Alimentándonos del séptimo arte
Los nuevos derroteros del
FESTIVAL PALOMA ITINERANTE
La llegada de Juan José Antuna refresca la mirada del festival de cine más longevo del estado de Durango
Además:
jauría llamada Ernesto*Alien Romulus*War Pony*Valentina y la serenidad*
Estar, pero no estar
No entendía del todo cuando en su momento Juan José Antuna me comentaba que para él le resultaba complicado escribir de un proyecto (sea de realización o exhibición) del cual él formaba parte activa Ahora lo entiendo, aunque debo de decir que, en mi caso, es todavía más complicado, ya que hablaré de un proyecto del que ya no formo parte, pero fundé y dirigí por 10 años: el FestivalPalomaItinerante.
Es curioso ver los derroteros que han llevado al Paloma a los alcances que ahora tiene y que, curiosamente, ha comenzado a gestar a partir de esta décima segunda edición, precisamentelacual marcalallegada de Juan José como director, el cual logró plasmarle su propio sello, su alma, suestilo, aestequeahoraesel festival más longevo del estado y, por quénodecirlotambién,elmásbello.
Desde el homenaje a grandes nombres del cine latinoamericano como Sergio Olhovich, Luis Ospina y FernandoVallejo,hastalamiradaalos nuevos directores del cine independiente nacional como Diego Hernández, sin perder, por supuesto, la esencia misma del festival: los realizadores duranguenses, nuevas voces que se abren camino en la escena local y que podrían ser el futurodelcine.
Llenamicorazóndeorgullodeverque algo que nació en un pequeño café ahora tenga alcance nacional en ciudades como Tijuana, La Paz y la Ciudad de México, llegando a la “Catedral del cine en México” que es la Cineteca Nacional, con el respaldo y el apoyo de personalidades como Juan Antonio de la Riva, al cual siempre estaré agradecido de su apoyo,cariñoyrespaldo.
Pero todo esto no se lograría sin hacedoresdelcinequecreyeranenlo que se hace también desde las entrañas mismas de Cinéfagos, compartiendo sus trabajos, poniéndose a hacer nuevos expresamenteparalosconcursos, sin los promotores culturales quefaci litan sus espacios para exhibir la programación, pero, sobretodo, sinel apoyo del público, porque un festival sinaudiencianotienerazón.
Y todas las palmas de lo logrado en estaduodécimaediciónsonparaJuan José, que, con esfuerzo, desvelos, tazas de café y mucho amor al cine logró unir tantas manos y tantos corazones para hacer esto realidad. Demiparte, todomireconocimientoy admiración. Le deseo que a él y a la Paloma les reste mucho tiempo para seguir volando y me permitan estar, peronoestar,enestollamadocine.
Contenido
Fundador
Eric
Director
Coordinador
Juan
Colaboradores
Marcos
Santiago
Diseño
Andrei
Fotografía
Alejandro Rivas
PALOMA ITINERANTE
aestefestivallesobramuchocorazón
texto SANTIAGO NERUDA
fotoALEJANDRO RIVAS
Septiembre se ha vuelto el mes del cine duranguense gracias a la celebración, durante11años ininterrumpidos, del Festival deCinePalomaItinerante.
En camino a convertirse en el festival más longevo de la historia del estado (al menos ya lo es en comparación al resto de festivales en activo), el Paloma, como podemos decirle con cariño, demostró este 2024, en su edición 12, toda la madurez que requiereuncertamenparavolverseun referentenosololocal,sinonacional.
Ya entrados en actividades formales, fueel viernes 6deseptiembrequese tuvo con todo la inauguración, con la proyección de “Los fundadores”, con la presencia de Diego Hernández, directortijuanensequeseconvirtióen el primer invitado foráneo con el que ha contado el festival; posteriormente se presentó “Las cosas donde ya no estaban”, cintaargentinaquetambién contó, aunque vía Zoom, con los primerosinvitadosinternacionales,los actores Agustina Quinci y Andrés Ciavaglia, así como el director Fab io Vallareli, estos últimos desde Buenos Aires.
Enmediodeunareestructuracióncon la llegada de Juan JoséAntuna como director, el festival inició con la celebración del Día del Cine Duranguense,unafechaasignadaal5 de septiembre desde la pasada edición, con el cobijo de espacios como la Filmotec a de la UJED, la Cineteca de Durango, y, por primera vez, llegando a recintos fuera de la capital como Ciudad Lerdo y Vicente Guerrero, y fuera del estado como Tijuana, La Paz y Ciudad de México, en esta última desde la mismísima catedral del cine en el pa ís, la CinetecaNacional.
