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05-FEB-18

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16 AÑOS

» ALV

PAUSA AL C.TANGANA PONGAMOS ROCK POR UN MOMENTO


DIRECTORIO PRESIDENTE CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx EDITOR UILI DAMAGE uili@marvin.com.mx DIRECTOR DE CONTENIDOS PABLO PULIDO pablo@marvin.com.mx DIRECTOR DE ARTE HÉCTOR MONTES DE OCA hector@marvin.com.mx DISEÑO GRÁFICO ADRIANA GALLARDO adriana@marvin.com.mx RESPONSABLE DIGITAL HOMERO NÚÑEZ homero@marvin.com.mx REDACTOR WEB SANDRA RODRÍGUEZ snadra@marvin.com.mx ITZEL ROJAS itzel@marvin.com.mx

COLABORAN EN ESTE NÚMERO Lenin Calderón, Aarón Enríquez, Rubén Gil, Feli Gutiérres, Juan Carlos Hidalgo, Vicente Jáuregui, Roger Koza, Arturo Lara, Toño Quintanar y Walter Schmidt. CONSEJO EDITORIAL Manú Charritton, Arturo J. Flores, Alejandro González Castillo, Jorge Grajales, Juan Carlos Hidalgo, Alejandro Mancilla. REPRESENTANTES EN EL INTERIOR DE LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com IMPRENTA GUIMARK TOTAL QUALITY S.A. DE C.V.. Carolina 98 Int. 101, Col. Ciudad de los Deportes, Benito Juárez, Ciudad de México, 03710, México Teléfono +52 (55) 5563-2257

PROJECT TRACKING ESTEBAN HERNÁNDEZ DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx

MVN 157 :: ALV

ALIANZAS Y OPERACIÓN MONTSERRAT ASCANIO montserrat@marvin.com.mx EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS aurelio@marvin.com.mx PRODUCCIÓN FERESHDE MOLUK feresh@marvin.com.mx ADMINISTRACIÓN CARLOS ARRIAGA carlos@marvin.com.mx DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS MARVIN TV PEDRO VELASCO pedro@lphantfilms.com

CONTACTO

Cozumel #61- PB. Col. Roma Norte CP 06700. México DF. Tel. (55)1998 0808 (55)1998 1818 Contacto: contacto@marvin.com.mx Suscripciones: suscripcion@marvin.com.mx

MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 157 correspondiente a: DICIEMBRE 2017 - ENERO 2018. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2016-011911392500-102. MARVIN es una Marca Registrada.


Contenido

En portada 40 C. TANGANA

Música

MVN :: 157

ALV

DICIEMBRE 2017-ENERO 2018

Festivales Cine De Fondo Arte Cómic

Literatura

Stand-Up El Pilón

6 LO FAV DEL AÑO 12 EN MEGÁFONO. Noticias frescas 26 INDUSTRIA: Vete a la versh. La serie animada más exitosa de YouTube es mexicana 28 THE CHAMANAS. La voz del desierto 30 EL MONSTRUO SON LOS OTROS. Ser o no ser funk 32 PORCHES. Los caprichos de la inspiración 48 DE CULTO: Julián Carrillo. El sonido 13 y la revolución total de la música 36 CORONA CAPITAL 2017. El festival que nos inspira 50 DE CULTO CINE: Juan López Moctezuma. Vampiros mentales 54 JEROGLÍFICOS DIGITALES. Nuestros mensajes híbridos 52 NIKI DE SAINT PHALLE. En pro de las malas costumbres 60 MEGG, MOOG Y OWL. Algo más que un ALV 62 ATENEA C. B. 56 EL ESTRUENDOSO REGRESO DE THE KLF. ALV EL FUTURO. El incendio tiene que ser ahora 58 LOS PÁJAROS de Rafael Catana 24 BUBU ROMO. Hacer el humor es un acto de amor 64 ESTA CANCIÓN ME RECUERDA A MÍ. El pasado era más chido


Editorial

Se acabó el caótico 2017. Se acabó la cadena de confusión de este año. Cables se reforzaron, cables se debilitaron, cables se rompieron y cables se estrenaron, para dar paso a un año nuevecito, lleno de sorpresas. Con gran ilusión deseamos que lo malo desaparezca o por lo menos mejore, y lo bueno se multiplique. Desde nuestra tribuna, deseamos más música sensacional, más libros, más cine, más artes, más stand up, más cultura fascinante... Sin embargo, más fervientemente aún, nos subimos las mangas, enfrentamos el destino tomando cartas para que estos deseos se vuelvan realidad y gritamos en todo lo alto: ¡ALV! Como explica nuestro Director de Contenidos, Pablito Pulido: ALV es un nuevo estilo de vida, una nueva forma de hacer las cosas. ALV es tomar nuevas rutas y atajos para obtener más resultados. ALV es arriesgar el todo por el todo. ALV es una nueva generación de consumidores. No hay orden. No hay reglas. Me importa tu opinión. Pero importa que me hagas reír. Ser viral es lo único que vale. Busquemos likes. Busquemos views. Burlémonos de todo. Hablemos de todo. Pero no nos lo tomemos tan en serio: Marvin traslada la cultura viral de la web al mundo físico, [hicimos] una revista ruidosa, caótica y excesiva, escrita en el idioma de los que consumimos internet 24/7: en la escuela, en el trabajo, en el camión, en el metro, en la comida, en la cena, en el cine, en la iglesia, en el hospital, en el baño, en la cama, con el novio, con la novia, con el perro, con tus papás, en el coche, caminando, etc. Memes, Comic Sans, Impact, fotos mal editadas en Photoshop, emojis, Android, historias de Instagram, yo mero, buebito con cantsun, olakease... ya mejor vámonos ALV. ¡Y que arranque el 2018, con la puerta siempre abierta y la luz siempre encendida!

Uili Damage @uili


Estilo

LO FAV DEL 2017 ETIQUETAS AL DIABLO LAS

Se fueron otros 365 días. Y lo Existen tantas posibilidades sonoras que catalogar hoy algo como

VALIERON “LO MEJOR”,

LOS PREJUICIOS,

LA POSE LLORAMOS PORQUE HOY… GANAMOS “LO FAVORITO”. TODO ES Bailamos, cantamos, gritamos,

sería caer en un tonto juego de superioridad. Por ello, hemos decidido cambiar las reímos, nos enojamos, caímos, palabras de nuestro conteo como

perdimos y perreamos. Y…

APRENDIMOS.

No tratamos de imponer. Sólo somos un grupo de personas compartiendo lo que más nos gusta.

DISCOS

1

2

3

4

5

DAMN Plunge

The XX

8

Fever Ray

A Deeper Understanding

The War on Drugs

9

Drunk

10

Your Conditionality

Japanese Breakfast

7

Paramore

No Shape

Perfume Genius

12

La Síntesis O’Konnor Sounds from Another Planet

Thundercat

11

6 After Laughter

Kendrick Lamar

I See You

VÁLIDO 13

Last Place Grandaddy

14

Kelly Lee Owens

El Mató a un Policía Motorizado

Kelly Lee OWens

The Hiding

Antisocialities

Kacey Johansing

Alvvays

Tennis

6

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TecnologĂ­a

15 Cigarettes After Sex

17

16

Dust

Sugar at the Gate

Cigarettes After Sex

20

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TOPS

22

The Ooz

King Krule

21

19 Laurel Halo

Mister Mellow Washed Out

23

24

Sleep Well

25

Hater

I Love You Like a Brother Alex Lahey

26

Buscabulla

27

Mzansi Beat Code

28

Spoek Mathambo

LCD Soundsystem

In Flagranti

More Than Life Drake

30

Cage Tropical Frankie Rose

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7

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American Dream

Sprezzatura

Melodrama Lorde

The National

EP II

You Tried

El Dorado

Finesse & BNMP


Estilo

CANCIONES

HABLAR DE TI -GEPE BLAH BLAH BLAH

KERALA-BONOBO CHERRYADE

HARD TIMES -PARAMORE

LOVE

KENDRICK LAMAR

SAY SOMETHING LOVING THE XX

EL TESORO FRACTÚBELA ÉL MATÓ A UN POLICÍA

MOTORIZADO SUBMISSION

TINO EL PINGÜINO

NOCHE DE VERANO MS. NINA

FIRE DAISY

GLUE

BRUNOG I DARE YOU

THE XX

HAVE YOU EVER SEEN THE

GHETTO KIDS

SHEEP

WANT 2 BAYNK

NO SMERZ COQUETA

JANE FONDA AEROBIC VHS?

GORILLAZ FAN WAVVES BICEP IDK ABOUT YOU

FEVER RAY

MORNING SOUND

GRIZZLY BEAR

WHAT IS THIS

MACHINEDRUM, ROSIE LOWE 8

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Tecnología

AHORA DICE CHRIS JEDAY

WASHINGTON

YOU DON’T KNOW

ME TRACE

FRANK OCEAN

MALA MUJER

C. TANGANA

MISTAKES TOVE STYRKE BLUE CIGAR

MIDNIGHT SISTER

SHARK SMILE

BIG THIEF PARANOID

JAY-JAY JOHANSON

BLOOD ON ME

SAMPHA

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PERFECT PLACES LORDE

KAMASI CHANEL

VERDE PASTEL SEÑOR KINO

TRUTH

OBLIGATORY DRUGS BLACK KIDS BOYFRIEND MARIKA HACKMAN

TWENTYFIVE DOLLAR TRICK IN FLAGRANTI

DUM SURFER NUESTRO GREENE JACARANDA KING KURLE MUNDO BAD GYAL KALI UCHIS

SUMMIN’ YOU UP SASSY 009

DON CRAINE LES LULLIES EVERYTHING NOW ARCADE FIRE

TO SAY ISPOEK FOUND U MATHAMBO JACQUES

COUNTRY SLEAZE

GOAT GIRL THE STATIC GOD

OH SEES

NEGATIVE SPACE

HOOKWORMS TOUCHDOWN

JOHN MAUS

SAY YOU LOVE ME TOO

JONATHAN BREE


Tecnología

UBER

ES HACKEADO

APPLE WATCH DETECTA HIPERTENSIÓN

SAMSUNG PAY LLEGA A MÉXICO

La primera plataforma para pago con smartphone que llega a México es Samsung Pay, tomándole ventaja a Apple Pay y Android Pay. A partir del 21 de Noviembre de 2017 la posibilidad de realizar pagos, usando únicamente tu dispositivo móvil, será una realidad en nuestro país. Para usarlo necesitarás tener una cuenta en Samsung Pay y al querer pagar, sólo tendrás que acercar tu teléfono a la terminal, deslizar la pantalla hacia arriba para entrar a Samsung Pay y por último validar la transacción con tu huella digital.

La empresa Cardiogram y la University of California, San Francisco (UCSF), hicieron un estudio con la aplicación de Cardiogram mediante el cual pudieron detectar apnea del sueño en pacientes, con una precisión del noventa por ciento, mientras que para la detección de hipertensión, la precisión fue del ochenta y dos por ciento. En un estudio previo se había podido detectar ritmo cardíaco anormal en pacientes con una exactitud del 97%, con lo cual, estos dispositivos significan un gran avance en la detección de anomalías médicas.

LORD OF THE RINGS SERÁ SERIE DE VOD

Según información revelada, la empresa llevaría más de un año ocultando que hackers habrían robado nombres, direcciones de correo electrónico y números de teléfono de cincuenta millones de usuarios en todo el mundo, además la información de siete millones de choferes también se expuso. También que Uber habría pagado cien mil dólares a los hackers para que estos borraran la información y que el problema no escalara...

De la mano de Amazon Prime Video y en esta batalla de contenido original en el streaming de video, Amazon ha comunicado que comenzará a trabajar en una serie basada en el universo de The Lord of The Rings; el trabajo audiovisual será producido en conjunto con Tolkien Estate & Trust, HarperCollins y New Line Cinema y Amazon apunta a tener su primer éxito en plataformas de streaming con esta franquicia.

NUEVAS CÁMARAS

HP INSTANTÁNEAS En el revival de las instantáneas, Fuji lanzó la instax hace algunos años y poco a poco otras marcas se han subido a la tendencia de imprimir las fotografías en el momento. Ahora HP lanza la Sprocket 2-in-1: una cámara de tamaño reducido -5 x 7.6 centímetros son ideales para que quepa en la palma de tu mano-, que incluye flash y estará disponible por $159 USD para las fiestas de fin de año.

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Estilo

DEATHWORLD X EARL SWEATSHIRT

En parte, como un repaso nostálgico a la practicidad de la ropa deportiva e igualmente como una reacción al ambiente sociopolítico global, DEATHWORLD apunta, desde su nombre mismo a ofrecer un estilo parco para quienes prefieren alzar la voz con profundidad en lugar de estridencia. La línea debutó en el festival Camp Flog Gnaw y en su campaña correspondiente, fotografiada por Sage Elsesser aparecen las modelos Delfin Finley, Nyku, Ama Elsesser, y Kai McAliley. Adquiere las prendas en https://itsdeathworld.com

MELTED METAL PACK & CLUB C DE REEBOK CLASSIC

Si no han llegado esos sneakers metálicos a tu guardaropa, es momento de correr a apartar el Melted Metal Pack que lanza Reebok Classic, para lucir con jeans y una camisa de mezclilla; con pantalón palazzo y blazer largo que se ajuste a tu silueta en color negro -rematando con una camiseta sin estampados-; con joggers negros, camiseta blanca con estampado y cazadora verde militar. Tú eliges el estilo que mejor te va.

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En megáfono

¡LUXOTTICA ATACA DE NUEVO... EN INVIERNO!

Luxottica Group S.p.A. es la compañía más grande del mundo dedicada al diseño, fabricación y distribución de gafas solares y oftálmicas. Fundada en 1961 por Leonardo Del Vecchio, en Agordo, Italia, incluye en su cartera a marcas mundialmente reconocidas como Ray-Ban, Oakley, Vogue Eyewear, Persol, Oliver Peoples, Giorgio Armani, Burberry, Bvlgari, Chanel, Dolce&Gabbana, Ferrari, Michael Kors, Prada, Ralph Lauren, Tiffany & Co, Valentino y Versace. Este invierno te presentamos una pequeña selección de lo más caliente en armazones, para que elijas gafas nuevas, sean obscuras o de aumento. • Colección Arnette: vivir sin ataduras • Persol: equilibrio perfecto entre clasicismo y estilo contemporáneo desde 1917. • Vogue Eyewear celebra a las caras de la belleza real de su campaña #ShowYourVogue. • Ray-Ban tiende un puente entre el pasado y el presente con sus modelos de culto. • A|X Armani Exchange reinventa la cultura pop, capturada por Sabine Villard. • DKNY Destaca la mezcla de formas geométricas contrastantes. • Oliver Peoples: detalle y elaboración artesanal; creaciones de aire intelectual y atemporal expresadas con naturalidad.

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En megáfono

LOS 3 COCTELES MÁS PROMETEDORES DE LA SEMIFINAL DE BACARDÍ LEGACY GLOBAL COCKTAIL COMPETITION 2018

Antes de terminar el año, vivimos la emocionante Semifinal para México de Bacardí Legacy Global Cocktail Competition, la competencia de coctelería donde 17 bartenders de diferentes bares alrededor de la República Mexicana ofrecieron una variedad enorme de emociones mezcladas con historias, sabores y discursos de orgullo mexicano. El objetivo de este proyecto consiste en motivar a los mixólogos para dejar su propio legado con BACARDÍ, creando un coctel que se establezca en la industria y logre perdurar a través de los años como el Mojito o la Cuba Libre. El cóctel de la fase final global es reconocido como el cóctel que mayor potencial tiene para convertirse en un Legacy Cocktail. Un jurado formado por cuatro expertos de la coctelería y bartenders analizó cada una de las presentaciones para encontrar los tragos más destacados bajo criterios de sabor, composición, presentación, inspiración, originalidad y facilidad para ser replicados. Entre esta variedad pudimos escuchar historias que hacen referencia al creador y fundador de la marca de ron, Don Facundo Bacardí, así como anécdotas personales que terminan por darle nombre propio a algunos de los tragos presentados. Luego de deliberar, el jurado anunció los cócteles semifinalistas: • Cofradía • Secreto Francés • Devil Woman

• Cofradía Creador: Oscar Ghibran Tapia Bar: AMARULA con acento tropical, Cancún.

