REVISTA CAMEO 5

REVISTA #0 5 J U N | 21

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S A M U E L

K I S H I

D I R E C TO R D E L F I L M E LO S LO B O S

“SIENTO MUY LINDO CUANDO MI HISTORIA TERMINA SIENDO PARTE DE TODOS”

REVISTA #0 5 J U N | 21

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L E O

D E L U G L I O

AC TO R D E L A S E R I E ¿ Q U I É N M AT Ó A S A R A?

“ESTOY MUY CONTENTO POR EL ÉXITO DE SARA”

Quiénes somos

NÚMERO 05 REVISTA DIGITAL

REVISTA

Editor: Carlos Mora Co editora: Maribel De Luna Colaboradores: Angélica Ramírez Alejandra Lomelí Francisco Javier Quintanar Polanco Elizabeth Osorio Cinthya Salas

cameo.revista@gmail.com

yumpu.com/cameorevista

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Ante los acontecimientos recientes que nos llevan a buscar nuevas formas para difundir los proyectos de cine, televisión y plataformas digitales nace la revista Cameo para dar a conocer los trabajos de películas y series.

Directores, productores, fotógrafos, guionistas, creadores de contenidos, distribuidores y demás personas que compartimos el amor por el séptimo arte queremos mostrar la calidad que hay en la industria en México. revista Cameo

LA CORONA DE PALACIO NACIONAL OBSEQUIADA A

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MARÍA FÉLIX

“ERA SU PRIMERA ESCENA, LA CORONA ERA UN MARAVILLOSO CANDIL DE PALACIO QUE EN LA COMPOSICIÓN LE PUSE EN LA CABEZA”

• ELIZABETH OSORIO

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a versión restaurada de la película Río Escondido protagonizada por María Félix será exhibida, a partir de julio en la Cineteca Nacional, ésta será una oportunidad única para disfrutar de este clásico del cine de oro y de reconocer entre sus escenas, aquella q ue guarda una historia tormentosa consecuencia de la relación entre su protagonista y Agustín Lara, pero que dio a México el reconocimiento internacional por su maravillosa fotografía.

Era una mañana de 1947, cuando comenzó a rodarse la primera escena en Palacio Nacional, a donde María Félix llegó llorando tras ser víctima de un intento de asesinato a manos de su pareja, el compositor Agustín Lara. El afamado cinefotógrafo Gabriel Figueroa, quien estaba a cargo de la fotografía de la película, relató en sus memorias que, luego de que la actriz sobreviviera y llegara a la locación visiblemente afectada, le sería obsequiada una bella corona del Palacio Nacional.

“En esa época estábamos filmando Río Escondido. Las primeras escenas eran dentro de Palacio Nacional. María se estaba maquillando cuando, de repente, Agustín Lara, le tiró un balazo por una ventana. Llegó y no le contó a nadie lo que había ocurrido”, narró Gabriel Figueroa en el libro Memorias, editado por la UNAM. María Félix que ya gozaba de una rotunda fama, a raíz de su papel en Doña Bárbara, esta vez interpretaría a Rosaura Salazar, una maestra que fue convocada por el Presidente de la República para alfabetizar a los habitantes del pueblo Río Escondido, cuyas tragedias eran la miseria y el cacicazgo opresor causante de la clausura de la única escuela.

La actriz había despertado desde temprano para maquillarse y ponerse las trenzas falsas que requería para el personaje, cuando Agustín Lara loco de celos salió de la nada para dispararle. María instintivamente se agacho pasando el tiro cerca de la nuca.

A pesar del terrible momento que había vivido, se presentó a grabar la película que dirigía Emilio “El Indio Fernández”; no obstante, Figueroa sin saber lo ocurrido le tuvo que recordar que esa primera escena no requería de llanto, ella se limitó a responder que llegaba disgustada. “Entonces le prometí que le regalaría una corona”, le contestó Gabriel Figueroa.

“Era su primera escena, la corona era un maravilloso candil de Palacio que en la composición le puse en la cabeza. Esta película es una de mis mejores, en 1948 ganó el premio de fotografía en el festival Karlovy- Vary, en Checoslovaquia”, recordó Figueroa, genio y creador de la fotografía de la también cinta, Macario protagonizada por Ignacio López Tarso.

En la obra restaurada que podrá disfrutar este verano en la Cineteca Nacional, apreciará dicha escena, en la que Rosaura Salazar arriba al patio central del Palacio Nacional, ahí maravillada por el centro de poder que representa el lugar, sube al cubo de la escalera principal donde observa atónita el mural de Diego Rivera “La epopeya del pueblo mexicano”.

Al percatarse que va tarde a su cita con el primer mandatario, continúa su camino para cruzar la recepción, un ancho pasillo y por el que han transitado los más importantes personajes de la historia de la política nacional e internacional, adornado con antiguas alfombras, así como hermosos y enormes candiles.

Rosaura vestida de largo y con rebozo blanco, se detiene para mirar a lo lejos la oficina de la presidencia donde ya la esperan, es ahí donde Gabriel Figueroa, quien fuera gran amigo de María Félix le obsequió la bella composición del candil en su cabeza.

Ese momento en la vida de la actriz, sería el inicio del fin de su tormentoso romance con Agustín Lara. Figueroa continuó relatando que, tras el atentado la prensa “se le había echado encima a María Félix en una forma salvaje”, por órdenes del compositor. “María no dejaba entrar a ningún periodista a su casa. Armando Valdespesa que era íntimo amigo suyo, y yo íbamos todas las noches a visitarla, porque estaba sola y muy triste”, recordó.

Al pasar los días, María Félix decide dar la cara a la prensa y niega que Agustín Lara la haya difamado, al asegurar que es un caballero. Desde luego el maestro Lara paró la guerra en los periódicos, pues él era un caballero y como tal lo tenían.

Según Figueroa, si “El flaco de oro” tenía esperanza de volver con ella, fue vana, ya que “ése fue el final para siempre, la caída del telón de ese romance”.

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RÍO ESCONDIDO VALIOSO LEGADO DE LA CINEMATOGRAFÍA MEXICANA

RÍO ESCONDIDO Dónde: · Cineteca Nacional · A partir del viernes 9 de julio EXPOSICIÓN RÍO ESCONDIDO Dónde: · Cineteca Nacional · Sin costo · Del 17 de junio al 17 de julio

LA RESTAURACIÓN de Río Escondido es producto de la colaboración entre Arte & Cultura del Centro Ricardo B. Salinas Pliego y la Cineteca Nacional de México, como un esfuerzo conjunto de rescate y preservación del cine mexicano. El trabajo fue realizado en el Laboratorio de Restauración Digital de la Cineteca Nacional; empezó en agosto de 2020.

Fue necesaria la inspección de los materiales fílmicos disponibles que presentaran la mejor calidad posible en imagen y sonido. Se realizó la revisión de tres copias en 35mm y una más en 16mm, pertenecientes al acervo fílmico de la Cineteca Nacional. Las labores de restauración tomaron cerca de 28 semanas, participaron en ellas alrededor de 27 especialistas de diversas áreas y fueron intervenidos digitalmente 141,852 cuadros.

Río Escondido (1948) es una de las cien obras fílmicas más relevantes en la historia del cine nacional. Ocupa sin duda un lugar preponderante en la filmografía de Emilio “El indio” Fernández, uno de los realizadores más controversiales en la historia de la cinematografía mexicana, que logró transmitir a través de cada una de sus películas un testimonio patente de su manera de pensar y su visión del mundo; en este caso, mostró a la educación como la vía de superación de los lastres regionales.

En este melodrama, Rosaura, una joven maestra rural (María Félix), es comisionada por el Presidente de México para alfabetizar a los habitantes de un pueblo remoto conocido como Río Escondido. Pese a que padece una mortal enfermedad del corazón, asume el encargo, en un sacrificio cuasi religioso en favor de la pequeña comunidad afectada por la ignorancia, la enfermedad y el caciquismo.

El público podrá disfrutar sin costo del 17 de junio al 17 de julio de la exposición titulada Río Escondido. La restauración que se llevará a cabo en el vestíbulo de la Sala 3 de la Cineteca Nacional y en ella se podrán encontrar carteles, libretos y documentos originales del filme, así como una selección de imágenes de Gabriel Figueroa, director de fotografía del filme.

LOS LOBOS

UN VIAJE A LOS RECUERDOS DE

SAMUEL KISHI

EL DIRECTOR TAPATÍO PRESENTA SU SEGUNDO LARGOMETRAJE: LOS LOBOS, UNA CONMOVEDORA HISTORIA VIVENCIAL CON UN FUERTE MENSAJE SOBRE LA MIGRACIÓN

• CARLOS MORA

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o que surge como un ejercicio de escritura para Samuel Kishi se logra convertir en el guion para su nuevo filme Los Lobos.

“Hice el ejercicio del libro Me acuerdo, del artista Joe Brainard, donde a manera de mantra escribe líneas que comienzan con ‘me acuerdo que…’ y lo que recuerdo es que cuando tenía cinco años mi mamá nos llevó a mi hermano y a mí a vivir a Santa Ana, California, en busca de una mejor vida, rentó un pequeño departamento en un barrio donde se mezclaban mexicanos y hasta camboyanos, se escuchaban lenguajes que no entendíamos, mi madre nos tenía que dejar encerrados, pero fue muy astuta e hizo uso de una grabadora con la que grababa canciones, cuentos, las reglas de la casa y hasta lecciones de inglés y nos decía ‘si me extrañan, póngale play’, eso fue lo primero que escribí y dije, ¡aquí hay una película!”, confiesa Kishi, en exclusiva para la revista Cameo.

En el filme los niños se llaman Max y Leo, quienes viajan de México a EU con su madre, Lucía, en busca de una vida mejor.

“Uno de los grandes retos era contar una historia llena de claroscuros, que tuviera el punto de vista de los niños, pero no fuera melosa.

“Me junté con dos co-guionistas, Sofía Gómez Córdova que había escrito conmigo en Somos Mari Pepa y Luis Briones, un compañero de la carrera de artes audiovisuales de Guadalajara.

“También estuve haciendo entrevistas a mi familia, a mi mamá y hermano, hablamos de lo que había ocurrido en aquella época, todo eso fue engordando el guion y los toques finales siempre los da el trabajo con los actores, siempre digo que escribir es reescribir en todo momento.

“A partir de los ensayos que estábamos teniendo con los pequeños, donde los poníamos a dibujar los lobos y yo los grababa, eso se fue a un estudio de animación donde les dije a los artistas vamos ilustrando en lo que ellos están platicando”.

Tocas el tema de la migración, ¿a 30 años de tu experiencia a la actualidad sigue muy parecido, cómo lo percibes?

Así es, la migración siempre va a existir en la historia de la humanidad porque todos somos migrantes de alguna u otra manera, migramos de ciudad, de barrio, de país, nos movemos siempre buscando un lugar donde podamos desarrollarnos mejor, los temas migratorios se identifican y se vuelven más difíciles, sobre todo

con los niños migrantes que están viajando solos, la migración de Centroamérica, los desplazados del país por la violencia; eran de los temas que quería abordar.

También una vez que estaba en el proceso de la escritura y la investigación de la película comenzamos a acercarnos a las asociaciones civiles, a la gente del barrio donde filmamos, tanto en Alburquerque como Santa Ana, seguía encontrando muchos puntos en común de que cuando yo era un niño y ver en los barrios a más niñas y niños migrantes también encerrados en estos pequeños departamentos, con la gente haciendo housing esperando a sus madres y padres volver, inmediatamente volví a reconectar con mi pasado.

Muchas personas que salen en la película a excepción de Max y Leo son niños del barrio donde filmamos en Alburquerque, Nuevo México.

Me gusta mezclar actores académicos con actores naturales. ¿Qué tan fácil fue vivir esa realidad de cuando eras niño?