El sábado se contó nuevamente con una película de Diego Hernández, “Agua caliente”, y “La desazón suprema”, de Luis Ospina, con una mesa de diálogo integrada por la invitada de Zacatecas Heidy Cásarez (que además formó parte del equipo de programación) y José Rodríguez López, directordelaFilmotecaUJED, acompañados del director del festival, elcualademásparticipóenunacharla en línea sobre Ospina , parte de las actividades de formación del festival, con la participación del equipo de CasaNegra,aliadodelPalom a
Luego de la proyección, se tuvo una fecunda realización de la mesa de la crítica Cinéfagos (cuarta edición, segunda en el Paloma Itinerante), en donde Sergio Payán, María de Jesús Ávila, Paola Chavira Leyva y Andrei Maldonado, en su función de críticos, desmenuzaron cada uno de los trabajosexhibidos, decidiendootorgar unamenciónhonoríficaa “Castigo”,de MarcoEsquivel.
Eldomingoelfestivaltuvosudíamás intenso, ya que, tras una grata muestra de cortos nacionales, vino la proyección del concurso de cortometrajesduranguenses,queesta vez versó en la temática de cine de terror. “Castigo”, de Marco Esquivel, “El silencio de la dama”, de Odette Núñez, “Soy yo”, de Carrie Karell, “Mi amigo Kevin” de Brandon Alvarado y “A plena vista” de Allis Palma, conformaron la selección oficial en competencia, a la cual se sumaron “Copycat: un cuento de gatos” de Leonardo Salas, y “D urango”, de Lázaro Gabino Rodríguez.
Posteriormente, se procedió a la tan ansiada premiación, resultando ganador del premio del jurado (conformado por Mónica Cristerna, Hugo Villaseñor y Alejandro Salgado Baldovino) “A plena vista”, de Allis Palma, y con mención de honor “Soy yo”,de CarrieKarell Elanunciosedio a través de un video grabado por Alejandro Salgado desde Colombia, con lo que una vez más el festival reafirmó su carácter de internacional que ha venido a consolidarse en esta edición y que hermanó Durango con Sudaméricanosoloeninvitados, sino tambiénencontenidos
Destacar también otras actividades importantes celebradas durante el festival, como lo fue el Taller de Apreciación de Cine para infancias y juventudes, impartido por Heidy Cásarez, así como el videohomenaje aSergioOlhovich, hechopor Ramsés M Luna(directordeunodeloscortos de la muestra nacional) y proyectado durantelafunciónde“Llovizna”,loque tambiénfuesignificativo,puesselogró involucrar activamente a los participantes del festival en la realización de nuevos trabajos que sirven para alimentar la memoria fílmicacolectivadelmismofestival.
Sin duda es un gusto ver cómo el Festival de Cine Paloma Itinerante comienzaacosecharloquehavenido sembrando en estos años. Cómo se logró hermanar a tantos foros y públicos durante el Día del Cine Duranguense, perotambién, cómoha contagiado su dina mismo a personas en otras latitudes del país y el extranjero, los cuales comienzan a voltearaverquésehaceenlallamada “Tierra del Cine”. No queda más que desearlelargavidaalapaloma,yque laedición13traigamuchosmomentos máscomolosvivido sesteaño.
revistacinefagos.blogspot.com revistacinefagos@hotmail.com
R O M
U
L U
S y el elixir de la vida
texto ANDREI MALDONADO
Tardé en escribir sobre la nueva película de la sagaAlien, Alien Romulus , del directorFedeÁlvarez,talvezporqueteníasentimientosencontradossobrelacinta.
Porunlado,reconocía susvirtudes,peroporotro,noencontraba,adiferenciade lasotrasentregas,cualeralamotivaciónprincipalqueversabaenlahistoria,hasta quefinalmentediconelpuntoimportante:elelixirdelavida.
Si bien en Prometeo (Ridley Scott, 2014) ya se había tocado parcialmente el tema de la búsqueda de la prolongación de la vida (o la negación de la muerte, como quiera verse)quebuscabaPeterWeyland,en esta ocasión no solo se rescata un elementointroducido en las precuela s del mundo Alien, que es el patógeno negro de los ingenieros, sino que se llevaaotronivel.
Mientras Weyland solo buscaba no morir, en esta ocasión la compañía busca mejorar a la raza humana. El androide Rook (más tarde ahondaremos sobre este personaje) explica que el compuesto Z001, que es la versión refinada del patógeno extraído del ADN del xe nomorfo que Ripley arrojó al espacio en Alien de 1979, es capaz de convertir al ser humanoenel“organismoperfecto”.
