CAMEO_47

CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA

DAMIÁN ALCÁZAR

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N. 47 · EDICIÓN MENSUAL DIGITAL

ACTUAR SIN CONCESIONES EN EL MOCHAOREJAS

+ ENTREVISTAS JENNIFER LOPEZ FOTO CARLOS MORA

ALINE MAYAGOITIA

ANA GONZÁLEZ BELLO

ALEJANDRO GOU

ODESSA A’ZION

PRESENTE EN LOS MEJORES EVENTOS

EL ESPACIO QUE TU MARCA MERECE Presencia garantizada en web, redes y newsletters

Informes: cameo.revista@gmail.com o al cel. 5510166388

CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA

CONTENIDO JENNIFER LOPEZ

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DAMIÁN ALCÁZAR

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ALEJANDRO GOU

46

EL MALILLA

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ALINE MAYAGOITIA

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SCARLET GRUBER

37

ANA SOFÍA GATICA

48

VIVE LATINO

54

TONATIUH ELIZARRARAZ

10

ANA GONZÁLEZ BELLO

38

ITATÍ CANTORAL

49

FERNANDA ECHEVARRÍA

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THE PITT

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FAMILIA LA DERIVA

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ALFONSO PINEDA

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OCTAVIO HINOJOSA

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RAÚL CAMPOS

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OLIVER LAXE

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CHRIS PRATT

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REVISTA CAMEO NOS GUSTA DIFUNDIR LOS PROYECTOS DE CINE, SERIES, TEATRO Y MÚSICA AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

NÚMERO 47 15 DE ENERO-15 DE FEBRERO AÑO 6 EDICIÓN MENSUAL DIGITAL CORREO: cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO

EDITORES: CARLOS MORA CARLOS AGUILLÓN COLABORADORES: ALEJANDRA LOMELÍ FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

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CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA

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ALINE MAYAGOITIA

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UNA ACTRIZ SIN FRONTERAS EN EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

JENNIFER LOPEZ | TONATIUH ELIZARRARAZ | ÓLIVER LAXE | FAMILIA A LA DERIVA | SOBRIEDAD ME ESTÁS MATANDO FOTO CARLOS MORA

Jennifer Lopez ] E N I C [

SEDUCE EN EL BESO DE LA MUJER ARAÑA En entrevista exclusiva con la Revista Cameo, la actriz reflexiona sobre el desafío artístico que marcó su regreso al musical cinematográfico.

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Por Alejandra Lomelí

ennifer Lopez habla desde su residencia en Nueva York sobre El beso de la mujer araña, la nueva adaptación cinematográfica de la célebre obra de Manuel Puig, en una entrevista exclusiva. Se trata de una historia que ha trascendido por su poderoso mensaje de resistencia política y libertad sexual y que, por fin, encuentra en esta versión musical la forma cinematográfica que siempre pareció reclamar.

En esta película, la diva del Bronx asume un desafío mayor al interpretar un triple rol contenido en el personaje que da título a la historia. Lopez da vida a Ingrid Luna, Aurora y la Mujer Araña, y además participa como productora ejecutiva del filme, con el que cumple uno de sus grandes sueños: protagonizar una película musical.

La experiencia, nos confiesa, representó un reto tanto interpretativo como técnico, especialmente por la manera en que el director Bill Condon decidió filmar las secuencias musicales, apostando por una puesta en escena clásica y exigente.

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Distribuida por: Corazón Films

Jennifer, interpretas a tres facetas de un mismo personaje. ¿Cómo abordaste ese tránsito emocional dentro de una historia marcada por la libertad y la identidad?

“La verdad es que fue complicado, porque en el fondo son la misma persona. Son tres personajes distintos, pero es la misma mujer.

Interpreta a Aurora, a la Mujer Araña y, al mismo tiempo, funciona como una especie de faro de esperanza y escapismo para Molina a través de Ingrid Luna.

Esa fue la parte que más entendí: la dinámica entre un fan y una cantante o intérprete. Cuando ella le dice: ‘Vamos, ven, escapa conmigo. Alejémonos un rato’. Ella lo ayuda, le da esperanza y lo acompaña a atravesar momentos difíciles simplemente estando ahí, ofreciéndole un mundo de fantasía hecho de música, actuaciones y cine.

Me encantó esa idea porque sentí que, de alguna manera, era una carta de amor a mis propios fans. Ellos me han salvado muchas veces y también me han dicho que yo los he acompañado en los momentos más duros de sus vidas. Ingrid Luna fue el personaje más cercano a quien soy yo.

Luego estaba Aurora, una mujer que se siente maldita en el amor, y la Mujer Araña, que es enigmática, misteriosa, fuerte y poderosa. Cada una tenía una identidad muy

clara: la elegancia de Aurora, la firmeza de la Mujer Araña y el poder de superestrella de Ingrid Luna.

Emocionalmente, todas atravesaban cosas distintas, pero todo giraba en torno al amor: lo que deseaban, lo que daban y lo que recibían. Ese era el hilo conductor. El reto como actriz fue asegurarme de que cada una se sintiera distinta: bailaban diferente, cantaban diferente, aunque en el fondo todo formara parte de lo mismo.”

"Bailar con la cámara fue uno de los mayores desafíos y me obligó a salir por completo de mi zona de confort" Tu papel reúne todo lo que te define como artista: actúas, cantas y bailas, al tiempo que enfrentas una gran intensidad emocional. ¿Qué fue lo más desafiante del proceso?

“Además de interpretar a tres personajes, el mayor desafío fue el estilo de rodaje que eligió Bill. Decidió filmar con planos largos, al estilo de los musicales de los años 40, 50 y 60, con tomas extensas y muy poca edición.

Tenías que acertarlo todo de principio a fin.

También había que ‘bailar’ con la cámara para asegurarte de que la actuación quedara bien capturada. Sin duda, fue algo que me sacó de mi zona de confort y me exigió crecer como intérprete.”

Esta es una historia profundamente celebrada y con un fuerte trasfondo teatral. ¿Qué significó llevarla al cine y reinterpretarla para una nueva generación?

“Reinterpretar este clásico es, en gran medida, el trabajo de Bill como cineasta. Como productora ejecutiva tuve algo que ver, pero fue él quien encontró la manera de contarla para que se sintiera actual y tan relevante como cuando Manuel Puig escribió la novela en los años 70.

Los temas, sin duda, son incluso más pertinentes hoy. Y el estilo que decidió darle me pareció atrevido: una reinterpretación hiperrealista de los grandes musicales cinematográficos. Fue muy interesante ver cómo logró equilibrar el respeto por el material original con una mirada completamente contemporánea.” | 97

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ALINE MAYAGOITIA

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EL ARTE DE HABITAR DOS MUNDOS La actriz habla con la Revista Cameo sobre identidad, disciplina y representación en su debut cinematográfico dentro del universo de "El beso de la mujer araña".

Texto y foto Carlos Mora

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A EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Distribuida por: Corazón Films

line Mayagoitia no habla desde la nostalgia ni desde la épica del “sueño americano”. Habla desde la experiencia concreta de haber crecido entre dos idiomas, dos países (México y EU) y dos formas de entender el arte. Su voz —segura, reflexiva, profundamente política sin necesidad de consignas— es la de una actriz que ha hecho de la disciplina su brújula y de la representación su responsabilidad.

Hoy, en pleno estreno de El beso de la mujer araña, Aline vive uno de esos momentos bisagra que no se explican como golpe de suerte, sino como consecuencia de años de trabajo silencioso: Broadway, cine internacional, festivales, audiciones infinitas y una identidad artística que se niega a simplificarse.

CRECER ENTRE BAMBALINAS Hija del actor Alberto Mayagoitia y criada literalmente entre foros, ensayos y camerinos, Aline conoció el teatro antes de entenderlo. “Yo era muy penosa de niña”, recuerda. “Pero con el tiempo me enamoré de la disciplina. Mis papás siempre me dijeron: si esto te gusta, no es por la fama.

Es difícil, es tu carrera y es tu responsabilidad”.

Esa formación temprana marcó su relación con el oficio: una vocación sin romanticismos ingenuos, pero llena de rigor. La actuación no era un juego ni un atajo; era una práctica constante.

SU LLEGADA A BROADWAY Instalada en Nueva York desde hace ocho años, Aline enfrentó uno de los entornos más competitivos del mundo escénico. Solo en 2019 hizo 84 audiciones. “Ese ritmo fue mi maestría en teatro musical”, afirma. “Cada paso fue preparando el siguiente”.

El estreno del musical Las mujeres de verdad tienen curvas en Broadway coincidió con un clima político cada vez más hostil hacia las comunidades migrantes. Lo que al inicio parecía una historia suave, adquirió una carga emocional brutal en cuestión de semanas.

“Hay una escena donde escuchamos una redada.

Antes se sentía lejana. De pronto el público reaccionaba con miedo real”, recuerda. Aline comenzó a recibir al final de cada función a espectadores que veían su propia vida reflejada en el escenario: primeras generaciones, familias separadas, historias de deportación.

Aunque el teatro ha sido su eje, el cine nunca fue ajeno. A los seis años participó en una gran producción internacional filmada en México, experiencia que la marcó para siempre. “Me enamoré de la magia del cine. De lo enorme que se sentía todo”.

REIMAGINAR UN CLÁSICO Entrar a un set de filmación le resulta estimulante precisamente por lo opuesto al teatro: rapidez, intuición, decisiones inmediatas. El beso de la mujer araña llegó a través de audición, con callbacks de danza y ensayos entre giras. Coreografías complejas, tomas largas, decenas de extras: un universo que le era familiar.

Compartir escena con Diego Luna, Jennifer Lopez y Tonatiuh Elizarraraz fue una masterclass. “Ahí ves las diez mil horas. Cómo entienden la cámara, el espacio, el ritmo”.

Por ello, la nueva versión cinematográfica de El beso de la mujer araña, dirigida por Bill Condon, no es una simple adaptación. Retoma la novela, el musical de los noventa y versiones descartadas para crear algo completamente nuevo.

En esta película, la música solo existe en la fantasía; la cárcel es silencio y crudeza.

Aline interpreta a Paulina Paz, un personaje nuevo que forma parte del universo imaginado por los protagonistas. “Es una rival romántica entre Jennifer Lopez y Diego Luna, todo dentro de una fantasía. Un triángulo emocional que no existía antes”. Su trabajo integra actuación y danza, dos lenguajes que domina con precisión.

Sin caer en el discurso de que el arte “salva al mundo”, la mexicana defiende su capacidad de visibilizar, de nombrar, de insistir.

El filme habla de género, deseo, resistencia y fantasía como refugio. Temas que, lejos de volverse obsoletos, se sienten urgentes.

Lejos de encasillarse, la actriz imagina una trayectoria multimedia: actuar, escribir, componer, producir. Admira a quienes cruzan disciplinas sin pedir permiso. “Qué padre que me gusten tantas cosas”, dice. “Antes me frustraba.

Ahora lo celebro”.

Explica que consume mucho cine mexicano, sigue de cerca la producción nacional y sueña con proyectos de época, literatura adaptada, corsets y mundos pasados. Para ella, explica que México no es un plan B: es un eje creativo.

TENDER PUENTES ENTRE NACIONES Aline no romantiza Estados Unidos ni idealiza México. Reconoce la violencia, el miedo y la exclusión que hoy se viven, incluso en ciudades como Nueva York.

“Aunque a mí me acepten, no aceptan a todos. Y eso lo tomo personal”.

Por eso insiste en la idea de los puentes: culturales, lingüísticos, humanos. “Si alguien va a México y regresa transformado, ahora le toca convencer a los suyos.

Ese también es trabajo”.

Hoy, la actriz se siente más preparada que nunca.

No porque tenga certezas, sino porque tiene herramientas. Sabe decir que no.

Sabe lo que quiere. Y, sobre todo, sabe quién es.

En El beso de la mujer araña, su presencia no es solo interpretativa: es simbólica.

Una actriz que encarna el cruce de culturas, generaciones y lenguajes, recordándonos que las historias no pertenecen a un solo lugar, sino a quienes se atreven a contarlas desde la verdad. |9

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TONATIUH Y SU SUEÑO HE Tonatiuh Elizarraraz debuta como protagonista en "El beso de la mujer araña", interpretando a Molina, un hombre queer que sobrevive a la prisión a través de su imaginación.

Por Alejandra Lomelí

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Distribuida por: Corazón Films

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ras varios años participando en proyectos como Promised Land, Vida y Equipaje de mano, Tonatiuh está listo para asumir el foco que ofrece la gran pantalla gracias a su primer protagónico cinematográfico en El beso de la mujer araña.

De raíces mexicanas, el actor estadounidense interpreta a Molina, el corazón emocional de la historia: un hombre homosexual, amante del cine, que sobrevive a los horrores de la prisión refugiándose en su imaginación y recreando, una y otra vez, la trama de su musical favorito. Es también el perso-

naje que detona la transformación de Valentín (Diego Luna), el preso político con quien comparte celda.

En plena gira promocional de la película, Revista Cameo conversó en exclusiva con Tonatiuh desde su ciudad natal, Los Ángeles, sobre la vigencia política de la obra, la responsabilidad del arte en tiempos de tensión social y el peso emocional de encarnar a un personaje tan complejo como Molina.

Has dicho que la cultura cambia más rápido que la política. ¿Cómo se refleja esa idea en tu interpretación de Molina?

“Yo realmente creo lo que dije. La cultura cambia más rápido que la política. Los seres humanos no vivimos fuera de las historias: nos estamos contando relatos todo el día, creando mundos dentro de nuestra mente. Y cuando comenzamos a compartir esas historias, también creamos mundos entre nosotros, dentro de nuestras comunidades.

