales, a diferencia del clásico grupo donde cada integrante debe tocar su instrumento. ¿Cómo se dio la colaboración con Au Revoir Simone y con Victoria Legrand de Beach House para Viaje a la luna?

NG: Somos sus fans y justo buscábamos un tipo de voz que encajara con la estética de la música que estábamos haciendo. ¿Nos podrías explicar un poco más sobre la diferencia entre hacer música y hacer canciones?

NG: Lo que pasa es que tenemos amigos en Estados Unidos y en Inglaterra que, cuando

Cuando hacemos música pensamos en nuestra infancia y se genera una nostalgia por volver a ese tiempo.

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No me gusta escuchar discos en vivo, así que no creo que hagamos uno nosotros. una nostalgia por volver a ese tiempo. Moon Safari fue un disco cuyo espíritu nostálgico se generaba por la visión del futuro que teníamos cuando éramos niños.

Ahora se descarga una o dos canciones de Internet y pasa desapercibido el diseño de la portada o booklet de un disco, ¿qué opinas al respecto?

NG: No sé qué pensar porque soy una persona vieja ahora. Me gustaba ir a la tiendas para comprar discos. Así es la vida. No creo que la gente joven compre discos ahora. Supongo que es simplemente la historia de la vida. ¿Sigues comprando viniles?

NG: Sí, creo que los dos lados del vinil es el mejor formato de adentrarse en un álbum. El sonido es mejor y como objeto es maravilloso. ¿Cómo recibes a la nueva tecnología?

NG: ¡Me encanta! Para hacer la música de Viaje a la Luna usamos muchos gadgets, nuevos programas y un montón de iPads.

Desde el principio disfrutamos mucho combinar viejas y nuevas tecnologías. Nos emociona cuando tenemos un nuevo software que podemos incorporar en la música. ¿Por qué el sonido de Air para este disco es más orgánico?

NG: Cuando Méliès hizo la película la hizo toda a mano y queríamos hacer el soundtrack con el mismo espíritu, así que buscamos algo que no sonara muy terminado y decidimos prescindir del uso de algún productor o de alguien que mezclara.

empiezan a hacer música se sientan en el piano o con la guitarra y de inmediato quieren comenzar a escribir una canción, desean encontrar lo más pronto posible un verso o un coro. Para nosotros el proceso es muy diferente, ya que cuando empezamos a crear en el teclado o la guitarra, buscamos antes que nada encontrar una idea, y cuando ésta aparece dejamos que nos guíe. Si es instrumental, así sigue. Tenemos mucha libertad. Nos guiamos por los primeros estímulos y dejamos que la misma música sea nuestra maestra.

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¿Cuál es la clave para que Air siga como banda después de todo este tiempo?

NG: Intentamos hacer algo diferente todo el tiempo. Buscamos siempre ser artísticamente interesantes. Tratamos de encontrar nuevas combinaciones todo el tiempo.

En el fin del siglo XX, parecía existir un aire de melancolía, sin embargo, en pleno siglo XXI, éste se mantiene en su música...

NG: Sí, siempre hemos sido muy melancólicos.

No sé por qué, pero cuando hacemos música pensamos en nuestra infancia y se genera

Al ver la película Viaje a la luna se percibe un humor particular. ¿Qué tanto está el sentido del humor presente en la música de Air? NG: Al hacer música nostálgica es necesario incluir algo de humor para crear cierta distancia y evitar que se convierta en música triste. Así se genera un buen balance. El humor nos ha ayudado a enfrentar a la nostalgia. ¿Te gustaría hacer un viaje a la luna?

NG: No creo que suceda, creo que es demasiado tarde para mí. Además, creo que la idea de construir una ciudad bajo el agua puede ahora producirnos una vibra semejante a la que sentíamos cuando pensábamos en viajar al espacio. M

DEFONDO::

T XT:: A lejandro Mancilla .

Hace un par de lustros, cuando los seres humanos todavía alquilábamos películas en los videoclubes, me topé con un VHS titulado El cartoon imperialista prohibido de Walt Disney, manufacturado por una compañía marca patito que presentaba una serie de dibujos animados (de los años 40, 50 y 60). En ellos, el Pato Donald aparece en situaciones de pesadilla propagandística bélica, exaltando los valores yanquis, de manera que parecía que el CV del guionista, incluía los spots del Tercer Reich. Ese mismo video venía además de una serie de cortitos supuestamente educativos como “El Rostro del Führer” y “Donald Goes Nazi”.

Tanto en esa serie de dibujos animados, como en otros tantos en que algunos anti-valores como son el racismo o la xenofobia se magnificaban, fueron acumulándose en una lista negra de caricaturas que han sido censuradas tanto por los medios de comunicación oficiales, como por sus mismos creadores. De repente, los antiguos enemigos del imperio se convirtieron en socios comerciales, de manera que no convenía burlarse de los japoneses o del nazismo, y mucho menos de los afroamericanos. Bueno, aquí lo haremos un poco, pero entre líneas...

Es así como historias aparentemente inocuas extraídas tanto de las “Melodías animadas de ayer y hoy”, como de obras hoy nostálgicas de Hanna Barbera, han sido prohibidas con el paso de los años en aras de la corrección política. Mención aparte merecen esas caricaturas que desde sus raíces underground apelan por la provocación y por la censura como moneda de cambio que alimenta la polémica. Además, existe la animación xxx o el hentai, dibujos perturbadores por antonomasia que desde su concepción se da por hecho que están dirigidos hacia un público maduro.

A continuación, presentamos algunos momentos animados que en teoría fueron concebidos para todas las edades, pero que han causado controversia o han sido prohibidos en algún momento por diferentes razones:

1. Los Picapiedra sacan los tabacos

3. South Park al extremo

Si bien las historias de la familia cavernícola eran consideradas aptas para el público infantil, en su país de origen esta serie se transmitía en un horario adulto, y no era extraño ver una especie de infomerciales animados donde Pedro Picapiedra y Pablo Mármol anunciaban cigarros Winston mientras fumaban con deleite. Con el tiempo estos segmentos fueron censurados, pero el daño estaba hecho y a muchos se nos antojó un tabaco a los siete años. Qué bueno que no les ocurrió fumar piedra….

Si bien esta caricatura pertenece a la categoría de “las provocadoras”, un episodio titulado "Cartoon Wars Part II" mostraba imágenes de Mahoma y fue censurado por la cadena de televisión Comedy Central, quien luego se deslindó asegurando que la decisión fue de los mismos productores al recibir amenazas de grupos extremistas. Lo cierto es que el personaje ahora se incluye en la entrada del programa, además de estelarizar otro episodio, aunque en su momento haya sido prohibidísimo.

2. Tiny Toons en estado etílico La versión kindergarten de los Looney Tunes causó escozor cuando en el episodio “One Beer”, Hampton, Buster y Plucky se tomaban unas cervezas. El capítulo se transmitió una sola vez en Estados Unidos, y después nunca se ha exhibido de nuevo.

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5. El gore de Happy Three Friends Muy gore para algunas sensibilidades, sus personajes rosas contrastaban con las situaciones violentas que incluían mutilaciones, asesinatos sádicos y accidentes. En México parece que le perdimos gusto a la caricatura muy pronto, pero en países como Rusia, está prohibido transmitirla desde siempre.

4. Ren y Stimpy en la fiesta En sus inicios este cartoon era bien ácido, pero cuando John Kricfalusi –su creador– se separó del proyecto, Nickelodeon lo convirtió en una caricatura de sí misma. Años después se lanzó la versión “Adult Party Cartoon” y obviamente fue censurada, sobre todo por la evidente relación homosexual entre el gato bofo y el chihuahua neurótico. El episodio “Orgía playera” fue prohibido en su momento en USA y en varios países nunca se ha exhibido.

6. Bugs Bunny KKK Mientras algunos se escandalizaron por las escenas donde el hostigoso conejo salía vestido de mujer besando a su némesis Elmer (Gruñón), la censura alcanzó esta caricatura de la Warner Bros por un episodio donde Bugs se burla de las personas de raza negra. ¿Estaba el KKK detrás del asunto? Nah, últimamente hasta Memín Pinguín causa polémica ¡no aguantan nada!

7. La vida moderna de Rocko y las secretas intenciones

8. Duckman al estilo Miami Sound Machine

Esta caricatura, hoy considerada de culto, fue censurada en México por Nickelodeon, gracias a la escena donde los protagonistas llegan a un hotel de mala muerte y el encargado de recepción malinterpreta sus intenciones.

La serie era muy creativa y tenía referencias sexuales con mucho humor negro, el problema era que niñitas de cinco años eran fans de Rocko.

9. Josefina La Ballena: La historia surrealista del chico que se sumergía en aventuras dignas de The Flaming Lips –con su ballena verde miniatura que crecía y lo llevaba de viaje a mundos perturbadores–, tuvo un final trágico: el personaje (como de 12 años) estaba en un manicomio después de presenciar el asesinato de sus padres. En México, no le gustó el final a alguien (seguro que al Tio Gamboín) y decidieron no transmitirlo.

10. La caída del correcaminos. ¿Recuerdan ese capítulo de Los Simpson donde Bart y Lisa se pierden la escena donde Scratchy asesina a Itchy? (Al final, Krusty el payaso asegura que no pasarían ese episodio en muchos años). Pues en la vida real hay un simil: el episodio donde el Coyote por fin atrapa al odiado Correcaminos (creo que todos nos identificamos con el hambriento y proletario coyote). Se supone que el video es legítimo y fue encargado a la Warner por un millonario japonés que quería ver cristalizado su sueño de ver humillado al veloz pájaro. En Internet se puede ver el video. ¿Fake? No sabemos, lo cierto es que Warner Bros. lo censuró y no puede ser exhibido legalmente.

Los clips de estos momentos censurados

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Basada en el cómic de Dark Horse y doblada originalmente por el mismísimo Jason Alexander (el gran George Constanza de Seinfeld), esta es una de las mejores series de animación. En México le cambiaron el chistoso doblaje cubano (prefiero la voz original, pero estas voces le quedaban a la historia), y lo sustituyeron por voces comunes omitiendo las malas palabras inherentes al personaje, y esa censura le dio “en la madre” a la caricatura (lo bueno es que en Marvin no censuran y puedo decir “en la madre” o “los censores son unos pendejos”). En algunos países como Portugal, los episodios donde sale el Papa han sido censurados (¡Qué raro que en México no!).

The Censored Eleven: Serie de caricaturas retiradas por la United Artists –propietaria de los derechos– por considerar ofensivas sus alusiones los estereotipos raciales.

El final de los Supercampeones: Recientemente hubo un rumor en Internet, donde se aseguraba que el verdadero final de la serie animada japonesa de futbol, terminaba en que todo había sido un sueño del protagonista y que en realidad estaba en hospital con las piernas amputadas.

Offensive banned cartoon: Listado de dibujos animados del siglo pasado que han pasado por la tijera de la censura. Desde Popeye o Tom y Jerry, hasta el Pájaro Loco.

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DEFONDO::

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Más que Stendhal, Víctor Hugo y Baudelaire; Birdman, Heidi y el Capitán cavernícola.

T X T : : R afael T or i z .

ILUST:: JESÚS SÁNCHEZ / jasnchz.com

A

diferencia de otras profesiones más honorables, en el ejercicio de la literatura los vicios de los creadores suelen ser una virtud. Contrario a lo que sucede con un investigador, un plomero o un músico de concierto, que suelen requerir de una disciplina férrea –a veces patológica– para dominar su ministerio, el escritor de relatos, comedias o canciones puede tener la salvedad de capitalizar la experiencia por métodos poco ortodoxos, pergeñando con lo más bajo, corriente o banal de la existencia viñetas elocuentísimas de la condición humana (fue Susan Sontag quien escribió que debiéramos reconocer determinados usos del aburrimiento como uno de los aspectos estilísticos más creadores de la literatura moderna). En literatura, como en antropología, toda experiencia cuenta, por lo tanto es imposible aburrirse. En esta profesión, como no sea uno Vargas Llosa o Carlos Fuentes –maratonistas descarados–, trabajar puede ser muy parecido a vivir de vacaciones. Escribir, desde mi perspectiva, cuenta con el encanto de los placeres clandestinos: es como un amasiato en el que, para funcionar debidamente, siempre debe privilegiarse el acto compartido de ponerse hasta la madre.

Para una formación literaria como la de mi generación, nutrida en los albores de la década de los ochenta con los productos culturales que estaban más a la mano, la influencia de la televisión ha sido decisiva; ya sea como un escaparate de frustraciones (telenovelas), mímesis tendenciosas de la realidad (noticieros), consumados ejercicios de estilo (mini series) o infamias imperdonables (balada pop). En ese sentido, la influencia de las caricaturas televisadas en el mundo contemporáneo es todavía un tema pendiente de reflexión y debate, toda vez que no sólo han construido una sensibilidad muy precisa sino que comportan visiones del mundo conflictivas y estimulantes, como lo ha hecho desde hace siglos la mejor literatura.

Con estas aseveraciones lo que pretendo es ubicar el lugar de la “ficción a colores” junto a las experiencias torales que suelen moldear o intervenir una cultura, de ahí la alusión a los vicios de los creadores.

Y preciso inmediatamente, puesto que no quiero decir que para escribir como Bukowski haya que beber como albañiles, sino que experiencias frecuentemente desdeñadas por sociedades intelectuales conservadoras –cómics, televisión y videojuegos, por ejemplo–, suelen ser el cónclave donde se conjuga lo culto con lo popular, dándole a la realidad algunos de los estímulos más sensuales para ejercitar el pensamiento.

Más que Stendhal, Víctor Hugo y Baudelaire; Birdman, Heidi y el Capitán cavernícola.

De la caricatura como visión de mundo

La historia de la caricatura televisada es pródiga en hallazgos y nostalgias.

Pensar en Mickey Mouse, el Gato Félix y Bugs Bunny es encuadrar una parte significativa de la historia de occidente. Y es que la caricatura, como lo saben perfectamente los moneros, es una interpretación crítica de la realidad, opinión incisiva sobre fenómenos particulares. El auge de los superhérores y los cómics en la primera mitad del siglo XX suena como una consecuencia lógica para un mundo de entre guerras que soñaba con héroes paramilitares proveedores de justicia (Batman) o príncipes extraterrestres moralmente intachables y superiores a la media (Supermán).

La historia de nuestras nostalgias más agudas bien puede ser la historia de la televisión abierta. Personalmente, pocas cosas recuerdo con más afecto que los intentos del Coyote por alcanzar al Correcaminos, pájaro de mal agüero cuya mayor virtud, por oposición al temperamento científico del cazador, era correr como un idiota.

Por otro lado, la historia de la caricatura también ha funcionado como un punto de encuentro entre generaciones. Entrando apenas en la

adolescencia, cuando alguien tuvo el tino de volver a transmitir las aventuras de Astroboy en el canal 5, fue muy revelador darme cuenta de que ese mismo niño robot había poblado los ensueños infantiles de mi padre.

Los japoneses, esos maestros para casi todo, han sido otros grandes constructores de la memoria televisiva. Mazinger Z prodigó, para incontables infantes mexicanos, no sólo los rudimentos del cyborg, haciendo del ente robótico una extensión del propio cuerpo, sino también nos dio la posibilidad, a través del barón Ashler, de pensar en la ambigüedad sexual como un rasgo que no merecía una sanción moral debido a su indeterminación genérica sino a sus actos delictivos concretos, abonando sin querer el existencialismo sartriano, donde no hay lugar para esencias que precedan a la existencia. Algo parecido sucedía con He-Man y los amos del universo, donde luego de cada capítulo en contra de las huestes de Skeletor, había lugar para una pequeña reflexión ética orientada a incidir en la formación de los televidentes. El simpático niño de cobre, benjamín de los halcones galácticos, cerraba la serie poniendo a prueba sus conocimientos aritméticos y astronómicos.

Mención aparte merecerían esos melodramas patéticos de retorcidas implicaciones psicoanalíticas como Remy, Candy-Candy o la Ranita de Metán, territorios plenipotenciarios del sufrimiento y la congoja donde ningún castigo era suficiente para paliar el peor de los pecados: haber nacido. Recuerdo algunos de esos personajes a los que abandonaban madres desalmadas mientras sus amigos animales eran condenados a morir de hambre o ateridos por el frío, rodeados por ambientes crueles y déspotas, donde el hecho de ser huérfano o débil era razón suficiente para ser vapuleado inmisericordemente por una sociedad despiadada.

Creo tener algunos de esos recuerdos bloqueados, sin embargo, haciendo un ejercicio hermenéutico, es imposible no sentir en carne propia las madrizas que le acomodaban los bichos del pantano a la ranita o volver a estremecerme con la gélida muerte de Corazón alegre.

