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05-JUL-18

162 » ESPECIAL SURF-GARAGE

20 AÑOS DEPUÉS, ¡EL REGRESO DINAMITA!

MVN 162 | ESPECIAL SURF-GARAGE

05-JUL-18

162 » ESPECIAL SURF-GARAGE

LA GRAN CELEBRACIÓN DEL MAYOR EXPONENTE DE SURF HOT-ROD

Contenido

MVN :: 162

ESPECIAL DE SURF-GARAGE JUNIO 2018

En portada 32 THE BOMBORAS. 34 LOST ACAPULCO.

Música

Fetivales

Cine

Literatura

Cómic

Arte El Pilón

8 TECNOLOGÍA 9 ESTILO 10 EN MEGÁFONO. Noticias frescas 18 STAND-UP. Isaac Salame 18 INDUSTRIA: Super bookers.

20 ATLAS SONORO. Surf/Garage. Un revival sin fecha de caducidad 36 THE NEANDERTHALS. 38 THE 5.6.7.8’S 40 THE GRUESOMES. 42 THE BOSS MARTIANS. 44 WILD EVEL & THE TRASHBONES. 46 THE TORMENTOS. 48 DE CULTO: SAICOS VS DICK DALE. Hagan sus apuestas 22 #FESTIVALMARVINCDMX. 8 sin dejar que la música deje de sonar 28 CORONA HELL & HEAVEN. Aquí en la tierra como en el infierno.

31 WILD’O FEST. ¡Surf and roll a tope!

58 BRUCE BROWN. Los oleajes infinitos 50 DE CULTO: RUSS MEYER. “Esto no es sólo un par de tetas”.

54 MUJERES EN EL SURF. La conquista de las olas 56 ROGELIO GARZA. “Escribir es en cierto modo hacer música con palabras”.

60 EL CÓMIC, EL PULP Y EL SURF 62 CÓMIC DEL MES: Hernán Gallo 52 DE CULTO: ED “BIG DADDY” ROTH. Del garage al museo

Editorial

E

n un año en que los conciertos y los festivales ya ocupan más de la tercera parte de nuestros compromisos del año, se consolida uno que tiene su propio estilo, su cara, su actitud, y lleva toda la fórmula que compone la música juvenil: fiesta, euforia, energía, monerías rebeconas, chacoteo, imaginación, dinamismo y buen humor.

Hablo del Wild O’ Fest, una ceremonia de iniciación rigurosa para todos aquellos que ansían un concierto con toda la receta arriba mencionada y que bien a bien no tienen claro por dónde empezar.

Sonidos instrumentales, temas cantados, canciones gritadas, música de acción y un estado de ánimo ebrio de alegría, conducidos por la aplastante guía de las guitarras crudas, los sensuales sonidos playeros, las alusiones a la velocidad motorizada: el surf y el garage.

Y con este pretexto, hacemos un repaso a la idiosincrasia de estos sonidos, sus usos, sus costumbres, su universo gráfico, el suceso que será la visita de varios representantes destacados de este sonido icónico a la edición 3 del Wild O’.

Un coleccionable escueto que definitivamente no logra resumir sus cincuenta años de historia, pero que aporta un granito de arena al emocionante panorama de este momento histórico.

Así que como los amos de Dogtown, desde la playa a las calles: Surf’s up!

Uili Damage @uili

Uili Damage @uili

DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx DIRECTOR DE CONTENIDOS PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL HOMERO NÚÑEZ homero@marvin.com.mx REDACTOR WEB SANDRA RODRÍGUEZ sandra@marvin.com.mx ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx PROJECT TRACKING ISRAEL ARIAS israel@marvin.com.mx RAÚL MÁRQUEZ raul@marvin.com.mx

DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sergio Benítez, Lenin Calderón, Aarón Enríquez, Arturo J. Flores, Rogelio Garza, Diego González, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Arturo Lara, Alejandro Mancilla, Toño Quintanar, Itzel Rojas.

REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com IMPRENTA IMPRENTA AJUSCO, S.A. DE C.V. José Ma. Agreda y Sánchez 223, Col. Tránsito, Ciudad de México, 06820, México Teléfono +52 (55) 5132-1100 MVN 162 :: ESPECIAL SURF-GARAGE

DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx VENTAS ÓSCAR PADILLA oscar@marvin.com.mx VENTAS DANTE GARCÍA dante@marvin.com.mx ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx PRODUCCIÓN FERESHDE MOLUK feresh@marvin.com.mx ADMINISTRACIÓN CARLOS ARRIAGA carlos@marvin.com.mx

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MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 162correspondiente a: JUNIO 2018. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores.

Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Tecnología

cuarto fabricante más grande del mundo

Hace apenas unos meses la firma Xaomi logró entrar a nuestro país de manera formal, ahora la empresa se proclama como el cuarto fabricante más grande a nivel mundial en cuanto a smartphones se refiere. Sólo por debajo de Samsung, Apple y Huawei, la presencia de la empresa subió en valor del mercado de un 3.6% del año anterior al 8.2%.

competirá con tinder La segunda entrega del clásico Mega Man es quizás uno de los mejores juegos de todos los tiempos y este año el videojuego cumple 30 años de haber salido al mercado. Para celebrar este acontecimiento, la gente de iam8bit –dedicada a lanzar música y artículos de colección– se dio a la tarea de lanzar una versión limitada a 8,500 cartuchos para NES de este clásico, el cartucho incluye un booklet conmemorativo y existe la posibilidad de que te toque un cartucho que brilla en la oscuridad.

La oferta de aplicaciones para conocer gente es basta pero ahora Facebook se subirá al tren y competirá con su propia versión de Tinder. En el más reciente F8, la compañía presentó un adelanto de esta aplicación que estará enfocada según Mark Zuckerberg en “relaciones significativas” no sin antes asegurar la información de los usuarios. Todavía no hay fecha de lanzamiento pero sin duda Facebook ha logrado desplazar a otras compañías como Snapchat imitando funcionalidades así que esta posiblemente sea una estrella más para la empresa.

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Estilo

CELEBRA 2 años

Al cierre del mes de mayo, la tienda “matriz” de la marca de Adolf “Adi” Dassler de nuestro país, la adidas Originals Flagship Store Mexico City celebra su segundo aniversario con colaboraciones que llevarán al extremo a los fans de la marca, en una celebración de dos fines de semana en donde podrán experimentar toda la esencia del trifolio.

La Flagship Store se ha convertido en un punto de encuentro para toda la comunidad creativa en la ciudad. Durante estos dos años, a través de diferentes acciones, ha manifestado su intención de reunir a vecinos y visitantes de Roma-Condesa, al mismo tiempo de ser las colaboraciones especiales, piezas insignia y sneakers exclusivos en México. Además, este espacio es en sí mismo una experiencia para quien acude a visitarlo, ofreciendo exposiciones de arte, lanzamientos, fiestas inolvidables, firmas de autógrafos y demás.

Para conmemorar cada uno de los 730 días de su apertura, la adidas Originals Flagship Store Mexico City presenta: FOOD & ART RESIDENCE II: 2 y 3 de junio, a partir de las 12:00 horas Chinaloa servirá unos bocadillos icónicos de su menú, mientras que Bronson ofrecerá tatuajes temporales y permanentes. También creará un gráfico conmemorando este momento. Este gráfico se imprimirá en la segunda postal de edición limitada.

SNEAKER CLEANING BAR: Del 2 al 8 de junio (consultar horarios en tienda) El Sneaker Cleaning Bar es un centro de limpieza especialmente hecho para los fans de los sneakers de adidas Originals, donde los visitantes de la tienda que acudan con sus tenis adidas podrán recibir servicio de limpieza superficial gratuito. Aquellos que realicen una compra, recibirán una limpieza de suelas Boost® (consulta bases y condiciones directamente en tienda).

Además, sumándonos a la celebración y coincidiendo con el lanzamiento de su colección de verano, adidas y Marvin tenemos artículos de obsequio para los cuales podrás encontrar distintas dinámicas en marvin.com. mx y facebook.com/revistamarvin a partir del lunes 4 de junio. adidas Originals Flagship Store Mexico City convoca a todos los fans del trifolio y a los entusiastas de la creatividad a acompañarnos en la celebración de estos dos años de crear comunidad. adidas Originals Flagship Store Mexico City Atlixco 91, Condesa, CDMX

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En megáfono

HABLANDO CON IMÁGENES DE “LO FEMENINO” la nueva muestra de la foto de Celeste Urreaga

La incansable artista de la lente, Celeste Urreaga, lleva más de quince años cultivando las expresiones plásticas que parten de la fotografía y caminando constantemente de mano de su otra gran pasión, que es la música. De nacionalidad Argentina, su mirada directa, intensa, visceral, destaca en retratos y contenidos audiovisuales de alto nivel artístico.

Su mayor proyecto personal Retratos del Rock, ha capturado para la postre a un número abrumador de talentos de la música de varios países, y tras años de desarrollo y viaje por distintos rincones del mundo desemboca en 2017 en un nuevo proyecto, el cual se hospeda este año en Centro Cultural Panteón: “Eróticas de lo Femenino” mismo que surge en 2017 en Argentina, de la inquietud de Celeste por indagar en ciertos conceptos que giran en torno al tema de lo femenino, la feminidad, el placer y cómo estos interactúan con sus respectivos ámbitos, abriéndose un abanico inmenso de posibilidades de entenderlos. La fotógrafa profundizó en las diversas concepciones de lo que representa lo femenino para ella, así como en la percepción personal de otras mujeres.

La colección se exhibió por primera ocasión en la provincia de Mendoza, en las instalaciones de las Bodegas Monteviejo, en el marco del proyecto de “Experimentación Artística: Reencarnaciones”, dirigido por Gabriela Nafisi, quien realizó la curaduría de la misma y con quien sigue trabajando hasta esta exhibición.

“Tiene mucho que ver con el cuerpo, la sexualidad, el erotismo” nos contó Celeste vía telefónica desde Argentina, a lo que acotamos: “Pero la exposición es más ‘intimista’ que ‘erótica’, ¿no?”. Urreaga responde: “Exactamente. El nombre surge de la visión en donde yo encuentro a la mujer como el poder de lo femenino, también a través del erotismo. Como una herramienta, sin hacer una objetificación; cuando empecé, pensé que tenía que seguir creciendo y me puse a hacer muchas entrevistas estando en Japón, en México, de regreso en Argentina, con el objeto de mostrar muchas posibles voces de la femineidad, más allá del género”.

“Teniendo tantos años de ‘Retratos del Rock’, ¿no era natural traer imágenes femeninas de esa colección a ‘Eróticas… ’?”, preguntamos.

“Algunas imágenes participan, pero también está bueno ir reinventando, generando cosas nuevas, reintentando los conceptos, aunque en algún punto se integran unos con otros; no es que esté todo desligado pero sí hay un hilo conductor y muchos puntos que unen todos los proyectos que voy haciendo. Son un reflejo de mi misma”, responde. “¿La expo está dirigida al público femenino?”, cuestionamos nuevamente. “Eso es un tanto retrógrado. Es una exhibición para todo el público, especialmente cuando hay otros roles que trascienden la bipolaridad de lo femenino y lo masculino. Aquí intento no caer en esa discusión”, sentencia la artista.

La edición 2018, cuenta con proyecciones multimedia, música, fotografía e instalación, en Centro Cultural Panteón: Donceles 66, Centro Histórico, CDMX, del 14 de junio al 14 de agosto de este año con el apoyo Institucional de la Embajada Argentina en México.

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En megáfono

Desafortunadamente, los medios de transporte actuales no cuentan con la infraestructura, calidad ni accesibilidad para que cualquier persona disponga de movilidad inteligente. O al menos hasta que llegó BUSSI. Es una plataforma de camionetas compartidas para viajes diarios, fundada en 2014. Simplemente eliges la ruta que más se adapta a tus necesidades. ¿Ninguna te convence? No te preocupes, puedes proponer la tuya, hacer que más gente vote por ella y si junta la cantidad requerida de votos, se habilita. ¡Y listo! Todos los usuarios acceden a BUSSI por medio de la aplicación móvil y una suscripción, cuyo costo es mucho menor a lo que pagas por un cafecito con tu nombre en el vaso.

BUSSI ofrece servicio de transporte en los lugares de la CDMX donde realmente se necesita, aspecto que hace de la movilidad inteligente, pues el tiempo que ocupabas para llegar a tu destino rodeado de estrés, ruido, inseguridad y contaminación, ahora podrás ocuparlo de forma productiva y amigable con el medio ambiente.

Un aspecto a destacar es que la plataforma conecta personas que van al mismo punto que tú; encuentra la ruta más rápida y sólo se detiene en los puntos de subida y bajada estipulados, así que ya no tendrás que preocuparte por tu bono de puntualidad.

Gracias a todo lo anterior, BUSSI ha logrado consolidarse ya como una de las primeras soluciones de movilidad en México, y ha generado un mercado donde antes no existía.

Visita bussi.com.mx para más información..

EL TRANSPORTE DE TUS SUEÑOS YA ES UNA REALIDAD…Y SE LLAMA BUSSI

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ARTE

Mike Sandoval

¡Presente en #FestivalMarvinCDMX 2018!

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n #FestivalMarvinCDMX nos enorgullecemos de celebrar la unión que mantienen históricamente el arte y la música. Al paso de siete ediciones, hemos mantenido una estrecha relación entre los asistentes y los artistas de la plástica que se asocia con esta y otras disciplinas creativas contemporáneas. Nuevamente, tenemos la oportunidad de apoyar este lado de la cultura, poniendo a disposición del público que se suma a la celebración dos icónicas piezas de memorabilia, de mano de un talentoso artista visual e ilustrador mexicano: ¡Mike Sandoval realizó dos artes especiales para la octava edición de #FestivalMarvinCDMX! Dedicadas a los headliners de #FestivalMarvinCDMX, una de las ilustraciones

corresponde a la leyenda británica del punk rock, Buzzcocks, y la otra a los chicos consentidos del jangle pop neoyorkino, The Drums, como un sentido homenaje que celebra su paso por nuestra ciudad, con motivo de esta gran fiesta de la música.

Previamente, Mike ha realizado piezas de la más alta calidad al rededor de esta escena, tanto para bandas locales como Cardiel, LNG/SHT, Tungas o Los Viejos, como importantes actos internacionales de la talla de Ministry y Belle & Sebastian.

Cada pieza de edición limitada a cien impresiones únicamente, está realizada en serigrafía a cuatro tintas sobre papel couche mate de 300 g Puedes adquirir tus copias en www. kichink.com/stores/revistamarvin.

Stand Up Comedy

“ESTABA CONTANDO chistes de Jesús y un señor que se molestó, se puso muy agresivo y casi me rompe los dientes.

Desde ese día dejé de hacer esa rutina.

Ni me gané al publico, entré diciendo ‘soy judío’, así aprendes, es como ligarte a otra persona: ‘vamos a conocernos y después vemos si nos casamos’. Fue muy vergonzoso, me tuvo que escoltar seguridad para salirme”. ¿Cuál fue tu primer contacto con el stand up comedy?

El primer chiste que conté, en una obra de teatro de graduación de tercero o cuarto de primaria… me acuerdo que “cayó” un chiste y en ese momento sentí por primera vez lo que se siente el stand-up comedy. ¿En qué momento te diste cuenta qué era el stand-up?

Cuando me dieron un video de Eddie Murphy. Lo tenían mis primos, no entendía, pero me gustaba reírme con la gente [risas]. Haber escuchado a “La beba” Galván, Polo Polo…

ISAAC SALAME

¿Cuál fue el primer standupero que te hizo querer hacer esto?

Adal Ramones. Lo veía hacer su monólogo y decía “yo de grande quiero ser como ese cabrón”. Tengo videos grabados cuando tenía trece años imitando a Eugenio Derbez. Mi mamá nos grababa haciendo las imitaciones… yo quería ser como ellos.

TXT:: Uili Damage FOT:: Cortesía del artista

El mayor de cinco hermanos, sabe que ellos se divierten viéndolo y hasta quisiera pensar que lo disfrutan, que están muy orgullosos… Isaac Salame comediante capitalino, nacido en Madrid y residente de la CDMX desde los 6 días de vida, sobrepasa los 7 años dentro de esta comedia y recuerda su peor show de stand-up comedy como una “muy mala decisión que tomé, abriendo un show en un bar en Polanco, en donde ya la gente estaba muy bebida cuando subí”.

¿Como fuiste hacia ese camino?

Estaba muy distraído de ese camino. Ya traía muy dormido el lado artístico y tuve una bronca en mi trabajo anterior. Dije “Me quiero reír” y salí en la Condesa y caí en el Café 22. Estaba Risas Inc., el colectivo de Gloria Rodríguez, Tomás Strassberg, Gon Curiel, Sofía, todos ellos… Cuando los vi, fue un oasis en el desierto. Dije “a huevo, estos cuates lo están haciendo”. Después fui a Foro Shakespeare. Para entonces ya veía mucho a Tomás y ahí, se suben Blanca Salces y Jorge Zárate y al final del show invitan a micrófono abierto. Me subí y me aviento toda la rutina de Tomás, y “maté” [risas]. Pero fingí ser extranjero y Blanca se me acerca y me dice “Mucho gusto, ¿de dónde eres?”. Ahí dije “no puedo seguir con esta mentira”. Yo había fingido ser extranjero para que los chistes de Tomás cayeran… Niñ@s: eso no lo hagan, eso está mal [risas].

Le digo a Blanca ‘Soy mexicano’, y me responde ‘tienes que venir a tomar

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un taller’. Y ahí empecé: con Blanca y Jorge, y desde ahí no paré de hacerlo, primero en el Shakespeare, te subes a unos, luego a otros, empecé a producir shows…ya estaba en el camino, yo sabía perfectamente que era algo que iba a hacer toda la vida. ¿Cuál fue el primer curso que diste?

Uno que armé en mi casa. Me leí un libro, ya tenía un poco de experiencia y no había nada. Me acuerdo que había ido a Chicago a tomar unos talleres y me animé a aventármelo. Junté 7 personas, duró 4 días… una de ellas sigue haciendo stand-up: Alejandra Nava. ¿Comediantes, rutinas de donde más has aprendido stand-up?