Fue difícil, pero la verdad es que mi mamá es muy inteligente y muy astuta, varios de los golpes, caídas y dolores ella los amortiguaba con muchos juegos y con las grabaciones, nunca nos sentimos completamente abandonados, ella siempre se preocupó por grabarnos estas lecciones cuando regresaba a casa toda cansada y harta, todavía se daba el tiempo para contarnos los cuentos y demás.

Fue una época difícil, no la recuerdo con dolor o sufrimiento pero sé que fue

gracias a mi madre que apechugó y aguantó todos los madrazos; siempre nos pidió a mi hermano y a mí que hiciéramos equipo y ayudáramos, desde chicos nos volvió muy independientes. ¿Qué pasó años después con ustedes y tu mamá?

Nosotros nos quedamos dos años más en Estados Unidos pero mi mamá no se terminó por adaptar, quería regresar a Guadalajara y ser locutora de radio y volver a estudiar, entonces en ese lapso mi papá la fue a buscar y se reconciliaron, regresaron a Guadalajara; al final mis padres se separaron, pero mi mamá cumplió sus sueños de ser locutora, duró 18 años trabajando en la radio, entonces siempre crecimos con nuestra mamá grabadora, y la escuchábamos en su programa de radio en la noche, nunca nos sentíamos completamente abandonados. ¿Los Lobos fue un homenaje a tu mamá?, ¿Qué dijo cuando vio la cinta terminada?

Cuando la vio por primera vez lloró mucho y estuvimos llorando un par de horas más, esperé a calmarnos y me dijo, ¿te acuerdas cuando nos dormíamos en el piso?, me rompió el corazón, pero le gustó y conectó mucho con la película que le trajo recuerdos de aquella época.

Algo que no pasó en la vida real fue los personajes de los señores Chang, pero para mí era muy importante que los protagonistas conocieran otro tipo de migrantes, que hablaran otro lenguaje.

¿Cómo fue trabajar en otro país y qué implicó la barrera del idioma?

Cuando quitas la lengua nos queda que somos seres humanos que entendemos de esos dramas, lo digo con todo el corazón, todos nos movemos, somos migrantes y migrar es un derecho, estamos en constante movimiento. Otra cosa de suma importancia era que la película no se quedara en el discurso de migración sino que hablara de otros temas universales, uno de ellos la historia de Max que es Coming of age, una película de crecimiento donde el personaje principal se da cuenta de quién es su madre y de la otra cara de ella y quién era su padre. ¿Cómo te ha ido en los festivales de cine?

Hay algo que me gustó mucho, una vez que terminan las funciones la gente comienza a hablar de su infancia, su familia, sus historias de migración, pero muchos conectan con la infancia; de pronto hay unas personas que dicen “es que así éramos mis hermanos y yo” “mi madre me crió de esa manera”, otros decían “me sentí sola o solo en este país”. Encontrar muchos compatriotas en Berlín, Busan, en otras latitudes, y nos hablaban de sus historias de migración y familia. Siento muy lindo cuando la película termina siendo parte de ellas y ellos, cuando tu historia deja de ser tu historia y se convierte en la de todos, ha sido lo más gratificante. ¿Cómo ves el futuro del cine?

Uno se tiene que adaptar en todo momento a las circunstancias, claro, uno quiere estrenar siempre en cines, atrasamos el estreno para poder llegar a las salas pero si no hubiera sido posible tampoco valía la pena postrarse, tendríamos que buscar otras ventanas, espacios y lugares.

Como cineasta intento practicar todo el tiempo estos ejercicios de adaptación para poder lograr siempre terminar una película, presentarla, no soy un purista de “solamente el cine tiene que verse en el cine” se me hace más interesante compartir las historias y que lleguen de todos los medios posibles, es muy bonito que el cine se vea en el cine, con las luces y el sonido, eso está muy bien, no hay otras distracciones. Para mí es muy bonito y muy romántico ver las películas en el cine.

MARTHA REYES

EN CONTRA DE LOS MUROS

• CARLOS MORA

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artha Reyes da vida a una madre soltera que migra a Estados Unidos para trabajar y mantener a sus dos hijos Leo y Max; mientras esperan que ella regrese del trabajo, escuchan las lecciones de inglés que les deja en una vieja grabadora y construyen un universo imaginario con dibujos. Originaria de Jalisco y formada por la Universidad de Guadalajara, la actriz platica en entrevista con la revista Cameo sobre los retos a los que se enfrentó en Los Lobos. ¿Cómo llegas a Los Lobos?

Entré al proyecto para ser la maestra de actuación y para conseguir a los protagonistas infantiles, de un casting se iban a escoger a seis niños, tres para cada personaje, tanto hermano mayor como menor. Samuel Kishi (el director) y yo les íbamos a dar un taller de actuación porque quería que la película fuera un documental y entonces los niños tenían que ser capaces de improvisar.

Conforme seguimos este proceso de trabajo me invitó a ir con él a buscar locaciones a Santa Ana, California,-donde pasó la anécdota de su familia que después fue la historia de la cinta-, junté mis ahorros y me fui con él; en aquella ciudad estuve trabajando en limpiar casas y oficinas, lo que me sirvió para platicar con mujeres migrantes, la mayoría eran madres solteras, eso me ayudó para entender sobre mi personaje en Los Lobos y ver cuál era la situación con la migración; al regresar seguimos con el taller y después de algunos meses me invitó formalmente a ser la protagonista. ¿Cómo fue la relación con Max y Leo? En la pantalla se nota mucha química entre ustedes tres.

Nosotros les comentamos a los niños desde el casting que se iban a tener que mudar, no sabían cuál era la razón porque ese era el proceso de los personajes en la historia.

Empezamos a hacer dinámicas para sentirnos cómodos los tres, Max, Leo y yo; por ejemplo, una de ellas fue irnos a vivir juntos a mi departamento, me acompañaban al trabajo, al súper, incluso los regañaba porque no se querían comer las verduras, (risas), también jugamos y demás cosas que ayudaron a formar una relación muy bonita.

En el tema de migración, ¿qué tanto investigaste sobre este tema?

Estando en Santa Ana, California, fue entender varias interrogantes como, ¿de dónde vienen? o ¿qué están buscando?, cuando nos fuimos a Alburquerque, Nuevo México, lugar donde se grabó la cinta, estuve trabajando en una lavandería y algunas compañeras que salen en la película trabajaban conmigo, tenía una compañera que era de Afganistán y era refugiada política, ella estaba muy agradecida con Donald Trump porque le había dado asilo junto con sus tres hijas, pero a su esposo lo habían mandado hasta Australia, su familia estaba completamente dividida, nos entendíamos a señas porque ninguna hablaba bien inglés, fue algo muy triste. ¿Cómo tomaste todas estas historias y de qué te sirvieron para dar vida a Lucía?

Fue muy impactante, eran mujeres que en su mayoría son mamás y tienen una necesidad muy grande para dejar todo y estar echándole ganas a la vida, ninguna paraba, trabajábamos en jornadas de 12 horas desde las 5 am hasta las 5 pm, paradas todo el día, y con 15 minutos de descanso cada determinado tiempo, ¡imagina!, aguantar el calor de una lavandería, hay mucha humedad, y todo eso lo aguantan por una mejor vida para sus familias.

Para mí era una responsabilidad que el personaje y la historia tuviera esa honestidad y que no fuera una lectura superficial por ser actriz; creo que las películas ayudan a que los números dejen de ser cifras en las estadísticas, porque sólo vemos números y creo que al ver los rostros y lo que sienten las personas, aunque sea en una película, sí ayuda a que simpaticemos y nos importen más estos temas. ¿Qué dejó Los Lobos en tu vida?

Me cambió la visión de varias cosas, como la maternidad, y aunque no soy mamá creo que tenía miedo de encontrar la manera de relacionarme con los niños para bien o para mal. Otro tema fue la migración, el sentimiento de soledad que existe al ver que muchas personas se quedan varadas como si fueran fantasmas porque ya no son de ningún lugar, es algo desolador. ¿Cómo fue recibida la cinta en otros países?

Con la película ganamos en el festival de Busan, Corea del Sur, tuve la oportunidad de ir y no me imaginaba que ellos pudieran entender la cinta, y al estar allá y escuchar cómo lloraban o se reían fue algo muy bonito.

Al termino de la película nos hicieron varias preguntas y me gustó que entendían la historia, porque los personajes ahí están, lograban empatizar con ellos y nos contaban sus historias de migración, porque es un tema universal y natural, lo que no existe son las fronteras y las bardas. Es una realidad que no hay mucho cine que retrate esa visión y menos cine mexicano.

Los lobos

RELATO AGRIDULCE SOBRE MANTENER VIVA LA ILUSIÓN • Alejandra Lomelí

HAY ALGO en Los lobos que recuerda en esencia a Proyecto Florida (Sean Baker, 2017): la ilusión de unos niños de ir a Disneylandia. En ambas películas se utiliza como dispositivo narrativo y en ambas estamos ante retratos de infancias difíciles, de una visión desangelada, por no decir amarga, del sueño americano a través de la mirada de los más pequeños, solo que, a diferencia de la cinta de Baker, la de Samuel Kishi es un estudio sobre el difícil proceso de inmigración.

Max (Maximiliano Nájar Márquez) y Leo (Leonardo Nájar Márquez), de 8 y 5 años, viajan de México a Albuquerque, Estados Unidos, con su madre Lucía (Martha Reyes) en busca de una vida mejor. Mientras esperan que su mamá regrese del trabajo, los niLOS LOBOS Dirección: Samuel Kishi Guion: Samuel Kishi, Luis Briones, Sofía Gómez-Córdova Fotografía: Octavio Arauz Música: Kenji Kishi Distribución: Mantícora Distribución

ños observan a través de la ventana de su departamento el inseguro barrio en el que está enclavado el motel donde viven, habitado principalmente por hispanos y asiáticos.

Se dedican a escuchar los cuentos, reglas y lecciones de inglés que la madre les deja en una vieja grabadora de cassette, y construyen un universo imaginario con sus dibujos, mientras anhelan que su mamá cumpla su promesa de ir juntos a Disneylandia.

A diferencia de otras películas sobre migración, Los lobos es un trabajo que resalta por la sensibilidad e ingenio con la que el director construye el mundo de los niños, así como la manera en la que búsqueda de oportunidades y la lucha por sobrevivir en un país que significa la promesa de un futuro mejor, va mimando su inocencia.

Resaltar la habilidad con la que Kishi pone a discusión temas como la exclusión social, el abandono, el desgaste físico, así como emocional debido a las largas jornadas de trabajo y los peligros latentes en un país extranjero con tan solo sugerirlos, ya sea con la cámara subjetiva que hace las veces de la misma mirada de los niños, la animación con la que da vida al mundo al mundo imaginario de los hermanos o con los fragmentos sonoros que escuchan una y otra vez.

En esa aparente sencillez, pero de repercusiones complejas, Los lobos es un relato agridulce sobre mantener viva la ilusión, y un retrato respetuoso de quienes han decido partir en busca de una mejor vida.

COSAS IMPO SIBLES UN FILME LUMINOSO Y OPTIMISTA

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MATILDE,

UNA VIUDA DE EDAD MADURA QUIEN ES CONSTANTEMENTE ACOSADA POR EL FANTASMA DE SU ESPOSO MUERTO, EL CUAL LA INCREPA Y LA INSULTA DESPIADADAMENTE, DESTROZANDO SU AUTOESTIMA • F R A N C I S C O J AV I E R QUINTANAR P OL ANCO

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ERNESTO CONTRERAS, NORA VELÁZQUEZ Y BENNY EMMANUEL NOS PLATICAN SOBRE SU NUEVO LARGOMETRAJE

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osas imposibles marca el regreso a la pantalla grande del cineasta Ernesto Contreras (Sueño en otro idioma, Las oscuras primaveras, Párpados azules). Y su retorno trae consigo varias novedades.

