MVN 178 | Babasónicos

BABASÓNICOS Mentirle a todos, no mentirme a mí

EDICIÓN

178 $52.00

EXHIBIR HASTA:

05-MAY-20

+ JULIET ESCORIA Aceptar tu depresión

+ ROBOT

A lo mexicano

+ NICKI NICOLE Recuerdos de la calle

PRESENTA

R O C K

PA R A

L E E R

21 CUENTOS ILUSTRADOS É INSPIRADOS EN LA BANDA

¡YA A LA VENTA! EN NUESTRA TIENDA EN LÍNEA www.kichink.com/stores/revistamarvin El Péndulo • Gandhi • La Roma Records • Happening Store

COFUNDADOR CECILIA VELASCO MARTÍNEZ ceci@marvin.com.mx DIRECCIÓN COMERCIAL Y RP DELHY SEGURA delhy@marvin.com.mx ALFONSO PRETELIN poncho@marvin.com.mx ESTRATEGIA DIGITAL AURELIO VARGAS joseaureliovasan@gmail.com MARVIN TV PEDRO VELASCO pv.lphant@gmail.com DISTRIBUCIÓN EDUARDO CORTÁZAR ROSAS

EDITOR EFRAÍN RAMÍREZ "MAKO" mako@marvin.com.mx DISEÑO EDITORIAL ADRIANA GALLARDO adrianag.marvin@gmail.com EDITOR CÓMIC ÓSCAR G. HERNÁNDEZ oscarghx@marvin.com.mx REDACTOR WEB NYDIA VALERO COLABORAN EN ESTE NÚMERO Sergio Benítez, Nydia Valero, Juan Carlos Hidalgo, Wenceslao Bruciaga, Francesc Messeguer, Dozergirl.

ASISTENTE DE ADMINISTRACIÓN ALAN CORONA admin@marvin.com.mx

DIRECTORIO

REPRESENTANTES EN LA REPÚBLICA TOLUCA EDUARDO URIBE MORALES aliasdg@gmail.com PUEBLA JOSÉ ANTONIO FLORES CABRERA joseantonio@marvin.com.mx PACHUCA ALFREDO GARCÍA r.u.d.o@hotmail.com

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www.marvin.com.mx MARVIN

VENTA EXCLUSIVA PARA MAYORES DE EDAD.

Título de la publicación: Marvin Música • Cine • Arte Editor Responsable Cecilia Velasco Martínez. Edición 178 correspondiente a: ABRIL 2020 MAYO 2020. Prohibida la reproducción parcial o total por cualquier medio físico o electrónico sin el permiso expreso de los editores. Los contenidos de artículos y colaboraciones firmados son responsabilidad exclusiva de sus autores y no reflejan necesariamente la opinión de los editores. Certificado de Licitud de Título y Contenido: 15372. Certificado Reserva de Derechos al uso Exclusivo del Título: 04-2019-012816402300-102. MARVIN es una Marca Registrada.

Distribuida por: Comercializadora GBN, S.A de C.V. , Calle Federico Dávalos num. 35 Col. San Juan Thlihuaca, Delegación Azcapotzalco C.P 02400 CDMX y Arredondo e hijos Distribuidora, Calle Iturbide núm. 18 D, Col. Centro Delegación Cuauhtémoc, CP. 06040 CDMX

EDICIÓN

CENTRAL REPORT

CONTENIDO

LOUDSPEAKER

LOG

ABRIL 2020

8 12

22 30

VIVE LATINO / Entre el Covid-19 y la resistencia.

BEATBITES X MARVIN / Descubriendo la escena global

BANOFFEE/ ¡Míranos ahora papá!

070 SHAKE/ El futuro del hip hop es ahora.

BRATTY / La pureza del espíritu adolescente.

NICKI NICOLE / Recuerdos del alma.

SOCCER MOMMY / Los colores de las emociones.

ROBOT / Graduado de la nueva escuela del hip hop.

BABASÓNICOS / Estar presente pero dopado.

THE MAGIC NUMBERS / Quince años de vivir sin pertenecer a una escena.

BRETT ANDERSON / El lado nuclear del britpop.

JULIET THE MANIAC / Una novela de Juliet Escoria NADA SURF / A inicios del año, la banda neoyorquina lanzó su décimo álbum.

HILDUR GUÐNADÓTTIR / Cambiando el rumbo de la música de cine 31 MINUTOS / Álvaro Díaz: El conejo rojo amante de la naturaleza

178

CÓMIC

44

TERCERA GUERRA Y GRAFISMO RADICAL

MIRANDA ROSALES

EDITORIAL

R

evista Marvin llega a los 19 años, es difícil imaginar que un medio impreso llegue a esta edad. Hemos visto caer a muchos en el intento por sobrevivir al mundo editorial físico y los recordamos con cariño. El mundo digital se comió todo y nosotros lo abrazamos para que fuera parte de nuestra plataforma. Cuando Marvin cumplió 10, se hizo una fiesta gigante con muchos amigos artistas, eso se convirtió en Festival Marvin y todo fue gracias a las personas que están afuera, tú.

Hoy escribo desde casa, una nueva pandemia ha atacado el mundo y las indicaciones nos dicen que evitemos estar en la calle. Es complicado y agradable al mismo tiempo, es un sabor agridulce, no podemos festejar como quisiéramos por salud de todos. Pero podemos celebrar con todos ustedes a través de estas páginas, de las plumas de nuestros colaboradores, de tu lectura mientras le pones play a cada una de esas canciones de los artistas que te recomendamos en marvin.com. mx y aquí.

En este número de aniversario tenemos a unos viejos conocidos, los Babasónicos que como en cada entrega nos van cambiando el rumbo para descubrir más sobre su eclecticismo. Además mucho talento femenino en las otras páginas de la revista, las nuevas caras y los nuevos sonidos que marcarán el camino en la música y en las letras, también unos cuantos regresos que nos llenan el alma.

Hoy, desde casa les mandamos un abrazo. Todo regresará a la normalidad y aquí seguiremos, disfrutando con ustedes. Gracias por estar.

Aún quedan cosas por descubrir y cosas por resolver.

Pero un desastre a la vez.

Efraín Ramírez “Mako” @makowww

Juan Carlos Hidalgo

Columnista de la revista Marvin, Diario Milenio Hidalgo y Radio BUAP. Jurado de la Beca María Grever. Ha publicado las novelas Rutas para entrar y salir del Nirvana y La vida sexual de P. J. Harvey.

Sergio Benítez PR full time: PubliRelacionista por pura frustración, PeriodistaRock por mera emoción y PunkRocker por harta devoción. Hace mucho, dice poco y escribe más. Sencillamente un maldito monstruo sucio y maloliente.

Wenceslao Bruciaga

Escritor, cronista, más de diez años como columnista de #ElNuevoOrden en Milenio. Melómano irremediable e insufrible, boxeador amateur. Es autor de los libros Tu lagunero no vuelve más (ed Moho 2000), Funerales de hombres raros (ed Jus 2012), Un amigo para la orgía del mundo (ed Discos Cuchillo 2016) Bareback Jukebox (ed Moho 2017).

Por culpa del hardcore punk lo tachan de ser un gay-antigay.

COLABORADORES

Dozergirl

Ilustradora egresada de la Facultad de Artes y Diseño (UNAM) que frecuentemente desempeña su trabajo dentro del medio musical.

Ha producido arte, logos y diseño de mercancía para grupos, revistas musicales, fanzines, tiendas de discos y varios promotores de conciertos en la Ciudad de México, principalmente dentro del nicho del garage, el punk y el surf. Su estilo se basa en referentes lowbrow, cultura pop, cultura basura y contracultura y cualquier tipo de gráfica antisolemne.

Francesc Messeguer

Compositor, productor y arreglista. En 2019 fue nominado en la categoría de Mejor Música Original en el 48 Hour Film Project. Ha hecho música para diversas marcas y actualmente está trabajando en su primera película. Ha escrito para diveros medios como Esquire, Marie Claire, Reporte Índigo, Reforma y Animal Político, entre otros. Participó en NarcoData, investigación ganadora del premio IIID Award de periodismo en 2017. Como como compositor, escribió la música del reportaje “Por qué se cayó mi edificio” de la organización Mexicanos Contra la Corrupción y la Impunidad, que trata sobre el sismo del 19 de septiembre de 2017. Es profesor de música en la IBERO.

muy pronto

VIVE LATINO 2020 FESTIVALES

Vive Latino 2020 Entre el Covid-19 y la resistencia

MAYO 2020

FOT:: Arturo Lara

LOG

8

Era viernes 13 de marzo, faltaban 24 horas para que se llevara a cabo el Vive Latino en su edición 2020.

Las redes sociales estaban inundadas de reclamos hacia organizadores, gobierno y artistas que serían parte del festival. Durante semanas hemos visto como el Covid-19 ha atacado varios países dejando muertos y gente en cama por días, la recomendación de la Organización Mundial de la Salud es la cuarentena para aplanar la ola de contagio.

Las puertas estaban por abrir y todo indicaba que el Vive Latino correría de forma normal, varios artistas ya habían cancelado sus actuaciones. Su ausencia no era por miedo a venir a México sino porque existía la probabilidad de que no pudieran regresar a casa debido a que muchos países habían cerrado sus entradas y salidas; otros te dejaban llegar al aeropuerto pero debías de pasar 14 días aislado.

Las redes seguían polarizadas, ahora no solo le tiraban al gobierno y organizadores, también a los asistentes. La gente ponía tuits de que las personas que iban eran inconscientes, y sí, ante la situación que ocurría en el mundo pareciera que ir a un lugar donde ibas a estar con 40,000 desconocidos que se empujan y se aprietan para ver a Little Jesus parece una locura, sin embargo, el Festival no se iba a detener. Los otros, tenían frases como “El Coronavirus nos la pela”.

Hace 11 años, nos atacó la Influenza H1N1 y provocó

que el Vive Latino se recorriera de fechas. La pandemia tuvo más de un año al mundo colapsado, brotes en distintos países y al final hubo 18,036 muertes confirmadas en los 5 continentes. Al día de hoy, 20 de marzo del 2020, van más de 10,000 personas fallecidas por Covid-19. En México hasta el momento solo tenemos una muerte confirmada, varias empresas han decidido mandar a sus empleados a casa, a hacer home office; otros tantos no tienen la misma suerte, así que entre dimes y diretes, ya pasó una semana del Vive Latino y todavía falta otra para que en caso de que haya había un contagio en el festival lo podamos saber.

Después del festival todos los eventos masivos han sido cancelados o pospuestos. Los artistas y la industria del entretenimiento tendrán que resistir hasta que la cresta de la ola económica se levante. Pero esta es la muestra de que nosotros debemos seguir apoyando, no va a haber shows, no van a haber campañas, no van a haber muchas cosas, pero los clicks y las compras en línea están en nuestras manos para poder alimentar las mentes creativas que nos entregan cada día nuevas canciones. Aprendamos de esto, que la forma de alimentar el arte es a través del dinero que tenemos en nuestros bolsillos. Dejemos de pedir que nos metan en la lista, que nos regalen una playera, compremos merch, paguemos los shows, compremos discos otra vez, compremos revistas y libros; reactivemos el mundo.

REYNO

BERSUIT VERGARABAT

LITTLE JESUS

MEME DEL REAL: TRIBUTO A JOSÉ JOSÉ

LOG

9

CUARTETO DE NOS

FRANCISCA VALENZUELA

BEATBITES X MARVIN AUDIOVISUAL

BeatBites X Marvin Descubriendo la escena global

MAYO 2020

FOT:: Darryl Richardson_

LOG

10

Durante 19 años en Marvin nos hemos dedicado a darle visibilidad a distintos artistas que hacen cosas increíbles en diferentes disciplinas. Hemos formado alianzas con otros medios, marcas y colaboradores que tienen una visión similar a la nuestra para seguir formando una escena y una industria sólida.

Como parte de una nueva forma de dar a conocer al talento mexicano fuera de nuestro país, unimos fuerzas con BeatBites.tv. Una plataforma basada en Nueva York que a través de contenidos audiovisuales originales muestran artistas de distintas ciudades. Hasta el momento BeatBites cuenta con 4 temporadas ya estrenadas, cada una llevándose a cabo en una ciudad distinta: Nueva York, Seúl, Berlín y Montreal. Para la quinta temporada de BeatBites decidieron tomar como base la Ciudad de México. La realidad es que nuestra CDMX no le pide nada a ninguna otra ciudad del mundo cuando hablamos de artistas de calidad y vida nocturna, en otras cosas sabemos que nos hace falta mejorar muchas cosas pero la comunidad artística aquí es amplia y de alto potencial para poder ser exportado.

En cada una de las ciudades se colaboraron con distintos medios, por ejemplo: En Seúl trabajaron con Bling Magazine, en Berlín con Kaltblut Magazine, en Montreal con Pop Montreal y ahora en México con nosotros.

BeatBites es una fuente emergente de música total inmersión. Ofrecen contenido audiovisual muy bien curado y de fácil acceso dentro de su plataforma. Productos especiales para los amantes de la música, para la gente que le gusta descubrir lo que está más allá de círculo de clicks.

Esta plataforma tiene el respaldo de 37th Dregree, una productora que ha recibido premios en publicidad alrededor del mundo.

Desde hace unas semanas puedes disfrutar del contenido de la Temporada 5 de BeatBites a través de sus redes sociales y de las nuestras. La selección en esta temporada nos muestra la variedad de artistas que radican en la CDMX y cómo el talento está en donde menos te lo esperas.

Muy pronto tendremos más noticias sobre esta colaboración que nos emociona y que promete crecer.

