CAMEO51

WWW.REVISTACAMEO.COM

CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA N. 51 · EDICIÓN DIGITAL

TESSA ÍA

EN CAFÉ CHAIREL, HABITA LA BELLEZA DE LO INVISIBLE

+ ENTREVISTAS ÉDGAR RAMÍREZ

JULIÁN CERATI

EDUARDO ESPAÑA

MÍA RUBÍN

ESPECIAL FICG FOTO MIGUEL CASCO

CONTENIDO EDGAR RAMÍREZ

8

JULIÁN CERATI

46

EDUARDO ESPAÑA

60

MÍA RUBÍN

68

ESPECIAL FICG 41

11 A 21

ALFONSO HERRERA

50

MARKIN LÓPEZ

62

MOTEL

70

TESSA ÍA

22

LOS TESTAMENTOS

50

CLAUDIO MORALES

63

LAURA PAUSINI

72

GERARDO OÑATE

26

HOMBRE A MEDIAS

52

LA LEYENDA DE LA NAHUALA

MONSIEUR PERINÉ

73

KABAH

76

ÁLEX UBAGO

78

ALEJANDRA HERRERA 28 LORENA VILLARREAL

LOS HIJOS DE LA COSTA

30

64

RIQUÍSIMOS... POR SIEMPRE NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN

54

MASTERCHEF

66

56

32

LI CHAM

34

ADRIÁN VÁZQUEZ

36

CARLOS MELÉNDEZ

40

NÚMERO 51

REVISTA CAMEO NOS GUSTA DIFUNDIR LOS PROYECTOS DE CINE, SERIES, TEATRO Y MÚSICA AGRADECEMOS EL MATERIAL FOTOGRÁFICO A LAS AGENCIAS DE RP Y A LAS DISTRIBUIDORAS.

15 DE MAYO-15 DE JUNIO AÑO 6 REVISTA MENSUAL DIGITAL

CORREO: cameo.revista@gmail.com REVISTA CAMEO

EDITORES: CARLOS MORA CARLOS AGUILLÓN COLABORADORES: ALEJANDRA LOMELÍ FRANCISCO JAVIER QUINTANAR POLANCO

REVISTA_CAMEO

ISSUU.COM/REVISTACAMEO

C

I

N

E

EDGAR RAMÍREZ

DESDE GUADALAJARA, CELEBRA SU CONEXIÓN CON MÉXICO

R E C U E N TO F I C G 41 FOTO CARLOS MORA

] G C I F T O R

E

C

U

E

N

1. FERNANDO EIMBCKE Y SUS MOSCAS La película inaugural de esta edición fue el más reciente trabajo de Fernando Eimbcke, intitulado sencillamente Moscas.

Por cuestiones formales y temáticas y exceptuando el hecho de estar filmada en formato digital; esta obra pareciese haber sido realizada justo después de que el cineasta debutó con su largometraje Temporada de patos en 2004, y por alguna razón se hubiera quedado congelada en el tiempo hasta el día de hoy.

[

L 6. LA INTERNACIONALIZACIÓN DEL CINE CHILENO Otro de los momentos cumbre en el FICG41 fue el protagonizado por el cineasta chileno Pablo Larraín y su hermano, el productor de cine y televisión Juan de Dios Larraín, quienes en 2004 fundaron su propia productora bautizada como Fábula. Los Larraín ofrecieron una Master Class en la cual compartieron con los asistentes sus experiencias y aprendizajes con dicha productora, y la importancia de la misma en el proceso de internacionalizar el cine de su país.

2. QUEERCIAÑERA El Premio Maguey, la sección del festival donde contienden largometrajes de ficción y documental nacionales e internacionales que abordan temáticas queer relacionadas con la comunidad LGBTQ+, cumplió 15 años de existencia. Por ello, en esta edición dicha sección se presentó bajo la temática Queerciañera, y se llevó a cabo un panel donde se subrayó la importancia de estos espacios, y de crear cine diverso que cuente historias las cuales visibilicen y permitan abrir un diálogo respetuoso y sensible con el público.

5. ACTUAR ES UN EJERCICIO DE EMPATÍA: ÉDGAR RAMÍREZ. El FICG se entregó al actor internacional Édgar Ramírez, para escuchar su clase magistral Actuar es un ejercicio de empatía. La conversación giró en torno a las experiencias del actor trabajando con cineastas como Olivier Assayas, Jaume Collet-Serra, Pablo Trapero y Steven Soderbergh entre otros. "La actuación me ha permitido poder confrontar y entender mis propias contradicciones del otro", aseguró.

3. MAITE ALBERDI Al ser Chile el país invitado en esta edición del festival, además de incluir en su programación una titánica selección de filmes provenientes de esa nación, se contó además con la presencia de realizadores chilenos quienes tuvieron oportunidad de acercarse al público asistente y compartir sus experiencias. Tal fue el caso de la cineasta Maite Alberdi, cuya presencia en el FICG41 fue exhaustiva. Recibió un reconocimiento por su trayectoria. Ofrecerió una clase magistral y presentó su más reciente trabajo, Un hijo propio.

LOS DIEZ 7.EL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO DE DARREN ARONOFSKY Otro de los momentos ansiados por los cinéfilos, fue asistir y escuchar las palabras de uno de los cineastas contemporáneos más reconocidos mundialmente: Darren Aronofsky. Su clase magistral intitulada Finding the language of a film la conversación fue un breve recorrido por los inicios de Darren como director, el desarrollo de su particular proceso creativo y la forma en que ha evolucionado su manera de contar historias.

10. ACTUAR DESDE LA FRAGILIDAD: LOLA DUEÑAS. Homenajeada con el Premio Maguey Trayectoria del FICG, la actriz Lola Dueñas impartió la clase magistral Actuar desde la fragilidad, la española abordó el cómo la sensibilidad y la vulnerabilidad funcionan como herramientas para la actuación, y cómo la vida cotidiana es fuente inagotable para la inspiración.“El momento en el que estás actuando es una especie de meditación casi, porque estás muy presente… más que luego en la vida, porque estás pendiente de todo” dijo.

4. LUISA HUERTAS: TÓMALO COMO QUIERAS La actriz fue objeto de un homenaje, recibiendo el Mayahuel de Plata al Cine Mexicano. Además, la artista asistió a la presentación de un libro dedicado a su vida y carrera, titulado Luisa Huertas: Tómalo como quieras, el cual reúne una selección de momentos e imágenes que permiten atestiguar la evolución de la actriz a lo largo de cada uno de sus trabajos. Editado y presentado por el director Roberto Fiesco.

MOMENTOS DEL FICG 41 El Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) 2026 pasó como un suspiro, pero dejó grandes películas, encuentros y momentos inolvidables. Aquí rescatamos diez de los más memorables.

Por Francisco Javier Quintanar Polanco

8. QUERIDA FÁTIMA Una de las películas que atrajo la atención de los asistentes al FICG41 fue Querida Fátima. El documental es la narración íntima y desgarradora de la historia de Fátima, una niña de 12 años quien fue brutalmente asesinada, y cuyos sus padres siguen haciendo protestas y esfuerzos para que se haga justicia y se castigue a los responsables. Una década de lucha que continúa y que resuena en una sociedad donde tristemente, los feminicidios siguen ocurriendo y la gran mayoría de las veces, los culpables permanecen impunes.

9. DESTINO DE GUERRERO: LA HISTORIA DE CARLOS SALCIDO Los apasionados del cine y el fútbol tuvieron también cabida en la edición 41 del FICG, con la proyección de Destino de Guerrero: La historia de Carlos Salcido, documental dirigido por Gonzalo Lamela. La película narra desde sus humildes orígenes en Ocotlán, Jalisco, hasta el momento en que se convierte en una leyenda del balompié nacional, buscando además mostrar al exjugador fuera de los reflectores. “No tengo una vida tan sencilla y, a veces, es difícil desnudarte un poquito; esa es la verdad” admitió el deportista.

[

R

E

C

U

E

N

T O

F

I

C

G

]

E

n entrevista con la Revista Cameo, durante su paso por el Festival Internacional de Cine en Guadalajara, el actor venezolano Edgar Ramírez dejó ver no solo el recorrido de su carrera, sino también las convicciones que han moldeado su manera de entender el cine, su relación con México, país que considera fundamental en su historia personal y profesional.

“México es el país de América Latina que mejor conozco. Vengo desde que tengo 19 años. Hubo una época en la que venía todos los años, sin falta. De hecho, la pandemia fue el periodo más largo que estuve sin venir”, compartió, evidenciando un vínculo que no se limita a lo laboral,

sino que se ha construido a lo largo de décadas de idas y vueltas, encuentros y aprendizajes.

Ese lazo, según explicó, fue determinante incluso en la decisión más importante de su vida: convertirse en actor. “Yo soy actor por un mexicano. Literalmente. Fue un mexicano quien me convenció de ser actor”, dijo con énfasis.

Ese mexicano es el escritor Guillermo Arriaga, a quien recuerda como la persona que vio en él una posibilidad que ni siquiera él mismo contemplaba en ese momento. “Yo estaba estudiando comunicación política, no vivía de la actuación. Hacía otras cosas. Y él me dijo: ‘deberías intentarlo’. Y yo pensé: bueno, cualquier cosa que pase será ganancia, pero no me voy a quedar con la duda”.

A partir de ahí, su camino se fue construyendo desde la curiosidad y la intuición, dos elementos que hoy sigue considerando esenciales en su oficio.

“Lo que me movía era no quedarme con el ‘qué tal si’. Eso es lo peor que te puede pasar. Prefería intentar y fallar que no hacerlo nunca”.

Ya consolidado como actor en una industria global, Ramírez ha encontrado en la producción una extensión natural de su inquietud creativa.

“Creo que el destino natural de cualquier actor curioso es producir. Llega un momento en el que quieres utilizar todo lo que has aprendido, todo lo que has visto, para empujar historias, para hacer que las cosas sucedan”, explicó.

Para él, esta nueva faceta

no se trata de controlar, sino de sumar: “Producir es conectar gente, es armar equipos, es tender puentes. Y en mi caso, esos puentes muchas veces pasan por México”.

Esa idea de conexión también atraviesa su visión del cine como un fenómeno colectivo. “El cine no es un oficio solitario. Todo lo contrario. Necesita de la mirada del otro. Si nadie lo ve, si nadie lo escucha, entonces no sucede. Es un acto profundamente comunitario”, afirmó.

“Siempre es la suma de muchas partes. El director, los actores, el equipo técnico… todos tienen una idea de lo que la película podría ser, pero al final siempre termina siendo algo distinto. Y la esperanza es que sea mejor de lo que cualquiera imaginó”.

EDGAR RAMÍREZ Y SU VÍNCULO CON MÉXICO En entrevista con Revista Cameo durante el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), el actor venezolano habló sobre su vínculo con México, su paso a la producción y su visión del cine.

Texto y fotos Carlos Mora

| 49 |9

] G C I F T O N E U C E R [

En ese proceso, reconoce, hay tanto incertidumbre como belleza.

“No hay fórmula. No existe una manera correcta de hacerlo. Eso genera mucha frustración, pero también mucha emoción.

Porque cada proyecto es una posibilidad nueva, un riesgo nuevo”.

La conversación también derivó hacia el carácter político del cine, un tema que Ramírez abordó con claridad. “En América Latina, todo está atravesado por lo político.

Nuestra vida está atravesada por lo público. Incluso cuando dices que no te interesa la política, ya estás tomando una posición”, reflexionó. Sin embargo, marcó distancia con el cine que busca imponer un mensaje directo: “A mí me aburren las películas propaganda. No me interesan. Yo me expreso políticamente desde mi lugar como persona. Si eso coincide con el proyecto, perfecto. Pero no creo que el cine tenga que ser panfletario”.