Desde los 17 años —lo escribí en un papel— sentí que la responsabilidad de un artista es preguntarse qué historias estamos contando y por qué. ¿Qué se lleva la gente en el corazón después de escucharlas?

Lo que me emocionó

CHO RE ALIDAD EN EL CINE profundamente de esta película es que, en un momento en el que a las personas latinas se les llama criminales en Estados Unidos, y a la comunidad queer —en especial a las personas trans— se les tacha de terroristas por simplemente existir, nuestra historia dice lo contrario: ‘Eres una estrella. Te amamos. Mereces el tratamiento de Hollywood’.

Eso me parece hermoso, porque tanto la comunidad inmigrante de la que provengo como la comunidad queer son de las más bellas que he conocido: llenas de amor, de personas que decidieron cambiar su vida, cerrar una historia y crear otra

desde la imaginación. Si eso no es arte vivo, arte en acción, no sé qué lo sea.” ¿Qué te enseñó Molina sobre la masculinidad?

“Cuando leí el guion, quise asegurarme de que la gente no se enfocara en Molina solo por cómo se viste. Quería que vieran sus ojos, su alma, su corazón, y la manera en que trata a otro ser humano cuando no tiene ninguna obligación de hacerlo.

Sentí una gran responsabilidad de construir un personaje tridimensional, una persona real que siente enojo, amor, ternura, vergüenza, deseo. Porque

un ser humano contiene todo eso dentro de sí.

Por esa razón tomé decisiones muy extremas, como perder casi 20 kilos en 50 días.

Fueron decisiones personales para contar esta historia de la manera más honesta posible y darle a esa comunidad una representación auténtica.”

Aunque llevas años trabajando. ¿Qué significó para ti protagonizar un musical con toda su carga teatral, coreográfica y emocional?

“Fue un sueño. Mi mamá emigró a Estados Unidos sin hablar el idioma y trabajó en un drive-thru. A los 17 años yo soñé

con ser artista y pasé muchos años trabajando en televisión, haciendo lo mejor que podía, pero sin cargar nunca la historia completa.

Aquí no solo tuve la oportunidad de interpretar un personaje, sino dos. Fue como si por fin me dejaran entrar al partido, como llegar a las Olimpiadas.

Y hacerlo junto a personas como Jennifer López, Diego Luna, Bill Condon y Colleen, nuestra diseñadora de vestuario, fue estar rodeado de lo mejor de lo mejor.

Me recibieron con los brazos abiertos. Fue un sueño hecho realidad, y eso es algo que nunca voy a olvidar.”

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EL BESO DE LA MUJER ARAÑA UNA REVOLUCIÓN ONÍRICA EN TECNICOLOR Por Alejandra Lomelí

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ill Condon se enfrentó a la titánica tarea de dirigir una nueva versión de El Beso de la Mujer Araña, la trascendente novela de Manuel Puig sobre la resistencia en tiempos de la dictadura argentina y obra cumbre de la literatura queer, cuyo impacto en la cultura popular dio lugar a la adaptación cinematográfica homónima de 1985, dirigida por Héctor Babenco.

Lo que ha jugado a favor del director neoyorquino es el sentido de novedad que acarrea trasladar el texto de Puig a un género tan exuberante y arriesgado como es el musical, un terreno en el que los escenarios de Broadway ya se habían adelantado al cine en la década 12 |

de los noventa.

Además de la novela, el principal referente de Condon para escribir y dirigir la propuesta fue el musical de Terrence McNally, con música de John Kander. La trama es conocida: Valentín (Diego Luna), un preso político, comparte celda con Molina (Tonatiuh), un escaparatista homosexual que cumple una condena por un escándalo público. De manera inevitable, surge un vínculo entre ellos, encontrando en la imaginación la manera de sobrellevar los horrores de la prisión cuando Molina le relata a Valentín la trama de un musical titulado “El beso de la mujer araña”, un melodrama en tecnicolor protagonizado por su diva favorita, Ingrid Luna (Jennifer López).

Condon despliega su exdesvinculado. No obstante, periencia en la realización de Condon consigue agregar musicales opulentos y deslumescenas que profundizan en el brantes en una película que, en vínculo íntimo entre Molina y muchos sentidos, es una evoca- Valentín, haciendo más orgáción al Hollywood dorado, no nica la estrecha relación que solo por la estética de su establecen al final. diseño de producción Pero lo que resulta o por referir a un un verdadero deleite ADIÓS, JUNE tipo de actrices e son las actuaciones: Dónde ver: historias escapistas, Tonatiuh es la verNetflix sino también por la dadera revelación, manera de rodar los es sentimiento puro. números musicales, Jennifer López, por su apostando por tomas largas parte, merece mención espeque privilegia la emoción. cial al hacer gala de una gracia De ahí que la parte más única para actuar, cantar y ejelograda de la película sea el uso cutar coreografías vertiginosas, de la fantasía para recrear el alcanzando su punto más alto artificio y el poder onírico del con el número Kiss of the Spicine. Esta decisión relega el der Woman, imprimiendo ese drama político a un segundo toque de fatalidad y liberación plano, percibiéndose un tanto que define a la historia.

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FERNANDA ECHEVARRÍA Y LA ÉTICA DEL DESEO

LA VIRGEN DE LA TOSQUERA

Distribuida por: Caponeto

Ambientada en la Argentina de 2001, "La virgen de la tosquera" retrata el despertar adolescente y la incomodidad emocional en tiempos de crisis.

E

n una historia donde el cuerpo, la rabia y el deseo se convierten en territorio de batalla, Fernanda Echevarría da vida a Silvia, uno de los personajes clave de la nueva película de Laura Casabé, inspirada en los cuentos El carrito y La virgen de la tosquera de Mariana Enríquez, incluidos en el libro Los peligros de fumar en la cama.

Ambientada en los márgenes de Buenos Aires durante el verano de 2001, en plena crisis económica argentina, la cinta sigue a Natalia (Dolores Oliverio), una adolescente que atraviesa un proceso de iniciación marcado por el colapso social, los secretos familiares y el despertar de un deseo tan intenso como incómodo. En ese universo áspero y caluroso, Silvia aparece como una figura que dialoga con la

Por Carlos Mora vergüenza, la represión y la violencia silenciosa que atraviesa a los personajes.

Durante en entrevista con la Revista Cameo, Echevarría habló sobre uno de los principales retos del proyecto: rodar en Argentina siendo extranjera, asumir el acento y entenderlo no como un artificio, sino como una herramienta ética y narrativa. “Para mí era importante que el acento estuviera ahí, no como algo anecdótico, sino como parte de la identidad del personaje. No quería que fuera una caricatura, sino algo cotidiano, orgánico”, explica.

La actriz también reflexiona sobre el tono de la película, que se mueve entre el terror, lo fantástico y el drama íntimo. Más que provocar miedo convencional, la historia —dice— busca sacudir al espectador desde un lugar emocional, desde aquello que incomoda porque resulta reconoci-

ble. “No es un terror clásico.

Es una sensación que nace del deseo adolescente, de la rabia, de lo que no se puede decir ni canalizar”.

Uno de los elementos más potentes del filme es la aparición de lo religioso y lo simbólico, particularmente la figura de la virgen, que para Echevarría funciona como una especie de columna vertebral de la historia. “No es solo una aparición. Engloba todo: la fe, la culpa, la necesidad de creer en algo cuando no hay red, cuando no hay futuro claro”, señala.

Echevarría celebra que cada vez haya más relatos que pongan en el centro el deseo femenino adolescente, sin edulcorarlo ni castigarlo. “Necesitamos más historias sobre la rabia y el deseo en las mujeres jóvenes, sobre sus ganas, su sexualidad, sus contradicciones. Que se puedan contar desde cualquier

género cinematográfico, incluso desde lo fantástico o lo oscuro”.

En lo personal, Silvia representó para Echevarría uno de sus trabajos más íntimos. Aunque no se parece literalmente a ella, fue construido desde un lugar profundamente emocional. “Trabajé mucho con la vergüenza. Fue uno de los procesos más personales que he hecho, porque me obligó a mirarme y a entender desde dónde estaba contando”.

Con una mirada incendiaria y una sensibilidad feroz, la película no solo adapta el universo de Mariana Enríquez, sino que dialoga con una generación marcada por el colapso, el calor, el encierro y el despertar del cuerpo como acto político. En ese contexto, el trabajo de Fernanda Echevarría aporta una capa de humanidad cruda, incómoda y necesaria. | 13

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FAMILIA A LA DERIVA: COMEDIA CON EMOCIONES A FLOR DE PIEL En entrevista con la Revista Cameo, las actrices Ana González Bello e Irán Castillo reflexionan sobre la historia que utiliza la risa para mirar de frente la ausencia emocional y las heridas familiares.

Foto y Texto Carlos Mora

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E FAMILIA A LA DERIVA

Distribuida por: Star Distribution

n un país donde la figura del padre ausente es una realidad tan común como poco discutida, Familia a la deriva llega como una comedia que se permite ir más allá de la risa fácil. Dirigida por Alfonso Pineda Ulloa y protagonizada por Irán Castillo y Ana González Bello, la película utiliza el humor como punto de partida para explorar los vacíos emocionales que atraviesan muchas familias mexicanas, apostando por una mirada empática, humana y profundamente contemporánea.

Lejos del melodrama o del discurso moralizante, la cinta propone una historia caótica y entrañable: un padre ausente que emprende un accidentado viaje familiar con la esperanza —quizá tardía— de reconectar con sus hijos. En ese trayecto, el humor se convierte en un aliado narrativo que permite hablar de temas complejos sin solemnidad, pero con honestidad.

“Para mí, la comedia es el mejor vehículo para meter un mensaje”, compartió Ana González Bello. Y es precisamente esa convicción la que atraviesa toda la película: exagerar las situaciones, llevarlas al límite de lo absurdo y lo incómodo, para que el espectador pueda reír y, al mismo tiempo, reconocerse.

LA AUSENCIA QUE NO SIEMPRE SE VE Uno de los grandes aciertos de Familia a la deriva es ampliar la conversación sobre la ausencia parental.

La película no se limita a hablar del abandono físico, sino que pone el foco en una forma de ausencia mucho más cotidiana y silenciosa: la emocional.

“En México hay un gran porcentaje de papás que están, pero emocionalmente no están, y otros que simplemente no están”, señaló González.

En ese sentido, la cinta se atreve a colocar a los niños en el centro del relato, dándoles una voz clara y directa.

Aquí no se les protege del conflicto ni se les edulcora el dolor. Al contrario: los personajes infantiles tienen la oportunidad de expresar, sin filtros, lo que significa crecer con un padre ausente. “No se la ponen fácil al papá, y eso me parece muy valioso”, añadió.

Por su parte la actriz Irán Castillo complementó esta reflexión al señalar que la ausencia no es una problemática exclusiva de los hombres. “También hay mamás ausentes”, apuntó, reconociendo que muchas veces esta desconexión no nace de la falta de amor, sino de la presión cotidiana, el exceso de trabajo y la dificultad de encontrar tiempo y presencia real en medio del caos moderno.

La película, entonces, no busca señalar culpables, sino generar empatía.

“No es porque sean malas personas”, explicó Castillo. “A veces simplemente no saben cómo estar, no encuentran el espacio o están distraídos”. Ese matiz es lo que permite que la cinta conecte con públicos diversos.

ENTRE LA RISA Y LA EMOCIÓN Aunque la comedia es el tono dominante, la película no renuncia a la emoción. Hay momentos que, sin previo aviso, atraviesan al espectador con una sinceridad desarmante. “Sí hay escenas que te tocan y casi te sacan la lagrimita”, confesó Castillo.

Esa mezcla de humor y vulnerabilidad es lo que le da a la cinta un corazón genuino y evita que el mensaje se sienta impuesto.

Otro de los aspectos que ambas actrices subrayaron fue la importancia de que la película llegue a las salas de cine, incluso en un momento donde las plataformas dominan la conver-

sación audiovisual. Aunque Familia a la deriva cuenta con el respaldo de una plataforma, su estreno en cines representa una apuesta clara por la experiencia colectiva.

“Estamos apenas regresando a ir al cine”, comentó Castillo. “No hay nada como estar en una sala, compartir la pantalla grande con más gente y sentir la historia de otra manera”.

Además, destacaron que se trata de una película pensada para verse en familia, un espacio ideal para detonar conversaciones.

UN MÉXICO QUE TAMBIÉN MERECE PANTALLA Visualmente, la película es también una carta de amor a un México poco retratado. Filmada en Campeche y en la Isla Aguada, el filme muestra paisajes que sorprenden incluso a quienes creen conocer el país. “Yo no sabía que existía Isla Aguada, y soy mexicana”, confesó Castillo.

Lagunas, mar, malecón y pueblitos mágicos se convierten en parte fundamental del relato, aportando una sensación de libertad y escape que dialoga con el viaje emocional de los personajes.

Más allá de la postal turística, la película retrata la calidez de las comunidades locales, cuya emoción al saber que su pueblo aparecería en el cine fue uno de los recuerdos más entrañables del rodaje.

La experiencia de filmar en estas locaciones también abrió la puerta a otras reflexiones. Ambas actrices compartieron su preocupación por el abandono animal, una realidad presente en muchos de estos lugares.

El equipo incluso rescató perritos durante el rodaje, una vivencia que marcó profundamente a la producción y que subraya el compromiso humano detrás del proyecto. | 15

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FAMILIA A LA DERIVA CELEBRA SU PREMIERE Fotos y texto Carlos Mora LA PREMIERE de Familia a la deriva reunió a cineastas, actores y público en una noche marcada por la expectativa.