La primera de ellas es que en esta ocasión, el director no hace dupla con su hermano -el guionista Carlos Contreras-, sino que decidió trabajar con el argumento de la debutante Fanie Soto, ganadora del treceavo Concurso Nacional de Guiones de Largometraje para autoras y adaptadoras de Cine, que lleva a cabo la Asociación Cultural Matilde Landeta, A.C. En entrevista para Revista Cameo, Contreras nos detalla las razones detrás de esta decisión. “Algo de lo que más me gusta de mi trabajo de director, es esa posibilidad de sorprender. De no saber que sigue, aunque tenga muchos proyectos desarrollándose, escribiéndose y demás.

E incluso surgen cosas que no me hubiera esperado, como cuando me invitaron a dirigir El Chapo, que jamás me hubiera imaginado estar en una serie así”, explica.

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“Y en este caso de pronto aparece este guión fantástico de Fanie Soto, y más allá de plantearme que si era mi hermano o no era mi hermano, yo quiero hacer mis películas. Vivo para hacer películas, vivo para hacer cine. Entonces, cuando tienes una cosa tan valiosa en tus manos, hay que convertirla en una película”, sostiene.

Otro de los cambios perceptibles en este nuevo largometraje de Contreras, radica en el tono de la historia, que difiere un poco del de sus filmes anteriores. El realizador afirma que ello obedece tanto a los requerimientos que el propio relato requería, como a su propio deseo de hacer algo un poco distinto. “Quizá por lo que estoy viviendo en este momento, en esta etapa de mi vida, me interesa mucho que las películas se vean, lleguen a una mayor cantidad de público, y quizá también por eso me interesa hacer algo más luminoso, un poco más optimista, pero no con un afán comercial, - porque entonces hubiera sido otra la estrategia-, sino algo muy honesto, muy del corazón, y con las características que necesitaba esta película para ser contada. Entonces, dejo que fluya, y va encontrando su camino”.

La cinta narra la historia de Matilde, una viuda de edad madura quien es constantemente acosada por el fantasma de su esposo muerto, el cual la increpa y la insulta despiadadamente, destrozando su autoestima. Ernesto comenta que estos tintes fantásticos incluidos en el guión, fueron otro aliciente para decidirse a filmarlo. “El guión planteaba esa relación tóxica, con este marido ya fallecido, pero que sigue maltratando a Matilde. Y también ciertas situaciones que me encantaron porque daban la oportunidad de tener esos toques fantásticos a lo largo de la historia, como los cantantes, o lo que pasa con el gato en algún momento”, describe.

“Es parte de las apuestas, de decir ‘¿Cómo abordar esto? ¿Cómo lo construyo y cómo le doy esa cohesión para que sea un universo, para que tenga una convención en la que podamos entrar muy fácilmente y para que nos deje desarrollar estos personajes increíbles?’. Yo como director, en colaboración con la guionista; tuve que plantear cómo lo nutrimos, cómo lo crecemos para que funcione de la mejor manera posible” dijo Contreras.

Matilde es interpretada en la película por Nora Velázquez, una actriz la cual, aunque tiene una amplia y variada trayectoria en el cine y la televisión, es especialmente recordada por haberle dado vida al personaje cómico de la Chabelita para la pantalla chica. “Mi idea cuando inicie esta carrera fue ser actriz, tener la oportunidad de hacer diferentes personajes. Pero Alejandro Licona me hizo favor de escribirme a Chabelita, y Héctor Suárez me dió la oportunidad”, narra.

Nora explica que dicho personaje fue también la llave que posteriormente le abriría la posibilidad de trabajar con el cineasta Arturo Ripstein. “Don Arturo descubrió en YouTube los videos de Chabelita, y dijo ‘esta es una actriz, quiero trabajar con ella’, y así hice la película La calle de la amargura”.

La intérprete le agradece a Ernesto Contreras la oportunidad de protagonizar Cosas imposibles, al lado del joven actor Benny Emmanuel. “Cuando hicieron el casting, me hizo el favor de hablarme de este papel, que para mi es un regalo inmenso, porque esto es lo que yo quiero: hacer diferentes personajes. Es un reto como actriz. | 21

Y tratar este tema de la violencia en una relación para mí es lo que más me llega.

Entonces, es como la culminación de todos mis sueños. De pronto verme en este personaje, proyectando esta situación donde logra salir adelante después de vivir tan destruida por este hombre quien la ha hecho talco durante todos estos años. Y al encontrarse con el personaje de Benny, quien es la esperanza de retomar la vida y seguir adelante”, reflexiona Velázquez.

Benny interpreta a Miguel, un joven quien ha aprendido a vivir en las calles de forma independiente, pero alberga el sueño de irse de allí algún día, en busca de materializar sus sueños personales; y con quien Matilde desarrolla una profunda y entrañable amistad. Él nos explica que gran parte de las características de su personaje ya estaban esbozadas desde el guión mismo.

“El guión está muy bien escrito. Fanie hizo un gran trabajo allí”, señala Benny.

“Cuando tuve oportunidad de leer el guión antes de ir a la segunda prueba, yo ya estaba inmerso en la historia, ya sabía de qué iba, ya sabía cuales eran los problemas que afrontaba yo como actor para darle vida a Miguel. Realmente todo estaba en el guión”.

Nos explica también que su verdadero trabajo fue “írmelo imaginando para darle vida en mi cabeza, porque los problemas que afronta, creo que no están tan alejados de los que las personas pueden afrontar, que son la soledad, el no ser gente libre, el no poder decir lo que realmente quieres ante una sociedad que sigue e impone parámetros. Todos estos problemas enfrascados en un joven de veintitantos que siente que se le fue el rollo de la vida, y no se siente feliz”.

Y añade: “A mí me pareció fascinante contarlo así, porque son muchos problemas en un personaje que es muy real.

Cualquiera se puede identificar con él.

Creo que eso es lo rico de este proceso” concluye Benny Emmanuel.

La lista de los deseos

PLANTÁNDOLE BUENA CARA A LA ADVERSIDAD • Francisco Javier Quintanar Polanco

EVA (María León) es una veterinaria joven independiente quien lleva una vida en apariencia afable y sin mayores complicaciones.

Un día, le da acogida en su casa a Mar (Silvia Alonso) su mejor amiga, quien es maestra de escuela y se acaba de separar de su pareja por diferencias de opinión en lo tocante al rumbo de su relación.

Poco después de la llegada de Mar, a Eva le diagnostican cáncer, y debe someterse inmediatamente a tratamiento médico, en este caso cirugía y quimioterapia. En su primera sesión de esta última, conoce a Carmen (Victoria Abril), una mujer madura quien ha estado entrando y saliendo de esa clínica por la misma enfermedad, la cual se convierte en guía y compañera de la joven en este trance, y termina por surgir una estrecha amistad entre ambas.

Ambas mujeres concluyen su tratamiento al mismo tiempo, y recibirán los resultados de los mismos en la misma fecha. A instancias de Carmen, toman una decisión radical: para no enloquecer de angustia y miedo mientras esperan en los días siguientes, deciden embarcarse en un viaje, y tratar de vivir esos días al máximo, como si no hubiera mañana… porque existe la posibilidad de que así sea. Mar se suma a la iniciativa, y se hacen de una furgoneta para emprender una travesía por España y luego Marruecos.

LA LISTA DE LOS DESEOS Dirección y guion: Álvaro Díaz Lorenzo Fotografía: Valentín Álvarez Música: Julio de la Rosa Distribución: Sky Media Distribution

En el camino, deciden escribir una lista individual, cada una enumerando tres cosas que les gustaría hacer antes de morir, y hacen un pacto donde se comprometen a tratar de cumplirlas antes de volver a casa.

La lista de los deseos parte de una premisa ya vista previamente en otros filmes -particularmente en Antes de partir (Reiner, 2007)-, y su argumento, dicho sea de paso, aborda el asunto de una manera liviana y amable, para poder desarrollar una comedia la cual transcurre en un universo femenino, y donde se intenta ensalzar un discurso de sororidad y empoderamiento femenino que no cuaja del todo, al incurrir en el empleo de diversos estereotipos y lugares comunes, por ostentar personajes y situaciones de mero relleno, al no resistir la tentación de ceder a ciertos convencionalismos y por abordar algunos temas con demasiada ligereza, rayando en la mera superficialidad.

Lo que ayuda enormemente a la cinta es la buena química existente entre su trío protagónico, el cual propicia que diversos gags y algunas escenas dramáticas planteadas en el argumento desarrollado por su guionista (y también director) Álvaro Díaz Lorenzo, terminen por funcionar. Son ellas quienes consiguen elevar un poco el discurso y nivel de la película, por encima de sus propias simplezas y limitaciones argumentales, haciéndola disfrutable para el espectador.

COSAS QUE NO HACEMOS

El proceso de crecer EL DIRECTOR DE CINE BRUNO SANTAMARÍA CUENTA LOS POR MENORES DE COSAS QUE NO HACEMOS, SU SEGUNDO DOCUMENTAL

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osas que no hacemos nace de las ganas de hacer una película sobre alguien que crece, es algo que tenía claro desde el principio y para encontrar algo escribí memorias de mi infancia y apareció un denominador, que casi todas tenían que ver con represión de identidad sexual. Con eso me pregunté “¿cómo unifico? ¿qué hago con esto?” y apareció un título: “Cosas que no hacemos”, con el título y sin saber nada más, una amiga me dijo “tengo ocho mil pesos, te los presto, hagamos un viaje” y nos fuimos a Sinaloa, porque pensaba que era importante para mirar a alguien crecer, quizá retratar un niño o una niña con la mirada ingenua del mundo, una mirada inocente y de pronto la realidad golpea, una realidad violenta, tal vez, y la mirada se transforma y se acelera el crecimiento.

Arturo (ahora Dayanara), tenía 13 años más o menos y era un chico gay que era una especie de maestro, acompañante, líder, hermano mayor de todos los otros niños y niñas, y me acerqué mucho a su familia. En una ocasión su mamá me preguntó “¿y tú quién eres? ¿de dónde vienes? ¿qué onda contigo?”, me preguntó sobre mi identidad sexual y le conté que soy gay pero mis papás no sabían y ella me dijo “¿Por qué no le has contado a tu mamá y a tu papá?” y lo que conteste “me da miedo lastimarlos”, “¿Pero por qué? Nada les va a doler más que el secreto, el silencio es lo peor, que no les tenga la confianza”, y Arturo estaba en el cuarto de al lado escuchando esta historia; dos días después Arturo me dijo: “Bruno, tengo que decirle algo, es que tengo un secreto yo también con mis papás, soy una chica y tengo muchas ganas de pedirles permiso para vestirme de mujer”.

A partir de ese momento apareció el corazón de todo, hubo un momento en el proceso del viaje en el que la violencia la estábamos buscando en lo más evidente, en lo que se habla más, en las cuestiones que tienen que ver con las sangre o con la explotación laboral, que también era muy evidente por la ausencia de adultos, y de pronto cuando Dayanara me cuenta su secreto aparece lo más difícil de mirar: los secretos, los silencios, el cómo los conoces, cómo los miras, cómo los filmas; sin duda una violencia igual de importante.

En el proceso de filmar la productora me preguntó sobre el título y le conté que tenía que ver conmigo y fue hasta que apareció Dayanara que cobró sentido. Es un encuentro de observación, de estar atento, de un afortunado que por suerte está filmado y que con la película construimos una historia que lo permite compartir. ¿Tienes algo en común con Dayanara, al guardar un secreto sobre la sexualidad?, ¿de qué manera te sirvió realizar Cosas que no hacemos?

Es muy curioso porque justo coincide, llego al pueblo de El Roblito y empiezo a tener un novio por primera vez y con las personas con las que comparto que tengo miedo de tener un novio es con la familia de Dayanara, con su hermano mayor, Armando, y le cuento que no estoy seguro de si vincularme o no, nos gustamos y parece que hay algo fuerte, pero me da pánico.

