Dale 58: Dante

TIENE CONEXIÓN OBVIA CON LOS PRÓCERES DEL ROCK, FORMA PARTE DE UNA BANDA CLAVE EN EL SONIDO ‘90S Y SE ENTREMEZCLA CON ARTISTAS URBANOS. ES EL ESLABÓN PERDIDO DEL ROCK ARGENTINO. Además Camelia Feli Colina Caos Luz Los Videos DALE Fanzine #58 - Agosto ‘19 Distribución gratuita

DANTE

EN ESTA CHARLA HACE REFERENCIA AL AMOR, A EMMANUEL Y EL SONIDO KURYAKI, AL MOMENTO URBANO, A ESTE PASO HACIA DUKI Y OTROS EXPONENTES DEL TRAP. ES DANTE SPINETTA, EL ESLABÓN PERDIDO DEL ROCK ARGENTINO.

EL ESLABÓN

PERDIDO TEXTO

NANCY HOUGHAM FOTOGRAFÍA

KARINA DOS SANTOS

La última vez que nos reunimos estabas lanzando “La Humanidad o nosotros”. Un disco grabado en cinta analógica, donde los IKV volvían a las raíces. Esta etapa solista te encuentra más cerca de géneros como el trap. ¿Qué pasó en el medio de todo eso y cómo definirías tu momento actual?

En ese trayecto pasó, obviamente, “Puñal” que tiene como un punto medio entre esas dos cosas porque está la Filarmónica de Praga y las máquinas. Ahora estoy como en un lado más urbano, que es algo característico de mis discos solistas. Siempre vuelvo al sonido de la calle porque es algo que necesito hacer.

“Puñal” es un disco sangriento también, en el sentido de que tiene mucha alma puesta.

Cuando lo hice estaba saliendo de un desamor muy grande y en un momento hasta flashé que podía llegar a morir de tristeza. Entonces necesitaba hacer ese álbum para soltar.

Después salí con “Verano hater” y “No sigas”, desde otro lado de la vida.

Estoy en un gran momento, en el sentido de que estoy haciendo música, que me va bien y estoy lleno de proyectos relacionados con eso. Todos los singles que estoy sacando, mas el tercero que se viene y

YO CREO QUE BÁSICAMENTE LA MÚSICA SE ESCUCHA Y TE GUSTA O NO. SI PONÉS UNA CANCIÓN Y LA SENTÍS, DEJATE LLEVAR.”

se llama “Perdidos en el paraíso”, se van a convertir en un disco urbano. Además estoy trabajando en otro álbum, que es un secreto en realidad, pero la idea es que salga el año que viene. Mientras voy construyendo este camino urbano de reconectar con el sonido de hoy.

de su vida y tiene que empezar a ordenar un montón de situaciones. También es sano y no me arrepiento de nada. De todo se aprende y va forjando lo que es uno.

Ahora estoy enamorado de lo urbano y voy a seguir por ese camino, pero tocando en vivo con mi banda. Venimos de tocar en Mar del Plata y Córdoba y vamos a estar el 8 de agosto en Niceto. La verdad que es un dream team y estoy súper feliz. ¿En qué punto se une el rock y el rap de los IKV con el trap que hacés hoy?

Hay músicos que dicen que desde el dolor nace la inspiración para componer.

Tampoco es que estoy haciendo trap, sino que estoy colaborando con artistas de ese género. La música urbana es parte de mí y si hoy ponés el disco “Pyrámide”, por ejemplo, hay gente que me pregunta por qué usaba autotune para cantar y decía que me estaba enganchando en la moda. ¿Qué moda? Chequeá 2010 y hay cinco canciones enteras cantadas así. Inclusive singles como “Mostro” y “Gisela”. Por eso considero que son una continuidad de lo que hacía.

Puede ser que haya momentos de mucha inspiración y que tengan que ver la oscuridad o reencontrarse con un montón de cosas. Como cuando uno queda desarmado o cae en esa especie de pozo donde está todo eso que no quiso ver

A la gente sí le llama la atención lo que hacemos Emma o yo como solistas, en comparación de los IKV que es otra cosa. Para nosotros es como una isla donde, cada uno desde su lugar, va con el botecito hacia un puerto en común. Ahí

¿Considerás que la frase “La música salva” es real?

Sí. También creo que soltar las cosas y hablarlas ya las convierte en otra cosa. El hecho de generar luz desde la oscuridad es como poder revertir ese dolor.

es donde podemos amalgamar musicalmente nuestros espíritus.