Esto da un giro completo a las motivaciones de Weyland -Yutani, la corporación que se nos ha dibujado siempre como una compañía ambiciosa, capaz de sacrificar vidas humanasparaobteneralxenomorfoy convertirlo en un arma biológica En cambio,sevequelabúsquedadeeste organismo es para extraer su capacidadderegenerarseyvivirenel espacioydárselaaloshumanos.
Si bien el interés de la compañía podría ser crear mejores esclavos (en lasescenasdeintroducciónseexplica que los obreros mueren en las minas delascoloniasyRookreafirmaqueel ser humano jamás estuvo hecho para los viajes espaciales), el que el objetivo de Weyland-Yutani sea crear y no destruir mueve todos los
esquemasqueseveníantrazandoalo largodelasaga.
Y esto, más que un simple capricho por dar un nuevo giro a la historia, respondetambiénanuestrostiempos. Situémonos. En Alien (y sus subsecuentes secuelas) se vivía en tiemposdelaGuerraFría,laguerrade los Balcanes y otros conflictos armados, donde el temor era la generaciónnoyadearmasnucleares, sinodearmasbiológicas,aquellasque acabaranconlavidaensegundos.
Aunque el ser humano sigue enfrascado en guerras, es evidente quedesdequecomenzóelmileniolas preocupaciones de la humanidad incluyen cómo mejorar la salud de las personas, erradicar enfermedades, extender la esperanza de vida, volvernos más fuertes y más inteligentes, incluso vencer al tiempo negando el envejecimiento y, por supuesto, venciendoalamuerte.
Pero, como todo descubrimiento, la generación del compuesto Z001 no fue la panacea. Para obtener más de estasustanciaeranecesariorecreara los facehugger, que tarde o temprano seliberarían,generandouncaosenla estación que, sumado a que el xenomorfo no había muerto, terminó por sentenciar el destino de la tripulación, solo sobreviviendo (parcialmente)Rook.
Pero la alerta real que deja como enseñanzaquejugaraserdiospuede ser peligroso lo deja cuando Kay se inyecta el compuesto estando embarazada, pues el ADN del feto muta y lo convierte en una abominación, mezcla de ingeniero, humano y xenomorfo, lo que demuestra nuevamente que con este patógeno no se puede jugar. El fuego de Prometeo terminará incendiándonos.
Algunos otros elementos que reiteran la preponderancia de la búsqueda del elixir como punto primordial de la películaestánenelmismonombrede la estación Renacimiento, ya que en ellasebuscabaelrenacerdelhombre. Las dos áreas en que se divide, Rómulo y Remo, hacen alusión a la leyenda de los fundadores de Roma, cunadelacivilizaciónmodernatras la caídadeGrecia
Ambos hermanos son amamantados por unaloba, loqueles daunafuerza einteligenciasobrehumana, perosolo Rómulo sobrevive, pues asesina a su hermano. Hay ahí varios elementos referenciales,comoelhechodequeel compuesto es la leche de loba que hará al humano un ser superior y refundará el orden del universo, pero quizá a costa de matar a sus hermanos.
Por otro lado, la presencia del cuadro “Vista del Ayuntamiento de Marsella durante la peste” en la entrada de la estación Remus, nos da un adelanto de lo que ocurrió en la estación, y de lo que más adelante hará la abominación: resalta en el cuadro un bebé que se amamanta de su madre
moribunda(aunquelaintroduccióndel cuadro no es tan orgánica como en Alien Covenant).
En este entramado de simbolismos y búsqueda de la supervivencia resalta el androideRook, quienes unmodelo similaraldeAshdelaprimerapelícula Adiferenciadeeste, Rook, aunqueen apariencia por un momento resulta igualmente siniestro, demuestra u n graninterésporcumplirlosdeseosde la compañía y garantizar la prevalencia de la humanidad a través delcompuesto.
Este signo lo distingue por encima de David que, en Alien Covenant, dejó clarosudesprecioporlarazahumana. Cabe destacar en este apartado el trabajoquesehizodeproducciónpara replicar, por medio de una marioneta mecanizada y la inteligencia artificial, la aparencial del fallecido actor Ian Holm. Incluso la labor del actor que imitalavozessencillamentegloriosa.
Otros elementos destacados son el mostrarporprimeravezlavidaenuna colonia de Weyland-Yutani (más allá delaescenaretiradadelcortefinalde Aliens, queterminóinspirandoaFede Álvarez), así como el personaje de Andy, un androide que presenta fallas al ser un modelo viejo, pero que ha generado cariño a la protagonista Rain, ya que entre ambos se consideranhermanos
Es claro que esta no deja de ser una películaquebuscarecaudartaquilla,y esporesoqueel estudioDisney(que se aventura por vez primera en el mundodeAliendesdelacompradela Fox) introduce personajes muy jóvenes,comolohizoenlas secuelas, series y spin-off deStar Wars, pero lo justificamuybien,alserloshuérfanos de los mineros que han ido muriendo enlacolonia.