Polo Polo, Jerry Seinfeld, Chespirito, mucho de comedia mexicana, es lo que veía de chivato y fue un referente. ¿Te has cachado recurriendo a ellos?

Se me pega mucho, a veces hasta imito sus gestos. Ahorita Trevor Noah me trae loco, no paro de escucharlo y de pronto empiezan a salirme sus maneras; tengo ese defecto de imitar. Siempre me cacho,

recurriendo a su timming, su visión de las cosas… Louis C.K… ¿En qué momento te diste cuenta que había una estructura, un método?

En mi taller con Blanca. Fue muy clara al respecto, ella me enseño que había una forma. Yo veía a los comediantes y sabía cómo lo hacían porque yo lo hacía en la secundaria, pero pensé que era una raíz cómica con la que naces, pero no, tiene su estructura, lo puedes planear. ¿Qué show recuerdas ahora que haya sido espectacular, que quisieras que nunca acabara?

El de Comedy Central de hace una semana. ¡Qué celos me da Franco Escamilla que lo hace tres veces a la semana! ¡Qué rico! Con tus pantallas con tu nombre atrás, un chingo de gente, se ve padrísimo, se oye padrísimo, lleno de gente que viene a reírse. Y lo digo por la producción, qué bueno que Comedy Central cuida cada detalle, producen precioso, las luces, el ambiente de stand-up… Eso se siente bien padre, pero también puedes estar en la sala de una casa con toda la gente cagándose

de risa, y son shows maravillosos. Hace dos semanas me contrataron para hacer un show en un conjunto vacacional en Cuernavaca y di show ¡en una palapa! No mames el show. ¡Fenomenal! Duró hora y media, al final me quedé platicando con toda la gente allí, nos reímos todos; eso quiero dejarlo claro: cualquier público es muy importante, pero un show que nunca se me va a olvidar es este de Comedy por la producción. Por esta perfección de show.

De los shows que has producido, ¿cuál quisieras volver a hacer para que fuera todo mejor?

Uta, ¡cuál no! [risas]. Se me ocurrió la brillante idea de hacer cuatro fechas en un bar de deportes y fue horrible porque ponían el basquet a medio show, se oía de la chingada, todos los shows fueron un pesar, yo salía diciendo, “¿qué necesidad tengo de estar haciendo esto?

No lo necesito en mi vida”, horrible. ¿Colegas favoritos?

Me encanta René Sosa, Juan Carlos Escalante… ahora siempre ves nuevos.

Eso está increíble. La mayoría de

mis colegas me hacen reír: El cojo, El chaparro, Gloria, Tomás (“mi hermano”), Gon, Martín León… ¿Con qué “escena” te encuentras ahora, a siete años de que iniciaste?

Ahorita ya hay mucha gente que vive del stand-up. Ya hay industria, ya hay trabajo, ya todo mundo sabe lo que es stand-up. Prendes la radio y en un ratito lo escuchas nombrar por algo. Yo sí estuve en el momento en que invitabas a la gente a ver stand-up y no entendían; les explicabas y te decían “ah, ¡como el ‘monólogo’ [de Adal Ramones]!, vamos a ver tu monólogo”. Hoy los que están rifando en el stand-up comedy en español, de Netflix, son de México. Ya estamos compitiendo. ¿Ahorita cuál es el sueño dorado de Isaac Salame? ¡Hacer stand-up en Bellas Artes! Cada que paso por allí… [rueda los ojos]. ¿Quiénes serían tus teloneros?

Le puedo escribir a Seinfeld,aprovechando que tengo Bellas Artes), y a Chris Rock [risas].

Industria

Chok Fermoso, Esteban “Crunchy” López, Wild O’ FestFest y cómo hacer lo que te gusta en la vida TXT:: Vicente Jáuregui FOT:: Cortesía Super Bookers

HAY SUEÑOS que tardan años en materializarse.

Tal es el caso del Wild O’ Fest, una idea que Chok Fermoso y Esteban “Crunchy” López imaginaron hace 14 años. Músicos de corazón, ambos formaban parte de Los Infierno, una de las contadas bandas mexicanas en recorrer el viejo continente tocando garage.

Con un gran olfato para cerrar buenos shows, la dupla reconoce el potencial que tienen dentro de la industria de la música independiente en México y deciden formar Super Bookers, una agencia que a cuatro años de su nacimiento ya va por la tercera edición del Wild O’ Fest, uno de los festivales de surf & garage más grandes del mundo, siempre con la convicción de hacer las cosas diferentes; platicar con Chok y Crunchy demuestra que hablar del underground puede ser sinónimo de calidad. Aquí lo que platicaron para Marvin: ¿Cómo pasan de ser músicos a empresarios y fundadores de Super Bookers?

Crunchy: Todo comenzó porque ambos tocábamos en Los Infierno. En esa banda, Chok y yo nos encargábamos de gestionar las presentaciones.

Aprendimos mucho. De repente a Chok comenzaron a buscarlo otras bandas para que los bookeara. Vimos el potencial y decidimos hacer una agencia. Así nace Super Bookers. Crecimos muy rápido, cada vez con más cosas por hacer. Comenzamos con una oficina, ahora ya tenemos dos. Hay muchas bandas en el roster y bastante gente trabajando para nosotros.

Chok iba a ser millennial pero nació antes (risas), lo bueno es que entiende muy bien las dinámicas actuales. Yo soy la parte old school de la agencia.

Chok: Ya son 4 años desde que comenzamos. De repente éramos jugadores y fuimos conociendo las mañanas de director técnico. Dentro de este negocio pones a prueba los errores que cometías como músico: ¡Ya difícilmente nos ven la cara de pendejos! (risas).

Como músicos, ¿qué errores evitan al volverse empresarios de la industria musical?

Crunchy: Con toda la experiencia anterior, decidimos que Los Infierno no pasarían por todos los procesos que todo mundo pasa. Ya en bandas anteriores aprendimos qué hacer y qué no hacer. Por eso Los Infierno logró todo muy rápido. En siete años hicimos lo que otras bandas tardan quince o nunca lo logran. Hay bandas muy importantes que nunca han logrado materializar una gira por ningún lado. Nosotros nos aventamos giras de cuarenta y cinco fechas por Europa, todas bien hechas. Desde el principio teníamos claro que no iríamos a “valer madres”, para eso nos quedamos aquí (risas).

Chok: Todo lo planeábamos con anticipación, siempre fuimos una banda inteligente y eso le dolía a las otras bandas de garage. Nos pusimos a trabajar y planear para evitar que nos pusieran a tocar en cualquier hoyo. Como banda de garage nunca nos cerramos las puertas, podíamos hacer un foro under y al día siguiente día abrirle a Enjambre o Carla Morrison. Además de tocar, en estas giras conocimos personas con las que ahora colaboramos para tener un festival de talla internacional. ¿Así surge el Wild O’ Fest?

Crunchy: Wild O’ es un festival que existe en nuestra mente desde hace 14 años. Hace poco publiqué un documento con el line up que

habíamos planeado en ese entonces, cuando se llamaba Wild Fiesta México. Lo presentamos a las grandes compañías que hacen conciertos y de facto nos dijeron que no porque perderían mucho dinero.

Pasa el tiempo y un día renace la idea. Chok le cambió el nombre a Wild O’Fest…

Chok: … Aquí tengo todo en mi libreta (hojea un cuaderno lleno de apuntes). Teníamos la idea de hacer fiestas temáticas: Wild O’ Ween de Halloween, Wild O’ Lover en febrero y Wild O’ West, con bandas country. Hicimos el Wild O’ Ween con la idea de hacer algo diferente, con cine B, show burlesque, disfraces, vinieron Los Galerna de España, un DJ set de Danny Amis.

Pero nos fue muy mal, hubo como 60 personas y perdimos mucha lana. Y esto lo digo de una vez: el Wild O’Fest nunca tuvo dinero y probablemente nunca tendrá. Pero después, las cosas se fueron acomodando: Wau Y Los Arrrghs anunció gira de despedida y Crunchy tuvo la oferta de traerlos a México. En esos días, Danny Amis nos comentó que Peter Zaremba de los Fleshtones quiere venir por primera vez a México. Sin querer ya tenemos 2 headliners. Le digo a Crunchy que metamos a Lost Acapulco. Como siempre, quisimos hacer algo diferente. Nos acordamos que Lost y Los Esquizitos tenían quince años sin compartir escenario, así que logramos esa mancuerna. Sólo necesitábamos “amarrar” el foro. Anteriormente hicimos el streaming del Vive Latino con Two Hands, una empresa de audio que sonorizaba la Carpa Astros. El foro apenas comenzaba, nos la ofrecieron y aceptamos.

Crunchy: Esa primera edición tienen una peculiaridad. Esperábamos meter ochocientas personas. Cuando vimos el corte de los boletos nos dimos cuenta de que vendimos más de mil quinientos. No pudimos “cantarlo” como sold out porque la carpa es muy grande, pero a nivel interno lo fue.

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podemos competir a cualquier festival, al NRMAL, al Hipnosis, al Marvin (risas). Nuestro lema es: “No somos los únicos pero sí los mejores”.

¿Cómo definen la visión del festival?

Chok: Wild O’ Fest tiene lo que Los Infierno: idea, visión y el nunca hacer las cosas mal. Nuestro aprendizaje fue recoger todo lo aprendido y evitar caer en los errores del pasado. Traer a Los Saicos fue muy importante, lo llevamos en el corazón, pero es el único festival que tuvo 1,000 personas y no salió. Yo perdí una camioneta y Crunchy perdió lana.

Nunca supimos dónde quedó el dinero.

¿Cómo se distinguen dentro de la gran oferta de festivales que hay en México?

Crunchy: Nosotros trabajamos un festival que nunca se ha hecho en México. No somos la copia de la copia, buscamos traer a las bandas que a nosotros nos gustaría ver. Nos gusta clavarnos en el diseño.

El primer cartel lo hizo nuestro amigo Héctor Montes de Oca que trabaja en Marvin. El segundo por añadidura fue Dr. Alderete, el master de la gráfica del movimiento durante años.

Chok: En el segundo también se gestó la alianza con Two Hands, que es una producción arriba del medio millón de pesos, no tenemos pelos en la lengua en decirlo. No es dinero nuestro ni de una marca, es lana que los asistentes han generado. Pensamos que esto no iba a jalar, pero la gente lo ha adoptado y nos hemos llevado muy buenas sorpresas: tuvimos un incremento del 40% con 2,500 personas. Los medios apoyaron, las redes crecieron sin un peso de pauta.

Ahora el algoritmo de Facebook cambió, pero metemos muy poca lana para mantenernos en algo real. A nivel artístico, Man Or Astroman?, Phantoms Surfers y Satan’s Pilgrims son bandas emblemáticas de la escena surf de California de los noventa. Reunirlos en México, donde hay uno de los mejores públicos de surf, fue muy satisfactorio.

¿Los robaron?

Crunchy: Éramos novatos e involucramos a gente con cierto callo. Había que producir todo desde cero y se fue mucha lana en eso. Pagaron mil personas pero habíamos gastado mucho.

No resultó como negocio pero tampoco nos sacamos de onda y decidimos apostarle al Wild O’ Fest. Desde el principio era importante hacer las cosas diferentes, hemos visto otros intentos pero de muy baja calidad: meten equipo “de dos varos”, las bandas no suenan, se desmerecen y ya no quieren venir a México. Nosotros lo hicimos bien desde el principio con el respaldo de Two Hands en el audio y salió muy chido. Lo mejor es que todos los artistas se fueron hablando muy bien del festival. Zaremba de los Fleshtones no lo podía creer.

Creo que nunca había tocado para tanta gente. Ese tipo de grupos tocan en bares para cien personas, casi nunca en festivales de mil quinientos. ¿Dirían que la calidad es su sello de distinción?

Chok: Para nosotros la calidad es muy importante. Nosotros le

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Atlas Sonoro

TXT:: Alejandro Mancilla @nosoymoderno

¿SE PUEDE SURFEAR en un

garage? Por supuesto que sí, las olas sónicas de las guitarras son el elemento perfecto y lo han sido durante décadas. Sí, el surf rock es la quintaesencia de nuestro querido rocanrol y su efervescencia hoy asociada a lo retro –pero siempre propositiva– se ha instalado en un revival permanente.

Realizamos un mapamundi de algunos de los eventos más importantes del surf-garage que se llevan a cabo en diferentes partes del planeta. Si te perdiste alguno, toma nota, porque estos eventos regresan cada año. Además, siempre te queda agarrar tu tabla de surf o (en su defecto) tu mascara de Blue Demon y –escuchando tu música favorita, un garage-rock instrumental sería lo ideal– tomar un avión a la playa para vivir el sueño de primera mano.

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1 ESPAÑA | El nombre es encantador. Y este festival que acaba de llegar a su edición número XV, es uno de los mas representativos de la escena. Con el enclave fijo en Valencia, ha contado con glorias como Nokie Edwards, Eddie Bertrand, The Montesas o The Drugs en su cartel. festivalsurforama.es

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MÉXICO | Con la promesa de que “no son los únicos pero sí los mejores”, este joven festival mexicano celebra su tercera edición en la Carpa Astros de la CDMX con un prometedor line-up que incluye a glorias como The Bomboras, The Neanderthals y The 5.6.7.8’s, entre otros. El 16 de junio es la fecha señalada para surfear sobre el slam, bajo el influjo de las guitarras garage. facebook.com/wildopartys

ITALIA | Pero si ya te perdiste el anterior festival, siempre queda un rayito de surf en el horizonte, y este festival que se lleva a cabo en Livorno, Italia, es otro de los estelares. La edición número 13 de este evento que es gratuito, se llevará a cabo del 21 al 24 de junio y el cartel alusivo promete mar y mucho surf. surferjoemusic.com/festival/2018

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5 AUSTRALIA | Comida y cervezas y vino artesanal local, competiciones de surf y las propuestas musicales más interesantes de las zonas de Gerringong, Kiama and the Illawarra. El line-up de este festival incluye tradicionalmente (además de surf-garage) mucho indie-rock, sicodelia y punk. gerringongfestival.com.au

INGLATERRA | Este festival que se realizó en noviembre pasado en el corazón de las islas británicas (en la ciudad de Nottingham) con la presencia de The Pretty Things y The Fuzztones, es uno de los eventos más esperados que esperamos aumente nuevas ediciones a su historial. blastoff-festival.co.uk

7 URUGUAY | Este novel festival se realiza desde hace cuatro veranos y si estabas en tierras sudamericanas, sabemos lo que hiciste el verano pasado: ver en vivo a The Supersónicos, Los Ultraman, Los Dinámicos, o The Amazing One Man Band quienes participaron en la edición 2018. @festisurf

ESPAÑA | Funtastic Dracula Carnival es un festival organizado por dos de esos especímenes que no podrían equivocarse en su curaduría: Sr. Varo (baterista de Doctor Explosion) y Paloma Borbone (bajista de Ulan Bator Trio, Royal Canin, Los Bor-bones). Durante ya 12 ediciones, la dupla ha llenado de garage, punk, beat y surf a la ciudad de Benidorm, España. funtasticdraculacarnival.net/es

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8 USA | Otro joven evento que seguro hará más ruido, es este encuentro de surf-garage y r’n’r con sede en Orlando Florida, que en sus ediciones 2017 y 2018 (en febrero pasado) tuvo gran éxito. El mini-festival organizado por el sello Hidden Volume ofrece un buffet musical de garage, surf y todo el ambiente trash que quepa en tu mochila. hiddenvolume.com/

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Pero si de diversión, surf y música se trata, qué mejor que disfrutar de la buena vida y dejar un rato la rutina y el smog.

•Puerto Vallarta •Acapulco •Puerto Escondido Son tres destinos clásicos y un paraíso para los amantes de la playa, el deporte y la música.

Puerto Vallarta, Jalisco, el lugar que según Juan Gabriel y Rocío Dúrcal es “el edén” en la tierra, es también uno de los lugares favoritos del turismo nacional e internacional. Playas como Sayulita (con todo y su pequeño pueblo como de película) o Quimixto, no nos dejarán mentir: arena blanca, aguas cristalina y olas gigantes (como la canción de Dënver). Para los recién iniciados, la zona de El Anclote, ofrece olas amigables. Y si tienes suerte, tu visita puede coincidir con alguna fecha de Los Caguama, banda de surf del estado de Jalisco.

Por su parte, Acapulco, alguna vez la ciudad favorita del jet set mundial (astro internacional que se respetara tenía este destino entre sus favoritos), Acapulco continúa teniendo mucho estilo y es un imán para surfistas y amantes de las aventuras sobre las olas. No por nada, eventos como el Surf Open Acapulco ha generado tanta atención mundial. Si vuelas a la ciudad, te recomendamos Bonfil y Revolcadero, la llamada cuna del surf mexicano, donde desde abril hasta finales de septiembre se pueden encontrar las olas más espectaculares en el estado de Guerrero.

Mientras que Puerto Escondido, Oaxaca, exótica región de bahías esplendorosas, cantinas y palmas, es otro destino básico para los amantes de este dorado deporte.

Las codiciadas “olas turbo”, son una de las características y atractivos de estas playas, al igual que el torneo de bodyboarding que se lleva a cabo en Punta Colorada. Pero si lo único que sabes de surf es que te gusta escuchar a The Beach Boys, también hay escuelas como la Oasis: Spanish & Surf School, donde te enseñarán todos los secretos que necesitas para convertirte en un surfista respetable.

Festivales

8 años sin PERMITIR que la música deje de sonar

Tino El Pingüino / Sakre

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C Rubytates / Feli Gutiérez

Joe Crepúsculo / Feli Gutiérez

Mi sobrino Memo / Feli Gutiérez

Un Planeta / Feli Gutiérez

omenzamos la travesía en el Parque España, en donde Tino El Pingüino, en el momento más emocionante de su carrera, provoca que miles de fans, al ritmo y sentimiento de “Fractúbela”, hagan que –literalmente– el piso comience a temblar. De repente nadie lo puede creer pero tampoco resulta extraño. Aquí nada es como en otros lugares, ni como en otras ocasiones: #FestivalMarvinCDMX, Tino El Pingüino y los miles de locos adictos a la música, que estábamos a la 1 de la tarde en el punto central de la Condesa y la Roma (vaya, en el corazón de la mismísima CDMX), sabíamos que lo que estaba sucediendo frente a nosotros, en este festival que celebra su 8va edición, era la mayor celebración que hayamos vivido en carne, mente y corazón propios.