La película se presenta como una mirada honesta y sensible sobre una familia que, enfrentada a una crisis, debe atravesar el caos emocional que la separa y la mantiene unida.Protagonizada por Mauricio Ochmann, Irán Castillo, Ana González Bello y Memo Villegas, la cinta parte de una premisa clara: una familia desconectada necesita perderse para encontrarse. Gonzalo, un padre ausente que intenta recomponer los vínculos con sus cuatro hijos durante un viaje en yate, se verá obligado —tras un naufragio— a enfrentar las consecuencias de sus propias ausencias.

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ALFONSO PINEDA

FAMILIA A LA DERIVA: HISTORIA QUE REPARA VÍNCULOS El cineasta habla sobre cómo la película aborda la reconstrucción de lazos familiares a través de un caótico viaje en yate que confronta ausencias y malentendidos entre padres e hijos.

Por Carlos Aguillón

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desde el guion: “Es un proyecto original… la historia de un padre ausente que tiene que reconectar con sus hijos. El reto era trabajar con niños, locaciones fuera de la Ciudad de México y Mauricio ya estaba en el proyecto. Me atrapó desde el principio”.

La película encuentra sus mejores golpes en lo emocional. Hay una escena en particular que para Alfonso fue también catártica: “La hija mayor le dice: ‘te perdiste mis cumpleaños, mis firmas, no has estado’. Me llenaba de lágrimas porque yo vivo esto… ver cómo un padre se esfuerza, pero la consistencia es lo importante”.

Su objetivo es directo: “Espero que la audiencia conecte… al final la familia es el núcleo principal. Aunque estén o no rotas, la familia es el motor de la sociedad.

Queremos que la gente conecte y se ría… que salgan movidos y sonriendo”.

El estreno se inserta en un movimiento más amplio del cine nacional, aún en búsqueda de balance entre géneros y audiencias.

“El cine mexicano está en un renacer constante… seguimos buscando reconectar. Lo importante es demostrar que el cine mexicano no es solo comedia. Vienen varios estrenos y espero enamorar al público co nesta cinta”, dice. Apuestas, riesgo, prueba y error.

Entre el éxito de Las Azules y su nuevo largometraje, Pineda Ulloa ya prepara una comedia con Jaime Camil y Natalia Téllez rodada en Colombia bajo Mediapro. “Muchos proyectos… celebramos con Las Azules”, confiesa con la energía de quien sabe que la industria no espera.

Familia a la deriva es, entonces, una aventura que abraza la torpeza, la risa y la emoción, recordando que la reconciliación —como toda buena escena— necesita tiempo, ritmo y una segunda oportunidad.

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or estos días, Alfonso Pineda Ulloa se mueve entre alfombras, salas oscuras y sets internacionales. Tras la nominación al Emmy Internacional por Las Azules, el cineasta regresa a la pantalla grande con Familia a la deriva, una comedia-aventura que apuesta por el espectáculo físico y la intimidad emocional. Con Mauricio Ochmann e Irán Castillo al frente del elenco y una misión clara: el director pretende volver a conectar a la audiencia con la experiencia colectiva del cine.

La cinta sigue a un padre ausente que, obligado a reconectar con sus hijos, inicia un viaje lleno de adrenalina, naturaleza y cuentas pendientes. “Es mi sexta película; la demencia de mi mamá me llevó a la comedia y empecé este camino con la comedia familiar”, recuerda el director, en entrevista con la Revista Cameo, quien asegura que detrás de la ligereza hay duelo, reconciliación y humor procesado desde la memoria.

Pineda Ulloa carga en su filmografía referentes que van del thriller al suspenso —Hitchcock, Kubrick y Fincher como brújula— pero su viraje reciente hacia la comedia parte de una herida real. Él mismo define su estilo como “risa con cicatriz”, una marca que no renuncia al golpe emocional en medio de la carcajada.

La producción fue rodada en Isla Aguada, Campeche, Ciudad del Carmen y Ciudad de México durante cinco semanas. No fue turismo idílico: fue logística, calor y humedad abrazando la narrativa. “De pronto los actores no estaban actuando incomodidad, la estaban viviendo… la aventura deja de ser decorado y se convierte en experiencia física”, explica.

Ese registro físico dio textura a la película y al reencuentro familiar que impulsa al protagonista.

El director se enganchó

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REÍRSE DE LO QUE DUELE: SOBRIEDAD ME ESTÁS MATANDO Una comedia de humor negro que aborda la adicción sin lástima ni moralismos. Con Octavio Hinojosa y Alfonso Borbolla, la risa se convierte en una herramienta de empatía.

Texto y foto Carlos Mora

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SOBRIEDAD ME ESTÁS MATANDO

Distribuida por: Cinépolis Distribución

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rotagonizada por Octavio Hinojosa y Alfonso “Poncho” Borbolla, Sobriedad me estás matando llega a salas como una comedia incómoda, filosa y profundamente humana.

Bajo la apariencia de humor negro, la película se atreve a mirar de frente uno de los temas más complejos y estigmatizados: la adicción, no desde la lástima ni el sermón, sino desde la risa que incomoda y la empatía que desarma.

La historia sigue a Raffi (Hinojosa), un hombre atrapado en un ciclo interminable de recaídas, clínicas y expulsiones. Cuando parece haber tocado fondo, su amigo Trino (Borbolla) lo acoge en casa con una condición clara: debe desintoxicarse, trabajar y “merecer” la posibilidad de acercarse a su amor platónico. A partir de ahí, la relación entre ambos amigos se convierte en el corazón de una película que se mueve entre el caos, la ternura y la brutal honestidad.

“Desde el principio sabíamos que no era una comedia convencional”, reconoce Borbolla. “El tema es escabroso, el protagonista

no es simpático en un primer momento y eso genera nervios. Es un personaje que lo amas o lo odias”. Sin embargo, esa ambigüedad es precisamente la apuesta del filme.

HUMOR NEGRO QUE CRUZA FRONTERAS Aunque podría pensarse que su tono es demasiado local, Sobriedad me estás matando ha tenido una recepción sorprendente en festivales internacionales.

“Yo creía que no iba a conectar en lugares como Alemania o Polonia”, confiesa Hinojosa, “pero la gente se reía muchísimo”.

En ciudades como Varsovia o Houston, tras las funciones se acercaban personas que se identificaban como adictos al alcohol, comedores compulsivos o con otras adicciones.

Uno de los comentarios que más marcó al actor fue contundente: “Gracias por retratar la adicción sin lástima”. Para Hinojosa, ese era uno de los mayores riesgos y también uno de los grandes objetivos de la película: “La adicción es un tema de salud mental.

Nadie quiere que lo miren desde la condescendencia.

Queríamos contar una

historia más, desde la comedia, sin romantizar pero tampoco juzgar”.

REÍRSE SIN GOLPEAR SIEMPRE AL MISMO La película también abre una conversación necesaria sobre los límites del humor negro en México.

Borbolla lo dice sin rodeos: “No se trata de que ya no se pueda hacer comedia, sino de no seguir burlándonos siempre de los mismos. El humor no tiene por qué ser bullying”. Para ambos actores, el reto estuvo en encontrar un equilibrio: provocar risa, incomodar y generar reflexión sin caer en lo ofensivo ni en lo políticamente complaciente.

“México es un país que consume mucha comedia”, reflexiona Borbolla, “pero el humor negro vive en una línea muy delgada: puede ser muy cercano a nuestra cultura o muy desafiante, dependiendo de las creencias de cada quien”.

LA COMEDIA COMO PUERTA A LO DOLOROSO Abordar un tema tan duro desde la risa no fue una decisión sencilla.

Para Hinojosa, la comedia permite bajar la guardia:

“La gente se relaja, se ríe y entonces el mensaje entra más fácil. Vivimos rodeados de noticias oscuras; si todo es drama, el público se cierra”.

Borbolla coincide, “e s más difícil hacer reír y al mismo tiempo hacer pensar sin ofender. Pero es mucho más eficaz”.

El impacto emocional de la película se ha hecho evidente fuera del circuito de festivales. “Se me acercó una chica en Mérida llorando”, recuerda Hinojosa.

“Me dijo: ‘Mi mejor amigo es Raffi, ¿qué hago?’. Ahí te das cuenta de que todos tenemos un Raffi cerca: el hermano, el amigo que no se quiere dejar ayudar”.

Más allá del humor, ambos actores coinciden en que Sobriedad me estás matando es una película hecha desde la responsabilidad. “No queríamos solo hacer reír y ver cómo nos va en taquilla”, dice Borbolla. “Queríamos decir algo, y decirlo con cuidado”.

El resultado es una comedia que incomoda, conmueve y provoca conversación, recordándonos que el cine también puede ser un espacio para mirar nuestras heridas sin solemnidad, pero con respeto. | 19

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a cinta de Raúl Campos no surgió del confort sino de la frustración. Tras un 2023 que él mismo describe como “horrible”, entre proyectos rechazados y shows cancelados, Campos se reunió a comer con Octavio Hinojosa y Félix de Valdivia y tomaron una decisión que cambiaría su destino creativo: “Vamos a escribir la película que nadie nos deja escribir”, recuerda. Nació así Sobriedad me estás matando, una comedia negra sobre adicción, crisis adulta y la incómoda posibilidad de que estar limpio tampoco signifique estar bien.

El escritor y actor Octavio Hinojosa había cargado durante años con el germen del personaje central: Raffi, un hombre cercano a los cuarenta que lleva 17 años entrando y saliendo de centros de rehabilitación. Raffi pierde su último refugio y decide “madurar”, aunque la supuesta normalidad lo asfixie igual que su adicción. “La sobriedad también puede ser un lugar desagradable si no sabemos quiénes somos sin el caos”, afirma Campos. La película abraza esa paradoja con humor ácido y humanidad feroz, una combinación poco habitual en la cartelera nacional.

“Desde el primer día estábamos en la misma página”. El único conflicto verdadero fue el final, que desató—según Campos—“una discusión de cuatro horas” para definir el tono identitario del filme.

El acuerdo al que llegaron no fue un punto medio diplomático, sino el punto más honesto para el personaje.

El rodaje duró tres semanas. No hubo fondos públicos ni plataformas detrás. “La hicimos tres amigos, sin Eficine, sin Focine, sin Estado. Echamos el salto mortal sin red”, dice Campos. “Tomamos el riesgo completo”. Lo llamativo es que, a pesar de ese vértigo, el proyecto empezó a sumar cómplices creativos: “El cast se ensambló en muy poco tiempo, pero con muchísimo compromiso”. El elenco 20 |

RAÚL CAMPOS ROMPER LA FÓRMULA DESDE LA NARRATIVA El director presenta su ópera prima "Sobriedad me estás matando", una cinta que desafía fórmulas y reclama nuevo espacio para el cine mexicano Por Carlos Aguillón Foto Carlos Mora

incluye a Hinojosa, Alfonso Borbolla, Maya Zapata, Mónica Dionne, Elsy Reyes, Félix de Valdivia, Hugo Stiglitz y Hugo Catalán.

Después llegó el salto más temido: la distribución. “Lo más importante para cualquier cineasta es que su película la vea la gente”, señala Campos. “Ese es el salto de la muerte”.

Para Hinojosa, es un triunfo improbable: “Es una película de riesgo, no responde a fórmula, y aun así llega a todo el país”.

La conversación inevitable gira hacia la crisis del cine mexicano, por lo que Campos resalta: “Está dominado brutalmente por el cine norteamericano, y el mexicano se polarizó entre comedias románticas y películas ultra autorales que nadie vio”. Sobriedad me estás matando intenta ocupar ese territorio huérfano. “Queremos recuperar la confianza del público mexicano”, insiste.

“Ofrecerles algo que les cumpla.

Que los haga reír, llorar, identificarse. No tratarlos como ganado que compra boletos”.

Hinojosa amplía la charla hacia una dimensión global: “Hollywood está cayéndose con un modelo hiperinflado. La asistencia baja, la taquilla cae cada semana. Estamos en crisis, pero las crisis abren oportunidad”.

Y agrega una frase que es casi manifiesto: “No podemos victimizarnos.

Es nuestra responsabilidad tejer de nuevo el diálogo con el espectador.

Cada boleto cuenta, incluso para decir que no les gustó. El cine es un fenómeno social”.

La película no pretende ser excepción ni anécdota. Quiere inaugurar movimiento. Campos lo dice con claridad: “Somos libres de contar esa historia también y somos libres de bailar a nuestro son”. Hinojosa lo refuerza con pragmatismo: “Llegamos al cine para quedarnos”. Ya preparan otra película y ultiman una serie de comedia para una plataforma. Lo ven como el inicio de una ola que arriesgue, provoque conversación y devuelva al público mexicano una oferta más amplia que la comedia romántica o el drama hermético.

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LA HISTORIA DEL SONIDO ROMANCE ENTRE MÚSICA Y MEMORIA

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a historia del sonido, dirigida por Oliver Hermanus y basada en un cuento de Ben Shattuck, llega a la pantalla grande como un relato delicado y poético que explora la música, la memoria y el amor en un contexto histórico marcado por la Primera Guerra Mundial. La película combina elementos de romance, historia y música para construir una experiencia cinematográfica que privilegia la sensibilidad y la introspección por encima de la acción convencional.

La historia sigue a Lionel (Paul Mescal), un joven con un talento especial para la música, quien abandona su hogar en Kentucky para estudiar en el Conservatorio de Boston. Allí conoce a David (Josh O’Connor), un estudiante carismático con un

Por Carlos Mora bagaje emocional complejo, y juntos emprenden una misión singular: recorrer los bosques de Maine para grabar canciones tradicionales y preservarlas para la posteridad. Entre caminatas, grabaciones y largas conversaciones, la relación de Lionel y David se desarrolla con delicadeza, mostrando un amor que se construye más en la intimidad de los gestos y los silencios que en grandes declaraciones románticas.