Posteriormente, hubo un sisma cultural que marcó profundamente a los niños nacidos en los ochentas: me refiero a Los caballeros del zodiaco, saga inmaculada que propinó, en medio de batallas de fantasía, contundentes lecciones de mitología griega, escandinava y aún otras que escapan a mi conocimiento. La importancia de la serie es sólo comparable, para las generaciones venideras, con el tsunami que constituyó Dragon Ball Z, manga japonés que, a semejanza de caricaturas como Ranma ½ y Pokémon, gozó de enorme popularidad entre los televidentes mexicanos. En tierras aztecas siempre se ha tenido veneración por los encantos del oriente.

Un repaso de la sensibilidad a colores no puede olvidar, bajo ninguna circunstancia, el grado cero de la animación que constituyó Beavis y Butt-Head, las peripecias inmóviles de dos imbéciles americanos atornillados frente a la pantalla del televisor, mirando videos. Recuerdo, todavía de niño, la encuesta de cierto profesor de música que nos agrupaba en el salón de clases de acuerdo con las caricaturas que mirábamos, haciendo un ejercicio de distinción sociológica que entonces me divertía mucho y ahora me parece siniestro.

Finalmente, un análisis de las caricaturas no puede soslayar la obra maestra de nuestro tiempo, realizada por los más talentosos Balzacs del presente: Los Simpsons, esa familia americana que ha conseguido la carta de naturalización global por atender uno de los mejores consejos de Flaubert a los jóvenes novelistas: para ser universales hay que hablar de nuestro pueblo.

Mucho queda todavía por acotarse, sin embargo creo que estas palabras testimonian que la educación sentimental, para muchos de nosotros, ha sido una bellísima experiencia a veces triste y otras desopilante pero siempre en nítidos colores. M

MÚSICA::

EL ROMPECABEZAS CAE EN EL LUGAR CORRECTO

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TXT:: VICENTE JÁUREGUI.

FOT:: CORTESÍA DE EMI MUSIC.

My Iron Lung

1928 fue un buen año para la medicina, especialmente porque un "pulmón de acero" fue probado en una clínica de Boston con una niña que padecía de ataques respiratorios. Casi 60 años después, el dispositivo médico encontró su alegoría artística entre la arquitectura gótica de Oxford, donde una canción ayudaba a que cinco músicos recién firmados por una transnacional pudieran respirar.

"Creep" es ese pulmón artificial sin el que Radiohead jamás hubiera sobrevivido, pues como decía Ciorán en los Silogismos de la amargura, sólo "el idiota está equipado para respirar". Tan cercanos en idiosincrasia, Nirvana y Radiohead se hermanaron en la asfixia de saberse célebres, en el inconveniente de llenar expectativas ajenas y tutelar a una juventud apátrida. Para Kurt Cobain la presión fue mucha y terminó por pagar el precio más alto. Pero templados por los sinsabores de la fama, Radiohead sobrevivió gracias a las bondades de su pulmón de acero, y después de veinte años de su formación, ha ganado un respeto que ahora consideramos a priori; pero que se cocinó a fuego lento desde sus primeros años, cuando forjaron su carácter hasta enemistarse con la zona de confort.

Street Spirit

Todo inició cuando Thom Yorke y Ed O'Brien, coincidieron en una obra de teatro escolar, en la que Yorke tocaba y el segundo hacía de actor. "Thom y otro chico tocaban free jazz, y de repente el director los calló abruptamente.

Thom enfureció replicando al maestro: 'no sé qué chingados se supone que debemos tocar entonces'”, recuerda O' Brien sobre ese primer encuentro.

Aunque podría interpretarse como un mero desplante adolescente, ese altercado sintetiza muy bien el carácter desafiante con que Radiohead ha construido su reputación, una que hoy es sinónimo de integridad, capacidad de reinvención y evolución artística.

We Suck Young Blood

Erráticos y con muy poca experiencia musical, On a Friday (primer nombre de Radiohead) nació bajo la tutela de Thom Yorke, quien decidió reclutar a Ed O' Brien por su parecido con Morrisey, a Colin Greenwood gracias a su afición por Joy Division, a Phil Selway por ser buen baterista (con todo y que sus amigos eran bullies), y dos saxofones para distinguirse del resto de las bandas. Era 1986 y su público sólo consistía en Jonny, el catatónico hermano menor de Colin que asistía a los ensayos, sin sospechar que pronto se convertiría en el principal aliado musical de Thom. Durante ese periodo de formación, quizá el acontecimiento más significativo fue cuando Jonny debutó en la banda tocando la armónica.

Go Slowly

En 1988 los chicos pusieron pausa a la banda para asistir a la universidad.

Aunque Thom decidió que su mayor ambición era convertirse en una estrella de rock cuando Brian May lo hechizó por la TV, la presión familiar era fuerte y terminó en la Exeter University; sobra decir que su intolerancia le mantuvo de pinta, deambulando solitario y ataviado con ropa de anciano. Durante este periodo e instalado en su propio limbo, Yorke le tupía duro al éxtasis y al chupe mientras hacía de DJ en un club llamado Lemon Grove.

"Desde que nací tengo un sentimiento de soledad que me persigue" declaró para Rolling Stone en 1995, una confesión brutal relacionada con su ojo paralizado, el mismo que lo involucró en constantes peleas (perdidas) y decepciones amorosas mientras desempeñaba empleos horrendos (trabajó en una tienda de ropa). Sin embargo, alguien lo suficientemente precoz como para formar una banda a los 10 años, componer su primer canción a los 11 ("Mushroom Cloud", con una letra acerca de la bomba atómica), y evitar que el bullying lo disminuyera como creador, experimentó en Exeter tres vivencias fundamentales: escribir la letra de "Creep", la revelación de la tecnología como posibilidad artística (al descubrir las Apple Macintosh) y enamorarse de Rachel Owen, la pareja que hasta hoy sacude sus demonios.

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Para más de Radiohead

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House of Cards

Graduados por fin (a excepción de Jonny), el gusto por la música de Joy Division, Talking Heads, Japan, Elvis Costello, The Smiths, R.E.M o los Pixies –además de la convicción de grabar un demo– reunió de vuelta a On a Friday, quienes emulando a The Greatful Dead o Jefferson Airplane, decidieron rentar una casa que al "principio era linda y silenciosa, pero terminó por convertirse en una pocilga" recuerda Yorke. La falta de higiene, una precaria dieta basada en pesto, la constante desaparición de los víveres de Phil o el insufrible techno que Thom pinchaba a todo volumen, arruinaron el ambiente hogareño en esa casa (presumiblemente embrujada). Pero el hechizo no duraría demasiado: un buen día, Keith Wozencroft (A&R de EMI) visitó la tienda de discos donde Colin trabajaba, y sorprendido por lo que escuchó en el demo, fue a una presentación en vivo. Dos mes después y con menos de 10 tocadas en su haber, la banda firmó un contrato con la condición de cambiar su pésimo nombre. Irónicamente, una canción bastante prescindible de los Talking Heads sirvió para rebautizar a la banda menos prescindible de los últimos 20 años.

Life in a Glasshouse

La historia de Radiohead está plagada de aversiones, y la primera de muchas fue hacia los estudios convencionales, por esa razón, la banda pidió estar al aire libre para grabar Pablo Honey. Sin embargo, el caprichoso fresco-style no se tradujo en un sencillo contundente, y fue necesario contratar a Paul Q. Kolderie y Sean Slade, dos productores gringos que Radiohead respetaba, y que eventualmente serían cómplices de ese afortunado accidente llamado "Creep". Después de varios ensayos y para romper la rutina, la banda decidió tocar una canción a la que se referían como "crap" y que Thom presentó como "su canción Scott Walker". Tanto Paul como Sean creyeron que se trataba de un cover, pero desesperados corrieron la cinta y el resultado fue épico. "¿Qué te parece?" -preguntó Yorke a Jonny, "es lo mejor que hemos hecho en años" le respondió. Quizás lo decían a la ligera, sin anticipar que esa “canción menor” sería un himno generacional de alcances paradójicos, pues gracias al éxito de "Creep" se convirtieron en rockstars inmediatos. De repente sus días ocurrían dentro de un entorno artificioso y amañado, entre relaciones públicas y entrevistas descerebradas, tocando para un público seducido por el hit pero indiferente ante otras joyas del repertorio, presentándose en casas de alberca protagonizadas por bimbos y machos alfa, todo para ser calificados por la prensa británica como one hit wonder y traidores a la causa indie.

Prove Yourself

Contra todas las predicciones, el primer indicio de grandeza fue en Israel –donde los recibieron como dioses– y EU, quimera discográfica conquistada gracias al triunfo del grunge y con un evangelio críptico, desesperanzado y autoflagelador , que tan bien les sentaba a los ingleses. Dos años antes de

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la salida de Pablo Honey, el "olor a espíritu adolescente" de Nirvana había reivindicado el legado Pixie al retomar sus dinámicas bipolares de versos reposados y coro intempestivo. El encanto de "Creep" reforzó esa fórmula como vehículo para el paroxismo generacional y por primera vez, Seattle y Oxford volteaban hacia Boston, cuna de los Pixies y del hospital donde en 1928 suspiró el primer pulmón de acero.

The Bends

Con los nervios de punta y bajo la presión de EMI para lograr un sencillo de ventas millonarias, las primeras sesiones de The Bends fueron terribles: "comenzamos a tocar como pequeños ratones paranoides encerrados en cajas" –declaró Jonny– "teníamos miedo de nuestros instrumentos, de que cada nota estuviera mal".

Ahogados en su propio análisis durante dos meses, el proceso comenzó a fluir cuando Thom concluyó la anti power-ballad titulada "Fake Plastic Trees". Con la lucidez de su lado, se presentaron en el Astoria de Londres y ocurrió lo inesperado: una pieza que no cuajaba en el estudio llamada "My Iron Lung", adquirió el potencial para relevar el legado de “Creep”.

Dead Air Space

Con nuevo sencillo pero renuentes a dejar el estudio, Radiohead salió de gira –presionado por la disquera– y fue en México donde los resentimientos acumulados encontraron su válvula de escape: "viajábamos 12 personas en un transporte mexicano donde el espacio era ridículo y no podíamos ni dormir (...) después de nueve años de trabajar juntos, nunca nos habíamos sincerado y explotamos en esos días" confesó O' Brien para la NME en 1995.

Pero como dice el implacable periodista Chuck Klosterman, "cualquier miembro de Radiohead es más listo que los Beastie Boys juntos" y lejos de destruirlos, la experiencia los hizo más fuertes.

Lucky

Coqueteando con el metarrelato, "My Iron Lung" es una oscura y sarcástica referencia a "Creep", ese pulmón artificial sin el que Radiohead jamás hubiera sobrevivido, o para decirlo en palabras de Thom, es “la perra del siglo veinte a la que están agradecidos, pero que duele como el infierno”. Afortunadamente el pesimismo de su última frase "This is our new s=ong/just like the last one/a total w.a.s.t.e. of time", no estaba justificado: "My Iron Lung" no fue como la última, no sólo porque sus arreglos son más sofisticados, sino porque funciona como una especie de manifiesto, ya que desde ese momento Radiohead asumió la necesidad de reconstruirse a cada paso, de mantenerse antagónicos frente al lugar común y el oportunismo. Bien pudieron convertirse en algo tan predecible como U2 u Oasis, pero su dignidad les advirtió no seguir el camino fácil y hoy su discografía los respalda como una de las bandas más importantes de la historia. M

The Bends Parlophone / 1995

Título

EL título The Bends es una analogía del sufrimiento, o como dice Thom: "amo las letras de este disco porque te hacen sentir realmente incómodo".

Pablo Honey Parlophone / 1993

Título

Jonny Greenwood consiguió un casete pirata de The Jerky Boys, un programa cómico que hacía bromas por teléfono, en el cual llamaban a un desconocido y le decían una y otra vez “Pablo, honey?”.

Anecdotario

"Stop Whispering", una canción más cercana a U2 que a los Pixies, que data de los primeros días de On A Friday, fue el tema que convenció al manager Chris Hufford del enorme potencial de la banda. Lo que no imaginaba es que para finalizarla, Thom agregaría un sonoro "Fuck You!" en vivo.

Cercana a la estridencia de Sonic Youth, la cínica "Anyone Can Play Guitar" se mofaba de lo wannabe que puede ser tocar la guitarra. Staff, cocineros y roadies fueron grabados tocando una guitarra que se añadió al arreglo final.

Fascinados por la guitarra bossa nova que eventualmente explota en psicodelia pura, "Blow Out" es la semilla de "Weird Fishes/Arpeggi". Quizá por ello, Radiohead coincide en que representa el punto más alto del Pablo Honey.

Cuando nadie quería tocarlos en la radio británica, el DJ Gary de Radio 1 escuchó "Prove Yourself" y ahora presume que fue visionario al programarlos por primera vez.

Como todos los niños, Thom mostraba fascinación por los autos, hasta que un accidente automovilístico con su entonces novia lo marcó para siempre. La experiencia se encuentra narrada en "Stupid Car" dentro del Drill EP.

“Creep”

Mucho se ha especulado sobre la estruendosa guitarra que abre el coro de "Creep", y existen al menos dos teorías verosímiles al respecto: la primera señala que Jonny acostumbraba golpear las cuerdas de su Telecaster para asegurarse de que estaba encendida, hasta que un día todos coincidieron en que el sonido era idóneo para "Creep"; la segunda versión asegura que el miembro silencioso de Radiohead odiaba la canción, y su manera de manifestarlo era activando su Marshall Shred Master para sabotearla con el máximo de fuzz. Distorsión más o distorsión menos, el parecido de "Creep" con la canción "The Air That I Breathe" que The Hollies lanzó en 1973, fue suficiente para que Albert Hammond (padre del guitarrista de los Strokes, Albert Hammond Jr.) y Mike Hazlewood tuvieran la co-autoría de la canción más popular de Radiohead.

Globalifobia

Desde este disco debut, Thom manifestó el conflicto que le causaba cantar para EMI en canciones como "Thinking About You", "Ripcord" e "Inside My Head" (esta última incluida en el Creep EP). Pero la globalifobia también estaba presente en el Pop Is Dead EP, particularmente en la canción homónima y "Banana Co".

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Novedades

- Primer aparición del productor Nigel Godrich como ingeniero del disco.

- Las letras de Yorke se tornaron crípticas, apelando a la interpretación libre de cada persona.

- La sofisticación y complejidad de los arreglos calló la boca de muchos escépticos.

- Vocalmente hablando, una gran influencia para este disco fue Jeff Buckley, quizá el vocalista más virtuoso y dramático de los 90.

Anecdotario

Aunque solían grabar sobrios, "Planet Telex" (originalmente titulada "Planet Xerox") fue improvisada por Thom después de una borrachera. Tirado en el suelo, cantó en un registro bastante alto para advertir que "todo está roto". Destaca el piano eléctrico de la intro, fuertemente procesado con un Roland Space Echo.

"Bullet Proof (I Wish I Was)" parecía una rola tan redonda, que Ed y Jonny no sabían qué aportar. Experimentadores natos, decidieron tocar notas al azar y el resultado fue óptimo. "El viejo truco Floyd" dijo Jonny sobre la estrategia.

Originalmente, la letra de "Skull" decía "Just shoot your gun", pero la frase fue cambiada por "You'll never change" debido al reciente suicidio de Cobain. La canción fue apodada por Jonny como "la venganza de México", ya que cuando la grabó seguía enfermo después de comer en nuestro país.

Sin duda, la canción más melancólica de The Bends es "Street Spirit", que irónicamente cierra con la frase más optimista del disco: "Immerse your soul in love". Hasta la fecha, Thom asegura que no escribió esta canción, que sólo fue un conducto para llegar a ella, algo muy metafísico para describir el primer tema en colarse dentro del Top 5 inglés.

“Just”

Desde sus primeros rasgueos –reminiscentes a "Smells Like Teen Spirit" de Nirvana–, "Just" es un track caótico y alucinante. Con el reto de integrar el máximo número de acordes posibles, Jonny grabó de manera espontánea uno de sus mejores solos mientras Thom estaba fuera del estudio: "creo que es la cosa más emocionante que hemos registrado en una cinta" dijo éste cuando escuchó el resultado. Si bien el amplio rango de sonidos sugiere que "Just" es consecuencia del maquillaje y la edición, todas las guitarras fueron grabadas en vivo y sin trucos de post producción.

Globalifobia

La imposible ternura de "Fake Plastic Trees" está dirigida al ánimo consumista, especialmente al originado en los 80, cuando la cirugía plástica se puso de moda.

¿Apuesta?

Cualquiera apostaría que "Creep" es la canción menos apreciada por Radiohead, pero en realidad, de la única rola que se arrepienten es de "High & Dry", incluida en el disco por su posible impacto comercial.