En cambio, defiende una idea del cine como detonador de historias más que como proveedor de respuestas. “El cine es una invitación a incomodarte, a interrogarte, a intentar

10 |

entender al otro. Para mí, lo más importante es eso: tratar de comprender incluso aquello que te resulta ajeno o difícil”.

Esa búsqueda de comprensión ha guiado muchas de sus decisiones como actor. “Me interesa analizar, entender las razones que pueden llevar a alguien a hacer cosas extremas, incluso terribles.

No para justificar, sino para comprender. Ese ejercicio es fundamental”.

Sobre su trabajo en set, Ramírez habló de la vulnerabilidad que implica actuar y de la importancia de la dirección en ese proceso. “El actor está en un lugar muy vulnerable. Está trabajando con sus emociones, con su cuerpo, con su intimidad.

Por eso es tan importante tener un director que sepa hacia dónde va, que tenga claridad, pero que también confíe en ti y te dé espacio para crear”.

También subrayó que la relación no es unilateral. “El actor tampoco tiene todas las respuestas. Es un diálogo constante. Hay que saber cuándo proponer y cuándo escuchar, cuándo avanzar y cuándo detenerse”.

Ramírez dejó entrever que su camino seguirá expandiéndose, posible-

mente hacia la dirección, aunque sin prisa. “Eventualmente va a pasar. Me interesa, claro. Pero quiero seguir aprendiendo. La producción es una gran escuela. Te enseña lo difícil que es levantar un proyecto, lo limitado que siempre es el tiempo, el dinero, los recursos”.

RECIBE HOMENAJE EN EL FICG Durante su discurso al recibir el premio Mayahuel Internacional, que reconoce su trayectoria artística, habló de México como un punto de referencia inevitable en su historia.

“México tiene un peso muy importante en el mundo hispanohablante. Es un centro de gravedad cultural y creativo. Además, es un país que ha recibido y sostenido a muchísimas personas”, dijo.

En ese sentido, no dudó en expresar su agradecimiento, particularmente pensando en la comunidad venezolana. “México ha sido un lugar donde muchos venezolanos han podido reconstruir su vida. Eso es algo que yo no puedo dejar de reconocer.

Siempre voy a estar profundamente agradecido con este país”.

] G C T O

F

I

KATE DEL CASTILLO

E

C

U

E

N

INICIA UNA NUEVA ETAPA COMO DIRECTORA

[

R

La mexicana presentó el cortometraje "Zumbido", su debut en la dirección, en el FICG, reafirmando su interés por contar historias propias.

D

Texto y fotos Carlos Mora

urante su participación en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), Kate del Castillo debutó como directora con el cortometraje Zumbido, una obra profundamente personal que marcó un parteaguas en su trayectoria artística.

Reconocida internacionalmente por su trabajo frente a las cámaras, la actriz mexicana ahora apuesta por contar historias desde otro lugar, uno más íntimo y creativo.

“No puedo sentarme a esperar a que suene mi teléfono. Tengo que hacer que las cosas pasen”, compartió durante su participación en el festival, dejando clara su postura frente a la industria.

Zumbido nace como una exploración emocional que, desde una mirada femenina, busca conectar con experiencias universales. Para Del Castillo, dirigir implicó enfrentarse a nuevas inseguridades, pero también a una libertad creativa distinta: “Las inseguridades no se van, solo se transforman. A veces estás arriba, a veces estás abajo… así es esto”.

Además de su debut como reali-

zadora, la actriz también forma parte del proyecto El viaje de Luciano, ampliando su presencia en esta edición del festival. En ambos trabajos, su interés por historias humanas, complejas y con un trasfondo social se hace evidente.

En entrevista con al Revista Cameo, Del Castillo habló también de los retos de levantar proyectos independientes: desde la falta de financiamiento hasta la necesidad de construir equipos comprometidos.

“La gente se sube al barco aunque no haya dinero. Eso es lo más valioso: las ganas de trabajar y la pasión por lo que hacemos”, afirmó.

Lejos de esperar oportunidades, la actriz ha decidido provocarlas. Su salto a la dirección no solo responde a una inquietud artística, sino a una necesidad de contar historias propias, sin intermediarios. “Si es algo que realmente quieres hacer, hay que ir hasta el fondo… incluso si te caes”, dijo con convicción.

Con Zumbido, Kate del Castillo no solo amplía su lenguaje creativo, sino que se suma a una generación de cineastas que buscan abrir nuevas narrativas dentro del cine mexicano contemporáneo. | 11

]

E

[

R

E

C

U

E

N

T O[

C F I N C G E

n el marco del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), Luisa Huertas presentó Tómalo como quieras, el libro escrito por Roberto Fiesco que recorre su trayectoria, en una conversación que se transformó en un repaso vivo de su oficio.

Lejos de la solemnidad, la actriz fue hilando recuerdos, posturas y aprendizajes que han definido una carrera sostenida en la disciplina y la curiosidad.

Huertas situó el origen de su vocación en la infancia, en el juego y en su temprana relación con el cine, mucho antes de tener contacto con el teatro. En ese momento, todavía sin nombrarlo como profesión, ya intuía su camino: “Yo voy a ser actriz”, recordó, evocando una escena familiar que terminó en aplausos y en una certeza que no abandonaría. Aquella intuición pronto encontró una dirección clara en la formación: “Yo sabía que para ser actriz… había que

estudiar, y estudiar mucho”, dijo, dejando ver que, desde el inicio, entendió el oficio como una práctica que exige rigor.

Esa idea se ha mantenido a lo largo de su trayectoria y se ha convertido en una de sus convicciones centrales. Para Huertas, el aprendizaje no tiene fin ni se agota con la experiencia acumulada: “Cada montaje es un aprendizaje… aprendes del director, de tus compañeros, de lo que hay que hacer y de lo que no”, explicó. En esa misma línea, lanzó una advertencia sobre uno de los mayores riesgos dentro de la actuación: la complacencia. “El actor que piensa que lo sabe todo… ya está empezando a cavar su tumba”, afirmó, con la contundencia de quien ha hecho del proceso una forma de permanencia.

Durante la charla, también abordó las diferencias entre los distintos medios en los que ha trabajado, aunque se mostró crítica ante la idea de separarlos de forma tajante.

“No creo que haya actuación de cine y actuación de teatro… la construcción del personaje es la misma”, señaló, insistiendo en que el trabajo de mesa, la relación con el director y la creación del personaje son el núcleo del oficio. Sin embargo, reconoció que cada lenguaje tiene sus propias exigencias: “El teatro necesita precisión… pero el cine necesita más precisión”, apuntó, aludiendo a las particularidades técnicas del trabajo frente a cámara.

Uno de los momentos más reveladores de su formación llegó con la radio, un espacio que transformó su manera de entender la actuación. En ausencia del cuerpo y la imagen, la voz se convirtió en el único vehículo posible: “No tienes otro recurso más que la voz… para hacer imaginar, emocionar, enojar al público”, compartió. Esa experiencia, dijo, fue determinante para descubrir nuevas capas del trabajo actoral y para entender la potencia de lo invisible.

Luisa H REIVINDICA LA LIBERTAD AL ACTUAR

Texto y fotos Carlos Mora

24 || 12

En el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), la actriz reflexionó sobre la actuación y su trayectoria al presentar "Tómalo como quieras", libro de Roberto Fiesco.

A esa construcción del oficio se suma una práctica que Huertas considera esencial: la observación. Más que reproducir conductas, el actor, según su visión, debe mirar con atención el mundo que lo rodea. “Los actores tenemos que ser muy observadores… espiar actitudes”, explicó, al tiempo que recordó cómo muchas de sus decisiones en escena parten de detalles aparentemente mínimos. En una de las anécdotas que compartió, habló de cómo observar la manera en que comen los

campesinos —utilizando la tortilla como herramienta— le permitió construir un gesto específico para un personaje: una acción cotidiana convertida en signo escénico.

Frente a la idea de métodos rígidos o fórmulas universales, su postura fue clara y reiterativa: “No hay recetas ni en teatro ni en cine”. En cambio, propuso una ética del trabajo basada en la entrega y la colaboración: “La receta es entregarte al personaje, conocer la pieza, platicar con tu director y hacer equipo”, dijo,

subrayando la importancia del proceso colectivo en la construcción de cualquier proyecto.

La conversación también dejó ver otras dimensiones de su vida, particularmente su vínculo con el trabajo comunitario y su interés por el arte como herramienta de comunicación más allá del escenario. En ese contexto, recordó experiencias en las que el lenguaje verbal no era suficiente y donde el cuerpo, la música y la pantomima se volvieron esenciales para conectar con otros.

Así, la presentación de Tómalo como quieras se convirtió en algo más que el lanzamiento de un libro: fue la exposición de una manera de entender la actuación como una práctica viva, en constante transformación, donde el aprendizaje, la observación y la entrega no son etapas, sino condiciones permanentes.

En palabras de la propia Huertas, el oficio no admite certezas definitivas, sino que se construye todos los días, en cada ensayo y cada escena.

Huertas

| 25

| 13

] C F I N C G E T O[ N E U C E R [

B

illy Rovzar, productor, fundador y CEO de Lemon Studios, presentó en el marco del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) un ambicioso plan de expansión para la industria audiovisual en Jalisco, que contempla la producción de alrededor de 20 películas en los próximos cinco años, con cuatro rodajes anuales como meta principal.

El anuncio se realizó junto a autoridades estatales y la productora Irreversible Pictures, como parte de una estrategia que busca posicionar a Jalisco no solo como sede de filmaciones, sino como un centro de producción permanente dentro de la industria cinematográfica mexicana.

De acuerdo con el plan, los primeros tres proyectos comenzarán rodaje en el segundo semestre de 2026: Papá en la Luna, protagonizada por Jaime Camil y Claudia Álvarez; No eres tú, soy yo, con Angelique Boyer y Sebastián Rulli; y Matadero, una película de terror encabezada por Roberto Duarte. Las producciones se filmarán entre Guadalajara y Puerto Vallarta, además de locaciones como Tapalpa, Mazamitla, Chapala y la costa jalisciense.

Durante su intervención, Rovzar explicó que la iniciativa surge de una lectura crítica sobre el estado actual de la industria audiovisual, tanto en México como a nivel global. Señaló que uno de los principales problemas ha sido la disminución del cine tradicional frente al 24 || 14

crecimiento de las plataformas digitales.

“Las plataformas hicieron muchísimo contenido, pero el cine para cine se dejó de hacer”, afirmó. “Eso provocó una brecha importante en la producción, en la identidad del cine como experiencia colectiva”.

El productor también destacó otro factor clave: la falta de infraestructura de apoyo fuera de la Ciudad de México, lo que ha concentrado históricamente la producción en la capital del país.

“Las filmaciones se fueron centralizando, y eso dejó muchas regiones sin actividad cinematográfica constante. Hay talento, hay locaciones, pero no siempre hay industria”, señaló.

En ese sentido, Rovzar aseguró que el proyecto con Jalisco no se limita a atraer rodajes, sino a construir una estructura sostenida en el tiempo.

“No se trata de venir, filmar y regresar. La idea es quedarnos aquí, hacer industria aquí y generar un ecosistema completo”, dijo.

“Hay que descentralizar la producción de la Ciudad de México, porque México es mucho más que un solo punto de producción”.

El productor subrayó además que el estado de Jalisco ofrece condiciones ideales para desarrollar una industria cinematográfica sólida, gracias a su diversidad geográfica y a la apertura institucional.

“Cuando un estado te abre las puertas, lo primero que ves son sus locaciones.

Y Jalisco tiene una versatilidad enorme: ciudad, montaña, costa, pueblos mágicos. Es prácticamente un set natural”, explicó.