La película se distingue por su estética cuidada y su atmósfera contemplativa. Los planos pausados, la iluminación suave y la atención al detalle en escenarios naturales refuerzan la sensación de melancolía y nostalgia, invitando al espectador a detenerse y escuchar, al igual que los protagonistas, la belleza del mundo que los rodea. La música juega un papel central:

no se limita a la banda sonora, rrativas más dinámicas. La obra sino que actúa casi como un apuesta por la reflexión y la personaje, guiando emociones contemplación, más que por el y construyendo recuerdos que conflicto o la tensión dramática dan sentido a la narrativa. tradicional, lo que la convierte Las actuaciones de Mescal y en un ejercicio de paciencia y O’Connor han sido ampliamensensibilidad para quien la ve. te elogiadas por su química y la La historia del sonido es un sutileza de su interpretación. filme que invita a escuchar y Ambos logran transmitir sentir, donde la música y la complejidad de la memoria se entresus personajes con lazan para crear una LA HISTORIA gestos, miradas experiencia íntima DEL SONIDO Distribuida por: y silencios que y conmovedora. Es Cine Caníbal complementan la ideal para quienes narrativa introspecdisfrutan del cine tiva de la película. La reflexivo, los romances relación entre Lionel y David históricos delicados y las se muestra con autenticidad, historias que valoran el poder evitando melodramas forzados de los pequeños detalles sobre y apostando por la intimidad y los grandes gestos. Más que la emoción contenida. una película sobre hechos Sin embargo, el ritmo pausao sucesos, es un retrato del do de la película puede resultar tiempo, del amor y de cómo las desafiante para algunos especcanciones pueden conservar lo tadores acostumbrados a naque la vida a veces se lleva. | 21

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liver Laxe, cineasta gallego y figura indispensable del cine contemporáneo español, vuelve a poner su nombre en la conversación internacional con Sirát, su cuarta película de ficción.

Tras ganar el Premio del Jurado en Cannes y recibir dos nominaciones a los Oscar 2026 —Mejor Película Internacional y Mejor Sonido—, Laxe se consolida como un autor audaz, capaz de desafiar convenciones y explorar territorios cinematográficos que pocos se atreven a recorrer.

La película sigue la travesía de un padre y su hijo en busca de una hija desaparecida en el mundo de las raves. Pero más que una historia lineal, Sirat es un viaje físico y espiritual, un encuentro entre lo desértico y lo íntimo, entre la violencia de lo real y la poesía de lo humano.

“Quería hacer algo que te obligue a mirarte por dentro”, comenta Laxe. Para él, la película funciona como

“una auténtica terapia de choque”, un espejo que confronta al espectador con la muerte, la memoria, la familia y la identidad.

El germen de Sirát estuvo años en la mente del director. Laxe recuerda imágenes que no dejaban de perseguirlo: el desierto como paisaje arquetípico, la música de las raves como fuerza primitiva, la memoria como motor de la narrativa. Para capturar esa sensación, rodó la película en Super 16 mm, buscando una textura física, casi palpable. “La textura es el lenguaje del cuerpo”, explica. “Quería que cada plano se sintiera, que cada sonido tocara la piel del espectador”.

RODAR SIRÁT NO FUE FÁCIL El equipo se enfrentó a temperaturas extremas, locaciones inhóspitas y jornadas que exigían resistencia física y emocional. Laxe asegura que esos desafíos formaron parte de la propia película. “La vida me ha empujado al abismo y por

eso estoy aquí. Todo lo que pasó durante el rodaje está dentro de la película. No es ficción: es experiencia”.

El director también reflexiona sobre la responsabilidad del cine. Critica la industria por favorecer lo previsible y lo seguro frente a lo profundo y lo arriesgado. Aun con la recepción internacional que ha tenido la cinta, Laxe insiste en que no busca premios ni reconocimiento: su prioridad es la autenticidad. “No es que me guste ser un referente, es que debo serlo. Hacer un cine honesto es una obligación”, afirma. Sus declaraciones recientes sobre la influencia de ciertos sectores en las nominaciones internacionales han generado debate, y Laxe no rehúye la controversia. “El cine siempre será político, aunque hable del desierto o de la música. No puedes separar la mirada del mundo de lo que haces en pantalla”.

Más allá del cine europeo, Laxe ve al filme como un puente hacia audiencias globales. La película, que

ya ha sido nominada al Oscar como Mejor Película Extranjera, confirma la proyección internacional del director y su capacidad de conectar con públicos de distintas culturas. Laxe no descansa: planea nuevos proyectos que seguirán explorando los límites entre la experiencia, la emoción y el arte cinematográfico.

“El cine tiene que mover, incomodar y permitir que la gente se encuentre a sí misma”, afirma. Y añade: “No me interesa hacer cintas que sean solo bonitas.

Quiero que sean necesarias, que dejen preguntas, que transformen aunque sea un instante”.

Con Sirát, el realizador no solo entrega una película, sino un ritual visual que desafía al espectador, una experiencia sensorial que permanece mucho después de los créditos. Su cine sigue siendo un territorio de riesgo, un espacio donde lo estético, lo emocional y lo existencial se encuentran, y donde la mirada del autor obliga a repensar la manera de mirar el mundo.

OLIVER LAXE Y SIRÁT: EL CINE En entrevista con la Revista Cameo durante el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), el cineasta gallego habló sobre su nuevo filme. Combinando desierto, música y exploración emocional.

Con un enfoque sensorial y arriesgado, Laxe propone un cine que incomoda, transforma y deja preguntas.

Texto y foto Carlos Mora

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QUE SACUDE AL ESPECTADOR SIRÁT

Distribuida por: Zima

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SIN PIEDAD

Distribuidora: Sony Pictures

CHRIS PRATT, SIN PIEDAD Y ENTRE FANS MEXICANOS Fotos y texto Carlos Mora LA CIUDAD DE MÉXICO recibió con alfombra roja la premiere de Sin piedad, la más reciente película protagonizada por Chris Pratt, quien provocó la euforia de sus seguidores al presentarse ante uno de los públicos más entusiastas de la temporada. Entre flashes, gritos y celulares en alto, el actor saludó a los fans que lo esperaron durante horas. “Wow, México, son los mejores fans del mundo. Es increíble estar aquí, gracias”, expresó Pratt, visiblemente emocionado por el recibimiento. Sin piedad combina humor, acción y un tono desenfadado que se ríe de sí mismo, explorando temas como el ego, la exposición pública y las segundas oportunidades. La noche cerró entre aplausos y selfies, confirmando a la CDMX como una de las plazas favoritas para las grandes premieres internacionales.

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ODESSA A’ZION FUERZA, REBELDÍA Y LIBERTAD En "Marty Supremo", la actriz deslumbra como Rachel, una mujer feroz e impredecible, convirtiéndose en la revelación hipnótica del filme Por Alejandra Lomelí

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dessa A’Zion no irrumpe: se impone.

Su presencia en Marty Supremo marca un punto de inflexión en una carrera que llevaba tiempo gestándose en silencio.

Aunque no es un rostro nuevo en la pantalla, hoy la actriz se instala con fuerza en la conversación gracias a su interpretación de Rachel, un personaje feroz, impredecible y profundamente magnético: una joven atrapada en una vida que no la satisface y que ve en Marty Mauser (Timothée Chalamet) la posibilidad —o la ilusión— de escapar.

“Disfruto muchísimo interpretar personajes decididos, calculadores, inteligentes. Rachel es alguien de quien nunca sabes cuál será su próximo movimiento, y eso me fascinó desde el inicio”, comparte A’Zion en entrevista exclusiva con la Revista Cameo.

Hay algo en los extremos que la interpela. A’Zion se reconoce más cercana a

personajes como Rachel, figuras que habitan el exceso y la intensidad emocional.

Aunque su vida personal no haya transitado por el mismo caos que la del personaje, la actriz encontró la forma de anclarlo todo en una verdad íntima.

“Hubo momentos realmente desafiantes, sobre todo porque algunas situaciones son incómodas.

El mayor reto es lograr que todo se sienta real dentro de un entorno completamente irreal. Emocionalmente, siempre tomo cosas de mi propia vida y las traslado a una situación que no he vivido, pero sé perfectamente de dónde extraer esas emociones”.

Dirigida por Josh Safdie, Marty Supreme funciona como un retrato vertiginoso de un buscavidas narcisista convencido de estar destinado a la grandeza. En su delirante camino hacia el campeonato mundial de ping pong, Rachel aparece como amante ocasional, aliada estratégica y catalizadora del caos.

Lo que comienza como un rol secundario pronto se transforma en una presencia tan determinante como la del propio Marty.

A’Zion reflexiona entonces sobre la intimidad que se genera entre actor y personaje, una relación que, en ocasiones, supera incluso la mirada de quienes lo concibieron en el papel.

“Cuando un personaje llega a manos de un actor, creo que el actor termina conociéndolo mejor que nadie. No quiero sonar cursi, pero sentí genuinamente que Josh y Ronnie escribieron este personaje para mí sin conocerme”.

Sobre su experiencia trabajando con Josh Safdie, la actriz no escatima elogios. Destaca la libertad creativa, la confianza y el clima de trabajo que el director imprime incluso en los relatos más caóticos.

“Me sentí libre para explorar al personaje. Josh tiene ideas increíbles, es muy inteligente y un narrador extraordinario.

Además, logra mantener un ambiente ligero y positivo en el set, algo fundamental cuando trabajas en historias intensas”.

Aunque la película sigue el recorrido de Marty, el drama de ritmo frenético y humor negro se sostiene en un elenco secundario sólido, donde A’Zion emerge como la revelación indiscutible.

Con la atención mediática que hoy la rodea, la actriz admite que el miedo al juicio sigue presente, incluso frente a cámaras.

“Eliminar el miedo a ser juzgada es siempre mi reto. Aunque estés actuando con una sola persona, sabes que hay decenas de ojos observándote”.

Aun así, A’Zion atraviesa este momento con una claridad poco común. Sueña en grande, sí, pero sin grandilocuencia, anclada en el placer de crear.

“Es raro hablar de ambiciones, pero creo que todos tenemos una meta.

Si haces algo que amas, no dañas a nadie y quizá incluso estás creando arte o ayudando a otros, entonces vale la pena llevarlo hasta el final. Yo me siento profundamente agradecida de haber hecho esta película. Con eso, ya gané”.

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MARTY SUPREMO

Distribuidora: Diamond Films

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ras poco más de diez años de compartir créditos de dirección juntos, durante los cuales produjeron títulos notorios como Good Time (2017) o Diamantes en bruto (2019), en 2024 los hermanos Josh y Benny Safdie anuncian que dejarán de colaborar juntos, y cada uno de ellos se dedicará a sus carreras por separado.

Un año después de ese anuncio, los Safdie regresan a la pantalla grande con proyectos individuales, pero ambos distribuidos por la afamada A24. Y curiosamente, también ambos tienen como figuras centrales en sus historias a deportistas obsesionados con el triunfo y la derrota. Así, mientras Benny Safdie escribió, dirigió, produjo, y editó en 2025 La máquina (The Smashing Machine) basada en la vida del exluchador olímpico y peleador de MMA Mark Kerr, Josh Safdie hizo lo propio con Marty Supremo (Marty Supreme), inspirada libremente en el jugador de tenis de mesa estadounidense Marty Reisman.

El argumento de Josh (quien contó con la mano de Ronald Bronstein, viejo colaborador suyo y de su hermano) se sitúa en el Nueva York de 1952, donde Marty Mauser (Timothée Chalamet) trabaja en la zapatería de su tío Murray (Larry "Ratso" Sloman), quien está por ofrecerle al joven un cargo importante dentro de su pequeña compañía.

Pero Marty no está interesado en ello, ya que aspira con triunfar en el torneo abierto de Gran Bretaña, cimentar así una sólida carrera profesional, e incluso lanzar su propia línea de pelotas de ping pong color naranja.

Con una megalomanía desbocada, y una personalidad hiperquinética bobalicona y temperamental, Mauser tiene varios obstáculos en su camino,

MARTY SUPREMO DERROTA, OBSESIÓN Y DIGNIDAD RECUPERADA Por Francisco Javier Quintanar Polanco siendo los principales la oposición de su familia (especialmente su tío) quienes no le ven futuro a esa actividad la cual le apasiona, así como la falta de dinero para poder financiar su proyecto. Y para conseguirlo estará dispuesto a mentir, estafar, engañar e incluso robar a propios y extraños, contando con la complicidad de su mejor amigo, el taxista Wally (Tyler Okonma); y la de Rachel Mizler (Odessa A'zion), amiga de la infancia quien (en los primeros minutos del filme), se revela que está embarazada del protagonista, en una inesperada (y un tanto jocosa) escena de fecundación.

Cuando es derrotado en la final por Koto Endo (interpretado por el actor debutante y también tenista de mesa Koto Kawaguchi), Marty no sólo su-

fre un duro revés en sus planes, sino también en su orgullo, y su enojo provoca una conducta antideportiva por la cual es multado con una considerable suma de dinero, que debe pagar si desea participar en el abierto de Tokio y tener una oportunidad de revancha con Endo. Esta situación, aunada a algunas consecuencias de sus acciones irresponsables lo arrastrarán a una vorágine donde se involucrará con una actriz venida a menos (Gwyneth Paltrow), tendrá enfrentamientos con el marido de ella quien es un magnate prepotente y déspota (Kevin O'Leary), se cruzará en el camino con un peligroso hampón (Abel Ferrara) y con otros personajes de los cuales Mauser intentará tomar ventaja, al verlos meramente como instrumentos para

lograr sus fines, y poder viajar a la tierra del sol naciente para enfrentarse con que considera su némesis.