Anecdotario

OK Computer Parlophone / 1997

Título

"No es un disco sobre computadoras, es acerca del ruido absorbido durante un año y medio de viajar con TV's y computadoras". Thom Yorke.

Novedades

- Gracias a la co-producción de Nigel Godrich, Radiohead logró canalizar su ambición de confeccionar sus canciones a través de la tecnología.

- Jonny Greenwood demuestra aquí sus dotes como multi-instrumentista, lo cual enriquece el sonido de la banda.

- La sección rítmica tejida entre Colin y Selway destaca por sus recursos poco ortodoxos e inventiva ilimitada.

- Cada vez más politizado, Yorke construyó un imaginario lírico que denuncia lo implacable de la tecnología.

- La influencia disímbola de DJ Shadow, Miles Davies, Penderecki y Ennio Morricone, logró introducir sonoridades insospechadas en el disco.

KID A

Parlophone / 2000

Inspirados en DJ Shadow, la batería de "Airbag" es un sample de lo tocado por Phil en el estudio, pero cortado y pegado con la minuciosidad de un click.

Según Radiohead, tanto "Creep" como "Karma Police" están llenas de humor. En ésta última, la broma era una advertencia para no ser engreído: "la policía del karma vendrá por ti", cuenta O' Brien, quien es responsable de la capa de ruido que cierra el track y que tanto molesta a tus padres.

Generalmente opacado por Jonny, "Lucky" fue compuesta y grabada totalmente en cinco horas, a partir de un sonido que O' Brien creó al tocar la guitarra de manera poco convencional (detrás de la cejilla).

Acostumbrados a las casas embrujadas, la atmósfera gótica y siniestra de "Climbing up the Walls" fue lograda en la tenebrosa librería St. Catherine's Court. Con el minimalismo de una batería cercana al krautrock de fondo, Yorke nos introduce a la mente de un asesino serial.

El sentido común diría que "Subterranean Homesick Alien", además de la obvia referencia a Dylan en el título, es un tributo a Pink Floyd. Lo cierto es que su cualidad etérea proviene de escuchar el Bitches Brew de Miles Davies.

“Paranoid Android”

Sobre la canción más emblemática de Radiohead existen dos historias. Según Ed surgió de querer amalgamar tres canciones distintas en una, algo parecido a lo que hizo Queen en "Bohemian Rhapsody", pero con las dinámicas de los Pixies. Sin embargo, Thom ha señalado que la inspiración surgió de "Happiness Is a Warm Gun" de los Beatles. Como sea, su cualidad épica de seis minutos no le impidió ser un sencillo radiable, que encumbró a Radiohead como una banda visionaria. La frase "Kicking screaming Gucci little piggy" está inspirada en una tipa de sórdida mirada que Thom vio en un bar de LA, inmortalizada en este clásico instantáneo.

Malentendidos

Considerados workaholics irremediables, pocos fans saben que Radiohead también le puede cantar al ocio, tal es el caso de "Let Down" y su llamado a disfrutar del aburrimiento. Para reforzar la tesis basta escuchar "The Tourist", una canción que habla de disminuir la velocidad con la que vivimos a diario.

La depresión post OK Computer derivó en la autobiográfica "Optimistic", quizá la canción más convencional del disco. De manera lastimosa, Thom afirma que “puedes tratar muy duro, pero nunca será suficiente”... pero al menos en EU, "Optimistic" se convirtió en su mayor hit después de "Creep".

Novedades

- En Kid A no hay guitarras protagónicas, sencillos, videos y mucho menos melodías convencionales.

Lo que existe es la configuración de la estética sonora para el nuevo milenio.

- Los fantasmas de Aphex Twin, Charles Mingus, The Smiths y Brian Eno enrarecen la espesa bruma de Kid A. - Tachado de pretencioso y sintético, Kid A es un disco humano y honesto que muestra –sin eufemismos– a una banda en crisis.

- A pesar de ser el disco más aventurado de Radiohead, llegó al número uno en ambos lados del Atlántico.

- Hermano gemelo del –menos raro– Amnesiac, varias publicaciones calificaron el Kid A como el Mejor álbum de la primer década del siglo XXI.

Anecdotario

Totalmente influenciado por el catálogo de WARP Records, "Kid A" es una canción robótica y futurista. Según Thom, el título surgió accidentalmente cuando guardó el track en un secuenciador con el nombre "kiddae".

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Cuando Thom tenía 16 años escribió el riff de “The National Anthem” (antes llamada "Everyone"). La influencia de Charles Mingus se extiende por toda la canción: mientras el contrabajista decía a sus músicos que tocaran “como mariposas”, Thom y Jonny pidieron a la sección de alientos que emularan "un embotellamiento vial".

Desde la generación Beat, unir palabras al azar –previamente recortadas– es un método creativo retomado por varios músicos. En "Morning Bell", ese método sacó a flote una frase escalofriante: "corta a los niños por la mitad".

El recurso Beat también fue usado para crear la música de "Idioteque", con pasajes recortados de piezas compuestas por Paul Lansky. Para explicar la yuxtaposición del beat dance y las letras apocalípticas, Yorke declaró que su idea era mezclar a James Brown con "las imágenes más friquis y preocupantes posibles".

“How to Desappear Completely”

Para Thom Yorke, experimentar pánico escénico fue algo recurrente durante los diez primeros años. Antes de subir al escenario del Royal Dublin Showgrounds, el miedo lo paralizó y fue su héroe Michael Stipe quien contribuyó a la letra cuando trató de calmarlo: “Pull the shutters down and keep saying, ‘I’m not here, this is not happening”.

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Hail to the Thief Parlophone / 2003

Novedades

-Después de parir gemelos, cualquier parto es más fácil. Hail to the Thief fue grabado en Hollywood en tan sólo dos semanas, algo inédito para Radiohead.

- En este álbum, las letras dejan a un lado las visiones apocalípticas para ahondar en cuestiones políticas.

-Los fans más eclécticos recibieron Hail to the Thief con creces. Sin embargo, para Ed O’ Brien hubiera sido perfecto con tres o cuatro canciones menos.

Anecdotario

En un catálogo plagado de letras rabiosas, resulta difícil saber cuál es la más iracunda. Según Thom, se trataría de “I Will (No Man’s Land)”, una reflexión de un bombardeo gringo sobre Irak en 1991.

La saludable nostalgia de “Sail to the Moon” proviene del nacimiento de Noah, el primogénito de Thom. La canción tuvo un proceso largo y fue Selway quien supo dar el toque final.

Uno de los momentos más espectaculares de Jonny Greenwood como guitarrista está registrado en “Go To Sleep”, donde emula el sonido de una máquina de pin ball.

Sin duda, el momento kraut del disco es “There There”, una canción tan emotiva que conmovió hasta las lágrimas a Thom cuando escuchó la mezcla final.

AMNESIAC Parlophone / 1991

Novedades

-Las canciones de Amnesiac fueron compuestas al mismo tiempo que Kid A, pero este disco representa un hermano gemelo más “alivianado”.

-Las letras de Amnesiac están inspiradas tanto en la reveladora lectura de No Logo de Naomi Klein, como en Alicia en el país de la maravillas.

-Aunque no es un disco convencional, sus guitarras y estructuras son más parecidas al viejo Radiohead que al Kid A.

Anecdotario

Para lograr la somnolencia fuzz de “You and Whose Army?”, el sonido de un micrófono rozando cajas de huevo fue procesado digitalmente.

La influencia de los Beatles es amplia en Radiohead, que para “Like Spinning Plates” usaron un recurso creado por Lennon: tocar la cinta al revés para obtener sonoridades narcolépticas.

La cadencia de “Pyramind Song” está en deuda con el arte egipcio: durante una exhibición en Copenhagen, Yorke contempló la imagen de personas dirigiéndose al río de la muerte, misma que detonó esta agonía musical acerca de “ángeles de ojos negros”.

“Knives Out”

Muy emparentada con la primer sección de “Paranoid Android”, según Ed O’ Brien, en realidad esta canción fue inspirada por las guitarras de Johnny Marr. Su hermosa melancolía fue aterrizada después de un largo periodo de gestación, pues debieron pasar “373 días para aceptar que la canción era perfecta” como fue concebida originalmente.

Globalifobia

Disgustado por cómo “el capitalismo reduce a las personas a pixeles en una pantalla”, la lectura que Thom hizo de No Logo derivó en “Dollars & Cents”, un track de versos kraut y coro delirante.

“2+2=5”

Qué alivio fue tener de vuelta la tríada guitarrera de Radiohead. Con obvias referencias a la distopía que Orwell plasmó en su novela 1984, el sonido con que abre es el de Jonny conectando su cable a la guitarra... y a partir de ese momento la canción no escatima en pirotecnia, intensidad y guitarras intrincadas. Para un mayor efecto dramático, Thom repite como enajenado “All hail to the thief, But I'm not, but I'm not”, frase que muchos interpretaron como una referencia a George Bush, pero que en realidad fue inspirada en John Adams, segundo presidente en la historia de EU.

Hijas bastardas

Varias canciones de Hail to the Thief fueron compuestas en la época del Kid A, tal es el caso de “A Wolf at the Door”, “There There”, “Sail to the Moon”, “Backdrifts” y los lados b “I am Citizen Insane” y “Gagging Order”.

Humor retorcido

Dentro de la “clavadez” que caracteriza a Radiohead, existen varios pasajes humorísticos –al menos eso dicen ellos sobre “Creep” o “Karma Police”–.

En este disco, la gracia se encuentra bien escondida en la pesadez gótica de “We Suck Young Blood”, una canción que debería hacernos reír… aunque parezca salida de un funeral.

IN RAINBOWS XL / 2007

Novedades

- Primer disco de Radiohead lanzado fuera de la jurisdicción de EMI. - Después de la rapidez con que hicieron Hail, completar In Rainbows necesitó un añejamiento de 28 meses, cuatro estudios y dos productores.

Es la mayor crisis de confianza que la banda ha experimentado desde The Bends.

- El “paga lo que quieras por este disco” pasó a la historia como uno de los experimentos más aventurados dentro de la industria discográfica.

Anecdotario

Durante meses, “Videotape” fue manoseada hasta el cansancio y no parecía ir a ningún lado. Un día, Thom fue expulsado del estudio por ser “una mala influencia”. Cuando regresó, Nigel y Jonny la simplificaron hasta convertirla en “sentimiento puro”.

Para llegar a la letra final de “Faust Arp”, hubo que escoger entre “páginas y páginas de letras”, comentó Yorke para Mojo, no sin

KING OF LIMBS XL / 2011

Título

The King of Limbs hace referencia a un antiguo roble que habita en el bosque Savernake, muy cerca de uno de los estudios donde Radiohead grabó In Rainbows.

Novedades

-Se trata del álbum más corto que la banda ha editado, lo cual otorga un sentido de transitoriedad, es decir, de que un disco mayor se aproxima.

-The King of Limbs puede ser entendido como un álbum dual, donde la sobriedad de cuatro baladas encuentra su contraste en canciones electrónicas deliberadamente cleptómanas (según Yorke, en este disco aprendieron a robar de otros músicos).

-Las canciones del disco son collages ensamblados con partes compuestas aisladamente.

Sin la ayuda de una tornamesa y su respectivo software para emular vinilos, hubiera sido imposible samplear y manipular cada sección de manera coherente.

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agregar que pocas veces ha escrito una letra de manera espontánea.

El ADN de “15 Step” fue diseñado en la laptop de Thom. Al final del track, un grupo de niños del Matrix Music School de Oxford fueron registrados por Nigel y Colin en el estudio.

Según Ed O’ Brien, “Bodysnatchers” fue grabada en una casa que solía funcionar como centro de rehabilitación para adictos a la heroína; quizá por ello sea la canción más intempestiva del disco.

A estas alturas, no debe sorprendernos que “Jigsaw Falling Into Places” sea una combinación entre reflexiones sobre la dificultad de hacer el disco, y la fascinación de Thom por los bebedores que juegan al bingo en Oxford (existe el rumor de que bastan dos cervezas para emborrachar al cantante).

justo por eso, porque es muy difícil de cantar.

Según el resto de los músicos es una de las interpretaciones vocales más bellas en su discografía. A botepronto, muchos se dejaron engañar por su acogedor ritmo de vals creyendo que se trataba de una canción de amor, sin embargo, en la brevedad de su letra habita un tufo de nihilismo. Sin duda, “Nude” es el momento más sublime de In Rainbow.

“Nude”

Escrita durante las sesiones de grabación de OK Computer, esta canción fue tocada en vivo varias ocasiones antes de grabarse para In Rainbows.

Originalmente su título era “Big Ideas (Don’t Get Any)”, y solía incomodar a Thom porque la encontraba “muy femenina”. Afortunadamente, en algún punto cambió de opinión y ahora le gusta

-Tomado de la letra de “In Blood”, el nombre The Universal Sigh fue usado para titular el periódico con que Radiohead promocionó el lanzamiento del disco.

- Hasta antes del lanzamiento del video “Lotus Flower”, pensar en una canción bailable de Radiohead sería como pedir solemnidad a Frank Zappa.

Influencias

Una cualidad onírica permea en The King of Limbs. Con imágenes de creaturas, mutaciones y preocupaciones ambientalistas, según Yorke el proceso para escribir las letras del disco “no fue algo consciente”.

Entre las sonoridades más identificables del disco destaca la hiperactividad de

la sección rítmica, las voces procesadas y un cúmulo de guitarras ininteligibles. Con guiños al acustic-dubstep y el drum n’ bass, así como armonías de modern jazz y pasajes corales ambient, The King of Limbs está más cercano de The Ereaser (primer disco solista de Thom), que a cualquier disco de Radiohead.

Crítica

Las opiniones sobre la trascendencia del octavo disco de Radiohead son las más divididas en su historia. Sin embargo, aunque The King of Limbs es difícilmente su obra maestra, se trata de uno de los mejores discos del 2011, y este hecho revela que hasta un álbum “mediano” de Radiohead destaca en la medianía del mainstream.

I would shape myself into your pocket

INVISIBLE

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Do what you wa nt D o

w h a t

y o u

w a n t

I would shrink and I would disappear

I would slip into the groove


And cutA nme up d cut me up

COLUMNAS::

OFF THE RECORD:: TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Playboy, periodista de rock y escritor de ficción.

Twitter: @arthuralangore

Maldito sea el bastón de Gigi

ILUTS:: ALEX ARIZMENDI.

Aquellos que pasan de los 30 estarán de acuerdo conmigo: nuestro despertar sexual se dio con las caricaturas. Sé que a los más jóvenes, lo que acaban de leer pudiera sonarles descabellado y a algunos les habrá arrancado sendas carcajadas; pero a ver, pongamos las cosas en su lugar.

No estoy diciendo que mis compañeros de generación y yo hayamos visto caricaturas porno, o que experimentáramos nuestros primeros actos onanistas de autoexploración mientras observábamos el capítulo más reciente de Scooby Doo, Los Supersónicos o Don Gato, que fueron los dibujos animados con los que crecimos quienes nos desprendimos de la piel de la infancia en los años 80.

Supongo que a muchos lectores instalados en sus dorados 20 –añitos más, añitos menos– les cuesta trabajo imaginar una niñez sin celulares, Internet y, válgame el Diablo, televisión de paga. Pues así nos tocó vivir. Pero no crean que la pasábamos tan mal; dibujar con un gis una carreterita sobre la banqueta para empujar un carrito o jugar al “burro castigado” (que nuestro actual gobierno se permitió catalogar como bulliyng) tenían su encanto.

Sin embargo, tarde o temprano el llamado de nuestras madres nos obligaba a dejar las calles y volver a casa. Algunos se sometían a la inenarrable tortura de la tarea, a otros nos metían a bañar y los más afortunados podían ver un poco de televisión. A falta de Nickelodeon o Cartoon Network –primeras conquistas de la globalización en pantalla– nos conformábamos con mirar lo que el Canal 5 se dignara ofrecernos.

Entonces –y esto lo sé porque los niños hablábamos de ello en los recreos y el que esté libre de pecado, que reniegue como Pedro tres veces antes de que cante el gallo– platicábamos acerca de las chicas 48

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que aparecían en las caricaturas. Repito: no había Internet, ni Playboy, ni mucho menos películas porno piratas a diez pesos afuera del metro, así que nuestra única manera de acercarnos a la anatomía femenina bien desarrollada (y bastante destapada, porque los dibujos animados se han caracterizado por presentar mujeres con ropas muy breves) era a través de las caricaturas.

Muchos se enamoraron de las piernas de Sandy Bell. Unos babeaban por Cheetara, la deslumbrante rubia de Los Felinos Cósmicos; otros se derretían por la Mujer Maravilla (¡Dios mío, qué cintura!) de La Liga de la Justicia y los más perversos se regodeaban con Afrodita, la gigantesca robot de Mazinger Z que lanzaba sus senos como proyectiles.