Y es que nuestro latir nunca paró su velocidad, porque rápido tuvimos que movernos hacia Caradura para ver el debut de Rubytates en el Marvin, en el que no tuvieron ningún problema para crear un ambiente de romanticismo y nostalgia de un amor adolescente mientras canciones como “Fragilidad” vaporizaban el sudor de la gente que se abarrotaba y cantaba junto a este proyecto tan joven, tan emocionante… Situación que fácil se repitió en shows como los de Joe Crepúsculo (quien regresó a México después de cuatro años), Mi Sobrino Memo y Un Planeta.

Para quienes apenas se estaban familiarizando con la curaduría de horarios y talentos de #FestivalMarvinCDMX, las cosas –como ya se dijo– no son como en otro lado. Aquí la sorpresa vive todo el tiempo, así como las ganas de ver a todas los shows que se congregan en los 8 venues del festival. Los primeros, los de en medio y los finales, son igual de importantes como los mismos fanáticos que están cantando cada una de las canciones que los amplificadores emanan. Razón por la que actos tan exquisitos para los más jóvenes, como Ramona, y unos más

Festivales

Buzzcocks / Arturo Lara

The Drums / Feli GutiĂŠrez

Gang of Four / Arturo Lara

Los Explosivos / Sakre

Señor Kino / Oscar Villanueva

MAW / Oscar Villanueva

Linn Koch-Emmery / Oscar Villanueva

Editors / Oscar Villanueva

legendarios como Los Explosivos, conecten sus instrumentos al momento en el que el Sol nos está dando sus rayos más luminosos.

CinEspacio, una de las casas favoritas del festival, fue también la de Monkey Week, el festival que viajó desde Sevilla para inyectar de alegría a un escenario que abrazó a unos ruidosos Maw (un proyecto obligadísimo por escuchar si es que de shoegaze los gustos se tratan), Señor Kino (una nueva versión de la psicodelia y los sentimientos que provoca tomar una guitarra por los cuernos), así como a otros homólogos ruidosos como Texxcoco, Linn Kock-Emmery y hasta a los mismos Editors, estos últimos entregando un show íntimo a piano y guitarra acústica.

Tras cinco años de convivir en el mismo espacio, El Plaza Condesa por fin regresó de lleno a #FestivalMarvinCDMX para dar testimonio del sonido de los actos que provocaron que la expectativa de un año más de música, cine, arte, stand-up comedy y networking se disipara por todos lados. Allí reventaron Buzzcocks, Gang of Four y unos The Drums que –así como Tino unas horas y metros atrás– hicieran que el piso rugiera, como recordándonos que la filosofía Marvin tiene años por delante para seguir descubriendo y promoviendo la música que más nos gusta.

Y es que todo sucede tan rápido, tan intenso, que es necesario detenerse por un instante y recordar cómo es que ha sucedido todo esto. Pues hacer que más de 10 mil personas caminen por las calles que hace un par de meses sufrieron nuevamente un golpe devastador por un temblor, y que se retomara la energía por un mismo objetivo (el pasarla increíble), es algo que se atesora para la posteridad. Un esfuerzo –y sueño– que se cumple gracias a Indio, Bacardi y Firestone, compañeros que durante meses caminamos de la mano, día y noche, planeando meticulosamente la mayor fiesta que la CDMX necesitaba y que confíó en nosotros para crear.

Con este instante cargado

Festivales

de emotividad, nos lanzamos al Multiforo 246, recinto que albergó la pieza más filosa que siempre necesita #FestivalMarvinCDMX: el hip hop. Acá escupieron honestidad y flow Niña Dioz, Alemán, Hadrían y Fermín IV, cuatro actos que nos ingresaron a un estado de complicidad de rimas, experiencias y beats.

Cuando uno está orgulloso de las cosas que hace, es totalmente válido mencionarlas. Como, por ejemplo, decir una vez más que el stand-up comedy es un mundo vivo y que encontró espacio y apoyo en un festival como en el Marvin hace ya 4 años, poniendo sobre el escenario de Woko (un espacio cuya leyenda relata que ahí se escuchan las risas más escandalosas en toda la ciudad) a los nombres con las ideas más ocurrentes para hacernos pasar el mejor rato, riéndonos de la desgracia, de la felicidad… de la vida misma.

Entretanto la lluvia provocaba un poco de caos en el transito de un escenario a otro, la energía en el Foro Bizarro se desbordaba a tal grado que el retumbar se percibía en el Café de abajo. La culpa fue de Los Carrion Kids, The Froys, de CHDKF y Joyce Manor, que a guitarrazos provocaron un tipo de espiral que absorbía a todo y toda aquel que se atrevía a acercarse para transportarlos a una especie de euforia interminable.

La música también son recuerdos, como ese inesperado #tbt que Little Boots y Uffie nos dieron en Departamento. Dos de las musas más solicitadas en las fiestas a principios de los dos miles, soltaron un montón de beats que nos recordaron esos años cuando lo único que importaba era bailar hasta el amanecer y que, a pesar de circunstancias varias de la vida, nos volvíamos a reunir, pasado y presente, las tornamesas y nuestros pies, nuestras sonrisas y nuestras despreocupaciones, en un #FestivalMarvinCDMX que siempre ha sabido como revitalizarnos y lo hará hasta donde la vida nos dé.

La Bea / Arturo Lara

Carrion Kids / Sakre

Myr Ramírez / Arturo Lara

Niña Dioz / Arturo Lara

Charlie "El Huevo" Barrientos / Arturo Lara

Fermín IV / Arturo Lara

Alemán / Arturo Lara

The Froys / Sakre

CHDKF / Sakre

Joyce Manor / Sakre

Uffie & Little Boots / Oscar Villanueva

PARQUE ESPAÑA

Festivales

Gwar

Mastodon

Marilyn Manson

AQUÍ EN LA TIERRA COMO EN EL INFIERNO

FOT:: Arturo Lara

QBO

Deadly Apples

Brujería

De la Tierra

FURIA, GUITARRAZOS Y MUCHA LLUVIA, reinaron en una nueva edición del Corona Hell & Heaven; 20 horas de heavy metal, hardcore, el doom, rock y hasta algo de punk, se adentraron hasta en las venas de miles de adoradores de los sonidos más densos.

Un festival que ya no es una propuesta, sino un ritual que espera por reinar a un grupo que siempre fue desventajado en cuestiones de eventos, pero que ahora grita y headbangea como si no hubiera un amanecer.

Refused

Cardiel

Scorpios

Megadeth L&

Deep Purple

The Charm The Fury

Los Viejos

Epica

Bad Religion

The Warning

The Darkness

Kadavar

Judas P{riest

¡SURF ’N’ ROLL a tope!

P

or tercer año consecutivo llega esa “reunión de generación” dedicada a los aguerridos amantes del surf y el rock garage, y que de brazos abiertos recibe a estos y a todos los amantes de la música con mucho rock instrumental, ruido crudo y alegría enervante.

La tercera edición del Wild O’ Fest es muy especial, además por otros aspectos: •

La banda legendaria y seminal The Bomboras, cabeza de este cartel, se reúne después de veinte años de inactividad, para dar inicio aquí a su nueva gira mundial.

• The 5.6.7.8’s, la banda sensación japonesa que saltó a la fama con el filme Kill Bill, pisa por segunda ocasión nuestro país para unirse a este jolgorio, con toda su elegancia y potencia femenil.

• El cuarteto mexicano de surf-hot rod Lost Acapulco, la chispa que hizo explotar todo el movimiento mexicano contemporáneo, engalana el programa celebrando el vigésimo aniversario de su álbum debut 4.

• The Neanderthals, The Gruesomes, The Boss Martians, Wild Evel & The Trashbones, The Tormentos, The Froys y Dr. Tritón completan este cartel para convertirlo en uno de los festivales más grandes del mundo en este género y poniendo de manifiesto que esta enorme ola grasienta llegó para quedarse. ¿Alguna vez te imaginaste “surfeando” las calles capitalinas sobre ruedas? Wild O’ Fest es el destino y también el punto de partida. Si todo inició en los sesenta, todo continúa en 2018 con esta magna “convención” groovy.

En Portada

“Volvimos porque la juventud ya está harta de las Kardashians”

TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Cortesía Wild O Fest

Uno de los principales atractivos del Wild O’ Fest 2018, el acto que más interés ha generado, es el regreso a los escenarios de la banda californiana The Bomboras. Desde su rompimiento a principios de la década de los 2000, con un pequeño concierto de reunión en la noche de Año Nuevo de 2007, el grupo no se había vuelto a presentar con su alineación más constante.

E

n entrevista telefónica, el tecladista Jake Cavaliere dice que la formación que actuará en México el 16 de junio en la Carpa Astros, es “la que más discos grabó, compuso canciones y se presentó en vivo; por lo tanto es la mejor”.

Esta incluye a Dave Klein en la batería, Shane Van Dyke en el bajo, Gregg Lord Hunt, Von Franco y Johnny DeVilla en las guitarras, además de los teclados de Jake.

¿Por qué se reunieron?

Jake: La idea vino de parte de nuestro bajista, Shane. Fue muy casual. Él se puso en contacto con Evan Foster, de The Boss Martians, para iniciar una especie de súper grupo. Pero durante las conversaciones, Evan le dijo: “mejor reúne a tu propia banda” y él se puso en contacto con Dave, quien a su vez habló con Johnny y él conmigo. Así se fue dando, hasta que nos pusimos de acuerdo en tocar juntos después de más de 20 años de no hacerlo.

que me él introdujo al metal. Después, por mi cuenta conocí el punk y eso cambió mi vida para siempre. Me introduje en el movimiento skin head. Pero al mismo tiempo, volví a los 60 y comencé a escuchar a The Yardbirds y The Animals. Sobre todo, aquellos que jugaban con el órgano. Luego vino el surf californiano. Porque Gregg era amigo de muchas bandas de garage y él nos presentó a muchos grupos. Hoy en día es diferente, resulta muy sencillo conocer grupos. Haces una búsqueda en Google y listo, pero entonces teníamos ir a las tiendas de discos y esperar que hubiera material grabado.

¿Se sienten en forma?

Sí, porque la mayoría se mantuvo activo en otros proyectos. Por lo menos Gregg, Dave y yo hemos tocado juntos desde que éramos adolescentes. Pero sí ha sido un cambio notable. No tan distinto como si sacaras a un pez del agua, porque la música que hicimos juntos está ahí. Grabada en los discos. Pero los ensayos nos han hecho recordar muchas cosas divertidas. Hemos estado a punto de morir de risa.

Alrededor del mundo se vive una pasión por revisitar lo vintage.

Stranger Things en la televisión, es un ejemplo de ello. ¿Qué es lo que buscamos atrás?

Creo que esa necesidad de buscar en el pasado siempre ha existido y está en el ADN de la gente joven. Quizá estén hartos de la mierda que hay en la televisión, de las Kardashians, del rap y el hip hop. Porque todo mundo está haciendo lo mismo, presumiendo su dinero y su bling bling. Estupideces, desde mi punto de vista.

¿El show en México será el inicio de una gira?

No lo sé. Además de México, sólo haremos un concierto más en Los Ángeles. La verdad seremos muy cuidadosos, tampoco lo hemos anunciado como un gran regreso.

Hay canciones que los fans mueren por escuchar.

Sin duda. Cuando haces música instrumental, de una forma u otro estás contando una historia y creo que la gente conecta con esas historias.

Eso es lo que hemos hecho. Plantear historias, ya sea de terror o de lo que sea. Así que ahora contaremos esas historias en vivo. ¿Tienen planeado lanzar nuevo material?

El baterista, Dave, tiene un estudio de grabación. Hemos estado ensayando ahí y tenemos contemplado lanzar por lo menos un sencillo para ver qué sucede. Justo antes de que rompiéramos, habíamos hecho algunos demos para nuestra compañía, Zombie a Go Go (propiedad de Rob Zombie), que originalmente conformarían un disco. Esas grabaciones habían estado perdidas, el otro día pero las encontramos y fue muy interesante escucharlas. Hay como 7 u 8 tracks completos. Tenemos que decidir qué hacer con ellas, si volverlas a grabar o hacer un álbum con esos demos. Cualquier cosa podría suceder, pero no hay nada decidido.

Siempre he querido saber cómo es tener a Rob Zombie como jefe.

(Risas) Es un tipo incondicional, que nos apoyó muchísimo. Jamás intentó controlarnos creativamente. Puede verse algo loco, pero es un gran ser humano. Cuando lo conocimos, nos dijo que estaba por abrir un sello disquero, que casi sería como su gusto culposo. Eran los días en que se desintegró White Zombie y él se volvió solista. Aún no grababa su primer disco. Pero cuando lo publicó, Geffen Records quiso hacerse cargo de su sello Zombie a Go Go. Así que nos dijo que tendríamos un poco más de presupuesto para grabar. Hicimos un disco y empezamos a tocar muchísimo. En un solo año hicimos casi como 180 conciertos. Fue divertido, pero agotador. Zombie era el capitán del barco, iba a visitarnos al estudio y nos daba consejos. ¿Por qué estás tan enamorado del sonido sesentero?

Cuando tenía 4 o 5 años, mis papás me pusieron muchas canciones.

No necesariamente surf, lo que escuchábamos entonces formaba parte de la invasión británica, The Rolling Stones y The Beatles. El disco Let it bleed de los Stones me hizo explotar la cabeza. Tengo un hermano mayor al que le gustaba el rock un tanto más pesado, así

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¿Escuchas también música nueva?

Sí, claro. Soy tatuador y a mi estudio llega mucha gente joven que toca en bandas, así que termino enterándome de lo que pasa. En Los Ángeles hay una escena híbrida muy interesante. Tocan pyscho surf o punk surf, pero terminan siendo unas mezclas muy locas. Es diferente, pero me gusta.

Ustedes tienen una canción llamada Playa de los Muertos, ¿está inspirada en el lugar mexicano?

(Risas) ¡Sí! Es divertido, porque cuando hacemos una canción, siempre pensamos en un título que refleje la atmósfera y en esa en particular, pensamos en México. Nunca he estado en esa playa, pero creo que los otros sí.

El grupo tiene una estética y varios títulos relacionados con el cine de terror, ¿te gusta el cine de actual?

La verdad es que no, soy mucho más de los clásicos de los Estudios Universal, como Frankenstein, Drácula o La Momia. Soy más de la ciencia ficción y las películas de motociclistas, como Hell Angels.

Otra de sus particularidades de The Bomboras eran las bailarinas a go go en el escenario.

Era nuestra forma de hacer honor a los shows de variedad que se presentaban en los 60 y claro, las películas playeras. Pero en los 90, cuando empezamos a presentar ese número, nos volvimos muy populares. ¿ “Drag Strip Tease” es canción ideal para un verdadero strip tease?

(Risas) ¿Por qué no? Lo único malo es que seria muy breve, porque solamente dura un minuto y medio.

También eran populares por escupir fuego a la audiencia, ¿existen posibilidades de que lo hagan de nuevo?

Hicimos muchas cosas, prendimos la batería y el órgano en llamas; casi nos prendimos a nosotros mismos en llamas (risas). La verdad es que no había mucho qué hacer en los bares donde tocábamos para llamar la atención, así que quisimos imprimir algo de emoción.

Dices que tatúas, ¿cuáles son los más extraños que te han pedido que hagas?

En este momento toco en tres bandas, así mi trabajo de medio tiempo es el tatuaje, porque puedo llevar mi máquina a todos lados y es muy relajante, además de que me permite generar un poco de dinero extra.

Entre los más raros que he hecho está un tipo que me pidió dibujarle un plátano a la altura del apéndice. Pero el más extraño fue uno que me pidió rayarle el código URL de la dirección de la tienda de Kim Kardashian en eBay, desde el codo hasta el puño. Ese sí se voló la barda.

En Portada

“Usamos máscaras porque no tenemos un cantante guapo… ni letras en las canciones”.

TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Sakre

En 1998, Lost Acapulco lanzó su disco debut.

Integrado por una docena de rolas, entre las que figuran algunas como “Incidente en la calle Dakota” o “El garage de Gina Monster”. Entonces la banda estaba integrada por Uili Damage, Nacho Desorden, WARPIG y Juan Cholby. Ninguno llevaba máscara y el sonido de la agrupación estaba mucho más afincada en los terrenos del garage punk.

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os décadas después el disco 4, fundamental para entender la escena del surf hecho en México, es motivo de celebración.

Aunque no existe una reedición confirmada en puerta, el grupo lo invocará sobre el escenario, tocándolo con todo el power que merece. Actualmente el grupo está integrado por Warpig (batería), El Reverando (guitarra), Crunchy (guitarras) y Sr. Ramírez (bajo).

A la par de su show en el Wild’O Fest, el grupo celebra la publicación en vinil de Shark Beach, un acetato grabado al alimón con Danny Amis, el mismo que estuvo tras las consolas en 4.

Este material cuenta con dos particularidades: los temas fueron grabados hace 5 años y el disco no se subirá a plataformas digitales.

Aquí la charla que sostuvimos con Crunchy y El Reverendo en su local de ensayo, a propósito de este y otros pormenores. ¿No es paradójico que el editor que me envió a entrevistarlos haya sido parte de la banda?

Reverendo: Arrieros somos y en el camino nos encontramos.

Estamos ligados por la música. Siempre hemos tenido una cercanía con los medios y a los 20 años de 4, es interesante que todos, Uili, Warpig y yo, sigamos aquí.

Aquel disco 4 tenía un sonido muy cochinote, punk, a diferencia de los discos posteriores del grupo, que se volcaron más por la sicodelia.

Reverendo: El 4 se grabó de manera análoga. Debemos ser de los últimos grupos en grabar un disco en cinta. Entonces estábamos muy casados con el sonido punk y ahí quedó plasmado. Tanto Ramones como Dead Kennedys, eran nuestras referencias más cercanas. El productor Danny Amis (fundador de Straitjackets) consiguió fusionar el sonido punk con la onda surfera y el resultado, fue un disco con una textura muy especial. Después, cuando entraron nuevas personas al grupo, le dimos un toque más playero, sicodélico, hasta pacheco si tú quieres, al sonido.