El buscar la revancha con Endo se torna en una obsesión para Marty, y ello lo lleva a conducirse de forma intransigente, abusiva y no pocas veces ruín para conseguirla, erigiéndose como una especie de antihéroe quien incluso puede resultar antipático al espectador. Pero conforme avanza la trama, es evidente (para el personaje y para el público) que su obcecación le ha hecho perder no solo la brújula moral, sino también su dignidad. Y una vez consciente de ello, buscará recuperarla, descubriendo de paso lo verdaderamente importante en el deporte (y en la vida), comenzando así a vencer a su rival más tenaz: su propio ego. | 27

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Por Francisco Javier Quintanar Polanco

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n Stratford, Inglaterra, a finales del siglo XVI, William (Paul Mescal) es un tutor de lengua inglesa quien un día, casualmente se encuentra en el bosque a Agnes (Jessie Buckley) la cual practica la cetrería con un halcón. Tras la joven pesa una mala reputación, al existir rumores de que es hija de una bruja, y tal impresión negativa es reforzada por su conducta reservada y un tanto peculiar, sus conocimientos sobre la herbolaria, y su conexión espiritual con la naturaleza. Pero ello no impide el nacimiento de una relación sentimental entre ambos jóvenes, y terminan por unirse en matrimonio a pesar del recelo de la familia de él, especialmente de su madre Mary (Emily Watson) debido principalmente a dichos rumores.

Posteriormente, Agnes se

adentra en la espesura, y en una pequeña cueva da a luz al primer fruto de ese amor.

Transcurren los meses, y William comienza a sentirse frustrado porque anhela escribir y no puede hacerlo. Al darse cuenta de esto, Agnes decide que su pareja debe de ir a Londres, e integrarse a la comunidad teatral residente allí. Él parte solo, y ella se queda con su familia, con su hija primogénita y con un segundo bebé en camino, que en realidad resultan ser mellizos, aunque uno de ellos casi muere en el parto.

Pasan unos años, y William ha prosperado en su carrera como dramaturgo, e incluso con el dinero ganado por esa actividad, logra comprar una casa más grande para su familia. Pero ello le obliga a pasar mucho tiempo alejado de Agnes, y su relación comienza a resentirse.

Hamnet FRESCA Y CONMOVEDORA APROXIMACIÓN A LO SHAKESPEARIANO

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HAMNET

Distribuidora: Universal México

En las espaciadas visitas que hace al hogar trata de convivir con sus hijas Susanna (Bodhi Rae Breathnach), Judith (Olivia Lynes) y sobre todo con su único hijo varón: Hamnet (Jacobi Jupe).

Tristemente la fatalidad toca a su puerta, y la peste les asesta un duro golpe.

A partir de esa dolorosa pérdida, Agnes y William quedan devastados y se distancian aún más el uno del otro, y el resto de la familia se sumerge en el luto y la tristeza. Pero en contraste, el dolor que el autor experimenta le hará concebir una de las obras más influyentes de la letras inglesas y mundiales.

Cuatro años después de su no muy afortunada incursión en el cine industrial y de superhéroes con Eternals (Estados Unidos, 2021), Chloé Zhao (Nomadland, The Rider, Songs My Brothers Taught Me) regresa a la pantalla grande con Hamnet (Reino Unido - Estados Unidos, 2025), adaptación de la novela del mismo título escrita por Maggie O'Farrell -quien funge aquí como coguionista-, y a partir del libro se elabora una ficción que se aproxima a un momento crítico en la vida de William Shakespeare, desde un ángulo más personal y a partir del cual busca explicar los que hay detrás de la génesis de Hamlet, una de sus piezas teatrales más conocidas y referenciadas.

La cineasta de origen chino incluye a lo largo de su película elementos presentes en el grueso de los escritos del autor: relaciones familiares conflictivas; amoríos intensos enfren-

tados con la adversidad; giros irónicos del destino; el pensamiento mágico y múltiples vaticinios tanto de lo prodigioso como de la fatalidad; la tragedia, la muerte y el dolor y pena que ellos conllevan; pero sobre todo, la naturaleza humana en toda su brillantez y oscuridad.

De alguna forma, Zhao elabora aquí su propia trama de vena shakespeariana, pero tomando sana distancia del academicismo, el didactismo e incluso la mirada romantizada de otras aproximaciones cinematográficas en torno al literato y su trabajo, y recurre a su raíz dramatúrgica solo cuando la ocasión lo amerita (como sucede con la escena donde la compañía presenta la obra en cuestión), enfocándose en lo verdaderamente esencial: las emociones y los conflictos internos de sus protagonistas. En ese rubro, las interpretaciones de su formidable cuadro de actores (sobre todo Mescal y Buckley) son la clave para que las mencionadas emociones y conflictos se contengan o estallen en el momento preciso.

El resultado es un filme fresco y conmovedor el cual resignifica el afamado manuscrito del Bardo de Avon, y no solo reafirma la vigencia de los textos de este último, sino también hace patente las novedosas posibilidades encerradas en estos las cuales, desde lo emotivo y gracias a una mirada precisa y sensible como la ofrecida por Chloé Zhao, pueden hacer que el público conecte (o reconecte nuevamente) con ellos. | 29

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DIANA SEDANO EN PÓSTUMO: LA FUERZA DE LO ESENCIAL La actriz protagoniza la nueva película de Lucía Carreras, una historia íntima y minimalista que apuesta por el silencio, la mirada y lo esencial del encuentro humano.

Texto y foto Carlos Mora

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on el estreno de Póstumo, la nueva película de la directora Lucía Carreras, la actriz Diana Sedano vuelve a confirmar por qué su trabajo actoral es uno de los más sólidos y sensibles del cine mexicano contemporáneo. En esta historia íntima, contenida y profundamente humana, la actriz da vida a Dolores, uno de los personajes centrales de un relato que apuesta por lo esencial: dos cuerpos, un espacio y un encuentro que transforma.

La cinta, se construye desde una puesta en escena minimalista que recuerda al teatro en su forma más pura. Todo sucede en un mismo espacio, con pocos elementos y apenas dos personajes, lo que obliga a la mirada del espectador a concentrarse en los silencios, las pausas y aquello que se dice sin palabras. “Estamos acostumbrados a que las 30 |

películas sucedan en muchos espacios, pero aquí la historia solo necesita uno”, reflexiona Sedano. “Es casi como decía Peter Brook: un espacio vacío y alguien que lo atraviesa. Eso es todo lo que se necesita”.

Formada y forjada en el teatro, Sedano reconoce este lenguaje como su casa y su origen, pero rechaza la idea de que una actriz deba pertenecer a un solo territorio. “El teatro me dio rigor, disciplina y una forma de mirar el mundo, pero soy actriz, y lo emocionante de esta profesión es poder transitar entre distintos lenguajes”, afirma. Para ella, cine, teatro y televisión no se excluyen, se enriquecen mutuamente, y Póstumo es un ejemplo claro de esa convergencia.

En la película comparte escena con Adrián Ladrón, actor con quien mantiene una larga relación profesional y de amistad.

La mancuerna no es

casual: ambos provienen del teatro y comparten un rigor similar frente al trabajo actoral. “Es un actor formidable. Desde que lo vi entrar al casting supe que él iba a hacer el personaje”, recuerda Sedano. Sin embargo, l a directora decidió que durante el proceso de ensayos trabajaran por separado, evitando cualquier contacto entre ellos. “No podíamos hablarnos. Ensayábamos individualmente con Lucía, construyendo los mínimos determinantes del personaje: su pasado, su contexto, sus relaciones”.

El proceso incluyó improvisaciones que nunca llegarían a la pantalla, pero que resultaron fundamentales para dar profundidad a Dolores: cómo era en su casa, con su familia, en el trabajo, incluso en estados emocionales extremos.

Todo ese universo invisible se filtra después en la actuación, especialmente en una película donde el

silencio y la mirada cargan con el peso narrativo. “En el cine hay mucha síntesis en la mirada. A veces no hay necesidad de decir demasiado, solo estar ahí, frente al otro, procesando lo que sucede”.

Póstumo también destaca por su forma de producción: pocas semanas de rodaje, presupuesto limitado y un equipo reducido. Para Sedano, lejos de ser una limitante, esto se convierte en una virtud. “Los modos de producción afectan al resultado, y aquí se siente un regreso a lo esencial: un grupo de personas que se organizan, ensayan, creen en una ficción y deciden que esa historia importa”.

Cuando se le pregunta qué significa el teatro en su vida, la respuesta es inmediata y sin adornos: “Es mi casa. Es el lugar donde aprendí a vincularme con el mundo, un espacio de juego, de encuentro. Es mi origen”.

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] avanzada donde los viajes en el tiempo son posibles. Movido por la curiosidad, Arco se desvía de su ruta y termina atrapado en el año 2075, un futuro cercano marcado por las consecuencias del cambio climático y la fragilidad de los vínculos humanos. En ese mundo conoce a Iris, una niña que, junto a un robot cuidador, lo ayudará a sobrevivir y a buscar la forma de regresar a casa.

Más allá de su premisa fantástica, Arco construye una reflexión sobre la amistad, la infancia y la responsabilidad colectiva frente al futuro del

planeta. Bienvenu apuesta Bienvenu, quien traslada su por una narrativa accesible, universo gráfico al lenguaje sin cinismo ni discursos cinematográfico con notable aleccionadores, donde la escoherencia. peranza surge de los gestos Arco no solo confirma la cotidianos y del encuenvitalidad del cine de anitro con el otro. mación francés, sino En el apartado que se instala como ARCO visual, la película una fábula moDistribuida por: destaca por su derna sobre cómo Mubi animación 2D imaginamos el mavibrante, de líneas ñana. Una obra que expresivas y colores dialoga con la crisis luminosos, que remiambiental y tecnológica ten tanto al cómic europeo desde la emoción, recordancomo a la tradición del anido que incluso en los futuros me y la ilustración contemmás inciertos, la empatía poránea. El estilo confirma sigue siendo el verdadero la identidad autoral de motor del cambio.

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l cineasta e ilustrador francés Ugo Bienvenu debuta en el largometraje con Arco, una película de animación que combina ciencia ficción, aventura y una profunda sensibilidad humanista. Presentada en la Selección Oficial del Festival de Cannes, la cinta se ha consolidado como una de las propuestas más singulares del cine animado reciente gracias a su mirada optimista sobre el porvenir.

La historia sigue a Arco, un niño de diez años que vive en el año 2932, en una sociedad

Por Carlos Mora

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ANIMACIÓN QUE IMAGINA EL FUTURO DESDE LA TERNURA

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LA VOZ DE HIND RAJAB RECONSTRUCCIÓN DE UNA TRAGEDIA

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a directora tunecina Kaouther Ben Hania vuelve a demostrar su capacidad para combinar sensibilidad y riesgo narrativo con La voz de Hind Rajab, un docudrama que se ha convertido en uno de los títulos más comentados del cine internacional en 2025.

La película relata los últimos momentos de Hind Rajab, una niña palestina de seis años atrapada bajo un vehículo durante un bombardeo en la Franja de Gaza el 29 de enero de 2024, mientras intenta comunicarse con la Media Luna Roja Palestina para pedir ayuda.

Lejos de recrear la violencia explícita que marcó aquel trágico evento, la cinta centra su narrativa en la voz de la niña y en los socorristas que intentan salvarla a distancia. Los actores 32 |

Por Carlos Mora interpretan a los trabajadores del centro de emergencias, mientras las grabaciones de la llamada real de Hind sirven como columna vertebral emocional del relato. Este enfoque convierte la experiencia en un viaje cargado de tensión y vulnerabilidad, donde la impotencia de quienes intentan rescatarla y la fragilidad de la vida en medio del conflicto se vuelven protagonistas.

El estilo minimalista y concentrado de Ben Hania destaca por su capacidad de transmitir horror y desesperanza sin recurrir al sensacionalismo. La banda sonora, compuesta de sonidos de explosiones lejanas, interferencias y la voz de Hind, crea un clima de urgencia constante que mantiene al espectador al borde de la butaca.

La película logra así un efecto emocional profundo, ponien-

do el foco en la humanidad de cualquier explotación de la los personajes y en la tragedia tragedia. La propuesta de Ben de quienes quedan atrapados Hania demuestra que el cine en medio de la guerra. puede ser una herramienta Desde su estreno en el poderosa para mantener viva Festival de Cine de Venecia la memoria de quienes no 2025, La voz de Hind Rajab ha tienen voz en los titulares, y recibido elogios unánimes por para confrontar al público con su originalidad y sensibilidad. las realidades más duras de los Su proyección provocó conflictos modernos. una ovación de pie La voz de Hind que se prolongó por Rajab no es una LA VOZ DE HIND más de 20 minutos. película fácil de ver, RAJAB Distribuida por: La recepción de la pero sí imprescinCine Caníbal crítica resalta tanto dible: un relato que la fuerza narrativa combina docudrama de Ben Hania como la y ficción para crear una valentía de abordar un tema experiencia cinematográfica tan delicado desde un enfoque intensa, reflexiva y profundaíntimo y humano. mente humana. En sus casi Aunque algunos analistas 90 minutos, la película invita han cuestionado el uso de a los espectadores a escuchar, grabaciones reales de la niña, sentir y recordar, más allá de la mayoría coincide en que la la violencia, a Hind Rajab y a película trata el material con todos los niños atrapados en respeto y cuidado, evitando las tragedias de la guerra.

TV Y STREAMING

ANA GONZÁLEZ BELLO AMOR DE OFICINA, COMEDIA LABORAL CON CORAZÓN

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Damián Alcázar

FRENTE AL LADO OSCURO DE LA HISTORIA En "El Mochaorejas", el actor encarna a Daniel Arizmendi desde una ética actoral que rehúye el espectáculo y apuesta por la memoria. En entrevista con la Revista Cameo, reflexiona sobre la responsabilidad de representar la violencia, la necesidad de una televisión más compleja y el papel de la ficción para mirar de frente un capítulo incómodo de la historia reciente de México.