SAILORFAG

GIRL ULTRA

LOG

11

RUZZI Equipo BeatBites.TV: Productor ejecutivo: Kimbo Kim @kino_kimbokim Director y Director de arte: Jisun Lee @leezzysun

MCKLOPEDIA Productor creativo: Emily Strange @emilymstrange Productor: Nick Grady @snakeskinboots

BANOFFEE

¡MÍRANOS AHORA PAPÁ!

“Estoy inspirada en las relaciones que tengo con otras personas”

TXT:: Efraín Ramírez FOT:: Julian_Bouchan

LOUDSPEAKER

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La primera vez que escuché a Banoffee me sorprendí, pop fresco lleno de sintetizadores, beats sencillos y pegajosos que te hacen mover la cabeza y las caderas.

La encontré en esas recomendaciones de principio de año que hacen los blogs de “alta alcurnia”, la sorpresa fue que cuando le puse play a su canción era un tema que ya había escuchado y la recordaba a la perfección.

Curiosamente desde que le entre a Tik Tok es algo que me sucede a cada rato, escucho canciones que bailan/utilizan los creadores de esa plataforma para sus contenidos y semanas después ¡BOOM!, están en las listas de las plataformas de streaming escalando posiciones.

Su nombre real es Martha Brown y este 2020 lanzó su primer larga duración titulado Look at Us Now Dad. Este disco cuenta con la colaboración de otro de estos nuevos talentos que los modernillos aman, me refiero a Empress Off, este featuring abre el disco. Un himno para esas personas que “salen” con alguien pero en realidad solo es a ratitos porque en realidad ni se invitan a los planes con sus amigos o se la pasan poniendo pretextos para no ir juntos a algún lado.

Mientras me fui adentrando en este nuevo talento que emerge ante mis ojos descubrí que su carrera no solo tenía como comienzo en sus dos EPs, había probado los grandes tours en arenas del pop. No era ella la headliner, ni era invitada pero pertenecía a la banda de Charli XCX mientras Charli estaba de acto telonero en una de las giras de Taylor Swift. A propósito del lanzamiento de su nuevo disco pude platicar con ella y conocer un poco más acerca de sus gustos y fascinaciones. ¿Cuándo comenzaste a escribir y qué podrías decirle a esa persona si pudieras viajar en el tiempo?

Comencé a escribir cuando estaba en séptimo grado. No le diría mucho a esa niña. Le diría que nunca piense en el futuro y que siga haciendo lo que la hace feliz. Odio la idea de proyectas ideas a los niños y estoy muy orgullosa de que nunca alguien me empujó o me emocionó the formas que hicieran que viera la música como mercancía. Me siento muy afortunada tener la educación que tuve. ¿Cuál fue la última película que viste, amaste y por qué?

Parasite, estoy obsesionada con esa película.

Es lo suficientemente ligera para disfrutarla pero toca temas que son muy importantes. Es brillante en mi opinión, un verdadero trabajo artístico. ¿De dónde viene la inspiración para hacer música?

Me gusta escribir sobre mi vida o sobre mis amigos. Creo que esto se transmite fuertemente en mis letras. Estoy inspirada en las relaciones que tengo con otras personas. ¿Qué esperabas cuando estabas escribiendo “Count on you”?

No esperaba mucho de esta canción, la escribí para mis amigos y para mí. Quería que la gente tuviera una canción con la que se identificara y se sintiera conectada.

Hablando de las colaboraciones que has hecho ¿por qué decidiste trabajar con Cupcakke?

Cupcakke tiene una personalidad feroz. Mi personalidad concuerda con su marca, no soy alguien que le gusta endulzar las cosas, que pretende que le gustan las cosas cuando no y no me disculpo por eso. En el momento que escuché su música supe que quería trabajar con ella por esa razón.

En mi opinión, la gente como Cupcakke es la más importante en la música en estos momentos. Es controversial, seguro, pero por las razones correctas. Ella habla acerca de cosas reales que no deberían de avergonzarte: sexualidad femenina, deseo femenino, aborda la cultura de la violación y los roles de género con grandes canciones. Eso me encanta. ¿Qué aprendiste de estar en estos tours de pop gigantes?

Creo que principalmente lo que aprendí de estar en tour fue que no tenía que tener miedo a ser ambiciosa. Me merezco querer algo y me merezco tenerlo. Ese fue el mensaje más importante para mi. Me cambió la actitud acerca de mis metas, me hizo más fuerte y ambrienta para lograr lo que sé que soy capaz de hacer. ¿Qué quieres hacer con tu proyecto?

Quiero seguir haciendo música, quiero lanzar todo lo que pueda, expandirme hacia la moda, expandirme hacia el cine, usar todas las plataformas que pueda para expresar cosas que crea son importantes o inspiradoras.

Quiero colaborar y aprender de esas personas que están en distintas posiciones y quiero usar ese conocimiento para mejorarme a mi mism.a Banoffe apenas está comenzando. ¿Qué ha cambiado desde que hiciste tu EP homónimo y Do I Make You Nervous?

Creo que el cambio más notorio es que mejor como productora y he aprendido a trabajar más fuerte. Antes era un poco floja con mi trabajo. Ahora es mi todo. ¿Intentabas decirle algo a tu papá o alaguien con el título de tu disco?

Estoy diciéndole a mi familia y a mi misma que somos afortunados.

LOUDSPEAKER

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070 SHAKE EL FUTURO DEL HIP HOP ES AHORA

Danielle Balbuena (aka 070 Shake) es de las caras más jóvenes en G.O.O.D. Music, el sello de Kanye West.

TXT:: Nydia Valerio FOT:: Vitali Gelwich

los miembros con la que experimentaron para enrolarse en sus propios caminos.

Por una afortunada coincidencia, Kanye West escuchó su sencillo Sunday Night (2016) donde quedó atrapado en versos como: You just need to feel the pain / Then maybe you’d be amazed / How in a blink it goes away / Then you’ll see that I’m not crazy. Luego de eso quedó fichada en G.O.O.D. Music, el sello de West, con tan sólo 21 años.

Presentación en sociedad Hablemos de sus primeros pasos en la escena pública, los escuchamos en breves intervenciones dentro de canciones de los grandes. El primero y más sonado son sus líneas en la canción Ghost Town de Kanye West, del álbum Ye (2018).

I feel kind of free /We’re still the kids we used to be, yeah, yeah / I put my hand on the stove, to see if I still bleed / Yeah, and nothing hurts anymore I feel kind of free.

Tan sólo con un par de estrofas, 070 Shake ya mostraba el sello que caracteriza sus composiciones: crudeza, sensibilidad y la necesidad de demostrarse su propia existencia.

Otras de sus colaboraciones son Santeria de Pusha T, del álbum DAYTONA (2018), con algunas líneas en español, y también prestando su voz en Not For Radio de Nas, en el álbum Nasir (2018). Balbuena les aporta una marcada atmósfera oscura, y es que ese aire profundo y desolado lo lleva bien arraigado en su voz de mezzosoprano y su timbre de textura áspera.

Su primer EP, a pesar de llamarse Glitter (2018), está enmarcado en beats traperos y arreglos muy de R&B que nos dejan sentir sus raíces: un lugar oscuro, como ella califica a Nueva Jersey, bien implantado en su

inconsciente, y el brillo que ella está buscando sacar de eso. Además, nos deja maravillas como “I Laugh When I’m With Friends But Sad When I’m Alone y Lost In Love”, mismos que canta con una frialdad sensiblera y sincera.

Hace apenas unos meses (el pasado 17 de enero) editó su primer álbum de estudio individual, Modus Vivendi, y ya está dando cátedra de cómo es que se rompen las reglas en un mundo de verdaderos gigantes. Danielle Balbuena no tiene miedo de formar su propio camino o a atreverse a hacer cosas diferentes ahora que puede.

Si bien el álbum tiende hacia el synth pop, el R&B y el soul, hay mucha experimentación de por medio. Hay un exceso de distorsión en sintetizadores y guitarras, y el auto-tune hace sonar su voz como la de un ciborg. La voz es tal vez lo más fiel hacia el trap-rap y lo más similar a lo que hizo con West y Nas, sin embargo las letras son más conceptuales y personales, atrevidas, presumen de experiencias que parecen falsas por su corta edad pero también sensibles de su contexto. No lo esperábamos, pero ha volado varios cerebros con estas composiciones.

A Balbuena aún se le puede ver incómoda en las entrevistas, como si aún no asimilara la atención que atrae en los medios. A diferencia de esto, es histriónica frente al público, invitándolo a vibrar con ella, dirigiendo a las emociones que le palpitan en el cuerpo, brincando, gritando, agitando las manos. Ella es la directora de orquesta de esa ola de pulsaciones que encuentran catarsis mientras ella canta.

Es poco el tiempo el que hemos estado viendo el nombre de 070 Shake junto al de los grandes y a todos nos toca acostumbrarnos, a ella y a nosotros, pues Modus Vivendi es tan sólo una tarjeta de todo lo que seguramente vendrá.

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LOUDSPEAKER

El futuro del hip hop es ahora y Danielle Balbuena, aka 070 Shake, lo sabe.

Sin importar que el trap y el reguetón están ahora en la cima de la música urbana, el hip hop sigue explorando nuevos e interesantes caminos desde los laterales, acechando y esperando paciente a retomar el camino cuesta arriba.

Balbuena es un claro ejemplo de una nueva ola de compositores que tienen en el nihilismo su base temática y en la oscuridad su bagaje musical. Ella, originaria de North Bergen (Nueva Jersey), como muchos adolescentes en los primeros años de los dosmiles escuchaba a My Chemical Romance y a Paramore en una búsqueda de empatía ante la furia que las drogas y violencia se manifestaba a su alrededor. Y como a muchos, la música la ayudó a escapar.

Sus temáticas pueden ser las mismas de una generación -inseguridades, miedos, carencias, la búsqueda de la calma después de la tormenta- sin embargo, 070 Shake destaca por composiciones crudas e interpretaciones intensas que no dan oportunidad a tocarse el corazón y sólo tienes que sentirlo para quebrarte.

El nombre de 070 Shake viene de sus orígenes, el 070 son los primeros tres números del condado de Hudson, el código postal de Nueva Jersey, donde nació el colectivo 070 al que pertenece. Y Shake es un apodo que conserva de cuando jugaba basquetbol en el colegio.

Con el colectivo 070 formado principalmente por The Kompetition (Razsy Beats, Ether Phoenix y J-Sebastian), 070 Malick, 070 Phi, Ralphy River, Treee Safari y ella, editó The 070 Project: Chapter 1 (2016), un compilado de las influencias de todo el grupo. Un mix de dance, pop, R&B y hip hop, que sabe a todo y a nada. Una carta de presentación para

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BRATTY

LA PUREZA DEL ESPÍRITU ADOLESCENTE

“Y rimando, perdido, por las sombras fantásticas, tensaba los cordones, como si fueran liras, de mis zapatos rotos, junto a mi corazón” Arthur Rimbaud

TXT:: Juan Carlos Hidalgo FOT:: Grace Cazarez

Miro unas fotos de Jenny Juárez en sus redes sociales tras su actuación el Vive Latino 2020, como parte de la Carpa Intolerante.

Me quedo con unas cuantas instantáneas de una chiquilla rubia, cabello esponjado, baja estatura, lindo rostro maquillado medio freak y ataviada con un overol anaranjado. El conjunto completo rebosa de candor juvenil, de espontaneidad, de subirse a un escenario con total desparpajo adolescente y sin pensar demasiado en el cómo se hacen las cosas, simplemente se hacen.

El poeta español Gabriel Celaya escribió una línea que me marcó para el resto de mis días: “El arte es un arma cargada de futuro”.

No dejo de pensar en ella mientras escucho las 7 canciones más una intro que conforman Delusión, así como a dar vueltas en torno a la relación del arte y la juventud. Aquí todo es inmediatez y no hay espacio para pretender que existe el largo paso y la búsqueda de la trascendencia; lo que importa es el aquí y el ahora.

Jenny Juárez encarna a Bratty y Bratty es el alter ego de Jenny Juárez. Y todo indica que una nueva generación toma la estafeta de lo emergente y quiere utilizar la música para contar las cosas desde su perspectiva y sensibilidad. ¿Acaso cuando se es joven existe algo más poderoso e importante que el amor?

De lo que se trata es de tender puentes entre gente de la misma edad viviendo esas mismas experiencias. Desde Culiacán, Bratty puede conectar con ese inmenso mundo

adolescente que habita en internet e inunda las redes sociales; sabe que puede encontrar complicidad e identificación para un puñado de canciones que pretenden ser ante todo sinceras y confesionales, tal como queda evidenciado en la letra de “Cruel”: “Después de todo este tiempo, decidiste irte muy lejos. Sé que no soy nada perfecta, pero no soy tan culera como tú”.

Los nuevos amadores tienen que adaptarse a la pasión en tiempos de Instagram y Tik Tok y lanzar en ellos esos mensajes contenidos en una botella de cristal pretendiendo que lleguen a la orilla de una playa virtual.

Para artistas como Bratty no hay tiempo ni posibilidad de guardarse nada, se dicen las cosas tal como surgen; no se concibe otra manera de hacer públicos los sentimientos como canciones, tal como ocurre en el tema que da su nombre a su segundo álbum, en “Delusión” suelta: “Quiero ser alguien nuevo, y no dejar rastro nunca de quién fui, el cosmos sabe que por algo estoy aquí, y ya no tengo miedo de salir”.