• Secreto Francés Creador: Sebastián Monje Bar: Nektar Bar at Vidanta, Playa del Carmen.

Los tres mixólogos semifinalistas tendrán hasta el primer trimestre de 2018 para promover su cóctel y demostrar que tienen el potencial de establecerse en el mercado y poder asegurar su pase a la gran final global con sede en la Ciudad de México, por primera vez en la historia de la competencia.

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• Devil Woman Creador: Ana Herrera Bar: PalReal, Guadalajara.

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En megáfono

CUTOUT FEST 2017 EL PRESENTE ES UN GIF FOT:: Cortesía CutOut Fest

Los tiempos cambian en una velocidad impresionante (de hecho, mientras lees esto, puede que nuestra manera de comunicarnos haya cambiado ya, mínimo, unas 100 veces). Entonces, ¿cómo saber qué estás hablando de la manera correcta? Por este tipo de interrogantes existe CutOut Fest, un encuentro de animación y arte digital siempre en movimiento, que busca adentrarnos a las nuevas ideas y su ejecución en tiempos de la inmediatez. Este año, nos trasladamos a la ciudad de Querétaro del 9 al 12 de noviembre para vivir otras posibilidades de la realidad (con base en la tecnología, claro está). Fuimos seducidos por 21 horas con lo más novedoso en torno a la animación y acompañados de 53 artistas invitados con trayectoria internacional. Entre conferencias, talleres y mesas redondas, nos encontramos con un panorama enérgico y propositivo; nada de esperar inspiración de otros lados, porque aquí, en Querétaro, se gestó durante cuatro días un nicho de imágenes e historias listas para compartir a un publico más amplio y dispuesto a recibir esta vasta carta de ideas extravagantes. El tercer día del CutOut Fest se vivió de una manera más sensorial, con un programa que, además de proyecciones, contó con performances y experiencias interactivas. Además de una emocionante Ceremonia de Clausura, en donde se dieron a conocer los ganadores de la novena edición de esta fiesta digital. Agradecemos las atención de este festival, inquieto y siempre con miras hacia el mañana. ¡Nos vemos el próximo año!

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En megáfono

En megáfono Intimidad, extraña palabra. Conjuga una topología sospechosa derivada de una larga tradición que establece una diferencia entre un afuera y un adentro. Más allá de esa dudosa epistemología que propone una separación entre el mundo y el individuo, lo íntimo es el lugar en el que el yo ejerce su soberanía y, asimismo, aquello que puede suscitarse entre dos personas. En efecto, un momento de intimidad es aquel en el que un hombre o una mujer puede acceder a algo de sí que desborda los roles sociales que encarna y las habituales trivialidades en las que se disipa el tiempo de cualquier vida. La intimidad es una experiencia de consciencia con una especial intensidad. Es también por esta razón que a veces se dice tener “encuentros íntimos” como expresión equivalente a tener sexo con alguien, pues una forma de practicar la sexualidad compromete la intimidad. También decimos, en ocasiones, que solamente con los íntimos somos capaces de expresar las verdades que se temen y atesoran y los deseos que se tienen. El cine de Nobuhiro Suwa circunda la intimidad por varias vías. La más evidente tiene que ver con la observación puntillosa de la desavenencia amorosa. A Suwa le ha importado desde el inicio de su cine las relaciones de parejas y las problemáticas que deben enfrentar los amantes cuando el tiempo sedimenta desentendimientos o descubre deseos incompatibles. Una segunda aproximación a lo íntimo está determinada por la invención misma de esa experiencia, cuya constitución primaria, como es de esperar, empieza en la infancia, justo cuando el lenguaje y la interacción con el mundo, y a su vez la organización afectiva del sujeto frente al mundo, se vuelven reconocibles para un niño. Y hay asimismo un tercer trayecto autorreflexivo sobre lo íntimo en el que el propio cine queda en evidencia como una forma estética de aproximación paradójica al tema: muchas experiencias íntimas se pueden filmar, pero al hacerlo se necesita señalar el límite de cualquier representación, que en el cine de Suwa consiste en demarcar la distancia de una imagen con lo real, o también, si se quiere, patentizar el artificio por el cual una experiencia de la intimidad que parece extraída de la propia existencia es en verdad una construcción estética. El Festival Internacional de Cine UNAM 2018 presentará una retrospectiva de Nobuhiro Suwa, quien además visitará México para presentar todas sus películas. Desde 2/Dúo, M/Other y Un couple parfait, pasando por H Story y Yuki & Nina, hasta Le lion est mort ce soir. FICUNAM se llevará a cabo del 28 de febrero al 6 de marzo en diversos complejos de la UNAM. Toda la info en www.ficunam.org

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NOBUHIRO SUWA EL CINEASTA DE LA INTIMIDAD TXT:: Roger Coza FOT:: Wikipedia

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STEVE MADDEN, HOLIDAY 2017 (¡BESOS BAJO EL MUÉRDAGO!)

¿Es rojo? ¿Es blanco? ¿Es reluciente? Es la campaña de Steve Madden más reciente, con carretadas de piedras de colores para salpicar todo Steve Madden, desde las botas invernales hasta las sandalias de baño. Para esta colección era obligado estrenar materiales, desde los textiles para buceo hasta los consentidores “calentadores”. ¿Días de celebrar? Steve Madden tiene colorido abundante que llega hasta los subidos neones; apapachos en gamuzas y pieles faux, con mezcla de patrones para deleitar a todos. ¡Es la temporada de la alegría!

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En megáfono

AT&T EN MÉXICO ESTRENA EPIC TICKET

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Epic Ticket, una app que brinda beneficios especiales para disfrutar de los mejores eventos de OCESA. Epic Ticket le dará la oportunidad a los usuarios de hacerse acreedores a beneficios como meet & greets con sus ídolos, artículos autografiados, boletos en primera fila y accesos a lounges VIP, respondiendo una serie de trivias, mejor y antes que nadie. “Usar la tecnología para conectarnos con lo que más nos gusta, es un elemento esencia de nuestro ADN. Estamos contentos de aliarnos con OCESA para ofrecerle experiencias únicas a los fanáticos de la música”, dijo el Chief Marketing Officer de AT&T en México, Jesús Cansino. Con sólo descargar la app, los usuarios de cualquier servicio de telefonía celular podrán concursar por los increíbles premios: Para participar, los usuarios deberán seleccionar el o los eventos activos en los que quieran participar y el combo de beneficios que desean obtener, mismos que serán únicos para cada evento. Adicionalmente, será una fuente de contenido exclusivo para los fans, con videos detrás de cámaras, entrevistas, información de las giras de los artistas y los detalles de cada concierto. Como valor agregado, la aplicación detecta cuando el usuario se encuentra en un auto, bloqueando el acceso para los conductores. Con esta función, la app invita a firmar la iniciativa de “AT&T Puede Esperar”, un compromiso para no utilizar el celular al manejar.


Bubu Romo

Hacer el humor es un acto de amor

Stand Up Comedy

TXT:: Uili Damage FOT:: Roberto Aguilar

DE TREINTA Y TRES AÑOS, Bubu Romo, el menor de dos hermanos lleva su admiración y oficio dentro del stand-up comedy lo más lejos que se puede, por el momento, dentro de la escena nacional, y es que además de probarse en las tablas como un cómico eficaz, dedica la otra mitad de su esfuerzo a administrar La Caja Popular, el primer club del país 100% dedicado al stand up comedy y con base en la ciudad de Querétaro. El participante de la tercera edición del escenario de stand up en #FestivalMarvin nos cuenta de su experiencia, tanto en escena, como detrás de bambalinas. ¿Como descubriste el stand up? Mi tío es comediante, entonces toda la vida había estado en contacto con muchos estilos de comedia pero que no entendía las diferencias. Es hasta la universidad es cuando cobré conciencia del standup. Por mi tío nunca quise ser comediante, por que no me sentía capaz de competir con él, ni siquiera capaz de llegarle a los talones. Cuando fallece mi madre, entré en una depresión profunda y me fui a Buenos Aires para cambiar de ambiente. Allí me topé en un parque con un grupo de clowns. Estaban tocando una música muy pegajosa y de ahí me jalé con ellos a su show. Entré y me reí como jamás me había reído. Me metí tanto que me estaba orinando y no me quería mover de mi lugar por no perderme algo. Yo digo que ahí descubrí dos cosas: la primera, que te das cuenta que tienes un buen show cuando alguien está dispuesto a hacerse en los pantalones, antes que perderse lo que sea de tu show. Y la otra es que yo quería lograr que la persona más triste del universo pudiera encontrar alivio y perspectiva de que hay un mundo de contrastes y posibilidades aunque esté súper triste. Acabó el show, fui con ellos y les dije que yo quería lograr lo que habían hecho conmigo, les pregunté “¿cómo le hago?”. Me sugirieron entrar a un curso de clown. Yo pesaba 160 kilos y me sentía súper torpe para hacer clown. Mis cursos fueron fracaso tras fracaso. Estuve en Buenos Aires, estuve en Barcelona -donde vi a varios “monologuistas”, como les dicen allá-, y cuando regresé me encontré un curso de

stand-up. Pensé que para eso no me estorbaba el cuerpo y lo tomé. Sentí que gustó en mi graduación y allí empecé. Empezaste hace seis años y en ese momento coincide que mucha gente lo estaba descubriendo, estaban empezando, fue un momento de ebullición. ¿Cómo te ha pasado esa evolución? Para mí ha sido verla desde todos los ángulos, por que soy también productor y eso me permite ver y “evaluar” muchas cosas de las rutinas de todos, al menos tres veces al año. Creo que soy la persona que ve más stand-up en México, veo las rutinas de todos los que conforman la escena. Lo que me parece más claro es que ha crecido muchísimo la fama de los comediantes, pero no tanto la profesionalización. Hay muy pocos comediantes que yo consideraría profesionales, aún cuando haya muchos que ya viven del stand-up. Muy pocos se lo toman con disciplina, considerándolo realmente como un trabajo, que dejan de ser cuates que se suben a repetir un “chispazo” y que verdaderamente están buscando su voz, creando sus propias fórmulas... ¿Qué comedia hace Bubu Romo? Me gusta mucho hacer humor negro, pero me cuesta mucho trabajo. En escena lo saco hasta que siento que “tengo permiso” de hacerlo. Me funciona pero no es el humor con el que me conoce la banda. Ese otro, diría que tiene una parte observacional y otra, anecdótica. Este año bajé muchísimo de peso y tuve que deshacerme casi por completo de la rutina que tenía, casi cuarenta y cinco minutos, una hora de cosas que tenían que ver con ser gordo. Me ha costado trabajo adaptarme a mi nueva forma corporal y a mi forma de vida. ¿Cómo nació La Caja? Por la necesidad que tuve de presentarme en Querétaro. Hace seis años si quería presentarme, a huevo tenía que ser en la Ciudad de México y ganar $200 por show. Me tocaba agarrar camioncito, presentarme en el bar y regresarme al día siguiente

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si tenía dónde quedarme o regresarme acabando mi rutina. Era invertirle a presentarme en shows y llegó un momento en que dije, “sí está bien la onda pero ya que no me cueste... ”. Empecé a organizar shows en una cantina-cantina, de 1944. Empezaron a volverse famosones en Querétaro y entre la escena standupera. Pregúntale a cualquiera de los comediantes de esa época por los shows en Chava Indita y lo recordarán con mucho cariño porque, para las condiciones del momento eran shows muy buenos, con un mínimo de producción, pero con la que sacábamos el show. Hasta era raro para los comediantes que Querétaro tuviera una “escena”. De repente los comediantes ya empezaban a pedir venir, lo cual se me hacía muy raro. Seguí haciendo shows allí hasta que vimos que la cantina ya era insuficiente; la gente llenaba el lugar, cerrábamos la puerta, la gente golpeaba afuera para que los dejáramos entrar. Yo trabajaba en publicidad y uno de mis clientes tenía un bar que no estaba funcionando. Cuando me pidió que le propusiera algo para que jalara, le propuse asociarnos para hacer La Caja Popular. Ahora los socios con los que estaba ya no están más en el negocio, pero yo sigo con La Caja. ¿Cuáles han sido los movimientos más memorables de La Caja? En junio mis socios me avisaron que ya íbamos a cerrar porque no les estaba dando el beneficio

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económico que ellos esperaban y por iniciativa de varios comediantes se organizó un “megashow” para salvar a La Caja. Yo lo produje pero lo sacamos con un montón de voluntarios que al final me hicieron querer seguir con el lugar. Gente me escribió diciendo que no creían que iba a cerrar La Caja Popular, preguntaban qué se necesitaba para seguir adelante, me ofrecieron conseguir inversionistas, y una persona me comentó que “estaba muy deprimido, empezó a ir y le cambió la vida”. Es justo lo que yo estaba buscando cuando empecé a hacer stand up. Y si finalmente lo logré con el club, decidí que tenía que seguir adelante de algún modo. He aprendido que la risa es la mejor forma de cambiar a México. Hay una frase que disfruto mucho de Laureano Márquez, que dice “El humor es pensamiento de contrabando”. Yo invitaría a los colegas a ver esa frase con respeto. Otra es la de Groucho Marx: “La risa es una cosa muy seria”, y en la parte administrativa de La Caja es nuestro lema. Una que suelo decir -y no sé si alguien más la ha dicho en otro momento-, es “Hacer el humor es un acto de amor”, que es para los que estamos en la parte de producir comedia y a veces tenemos que sacrificar algo de nuestro negocio. ¿Dónde es La Caja Popular? Tecnológico #125 sur, en la colonia Centro, en Querétaro, Querétaro.


Industria DURANTE ESTOS 8 AÑOS, el proyecto de Vete A La Versh se convirtió en todo un fenómeno viral en México y Latinoamérica. Con más de 800 millones de reproducciones, 7,2 millones de suscriptores en YouTube y más de 13 millones de seguidores, Vete A La Versh es todo un referente en la industria del entretenimiento. Con la fundación de Darkar Studios, lo que surge como una idea, se transforma en una marca integrada por Roberto “Darkar” Alatriz y Emmanuel Romero “Ryuget”. Actualmente, Vete A La Versh está por lanzar un primer disco musical. Para ello, se aliaron con Randy Ebright (Molotov), quien se encargó de producir el material discográfico. Platicamos con Roberto “Darkar” Alatriz, la mente maestra detrás de Vete A La Versh. Tengo entendido que Vete A La Versh surge como una reacción al aburrimiento, como unos personajes que surgen como garabatos, durante un letargo en la Universidad. Justamente, un día estaba muy aburrido en una clase en la escuela (risas), comencé a dibujar y así, el proyecto nació como un pequeño cómic detrás de mi cuaderno. Eran un par de garabatos en una libreta lo que detona todo. ¿Qué estudiabas? Estudiaba Animación y Efectos Visuales, fue la carrera en la que me gradué en Estados Unidos. Allá fue donde arrancó todo. De repente, comenzó a jalar lo suficiente económicamente

vete a la versh la serie animada más exitosa en youtube es mexicana

TXT:: Vicente Jáuregui

Hace alrededor de 10 años, la consolidación de YouTube como una plataforma digital, resultó decisiva para que incontables proyectos independientes explotaran en todo el mundo. En ese entonces, creadores de todo tipo de contenidos aprovecharon esa primera oleada de YouTube para dar a conocer su propuesta. En 2009, Roberto “Darkar” Alatriz tenía listo el primer episodio de Vete a la Versh titulado “Videojuegos”. El primer día, el debut logró 2,000 reproducciones, todo un logro para una serie animada inédita. Al final de la semana, la cifra llegó a 10,000. Actualmente, ese episodio tiene 24 millones de vistas.

hablando. Cuando ya estaba consolidado, pude venirme a México porque ya se generaba el capital suficiente para abrir el estudio Darkar. Cuando subes el primer video a YouTube, no era tan monstruoso como ahora, de alguna forma, arrancaste en un momento de coyuntura para la plataforma. ¿Tenías conocimientos de cómo monetizar un video, estrategias para llegar a más gente y viralizar tu creación? La plataforma, como dices, ya existía, entonces el objetivo era adaptarnos a los formatos que YouTube pedía en cuanto a video. Yo sabía cómo funcionaba la monetización, pero nunca había entrado de lleno. De repente, el proyecto se comenzó a hacer popular de boca en boca, entonces solita surge la oportunidad de ser parte de los anuncios de YouTube. Entonces sin buscarlos se comenzó a monetizar el proyecto. Aunque sabía cómo hacerlo, el final es cuestión de alcanzar ciertos números para que funcione. Sobre la viralización, no hubo estrategia alguna, todo fue a partir de crear algo que a la gente le gustara compartir. No hay una fórmula para eso, creo yo.