Por Carlos Aguillón Foto Carlos Mora

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ay intérpretes que se limitan a representar; otros, como Damián Alcázar, entienden que la actuación es un acto moral. En la nueva serie de ViX, El Mochaorejas, el actor mexicano interpreta a Daniel Arizmendi, el temido líder de la banda de secuestradores que atemorizó a México en los años noventa, y vuelve a situar el trabajo actoral en un territorio donde el rigor, la responsabilidad y

el contexto importan tanto como la emoción.

La producción, dirigida por Mauricio Cruz, se inspira en la investigación periodística de Olga Wornat sobre la ola de secuestros que marcó al país en esa década. Alcázar recuerda que su primer impulso fue rechazar la propuesta: “De entrada dije: no, muchas gracias, el tema es escabroso”. Pero la lectura del guion modificó su posición.

“Vale la pena tocar ese tema, no hay que ocultarlo ni olvidarlo”, señala. Para él,

la ficción es una herramienta para pensar el pasado sin complacencias.

Ese equilibrio entre memoria y narrativa exige precisión. “Nuestra televisión tiene que redignificarse”, afirma el actor. Su convicción es que el medio puede ofrecer algo más que entretenimiento y que la complejidad no espanta al público. “Podemos hacer televisión de gran escala porque hay muchísimo talento”, insiste. El proyecto confirma esa apuesta: el elenco sostiene la tensión

dramática y evita caer en el melodrama que tantas veces esteriliza la tragedia.

La serie, de ocho episodios y ya disponible en la plataforma, no busca héroes; retrata, más bien, un país sometido al miedo y una industria criminal que operaba sin pudor. Alcázar celebra que la producción rehúya la espectacularización y se incline hacia la comprensión: “Todo confluyó para conseguirlo, pero principalmente esta apertura no solo estética, sino de visión”. | 35

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La interpretación demanda una ética del oficio: no sobreactuar, no suavizar, no moralizar en exceso; dejar que la historia respire.

Fuera de la pantalla, el actor mantiene un ritmo infatigable.

Rechaza proyecEL MOCHAOREJAS tos cuando no Dónde ver: lo convencen y ViX acepta otros por la posibilidad de explorar territorios nuevos. “Siempre soy muy selectivo”, dice. Lo impulsa una curiosidad que no se oxida. “Hay muchísimo que hacer, mucho trabajo, y eso es lo que lo mantiene a uno activo, vivo, feliz”.

El Mochaorejas demuestra que las plataformas pueden ofrecer espacios donde la ficción criminal 36 |

dialogue con la historia.

Para Alcázar, esa es una vía para reimaginar la televisión latinoamericana: menos temor a los temas incómodos y más confianza en la inteligencia del espectador. Serie y actor convergen en el mismo punto: la búsqueda de sentido y la convicción de que representar no es imitar, sino comprender.

El contacto con una generación más joven también forma parte de su método. “Los jóvenes aprenden de cómo lo haces tú, no porque seas un maestro”, explica.

Al mismo tiempo, él se alimenta de esa frescura: “Refrescas cosas, contrastas, cuestionas”. Ese intercambio revela una idea central de Alcázar: la

actuación es una conversación intergeneracional donde la técnica convive con la duda.

Esa convicción resulta especialmente pertinente.

Alcázar no aborda la violencia para escandalizar, sino para pensar. La actuación se vuelve entonces una forma de conocimiento, un modo de organizar el caos. Cuando habla del oficio lo hace sin solemnidad, pero con una claridad que desarma: el actor no solo presta su cuerpo y su voz; también presta su juicio y su sensibilidad.

Ese enfoque explica por qué su trayectoria se ha convertido en referencia para varias generaciones.

Desde la sátira política de El infierno hasta el drama histórico de Pancho

Villa, Alcázar ha transitado géneros sin perder su brújula ética. Lo suyo no es la acumulación de títulos, sino la construcción de una mirada. En El Mochaorejas, esa mirada se posa sobre un capítulo incómodo del país y lo hace con una mezcla poco común de distancia y compasión.

Con El Mochaorejas, Alcázar confirma que la ficción puede abrir preguntas que el periodismo y la política a veces clausuran.

No ofrece respuestas fáciles, pero sí una invitación a mirar de frente. Y esa es, quizá, su forma más honesta de estar en el mundo.

La serie también cuenta con las actuaciones de Paulina Gaitán, Alberto Estrella, Arcelia Ramírez y Scarlett Gruber.

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SCARLET GRUBER, ACTUAR DESDE LA VULNERABILIDAD

EL MOCHAOREJAS

Dónde ver: ViX

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escena con Damián Alcázar, a quien observó con admiración durante el rodaje.

“Yo era como una esponja.

Observé mucho a Damián: su disciplina, su energía, su compromiso”, relató, señalando que el set se transformó para ella en una auténtica aula actoral. Aun sin ver, asegura que podía percibir el miedo y la tensión de su personaje: “Aunque tenía los ojos vendados podía sentir el temor del personaje que tenía enfrente”.

La actriz subrayó además la responsabilidad ética que implica representar una historia basada en hechos reales. Para ella, el mayor compromiso fue encarnar el dolor de las víctimas sin trivializarlo. “Había que estar presente, sin distracciones”, afirmó, consciente del peso simbólico que aún tiene este caso en la memoria social.

La serie no solo revisita uno de los episodios más oscuros de la violencia en el país, sino que también propone una reflexión sobre la representación del horror, el trabajo actoral y la necesidad de narrar estas historias desde el respeto y la profundidad, sin perder de vista a quienes las padecieron. | 37

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a figura de Daniel Arizmendi López, conocido como El Mochaorejas, permanece grabada en la memoria colectiva de México como uno de los rostros más crudos del crimen organizado.

Su historia vuelve ahora a la conversación pública a través de una adaptación televisiva que toma como base la rigurosa investigación periodística de Olga Wornat, quien sostuvo encuentros directos con Arizmendi dentro del centro penitenciario.

De esas entrevistas surgió un retrato detallado del funcionamiento de su organización criminal y de la violencia ejercida contra sus víctimas.

Dentro del elenco, Scarlet Gruber encarna a la única mujer privada de su libertad por Arizmendi, un papel que representó uno de los mayores retos de su carrera. La actriz explicó que gran parte de su trabajo se desarrolló con los ojos vendados, una condición que exigió una entrega física y emocional poco común.

“Fue bastante retador, pero lo gocé enormemente actoralmente”, compartió.

Gruber también destacó la experiencia de compartir

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Por Carlos Aguillón Foto Carlos Mora

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En entrevista con la Revista Cameo, la actriz habla del reto físico y emocional de encarnar a una de las víctimas en la serie "El Mochaorejas".

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ANA GONZÁLEZ BELLO

VIVE UN ROMANCE DE OFICINA La actriz encabeza "Amor de Oficina", su primer protagónico en una serie, una comedia romántica que se ríe del amor, el poder y la vida corporativa.

¿

Y si el mayor reto profesional de tu vida apareciera justo en forma de la persona que más deseas? Con esa premisa arranca Amor de Oficina, la comedia romántica que coloca a Ana González Bello al frente de su primer protagónico en una serie, consolidan38 |

Por Carlos Mora

do un momento clave en su carrera.

Protagonizada por González Bello y Diego Klein, la historia sigue a Graciela y Mateo, dos adultos que se conocen en una noche impulsiva y aparentemente inofensiva, solo para descubrir al día siguiente que no solo trabajan en la misma

empresa, sino que compiten directamente por el puesto más alto dentro de la organización. A partir de ahí, la serie construye un juego de tensiones laborales, afectivas y éticas que se despliegan entre pasillos corporativos, juntas interminables, cafés y una cafetera que casi nunca funciona.

Creada por Carolina Rivera, la serie utiliza la comedia romántica como punto de partida para hablar de temas más complejos: la maternidad en el ámbito laboral, la desigualdad de género, el poder, el deseo y las decisiones que una mujer debe tomar para no perderse a sí misma.

AMOR DE OFICINA

Dónde ver: Netflix

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] G N I M A E R S T Y V T [ En entrevista con la Revista Cameo la actriz recuerda como fue su primer acercamiento con Amor de Oficina.

“Cuando me llegó el casting pensé que era una película.

Le escribí a mi agente algo así como: ‘ojalá nadie más pueda, ojalá yo sea tu única opción’.

Hoy ver mi cara en espectaculares es muy hermoso”.

Graciela, su personaje, se aleja de los estereotipos tradicionales de la comedia romántica. Es madre, es profesionista, es ambiciosa y también desea amar y ser amada sin culpa. “Me encanta que la serie empiece con ella saliendo a divertirse, conociendo a un hombre guapo y yéndose con él”, dice Ana. “Es mostrar que una mujer, aunque sea mamá, no tiene por qué privarse del deseo, del amor o de aspirar a un puesto chingón y a un sueldazo”.

La maternidad está presente, pero no define por completo a la protagonista.

“Hay muchas historias donde la mujer es solo ‘la mamá’.

Aquí eso es una parte de su 40 |

vida, no toda. También es empresaria, también es una mujer que quiere crecer y que quiere amar”.

Uno de los puntos más comentados de la serie ha sido su final de la primera temporada, que desató reacciones encontradas entre el público.

“La gente se enojó muchísimo conmigo”, recuerda entre risas. Muchos esperaban un desenlace romántico más tradicional, pero la decisión de Graciela abrió un debate intenso en redes sociales.

Para la actriz, ese final es también una declaración sobre el crecimiento del personaje. “Le dicen en la serie que tiene que ser un águila, y cuando por fin lo es, incomoda. Eso también pasa en la vida real”.

Más allá del romance, Amor de Oficina pone sobre la mesa la desigualdad laboral entre hombres y mujeres.

“Mateo (Diego Klein) es encantador, tiene buen corazón, pero siendo honestos, no es tan bueno en su trabajo”, señala Ana. “Aun así, a él lo

aplauden y lo apapachan mucho más que a una mujer que lleva 18 años peleando por el puesto que se merece”.

La actriz observa en esta dinámica un reflejo claro de la realidad. “Un hombre guapo y simpático recibe reconocimiento inmediato; una mujer madre tiene que demostrar el doble. Eso sigue pasando todo el tiempo”.

EL TEATRO COMO ESCUELA DE VIDA Formada en el teatro, González Bello defiende esa disciplina como una base fundamental de su oficio.

“El teatro te enseña a cargar cables, a entender cómo funciona todo el equipo, a tener paciencia”. Para ella, la diferencia se nota incluso en la manera de actuar. “Yo creo en ensayar hasta el cansancio para que algo se vea natural.

Esa es la magia”.

Celebrar la presencia de actores teatrales en series y producciones audiovisuales es, para Ana, una forma de elevar la calidad de los

proyectos. “Cuando el lenguaje es el mismo, todo fluye distinto”.

ACTIVISMO FUERA DEL ESCENARIO Más allá de su trabajo actoral, Ana González Bello mantiene un compromiso activo con el rescate animal.

Durante la pandemia creó, junto a una amiga, la cuenta Perrochilango.mx, desde donde difunden adopciones y orientan a rescatistas.

“Rescatar es muy doloroso.

Ves mucha crueldad y mucha ignorancia. Por eso ahora nos enfocamos en difundir y acompañar procesos de adopción responsable”.

Esta causa también se ha integrado a su trabajo teatral.

En el reestreno de Personas, lugares y cosas, que se presentará en el Teatro Xola durante febrero, se llevarán perritos en adopción al final de cada función. “La obra menciona a un perrito y la gente llora muchísimo. Pensamos: ¿por qué no convertir esa emoción en algo concreto?”.

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ontinuar con un tono crudo y realista, ser fiel a sus personajes y explorar con honestidad las historias de vida que se cruzan en una sala de urgencias fueron los pilares que los creadores decidieron preservar intactos en la segunda temporada de The Pitt, la serie que se convirtió en uno de los fenómenos televisivos del último año.

Para Noah Wyle, quien da vida al Dr. Michael “Robby” Robinavitch, la clave narrativa está en sostener deliberadamente una experiencia claustrofóbica e inmersiva, inspirada en lo que él y el resto del elenco observaron de primera mano en salas de emergencia reales. Como parte de la preparación, los actores realizaron ejercicios extremos —como permanecer de pie durante 15 horas consecutivas— para registrar

las respuestas físicas del cuerpo ante el estrés y las necesidades fisiológicas, y así comprender el desgaste físico y emocional que implica este tipo de trabajo.

“Es cierto que el cuerpo no diferencia del todo entre un acto real y uno simbólico.

Como actor, hay mucho que deshacer, desprogramar, soltar y ‘limpiar’ al final de la temporada. Pero, bueno, ese es un poco el aspecto masoquista de lo que hacemos para vivir”, reflexiona Wyle.

Al centrar su mirada en los médicos de primera línea que trabajan en un hospital contemporáneo de Pittsburgh —enfrentados a los retos de un sistema de salud rebasado—, The Pitt revolucionó el drama médico con una propuesta narrada en tiempo real: 15 horas continuas que corresponden a un solo turno. Con escenas gráficas y un pulso casi documental, la serie retrata tanto

la intensidad de las emergencias como el agotamiento emocional de los profesionales y la vida personal que se filtra entre cada caso.

“Aprendimos que existe un equilibrio muy delicado entre los casos médicos y los personajes. Algunas personas se engancharon por la medicina, pero muchas otras respondieron al viaje interno de los protagonistas”, explica Wyle, quien regresa como el jefe del departamento. “En esta segunda temporada fue menos sobre ideas ‘provocadoras’ y más sobre ser fieles a la arquitectura interior de los personajes: dónde están y cómo los casos en los que trabajan se reflejan en ellos”.