Solistas nos pasa otras cosas y creo que por eso tuvimos que parar la banda. Son ciclos que se van cumpliendo y no significa que no nos volvamos a juntar. Quizás algún día salga un tour o algo, pero por ahora estamos metidos 100% en nuestros proyectos. Yo sigo ese fuego interno que me dice: “Che boludo, hay que ir para acá o para allá!”. Uno no se puede acomodar a la industria, sino que la industria se tiene que acomodar a uno. ¿Sentiste miedo en algún momento de que lo que hicieras no le gustara a la gente?

Uno a veces piensa en eso, pero al fin y al cabo lo tenés que hacer porque es tu viaje y tu vida. No lo podés delegar al gusto de los demás, ni complacer a todos. Mismo cuando saqué “Puñal”, todo el mundo me decía: “Tocá la guitarra, tocá la guitarra” y es un disco que básicamente es todo guitarra porque tenía ganas de hacerlo. Aún así no es un disco re popular, pero cada uno debe hacer lo que le de ganas. Yo tengo la suerte de sentirme libre dentro de la música, sin ser representante de un género en particular.

Tengo mucha música guardada, pero también mantengo la

humildad de que todos somos alumnos del sonido. Hay que seguir aprendiendo. De los grandes de antes y de los nuevos, también.

A diferencia de “Pyrámide” o “Puñal”, decidiste sacar estas últimas canciones como singles.

El concepto de single es la primera vez que lo hago y la estoy pasando bien, en el sentido de que cada instancia de comunicación es como hacer un disco nuevo porque hay una tapa, un video y toda una idea para una canción que, a su vez, te permite concentrar la fuerza. Así que creativamente me divierte, pero no quita que no esté haciendo esos discos

de los que hablé. Uno urbano y otro re loco.

Hace unos años me traumaba un poco la idea de tener esa bipolaridad musical, pero entendí que era así y que tenía que explotarlo. ¿Cómo explicarías la riqueza del trap a las generaciones que quizás llegaron tarde o que no lo consumen?

Yo creo que básicamente la música se escucha y te gusta o no. Si ponés una canción y la sentís, dejate llevar. Ese mismo prejuicio lo tuvieron con el rap y con el rock, porque a la gente le cuesta aceptar nuevas sensibilidades y nuevas formas de expresar.

Uno va tejiendo toda su vida con un soundtrack y una forma de ver las cosas, hasta que aparecen nuevos animales en el bosque. Al principio los siente como una amenaza y los ataca, pero creo que algunas veces hay que parar para ver qué onda y aceptar que el mundo cambia. Me pasó con el rap, imaginate la gente del palo del rock cómo nos dio a nosotros. Y siempre va a pasar.

¿Cómo percibís a este público joven que se está sumando?

Lo que tiene que cambiar es la forma de agresión a las nuevas generaciones. La cultura va cambiando y cada uno tiene su lugar. Agradezco a la vida el estar siempre evolucionando.

Hay otros artistas que por ahí se sienten más cómodos en un nicho, y está muy bien, pero no es mi naturaleza. Yo no podía ser sólo rapero o rockero, tenía que hacer canciones y tocar la guitarra también. Eso muchas veces me costó éxito, pero ser diferente hace que tengas que luchar contra lo establecido y el prejuicio.

Tengo una banda armada que es furiosa y con la que presentamos una experiencia diferente. La gente que viene al show disfruta tanto de la musicalidad, como de los músicos y de la energía que se genera. También está bueno cómo se mezclan los mundos de mis discos solista, porque se acomodan de una manera muy natural.

Está buenísimo que pase y ya lo vivíamos con IKV. Al final creo que tiene que ver con algo más social, o de las redes sociales, el separar las cosas por edades, cuando el arte pasa por otro lado. En algunos casos la experiencia y el tiempo hacen que sean más ricas.

CAMELIA EL CONJUNTO DE QUILMES LANZA SU PRIMER MATERIAL DISCOGRÁFICO, “PRÍNCIPE ESPEJO” (DEL SELLO COSMODEMÓNICA), DONDE BUSCAN REFLEJAR LOS DISTINTOS ASPECTOS SOCIALES E INTERNOS POR LO QUE PUEDEN PASAR LAS PERSONAS. TEXTO

LUCAS SEOANE FOTOGRAFÍA

GENTILEZA DE LA BANDA

“Este EP es un resumen de un proceso vivido, el cual nos acompañó durante su creación –describe su cantante Natasha Vera-. Hubo muchos cambios en nosotros y en quienes nos rodean desde entonces. Salió mejor de lo que esperábamos. Aprendimos muchísimo en el proceso y aplicamos todos esos nuevos conocimientos. Tal vez no estamos completamente conformes respecto a la calidad del sonido, pero hicimos lo mejor que pudimos con las pocas herramientas que teníamos.