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¿Qué tanto hay de ti en los personajes de Vete A La Versh? Yo siempre digo que soy una mezcla entre Darkar y Mecoboy: puedo ser tan irreverente y estúpido como Darkar; o amargado y hasta la madre como Mecoboy. Lo que comenzó como una serie animada, ahora es todo una industria rentable, ¿cómo se abre el mercado para poder integrar deals con editoriales como Porrúa o fabricantes de merchandise? Todo arrancó en grande cuando comenzamos a licenciar a los personajes, para poder lanzar playeras, peluches, un libro, ahora un disco musical, presentaciones que tendremos y obvio la serie. ¿Cómo se da el vínculo con Porrúa? La mayoría de los contactos que tenemos vienen por fuera. Es un 50% / 50%: la mitad se nos acercan y otros vamos a tocar puertas. Regresando a YouTube, ¿en qué momento un proyecto se vuelve relevante para ellos, qué números les parecen redituables para que ellos te busquen? Es un proceso automático, no sé en qué se basa, su algoritmo cambia cada rato. Cuando nosotros nos unimos como socios, ya generábamos un par de cientos de miles de reproducciones. Actualmente no sé en qué se basan para hacerte parte. ¿Qué beneficios tiene ser socio de YouTube? Nada, el beneficio es monetizar los videos, pero nada más. Están por lanzar un primer disco homónimo. Parece bastante lógico que hayan buscado a Randy de Molotov para producir este material. ¿cómo se da el contacto con él? El contacto con Randy fue por parte de nuestra mánager. Nosotros ya teníamos decidido hacer un disco. Sólo faltaba el estudio y con quién producir. Platicamos con varios productores. Pero siempre tuvimos claro que queríamos que sonara “molotovesco”. Entonces contactamos a Randy, lo escuchó, le gustó y ya, grabamos el disco. ¿Qué les aportó Randy? ¿Ya tenían muy armada la idea de las canciones antes de entrar al estudio? Randy fue una guía completa de estructura, de sonido, de cómo hacer que se escuche bien. En cuanto a la creatividad, Randy no tocaba nada de nuestras letras, el humor que tenemos, la idea en sí se mantuvo. Nosotros llegamos con las canciones, piezas de no más de 1 o 2 minutos.

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Entonces, hubo que agregarle un poco a eso y componer nuevas canciones. El proceso fue muy divertido, es estar diciendo estupideces para hacer canciones. Randy también es muy cagado, entonces estuvo muy divertido el proceso. ¿Cómo se presentarán en vivo? La idea es tal cual hacer una banda. Pero como es el derivado de un proyecto animado que ya conoce la gente, buscamos justamente, mostrar esa experiencia. Aunque será un show musical, también buscamos mantener las bromas y la discusión con la audiencia, mentar la madre, porque es lo que disfrutan. Queremos que sea una banda musical pero con los tintes de Vete A La Versh. Gorillaz fue la primera banda animada de la historia. ¿Ustedes tendrán animaciones en vivo? Eso sería lo mejor, lo hemos pensado y está dentro de nuestros sueños guajiros, pero eso dependerá de lo bien que avance el proyecto. ¿Qué bandas escuchas como una influencia para Vete A La Versh? Yo creo que mi banda favorita, la que estoy enamorado es The Dear Hunter. ¿Siguen existiendo? Sí, acaban de sacar disco. Pero hay dos, unos que escriben “Deer” como “venado” y otros “Dear” de querido. A mí me laten los de “Querido”, lo otros no me gustan (risas). The Dear Hunter me late porque es muy teatral, cuenta una historia desde 2005 en diferente actos. Me parecen piezas muy bien estudiadas, ejecutadas por muy buenos músicos. Ellos fueron muy importantes en mi adolescencia. Igual Green Day. Entonces vas al Corona Capital. Claro, a ver a Green Day. ¿Bandas mexicanas? Molotov obvio, pero nunca fui de mucho rock en español. Me fui a Estados Unidos y estuve empapado de música en inglés. ¿Qué tips le darías a alguien que está por subir su material a Youtube? Cuando yo comencé la plataforma era relativamente nueva. Quizá por eso a Vete A La Versh, se le hizo más fácil trascender. No había tantos proyectos en México, no había tantos canales, entonces, éramos de lo que sonaba. Ahorita depende más del contenido. Si te pones a subir un blog, ya hay mucho. Creo que la clave es cazar cuál será el siguiente gran contenido. Por ejemplo, ahorita los videojuegos son muy fuertes, pero ya está saturado de contenido. Yo nunca he pensado en cómo trascender en YouTube, esa nunca fue mi pregunta. Más bien fue, cómo hacer un proyecto que me guste y que le pueda gustar a la gente. ¿Cómo tener suscriptores? No lo sé, yo lo descubrí hasta el tercer proyecto que es Vete A La Versh, antes tuve otros tres. Supongo que se trata de constancia y de trabajar en algo que te guste. Algo que puedas darle seguimiento sin preocuparte por números, si pega, pega, sino a lo que sigue.


Molly Burch Please Be Mine Captured Tracks, 2017 Debut de esta joven a la que se le da el romanticismo aplicado al folk rock, con toda la naturalidad que se requiere en estos tiempos necesitados de originalidad.

Camilo Séptimo Óleos 2017 La banda favorito del momento, que entremezcla sintetizadores, guitarras y las letras que identifican a una generación que expresan sus emociones a través de emojis.

The Chamanas suena a desierto, a frío, a uniones y frontera. En su nombre lleva el origen de su música, la mezcla entre una palabra enteramente mexicana y el pronombre inglés. Su ubicación en el norte de México ha marcado la pauta para crear su música. “Estamos muy lejos de todo México y lo que resta de Texas. Ciudad Juárez es como una burbuja, entonces tratamos de plasmar nuestra propia realidad y es a lo que suenan las Chamanas, a desierto. No cualquiera puede vivir ahí”. El quedarse a hacer música desde la frontera les ha abierto muchas puertas. Pueden salir de gira tanto en Estados Unidos como en México. “Nos gusta estar en medio de los dos mundos y podernos mover entre los dos lugares”, nos cuenta la banda en entrevista exclusiva para Marvin. Su ubicación los ha llevado a conocer a grandes bandas, por ejemplo, el abrir los shows de Portugal the Man en México fue el resultado de un aspecto geográfico y también el haber realizado un par de covers del grupo de Portland. Mantenerse en ese límite –o unión– de dos países, significa conservar su sonido. Digamos que es la clave de su propuesta. Por esto, se mantendrán ahí para seguir creando música. En su segundo álbum NEA, The Chamanas plasmó un sonido más sólido. Aprendieron de las presentaciones en vivo y decidieron crear una obra que los representara más y que pudieran interpretarlo con más lealtad en el escenario: “Queremos capturar en este disco esa energía que se siente en vivo. También muchas de las canciones de NEA

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“Ciudad Juárez es como una burbuja, tratamos de plasmar nuestra propia realidad y es a lo que suenan las Chamanas, a desierto. No cualquiera puede vivir ahí”.

TXT:: Itzel Rojas FOT:: Dario Lizárrga

Men I Trust “Tailwhip” 2017 Una de las canciones favoritas del año. Pop suave y un discurso personal siempre son los ingredientes de un track preparado para aliviar al alma.

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THE CHAMANAS LA VOZ DEL DESIERTO

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ya las teníamos escritas para Once Once, pero por alguna razón no encajaban. Ahora quedaron perfecto”. Pero, sobre todas las cosas, es un material más personal. NEA lleva grabados momentos muy difíciles que la banda vivió el año pasado, como la pérdida de seres queridos. Afortunadamente, también viene cargado con la satisfacción de haber sido nominados a los Latin Grammy 2016 a Mejor nuevo artista. La llegada de este disco editado el pasado mes de julio por Casete, se da entre cambios, tragedias y alegrías. Un disco en donde la banda después de conocerse, se siente más solida. Nuevos integrantes y un sonido más electrónico son lo que le ponen la marca. La influencia de la música mexicana sigue latente en ellos: “Es la música con la que crecimos”. De ahí viene el cover que hacen a “Hablemos”, una canción que se ha popularizado en versión banda, pero viene de un sonido más melancólico de por allá de los años 80. Algo así como su canción con Los Ángeles Negros en su disco Once Once. Sus presentaciones en el Vive Latino y Festival Coordenada los reconectó con el público, el cual ha sabido aceptar bien la incorporación de Paulina Reza a la alineación. “En Once Once todavía era una intérprete, pero traté de entender las melodías y las letras para hacerlo bien. Ahora con NEA empieza otra etapa. Plasmé toda la pasión en el estudio y creo que eso se refleja”, confiesa Paulina al mirar atrás sólo por un instante para después recargar el aliento hacia el futuro. Para NEA y el grupo hay muchos planes. Los más próximos giran en torno a seguir la promoción del disco, pero para el próximo año se espera uno nuevo. “No sabemos cuándo va a salir, pero seguimos componiendo y trabajando. Es seguro que se venga algo”. Esperamos más música increíble como hasta ahora lo ha sabido hacer The Chamanas, una banda que nos comparte el sonido del desierto, que se impregna en nuestros adentros y, aún más importante, nos recuerda a la unión de dos países que generan una mezcla única.


The Mars Volta Frances the Mute Universal, 2005 Segundo álbum de la banda de fusión y rock progresivo comandada por el guitarrista Omar RodríguezLópez. En este disco se destacan las guitarras que mueven a este álbum hacia a los territorios de la sicodelia. Heavy.

¿Quiénes integran EMSLO actualmente? Rocósmico: El grupo ha mutado mucho y como en “la canción de los perritos”, sólo quedamos dos originales, que somos Aníbal -el baterista- y yo. Ahora tenemos nuevas “adquisiciones”: en la guitarra está Memo Márques de Los Mexican Hooligans, que es un guitarrista extraordinario y con quien hemos tenido una química creativa bien, bien chida, y también está Quike Sánchez, que es un saxofonista bastante joven y talentoso: toca saxofón tenor y saxofón barítono; y más recientemente entró Timmy, el trompetista. Llegó al ensayo en patineta y se nos hizo súper cool, tira mucha grasa cuando toca. También decidí involucrar a otros músicos como invitados… un poco como Gorillaz… yo pienso que Gorillaz es una de las influencias más fuertes que he tenido, como lo puedes ver en la gráfica de EMSLO. En el primer EP, Nueva Tenochtitlán, fue aterrizar esa idea de la antigua ciudad. Es un poco como ficción o realismo mágico. El ave de los 400 claxons, es el nombre

es una prueba de ello. No va a ser un digipack, será algo distinto y aunque sea una bronca hacerlo, vale la pena comprarlo y tenerlo. No sólo son las canciones y la música sino también el objeto físico. También estamos pensando seriamente en hacer un video, para trabajar con diferentes medios. Para desarrollar y hacer crecer una idea.

Screaming Headless Torsos Choice Cuts Fuzelicious Morsels, 2005 En este disco de 2006, el quinto de su carrera, SHT se destaca como una poderosa banda de jazz rock y jazz funk de vanguardia, con influencias que van de ParliamentFunkadelic a Frank Zappa y Miles Davis. Se han presentado en México en varias ocasiones.

El monstruo son los otros (EMSLO) es una banda capitalina que ha tomado el funk como bandera desde su primera grabación, Yo no soy el monstruo: el monstruo son los otros; aquí muestran una mixtura de géneros del funk y el rock y del pop al bolero, con buenos resultados. Ahora se encuentran produciendo nuevas grabaciones por lo que platicamos con el líder de la agrupación, “Rocósmico” (Rodrigo Flores de Camposanto), acerca de la reestructuración de la banda y sus nuevos proyectos. Rocósmico: “En su versión más reciente (de octubre de 2016 a la fecha) El monstruo son los otros es un juego constante. Para mí el año pasado fue muy fuerte porque empecé a sufrir mucho el hecho de que no caía dinero a la banda y aunque le gustara a la gente; me preocupaba que no fuera un proyecto que se pudiera mantener por sí mismo. Eso empezó a inquietarme y a hacerme cuestionar la estética y la poética de la banda; en un momento dado tuve una revelación muy padre: me di cuenta de que no debía hacerle esas exigencias al grupo por el perfil que yo quería para él. Creo que la razón de que haya empezado a estudiar música desde muy morro, además de ser mi más grande pasión, fue la de tener una profesión de donde poder obtener mis recursos, así que decidí buscar ingresos por otra parte para no comprometer la integridad de la banda. Me di cuenta de que esto es un juego, no en un sentido banal o pasajero, sino que es algo que me da

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EL MONSTRUO SON LOS OTROS SER O NO SER FUNK

Gorillaz Gorillaz Parlophone, 2001 El álbum debut de la banda británica ha sido una gran influencia sobre EMSLO por su fusión de diferentes géneros como hip-hop, música latina, pop, y por ser una banda “virtual” representada por dibujos animados.

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¿Qué nos dices del nuevo disco de EMSLO? Rocósmico: Tentativamente se va a llamar Las crónicas de Nueva Techochtitlán y decidí hacerlo en cuatro entregas distintas, en cuatro EPs. El primero ya lo terminamos y salió hace un par de meses y el segundo lo acabamos de grabar. El tercero está programado para diciembre y el cuarto saldrá en marzo. La idea es que cuando ya tengamos los cuatro capítulos de esta narrativa sonora hagamos un álbum en CD. Yo soy fan de hacer “discos físicos” y el primero de EMSLO

vitalidad. Es parte muy importante en mi vida por ésa vitalidad; porque me permite expresarme y conocer gente. Yo siempre he tenido problemas para acercarme a la gente y a través de la música he podido conocer a muchísima. Me di cuenta de las cosas que podía pedir de la banda que no estaban en lo económico. Yo había leído el libro Freeplay, donde se hace mucho énfasis en el juego divino, una continua improvisación y un continuo juego creativo. Me di cuenta de que había estado haciendo esto con la banda pero no de manera consciente, entonces empecé a hacerlo ya con conciencia y empecé a jugar con muchas cosas para hacer el concepto aún más lúdico: Planteé un disco “especial de Navidad” e invité a gente que no conocía, para formar una banda, con miembros de Belafonte, del Monstruo, y grabar un villancico, y luego, que cada quién hiciera una canción de tema navideño (Belafonte, Bien Ñeros, etc.). Al final se volvió un juego y salieron cosas padres. El disco quedó muy lindo. Me funciona mucho jugar con El Monstruo y al mismo tiempo hacer algo padre, no es un asunto onanista, sino de encontrar el punto donde sea algo que me pueda divertir y entretener a las personas. Buscar crecer y profesionalizarnos y que sea algo que me haga sentir bien. Es como mi hijito también. Los hijos son la peor inversión de la historia. ¿Se le puede llamar banda de funk a EMSLO? Rocósmico: Aunque yo decía que EMSLO es una banda de funk, me percaté de que soy totalmente incapaz de mantenerme dentro de un solo género. Siempre coqueteaba con otras cosas, aunque tenía el espíritu y el groove, había mil cosas más y también que muchas de las bandas que me gustan juegan con muchos géneros. Me permito afirmar que el concepto de EMSLO es lo suficientemente sólido como para poder manejar diferentes géneros. Pienso que somos funk n´roll, no solo funk.

del primer EP y por azares del destino conocí a Charlie Montana (trabajando en una versión de The Rocky Horror´s Picture Show). Lo invité y aceptó amablemente a colaborar; es la voz de ésa ave, en ésa canción. Por otro lado invité a Dafne Carballo del grupo Descartes a Kant, que es mi maestra de canto. Durante una clase ensayábamos los coros y ella los hacía mejor que yo y además le daba un color increíble, así que le pedí que ella los hiciera. Yo quería darle a la canción un aire de serie de televisión, soy fan de Dragon Ball y creo que es un referente de mi generación. Me puse a buscar al narrador de la caricatura por mar y tierra y lo encontré y también lo invité a participar. ¡Fue algo increíble!; no lo conocí personalmente, me mandó la grabación y yo la edité. Creo que es imposible pensar en la Ciudad de México sin los terremotos y aunque a mí no me ha tocado uno fuerte, tengo el trauma ajeno [N. de la Ed. Esta entrevista fue realizada previamente a los sismos de septiembre 2017.]. Para el segundo EP quería jugar con la idea de la ciudad que se pervierte y es destruida, que la letra estuviera hecha con nombres de bandas de la ciudad que yo he conocido, de mis contemporáneos, porque hay unos nombres muy chistosos. Y para el terremoto quise invitar a los Decibeles, porque su música es muy contrastante con la primera parte de la pieza que es casi un cliché. “Los hijos son la peor inversión de la historia”. —Rocósmico

TXT:: Walter Schmidt FOT:: Archivo


Arthur Russell Another Thought Point Music, 1994 Simple, elegante y delicadamente emotivo, pero al mismo tiempo abstracto y experimental en varios niveles. Como si la música de Aaron Maine la hubiera producido Prince en pleno década de los 80.