Encontré un espacio en donde hablar de cosas que en la Ciudad de México no podía hablar, me sentía de una manera protegido para compartir esto con la familia de Dayanara, fue un proceso de tres años en donde fui viviendo de alguna manera cada vez más tranquilo mi relación con mi novio, pero en secreto con mis padres.

Evidentemente cuando uno hace una película habla de uno siempre y tienes una responsabilidad dependiendo de quién seas de hablar del otro y de ser político y social pero eso al final también es tu vida.

En mi caso sí se me olvidan muchas cosas y fue justo un par de meses antes del estreno de la película que tomé la decisión de contarle a mis padres, curiosamente muy ligado a la imagen con una fotografía de mi novio y yo dándonos un beso y ligado a la película, como que en algún momento pensaba que la película era una carta a mis papás. La película está dedicada a tres personas, entre ellos mis papás y pensaba que era la manera de decirles. Al final sentía que tenía que vivir como Dayanara el momento incómodo de hablarlo cara a cara y así ocurrió.

¿Cómo realizador qué tan difícil es hacer un documental en México?

Por suerte FOPROCINE existía todavía, son unos fondos estatales del IMCINE que permiten a directores jóvenes opera primistas, en mi caso segunda película, explorar, arriesgarse, darlo todo por contar una historia a la que sin duda una empresa privada o una cadena de televisión jamás apostaría, porque buscan éxito comercial, rostros conocidos, actores.

En total fueron cinco años para la producción de la película y eso que el rodaje y equipo fueron muy pequeños. ¿Cuál ha sido la recepción en otros países durante el recorrido de festivales?

Se ha visto en un montón de lugares, estuvo en Canadá, EU, varios países de Latinoamérica, Colombia, Argentina, en Europa, en Asia, Medio Oriente, ha estado en más de treinta y tantos países.

Hemos recibido tanto de público como del jurado y de la crítica una respuesta muy amorosa, siempre muy contentos de sentir la alegría y vivacidad, el fuego que tienen estas niñas y niños, pero sobre todo de ese momento que siempre dicen se les queda impregnado en la cabeza y en el corazón cuando Dayanara le pide permiso a sus papás; de alguna manera toda la película es llegar a ese momento, es un torbellino de emociones, son estos niños corriendo por todos lados y de pronto llegas al ojo del huracán y es ella frente a sus padres y da ese paso para ser adulto, sale el pueblo, y después le toca a otra niña y otro niño confrontar a sus padres, esa es una reflexión común de diferentes palabras y diferentes países, creo que es bonito, es algo que ocurre en cualquier lugar, en El Roblito que es un pueblo lejos de todo de 300 personas en México o en Corea, estas historias ocurren en cualquier lugar y eso hace potente a la película.

• Carlos Mora

Cosas que no hacemos UN RETRATO SOBRE LA IDENTIDAD • Alejandra Lomelí

COSAS QUE NO HACEMOS bien podría resumirse como un retrato sobre la identidad y la aceptación personal en un contexto hostil, sin embargo, el pequeño documental de Bruno Santamaría Razo de apenas 71 minutos de duración, pone muchos temas sobre la mesa, desde la escalada de violencia en las poblaciones más alejadas, hasta la marginación, pero en definitiva es el testimonio del proceso de madurez de su carismático personaje principal, entonces llamado Arturo, “Ñoño”, ahora Dayanara.

Santamaría nos engancha al mostrarnos a un chico junto a un lago solitario maquillándose y quitándose su ropa masculina para ponerse un vestido. En tan solo unos minutos, nos pone en situación y aunque en un momento pudiera parecer que se “olvida” del conflicto interno del adolescente, el registro de las condiciones del pueblo describe el ambiente en el que “Ñoño” buscará liberarse, mientras que sus testimonios revelan el peso que carga por reprimir su más profundo deseo: decir a sus padres que quiere vestirse de mujer.

El segundo largometraje de Santamaría se desarrolla en la comunidad de El Roblito,

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COSAS QUE NO HACEMOS Dirección, guion y fotografía: Bruno Santamaria Razo Música: Tomás Barreiro Distribución: Pimienta Films

Nayarit, donde a pesar de ser un lugar tranquilo, la violencia llega a permear. “Ñoño”/ Dayanara, de 16 años, juega con los niños del pueblo, al mismo tiempo que cuida de ellos cuando sus padres se van a trabajar lejos de la isla. El documental retrata el momento clave en la vida del joven, quien buscará el momento ideal para compartir con su familia su sueño de ser mujer.

Entre los muchos aciertos de Cosas que no hacemos el mayor de ellos es la complicidad entre “Ñoño” y Santamaría, algo que no sólo es determinante para su confesión, sino también para el seguimiento de la familia y el permitirle estar presente en momentos sensibles. Destaca la habilidad del director para capturar las expresiones y miradas de los personajes, especialmente en el momento de deshago de “Ñoño”, contrapuesto al sugestivo cuadro fijo a su padre quien, sin decir mucho con palabras, lo dice todo con su mirada.

También hay mucho que reflexionar en relación a la figura del documentalista, es decir, si su presencia llega a contener a una persona a expresar o reaccionar como en realidad lo haría si no tuviera una cámara en frente. Sí, una discusión que no es nueva, pero que es estimulante en un trabajo con un discurso tan valioso como este.

EN EL BARRIO Dirección: Jon M. Chu Guion: Quiara Alegría Hudes Música: Lin-Manuel Miranda Basada: In the Heights de Quiara Alegría Hudes y Lin-Manuel Miranda Distribución: Warner Bros. Pictures Dónde ver: HBO Max

MÚSICA, BAILE... Y SUEÑITOS

• Francisco Javier Quintanar Polanco

DESDE 2009, el famoso dramaturgo, compositor, productor, actor y cantante Lin-Manuel Miranda albergaba un sueño: ver adaptada para la pantalla grande uno de sus grandes éxitos de Broadway. Y en este 2021, su sueño se materializó en una superproducción dirigida por el cineasta de ascendencia china Jon M. Chu. In the Heights (bautizada en nuestro país como En el barrio), narra la historia de un cuarteto de jóvenes encabezados por el dominicano Usnavi de la Vega (interpretado aquí por el actor Anthony Ramos), quienes crecieron en un barrio latino ubicado en la ciudad de Nueva York. Cada uno de estos jóvenes tienen anhelos y deseos particulares (un sueñito, como lo denomina Usnavi), los cuales pueden determinar si permanecen en esa comunidad o si tendrán que irse a vivir a otro lugar (o incluso a otro país) para realizarlos.

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En el barrio Al provenir de diferentes países latinoamericanos, y acarrear consigo diversas historias de vida tras de sí, el filme (y la obra teatral en que se basa), funciona como un crisol multicultural a través del cual se intenta, por un lado,darle una significativa representatividad cinematográfica a la comunidad latina que vive en los Estados Unidos, pero esgrimiendo una imagen de la misma alejada de los estereotipos negativos ampliamente difundidos por el cine y la televisión. Y por otro lado, transmitir un mensaje positivo, inspirador, humano, y mucho más universal: con paciencia y fe, los sueñitos pueden cumplirse… o se pueden encontrar nuevos sueñitos (y un lugar en el mundo especial para cada quien) donde menos se espera.

Además de verse beneficiado por un cast de actores jóvenes y versátiles (reforzados por otros más experimentados e igual de talentosos, como Jimmy Smits, Dascha Polanco y Marc Anthony, entre otros) la deci-

sión de poner en la silla del director a Chu (Locamente millonarios) probó ser acertada, ya que el realizador logra captar en pantalla la alegría y jovialidad del material original, y sabe cómo potenciarlos adecuadamente y traducirlos en memorables y espectaculares números de baile y canto, a los cuales sabe imprimirles ya sea un ritmo frenético y vivaz, o crear cándidos remansos e íntimas atmósferas según corresponda a cada escena. Aunado a esto, hay un adecuado uso de efectos sonoros y visuales que ayudan a magnificar esos momentos haciendo varios de ellos notables, vistosos, e incluso sorprendentes.

En el barrio es una deslumbrante adaptación cinematográfica del musical concebido por Lin-Manuel Miranda y Quiara Alegría Hudes, con una producción que no solo está a la altura de la obra original, sino que además consigue elevarla y transformarla en algo más que una película: en toda una experiencia.

MELISSA BARRERA

COMPARTE SU AMOR EN EL BARRIO

M

elissa Barrera, actriz originaria de Monterrey, habla del estreno de En el barrio, adaptación del éxitoso musical de Broadway creado por Lin-Manuel Miranda, Dirigido por Jon Chu, cuenta con un elenco de primera como Anthony Ramos, Corey Hawkins, Leslie Grace, Olga Merediz, Jimmy Smits y Marc Anthony, entre otros.

“Fue un gran honor trabajar con gente tan talentosa que más allá del talento son personas con un corazón gigante, me enamoré de cada uno de ellos y tuve la fortuna de tener un proceso de cinco meses juntos en Nueva York, al final nos convertimos en una verdadera familia, poder compartir la pantalla con ellos fue uno de los regalos más grandes de mi vida”, confiesa la actriz.

Sobre trabajar en un proyecto de Lin-Manuel Miranda la también cantante afirma “es impresionante cómo una persona tan amada por todo el mundo como él, es tan sencillo y generoso; estaba como niño chiquito viendo por los monitores de la filmación y emocionado de que se estuviera haciendo finalmente la película que tenía más de 20 años esperando. “ Me siento afortunada de representar a mi país, de ser una mexicana y de llevar mi bandera en alto, de plasmar esa manera en la pantalla y de llevarla por todo el mundo; estoy muy inspirada porque Lin ha hecho tanto por la representación de los latinos en el mundo, es un ejemplo a seguir. Ahora también quiero producir y darle oportunidades a nuevos talentos que están esperando alguna oportunidad, quiero apoyar para que no sea En el barrio la única película de latinos que exista”.

La cinta se centra en una diversidad de personajes que viven en el vecindario de Washington Heights, en el extremo norte de Manhattan, donde la mayoría son personas latinas.

“Al existir esta película se están rompiendo todos los estereotipos al tener diferentes personajes dentro de una comunidad, todos viven en las mismas cuadras y te das cuenta de la diversidad dentro de la comunidad y de la cantidad de historias que se cuentan.

“En lo personal me gusta que esta película es completamente aspiracional, no hay un villano en la historia, son personas viviendo y pasando obstáculos, cada uno tratando de conseguir sus sueños y de averiguar qué quieren en su vida”, finaliza.

• Redacción

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Selva Trágica UNA EXPERIENCIA VISUAL Y SENSORIAL • Alejandra Lomelí

LA EXPERIENCIA DE EPITAFIO (2015), cinta codirigida con Rubén Imaz, añadió a la filmografía de Yulene Olaizola una perspectiva mística que le ha hecho mucho bien a su carrera, percibiendo en su quinto largometraje, Selva trágica, su evolución como guionista y una dirección más firme en comparación con su primer largometraje de ficción, Paraísos artificiales (2011).

Regresando a una producción de época, Olaizola parte de un componente mítico para crear una fábula sobre la codicia, mientras explora la tensa situación fronteriza entre México y Belice, una zona prácticamente desconocida para el resto del país. Para hacerlo, toma la leyenda de la mujer Xtabay (un espíritu femenino que embruja a los hombres para tomar su vida) y el magnetismo de la selva que lleva a los hombres a su propia perdición. Ya lo sentencia la voz en off que da la bienvenida a la película: “debes saber que la selva te da mucho, pero también te quita”.