Eltemacolonialesotroelementobien explotado, donde las grandes corporaciones,afindecuenta,siguen buscando su propio beneficio, explotando los yacimientos minerales de planetas que están en un proceso todavía primitivo, como el que tuvo la Tierra hace millones de años, explotando el trabajo de los mineros prácticamenteigualacomoocurríaen eltiempodelimperialismoenÁfrica.
Es claro que Alien Romulus también tienesusexcesosycometeerrores.El principal, es el abuso de las referencias apelículas previas, loque convierte más en un robo de diálogos y escenas que en un homenaje, al grado que uno poneen dudaquesea realmenteunagranpelículaotod ose lo deba a que hay seis películas predecesoras que, de una u otra forma,lesirvendecolchónaldirector.
Con todo, Alien Romulus representa un buen giro a la historia, que responde algunos cuestionamientos, abre nuevos y otros que quedaron pendientes en Alien Covenant no los resuelve, pero deja demostrado que estaesunasagacinematográficaque tiene todavía mucho por dar, siempre y cuando no se sobreexplote y se entregue al siempre tentador “fan service”.
UNA JAURÍA LLAMADA ERNESTO
El fondo y la forma
texto JUAN JOSÉANTUNA
Me parece que el cine de Everardo González debería ser considerado dentro del documental mexicano como un género aparte. Ha logrado crear un lenguaje como pocos documentalistas mexicanos, como podrían ser Eugenio Polgovsky, Carlos Velo, y Rubén Gámez,por supuesto.
Sí lo arriesgado de su narrativa, pero también su propuesta general, hacen que este documental sea indiscutiblemente una de las mejores películasmexicanasdelaño
Me atrevo antes de abordar el análisis por separado tanto del fondo como de la forma,emplearyescribirlaquepara
mí es la mejor palabra que define el documentaldeEverardo,yesapalabra esbrutalidad Ahoraexplicoporqué
Empezando por el fondo, uno creería que luego de ver sus antecesores documentales (en preciso estaremos mencionando al extraordinario “La libertad del diablo”), Everardo ya no podríaabonarmásaladiscusióndelas violencias y sus consecuencias en las distintos sectores socia les del país, perolociertoesquelavidaseempeña en decirnos que la realidad siempre superará a la ficción, y lo cierto es que la violencia, y las distintas formas de
violencias siguen más vigentes que nunca,yEverardosiguesie ndoincisivo ennocallarenexponerlassituaciones.
La brutalidad en el fondo es evidente con los testimonios que escuchamos, que ya sea de manera muy próxima o de refilón, nos llegan a todos los que somos parte de una sociedad que camina entre las personas en la calle, que no somos parte de la oligarquía ni de una clase alta (aunq ue sabemos que a ellos también les llegan estas historias),yapesardequela forma de alguna manera se prestaba a una situación más explícita (ahora abordo eso con más detalle y profundidad), Everardo jamás pasa la línea de su discurso al exhibicionismo o el amarillista
Eso en algún momento podría hacer que espectadores o adeptos puedan tachar a Everardo de mojigato o poco arriesgado, pero la cosa está en la lectura y la intención de Everardo desde el principio, acá juega mucho la cuestión incluso no sólo de la proyección de sus testigos a través de sus testimonios, sino también de la forma, la cual atendemos a continuación.
Si bien en sus primeros trabajos las denuncias y luchas que reflejaba Everardo a través de las historias, aunque importantes y para algunos personajes de la vida política de nuestro país podían resultar incómodas,laspersonasqueexponían sus situaciones en esos trabajos no corríanunriesgolatente.
No es si no a partir de “La libertad del diablo”, cuando se toca el tema de la violenciageneradaapartirdelaguerra contra el narco y la violencia que alcanzaaloscivilesylasfamiliasdelos peones de este sistema tanto de un ladocomodel otro Ev erardoempleaa través de la forma y la narrativa condiciones para proteger a las personas que se atrevían a dar su testimonio.
En “Una jauría…” pasa algo muy parecido, y Everardo una vez más muestradeunamaneramuycreativae innovadora, pero además que discursiva y narrativamente es muy propositiva y atractiva, y es al emplear una narrativa muy similar al de los videojuegos que precisamente tocan temas símiles como lo son las violencias callejeras y las guerras. Todo el tiempo vemos a través de la nucadelaspersonasysustestimonios
lo que hacen, lo que viven, su entrada alsistemadeviolencia,suapogeo,ysu salida.