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SÓLO UN NOMBRE Sin embargo, el que sigan usando el mismo nombre desde hace cinco años no quiere decir nada. De hecho, Maine y su cabecita inquieta y metamórfica ya comienza a maquinar: “No lo sé.

El nuevo disco de estos neoyorquinos es uno de los más esperados este enero simplemente porque no se sabe con qué van a salirnos. Previo a este, su tercer LP, hay varios EPs y muchos sencillos que muestran una intrincada evolución que va de la minuciosidad del shoegazing y la excentricidad del psicofolk, a la frialdad de un synth pop oscuro, muy introspectivo y tan enigmático como el personaje que los encabeza. No por nada, uno de los seudónimos que le gusta usar al guitarrista y líder de esta banda mutante, es Ronnie Mystery. Pero también Ronald Paris, Ricky Pepsi y, el nombre con que aún lo identifican sus padres pues así fue bautizado: Aaron Maine. Incluso detrás del nombre de la banda hay varios intentos fallidos de identidad. Comenzaron como Aaron Maine and the Reilly Brothers, para convertirse temporalmente en Spaceghost Cowboys y finalmente en Porches. Aunque el nombre por el que se decidieron al final también ha tenido cierta evolución: en un principio lo estilizaban todo en mayúsculas y por un tiempo lo escribieron en bajas y con un punto final.

DEL SEXO AL DISCO Después de escuchar confesiones creativas tan reveladoras como las anteriores, quedan despejadas muchas dudas acerca del origen de la letra de una canción explícita como “Headsgiving”. Ni hablar de la importancia del punto de vista del narrador, pues Maine ya explicó la importancia de “dónde estar” y “cómo responder”. Eso, la postura o posición del narrador, en una canción que habla del sexo oral con alguien menor de edad, es algo clave. Incluida en su primer LP, Slow Dance in the Cosmos, de 2013, es una de las preferidas por su público quizás porque sintetiza un poco la esencia de lo que será Porches: introspección, ritmos lentos pero medianamente bailables y el poder dramático de la voz de Maine. Además, frases como “te hice sexo oral antes de mandarte a terapia” o “ella solo tenía 17 años, no sabes a lo que me refiero, así que llama a la policía” (en una clara, aunque retorcida y morbosa, referencia a “I Saw Her Standing There” de los mismísimos Beatles), la han convertido en una de las favoritas de su público y es una de las pocas canciones de esa época que aún tocan en sus conciertos. Pero, además de letras intrigantes y tan emocionales como el instante que las inspira, el sonido de Porches cobra cada vez más seguidores por la mezcla poco ortodoxa que propone.

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TRST Joyland Arts & Crafts, 2014 Oscura, bailable, electro y muy emocional, la música de este canadiense es emotiva por donde se le vea. Letras explícitas, sugerentes y azotadas, para esas tardes darks y lluviosas.

Blood Orange Freetown Sound Domino, 2016 Downtempo bailable con mucho soul y una lírica enigmática, juguetona, que exige no tomarse muy en serio. Secuencias robóticas mezcladas con vocales profundas, casi viscerales.

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COMO VEO, DOY Esta variedad de identidades, que puede parecer muy confusa, describe plenamente la personalidad multifacética de Maine y los notorios cambios de ánimo en sus canciones. Él ha sabido incorporar esa personalidad versátil, o inestable, a un proceso creativo que parece rendir mejores frutos mientras más aleatorio sea. Un proceso en el cual el artista responde a su entorno, de forma que es el exterior el que dicta el estado interior, el estado de ánimo. Es una especie de causa-efecto en lo más profundo de la imaginación: “Supongo que escribo lo que siento ese día en particular o a partir de alguna frase que se me venga a la mente. Es una constante porque siempre hay cierta interacción entre el lugar en el que estás o lo que sucede a tu alrededor y cómo respondes ante ello. Es una fuente inagotable de contenido. Además, creo que es más sencillo trabajar con lo que tienes a la mano que escribir acerca de ciertas situaciones en específico. Creo que por lo regular todo depende de cómo me sienta ese día”.

No me encanta el nombre de la banda. Para ser honesto ya ni me acuerdo por qué lo elegimos. Crecí en los suburbios, supongo que el nombre surgió del placer de pasar tiempo en el porche, relajado, lo que ahora parece paradójico por el rumbo que ha tomado nuestro sonido. Como yo lo veo, es sólo un nombre”, reveló el año pasado en una entrevista para Transversomedia. Con relación a los diferentes seudónimos que utiliza, Maine aceptó esa misma ocasión que le sirven para identificar, aunque sea para sí mismo, los diferentes capítulos de la banda y la evolución de su sonido. Él afirma que cada uno de esos nombres es como una pizarra en blanco que le ayuda a registrar y reconocer cada faceta del grupo. Su afán por alternar con diferentes identidades es casi una obsesión pues incluso los artículos que comercializa Porches en su sitio y shows, como ropa y accesorios, tiene un nombre diferente asignado: Dark Muscle.

PORCHES LOS CAPRICHOS DE LA INSPIRACIÓN

“Un malviaje de Xanax a través del amor, la pérdida del individuo y la búsqueda de la felicidad”.

TXT:: Lenin Calderón FOT:: Jason Nocito

VIÑETAS ESCAPISTAS Este año, Porches regresa con The House, en el que Maine reafirma su método aleatorio de capturar la realidad. “He aprendido el valor de los demos para documentar el momento, por eso traté de capturar o registrar cada canción, el mismo día que fue concebida”. Precisamente, debido a ese deseo por registrar sensaciones inmediatas, las catorce canciones del disco ofrecen una serie de viñetas que parecen sacadas de un diario personal. El nuevo disco está hecho de instantes que retratan el miedo a deshacerse del ego (“By My Side”), el escape de lo corpóreo (“Now the Water”), el aterrorizador encanto del amor juvenil (“Country”) y, uno de sus temas favoritos, el escapismo emocional y existencial (“Find me”). Aunque los dos sencillos lanzados previo al estreno de The House no podrían ser más diferentes uno del otro, tanto “Find Me” (una llamada directa al baile) como “Country” (una invitación sutil a la contemplación) contienen ya la esencia primordial de esta banda. Aunque su futuro sigue dependiendo del pie con que su líder se levante cada día o de la primera escena inspiradora con la que se tope.

El mismo Maine acepta que él mismo planeó la yuxtaposición de letras y contenidos más bien melancólicos o reflexivos, con ritmos y estructuras electrónicas acompasadas, bailables. Una mezcla engañosa que, por un lado, invita a bailar y, por otro, exige que los escuchas pongan atención a ese otro nivel más sombrío y angustioso en el que trabaja la lírica y la voz quejumbrosa de Maine. Su segundo LP (Pool, de 2016), por ejemplo, es un disco sólido, híbrido de la electrónica oscura y el folk psicodélico, que se esmeró mucho en llevar a sus escuchas por un malviaje de Xanax a través del amor, la pérdida del individuo y la búsqueda de la felicidad.


¿Estas voces se colocaron cuando la música ya estaba terminada o en su caso, se plantearon el reto como compositores de hacer canciones pensando que por primera vez tendrían letra? “Mambo cósmico” se hizo como lo planteaba Ennio Morricone, utilizando la voz como otro instrumento más. No hay demasiadas palabras, pero sí existe un interés por escribir, un hambre natural de músicos y en las composiciones, como te digo, la voz no es más que otro instrumento de nuestra paleta sonora.

México es un país al que le gusta mucho cantar. Aunque este nuevo disco incluye por primera vez algunos coros y voces, Sonido Gallo Negro se ha ganado un lugar en la escena haciendo música instrumental, ¿en algún momento eso representó un obstáculo para ustedes? Sí, al principio no comprendíamos bien la dinámica de la industria musical y a pesar de que nos esforzábamos mucho, veíamos que bandas mucho más nuevas que la nuestra tenía más atención que nosotros; así que, por un lado, intentábamos no traicionar nuestro gusto por hacer música instrumental, pero a la vez nos sacábamos de onda porque otros grupos avanzaban mucho más rápido que nosotros. Pero con el tiempo las cosas se revirtieron, porque a medida que ganamos exposición internacional, el hecho de no contar con un lenguaje, palabras exactas o versos muy complicados, la gente de otros países se conectó mejor con nuestra música. La música, al final, representa un lenguaje universal.

Justo antes que Sonido Gallo Negro partiera para presentarse en la WOMEX (World Music Expo por sus siglas en inglés), desde Polonia, su guitarrista Gabriel López nos platicó algunos detalles detrás de la grabación de “Mambo Cósmico”, el más reciente disco del grupo. Además de trabajar al mismo tiempo en material para los grupos Electroplasm y Twin Tones, Gabriel se sumergió junto a sus compañeros de SGN en un intenso viaje en el tiempo hasta conseguir traer al presente un material que combina una fuerte pasión por el pasado con una estética futurista.

A propósito de “Danzón fayuquero”, que es guiño tepiteño, ¿cómo ven el creciente movimiento de los sonideros? Justo eso. Queríamos reflejar que el sonidero también tiene fineza. De repente percibimos la pachanga sonidera como algo muy arrabalero, muy sucio, pero la rudeza de los sonidos incluye una selección musical muy fina. Había que entrar a Tepito para ver a los pachucos bailando danzón; o sea, gente muy ruda bailando música muy fina. Ese era el contraste que nos interesaba reflejar en ese track.

Hablando de Pérez Prado, está “La Foca cha cha chá”, una clara referencia a él. Existe una tendencia muy actual de voltear hacia atrás para reversionar. Natalia Lafourcade, por ejemplo, le presentó a Agustín Lara a una generación que quizá nunca se hubiera puesto a googlear quién fue ese señor. ¿En el caso de Sonido Gallo Negro también existe una voluntad de arqueología musical en este tipo de proyectos? Sí: principalmente satisfacemos nuestra intención de tocar lo que queremos, pero en segunda instancia sí hay un homenaje. Porque está desapareciendo el interés por investigar hacia atrás. El danzón y el cha cha chá están un poco olvidados, aunque de repente aparecen en las pinchadas de los DJ’s. Pero hace falta que esos ritmos suenen en el escenario, en vivo. Que haya composiciones nuevas.

Hay dos versiones de otros artistas en el disco, “Tolú” y “Quién será”, ¿por qué?. Teníamos mucho tiempo escuchando a Lucho Bermúdez. Representó una obsesión aterrizar esa canción escrita para orquesta en una banda eléctrica. Y con “Quién será”, pasó que habíamos escuchado la versión de Pérez Prado y teníamos muchas ganas de tocarla. Así que nos propusimos hacerla en twist, porque venimos de una escuela mucho más garage, más surf.

de sesión para danzones. Los invitados los manejamos con la proporción para que no fueran necesarios cuando tocamos en vivo. Porque pasa que a veces tienes al súper invitado en el disco, pero cuando no lo puedes tener en vivo, la gente se decepciona.

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¿Cómo se fueron sumando los invitados al disco? No metimos a nadie con intención de inflar la producción. Tenemos sólo a los que pensamos que ayudarían a redondear la canción. Entre ellos están Álex Gonzalez, que es trompetista de Twin Tones y se ha ido de gira con Mexrrisey, además de un mariachi de alta gama que hizo la música de la película Coco. Tenemos a La Bruja de Texcoco, que trae toda la cultura oaxaqueña en el arpa. También viene Mitze Máiz, una vocalista de reggaea. El violín lo tocó el maestro Javier Carrillo Velázquez, músico

“Mambo Cósmico” es, como su nombre, mitad pasado, mitad futuro... Totalmente. Nuestra concepción artística se basa en que algún día caerán esos prejuicios. Ya se rompieron entre los géneros y tal vez con la cultura. Las cosas antiguas se volverán futuristas.

Todo el disco tiene un aire místico parecido a “Sendero Místico”, con canciones como “Mambo Egipcio” o “Cumbia Ishtar”. Tomando en cuenta el prejuicio de que la música bailable no tiene un trasfondo intelectual, ¿a ustedes sí les interesa mucho transmitir algo más que el simple gozo? Sí, como lo mencionas. Cuando hicimos Sonido Gallo Negro queríamos tocar cumbia, pero no en su sentido más festivo. Nosotros queríamos hacerlo más rico y ha funcionado.

El sencillo “Cumbia de sanación” se lanzó unos días después del terremoto que azotó a la Ciudad de México, ¿fue una coincidencia que ustedes pensaran en hacer una canción con efectos curativos? Dos meses antes del terremoto, las canciones ya estaban listas para lanzarse, así que no pudimos hacer nada para detenerlas. El viernes de esa semana teníamos la presentación del disco y esa sí la cancelamos. “Cumbia de sanación” está basada en esa mística en la que la mente puede hacerte sanar sin necesidad de ir con un médico. Esa idea nos llamó la atención y la quisimos utilizar en un disco. Después, la gente la tomó como ayuda en el contexto del terremoto.

SONIDO GALLO NEGRO MAMBO CÓSMICO DEDICADO A...

TXT:: Arturo Flores IMG:: Dr. Alderete

Finalmente, como dices, este tercer disco resultó de una campaña de fondeo, ¿consideras que es el paso más reciente de la independencia, en el que los fans se involucran como inversionistas de las agrupaciones que les gustan? Sí, porque el fondeo te permite estar más cerca de tu artista, participar en su proyecto. Por eso, hoy más que nunca me parece muy importante que los músicos estén bien conectados con sus fans. Sobre todo en redes sociales.

Una vez el Doctor Alderete hizo el arte de este disco, aunque la tendencia en la música digital es que el arte ya no tiene tanto protagonismo, ¿cómo viven esta paradoja? Es difícil para nosotros, porque nunca hemos trabajado con nadie que no sea Jorge Alderete. Él tiene la libertad de hacer lo que quiera y prácticamente no cuesta, lo hace como parte del proyecto. Pero si no fuera por la amistad y confianza que le tenemos, quizá ya pensaríamos en hacer distinta la cosa del arte. Nos sigue preocupando que sea bueno, porque casi todo lo que hacemos termina en vinilo. Y siempre es mejor tener cosas impactantes, con punch. A los fondeadores que nos apoyaron en este disco les mandamos los artes en archivos para que los conserven. Hay que adaptarse a las nuevas formas de trabajo.