Crunchy, no formabas parte de la banda, ¿qué significó ese disco en tu vida?

Crunchy: Muchísimo. Una vez fui al extinto Tower Records de la Zona Rosa con mi hermana menor, y le gané ese disco en un volado. Se volvió uno de mis favoritos. Después, conocí a los muchachos y entré a trabajar con ellos, aunque no haciendo música. Aquel disco solidificó la carrera de Lost Acapulco, sin duda. ¿Cómo explicar que el surf nunca ha estado de moda, pero siempre ha estado presenta en la escena mexicana?

Reverendo: Nunca ha sido un boom en el mainstream, efectivamente, como en los años 60 en la costa de California con el surgimiento de The Beach Boys. Aquí en México, cuando lanzamos el disco, nadie apostó por él. Decían que nadie programaría un disco de música instrumental en la radio, pero pasó todo lo contrario. Lo que nos mantiene vivos es no hacer lo que todos esperarían de Lost Acapulco.

En 20 años, ¿cuál ha sido la época más salvaje de Lost Acapulco?

Crunchy: ¿Salvaje en qué sentido?

De a Mötley Crüe en los 80…

Crunchy: La gira de Acapulco Golden. Conocimos todas las mieles, salimos mucho de viaje. Ese disco nos llevó a Japón. Estuvo muy salvaje, yendo de avión en avión, toque y toque como locos, poniéndonos unas borracheras muy locas. Dimos un concierto desnudos en Tokio.

No hay letras en pero Lost Acapulco, pero sí una propuesta visual notable. ¿Cómo afrontar que el arte tan detallado como el que propone Dr. Alderete se presenta del tamaño de una calcomanía en el universo digital?

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Crunchy: Seguimos haciendo lo mismo, sin que nos importe.

Trabajamos con Alderete y le pedimos que trabaje esos detalles, como si nada. Lost Acapulco no está contra el mainstream, pero tampoco con él. Nosotros hacemos nuestros discos y siguen siendo de colección, porque lanzamos ediciones muy pequeñas. Y el coleccionista sabe que con cada uno se lleva una pieza de gran calidad.

Reverendo: Sobre todo en la última época, desde que regresó el vinilo, hemos apostado por el objeto. En el escenario también siempre quisimos que fuera una banda impactante, porque nunca tuvimos un cantante guapo. Así surgió el tema de las máscaras de luchador, algo que nos identifica mucho en el extranjero.

Las máscaras de luchador se han convertido en el uniforme de las bandas de surf en México.

Crunchy: De casi todas (risas).

Reverendo: Por eso, lo importante como grupo es encontrar tu propia identidad. No porque quieras tocar surf, te vas a meter una máscara, porque te vuelves una de las 30 bandas que hacen lo mismo.

Una vez, Warpig me dijo que los tres objetivos por los que había surgido el grupo eran hacer canciones, conocer chicas y viajar por todos lados. ¿Cuál es el balance que hacen después de 20 años de lanzado el primer disco?

Crunchy: Hemos sido una banda mexicana que ha logrado hacer más cosas que muchas bandas que están llenando estadios. El balance es bueno, se han cumplido nuestros sueños y nuestras chaquetas.

Fuimos hasta a los países escandinavos. Estuvimos a punto de ir a Rusia, pero hubo quien nos recomendó que no, por cuestiones con la mafia, y no se pudo. Lo más chido es que no tenemos una disquera que nos diga lo que podemos y no que no podemos hacer.

Lo que las redes sociales han facilitado es la crucifixión de las figuras públicas. Le pasó hace poco a Lora, que en un video aparentemente corre a unas personas de una tocada y luego a ustedes, en un video similar en el que Warpig increpa a un tipo. En ambos casos no se mostró el “antes de” y la gente tomó partido a partir de lo que vio.

Reverendo: Efectivamente. Tú puedes editar una cosa para que parezca otra. Y si no pones el “antes” y el “después”, la gente no se detiene a pensar bien lo que pasó. ¿Qué sucedió ese día?

Reverendo: Muchas veces, el público se porta agresivo por el solo hecho de serlo. Llega un momento que te cansas, sobre todo cuando te golpean con algo. Hay que pararle los pies (a esa persona) y eso se puede malinterpretar como un “la banda agredió a…”. Pero a ver, la banda no agrede, la banda va a tocar. Pero hay (gente del) público que se pasa de rosca, aunque sólo sea uno en mil. ¡Nunca hemos sido una banda belicosa! Siempre hay un happy end en nuestras tocadas, con la banda tomándose fotos con nosotros.

Finalmente, la banda se llama Lost Acapulco por aquel Acapulco de la época de oro del cine, ¿les duele ver en lo que se ha convertido el puerto?

Reverendo: Tomamos el nombre del Acapulco de las películas y mira, sin clavarnos en temas políticos, me parece una pena que la gente que debió haberlo solucionado, no lo hizo. Lo comentamos la última vez que fuimos. Ahora ves muchos edificios abandonados, que ya no se remodelaron.

Crunchy: Las últimas veces que fuimos a tocar, los shows estuvieron padrísimos, pero cuando quisimos ir a dar una vuelta y lo único que vimos en la calle fue al ejército. Pasamos por lugares que conocíamos y resulta que todos estaban cerrado, clausurados porque hubo una situación locochona y mataron a alguien o algo así. Eso muy triste. Nos encantaba el Acapulco al que sólo iba el jet set de las películas, gente como Mauricio Garcés. Anhelábamos ir y encontrarnos a esa banda, pero ahora es distinto.

En Portada

H

an llevado su desquiciante música incluso al espacio exterior y a la fecha siguen buscando salas en dónde tocar para expandir la fascinación que les genera el garage, el twist y todos esos ritmos que fueron conociendo con el paso del tiempo.

El culpable de todo es ni más ni menos que Eddie Angel, un geek de la cultura rockabilly, fan de los Tres chiflados, de Chuck Berry, de Link Wray, del garage sesentero y la guitarra más rasposa de Los Straitjackets; toda una leyenda en el circuito rockabilly y garagero a nivel mundial, también líder de The Planet Rockers.

The Neanderthals, como banda, surge formalmente durante mediados de los noventa, cuando Eddie, junto a Johnny Rabb y su bajista Cheese, se sumergen dentro de un campamento en algún lugar de Texas y entre alcohol, cigarrillos y fogatas trasnochadas graban la maqueta de lo que sería The Latest Menace to Human Race, el primer álbum de estudio de la banda.

“Todo empezó como un chiste; nos gustaba la idea de hacer una banda como The Mummies, con esa teatralidad, simplemente buscando una forma diferente de presentar la música que hacíamos. En ese campamento compusimos casi todas las canciones del primer álbum. Mi esposa hizo la batería, pero como no llevábamos baquetas tuvimos que ir a buscar un par de ramas por ahí en el bosque, así grabamos ese primer cassette, que sirvió de maqueta”, nos cuenta Eddie con entusiasmo.

La maqueta llega a los Toe Rag Studios, en donde fue grabado y producido por Liam Watson. “Cuando lo grabamos hubo mucha gente interesante que nos ayudó, por ejemplo Mr. Pan de The Neatbeats, una banda alucinante de Japón. Su novia es la que hace todos los gritos que se escuchan en el álbum, fue muy divertido, hubo mucha magia en ese disco, quizá sea mi favorito de todos los que he hecho”.

El problema que tuvo The Neanderthals era que al mismo tiempo que iniciaba su carrera, Eddie Angel estaba demasiado ocupado con Los Straitjackets, haciendo giras y grabando discos; sin embargo, para el segundo álbum conocen a Terry Adams, líder de NRBQ, considerada por Eddie y por otras leyendas, como la mejor banda de Estados Unidos. Adams produce The Modern Stone Age Family, que es editado en 1999, y que por falta de tiempo no contó con la promoción, con las giras y atención que Eddie le dedicaba a Los Straitjackets. Aun así la naturaleza de la banda y sobre todo la ejecución en la guitarra que tiene Eddie, junto al carisma de Rabb como frontman, son muy valorados y eso les alcanza para tener repercusión en el circuito garagero. Hoy The Neanderthals tiene esa aura de culto y su existencia es un secreto guardado con recelo por quienes

saben del tema, es por eso que su próxima visita a la Ciudad de México será más que un lujo y un deber el no perdérselo.

Con el afán de entender bien de qué demonios habla The Neanderthals en sus canciones, platicamos con Eddie Angel, quien nos reveló varios de sus secretos: ¿Cómo fue que los Neanderthals llegaron al espacio?

Eddie: Lo descubrimos por Los Tres Chiflados, ellos nos contaron cómo llegaron hasta allá y usamos su nave espacial, la que ellos mismos usaron en la película The Three Stooges In Orbit. ¿Cómo descubrieron el twist?

Lo descubrimos gracias a The Kaisers, nos enseñaron cómo sonaba y nos gustó. El twist es la mejor música para bailar de todos los tiempos. ¿Cuál ha sido el animal más terrorífico con el que han tenido que pelear ya sea en la Tierra o en el espacio?

El más terrorífico sin duda ha sido el T Rex, pero ahora nos asustan hasta los gatitos. ¿Qué comieron los Neanderthals cuando estaban en el espacio?

Llevamos varios paquetes de insectos deshidratados. Arañas y hormigas sobre todo, allá les tuvimos que echar agua, pero era difícil hacerlo por la ley de la gravedad, así es que comimos poco… ¿Cómo reconoces a un zombie en la jungla, tienen alguna técnica especial?

No realmente, la primera vez que vimos un zombie lo reconocimos porque se estaba comiendo el cerebro de una chica que iba sin ropa. Pensamos que era el tipo de cosas que hacen los zombies y así fue. ¿Has escuchado hablar de Tin Tan, el cómic?

No, éste es un cómico mexicano que alguna vez hizo una película en la que se llamó Triki Trán y era un cavernícola bastante gracioso, pensé que tal vez se conocían, aunque creo que él bailaba mambo… pensé que te referías a Tin Tin, pero ese es un comic francés. Si es un cavernícola suena interesante, lo vamos a buscar para retarlo a una función de lucha libre. ¿Para ti, el cavernícola más cool del mundo es Ringo Starr o El capitán cavernícola?

No, definitivamente el cavernícola más cool de todos los tiempos es Alley Oop (“Tru-cutú” en México). Nadie se le compara.

“El twist es la mejor música para bailar. Lo descubrimos gracias a The Kaisers, nos enseñaron cómo sonaba y nos gustó”.

Nadie sabe a ciencia cierta cómo llegaron a habitar el planeta Tierra, pero ellos aseguran que fue en la edad de piedra, antes de cristo, antes de Elvis, antes de todo. Por alguna razón la locura que les desata el rock and roll los ha mantenido vivos y coleando en busca de nuevas aventuras, aún en lo que va del siglo XXI. MVN-162

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TXT:: Aarón Enríquez FOT:: Cortesía Wild O Fest

En Portada

“Lo sentimos mucho, no tocamos canciones difíciles”.

TXT:: Diego González FOT:: Cortesía Wild O Fest

En la recta final rumbo al Wild O’ Fest CDMX tuvimos la fortuna de tener una entrevista con Sachiko (batería), Yoshiko (guitarra y voz) y Lola (bajo), The 5.6.7.8’s: la agrupación femenina de garage más importante de Japón, misma que visitará nuestro país en los próximos días.

E

sta es la segunda vez que darán un show en México y era un pretexto perfecto para hacerles unas preguntas sobre su trabajo reciente y no tan reciente.

En el 2016 cumplieron 30 años de actividades ininterrumpidas ¿qué nos pueden contar de sus 30 aniversario? ¿cómo lo festejaron?

Sachiko: (Risas) ¡Sí! ya no lo recordaba. Tuvimos una serie de shows en diferentes lugares con muchas bandas de viejos amigos y todo lo que esto implica, como pósters, fotos, camisetas y más souvenirs de aniversario. ¿Cuál es la receta secreta para mantenerse unidas a lo largo de más de 3 décadas?

Sachiko: La música. Nada más que la música.

¿Qué actos musicales te han parecido interesantes recientemente, no necesariamente de rock?

Yoshiko: Hace poco encontré a The Three Tons of Joy, un grupo coral de 3 mujeres que fue muy famoso en la década de los 50.

Y no dejo de encontrarme en YouTube con sencillos de soul que me parecen sumamente cool.

Si tuvieras que elegir entre Chuck Berry y Jerry Lee Lewis ¿qué prefieres?

Yoshiko: (Risas) ¡Esta decisión es una muy difícil! ¿Conoces alguna banda mexicana que te guste?

Yoshiko: ¡Claro! Conozco a Ramomex y me encantan, además los encontré en YouTube y los amé de inmediato.

Sachiko: Sin duda hacer un festival es más fácil, es lo que hacemos todo el tiempo y nos gusta mucho. Para hacer una película hubo que aprender muchas más cosas, diferentes al escenario de siempre.

Imagina el show de tus sueños, Puedes elegir el lugar, o una situación, o un público específico, o el equipo que más quisieras usar, y hasta elegir a las demás bandas que se presentarían. ¿Como sería?

Yoshiko: Veamos: Lugar: el viejo santuario que está en mi barrio.

Situación: un festival en ese viejo santuario.

Público: quisiera ver a todo mi barrio ahí.

Equipo: un escenario de festival al estilo tradicional japonés.

Hora: siempre que sea en la noche.

Line up: Rezillos, The B 52’s, Suburban Lawns. Y algunos que ya no tocan más podrían ser The Klitz y Hicksville.

¿Qué hay de atuendo para los shows en vivo? ¿Tienen algún elemento o accesorio de la suerte para subirse al escenario?

Sachiko:¡Por supuesto! Tenemos un encanto por los santuarios japoneses y esto hace que tengamos nuestros atuendos favoritos para los shows, los cuales reflejan el mismo tipo de ornamentos.

¿Ha sido difícil grabar algunas de sus canciones?

Yoshiko: (Risas) Lo sentimos mucho, no tocamos canciones difíciles. ¿Cuál es tu canción favorita de The 5.6.7.8’s en la actualidad?

Lola: Tengo muchas favoritas, por decir sólo algunas: “I’m blue”, “Dream Boy”, “Hanky Panky”.

¿Tienen algún consejo que quisieran darle a las bandas de chicas de cualquier edad y de cualquier género musical?

Sachiko: ¡Que se diviertan! ¡No hay más!

¿Cual sería uno de los músicos femeninos favoritos de la banda?

Lola: Sin duda mi favorita es Astrud Gilberto.

Después de tantos años trabajando como banda independiente ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con el sello de Jack White y ser producidas por él mismo? ¡Jack es genial! ¡La experiencia fue realmente grandiosa en todo sentido! Tiene una cantidad espectacular de guitarras y amplificadores que no podíamos creer. Fue algo muy emocionante.

Muchas gracias por la oportunidad de platicar con ustedes chicas. Son un referente muy importante en el género, en las bandas de chicas y en el los festivales. Esperamos con mucha emoción su próximo show y las esperamos en México pronto.

El año pasado estuvieron en nuestro país, en el festival de música latina más grande del continente ¿cómo fue su experiencia?

Sentimos el amor que tiene su gente por la música. La aman y eso nos encanta. ¿Qué resulta más difícil? ¿actuar en una película para Quentin Tarantino o tocar en un festival para 60,000 personas?

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The 5.6.7.8s: ¡Allá nos vemos!

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B

anda formada en 1985 en Montreal, cuando Bobby Beaton (guitarra y voz), Gerry Alvarez (guitarra y voz), John Davis (bajo) y su hermano Eric Davis (batería) se juntaron para hacer su música –sin experiencia musical previa–, resultó “un garage al estilo norteamericano, influído por la música de mediados de los 60”, de acuerdo con Gerry. “La inspiración venía también de largas noches en el sótano de nuestros padres mirando televisión”, agrega el guitarrista.

Y precisamente los de Montreal tomaron su nombre de la TV, de aquellos horripilantes y excéntricos vecinos de Los Picapiedra, personajes que aparecieran alguna vez en esa caricatura; de los que además copiaran también la vestimenta, actitud y cortes de cabello; combinándolos con un toque de punk.

Gerry Alvarez, fundador y compositor principal de The Gruesomes, también se hace cargo de atender a los medios y manejar las redes sociales de la banda. “Creo que tengo más de publirelacionsta que los otros; soy como un publicista, encargado de promover todo alrededor de la banda”, dice Gerry. Con el pasar de los años, The Gruesomes continúan siendo una banda autogestiva, por lo que cada integrante adoptó una rol extra, además de tocar su instrumento.

Los primeros shows de The Gruesomes estaban basados más en la energía y el humor ácido, que en una capacidad musical real. En poco tiempo, The Gruesomes se hicieron de popularidad en los clubes locales con todo y la inexperiencia de la banda, con presentaciones llenas de gritos desenfadados, fuzz, tambores incesantes y toda la angustia adolescente inadaptada que se podría necesitar entonces. Se trata de hacer espectáculos frenéticos, enloquecidos, “entretenidos, shockeantes y divertidos”. Como puede adivinarse en sus grabaciones, “la banda inició tocando canciones de The Sonics, que nos resultaban realmente inspiradores” y tomaron mucho del resto del garage de esa época. Gerry ahonda en la música que hacen como “simple, fácil de tocar, muy básica; con solos de guitarra sucios, energética, nada complicada”. Para The Gruesomes la fórmula es, en efecto, la raíz del garage de los sesenta y el punk de los setenta.

A menos de un año de haber tomado los instrumentos por primera vez, el sello canadiense Og Records los firmó para editar su primer larga duración, Tyrants of Teen Trash (1986), que bien se resume como una pequeña colección de himnos juveniles y primitivos, convirtiéndose en material de cabecera para los seguidores del género en todo el mundo. Después llegarían, de la mano del mismo sello, Gruesomania (1987) y Hey! (1988), discos que los colocaron como una de las bandas underground más rentables en cuanto a venta de entradas. No pasó mucho para que comenzaran a girar por territorio canadiense, para

luego volar a los Estados Unidos con la reputación de sus legendarias presentaciones a cuestas.