Y es que la lengua inglesa nos ha pasado esa noción de Delusión como una referencia a las ideas y planteamientos que una persona construye en su mente y que no tienen correspondencia con la realidad. Vamos, que implica una deformación de lo real a partir de una percepción errónea, pero muy personal.

Se trata de un disco que es como un fragmento del diario íntimo de una chica jovencísima que no tiene temor de mostrar su entendimiento de las cosas -que puede estar torcido o no-. En “Delusión” también se escucha:

“¿Y qué más da todo el ayer? Si al final nunca puedes cambiarlo, ¿Y cómo saber quién soy?, Si esta ciudad nunca cambió”.

En la parte musical hay una tendencia a los ritmos lentos y algunos medios tiempos en los que destaca el hecho de que Bratty tocó todos los instrumentos (más allá de que en vivo se apoya en dos músicos –bajo y batería-). Por supuesto, que hay mucho pop de recámara, pero también ciertas referencias a bandas de sonido etéreo y algo de indie folk, como en la versión acústica de “Quédate”, que cierra el disco. No coincido con los medios que le encuentran algo de garage rock o surf –allá ellos-.

Apegada al formato de los sencillos de antaño, “Honey, no estás” dura apenas 3 minutos y 27 segundos y resulta absolutamente confesional –es como leer a Tao Lin, Augusto Sonrics y Martín Rangel-. Bratty es puro instinto –quizá a esa edad no valga nada más- y así es como compone temas en los que dice: “Pero no puedo ser quien tú siempre quieres ver, si para estar contigo debo dejarme a mí también”.

Bratty pertenece a esa generación que habita el mundo como si de una aldea se tratara y apegada a ello intenta transmitir sus sentimientos a través de la música. Compone para las distancias cortas y desde Culiacán lanza disparos de amor y desamor de la misma manera en la que otros sueltan ráfagas de ametralladora.

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NICKI NICOLE

RECUERDOS DEL ALMA

“Es bueno rodearme de personas que te mantienen con los pies en la tierra. Soy joven y quiero hacer todo ya, comerme el mundo y la gente te da pie a que te comas el mundo...”

TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Alonso Díaz

LOUDSPEAKER

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“Olvido poco porque siempre mi sentido está / Voy recordando nuestro exilio a la eternidad / El canto sabio de tu boca cuando va”, así abre Recuerdos, el primer álbum de la argentina Nicki Nicole. Desde hace meses estuve escuchando su disco, me encantó la voz y su nivel de lírica acompañado de beats pegajosos, clavados en la esencia del R&B y aromatizados con lo chicloso del pop que hace que las canciones se queden en loop en la cabeza.

Con tan solo 18 años lanzó “Wapo Traketero”, hace exactamente un año, y su vida cambió, se convirtió en un éxito viral que la puso en el mapa para muchos nuevos escuchas que estaban buscando voces frescas que hicieran himnos para cantar.

Cuando platiqué con ella me sorprendió con la firmeza que me respondía acerca de su futuro. Su forma de pensar es algo diferente a los que vomitan canciones en las plataformas de streaming. Pertenece a una generación distinta, a la generación que se aburre rápido, que toma algo y lo desecha en poco tiempo, pero tiene un alma vieja que le permite contar historias a través de sus canciones y le gusta cerrar ciclos.

Nicki Nicole encontró su pasión en la calle, con sus amigos en las batallas de freestyle, cuando le pregunté de dónde habían nacido las ganas de hacer música me respondió lo siguiente: “Fue más que nada ir escuchando distintos géneros musicales y empezar a rapear con mis amigos, hacer rondas de freestyle hasta que dije ‘Ok, si puedo hacer rimas al momento puedo escribirlos tranquilamente’. Empecé a probar y obvio sin idealización de nada, porque creo que cuando idealizas algo por eso te pones mal, esperas

mucho. De un momento para otro terminé canciones completas, las mandé a mis amigos y realmente les gustaban, las escuchaban y las tarareaban cuando estaban juntos.

“Decidí empezar a sacar canciones con amigos que eran del mismo ambiente de las rondas de freestyle, la gente me empezó a seguir y saqué ‘Wapo Traketero’, fue una explosión, de ahí ya no hay vuelta atrás. Una vez que tenés una explosión así dices ‘¿Ahora qué?’.”

Encontrar inspiración para hacer discos Vivimos en la época de los sencillos, apenas J Balvin lanzó su álbum Colores pero entre su disco anterior y éste sacó varias canciones. El tiempo corre a un ritmo distinto, somos devoradores de música, no importa el género tenemos sencillos por todos lados y cada vez es más complicado ver artistas nuevos haciendo discos enteros.

Platicando con Nicki Nicole me di cuenta que es una chica que sabe perfecto el momento de la industria pero que sabe que debe de ir poniéndole fin a cada uno de sus logros para comenzar con un nuevo proceso. “En realidad fue para cerrar una etapa, esas canciones son de hace mucho tiempo. Terminadas están apenas pero muchas de esas rimas son de cuando empecé. Le decía a mis amigos ‘¿Se imaginan si un día alguien las escucha?’, fue más que nada por eso, para mostrarle a la gente lo primero que hice y no saltar nada.

Realmente mostrar dónde empecé y que tenía para dar en ese entonces y ahí mostrar mi evolución, si no nunca iba evolucionar. Si no iba a ser una máquina de ‘hits’ que no sé si sirve tanto para una persona como yo”, me dijo acerca de por qué decidió lanzar un álbum.

La inspiración la encontró a través de

sus vivencias diarias, acompañada de gente que se sorprendió de lo que podía hacer.

Escuchaba a sus amigos, tiene artistas grandes que la motivaron pero lo que más le movía era lo que estaba cerca. Veía a sus amigos haciendo rimas todo el día y los veía intentando ser mejores cada día. El esfuerzo de las personas con las que convivía en su día a día la inspiraban a llegar a casa a escribir canciones y contar historias sobre ellos. Sus amigos eran la motivación para hacer música.

Con el éxito llegan los shows, las giras y las presentaciones en festivales, lamentablemente el Ceremonia cambiará de fecha y tendremos que esperar un poco más para verla en un escenario así. “Es una locura, estoy en un mismo cartel con gente que yo admiro como Rels B. Es una locura formar parte de un mismo escenario. Lo vivo en dos personalidades, desde afuera en donde no sé qué está pasando y desde dentro asumiendo que lo merezco porque he trabajado por ellos.

Realmente prefiero disfrutar y entender que a veces merecemos lo bueno que vivimos y no tenemos que preguntarnos ‘¿Por qué me está pasando ésto?’, apunta sobre ver su nombre en grande en un cartel de un festival.

Nicki Nicole sigue conquistando las plataformas de streaming, se va abriendo camino rápidamente pero sabe que todo es paso a paso, cuando le pregunté sobre cómo le hacía para no correr con su carrera me respondió: “Es bueno rodearme de personas que te mantienen con los pies en la tierra.

Soy joven y quiero hacer todo ya, comerme el mundo y la gente te da pie a que te comas el mundo. Está bueno mantener los pies en la tierra, por uno también porque vivir bajo presión realmente no le hace bien a nadie”.

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SOCCER MOMMY

LOS COLORES DE LAS EMOCIONES

Soccer Mommy presenta en su nuevo álbum su propia psicología del color, una que representa el mod de una generación.

TXT:: Nydia Valerio FOT:: Brian Ziff

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“I’m fallin’ apart over a memory / And the weight in my heart is getting too heavy” se escucha en “yellow is the color of her eyes”, una de los primeros sencillos del más reciente álbum de Soccer Mommy, color theory (2020), y una metáfora clara del camino introspectivo y emocional que tomó esta nueva producción de la cantante de Nasville, Tenneessee.

A pesar de su corta edad, Sophie Allison, el verdadero nombre de Soccer Mommy, lleva tocando su música desde 2015. Hasta este 2020, Soccer Mommy ha caminado una distancia larga entre su álbum Clean de 2018 y su presente. Las voces aguerridas de “Your Dog” y “Cool”, y el sonido cercano al folk quedó aparte, porque en los últimos meses estuvo explorando todas aquellas experiencias que la marcaron profundamente. Hizo un recorrido por su historial de ansiedad, depresión y los problemas emocionales con los que ha luchado durante los últimos años, y sigue luchando.

El resultado de esos viajes introspectivos es color theory, que a diferencia de su antecesor, no intenta descubrirse en el exterior, sino desde el interior y comprender todo aquello que la lastimó pero que ahora forma parte de su día a día.

En el contexto social en Estados Unidos donde el papel político es muy importante entre los músicos y artistas, Soccer Mommy no tiene (al menos directamente) la intención de ser empática o tener una postura activista acerca de la salud mental. “Tal vez les moleste que de lo que hablo en la mayor parte del álbum no tiene realmente ese enfoque, sobre que las cosas van a mejorar, de ser fuertes o sobre algún tipo de ayuda, porque sabes, eso es difícil de decir, y yo definitivamente no entro en eso, en la intención de hacer una diferencia”, así me lo contó en una conversación por teléfono. Su voz calmada y jovial se oye tal y como en las grabaciones de estudio. Desenfadada y sin pretensiones,

sólo la de charlar y seguir con la difusión de su álbum. Casi puedo ver a Sophie Allison sentada y estirando la goma de mascar, tal como en la portada de su álbum.

Pero claro que no nos molesta que no pretenda dar cátedra de estabilidad. La entendemos, ¡tan sólo tiene 22 años! No podemos culparla de seguir lidiando con su propia cabeza, muchos nunca dejamos de hacerlo.

Y ella sabe que no está sola en esto: “Creo que los jóvenes están luchando contra la ansiedad y la depresión. Nuestra generación siente que las cosas no se le están presentando como esperaba, como comprar una casa o tener un seguro médico porque es más caro.

Hay mucha ansiedad interiorizada sobre cómo será el futuro y cómo lo manejarán”.

A pesar de esa contradicción, entrega fuertes declaraciones como: “I’m trying to seem strong for my love / For my family and friends / But I’m so tired of faking / ‘Cause I’m chained to my bed when they’re gone”. Quien no se sienta representado con “circle the drain”, que tire la primera piedra. Soccer Mommy se ha convertido sin querer en esa amiga que escucha y comprende nuestras dolencias.

Su música tiene una clara influencia del indie pop y rock, pero Sophie no es sólo la chica que con su guitarra toca canciones tristes, su voz es suave como si tratara de explicarte calmadamente todo el caos que ha pasado por su cabeza. “Por lo general, me gusta usar todo loque sea que tenga en la mente y que no sé lo que es hasta que sale.

Usualmente primero escribo las partes de la guitarra y entonces sólo empiezo a cantar melodías combinadas con las letras que van saliendo de mi cabeza”, me comenta al preguntarle sobre sus procesos.

El disco color theory está estructurado en tres bloques de color que representan estados de ánimo: azul, amarillo y gris. A decir de la teoría de Soccer Mommy, el color azul expresa la tristeza, el agua lenta y la estabilidad. El

amarillo es la ansiedad, la enfermedad y la paranoia, a pesar de ser un color vibrante, evoca tensión y nerviosismo. Al final, el gris representa el miedo a la pérdida, el lado más oscuro y decadente del humano, la muerte.

Y dado que ella sólo se deja llevar por lo que tiene dentro, sólo se dejó llevar para crear esto: “Nunca pensé en estar escribiendo para cada uno de esos diferentes estados de ánimo, pero sí hay un contenido muy diferente”. Las canciones representativas de estas facetas son “circle the drain” (azul), “yellow is the color of her eyes” (amarillo) y “gray light”(gris). ¿Y si color theory fuera una pintura?, le pregunté. “Supongo que la primera parte (blue) podría ser como el verano. El amarillo es como en los cuadros impresionistas de Van Gogh y lo más oscuro es como su cuadro Horse, pero no sé exactamente cómo se relacionarían”.

Y es cierto, si lo pensamos bien, las obras más populares del pintor holandés tienen estos tres colores como protagonistas.

Otro artista cuya salud mental ha sido directamente relacionada con la producción de su obra.

Soccer Mommy es la representación de una nueva generación que respira y transpira sensibilidad. Para ella color theory es como “encontrar una cinta de cassette vieja y polvorienta que se ha estropeado con el tiempo”. Y justo es así que, canción tras canción podemos notar ese paso del tiempo, y nos hace pensar que tal vez sea cierto que las generaciones más jóvenes desayunan traumas.

Sabemos que ya es suficiente con las cargas del día a día, pero nos atrevimos a preguntar si Soccer Mommy piensa en el futuro: “Sí lo hago, pero realmente no sé qué es lo que quiero. Supongo que sólo quiero seguir trabajando duro y mantenerme haciendo mejores álbumes. Mantenerme haciéndolo cada vez mejor y mejor”.

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ROBOT

GRADUADO DE LA NUEVA ESCUELA DEL HIP HOP

Canciones imprescindibles: “By My Own” “Tú O Satanás” “High So High”

“Creo que es el momento en el que va a explotar esto y vamos a hacer una de esas ‘bombitas’ que se van a quedar aquí en México, que van a recordar” TXT:: Sergio Benítez FOT:: David Barajas

Estás estrenando “A lo mexicano”, cuéntame sobre esta canción que trabajaste junto a Gera MX. Sí, esta canción la hice con mi compadre Gerardo. Cuando hicimos la rola y en cuanto escuchamos el beat, lo primero que dije fue “a lo mexicano”, ¿me entiendes? De ahí nos basamos en tirar esa esencia que todos los mexicanos, que estamos más en la calle y venimos de ese trip, sentimos y no nos olvidamos de esas raíces, ¿sabes? De donde viene también el hip hop y todo eso. ¿Esta canción es sólo un sencillo o más bien un adelanto de un próximo álbum?