Que Los Ángeles Azules grabaran un sinfónico y se presentaran en sitios como el Auditorio Nacional, ¿se lo debemos a la comercialización o al derrumbe de prejuicios musicales? Creo que la industria de la música se estancó. Me refiero a la ranura que jugó el rocanrol. No sé a qué se debe, si se agotaron los sonidos o la rebeldía, pero las disqueras empezaron a buscar en otros lados y debido a ellos se dio este boom de la cumbia, de buscar cosas que se escuchen frescas y que al mismo tiempo sigan vendiendo. Es, como dices, por el negocio y los artistas que estuvieron ahí a la mano fueron los que las disqueras impulsaron. Fueron en busca de sonidos un tanto rebeldes, un tanto kitch.


EL FESTIVAL QUE NOS INSPIRA

CORONA CAPITAL 2017

Festivales

Angel Olsen - Arturo Lara

FOT:: Arturo Lara y Feli Gutiérrres

EL FIN DE SEMANA más importante llegó y claro que nos la pasamos increíble. El Corona Capital logró una vez más reunir al talento en boga más importante, inspirándonos a crear una instantánea para presumir al mundo. Hubo hype, euforia y locura, también nostalgia y serenidad, pero sobre todas las cosas, muchas ganas de pasarla bien y olvidar por 48 horas –al menos– toda esa caótica realidad que hemos experimentado en las últimas semanas. Esa tensión en los nervios que fue liberada por el pop de Dua Lipa, también por la suavidad sonora de Grizzly Bear, el épico discurso de PJ Harvey, la nostalgia new wave de The Sounds, el pop lo-fi de The Drums… Este cúmulo de sonidos embistieron todo mal a favor de un momento en el que se sintiera como que no hubiera otra cosa más importante que la música. Este año se sintió un público más unido, uno que bailó sin parar y expulsó todo lo que el corazón resiente junto a un show emocional a cargo de The xx; ese mismo público que también se entregó junto a Phoenix a la eternidad del sonido y el color, y finalmente, un público que también vivió su propio escenario con #HyundaiInspire, viviendo la música como un rockstar, con guitarras y amigos como una verdadera banda. El Corona Capital para la eternidad.

Cherry Glazer - Arturo Lara

Mogwai - Feli Gutiérres

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Phoenix - Arturo Lara

Cage The Elephant - Arturo Lara

Crystal Fighters - Arturo Lara

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Andrew W.K. - Feli GutiĂŠrres


Festivales

Green Day - Arturo Lara

Foo Fighters - Arturo Lara

The XX - Feli GutiĂŠrres

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The Sounds - Feli Gutiérres

PJ Harvey- Feli Gutiérres

Anika - Feli Gutiérres

Joseph - Feli Gutiérres

MVN-157 Dua Lipa- Feli Gutiérres

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Metronomy - Arturo Lara


C.TANGANA PONGAMOS PAUSA AL ROCK POR UN MOMENTO

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El artista que decidió tomarse en serio a aquel sonido del que renegaban los raperos, que no terminaban de comprender los poperos y que ha sido el motivo de los comentarios más socarrones por parte de los rockeros. TXT:: Aarón Enriquez FOT:: Javier Ruiz @javierruiz69 ESTILISMO:: Alex Turrión @alextrion_ ASISTENTE:: Marta Martín @muertamuertin

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“Creo que todos saben lo que está pasando a nivel global con la música urbana. Creo que este es el momento de que lo que está pasando en el mundo pase aquí. Yo sólo soy uno, pero hay mucha gente ahí detrás”. Las anteriores son las palabras que expresó Antón Álvarez aka C. Tangana, cuando subió a recibir el premio a Artista Revelación Español en LOS40 Music Awards 2017. Su expresión sobrada delataba que él sabía que estaba pisando ese escenario como un pionero de la música urbana española, una punta de lanza, una primera gran estrella, un ídolo.

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“En España hay mucha inmigración y la mayoría de música de baile que tenemos es música latina. Son ritmos que nos han traído dominicanos, puertorriqueños, colombianos y ecuatorianos porque no hay un producto español de baile”. 44

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penas un mes antes, su rostro adornaba las principales avenidas de toda España en un espectacular que a muchos causó estupor, a otros causo extrañeza, enojo, desilusión y según su propio juicio, otros tantos no pudieron ocultar su envidia. Sin embargo, a una gran mayoría le llamó la atención ver a Antón reposando cómodamente acompañado de un par de gatos egipcios y ataviado con un llamativo abrigo, sobre todo a los que no tenían ni idea de quien era antes de verlo colgado en la Gran Vía. El lanzamiento de su disco Ídolo, significó no solamente la irrupción de una figura proveniente del subsuelo de la música urbana, del auténtico y soslayado ghetto, de un artista que decidió hace apenas un poco más de dos años tomarse en serio a aquél sonido del que renegaban los raperos, que no terminaban de comprender los poperos y que ha sido el motivo de los comentarios más socarrones por parte de los rockeros, en el corazón mismo del mainstream español, sino que además, le ha hecho firmar lo que él mismo ha nombrado como “el contrato más caro de to’ el gremio”. Trap, reggaeton, dembow, dancehall, afrobeat, entre más negro mejor; urbano, le llama él, pop… le gusta provocar. El acto de tomarse los cojones sin importar la opinión de los inmersos en la escena rap de donde toma la C de Crema –su antiguo alias– ni la de los observadores y curiosos, mucho menos la que musitan los esnobistas críticos musicales que terminan por sobre intelectualizarlo todo, para autoproclamarse como un ídolo urbano, y que tiene a todos volteando hacia su cara. Sabemos que la construcción de un ídolo implica varios movimientos y no se logra de la noche a la mañana, pero por ahora Antón ha logrado el primero de sus objetivos: hacer que todos los reflectores apunten a su dirección. A la mierda lo que opine Kaydy Cain. Firmar un contrato como el que firmaste con Sony, después de venir completamente del underground, tal vez no sea precisamente lo que manden los cánones del ghetto, ¿por qué lo hiciste? Es algo que yo he peleado mucho, el llegar a una posición suficiente

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en la que pueda hacer un video como el de “Caballo Ganador” o pensar a largo plazo con los discos, contar con productores con los que nunca había contado, tener en general los medios suficientes para hacer lo que siempre he querido hacer. Me suena mucho al discurso gangsta, de empezar desde abajo y así llegar a lo más alto, sin embargo, ¿no pierdes un poco de libertad al hacerlo? Desde luego que sí hay un poco de esa misión de empezar de chiquitito y llegar hasta donde estamos ahora. Quizás es la parte más oscura de toda esa ambición, porque en todo el concepto no hay muchas partes luminosas, pero es así, es lo que transmite el disco. Sobre la libertad, al contrario, se gana porque llegan los recursos para hacer lo que siempre quisiste, nada está condicionado. Decía Alizzz en Twitter que los géneros ya dan flojera, que lo interesante era lo que sucedía en medio. Al ser productor de Ídolo, supongo que el comentario retrata el espíritu musical del mismo, ¿es correcto? Alizzz ha producido todo, pero nos han ayudado un montón de productores de acá de España y hemos intentado amalgamar todos los sonidos que a nosotros nos interesan de la escena urbana en general, tiene mucho de R&B, mucho de rap y tendrá algunos sonidos de club, de reggaeton y de música latina. Pensamos que esa libertad de fusionar ritmos es algo muy interesante que tiene el género urbano y esa es un poco la aspiración del disco. ¿Qué otros productores están y por qué los eligieron? Está El Guincho, con quien en general hemos trabajado la producción para terminar temas porque él tiene mucha experiencia en eso. Nos ayudó con “De Pie” y nos ayudó también con “Intoxicao”. Luego hemos trabajado también con Horror Vacui y Danni Ble, que también no gustan mucho. ¿En qué momento empezaste a decir aquello de que tu música era simplemente pop? Lo empecé a decir para que los medios en España nos tomasen de una forma distinta porque acá teníamos el problema de que ningún artista de urbano había cruzado ese umbral hacia el mainstream. Estábamos un poco metidos en un ghetto musical. Los artistas de urbano que éramos de aquí no estábamos reconocidos, no entrabamos en las radios, costaba mucho que la prensa nos tomara en serio. Lo que terminaba pasando era que ridiculizaban un poco la escena, no se si era sin querer, pero eso pasaba. Yo empecé a manejar este discurso para alejarme de eso y me sirvió para que las marcas, la radio, los festivales, el mismo Sony y todos ellos, tratasen mi música de otra forma y tratasen también la comunicación de otra forma cuando hablaban de mí. Por otro lado, pienso que la música urbana en general en todo el mundo es la nueva música popular, es como lo que escucha todo mundo. Podríamos decir que antes la música popular era el rock, el rock clásico era lo que molaba, todo mundo escuchaba a los The Rolling Stones, todo mundo escuchaba a Guns & Roses, era lo más popular antes; hoy la cosa ya no es así, la música popular de hoy es la música urbana sin duda. ¿Qué tiene de especial la música latina que llama la atención de un artista que viene del rap? Lo latino está de moda en el mundo, parece que es algo que tiene que ver con los códigos estéticos, para mí todo se deriva de ahí. Palabras que se cuelan en el inglés, personajes públicos hispánicos que se hacen famosos y un conjunto de cosas que han ido sumando para que los latinos se pongan de moda. En España pasa porque también hay mucha inmigración y la mayoría de música de baile que tenemos es música latina. Son ritmos que nos han traído los dominicanos, los puertorriqueños, los mismos colombianos y ecuatorianos porque no hay un producto español de baile, no hay mucha música de baile en

España, entonces esto para mí es una influencia básica que he venido escuchando desde la adolescencia y es la música que yo escucho cuando quiero bailar. Si quería hacer música de baile tenía que acercarme por ahí porque es la música que yo conozco. Luego en todo el mundo está habiendo mucha influencia de los ritmos africanos, que se parecen mucho al dembow, también algo del sonido jamaiquino, el dancehall y el reggae, el afrobeat, en general los sonidos negros, todo eso está influenciando mucho y bueno, pues también el reggaeton que hoy día es el sonido del mundo. En una entrevista decías que no eras feminista ni machista, sino que eras más bien transexual. ¿Hay una relación muy estrecha entre la libertad sexual y la música urbana? Sí, porque el sexo es uno de los tabúes más importantes del mundo. También pasa que en ciertos sectores se piensa que el perfil del artista de música urbana tiene que tener una masculinidad un poco rancia y antigua. Cuando hice esas declaraciones simplemente quería vacilar un poco a la presentadora. Ella insistía en que yo me definiera como un machista, buscaba la forma en que yo me asumiera como un machista; además por motivos que yo no entendía. Me parecía que la machista era ella, diciéndome que porque mi tema dice que “alguien se ha llevado mi dinero” tiene que ser mujer, porque es el hombre el que gana más dinero y tal. Además tenía en mente el proyecto que hicimos con un colectivo artístico que se llama El Palomar, con ellos hicimos el video de “Pop Ur Pussy”, como que yo tenía eso en mente y utilicé la entrevista para meterme en esa polémica porque pocos días después sacamos el video. Me llama la atención porque en México se celebran muchas fiestas de lo que tu llamas música urbana y la sensación es de mucha libertad y diversidad sexual, ¿de algún modo la música forma parte de esa liberación? Me parece algo muy interesante, por ejemplo, con el tema del machismo; hay mujeres que expresan su sexualidad a través de la música urbana, pienso en gente como Ms Nina que utiliza el reggaeton, que se supone que es un género machista,


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“Podríamos decir que antes la música popular era el rock, todo mundo escuchaba a los Rolling Stones, a Guns & Roses, era lo más popular antes; hoy la cosa ya no es así, la música popular de hoy es la música urbana sin duda”.

pero ella le da la vuelta de una manera genial. Aparte de que yo mismo soy una persona muy sensual y vivo mucho sexo y hablo mucho de sexo en mis temas. Para el status quo el tema sigue siendo algo extraño, pareciera que se ha avanzado pero hoy mismo no puedes decir la palabra follar en un tema y pretender sonar en la radio, ahí hay algo todavía que no se destapa. Hace poco recomendabas artistas urbanos españoles, pero se que en México también tienes algunos favoritos, ¿cuáles de ellos conectan con tu proyecto? No podría decir que estoy totalmente puesto de la música que se hace allá, pero claro que conozco por ejemplo a Homegrown Mafia, que son amigos míos, llevo siguiéndolos de hace tiempo. Me gusta mucho también Jesse Baez, que es de Guatemala pero que también está mucho en México y trabaja mucho con otra gente de allá. Ahora que he viajado mucho, veo que hay como una escena emergente, pasan cosas distintas y muy interesantes como el colectivo N.A.A.F.I, LAO y Mexican Jihad... me gusta mucho de lo que pasa por allá. Ídolo ha generado bastante controversia, ¿te ha llovido mucho por parte de tus colegas? Sí, todos me tiran, colegas y la prensa. Hay muchos medios que han puesto malas críticas del disco, una de las cosas principales que decían era justo que antes era una promesa del underground y que ahora me había vendido y que ya no era guay. Por parte de los colegas, al ser un disco que habla mucho del ego, como que he visto un rechazo en general de la escena hacia mi figura, también porque en España es típico que cuando algo sale bien o alguien destaca todos intentan echarlo para abajo. En Estados Unidos cuando un artista tiene éxito normalmente es una vía para que otras personas se vayan detrás, es como un revulsivo para las escenas, es una fuente de motivación, de ingresos, provoca que otras escenas se acerquen. Es como una inversión para toda la escena, pero acá no lo ven como una oportunidad, lo ven como que yo no debería estar tan arriba o no debería llegar a tanta gente o algo así. Ya lo valorarán a futuro cuando otra gente empiece a tener oportunidades. ¿Qué le dirías a todos los que te critican? Nada, que yo le deseo éxito a todo el mundo y que creemos que lo que estoy haciendo sirve para que lo que venga detrás pueda ser más grande. Estoy tomando esto de forma profesional desde hace dos años y el nivel de inversión de las marcas que teníamos de sponsors se ha quintuplicado comparado con el año pasado gracias al crecimiento que hemos tenido, con la exposición en medios, ahora están realmente apostando por los artistas, pagándoles los videos, viajes, proyectos completos, shows, etcétera. Estamos haciendo crecer la escena, esto es bueno para todo el mundo, lo que pasa es que bueno, ahora mismo yo soy el que más ha destacado y eso es cierto, a nivel de números no hay nadie que haya sobresalido tanto, pero bueno, el año que viene será otro, lo importante es que la escena siga creciendo para que los siguientes años tengamos trabajo todos y que más chavales se acerquen a esto de manera profesional y piensen que realmente se pueden ganar la vida y no que todo quede en sólo seguir subiendo videos a Youtube y que los artistas duren dos o tres años porque en seguida nos ponemos a currar en otras cosas para poder mantenerse. Recién escuché un tema en el que Kaydy Cain te tira diciendo que aprendiste todo de él. En realidad toda la canción habla de ti, ¿le vas a contestar algo? Es un ataque que ha hecho porque se ha sentido como que yo quería quedarme con todos los créditos o como que yo estaba diciendo que estaba por encima de él, cuando hace unos años que salió Pxxr Gvng y en verdad era el grupo más importante de España. Se ha enfadado pero creo que es peor para él porque da la impresión de que se ha picado con mi éxito y al que deja en mal lugar es a él mismo. Ahora mismo, a nivel de exposición, sería realmente un regalo si le respondo, entonces no sé, que se calme. Que él también lo hace bien, que no pasa ná. Ya está, lo tiene que asumir… la vida es así, él ha tenido sus oportunidades y seguro que las seguirá teniendo pero en este momento yo brillo más.