Para 1987 y tras el lanzamiento de Gruesomania, John Knoll toma el lugar de Eric Davis reemplazándolo en la batería, lo que dio a la banda un sonido más definido, ligándose más al R&B que al garage. Sin embargo, cinco años después de su formación, The Gruesomes deciden separarse para dedicarse a proyectos personales.

Diez años después emergen de su tumba, acompañados de Cave-In! (2000), un disco en el que mostraron que todo ese tiempo en el limbo no les pasó factura. Con nuevo material bajo el brazo, la banda se embarca a Europa, visita Alemania y Holanda, además de participar en diferentes festivales de Canadá y Estados Unidos.

A lo largo de su vida en los escenarios, han alternado con bandas como The Neanderthals, Southern Culture On The Skids, Bloodshot Bill, Black Lips, entre muchas otras. Desde entonces la banda ha tenido shows intermitentes y es hasta 2007 que lanzan Live in Hell, el que es desde entonces su último disco.

Este material no es más que un “álbum fotográfico” con veinticuatro cortes que retratan a la perfección lo que The Gruesomes hace en vivo. A diez años del Live in Hell, Alvarez no esta seguro de si habrá algo nuevo de The Gruesomes: “No lo sé, vamos viviendo día a día. En realidad siempre estoy jugando con nuevas canciones, escribo ideas todo el tiempo, y luego veré qué sucede, no hay planes de un disco todavía, aunque sí lo pienso”.

La tercera edición del Wild’O Fest es el pretexto perfecto para presentarlos por primera vez en nuestro país, para hacer bailar a todos hasta destrozar sus pies. Pero ¿qué escucharemos cuando sea su turno de invadir el escenario? Gerry no deja lugar a dudas: “El clásico sonido de The Gruesomes, ¡nada más!

Tocaremos lo mejor de nuestra música. Queremos divertirnos y divertir a la gente que aún no nos ha visto en vivo”.

Así que sin noticias de un próximo material nuevo de estudio, pero aún con una fuerte base de admiradores, y sonido y presencia distintivos, The Gruesomes ya no planean rodar de allá para acá, ni tocar entre un bar y otro: decidieron tomarse todo con calma y presentarse sólo donde les vibre tocar porque se encuentran en la cómoda posición de poder escoger y elegir sus shows. Y es que en realidad así funcionaron desde un inicio; una banda que nunca se tomó a sí misma ni a nadie más en serio. Sin embargo, los días de tocar por “cien dólares y un plato de espagueti” han terminado para ellos.

Si Gerry se atreviera a dar un consejo a las bandas de garage punk que van iniciando, les diría que “no hagan lo que otros les digan que deberían hacer, hagan lo que en realidad aman y quieran hacer”.

“No hagan lo que otros les digan que deberían hacer, hagan lo que en realidad aman y quieran hacer”.

Musicalmente hablando, Canadá está muy lejos de cómo South Park ha caricaturizado a los de aquel país.

Basta mencionar a Neil Young, Rush, Leonard Cohen o Paul Anka como claros ejemplos de la genialidad que ofrece el país de la hoja de maple. Pero cuando hablamos de la cultura subterránea y específicamente de garage punk, resulta imposible no mencionar a una banda ícono del género: The Gruesomes.

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TXT:: Sergio Benítez FOT:: Cortesía Wild O Fest

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“La música popular no volvió a ser la misma. Nirvana transformó para siempre el negocio”

TXT:: Arturo J. Flores FOT:: Cortesía Wild O Fest

The Boss Martians es dos bandas en una. Porque sus primeros discos podrían encerrarse en la etiqueta de surf instrumental, pero los más recientes (a partir de Making the rounds, de 2002) definitivamente suenan mucho más rock alternativo y punk. Con voces y todo.

S

in embargo, desde el año pasado, el grupo integrado por Evan Foster (guitara y voz), Nick Contento (órgano), Erik Foster (bajo) y Nick Schultz (batería) anunció que volverían a tocar surf y lanzarían nuevas canciones. De ahí que su presencia en el Wild O’ Fest, a celebrarse el 16 de junio en la Carpa Astros.

Lo que sigue es resultado de una breve pero sustanciosa conversación telefónica con Evan desde la ciudad de Seattle, donde The Boss Martians se formó y él radica.

Existe una gran curiosidad por escucharlos, debido que lo último que grabaron como grupo, está mucho más afincado en los riffs de guitarra y las voces, ¿cómo está conformado actualmente el proceso de composición dentro de Ths Boss Martians?

Evan: Tenemos muchísimo tiempo tocando y efectivamente, al principio sí hacíamos un surf mucho más relacionado con los años 60. Era nuestra principal influencia. En cierta medida, siempre seguimos tocando surf, pero en 2002, le dimos un giro a nuestro estilo. Experimentamos con el power punk, algo que sonaba mucho más setentero u ochentero. Más parecido a los Buzzcocks, por ejemplo. Mira, uno de mis compositores favoritos de todos los tiempos es Elvis Costello, sobre todo en los discos de los 70 y 80.

Por eso, cuando cambiamos nuestro sonido, quisimos darle más importancia a la escritura, a las letras. Siempre he dejado que mis discos favoritos me influencien y guíen lo que hago. Si consigo un riff de guitarra que me agrade, eso me conduce a lo demás, al coro, al puente o a una introducción, pero siempre teniendo la mente abierta a lo que viene. Cuando era más joven no estaba tan abierto a la experimentación, pero la edad me ha convertido en un músico mucho más valiente. Lo que más me gusta es que las canciones suenen lo más naturales posibles.

Nevermind salió al mercado en 1991, gran parte de la música pop que se escuchaba se trataba de hair metal. Era muy suave, bandas como Poison y cosas así. Todo provenía de Los Ángeles. Cuando miro hacia atrás y revivo aquellos días, casi no puedo recordar aquella música porque Nirvana llegó a barrer con todo. Ellos y Soundgarden, sobre todo, pusieron de moda un tipo de música que no tenía absolutamente nada para convertirse en popular.

En The Boss Martians hay, como dijiste, una parte muy punk, ¿cómo llegó esa música a tu vida?

Tengo 46 años, cuando crecí en los 80, mi familia se mudó al sur de California. Vivimos en Los Angeles a fines de los años 70, cuando bullía el movimiento punk. Mi papá trabajaba para una compañía disquera, Slash Records, que ayudó a desarrollar grupos como X, Black Flag, Fear y Germs. Así me expuse a esa música y X se volvió una de mis bandas favoritas. Muchos la consideran una banda de punk, pero yo creo que tocaba rock and roll. De modo que si X y Black Flag representaron mi puerta de entrada al punk, también me inspiraron a escuchar a otros tipo de músicos en el género. Así llegué a Sex Pistols, Buzzcocks y The Clash. Conocí a los clásicos gracias a la escena punk en Los Ángeles.

Has lanzado un buen número de discos, ¿te gusta escucharte en streaming?

Me gusta más el formato físico, claro. Soy ingeniero de grabación, tengo un estudio de grabación aquí en Seattle y por supuesto, adoro lo análogo. Pero al mismo tiempo creo que Spotify y los servicios de streaming están increíbles. Así es como sucede en la actualidad. Es el presente y el futuro. Te la pongo así, me da gusto seguir aquí, en la música. Si alguien me quiere escuchar en vinilo, perfecto, y si lo quiere en digital, también. Sólo escuchen The Boss Martians, por favor.

¿De dónde proviene tu amor por la música?

Principalmente de mi familia. Mis padres son músicos, tocaron en una banda en los 60. Grababan discos e iban de gira juntos.

Así que yo nací en ese contexto, crecí rodeado de músicos.

Dedicarme a hacer música fue lo más natural.

Eres The Boss Martians, ¿te gusta la ciencia ficción? ¡Por supuesto! Cuando era joven, veía muchas más películas y leía libros. Me gustaba la saga de Alien, por ejemplo. Ahora ya casi no tengo mucho tiempo, el estudio de grabación me absorbe por completo.

¿Tus padres tocaban rock and roll?

Sí. Originalmente yo soy de Chicago, Illinois. Mi papá nació ahí a finales de los 50, principios de los 60. Escuchaba a Chuck Berry y Little Richard. Más tarde nos mudamos, pero esas fueron nuestras raíces.

Sin embargo, creo que tus canciones tiene mucho de cinematográficas. ¿Lo has percibido de esa forma?

Es interesante, porque algunas de nuestras canciones han sido utilizadas en películas. Al principio no las vi de esa forma, pero sí, tienen algo de cinematográficas porque contienen una gran parte de drama. Nunca he escrito intencionalmente algo que pusiera servir para una película, pero al final acaba ahí. Es extraño.

Debe haber chicos que escuchan tus canciones y piensan en convertirse en músicos, pero sus padres no están de acuerdo con ello. Supongo que en tu caso, fue todo lo contrario.

Sí, fue maravilloso. De hecho, nunca me obligaron a tocar o a ser músico. Jamás me presionaron a comprar una guitarra, aunque sí me apoyaron comprándome la primera que tuve. Pero siempre fue mi decisión hacerlo. Sé que hay chicos que quieren tocar, pero sus padres no se los permiten y debe ser muy complicado lidiar con ello.

Tener padres músicos debió al mismo tiempo ponértela más complicada si en algún momento pensaste en tirar la toalla.

Definitivamente, porque la música es una empresa muy complicada. Pero estaba tan enraizado en mí, que nunca me pasó por la cabeza dedicarme a otra cosa. Por el contrario, en los momentos más oscuros de mi vida, he ido a refugiarme en la música.

The Boss Martians se fundó en Seattle. Como parte de esa escena, ¿dirías que algo realmente se transformó luego del surgimiento de Nirvana, Alice in Chains y Pearl Jam? Ustedes mismos trabajaron con Jack Endino.

Sí, definitivamente. La música popular no volvió a ser la misma.

Nirvana transformó para siempre el negocio. Por ejemplo, cuando

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Tal vez sea algo viejo, pero dime, ¿cómo fue grabar con Iggy Pop en el álbum Pressure in the S.O.D.O? ¡Guau! ¡Es una gran pregunta, porque justo estaba mañana alguien me lo preguntó! Es uno de los momentos más gloriosos de mi carrera. Fuimos a Miami a verlo. Iggy escribió la letra y yo la música de la canción. La letra es loquísima, muy a lo Iggy. Así que el hecho de que la cantáramos juntos es todavía más halagador. Grabamos las voces en su casa y mientras estábamos ahí, yo seguí pensando que aquello era un sueño, que no podía ser posible.

Por último, no sé si estés enterado, pero el venue donde te presentarás en México solía ser un circo de verdad, pero se cerró a raíz de la prohibición que existe para utilizar animales en ese tipo de espectáculos.

Es maravilloso, no lo sabía. El año pasado estuve en ese mismo lugar como guitarrista de una banda de Tacoma, The Sonics, supongo que los conoces. Estuve como invitado. Recuerdo que había una gran tienda de circo, pero no sabía que había sido un circo de verdad y que se clausurara a causa por defender los derechos de los animales, me parece grandioso. Habla muy bien de la Ciudad de México.

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“Huesos y basura, eso es todo lo que un cavernícola adolescente necesita”

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Miriam Raneburger

Uno de los llamados súper grupos dentro de la corriente del pyscho garage, Wild Evil & The Trashbones fue formado a inicios del 2009, con Paul Howl en la guitarra, Murphy Morphine en el bajo y Berni T. Bone detrás de la batería –los tres provenientes de los influyentes The Roadrunners–, bajo la guía salvaje y gritos de Wild Evel –ex vocal de la banda seminal The Staggers–.

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xpresiones maniáticas, gritos ensordecedores, además de una música aserradora, que indiscutiblemente provoca agitar el cuerpo entero; esa sería la mejor manera de explicar lo que hacen estos músicos de Viena, Austria. A poco menos de diez años en la escena garage rock de su país, Wild Evel & The Trashbones cuenta con dos larga duración: su debut Tales From The Cave (2012) y el reciente Digging My Grave (2017) –ambos editados por el sello inglés Dirty Water Records–, además de algunos sencillos y participaciones en acoplados y siete pulgadas.

El cuarteto ha recorrido buena parte de Europa y America Latina, actuando en clubes, bares y formando parte de importantes festivales y clubes. Este año pisarán nuevamente territorio mexicano, encabezando el cartel del Wild’O Fest de este 2018, y tuvimos la oportunidad de conversar con Sebastian Sa... ¡ejem! con Wild Evel de lo que veremos una vez que sea su turno de incendiar el escenario de la Carpa Astros: En cinco palabras, dime ¿qué significa para ustedes el Garage Rock?

Wild Evel: Bad Music for Bad People.

Para quienes no los han escuchado, ¿cómo presentarías la música de Wild Evel & The Trashbones?

Huesos y basura, eso es todo lo que un cavernícola adolescente necesita. Tenemos una guitarra con fuzz demoledora como sierra eléctrica, chirridos de un órgano Farfisa, una batería retumbante y un bajo estruedonso. Intento dejar salir al escenario al diablo de mi alma y espero ser lo más salvaje posible. En general, creo que es una mezcla de garage punk, rock and roll y una pizca de surf. Lo mejor es escucharnos para que tengan su propia opinión. ¿Qué bandas dirías que influyeron a Wild Evel & The Trashbones?

Hay muchas influencias, todo lo que me rodea en la vida tiene un impacto en mi creatividad musical de alguna manera. Principalmente diría que el rock and roll, de los cincuenta hasta ahora.

En realidad cavamos entre The Cramps, Screaming Lord Sutch, Howling Wolf, The Masonics, The Cheepskates, The Phantom Keys y muchas más de las bandas de garage que andan por ahí.

Con tan sólo dos LPs han logrado gran notoriedad en la escena garage rock, ¿cómo se sienten por esto?

Me encanta tocar en vivo y festejar con el público y los fanáticos. Se siente genial cuando a la audiencia le gusta algo que disfrutamos haciendo. Deberíamos ir más seguido al estudio de grabación, pienso en este instante.

El año pasado lanzaron Digging My Grave, ¿hay planes de regresar al estudio prontamente?

De hecho acabamos de estar en un estudio de grabación análoga y grabamos cuatro pistas. Estoy súper contento con el resultado. Dennis Rux, del estudio de los Yeah Yeah Yeahs! hizo un gran trabajo. Lanzaremos dos sencillos de siete pulgadas a finales de este año y esperamos grabar el 3er álbum el próximo.

Algo que hizo de Digging My Grave un gran álbum, es el toque energético y crudo, además de la vibra vintage que se escucha en cada canción, cuéntame más acerca de cómo crearon este disco.

Lo grabamos completamente análogo con una 8 Track Reel to Reel en el Livingroom Room Sound, junto con Roman Aul, cerca

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de Frankfurt. Grabamos juntos batería, bajo y guitarra, sobrepusimos las voces y algunos extras después. Roman aportó ideas geniales y de alguna manera lo logramos. Jim Diamond se encargó de la masterización, que dio al álbum el puntapié final. ¿Qué me puedes decir de la escena undergroud de Austria?

Hay muchos conciertos de punk, hardcore y metal. Desearía que hubiera un poco más de garage rock y rock and roll también.

En general hay muchos conciertos en Viena. La mayoría de los jóvenes de aquí parecen más interesados en cosas hipster, pero hay muchos otros que no. ¿Qué opinas de los seguidores actuales del garage rock?

En mi opinión, cuando asisten a conciertos del tema la pasan muy bien. Hemos tocado en buena parte de Europa y hemos pasado excelentes momentos con el público de todos lados. ¿Qué opinas de la cobertura que dan los medios de música actuales a géneros como éste?

No conozco mucho acerca los medios actuales, y bueno, no los sigo mucho. ¿Hay alguna banda austriaca que recomendarías? ¡Definitivamente! BJ‘s New Breed, The Attention, The Howling Hounds, Dee Cracks, The Slapbacks, Bad Weed, Sir Psyko and his Monsters, The Surfaholics; sólo por mencionar algunas. ¿Cómo es un show en vivo de Wild Evel & The Trashbones?

Es complicado que yo responda esa pregunta porque soy parte de ese show y sólo hago lo que un hombre debería hacer. Me encantaría vernos desde abajo del escenario.

Nuestros shows son sudorosos, con todo tipo de locuras extrañas involucradas.

Vendrán a México para tocar en el Wild’O Fest junto a otros íconos del garage, ¿qué esperan de este festival?

Sí, tocaremos junto bandas grandiosas. Queremos mucha diversión, reunirnos con viejos amigos y conocer otros nuevos.

En cuanto al público mexicano, ¿qué esperas encontrarte?

Siempre esperamos lo inesperado. Queremos un público mexicano súper salvaje.

De las bandas que serán parte parte también del Wild’O Fest, ¿cuáles les atraen?

Me encantará ver por primera vez a The Bomboras y The Gruesomes. Ya he visto o compartido escenario con algunas de las otras bandas. ¿Hay alguna banda mexicana que conozcas o te gustaría ver? ¡Sí! Los Infierno, Lost Acapulco, Los Pipas De La Paz, Los Explosivos. ¿Qué consejo darías a las bandas de garage punk que están iniciando? ¡Háganlo por diversión! Salgan a tocar y griten desde el fondo de su corazón. Siempre traten de la mejor manera al público y creen atmósferas desquiciantes. No permitan que nadie arruine su entusiasmo. ¡Vístanse con estilo y pateen traseros! ¿Algo más que desees agregar?

Estamos absolutamente emocionados de regresar a México.

Agradecemos el apoyo de nuestros fans, ¡sigan rockeando!

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D

acho X y Marcelo Di Paola tuvieron que encontrarse un día de verano, aburridos en la sala de su casa, para que el monstruo subacuático emergiera de las profundidades y empezara la historia de The Tormentos y con ellos, la de una cultura creciente del surf argentino. La ruta a go go traerá de vuelta a estas leyendas de la pampa a la Ciudad de México para participar en el Wild O´Fest a mediados de junio, lo cual nos sirvió como pretexto para hablar un poco con Marcelo: Tienen una historia interesante con México ¿Exactamente cuántas veces han venido?