Es un sencillo, pero también es un aviso de que se vienen más canciones al lado de Gera, aún más fuertes. ¿Tienes algún proceso a seguir al momento de componer nuevas canciones?

De hecho aquí estoy con mi productor y siempre que nos metemos a trabajar, me pone un beat, le digo “ahí déjalo” y me pongo a imaginar. Muchas veces ya frente al micrófono me pongo a escribir lo que me viene a la cabeza.

Hay veces que eso es lo que queda, hay veces que no. cada día es distinto, no te lo podría explicar. No tengo una fórmula para escribir.

Solamente como si vibra, eso es, no importa lo que digan.

¿Cómo decides con qué artistas colaboras o invitas a colaborar contigo?

En realidad te podría decir que las colaboraciones que he hecho han sido con personas que primero conocí como personas y luego como artistas. Entonces, en lo personal, a mi sí me gusta conocer bien a la persona con la cual voy a colaborar y vibrar con ella. Conocer a fondo la persona, al artista y a ver si puede fluir. Te puedo decir que tengo muchos amigos que están en la industria y no tenemos feats, por ejemplo. Se da solamente si un día vibra, vibró y ya. Eso es lo que busco en mis feats. En mi canal de YouTube, no soy mucho de feats, por lo mismo, porque yo ocupo conocer a esa persona y vibrar. Para mi es muy valiosa una canción.

Hablando de tus influencias artísticas, ¿Acostumbras plasmarlas en las canciones que haces, quizá al momento de escribir las canciones o cuando entras al estudio?

Sí, claro que sí. La influencia más grande que tengo yo creo que es West Coast, pero con el tiempo fui agarrando mi propio estilo. Creo que eso es lo que me ha ayudado a colocar mi nombre y que a la gente le guste lo que hago.

Yo creo que venimos como que a refrescar la escena y hacer cosas un poco más movidas, algo que se pueda disfrutar y bailar; no nada mas cono los oídos y con la cabeza, sino con todo el cuerpo. ¿Qué viene para ti en este año que en realidad aún está iniciando?

Regresamos de Colombia y continuamos girando por varias ciudades de México. Se vienen dos discos para este año y muchos sencillos. Serán discos que sorprenderán mucho a la gente. ¿Dónde dirías que te desenvuelves mejor, presentándote en grandes festivales u ofreciendo shows más íntimos, en lugares pequeños?

Fíjate que no me importa el tamaño. Si está la gente adecuada, están mis fans y está gente que me apoya; el show chiquito o grande, se va a disfrutar por la calidad de las personas y por el amor que dan. Yo creo que lo disfruto mientras vayan a verme a mi, ¡ja, ja, ja! ¿Cómo dirías que es una presentación de Robot?

Emocionante, explosivo. Para mi siempre son importantes los shows. Entonces yo siempre he tenido muy en cuenta que la gente salga de ahí con una sonrisa, con ganas de querer

más. Les recomendaría que estén atentos a las fechas en que estaremos en sus ciudades, porque pronto vamos a estar por ahí. ¿Qué tanto cambian tus canciones de cuando las grabaste cuando las llevas a las presentaciones en vivo?

Cuando una canción te gusta mucho y sabes que es buena, en vivo te va a funcionar. Nada más es utilizarla de la manera correcta y saber cuándo, dónde cantarla y por qué, ¿sabes?

El hip hop en México se resiste a no ser parte de la corriente principal, ¿a qué crees que se deba que sea un género que tiene una gran cantidad de seguidores?

Creo que yo entré en esa parte en la que apenas estamos entrando a festivales y nos están poniendo más atención. Ahorita la industria musical esta volteando a todo el género urbano, entonces creo que entré en el momento exacto para mi carrera. Para lo que quiero lograr y quiero hacer, ocupaba yo que pasara este en México. Creo que es el momento en el que va a explotar esto y vamos a hacer una de esas “bombitas” que se van a quedar aquí en México, que van a recordar. ¿Qué tan grande es la escena de hip hop en Mexicali?

Yo la conocí muy poco, porque realmente yo llevo poco haciendo esto, llevo cuatro años y medio rapeando. Cuando inicié en Mexicali, estaba muy metido en lo mío y se podría decir que no conocí mucho de lo local, pero superé escuché que había buenos exponentes. Por desgracia no hay otro en Mexicali que sirva como referencia del hip hop de esa ciudad.

Ojalá que cada vez haya más compañeros de Mexicali dándole con todo.

Entiendo que a través de Vida Robot apoyas nuevo talento, platícame sobre eso.

Claro, como Robot y como Kevin tengo mi pequeña empresa Vida Robot, en la que tengo cinco artistas a los que estoy apoyando.

Son artistas a los que les tengo fe. Kidd G y Gedec que son de la Ciudad de México, dos niños de dieciséis y dieciocho años que traen un trapo muy bueno. Estoy apoyando a Big Sucio y a un amigo mío que se llama Yahir Poceros de regional, que es otro género y nada que ver con el hip hop, pero es un niño de dieciséis años que la está rompiendo. Y nada, son los exponentes a los que yo les veo un futuro muy bueno y estamos tratando de apoyar y echar la mano como se pueda.

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Con una lírica honesta y directa, además de un hambre brutal de éxito, Robot abandera quizá, la nueva escuela del hip hop de nuestro país. Su mayor influencia musical proviene del West Coast rap, pero hace tiempo logró forjar un estilo propio.

Lo conocemos como Robot, pero su nombre es Kevin Gutiérrez, nació en Mexicali, Baja California. Ahí vivió durante veintidós años y después decidió mudarse a Guadalajara donde actualmente reside. Desde muy pequeño comenzó a escuchar rap, cada que convivía con su familia que vivía en los Estados Unidos le mostraban discos de Nelly, Snoop Dog, Shaggy, Outkast o Dr. Dre. De esa manera surgió su gusto por el hip hop.

Hacer música, ganar dinero y fumar marihuana; es a lo que Robot dedica la mayor parte de su tiempo. “Mi día normal en sí, es despertar, ir al estudio, fumar, hacer música, regresar a descansar y volver al estudio al día siguiente rezando que esto funcione por todos lados”, aseguró Robot en una entrevista para esta revista, dos años atrás. “A Lo Mexicano” es el nombre de su nuevo sencillo, un tema que realizó al lado de Gera MX.

FOT:: Timothy White

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De vuelta al hogar

ESTAR PRESENTE PERO DOPADO

BABASÓNICOS SUFICIENTE ES EL NUEVO EP DE LOS ARGENTINOS, QUE VERÁ LA LUZ EN MAYO DE ESTE 2020.

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De vuelta al hogar

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Carlos Álvares Maquillaje:: ReginaBaltazar Motaño Video:: Pedro Velasco Martínez Locación:: Jardín Juarez

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uego de presentar “Suficiente”, primer avance del nuevo EP y de pisar nuevamente el escenario del Vive Latino, Babasónicos presentó “Oportunidad”, segundo corte de un material de estudio que servirá de transición para el próximo álbum de la banda argentina que lanzarán este mismo año.

Babasónicos se despide de Discutible, el álbum editado en 2018 ha quedado atrás para dar paso a Suficiente, un EP que servirá de transición para un nuevo disco que posiblemente verá la luz a mediados de este año. Del nuevo material de estudio conocemos hasta ahora “Suficiente” y “Oportunidad”, dos cortes que dan muestra del sonido camaleónico de los de Argentina.

Cuéntenme sobre Suficiente.

Mariano: En realidad el Suficiente pertenece a un periodo transitivo, no es un adelanto del futuro, es sólo una cosa que empieza y termina en si misma. Es un EP que sacamos mientras trabajamos en un disco del que posiblemente tendremos un adelanto para mitad de año. Es una especie de aperitivo, con algunos temas que recopilamos. Nos divirtió hacer un EP, un vinilo con dos temas por lado.

Adrián: De la línea de los que teníamos como Shambala. Es normal que entre discos, nosotros saquemos EPs. “Oportunidad” es el segundo sencillo de este EP, ¿cómo surgió esta canción?

Mariano: Estábamos ensayando y apareció una especie de groove y después se fue armando al pasar. Como que tiene cierto aroma a una música que hicimos en los noventa, también como “Camboriú”. Tal vez tiene alguna referencia a la época de Trance Zomba, de Dopadromo, un poco. La letra.

A lo largo de casi tres décadas han mostrado una evolución constante, lírica y su musicalmente. ¿Es así como se lo trazaron desde el principio, no estancarse y no tener miedo a experimentar?

Mariano: Sí, siempre nos planteamos ser una banda de obra. Nuestra búsqueda nunca fue un punto de hacer un disco y de buscar un suceso efímero. Desde que comenzamos siempre nos interesaba la acumulación de obra. Eso no se planea, o sea, se sueña o vos podés tener esa intención, pero se te puede dar o no, porque también se puede parar.

Pero sucedió y se escucha en cada disco.

Adrián: A diferencia de todas las bandas que puedas nombrar, no sólo anglo, latina, de

lo que sea; Babasónicos tiene una regularidad de producción de obra. Y esa obra discute la contingencia del presente donde se hace.

Entonces está siempre probando los límites de ¿Dónde se encaja? ¿Dónde se ubica? ¿Qué provoca? Vos podés tener ahí bandas que a lo largo de treinta años, podrán tener ocho discos, quince… ni sé cuantos. No sé el número que tenemos, imagínate la cantidad de discos, les perdimos la cuenta, incluso que están todos en vinilo, menos los de los remixes. Eso es lo que tiene Babasónicos, es una banda que es actual, que no necesariamente tiene que vivir de un repertorio. Cada disco que saca, le provoca o trae aparejado un nuevo territorio de exploración y un nuevo público. Ese cambio nos trae público y la aventura de ampliar nuestro territorio.

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“CADA DISCO ES UN MUNDO EN SÍ MISMO, UN MUNDO APARTE. EL DISCO QUE VIENE AL OTRO, NO TIENE NADA QUE VER CON EL ANTERIOR” MARIANO DOMÍNGUEZ

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“A DIFERENCIA DE TODAS LAS BANDAS QUE PUEDAS NOMBRAR, NO SÓLO ANGLO, LATINA, DE LO QUE SEA; BABASÓNICOS TIENE UNA REGULARIDAD DE PRODUCCIÓN DE OBRA” ADRIÁN DÁRGELOS

A lo largo todo ese bagaje musical les ha tocado vivir la evolución de la industria musical y de como ha cambiado la manera de hacer y lanzar música. ¿Hay algo que extrañen de cómo se hacia en el pasado o que destaquen de cómo se trabaja ahora?

Mariano: Cuando nosotros empezamos, todavía había discos, cassettes; recién el Cd era algo novedoso. Hemos vivido todas las transiciones, todos los transportes. Vendo paso a ser el download digital, el empezó el streaming; vimos pasar todo. No se que es mejor. En definitiva, lo bueno es que lo que imprima es el contenido, no importa el transporte, ese va cambiando. Lo que rescato de esta época, del streaming y de la inmediatez, donde la gente tiene la música, todos los discos de todo lo que quieran adentro del teléfono; es que existe eso. Puede ser bueno o puede ser malo, tener todo al alcance bien usado, está bien, mal usado te puede confundir.

En el pasado se invertía más tiempo en escuchar un disco completo, no era tan efímero.

Mariano: Sí, cuando nosotros éramos chi-

cos nos podíamos comprar uno, dos discos.

Todo era mucho más pensado y valorado. En este caso el disco sale un viernes, al siguiente sale otro y el que salió el viernes pasado ya quedó viejo, sólo dura una semana. Cuando era chico me compraba un disco y lo escuchaba seis meses. Le miraba la tapa, son distintas formas, no sé si es mejor o peor. Lo bueno es que la gente escucha muchísima más música de la que escuchaba antes. Todo el mundo tiene un Spotify en el teléfono y todo mundo escucha cualquier música.

Antiguamente era una cosa mucha más cerrada, más de tribu. Ahora hay mucha más amplitud y la forma del streaming ayuda al eclecticismo y poder escuchar cualquier cosa.

Esta época genera artistas nuevos que tienen la cabeza llena de distintos extractos, entonces surgen artistas que se componen de música muy diversa. Los artistas de esta generación tienen una amplitud que está buena y que te sorprenden por tener diferentes estilos. ¿La idea de lanzar música en formatos físicos como el vinilo, responde a una cuestión de nostalgia, de tendencia o más bien que simplemente prefieren que de alguna manera su música sea además tangible?

Adrián: No es que tengamos preferencia. Cada uno, si no es que casi todos, ya usan streaming, pero no hay muchas personas que tengan audio hi fi. A nosotros nos entretiene que exista también (música) para formatos de audio hi fi, porque el formato de streaming es comprimido. Pero no es una cosa que nos plantee una incomodidad. Siempre hubo multiformato y con calidades distintas. Lo que es más difícil en la actualidad es que el músico gane dinero, porque se mediatiza mucho más y está mucho más concentrado. Actualmente lo único que queda son los shows.

Adrián: Básicamente lo que ves ahora es eso, se “cartelizan”, se “enblocan” y se ponen atrás de los grandes servidores, no sé, los grandes monetizadores y no se pueden auditorías, porque son todas algorítmicas. Es complicado para determinado tipo de música resaltar donde los grandes volúmenes del consumo se los lleva cualquier otra cosa.

Ustedes consiguieron ser firmados por las tres disqueras multinacionales más importantes Adrián: No sé, el pasado tampoco era mejor. Había seis (disqueras) multinacionales cuando nosotros empezamos a sacar discos.