B I L L Y

R O V Z A R

IMPULSA A JALISCO COMO NUEVO EJE DEL CINE EN MÉXICO El productor mexicano anunció un plan con Lemon Studios para realizar 20 películas en Jalisco en cinco años, con el objetivo de descentralizar la producción cinematográfica en México.

Texto y fotos Carlos Mora

Rovzar también destacó la importancia del respaldo gubernamental para que el proyecto pueda consolidarse. Afirmó que la colaboración entre iniciativa privada y autoridades es fundamental para el crecimiento del sector.“Es muy difícil financiar películas. Cuando un gobierno entiende eso y abre las puertas, se vuelve un detonador importante para toda la economía creativa”, comentó.

En ese sentido, explicó que la inversión en cine no solo tiene impacto cultural, sino también económico.

“Cada peso invertido en una producción puede generar hasta siete pesos de derrama económica. Eso significa hoteles, transporte, servicios, empleo local.

Es un efecto multiplicador muy potente”, detalló.

El productor agregó que uno de los objetivos centrales del proyecto es convertir a Jalisco en un referente nacional de innovación audiovisual.

“Queremos que esto no sea un esfuerzo aislado, sino el inicio de una nueva etapa. Que Jalisco no solo sea un lugar de rodajes, sino una capital del cine en México”, dijo.

Finalmente, Rovzar enfatizó que la meta de cuatro películas por año representa un reto logístico importante, pero también una oportunidad para consolidar una nueva | 25 etapa de la industria.

“Si un año hacemos tres en lugar de cuatro, no pasa nada. Lo importante es que esto arranque y que se mantenga. Lo que estamos construyendo es a largo plazo”, concluyó. | 15

] G C R

E

C

U

E

N

T O

F

I

CELESTINO: EL SALTO A LA FICCIÓN DE HANS BRYSSINCK

[

E

Texto y fotos Carlos Mora

l artista belga Hans Bryssinck pre- historia nace en tierras latinas, pero el prosentó Celestino, su primer largoceso de desarrollo y la realización suceden metraje de ficción, en el pasado aquí. Y eso cambia todo”, comentó.

Festival Internacional de Cine Bryssinck señaló que desde el inicio fue en Guadalajara (FICG), una obra importante encontrar un puente con el que, desde su mirada extranjera, público mexicano. “Era fundamental para se adentra en los pliegues de la mí no hacer una mirada distante, sino inidentidad, la extrañeza y la construcción tentar entrar en diálogo con la cultura, con de lo cotidiano en México. sus símbolos, con sus formas de narrar el La historia sigue a Iván, un periodista mundo”, dijo. extranjero que llega al país para tomar un En ese sentido, el cineasta también reaño sabático. Sin embargo, su descanso se flexionó sobre su condición de extranjero transforma cuando encuendentro del proceso creativo. tra la cartera del escritor “Hay algo interesante en ser El artista belga Celestino Pérez, un hallazgo un elemento extraño dentro debuta en ficción aparentemente fortuito que de una cultura. A veces eso en el FICG con una termina convirtiéndose en te permite ver cosas que historia rodada una obsesión. A partir de desde dentro ya se dan ahí, decide seguir las huellas por sentadas. Y creo que la en México sobre del autor hasta llegar a una película también habla de la extrañeza de casa enigmática en Tianeso: de la familiaridad y la lo cotidiano y guistengo, Hidalgo, donde la extrañeza conviviendo en el un misterio en realidad comienza a volverse mismo espacio”.

Hidalgo. cada vez más difusa.

Uno de los aspectos “Es mi ópera prima de centrales de la película es ficción, pero no mi primera su atmósfera, que oscila obra”, explicó Bryssinck. “Yo vengo de las entre lo realista y lo onírico, sin caer en una artes escénicas y del audiovisual, pero no definición cerrada del género. Bryssinck había hecho un largometraje. Y hacerlo explicó que su interés no era construir una aquí, en México, también marca complefantasía evidente, sino trabajar con una tamente la forma en la que se construyó lógica más ambigua. todo”.

“Me interesa mucho ese punto donde El director, que lleva más de una década lo cotidiano empieza a volverse extraño, viviendo en el país, destacó que el origen pero sin que se rompa completamente la del proyecto tiene raíces en distintas realidad”, señaló. “No es magia como tal, geografías, pero su desarrollo creativo sino una percepción alterada de lo que ya está profundamente ligado a México. “La conocemos”.

16 |

El director también hizo referencia a las influencias del realismo mágico y del surrealismo, aunque aclaró que su aproximación es más sensorial que literaria. “Vengo de Bélgica, donde también hay una tradición surrealista, y luego viví en Colombia, donde conecté con el realismo mágico desde la literatura. Pero en cine es distinto, porque no se trata de explicar lo mágico, sino de hacerlo sentir”.

La producción de la película también reflejó ese espíritu independiente. Con un equipo reducido y una logística contenida, el rodaje se desarrolló principalmente en una sola locación en Tianguistengo, Hidalgo, un pueblo que el director describe como “suspendido en el tiempo”.

“Es un lugar con una historia muy particular”, explicó. “Está sobre el antiguo camino real, tuvo mucha vida económica en otro momento, y luego quedó como en pausa. Esa sensación de suspensión era muy importante para la película”.

En cuanto al elenco, el director destacó el trabajo con actrices

con quienes el proyecto se fue construyendo a lo largo del tiempo. En particular, habló de Martha Claudia Moreno, con quien inició una colaboración hace años y que terminó siendo una pieza clave en el desarrollo de los personajes.

“Fue un proceso muy largo.

Con ella empezamos a imaginar el proyecto desde hace casi una década. Y eso genera una confianza muy especial”.

También destacó la incorporación de otras intérpretes en un proceso de casting que fue evolucionando durante la propia gestación del guion. “No era solo encontrar personajes, sino encontrar personas con las que realmente pudiera haber una conexión humana”, explicó.

Finalmente, Bryssinck señaló que el siguiente paso para la película es encontrar distribución en México, un país que considera fundamental para su recorrido.

“Es una película hecha desde afuera, pero profundamente mexicana en su interior. Y me interesa mucho que encuentre aquí a su público”, concluyó.

| 17

] C F I N C G E T O[ N E U C E

DEFIENDE UN CINE SIN FRONTERAS

[

R

FERNANDO EIMBCKE Con "Moscas", el director mexicano vuelve al FICG con una mirada infantil que transforma lo cotidiano en una experiencia universal.

Texto y fotos Carlos Mora

E

Texto y foto Carlos Mora l cineasta mexicano siempre se traducen, pero Fernando Eimbcke cuando encuentras algo regresó al Festival universal, la película puede Internacional de Cine llegar a cualquier lugar”. en Guadalajara con En Moscas, esa univerMoscas, su nueva película salidad parte de la mirada protagonizada por un niño de un niño, un recurso de nueve años y contada que le permite explorar desde una perspectiva emociones complejas inocente que retoma los desde la sencillez. “Ver a temas característicos de su los personajes desde su filmografía: la infancia, la nivel, acompañarlos, no soledad y la observación de juzgarlos, es fundamental. lo cotidiano.

La cámara tiene que estar Durante su presencon ellos”, explicó. tación, el director habló El humor también vuelsobre la intención de ve a ser una herramienta construir una historia proclave en su narrativa. “El fundamente íntima pero humor permite acercarse con resonancia global. “Me incluso a lo doloroso desde interesa hacer un cine que otro lugar”, señaló el direcpueda viajar, que se pueda tor, quien ha hecho de este ver en Alemania, en Esparecurso uno de los sellos de ña, en Chile o en México”, su estilo. comentó. Para Eimbcke, el A más de dos décadas reto está en lograr que una de trayectoria, Eimbcke historia local conecte con reconoció los cambios distintas culturas: “Hay cotecnológicos en el cine, sas muy específicas que no pero aseguró que lo 18 |

esencial permanece. “Las herramientas han evolucionado muchísimo, pero lo importante sigue siendo el equipo, muchas veces gente joven que aporta frescura”, dijo.

El realizador también defendió la experiencia colectiva del cine en salas, especialmente en el contexto de festivales como el FICG. “Ver una película con público, compartirla, sigue siendo algo muy especial.

Es una experiencia distinta a verla en casa”, afirmó.

Finalmente, destacó el proceso de trabajar con niños actores, un desafío que considera enriquecedor. “Trabajar con niños es un aprendizaje constante, implica encontrar formas distintas de dirigir, pero también le da una autenticidad muy especial a la historia”, concluyó.

Con Moscas, Fernando Eimbcke reafirma su interés por contar historias pequeñas en apariencia, pero capaces de resonar en cualquier parte del mundo.

] G E

C

U

E

N

T O

F

I

C

MANDARINA CINE CELEBRA 10 AÑOS DE HISTORIAS

E

[

R

La casa productora presentó el libro "Mandarina Cine: 10 años de historias por contar", que reúne 90 testimonios sobre el cine mexicano y destaca el trabajo colaborativo, la diversidad de voces y el impulso a nuevas miradas en la industria.

Texto y fotos Carlos Mora

l libro Mandarina Cine: 10 años de historias por contar reúne cerca de 90 testimonios que trazan una radiografía amplia y diversa del cine mexicano contemporáneo, en una celebración por la primera década de la casa productora y distribuidora. La publicación fue presentada en el marco del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG41), donde se destacó su carácter colectivo y su mirada hacia las múltiples voces que construyen la industria.

Durante la presentación, la productora Gabriela Gavica subrayó la filosofía que ha guiado a la compañía desde sus inicios: “El cine es el arte colaborativo por excelencia”, afirmó, al destacar la importancia del trabajo en equipo dentro de todas las etapas de una película, desde la preproducción hasta la exhibición.

El libro surge también de la necesidad de Mandarina Cine de impulsar historias con nuevas miradas y con personajes poco representados en la pantalla tradicional. En palabras de sus creadores, la casa productora se concibe como un sistema de engranajes que colabora con otras productoras para fortalecer la filmografía nacional.

Uno de los aspectos más destacados de la publicación es que dos terceras partes de los testimonios corresponden a mujeres dentro de la industria cinematográfica, lo que refuerza una perspectiva más amplia e incluyente del quehacer fílmico en México. En ese contexto, la productora Mónica Lozano compartió una reflexión que se incluye en el libro: “El cine se aprende en 100 lecciones, pero es una por año y nadie termina el curso completo”.

El evento contó también con la participación de Carlos Hernández Vázquez, socio fundador de Mandarina Cine; la actriz Martha Claudia Moreno y el periodista Edgar Apanco, quienes coincidieron en la relevancia de documentar la experiencia colectiva de una década de trabajo.

Gavica también enfatizó que el cine de la compañía ha buscado acercarse a las historias humanas y a la vulnerabilidad de sus personajes, lo que ha permitido abrir espacio a nuevas voces, especialmente femeninas, dentro de la industria.

Con esta publicación, Mandarina Cine no solo celebra su trayectoria, sino que también ofrece un testimonio coral sobre el cine mexicano contemporáneo, sus desafíos, sus transformaciones y las múltiples voces que lo han construido durante la última década. | 19

] G C I F T O N E U C E R [

E

n una edición particularmente significativa del Festival Internacional de Cine en Guadalajara 41, el reconocimiento a Mejor Interpretación fue otorgado a Oustin de León por su trabajo en Soy Mario, una película que aborda la historia de un hombre trans que atraviesa el proceso de su propio embarazo. Una propuesta narrativa íntima, desafiante y profundamente humana que encontró en su protagonista una interpretación de gran sensibilidad y fuerza contenida.

El premio coloca a De León en el centro de una conversación más amplia sobre representación, identidad y nuevas narrativas dentro del cine contemporáneo latinoamericano, donde las historias trans comienzan a ocupar espacios cada vez más visibles en festivales de prestigio.