Marcelo: La verdad es que es la segunda vez que vamos a México. La primera vez nos llevaron el Reverendo –de Lost Acapulco– y Jorge, el “Dr. Alderete”.

Tuvimos un par de intentos después, en uno de ellos tuvimos un problema nosotros en Argentina y la segunda vez sucedió lo de la gripe porcina en 2009, justo un mes antes de realizar la gira, eso nos tiró todo.

Nada más alucinante para una banda de surf que se cancelen sus giras porque haya un virus de fiebre porcina en todo un país… Suena a película de zombies.

Totalmente, fue muy alucinante. Hoy nos parece divertido, pero la verdad es que también se canceló la gira de Lost Acapulco a Argentina y esa, por ejemplo, no se concretó nunca más, fue una tragedia muy peculiar.

En México se ha mantenido viva la escena del surf durante algunos años con el esfuerzo de muchas personas. ¿En Argentina ha sido similar?

Yo veo mucho más viva la movida mexicana, es mucho más potente. La realidad es que si hay alguien que ha sacado el surf adelante en Argentina, hemos sido nosotros. Cuando empezamos a tocar, a buscar fechas, a hablar con la radio, a organizar toquines o lo que sea, nadie tenía ni idea de lo que estábamos hablando cuando tratábamos de explicar qué era el surf. Yo tenía que empezar literalmente de cero, hablarles de Pulp Fiction, de Dick Dale, tenía un discursito armado y con ese les explicaba porque acá no existía una escena surf. Después, con los años empezaron a surgir un montón de bandas que curiosamente lo hicieron a la inversa. Primero nos descubrieron a nosotros porque nos vieron en un toquín o lo que sea y después los tipos iban a buscar a Dick Dale y la música de los sesenta. Es curioso porque pasó al revés, nosotros aquí generamos esa cultura, no existía antes de nosotros.

Bueno, la realidad es que acá también empezó poco antes del año dos mil y han sido importantes foros como el Alicia y programas como el que tuvieron el Warpig y el Reverendo de Lost Acapulco para mantenerla viva.

Sí, pasa que las modas vienen y van, pero lo verdadero permanece y lo que han hecho el Reverendo y el Warpig en la radio durante tantos años, no creo que se le pueda catalogar de otra forma que no sea verdadero, la forma en la que han hecho llegar no solamente la música que ellos estaban haciendo, sino

un montón de bandas tanto en México como en otros lugares, es un trabajo que no es solamente ellos tocando sus instrumentos, sino que tienen todo un back up, ediciones de discos, promover eventos, traer bandas, giras que han organizado, en fin.

En Argentina, ¿cuál pudiera ser el equivalente al Multiforo Alicia?

Hay distintos lugares, Salón Pueyrredón, por ejemplo, es un icono de la contracultura. Si hubiera que comparar con el Alicia sin duda sería ese. Por tamaño, calidad y demás, porque además toca todo mundo, hay toda clase de tocadas, no solo de punk; los socios tienen bandas conocidas de punk rock argentino y es un lugar emblemático.

Si The Tormentos fueran un monstruo mutante, ¿qué tipo de monstruo serían?

Seríamos un Godzilla, destrozando todo a su paso.

Definitivamente viniendo del mar, un monstruo que va saliendo del Río de la Plata y atacando Buenos Aires. ¿Y si fueran una película?

Seríamos Vanishing Point, la película de Kowalski, andando por el desierto, con ese precioso Dodge Charger blanco, escapando de la policía.

Todo muy icónico.

Sí la imaginería es muy importante para nosotros, todo lo que hemos puesto, las películas de Bruce Brown, las camisas que tenemos, que en realidad no son de bowling, sino son más como de un equipo de competición de autos, en fin. Todo lo que hay alrededor del surf para nosotros es muy importante. ¿Han ido a las luchas?

Por supuesto, la última vez que anduvimos por allá en México, nos llevó Jorge Alderete, yo nunca había estado y la verdad que lo disfruté muchísimo, todo el [sonidos guturales inintelegibles] que tiene, es impresionante.

Además, ir con el Dr. Alderete debe ser toda una experiencia.

Sí, el Dr. Alderete es un viejo amigo, compatriota a quien aprecio mucho, con él inició todo el contacto con México y cada que podemos vernos nos visitamos, cuando estamos nosotros por acá o cuando él va a Argentina a visitar a sus padres. Creo que él también ha alimentado muy fuertemente esa cultura mexicana del surf con toda la imaginería visual que creó para Lost Acapulco. El trabajo de Jorge me parece el más importante hablando de lo que alimenta culturalmente y bueno, tú ves su trabajo y tiene un sello que se reconoce por todos lados. ¿Cómo describirías las noches mexicanas que han pasado en México con todos los personajes y amigos que los rodean?

Tenemos muchos amigos como Tito Fuentes, AJ Dávila, Jorge Alderete, todo Lost Acapulco, en fin. Las noches en México son todas un hermoso caos.

“Las noches en México son todas un hermoso caos”.

Es difícil de imaginar, pero alguna vez existió un país sin surf y era Argentina. En algún momento, dentro de la vasta historia musical del país sudamericano, ritmos como el surf o el rokcabilly simplemente no existían.

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TXT:: Aarón Enríquez FOT:: Cortesía Wild O Fest

De Culto Música

TXT:: Diego González

“E

n esta esquina”, nacido en Boston, hijo de padre libanés y madre polaca, Richard Anthony Monsour, el guitarrista mejor conocido como Dick Dale, que cumplió 81 años el pasado 4 de mayo. En el ‘54 se muda a California junto con su familia, donde se convirtió en un entusiasta surfista, misma actividad que lo llevó a crear un entorno sonoro que evocara la brisa del mar y la vibrante adrenalina de las olas a toda velocidad.

Tenía claras influencias de Chuck Berry y el rock primitivo que sonaba en los Estados Unidos.

Desde muy joven, Dale tocaba el ukelele, la trompeta y la guitarra, y entre sus principales influencias estaban los sonidos de medio oriente, fruto de su contacto con un tío por parte paterna. Él fue, de hecho, uno de los primeros guitarristas estadounidenses en introducir escalas orientales en la música de su país. Pero seguro que si será recordado en la historia de la música por algo, es por el uso “reverb” para conseguir su objetivo.

Dale es el personaje encargado de crear una tendencia musical que trataba de recrear con la guitarra un sonido que emulara la sensación que sentía al desplazarse sobre la ola en su tabla: el equilibrio, la vibración, la velocidad en su cara y las pulsaciones de su corazón. Y claro, no logró esto hasta trabajar de cerca con Leo Fender, responsable de adaptarse a las necesidades de volumen y energía que solía proyectar Dale en sus actuaciones en vivo. No en vano, Dale también fue considerado el “Padre del Heavy Metal”, según la Guitar Player Magazine, y se posicionó en la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia.

Un detalle no menor, además de desarrollar su particular estilo, es que Dick Dale -hoy de 81 años- es zurdo y aprendió a tocar con las cuerdas en orden inverso. “Los acordes están diseñados para los tocadores diestros, lo que hace que sea muy difícil para un intérprete zurdo, a menos que se cambien las cuerdas a una guitarra para zurdos, algo que Dale nunca hizo”, dato que confirma su sitio web oficial. Dale no tenía obstáculo alguno para conseguir su objetivo y coronarse históricamente.

Y como la gran mayoría de estas figuras, resultó ser totalmente autodidacta y dominó, no sólo la guitarra eléctrica, sino que haciendo gala del título “multinstrumentista”, tocó también acústicas y españolas, piano, batería, banjo, teclado electrónico, clavicordio, trompeta, saxofón, xilófono, acordeón y otros instrumentos que lo confirman como un fuera de serie en la historia de la música.

En 1962 lanzó su clásico instantáneo llamado Surfer’s Choice, álbum que recoge la canción con la que todos podemos recordarlo en Pulp Fiction de Quentin Tarantino, y que en la portada del disco aparecía el mismo Dale surfeando sobre las olas del muelle de San Clemente, California.

Este super héroe playero también dejó huella al armar a las agrupaciones legendarias The Ventures, Dick Dale & The DelTones y The Surfaris.

Y para que no se te olvide de quién se hablaba, sólo recuerda que a Dale le llamaban “el hombre que masturbaba a su guitarra en el escenario”. n esta otra”, procedentes del Distrito de Lince, en Lima, Perú; con ustedes: Saicos. La agrupación que le dio origen al punk en la primera mitad de la década de los sesenta, género que tuvo su explosión más vistosa en Inglaterra y demás lugares de Europa.

“E

¡Al carajo el CBGB’s, Sid Vicious, el “Ain’t it Fun” de los Dead Boys y el “No Future”! Rolando Carpio, César Castrillón, Erwin Flores y Pancho Guevara decidieron bautizar a su agrupación como “Sádicos”, pero algunos dicen que se auto-censuraron y quitaron la “d”, para poder hacer referencia a “Psycho”, como suena en inglés.

Saicos, no “Los” Saicos, porque como buenos punks les daba pena que los relacionaran con el New Wave de la época.

A mediados de los sesenta, en pleno apogeo mundial, Saicos imponían temas que hacían eco de la rebeldía de la época como “Cementerio”, “Salvaje” y su mayor éxito: “Demolición”, el cual se convirtió en un himno de las manifestaciones de rebeldía juvenil, también anticipadas a su época (las grandes protestas estudiantiles en diferentes países fueron en 1968), y ni siquiera pretendían enviar algún mensaje a dichos jóvenes.

“El punk es una onda medio rara y nosotros lo que hacíamos era rock and roll”, afirmó Guevara en entrevista con BBC Mundo. “Si ahora dicen que éramos punk, lo asumimos.

Es algo extraño, pero bienvenido. Pero cuando escucho a los Sex Pistols y otras bandas, ni les encuentro parecido con nuestra música”.

Saicos tuvieron su época de oro entre 1965 y 1966; incluso tenían un programa de televisión. Pero sólo lanzaron seis sencillos y nunca llegaron a grabar un álbum. “Siempre tuvimos la intención de grabar el álbum”, dice Pancho… “Pero las canciones al ser propias requerían mucho tiempo de elaborar y hacer los arreglos. Nos tomó un año hacer esas canciones y después no teníamos tiempo con todos los compromisos y presentaciones”.

Con el tiempo, el grupo decidió disolverse, con sus integrantes completamente saturados de verse todos los días durante tres años en algo que ni siquiera tenían planeado.

El vocalista decidió migrar a Washington, USA para estudiar física y posteriormente trabajar para la NASA. “Pero la cosa comenzó verdaderamente cuando sacaron el LP en España en 1998 y ahí despegó la onda de nuevo en todo Europa; nos trataron de ubicar hasta que lo consiguieron en 2006 y nos pidieron que hiciéramos un show”.

Después de eso llegó el reconocimiento como precursores del punk y un documental que agotó las entradas en su estreno en Lima, Saicomanía, de Héctor Chávez.

Y todo porque otro peruano se fue a vivir a España en 1995 y se llevó un casete con la música de Saicos, que hizo tocar durante una entrevista con la radio nacional de España.

“Fue un honor que después de 45 años nos reediten”, comenta Guevara. “Yo sí me considero punk, porque nunca sentí la música de los Beatles de esa forma, yo no sentí el amor como los Beatles lo expresan. Me gustan pero no me identifico, prefiero una música más agresiva y una letra que también exprese el amor pero de otra manera” afirma César Castrillón, bajista de Saicos. “Los chicos de 20, 30 años conocen ahora nuestras canciones”, señala Castrillón.

“Hemos estado en España y la gente canta las canciones como si fueran propias. En México y Argentina pasó lo mismo, nos piden que toquemos en Inglaterra, en Estados Unidos… ” y sentencia con una mueca de humor resignado: “… pero ya tenemos 66 años y nos puede dar artritis o un soplo al corazón” .

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HAGAN SUS APUESTAS MVN-162

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De Culto Cine

TXT:: Diego González

“Damas y caballeros: bienvenidos a la violencia, –la palabra y el acto.

Aún cuando la violencia se esconde tras una plétora de disfraces, su fachada favorita sigue siendo…

el sexo.

La violencia devora lo que toca; rara vez satisface su apetito voraz.

Sin embargo, la violencia no solamente destruye:

igualmente crea y da nuevas formas. Entonces,

examinemos de cerca esta peligrosa creación maligna, esta nueva especie escondida y envuelta en la tersa piel de una mujer. , el inconfundible aroma de mujer, la superficie sedosa y brillante, el cuerpo que yace displicente. Pero no sin unas palabras de advertencia: Manéjese con cuidado y nunca baje la guardia. Esta especie rapaz merodea en soledad y en grupos, operando a todo nivel, en todo momento, lugar y con quien sea. ¿Quiénes son? Podría ser su secretaria, la recepcionista de su médico… ¡o una

Ahí está la suavidad

bailarina en un club á go-gó!”.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1965), de Russ Meyer

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L

o que seguiría después de este espectacular prólogo narrado por la viril voz en off del mismo Russ Meyer es un montaje frenético de tres explosivas go go dancers, bailando arriba del escenario de un club nocturno, ante la mirada exultante de los clientes del lugar.

Una sucesión veloz de planos de una rockola, fragmentos de cuerpos femeninos deslumbrantes, planos de rostros masculinos evidentemente excitados y la canción que da nombre a la película sonando de fondo a todo volumen: así es Faster, Pussycat! Kill! Kill!

Las tres exuberantes protagonistas de aquel clásico de culto del blanco y negro se lanzan en sus automóviles descapotables hacia un violento recorrido por las autopistas norteamericanas, desafiando la supuesta “supremacía masculina” con total y absoluta amoralidad, sin discursos feministas ni mucho menos, ansias de revoluciones de clase. Simplemente se entregan a una andanada criminal, cuyo objetivo es completamente indiferente a cualquier cuestión de lucha de sexos. Esta película emblemática de Meyer resulta atípica, en tanto contiene bastantes excepciones formales a lo que luego sería frecuente de ver en sus otras realizaciones. Acá son las mujeres quienes generan la violencia sin ningún tipo de remordimiento, con total brutalidad y sin forzar al espectador al más mínimo deseo de empatía con la causa –si es acaso defendieran alguna.

Desde las formas tampoco se trasciende el escote ni la ropa interior de sus voluptuosas protagonistas, aun cuando sus cuerpos pedían a gritos el procedimiento contrario. Estas formas no le reprochan nada a la película, más bien, dan pie a la observación de otros aspectos que luego el director se dedicaría a explorar y sobre todo explotar con bastante más desenfreno: una mirada hacia el sexo femenino desprovista de cualquier rastro de misoginia, pero no por ello menos irritante para las más recalcitrantes visiones del machismo y del feminismo mal entendido (quizás este último, el más dañino y misógino de los fundamentalismos, todavía mucho más que el machismo, paradójicamente).

Así como la loca idea de juntar agua y aceite, la idea de juntar Meyer con Sex Pistols, fue del visionario Malcolm McLaren, que preparaba el desembarco de Sid Vicious y compañía en los Estados Unidos y quiso abrirles paso con una especie de A Hard Day’s Night pero de punk. Al recibir el encargo, un ilusionado Meyer le pidió un tratamiento a Roger Ebert; el resultado fue un guión simbólico a varios niveles que incluye entre otras cosas un rockero llamado M.J. (¿Mick Jagger?) que mata ciervos por deporte y le da título a la película: ¿Quién mató a Bambi?

Desgraciadamente, el proyecto empezó a irse a la mierda desde el inicio. Como era previsible, el estilo de rodaje militar de Meyer chocó frontalmente con la anarquía vital de los Pistols, que cuando no se presentaban borrachos simplemente desaparecían o hacían de las suyas tras bambalinas. O sencillamente se negaban a rodar alguna escena: Sid Vicious tenía que acostarse con su madre, papel para el que Meyer había fichado a la mismísima Marianne Faithfull y luego compartir con ella una jeringa de heroína.

Vicious se negó: “no me importa tener sexo con mi madre, pero ¿picarme con ella? Olvídalo”. El único que se llevó mínimamente bien con Meyer fue Sid Vicious, por el que Russ desarrolló una cierta ternura: una noche lo

vio hambriento y decidió llenarle la nevera con “dos paquetes de seis cervezas y unas latas de cerdo con alubias”.

Mal que bien la película avanzaba, pero al cabo de unas semanas desapareció la financiación y el proyecto acabó de hundirse, con tan sólo algunas escenas filmadas que aparecerían años más tarde en The Great Rock and Roll Swindle o el documental The Filth and the Fury. ¿Qué hubiera pasado si el rodaje hubiera terminado con éxito? Bueno, según Meyer, si se hubiera filmado¿Quién mató a Bambi? Sid Vicious aún seguiría vivo.

Podríamos extendernos con millones de caracteres en esta nota disectando cada uno de los filmes de Meyer y encontrar detalles interesantes diferentes, como su gran capacidad de hacer trabajos enormes a partir de presupuestos mínimos. De historias divertidas y memorables con actrices que en realidad eran modelos de playboy, contrario a lo que uno pensaría. Nada de su trabajo era una broma, ni para él, ni para el público.

Su disciplina y compromiso con su trabajo lo llevaron a dirigir, editar, grabar y más, cerca de treinta filmes, no todos con la misma suerte, ni el mismo brillo, pero es innegable que rodó con una libertad casi insultante, sin importarle las críticas o imposiciones que incluso hoy resultan bastante difíciles de sortear. Por todo esto merece su espacio al lado de los grandes directores del siglo XX sin lugar a dudas.

La vida de Meyer fue tan absurda como sus películas. De lo mucho o poco que se ha escrito sobre él, se recomienda ampliamente la biografía Big bosoms and square jaws, de Jimmy McDonough, un libro vibrante y totalmente divertido que se está usando como base para una posible película y/o serie biográfica de Meyer, dirigida por David O. Russell, a quien se le conoce más por su trabajo en Silver Linings Playbook o American Hustle (ambas con las actuaciones de Jennifer Lawrence y Bradley Cooper).

Meyer se casó 3 veces, se divorció de sus 2 últimas esposas y sorprendentemente nunca se casó con Kitten Natividad, su más grande musa y compañera, para terminar por morir solo en su casa de Hollywood Hills por complicaciones de neumonía y una clara demencia detectada por sus conocidos. Murió a los 82 años, el 18 de septiembre del 2004.