Dejando esos tecnicismos de

lado, lo amamos, es nuestro primer trabajo y expresa justo lo que queríamos que exprese”. ¿A qué le canta Camelia?

A las personas. A quienes no logran sentirse cómodos en este mundo. También cantamos por quienes no son escuchados, podríamos incluir a los animales o a la naturaleza. La realidad es que no buscamos un público fijo, creemos que todos somos lo mismo y queremos expresar con nuestra música todo lo

que estamos aprendiendo.

Queremos acompañar y equilibrarnos con el mundo. ¿Qué cosas los inspiran e influyen?

“Príncipe espejo”, el EP debut de Camelia

Nuestra mayor fuente de inspiración es el ser honestos con nosotros mismos y con lo que sentimos. Todo nace a partir de ahí. Nos inspiran también quienes nos creen, quienes pueden sentirse identificados con nosotros, el mundo que nos rodea y nuestras ganas de generar cambios positivos.

¿Qué tiene Camelia para ofrecerle a la escena pop nacional?

Queremos hacer cosas nuevas, que no se hayan oído antes. No nos podríamos encerrar nunca en un género, pero sí es verdad que nos encanta la idea de un pop futurista que experimenta más allá de los límites. Queremos sonar lo más frescos posible y sobre todo queremos transmitir algo real y sincero a quienes nos escuchen. Queremos ser escuchados, y el pop es una buena herramienta para eso.

¿Qué quisieron mostrar en este primer EP? El comienzo, con “Friccionalidad”, representa la fiesta y la banalidad, a nuestra manera.

Luego “Príncipe espejo” es el momento justo después de una fiesta en donde no nos sentimos cómodos y comenzamos a repensar nuestra existencia. “Tomarán” expresa conciencia y anhelo de liberación y habla sobre encontrar la paz en uno mismo y en los demás. El viaje termina con “Límite sombrío”, que sugiere el comienzo del cambio y la aceptación personal.

Dale Fanzine #58 - Agosto 2019

Dale es una publicación de Fundación Tribu Tierra ISSN 1853-5941

Esta revista llega a vos gracias al trabajo de Fabrizio Pedrotti, Franco Daney, Karina Dos Santos, Lucas Seoane, Nancy Hougham, Tatiana Daniele y Diego Gassi.

Editor responsable: Diego Gassi

Contacto comercial info@mediabrokers.com (011) 4861-1721

FELI COLINA LA CANTAUTORA SALTEÑA, RADICADA EN BUENOS AIRES, PRESENTA “FEROZA”, SU MUY INTERESANTE SEGUNDO MATERIAL, PRODUCIDO POR JUANCHI BALEIRÓN Y GRABADO EN LOS MÍTICOS ESTUDIOS DE ABBEY ROAD.

TEXTO

LUCAS SEOANE FOTOGRAFÍA

GENTILEZA DE LA BANDA

“Es un disco desnudo porque siento que fue un primer destape de mi personalidad – afirma Feli Colina-. A diferencia de ‘Amores gatos’, este es un álbum conceptual, con una mayor conciencia de mis herramientas de expresión y una mayor libertad. Es también un disco más de banda, cada integrante aportó lo suyo y eso no había pasado antes”. ¿Qué le aportó Juanchi en la producción?

Juanchi es un placer humano.

Es un grande de verdad. Tanto así que nos dio el espacio y despejó el camino para que todo suceda como nosotros dispusiéramos. Entendió de toque el concepto y acompaño perfectamente. Además, cuando hubo alguna traba supo resolverla al toque. Tocó bajos, y fue parte de todo con total humildad y compañerismo.

Vivís en Buenos Aires hace ya varios años, ¿el desarraigo forma parte de tus composiciones o ya no se siente?

Ese es un lugar que todavía no exploré tanto, tal vez pasa pero aún no soy tan consciente. Siempre sentí que mi lugar

de pertenencia es mi propio cuerpo, todavía no me siento lejos de nada ni de nadie.

Este segundo disco sale por uno de los sellos hegemónicos de la industria como es Geiser, bajo la producción de un músico reconocido como Juanchi, lo grabaste en Londres tras ganar un concurso (“Camino a Abbey Road”) que suele tener mucha visibilidad en los medios mainstream, tocás en las bandas de artistas con repercusión como Gonzalo Aloras y Conociendo Rusia, y pasaste de una provincia tranquila a vivir a una ciudad compleja.