El actor compartió la emoción del reconocimiento con palabras que reflejan tanto la sorpresa como la importancia del momento: “No me la creo, gracias al FICG por abrirnos las puertas, nuestras historias merecen ser escuchadas. Gracias a Sharon (Kleinberg, la directora) por mirarnos, esta película se hizo con mucho amor y pasión”, expresó Oustin de León, aún conmovido tras recibir el galardón.

Su interpretación en Soy Mario ha sido descrita dentro del circuito del festival como una construcción actoral profundamente orgánica, donde el personaje no se impone, sino que se revela desde la fragilidad, la duda y la transformación interna. La película encuentra en su actuación un eje emocional que sostiene gran parte de su narrativa.

Más allá del reconocimiento 20 |

FICG PREMIA A OUSTIN DE LEÓN POR “SOY MARIO” El actor ganó en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara por su papel, donde interpreta a un hombre trans en embarazo, y celebró el reconocimiento.

Texto y foto Carlos Mora

técnico, el papel de De León ha sido interpretado como una declaración artística y social, en la que el cine funciona como espacio de visibilización y cuestionamiento de estructuras tradicionales de género.

“Como sociedad es importante que abramos nuestra conciencia, nuestra mente y cuestionemos aquellas creencias que nos enseñaron desde chicos de lo que significa ser hombre, ser mujer y que abramos nuestra mente para poder abrazar la integración de la masculinidad y la feminidad en una misma persona”, reflexionó, subrayando el trasfondo conceptual de la película.

La directora Sharon Kleinberg también destacó la intención del proyecto como un ejercicio de empatía y transformación cultural: “Espero que Soy Mario nos ayude a dejar de juzgar, a hacernos más empáticos, abrazar a las diferencias y reconocer que las identidades son únicas”, señaló la cineasta, enfatizando el propósito emocional y social de la obra.

Dentro del festival, la interpretación de Oustin de León ha sido celebrada por su capacidad de sostener un personaje complejo sin caer en excesos dramáticos, apostando por una actuación contenida que permite que la emoción surja de lo cotidiano y lo humano. Esa sutileza ha sido uno de los elementos más comentados por la crítica especializada.

El reconocimiento a Mejor Interpretación en el FICG 41 no solo celebra un logro individual, sino que también marca un momento relevante para las narrativas trans dentro del cine latinoamericano, donde historias como Soy Mario comienzan a ocupar un lugar central en la conversación cultural.

] G C [

R

E

C

U

E

N

T O

F

I

EL DESPERTAR PRESENCIA COLOMBIANA Y CINE DE GÉNERO Federico Durán aborda la compleja realización de una producción marcada por retos creativos y cambios de ruta.

Por Carlos Mora

E

Texto y foto Carlos Mora l despertar, la Durán recuerda que el película colombiaproyecto comenzó a gesna presentada en tarse desde 2015, tras el el Festival Interéxito previo de El páramo. nacional de Cine La expectativa por una en Guadalajara (FICG 41), nueva obra de terror era como una de las propuesalta, pero el camino no fue tas más ambiciosas del inmediato ni sencillo. cine fantástico latinoame“Después de El páraricano reciente. El thriller mo, mucha gente nos de terror, codirigido por pidió hacer otra película.

José Luis Rugeles, Federico Pero Jaime, por temas de Durán y el fallecido Jaime salud y también de interés Osorio Márquez, sigue a creativo, quiso alejarse un una unidad militar enviada tiempo del terror”, explica. a la selva para ejecutar una Años después, el propio misión, pero que termina Osorio Márquez volvió con enfrentándose a fuerzas una nueva idea. “En 2015 ancestrales en el territorio me llamó y me dijo: ‘ya conocido como “Mobuya”. tengo una idea para hacer En conversación, Fedealgo nuevo de terror’. Nos rico Durán —co-creador, reunimos, la empezamos codirector y productor— a desarrollar y entendimos detalla el largo y complejo que esto no era una pelícuproceso de una producción la convencional”. que atravesó cambios La ambición del proyecindustriales, crisis persona- to obligó a replantear su les y una reconfiguración estructura desde el inicio: creativa profunda.

“Necesitaba una financia-

ción gigantesca. En ese momento dije: esto no se puede levantar como una película tradicional. Hagámoslo como una serie”.

Así nació una “biblia” de más de 150 páginas que expandía el universo narrativo. El proyecto avanzó con un socio financiero, pero el contexto cambiante —incluida la pandemia— alteró la ruta original. Cambiaron, las corporaciones dejaron de entender qué era exactamente el proyecto y empezaron a pedir otras cosas”, recuerda.

A ello se sumó el deterioro de la salud de Osorio Márquez, lo que añadió una dimensión humana compleja al proceso.

“Jaime estaba desgastado por una enfermedad que lo acompañó durante más de 12 años. Hubo momentos muy difíciles, mucha presión por cambiar el proyecto”.

En medio de ese escenario, incluso se llegó a contemplar la decisión más difícil. “Finalmente Jaime decide someterse a la eutanasia. Y la obra quedó

un poco truncada en ese momento”.

Sin embargo, Durán destaca que el proyecto logró ser recuperado como una obra póstuma fiel a su visión original.

“Logré demostrar que era su obra. Encontramos caminos con los socios y recuperamos el dominio creativo para terminarla como él la pensó”.

Durán también se involucró activamente en la escritura y dirección junto a los guionistas.

“Yo no entraba a imponer cortes, sino a proponer soluciones. Decía: esto es un reto grande, pero vale la pena intentarlo así”.

Su rol híbrido le permitió dialogar directamente con la dirección en el set.

“Estaba todo el tiempo en rodaje. A veces resolvíamos escenas juntos en el momento, viendo lo que faltaba o cómo completar una secuencia”.

Para él, ese intercambio fue clave: “Yo soy productor, pero con un corazón muy creativo. Me involucro mucho en el proceso”. | 21

FOTO MIGUEL CASCO

[

C

I

N

E

]

Tessa Ía Y LA INTIMIDAD EMOCIONAL EN CAFÉ CHAIREL En entrevista con Revista Cameo, la actriz reflexiona sobre la película de Fernando Barreda Luna, donde una joven marcada por la distancia emocional se transforma a través de un vínculo inesperado.

Mauricio Isaac, Leo Deluglio y el director hablan del filme.

L

a actriz encuentra en Katia, su personaje en Café Chairel, un reflejo de una versión anterior de sí misma, marcada por la distancia emocional y la necesidad de resguardo. “Me relaciono mucho con ella en una etapa anterior de mi vida, tal vez más adolescente, más cerrada, con más muros ante la vida, no confiando tanto”, comparte la actriz sobre la cinta dirigida por Fernando Barreda Luna.

Desde ese lugar, el personaje se convierte en un tránsito íntimo, casi imperceptible, hacia la apertura. “Es muy bonito poder sentirme cómoda con la piel de este personaje y, junto con ella, experimentar la apertura de su corazón. No es algo planeado, simplemente sucede

Por Carlos Mora a través de la interacción con Alfonso”, añade, evocando un proceso emocional que se despliega en silencio, como el propio universo de la película.

Tessa Ía describe a su personaje como una joven que carga con heridas internas y una necesidad urgente de detenerse. “Es una chica que está un poco trabada con cosas y tiene necesidad de esta pausa en su vida para restablecerse, acomodarse y seguir el camino. No es un road trip, no es una aventura que avanza muchas cosas, sino una pausa. Y hay muchísimo aprendizaje en esa pausa”.

En la película, mi personaje llega a un pequeño café como cliente y termina quedándose como asistente de Alfonso (Mauricio Isaac), un hombre que decide abrir un negocio de café de especialidad sin saber absolutamente nada del oficio, ni siquiera cómo preparar una

taza sin diluirla por completo en leche. Entre ambos surge una convivencia marcada por el choque de personalidades, los silencios incómodos y una tensión emocional que poco a poco se transforma en cercanía.

Para ella, lo más poderoso del proyecto es precisamente su contención emocional. “Es muy bonito porque no es una cosa que esté forzada. Katia se va ablandando, se va conociendo a sí misma, crece, retoma las cosas que le gustan, retoma un poco su camino”, explica. “Es muy bonito centrarnos en una pausa, porque en esa pausa hay muchísimo aprendizaje”.

NARRAR HISTORIAS DESDE OTROS TERRITORIOS La intérprete también conecta la historia con una reflexión más amplia sobre el cine hecho en México fuera de los centros habituales de producción. | 23

] E N I

CAFÉ CHAIREL

[

C

Distribución: Benuca Films

“Estoy totalmente de acuerdo con descentralizar el cine. Nuestro país es tan vasto y tan diferente en cada rincón que hay muchísimas más historias que contar. Como público también lo pido. Queremos ser representados no solo como un pequeño grupo citadino”, afirma. Durante el rodaje, añade con una sonrisa, “amé Tampico, amé los mapaches”.

Para ella, esa búsqueda de nuevos territorios también es parte de una transformación necesaria en la industria.

“Las historias se enriquecen muchísimo más cuando salen de los mismos lugares de siempre. Nuestro país es enorme, y hay que mirarlo completo”, sostiene.

Esa experiencia en locación refuerza la dimensión emocional del proyecto, 24 |

donde el entorno también se convierte en parte del relato.

En ese mismo universo, Mauricio Isaac interpreta a Alfonso, un personaje que intenta sostenerse emocionalmente desde la ligereza, incluso cuando carga con una pérdida profunda.

“Encontré en Alfonso cosas que tengo en mí. Esta forma de tratar de sobrepasar el dolor aligerando las cosas, pero desde una forma muy legítima. No es evasión, es encontrarle sentido a la vida desde la bondad, la sonrisa, la alegría”, explica el actor.

El actor destaca que, conforme avanza la historia, el trasfondo emocional del personaje se vuelve más evidente. “Te das cuenta de lo que le está ocurriendo y eso lo vuelve todavía más importante. Es una película que es un abrazo, es muy

humana, son sentimientos que a mí me gusta experimentar como espectador”.

Para el histrión, la conexión con el proyecto fue inmediata, no solo por el guion, sino por el equipo y el entorno. “Encontré una conexión inmediata con Fernando, con Tessa, con Leo, y con Tampico, que no conocía. Es una ciudad con mucha nostalgia, muy hermosa, me enamoré de esa región”.

Por su parte, Leo Deluglio, quien también forma parte del elenco, destaca el carácter introspectivo de su personaje, construido desde la contención emocional.

“Es una cuestión muy hacia adentro, muy sensible. Es difícil ver personajes que se guardan lo que les pasa.

Aquí es al revés: no se muestra todo, se respira, se observa”, explica.

FOTO MIGUEL CASCO

Para él, la experiencia fue especialmente valiosa porque le permitió trabajar desde la naturalidad y la escucha.

“Soy esa persona, entonces pude usar cositas mías para el personaje. Se agradece cuando no tienes que hacer tantas fuerzas como actor, sino más bien respirar, observar a los compañeros, al director, y conectar desde ahí”, añade.

NUEVOS TERRITORIOS DEL CINE Dirigida por Fernando Barreda Luna, Café Chairel parte de una obra japonesa previa que fue adaptada al contexto mexicano y profundamente vinculada a Tampico, ciudad natal del director.

“El guion es una construcción a partir de una obra de un amigo japonés. La fuimos adaptando a México y a mi ciudad natal.

Tenía ganas de filmar en Tampico, pero no iba a forzarlo si no encontraba las locaciones. Afortunadamente, las encontramos todas”, explica.

Uno de los elementos más importantes de la película es el agua, presente de forma constante tanto en los espacios naturales como en los interiores. “Tampico está rodeado de agua: ríos, lagunas, el mar. Incluso dentro de la casa hay elementos con agua,

como la pecera o la regadera. Es un elemento sanador, purificador, que atraviesa la historia”, señala el director.