Un logro en esta narrativa es también como por momentos Everardo involucra(cómosuelesercostumbre)a la psique y la imaginación del espectador, pues cual videojuego, una vezterminadouncapítulodelahistoria, ocompletadaunamisión,senosviene un blackscreen de varios segundos en losqueal principionopasanada, pero luego empiezan algunos sonidos ambiente y pláticas/diálogos que empiezan siendo poco legibles hasta queseempiezanaentenderdeapoco, muy por lo bajo, hasta que volvemos a laacciónconalgunodelospersonajes secundariosoelprincipal(quesilohay, por supuesto), y una vez más a ser testigos del terror que sigue siendo esta violencia sistematizada que azota aquienestendríanqueserelfuturodel país.
Esta forma seempleajustoparallegar al punto en que los testimonios involucran al espectador de esa manera activa, Everardo no necesita ser explícito ni en el fondo ni en la forma, ni en lo visual ni en lo sonoro, sólo necesita empezar a hilvanar las historias que muestra, de una manera correcta; paraqueenel espectador se genereesacatarsis, latesisquepor sí mismodebedeelaborar.
Por supuesto que la apuesta de Everardo es arriesgada y habrá quienes vean este trabajo con ojos de mocho,deblandengue,peroporsobre todas las cosas, creo que ahí, en esa intención de tratar a sus personajes con valor y a los espectadores con inteligencia, está el lenguaje de Everardo, lo que él aporta al documental mexicano, perotambién al cinenacionalengeneral.
La brutalidad en la forma es haciendo evidente que para los orquestadores delazotequereinaennuestropaís,los jóvenessontandesechablescomolas vidas de los protagonistas de los videojuegos, cuando te matan a uno, siempre puedes elegir otro, y fácilmente se sirven de ello por las pocas oportunidades que hay de progresar en nuestro país, la poca atención que pone en gobierno en brindar herramientas y seguridad a estos jóvenes, y en consecuencia, la desarticulaciónque seviveenun gran porcentajede losnúcleosfamiliaresen variospuntosvulnerablesdelpaís.
VALENTINA O LA SERENIDAD
texto JUAN JOSÉANTUNAORTIZ
El primer pensamiento que me ha venido a la mente al terminar de ver la películaydarmecuentaquetodaytodo espectador que estaba en la proyección se quedó hasta el final de los créditos, fue: “Qué bonita película”. Y sí, evidentemente es una bonita película y me hace darme cuenta de algo que ya venía pensando sobre ÁngelesCruzdesdesuscortometrajes: va siendo a mi parecer una de las voces más interesantes, importantes y valiosasdelcinemexicano.
Hay que empezar diciendo que la película comienza siendo claramente una historia infantil, con un aura muy peculiar y particular que además hace que uno recuerde algunas películas muy bonitas realizadas por comunidades originarias del sur de México, como “El sembrador”. A mí parecer lapelículapudo haberllamado “Valentina o la tiricia de las infancias”, o “Valentina o las distintas formas de dueloquelasinfanciasexperimentan”.
Ysibien,losprimerosminutitossurgen ciertos detalles (negativos a nivel producción, desde mi perspectiva) que nos revelan la naturaleza del reparto amateur y la utilización de la música como un agente de los estados emocionalesdelospersonajesycóm o se pretende que nosotros los somaticemos, después los valores se empiezan a nivelar y a partir del momento que determina la condición de Valentina a lo largo de la película, todovaenascenso.
Toda la obra de Ángeles va sobre las emociones tan particulares que las personasdesarrollandesdeel dolor, el abandono y el rechazo, tanto físico comoemocional, enel centrodel lugar de origen o en la distancia estando lejos de la tierra que nos vio na cer Dicho en otras palabras: tiene temas recurrentes, es una autora en toda la extensióndelapalabra.
Tratatemascomolatristeza,laalegría, la desesperanza y la esperanza (puntos extremos o contra polos de cadasituación),perotambiéndelexilio al que nos someten, y en ocasiones también ese exilio auto impuesto por necesidad, que es un tema que particularmente la gran mayoría de comunidades originarias no sólo del país, sino de toda América Latina, podrían verse reflejadas, y en ese sentidolahistoriadeestapelículanoes laexcepción.
Siento que la universalidad de esta historia puede tocar a cualquier ser humano, por ejemplo, no me cuesta nada confesar que yo en algunos momentos de mi vida me he sentido como Valentina, ese deseo de buscar al prójimo, de tratar de alcanzarlo al lugar en donde está, cueste lo que cueste tanto metafórica como literalmente Que es el cine sino un espejoenelcualidentificarse.