Pero la más popular era Gigi, protagonista de un antiguo manga japonés en el que una niña poseía un bastón mágico capaz de convertirla en adulta. La caricatura era una ñoñería, pero los niños no nos la perdíamos sólo por observar la transformación, que más o menos tenía lugar a la mitad. En algún punto, Gigi agitaba el bastón sobre sí, giraba y su cuerpo –desnudo, aunque no explícito– de mujer adulta comenzaba a tomar forma mientras continuaba dando vueltas. Por más esfuerzos que hacíamos (y hubo, lo juro, quien grabó la caricatura en VHS para mirarlo en slow motion), jamás pudimos observar el pubis ni los senos… apenas la línea de las nalgas de esa chica espigada que invadía nuestros sueños húmedos.

Odiábamos al bastón de Gigi porque nos dejaba con ganas, pero la verdad, nunca nos la perdíamos. Hoy en día, cuando he tenido la fortuna de observar en muchas ocasiones el cuerpo femenino en toda su plenitud, en vivo y a todo calor, sin censura, sigo pensando que esa negativa de Gigi a mostrar sus secretos, era asquerosamente sexy.

BAJO PRESUPUESTO::

EL CUADERNO AMARGO

TXT:: HUGO GARCÍA MICHEL .

T X T : : PA O L A T I N O C O .

Columnista de Milenio Diario y director de La Mosca en la Red. www.facebook.com/hgmichel

Escritora Twitter: @paolaticono

Las caricaturas me hacen llorar El libro electrónico y sus bemoles La historia del rockcito nacional está llena de momentos de humorismo involuntario y uno de ellos se dio muy a principios de los años sesenta del siglo pasado, cuando la cantante regiomontana Queta Garay convirtió en un éxito radiofónico su versión en español al éxito de Sue Thompson “Sad Movies (Make Me Cry)”, escrito por John D. Loudermilk (autor también de ese blues clásico que es “Tobacco Road”) y traducido en México (¡oh, Dios!) como “Las caricaturas me hacen llorar”. La letra no tiene desperdicio: “Estaba sola y entré a la primer función / se apaga la luz y empieza la proyección / y cuando el noticiero comenzó / llegaron mi mejor amiga y mi novio, mi gran amor / Ellos no vieron que yo estaba ahí / y se sentaron justo frente de mí / y al besar él sus labios, creí morir / y a través de mi llorar y sus siluetas, al Pato Donald vi / Ay, ay, ay, al cine triste me haces recordar / Ay, ay, ay, las caricaturas también me hacen llorar / Dubi dubi dubi dubidú…”.

Parecería una parodia, mas no lo era. La enchongada Queta interpretaba la melodía con verdadero dramatismo. Era una canción muuuuy triste (si no la conoce, búsquela en You Tube y disfrútela sin sadismo).

Cuando era niño (al darse a conocer esta canción, yo tenía seis o siete años de edad), a lo que hoy se conoce como dibujos animados lo llamábamos caricaturas. Así fue durante muchos años más. En esa época, cuando la tele era aún en blanco y negro, lo que podíamos ver, básicamente en el Canal 5, eran las caricaturas de Súper Ratón y algunas otras antiquísimas, muchas de ellas producidas en los años treinta, cuarenta y cincuenta y a las que se conocía como “Fantasías animadas de ayer y de hoy”. Ya más a mediados de la década sesentera, la oferta fue mucho más generosa y surgieron programas como Don Gato y su pandilla, Los Picapiedra, Los Supersónicos, El Pájaro Loco, Tom y Jerry y las películas de Walt Disney que pasaban en el programa semanal Disneylandia (desde La Cenicienta y La Bella Durmiente hasta Fantasía y Alicia en el País de las Maravillas, aparte de muchas caricaturas del histérico pato Pascual, el bobo Tribilín y el sangrón del ratón Miguelito –hoy conocidos como Donald, Goofie y Mickey Mouse–.

Sin embargo, nada como las caricaturas de la Warner Brothers que en Canal 5 pasaban como El festival de Porky (“Láaaastima que terminó…”), El Show de Bugs Bunny y, poco después, El Correcaminos. Eso sí que era romper con los esquemas de las buenas costumbres y lo políticamente correcto de la época. Sus personajes principales eran cínicos, tramposos, irreverentes, provocadores, mentirosos, fraudulentos, engañadores, violentos, egoístas, delirantes, ojetes. Un delicioso mal ejemplo. Todo aquello contra lo cual nos habían educado nuestros padres y nuestras escuelas. Claro que no lo reflexionábamos de esa manera. De hecho, nadie lo hacía; de otro modo, dichas caricaturas jamás habrían sido autorizadas en esos años de absoluto conservadurismo oficial. Simplemente las disfrutábamos y nos divertíamos como enanos. Personajes del talante del Pato Lucas, Elmer Gruñón, Sam Bigotes, el Gallo Claudio, Quique Gavilán, Rufo el coyote o –mi favorito de todos y sigo siendo su fan– el gato Silvestre hacían las delicias de quienes en 1967 o 68 teníamos escasos doce o trece años de edad. Renglón aparte merece el fabuloso doblaje mexicano de esas caricaturas.

Ya después hubo más series animadas y otros personajes memorables (recuerdo en especial a Canito y Canuto, dos perros –padre e hijo– entrañables), pero a la altura de las Merry Melodies de la Warner únicamente, quizá, La Pantera Rosa, otra joya alucinante de esa era.

En la actualidad, he perdido el gusto por las caricaturas. Fui seguidor de Los Simpson, pero sólo en sus primeras temporadas. Cosas como Bob Esponja, Los padrinos mágicos o la animación japonesa me resultan francamente aburridas. Ni siquiera South Park me entusiasma (su elaborada incorrección y su pretendida irreverencia son para mi gusto demasiado obvias). Creo que respecto a los dibujos animados de hoy sí puedo decir que… las caricaturas me hacen llorar.

Un crítico literario del polémico blog Hermano Cerdo charla con el gerente de compras (librero) de una sucursal de la cafebrería El Péndulo. El primero habla acerca de las bondades de los libros electrónicos y el segundo asegura que los e-books le importan poco y no dañan sus ganancias, incluso dice que éstas han aumentado en los últimos meses. El crítico felicita al librero por la selección de libros en inglés que tiene a disposición y el librero sonríe ufano hasta que el crítico completa la frase, y dice que ahí elige los títulos que luego va a comprar en Amazon porque son más baratos (los libros de papel) y porque además, allá tiene la opción de obtenerlos en formato electrónico.

Hay buenas librerías en México, de eso no hay duda. Y cuando digo “buenas” me refiero a locales donde el librero no es sólo un tipo que se deja convencer por los vendedores de las editoriales para exhibir novedades, biografías de celebridades o libros de autoayuda. Tenemos libreros que además son lectores (aunque todos deberían serlo, no es así) y que eligen y descartan con un criterio más allá de lo comercial ¿El problema? Son poquísimos. Y a ese reducido número hay que agregar otros inconvenientes como el del librero que se cruza de brazos ante la lentitud con que avanza la inserción de los libros electrónicos en el mercado mexicano. Hay quien opina, como Roberto Banchick (director general de Random House Mondadori), que primero se posicionará en España y luego en nuestro país, aunque curiosamente, y a pesar de que por mucho tiempo España llevaba una ventaja de 20 años a México en cuanto a tecnología, los mexicanos somos más receptivos a esta nueva experiencia de lectura a diferencia de los habitantes de la tierra de la tortilla de patata. Y para prueba, la venta de dispositivos electrónicos en México y España sería el botón. De acuerdo a información obtenida en Apple, se han vendido más iPads en México que en España y algo semejante reporta Amazon en cuanto a Kindle.

El primer paso que nos lleva a la lectura regular de libros electrónicos ya está dado: la librería Gandhi vende a través de su portal en Internet, una cantidad de libros digitales que van de los temas populares como Las cuatro vidas de Steve Jobs, a ensayos sesudos como El occidente globalizado de Gilles Lipovetsky, pasando por temas de economía, medicina, leyes, ingeniería e incluso agricultura. En este sentido queda claro que el libro digital dejó de ser un proyecto, una historia de ciencia ficción, un tema para debate sobre la pronta o remota desaparición del libro de papel sin que hubiera una nueva opción en la mesa, para convertirse en una realidad. Librerías Gandhi ya entró en operaciones, brinda este servicio a través de la página web o incluso en sus sucursales y cuenta con una estrategia en torno a los contenidos digitales que irá en aumento a lo largo de 2012. Esto solucionará una parte importante del problema de distribución en diferentes estados de la República Mexicana, donde la falta de librerías, hace que la cadena de tiendas Sanborns sea lo más cercano a una librería. Esto sin embargo, no satisface a lectores de libros diferentes a Crepúsculo, Por qué los hombres aman a las cabronas o títulos semejantes. Ciertamente el poder adquisitivo en nuestro país no permite que sean millones los lectores que pueden adquirir dispositivos de lectura como Kindle o iPad (menciono estos por ser los que reportan mayor cantidad de unidades vendidas) pero 100 lectores en Coahuila, 50 en Mexicali, 25 en Guanajuato, 80 en Yucatán; etcétera, hacen un grupo de compradores que con el tiempo irá creciendo, de la misma forma en que el precio de dichos dispositivos irá bajando y de esta manera los lectores que no vivan en las grandes ciudades del país, serán atendidos en una necesidad que las librerías como ahora se conocen, no están cubriendo.

El librero ufano congeló su sonrisa cuando supo que su maravillosa selección de libros en inglés servía para que un lector comprara en Amazon y no en su librería. Se comió las palabras que usó en otro momento para aclarar que el libro electrónico y sus ventajas le importaban un pepino y se fue caminando, solo, por la calle, con las manos en los bolsillos, silbando bajito.

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CINE::

E L

O F I C IO

D E

ANI M AR

T X T : : M a r i o V i ll a g r á n .

Mientras trabajaba en Metegol, la mayor producción de dibujos animados en Latinoamérica, el creador de Mi villano favorito charla sobre las transformaciones del mundo de la animación.

A

unas cuadras del Parque Santander de Madrid, encima de un escritorio de las oficinas de The SPA Studios –la productora de animación digital que comenzó a trabajar en 2004 bajo el nombre de Animagic– decenas de bocetos de personajes sacados de la mejor mesa de futbolito taka-taka buscan ganar espacio a otros trazos que, de la misma muñeca, han llevado a varias generaciones por el mundo de la animación.

Es la mesa de trabajo del español Sergio Pablos, uno de los animadores más respetados en la actualidad gracias a sus trabajos para Walt Disney y 20th Century Fox (Tarzán y Río, respectivamente), pero sobre todo por Mi villano favorito, su más grande apuesta en las producciones infantiles, con la cual ganó el respeto y la taquilla que ahora le permite dar vida a la historia de Metegol, la mayor producción de cine infantil de animación en Latinoamérica, dirigida por el argentino Juan José Campanella, ganador del Oscar por El secreto de sus ojos.

En entrevista, Pablos habla sobre su paso de dibujante a psicólogo, productor y experto en infantes, su labor en Walt Disney, y del ambicioso proyecto latino.

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¿En qué momento descubriste que el dibujo sería tu oficio y profesión?

Sergio Pablos: Desde pequeño. A los nueve años ya tenía algunos personajes en mente y contaba con el apoyo de mis padres para estudiar en el Cal Arts. Al crecer entendí que además de dibujar me gustaba animar, entonces comencé a darles una identidad a mis bocetos y a valorar que la animación es lo que quería hacer de por vida.

A través de muchas generaciones, Walt Disney ha marcado las pautas narrativas de la infancia. ¿Cómo defines tus años como creativo de Disney?

SP: Como todos, he sido marcado por películas como El libro de la selva, y por lo tanto valoro y respeto el trabajo de Disney, además de que ahí aprendí mucho de técnica y profesionalismo. Ahora no estoy contento con lo que pasa en la compañía, se encuentra desfasada y eso provoca la idea de que la animación tradicional poco tiene que hacer contra la digital, cuando en realidad las limitaciones son causadas en gran medida por la restricción que hacen al pensar sólo en un público preescolar. La infancia se les ha ido de las manos.

¿Cuál es el principal defecto del cine de dibujos animados actual?

SP: La “secuelitis”. Muchos creativos ignoran el valor añadido que tiene un personaje, además de que se olvidan de apelar a conceptos que integren a un público familiar, que tal como lo mostró Brad Bird –creador de Los increíbles– es el camino a seguir.

Pensando en la infancia y los cambios que se han dado en su concepción, ¿cómo definirías al público infantil?

SP: Mi primer público siempre está en casa, con mis hijos. En ellos veo qué puede funcionar y las maneras de evitar las fórmulas. Me pasó mucho con el proceso de Mi villano favorito, ya que era difícil situar ante los directivos el hecho de contar una historia desde otra perspectiva, la del “malo”, y el argumento que entendí en casa es que se puede cambiar el punto de vista sin afectar ni postular valores negativos. Lo cierto es que la infancia tiene una menor duración en relación a la inocencia, por ello hay que conocer hasta dónde se puede llegar.

Uno de los proyectos internacionales es la ambiciosa Metegol. ¿Cómo surgió el contacto con el equipo de Juan José Campanella?

SP: Conocíamos el proyecto por algunos amigos argentinos y porque el nombre de Campanella es muy respetado en el cine, pero no teníamos ningún contacto hasta que la productora Catmandú nos buscó. A partir de ahí nos involucramos y comenzamos a definir los perfiles que le daríamos a la producción, en la cual continuamos trabajando para que en 2012 pueda ser estrenada.

“SIEMPRE DIGO QUE MI TRABAJO ES 90% FRUSTRACIÓN Y 10% SATISFACCIÓN”.

¿Cuáles son tus sensaciones en torno al proyecto?

SP: Es una producción en 3D muy ambiciosa para Latinoamérica, que cuenta con un gran equipo detrás. Campanella es un gran narrador que sabe exprimir las mejores virtudes de una historia, y en Metegol ha puesto en juego un relato que apela a toda la familia, gracias a que busca definir conceptos universales como la amistad, y ahí encuentra sus mejores virtudes. Creo que será una agradable sorpresa para el cine de animación infantil, ya que es un filme con mucha identidad, sin pretensiones de imitar, y además, creo que su gran calidad le abrirá muchas puertas. M

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ENCONTRAPORTADA::

POR:: JIMENA GÓMEZ.

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La infancia, esa cosa tan rara, llena de costras y de discusiones estúpidas e importantísimas sobre cómo jugar un juego que se acaba de inventar; de pintar paredes, libros y soles en la esquinita de tu cuaderno; de ese preciado florero que en un ejercicio de autoengaño se rompió sin explicación… De horas y horas enfrente del televisor.

Todos tenemos un recuerdo específico de esos años –tan distinto y parecido a la 53 vez–, e indudablemente plagado de caricaturas.

Pocos instantes permanecen grabados en nuestra mente tan firmemente, como los de esos personajes coloridos, sea por su gracia, astucia, ocurrencia o ridiculez.

En la siguiente página encontrarás un juego que se creó a partir de esos recuerdos de la infancia y con muchos conocimientos profundamente inútiles sobre caricaturas. La meta de éste es llegar a tu infancia. Como no hemos madurado en lo absoluto, te advertimos que sólo puedes jugarlo si obedeces las siguientes reglas y si nos caes bien.

01. De cada pregunta sólo se puede escoger una opción.

02. Se debe seguir la dirección indicada por las flechas. Cada línea punteda te lleva a una opción, y las líneas continuas a un nuevo reto.

03. Sólo se puede jugar una vez. ¿Por qué? Porque nosotros decimos y ya.

04. Y la más importante: siempre elige la caricatura que más nostalgia te provoque –bienvenida la onomatopeya ¡aaaaaw!–.

05. No se vale llorar.

Los gags más memorables en

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INICIA AQUÍ

Lasagna

Personaje con un IQ menor a 80

Cariñositos

Peter Griffin

¿Qué comen los gatos?

Homero Simpson

Beavis and Butt-head

¿Los robots beben alcohol o limpian la casa?

Completa: Capitán_________

Violentos

Osos...

Pitufos

Asalta Picnics

¿Triste o muy triste?

Bender

Cavernícola

Remy

Robotina

Planeta Y como un pez le es fácil flotar

Personaje que resucita frecuentemente

Candy Candy

Snorkels

Kenny

Goku Característica de las mascotas

Bob Esponja

Mandy

Nombre de niño genio

Escoge a un ratón

Escoge a una chica seria

Son samurai

Graciosa

Jimmy Neutrón

Escoge un objeto Cerebro

Daria Jerry

Son cobardes

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Escoge un Carlitos

Chico

¿Qué es un fenomenoide?

¡Ni idea!

Espada del Augurio Los patos son...