Por su parte R. Scott Gemmill, creador y showrunner, explica que la primera temporada fue muy bien recibida por parte de la comunidad médica, sumado al poderoso efecto del boca a boca entre la audiencia,

THE PITT: OTRO TURNO MÁS Por Alejandra Lomelí

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permitió a los showrunners identificar los elementos que fueron clave en su éxito.

“En esencia, la serie es simplemente otro turno en la vida de estos médicos, enfermeros y pacientes”, señala. “Nuestro objetivo fue hacer otra buena temporada de historias y seguir explorando la vida de nuestros personajes”.

La segunda temporada mantiene el esquema narrativo de 15 episodios —uno por cada hora del extenuante turno diurno— dentro de la sala que médicos y residentes llaman “The Pitt”, traducido irónicamente como “la fosa” o “el pozo”, en alusión a las precarias condiciones de trabajo, la falta de insumos y de personal, y no como una simple abreviatura de Pittsburgh.

La historia se retoma diez meses después del impactante final de la primera temporada, tras atender a las

víctimas de un tiroteo durante un festival musical. Este salto temporal responde al desarrollo de los arcos narrativos e introduce nuevos conflictos: es el último día de trabajo del Dr. Robby antes de tomar un año sabático, la llegada de la Dra. Al-Hashimi (Sepideh Moafi) como jefa interina y el regreso del doctor Langdon (Patrick Ball) tras completar un proceso de rehabilitación.

“En estos diez meses, Langdon se ha dado cuenta de que su necesidad de ser el mejor y el más rápido quizá era una máscara para una herida que no estaba listo para enfrentar”, explica Patrick Ball. “Ahora vuelve sin ese encanto y esa seguridad que tenía antes, y eso es aterrador tanto para el personaje como para mí como actor”.

Para Sepideh Moafi, The Pitt conectó con algo más profundo de lo esperado. “La serie tocó una fibra cultural

inesperada. El hospital es un punto de convergencia de todos los sectores de la sociedad, y ahí se reflejan temas que hoy están en primer plano: desde la violencia armada hasta la autonomía corporal. Esta temporada no es la excepción”.

Además del desarrollo orgánico de los personajes, los creadores consideran fundamental sustentar cada trama en investigación rigurosa y mantenerse actualizados en temas médicos, para lo cual cuentan con asesoría constante de profesionales de la salud.

“Estoy muy emocionada de que el público vea esta nueva temporada”, concluye Moafi. “Mi deseo es que los personajes que se integran aporten una textura distinta al tejido de The Pitt y que se sienta como una continuación natural de todo lo increíble que ya se construyó en la primera”.

Quince horas, un hospital y la presión constante de sostener la vida. "The Pitt" regresa con su segunda temporada para volver a mirar de frente el agotamiento médico.

THE PITT

Dónde ver: HBO Max

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ENTRE HONOR Y AMISTAD: LAS AVENTURAS DE EL CABALLERO DE LOS SIETE REINOS

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a obra de George R.R. Martin en la pantalla está a salvo con El caballero de los siete reinos, la nueva serie que inspirada en el mundo de Canción de hielo y fuego que nos regresa el entusiasmo por adentrarnos en Westeros.

La serie, de seis episodios de media hora, da en el clavo con una EL CABALLERO DE producción a menor LOS SIETE REINOS escala que adapta Dónde ver: HBO Max la querida obra homónima, también conocida dentro del lore como “los cuentos de Dunk y Egg”, dando como resultado un show que se distancia del tono sobrio y ambicioso de Juego de tronos y La casa del dragón, a favor de una historia íntima, centrada en los principios que definen el 44 |

Por Alejandra Lomelí carácter noble de sus protagonistas con inusitados toques de humor.

Ambientada un siglo antes de los acontecimientos de Juego de tronos, El caballero de los siete reinos sigue a dos héroes improbables: un joven e ingenuo, pero valiente caballero, Ser Duncan “Dunk El Alto” (Peter Claffrey), y su pequeño escudero, Egg (Dexter Sol Ansell).

En una época en la que el linaje Targaryen todavía ostenta el Trono de hierro y el recuerdo del último dragón aún no ha desaparecido de la memoria, grandes destinos, poderosos enemigos y peligrosas hazañas aguardan a estos incomparables amigos.

Tomando únicamente el primero de los tres cuentos, titulado El caballero

errante, los guionistas deciden acertadamente trasladar el espíritu literario del cuento, de ahí que la duración corta de cada episodio sea no sólo la adecuada, sino eficaz para tejer un relato que no ambiciona una intrincada trama de intrigas ni innumerables personajes, sino acercarnos al viaje personal de Dunk, un chico de clase baja, subestimado incluso por sí mismo, pero idealista y con un estricto código de honor; y la manera en que su encuentro con Egg, un niño de mente ágil, algo imprudente, lo impulsa a forjarse como caballero y crear su identidad.

La temporada consigue que conectemos de inmediato con los personajes, gracias en gran medida

al estupendo casting de Peter Claffrey y al carismático Dexter Sol Ansell, así como a la increíble química que consiguen en pantalla; sumando una historia emotiva y profundamente humana sobre los ideales de lealtad, valentía y justicia que defiende Dunk.

Con emocionantes escenas de duelos y justas, la serie es una historia de caballería que nos reconcilia y regresa la esperanza a las adaptaciones del universo de Martin, demostrando que todavía hay mucho por proponer y nuevas perspectivas por explorar, al tiempo que afianza sus bases narrativas y proyecta la relevancia de esta historia dentro de la vasta mitología de Westeros.

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ALEJANDRO GOU TEATRO MUSICAL HECHO CON EXCELENCIA

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EL TEATRO SIN LÍMITES DE

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ALEJANDRO GOU En entrevista con la Revista Cameo, el productor teatral mexicano comenta que lleva 37 años construyendo un modelo donde conviven riesgo, ambición y visión internacional. Hoy enfrenta uno de sus mayores retos: la producción de "Matilda", que reafirma su obsesión por un teatro musical hecho con rigor y excelencia.

Por Carlos Aguillón

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lejandro Gou no conoce la contención. En 37 años de carrera, el productor teatral mexicano ha construido un modelo operativo donde conviven riesgo económico, ambición artística y visión internacional. Su nombre se volvió sinónimo de escala y hoy atraviesa una etapa clave, marcada por la internacionalización en Broadway y por uno de los montajes más complejos que haya producido: Matilda, que estrena en marzo y que él define como su apuesta más seria por demostrar que México puede competir con Londres y Nueva York.

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“Mi sueño es que Matilda sea la mejor del mundo”, afirma sin titubeos. No es una frase casual; para Gou, la obra basada en la novela de Roald Dahl reúne todos los ingredientes del reto perfecto: un elenco infantil con voces exigentes, partitura orquestal de precisión milimétrica, coreografías de alta densidad, diseño escenográfico colosal y un timing interpretativo que debe sostenerse sin respiro. “Si lo vamos a hacer, lo hacemos bien. No venimos a probar suerte. El público sabe cuando algo está hecho con rigor”, explica.

A diferencia de otros títulos que han pasado por su mano, Matilda pertenece a la línea de produccio-

nes que él desarrolla desde cero: compra de licencia, armado del equipo creativo, casting, diseño técnico y decisiones artísticas. “Hay obras que yo produzco completas y controlamos todo, desde la luz hasta el último acorde. Esas son las que más satisfacciones dan porque ahí está nuestra identidad”, señala. Para él, el teatro musical no es un producto de manufactura, sino un lenguaje que exige obsesión.

La obsesión creativa convive con una estructura empresarial de alto rendimiento. Gou administra actualmente cuatro teatros en la Ciudad de México y hasta diez producciones en un mismo año. Lejos de

intimidarlo, el volumen lo entusiasma: “El problema no es el talento, lo que hacen falta son productores.

Hay teatros vacíos. Falta gente que se arriesgue a crear contenido”, sentencia. El diagnóstico resume la filosofía que lo ha impulsado desde los noventa: producir o morir.

Mientras prepara Matilda, Gou disfruta uno de los éxitos cómicos más rentables del país: el Tenorio cómico, fenómeno popular que no solo ha logrado llenar teatros durante temporadas extensas, sino que se convirtió en un caso de estudio sobre cómo conectar con la audiencia mexicana a través de humor, sátira y elenco estelar.

“Ese show es una fiesta. La gente sale feliz. A veces nos complicamos queriendo intelectualizarlo todo y se nos olvida que el teatro también es gozo”, comenta. Para él, el Tenorio cómico es una prueba de que no existe una sola forma de legitimidad escénica.

LLEGADA AL MERCADO INTERNACIONAL El salto hacia Estados Unidos llegó con su producción de Chess, una de las revelaciones del circuito neoyorquino. El musical no solo alcanzó una respuesta sólida en taquilla sino que lo colocó en un espacio inédito para un productor mexicano: la posibilidad real de competir en los premios Tony. “No estaría solo, hay muchos productores involucrados, pero sería histórico. Ya estar allí es histórico”, reconoce. Si algo ha demostrado su carrera es que la internacionalización no siempre ocurre desde los discursos, sino desde la infraestructura.

A pesar de su expansión, mantiene claro su

centro operativo. “México es donde produzco. Allá el sistema es distinto, se toman decisiones por consenso. Aquí yo decido”, afirma. Esa libertad creativa es precisamente la que le permite perseguir montajes de alto octanaje y, al mismo tiempo, sostener éxitos de largo aliento como el Tenorio cómico o Mentiras el musical, la joya de la corona, con su versión All Stars que seguirá con sorpresas este año. La combinación no es contradictoria; es, en todo caso, el retrato más fiel de un productor que entendió que el teatro es simultáneamente industria, espectáculo y acto artístico.

“El teatro es riesgo o no es nada”. Para él no es pose editorial, sino hoja de ruta.

Con Broadway en la mesa, Matilda en el horno y un público mexicano cada vez más expuesto al musical contemporáneo, Alejandro Gou demuestra algo poco frecuente en el país: la convicción de que pensar en grande no es arrogancia, sino una necesidad estructural. | 47

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ANA SOFÍA GATICA

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INTIMIDAD QUE SE ESCRIBE EN ESCENA

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La actriz interpreta a Audrey en "Mr. Gwyn", un papel intenso y vulnerable en un montaje literario dirigido por Alonso Íñiguez.

Por Carlos Aguillón

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n Mr. Gwyn, Ana Sofía Gatica encarna a Audrey, un personaje extremo y vulnerable dentro de una obra que desafía lo comercial, apuesta por la palabra y reclama silencio; un montaje literario dirigido por Alonso Íñiguez que devuelve al espectador a una casa que creía perdida.

La puerta de entrada al universo de Jasper Gwyn —un escritor que renuncia a su prestigio para inventar un oficio nuevo: retratar almas con palabras— está en los personajes que lo rodean. Uno de ellos es Audrey, quien no duda en definirla como “un reto total para

MR. GWYN DÓNDE: Teatro Helénico, jueves y viernes a las 20:00 hrs, sábados a las 19:00 hrs, y domingos a las 18:00 hrs Del 15 de enero al 15 de febrero.

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mi carrera”. La actriz reconoce que, tanto en teatro como en pantalla, no había encontrado un papel con tanta intensidad emocional: “Siento que nunca he hecho algo tan explosivo y tan profundo como Audrey”, afirma.

Su llegada al proyecto fue directa. “Alonso fue mi maestro en el último año de la carrera en Casa Azul y admiro profundamente su trabajo. Me invitó directamente para formar parte de la carpeta”, recuerda.

En escena, Íñiguez apuesta por una dirección que abraza lo literario y lo íntimo. No es teatro complaciente; es teatro que observa.

La obra aborda desnudos, silencios y vulnerabilidad. Un material que para muchos sería intimidante. Gatica lo sabe: “Creo que va a causar controversia. Hay escenas de desnudo y eso siempre genera revuelo, pero es muy bonito ver desde dónde parte toda la experiencia humana y del cuerpo”, sostiene. Y remata con una convicción: “Es una obra que va a dar mucho de qué hablar, para bien, y también para la gente que no compagine tanto con historias como esta”.

El proceso detrás de escena contrasta con la fugacidad de la temporada. “Empezamos a ensayar desde octubre y nunca

paramos salvo una semana en vacaciones. Eso ha sido crucial para que la obra tenga la profundidad y la belleza que ha logrado”, cuenta. La apuesta viene de lejos: “Según yo, este proyecto lleva gestándose desde 2020”, señala.

Mientras el teatro sucede, la carrera de la actriz también se despliega en televisión.

“Ahorita estoy en Dinastía Casillas, el spin-off de El Señor de los Cielos para Telemundo.

Es un proyecto muy diferente también a lo que he hecho en mi carrera”, explica. Lo que sigue está abierto: “Ahorita sí, apuntándole a ver qué se germina de proyectos este año”.

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ITATÍ CANTORAL

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ACTRIZ QUE DESAFÍA EL ESCENARIO

Versátil en televisión y cine, apuesta en el teatro por personajes complejos y riesgos estéticos; regresa con su monólogo “Juicio a una zorra”.

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n tiempos donde la televisión y el streaming ocupan el centro de la conversación, Itatí Cantoral sigue mirando al teatro como un espacio de desafío, reinvención y resistencia.

La actriz —conocida por una carrera que atraviesa melodrama, comedia y cine— ha construido en los últimos años una línea escénica que rehúye la comodidad.

Apostar por personajes complejos, por formatos poco complacientes y por textos que exigen cuerpo y pensamiento ha sido la constante.

“Lo importante es el amor al escenario y la disciplina”, dice sin solemnidad, como si el rigor fuera simplemente parte del oficio.