Inspirada libremente en la novela Caribal: el infierno verde de Rafael Bernal, Selva trágica está ambientada en 1920 en la fron-

SELVA TRÁGICA Dirección: Yulene Olaizola Guion: Yulene Olaizola Rubén Imaz Música: Alejandro Otaola Dónde ver: Netflix

tera de México con las Honduras Británicas (hoy Belice), donde no hay ley y los mitos prevalecen. Ahí, un grupo de chicleros cruza su camino con Agnes (Indira Rubie Andrewin), una hermosa y misteriosa mujer beliceña que escapa de un matrimonio arreglado. Su presencia provoca tensión entre los hombres, avivando sus fantasías y deseos, llevándolos a situaciones fuera de control; despertando a la mujer Xtabay.

La selva maya juega a favor de la trama, cuya belleza la hace tan amenazante como exuberante, haciendo de la película una experiencia, antes que visual, sensorial, gracias al diseño sonoro, pero también por las sugerentes imágenes de la naturaleza y los animales salvajes que llevan a los personajes al límite, cuyo destino está determinado por la tragedia de la leyenda.

Indira Rubie Andrewin es el corazón de una cinta construida a base de atmósferas, resultado de la sensación opresiva de la misma naturaleza, así como de la habilidad de Yulene Olaizola, al fin de cuentas, algo en lo que es experta.

Western y misticismo se encuentran en esta alegoría de cómo las acciones del pasado siguen resonando en el presente.

Shiva Baby LA HECATOMBE PERSONAL DE UNA JOVEN • Francisco Javier Quintanar Polanco

TRAS TENER UN ENCUENTRO SEXUAL con Max (Danny Deferrari), la joven Danielle (Rachel Sennott) sale corriendo para reunirse con sus padres, y acompañarles a un shiva (o rito funerario judío) que se celebra en casa de una tía.

La idea de llegar allí no le resulta particularmente agradable, ya que conoce de antemano cómo son sus familiares, y teme que la cuestionen incansablemente sobre su apariencia, lo que estudia actualmente, a qué se quiere dedicar en el futuro, si está saliendo o está comprometida con alguien, etcétera. Además de que odia que la comparen con otras chicas de la comunidad, en especial con Maya, a quien perciben como más guapa y exitosa que Danielle, y parecieran adorarla. Para colmo, debe lidiar también con la actitud de su madre quien cree firmemente (sin verdaderamente tener certeza de ello) que su hija es lesbiana, lo cual no le agrada del todo.

Pero la joven está lejos de imaginar que ese shiva se volverá para ella particularmente desagradable, ya que allí se encuentra inesperadamente con Max… y con Kim (Dianna Agron), la esposa de este último, con quien además tiene ya un hijo pequeño. Esta revelación, aunado a las indirectas y reclamos de Maya (quien secretamente fuese novia de Danielle); la presión social de los asistentes antes men-

SHIVA BABY Dirección y guion: Emma Seligman Música: Ariel Marx Fotografía: Maria Rusche Dónde ver: MUBI

cionada; y el imparable llanto del bebé de Max, hacen que la protagonista sienta que la atmósfera a su alrededor se enrarezca, y se torne cada vez más hostil y sofocante para ella (y para el espectador).

Y así, durante esa reunión familiar se suscitaran encuentros, desencuentros, situaciones incómodas, momentos chuscos, y una constante aprensión que hace presa de Danielle, quien parece estar a punto de estallar en cualquier momento.

Como respuesta, la protagonista llevará a cabo diversas acciones, no todas ellas atinadas, y algunas incluso tendrán consecuencias adversas. Pero en cambio, le brindarán algo de perspectiva...

Shiva Baby es la brillante ópera prima de la cineasta canadiense Emma Seligman, basada en su propio cortometraje estrenado en 2018. Una comedia de tono mordaz, que alterna brillantemente momentos tensos con efectivos e ingeniosos gags, y que en su trasfondo, propone una inteligente reflexión en torno a la construcción de una identidad propia, la cual se va cimentado a base de prueba y error, y no pocos tropiezos.

Sin duda, una de las mejores películas del 2020 y la cual, junto a Never Rarely Sometimes Always de Eliza Hittman, fueron injustamente ignoradas por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas al momento de seleccionar sus candidatas al Oscar. En nuestro país, se estrenó en exclusiva en la plataforma digital MUBI.

GIOVANNA ZACARÍAS LE DICE NO A LOS ESTEREOTIPOS •C A R L OS M O R A

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on más de 20 años de carrera la actriz Giovanna Zacarías platica en exclusiva con la revista Cameo sobre su personaje Lupita, en la nueva película Los trapos sucios se lavan en casa, que al igual que ella, ha vivido racismo en el trabajo, algo que comenta: “ya no debería de existir, se debe eliminar”.

¿Cómo fue participar en Los trapos sucios se lavan en casa?

Pues mira, la grabamos en 2018, es un proyecto donde apareció Diego Muñoz y la verdad sí estoy muy entusiasmada porque es una película que queda como anillo al dedo a todo el proceso político que está pasando actualmente y que por desgracia, sigue igual que siempre. Está terrible.

Entonces, la película habla de una familia donde el dueño de la casa quiere ser el candidato de candidatos y usa a sus trabajadoras del hogar para hacer su campaña y hasta publicidad, pero realmente los trapos sucios, pues están en casa. No les paga sus quincenas y Lupita, mi personaje, se ve en un embrollo familiar y pues le pide que le pague su quincena por las buenas, pero como el tipo no le da nada, pues se lo pide por las malas; y ahí se desarrolla toda la cinta.

Aunque es una comedia también toca temas como la desigualdad, el racismo y el clasismo, ¿qué más puedes platicar sobre ello?

Te voy a dar un ejemplo sobre lo que me pasó grabando la cinta. Estaba un día filmando una parte de la película, donde Lupita va a un centro comercial de señoras ricas, y ese día llegando a locación dije “quiero ir a una de mis tiendas favoritas”, fui a una de ellas y no sabes cómo me vieron las señoras, cuando me vieron entrar pusieron una cara espantosa y luego cuando comencé a preguntar si había ropa de mi talla, sentía que me traspasaban con la mirada y sobre todo las caras de descontento de que alguien como yo, en este caso Lupita, entrara a una tienda así, a comprarse ropa.

Por supuesto que ellas no sabían que estaba vestida del personaje de Lupita y quería ver la ropa, pero cualquier persona de cualquier estatus social podría entrar a cualquier tienda y preguntar por lo que se le dé la gana. Comprarse lo que quiera, pero por desgracia no es así. ¿Crees que se ha avanzado en el tema del clasismo?

Pues no, creo que cada crítica, en este caso esta película, han puesto en el escaparate las desigualdades laboral y de beneficios sociales de la clase trabajadora en general; yo creo que el 90% de la población vive en el sistema económico laboral en el que trabajan los personajes principales de Lupita y Toñita, sin prestaciones de ley, pensión, trabajando al día. Es una 34 |

cosa que no solo es culpa del patrón, es una estructura política y del país, donde se generaron las leyes del trabajo para beneficiar al patrón y no al trabajador.

Es una crítica a lo que estamos viviendo actualmente y siento que la gente se va a sentir identificada, pero los estamos maquillando con sarcasmo e ironía, para que te pases un buen momento aunque sepas que esa es la dolorosa realidad.

Están surgiendo varios movimientos que luchan por ver otro tipo de actrices en la pantalla mexicana, ¿qué opinas?

Pues es que sí, muchas de ellas no sé qué tan famosas sean, pero creo que el movimiento de ellas es más del color de la piel (Yalitza Aparicio). Cómo que la gente que somos morena tenemos menos oportunidades que una persona de tez más blanquita, pero te digo una cosa, tengo más de 20 años de actriz y eso lo sufrí toda la vida, sólo que me quedaba callada, porque tampoco era políticamente correcto decirlo y porque si lo decías te cerrabas la puerta.

Recuerdo que lo único que me ofrecían en TV Azteca fue la que sirviera el café, no el protagónico de la novela. No me daban la oportunidad de hacer otro tipo de personajes y por eso no tuve vida en la televisión nacional, porque no acepté el estereotipo al que siempre relegaban a la actriz morena, era algo asqueroso y racista totalmente.

Hay otro tema, se cree que los actores de televisión no pueden hacer cine y viceversa, ¿cuál es tu opinión?

Sí, o sea Arath de la Torre es famosísimo y Lisset también. Ahí las desconocidas somos yo y Amorita Rasgado, pero está padrísimo que ya todo el mundo se esté metiendo por todos lados, es lo único bueno que han dejado las plataformas digitales, generar más contenido y también romper las barreras de “sólo trabajo con esta empresa”, qué flojera. También es otra especie de ser sectario, de dividir, creo que eso no debería seguir existiendo.

EL DIABLO ENTRE LAS PIERNAS

EL AMOR EN LOS TIEMPOS DE LA VEJEZ

“Cuando Paz

(Alicia Garciadiego) me dijo: ¡léelo, es un guion con un título horrible, se llama con El diablo entre las piernas!, lo primero que dije: ¡sí, entonces lo leo de inmediato!” recordó el director Arturo Ripstein al hablar de su nuevo filme.

“Una historia de amores seniles, es profundamente atractivo para mí, por razones de natalicio, al terminar de leerlo pensé ¡es formidable!, y Paz me dijo, ¡es dificilísimo que alguien lo quiera hacer!

Por ello me acerqué a Mónica Lozano (productora), le llevé el guion y sin titubear me dijo, ¡va, lo hacemos!, fue formidable para mí.

La cinta es protagonizada por los primeros actores Sylvia Pasquel y Alejandro Suárez, cuenta con las participaciones de Patricia Reyes Spíndola, Daniel Giménez Cacho y Greta Cervantes.

El guion es de Paz Alicia Garciadiego. “Esta película es muy peculiar, Paz y yo hemos hecho muchas películas juntos, tenemos trabajando como 35 años y cada pelícu-

la que hacíamos estaba muy discutida, hablamos de qué cosas quería hablar, y por qué hacerlas y una series de falsas buenas ideas, que al final muchas se desechaban, ésta fue la más extraña, porque no se discutía nada”.

El diablo entre las piernas se estrenó en el marco del Toronto Internationl Film Festival en 2019, y posteriormente tuvo una gala en el FICM, con una excelente respuesta por parte del público y crítica especializada, así mismo se presentará en la próxima edición del FICG. “Opino que ésta es una cinta de paraísos perdidos, porque de alguna manera para Beatriz (Sylvia Pasquel) su paraíso, su placer y su fascina-ción es bailar tango, y el placer del viejo (Alejandro Suárez) es ir con su amante (Reyes Spíndola). Al trabajar con actores tan magníficos, era asombroso ver lo que hacían cada uno con sus personajes”.

Entre los reconocimientos que ha recibido el cineasta Arturo Ripstein destacan 2 Conchas de Oro en el Festival de San Sebastián, 6 premios Ariel y un premio especial que le fue otorgado en el 72º Festival de Cine de Venecia. | 37

EL DIABLO ENTRE L A S PIERNAS

• Carlos Mora

MIRADA FEMENINA DE

“La película no se hizo por consigna o pensando en denunciar un hecho como la violencia de género, no tengo actitudes ni de sociólogo, politólogo y mucho menos de antropólogo. Mis filmes nunca han tenido ese tipo de mensajes”.

El nuevo filme de Ripstein relata la vida amorosa de Beatriz (Pasquel) y El viejo (Suárez) que gasta su aburrimiento en deambular por la casa celando a su mujer. Celos que se han convertido en la gasolina que mantiene ardiendo la mente y el corazón del viejo, “creo que se trata de los placeres que los unen y los separan al mismo tiempo, la hicimos por tener el placer de contar este tema en el cine que pocas veces o casi nunca se aborda”.

El diablo entre las piernas fue fotografiada por Alejandro Cantú, “desde la concepción del guion fue pensada para hacerse en blanco y negro, con una cierta iluminación que no se viera sombría”.

Rodada en blanco y negro porque dice el director, “así aprendí a conocer a este país, como hijo de un productor iba con mi papá a las filmaciones y veía como hacían las cintas que depués las veía en blanco y negro, ¡me parecía sumamente fascinante!”.