Para terminar con esta historia de un fuera de serie como lo fue Russ Meyer, quisiera citar una frase optimista espetada por McDonough: “La visión del mundo de Meyer y su ansia por la vida influyeron mi escritura y mi forma de ser. Hay quien tiene de referencia a Dios, la familia, la política o las drogas: yo me quedo con Meyer y todos sus defectos”.

Vaya pues, un brindis por el buen Russ desde aquí: donde quiera que esté ahora, espero que sus ángeles (o demonios) tengan grandes tetas y estén bailando como él siempre lo hubiera deseado.

De Culto Arte

E

d Roth está tan inmerso en nuestro inconsciente colectivo y su estilo es tan reconocible, que todos hemos entrado en contacto con él de alguna u otra forma. Si revisáramos bien el baúl que contiene los recuerdos de nuestra infancia, probablemente descubriríamos que muchos de nuestros Hot Wheels favoritos, fueron diseñados por él.

Tal vez la forma más sencilla de describir la perdurable y extensa obra de este californiano fallecido en 2001, es decir que fue un artista con ímpetu punk. En cierto sentido, él inventó el Do It Yourself. A través del tuneo de coches en su garaje cuando todavía era un adolescente, le mostró el camino a muchos. En la década de los 50, en plena posguerra, los estadounidenses tuvieron a la mano por primera vez a precios accesibles herramientas y electrodomésticos que transformaron sus vidas.

Lo mismo una aspiradora que un taladro de uso industrial o una cortadora de metal. Ed materializó sus sueños ayudándose de la tecnología casera de ese tiempo. Los coches diseñados con lápiz y papel en sus cuadernos infantiles, poco a poco fueron cobrando vida en su garaje.

ALUCINES POPULARES Igual que uno le pone apodos a los compañeros de clase, Ed le ponía nombres a sus coches. Darles nombres, igual que encontrar el apodo adecuado para alguien, les confería una nueva personalidad. Si te dicen que tal coche o tal persona tienen tal mote, nunca los vuelves a ver igual. Lo mismo “Little Jewel” que “Outlaw”, sus creaciones a la Frankenstein en su garaje le demostraban al mundo que cualquiera podía transformar, diseñar e incluso armar un coche, sin la necesidad de ser ingeniero automotriz. Para Ed, todo lo que se necesitaba era imaginación, conocimiento básico de cómo funciona un motor, trabajo físico duro y un cartón de chelas.

Eventualmente, el primer garaje de Ed le quedó corto y se mudó a un sitio más grande en el que, con ayuda de varios empleados y entusiastas del tuning, produjo infinidad de modelos por muchos años. Diseños alucinantes, con el motor cromado por fuera, escapes de nave espacial, puertas que se abren hacia arriba y, la cereza del pastel, un trabajo finísimo de puntura hecha a mano con aerógrafo. Revell, el gigante alemán de maquetas plásticas armables, comercializó muchos de esos modelos. En 1963, Revell le pagaba como regalías a Ed un centavo por cada modelo a escala que se vendiera de los coches que él diseñó. Al final de ese año, recibió un cheque por 32 mil dólares. Así de popular era “Big Daddy” Roth.

Con los años, Ed se convirtió en un maes tro del hot rod, un obseso del tunning, un mecánico loco que financiaba sus monstruosidades de garaje, con la venta de dibujos y playeras en los eventos de coches. Sus dibujos de monstruos conduciendo coches definitivamente de otro mundo, con la lengua de fuera, los ojos –rojos– endemoniados por la velocidad y los colmillos que enmarcan una sonrisa loca, casi enferma, eran literalmente un alucín para el público. Los dibujos podían estamparse en una playera, lo que provocaba filas enormes de gente en espera de una prenda “autografiada” por el aerógrafo de Ed, una creación única, tan americana como el pay de manzana. Hay más de mil diseños diferentes pues en algún momento se alió con una marca de ropa para producirlas en serie.

UNA RATA DE VERDAD Otra de las creaciones de Ed surgió, como muchas otras grandes ideas, en una servilleta. Él mismo ha dicho que cuando dibujó por primera vez a la Rata Fink, aún siendo niño, supo que a eso se dedicaría el resto de su vida, que el mundo de sus padres no era para él. De la servilleta saltó un personaje que representaba todo lo que le importaba a él y a muchos otros: la velocidad, los hot rods, las chicas y el surf. Fink no es un ratón

amigable –como esos que viven en Disneylandia y que tras una vocecita inocentona ocultan planes maquiavélicos–, es más bien una rata pícara, abiertamente psicótica con tendencias a fugarse de la realidad a través del uso excesivo del acelerador.

Fink simboliza toda una generación de personas que crecieron inmersos en la contracultura, pero también encarna una relación obsesiva muy gringa: la del individuo y su auto. Si el auto representa para la mayoría de las personas libertad e independencia, el auto tuning representa para Ed y su pandilla el libertinaje y la emancipación.

La primera aparición masiva de este anti-héroe roedor data de 1963, en la revista Car Craft. Una publicación de culto para los devotos de los autos y que por entonces daba espacio para exhibir una moda popular entre los jóvenes, las “weirdo shirts”: playeras personalizadas, pintadas a mano y con estilos tan grotescos, cómicos y excéntricos como los de Ed y que garantizaban que cualquier estudiante de secundaria que las llevara puestas, sería expulsado –al menos hasta que se la quitara. Una vez en los medios masivos, Fink se hizo enormemente popular para sectores cada vez más amplios de la sociedad. Ahora aparecía lo mismo en yoyos o en loncheras, que en autos a escala, relojes, libros de cómic, programas de TV, películas y, por supuesto, en todas las portadas de los discos de Mr Gasser and the Weirdos.

SER RARO ESTÁ BIEN Como si no tuviera cosas que hacer –como crear el auto de la familia Munster o editar Choppers, su propia revista– Ed formó a principios de los 60 una banda junto con Gary Usher, otro californiano iniciado en el surf y su estilo de vida. Aunque Mr Gasser and the Weirdos grabaron sólo tres álbumes de estudio, canciones como “Little Fink Surfs Again” los convirtieron en referentes clásicos del rock surf. Después de los 90, tras aparecer en montones de recopilaciones del género, tuvieron un revival que al parecer continúa y no sería extraño oírlos de fondo en alguna fiesta organizada por Bob Esponja. La fórmula es simple y quizá representa los valores que rigen a una comunidad global de gente que ha oído el llamado de las olas y el rugir de los motores: canciones cortas, simples pero descriptivas del estilo de vida de Ed y su pandilla. Además de hablar de hot rods y surf… y de hot rods y surf, sus canciones llevan el mensaje –según lo admitió Ed en varias ocasiones– de que ser diferente o un “weirdo” es normal, que incluso está bien y no hay por qué acomplejarse.

La historia de Ed Roth es colorida, llena de logros que lo llevaron del garaje a las convenciones populosas de autos, luego a los garajes de coleccionistas y finalmente a las vitrinas de los museos o las páginas de los libros. Muchas de sus creaciones son iconos que representan fielmente cierto espíritu estadounidense del siglo XX que trascendió fronteras y contagió masas. Tom Wolfe, quien apenas falleció y que con sus relatos y ensayos nos ha ayudado enormemente a entender la psique gabacha, lo calificó como el Salvador Dalí del hot rod. El libro The Kandy-Kolored Tangerine-Flake Streamline Baby es una colección de ensayos que retratan esa nación, de gustos barrocos y excéntricos pero también vulgares, comunes y corrientes, como asistir a Las Vegas, a un club nocturno en Nueva York, una carrera de destrucción o un evento de auto tuning. Wolfe conoció a Roth en un evento de hot rod en California y lo inmortalizó en la historia que da título al libro. Ahí atestiguó un movimiento juvenil que se fraguaba lo mismo alrededor de Dick Dale, que de las “Weirdo shirts”. Las palabras del propio Roth, un precepto que generó todo un cambio, lo inmortalizaron así en dicho libro: “Detroit está empezando a entender que hay un montón de chicos como nosotros en todo EU y que estamos creciendo. Que queremos un mejor auto y que no queremos un coche para rucos”.

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TXT:: Lenin Calderón

“BIG DADDY” ROTH ES UN SÍMBOLO. ES UNA PRESENCIA CONSTANTE NO SÓLO EN EU SINO EN TODO EL MUNDO, DESDE HACE CUATRO O CINCO DÉCADAS. HA SIDO INFLUENCIA PARA MUCHOS EN ÁREAS MUY DIVERSAS PUES SU OBRA ABARCÓ LO MISMO EL TUNING DE COCHES, QUE EL DISEÑO DE PLAYERAS O DE PERSONAJES QUE LUEGO SE ADAPTARÍAN AL COMIC.

Literatura

“(El surf) tal vez exprese nuestro lado salvaje por encontrar esa conexiĂłn con la naturaleza elemental que se ha perdido entre la jungla y el clamor de la vida modernaâ€?.

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TXT:: Itzel Rojas

PARECIERA QUE LAS MUJERES y el mar siempre han estado íntimamente unidos. Dentro de la mitología, las sirenas han sido representadas como seres que hipnotizan a los marineros con su belleza y cantos. Los torsos de mujeres y colas de pescados les han otorgado a estas criaturas acuáticas cualidades fantásticas y místicas que sólo podrían pertenecerle al género femenino.

En 1926, la norteamericana Gertrude Ederle se convirtió en la primera mujer y el quinto ser humano en cruzar el Canal de la Mancha a nado. En 14 horas y 31 minutos la llamada “Reyna de las olas”, de 19 años, cruzó el mar helado por el lado más cercano entre Francia e Inglaterra.

A principios del siglo XX, las mujeres también fueron capaces de arrebatarles a los hombres una disciplina que en un principio había sido diseñada sólo para ellos. “El nado sincronizado” o “Ballet acuático” como solía llamarse, se convirtió en un deporte exclusivo para mujeres a principios de 1900.

Si las mujeres y el agua siempre han tenido una relación tan cercana, ¿entonces por qué se les negaron las olas durante tanto tiempo? La respuesta apunta a la historia de discriminación y desigualdad que siempre ha acompañado al género femenino.

Linda Chase hizo un repaso por la ardua lucha de las mujeres para conquistar las olas en su libro Surfing: Woman on the Waves ilustrado con las fotografías de Elizabeth Pepin.

El ascenso del surf femenino y una vez dominado el terreno, estudia las complicaciones que le siguieron a uno de los deportes con más crecimiento de mujeres en sus filas.

A lo largo de su historia, vemos que el surf viene de un pasado predominantemente machista y no es ningún secreto que durante mucho tiempo sólo le estuvo permitido a los hombres y las mujeres tenían un papel secundario: esperar a sus novios en la orilla del mar para prepararles comida una vez que hubieran dominado las olas.

Fue hasta la década de los 50 y 60 que la revolución por ganar un lugar en medio de las olas comenzó. La lucha femenina por la liberación de ataduras inherentes a la cultura, los derechos y el deporte llegó hasta el mar; entonces las mujeres comenzaron a tomar un lugar protagónico que dejaba atrás el papel de las chicas rubias, modelos y especialmente, adornos del surf.

Aquellas mujeres tuvieron que lidiar con frases como “I’ll shove my board right up your cunt”, que representaba una amenaza directa psicológica hacia las surfistas. Después con sus habilidades en la tabla demostraron que podían ganar el respeto de los hombres, incluso surfear mejor que ellos.

Lisa Anderson, surfista nacida en Nueva York, pero criada en Florida, se convirtió en seis veces campeona mundial. Tiare Thomas y Bobby Friedman fueron las primeras en surfear de cara una ola de quince pies de altura.

Los nombres de estas mujeres marcaron un antes y un después en la historia del surf femenino.

En esta conquista del mar, las mujeres tuvieron que “abrir el mar”, literalmente: romper las olas y caminar sobre el agua para demostrar que podían dominar este deporte y que tenían un talento especial capaz de desafiar estereotipos.

“Hoy mujeres de todas las edades y niveles de habilidades han tomado su lugar entre las olas.

Longboarders, almas surfistas y niñas que bailan sobre su

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tabla son las mujeres de las olas y los números están creciendo cada día. En efecto: después del golf, el surf es el deporte con más rápido crecimiento entre mujeres”.

Pero el crecimiento del protagonismo femenino en el surf también ha traído un desafío muy grande que no es ajeno a la industria cultural, estética, cinematográfica y en general a todo el sistema capitalista que pone en las mujeres un blanco perfecto de consumo potencial para atraer a más usuarios a sus marcas. Así lo apuntan Roslyn Franklyn y Lorelei Carpenter en el libro Surf, sexo, géneros y sexualidades recopilado por Lisa Hunter: las mujeres surfistas se han convertido un punto de partida para la industria deportiva; marcas que lideran el deporte se han adueñado de la imagen femenina para hacer de ella un campo idílico de comercio. Estas marcas obligan a las surfistas a convertirse en íconos de estilo de vida y modelos a seguir para convertirse en las influencers que vendan sus productos a través de imágenes aspiracionales.

La imagen de la mujer rubia, atlética y éxitosa se ha convertido en una imagen universal de las surfistas. Esto merma directamente el ámbito entre competidoras, pues las marcas también se adueñan de las competencias para patrocinar a las ganadoras, que además deben de lucir de una manera en particular: “Carissa Moore, dos veces ganadora del Campeonato Mundial ASP junto con numerosos profesionales del surf, describió la presión de ser un campeón mundial y cómo desde los 18 años ha recibido más críticas acerca de su cuerpo por encima de su desempeño en el surf”.

Esto hace que las demás surfistas no puedan ganar sueldos similares a las que se convierten en representantes o embajadoras de marcas. El valor del deporte queda relegado por convertir a las competidoras en publicidad y hacer de ellas una mercancía.

Pero la explotación de la imagen de la mujer surfista no es un recurso exclusivo de la industria deportiva. Si bien el surf se ha convertido en un mercado de explotación potencial por tratarse de mujeres con un cuerpo atlético y tener el sex appeal propio de un deporte como el surf: “lo cool, el salvajismo y la inequívoca aura de sexualidad, son parte inefables de los surfistas”, no es la única disciplina que sufre de estos malévolos objetivos de la industria.

Así como en un principio las mujeres tuvieron que surfear una dura lucha para ganar un lugar entre las olas dominadas por los hombres. Ahora las surfistas profesionales tienen una gran ola de frente qué romper: la avalancha de la industria que convierte a sus cuerpos en mercancías, imágenes aspiracionales y objetos de deseo.

Literatura El arte es mutable y mutante; no se sabe estar quieto. A todos los niveles. Actualmente lo multidisciplinario se prodiga y la cultura forma parte de una Teoría de los vasos comunicantes globalizada.

Hay velocidad, urgencia y precocidad. Por ello es cada vez más difícil obtener instantáneas valederas.

CONVERSAMOS con Rogelio Garza, un atento observador de los fenómenos callejeros, amante del stoner rock y la psicodelia, además de un activista del movimiento ciclista. Lector voraz, periodista avezado y rudo cuentista, actual colaborador del suplemento cultural del diario mexicano La razón. Pocos como él para capturar el pulso del momento.

Estamos ante un número dedicado al rock de garaje, por eso te pregunto si en la literatura existe un símil a ese tipo de bandas.

En el entendido que tanto se ha criticado a las nociones históricas de contracultura y underground. ¿Existirá algo así como un escritor de garaje?

Creo que sí. Todos los escritores lo son en algún momento de su vida.

El garage es el rock que tocan los adolescentes que empiezan, “la mano inexperta” como le llamó más tarde John Holmstrom, el editor de la revista Punk. Con la escritura sucede algo similar, escribir es en cierto modo hacer música con palabras. La práctica lo define y lo refina, del desparpajo se pasa a la concisión y del estruendo al estilo.

Si te refieres a la temática de la escritura y al estilo directo, crudo, áspero, inacabado, también. El mejor ejemplo de escritor garage que me viene a la mente ahora es Lenny Kaye, el guitarrista de Patti Smith, productor y colaborador de R.E.M., Susan Vega y The Fleshtones. Es el compilador de los clásicos del garage Nuggets y tiene una docena de libros de narrativa, periodismo y ensayo. Pero también hay grupos garage que rayan en lo literario, para mi gusto el más elegante son los Fleshtones, particularmente el disco Beautiful Light. Vistos así, en México hemos tenido muy buenos escritores que en sus inicios fueron garage, empezando por José Agustín, que sigue siendo el rey del rock escrito, Pareménides García Saldaña y Fernando Nachón.

¿La revolución tecnológica y el sistema de difusión de contenidos a través de la red nos ha entregado un tipo de escritor que ya no padece el aislamiento que existía en el pasado y que puede ir encontrando seguidores por muy freak que sea su propuesta?

La corriente contracultural del underground empezó a disolverse con el surgimiento de internet y esta difusión de contenidos. La literatura under solía ser de unos cuántos y hoy está al alcance de todos. Los autores tienen mayor posibilidad de ser leídos, de alcanzar lectores. Pero eso no quiere decir que su trabajo tenga calidad, al contrario, esta apertura ha traído una muchedumbre lamentable, no solo en la literatura. Cualquiera se cree artista, fotógrafo, músico, escritor, sólo por tener un teléfono y conexión.

Como un atento observador de la cultura joven que eres, ¿cómo consideras que se han modificado los referentes con los que se forman los autores emergentes? ¿Seguimos instalados en Bukowski como un nuevo canon?

Creo que Bukowski y Burroughs fueron hasta los noventa. Después me parece que fue Irvine Welsh. Luego Hunter Thompson. En México es el campeón, incluso hace tres o cuatro años el escritor J.M. Servín inició la editorial El Salario del Miedo que se dedica a publicar y premiar puro periodismo Gonzo.

Tal parece que la industria editorial formal ahora apuesta menos que nunca por jóvenes autores y esperan que cada autor sea negocio seguro. ¿Compartes esa percepción al respecto de las grandes editoriales? ¿Las editoriales independientes se han consolidado con ello o han avanzado muy poco?

No la comparto, pero así es, y tampoco me preocupa. Todavía existen algunos concursos para publicación de primera novela o cuento. El mercado del libro (como el del disco) cambió.