Los paisajes que comprenden la cotidianidad de Valentina, y su madre, y Pedro (tremendas y conmovedoras actuacionesenparticulardeellostres), la música de intérpretes de la comunidadqueenverdadespreciosa, y toda la carga simbólica de la comunidad en que se hace la película,
asícomolaspersonasquevivenenella y también participan en la película, formanuncuadrodelcualesimposible noconmoverse
Además, técnicamente hablando, la películaesperfecta,lacoordinaciónde la acción en cada escena, los elementos literarios en los diálogos y enel guionquereflejanlasabiduríade estasregionesysuconexióncontodos los elementos de la madre Tierra Encuadres y desplazamientos de cámara finísimos, por supuesto acompañados de un trabajo redondo en cuanto a iluminación y cinefotografía
Obviedadesqueforzosamentehayque mencionar para enriquecer el texto comoelgranysutiltrabajoquesehace desde el diseño de producción, la coordinación de reparto y extras, una película grande en su sencillez, y mesurada en su grandeza, y que fue apoyada tanto por los estímulos federales como por festivales como Toulouse y el Vancouver Latin AmericanFilmFestival Noséside acá a diciembre terminará siendo mi película mexicana favorita del año, perodequeestáenlalista,estará.
Ponys queriendo ser caballos de guerra
texto MARCOS MCFINGER
War Pony bien podría ser interesante sólo por dos datos que ahora les doy: películaacreedoraalaCámaradeOro en Cannes hace un par de años, y codirigida por la actriz Riley Keough. Pero una vez que hemos tenido la oportunidad de poder verla, ha hecho que su servidor tenga la necesidad de escribir porque no sólo me parece una de las películas más interesantes y valiosas desde su estreno hasta el día de hoy, sino que además me parece inconcebible que en todo este tiempo ningún festival de cine en México la hayapodidotraer.
A los 23 años, Bill solo quiere hacer algo de provecho. Ya sea extrayendo gasolina con un sifón, repartiendo mercancías o criando caniches, está decidido a abrirse camino hacia el ‘sueño americano’. Mientras tanto, Matho, de 12 años, está ansioso por convertirse en un hombre.
Desesperado por contar con la aprobación de su joven padre, toma una serie de decisiones impulsivas que pondrán su vida patas arriba, sin que el muchacho tenga las herramientas necesarias para lidiar con las duras realidades del mundo de los adultos.
Primordialmente siento que debería escribir sobre los jóvenes. Uno de los grandes valores de la propuesta de Gina y Riley es que no tratan a las infancias y juventudes que comprendensurepartocondelicadeza ocon“pincitas”,inclusocuandolagran mayoría son no-actores, o actores naturales como le gusta llamarlos a muchaspersonas.
Hay una declaración desde el principio por parte de las directoras en el que nos dicen de manera muy sutil: “míralos, ellos son igual que tú, tienen los mismos problemas. Quieren más cosas, ganar algo de dinero, ayudar a su familia, también se emborrachan y están expuestos a las drogas todo el tiempo”. Pero al mismo tiempo, exponen de manera impecable, justo las consecuencias que traen las decisiones tomadas de manera impulsiva a esta edad, tanto a sus cercanos y familias, como al contexto particular de la comunidad en la que viven.
La introducción de la película es, además de atinada, brillante y hermosa. La única vez en la que literalmente se hace una referencia sobre la naturaleza del contexto social delareservanativaenlaquevivensus personajes. Podríamos decir que Matho es lo que en su momento quizá fue Bill, por eso cuando tiene la oportunidad de ayudarlo lo hace, y Bill podría ser lo que Matho será una vez que la vida le haga entender que no tendríapor quérepetir elmismopatrón desupadre.
Enesesentidoambossonunreflejode los problemas a los que se enfrentan las minorías y sociedades relegadas, siempre al acecho del sistema consumistaycapitalistadeunpaísque quiere unificar todo (sobre todo hablandodelosjóvenes),vestirlodela misma manera, y en el acto enterrar la historia multicultural y diversa de los que estuvieron antes, y si no siguen el patrón, no sólo los excluye y vulnera, sinoquelosorillaalaviolencia
Otro elemento muy bien elaborado por ambas directoras, y que a su servidor leresultórealmentefascinante,sonlos simbolismos que se manejan y manifiestan a través de los animales nativos.
El bisonte (o ñu) como advertencia del peligro en la vida si no hay un cambio de dirección, los perros como símbolo de unión, discordia y amor, entre otros que representan la muerte, las intenciones incesantes de crecer (como pequeños ponys queriendo correr a la par de los caballos más grandes a su generación), y por supuestolosguajolotes, comosímbolo dejusticia.