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De Culto Música

Existen las revoluciones de terciopelo… suaves como el peligro. Hay quienes se empeñan con beligerancia en transformarlo todo (en mandar a la verga lo establecido) y existen los que a través de una búsqueda sutil y callada pueden ampliar nuestra percepción del universo y de sus cosas. Y no, no se trata de regresar a Einstein. En este caso fue un músico mexicano nacido en Ahualulco, un pueblito de San Luis Potosí, quién guiado por un instinto innato buscó ir más allá en las lecciones formales recibidas en el Conservatorio Nacional. Julián Carrillo, nacido en 1875, comenzó a tocar junto a su padre, pero habiendo detectado su talento, lo mandaron a estudiar y trabajar desde muy joven a la capital del estado (tocaba y laboraba en una iglesia). Habiendo demostrado un talento precoz y compuesto incluso una misa –sin estudios superiores–, consigue una carta del gobierno para que lo aceptaran en el Conservatorio. Su principal instrumento era el violín y a partir de él trabajaba. A las primeras de cambio acudió a una clase de acústica para buscar las respuestas que las lecciones de ejecución no le aportaban. Quería explorar todas las posibilidades más allá de los límites de su instrumento y a la vez subdividir la escala tonal clásica. ¡Y apenas tenía 20 años! La extraordinaria memoria del músico le permitía recordar el día exacto en asistió a la clase del maestro Carrillo. En aquella sesión del 13 de julio de 1895 se explicaba la Ley de Divisiones de Cuerdas. Carrillo se mostró tan sorprendido que soltó un “¿Y es verdad todo esto?”. Años después pensó que fue una insolencia y pudo terminar expulsado de la materia, pero el profesor fue muy afable y le dijo que era una verdad comprobada por siglos. Entonces se iba dividiendo una misma cuerda en dos partes, luego en tres y así sucesivamente, pero en un momento se llegaba a un límite. Esa misma noche, Julián llegó a su casa y repitió el proceso hasta 8 veces. Al cabo de unos días eso no le bastó y tomó una navaja para cortar –literalmente– la cuerda de su violín. Así fue como amplió el espectro y apareció la música microtonal. Fue más allá de las leyes de producción de los intervalos fundamentales. Hasta ese momento se tenían 12 sonidos para el ciclo clásico. En una entrevista con Rafael Heliodoro Valle para la Revista de la UNAM, el propio maestro explicaba el origen de su descubrimiento más célebre: “Llegamos, sin esfuerzo, a saber cuál fue y cuál es el Sonido 13. Como la nota básica para mi experimento del año 1895 fue la nota “sol” de la cuarta cuerda del violín y el primer sonido nuevo que resultó fue el de 1/16 de tono sobre esa nota, corresponde, pues, históricamente, el nombre de Sonido 13, al que está a la distancia de un dieciseisavo de tono ascendentemente sobre la nota “sol” de la cuarta cuerda del violín”. A la hora de hacer un seguimiento histórico de lo que representaba su revolución musical, se remontaba hasta la China de hace 47 siglos y los hallazgos del filósofo Lung Lin –quien amplió los pocos sonidos que se tenían y que con el tiempo fue conocida como la gama de armónicos–, para luego saltar a la Grecia y su edad de oro y apreciar el inmenso valor de un músico llamado Terpandro, al que se atribuyen los sonidos 6 y 7 y con ellos, los semitonos y la escala diatónica. Luego, durante la Roma de los Césares se conformó la escala como la conocemos –ellos aportaron del 8 al 12–. Carrillo estuvo muy seguro y orgulloso de sus hallazgos y siempre promovió que se trataba de una aportación de México a la historia universal de la música. Muy pronto se convenció de que los 28 millones de piano que se decía que había en el mundo iban a tener que adaptarse para la renovación que él abanderaba. Aunque en un primer momento sus compañeros en el Conservatorio, como era de esperarse, se burlaban de él cuando les contaba de sus hallazgos y le pusieron el mote burlón de “El alumno soniditos”. Pero ante todo destacaba su capacidad como ejecutante del violín y ello contribuyó a que su vida diera un giro muy importante. Dio un concierto en 1899 durante una entrega de premios a la excelencia académica y Porfirio Díaz quedó impactado por su virtuosismo. Entonces le otorga una beca para que fuera a estudiar al Conservatorio de Leipzig en Alemania. Ahí compone y dirige su primera sinfonía y se hace primer violín de un par de orquestas importantes. Luego se marcha al Conservatorio de Gante en Bélgica, donde gana un concurso internacional de su instrumento. Regresa a México en 1905 y el mismo Díaz le reconoce el magnífico desempeño en Europa; lo instalan como profesor de tiempo completo y para 1913 se convierte en el Director del Conservatorio, renovando completamente los planes de estudio y formando orquestas y cuartetos. La turbulencia de la Revolución mexicana en sus postrimerías (cae el gobierno de Victoriano Huerta en 1914) le hace marchar a Nueva York, donde funda la Orquesta Sinfónica América; y ciudad en la que publica La teoría del Sonido 13, como parte del segundo tomo de Pláticas musicales, además de Pre-Sonido 13: Rectificación básica al sistema musical clásico. Vuelve al país en 1918 y es nombrado director de la Orquesta Sinfónica Nacional (1918-1924) y del Conservatorio Nacional (1920-1921). Será 1925 un año crucial para su legado debido a la gira en la que mostraba la totalidad de las obras microtonales compuestas hasta el momento. Recorrió no sólo la República sino que pasó por Cuba y Nueva York, y durante el recorrido se dio tiempo de escribir Las leyes de las metamorfosis musicales, una guía para transformar a cualquier fracción de tono cualquier obra. En 1934 vendría otro texto esencial: La Revolución musical del Sonido 13. Pero los cambios en las posturas teóricas (muy conservadoras) y los movimientos políticos le niegan el apoyo oficial y tiene que invertir sus propios recursos para difundir su cruzada. Julián Carrillo fue un artista que dio una importancia fundamental a la manera en la que la física y las matemáticas influyen en la música, así como la biología y la psicología. Concibió una renovación total del arte musical e incluso compuso la partitura de la tristemente célebre película Intolerancia, dirigida por David Griffith en 1916. Pasó muchos años construyendo lo que llamaba pianos metamorfoseados e incluso los llevó hasta la Exposición Mundial de Bruselas en 1958 y obtiene medalla de oro. Se trata de un genio musical que es reconocido mundialmente; él mismo contaba que la crítica especializada lo colocaba por encima de luminarias como Wagner y Debussy (como consta en registros periodísticos). Este renovador murió en 1965, envuelto en múltiples polémicas y disputas tanto con músicos como con científicos al respecto de las enormes aportaciones que realizó y a partir de las cuales la música se encaminó hacia una nueva dimensión. ¡Al diablo con los cánones y convencionalismos! Un universo inmenso suena también en lo minúsculo.

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EL SONIDO 13 Y LA REVOLUCIÓN TOTAL DE LA MÚSICA TXT:: Juan Carlos Hidalgo

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De Culto Cine

El llamado “cine de explotación” –producciones de serie B que pretenden atraer a un público amplio a partir del empleo descarado del morbo– es un fenómeno fílmico que encuentra en la desfachatez, el cinismo y la ironía más osada, a sus principales mecanismos codificadores. Misma situación que ha dado como resultado una tradición sumamente prolífica que hace de la sátira todo un festín polisémico. A pesar de que este delirante monstruo conceptual surgió de los entramados de la Norteamérica más nihilista, no cabe duda que el fenómeno de traducción que sufrió al momento de ser adaptado a los pormenores de la cultura mexicana dio como resultado un auténtico molcajete sensorial que, hasta la fecha, continúa sorprendiendo por su palpable ánimo provocador. La lista de directores quienes hicieron del mexploitation todo un fenómeno cultural es amplia y prolífica; sin embargo, de entre esta serie de nombres, destaca la presencia de un vampiro iconográfico quien, a fuerza de nigromantes actos creativos, se apoderó por completo de la estética de carácter subyugador para insertarla en el seno de una sociedad plagada de mitos y entes sobrenaturales. Juan López Moctezuma es, por derecho propio, el padrino más representativo del cine de horror mexicano, mismo logro del que da fe una notable filmografía donde la exageración gótica y el estilo cutre/kitsch entablan fuerzas con el fin de introducir al espectador en una descarada reflexión de sí mismo y de su sociedad. Las primeras andanzas de este maligno ente iniciaron en formatos como el teatro y la radio; siendo esta última plataforma el medio que le permitiría hablar largo y tendido acerca de los dos temas que más le apasionaban en este mundo: el jazz y el horror. Fue después de entablar contacto con algunas de las mentes latinoamericanas más lisérgicas del mundillo psicodélico sesentero (Alejandro Jodorowsky, Salvador Elizondo, Paul Leduc, Eduardo Lizalde, Manuel Moro, José de la Colina), que la perspectiva sensible de Juan comenzó a orillarse hacia esas obscuras regiones que sólo el dispositivo fílmico es capaz de volver visibles. Siendo su participación como productor en proyectos como Fando y Lis y El Topo algunas de las muestras más precoces de dicha inquietud. Por supuesto, estas incursiones pronto le quedarían chicas al creciente apetito fílmico de un López Moctezuma quien, obsesionado por las temáticas de carácter obscuro, finalmente emprendería esa inolvidable aventura que es La Mansión de la Locura (1972); cinta que se apodera de los rasgos más transgresores de la literatura clásica de Edgar Allan Poe para tropicalizarlos en un lienzo cinematográfico, el cual tiene cabida para distintas perspectivas etnográficas. El resultado es una cinta cuya estética se desencadena de los rigores de la segunda dimensión para estirar sus dientes hacia el cuello de una audiencia, que extasiada por el espectáculo abyecto que acontece en pantalla, se deja morder en busca de nuevas experiencias que rompan con el servilismo de las sensaciones “socialmente legítimas”. Este temprano despliegue de insania habría de anunciar a los cuatro vientos el ánimo de pastiche cultural que sería la principal carta de presentación del cine de Juan López Moctezuma. Temáticas canónicamente anglosajonas se entremezclan de manera descarada con elementos de vanguardia latinoamericana, con el fin de dislocar los procesos culturales de una normalidad occidental que es puesta en el banquillo de los acusados para ser torturada por las manos inquisidoras de la insurrección audiovisual. Este ánimo de apropiación cultural daría como resultado una prolífica camada de trabajos entre los que nos encontramos con títulos hoy clásicos como Mary, Mary, Bloody Mary (1974), Matar a un Extraño (1983) y El Alimento del Miedo (1994). Todas ellas cintas cuyo pulso conceptual se debate entre lo horripilantemente transgresor y lo abiertamente incorrecto. Como todo gran realizador de culto, Juan López Moctezuma cuenta con una cinta en particular que puede definirse como su momento cumbre por excelencia; misma producción que ha sido aclamada de forma más que unánime dentro de los circuitos subterráneos de todo el mundo gracias a esa espléndida audacia con la que enarbola una auténtica oda al estilismo de carácter obscuro. Alucarda, Hija de las Sombras (1978) es uno de los patrimonios culturales más tremendos del cine mexicano; situación que se debe, tanto a los caracteres formales de su rebuscado estilismo, como a la perspectiva sumamente satírica que dichos rasgos ofrecen del imaginario católico que es tan vital dentro del sistema hegemónico mexicano. Inspirada tanto por la Carmilla de Joseph Sheridan Le Fanu como por la iconografía más decadente del Marqués de Sade, esta cinta funge –junto con El Vampiro (Fernando Méndez, 1962) y Veneno para las Hadas (Carlos Enrique Taboada, 1984)– como la cumbre absoluta del cine gótico autóctono. Su historia nos posiciona en un convento de contexto medieval al que una joven huérfana de nombre Justine (referente descarado de una inocencia que pronto se verá mancillada) arriba con el fin de ofrecer su vida a Dios y a los buenos principios heteropatriarcales que rigen a su sociedad. Por supuesto, a la chica le será imposible prever el sistemático régimen de satanismo y vampirización al que pronto será expuesta después de que entable amistad de forma casi inmediata con la misteriosa e hipnótica Alucarda –personaje interpretado por una impresionante Tina Romero, quien es portadora de una de las miradas más electrizantes que el Séptimo Arte haya visto en su historia–. Valiéndose de un amasijo de temáticas de carácter fantástico, Moctezuma erige una contestataria historia de tintes lésbicos que hiere sin miramientos a esas instituciones que durante décadas se han encargado a sumergir a la sociedad mexa en el prejuicio persecutorio más anquilosado. Las cintas de Moctezuma siempre se habían caracterizado por ser un concepto no apto para mentes de estrecha envergadura. En el mejor de los casos, su trabajo siempre fue percibido como una excentricidad que la crítica se contentaba con ignorar de forma olímpica. Sin embargo, en esta ocasión, fue imposible para las buenas conciencias invisibilizar esta fábula de horror la cual trastocaba la quietud de la ética nacional. Esto no a través de las solemnidades propias del cine de denuncia, sino mediante una metáfora plástica llena de barbarismos desgarbados y cinismos recalcitrantes. Elementos abiertamente efectistas como el vestuario de las monjas del convento –una extraña masa de tela blanca que hace pensar en vendajes quirúrgicos manchados con líquido sanguinolento– se destacan como una sarcástica reflexión acerca de esos dolores que, como buena sociedad sadomasoquista, gustamos de abrazar en un afán por mantener viva nuestra identidad de pueblo colonizado. 1995 fue el año que se encargó de difuminar para siempre a la figura de Moctezuma, sumiéndola en una neblina de misterio que la transformaría en un fantasma arraigado en la memoria colectiva de nuestra nación. Es esta misma permanencia cultural la que rescata continuamente a su ideología de la tumba con el fin de recordarnos que la complacencia y el servilismo aún encuentran a algunos de sus enemigos más insólitos dentro de los rigores de la imagen fílmica.

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VAMPIROS MENTALES TXT:: Toño QUintanar