“Casi todas mis películas estaban planeadas en blanco y negro, pero era difícil hacerlas por problemas de exhibición y distribución porque no se admitían mucho esos colores, por fortuna he podido lograr colar unas cuatro o cinco así durante mi trayectoria”.

“Puedo decir que hasta el día de hoy, es el mejor papel de mi carrera, es un gran proyecto y una gran película; fue muy afortunado poder participar en ella y más fue haberle dado vida a este personaje (Beatriz), es una mujer entrañable, la amo y adoro... me encantó ser ella y darle vida, voz y sentimiento “El interés de Paz (guionista) fue tocar un tema tabú olvidado, la sexualidad en la vida adulta. Las generaciones que están abajo piensan que en la adultez ya no hay sexo, no hay ganas, necesidad o antojo “Sí existe la sexualidad en la tercera edad, no todos son viejitos lindos y tiernos, hay muchas personas de 60, 70 u 80 años que siguen activos sexualmente, creo que ese fue el gran acierto de Paz, el poner este tema que estaba olvidado en el cine”

SYLVIA PASQUEL ACTRIZ

“Trabajé con el director (Arturo Ripstein) en La calle de la amargura y me dijo tenemos que volver a trabajar juntos Greta, en ese tiempo tenía 18 años, ahora tengo 26 “Paz Alicia me escribió el papel junto al de Alejandro Suárez y Silvia Pasquel, porque nos vio en La calle de la amargura y nos dijo, ¡tenemos que escribir algo para estos tres personajes!

“Trabajar al lado de Daniel Giménez Cacho, Silvia Pasquel, ¡que está brutal!, Alejandro Suárez, que me encanta y Patricia Reyes Spíndola a la que quiero como una madre, recuerdo que fue ella la que me presentó al maestro Arturo Ripstein, por lo cual estoy muy agradecia con ella”

GRETA CERVANTES ACTRIZ

“Es probable que la gente mayor se vaya a ver escandalizada por la gran cantidad de leperadas, mi papá se hubiera salido al ver la cinta. Asumo de entrada que la película va a escandalizar a tres o cuatro asistentes, pero no la hice pensando en ello. Asumo el costo “Escribí el guion gracias a Fonca, el cual agradezco, fui usaria y no fui corrupta, lo hice en la intimidad del hogar y encerrada en mi estudio. Ahí tuve las alas y la libertad de la literatura y fue hace cuatro años cuando lo escribí. No lo hice pensando en hacer un cine militante “Hice este guion pensando en ¿cómo se llega a viejo siendo la primera pareja? Los matrimonios de primeras parejas ya quedan muy pocos, y en mi generación ya son cada vez menos”

PAZ ALICIA GARCIADIEGO GUIONISTA

“Es un película que quizá para el público masivo es complicada, que requiere de un circuito y de un manejo de distribución muy particular “La propuesta artística desde el lado de la escritura y la dirección es de dos grandes maestros, ayuda mucho para que esa cinta pueda tener un impacto y una repercusión donde sea que se presente “Me gusta que las películas me digan algo, todavía me considero público cuando veo una cinta o un contenido audiovisual reacciono como espectador, ya después me pongo más analítica sobre el proyecto, puedo empezar a ver virtudes y defectos o tratar de entender por qué los autores empezaron a hacer una u otra”

MÓNICA LOZANO PRODUCTORA

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LEODELUGLIO AGRADECIDO CON EL ÉXITO DE SARA •C A R L OS M O R A

E

l actor argentino regresa en la segunda temporada de la exitosa serie original de Netflix ¿Quién mató a Sara?, en entrevista exclusiva con la revista Cameo, nos cuenta sobre su personaje Alex, la fama y sus próximos proyectos. ¿Te imaginabas el éxito que ha tenido la serie en tantos países?

Cuando uno entra a una plataforma como Netflix mínimo sabes que va a estar bueno el proyecto y va a tener una gran repercusión, pero, así como imaginarme el éxito mundial que tuvo la primera temporada, creo que ninguno del elenco se lo imaginó, pero tampoco me sorprende porque se hizo un buen trabajo en equipo y todos muy entregados a la serie.

Los espectadores agradecen que se estrenara la segunda temporada en menos de un año, ¿cómo fue el trabajo?

Esa fue una buena estrategia de Netflix, entender que la gente necesitaba la segunda temporada y de una forma rápida, hay un gran fanatismo que generó ¿Quién mató a Sara? y al esperarse un año puede ser que el público se olvide de ciertas cosas que suceden en la historia, pero al sacarla tan pronto es algo que funcionó muy bien.

¿Cómo fueron las grabaciones, filmaron las dos temporadas de corrido?

Grabamos la primera temporada hace un año, nos agarró la pandemia justo a una semana de terminar, entonces se atrasó esa última semana de grabación, seis meses después terminamos la semana que faltaba por grabar y un mes después empezamos la segunda temporada, fue bastante raro toda la secuencia, pero pudimos sacarla adelante.

Sobre Alex tu personaje, ¿qué fue lo que más te gustó de darle vida?

Disfruté mucho grabar la serie, porque cuando estás con una producción importante los detalles se cuidan mucho, y eso hace que el trabajo se haga más fácil y claro, para mi personaje tuve una enorme comunicación con los directores, con el escritor que estaban prácticamente todos los días disponible para cualquier duda.

Con el elenco nos hicimos muy amigos, tanto el elenco juvenil como el adulto, incluso tenemos grupos de whatsapp y hablamos todos los días, se organizan cenas y reuniones para celebrar el éxito que estamos teniendo y nos tenemos mucho cariño. Eso se ve en la serie, y ahora que lo veo como espectador veo la química entre los diferentes actores y es algo real, hicimos un equipo muy lindo, todos estábamos en el mismo canal. | 41

La exigencia de estar en Netflix es muy alta, y ese trabajo en equipo llama la atención en la serie.

Cuando me ofrecieron el personaje de Alex sentí un gran placer de hacer la parte juvenil de un actor como Manolo Cardona al que admiro mucho, porque tiene una carrera increíble y después me sentí muy identificado con ser el personaje protagónico. Me gustó que confiaran en mí de esa forma, estoy muy contento con el resultado. ¿Qué sientes de formar parte de la nueva generación de actores?

Siento que están confiando en nosotros y se está abriendo esta nueva generación de actores que admiro mucho, de la parte joven y adulta. Creo que los jóvenes hemos hecho un gran equipo y lo que más rescato de eso es que todos nos deseamos en todo momento que nos vaya bien, a mí y al otro, no hubo una cuestión de competencia de sobresalir sobre el otro, porque nos dimos cuenta que si no trabajabas con el otro o no le deseas bien probablemente a ti no te vaya bien, porque somos un equipo, si yo no actúo bien la escena contigo se cae a pedazos.

Hicimos una gran mancuerna, a eso súmale que son muy talentosos, es la combinación perfecta, es la oportunidad ideal de estar en un proyecto de Netflix sumado a que uno trae de ganas de estar en proyectos así, es el momento y oportunidad ideal de lucir. ¿Cuál es tu sentir al saber que tu trabajo se ve en más de 190 países a la vez?

Sí me llegan muchos mensajes, pero tampoco me quiero creer nada, más bien prefiero festejar cada logro que tengo, cuando tengo la oportunidad de trabajar con actores experimentados, ya que la serie tenga éxito o no ya es aparte, la fama y el éxito sí son importantes, ¡claro, a quién no le gusta!, pero lo mío es dejar el 100% en la cancha y lo que dure el partido, al final lo tomo como un premio a tantos esfuerzos, sacrificios y a las horas de grabación, es lo que va a quedar marcado en mi vida para siempre.

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¿Cómo fue tu relación de trabajo con actores de una trayectoria larga como Luis Roberto, Eugenio Siller, Fátima Molina, Claudia Ramírez, entre otros?

Con Fátima me tocó trabajar en Telemundo, fuimos pareja en La Doña, la admiro y quiero mucho, fui parte de ese crecimiento enorme que partió hace cinco años y que empezó a estar en cine y series, la llaman y la quieren de todos lados, es una alegría ver que actores y actrices con los que estoy trabajando y compartiendo escena están en la misma serie, eso quiere decir que me estoy rodeando con gente exitosa, talentosa y siempre digo que lo importante es aprender; una de las ventajas que te da esta profesión es la posibilidad de abrir la puerta de tu camerino y encontrarte con Daniel Giménez Cacho que está en esta segunda temporada, ¡te quedas con la boca abierta!, y le puedes preguntar de todo a ese hombre, es una biblioteca abierta, le trato de aprender mucho. ¿Qué opinas sobre la inmediatez que tienen las plataformas digitales?

Me parece que la industria empezó a transformarse hace algunos años, es algo que tenemos que tener, tener acceso con un sólo clic, y así no tenemos que esperar un horario o día en específico, se está transformando y eso me parece que es

para bien, es parte de un proceso evolutivo de la tecnología que es inevitable, y mientras haya trabajo, posibilidades de poder estar ahí y ser parte de eso, hay que adaptarte a los cambios, y es lo que está pasando. Me pone muy contento que siguen existiendo empresas como Televisa, Telemundo, que también se han reinventado y tienen sus propias plataformas, ese co-existir de plataformas desde las más antiguas a las nuevas, es el punto medio, el equilibrio exacto para que haya trabajo para todos. ¿Cómo pinta el resto del 2021?

Afortunadamente ¿Quién mató a Sara? fue un éxito mundial y se me han abierto puertas en Estados Unidos y aquí en México, país donde estoy proyectando mi carrera, viene una serie que voy a hacer pronto, y grabar la tercera temporada de la serie; también estoy incursionando en la música, por fin me animé a componer una canción que en un par de semanas ya estará disponible, quise aterrizar mi proyecto musical, canto y toco guitarra desde que tengo 12 años y nunca pude hacer nada con eso, mis amigos me dicen que tengo que hacerlo y ya me metieron el bichito, afortunadamente pude firmar con una productora para trabajar en mi primer sencillo. | 43

EVERARDO ARZATE

CONVERSA SOBRE SU PARTICIPACIÓN EN LA PRIMERA SERIE QUE ABORDA LA VIOLENCIA DEL NARCOTRÁFICO DESDE LA PERSPECTIVA DE LAS VÍCTIMAS

• CARLOS MORA

S

omos, es una serie de ficción basada en el impactante reportaje que la reconocida periodista Ginger Thompson quien escribió sobre una masacre real ocurrida en Allende, Coahuila; ese artículo llegó a manos de James Schamus que al quedar impactado con la noticia decide crear, producir y escribir, al lado de Monika Revilla y Fernanda Melchor, la serie para Netflix. ¿Qué nos puedes contar sobre tu personaje?

Se llama Chema, es un hombre de pueblo que se gana la vida trabajando como entrenador en la preparatoria local, le apasiona el fútbol americano y lo quieren mucho, tiene un problema con el alcohol pero ya se está rehabilitado y trata de salir adelante

SOMOS, UNA PRODUCCIÓN NECESARIA

como voluntario en la estación de bomberos local, es un personaje bonito, muy entrañable, que como cualquiera de nosotros intenta llevar el amor, el pan a la casa, y trata de sobrevivir bien en el pueblo.

Lo interesante de esta serie es que no hay un personaje protagonista o que se vaya a tratar la historia sobre un personaje épico como estamos acostumbrados, aquí el colectivo es lo más importante y así las historias se entretejen, lo importante es el pueblo de Allende. ¿Puedes contar sobre las grabaciones y las locaciones de la serie?

Fue bastante largo para que James lo llevara a producir, fue un proceso de tres años que involucró a dos guionistas mexicanas que son Monika Revilla y Fernanda Melchor, a ellas las llamaron para el guión y para la producción Sandra Solares buscó a los directores Mariana Chenillo y Álvaro Curiel.