Barreda también subraya la importancia de filmar fuera de los centros tradicionales de producción en México. “Todo el tiempo te ofrecen el mismo catálogo de locaciones en la Ciudad de México. Era importante encontrar algo fresco. Sí, es más costoso, pero si tienes buena logística puedes aprovechar mejor los días de rodaje. Vale la pena si quieres contar una historia honesta y única”.

En ese sentido, el fimle se construye como una historia donde el café funciona como hilo conductor y metáfora de conexión humana. “El café no es solo un elemento, es otro personaje”, dice Mauricio Isaac. “Une a los personajes, los conecta.

Es lo primero que haces en el día, lo que te despierta al mundo”.

Entre silencios, choques emocionales y pequeñas rutinas compartidas, la película explora cómo dos desconocidos pueden encontrarse en la fragilidad del otro. Sin grandes giros ni estridencias, Café Chairel apuesta por la intimidad, la nostalgia y la posibilidad de sanar en compañía, incluso cuando las palabras sobran. | 25

] E N I C [

“

GERARDO OÑATE EXPLORA LO OSCURO EN EL RITUAL DEL NAHUAL

El Ritual del Nahual” se inscribe en ese territorio del cine mexicano donde el folclor, el miedo y la imaginación se cruzan para dar forma a un universo que desborda lo real. La película sigue a Gabriel, interpretado por Gerardo Oñate, un forajido herido que encuentra refugio en una comunidad marcada por un hecho inquietante: el asesinato de niños encontrados sin dientes. Mientras un agente federal, interpretado por Gerardo Trejoluna, intenta esclarecer los crímenes, algo antiguo y oscuro comienza a manifestarse, una fuerza mística, mitad hombre y mitad bestia, que impone una justicia que no responde a ninguna ley humana. La cinta, hablada en español y lengua tének, se mueve entre el thriller policiaco y el folk horror, construyendo un territorio donde lo sobrenatural parece no solo posible, sino inevitable.

Oñate recuerda que el impulso de crear también vino de la necesidad de encontrar otras formas de narrar. “En cuanto empecé a actuar, también decidí convertirme en guionista. Creo que fue un proceso medio 26 |

El actor y guionista habla en entrevista con Revista Cameo sobre la creación de su personaje, el trabajo colectivo del guion y las raíces del folk horror mexicano en la película.

Texto y foto Carlos Mora natural, porque encontraba cosas que no me sumaban en guiones ajenos”, explica.

“Entonces dije: bueno, me voy a dar la oportunidad de ponerme a prueba y equivocarme, porque de los errores se aprende. En ese sentido, empecé a buscar historias que hablaran más de lo que yo pienso, de lo que siento, de lo que reflexiono. Pero también para darme personajes que no encontraba allá afuera. Uno de esos es Gabriel”.

La construcción del proyecto, dice, fue un proceso colectivo desde el inicio.

“La colaboración que tuvimos para crear la historia y eventualmente escribir el guion con muchísimas manos, opiniones, ideas y referencias es lo que terminó convirtiéndose en la película”, comenta. “Yo escribía desde siempre, desde niño, aunque no me había dado cuenta.

Mi mamá me contó hace poco que yo hacía cuentos,

incluso de series como Los Simpson o Expediente X. Desde ahí ya había una atracción por escribir para el cine”.

El origen de la historia también está ligado a una necesidad de territorio y comunidad. “La inspiración surge precisamente en una comunidad que necesita protegerse. La primera opción era hacerlo en Michoacán, pero cuando llegamos a San Luis dijimos: aquí también se puede, aquí también se vale. La cultura tének y la Huasteca como escenario, locación y personaje nos quedaron como anillo al dedo”, explica.

En la película, la mirada del espectador también juega un papel central.

Oñate señala que uno de los objetivos fue construir una narrativa que apelara a la inteligencia del público.

“Queríamos que la audiencia estuviera descubriendo constantemente, como en un buen thriller policiaco.

EL RITUAL DEL NAHUAL Distribución: Cinemex Distribución

No solo es folk horror o fantasía, también hay un componente de investigación. Ese proceso nos permitió acompañar a Vicente, el personaje que llega a entender qué está pasando, y al mismo tiempo invitar al espectador a descubrirlo con él”.

El acercamiento al género del terror, lejos de ser un obstáculo, fue un espacio de libertad creativa. “Me encanta el terror. En México vivimos con un realismo mágico constante, permanente. Todas nuestras historias tienen un componente fantástico, y eso me parece muy apropiado, muy familiar”, dice. “La relación que tenemos con la muerte, con las creencias y las tradiciones hace que la conexión sea mucho más rápida. Es mucho más fácil transmitirlo”, afirma.

¡AHORA TAMBIÉN EN LA WEB!

www.revistacameo.com

DALE CLICK

CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA

] E N I C [

L

a actriz interpreta a Isabel en El Ritual del Nahual, película mexicana de terror folclórico dirigida por Carlos Matienzo, donde un agente federal investiga una serie de asesinatos infantiles en una comunidad aislada atravesada por creencias ancestrales y tensiones latentes. En entrevista con Revista Cameo, la actriz profundiza en la construcción de su personaje, el proceso creativo y la dimensión cultural del proyecto.

Sobre su aproximación al personaje, explica que todo partió de una conexión con lo ancestral y lo natural. “Creo que viene de la conexión que nuestros antepasados tenían con la naturaleza.

Estaban perfectamente plantados en la tierra, metafóricamente y físicamente también. Sabían quiénes eran, de dónde venían y qué querían. Vivían en el presente, algo que ahora ya no tenemos mucho”, reflexiona. Para ella, ese estado de presencia es clave en la construcción de Isabel: “Ahora estamos distraídos, con el teléfono, con el futuro, con lo que sigue, y conectar con la naturaleza y el silencio te obliga a escuchar de otra manera”.

Herrera reconoce que el trabajo no solo fue emocional, sino también físico y sensorial. “Había algo muy importante que era volver al cuerpo, a la energía. Desde ahí fue que empecé a proponer cómo se movía el personaje, cómo respiraba, incluso cómo miraba”, explica. En ese sentido, la relación con el director fue fundamental: “Fue increíble porque me dejaba hacer, me daba mucha libertad en los trazos de la escena, en la psicología del personaje y hasta en su movilidad. Eso te da confianza, pero también responsabilidad”.

También destaca que uno de los mayores retos fue precisamente la ausencia de referentes visuales dentro del cine mexicano para 28 |

ALEJANDRA HERRERA FRENTE AL HORROR ANCESTRAL La actriz habla sobre su papel en "El Ritual del Nahual", de Carlos Matienzo, explorando la conexión con la naturaleza, el cuerpo y las tradiciones mexicanas.

Texto y foto Carlos Mora

un personaje como Isabel. “No hay un referente claro, entonces era mucha responsabilidad como actriz. Pero también un honor. Me preguntaba todo el tiempo: ‘ok, ¿qué voy a hacer con esto?’”.

Esa búsqueda la llevó a explorar distintas disciplinas y tradiciones.

“Junté muchas cosas que ya había estudiado: danza butoh, algo de danza tradicional coreana, cantos mexicanos de iglesias, incluso lenguas como el náhuatl y el mixteco. Empecé a mezclar todo eso”, explica. Sin embargo, más allá de las referencias técnicas, encontró un eje común: “Hay un punto en donde todas las culturas coinciden, que es el estar, el ser, el cuerpo, la energía. Desde ahí empecé a construir cómo iba a suceder todo”.

La actriz también reflexiona sobre el valor del cine de terror hecho desde lo local. “Es muy interesante porque muchas veces queremos ver en el cine la luz de lo humano, pero también somos animales de oscuridad. Y pocas veces se aborda esa oscuridad desde nuestra propia voz”, señala. Para ella, este tipo de proyectos abre una posibilidad distinta dentro del género: “Aquí no estamos viendo oscuridades de otros idiomas o de otros tiempos. Estamos viendo nuestro tiempo, nuestro ritmo, nuestra cultura, nuestro idioma”.

En ese sentido, enfatiza la importancia de recuperar las narrativas propias: “Tenemos cuentos, leyendas, mitos. Somos un país tan rico y tan diverso”.

Ella va más allá y plantea una reflexión sobre el territorio y la identidad: “Es importante entender cómo es el bosque mexicano, cómo son los ruidos, la temperatura, cómo caminan los tiempos, los habitantes. A mí me parece maravilloso que empecemos a mirarnos a nosotros mismos”.

] [

C

I

N

E

LORENA VILL ARREAL

“QUERÍA HABLAR DE LAS MUJERES SIN MÁSCARAS” En entrevista con la Revista Cameo, la directora de "La vida es" deja atrás el cine de género para construir una mirada íntima, honesta y profundamente contemporánea sobre la amistad, la sexualidad y las emociones femeninas.

Por Carlos Mora

L

a realizadora mexicana regresa con una de sus películas más personales y honestas. Después de explorar el terror, el suspenso y la ciencia ficción en trabajos anteriores, ahora apuesta por una historia íntima, luminosa y emocionalmente compleja en La vida es, un retrato contemporáneo sobre mujeres que enfrentan el paso del tiempo, el amor, las pérdidas y la necesidad urgente de volver a empezar.

Protagonizada por Paulina García, Natalia Plascencia y Naian González Norvind, la cinta sigue a Nora, una mujer cercana a los cuarenta que, en medio del desempleo, una relación poliamorosa fracturada y las heridas familiares que nunca terminan de cerrar, comienza a cuestionarse qué quiere realmente de la vida.

“Quería explorar otro tono y otra manera de contar”, comparte Villarreal 30 |

en entrevista. “Estamos hablando de una mujer enfrentando la media edad, pero también de cómo nos relacionamos con el amor, con la muerte, con nuestra sexualidad y con aquello que callamos”.

Lejos del dramatismo solemne, La vida es encuentra fuerza en el humor cotidiano. Ese humor incómodo, negro y profundamente reconocible que aparece en las conversaciones entre amigas, en las heridas familiares y en los momentos más absurdos de la adultez.

Para Villarreal, ahí estaba la clave: crear cercanía con el espectador sin perder honestidad.

“Quería que la película tuviera complicidad. Que el público sintiera que estaba entrando a conversaciones muy íntimas, casi como secretos”, explica. “Muchos hombres que leyeron el guion me decían justo eso: ‘siento que estoy leyendo algo muy personal’. Y pensé: entonces estamos tocando algo verdadero”.

La directora asegura que el proceso creativo fue también una forma de romper con estructuras tradicionales que ya no la desafiaban como cineasta. Después de abrir camino dentro del cine de género mexicano con películas como Las lloronas, Villarreal decidió moverse hacia narrativas más emocionales y humanas, pero sin abandonar el riesgo formal ni la búsqueda estética.

“Ya no quería hacer las

cosas de manera convencional. Esta película fue divertida, dolorosa, honesta y muy colectiva. Todos le pusimos un pedazo del alma”, dice.

Uno de los grandes aciertos de La vida es está en la química entre sus actrices.

Villarreal construyó primero el universo emocional de las mujeres de la historia y, desde ahí, comenzó el casting. La llegada de Paulina García terminó por darle una dimensión inesperada al proyecto.

LA VIDA ES Distribución: Tulip Pictures

“Con ellas todo fluyó de forma natural. Se formó una conexión muy fuerte dentro y fuera del rodaje. Después de dos años, siguen sintiéndose como familia”, cuenta la directora.

La cineasta también destaca la diversidad del equipo y del elenco, integrado por artistas de distintos países latinoamericanos y de España, algo que enriqueció la identidad de la película y expandió la mirada sobre lo femenino más allá de las fronteras mexicanas.