Hay tres, pero en Argentina hay una que no está o al menos no saca discos de bandas argentinas.

Proceso de composición Mariano: Medio se nos va revelando, las canciones comienzan de una forma muy rústica. Tal vez con una guitarra, una voz o un teclado, alguna pista, alguna melodía y después vamos construyéndola en el estudio.

No sé si pensamos demasiado como va a sonar en vivo. En general, lo que buscamos es producirla de una manera que nos resulte novedosa, tratar de maximizarla. Después hay canciones que tenemos que aprenderlas a tocar en vivo. No es algo que pensemos demasiado cuando componemos. Nos interesa mucho la grabación y que sea la mejor grabación posible. ¿Cómo describen esa relación entre el público mexicano y la música de Babasónicos?

Adrián: Es como nuestro público formativo, no somos tan extranjeros. Nosotros empezamos a tocar acá con lo que sucedía en Buenos Aires. DF y Buenos Aires con dos ciudades que nos amparan y nos contienen.

Hicimos discos acá, tuvimos contratos discográficos desde acá y hemos empezado giras desde acá, ¿viste? Algunas canciones fueron compuestas también acá. No se si tenemos una distinción tan grande o si nos damos cuenta que somos extranjeros acá. Donde nos desarrollamos como músicos, desde un principio, fue en México también.

Mariano: Y también empezamos a tocar acá a la par de hacerlo en Argentina. Desde el año noventa y cinco que fue la primera vez que vinimos a tocar, lo hicimos en antros, sonde las bandas emergentes de México han tocado. De alguna forma hicimos el mismo camino como si fuéramos una banda de acá. Durante años nos ganamos nuestro público en la calle. Todo ese tiempo de formación tocando en lugares más callejeros, de alguna forma nos dio esa relación estrecha con el público mexicano.

Adrián: No hay estado de México que no tocamos. Hemos tocado en todo México, como en toda Argentina.

CANCIONES IMPRESINDIBLES Irresponsables Infame

El Loco Jessico

La Pregunta Discutible

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Siempre buscaron alejarse de los parámetros de la música argentina ya establecida, ¿con qué disco dirían que llegaron a ese sonido que los hizo diferentes?

Mariano: No se podría decir porque no era una búsqueda de un sonido en particular. Cada disco es un mundo en sí mismo, un mundo aparte. El disco que viene al otro, no tiene nada que ver con el anterior. En general nuestras primeras premisas al entrar a grabar un disco es tratar de no hacer nada parecido al disco anterior. A esta altura lo único que puede pasar es que tal vez, teniendo tantos discos, existan auto referencias nuestras.

Tal vez un tema te pueda remitir a otro tema nuestra de alguna otra época, pero no más que eso.

Cada disco representa un momento y no hay uno que sea más representativo que otro.

Puede ser que alguno haya tenido más éxito, se haya vendido o haya tenido más repercusión que otro, pero para nosotros son todos iguales porque funcionan en ese momento.

Lo que está bueno, es que al ser una banda de una trayectoria larga, no nos hemos emulado a nosotros mismos. Me parece que el logro que está buenos es que cada disco nuestro discute con la época en que vive y no necesita rescatar nada de atrás.

Adrián: No es que busquemos otro sonido o algo que alcanzar, lo mejor es lo que hicimos, para nosotros. Lo que más nos gusta es eso. Seguro cuando venga el próximo disco vamos a estar en esa era y eso es lo que pensamos. Es muy difícil que encuentres eso, bandas que se midan con tanta periodicidad, porque hacer un disco es medirte con el contexto histórico de toda los discos que salen en ese año. No es aislado, está haciendo mucha música en todo el mundo.

The Magic Numbers Quince años de vivir sin pertenecer a una escena

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ormados a inicio del milenio, este cuarteto formado por los hermanos Stodart y Gannon, se encuentran en plena celebración por el décimo quinto aniversario de su álbum homónimo, lanzado en 2005.

Cuando The Magic Numbers irrumpieron en 2002, lograron crecer y hacerse de un lugar en la difícil escena inglesa, la atención que recibieron se centró principalmente en la dinámica familiar del grupo, cuyos integrantes eran los hermanos Romero y Michele Stodart junto a los también hermanos Sean y Angela Gannon. Desde sus primeros conciertos el cuarteto de Ealing, Inglaterra, demostró que no sería una banda convencional, musicalmente hablando.

Tres años después de comenzar su andar, la agrupación lanzó su primer álbum, The Magic Numbers (2005). Este fue un disco cuyas canciones llenas de armonías y letras encantadoras, los puso de inmediato en los planos internacionales. Sencillos como “Forever Lost” y “Love Me Like You” dejaron implícito el hecho de que parecían no esforzarse mucho en hacer buenas canciones con un excelente balance lírico y musical. A decir verdad, sus canciones son agridulces. Las me-

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Gullick5518

lodías felices son engañosas y las letras son muestra de pérdida, desamor y alienación.

Llegaron entonces la giras por Reino Unido y el resto de Europa, después Estados Unidos, Nueva Zelanda, Australia y Japón. En México debutarían en 2007, cuando fueron parte del Vive Latino de aquel año.

Pero en aquel entonces no todo era miel sobre hojuelas, pues si bien es cierto que a la prensa en su mayoría parecían gustarles, también tenían ciertos detractores. The Magic Numbers continuó creando música, lanzando álbumes y girando al rededor del mundo. Todo con una basta variedad musical que combinaba sonidos clásicos con una persistente influencia de indie, country, folk y soul.

La banda admite que no encajan precisamente en el molde convencional del rockstar ni de la estrella del pop, pero, en entrevistas han dejado evidente su molestia por las burlas que han recibido debido a su peso. Esto ni por mucho ha mermado su talento. Si bien cada uno de los integrantes aporta en la composición de los temas, es Romeo quien además se encarga de respaldar la producción de la banda. Si bien decidieron alejarse de buscar repetir la fórmula de su primer disco, en 2006 llegaría Those The Brokes, luego The Runaway (2010) y Alias (2014);

“Tenía 8 o 9 años cuando me di cuenta de que quería hacer esto, y siempre me he sentido un poco solitario, así que eso funciona bien porque eres mucho más reflexivo, te vuelcas hacia tu interior”

Platícame sobre la reedición de su álbum debut.

Decidimos relanzar el disco en vinilo, porque siempre nos gusto la idea de tenerlo en ese formato. Incluimos mucho material inédito, como b sides, demos y otras cosas. Nunca habíamos hecho algo así.

Ahora que han abierto el baúl de los recuerdos, ¿qué diferencias destacarías en lo hecho en este álbum en comparación con lo que mostraron en Outsiders?

Pienso que hay mucha inocencia. Ese álbum fue resultado de la primera vez que entramos a un estudio y nuestras primera experiencia haciendo todo eso que significa grabar un disco. Actualmente creo que somos una banda más madura y con un sonido más definido, que fuimos transformando a lo largo de los años. El primer álbum siempre es especial porque marca el inicio de todo. Seguimos amando esas canciones y nos parecen grandiosas. ¿Cómo describirías su sonido actual?

Es una mezcla de mucha de la música que nos encanta. Diría que tiene algo de pop, country, soul, rock. Creo que nuestras letras tienen mucha tristeza y melancolía, pero también mucha felicidad que se escucha en los arreglos que resultan mucho más divertidos, musicalmente hablando. ¿Hay alguna canción de este primer álbum que recuerdes con más cariño?

Sí, creo que una de mis favoritas es “This Love”, una canción que escribí a mi abuela. Eso lo convierte en una canción muy especial para mi. De hecho la tocamos en el último show que tuvimos. Definitivamente me gusta.

¿Qué tanto ha influido tu personalidad introvertida en la composición de las canciones de The Magic Numbers?

Creo que definitivamente me ayuda, en el sentido de la soledad y alejarme un poco de la vida de alguna manera. Tenía 8 o 9 años cuando me di cuenta de que quería hacer esto, y siempre me he sentido un poco solitario, así que eso funciona bien porque eres mucho más reflexivo, te vuelcas hacia tu interior. Durante toda mi adolescencia, solo quería aprender a tocar. Para mi la música fue el motor principal, así que pasé mucho tiempo escribiendo y componiendo; sintiendo que necesitaba crear algo propio, lo que creo que también es muy importante. ¿Sientes que estar inmerso en la música te ha dado mayor confianza?

Definitivamente, la música ha sido algo de lo que extraigo confianza.

Probablemente tengo más confianza cuando sostengo una guitarra y toco algo. En términos de dónde estamos ahora, nombrando un disco Outsiders, creo que hay más de una comprensión de que nunca hemos encajado realmente en una escena en particular o hemos tratado de perseguir algo y adaptarnos al sonido actual. Hemos seguido nuestro propio camino, amamos eso y lo abrazamos aún más.

Y eso se ve reflejado en las canciones de la banda.

Sí, es como una forma de acercarse a la esencia de lo que estamos tratando de decir, desde un ángulo diferente. Siempre me han encantado los compositores como Tom Waits que crean un mundo, pero para mí en el pasado era una composición mucho más inconsciente. Empezaré a tocar y habrá una melodía y cantaré lo que sea y sólo tendré notas de voz o un dictáfono y es una especie de flujo de conciencia.

Luego sacaré las cosas de la sensación de lo que estoy tratando de decir y luego lo cincelaré, pero he sido consciente de buscar diferentes formas de sentir la canción.

Hay una buena relación entre el publico mexicano y The Magic Numbers.

Es algo hermosos porque hemos dado shows fantásticos en México. El público es muy apasionado y sentimos como si fuera nuestra segunda casa. Es como estar entre nuestra familia. Cuando estamos ahí lo hacemos como si fuera una reunión entre amigos y hacen que todo fluya de manera natural. Es asombrosa la comunión que se siente cuando salimos al escenario. En verdad esperamos que llegue el momento de llegar a México para tocar de nuevo ahí.

Hablando de los shows en vivo ¿me parece que hacen una buena mezcla entre lo antiguo y lo nuevo, ¿es así?

Buena pregunta, definitivamente ahora es más difícil armar un set, porque tenemos tantas canciones que queremos tocar. Siempre cambiamos las cosas y tenemos más confianza para mostrar en el escenario las canciones más recientes junto a las más antiguas.

Dato curioso: Es celebre su huida del show de TV inglés Top Of The Pops, luego de que previo a su presentación, recibieron insultos por Richard Bacon, conductor del programa, debido a los físicos de los hermanos Stodart y Gannon. Recibieron gran atención de la prensa por ser la primera banda en irse del programa

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continuaron mostrando su habilidad para abarcar otros géneros sin dejar de ser fieles a la esencia del grupo.

Con Alias su estilo pop de los 50 y 60 se hicieron aún más evidentes.

Este álbum apuntó directamente a ciertos artistas influyentes como Fleetwood Mac en “Thought I Wasn’t Ready” y Arcade Fire en “Accidental Song”. Una de las canciones que aparecen en el disco, incluso se llama “Roy Orbison”. Es justo decir que los últimos tres álbumes de la banda tuvieron una trayectoria descendente, tanto en términos de ventas como de recepción de la crítica. Esto debió hacer que la banda se sentara y se diera cuenta de que si querían seguir siendo relevantes tendrían que empujar un poco el bote.

Outsiders (2018) es hasta ahora su último material de estudio. Fue más bien un disco introspectivo en el que Romeo proyectó mucho de su personalidad, pero también de lo que The Magic Numbers era en ese momento. A la espera de nueva música, la banda se ha embarcado en una gran gira para celebrar quince años de su primer larga duración. De este disco lanzaron una edición de lujo con 29 canciones donde se incluyen rarezas, reversiones de algunos temas, demos y versiones en vivo.

Brett Anderson El lado nuclear del britpop

“El libro es intransferible, y esa cualidad es un tanto ruda. Creo esa es una gran diferencia entre escribir una canción y un libro, el nivel de intimidad que encierra cada uno”

TXT:: Wenceslao Bruciaga FOT:: Ed Webster

Brett Anderson parecía ofrecer una versión alternativa y certera de homosexualidad que por ese entonces vivía, mamando verga en los baños del Sanborns o en los asientos del Savoy, el cine porno del Centro Histórico del entonces DF. Anderson salía decadentemente afeminado, fajoneándose a botargas de cerdos en proletarios edificios de hormigón que lograban transmitir, más allá del videoclip, un tufo a pañales usados y corrosión nuclear, sin que la bomba hubiera caído. Suede siempre fue el retrato, honesto y visceral, de la Inglaterra desfavorecida, donde hasta la ironía era un lujo. Al final, la banda de Jarvis Cocker fue devorada por la inesperada complacencia clasista, derivada curiosamente, de la misma crítica a la clase media que se desborda en el Different Class, sin duda un disco enorme. Pero, me da la impresión que buena parte de los fanáticos de Pulp lo conforman burgueses como la morra que protagoniza el himno del britpop, Common People y Cocker abrazó tal consecuencia sin reticencias. Ni bueno ni malo. Sólo que los auténticos jodidos nos quedamos con Suede y sus letras extraídas de los rayones en los triplays de los wáteres masculinos de los baños públicos, como escribe Brett Anderson en sus libros de memorias Mañanas negras como el carbón y Tardes de persianas bajadas, traducidos al castellano por Editorial Contra, que dejan muestra del gran talento de Anderson como escritor.

De hecho, al finalizar Tardes… me queda la problemática duda de si Anderson será más que escritor, en su cliché tradicional, que el emblemático líder de la banda de britpop más coherente con su realidad: No me odies por esta pregunta, pero: ¿te sientes como un sobreviviente del Britpop?