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De Culto Arte

EN PRO DE LAS MALAS COSTUMBRES TXT:: Rubén Gil

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Ayer vi en Facebook un video de algún noticiero, en donde el conductor o periodista o presentador o animador o lo que sea, informaba que como consecuencia del terrible sismo recién ocurrido en septiembre de este año, las Cascadas de agua azul estaban secas, esto debido a que el rio había cambiado su cauce. El señor éste contaba cómo las autoridades y su muy capacitado y eficiente equipo de especialistas tardarían unos veinte días en los estudios bien pertinentes y necesarios para determinar la correcta solución del problema, es decir, para ver qué se podía hacer, veinte días para saber de a cómo iba a salir y a qué compadre le iban a hablar para devastar el presupuesto; como colegiala ochentera que no sabe si darle el sí al galán barrial que la corteja con rosas rojas y palabras de amor bien bonitas. A veces son simpáticos estos señores. Pero esa no era en sí la noticia, lo importante era que nuevamente la movilización de la gente exhibió patéticas e incompetentes a las dirigencias institucionales del gobierno; pues, con palas y picos en mano, esperanza en el espíritu y con hartazgo en la memoria, trabajaron arduamente durante un día y lograron regresar a su cause original el rio, hidratando así, de nuevo, la caída de dichas aguas color turquesa, la gente formó lo que Hakim Bey llamaría una zona temporalmente autónoma, es decir, exhalaban tras cada palada aliento anarquista; yo veo poesía en ello, al carajo la institución. Tras ver este video, pienso en tres cosas. La fe mueve montañas de Francis Alÿs es una pieza de arte registrada en video en donde un grupo de gente también con palas, logra mover algo así como un metro una duna desértica, interesante e innecesario, como creo debe ser el acto artístico, lo cual es el primer escalón para llegar a donde quiero con este texto; luego, en palabras de Michael Foucault y que parafraseado dice algo así como que el poder no se posee ni es, sólo se ejerce; y por último, en la acción provocadora de derrumbamientos, como aquel video The ways thing go de Peter Fischli & David Weiss, el cual muestra una serie de sucesos encadenados impulsados por una fuerza primigenia, provocadora de consumición creadora. Ahora, en otro orden de ideas, en un texto sobre pintura contenido en el libro El destino de las imágenes (2009), Jacques Ranciére dice lo que para muchos es una mera verdad que nada tiene de nueva, pero para otros no ha logrado cincelar la lítica crisálida protectora de su materia gris (deseando que el generalísimo comentario acote sólo a los interesados por el arte en nuestros días). Ranciére nos habla del médium, concepto que abordado desde la pintura no es el material ni el soporte, sino en realidad la intención, y creo yo no sólo de la pintura, sino de cualquier construcción que implique las intenciones del arte y el porqué es que uno hace lo que hace. Así entonces, creo que el médium de muchas formas artísticas es la generación de ruido y no sólo en el sentido sonoro, sino en el visual, en el táctil, el vivencial o lo que se les ocurra, pienso en la generación de ruido como un albergue para la esperanza de reventar algún paradigma. Ruido inútil y poderosamente demoledor digamos, como amasijo de las anteriores ideas, como las máquinas dibujantes y autodestructivas de Jean Tinguely o los actos del Grupo Gutai, destrozando bastidores con movimientos de judo, rompiendo jarrones o revolcándose sobre materia plástica para crear pinturas con los pies. En uno de los bellos libros de la Editorial Alias, aquellos en donde se narra una historia del performance desde los años 60, nos habla de aquel que sucedió en 1961 (Homage to David Tudor) en donde mientras el pianista homenajeado toca piezas de John Cage, los artistas Robert Rauschemberg, Jasper Johns, Jean Tinguely y Niki de Saint Phalle realizan piezas con cronometro en mano, muy en la estructura del músico estadounidense e insigne participante del grupo Fluxus. Fue ahí que Rauschemberg realizó su primer pintura en escenario, la cual era pintada mostrando sólo la parte posterior a los espectadores para después ser cubierta y guardada. Una obra divertida y enigmática. Jasper Johns mostró una efímera pintura en la clásica forma de diana hecha con flores, Tinguely una máquina dibujistica emplumada y autodestructiva y Saint Palle sobre una pintura disparando “¡BANG! ¡BANG!”, como la canción de Nancy Sinatra. Les tirs fueron desde inicios de los 60 una parte inquietante de la obra de Niki, pero no surgieron por generación espontánea, en realidad primero fueron los dardos clavados en una diana sobre un bastidor que ilustraba la representación de una cabeza acribillada, que hacia referencia a un amante de Saint Phalle, de quien también pegó una camisa, una representación del espíritu furioso y deseoso de violencia. La artista francesa inició su producción tras conocer el trabajo de Jackson Pollock; proveniente de una familia acomodada y con las aspiraciones de la gente bien, fue entrenada para casarse joven con un buen partido y procrear criaturas que continuaran con la estirpe. Esta bella mujer también fue modelo y apareció en las portadas de algunas prestigiadas revistas de moda. Toda una “dama”, como le gusta a los de alta alcurnia, pero ella no lo aceptó y se convirtió en una artista experimentadora de formas diversas, aguerrida feminista; extirpó en su trabajo la sutileza de su vida anterior, por medio de escopetazos sobre ensamblajes y contenedores de pintura explotados por los proyectiles detonados par sus armas-pincel, deformes esculturas esmaltadas y multicolor, kitschs y visualmente agresivas. Sus Nanas, enormes y deformes cuerpos femeninos, han sido muchas veces catalogados como naif, disminuyendo con esto, su carácter político. Una de estas piezas me parece maravillosa, Hon-en katedral (Ella es una catedral) de 1966, es una enorme mujer embarazada, tenía 29 metros de largo y se podía acceder a ella a través de la vagina, dentro había diversos recovecos en los que sucedían diversas situaciones para pasear o participar en actividades, esta pieza fue clausurada tres meses después, lo que la hace perfecta, pues se reafirmó como no grata para la sociedad que ama lo regular y bien cuadrado, con obras de arte en pedestales de mármol pulido, el arte anacrónico imitador de las grandezas del pasado. Saint Phalles es una oveja descarriada y eso le va muy bien, es bella y mal portada, está formada en la larga fila de los que han construido como tradición artística patear los traseros de las señoras cotorronas y señores estirados, una más a favor de mandar ALV las buenas costumbres de la regularidad.

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De Fondo

jeroglíficos

digitales

NUESTROS MENSAJES HÍBRIDOS TXT:: Lenin Calderón

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55 En 1862, un tipógrafo que transcribía los discursos de Abraham Lincoln, pensó que jugar con los caracteres sería una buena forma de enfatizar el mensaje. Para describir la reacción del público

EL CHISTE DE LINCOLN

Igual que muchos de los cambios que transforman nuestras vidas, esta revolución lingüística fue propiciada en gran medida por los teléfonos móviles. Aunque aún hay un debate en torno a qué tanto han acercado a la gente y qué tanto nos han hecho cambiar las conversaciones cara a cara, por chats a distancia. Ni en los tiempos dorados del Palacio Postal, hubo tanta gente comunicándose de forma escrita. Mensajes lo mismo a la novia, que al jefe, al administrador del edificio que habitamos o a los amigos, escribimos textos día y noche y todo se vale con tal de ser breve, preciso. Es en la precisión del mensaje, donde estas herramientas de comunicación son más útiles pues ayudan a matizarlo, igual que las señas y los gestos sirven para completar el significado de nuestras palabras al hablar. Un simple ntp o un ; ) pueden sosegar fricciones en los negocios, lo mismo que un hdspm, un b7s o un alv, son ideales para usarse con los amix.

LAS LETRAS Y SUS GESTOS

QUIZÁ EL HECHO que legitima este cambio de paradigma es que en 2015, el Diccionario Oxford de la Lengua Inglesa nombró como palabra del año al emoji que llora de risa. Honor a quien honor merece. Aprovechando desde el emoticón más simple hecho con paréntesis y puntos, hasta los gifs más sintéticos extraídos de películas de culto y videos virales, nuestra comunicación en computadoras y celulares incorpora cada vez más recursos pictóricos. No importa si es un corazón hecho con números y caracteres, un gatito tocando el piano o la cara de Chabelo con alguna frase ingeniosa, la meta es hacerse entender más allá de la ortografía y la gramática. Nuestro lenguaje escrito se reafirma todos los días como un híbrido semántico, conformado lo mismo por caracteres, ideogramas, imágenes animadas, loops de nuestra memoria cinematográfica colectiva y memes dignos de la campaña publicitaria más siniestra.

Para finales del milenio y gracias al desarrollo de las comunicaciones móviles, los rostros de los emoticones se iluminaron. Dejaron de ser la abstracción de un rostro y se convirtieron en una gran colección de íconos que reflejan estados de ánimo. Los celulares comenzaron a incluir dos teclados: uno, con unos 50 caracteres y, otro, con cientos de rostros, lo mismo smileys que perros, gatos o alienígenas. Los mensajes escritos se plagaron de referencias visuales, muchos rostros pero también una infinidad de objetos y símbolos que nos ahorran letras todos los días, al tiempo que sazonan nuestras palabras. Nacidos a mediados de los 90 en Japón, donde la entonación con la que se habla es fundamental, los emojis se diseñaron para incluir sentimiento en los mensajes. “La brevedad puede originar confusión, creímos que los emojis podían ayudar a evitarlo”, recuerda Shigetaka Kurita, quien los desarrolló mientras trabajaba para NTT, inspirado por algo en particular: “el Manga fue muy útil, siempre hallan la forma de comunicar emociones, aunque sean muy sutiles”. Para 2011, Apple los incluyó en sus teléfonos y desde

EMOTICONES CON KURITA

ante las palabras de Tata Abe –quien remataba con un chistorete–, el tipógrafo escribió como acotación al texto: (aplausos y risas ;). El guiño tipográfico bien pudo haber sido un error, pero el contexto justifica la teoría de que fue intencional. Situar el origen de los emoticones parece una labor ociosa y sin mucho sentido pues con tantas máquinas y herramientas tipográficas, sería imposible saber si alguien más le vio cara de pato a dos puntos seguidos por una V. Sin embargo, el dato de un hecho tan insulso como este, existe. El primer emoticón usado de forma intencional, se le atribuye a Scott Fahlman; un científico en computación al que se le ocurrió, en 1982, usar :) para marcar las entradas que debían ser consideradas como bromas en un boletín de mensajes electrónicos, y :-( para etiquetar los mensajes serios. Otra vez, un recurso tipo-pictográfico, matizando textos. Ni el mismo Fahlman se imaginó entonces la repercusión que tendría si idea, ni la interminable descendencia de caritas que originó.

Por si los miles de inicialismos, emoticones y emojis no fueran suficiente para abreviar y matizar nuestros mensajes, hay además una cantidad inaudita de sentimientos y emociones capturados en loops. Los gifs nos cautivaron desde finales de los 90, ya fuera con el logo de Netscape o con la chica liliputiense que hacía aeróbics en un rincón de la pantalla. Desde entonces hemos usado lo mismo a John Travolta para expresar confusión, que una carcajada cínica de EPN, que dice más que todos los LOL habidos y por haber en Atracomulco. Nuestro lenguaje combina hoy tantos signos, símbolos e imágenes en movimiento, que muchos hablan ya de una nueva lengua universal, sin fronteras. Aunque, en efecto, las conversaciones que combinan imágenes y palabras empiezan a desarrollar una gramática propia, aún existe mucha gente sin acceso a celulares, una conexión a Internet o que ni siquiera ha visto Perros de reserva. Si bien damos pasos cada vez más firmes hacia un lenguaje híbrido futuro, pocas veces reparamos en que también volvemos un poco hacia el pasado. La letra A, por ejemplo, es la evolución de un pictograma que en el antiguo Egipto se usaba para representar la cabeza de un buey sagrado, Alp. Siglos después, llegó a la península del Sinaí donde le quitaron rasgos para simplificarla. Los fenicios la abstrajeron aún más y comenzaron a pronunciar sólo la primera letra. De ahí, ya como una letra con sonido asignado, pasó a los griegos, quienes dirigieron hacia abajo los cuernos del buey representado en este caracter; y, luego, a los romanos, cuyo alfabeto heredaron lenguas romance como el castellano. La milenaria evolución pictórica de las letras parece revertirse, pues el humano requiere otra vez de las imágenes. No nos extrañe que, dentro de algunas décadas, regresemos de lleno a los jeroglíficos y comencemos a usar, para referirnos a la “inmortalidad”, la cara de Chabelo, quien probablemente siga vivo para entonces.

LOOPS HACIA EL PASADO

entonces, lo único que han hecho es reproducirse. No por nada, igual que los Gremlins, ya hasta los cines invadieron.

:(:

Para confirmar nuestra asistencia a su Halloween, una amiga nos envió una foto que le ahorró palabras y, de paso, nos hizo reír. Un jpg sin texto, de un joven trompudo, en camiseta, célebre por cantinflear frente a una webcam –durante más de un minuto– sólo para decir: “¿vas ir?”. Ella creó un RSVP certero, elocuente y, sobre todo, representativo de una era en la que mezclar imágenes y lenguaje escrito, es el pan de todwos los días. Una revolución lingüística que puede proyectarnos hacia una nueva forma de comunicación o regresarnos a los jeroglíficos.


En 1994, Bill Drummond y Jimmy Cauty eran dos súper estrellas de la música británica; dos tipos muy inteligentes que se habían aprovechado de La sociedad del espectáculo para recabar millones con sus discos y conciertos, y que fueron precursores del sampleo como herramienta esencial del arte contemporáneo. Se atrevieron a incluir uno muy obvio de ABBA y hubo demanda; los suecos no quisieron recibirlos y el dueto británico quemó los pocos discos sobrevivientes. Son los mismos guarros que se atrevieron a ametrallar (con balas de goma) a los asistentes de los Brit Awards, durante una actuación incendiaria en compañía del colectivo de punk violento Extreme Noise Terror. Juntos hicieron esa versión terrorista de “3 AM Eternal” –uno de sus temas insignia– y que luego se editara como sencillo incluyendo el sonido de las ráfagas. Para entonces ya habían concebido Chill Out (1990), donde desfilan vía sampler Elvis Presley, Fleetwood Mac y una guitarra pedal steel, entre un largo periplo. El dueto quería plasmar los sonidos que aparecieron durante un viaje nocturno por el sur de los Estados Unidos. No es un dato menor que en 1996, la revista Mixmag considera a ese álbum como una de las cinco grabaciones más importantes de la historia de la música dance. Al año siguiente revientan las listas y las ventas, con The White Room anuncian que abren las puertas al dance más puro que pueda existir y que rompían con la tradición rockera y su influencia. Con total conciencia, encaminan al trance y lanzan al menos una tercia de

clásicos: What Time is Love?, 3 A.M. Eternal y Last Train to Trancentral. Siempre se especuló acerca de las siglas del grupo, que parecen provenir de Kopyright Liberation Front (Frente por la liberación de los derechos de autor). Pero volvamos a 1994; más precisamente al 23 de agosto, cuando se fueron a la isla escocesa de Jura con un millón de libras en billetes de 50 libras. Consiguieron un cobertizo y armaron una gran quemazón que quedó registrada en la película Watch the K Foundation burn a million quid. Se trataba de un gesto que pasaba por un performance, por una acción situacionista. Habían vendido millones de discos y ahora podían “jugar” con las ganancias. Con las cenizas resultantes confeccionaron un ladrillo, que se convirtió en la “pieza” resultante de aquel desplante. Bill Drummond (Sudáfrica, 1953) y Jimmy Cauty (Reino Unido, 1956) ya habían llegado a la cumbre – tal como lo habían planificado–. Como The Timelords ya habían demostrado que reciclando “Rock and Roll (Part Two)” de Gary Glitter y cambiándole la letra por frases de la serie televisiva Doctor Who, más una partes de “Blockbuster” de Sweet, se podía hacer un hit británico sin problema alguno. El resultado se llamó “Doctorin’ the Tardis” y apareció en 1988. Para explicitar el proceso editaron el libro The Manual (How to have a number one the easy way) y en el que expresaban la fórmula: “cuanto mayor es la estupidez que se canta y más se insulta la inteligencia del público, mayor será el éxito alcanzado”. Conocidos también como The Justified Ancients of Mu Mu, deciden declarar una

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Arista

ALV EL FUTURO. EL INCENDIO TIENE QUE SER AHORA

EL ESTRUENDOSO REGRESO DE THE KLF

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moratoria en su carrera. Primero dijeron que volverían cuando el conflicto entre Israel y Palestina se resolviera (cosa que no ha ocurrido ni ocurrirá), pero luego se pronunciaron por hibernar 23 años seguidos (con alguna excepción menor). Prosiguieron a descatalogar sus discos y a pasar a un riguroso anonimato; luego entonces, el plazo se cumplió y anunciaron su vuelta. El nuevo centro de la vorágine no es un disco sino una novela que en Reino Unido apareció con la famosa editorial Faber & Faber y ahora podemos leer en español a través de Malpaso. Como era de esperarse de la mancuerna, 2023 es un complejo y delirante aparato narrativo que tiene gran influencia de la ciencia ficción distópica. Se trata de una historia en la que “los Estados han sucumbido al poder de cinco megacorporaciones: GoogleByte, WikiTube, AmaZaba, FaceLife y Apple Tree. Yoko Ono trabaja para Starbucks, Vladimir Putin cuida su jardín mientras añora conquistar el mundo y el Estado Islámico se ha reconvertido en una eficiente máquina de hacer dinero”. Este proyecto, firmado como The Justified Ancients of Mu Mu, guarda una evidente cercanía con 1984 de Orwell y Un mundo feliz de Huxley y tiene en su centro a Winnie, protagonista que se nos presenta vinculado estrechamente a su tiempo: “Antes de guardar su iPhone 23 comprueba cuántos ‘me gusta’ tiene su último post en FaceLife: 3.554. No tantos como el anterior, pero es que sólo hace 10 minutos que lo ha colgado. Winnie está en FaceLife desde que cumplió 12 años, en 2012. Antes estaba en MyFace.