Técnicamente, si bien no es tan deslumbrante, es justo lo que la hace aún más congruente con su fondo, su para qué, ysu discurso: nosmuestraa través de una fotografía sencilla, luminosa cuando el sol pega desde el alumbramiento en el oriente y la hora dorada en el poniente, y con una oscuridad plagada de sombras y una paleta de color si bien no fría, sí con tonos marrones-ocres, que esa es una visiónmuycercanadecómosepercibe la vida real, justo con esos encuadres que proponen desde el trabajo fotográfico
Es así que desde una mirada como la de Gina, que ya tiene una voz y pleno uso de la cámara para desentrampar situaciones complejas entre las diferencias y contradicciones de la naturalezahumana,yunaRileyquesin dudaalgunalehaaprendidoa quienes la han dirigido (muchos atribuyen su salto a la dirección a Andrea Arnold, sobre todo por el retrato a las juventudes, y su experiencia en “American Honey ” a quienes muchos asocian similitudes, cuando la verdad yo veo más similitudes con “ Scenes from the suburbs ”deSpikeJonze)
Pero que sobre todo se nota su compromiso y responsabilidad social con las comunidades nativas de Norteamérica. El espíritu animal de las juventudesnorteamericanasresultaser un ejercicio que pareciera ser una radiografía universal de la naturaleza genética de una generación que sufre cambiosconstantes,todoeltiempo , un tanto incomprendidos por sus gustos, sus aspiraciones, su rebeldía y su música, y que al igual que muchos de nosotros, desafortunadamente la mayoría no tienen la capacidad de recordarlo, van aprendiendo en el proceso,apruebayerror.
Las buenas segundas partes sí existen
texto ANDREI MALDONADO
¿Quién diría que, para hacer una buena secuela, tenía que esperarse más de 36 años? Contrario a lo que podríapensarse,másdetresdécadas entrelapelículaoriginaly susegunda parte no afectaron en nada, al contrario, le permitieron al director madurar sus personajes y sus historias. Por supuesto, hablamos de “Beetlejuice,Beetlejuice”.
Con la mayor parte de su reparto original íntegro, esta nueva aventura del super fantasma nos trae a unTim Burtoncurtidoalolargodeañosyuna amplia filmografía Pese a recurrir a muchos de los que hicieron los departamentos de arte, vestuario y música en “Beetlejuice” de 1988, Burton no cae presa del riesgo que pocos saben eludir: recurrir a la nostalgiaparavenderunproducto.
No, “Beetlejuice, Beetlejuice” se sostiene por sí misma y sabe afrontar sesgos como el no poder contar con todos los actores de la primera película, ni repetirse en elementos ya conocidosinclusoporlaserieanimada que tuvo la película en 1990. Sin embargo, sabe sopesar los nuevos elementos con guiños al pasado que lagenteagradeceyqueconloscuales lapelículanofuncionar ía.
Es tal la elocuencia del discurso que uno no pone en discusión la edad de Michael Keaton que, más allá de la evidente falta de movilidad que tenía el personaje en los ochentas, o una vozmuchomásgastada,sigueconlos dotes histriónicos intactos. Tampoco se discute que W inona Ryder ya no sea la adolescente L ydia Deetz. Eso es evidente, pero la calidad de los personajesahísigue.
Losnuevoselementosqueseintegran a la pasarela de personajes, encabezados por Jenna Ortega, Mónica Bellucci, Willem Defoe y Danny DeVito, amalgaman bien una historia que, además de todo, se adapta a los nuevos tiempos. Incluso en algunos chistes la película va mucho más lejos de lo que hizo su predecesora, agradeciendo el público esetoqueácidodehumornegro.
SenotaqueBurtonesunhombreque no se queda con las ganas de sacar sus proyectos, así tarden décadas, como pasó con “Frankenweenie”, ya que la secuela de Beetlejuice estaba pensada desde los noventas. Y si de ese proyecto no qued ó nada en esta nueva película, Burtonpuedesentirse satisfecho de haber presentado al público una gran segunda parte, algo quepocasvecessucede .
Las reseñas en
de Cinéfagos
MUBIesunadelasplataformasvirtualesparavercineconelcontenidodemayor calidad en el mundo. En esta ocasión queremos hacer unas cuantas recomendacionesparaquelaspuedandisfrutarencualquiermomento.
textoANDREI MALDONADO
MARIANA,MARIANA (AlbertoIsaac, 1987)
Una adaptación que no alcanza a hacerlejusticiaalaobraliteraria .