No lo creo. Entiendo que a muchos les gustaría escuchar algo motivacional al respecto, pero no. Estoy simplemente agradecido de tener una segunda oportunidad con Suede y volver a grabar discos en lo que se conformó como una trilogía. He sentido la experiencia como si tuviera una posibilidad de corregir ciertos errores, muchos de ellos con la necesidad de complacer o alimentar la fantasía de prensa de eso del britpop. Pero no lo vería tanto como sobrevivir, sino, más bien, hacer de Suede algo que tenga coherencia con los temas que me obsesionan…

Escribiste Mañanas negras como el carbón al mismo tiempo que producías The Blue Hour…

Fue un proceso de suerte y agradecimiento. Era un disco cuyo material, inconscientemente, venia trabajado desde hace tiempo, por las letras que estaba escribiendo a lo largo de los últimos años, y que sentí la necesidad de que tuvieran un canal de escapatoria. Y una buena forma de sacarlo a la realidad, fue mediante la incursión en un álbum. Creo que por eso, la grabación de The Blue Hour fue relativamente rápida, porque la mitad del proceso ya estaba lista, mientras que las sesiones musicales tenían muchos ensayos adelantados, incluso arreglos con las orquesta, que fue la Filarmónica de Praga, sobretodo en los detalles de cuerdas,

que son los que a veces nos detienen, por la búsqueda de la satisfacción de un resultado específico. Al final, estoy muy satisfecho con el resultado: es un disco largo, un poco complicado en cuanto a su estructura y melodía. Definitivamente no es un disco fácil. Como venía trabajando desde hace mucho con las letras, tienen un carácter un tanto desolador, que es proporcional al hecho de que te vas haciendo viejo…

Noté eso en el disco, y los videos de los sencillos, “The Invisibles” y “Life is Golden”, que grabaron con drones en Chernóbil, tenían una combinación de pesimismo y esperanza bastante escalofriante…

Quería capturar mi idea de que cuando empiezas a hacer discos, todo es fresco, novedoso y nuevo. Las expectativas son adrenalina y las letras responden a eso. Todo es un proceso por impactar de un modo excitante o sorprendente. Y rápido. Te esfuerzas demasiado por escribir canciones que en tu mente se pretenden épicas, fantaseando con la respuesta del público o la crítica. Es inevitable eso. Pero, conformes te haces viejo, te das cuenta que lo importante no es sorprender sino explicarte lo que en ese momento te aflige y hacer algo creativo con eso. Si algo nos propusimos en Suede es nunca repetirnos a nosotros mismos. Pero no como un mantra intelectual para mantener un grado de pureza o lealtad o ese tipo de cosas. Es más como un consejo terapéutico, para encarar el hecho de que jamás volveremos a ser esos jóvenes. Y la cosa se complica cuando reparas en el hecho de que tienes escritas más de cien canciones que por lógica se vuelven reiterativas y la única forma de reinventarlas en con la electricidad del escenario. Así que cuando te rindes al hecho de la edad, escribes conforme a tu madurez o lo que eso signifique, historias que tienen que ver con tu momento, con esos espasmos anodinos entre una canción y otra que la mayor de las veces encierran más conocimiento que la búsqueda constante de material creativo por medio del frenesí… ¿Cómo vives la diferencia entre escribir un libro y escribir canciones?

Escribir un libro, el que sea, es un asunto que tiene que ver con la memoria y a ninguna otra cosa más. Incluso la ciencia ficción parte de hechos vividos para plantear futuros posibles. Suede es una banda que se ha caracterizado por fetichizar la memoria. Una mirada descarnada puesta sobre la memoria. La mirada en el pasado es importante para que la lógica del presente no sea tan dura. Debo admitir, sin embargo, que estas posturas se han agudizado, de algún modo, desde que soy padre.

Al ser un hombre que tiene hijos, te dejas llevar por cómo ellos te apreciarán cuando escuchen tus discos o lean tus libros. Al final, serán ellos los que se encuentren con tu posteridad, y probablemente a una edad en la que no están muy preparados para entender el mundo. Me inquieta esa forma en la que mi hijo reaccione cuando escuche por primera vez un disco de Suede. Sin embargo, un disco tiene las ventajas de insertar la memoria en notas y arreglos musicales que te ayuden a identificarte con esas memorias inscritas en las canciones, hacerlas tuyas. Tener música detrás de letras tuyas es algo simplemente fascinante. Porque se complementa y algo muy importante: te ayuda, en muchos niveles, sobretodo en el emocional. Una frase no suena igual con música de fondo que en completo silencio. La digieres de una forma completamente distinta. Son procesos diferentes. El libro es intransferible, y esa cualidad es un tanto ruda. Creo esa es una gran diferencia entre escribir una canción y un libro, el nivel de intimidad que encierra cada uno.

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stoy consciente que la comparación sonará chocante e innecesaria, pero siempre me ha gustado, y obsesionado, más Suede que Pulp, desde que el video de “Animal Nitrate” se atravesó por primera vez en mi vida, casi al mismo tiempo que descubría el olor del nitrato de amilo, mejor conocido como poppers, cuando se conseguían finos y a muy buen precio en los puestos de la calle Jesús Carranza, en Tepito, a principios de los noventa.

Juliet The Maniac Una novela de Juliet Escoria TXT:: Efraín Ramírez “Mako” FOT:: Saja Montague

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legar a este libro fue parte de una suceso extraño. Entré a una tienda de discos en Brooklyn y me llamó la atención el nombre, después de observar el libro me pareció que sería un buen regalo para alguien. Juliet The Maniac nunca llegó a las manos de la persona a la que se lo iba a dar por razones que conozco pero de las cuales no vale la pena hablar. Un día estaba viendo qué libro comenzaría a leer y decidí tomar esa portada rosa pálido y comenzar a hojearlo. Me encontré con Juliet, el personaje principal, una chica en plena adolescencia que mostraba tendencias autodestructivas y suicidas. Como buena adolescente creía que el mundo a su alrededor estaba mal y que la ayuda que recibía no era necesaria. Un personaje con trastorno de bipolaridad refugiada en sexo, drogas y autodestrucción.

La trama me fue envolviendo y me clavé un poco más en la Juliet que escribió el libro. Encontré un playlist que hizo Juliet Escoria con las canciones que ella escuchaba mientras escribía el libro, la lista comienza con “Tonight” de The Soft Boys y termina con “Fan the Flames” de Sheer Mag, pasando por Bright Eyes y Spiritualized.

“Hay muchas cosas que aprender ante un intento de suicidio.

Aquí hay una: la sensación más vergonzosa en el mundo es despertar en el hospital después de un intento fallido” Juliet the Maniac, Juliet Escoria (Melville House, 2019) Juliet The Maniac es la primera novela de Juliet Escoria, es una texto basado en su vida pero con un toque de ficción. Mientras lo leía me iba identificando con algunas cosas pero también iba notando que Juliet cumplía con ciertas características de varias personas que conocía. Durante mi adolescencia algunos de mis amigos se cortaban, iban al psicólogo y un par tuvieron intentos fallidos de suicidio. En mi cabeza era algo normal pero que a mi no me pasaba, yo no estaba triste, no me cortaba, no conocía la depresión. Pero a veces esas cosas te toman por sorpresa, años después me reventaron en la jeta una serie de eventos desafortunados, hay días buenos y hay días nada más… Con el tiempo me di cuenta que no estaba solo y que la ayuda estaba frente a mis ojos.

Este libro me ayudó a entender muchas cosas pero lo primordial fue que la mejor forma de mejorar tu salud mental es comenzar aceptando que tienes un problema, que la gente a tu alrededor te ayuda o perjudica para tomar ciertas decisiones pero que al final, cuando miras atrás debes sentir cierta empatía por esa persona que dejaste de ser.

Si entendemos a esa persona que éramos antes va a ser más sencillo intentar cambiar en el presente. Uno no puede vivir pensando en que ese adolescente con problemas hizo mal las cosas y que no lo puedes perdonar, debemos de abrazarlo y pensar que en ese momento de su vida el contexto y la química de su cabeza provocaron que cometiera errores.

Primero que nada ¿por qué empezaste a escribir?

Cuando era joven pensaba que escribía porque los profesores me decían que era buena para eso. Como adolescente lo usaba una salida, me sentía muy mal o muy bien, y a veces me cortaba y otras veces me drogaba y otras veces escribía poesía. Ahora como adulto lo siento como mantenimiento. Cuando estoy escribiendo me siento mejor conmigo misma y con el mundo, mi cerebro se siente más organizado y limpio por alguna extraña razón. ¿Por qué decidiste hacer una novela inspirada en tu vida?

Solo sentí que tenía que contar esa historia, la historia de mi como una adolescente descubriendo que tenía una enfermedad mental y que eventualmente me enviaron a una escuela internado terapéutico. Decidí hacerla una novela porque simplemente esa es mi tendencia. No me gusta estar confinada a la verdad y no estaba interesada en tener los detalles bien en términos de lo que realmente ocurrió. En el libro Las cosas que llevaban los hombres que lucharon de Tim O’Brien, él habla de la “verdad emocional” y eso fue en lo que estaba realmente interesada en escribir, no en cómo era si no en cómo se sentía.

Según la Asociación Internacional de Prevención del Suicidio, cada cuarenta segundos ocurre un suicidio. Por cada suicidio, 25 personas han intentado suicidarse y muchas más personas han pensado en hacerlo.

Si tienes una crisis recuerda que no estás sólo.

¿Cuál es la parte más difícil de escribir cosas nuevas basadas en memorias de momentos de tu vida?

Hay momentos que están muy lejos de poder ser disfrutados. Para entrar realmente en un escrito debes dejar que esos sentimientos y esa persona te ocupen y no es divertido ser asumido por una adolescente con problemas mentales. Últimamente, he estado trabajado en un proyecto basado en otro momento escabroso de mi vida, cuando estaba en una relación horrible y era adicta a los opioides, es muy incómodo escribir sobre eso, sale mucha culpa y pena. Tengo algo en mi que es autodestructivo y he sido capaz de convertirlo en comportamientos más sanos con el tiempo. Ahora, en lugar de hacer cosas como drogas lo expreso a través de la escritura. Todavía toca y molesta de una manera poco saludable y es un método que uso para ver la realidad, pero al menos resulta en algo positivo. ¿Cuánto tiempo te tardaste en escribir esta novela?

Depende en cómo lo quieras ver. Al principió intenté escribirlo en el 2010 pero sabía que todavía no era tan buena escritora para completarlo. Lo volví a intentar en 2012 y falle otra vez. Esta versión en verdad la comencé al final del 2015 y la terminé el primer borrador un año después, en el invierno de 2016. Me tardé un año en ir y venir con mi agente, haciendo ediciones y tratando de encontrar alguien que lo publicara y después otro año o algo así hasta que Melville House lo adquirió.

Para algunas personas escribir es una terapia ¿Crees que escribir este libro te haya ayudado a encontrar nuevas cosas que no te habías fijado o a cerrar capítulos de tu vida que tenías bloqueados en tu mente?

Si, claro. Lo principal es que gané mucha empatía hacia mi como adolescente, era algo que necesitaba. Me juzgaba mucho por varias decisiones que tomé y estaba frustrada porque no había podído manejarme mejor. Sabía que de una forma lógica yo estaba enferma y era una niña pero no podía dejar de juzgarme y de dejar la frustración en un nivel emocional. Fue de mucha ayuda pasar todo este tiempo con la persona imaginaria que se parecía a mi pero que no era yo. Sentí ternura y el deseo de proteger a este la Juliet del libro de una manera que no era capaza de sentir con mi yo adolescente.

Hay mucha gente que dice que las nuevas generaciones son frágiles y que se deprimen por cualquier cosa ¿Crees que los más viejos necesitan aprender más sobre la salud mental?

Yo creo que somos mejores reconociendo las señales y teniendo ayuda para las enfermedades mentales. Los más viejos también son frágiles y depresivos pero al parecer prefieren enterrarlo a tratarlo. Pero yo creo que vivimos en un tiempo distinto, un momento más ansioso. Tenemos el cambio climático, claro, y en Estados Unidos, por lo menos en mi generación tiene una inseguridad económica que mis padres nunca pasaron. No soy dueña de una casa, debo $40,000 dólares de mi préstamos como estudiante y apenas hace dos años tuve mi primer pago decente por un trabajo. Creo que la mayoría de nuestra ansiedad proviene de que estamos desconectados por la tecnología y también hay cambios en la sociedad que nos hacen orientarnos menos hacia una comunidad o hacia una familia. Yo creo que los humanos deberíamos pertenecer a una tribu, pero existimos este mundo muy solitario.

Nada Surf A inicios del año, la banda neoyorquina lanzó Never Not Together, su décimo álbum.

TXT:: Sergio Benítez FOT:: Annie Dressner

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este disco recuerdan la calidez y honestidad de sus canciones más emblemáticas como “Popular”, “Always Love” o “See These Bones”.

Estribillos pegadizos y suaves armonías que, para este álbum, se grabaron en los Rockfield Studios de Gales.

Tras el lanzamiento de su anterior LP You Know Who You Are (2016) y el álbum en vivo Peaceful Ghosts, Nada Surf celebraba el quince aniversario del lanzamiento del emblemático Let Go. Esa experiencia impulsó la planificación temprana de Never Not Together. Las canciones que conforman

Nada Surf no tiene vergüenza cuando se trata de escribir canciones pop.

Matthew Caws, voz principal, ha llegado a aceptar ese hecho durante los últimos 18 años de existencia de la banda. Después de lanzar siete álbumes, Nada Surf ha explorado todos los temas posibles en su composición: amor, desamor, indecisión y más. Es Matthew quien nos habla de lo nuevo de la banda.