80´s

Pervertidos

Barón Ashler Vampiros Con azúcar, flores y muchos colores. ¿Cómo se crea un superhéroe en un laboratorio?

Con rayos gama

Personaje con sexualidad ambigua

Ranma 1/2 ¿Plastilina graciosa o violenta?

Fenomenoide! fenomenoide!

90´s

Escoje uno

Digimon Violenta

Pokémon

Un Mutante

Dexter

Nombre de cápsulas contenedoras

¿Quién es Munra?

Pokebolas ¡Ni idea!

Grande

Productos Capsule Corp.

2000

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ARTE::

15VA EDICIÓN DEL CORREDOR DE ARTES VISUALES DE VANCOUVER T X T : : M a n ú C h a r r i tt o n . F O T : : A l e j a n d r a T o r r e B a l b o n t í n .

Este fue un año de muchos viajes, y para terminar, decidimos visitar Canadá.

Entre las varias ciudades de importancia elegimos Vancouver, ubicada desde hace años en el top 5 de las mejores ciudades para vivir en el mundo. Allí, además, se llevaría a cabo la decimoquinta edición de un festival de artes visuales llamado Eastside Culture Crawl Festival, en donde participaron más de 350 artistas de diversas disciplinas.

Vancouver

es un lugar hermoso, una mezcla de amplios espacios con organización y presupuestos de primer mundo. Ya en la ciudad, sorprende la limpieza, el orden, el respeto y la amabilidad de la gente, así como la tranquilidad y la falta del caos normalmente generado por el estrés y el tráfico de las grandes ciudades.

También nos agradó que Vancouver está muy preparada para los ciclistas y hay mucho respeto hacia ellos, lo que nos animó a poder recorrerla varios días pedaleando. En seguida notamos la gran cantidad de orientales que forman parte de la población estable de la ciudad, lo cual, además de aportar matices a la mezcla de ciudad americana con europea, permite comer en restaurantes hindús, mongoles o japoneses.

En el plano artístico, varios conciertos interesantes ocurrieron esa semana, y entre ellos destacaban WU LYF, Crystal Antlers y

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Death from Above 1979. El Eastside Culture Crawl es un corredor artístico interdisciplinario desarrollado en la zona este de la ciudad, y cada año representa un paso obligado para decenas de miles de personas durante el mes de noviembre.

Para esta edición participaron aproximadamente 50 galerías, ubicadas en ex fabricas, edificios y hasta casas particulares o departamentos que abren sus puertas a los visitantes. Pudimos encontrar trabajos muy interesantes, pero lo más sorprendente es la variedad de actividades en las que participan principalmente pintores, fotógrafos y diseñadores. Como la temática es abierta, puedes encontrarte desde diseñadores de muebles hasta un desarrollador de efectos especiales o un vestuarista para cine. Durante tres días, los artistas abren su estudio para exhibir trabajo y vender su obra; sin duda, una gran idea que debería tomarse en cuenta para nuestro país.

Tuvimos la posibilidad de conversar con Jeffrey Boone, director del festival, quien nos contó, en exclusiva para Marvin, varios detalles interesantes del festival, la ciudad y su escena artística.

El Eastside Culture Crawl Festival es poco conocido en México. Me gustaría que nos cuentes cómo comenzó.

Jeffrey Boone: Inició 15 años atrás, con cuatro artistas que no tenían una galería que los representara, pero querían conectarse con el público y vender su obra. Pusimos a los cuatro en un estudio y fue un gran éxito, así que al siguiente año mucha gente se acercó al festival. Debo decir que en este barrio hay muchos artistas, ya que es una zona barata y muchos de ellos buscaron estudios para rentar aquí. ¿Qué tipo de trabajo hacen los artistas participantes?

JB: De todo tipo. Nosotros no definimos qué clase de arte entra; hay pintores, fotógrafos, escultores, gente que hace grabado, muebles y artesanos de cerámica o vidrio. Todo lo que esté hecho a mano califica, excepto la comida. ¿Te defines a ti mismo como un artista?

JB: No. Estudié arte e hice cosas, pero no es lo que yo hago. Yo soy organizador, mánager y comerciante. Los primeros 10 años el festival fue llevado adelante por una artista. Ella manejaba su propio estudio y hacía su propio trabajo. ¿Cómo defines la escena artística de Vancouver?

JB: Podemos separarlo en dos escenas: hay unos diez artistas muy bien establecidos internacionalmente, algunos de ellos son de los más famosos mundialmente y están muy ligados a lo académico y a las galerías más importantes. Luego hay una escena muy grande de cientos de artistas. Muchos de ellos no tienen representación de galerías, pero esa escena es más popular. Este festival es un gran apoyo para estos artistas que no participan de esa pequeña y respetada porción mainstream.

¿Podrías nombrarme a los 5 artistas top de Vancouver?

JB: Los artistas consagrados más importantes son Rebecca Belmore, Jeff Wall, Rodney Graham, Stan Douglas y Brian Jungen.

¿Para cerrar, podrías nombrarme las 5 promesas artísticas de Vancouver?

JB: Vale mucho la pena que revisen el trabajo de:

¿Qué tanto ha crecido el festival a lo largo de los años? ¿Qué otras disciplinas han incluído?

JB: Hace seis años comenzamos a hacer el Echo Chamber. Allí se presentan bailarines, performances, música folk, artistas de video, belly dancers, poetas, etc. El primer año que lo hicimos llegaron unas 1,000 personas y fue grandioso.

Por otra parte, este año participan 360 artistas y esperamos que nos visiten 20,000 personas.

Mencionaste la música folk. He leído sobre un festival de folk en mayo… ¿Qué otros festivales hay en Vancouver durante el año?

JB: Casi todo sucede en verano ya que el resto del año llueve bastante. Hay un festival de folk, otro de jazz, el Vancouver International Film Festival, el Gay Pride Festival (creo que esa es la fiesta más importante), o el Shakespeare Festival, que también es popular.

Evan Broens

Karin Jones

Instant Coffee

57 Geoffrey Farmer

Germaine Koh

Agradecimientos especiales a la Comisión de Turismo de Canadá, Gobierno de Vancouver y Air Canada.

ARTE::

El instante de la contemplación TXT:: Victoria Karmín.

Reconocido por sus observaciones autobiográficas, políticas y sociales, Peter Kuper es un ilustrador nacido en New Jersey. Dueño de un espíritu nómada, Kuper ha viajado por América Latina, Europa, África, Medio Oriente y Asia del Sur, lo cual se refleja en muchas partes de su trabajo. Además, ha vivido en Israel y en Oaxaca, lo cual fue documentado en Diario De Oaxaca, un libro editado por la editorial Sexto Piso.

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Otros títulos: 1 Alicia en el país de las maravillas, (Sexto Piso), 2010 2 ComicsTrips: A Journal of Travels Through Africa and Southeast Asia (Tundra and then re-issued by NBM),1992 3 Diario De Oaxaca (PM Press/Sexto Piso), 2009 4 The Metamorphosis, (Crown), 2003 5 World War 3, (Fantagraphics),1989

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Diario de Nueva York de Peter Kuper. Editorial Sexto Piso

“Un día

que estaba viendo por mi ventana noté las líneas que separan los vidrios, y pensé que la manera en cómo están divididas crea viñetas como las de un cómic… entonces una idea se comenzó a formar en mi mente. Casualmente, en esa época en Nueva York estaban cambiando casi todas las ventanas de los viejos edificios, y las encontrabas tiradas en las calles, por todos lados, así que empecé a guardarlas y al poco tiempo junté muchas.

Cuando se me ocurrió este cómic, también pensé en voyeurismo, en mirar por la ventana y ver la vida (de otros) pasar en secuencias. Cuando observas a la gente viendo televisión a través de una ventana, sólo se ve una luz intermitente, todo lo demás permanece inmóvil dentro de ese pequeño cuadro. Pensé en todas estas cosas y creé la tira cómica usando una de esas muchas ventanas que había recolectado”.

“Lo hice con un sólo esténcil, dibujando en cada recuadro y luego pinté la luz que sale de la televisión con pintura acrílica de manera diferente en cada uno de ellos, casi como el story board de una animación. Todo viene desde atrás, primero el esténcil, encima la pintura y al final la ventana. Juntos, todos los elementos sugieren movimiento y quietud por igual”.

“Abordo la realidad desde el humor, ya que en momentos oscuros puede ser una medicina para lidiar con los problemas, pero también lo hago con alegría para dar un panorama más amplio. Reuní todo esto en un libro y con suerte saldrá una imagen precisa de lo que es Nueva York y cómo es la vida ahí”.

“Mi trabajo está influenciado por la música en un sentido muy amplio; escucho rap cuando estoy trabajando, o simplemente la enciendo cuando voy por las calles, también me gusta el jazz… en general creo que Nueva York tiene un soundtrack, algunas veces casi apocalíptico: toda la gente, las risas, los gritos, los músicos urbanos que tocan en el metro, todos me atraen y me conmueven”.

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ARTE::

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HIPER

IDENTIDAD

Desde que tengo memoria siempre estoy dibujando, pegado a la tableta gráfica y observando a la gente. Me gusta pintar personas, ver las expresiones, los rasgos –aquello que es tan distintivo y único de la gente– y exagerarlo. Me dedico a la ilustración, caricatura y al diseño gráfico; al principio con acuarela y lápices, después con medios digitales que me permiten explorar nuevas posibilidades. www.david-llamas.com

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DECULTO::MÚSICA

En muchas ocasiones, personajes de las caricaturas de todos los tiempos han incursionado en el mundo del rock, unos con mejor suerte que otros. Sea en películas, discos o como parte de un episodio más en su historia, la música también ha vestido el traje de toon.

El lado oscuro de la esponja They Were All Yellow

“Fue lo único que aprendí en la escuela”, le respondió Otto a Bart Simpson cuando el niño subió al camión escolar con un deslumbrante ejemplar eléctrico, que Otto le arrebató para ejecutar un solo digno de Eddie Van Halen. “No sabía que pudieras tocar la guitarra”, le dijo Bartolomeo a su amigo, el célebre treintañero que nunca sale de casa sin sus audífonos.

Después de un rato, observamos a Otto tocando diferentes canciones para beneplácito de los niños, que habrían de llegar retrasados a la primaria.

En Los Simpson, el rock and roll es uno de los más habituales invitados.

Para el fanático promedio de los personajes amarillos, resultan familiares los cameos que han realizado bandas como Ramones, Metallica, Red Hot Chili Peppers, Smashing Pumpkins, Cypress Hill o Aerosmith; así como también la parodia que Homero, Barney, Apu y Skinner realizaron a The Beatles con la creación del ensamble vocal Homero y Los Borbotones.

Inclusive, uno de los días más importantes en Springfield fue la visita de Spinal Tab (Los Médula). Sin el rock, Los Simpson serían lo mismo que si Otto hubiera aprendido más en la escuela y no condujera su camión escolar.

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No es en vano que exista una iglesia en Estados Unidos que adore a Bob Esponja. El fumadísimo –para algunos ñoño– personaje pondera al rock and roll como una salvación y una forma de vida. En su película, Esponja y su inseparable Patricio Estrella se aventuran a explorar Ciudad Almeja en busca de la corona del Rey Neptuno, que el malvado Sheldon J. Plankton hurtó para incriminar a Don Cangrejo. Luego de una serie de aventuras que harían palidecer al mismísimo Ulises, Bob se encuentra al borde del fracaso hasta que la inspiración rockera lo contagia. Con ayuda de su guitarra interpreta una parodia del tema “I Wanna Rock”, original de Twisted Sister, que bautizó como Goofy Goober, que a su vez en la versión en español conocimos como Quiero ser un cacahuate. En la última secuencia de la película, la estridencia del heavy metal interpretado por Bob y Patricio, logra romper los cubos de control mental que Plankton había colocado a los habitantes de Bikini Bottom, en un involuntario homenaje a The Wall, de Pink Floyd. “¡Su música es genial! ¡Los cascos no soportan este nivel de rock and roll”, grita un alarmado Plankton cuando los rayos láser que brotan de la guitarra de Bob –toda una referencia glam– destruyen las cubetas de control mental que colocó en la población de la ciudad submarina. Cualquier semejanza con “Hey! Teacher! Leave the kids alone!” es mera coincidencia.

TXT:: ARTHUR ALAN GORE.

Músicos muy animados

El último Guitar Hero

Una de las más ácidas críticas a los entretelones de la industria musical, particularmente a la dinámica en la que suelen caer las bandas de rock, corre por cuenta de Kyle Broflovski y Stan Marsh, de South Park. Inicialmente, ambos chicos marcaron un récord difícil de igualar en Guitar Hero tocando Kansas en nivel experto: 100 mil puntos. El par es contratado por una gran compañía, pero Stan es seducido por un empresario discográfico de los videojuegos para que corra a Kyle del “grupo”. Ambos se mandan al demonio (¿Les suena a Noel y Liam, a Slash y Axl o Saúl y Alejandro?) y separan sus caminos. Las alusiones a los grupos que de la independencia se convierten en grandes monstruos del mainstream –y cualquier semejanza con Interpol o Kings of Leon es mera casualidad– y las enemistades que genera entre sus integrantes, son retratadas con más ácido del que cabe en la mitad de un limón, y algo similar pasa con las drogas: una vez que Kyle se ve fuera del “grupo”, acude a una tienda de videojuegos en la que una especie de dealer lo engancha a un juego adictivo, en el que “uno persigue un dragón, nunca lo alcanza, pero sólo se trata de perseguirlo” hasta reducirlo a la caricatura de un junkie al estilo Pete Doherty. Al final, Kyle y Stan se reencuentran y ofrecen un concierto de Guitar Hero; “¡mira, el público de video nos adora!”, le dice Stan a Kyle en uno de los mejores momentos del episodio mientras la gente de Guitar Hero los vitorea por su interpretación. No cabe duda: Video game killed the radiostar.

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La insoportable levedad de Shrek

Sí, no todo es miel sobre hojuelas. Algunos guiños entre los dibujos animados y la música de verdad apestan. Tal es el caso de la versión de “Livin’ la vida loca” que interpretan los personajes de los cuentos de hadas al final de la primera película de Shrek. Pero vale la pena que hablemos de ella por una razón: apesta tanto como el pantano en el que el ogro vivía, mucho más que los eructos y flatulencias que no se cansa de soltar a lo largo de la película, y mucho, pero mucho más que el mundo mismo del pop.

En primer lugar, nos muestran un escenario descomunal, súper producido, pletórico en adornos y pirotecnia… para interpretar un cover sin ningún tipo de sorpresa o arreglo original.

Después, tanto la imitación que Pinocho hace de Michael Jackson como el gag de la persona que se lanza para surfear entre el público (la misma audiencia que se abre para no recibir a Shrek y dejar que se golpee contra el piso) está de más: ¡Todos sabemos que nadie haría eso en un concierto de Ricky Martin!

Las enseñanzas de Don Zombie

¿Qué sería del rock and roll si no existieran las drogas y el sexo? Beavis and Butt-head, los dibujos animados que hicieron de mi generación noventera una turba de simplones descerebrados que sólo pensábamos en sexo y heavy metal, plantearon una de las secuencias más divertidas, bizarras y absolutamente alucinantes del cine de animación. Claro, cuando Rob Zombie es quien se encarga de servir como guionista de un mal viaje de peyote, el resultado tiene que ser excepcional. En la película Beavis and Butt-head do America, que se estrenó en 1996, ambos terminan abandonados en el desierto donde comen un poco de cactus de mescalina: “¡Wow! ¡Estoy alucinando! ¡Esto es como un video musical!”, dice un eufórico Butthead antes de que ambos se suman en un desfile circense de freaks y criaturas ideadas por el mismísimo Zombie, mientras suena la rola “Ratfinks, Suicide Tanks and Cannibal Girls”.

Quiero ver que Los padrinos mágicos se atrevan si quiera a la mitad de eso. M

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Lazlo Lozla Se trata del violinista más grande del mundo en el universo de Don Gato, y debido a una confusión, la pandilla cree que Benito es quien ejecuta el violín con maestría. Tanto fue su éxito que en el filme que se estrenó el año pasado, Lazlo toca en el Madison Square Garden.

Vaquero El quinto Halcón galáctico es un destacado guitarrista que utiliza su instrumento como arma, pues dispara un poderoso rayo en forma de pentagrama.

Pulpo Manotas Vieja caricatura de un simpático pulpo morado.

En su tema de entrada aparecía tocando la batería, instrumento que le venía como ocho anillos a sus ocho tentáculos.

Josie y sus Gatimelódicas Banda de chicas creada por Dan De Carlo en 1960.

Los Archies Grupo garage integrado por Archie, Verónica, Carlos, Betty y Torombolo.

Gorillaz Grupo virtual creado por Damon Albarn, integrado por Noodle, Murdoc Niccals, 2D y Russel Hobbs.