Pero más allá del relato íntimo, La vida es también funciona como una reflexión sobre el lugar de las mujeres dentro de la industria cinematográfica mexicana. Villarreal recuerda que cuando comenzó su carrera eran muy pocas las directoras que lograban filmar y estrenar películas.

“No existía la industria como la conocemos ahora.

Había muy pocas mujeres filmando y todavía menos haciendo cine de género”, recuerda. “Por eso es importante que sigan abriéndose espacios para nuevas voces y nuevas narrativas.

Necesitamos más historias contadas desde las mujeres porque también enriquecen culturalmente al país”.

La directora celebra que actualmente existan más cineastas explorando nuevas formas de contar historias, desde la ficción hasta el documental, y considera que esa diversidad es parte de la riqueza del cine mexicano contemporáneo.

“México es complejo, diverso y hermoso. Tenemos muchísimo que mostrar y no solamente un tipo de cine”, afirma.

Filmada en locaciones alejadas de los retratos habituales del país, La vida es también apuesta por una experiencia cinematográfica profundamente sensorial. Villarreal insiste en que la película fue pensada para verse en pantalla grande.

“Las emociones se contagian en una sala de cine.

Esa experiencia colectiva sigue siendo muy especial.

Esta película está hecha para sentirse cerca, para conectar”.

Con La vida es, Lorena Villarreal confirma una evolución creativa que no teme cambiar de piel.

Más íntima, más libre y profundamente humana, la directora encuentra en las contradicciones femeninas una historia universal sobre el miedo, el deseo y la posibilidad de volver a empezar. | 31

] E N I C [

LOS HIJOS DE LA COSTA, UN MÉXICO QUE CANTA DESDE SUS RAÍCES El director Bruno Bancalari convierte la Costa Chica en un retrato íntimo y luminoso donde la música revela la diversidad cultural de México.

E

ntre atardeceres frente al mar, cumbias costeñas que resuenan en los puertos y boleros nacidos de la tierra, el director Bruno Bancalari encontró una manera íntima y luminosa de retratar una región pocas veces vista por el cine mexicano.

Su documental Los Hijos de la Costa no sólo celebra la música de la Costa Chica 32 |

Por Carlos Mora de Oaxaca y Guerrero, también reivindica la herencia afrodescendiente como una parte viva y esencial de la identidad mexicana.

La película sigue a músicos de distintas comunidades costeñas que, desde géneros como la charanga, el merequetengue, la cumbia, el son y el bolero costeño, revelan la riqueza cultural de un territorio

atravesado por el mar, el campo y la memoria de la llamada tercera raíz.

“Quería hacer documentales de música de México para conocer más acerca de la identidad mexicana. Siento que es un concepto muy amplio”, comparte Bancalari en entrevista con la Revista Cameo. “Quería explorar diferentes culturas dentro de México y retratar todos

esos rostros que conforman el país”.

El cineasta llegó por primera vez a la costa en 2015, pero fue hasta 2019 cuando comenzó el proceso de investigación y filmación junto al productor e investigador musical Ángel Céspedes, quien le abrió las puertas de comunidades y músicos locales. Lo que encontró ahí terminó por transformarlo.

“Me enamoré de la gente, de la música y de los escenarios naturales. Descubrí un mundo no tan retratado por la cinematografía nacional”, explica. “Dije: ‘yo también me quiero sumar a ese esfuerzo de retratarlo’”.

LA MÚSICA COMO MEMORIA VIVA Uno de los elementos más conmovedores del documental es observar cómo la música se transmite de generación en generación. Niños aprendiendo a tocar instrumentos en los muelles de Oaxaca, maestros enseñando sin apoyo institucional y músicos empíricos que crecieron rodeados de sonidos costeños forman parte del corazón de la película.

Para Bancalari, esos artistas son auténticos embajadores culturales.

“Hay una comunidad con un arraigo muy especial y con un amor muy profundo por la tierra donde nacieron”, afirma. “Lo que quería era mostrar toda esa diversidad cultural a través de músicos que preservan y comparten la historia de su comunidad”.

El documental también construye un contraste poético entre dos universos: el mar y el campo.

Mientras los puertos transmiten una energía festiva y expansiva, las comunidades rurales

ofrecen una conexión más introspectiva con la tierra y la tradición.

“La gente de los puertos suele tener una música mucho más hacia afuera, con mucho ritmo”, dice. “En el campo encontré otro tipo de poesía, una conexión distinta con la tierra. Quise integrar esos dos mundos porque ambos conforman esta identidad costeña”.

FILMAR DESDE LA INTIMIDAD Aunque inicialmente contempló trabajar con un director de fotografía, Bancalari terminó grabando él mismo el documental con una cámara Sony compacta. La decisión, más allá de las limitaciones presupuestales, le permitió acercarse a los personajes desde un lugar más íntimo.

“Quería moverme con libertad, entrar a las casas, generar confianza”, comenta. “El documental tiene esa ventaja: puedes entrar y salir de estos mundos con mucha más facilidad”.

Esa cercanía se refleja en cada plano. Los paisajes de la costa —sus playas, montañas, puertos y atardeceres— no funcionan únicamente como fondo visual, sino como parte del ADN cultural que inspira la música y la vida cotidiana de sus habitantes.

“Los escenarios naturales forman parte de la

cosmovisión de los personajes”, explica. “El mar, el sonido del ambiente, la naturaleza… todo eso se cuela en la música y en la literatura local”.

LOS HIJOS DE LA COSTA Distribución: Mandarina Cine

UN HOMENAJE A LO BELLO DE MÉXICO En tiempos donde buena parte del cine documental mexicano se enfoca en la violencia y las heridas sociales del país, Los Hijos de la Costa apuesta por otra mirada: la de la belleza, la celebración y la memoria cultural.

“Siento que es importante contar aquello que nos causa terror y miedo de nuestro país”, reflexiona. “Pero también girar la mirada hacia aquello que consideramos bello, valioso y trascendental de nuestra cultura”.

Amante del documental musical, Bancalari considera que la música es una puerta universal para acercarse a distintas culturas sin necesidad de

explicaciones didácticas.

“La música es una especie de vehículo que transmite muchísima información”, señala. “Todo el mundo conecta con ella y México tiene una riqueza musical inmensa”.

Su visión conecta con artistas como Natalia Lafourcade, con quien ha colaborado y de quien admira su compromiso por preservar el folclor mexicano y latinoamericano.

“Ella conecta muchísimo con el homenaje al folclor mexicano y latinoamericano”, dice sobre la cantante veracruzana.

“Es una artista profundamente comprometida con sus raíces”.

Originario de Los Cabos, Baja California Sur, Bancalari también reflexiona sobre la importancia de descentralizar el cine mexicano y mirar hacia regiones que históricamente han quedado fuera de las narrativas audiovisuales dominantes. | 33

] E N I C [

L

a directora chiapaneca Ana Ts’uyeb convierte las historias de las mujeres de su familia en un acto de memoria, resistencia y dignidad en Li Cham (Morí para renacer), su documental hablada completamente en tsotsil que retrata las heridas del patriarcado, pero también la fuerza colectiva de las comunidades originarias.

En entrevista con la Revista Cameo, la cineasta explica que su acercamiento al cine nació desde la necesidad de visibilizar las luchas de los pueblos indígenas de Chiapas. La decisión llegó cuando era adolescente y vio un documental sobre la masacre de Acteal, un acontecimiento que marcó profundamente a las comunidades tsotsiles.

“Me di cuenta de que el cine me daba herramientas para hablar de nuestro territorio, de nuestra cultura y de nosotras las mujeres. Las historias ya existen, lo que hace falta es visibilidad”, comparte.

En Li Cham, Ts’uyeb retrata a Margarita, Juana y Faustina, tres mujeres de distintas generaciones que enfrentaron pérdidas, violencia y silencios impuestos por los usos y costumbres. Sin embargo, también muestra cómo encontraron en la tierra, la memoria y la organización comunitaria una forma de sostener la vida.

Para la directora, el documental no romantiza la realidad de las mujeres indígenas. Aunque reconoce avances en la conciencia sobre los derechos de las mujeres dentro de las comunidades, señala que persisten formas de violencia menos visibles.

“Quizá la violencia física se ha limitado un poco, pero siguen existiendo la violencia psicológica, emocional y muchas otras que a veces ni siquiera sabemos nombrar”, explica.

Uno de los aspectos más importantes de la película es el uso del 34 |

EL RENACER DE LA MEMORIA EN LI CHAM La ópera prima de Ana Ts’uyeb explora las heridas, pérdidas y resistencias de mujeres indígenas desde la lengua tsotsil y la mirada documental.

Texto y foto Carlos Mora

tsotsil maya como lengua principal.

Ts’uyeb considera que filmar en español nunca fue una opción.

“Cuando las protagonistas tienen una lengua materna que no es el español, para mí no es negociable obligarlas a hablar castellano. Nuestra lengua tiene filosofía, poesía y memoria. Quería que la película preservara eso”, afirma.

El título Li Cham, que significa “Morí para renacer”, funciona como una metáfora de las distintas muertes que viven las mujeres: la pérdida de sueños, la violencia, la sumisión o el desgaste emocional. Pero también habla de transformación.

“Hay muertes de la sumisión.

Con el zapatismo muere esa idea de que las mujeres solo tienen que obedecer y aguantar. Entonces aparece un renacer”, reflexiona.

El rodaje tomó varios años, entre 2021 y 2024, porque el equipo buscó capturar los cambios de la lluvia, las cosechas y el crecimiento de la milpa y el café, elementos que acompañan emocionalmente la historia de las protagonistas.

Ts’uyeb reconoce como referentes a cineastas indígenas como Ángeles Cruz, Luna Marán y Yolanda Cruz, además de la influencia de Tatiana Huezo, cuya mirada humana y sensible sobre el documental la inspiró profundamente.

Aunque actualmente se siente cómoda trabajando desde el documental, no descarta explorar la ficción en el futuro.

“Si una historia necesita contarse desde la ficción, quiero llegar ahí también. Para mí el cine es una herramienta”, concluye.

] A Ñ E S E R [

LI CHAM MUJERES TSOTSILES: HISTORIAS QUE ROMPEN EL SILENCIO

A

na Ts’uyeb construye en Li Cham (Morí para renacer) un documental íntimo y profundamente espiritual que observa la vida de tres mujeres tsotsiles atravesadas por la memoria, la maternidad y la resistencia cotidiana.

Hablada en tsotsil y filmada desde la cercanía emocional de quien también pertenece a esa historia, la ópera prima evita el tono antropológico para convertirse en un acto de escucha y reparación familiar.

La película sigue las experiencias de Margarita —madre de la directora—, Juana y Faustina, tres generaciones marcadas por silencios heredados, violencia estructural y la necesidad de reconstruirse

Por Carlos Mora en medio de un entorno convierte al documenque históricamente ha tal en una experiencia invisibilizado a las mujeres contemplativa donde el indígenas. Pero lejos de silencio pesa tanto como caer en el miserabilismo, las palabras.

Li Cham encuentra belleza Uno de los mayores en los pequeños rituales logros de la película es su diarios: las manos tracapacidad para hablar del bajando la tierra, las dolor sin despojar a sus conversaciones personajes de digapenas susurranidad. Las heridas das, los espafamiliares, las auLI CHAM cios domésticos sencias y los proDistribución: Artegios convertidos cesos de transforen refugio y mación aparecen memoria. como parte de una Ana Ts’uyeb identidad colectiva filma con una sensibilidad que sigue viva pese a todo. paciente. La cámara nunca El “morir para renacer” del invade; acompaña. Cada títul o no se entiende solaencuadre parece respirar mente como pérdida, sino junto a sus protagonistas, como una posibilidad de dejando que los tiempos reconstrucción emocional de la comunidad y de las y espiritual. emociones dicten el ritmo Visualmente, Li Cham del relato. Esa decisión encuentra fuerza en los

paisajes de Chiapas y en la textura de los espacios cotidianos. La fotografía privilegia la luz natural y los tonos terrosos, reforzando la sensación de arraigo con el territorio. La lengua tsotsil, además, no funciona como elemento exótico, sino como el corazón mismo de la narrativa: cada palabra contiene una relación distinta con el tiempo, el duelo y la comunidad.