Las grandes editoriales tienen frío de arriesgar.

Sin embargo, esto ha favorecido a las editoriales independientes que son las que están publicando autores interesantes, algunos de los cuales caerían en esta categoría que acabas de inventar.

En México, por ejemplo, pienso en Moho, Nitro Press y Resistencia. ¿Sientes que se está dando un relevo generacional en el panorama literario nacional o el proceso se ha anquilosado? En ferias y festivales importantes suelen repetirse los mismos nombres.

Siento que hay demasiados autores jóvenes, entonces sí hay un relevo generacional. Y los eternos en las ferias sabemos que su presencia responde a intereses extra editoriales, eso no lo considero un indicador. Si me preguntas por autores que vengan al caso, Wenceslao Bruciaga me parece muy bueno, sus novelas Funerales de Hombres Raros y Bareback Juke-Box son literatura

deliberadamente punk. Rogelio Flores con el libro de cuentos Rocanrol Suicida y luego con la novela Un Millón de Gusanos –ganadora del Premio Lipp 2015–, publicados por Resistencia. Me atrevería a mencionar aquí a Nazul Aramayo con dos libros de cuentos, Eros Díler y La Monalilia y sus Estrellas Colombianas. Tiene un ritmo y una aspereza auténtica. El otro día en un encuentro conocí a Paola Iridee, una escritora que no pasa de los veinticinco años, le compré su primer libro Letras Primigenias, publicado por Editorial El Nido del Fénix. Está en su etapa garage. ¿Será que cierta corrección temática, política, social está permeando entre los jóvenes autores? Tal parecería que libros como El pericazo sarniento no tienen demasiada compañía entre las novedades editoriales.

Quizá, son los tiempos que corren y los temas cambian. La censura acosa por todas partes y sería trágico que los escritores se autocensuraran. El Pericazo me gusta por honesto, por directo, cada capítulo es como una canción de los Ramones, te cuenta una historia breve y descabellada con la pericia y la malicia de Carlos Velázquez. El tema todavía es escabroso, pero lo ataca de manera tragicómica. Si mal no recuerdo, el otro libro ponedor que aborda el tema derecho es Cocaína (Manual del ususario) de Julián Herbert, pero no lo ubico como escritor garage y eso que también es guitarrista de rock.

Velázquez está llamado a ser algo más grande, su época garage o punk abarca los libros de cuentos Cuco Sánchez Blues, La Biblia Vaquera y La Marrana Negra de la Literatura Rosa. El otro libro reciente, La Efeba Salvaje, aunque es musical y rockero, lo perfila como algo más interesante, impactante e influyente. Mejor seguirle la pista y el pisto. ¿Durante tus viajes y pesquisas has sumado autores y propuestas interesantes surgidas lejos de la oferta comercial?

David Keenan, es músico, periodista y escritor que puede calificar como autor garage de England’s Hidden Reverse, Current 93 y Nurse with Wound. Estoy en espera de su última novela, Memorial Device; Sexto Piso va a mochar para reseñarla. Y hace poco descubrí y conocí a Jonathan Shaw, un marino y tatuador que ya es un viejito cascarrabias y le dio por escribir, ha publicado un par de novelas rudas: Narcisa y Scab Vendor.

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“ESCRIBIR ES, EN CIERTO MODO HACER MÚSICA CON PALABRAS” TXT:: Juan Carlos Hidalgo

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Cine

TXT:: Toño Quintanar FOT:: Michael Ochs Archives/Getty Images

Hay actividades que, de una forma inconsciente pero igualmente irreductible, tienden a reflejar aquellas pasiones que nos impulsan a superarnos como individuos para lograr prodigios que, en primera instancia, parecerían francamente impensables. Durante más de cinco siglos, el surf ha sido uno de los ejemplos más poderosos de dicho fenómeno.

NACIDO A PARTIR de las inquietudes marítimas de distintos pueblos autóctonos –su origen se extiende desde las costas de Perú hasta las Islas Polinesias– este deporte podría definirse como el enfrentamiento final entre el hombre y la naturaleza: un despliegue lúdico en el que el ser humano, asumiéndose en sus flaquezas más consustanciales, se abandona a los brazos titánicos de Neptuno con el fin de alcanzar un instante de revelación que lo transforme en un ente imperecedero.

El surf es una muestra palpable de aquellas sabidurías primigenias que han sobrevivido hasta nuestros días para afianzarse de forma férrea en los recovecos más icónicos de nuestra cultura popular; misma ecuación en la que, por supuesto, tiene mucho que ver el Séptimo Arte y esas facultades mitificadoras que se desprenden de sus imágenes móviles.

Fue en el año de 1966 que, dentro de los circuitos subterráneos de una California regida por la contracultura y el amor libre, surgiría uno de los estamentos más importantes acerca del cine surfero, mismo proyecto que abriría todo una escuela técnica y estilística que, hasta la fecha, sigue rindiendo frutos.

El rodaje de The Endless Summer surgió a partir de una idea tajantemente necesaria: llevar al surf de paseo por el mundo con el fin de reencontrarlo con múltiples latitudes y estilos que convergerían en aquello que los amantes de este deporte persiguen durante toda su vida: un

verano perpetuo, siempre sitiado por olas majestuosas y perfectas.

Nadie mejor para llevar a cabo dicha misión paradigmática que el visionario Bruce Brown, hombrecámara a quien se le debe esa concreción irreductible que hoy en día persiste entre el dispositivo fílmico y las mareas de alto calibre.

Amante del surfing desde sus edades más tempranas, este auténtico gurú de la escena californiana ya había dado gratas muestras de sus inquietudes estilísticas con grandes trabajos como Surf Crazy (1959), Surfing Hollow Days (1961) y Waterlogged (1962).

Sin embargo, no cabe duda de que The Endless Summer se destaca como su proyecto más ambicioso y emblemático.

Valiéndose de las facultades documentales más inmediatas de la cámara filmográfica, Brown se da a la tarea de seguir los pasos de los atletas Myke Hynson y Robert August a lo largo de una travesía la cual tiene como principal finalidad reconectar al surf con su carga etnográfica original.

Desde las aguas cristalinas de Sudáfrica, hasta las olas “come

hombres” de Australia, el espectador se involucra en un viaje iniciático que lo pone directamente en contacto con la serie de ideales y atmósferas emotivas que son propias del mundo del surfing.

Mismo despliegue que, por supuesto, se ve reforzado mediante un uso de la enunciación fílmica el cual sitúa al público en el centro de la acción.

Las capacidades configuradoras de la cámara subjetiva se ven expandidas de forma insólita mediante un posicionamiento del dispositivo que prácticamente nos obliga a poner los pies sobre la tabla para brindarnos una experiencia perceptiva que raya en lo virtual. Detalle técnico que deja en claro esas inquietudes revolucionarias que Brown guardaba para el aparato cinematográfico y que, hasta nuestros días, continúan siendo un auténtico hito dentro de la historia del fenómeno audiovisual.

El director no sólo se propone documentar las peripecias concernientes al viaje de nuestros protagonistas, sino que también, mediante una fotografía que raya en lo dionisiaco, se da a la tarea de capturar con detenimiento las tonalidades propias de la disciplina surfera para fijarlas en una serie de tomas que esconden una potente grandilocuencia sensorial. Todo esto aderezado por la siempre hipnótica música del grupo californiano The Sandals.

Al igual que Leni Riefestahl en Olympia (1938), Brown se vale del perspectivismo de la lente para transformar a sus atletas en seres

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sobrenaturales cuya gallardía los rescata de su caducidad física con el fin de posicionarlos en un nuevo eslabón antropológico. Sin embargo, lejos de apelar a esa solemnidad anquilosada que es tan propia del documental deportivo, el realizador opta por un modelo narrativo sumamente ágil e irreverente en el que él mismo presta su voz en off para hilar los pormenores y descubrimientos acaecidos en el viaje. Mismo rasgo que se vuelve un referente perfecto de esa actitud desenfada que es consustancial al estilo de vida del surf.

Al mismo tiempo, la aparición de legendarias figuras dentro de la disciplina como Miki Dora, Phil Edwards y Butch Van Artsdalen –todos ellos fungiendo como íconos inmediatos de exigencia y atrevimiento– termina por ofrecernos una reflexión polifónica sumamente compleja acerca de lo que implica ser un auténtico surfer.

Escenas hoy legendarias como aquella en la que los protagonistas abren una improvisada “escuela de surf” para niños de Senegal dan fe de ese reencuentro entre civilizaciones que The Endless

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Summer propone a través del materialismo de una actividad que ensancha los límites de la percepción sensible.

En la actualidad, los acercamientos etnográficos emprendidos por Brown y su equipo podrían parecernos un tanto “toscos” –recordemos que, después de superar sus orígenes más balbuceantes, el género documental se vio forzado a asumir un serie de cargas decididamente moralistas con respecto a la otredad–; sin embargo, debemos tomar en cuenta que su metodología responde a los modelos de una época que aún se encontraba en constante reinvención.

El trabajo de Bruce y compañía no es el de unos “sesudos” antropólogos quienes pretenden aproximarse a poblaciones ajenas mediante una mecanizada matriz de autoridad. Todo lo contrario. Tanto los protagonistas como el director se definen a sí mismos como un grupo de individuos libres de prejuicios academicistas cuya única misión es la de dejar en claro la función del surf como un perpetuo transformador del mundo y de los individuos que le prestan significado.

Sumido en su papel de cronista de la humanidad, Bruce Brown se da a la tarea de recordarnos que, durante siglos, el surf se ha caracterizado por ser un reflejo natural de nuestra especie, una actividad ritualista en la que el ser regresa a sus procesos más primarios para establecer comunión con aquellas potencias que regulan y permiten la vida sobre la Tierra.

Mismo fenómeno que no sólo se ha mantenido intacto hasta nuestros días, sino que ha proliferado notablemente a lo largo de distintos formatos creativos –el surgimiento de músicos visionarios como Dick Dale da fe de dicho asunto– que tienen por principal misión recrear la esencia de esa emoción insólita que implica abandonarse a la finitud del océano sin otra arma más que un pedazo de madera.

Tres décadas más tarde, este director le ofrecería al mundo un último suspiro de belleza surfera con The Endless Summer II (1994), cinta cuyo título resume de forma explícita ese ánimo de continuidad que impulsaría a Brown a reencontrarse con aquellas regiones que sirvieron de escenario para su primera entrega. El resultado: la cálida confirmación de que la escuela humanista del surf no ha hecho más que engrosarse de forma espléndida con el paso de los años. Misma noción que fue el amuleto de buena suerte de un Bruce quien, en diciembre del año pasado, se despidió de las olas de este mundo terrenal para deslizarse entre las nubes del horizonte.

Cรณmic y narrativa dibujada

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TXT:: Oscar G. Hernández

En la década de los 90 el mundo descubrió lo que era el Pulp Fiction, gracias a la ahora película de culto realizada por Quentin Tarantino, hoy también clasificada por la Biblioteca del Congreso Estadounidense como “cultural, histórica y estéticamente significativa”, además de ser seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

EL ORIGEN del film como es conocido tiene su raíz en las publicaciones Pulp. Dichos impresos son la semilla de la cultura pop que se esparciría por el mundo desde los Estados Unidos. En los Pulp Fiction se encontraban todos los géneros artísticos y literarios que se han consumido por cerca ya de un siglo. La masificación de las publicaciones que eran consideradas baratas, tanto por su contenido como por su precio y calidad, se abriría camino rápida y silenciosamente para conformar la cultura de masas nuestros días.

Los Pulp aparecían en varios formatos y estilos y en ellos se encontraba constantemente presente una ilustración o un cartoon y muchas eran completamente cómics. Los contenidos de los Pulp no eran necesariamente contestatarios, no eran contraculturales en su concepción, simplemente abarcaban una serie de géneros que no tenían espacio en la alta cultura de esa época, pero que las clases populares consumían de forma masiva.

Las plumas metidas en las revistas Pulp son sorprendentes, muchos de los grandes literatos del siglo pasado debieron pasar por ellas, sobre todo el género de ciencia ficción, horror, aventura, espionaje, LGBTT y detectivesco o negro; estos géneros se forjaron en los Pulp y va de nombres como Isaac Asimov. H.G. Wells, Philip K. Dick, Arthur C. Clarke, por mencionar algunos, y después que podemos decir Charles Bukowski, Raymond Chandler, William Burroughs escritores más que de culto y monstruos de la literatura como H.P Lovecraft, Joseph Conrad, Mark Twain, Rudyard Kipling, Jack London, Tennessee Williams.

El legado de estas revistas es apabullante, ha generado cientos de estudios y fans alrededor del mundo, sin embargo, tuvieron un periodo de fuerte persecución que casi los lleva a la aniquilación, primero con el famoso código de ética conocido como Código Hays y después con el histórico caso de la EC Comics, que debió cerrar después de comparecer ante el congreso de los Estados Unidos, tras un argumento y libro de un famoso psicólogo en el que relacionaba el incremento de la delincuencia juvenil con la industria del cómic. El golpe mortal para el resto de los cómics surgidos desde el Pulp se consolidaría con la censura institucionalizada en la Comic Code Authority.

El mundo del cómic en los Estados Unidos debió buscar diversos tipos de salida, incluso aún bajo la persecución, su influencia en la sociedad estado unidense ya se había consolidado y la cultura pop se expandía e inspiraba a muchas de las artes, sobre todo en el cine y en la música

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donde comenzaron a aparecer las primeras adaptaciones de lo publicado en los Pulp, desde las temáticas de espionaje, detectives y ciencia ficción hasta las historias de terror.

Sera en los años 60 cuando las masas y juventudes norteamericanas que disfrutaban la posguerra, dando rienda suelta a las fiestas en la playas californianas con los ritmos a guitarrazos; donde trasciende todo aquella cultura pop que brotó a través de las revistas Pulp, de los años 30 y que tuvo su cúspide en los años 50.

Es precisamente en la década del nacimiento del surf en que también aparecerá el còmic underground, que nace inspirado desde los Pulp, nombres como Robert Crumb, Harvey Kurtzman, a lado de tantos otros, empujaron el cómic alternativo hasta llegar a resultados como el de los hermanos Hernández, Charles Burns o Art Spiegelman.

El gran cómic prolifero en aquellos años, cuando aún la censura de la Comic Code Authority era muy fuerte. Las estéticas creadas desde esas páginas aún en pleno siglo XXI siguen vigentes y siguen inspirando a muchos.

Es verdad que fueron demasiadas las publicaciones caídas por la censura, quizás el nombre más sonado fue el de la EC Comics con la desaparición de The Vault of Horror, Eerie Comic y Tales from the Cryp. Todavía comics considerados ñoñisimos durante la época surf como Archie sufrirían la censura de la Comic Code Authority.

El momento surf y el cómic se complementan en más de un sentido, no sólo por la historia, sino porque gracias a los viejos Pulp, pudieron tomar una ola que les permitió dar un salto, proponer, crear y retomar el valor de aquellas viejas revistas, produciendo nuevas estéticas y formatos a la manera de una gran fiesta en la playa o más bien sobre las olas.

El Pulp vino a demostrar que por más persecución que exista sobre algo, si las masas lo consumen de alguna forma se abrirá camino, la deuda de la cultura actual con los editores de aquellos años es enorme, y a pesar de que hubo muchas cosas realmente mediocres, muchos grandes autores supieron darle forma a sus publicaciones para crear desde esas pequeñas revistas, grandes obras maestras. .

Cómic y narrativa dibujada

NACIÓ en el desaparecido Distrito Federal, para después crecer en el glorioso Estado de México; por carencia de habilidades sociales se encerraba en su cuarto a dibujar principalmente dinosaurios y robots, alternando el tiempo en ver caricaturas.

De adolescente se interesó en el graffiti y junto con su único amigo crearon un “crew” y obtuvieron cierto reconocimiento y respeto callejero.

Cansado de lidiar con la ley, decidió enfocarse al diseño y sobretodo a la ilustración. Ha colaborado en varias publicaciones entre periódicos y revistas. Tiene una mención honorífica en el séptimo Catálogo Iberoamérica Ilustra, formó junto con amigos un colectivo de narrativa gráfica llamado El Mólusculo. Aparte de seguir encerrándose en su cuarto para dibujar monitos no’mas porque si.

Síguelo en: instagram.com/hernan._.gallo www.hernangallo.com

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El pilón

e d e c u s a c i s ú m a l e d n o d n

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FOT:: Cortesía FIMPRO

ESTE AÑO se celebró una edición más de la Feria Internacional de la Música (FIMPRO), el encuentro más importante música y networking en Guadalajara, en donde se pudo constatar el crecimiento y la capacidad de México para seguir expandiendo las redes alrededor de la creación y el desarrollo del arte sonoro.

Tres días fueron suficientes para desarrollar un ambiente de colaboración y descubrimiento entre la gente de la industria nacional, así como de invitados provenientes de Canadá y España, que entre conferencias, salas de discusión y showcases, se estimó más como una celebración a la creatividad.

Vía Libertad, Palíndromo, Garden Chapultepec, la Sala 2 del Conjunto de Artes Escénicas y el C3 Rooftop albergaron las diversas actividades que completaron una edición más sólida que nunca de FIMPRO, una feria que busca también analizar la actualidad y el comportamiento de la industria, que exige hoy cada vez más participación y calidad.

Entre las actividades más importantes fue el encuentro de Periodismo Musical organizado por Jorge Caballero y contó con la participación de Juan Carlos Hidalgo y Arturo J. Flores, colaboradores y amigos íntimos de Revista Marvin; allí se discutieron las necesidades y perspectivas de las plumas que narran y hasta intervienen en nuestras canciones favoritas.

La ejecución musical contó con la participación de Joe Crepúsculo, quien después de hacer vibrar el escenario de #FestivalMarvinCDMX, viajó a Guadalajara con todo y su fábrica de baile, en donde destinó minutos de electropop y letras nostálgicas. Niños Mutantes, Jonaz, Esteman, Le Couleur, Vaquero Negro y Little Destroyer también fueron parte de los showcases que contagiaron con su sonido y luz todos los caminos de FIMPRO. Visita fimguadalajara.mx para conocer más sobre todo lo sucedido este año en FIMPRO.

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