Nada Surf, nos sorprendió con el lanzamiento de su nuevo álbum. Never Not Together es una colección de nueve esperanzadores temas que evocan y reflejan emociones de forma elegante e intrincada. Este es el sello de guitarras melodiosas que caracteriza a la banda de Matthew Caws, Daniel Lorca, Ira Elliot y su amigo y colaborador Louie Lino.

“Es un disco lleno de energía, de energía positiva para afrontar situaciones difíciles.”

El sonido de la banda cambió, ¿esto se debió a todo este tiempo que se tomaron y pasaron fuera del estudio?

Bueno son preguntas difíciles de contestar, porque tendría que dar una respuesta muy aburrida al definirlo. Pero si tuviera que definir nuestro sonido, alguna vez le dije a un taxista que éramos como helado de chispas de chocolate, pero sin muchas chispas. El sonido ha cambiado porque no tenemos presión para hacer las cosas. En cuanto al sonido, debería decir que es una mala versión de The Beatles. Entonces no lo sé. Es un sonido fuerte y agridulce, a pesar de tener canciones tristes, nunca quieren estar tristes.

Creo que sí, nos tomamos como cuatro años, entre 2016 y 2020. No fue como que pensáramos que habían pasado cuatro años entre un álbum y otro porque estábamos de gira. Pero sí nos tomamos un poco más de tiempo para hacer la música. Me casé, tuve un hijo y esas cosas; entonces estaba ocupado. Incluso si no estoy haciendo música todo el tiempo, cuenta como tiempo para que tu cerebro quizás vaya a un lugar diferente o se relaje más o algo así. Entonces. Entonces, es cierto en cierto sentido, ya sabes, es un gran lujo dejar pasar mucho tiempo entre discos. No es una buena idea, pero definitivamente son algunos aspectos positivos. ¿Cómo describirías Never Not Together?

Es un disco lleno de energía, de energía positiva para afrontar situaciones difíciles. Sobre todo por los momentos sociales y políticos que estamos enfrentando y que son particularmente complicados. Es (un disco) sobre ser positivo y tener la energía para serlo. Hay canciones en el disco como “Come Get Me” que suena simplemente a pop norteamericano.

Es algo entre lo que puedes escuchar en artistas como Tom Petty y Bruce Springsten.

Cada disco es un retrato del momento que vive la banda en ese entonces y luego del éxito que obtuvieron con Let Go (2002), ¿sintieron alguna presión extra cada que editaban algún nuevo álbum?

Sí mucha. Además, porque ya no consumo drogas. Pero Let Go es un álbum muy stoner. Como un álbum de marihuana. Y fue el primero que hice de esa manera. Y de repente, ese fue el primer álbum que realmente le gustó a la gente.

Eso fue un mal estímulo. Pero sí, sentí mucha presión después de eso, porque fue una sorpresa, yo creo, también para mucha gente. Y la cuestión de sorprender a alguien haciendo algo que les gusta, es que sólo puedes hacerlo una vez. No puedes sorprenderlos de nuevo. Para el primer álbum parece que nos lo tomamos muy en serio, teníamos una canción divertida, al igual que el video. Parecía que habíamos crecido muy rápido, sin embargo para el segundo disco, de alguna manera no mucha gente lo escuchó. Luego para el el tercero fue como “oh, tal vez escriben buenas canciones”.

encanta grabar y me encanta escribir canciones. Creo que escribir canciones y grabar es realmente difícil; especialmente escribir canciones.

Pero de todos modos me encanta. Eso siempre ha sido bastante difícil, porque no siempre soy bueno para concentrarme. Es mucho más fácil comenzar y terminar una canción en el momento, porque cuando la comienzas, tienes la adrenalina de una nueva idea. Y luego, para terminarla, puede ser rápido a veces; pero otras tienes que sentarte y pensar mucho en cada línea.

Sé que les encanta ofrecer shows acústicos ¿qué es lo que más les atrae de arreglar sus canciones para convertirlas en versiones acústicas?

Es una buena pregunta. Es un poco más fácil de presentarlas y cantarlas.

Entonces, cuando nos presentamos en una tienda de discos, en casa de alguien o bueno, en algún lugar pequeño; nos gusta tocar en acústico, porque es más simple. Desde hace un largo tiempo escuchamos mucho a Violent Femmes y Daniel se hizo de un bajo acústico Guild y eso ha ayudado a la banda a tocar más de manera acústica. A Ira le gusta tocar el cajón (acústico). Así que es una forma más fácil y portátil de hacerlo.

Además la mayoría de nuestras canciones, y esto es igual para casi todas las bandas de rock, comienzan sólo con una guitarra. Entonces tiene sentido que nos emocione tocarlas de esta manera simple. En parte lo hacemos así por conveniencia y en parte por porque le da otro sabor que nos gusta.

Otro gusto particular que tienen como banda es hacer covers de artistas que les gustan. ¿Si pudieras elegir un álbum de otro artista para tocarlo en vivo, cuál sería?

Creo que creo que tal vez el primer álbum de Echo en The Bunnymen.

Ese es un disco llamado Crocodiles. Ese álbum es simplemente increíble y muy compacto, es emocionante. Es un poco exótico e incesante, aunque muy normal. Es una banda de rock and roll con un alma viviente, pero de alguna manera tienen este tipo de atmósfera especial que me parece muy emocionante. Y también es porque no es tan complicado.

Es música muy inventiva. Podrías decir, “oh, me encantaría tocar, como banda, el primer disco de Jimi Hendrix”, pero no puedo. ¿Sabes a lo que me refiero? Es imposible. Así que hay muchos discos como ese que sí, me gustaría tocar eso, pero no puedo. No podemos tocar un disco de Led Zeppelin. Pero, Echo en The Bunnymen es más como el tipo de música que me gusta de ese tipo de música. Me gustaba The Who y The Ramones cuando era joven, porque se trataba más sobre las ideas que de la técnica. ¿Hay alguna banda mexicana que llame tu atención?

No lo se. Hay una pero no se cómo se llama. Trae una chamarra que dice “Mexico Is A Shit”, ¿cómo se llama? Ah sí, Mexican Sound Institute. Me gusta.

“Pero si tuviera que definir nuestro sonido, alguna vez le dije a un taxista que éramos como helado de chispas de chocolate, pero sin muchas chispas.”

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Ha sido tanto tiempo juntos como banda, ¿sientes como si todos estos años hubieran sido como una carrera de resistencia?

Hay algunas dificultades. Y más obvias que las que acabo de mencionar.

Supongo que estar lejos de la familia es lo más difícil hasta ahora. El resto es bastante fácil. He visto (nuestros) conciertos por diversión. Me

Canciones imprescindibles: “Popular” “Always Love” “Inside Of love”

Hildur Guðnadóttir Cambiando el rumbo de la música de cine TXT:: Francesc Messeguer FOT:: Oscar Villanueva

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uando aún estaba embarazada de ella, la madre de Hildur Guðnadóttir presintió que algún día su hija sería cellista. Su sospecha estaba basada en el hecho de que todos en la familia – el padre, la madre, los hermanos– son músicos. En 2020, treinta y siete años después de haber nacido en Islandia, en un contexto rodeado de música, se convirtió en la primera mujer en ganar el Oscar por Mejor Música Original en 23 años, y la tercera compositora en toda la historia de los premios de la Academia.

El score que Hildur compuso para Joker –que presenta al cello como su instrumento principal–, rápidamente se posicionó en una de las

piezas musicales para cine más aclamadas y comentadas en los últimos años. Se ubicó como una de las compositoras más prometedoras en Hollywood, tanto por su personalidad, como por su manera original de aproximarse a la música de cine y el camino que está abriendo en un área tradicionalmente dominada por hombres.

Aunque ahora la conocemos como la multipremiada compositora de Joker, Hildur Guðnadóttir no es una cara nueva en el mundo de la música de cine. Se trata de una mujer que ha escrito música para películas y documentales de diferentes países por casi dos décadas. En 2003 conoció al compositor islandés, Jóhann Jóhannsson, con quien

Con este triunfo quizás asistimos también a la consolidación de más mujeres dentro del área de la música de cine.

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colaboró en decenas de películas, entre ellas Mary Magdalene y Sicario, la aclamada cinta del director canadiense, Denise Villenueve. Para su secuela, Sicario: Day of the Soldado –estrenada tres años después y a unos cuantos meses del fallecimiento de Jóhannsson–, Guðnadóttir se convirtió en la compositora principal del proyecto. Con ello comenzó a consolidar su llegada a Hollywood.

Pero Hildur Guðnadóttir no llegó al mundo del cine necesariamente con la intención de convertirse en una compositora para ese formato, aunque esta labor sea lo que más ha ocupado su tiempo en los últimos años. Para ella es importante sentir que no está encasillada en una sola área, y le parece más atractiva la libertad de asumirse simplemente como un músico más, que va y viene entre la pantalla y los conciertos en vivo. Tiene entrenamiento clásico en el cello, uno de sus dos instrumentos principales, junto con la voz, los cuales suelen estar presentes en sus diferentes proyectos. Esto le ha valido una prolífica carrera como compositora e instrumentista, en la que lo mismo ha hecho teatro y lanzado álbumes como solista, colaborado con la banda de doom metal norteamericana Sunn O))) –tanto en el estudio como en los escenarios–, y participado como cellista en el score de películas como The Revenant, de Alejandro González Iñárritu.

Lo que le atrajo del cine fueron dos cosas: el potencial narrativo que tiene la música, al juntarse con la imagen, esto es, poder contar una historia a partir de su score, y la libertad para experimentar dentro del proceso de composición, con texturas, instrumentación, espacios.

Con Chernobyl, la miniserie de HBO, Hildur escribió un score que incorporó sonidos de la planta nuclear que funcionó como locación, mismos que fueron grabados antes de que comenzara la filmación, los cuales también se mezclaron con la voz de la compositora, interactuando con la reverberación del espacio. El objetivo era escribir música que guardara respeto por las personas afectadas en el desastre nuclear de 1986 en la ciudad de Chernobyl, Ucrania, y que al mismo tiempo no fuera solemne.

Para el score de Joker, Hildur fue contactada en la etapa de preproducción por el director de la película, Todd Phillips, para que empezara a escribir música a partir del guión para ser utilizada durante la filmación y así influir en el ritmo e interpretación de los actores. Se trata de una práctica que, si bien existe desde los días de Sergio Leone y Ennio Morricone con Once Upon a Time in the West, se ha ido popularizando y ha sido utilizada en producciones de Christopher Nolan (Interstellar) y del Universo Cinematográfico de Marvel (Guardians of the Galaxy, Vol. 2).

El resultado es una música de cine que no suena a los John Williams y Hans Zimmer del mundo o a sus imitadores. Un estilo mucho más preocupado por el movimiento de los personajes, la fisicalidad de las interpretaciones actoral y musical, las atmósferas que se crean a partir de texturas, más allá de los grandes temas hollywoodenses y los ensambles de percusiones combinados con sintetizadores. Se trata, pues, de una forma de componer que, para empezar, busca estirar los límites de lo que consideramos como música de cine y la manera en que se produce.

Cuando en 2010 se estrenó Inception de Christopher Nolan, la música de cine pareció tomar un rumbo definitivo. El “BRAHM” de los alientos metales y los grandes ensambles de percusión, elementos constantes en el score que Hans Zimmer compuso para la película, de repente invadieron a la industria del cine. Y así trailers y películas de acción por igual utilizaron esos recursos para intentar revelar la escala de los blockbusters a los que pertenecen. Joker de Hildur Guðna-

dóttir de pronto abre la posibilidad de hacer una música de cine para la década que apenas comienza. Si los recursos popularizados por Zimmer definieron a los 2010 –con historias a gran escala– el cello solitario de Hildur podría posicionarse como el estandarte de un nuevo tipo score, cada vez más constante, con ensambles más pequeños, poblado de texturas y hecho para historias más íntimas.

Precisamente porque su score para Joker no es como el que Hans Zimmer compuso para The Dark Knight, en 2008; por el hecho de que la manera de aproximarse al personaje del Guasón es mucho más personal e íntima, alejada de los tropos de una película de acción, como la que dirigió Christopher Nolan, es que la música de Hildur Guðnadóttir funciona en esta encarnación del personaje. Ubicada en una Ciudad Gótica en sucia, en decadencia, y al borde del colapso social, con un personaje frágil como Arthur Fleck que cada vez se acerca, con más apremio, a la locura, al punto de no retorno. A diferencia de la música que acompaña al Guasón de Heath Ledger –en la que la tensión va siempre en aumento, pues estamos frente a un agente del caos que aparece como una fuerza imparable del mal–, el score que acompaña Joaquin Phoenix es constantemente ambivalente y provocativo, pues nos invita a sentir empatía por un personaje cada vez parece mereces menos. Una música no es mejor que la otra, pues ambos Guasones igualmente distintos, pero en un Hollywood dominado por las películas de superhéroes y las grandes franquicias, Joker posee un discurso musical distinto que, sin duda, es bienvenido.

Más allá de su potencial narrativo en la película, que guía a la audiencia en la transición de Arthur Fleck al Guasón, el score de Joker tiene una importancia que no puede ser ignorada. Luego de recibir reconocimientos tanto en los Critics’ Choice Awards como por parte de la Society of Composers & Lyricists, Hildur Guðnadóttir se convirtió en la primera mujer en solitario, en ganar un Globo de Oro por Música Original en la historia.