Miku Hatsune Holograma japonés que identifica al software Vocaloid, y que incluso da conciertos en vivo por medio de una avanzada tecnología que la proyecta en un escenario. Su nombre viene de Hatsu (primera), Ne (sonido) y Miku (futuro), y se le define como el primer sonido del futuro.

DECULTO::CINE

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T X T : : J o r ge G r ajales / jorgraja@hotmail.com

Cuando la cinta de animación local Mi vida como McDull se presentó dentro de la edición 26 del Festival Internacional de Cine de Hong Kong en abril del 2002, más de uno se sorprendió al descubrir que detrás de la fachada linda y tierna de los dibujos (que sin duda remiten al mundo de Hello Kitty y sus amigos) había una temática existencialista y un estilo narrativo que lo emparentaba más al Evangelion de Hideaki Anno que a la creación de obvios tintes mercadológicos de Sanrio. La película, que narra de manera episódica la historia del no muy brillante pero optimista cerdito McDull, y la relación con su madre soltera mientras tratan de abrirse paso en sus vidas de clase media baja, fue merecedora en esa ocasión del FIPRESCI –el premio que otorga la prensa cinematográfica– y posteriormente ganó el primer lugar dentro del Festival Internacional de Cine de Animación en Annecy, Francia. Su paso por el Festival de Cine de Udine, sin embargo, le prohibiría ser exhibida dentro del festival de Cannes. Nada mal para una región que nunca se ha distinguido por ser competitiva dentro del campo de la animación. Y es que hasta la llegada de McDull, la animación realizada en la antigua colonia británica era prácticamente inexistente. Todo cambiaría gracias a la tremenda popularidad del personaje, que con el paso de los años vendría a simbolizar la identidad nacional de una zona con una situación muy particular, ya que no es enteramente una nación, sino una región administrativa especial de China que no comparte con ellos ni el mismo idioma ni el mismo sistema económico.

A pesar de la popularidad que goza hoy en día McDull –a quien se refieren a veces como el Mickey Mouse de Hong Kong–, no obstante que sus historias se acercan más a la sensibilidad de las películas del japonés Hayao Miyazaki y a Mafalda de Quino que a la chabacanería imperante de Disney, la verdad es que este puerquito inició siendo un personaje secundario de una serie llamada McMug, en el suplemento infantil del diario Ming Pao. Creado a fines de los 80 por la ilustradora Alice Mak Ka-bin y el escritor infantil Brian Tse Lap-man, que compartían el gusto por la obra del dibujante e historietista inglés Raymond Biggs, McMug pronto se convertiría en una serie de culto, seguida por niños y adultos por igual y volviéndose una favorita dentro del sector intelectual, tanto por sus ingeniosos juegos de palabras en cantonés, como por abordar temas sociales sobre Hong Kong.

A través de historietas y cuentos ilustrados, McMug retrataba la cotidianeidad de un cerdito del mismo nombre y sus amigos. El chancho en cuestión era adoptado por una familia del campo que se muda a la ciudad. A pesar de ello, el puerquito no era tratado como una mascota sino como un miembro de la familia más. Su cándida visión de la vida, la óptica de un infante no muy listo que cursa el jardín de niños, lo convirtieron en todo un éxito a tal grado que Alice Mak y Brian Tse decidieron formar Bliss Entertainment, una compañía que se encargaría exclusivamente de la mercadería generada por los personajes sin perder el sentido de las historias. Esta popularidad haría que se desarrollase una serie de animación, la primera realizada enteramente en Hong Kong, que se emitiría por iTV en 1998. Montada por los propios creadores, la serie de

30 capítulos resultó ser tan atípica como el título que la inspiró, gracias a una extravagante y atinada mezcla de técnicas que iban desde animación por computadora, animación con figuras de papel, marionetas, y hasta la inclusión de segmentos de acción viva entre algunas otras más.

A pesar de que las películas comparten ese múltiple estilo visual, el enfoque de éstas es ahora sobre McDull, un primo lejano de McMug aún menos inteligente que su pariente. A lo largo de cuatro largometrajes el personaje se ha convertido en un icono representativo de lo que significa ser un habitante de Hong Kong, las tribulaciones que pasan sus habitantes dentro de un panorama asfixiantemente urbano plasmadas nostálgicamente en un vaivén de la realidad a la fantasía al sinsentido, con abundantes apuntes de sátira local y momentos emotivos que no estarían tan fuera de lugar en una película de Wong Kar-wai, como aquella escena en McDull El Príncipe del Bollo, en donde al momento de la demolición de edificios que marcan la renovación urbana de Hong Kong, el personaje recuerda en diferentes viñetas los esfuerzos hechos por su madre para convertirlo en una mejor persona, al tiempo que se escucha de fondo la melodía “Historia de un amor” de Consuelo Velázquez ¡cantada en cantonés! Es un momento que epitomiza no sólo el espíritu de la saga de McDull, sino que también reafirma la constante temática de que no hay nada de malo en vivir una vida común, y que lo que a primera vista pudiera parecer triste o patético, es también valioso y sublime.

CURIOSIDADES

El Departamento de Turismo de Hong Kong, ha elegido a McDull como la figura representativa para promover a Hong Kong en el extranjero.

Su nombre en cantonés, Mak Dau, es un juego de palabras que quiere decir también bacinica de plástico.

McDull tiene una estatua de bronce en la Avenida de las Estrellas en su natal Hong Kong, al igual que su figura en el museo de cera.

Una noche de navidad McDull creó a Excreman, una figura parecida al Hombre de Nieve del libro infantil del inglés Raymond Biggs, realizada con excremento y con una bacinica y una tira de papel higiénico a manera de sombrero y bufanda.

En la tercera película de McDull, mezcla de animación y acción viva, aparecen una gran cantidad de actores y personalidades de Hong Kong, incluyendo al fotógrafo de las películas de Wong Kar-wai, Christopher Doyle, quien sale bailando y cantando.

La cantante y compositora del grupo unipersonal de música indie y alternativa, The Pancakes, es la encargada de musicalizar las aventuras de McDull, al igual que darle voz a su maestra Miss Chan. M

LAS PELÍCULAS DE MCDULL

2001 My Life as McDull Mi Vida como McDull

2004 McDull Prince de la Bun McDull Príncipe del Bollo

2006 McDull the Alumni McDull El Graduado

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2009 McDull Kungfu Ding Ding Dong McDull Kungfu Kinder

DECULTO::ARTE

No se dejen engañar por el aspecto bonachón de Paul McCarthy, por su barba de Santa Claus y su mirada tierna: tras esos gruesos lentes de pasta, McCarthy esconde un mundo subversivo, grotesco y transgresor. Un mundo donde Heidi pierde la inocencia a manos de su abuelito y su amiguito Pedro. Un mundo donde Pinocho es un consumista sádico con problemas domésticos. Un mundo donde Blancanieves es una pequeña pervertida que gusta de agacharse sin calzones frente a los enanos. ¿Ya van captando?

Ok, los conceptos no son muy novedosos, eso de desacralizar lo sacro ya está medio pasado de moda. Bueno, pero es que el grandfa Paul no es precisamente un talento emergente, el señor lleva trabajando en asuntos sucios, que involucran kilos de mayonesa, cátsup y chocolate, fluidos corporales, títeres lujuriosos y personajes de Disney, transformados en los sueños húmedos de cualquier ex presidiario rabo verde, por cuatro décadas.

Su espíritu contestatario nació con el de todos los demás jóvenes afortunados que hoy suelen (¿o solían?) denominarse “sesenteros trasnochados”, aquellos que no tuvieron que pagar jugosos tributos a las multinacionales para ver a sus rockeros favoritos, ni sufrieron el acoso permanente de campañas de terrorismo antiséptico contra el sexo (por lo menos en esos tiempos, sólo era un pecado, hoy es un peligro mortal). Por eso, lo más lógico es pensar que de ahí surge el libertinaje que les otorga a los personajes animados que crea o retoma de Disney, para implantarlos en un mundo más siniestro, más sudoroso, pero sobre todo, más real.

Él, mucho antes que Juan Villoro*, detectó y analizó los reflejos deformantes de la realidad que envían Disney y su Disneylandia, así como la enfermiza sublimación de Hollywood y de su alter ego bastardo –igual o más lucrativo– la industria pornográfica. ¿Qué más puede uno hacer viviendo en L.A. sin ser famoso?

“Disneylandia es tan limpia; la higiene es la religión del fascismo”, dijo alguna vez McCarthy en entrevista. “Disney tiene que ver con el futuro. Es un lugar virtual, un poco como la Acrópolis. Los personajes de Disney, su entorno, su estética, son tan refinados; sus relaciones, tan perfectas. Es la invención de un mundo. Una especie de Shangri-La que está directamente conectada con la agenda política, es un tipo de cárcel que te seduce para que la visites”.

Caricaturas. Nombres de… ¡perversiones!

Así, Paul crea su propia y torcida versión del mundo artificioso que lo rodea, como una crítica, sí, pero sobre todo como una bofetada en nuestras conformistas caras. En su estudio, que domina las dunas del desierto de Mojave, pasa años creando sets imaginarios y monstruosos donde lo mismo puede encontrarse una cabeza gigante de George Bush, un pirata del Caribe copulando con un cerdo o un horripilante enano disneyesco con nariz de pene.

En esa especie de dimensión desconocida de Hollywood, el artista y sus ayudantes materializan las cochinadas que pensamos todos pero no nos atrevemos a mencionar: ¿Qué hará en realidad Blancanieves con sus siete enanos? ¿Por qué el abuelo de Heidi la sienta en sus piernas? ¿Heidi y Peter se revolcarán cuando crezcan?

En 1992, junto con su discípulo, el artista Mike Kelley, creó la instalación multimedia Heidi, Midlife Crisis Trauma Center (Heidi, centro del

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trauma de la crisis de la mediana edad). El trabajo incluía varias figuras de hule, que representaban a Heidi, su abuelo y Pedro, así como un set con el chalet de un lado, y un bar y una recámara en el otro extremo de la galería.

Al mismo tiempo, se proyectaba un video de 62 minutos donde los muñecos ejecutaban actos impuros, como meterse en trío a la cama, defecar y otras linduras, en un ambiente de abuso y depravación.

Dos años después, McCarthy volvió al ataque, esta vez, fue Pinocho el que sufrió de problemas domésticos telenoveleros en Pinocchio Pipenose Household Dilemma. Pero había una trampa, no valía sólo plantarse frente al video en la cómoda posición del voyeur, si querías regodearte con los tormentos de Pinochito, obligado a tragar mayonesa, cátsup y chocolate hasta hartarse (tal como el sistema quiere vernos consumir hasta estallar), tenías que ponerte un traje igualito al de él: zapatos y ropa de payaso, un tubo rojo en la nariz, guantes, máscara y mallas, para meterte en la sala de proyección junto con otros mirones disfuncionales como tú. Ah, verdad.

Por unos años, Paul dejó un poco en paz a las caricaturas, se enfocó en temas más candentes, como los piratas del Caribe (es decir, su delirante versión del capitalismo), la guerra de Irak, Bin Laden, Bush y la reina de Inglaterra, a quienes ridiculizó con sádica maestría. Pero eso es harina de otro costal.

Blancanieves escatológica

Sin embargo, en los últimos años, McCarthy ha regresado a explorar las entrepiernas de los angelicales personajes de Disney, en particular de la virginal Blancanieves. En 2009 presentó su exposición White Snow, en la galería que lo representa, Hauser & Wirth, en Nueva York. Y justo a finales del año pasado, en el mismo lugar, exhibió The Dwarves, The Forests (Los enanos, los bosques).

La primera fue una colección de dibujos a lápiz, algunos pequeños, otros a gran escala, en los que retrató a Blancanieves masturbándose, teniendo sexo con el príncipe y evacuando frente a un grupo de atentos animalitos. Varios de los dibujos se complementan con collages de páginas de revistas tanto porno fetichistas, como de chismes de la farándula. Bienvenidos al reino del espectáculo.

La segunda, que terminó en diciembre pasado, se enfocó más en los enanos. McCarthy realizó grandes esculturas en bronce, que muestran un reino encantado muy poco encantador. Los enanos, que primero modeló y después se dedicó a deformar, son figuras grotescas, de apariencia inacabadas, con narices en forma de penes flácidos. Pero la figura central de la exposición es una escultura monumental en madera de nogal, que reinterpreta la obra maestra del barroco italiano el Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini. Claro que aquí vemos a “santa Blancanieves”, patrona del consumismo y la asepsia de la cultura Disney, en un gesto de intenso placer (boca abierta y ojos cerrados), inocentemente recargada en un Tontín sonriente.

T X T : : R e g ina Z amorano .

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Adiós, inocencia

McCarthy, que está por rozar los setenta años, aún está muy lejos de aplacarse. En la última década empezó a ganar fama y dinero, infiltrándose en el sistema, que tanto asco le provoca, con exposiciones en los museos y las galerías más prestigiosas. Muchos lo llaman inmoral, otros lo ven como un viejo estancado en la provocación, otros más, como un vendido; lo cierto es que el mejor lugar para corroer el sistema puede ser desde adentro, más cuando se juega con las fantasías y pulsiones más reprimidas de nuestro pequeño cerebro. Las caras conocidas de nuestra infancia se vuelven contra nosotros para vomitarnos el estado real de las cosas: la decadencia, la destrucción, el consumismo voraz, la crueldad y, quizá lo más tabú de nuestros tiempos, que nuestro cuerpo no es un liso muñeco de hule animado, sino un saco de fluidos sucio y mortal. M

Los orígenes del mal

El irreverente Paul nació en 1945 en Salt Lake City, Utah, en Estados Unidos. Su hogar era una comunidad mormona, lo cual seguramente influyó en su pequeña mente gringa a temprana edad, cavando los agujeros negros que albergarían las represiones propias de los fanáticos religiosos.

Afortunadamente para él, parece que no las enterraron tan bien, pues en cada oportunidad, aquellas bizarras pulsiones se le escapan a Paul de las manos y se plasman en sus videoperformances, instalaciones, esculturas, animatronics y dibujos.

En 1968, Paul se matriculó en la Universidad de Utah, donde estudió Artes plásticas. También estudió arte en San Francisco y cine, en los Ángeles, donde vive hasta la fecha con su esposa.

Joven y vigoroso, Paul inició su carrera por la vía natural en esas épocas: el performance, pero abandonó esta forma de arte efímera e invendible a principios de los 80, para dedicarse al video. Sin embargo, llegaron los 90 sin que McCarthy hubiera vendido una sola obra, así que decidió enfocarse en la escultura, pero no de manera común sino en forma de parodia, haciendo animatronics, o figuras humanas grotescas de hule y fibra de vidrio, parecidas a los modelos de utilería que se usan en las películas de Hollywood.

Como un profeta disparatado, el artista nos advierte no confundir la realidad con la ficción: “Nos convertimos en lo que vemos en los medios y eso es lo que se vuelve real”.

*Aquí pueden leer cómo el escritor pambolero escapó de las garras de Mickey Mouse, no sin antes recolectar un buen número de incisivas observaciones: www.letraslibres.com/revista/convivio/escape-de-disney-world

M A R V I N R E C O M I E N D A

Ju a n Cir e rol Haciendo leña Intolerancia

Sin miedo y con las botas puestas Hoy

en día, la mayoría de la música producida en nuestro país carece de sinceridad, y son escazas las bandas que hacen canciones honestas y sin pretensiones. Una de las pocas personas que se escapan de esta categoría es Juan Cirerol. Cuando escuchamos su primer disco, Ofrenda al Mictlán, muchos quedamos boquiabiertos con la lírica y técnica de este chicaleño. A finales del año pasado editó su segundo LP, en el cual reafirma que hay Cirerol para rato.

Haciendo leña es directo y sin miramientos, y lo mismo habla de la metanfetamina que del amor y la soledad. Desde el track uno, Cirerol muestra sus cartas y las pone sobre la mesa sin miedo; la fórmula ya la conocemos: guitarra acústica de doce cuerdas, armónica, letras autobiográficas sin prejuicios y ritmo de corrido norteño. Sin embargo, se nota que Cirerol ha crecido como músico y ha acumulado anécdotas a montones.

El álbum podría dividirse en dos partes: las canciones en que Cirerol confiesa, la mayoría hacia otra persona y con el corazón en la mano, sus vicios, sentimientos y deseos ("Hey soledad", "Metanfeta", "Algo que tenemos en común", "Se vale soñar"); y las canciones donde nos cuenta sus aventuras on the road ("El corrido de Roberto" –improvisada al momento de grabar el álbum–, "Canción al ocio" y "Me voy por el valle"). Del mismo modo en que acepta su gusto por la mentanfeta y expresa lo que siente por “LA” chica, Cirerol cuenta que para sacar el dinero del diario llegó a cantar en una taquería. Su estilo ha madurado y sus líricas son el diario de un joven en sus veintes, que ha decidido andar la vida por el camino complicado pero más divertido.