Pero en su caso hay algo más: una convicción por el riesgo estético. “Cada obra me nutre de algo distinto porque me puedo expresar; el teatro es un lugar que me encanta estar y es un privilegio porque tienes algo creativo y estás con el público”. Esa proximidad, asegura a la Revista Cameo, es la fuente de energía que la impulsa hacia personajes que no siempre son amables ni decorativos.

En los últimos años, la actriz se ha inclinado por materiales que interrogan el mito, la identidad y la mirada ajena. Obras que revisan figuras históricas desde la contradicción, la memoria y la sensibilidad contemporánea. En esa línea se inscribe Juicio a una zorra, el monólogo que reactivó temporada, y que ha significado uno de los grandes ejercicios de exigencia de su carrera reciente. La pieza —escrita por Miguel del Arco— reconstruye a Helena de Troya desde su propia voz, con una contundencia que la actriz define en una frase: “Regresar con La zorra es muy liberador pero terminé muy cansada, con una opresión en el corazón”.

La experiencia no es solamente física: es también un acto de reparación simbólica.

“Para mí regresar y darle vida a un personaje marginado y convertirme en su voz es un acto de valentía”. En un país donde la representación femenina suele estancarse en la caricatura audiovisual, Cantoral apuesta por un teatro que no pide disculpas, sino que expone. Esa misma decisión coincide con un contexto donde el público —según observa— llega a las salas con otra disposición: “La gente va muy ávida de divertirse y te invita a la reflexión y la irreverencia. Te dice quién eres”.

Por Carlos Aguillón

JUICIO A UNA ZORRA DÓNDE: La Teatrería, viernes a las 20:30 hrs.

Si algo distingue esta etapa es la elección del teatro como entrenamiento del presente. “Hacer una obra así por primera vez ha sido el reto: estar presente en cada momento de este monólogo. Literal se dan cuenta de todo; hay que estar cien por ciento y tener las palabras”. La precisión no solo es técnica; es emocional. Lo resume en un recuerdo transmitido por una figura fundamental: “Silvia Pinal me dijo que el monólogo es la maestría de los actores porque todo está en ti y se vuelve mágico, ya estás con el público y ya tienes a la audiencia dentro de la guerra”.

Cantoral encuentra también un país con una cartelera que le entusiasma. “Somos uno de los países con mejor cartelera. Hay grandes dramaturgos y directoras, grandes propuestas; que no se pierdan las joyas”.

En su mirada, el teatro mexicano ha madurado en lenguajes, públicos y temáticas, y su presencia en esa conversación no es casual.

Este momento tampoco excluye otras rutas. La actriz adelanta proyectos fuera del país y en otros formatos: “Voy a hacer un comercial muy importante; viajo a Los Ángeles Para hacerlo.

Una película y unos proyectos a partir de marzo”. Lo audiovisual sigue, pero no compite con el escenario: convive.

Tal vez el gesto más revelador de esta etapa sea uno íntimo. “Este personaje tiene muchos matices, me lo mandó mi mamá (Itatí Zucchi) desde el cielo”, dice sobre Helena. La frase sintetiza algo más profundo: la certeza de que el escenario, cuando es asumido con verdad, exige todo. Pero también devuelve un tipo de belleza que no se encuentra en ninguna otra parte. | 49

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EL MALILLA: SIN LÍMITES DE VALLE DE CHALCO AL PALACIO DE LOS DEPORTES

FOTO CARLOS MORA

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l Malilla compartió uno de los momentos más importantes de su carrera: su primer concierto en el Palacio de los Deportes, programado para el próximo 13 de febrero, un hito que confirma el crecimiento de un artista que ha construido su camino desde la periferia hasta los escenarios más grandes del país.

El cantante adelantó que el show será una experiencia completamente distinta a la de un festival. Mientras que en esos espacios suele contar con 45 o 50 minutos, esta presentación tendrá una duración aproximada de dos horas y media, con un recorrido por más de 70 canciones, además de colaboraciones especiales. El cantante prefirió mantener en secreto a los invitados para que el público viva la sorpresa la noche del concierto.

“Quiero que la gente se sorprenda. Este show es muy especial para mí, porque están invitados muchos carnales a los que admiro y quiero”, expresó.

Durante la conferencia de prensa, el artista

recordó sus primeras presentaciones en festivales como el Axe Ceremonia, en el Parque Bicentenario, donde comenzó a sentirse el respaldo del público capitalino. “Es muy lindo voltear atrás y pensar que estuve en ferias municipales, en barrios, y hoy vamos a estar en el Palacio de los Deportes”, señaló con emoción.

Fernando Hernández Flores también habló sobre su amor por el reguetón, un género que —dijo— fue históricamente estigmatizado en el Estado de México. Para él, colaborar con figuras que abrieron camino en la escena representa un acto de justicia y celebración cultural. “Yo soy un gran amante del reguetón. Vengo de un lugar donde fue mal visto durante mucho tiempo, pero hoy es un orgullo”, afirmó.

A sus 26 años, el cantante se describió como una persona más madura y consciente de su responsabilidad artística.

Reiteró su disposición para colaborar con otros proyectos y su convicción de impulsar el reguetón mexicano, entendiendo

la música como una lucha colectiva. “La batalla es levantar en alto el reguetón mexicano. Esa es mi sintonía”, dijo.

Uno de los momentos más emotivos llegó cuando habló de su vida en Valle de Chalco, lugar donde sigue viviendo y que considera su refugio.

“Es mi barrio, donde crecí y donde la gente creyó en mí cuando nadie más lo hacía. Para ellos es normal verme comprar tacos o ir a mi restaurante favorito”, comentó, subrayando que, más allá del personaje, sigue siendo Fernando, una persona común.

El oriundo de Valle de Chalco compartió el lado menos visible del éxito: los sacrificios personales.

Recordó que recientemente pudo celebrar el cumpleaños de su padre sin trabajar, algo que no había logrado en años anteriores. “Buscar los sueños implica muchos sacrificios, pero hoy me siento pleno”, confesó.

Además, habló de su compromiso con las nuevas generaciones a través de su sello discográfico, enfocado en apoyar talentos de la periferia y del

MALILLA

Estado de México, donde —aseguró— no existen las mismas oportunidades que en la capital.

El concierto en el Palacio de los Deportes marcará el inicio de una gira nacional que recorrerá ciudades como Guadalajara y Monterrey, para después extenderse a Estados Unidos en la segunda mitad del año.

“Que nunca dejen de disfrutar esto. El día que deje de disfrutarse, deja de ser un sueño”, concluyó Malilla, dejando claro que su historia sigue escribiéndose con trabajo, constancia y una profunda conexión con sus raíces.

SUEÑA EN GRANDE

Con raíces firmes en el Valle de Chalco, el cantante cumple uno de los sueños más grandes de su carrera al llegar por primera vez al Palacio de los Deportes.

Texto y fotos Carlos Mora

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] A C I S Ú M [

Vive Latino INVERTIR EN CULTURA COMO ACTO DE RESISTENCIA Reafirmó su lugar como uno de los festivales más importantes de América Latina al apostar por la música como espacio de encuentro y resistencia cultural. En su edición número 26, combinó diversidad sonora, cruces artísticos y una visión que entiende la cultura como respuesta a la inestabilidad social, consolidándose como un organismo vivo que dialoga con su tiempo.

Texto y fotos Carlos Mora 54 |

E

l Vive Latino 2026 confirmó, una vez más, por qué es uno de los festivales más relevantes de América Latina.

En su edición número 26, el encuentro musical regresa a la Ciudad de México no solo como una celebración sonora, sino como un espacio donde la cultura se entiende como una herramienta para pensar el presente y resistir la inestabilidad del mundo contemporáneo.

Durante la presentación del festival, Jordi Puig, director del Vive Latino, compartió una reflexión que ha guiado la evolución del evento a lo largo de los años. Recordó un artículo en el que un funcionario europeo afirmaba que, ante cualquier momento de desequilibrio social, la recomendación inmediata debía ser invertir en cultura. Para Puig, esa idea ha sido una constante en el ADN del festival.

Esa visión se ha traducido en acciones concretas: desde la histórica carpa de cine documental, la creación de librerías temporales con autores invitados, instalaciones de arte sonoro y visual, hasta residencias artísticas y escenarios dedicados a géneros espe-

cíficos como el hip hop o la electrónica. “El Vive Latino nunca ha sido solo música”, subrayó Puig, al recordar homenajes emblemáticos como el tributo a José José, los llamados momentos indios —ejercicios colectivos de creación irrepetibles— y proyectos editoriales como Música para mandar a volar, que este año presentó su segundo volumen.

En ese sentido, el director lanzó una invitación directa al público: invertir tiempo y recursos en cultura. Escuchar música, ir a conciertos, ver películas, leer libros. “Es uno de los mejores remedios frente a la tensión que vivimos afuera… y a veces también adentro”, afirmó.

El Vive Latino 2026 vuelve a consolidarse como un espacio donde conviven generaciones y géneros.

Aunque su origen y corazón están en el rock en español, el festival se ha transformado en un mosaico musical donde rap, pop, música tropical y sonidos latinoamericanos caminan —como dijo Puig— “por la misma carretera durante un fin de semana”. Un cruce que, lejos de diluir identidades, las pone en diálogo.

La experiencia se expandió nuevamente más allá de los escenarios. Lucha libre,

stand up, zonas de descanso y una oferta gastronómica diversa reafirmaron al Vive Latino como un recorrido colectivo que se habita, no solo se escucha.

Por su parte, Paul Forat, Head of Amazon Music México, celebró la alianza con el festival y coincidió con la idea de que la cultura conecta y transforma.

Amazon Music anunció beneficios para los asistentes, transmisiones en vivo a través de Twitch para audiencias globales, dinámicas especiales y el lanzamiento de playlists oficiales y contenidos originales vinculados al cartel de este año.

Con un recinto lleno y una respuesta contundente del público, el Vive Latino 2026 reafirmó su vigencia y su capacidad de adaptación. A más de dos décadas de su nacimiento, el festival no funciona como un museo de la nostalgia, sino como un organismo vivo que se transforma con su tiempo.

Así, el Vive Latino vuelve a demostrar que la música sigue siendo un lenguaje común: un punto de encuentro donde cuerpos, memorias y emociones se alinean, aunque sea por un fin de semana, en la misma frecuencia.

VIVE LATINO 2026 se llevará a cabo los 14 y 15 de marzo de 2026, reafirmando su lugar como uno de los festivales musicales más importantes de América Latina. En su edición número 26, la programación apostó por un cruce generacional que reunió a figuras históricas del rock y la música internacional con propuestas contemporáneas y sonidos emergentes.

Con artistas como Lenny Kravitz, The Smashing Pumpkins, John Fogerty, Juanes y Los Fabulosos Cadillacs, el festival mantuvo su raíz rockera, mientras abrió espacio al rap, el pop y las fusiones latinoamericanas.

Más informes: www.vivelatino.com.mx

Jordi Puig, director del Vive Latino

Paul Forat, Head of Amazon Music México.

El tío rober, Hugo "el cojo feliz" y el luchador Templario, en la conferencia de prensa.

] O L I S T E Y D A I V [

FOGONES DE MÉXICO

LA MEJOR COCINA TRADICIONAL EN UN SÓLO LUGAR El festival cerró su primera edición en Ciudad de México con cocina viva y música, reuniendo a 32 cocineras que prepararon 96 platillos tradicionales y compartieron sus técnicas y relatos.

Por Carlos Aguillón Fotos Carlos Mora 56 |

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ogones de México 2026 cerró su primera edición en Campo Marte de la Ciudad de México, con tres días de cocina viva, música diurna y un formato accesible que permitió al público recorrer los sabores del país desde Chiapas hasta Baja California Sur. La propuesta no buscó el lujo ni el espectáculo, sino el encuentro: 32 Cocineras Tradicionales cocinaron 96 platillos en sitio y presentaron técnicas, ingredientes y relatos que generalmente permanecen fuera del radar urbano.

Para su director, el cocinero e investigador Luis Llanos, el festival tenía una misión clara: reordenar el valor detrás de la cocina

tradicional. “Hay cosas que no están bien dentro de las cocinas mexicanas… hay mucha desigualdad.

A veces solo las usan de muñequitas de metal”, dijo en entrevista. Su diagnóstico se confirmó en ruta: la cocina tradicional ha sido celebrada en fotos y folletos turísticos, pero poco remunerada en territorio.

Fogones de México apostó por un modelo distinto: pago claro, condiciones dignas y representación auténtica. Cada cocinera fue seleccionada bajo criterios comunitarios y no sólo gastronómicos. “No existe una definición oficial de cocinera tradicional, así que tuvimos que generar una”, explicó Llanos. Ese filtro garantizó que el festival

no se quedara en la postal, sino que mostrara oficios y memorias.

Además de las degustaciones, hubo pabellones interactivos de maíz, cacao y artesanía, actividades para elaborar tortillas y showcases musicales que acompañaron la experiencia sin robarle protagonismo al fogón. Con un boleto de 599 pesos por ocho degustaciones, Fogones se sumó a la tendencia de festivales más democráticos, cercanos y orientados al contenido.

Fogones de México forma parte del Ecosistema Fogones MX 2026–2033, que impulsa Escuelas de Cocina Tradicional operadas por las propias cocineras en territorio. “La idea es que

ellas sean las dueñas y directoras, no subordinadas. Que el conocimiento genere ingreso y continuidad”, señaló Llanos. El primer bloque contempla Morelos, Veracruz, Tlaxcala y Chiapas.

Con planes para una versión nacional, otra capitalina y una internacional, el evento confirmó que la cocina tradicional puede ser un puente entre cultura, turismo y desarrollo económico cuando se le otorga el centro del valor. La primera edición dejó sold out en varios horarios, filas constantes en los pabellones y una conversación que trascendió la foto del plato.

El festival debutó así como un evento que apuesta por futuro y no solo por sabor.