Más que un documental testimonial, Li Cham es una conversación entre mujeres que intentan entender su pasado para poder seguir adelante. Ana Ts’uyeb entrega una obra honesta y delicada, donde el cine se convierte en memoria viva y en una forma de sanar aquello que durante años permaneció callado. | 35

] E N I C [

A DRI Á N VÁ ZQUE Z Y EL JUEGO DEL PODER El actor protagoniza "El Yerno", la nueva película de Gerardo Naranjo, donde el humor ácido y la política se cruzan en una historia que refleja, con ironía y crudeza, la realidad mexicana contemporánea, habla en entrevista con la Revista Cameo.

Por Carlos Mora

E

n el universo de El Yerno, la nueva sátira política dirigida por Gerardo Naranjo, el humor ácido se transforma en un espejo incómodo de la realidad mexicana. La película llega como una propuesta mordaz, provocadora y peligrosamente cercana a la vida real. En el centro de esta historia aparece Adrián Vázquez, un actor capaz de transitar entre la comedia, la tragedia y el desencanto social con una naturalidad contundente.

Conocido por su trabajo en el teatro mexicano y por montajes fundamentales como Wenses y Lala, Vázquez interpreta a José Sánchez, un hombre aparentemente ingenuo, torpe e incluso entrañable, que termina devorado por las estructuras del poder y la corrupción. En entrevista con Revista Cameo, el actor habla sobre el impacto de la película, el proceso creativo junto a Naranjo y la manera en que la ficción

termina reflejando, casi dolorosamente, el presente del país.

“La película cuenta las cosas desde el humor, desde una sátira muy ácida, muy negra por momentos, pero termina reflejándose

fácilmente en la realidad, para desgracia nuestra”, dice entre risas que esconden cierta resignación.

“Creo que de pronto no nos damos cuenta de cómo la realidad termina superando la ficción”.

Esa transformación social y política también atraviesa directamente a su personaje. José Sánchez comienza siendo un hombre desorientado, casi ingenuo frente al entorno que lo rodea, pero conforme avanza la historia se endurece, aprende las reglas del sistema y termina convertido en alguien completamente distinto.

“Todo fue un viaje muy raro, muy peligroso, pero maravilloso”, recuerda sobre el proceso de interpretar al personaje. “Desde el casting hasta las conversaciones con Gerardo y con la producción, todo el tiempo fue dialogar constantemente para intentar llevar la película a buen término”.

El actor también

reconoce que proyectos como El Yerno se vuelven especialmente estimulantes cuando existe libertad creativa. “Cuando alguien pone todos los elementos a disposición para que radicalices tu trabajo de interpretación, hacer poemas es jugar”, afirma.

Uno de los elementos que más celebra del proyecto es la presencia de actores provenientes del teatro, un espacio donde él ha construido buena parte de su carrera artística.

En años recientes, figuras teatrales han comenzado a ocupar más espacios dentro del cine y las plataformas, algo que Vázquez considera necesario.

“Para uno como actor,

viniendo además del es importante que las teatro, es muy importante industrias miren hacia otros que existan estas oportuni- lados y descubran otros dades”, comenta. “Muchas rostros”. veces las producciones La construcción política siguen buscando perfiles de José Sánchez tampoco muy específicos o partió de una sola rostros ligados a referencia esperedes sociales, cífica. Vázquez EL YERNO pero cuando fiexplica que el Dónde ver: nalmente dejan personaje nació Netflix entrar actores de una mezcla con formación de experiencias, teatral, sucede algo imágenes y recuermuy especial”. dos colectivos profundaPara el dramaturgo, el mente mexicanos. teatro sigue siendo una “No hubo una inspiraescuela fundamental. “Hay ción basada en una sola una formación muy seria, persona”, aclara. “Fuemuy disciplinada y muy ron muchos referentes, profesional en el teatro. muchas películas, muchos Poder llevar eso a las panta- videos, muchas cosas que llas es algo muy valioso”, hemos habitado viendo y señala. “Creo que también experimentando dentro de

la realidad nacional”.

Ese diálogo creativo fue creciendo durante el rodaje gracias a la colaboración cercana con Naranjo y el resto del equipo. “Constantemente hablábamos de referentes, de la nostalgia nacional, de cosas que nos ha tocado vivir”, recuerda.

“Todo el tiempo había conversaciones alrededor del tono y de cómo queríamos retratar este universo”.

Sobre trabajar con Gerardo Naranjo, Vázquez no escatima elogios. “Gerardo es un director muy generoso, muy amoroso y muy entregado”, afirma.

“Tiene un nivel de escucha muy alto y eso hace que el trabajo sea muy rico para los actores”.

] E N I C [

L

a actriz Helena Puig habla de Casa 12, un thriller psicológico que apuesta por la atmósfera, la tensión emocional y un juego constante entre la realidad y la percepción. En entrevista con la Revista Cameo, habla sobre este proyecto coral, su experiencia filmando en Oaxaca y su afinidad por el cine de género.

Aunque muchos podrían pensar que Casa 12 representa su primer protagónico en cine, Puig matiza: “En realidad no es el primero como tal. Ya había tenido un debut previo, pero aquí somos tres protagonistas. Está José Ángel Bichir, Mikael Lacko y yo, y eso lo hace muy especial porque además somos amigos, entonces la experiencia fue muy bonita”.

La película se rodó en Oaxaca, lejos del ritmo de la Ciudad de México, algo que la actriz valora profundamente. “Siempre me encanta grabar fuera de la ciudad, porque los equipos se vuelven más cercanos. Estás mucho más concentrado en el personaje y en la historia. Además, en este caso fue muy particular porque vivíamos prácticamente en el mismo lugar donde filmábamos.

Estuvimos un mes ahí, como una especie de familia”.

El filme, dirigido por Rafael Ballesteros, se construye desde una sensación de encierro tanto narrativa como emocional. “La historia es claustrofóbica en cierto sentido, y la experiencia también lo fue. Todo sucedía en este espacio muy contenido, lo cual ayudaba muchísimo a meterte en ese estado”.

Sobre el título, Puig explica que Casa 12 encierra más de un significado: “Es un juego de palabras. Por un lado es la casa del personaje de Pablo, pero también hace referencia a la casa doce en la astrología, a la carta astral. Hay una influencia mística importante en la historia”.

La trama sigue a Pablo, quien comienza a espiar a sus vecinos desde la ventana, en un claro guiño a La ventana indiscreta.

38 |

HELENA PUIG SE SUMERGE EN EL THRILLER CON CASA 12 La actriz habla sobre su participación en el nuevo thriller psicológico filmado en Oaxaca, donde explora un personaje marcado por la intensidad emocional.

Texto y foto Carlos Mora

A partir de ahí, se desencadena una serie de eventos inquietantes. “Empiezan a suceder cosas extrañas, alucinaciones sonoras y visuales. No sabes si está perdiendo la cabeza, si está soñando o si hay algo más. Y en medio de eso aparece Renata, mi personaje”.

Renata entabla una relación con Pablo que evoluciona desde la curiosidad hasta un vínculo más complejo, mientras ella enfrenta una relación tóxica con su pareja.

“Es un personaje muy emocional, muy intenso. Está construido desde su signo zodiacal, Escorpio, con toda esta carga de pasión, intensidad y conflicto”.

El proyecto también destaca por su estética: gran parte de la película está filmada en blanco y negro, y el diseño sonoro juega un papel clave en la construcción de la tensión. “El sonido tiene muchísimo protagonismo, es parte de lo que te mete en esta experiencia sensorial”.

Para Puig, el cine de género representa un espacio de libertad creativa. “Me gusta mucho porque te saca de la cotidianidad. Puedes explorar personajes desde lugares más extremos. Además, es una comunidad muy unida. En el cine independiente hay mucho apoyo entre todos, y eso lo hace muy especial”.

Con Casa 12, Helena Puig se adentra en un terreno oscuro, íntimo y provocador, consolidándose como una actriz interesada en historias arriesgadas que exploran la complejidad emocional y los límites de la percepción.

Además de Casa 12, la actriz también participa en Se busca, otra película donde tiene una aparición especial como entrenadora de un equipo de basquetbol.

El filme de Kenia Márquez aborda una temática sensible en México: la búsqueda de identidad en un contexto marcado por la desaparición de personas. “Es una historia muy potente. Aunque mi participación es pequeña, la película completa me parece muy valiosa y necesaria”.

] A Ñ E S E R [

UNDERTONE: FRECUENCIA MALDITA EL TERROR QUE SE ESCUCHA EN SILENCIO Por Carlos Mora

E

l terror contemporáneo sigue encontrando nuevas formas de infiltrarse en la vida cotidiana, y ahora lo hace a través de un podcast.

Undertone: Frecuencia maldita, la nueva propuesta de horror psicológico dirigida por Ian Tuason, apuesta por una atmósfera inquietante donde el sonido se convierte en el principal detonante del miedo.

La cinta sigue a Evy, interpretada por Nina Kiri, una conductora de podcasts escéptica ante lo paranormal que regresa a la casa familiar para cuidar a su madre enferma. Lo que parece un periodo de pausa personal se transforma rápidamente en una experiencia perturbadora cuando recibe unas

grabaciones anónimas que desarrolla una atmósfera documentan sucesos extraopresiva que recuerda al ños dentro de una vivienda horror analógico y a los thriaparentemente común. llers psicológicos de los años Lejos de recurrir al terror setenta, utilizando espacios explosivo o a los sustos vacíos, habitaciones oscufáciles, Undertone construye ras y silencios prolongados tensión desde el silencomo parte de su cio, las frecuencias lenguaje visual.

UNDERTONE: distorsionadas y Uno de los maFRECUENCIA las voces apenas yores aciertos de la MALDITA Distribución: perceptibles. El dipelícula es la forma Cine Caníbal seño sonoro juega en que explora el un papel esencial aislamiento emociodentro de la narrativa nal de su protagonista. y convierte cada audio en Evy no solo enfrenta una pouna experiencia incómoda sible presencia sobrenatural, para el espectador, creando sino también el desgaste una sensación constante de psicológico provocado por paranoia. la enfermedad de su madre, Ian Tuason entiende la culpa y la sensación de que muchas veces lo más desconexión con el mundo aterrador no es aquello que que la rodea. Esa dimense ve, sino lo que apenas se sión emocional le da mayor escucha. Por ello, la película profundidad al relato y

evita que la historia se quede únicamente en el terreno del susto convencional.

Además, Undertone: Frecuencia maldita refleja cómo la tecnología puede convertirse en una extensión del miedo contemporáneo.

Los audios, las grabaciones y las voces intervenidas funcionan como una amenaza invisible que invade la intimidad de los personajes, recordando que hoy el horror también puede llegar a través de unos audífonos o una simple notificación.

Con esta propuesta, Tuason entrega una cinta pequeña en escala pero efectiva en tensión, reafirmando que el terror psicológico sigue siendo uno de los caminos más interesantes dentro del cine de género actual. | 39

40 |

C

I

N

CARLOS MELÉNDEZ: HORROR VERTICAL RUMBO AL CINE FANTÁSTICO EN CANNES

[

E

]

E

n una época donde el cine busca nuevas formas de conectar con las audiencias, el director mexicano Carlos Meléndez encontró en el formato vertical un territorio fértil para llevar el horror a otro nivel. Y ahora, esa apuesta nacida entre pantallas móviles, TikTok y narrativas inmediatas lo llevará hasta el escenario más importante de la industria cinematográfica: Cannes.