Desde entonces ha colgado allí cada momento de su vida, cada pensamiento pasajero y fotos de casi todos los platos que ha comido. De hecho, ha fotografiado el amoroso corazón de espuma de todos y cada uno de los cafés latte que se ha tomado. Su vida entera está ahí para ser Vista, Compartida y Gustada. Ahora mismo tiene 7.356.725 amigos y 654.823.156 seguidores en Twitter”. Pero para cómo se maneja The KLF, la llegada de 2023 no podía ocurrir desprovista de espectacularidad y gran producción. Entre el 23 y el 25 de agosto organizaron en Liverpool un magno evento al que llamaron Welcome To The Dark Ages, conformado por ceremonias paganas, lecturas, experimentos y fiestas, dividas en 3 partes: “Why Did The K Foundation Burn A Million Quid?” (23); 2023: What The Fuuk Is Going On?” (24) y The Rites Of MuMufication” (25). No dieron acreditaciones de prensa y la audiencia estuvo conformada por alrededor de 400 personas que compraron boleto y que además estaban dispuestas a participar en todas las actividades programadas a manera de reto. Al final, la noche del 25 armaron un rave con sets de DJ Food y Greg Wilson al que pudieron asistir solamente los que superaron las pruebas anteriores. El dueto dijo que de tener lista de invitados sólo aceptarían a gente como Vladimir Putin y que además estuvieran prevenidos, pues la fiesta se prolongaría hasta que el último asistente aguantara. 23 años después The KLF han vuelto para dinamitar lo que conocemos como arte; ALV el futuro. El incendio tiene que ser ahora.


¿Qué periodo de tiempo cubren estos textos? Creo que son veinte años. Son veinte años de escritos, aunque muchos se fueron al boiler, es un libro de intensidades que tiene que ver con el viaje, con el viaje de la contracultura juvenil que ha habido en éste país, como los cholos, los punks, que son intensidades. Hay un poema en mi libro pensando en el “El Ganso” cuando llegaba al Chopo con su patineta: ese viejo punk patineto y es una reflexión, veinte años después, al ver a ese señor que antes era un punk y que ahora probablemente trabaje en una oficina o sea un radical de forma diferente. Esa lógica de la vida que existe en la Ciudad de México y del Norte para acá. Es seguir cantando esas experiencias de vida que tienen que ver con la contracultura. ¿Qué tanta autocrítica hay a la hora de seleccionar lo que vas a publicar?

¿Existe una diferencia entre las letras de tus canciones y los textos de éste libro?

Sí, porque las canciones y los textos del libro son diferentes desde su concepción. Construyo las canciones a partir de una sensación de vida, más que pensar en “cuatro cuartos”. Yo creo que una canción es diferente a un texto, porque el texto tiene que tener su propia música. Aunque parece que Armando Palomas quiere poner música a algunos de mis textos, al igual que una queridísima amiga mía… Uno sigue cantando de diferentes formas, uno sigue cantando con guitarra y sin guitarra. Con Telecaster o sin Telecaster, con piano o sin piano, con banda de rock o solo.

Los pájaros de la cervecería es un libro de poemas que tiene que ver con el viaje. Mi primer acercamiento con la poesía fue a través de los poetas del rock. Descubrí que King Crimson tenía un letrista, que era Pete Sinfield y así empecé a conocer a los poetas del rock, al margen de descubrir la poesía mexicana y los poetas malditos –Allen Ginsberg encuerado en la mesa de tu casa–; no niego todo eso y creo que Los pájaros de la cervecería es un libro que tiene que ver con el rock, tiene que ver con el viaje, tiene que ver con el movimiento. Yo me acerco a la poesía hace muchos años y la actitud rocanrolera que se ha ido desarrollando en todos estos años, que tiene que ver con una presencia en la vida. Saber que al margen de todo, la actitud rocanrolera es una actitud vital y esa actitud vital tiene que ver con la permanencia de la intensidad de la vida. En el caso de Los pájaros de la cervecería es un libro roquero y aunque no sea tal cual un disco, tiene mucho que ver con todo eso.

Rafael Catana editó recientemente una antología de poesía propia, titulada Los pájaros de la cervecería y también tiene un álbum, Terregal, sonando con insistencia. Nos encontramos con Rafael en los estudios de Radio Educación, donde se transmite su programa “Pueblo de Patinetas”.

TXT:: Walter Schmidt FOT:: Rafael catana Bandcamp

LOS PÁJAROS DE RAFAEL CATANA

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59 Y por otro lado, en la música tienes Terregal, un nuevo disco. Hemos estado tocándolo sobre todo en el centro de México; Puebla, Cuernavaca; ha estado sonando mucho aquí en Alicia. Vamos a Oaxaca, a Guadalajara, a Tijuana, el ciclo de éste disco todavía está a la mitad. Terregal ha jalado muy bien, el disco está en las plataformas digitales y ahí va…

Pero también está presente algo muy mexicano que es el arrabal. El sentir es la actitud rocanrolera que también es crítica ante un mundo que te rodea y esa actitud que tiene que ver con el arrabal. En mi caso que estoy muy alejado del bolero. Tiene que ver con lo rasposo, con las rodillas de las muchachas, con las rodillas de los muchachos que tu admiras, que ves, ese espíritu joven; te hablo de muchachos de quince a ciento quince años que tienen una actitud vital.

Sí soy muy autocrítico y en este caso me conseguí un editor que es Mario Raúl Guzmán. El editor es implacable, entonces tienes que ser implacable antes de llegar con el editor porque sabes que trabajar esto tiene que ver con el arte; es un compromiso artístico y no te puedes dar el lujo de decir; “Estoy aquí sentado mirando las palmeras”. Esta manera de ver y sentir la vida, en mi caso siempre tiene que ver con el rock, afortunada o desafortunadamente, una historia que apenas estamos descubriendo… ¿Quién te acompaña en esta gira? Está Daniel Martínez en el bajo, que aparte toca con La Charanga Digital y Los Corsarios del Blues; también está Miguel “Gallo” Esparza, que es una especie de ícono del rock mexicano que estuvo con Toncho Pilatos, los Dug Dugs, aquella vieja guardia, ha tenido sus bandas y ahora está conmigo. También está Luis Corro, que ahora anda entre Alex Syntek y varias bandas que tiene; Rocío Gómez Solís en las percusiones, quien ha tocado con la mitad de la humanidad chilanga. Gustavo Beltrán, un joven pianista y ahí estamos sonando. Acabamos de tocar en la Feria del Libro en el Zócalo. El público es muy complejo, a veces crees que un disco con un rock más contemporáneo, más clásico, no entra en los oídos, pero la recepción ha sido buenísima, debido a que estamos más permeados del pop, nos hace más accesibles. Tengo temas nuevos pero quiero hacer un disco en vivo con este material. Aparte trabajo en el material para el nuevo disco con Federico Schmucler, que es un guitarrista que estuvo conmigo en el disco anterior. Pero también quiero grabar en vivo con la Rooster Band (le pusimos así en honor al “Gallo”). Siempre hay grasa que se le puede escurrir al “Gallo”. Federico tiene un sentido más “indie”, más contemporáneo. Uno necesita reinventarse, es algo muy complejo, porque a veces el público te pide las viejas canciones y no lo haces y se van un poco tristes. Quiero grabar el disco en vivo, no solo en la zona de confort (del Multiforo Alicia), sino también en Puebla, Guadalajara. Ahora estamos preparando ese disco en vivo.


Cรณmic y narrativa dibujada

Megg, Mogg and Owl ALGO MรS QUE UN ALV TXT:: Oscar G. Hernรกndez

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LAS GANAS DE CAGAR Y NO PODER. Reprimir este acto es probablemente lo más políticamente correcto que pueda existir en una sociedad, esa contención es, sin duda, lo que marca el nivel de una civilización. No ver mierda por las calles es el punto magno de educación y propiedad. En los países llamados muy civilizados, incluso existen baños públicos gratuitos y perfectamente limpios que evitan que los parias y vagabundos dispersen sus heces por las calles. Si no hubiese baños públicos, los locatarios tienen la obligación de ofrecer el acceso al baño, e incluso de dar agua gratis para beber. La única mierda que se llega a ver por esas ciudades es la de algún pájaro mal educado y salvaje. Encontrarse con la caca de un perro es impensable, encontrarse con la de un humano es imposible. Hace una semana unos amigos que hicieron un viaje al más poblado país oriental, me mostraron una foto de las advertencias que pone el gobierno de la ciudad en el metro de Beijing, la cual muestra claramente la prohibición de cagar en los vagones del metro. Esta advertencia es algo más que un cultural shock. Los pensamientos y reflexiones a las que llevaba ese cartel eran espantosos, imagínense entrar a la hora pico y encontrarse con una enorme plasta de heces que se embarra en los pies, pues si el olor de viajar atrapado entre sudores ya se hace difícil, ahora agregar el olor a mierda resulta insoportable o lo que algunos llamarían, inhumano. Pensar un viaje en metro a un restaurante donde uno piensa comer un exquisito platillo y de repente encontrarse con alguien cagando en el vagón o en los pasillos, arruinará por completo nuestras ansias de suculentos platillos. En nuestro país de alguna forma aguantamos la mierda es algo que sí se ve mal, pero que esta ahí, no es difícil encontrarse con una mierda en lugares públicos, ya sea de perros o de humanos, incluso en las zonas más cool y de moda es posible embarrarse el zapato si nos confiamos demasiado y no prestamos suficiente atención. En las zonas populares ni se diga, la basura y la mierda son parte de la vida. Alguna vez me encontré en un pasillo del metro de la Ciudad de México una enorme plasta de mierda, que igual me causó un shock y me hizo pensar en los grandes niveles de decadencia que puede alcanzar esta megalópolis; e imaginar cómo era posible que alguien tuviera la capacidad de sentarse en plena estación del metro a lanzar su excremento, me pareció algo inconmensurable, más aún que por lo menos no haya sido arrestado y siguiera libremente tirando mierda por los lugares públicos y congestionados. A pesar de hechos como éste y como país “occidental” que somos, difícilmente veremos letreros de advertencia de no cagar. Sin embargo, el hecho de que existan o no existan dichas advertencias no evita el lanzamiento de basura, chicles, escupitajos y un sinfín de inmundicias en la vía

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pública. El mexicano no tiene el más mínimo miedo de verter lo desagradable, no le importa soltar su suciedad, su estiércol. Para el mexicano eso no es una transgresión o algo divertido, no es lo que se conoce como un ALV y aquí me cago, es más bien parte de su cotidiano. Para liberar el humor que proviene del acto de quebrantar algún orden, se requiere que ese orden realmente exista, que sea válido y real. En un país como el nuestro donde el orden es sólo un simulacro, ya que se vive en un perpetuo ALV en todos los niveles. No podemos generar humor desde esa transgresión, es por eso que el humor mexicano suele estar constantemente basado en la broma fácil de lo sexual, el albur, el racismo, o el clasismo. La misma expresión ALV es una muestra de ese tipo de humor. El mundo del cómic ha sido por antonomasia un espacio para la transgresión, desde aquellos primeros cartones que se burlaban de todo y que mandaban ALV todo, hasta las celebres Tijuana Bibles, consideradas como la expresión máxima y pilar de toda la contracultura, burla y ruptura que se puede hacer sobre una sociedad ñoña cargada de persecución y mojigatería. Desde Australia hace unos años lo que inició como un web comic, rápidamente se convirtió en esas grandes sagas de la narrativa gráfica de autor. Megg, Mogg and Owl son viñetas surgidas desde la transgresión, desde la ruptura, desde lo que para muchos es innombrable. Esta historieta rápidamente se hizo de miles de seguidores y ahora es publicada en varios idiomas, y muy pronto será una serie para la TV. Su éxito se debe a que sus personajes son el punto cúspide de ALV todo y todos. Renegados, irreverentes, subversivos, valemadristas, marginales y cualquier calificativo que aplique para la inadaptación. En las viñetas creadas por quien lleva por nombre Simon Hanselman, el lector de un país ordenado o desordenado encuentra ese humor que para muchos es difícil de entender y que suele ser muy cuestionable. En las páginas de Hanselman se puede ver a un padre darle de fumar una pipa de mariguana a un niño para que se tranquilice. Los personajes son unos yonquis que no quieren integrarse a nada. Sus aventuras no son aventuras sino mero estoy vivo y ya, no me interesa nada, no tengo valores, o lo que es lo mismo: ALV. Hanselman también trasgredió su estatus social para travestirse. Sus historias nos muestran cómo se puede cagar en todo y crear simpatía, diversión y algo más que simple entretenimiento, para alcanzar niveles de humor a los que pocos se atreven. Megg, Mogg and Owl ya es un comic de culto para todo aquel que gusta de las historias marginales, de episodios como en el que Megg es capaz de cagarse en una estación del metro, y con esa acción lograr que Mogg se enamore perdidamente de ella y alcanzar el ALV.


Atenea C.B.

Cómic y narrativa dibujada

Llegó a la tercera dimensión en Xalapa, por el año 82. En su temprana adolescencia fue llevada a rastras por su mamá a un taller de dibujo y pintura. En 2014, inició Héro(ína)es y monstruos cotidianos, una serie de historietas mudas realizadas en óleo, que le hizo ganar en la 3ª Bienal de Arte Veracruzano 2016. Consumidora compulsiva de mitos, relatos religiosos e histori(et)as. Discípula de Carl G. Jung. Le gusta hablar de astrología con científicos mecanicistas. No le gusta el ruido que causan las balatas desgastadas de los camiones. IG: @ateneacb_pintura FB: /ateneacbaizabal

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El pilón

ESTA CANCIÓN ME RECUERDA A MI EL PASADO ERA MÁS CHIDO

TXT:: Juan Carlos Hidalgo

¿A QUIÉN EN SU sano juicio se le ocurriría salir huyendo durante la luna de miel? ¿El matrimonio apenas iniciado puede provocar decisiones irracionales? ¿Por qué un tipo decide tirar su futuro por la borda e irse a pasar vacaciones acompañado del fracaso? Lo que aquí se demuestra es que los jóvenes adultos pueden encontrar una señal, por minúscula que sea, para intentar escapar y mostrarse aterrados ante las embestidas furiosas de la vida. ¡Y eso que corrían los años noventa en esta historia! El protagonista de esta novela estudió Letras, tiene una muy incipiente carrera como parte de un dueto de folk rock y una novia de clase acomodada que se está abriendo una exitosa carrera en el mundo editorial de Nueva York. La irá a alcanzar a la gran ciudad y seguirá el romance hasta dejarla plantada con una nota que dice: “Lo siento”. En plena escapada, el tipo llega hasta un diminuto pueblito de Massachusetts, en el que tiene un pasado familiar y en el que su cuñado (también recién divorciado) le presta una casa para pasar sus días de soledad y replanteamiento personal. Pero aún en ese pueblo quieto le van surgiendo cosas que modifican sus intenciones de simplemente no hacer nada.

A cambio de darle alojamiento, el cuñado pone a su cuidado a su pequeño sobrino (sin que la madre lo sepa) y la relación con el niño ablanda su posicionamiento ante la paternidad. Luego conoce a una mujer dedicada a la bebida y poseída por una infinita tristeza. Juntos emprenden la realización de un documental dedicado a la muerte del hijo de la chica en un accidente de lancha. La soledad y el deseo de un poco de afecto terminarán por entreverarse. Como si fuera una canción triste, Joe Pernice –músico de larga trayectoria–traslada el universo narrativo de sus composiciones y cuenta una historia que obtiene los mejores réditos del costumbrismo y que ahora se lee también con una gozosa nostalgia por aquella década conquistada por la Nación alternativa y el estallido del grunge. De hecho, consigue

entregar un demo a una chica de relaciones públicas de Sub Pop, la disquera más anhelada, que les contestan con una carta en clave totalmente anarquista y desilusionante. Esta canción me recuerda a mí (publicada por Blackie Books) no posee una trama demasiado compleja, pero se convierte sumamente entrañable al remontarnos a la época y también al dejarnos llevar por su espléndida música de fondo. Uno no puede desconfiar cuando suenan Pavement, Lemonheads y un disco completo de Nick Drake. También está ahí Lou Barlow recordando a sus conocidos del pueblo antes de dar un concierto acústico. La banda sonora que Pernice preparó se encuentra en Spotify bajo el título original: It feel So Good When I Stop. Con una larguísima carrera en la escena del indie norteamericano, Joe ha utilizado muchos de sus propios recuerdos para sazonar un retablo de devastación sentimental. Contrastan el mundo rudo y limitado del cuñado con la bohemia universitaria en la que el protagonista se encontraba antes de trabajar una temporada como mesero –no tenía demasiadas opciones profesionales–. De golpe nos remontamos a los tiempos de la Generación X.

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