La producción en la música de Cirerol (una guitarra y voz rasposa) podría pensarse que sobra, sin embargo, este aspecto es una de las principales mejoras entre el primer y segundo álbum. Ésta corrió a cargo de Memo Ibarra y Carmen Ruiz, quienes lograron aislar cada instrumento –incluida la voz– de manera perfecta para que las canciones sonaran precisas y exactas. Cada componente está en su lugar; la voz en primer plano, las guitarras de repente paneadas (muy recomendable escucharlo con buenos audífonos o buenas bocinas) y los aderezos de armónica y contrabajo resultan acertados.

Juan Cirerol llegó a refrescar la escena musical de este país. Se puede cuestionar su estilo, su forma de vida y sus letras podrían considerarse provocadoras, pero lo que nunca se podrá decir es que Cirerol pretende ser algo que no es. Haciendo leña es la prueba de que se trata de un gran músico y letrista fiel a sus modos, sin miedo y con las botas bien puestas.

T X T y f o t : : D aniel Pat l á n .

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

THE BLACK KEYS EL CAMINO NONESUCH

TEDESCHI TRUCKS BAND REVELATOR

¿Qué sucedió con la antigua fuerza rocanrolera, con la seca furia primigenia de los primeros discos de The Black Keys? ¿Acaso se perdió en aras de las texturas de sonido que les proporcionó Danger Mouse al producirles el álbum Attack & Release en 2008? La duda permanece en este su nuevo álbum de 2011, nuevamente producido por DM, en el que parecerían repetir lo que hicieron en su anterior y muy exitoso Brothers (2010). No es un mal plato, por supuesto.

Al contrario, el dueto vuelve a ofrecer una colección de excelentes temas, esta vez más enfocados al viejo soul sesentero, aunque sin perder su facilidad para crear riffs y ganchos irresistibles. Hay cortes que no dejan de desconcertar, como el semi glam “Death and Gone”, pero en general se mantiene una atmósfera pantanosa que no deja de agradecerse. Mención especial merece la acústica “Little Black Submarines” que recuerda al Led Zeppelin de 1970.

Ya veremos qué nos depara el camino de los Black Keys para su siguiente disco.

T X T : : H ugo G arc í a M ichel .

Kate Bush

Cuando Jack y Meg White se volvieron más eclécticos el resultado fue este, quizá su disco más oscuro.

THE KILLS MIDNIGHT BOOM

Del rock minimalista de sus dos primeros discos a la diversificación estilística del tercero, sólo pasó un lustro.

LED ZEPPELIN LED ZEPPELIN III

El álbum más folkie del Zeppelin, pero sin olvidar la fuerza amplificada de sus orígenes.

Con una larga trayectoria como músicos de blues-rock sureño, la cantante Susan Tedeschi y el guitarrista Derek Trucks decidieron unir sus talentos y sus vidas (contrajeron matrimonio) para conformar a esta espléndida banda de once integrantes que debuta con este álbum fuera de serie. Trucks es el heredero musical directo del añorado Duane Allman (no en balde sigue siendo el guitarrista principal de los actuales Allman Brothers, gracias a su talento para tocar el slide) y aquí demuestra sus habilidades, mientras Tedeschi enseña por qué está considerada como una de las mejores voces del llamado rock de raíces. No estamos ante un disco vintage para nostálgicos. La banda toma lo mejor de la tradición musical del sur profundo estadounidense para traerlo al siglo actual, con un sonido pleno de luminosidad, energía, sensibilidad y finura. Rock, blues, soul, funk y gospel fundidos en un sonido impecable. Una joya.

DELANEY & BONNIE & FRIENDS ON TOUR WITH ERIC CLAPTON

T X T : : H ugo G arc í a M ichel .

La mejor intérprete femenina de guitarra slide y una gran voz.

Una sureña profunda.

EMI

50 Words for Snow Noble & Brite

THE WHITE STRIPES ICKY THUMP

Desde que lanzó Aerial en el 2005, Kate Bush no entregaba un trabajo con material completamente nuevo. Con seis canciones que juntas rebasan por poco la hora de duración, Snow es un álbum de una vitalidad congelante; dilatada a través de pequeños patrones armónicos, sujetos exclusivamente de la voz de Kate Bush, su piano y las percusiones de Steve Gadd. Así, con “Snowflake” – canción abridora– el álbum muestra la fría cadencia con la que va a desenvolverse. Existe un balance muy templado de inquietudes y discretos arrebatos emocionales en la narrativa del álbum: es diluida y vaga, pero comprometida con la formación de un sonido que capture la fragancia de la estación. Kate Bush ha dotado a esta producción de cierto equilibrio, que recuerda a la ligereza con que la nieve toca el suelo y comienza a aglomerarse sobre éste. Tal efecto, es el gran triunfo de Snow.

T X T : : L uis A rce .

Uno de los grandes discos en concierto de todos los tiempos.

THE ALLMAN BROTHERS EAT A PEACH El primer álbum post Duane Allman. Una belleza absoluta.

BONNIE RAITT LUCK OF THE DRAW

Marilyn Crispell Nothing Ever was, Anyway

De cadencia similar, muestra la belleza de espacios diluidos en torno a la música de Annette Peacock. Muy recomendable.

Scott Walker The Drift

Un aspecto mucho más denso de la irregularidad con la que ciertas narrativas cuentan su relación con el espacio.

Kate Bush The Sensual World

Un perfil distinto de Kate Bush hará que algunos se sientan desubicados, pero gratificará a cualquiera que disfrute de artistas con tal versatilidad.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Oneohtrix Point Never Replica Software

Drake Take Care Universal

La continuación de su críticamente aclamado Returnal, podría considerarse como una extensión lógica del mismo; pues ofrece cierta familiaridad respecto al sonido de Oneohtrix.

Sin embargo, al adentrarnos en el lenguaje artístico de este álbum, descubrimos que la música de Daniel Lopatin se ha convertido en una estructura altamente sofisticada, donde cada sampleo y armonía evoluciona con libertad, entregando una textura algo rugosa, que emerge de su estado amniótico para crear esa errática y extraordinaria sensación de continuidad.

Explorando con elegancia diversas configuraciones sonoras que van del ambient al drone, el álbum revela la tintura especular de un verdadero paisaje microtonal, afianzado con las pequeñas sorpresas de orden estilístico –como lo es la inclusión de material sonoro no electrónico (pianos, golpes, pasos, etc.)–. Este es un álbum cuidadosamente tramado; nebulosa sonora en la sintonía exacta de un perfecto manifiesto.

T X T : : L uis A rce .

Aplausos a Kanye por convertir al mainstream rap en un libro abierto de nueva cuenta. Ahora, no es que todo esté permitido, sino que los límites expresivos de los artistas que juegan en este territorio no conocen fronteras. Take Care es heredero inmediato de este movimiento. Con la mirada pérdida y en apariencia derrotado, Drake se muestra en la portada del álbum como un hombre condenado a la nostalgia; ligado únicamente a sí mismo, a sus metas y, claro, a lo que sea que quede de su alma. Todos esos sentimientos se encuentran expuestos a lo largo de Take Care, como en la pista que da nombre el álbum donde, acompañado de Rihanna, compone un verdadero pilar emocional, declarando que a partir de ahora sólo podrá procurar al otro; o escociendo sus propias heridas en “Look What You've Done”. Puede que el mundo aún no esté listo para escuchar rap con tal contenido emocional, sobre todo cuando ciertas partes del álbum fallan al intentar evocar esa nostalgia; pero Drake ha construido un monumento a su persona, y lo ha heredado al público que lo escucha convencido de su triunfo.

T X T : : L uis A rce .

The Maccabees Given to the Wild Fiction

Indie rock ambient. Alucinante resulta el viaje de 52.8 minutos al que esta banda originaria de Brighton nos invita con su tercer disco. Me atrevo a asegurar que sus integrantes hicieron la tarea y escucharon con atención los discos de Pink Floyd porque, sin siquiera acercarse al plagio o el homenaje involuntario, algo hay del “fluido rosa” en la forma en que The Maccabees armoniza las voces, sobre todo en temas como “Slowly One”. Inclusive la entrada de la guitarra en el minuto cuarenta de la misma rola remite a los dolorosos aguijoneos de Gilmour en “Confortably Numb”. El principio de “Pelican” tiene un puntilleo similar a “Another Brick in the Wall”, pero los Maccabees saben darle la vuelta para convertirla en una canción mid tempo mucho más alegre. En general, Given to the Wild se entrega a su propia naturaleza y sigue sus afortunados instintos. Las baladas suaves son recomendables para los días melancólicos, sobre todo “Feel to Follow” o “Glimmer” que desatan imágenes mentales como paisajes al óleo. Las intervenciones sutiles de cuerdas o piano semejan a una gaviota que de pronto se entromete en la escena.

En resumen, el disco es una anfeta, una pastilla alegre que puedes meterte con la seguridad que no dañará tu salud.

T X T : : A r t hur A lan G ore .

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Alva Noto & Ryuichi Sakamoto summvs

Existen pocas mancuernas capaces de crear un sonido tan cautivador como éste.

Boards of Canada Music Has the Right to Children

La implementación de influencias es una de las virtudes de Replica. BoC es una de las que están más presentes.

O Yuki Conjugate Equator

Ambient experimental mucho más atmosférico. Una gran adición para la gente que desee entrarle a esta rama cruda de la electrónica.

The Weeknd House of Ballons Abel Tesfaye es un experto a la hora de filtrar el R&B con todo tipo de electrónica, llevando la exposición de sus emociones a instancias muy estimulantes.

Phonte Charity Starts at Home La obra de Phonte no tiene inconveniente al crear mezclas eficientes entre rap alternativo y R&B. Influencia directa de Drake.

Marvin Gaye Here, My Dear Mientras un mundo interior se consume, Marvin Gaye construye un recinto para almacenar su recuerdo: pura confesión emocional.

Kings of Leon Youth and Young Manhood Algo comparte este disco, quizá el espíritu bucólico del primer disco de los hermanos Followill.

The Rifles Freedom Run Lanzado apenas el año pasado, se trata del tercer disco de una prometedora agrupación originaria de Chingford, Londres.

Paper Route Absence Otra banda de Nahsville con quien comparten la dedicación por componer piezas disfrutables al oído.

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LA CASA AZUL La Polinesia Meridional Elefant Records

Si metes a una licuadora discos de Phil Spector, el twetpop y el sonido eurovisión más barroco seguro el resultado será... una licuadora abollada y un montón de discos doblados, a menos que tengas la sensibilidad de Guille Milkyway, quien desde discos atrás viene explotando melodías más pegajosas que un bubblegum pegado a la suela de tu zapato. Con arreglos dignos de un genio pop, su nuevo disco parece un tributo a la música bailable (disco) de todos los tiempos, y comienza con la acelerada “Los chicos hoy saltarán a la pista”, un hit instantáneo –aunque debo confesar que no me convenció tanto–, que en conjunto con los demás tracks (sobre todo la gran “Europa Superstar”), muestra que Milkyway sigue tomando muy en serio a La Casa Azul. Si bien sus letras solían ser pequeños manifiestos de un estilo de vida pop (tomando tang de naranja, viendo películas de Woody Allen o pidiéndole perdón a una chica por escuchar a los no suficientemente indies Ben Folds Five), el pop de autor de LCA ahora se decanta favorablemente hacía el ritmo.

Niza Canciones de temporada

Melodías atemporales con una voz que lo mismo recordaba a Jeanette que a Nico.

Pizzicato Five Five by Five

Elegante pop japonés que le debe más a Claudine Longet que a Mazinger Z.

The Nines Gran Jukle’s Field

Música tan feliz que dan ganas de suicidarse con una sobredosis de algodones de azúcar.

T X T : : A lejandro M ancilla .

Voyage The Sounds of arrows Skies Above Records

Con un sonido que le rinde tributo al Time de los ELO más electropop, pero que también rememora a Anything Box en su segunda época, comienza el disco de los llamados nuevos profetas del synthpop. No sé si sea para tanto, pero evidentemente los tipos saben hacer buenas canciones. Claro que las referencias obvias están ahí: Pet Shop Boys (“My Shadow” pudo haber sido firmada por este dueto sin problema), italodisco (el single “Magic”), Giorgio Moroder y mucha electrónica emocional para bailar con lágrimas en los ojos. Sin embargo, hay algo que los distingue de la eterna camada de nuevas bandas que buscan revitalizar el género; como Hurts, que prometían pero no cumplieron con las expectativas. Para descubrir “ese algo”, basta escuchar el disco completo, ver los videos del grupo y comprobar que antes de querer convertirse en un hit, apostaron por una propuesta sólida cuyo eje es la elegancia y el pop en estado puro.

T X T : : A lejandro M ancilla .

Teniendo en cuenta que este álbum es un tributo a lo que un joven McCartney escuchaba en la radio, aquí se explican muchas cosas, entre ellas, de dónde vienen algunas de las primeras canciones de The Beatles (las de su autoría, sobre todo). Se trata de un disco que pudo salir hace 20, 30 o 40 años y nadie notaría que es nuevo –lo cual tiene más de una lectura–. Resultan interesantes las aportaciones de Stevie Wonder y del que pudo ser un Beatle (honorario), Eric Clapton, quien toca su guitarra en “My Valentine”, una de las dos canciones originalesdel disco.

Esperaba un poco más de este personalísimo homenaje al jazz y esa música popular de principios de siglo pasado, pero bueno, es Paul... y está vivo. ¡Cómo extraño a Wings!

Paul McCartney Kisses on the Bottom Hear Music

T X T : : A lejandro M ancilla .

Electric Light Orchestra Time Dice Jeff Lynne que lo hizo por encargo, pero el resultado fue un gran disco de pop hecho con sintetizadores. joya.

Ken Laszlo Tonight Uno de los héroes casi anónimos del high energy.

Don Juan Dracula Take me Home Noruegos tecnopoperos influenciados lo mismo por Ultravox que por la eurodisco.

John Lennon Rock and Roll El homenaje que Lennon grabó por compromisos contractuales con su disquera, a los ídolos de sus tiempos en Quarrymen.

Clapton 2010 Hace un año, el guitarrista había sacado este eficiente pero aburrido disco de versiones.

Paul McCartney Run Devil Run El artista rinde tributo a sus fetiches del rock and roll.

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R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Charlotte Gainsbourg Stage Whisper Because Music

Trent Reznor & Atticus Ross The Girl With the Dragon Tattoo

Warner Bros

Jovanotti Ora Universal Music

El nuevo disco doble de esta chica –con la que papá Serge pagaría todas las que hizo–, cuenta con la pequeña ayuda de Beck en la producción, lo cual se nota desde “Terrible Angels”, track inicial donde su voz no convence del todo (suena muy “normal” para sus estándares). “Paradisco” remite a Tom Tom Club para luego volverse un tema “disco” (es mi segunda favorita), ahora sí con una melodía hermosa que no abandona tu cabeza. Las siguientes canciones transitan entre el pop con tintes electro y destellos de rock: “All The Rain” es brillante con su batería yuxtapuesta, “White Telephone” suena a una Nico no tan obsesiva; mientras “Anna”, con sus arreglos sintetizados y la voz en plan angelical de Charlotte, es sin duda la joya del disco. Después de “Out of Touch” –una balada un tanto intrascendente– y la semi-folkie “Memoir”, en el track seis Charlotte se hace acompañar de Noah and the Whale. Como plus, el segundo disco incluye versiones en vivo que se cuecen aparte.

T X T : : A lejandro M ancilla .

Hace 16 años, en la magistral secuencia de créditos de Seven, pudimos escuchar un remix de “Closer”, cortesía de NIN. ¿Quién diría que no sería la única y mucho menos la última colaboración entre David Fincher y Trent Reznor? El primero es probablemente el director hollywoodense con mejor dominio del thriller en la actualidad... y este último no necesita presentación.

Una historia que habla acerca de la tecnología en nuestros días y que cuenta con personajes oscuros, seguramente fue una razón más que suficiente para atraer a Reznor al proyecto, quien junto con su nueva mano derecha, Atticus Ross, nos ofrece ambientes y paisajes sonoros que contribuyen desde un segundo plano al drama de la historia. Escuchar estas pistas (no se les puede llamar canciones) descontextualizadas, es decir, fuera del filme, es una tarea que no muchos estarán dispuestos a realizar. Mención a parte la mancuerna entre Trent Reznor y Karen O en la versión de “Immigrant Song” de Led Zeppelin, única intervención vocal del disco.

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Hace tiempo se editó un tributo al divo francés con Jarvis Cocker, Air y otros. Éstas son las versiones originales.

Beck Midnite Vulture

Un clásico... y el mejor disco del "loser" de Beck.