UN
CRIMEN COMÚN (Francisco Márquez, 2020)
Películas etéreas como estas nos enfrentan a las emociones más descarnadas. Sonlasemocionesy no los personajes los verdaderos protagonistas En este caso, la culpa, aquella que persigue a Cecilia todo el tiempoy,cuandoporfinsedespojade ella, se libera con esos gritos, pese a tener que pasar por ese "Laberinto" del barrio bajo que es como emocionalmente se encuentra por dentro. A fin de cuentas, fue otra emoción desbocada, su miedo, quien lallevóanoayudaraKevin.
MANO
DE
OBRA
(David Zonana, 2019)
Pese a las virtudes que posee en su realización, creo que esta película es condescendiente y propicia que continúen vigentes estereotipos hacia las clases sociales. Igual que Michel Franco en Nuevo orden, se dibuja al pobre, al vulnerable, como un ser sediento de venganza, que termina victimizando a quien se supone cometelainjusticia
ANTICRISTO
(LarsVonTrier, 2009)
La primerahistoria dela trilogía“dela depresión”, Anticristo, con Charlotte Gainsbourg, la que a la larga se volvería una actriz fetiche. Las tres historias representan diversas manifestaciones de la tristeza, que
llevan a sus personajes a tomar decisiones crudas, al límite de lo humano En Anticristo somos testigos de la depresión tras la muerte de un hijo, enunasecuenciaenunacámara lentaenblancoynegroinolvidable .
LAS CINCO OBSTRUCCIONES
(LarsVonTrier, 2003)
Lars lleva su admiración a Jorgen Leth, otro cineasta danés, y lo transforma en ser su jefe para mandarlo a hacer cinco versiones de un corto filmado treinta años atrás, todas de ellas con pautas casi arbitrariasgeneradasporVonTrier .
EL JEFE DE TODO (Lars Von Trier, 2006)
El danés juega con los elementos básicosdelacomediaparadesarrollar una situación de oficina estilo “The office”, pero al más puro estilo Von Trier
LA CASA DE JACK (Lars Von Trier, 2018)
Von Trier abraza por completo el thriller para desarrollar una historia sobre un implacable asesino serial (Matt Dillon) donde de paso deja ver supeculiarformadeverelmundoque lehatraídoproblemas
EPIDEMIC, EUROPA Y EL ELEMENTODELCRIMEN (Lars Von Trier)
La primera trilogía es la conocida como “trilogía de Europa”, que enmarcaelperiodocomprendidoentre 1984y1991,enlacualseencuentran su ópera prima El elemento del crimen, seguida de Epidemic y Europa. En esta trilogía encontramos las películas más “de género” de su filmografía, con un thriller policiaco, una cinta de ciencia ficción y una película bélica, las tres desarrolladas muy a su manera, y con estilos poco ortodoxos. Por ejemplo, en las tres tiene participación como actor (más notoriamente e n Epidemic, cinta donde escribe la letra del tema de créditos).
LOS IDIOTAS, BREAKING THE WAVES Y DANCER IN THE DARK (LarsVonTrier)
Trilogía denominada “Golden hearth”, el cineasta danés pasa a abordar de manera más tajante los sentimientos humanos, que a la larga llegará a ser su sello distintivo en el resto de sus películas.
THEKINGDOM (LarsVonTrier)
La prestigiosa serie de TV Riget (The Kingdom), con elementos como lo es el manejo de tomas aéreas en tonos sepias, elementos fantasmagóricos, diálogos y personajes difíciles de analizar y un protagonismo notorio al aparecer como él mismo al final de cadacapítulo
De 1996 al 2000, Von Trier atraviesa filma la segunda parte de The Kingdom, pero la tercera temporada se cancela por la muerte de algunos de sus protagonistas , hasta que la puede retomar en 2022 bajo el título de Riget: Exodus .
MANDERLAY Y DOGVILLE (Lars VonTrier)
La inconclusa trilogía sobre Estados Unidos, con Dogville, Manderlay y Washington, esta última nunca se filmó. Aquí la crítica es evidente a la sociedad estadounidense, donde expone y casi se burla de los valores que ellos consideran más sagrados, como la democracia y la defensa de losderechosciviles.
Comoplusparaestashistoriasestála forma en que fueron producidas, montadas sobre un escenario teatral, donde los límites entre puesta de escena y espectador son casi nulos. Quizá el punto negativo sería el cambio de protagonista, donde se complica pensar que son el mismo personaje Nikole Kidman y Bryce Dallas Howard, aunque las dos den actuaciones increíbles. Lo mismo pasa con el personaje que en una es UdoKieryenlaotraWillemDefoe.