Son muchas cosas de golpe para un segundo material, ¿qué cosas te mantienen con los pies en la tierra?

Nada fue tan de golpe, todo se viene trabajando y todo lo que mencionás no son más que lugares en el caminito. Aunque hace ya diez años que toco, estoy recién empezando. Tener los pies en la tierra nunca fue una característica con la que me sienta muy identificada (Risas). Pero trabajo, convivo y comparto con mis amigues de siempre, con mi familia, con mi gente constantemente y creo que mis afectos son mi cable

a tierra. Veremos qué pasa más adelante, si todo sigue como espero que siga este será probablemente un tema a tratar, y es algo que desde ya

estoy teniendo en cuenta, pero estoy lejos de sentirme abrumada porque todo lo que está sucediendo lo vengo buscando hace rato.

CAOS LUZ EL CANTANTE Y GUITARRISTA DAVID TAGGER HABLA SOBRE LA IMPORTANCIA QUE SIGUE TENIENDO EL BOCA A BOCA, LA MELANCOLÍA COMO INSPIRACIÓN Y SU PRÓXIMO MATERIAL.

TEXTO

FABRIZIO PEDROTTI FOTOGRAFÍA

GENTILEZA DE LA BANDA

“Creo que Elliot Smith hizo que me animara a ser cada vez más sincero conmigo mismo, que no me guardara nada. Que aprovechara la oportunidad de componer para sacarme la mierda de adentro, y todo ese dolor que se acumula día a día -explica David Tagger, frontman de Caos Luz-. Nunca escribí algo por compromiso o por si pegaba. Pero antes no me animaba a soltarme en todas las letras: muchas veces me quedaba por la mitad”.

El compositor descubrió en Smith una influencia que se

nota en las texturas, las armonías y en cierta melancolía de Caos Luz. Pero más allá de eso, la banda argentina -que completan Pablo Colángelo en guitarra, Francisco Garitonandia en teclados, Octavio Ramos en bajo y Leandro Colatruglio en batería- tiene un sonido propio. Eso se nota en su primer EP de 2014; pero sobre todo en los más recientes “Viaje por el Universo (2016) y “Melody” (2018).

“Si supiera cómo manejar la melancolía, realmente dejaría de gastar $800 en cada sesión

de terapia -se ríe Tagger-.

Es una línea muy fina con la tristeza, y para ganarle no tenés que quedarte encerrado en esos recuerdos, tal como lo muestra la película ‘El Origen’.

En nuestro país hay enormes músicos y exponentes, pero no sé si alguno en particular me transmite eso. Sí lo hacen Elliot Smith y Damon Albarn, y canciones como ‘La colina de la vida’, de Porsuigieco”.

-¿Y por qué creés que conectamos más con la música de ese tipo? Según Steven Wilson, es “porque sentimos que no estamos solos, y que alguien más pasa por lo mismo”.

-Coincido totalmente con esa frase. Pienso que es algo que a la música pop norteamericana no le interesa, y acá se intentó copiar ese modelo en los 2000. La tristeza y la melancolía son temas de los que se evita hablar: nos venden el formato de alegría y estupidez humana con coreografías sin sentido, que la gente repite para creer que es feliz. Me parece que cuando salen artistas como Morrissey llaman mucho la atención, porque de repente hablan de lo que vivimos día a día, los fracasos y lo que cuesta avanzar. Pero tampoco me quedo en la postura de “no puedo seguir”, sino todo lo contrario. Creo que hay que hablar de eso, y también luchar y combatir esos momentos. De ahí surgió nuestra canción “Eterno Resplandor”:

de pelearla y salir adelante.

-En una nota contaron que intentan diferenciarse de los demás por “el cara a cara con la gente”. ¿Cómo producen los recitales hoy, que las distracciones del público son mayores y que la oferta de conciertos es enorme?

-Siempre partimos de la base de dar el mejor show, ya sea para dos, cinco o doscientas personas. Tuvimos conciertos con muchísimo público, y otros con algunos que cayeron de casualidad al lugar. En Córdoba, por ejemplo, no había más de doce. Nosotros dejamos todo por respeto a quienes nos ven, a quienes nos invitan y a nosotros mismos; por el laburo que lleva estar en forma. Pero noté distracciones hasta en megashows como los de Radiohead, ¡todo el mundo estaba grabando en vez de disfrutar! Es importante que el público se sienta parte de nuestros shows y que no sean simplemente espectadores.

Les hablo y los incorporo, porque ellos también son parte.