Françoise Hardy In English

La actriz, modelo y heroína de la chanson, se atreve con el inglés.

Trent Reznor & Atticus Ross

The Social Network El primer producto de la nueva faceta de Reznor como compositor.

NIN Ghosts I-IV

Cuatro largos CD’s con paisajes sonoros que difícilmente volveremos a escuchar por cuenta propia.

NIN Year Zero

Apocalipsis y códigos binarios.

T X T : : J esús S errano .

Jovanotti posee un estatus similar al de Macaco por su mestizaje hippie, a Jamiroquai por esa expresión light del funk y el R&B, y un toque de Manu Chao por su combatividad política. Pero eso no es todo. Al parecer nos hemos quedado con aquel que cantaba “Penso positivo” o “Serenata rap”, lo cual sin duda es una apreciación bastante corta. A estas alturas, Lorenzo Cherubini – nombre de pila– cuenta con 19 álbumes y una carrera de más de 20 años. Nadie puede negar que es un compositor consumado que no abandona su bonhomía, sentido del humor y desenfado (cruzó la Patagonia en bicicleta y reunió dinero para Kosovo).

Aunque no necesita probar nada, ahora emprende un reto de grandes dimensiones, no sólo por tratarse de un disco doble de 26 canciones, sino por reinventar casi por completo su sonido. Lo más sorprendente de Ora es la manera en que se apropia del tecnopop a la diversidad rítmica cuando va hacia lo tradicional. Para Jovanotti lo popular caza perfecto con los recursos electrónicos, y por ello no extrañan las referencias a Gorillaz. Entre sus invitados están Amadou & Mariam para alternar en “La bella vita”, al igual que Michael Franti en “Battiti di Ali di Farfalla”.

T X T : : J uan C arlos H idalgo .

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Monsieur Gainsbourg The Originals

Amadou et Mariam Dimanche a Bamako El genial dueto de invidentes nativos de Malí fue producido por Manu Chao y deslumbra con su talento.

Jovanotti Lorenzo 1992

El disco que lo puso delante del mundo, merced de sus rapeos en italiano.

Macaco El vecindario

Aquí el Mono Loco celebra su carrera con un montón de duetos interesantes.

R E S E Ñ A S M Ú S I C A 3 X 1

Lindstrøm Six Cups of Rebel Smalltown Supersound

The Big Pink Future This 4AD

¿Qué habrá pasado en la mente y vida de este músico noruego para que se alejara de sus virtudes y produjera material que se confunde con la electrónica más ordinaria? Ese brebaje conocido como cosmic-disco se basaba en el toque vintage de los sonidos siderales y de ciencia ficción, además de provocar una psicodelia que se podía bailar. Y poco de eso queda. En el cuarto álbum bajo su apellido, Hans Peter no carece del talento que lo caracteriza, sólo que ahora busca seducir a escuchas más conformistas.

Siete tracks se antojan pocos –aunque sean largos– dado que no tienen ese lado bizarro y retrofuturista que lo distinguió antaño.

Cuesta trabajo diferenciar las piedras preciosas entre tanto material sin encanto. Apuesto mis fichas por “Deja Vu”, con una línea de voz a lo Gil Scott-Heron y párenle de contar. Lindstrøm solía ser una brillante excepción que amaba la rareza, pero que ahora es deslumbrado por los hoteles de cinco o más estrellas.

TXT:: J UA N C A R LO S H I DA LG O.

Contemplo el orden del cartel de Coachella 2012, y no comprendo qué es lo que estos ingleses hacen tan arriba. Los festivales tienen sus injusticias y sus manejos turbios, y The Big Pink ha movido astutamente las piezas para ascender. Milo Cordell y Robbie Furze tenían experiencia de sobra –y lo demuestran–, pero en la medida en que sus canciones pierden misterio y suciedad se perfilan hacia la masividad con su segundo disco.

Sus temas ya no interrogan, casi nada queda del ruido y la suciedad de su debut y poco respeto muestran a la herencia de My Bloody Valentine. Tienen oficio de sobra, pero el tipo de canciones parece homogeneizarse entre muchas similares que marcan la pauta del momento. Cada cosa está tan calculada que parece una impostación. Aun cuando quisiera decir que “Stay Gold” será un sencillo resultón y que “Hit The Ground (Superman)” es de lo mejor de una decena que sabe a poco, no faltará quien considere una osadía samplear a Laurie Anderson. ¿En qué momentos dejamos de ser exigentes? No estamos para medianías, en cada experiencia debemos rozar las alturas y este vuelo se queda muy bajo.

T X T : : J uan carlos hidalgo .

Lindstrøm Where You Go I Go Too

El mejor ejemplo de la grandeza musical que ha dejado ir.

Prins Thomas Prins Thomas

El debut en solitario de su colega del alma con el sonido que los caracterizaba.

Todd Terje It’s the Arps

Un EP para conocer las hechuras del tercer lado del triángulo de la Nu-disco noruega.

Klaxons Surfing The Void

Tras un debut espectacular, cayeron en picada con el segundo álbum.

My Bloody Valentine Loveless

Una obra maestra del ruido como forma de arte. Hay que regresar a ella en incontables ocasiones.

R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1 De estructura fascinante y una gran diversidad temática, Stone Junction es una novela cuyas aventuras alquímico-lisérgicas, de amor cósmico-filial, de ciencia ficción existencial tienen un carácter iniciático. Originalmente llamada Introitus lapidis, tiene como hilo conductor la vida de Daniel Pearse, que junto a su madre son tomados bajo la protección de la AMO, una organización clandestina que reúne ladrones, magos, anarquistas y todo tipo de fugitivos. La asociación pone a Pearse al cuidado de hábiles especialistas en actividades delincuenciales, quienes le hablan de filosofía, alquimia y metafísica –como si se tratara de beatniks-hechiceroscientíficos–. De la energía nuclear a la invisibilidad, pasando por los viajes dimensionales y la trama policial, se trata de una odisea –o una epopeya, como dice el subtítulo– sumamente impactante y perfectamente escrita.

Dodge posee una capacidad narrativa asombrosa. Una obra inolvidable que se colará hasta lo más profundo de nuestro ADN.

Jim Dodge Stone Junction (una epopeya alquímica) Ed. Alpha Decay

T X T : : juan carlos hidalgo .

Thomas Pynchon Vineland

Este gigante de la literatura es admirador de Dodge; ambas obras guardan ciertas coincidencias.

Jim Dodge El Cadillac de Big Bopper Otra de las novelas por descubrir y apreciar de este norteamericano, nacido en 1945.

Jack Kerouac En el camino

De alguna manera emparentadas; En el camino es un vehículo de iniciación detonante y encuentros cruciales.

R E S E Ñ A S L I B R O S 3 X 1

José Ángel Balmori

Tipos que trabajan en agencias de publicidad cuyos clientes, en lugar de recibir el servicio justo, obtienen zarpazos de excremento humano en el cuerpo; hombres en ruina emocional, desilusionados de las mujeres conforme la alopecia se apodera de sus cabezas; niños y adolescentes aburridos en pueblos polvorientos y sudorosos, y adultos nauseabundos que saben que el dinero sacude cualquier clase de trasero. Relaciones familiares agusanadas, decapitados, emos listos para cortarse las venas, cacos que tragan perros, funerales, Bacardí blanco, mariguana, cocaína y CD’s de Maná. José Ángel Balmori maneja este, su primer libro de relatos –y divagaciones ampulosa– como un microbusero pelado y altanero; si abordas su vehículo en ruinas te atienes a un atraco, a una violación, a la muerte. Junto al limpiaparabrisas del cacharro está escrito con letras fluorescentes el destino de toda esta chatarra narrativa: Ascópolis. Cada quien decide si quiere llegar a ese oscuro terreno baldío o mantenerse seguro, bajo la sombra primaveral de los árboles del parque.

Guillermo Fadanelli ¿Te veré en el desayuno?

T X T : : A lejandro G onz á lez C as t illo .

La indigencia narrativa en el panorama literario mexicano alcanza aquí su máximo esplendor. Sexo bruto, alcohol y traumas por mayoreo.

Roberto Lindl, el fino contrabajista del conjunto chileno Los Tres, además de contar con un guardarropa de fábula, posee una colección de cámaras fotográficas que ha tenido a bien echar en la maleta cada vez que escala tarimas al lado de sus compinches. Tras pasar más de veinte años disparando el flash, ha decidido condensar parte de su obra en un libro que da cuenta de los días adolescentes de Álvaro Henríquez, Ángel Parra y Pancho Molina. Aquí hay enramadas chilenas con el folklore sureño como techo; estancias en los escaparates latinoamericanos más populares –incluido el imperio MTV–, e instantáneas tan íntimas, que por momentos parece que uno ha metido la nariz en el ropero de Lindl para extraer su álbum fotográfico más escondido. Tragos, carcajadas, amores incompletos, ensayos, vuelos, grabaciones psicodélicas; casi doscientas páginas de imágenes que narran una de las historias más dignas que ha arrojado el rock interpretado en español.

Gonzalo Planet Se oyen los pasos

Ascópolis Moho

Roberto Titae Lindl Los Tr3s RiL Editores

T X T : : A lejandro G onz á lez C as t illo .

Padre putativo de Balmori (y los que vengan después). Literatura bestial para lectores disfuncionales.

Charles Bukowski Erecciones, eyaculaciones, exhibiciones Padre putativo de Fadanelli.

Lecturas gamberras para borrachos y drogadictos que se hacen los listillos.

Fernando Nachón De a perrito

Jugoso repaso de los momentos determinantes en la historia del rock chileno; un ente vivo a pesar de, y después de la terrible dictadura militar.

Fernando Aceves Ilusiones y destellos.

Retratos del rock mexicano

Colección de retratos de algunos de los más importantes músicos del género en México.

David Ponce Prueba de sonido

Acercamiento a Los Picapiedras, Los Ramblers, Spectros y muchos otros grupos chilenos cuyo paradero vale la pena conocer ayudados de información de primera mano.

Manuel Cruz Amo, luego existo. Los filósofos y el amor Planeta

¿Cómo se enamoran los genios? o mejor dicho, ¿se enamoran?

Para quienes consideran que el amor sólo es un pasaje breve de la adolescencia o un estado de inconsciencia, el filósofo y catedrático de la Universidad de Barcelona, Manuel Cruz, nos presenta en Amo, Luego existo: los filósofos y el amor, un laberinto exquisito de los amoríos de los filósofos a lo largo de la historia. La pluma perspicaz y seductora de Cruz lleva al lector dentro de las más hondas reflexiones en torno al amor, desde Platón hasta Hannah Arendt, de San Agustín a Spinoza, de Sartre de Foucault y Nietzsche, entre otros. Este libro representó el premio Espasa de ensayo 2010 y no solamente es una lectura amena, es también una consolidada teoría del amor; del amor romántico, del amor hereje, del amor erótico o del amor infiel. Los pasajes y las cualidades literarias del autor nos sitúan en la melancolía y la añoranza; y es que Manuel Cruz nos advierte desde el epígrafe que este libro provocará comezón, complicidad y memoria, señales todas de la presencia del amor.

T X T : : A ndrea B rav o .

Manuel Cruz Menú degustación. La ocupación del filósofo

La ironía crítica de Manuel Cruz ahora exponiendo las trampas del filósofo, la audacia del hacedor de palabras. Muy recomendable.

Clarice Lispector La hora de la estrella

La autora ucraniana con la misma costumbre de regalar fragmentos poetizados, reflexionados y subversivos.

Herbert Marcuse Eros y Civilización

Esta obra se trata de un análisis psicológico y social que retoma las ideas de Freud y propone una defensa de los instintos del hombre frente a la represión social.

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R E S E Ñ A B lu R a y

Bond 50

Edición especial de aniversario Quizá después de Jesucristo, James Bond es el personaje de quien más películas se han hecho. Por supuesto, también es el único que, a pesar de tener 50 años,, sigue rodeado de mujeres guapas y su “licencia para matar” es eterna. Creado por Ian Fleming, el agente 007 hizo su primera aparición en la novela Casino Royale de 1952, y a partir de ahí sus seguidores se multiplicaron año con año. Para celebrar el aniversario número 50 de las aventuras del espía más famoso, 20th Century Fox Home Entertainment y Metro-Goldwyn-Mayer Studios han anunciado el lanzamiento de la colección dorada en Blu-ray de las 22 películas de James Bond. Bajo el nombre Bond 50, la edición de colección incluye desde el Dr. No (1962) hasta 007 Quantum of Solace (2008), además de 130 horas de material adicional con contenido exclusivo. Y claro, también trae entrevistas a los seis icónicos actores que han interpretado al agente secreto: Sean Connery, George Lazenby, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan y Daniel Craig. Así como Carmen Maura presume por todos lados ser una “chica Almodóvar”, los chicos Bond hacen lo propio, como si se tratara de un título nobiliario.

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ELPILÓN::

TXT:: JIMENA GÓMEZ.

Actor de doblaje de Homero Simpson, Peter Griffin, Winnie Pooh y el Profesor Farnsworth. ¿Cómo empezaste en el doblaje?

Humberto Velez: El doblaje se hace por vocación o no se hace en lo absoluto. Cuando eres chiquito sientes un llamado interno, algo que te llama la atención aunque no tengas mucha información de cómo hacerlo. Desde que descubrí que el doblaje existía, supe que quería dedicarme a ello. ¿Cómo concebiste la voz de Homero?

HV: Hay varias formas de hacer el doblaje de una caricatura; la primera depende de la compañía, en este caso Fox, quienes no te exigen absolutamente nada, te dan el material y haces lo que quieras con él. Sólo te dan una semblanza por escrito del personaje, pero no te obligan a más. Por el contrario, Disney quiere que el actor de doblaje haga exactamente lo mismo que el actor original en inglés, es decir, que cuando tú oigas a Winnie Pooh, escuches al mismo Winnie Pooh gringo hablando español. ¿Los doblajes cambian con el paso del tiempo?

HV: Hice el doblaje de Homero durante 15 años, y éste fue cambiando porque la voz cambia con el tiempo. Por otra parte, vas conociendo más al personaje, la serie, los guionistas, y eso influye también. En el primer capítulo salió una inocentada de voz y en los últimos ya era un Homero malicioso

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y perfectamente creado. ¡Conozco a Homero mejor de lo que conozco a mi padre! (risas).

Al conocer tanto a Homero, ¿en algún momento se mezclan las personalidades?

HV: De alguna manera sí, yo le di frases o expresiones, por ejemplo: “me quiero volver chango” (risas). La gente puede pensar que es algo espontáneo, pero no es así, el oficio consiste en hacer que suene espontáneo. Todo está escrito, no hay improvisación, cuando mucho se adaptan chistes que son demasiado gringos, como “anda la osa”, una expresión que no altera la historia en lo absoluto. ¿Cómo fue que dejaste de hacer la voz de homero? Fue una de las cosas menos esperadas…

HV: Nadie esperaba que me quitaran la voz de Homero. Todo empezó por un conflicto entre la empresa donde se doblada y la ANDA. Era cosa de negociar, pero en ese proceso aparecieron intereses personales del secretario Raymundo Capetillo; entonces entraron a la discusión más voluntades y todo se volvió un relajo. Después de ocho meses nos fuimos a huelga pero perdimos… hasta la fecha no comprendo cómo perdí ese doblaje. Por fortuna lo dejé de hacer, el nuevo Homero no me gusta y seguramente hubiera resultado desastroso hacerlo.

Hay esta idea de que se trataba de dinero… ¿Se ganaba bien doblando a Los Simpsons?

Uno pensaría que en el mundo del doblaje hacer la voz de Homero, es el equivalente a ser un rockstar…

HV: (risas) ¡¿En serio?! Pues en realidad no, para darte una idea, en promedio ganaba $600 pesos, a veces $650 a veces $400, por capítulo, lo cual no es un ingreso de rockstar.

Sólo se grababan 26 capítulos por año, así que si multiplicas $600 por 26, son $15,600 al año menos deducciones de impuestos y del sindicato.

Los empresarios no tienen idea del valor de hacer un doblaje, al contrario, piensan que nuestro trabajo no vale mucho y cada vez que pueden rebajan el sueldo. Actualmente no se puede vivir del doblaje en México, mi madre tenía razón (risas) ¡Le hubiera hecho caso sobre estudiar derecho! (risas). ¿Y los demás personajes que doblabas?

HV: Antes tenía muchos personajes, tenía a Peter Griffin, pero me lo quitaron. La Fox me da y me quita, la verdad no sé muy bien qué pasó. Yo era una especie de su consentido, doblaba y dirigía Padre de Famila. También dirigía y actuaba en Futurama, era Keith y el profesor Farnsworth… de repente me quitaron todo.

Es evidente que algo pasa. M

Escucha la entrevista con la voz de Homero

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