En febrero compitió por el Oscar a Mejor Música Original, categoría en la que no solamente fue la única mujer entre todos los nominados, sino que además se enfrentó a grandes veteranos de la industria: John Williams, Randy Newman, Alexandre Desplat y Thomas Newman, compositores que han escrito música para algunas de las películas más emblemáticas de Hollywood –Star Wars, Toy Story, Harry Potter– y que incluso se han llevado ya el premio en diversas ocasiones. Por poner un ejemplo, tan solo John Williams ha ganado el Oscar un total de cinco veces, y es la persona viva con más nominaciones al premio, 52, seguido de Walt Disney, quien obtuvo 59, antes de morir en 1966.

En su discurso de aceptación en los Oscar, Hildur hizo un llamado a las mujeres que sienten el llamado de la música dentro de ellas: “Por favor hablen, necesitamos escuchar sus voces”. A lo largo de 92 ediciones de los Oscar, solamente en cinco ocasiones, han sido mujeres compositoras quienes han estado nominadas por Mejor Música Original. Hildur Guðnadóttir se convirtió en la tercera mujer en recibir el galardón en esa categoría, siguiendo los pasos de compositoras como Rachel Portman y Anne Dudley. Y lo hizo en 2019, un año importantísimo para las mujeres compositoras y su impacto en las películas de superhéroes y en la industria. A inicios de ese año Black Panther ganó el Oscar a mejor score. En marzo, Pinar Toprak se convirtió en la primera mujer en componer la música de una película de alto perfil, Captain Marvel, que sobrepasó la marca del billón de dólares en recaudación. En octubre de este año, Hildur Guðnadóttir hizo lo mismo con Joker. Con este triunfo quizás asistimos también a la consolidación de más mujeres dentro del área de la música de cine. Joker es la historia del descenso a la locura de un hombre blanco con problemas mentales.

Es la película cuyo score se podría posicionar como una nueva manera de pensar la música de cine. Pero también puede significar un punto de quiebre y reconocimiento para más mujeres compositoras.

31 Minutos Álvaro Díaz: El conejo rojo amante de la naturaleza TXT:: Karina Castillo FOT:: Cortesía Altafonte

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Minutos ha sido un programa de televisión chileno que se ha ganado el corazón de audiencias jóvenes y otras no tanto. Un noticiero creado por dos amigos dentro y fuera de la televisión: Pedro Peirano, la mente maestra detrás de Tulio Triviño, y Álvaro Díaz, el encargado de darle vida al famoso y querido conejo rojo, Juan Carlos Bodoque. Ambos han trabajado en proyectar a través de un divertido programa con marionetas, los diversos problemas que han surgido alrededor del mundo. Siendo

Bodoque el principal reportero a cargo de comunicar los problemas ambientales en su sección de “La Nota Verde”.

“Bodoque a través de, no sólo de la naturaleza, sino de cosas más vehementes como la ruta de la caca, se hace ver al mundo como una especie de experiencia neutro. Sin tanto juicio, digamos. Y eso sí, yo como periodista, de alguna manera siempre he entendido al periodismo como eso, como que hay que mostrar al mundo desde un punto de vista, decir creo que esto me parece interesante pero no

Aunque pareciera que la marioneta y el que la maneja son personajes aislados, es todo lo contrario. Álvaro, al igual que Juan Carlos, posee ese amor hacia la naturaleza, el gusto por salir de la ciudad a espacios salvajes, sin mencionar su forma de ser solitaria.

Además de que Álvaro me afirma que ambos principalmente cuentan con la mentalidad de que “nada tiene que ser muy preocupante, nada tiene que ser muy grave, tratamos de que la vida sea bastante llevadera”.

Es gracias a esto que Bodoque se ha vuelto uno de los personajes favoritos y más queridos por una generación preocupada por los diversos problemas ambientales a los que se ha tenido que enfrentar el Planeta Tierra actualmente. Un público que el periodista ha descrito como “un público activo, que se ve estipulado a realizar cosas”.

Entre ellos, miles de jóvenes que en los últimos años han decidido alzar la voz, con el fin de defender sus derechos y salvar un mundo en decadencia. ¿Cuánta influencia pudo tener 31 Minutos en esta generación de mente más abierta? Una generación que ha decidido usar como instrumento de protesta pancartas con la imagen de Juan Carlos Bodoque amenazando con su guitarra si no respetas a la mujer... “Si la imagen de nosotros contribuye a hacer una sociedad más civilizada, más tolerante, si sirve de algo, obviamente que nos pone muy orgullosos. Hacemos lo que está a medida de nuestras posibilidades.

Nosotros estamos muy consientes de que los personajes también pierden la imagen, entonces es un límite muy fino y lo mejor que puede pasar es que los personajes en manos de otros, se transformen en un vehículo para este tipo de mensajes”, comenta Díaz.

La tecnología avanza y el programa se renueva Era el año 2003 cuando 31 Minutos salía por primera vez al aire en televisión abierta. Ya han pasado 17 años y 4 temporadas, durante los cuales, el rápido avance tecnológico fue dejando un poco en el olvido los programas televisivos. Acerca de estos cambios, Álvaro explica: “hicimos una película, luego empezamos a irnos para el internet y desde 2012 somos, más allá que un programa de televisión, una banda en vivo. Eso es porque finalmente los cambios tecnológicos, si bien llevan una delantera, la innovación tecnológica te muestra un poco hacia dónde va la cosa, lo importante es saber en dónde está el público. Hoy en día es muy difícil decir ‘voy a grabar un programa para Instagram’ y todo ya no se puede programar tan fácil. Es por eso que hemos regresado a la old school de tocar en vivo. La televisión pese a que se está poniendo muy duro, se está aceptando nuevamente con streaming y eso hace que volvamos

a estar en televisión con entusiasmo. 31 Minutos se adapta hacia donde va el público, siempre va dirigido a él, cambia el formato según su energía”.

Junto con estos cambios vienen también actualizaciones de formatos para continuar atrayendo la atención de nuevas generaciones, convirtiéndose en una evolución constante a la que tienen que someterse. “Creo que tenemos nosotros la virtud de no estar amarrados a un modelo en función o a un formato, sino que más bien, estar en tendencia. 31 Minutos es un mundo y ese mundo podría ir a dicha plataforma, nosotros lo hemos hecho esporádicamente. En medida de que son interesantes o se puede hacer, lo hacemos. A la música en vivo llegamos un poco de rebote pero una vez que le tomamos gusto, uno se va armando de equipo, va conociendo uno como es el ritual, se va enamorando, lo va utilizando. Se siente más cómodo y le va encontrando la gracia. Pero cómo te decía, es muy flexible y va en función de dónde está el público, sino, no tiene sentido hacer algo que no tiene un receptor final” me platica Díaz.

Llegando a la recta final de la conversación con uno de los principales creadores de 31 Minutos, surge el tema sobre las diversas canciones que musicalizaron la infancia de muchos. Temas como “Mi muñeca me habló”, “Tangananica Tangananá”, “Bailan sin Cesar”, “Diente blanco no te vayas”, “Dinosaurio Anacleto”, entre otros. A lo que Díaz comienza a explicarme que en realidad para su composición, se basan en la música que estén escuchando en el momento. “31 Minutos no está amarrado a un género, puede ser la música que queramos y cada uno de ellos aporta algo, sobre todo los que somos un poco más melómanos”, asegura. “Pueden ser ritmos más latinoamericanos, o ritmos más modernos, otras veces puede ser hasta un tango o incluso un bolero, lo que queramos. Entonces nos gusta todo tipo de música, pero son sonidos que vamos buscando y encontrando. Sobre todo la tratamos de buscar en función para hacer determinado material, ya sea un determinado estado de ánimo o determinado personaje, hacer determinados chistes, etcétera”, continuó.

Finalmente el intérprete de Juan Carlos Bodoque, Álvaro Díaz, me habla del programa como un espacio libre, en donde el objetivo es que el público, a través de la comedia, pueda encontrar alegría y “un lugar sin muchas responsabilidades”. Todo esto sin encerrar en una burbuja de cristal a su audiencia. Utilizando como medio personajes sin reglas y creíbles, con imperfecciones tanto físicas como en su forma de ser. Los cuales se han encargado de presentarnos historias entretenidas e interesantes, pero sobre todo, reales. Meta que sin duda alguna, han logrado a la perfección, ya que no importa la edad que tengas, siempre encontrarás un lugar acogedor y lleno de diversión en aquel noticiero titulado 31 Minutos..

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establecer juicios”, me responde Álvaro cuando tras cuestionarle sobre el objetivo que buscaba al crear La Nota Verde.

“Nada tiene que ser muy preocupante, nada tiene que ser muy grave, tratamos de que la vida sea bastante llevadera”

TERCERA GUERRA Y GRAFISMO RADICAL CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

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TXT:: Oscar G. Hernández

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l 2020 llegó con muchas sorpresas y muchas incertidumbres, un ataque a Irak desató la histeria colectiva y el rumor de una tercera guerra mundial.

El primer Papa latinoamericano dijo en alguna ocasión: “El mundo vive una Tercera Guerra Mundial.” No es para menos, basta con ver la cantidad de conflictos armados, catástrofes económicas, pandemias y una enorme lista de barbarismos perpetrados por la especie humana que escuchar algo así de la voz de un líder religioso resulta un tanto obvio.

Peter Kuper hace 40 años observó algo similar razón que lo llevaría a fundar una de las revistas emblemáticas de los Estados Unidos, World War 3 Illustrated.

Kuper con apenas 11 años crearía su primer fanzine y en plena adolescencia conocería a Harvey Pekar con quien publicaría los primeros trabajos de Robert Crumb. Más tarde en el año 79 fundaría a lado de Seth Tobocman su famosa revista.

Son varias las generaciones que han crecido leyendo esta publicación cuya característica principal ha sido la de saber retratar de manera crítica y artística los grandes conflictos sociales de la era moderna. Peter Kuper en su faceta de editor, conserva e impulsa la vieja escuela de periodismo de investigación que trata con seriedad a través del arte secuencial la historia de la postguerra y sus secuelas. Esa postguerra europea tiene una resonancia tristemente viva en nuestros días, la cual mutó de los conflictos armados a los conflictos económicos.

La revista de Kuper se enmarca como uno de los pilares del ahora tan en boga llamado comic-periodismo o cómic-documentalismo. Mucho antes del boom alcanzado por Joe Sacco y tantas publicaciones que hoy día editan comic-reportajes, la visión de Kuper y su equipo cimentó este género de la narración gráfica.

Más allá de lo logrado por Kuper como editor y biógrafo del mundo; su trabajo individual se destaca no sólo por la capacidad que tiene para contar historias dibujadas, sino por ser de los pocos autores de renombre en el

cómic que arriesgan en lo gráfico. Su narración ha explorado varios estilos plásticos a lo largo de su carrera los cuales van de la línea clara al esténcil, del uso de los negros en plasta y el scratching, hasta gamas enormes de color ya sea al lápiz, crayón o al aerosol.

Su experimentación la vemos en historias para la que es capaz de crear series en el más puro modelo clásico de la tira cómica estadounidense como lo es su Spy vs Spy de la revista Mad o sus libros para niños como Teo y la Nota Azul, hasta modelos complejos de cómic mudo en su novela El Sistema. En dicha novela gráfica Kuper hace gala de virtuosismo desplegando una serie de relatos cruzados en perpetua acción, procurando el vértigo al lector página tras página. La gráfica que utiliza en esta ocasión vuelve a ser el esténcil al aerosol con una composición en sus viñetas que rinden un evidente homenaje a Frans Masereel.

La obra de Kuper es prolífica y multipremiada. Este narrador gráfico alguna vez se instalaría en México para desarrollar una novela sobre el conflicto magisterial oaxaqueño del año 2006 titulada Diario de Oaxaca y del cual tiempo después surgiría su novela gráfica sobre México ganadora al Eisner.

Al parecer 15 años después el sureste mexicano le requiere nuevamente para realizar una segunda parte. Este año Kuper se instala en Oaxaca para continuar con su famoso diario.

Art Spiegelman dijo refiriéndose al World War 3 Illustrated “Es duro mirar estos comics; en el sentido de que representan el reto tan exigente del arte”. Cuando el autor de Mouse fue censurado en los Estados Unidos, Kuper fue el único que se atrevió a publicarlo.

En nuestro contexto de hoy día donde aparecen una infinidad de sucesos que muestran una cara de un mundo bastante chafita, resulta necesario acercarse a autores de la estatura de Peter Kuper fundador de un área de la narrativa dibujada alejada de la sátira en la que retrata realidades, económicas, sociales y políticas desde un cómic nada caricaturesco.

REPORT

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MIRANDA ROSALES CÓMIC Y NARRATIVA DIBUJADA

46 Nació en CDMX. Estudió diseño y comunicación visual en la UNAM mientras era autora en la revista digital ROOKIE mag, donde hacía fotografías, gifs animados y fotográficos, escribía, dibujaba, etc.

Ha colaborado en proyectos/exposiciones en México y USA. También hace videos, le gustan los dibujos que se mueven, los sueños y bailar con sus amigxs.

Actualmente está sobreviviendo al 2020 y realiza una novela gráfica cuando no está en su trabajo en ASCO media.

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47 IG: @origami.randa TIKTOK: @flordenube

Dozergirl Ilustradora | Instagram: @dozergirl_

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EVITA EL EXCESO, www.alcoholinformate.org.mx, No de Permiso 193300201A0416

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PRESENTA

R O C K

PA R A

L E E R

DE LA MÚSICA A LOS LIBROS

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23 CUENTOS ILUSTRADOS INSPIRADOS EN LA LEYENDA DEL ROCK

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