El casting fue muy bueno, involucra a actores profesionales y a naturales, filmamos durante cuatro meses el año pasado, en marzo tuvimos que suspender por la pandemia, y terminamos entre septiembre y octubre. Las locaciones fueron hilando entre Canatlán, Torreón, Gómez Palacios y Los Ángeles.

Es maravilloso que se estrene en más de 190 países. ¿Cuál es la importancia que tiene una serie como Somos?

Como actor y mexicano me siento muy responsable y privilegiado de formar parte del elenco y poder contar este caso que sucedió en 2011 y que hasta 2017 empezamos a saber más detalles, desafortunadamente la violencia se ha normalizado por así decirlo y ahora ya no está localizada solamente en el norte del país como hace una década.

Darle voz y lugar a aquellas personas que tenían sueños, anhelos, amor por vivir, continuar y fueron víctimas de esta masacre, eso me parece importante.

Algunos compañeros del elenco, aún siendo del norte no conocían este caso, ahora en la Ciudad de México es algo totalmente desconocido.

Eres originario de Chihuahua, ¿cómo fue crecer o vivir en una zona afectada por la violencia?

Lo vas viviendo como una forma de vida que está funcionando todo el tiempo, que se asentó en la década de los 80, ahí se arraigó en México. Obviamente no es una violencia que tiene poco, siempre hemos vivido y convivido con esa violencia, no siempre ha venido del narcotráfico o el crimen, también hay muchas comunidades aisladas, ciudades que están en el olvido y no se goza de la cultura ni educación como estamos acostumbrados en la Ciudad de México, soy un actor de allá pero me tuve que venir a estudiar porque no había los medios, una escuela que pudiera conectar profesionalmente. Es muy difícil entender cómo está todo centralizado y eso es la consecuencia de lo que estamos viviendo porque la educación y la cultura no han llegado a los rincones del país, entonces la barbarie aprovecha y está imparable.

¿Qué piensas de las narcoseries?

No voy a satanizar los proyectos que se hagan, lo que me parece interesante es el parteaguas en todo lo que estamos consumiendo como espectadores en los últimos años respecto a las narcoseries, porque no habla de la glorificación del narco. Si no para la violencia no podemos dejar de hablar de ella pero también hay otra manera de poder hablar, de llegar al espectador, hacer que realmente se logre una reflexión, aprovechando esta plataforma que llega a mucha gente no sólo en México, y eso se me hace maravilloso.

SOMOS, MARTÍN PERALTA

UNA SERIE MUY INTERESANTE

EL ACTOR MARTÍN PERALTA FORMA PARTE DEL ELENCO DE LA NUEVA SERIE DE NETFLIX SOMOS, LA CUAL VISIBILIZA LA MATANZA DE ALLENDE, COAHUILA EN 2011, “ME SIENTO MUY CONTENTO DE FORMAR PARTE DE ESTE PROYECTO DE ALTO CALIBRE”, CONFIESA EN ENTREVISTA PARA LA REVISTA CAMEO ¿Cómo te sientes de formar parte de Somos?

Me siento muy honrado de estar pintando cómo es la vida en un pueblo rural del norte de México, creo que no hemos visto algo tan acercado a como es realmente, no sólo por el talento de los guionistas y del departamento de arte, sino que no sé si te tocó leer que la mitad de los actores son actores naturales, fueron capacitados para el proyecto, entonces esa combinación de actores “naturales” con profesionales le da una esencia muy genuina al proyecto y creo que va a gustar mucho. ¿Cuéntanos sobre tu personaje?

Interpreto a Carlos Revilla, un agente de la DEA que crea una manera de atrapar a las cabezas del cartel de Los Zetas, pero las cosas no salen como él planeaba y esto es lo que desencadena lo que pasa en Allende. ¿Qué opinas sobre las narcoseries que están en boga?

No podría hablar sobre otros proyectos porque desconozco su visión, pero en Somos uno de los atractivos principales es que se aborda la violencia que ocasiona el narcotráfico, pero desde la perspectiva de los habitantes comunes y corrientes, la cámara voltea, y en vez de ver la vida de lujos del capo o del bueno de la policía, volteamos y vemos la vida personal de la señora que vende hotdogs, de los adolescentes de la prepa, del bombero. Es muy peculiar y muy interesante.

Sobre la grabación, ¿cuánto tiempo les llevó?

Estuve filmando en Durango, en la capital, y ahí es donde se adaptó para que fueran las oficinas de la DEA y estuve aproximadamente dos semanas donde se grabó todo intensivamente, pero fue una muy buena experiencia, aprendí mucho y creo que el producto va a llamar mucho la atención, va a ser muy real porque los dos directores traen escuela de cine y hacer televisión en formato de cine va a ser muy único.

¿Qué fue lo que te dejó el tema de la violencia que sigue siendo fuerte para el país?

Interpretar a Carlos en Somos fue darme cuenta cómo todo está conectado, cómo lo que pasa en un cuartito u oficina en Texas puede terminar en la tragedia para tantas personas al sur en otro país, en un pueblito rural, me impresionó cómo estamos conectados.

Me gustaría invitar a la gente a que lo vea, más allá de la violencia física o el terrorismo que puede causar el narcotráfico, la serie aborda la violencia institucional, sexual, doméstica, de género, creo que la gente va a empatizar mucho con todos los personajes. ¿Es miniserie o va a haber más temporadas?

Es miniserie y tristemente sí sólo va a ser una entrega, una temporada de seis episodios de 45 minutos y el último es más formato película, dura 70 minutos.

• Carlos Mora

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JERO MEDINA

SOMOS, UNA GRAN RESPONSABILIDAD CON LA HISTORIA

J

ero Medina interpreta a uno de los personajes principales en la serie Somos, Benjamín Linares, quien fuera el hijo menor de la familia Linares, los dueños de un próspero rancho a las afueras de Allende. Benjamín es un joven rebelde que se enfrenta a su padre y a la autoridad, relacionándose con compañías poco recomendables.

Somos es una serie creada y producida por James Schamus, escrita por él en conjunto con Monika Revilla y Fernando Melchor. Está basada en hechos reales

y creada a partir del artículo de Ginger Thompson Anatomía de una masacre que habla sobre la masacre de Allende, Coahuila.

La miniserie nos narra la historia de un asalto mortal a un pueblo mexicano, que ocurre debido a una operación antidrogas por parte de la DEA. “El hecho de que estuviéramos contando algo real, algo que estaba incrustado en la memoria de la gente, era una gran responsabilidad. Interpretar a personas basadas en hechos reales hizo que la construcción de nuestros personajes fuera un proceso muy detallado y cuidadoso”, comenta Medina.

La serie corre bajo la dirección de Mariana Chenillo y Álvaro Curiel y es la primera narrativa televisiva que toca la guerra contra el narco desde la perspectiva de las víctimas; buscando darles voz y visibilidad, abordando el tema desde una perspectiva más humana y así retrata las vidas de los habitantes y las implicaciones que el crimen organizado tiene sobre ellos.

“A veces estar en el set era como ser absorbido al mundo de los personajes.

Recuerdo una escena nocturna al aire libre conmigo y todos los chicos que interpretaban matones reunidos alrededor de una fogata. Simplemente, sentado ahí, escuchando música norteña, realmente sentí la personalidad de Benjamín. Me gustaba mucho esa ropa, esa música, hablar con ese acento del norte, todo está tatuado en mi memoria” menciona el actor.

La serie es una historia compleja basada en los trágicos hechos ocurridos en Allende, Coahuila en 2011. Una historia centrada en la experiencia de las víctimas. Somos no es solo una palabra, es una declaración.

• Redacción

JASON PRIESTLEY

LLEGA A LATINOAMÉRICA POR LIFETIME

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ifetime sigue con su compromiso de llevar el mejor contenido al canal y su plataforma, por lo que mantiene su intención de adaptar a la pantalla chica la obra literaria de una de las más famosas autoras, Virginia Cleo Andrews, más conocida como V.C. Andrews. Se adaptaron las sagas Flores en el ático y Casteel, y ahora toca el turno a Ruby Landry.

El actor Jason Priestley platica cómo fue ser actor, productor y director en la saga Casteel, formada por cinco filmes. En la que participó como actor, dirigió Corazones Caídos y fue productor de Telaraña de Sueños y Las Puertas del Paraíso. ¿Cómo fue que te convocaron a participar en la saga de las películas de V.C. Andrews en Lifetime?

El productor ejecutivo Dan Angel es un amigo, así que estábamos buscando trabajar juntos, lo habíamos intentado varias veces en el pasado, y él se me acercó con estos libros para hacer el papel de Tony Tatterton. Tony era un rol muy desafiante porque ese papel en realidad se va expandiendo como 35 años en tres de los cinco libros, era un personaje difícil considerando la tendencia sociópata, el tema del incesto, del alcoholismo, entonces necesitaba un actor que hiciera que fuera un personaje creíble.

Hubo muchos desafíos en este proyecto y estaba dispuesto a asumirlos; me gusta interpretar personajes difíciles.

También me gustó el desafío del proceso de envejecimiento, había artistas de maquillaje increíbles.

¿Cómo lograste un personaje odioso y a la vez agradable?

Ese es el desafío justamente, porque por un lado tienes que estar enamorado del personaje a interpretar y recordar que mucha gente aunque esté haciendo cosas horribles piensa que está haciendo lo correcto y termina justificando sus acciones.

Entonces, como actor tienes que pensar ¿cuál es la psicología detrás de lo que están haciendo? ¿por qué está tomando esas decisiones? Por eso hay mucha investigación psicológica para ver por qué este personaje justifica sus decisiones.

ESTRENOS DE LA NUEVA SAGA LANDRY Ruby Estreno: 17 DE JULIO Destello en la niebla Estreno: 18 DE JULIO Fulgor oculto Estreno: 24 DE JULIO La joya secreta Estreno: 25 DE JULIO Dónde ver: Lifetime

¿Cómo tener el equilibrio de ser actor y director en el mismo proyecto?

Me gusta ponerme en situaciones en las que voy un paso más allá, fue súper divertido, porque Annalise Basso es una actriz increíble, tener la oportunidad de trabajar con ella de cerca estuvo buenísimo.

Tuvimos un elenco súper talentoso y también hubo otros desafíos en esa película, trabajar con muchos efectos especiales para la secuencia de ataque del león, entonces estuvo muy bueno para mí como director poder hacer esto.

Se hizo en Vancouver que es mi ciudad natal, pude pasar ocho meses, estar con mi familia, amigos, es lindo tener ese tipo de experiencias.

¿Cómo fue tu transición de actor a director?

Empecé a dirigir en la tercera temporada de Beverly Hills 902010. En el momento que terminamos ese programa había dirigido más episodios que cualquier otro director del programa, salvo por uno, así que estaba muy ocupado detrás de cámara.

Realmente vi ese programa como una gran oportunidad no sólo para aprender y ser un mejor actor también para aprovechar todas las oportunidades que me ofreció, y trabajar con un productor ejecutivo tan icónico como Aaron Spelling fue increíble, así que pude aprender todo lo posible de él.

• Redacción

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EL GRAN PASTELERO - BAKE OFF MÉXICO DEMUESTRAN SU TALENTO OCULTO PARA COCINAR CONDUCIDO POR ANGÉLICA VALE, El gran pastelero - bake off México contará con la participación de personalidades como Yuri, Lorena Herrera, Alma Gómez “Cositas” Giovanna Romo, Sandra Itzel, Kenia Os, Omar Fierro, Roberto Carlos, Sergio Arau, Manu NNa, Marcelo Lara y Gabriel Coronel, el show es la primera producción original de WarnerMedia Latin America para HBO Max en México.

La serie pondrán a prueba sus habilidades como reposteros, los competidores deberán demostrar todo su ingenio para cumplir con las recetas asignadas de forma original y con un excelente sabor.

El jurado integrado por los chefs Paulina Abascal (también conocida como La mejor chef pastelera de México), Jesús Escalera (ganador del Latin Best Pastry Chef 2018) y Benito Molina (jurado de Masterchef y dueño del restaurante Manzanilla) seleccionarán al ganador.