-¿Y con qué recursos se capta la atención de las audiencias hoy?

-Nosotros usamos las redes sociales como uno de los principales métodos de difusión, aunque creemos en que el boca en boca es lo más efectivo. Cuando a uno le gusta y lo transmite, al menos, genera

que el otro se interese en escuchar eso que le recomendaron. Después les copará o no, pero nosotros tenemos que estar actualizados para que la gente pueda llegar a nuestro material.

EL FUTURO YA LLEGÓ -Hace poco contaste que el próximo single será como el hermano de “En silencio”. ¿Por qué?

-Me parece que con ese tema encontramos un camino donde nos quedamos con ganas de seguir explorando. Quizás las demás canciones no vengan por ese lado, pero nos gusta lo que sentimos al tocarla. Ahora venimos escuchando mucho a Vangelis, esperamos no engordar tanto ni dejarnos la barba, para no hacer tan evidente el plagio (risas). Otro grupo que venimos investigando hace un tiempo es Yo La Tengo. Y a las canciones las sigo componiendo con la acústica, es donde más cómodo me siento.

-Eso me recuerda que definieron a “Viaje al Universo” como un álbum conceptual. ¿Piensan volver a trabajar con ese esquema?

-¡Ni lo pensamos! Pero ahora que lo mencionás, me coparía la idea de volver a intentarlo.

Si sale así va a ser gracias a esta pregunta, en serio (risas).

LOS VIDEOS CON EL PUNK ROCK Y EL HARDCORE COMO BANDERA, EL CONJUNTO BONAERENSE PRESENTA SU POTENTE ÁLBUM DEBUT “ARCADIA”.

TEXTO

“Habla de nosotros, como especie. De las contradicciones que pueden existir entre diferentes personas, o grupos, y dentro de uno mismo –relata su voz cantante Max Jones-. Cada canción tiene vida propia, y el oyente no sabe de antemano si lo vamos a encarar o si vamos a enfrentarlo contra sus propias creencias o dogmas, o si le contemos una historia, una fábula o un sentir en el cual pueda verse reflejado”.

do con esta premisa, nuestro segundo disco está forjándose y ya evidencia que va a tener otra vuelta de tuerca respecto al primero. Queremos seguir experimentando la música sin necesidad de encasillarnos a nosotros mismos, simplemente hacer canciones y decir lo que queramos decir en el mayor estado de libertad posible. Puede agradar o no. Ya no es asunto nuestro. ¡Ah, me olvidaba! Por si acaso, una de las canciones contiene instrucciones para mi funeral.

¿Qué repercusiones tuvieron?

Nos ha ocurrido que dijeran que algunas de nuestras canciones parecen tangos.

Nos sorprendieron ese tipo de comentarios, ya que todo ronda el rock, el punk, el hard rock y otros estilos similares. Lo único que quisimos mostrar fue este puñado de canciones, a nuestra manera, y lo logramos. Siguien-

LUCAS SEOANE FOTOGRAFÍA

GENTILEZA DE LA BANDA

¿Había una necesidad de entrar a grabar material lo más rápido posible?

“Arcadia” es un disco urgente.

Tuvimos la urgencia de grabar las canciones antes de que fueran despojadas de su crudeza primigenia. En lo que respecta al sonido también suena así.

Quisimos que sonara “como antes”, más en vivo, más real, más natural. Fue también la manera en que viejos amigos volvieran a crear juntos y necesitábamos un punto de partida. Viejas canciones olvidadas en un cuaderno, sumadas a nuevas canciones, todas ellas pidiendo pista y nosotros deseosos de interpretarlas. La música nos unió desde el comienzo, esto hacemos para ser felices e intentar combatir, de sana manera, la demencia propuesta por unos pocos y acatada por otros tantos en este mundo que habitamos. Sí, era un disco urgente, un disco para seguir en pie, como grupo y como individuos.

Apostamos a nuestro poder de creación. Sabemos que la música es una de las maneras que existen para transformar lo que llamamos “realidad”.

En épocas de auge del pop y de trap, viene más que bien la potencia de una banda de punk rock. ¿Cómo se sienten ustedes dentro de la nueva escena nacional?

Nos sentimos muy bien, principalmente porque estamos haciendo lo que queremos hacer.

Siempre fuimos de desencajar, de una u otra manera. El público recibe muy bien a Los Videos en vivo, muchos dicen estar sorprendidos porque no sabían de antemano con qué se iban a encontrar en un show nuestro, otros ya saben de lo que somos capaces y por eso vienen a los conciertos.