“Fue una de las experiencias más increíbles de mi carrera donde pude disfrutar del entretenimiento y la cocina, dos de mis pasiones, y aunque no cociné, aprendí muchísimo de los jueces y de los concursantes. Es muy divertido convivir con grandes amigos que quiero y admiro desde hace muchos años, y un gran placer conocer y hacer nuevos amigos”, asegura Vale.

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EL GRAN PASTELERO BAKE OFF MÉXICO Dónde ver: HBO Max

Esta experiencia representó un reto más a las celebridades que aparecen quienes en muchos casos, no se encontraban familiarizados con la repostería.

“Para mi estar en El gran pastelero - bake off México fue muy padre, fue un reto como mujer más que como artista. El poder ver que Yuridia, la mujer y la persona tienen la capacidad de hacer otras cosas, no nada más la artista que baila, canta, actúa y conduce. Nunca imaginé que podía hacer un pastel y mucho menos que estaría en una competencia tan importante.

“Es una experiencia inolvidable que me deja

gratos recuerdos, grandes compañeros, mucho aprendizaje y sobre todo poder sentir que tengo la capacidad como mujer de lograr los sueños que me proponga”, platica la cantante Yuri.

El programa contará con ocho episodios y cada semana podremos ver el talento culinario de estas celebridades, quienes demostrarán que son tan buenos en la cocina como en la música, la actuación y la comedia. Todos ellos competirán para ser coronados como el mejor repostero aficionado y dominar el arte de la repostería.

• Redacción

JULIÁN GIL

PRESENTE EN EL FESTIVAL DE CANNES El actor Julián Gil fue invitado a la gala de entrega de la 74ª edición del prestigioso Festival de Cannes, el evento cinematográficos más relevante del mundo.

El evento se celebra en Cannes, en la Riviera Francesa del 6 al 17 de julio.

En esta ocasión Julián participa de la mano de Cana Dorada Film Festival, de esta gran celebración, precedido por la llegada de las estrellas a la alfombra roja.

“Feliz por la invitación al prestigioso Festival de Cannes para reconocer, celebrar y rendir homenaje a todas las personas que hacen posible la industria cinematográfica, a nivel mundial. Gracias a mis amigos de Cana Dorada Film Festival por fomentar el cine y hacer posible una de las expresiones más representativas de nuestra riqueza cultural”, comenta Gil quien cuenta con una trayectoria de más de 15 películas, y ha producido varios largometrajes y cortometrajes.

El objetivo del Festival es fomentar el desarrollo del arte cinematográfico en todas sus formas, y crear y mantener un espíritu de colaboración entre todos los países productores de películas.

• Redacción

CO M P R

COMPETENCIA EN EL TALLER Dónde ver: HISTORY

22:40 hrs.

ER L L A T L E N TV ETENCIA E

ÓNICA IC A J E R A P EGRESA LA

DE LA

DESPUÉS DE 30 AÑOS del debut televisivo de la serie de los 90 Mejorando la casa, sus protagonistas Tim Allen y Richard Karn, regresan con un nuevo reality Competencia en el taller, donde retan a los mejores y más brillantes constructores de los Estados Unidos mientras compiten cara a cara para crear construcciones alucinantes, desafiando sus límites para fabricar los más grandes y poderosos inventos o darles nueva vida a los artículos domésticos cotidianos que necesitan una reparación.

Allen y Karn vuelven como presentadores al lado de la Youtuber April Wilkerson, experta en carpintería y metalurgia.

En cada uno de los diez episodios de esta nueva producción de History, llevará a cada concursante a sus límites mientras prueban su habilidad e ingenio no sólo para reconstruir, sino para hacerlo mejor.

Las construcciones son de todo tipo van desde un derretidor de hielo, un soplador de hojas doble para todas las estaciones del año y una cortadora de césped todo en uno, hasta un jacuzzi y una bicicleta para barbacoa, que no sólo empuja a cada constructor más allá de sus límites, también desafía a su reparador interno e inventor para construirlo más grande, mejor y más poderoso.

“Dicen que un amigo de toda la vida es alguien que responde con ‘Esta es, por lejos, la peor idea que has tenido’ pero afortunadamente, fue una gran idea trabajar con Richard. Me encantaron esos días haciendo Mejorando la casa, donde ambos compartimos un gran aprecio por las personas que pueden resolver un problema no hablando de él, sino haciéndolo con creatividad y asombrosas habilidades de construcción. Además, me da más tiempo para burlarme de su barba falsa”, confesó Allen.

• Redacción

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ALFONSO AGUIRRE

EJEMPLO PARA LA JUVENTUD

A

lfonso Aguirre es un joven de 26 años que ha logrado crear su propia marca, diferentes negocios y escribor el exitoso libro motivacional Imposible hasta que se hace, con el que consiguió ser Best-Seller en la primera semana de publicación en Amazon.

Cuenta con un Podcast donde motiva a la gente a ser mejores; desde sus propias experiencias da útiles consejos para una vida más organizada. ¿De dónde nace el ser empresario, motivador, escritor y las mil cosas que haces?

Todo parte de una frase que me repito todos los días: “Desayuna, come y cena tus proyectos”, lo he hecho desde que era estudiante y después en mi graduación lo confirmé todavía más.

Al día siguiente de mi graduación publiqué mi libro que ya había escrito un poco antes, ahorita estoy con mi marca que se llama By The Land, está creciendo y también se acaba de hacer viral.

Vienen otros proyectos como mi siguiente libro, aumentar mi podcast,entre otros proyecos… Entonces, dime por dónde empezamos. ¿De dónde nace la necesidad de hacer el libro Imposible hasta que se hace?

Nace a partir de muchísimas experiencias que tuve como estudiante. El libro empieza el primer día que entré a la universidad y termina el día de mi graduación, entonces ahí están encontrados del lado personal, muchos temas muy importantes mezclados con experiencia; es una memoria como storytelling. En este tipo de libros mientras vas conociendo la experiencia de alguien más te quedan muchos aprendizajes a ti como lector.

Esas experiencias de cuando estuve metido cien por ciento en mis actividades extracurriculares, también mis primeros dos intercambios, el primero fue Polonia, y al otro lado del mundo, Corea del Sur. Algo que definitivamente me inspiró muchísimo fue conocer historias de personas de mi edad que estaban haciendo y deshaciendo miles de proyectos porque me di cuenta que todos tenían demasiada pasión por lo que hacían y decía “¿Por qué esta misma energía no se siente en México?” y yo decía “Quiero transmitir esta misma energía”. ¿Cómo ser un buen creador de contenidos ante la saturación en las redes?

Uno, la constancia es importante, y dos, buscar hacer comunidad. En mi caso tengo una comunidad que empezó casi al principio de la pandemia que hay un libro que se llama El club de las cinco de la mañana y cuando empezó la pandemia apenas yo empezaba con Tiktok y decidí crear cómo hacer comunidad con base en el libro porque me di cuenta que el cambio de rutina me había afectado tanto que no podía solo y dije “Tengo que hacerlo en grupo, tengo una plataforma en la que puedo reunir o conectar con personas que pueden pensar un

poco similar a mí”, más otras cosas que también buscan sumar comunidad, como el podcast. El libro, creo que a diferencia de otros contenidos, es una manera de conectar muy especial y mucho más profunda que lucha contra esa saturación que comentabas. ¿Qué consejo das a los jóvenes que no saben qué estudiar?

Lo que recomendaría definitivamente es tratar muchas cosas porque a veces no sabes qué te gusta o también sólo estás en la casa sin hacer nada o viendo series, pero ves las series preocupado porque no sabes qué te gusta. Creo que es al contrario, cuando no sabes qué te gusta tienes que tratar todavía más cosas de las que parecen normales, porque no hay otra manera de saber si te va a gustar algo o no. | 55

Tener siempre un journal, un cuaderno, y practicar el journaling para contestar las preguntas personales y que si no te das cuenta de cómo estás nunca vas a poder tomar ese tipo de decisión. ¿Alfonso Aguirre en quién se inspira? Porque tú inspiras, ¿pero quién te inspira a ti?

Tengo dos listas, en una están las personas que me motivan, como Steve Jobs.

Todas estas figuras que hemos tenido todas las generaciones. Pero tengo mi lista también de personas que me inspiran muchísimo: una es Hillary Clinton, por el lado de luchar, hacer lo que tú crees que es lo correcto, me inspira y da mucha energía y confianza, que literal le ha pasado de todo y aun así ella sigue haciendo lo que ella cree.

Por otro lado, en la parte creativa, la parte empresarial, me inspira mucho Robert Iger el ex-CEO de Disney, porque creció en la empresa desde abajo y fundó Disney+, compró otras empresas como Marvel, Pixar y básicamente rescató a Disney. ¿Cómo vislumbras el contenido de las redes, hacia dónde crees que vaya?

Es difícil porque tienes que estar con la presión de que cada vez hay más plataformas o tipos de contenidos, sí requiere mucha organización. Desde mi perspectiva las personas van a ir quitando contenido que no les aporta, filtrando, porque siempre pasa que nuevo tipo de contenido y es renovación constante. Los creadores de contenido que se han mantenido, que son muy pocos, es porque siempre se han sabido renovar y adaptar. ¿Cómo te reinventas después de una situación como la del Covid-19? ¿A ti en qué te cambió?

Cambió mi rutina y mi enfoque de maneras muy drásticas, porque antes de la pandemia yo tenía una muy buena rutina que me gustaba mucho, me despertaba a las cinco, me iba a las seis, llegaba a mi oficina a las ocho o nueve, ahí tenía siempre las juntas con mi equipo presencial. Apenas estábamos armando todos los detalles de mi empresa; llega la pandemia y a partir del día uno no pude levantarme, ni siquiera a las cinco o a las seis, por eso tuve que abrir mi Club de las cinco, porque pasaron como dos o tres semanas que aunque me lo proponía no 56 |

podía, pero al mismo tiempo tenía otro reto que era el lanzamiento de mi empresa.

Me tocó lanzar dos semanas después de la pandemia, entonces estuve ocupado la mayor parte del tiempo, y en lo personal, pude aprovechar para crecer en redes sociales, mi contenido, y en mi empresa también; este abril cumplimos nuestra meta de estar rindiendo un millón al mes.

Fue decirme a mí mismo “vamos a ver qué no funciona ya de lo que hacías antes de la pandemia y has trabajo inteligente de las cosas que funcionan ahorita”. Fue una reconfiguración total. ¿Qué consejo darías a las personas que también vivieron esas situaciones en la pandemia, pero en cuestiones personales o económicas?

Tengo una creencia de que cada quien se hace su propio universo, al principio me preocupé pero después me di cuenta que también había muchas oportunidades, sobre todo ahorita con internet y en la parte de emprendimiento. Yo sé que hubo muchas pérdidas de empleo, en ese aspecto no tengo nada que decir porque ya depende de las empresas el tema de vacantes. Me da mucho gusto ver personas que a lo mejor ya creaban contenido pero cuando llegó la pandemia montaron sus propias empresas y sus propias marcas.

Un consejo muy puntual es darte cuenta en qué, para qué eres bueno, qué quieres hacer y escoger una idea y ejecutarla. ¿Qué viene para ti?

Viene un proyecto muy padre, mi primer libro fue publicado con Amazon en la versión digital e impresa, mi segundo libro gracias a redes sociales y en específico a Tiktok. Viene mi segundo libro en enero o febrero con la editorial más grande de México y la mejor de toda Latinoamérica. Va a ser un proceso diferente al primer libro pero ahora sí mucho muy en grande.

También un reto importante en mi empresa es crecer mucho más, vienen más productos, más equipo... y en la parte personal es seguir con redes sociales.

Estoy como @aguirrealfonso en Tiktok y en Instagram.

• Carlos Mora