Con sus cortometrajes The Offering y The Blind Alley, el cineasta fue seleccionado para formar parte del Fantastic Pavilion Vertical Cinema Cannes 2026, showcase internacional dedicado exclusivamente a obras realizadas en formato 9:16 y centrado en el terror, la fantasía, la ciencia ficción y el thriller. La selección reúne únicamente 28 proyectos provenientes de 17 países y será presentada dentro del Marché du Film, uno de los espacios más relevantes para productores, distribuidores y creadores de todo el mundo.

Lejos de tratarse de una casualidad, la llegada de Meléndez a Cannes representa el siguiente paso en una carrera que desde hace años se ha construido con constancia, riesgo creativo y una profunda pasión por el cine fantástico.

El realizador, radicado en Los Ángeles, se ha convertido en una figura cada vez más reconocida dentro del género gracias a proyectos como el multipremiado cortometraje Hambre, la serie de Netflix Mi encuentro con el mal, así como la película Histeria, estrenada en Prime Video.

A ello se suma su participación dentro de la antología México Bárbaro, además de nuevos proyectos internacionales que actualmente prepara para plataformas digitales y una importante antología de terror en Estados Unidos.

“Creo que en México hay muchísimo talento en diferentes áreas y los cineastas mexicanos seguimos juntos abriendo más mercado internacional y más ventanas para poder llevar nuestras películas y nuestro talento a todos los rincones del mundo”, compartió Meléndez en entrevista con la Revista Cameo.

El director considera que esta nueva etapa del cine, impulsada por plataformas digitales y el consumo móvil, no significa

El cineasta llevará sus cortos de horror al Fantastic Pavilion Vertical Cinema Cannes 2026, con la que reafirma su ascenso como una de las voces más fuertes del género fantástico.

Por Carlos Aguillón una amenaza para el lenguaje cinematográfico tradicional, sino una oportunidad para expandirlo hacia nuevas generaciones.

“Estoy muy contento de que se sigan abriendo nuevas ventanas para crear contenido de género que llegue a todo tipo de públicos y formas de consumo. Es un honor representar a México de una manera fiel y orgulloso del alcance que puede tener este proyecto”, afirmó sobre su presencia en Cannes.

Desde su canal de TikTok @beat_melendez, el realizador ha experimentado con historias cortas de horror psicológico, humor negro y fantasía oscura construidas específicamente para formato vertical.

Lejos de verse como simples contenidos efímeros, sus piezas buscan conservar una propuesta cinematográfica sólida, utilizando recursos visuales y narrativos capaces de provocar tensión y cercanía en apenas unos segundos.

La apuesta ha llamado la atención de la industria internacional justo en un momento donde el llamado “vertical cinema” comienza a consolidarse como una nueva conversación dentro del entretenimiento global. Y Meléndez entiende perfectamente el peso que tiene para los creadores mexicanos abrirse paso en ese terreno.

“Estoy muy orgulloso de que gente como Guillermo del Toro nos esté abriendo el camino a todos estos locos que tenemos muchísimas historias en la cabeza. Él demostró que sí se puede hacer cine fantástico desde México y llevarlo al mundo”, expresó.

Carlos Meléndez continúa escalando dentro de la industria internacional sin abandonar las raíces que marcaron su identidad como creador. Su obra mezcla lo absurdo con el horror cotidiano, los monstruos con las emociones humanas y las pesadillas con la sátira social, construyendo una voz propia que hoy comienza a encontrar eco fuera del país.

Además del cine y las plataformas digitales, el realizador también ha explorado otros escenarios narrativos. En 2024 estrenó la obra teatral El valle inquietante, proyecto que le valió reconocimiento por parte de la Asociación Nacional de Locutores con el Micrófono de Oro gracias a su éxito en taquilla.

Mientras prepara el estreno de nuevos largometrajes y una serie internacional, Meléndez vive uno de los momentos más importantes de su carrera. Y aunque Cannes representa un paso enorme, para él también simboliza algo más grande: la posibilidad de demostrar que el cine mexicano fantástico continúa evolucionando, transformándose y encontrando nuevas maneras de conquistar al mundo… incluso desde la pantalla de un teléfono móvil. | 41

] E N I C [

TOP GUN: PASIÓN Y GLORIA, 40 AÑOS DE QUITARNOS EL ALIENTO

E

n 1986, Tony Scott nos llevó a las alturas a bordo de un avión tipo caza F-14 y la historia del cine de acción jamás volvió a ser la misma. Top Gun: Pasión y Gloria cumple 40 años de quitarnos el aliento con la historia del piloto naval Pete “Maverick” Mitchell y sus temerarias maniobras aéreas.

La película que se desarrolla en un ambiente de enseñanza militar rigurosa, combinando un intenso romance dentro de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos –estructura en boga en la década de los 80–, fue el golpe definitivo que impulsó la carrera de Tony Scott como un director virtuoso para el cine de acción, mientras que lanzó al estrellato a Tom Cruise, actor que entonces ya despuntaba en películas de culto como The Outsiders (1983), Leyenda (1985) y la comedia romántica Negocios Riesgosos (1983); 42 |

Por Alejandra Lomelí su rol del intrépido Maverick definió en gran medida el tipo de personajes que lo convirtieron en el héroe de acción que es ahora.

Top Gun: Pasión y Gloria nos lleva al interior de la Academia de élite de la Marina de los Estados Unidos, más conocida como “Top Gun”, una escuela de adiestramiento en el arte perdido del combate aéreo a la que ingresa tan solo el mejor uno por ciento de sus pilotos, entre ellos, el talento pero impulsivo teniente Maverick (Cruise), quien busca destacar como el mejor de su generación no sin enfrentar algunas rivalidades, especialmente con Iceman (Val Kilmer), y vivir un apasionado romance con Charlie (Kelly McGillis), una instructora civil.

Para lograr el realismo que un entorno tan ambicioso como este requería, Tony Scott filmó las secuencias de acrobacias aéreas con una combinación

de aviones reales y efectos prácticos, minimizando la utilización del CGI, consiguiendo así una autenticidad extrema. La producción requirió entonces aviones y pilotos reales, así como la utilización de cámaras especiales en cabina, convirtiéndola en una de las películas más caras de la década de 1980 con un presupuesto de 15 millones de dólares.

Producidos por Jerry Bruckheimer, el rey del cine de gran presupuesto de aquella época, Top Gun no fue la excepción en su lista de taquillazos, alzándose como uno de los mejores blockbusters de la historia, recaudando aproximadamente 353 millones de dólares a nivel mundial, y marcando el inicio de una relación creativa entre productor-director que se extendió hasta finales de los años 90.

Aunque la crítica especializada no la trató bien, señalando

que la historia pierde su magia una vez que los pilotos tocan tierra, la cinta se convirtió en todo un ícono de la cultura pop y su banda sonora en una de las más emblemáticas del cine, pero lo que pocos vieron venir es que se convertiría en la responsable de un incremento notable en las solicitudes de reclutamiento a la Fuerzas Aéreas de Estados Unidos en un 500 por ciento.

Top Gun: Pasión y Gloria ha sido revalorada con los años, especialmente tras el estreno en 2022 de su secuela tardía Top Gun: Maverick, y ahora vuelve a surcar las pantallas de las salas de cine de todo el mundo para celebrar su 40 aniversario, momento para que, tal como reza su canción principal “Take my breath away” de la banda Berlin, dejemos que el audaz Maverick y sus extraordinarias acrobacias aéreas nos roben el aliente una vez más.

] A Ñ E S E R [

O ÚLTIMO AZUL LA SELVA DONDE AÚN RESPIRA LA MEMORIA

E

Por Carlos Mora

n O Último Azul, la selva obstinación íntima que transrespira como si guardara forma cada paso en un acto de los secretos del tiempo. resistencia.

Entre la humedad espesa La película imagina un mundo de la Amazonía y el eco donde envejecer significa lejano de un mundo que insiste convertirse en sobra, pero en olvidar a los viejos, el Mascaro filma esa idea galardonado director con una delicadeza casi brasileño Gabriel espiritual. La cámara O ÚLTIMO AZUL Mascaro construye observa a Tereza como Distribución: una película que si contemplara un árbol Pimienta Films no avanza: flota. Se antiguo: con respeto, desliza lentamente con paciencia, entencomo un río antiguo que diendo que en sus grietas conoce el peso de la memoria habita una belleza imposible y el cansancio de los cuerpos de reproducir. La Amazonía se que aún desean seguir vivos. convierte entonces en refugio Tereza, interpretada por y espejo; un territorio donde Denise Weinberg, camina como la naturaleza parece proteger quien se niega a desaparecer. A aquello que la sociedad intenta sus 77 años, su rostro contiene desechar. la ternura de lo vivido y la furia Visualmente, O Último Azul silenciosa de quien todavía no tiene la textura de un sueño está dispuesta a ser borrada. húmedo y melancólico. El azul No hay discursos grandilocuendel título no es sólo un color: tes en ella; hay miradas largas, es una sensación suspendida respiraciones profundas y una entre la nostalgia y la esperanza.

44 |

Todo parece cubierto por una luz que anuncia el final de algo, pero también el nacimiento de otra forma de existir. Denise Weinberg entrega una actuación inmensa desde la contención.

En sus silencios vive la película entera. Basta verla mirar el horizonte para entender que Tereza no está luchando únicamente por quedarse en el mundo, sino por conservar intacta la posibilidad de desear, de imaginar, de sentirse libre incluso cuando el sistema insiste en reducirla a una cifra inútil.

Más que una crítica al edadismo, la película es un canto suave y doloroso sobre la dignidad humana. Un recordatorio de que hay cuerpos que siguen ardiendo aun cuando el mundo decide apagar la luz sobre ellos. Y en esa llama tenue, casi azul, Mascaro encuentra una de las imágenes más hermosas y devastadoras del cine reciente.

TV Y STREAMING

JULIÁN CERATI MÁS ALLÁ DEL DESEO: ASÍ EVOLUCIONA EN PERFIL FALSO

] G N I M A E R S T Y V T

E

n el universo de las identidades digitales, los secretos y las pasiones desbordadas, hay un personaje que se mueve con una libertad inquietante: Inti Valderrama. Interpretado por Julián Cerati, este rol se ha convertido en uno de los ejes más provocadores de Perfil falso, el thriller colombiano que ha conquistado audiencias globales.

En su tercera temporada, Cerati no solo regresa al personaje: lo reconfigura. Lo empuja hacia zonas más vulnerables sin soltar del todo su oscuridad. El resultado

es un Inti más complejo, más contradictorio, más humano.

“Todavía no veo la temporada, y eso también tiene algo interesante”, confiesa entre risas. “Porque una cosa es lo que uno siente en el set y otra muy distinta es lo que termina pasando en pantalla. Hay escenas que cambian completamente en el montaje. Entonces estoy expectante, como espectador también”.

Si en entregas anteriores Inti operaba desde la ambición, el deseo y cierto vacío emocional, esta vez hay un giro sutil pero contundente.

“Viene una faceta más genuina. Quizás no tan a merced de la ambición o de la carencia, sino mostrando algo más real. Eso no quiere decir que deje de ser oscuro —porque la serie tiene ese ADN—, pero sí hay una humanidad que empieza a asomar”, explica.

Ese equilibrio entre luz y sombra es, precisamente, lo que más le interesa como actor. “Me gusta cuando los personajes no son unívocos.

Inti tiene un mindset muy particular, pero también responde al mundo que lo rodea. Y ahí es donde aparecen los matices”.

EROTISMO COMO LENGUAJE, NO COMO PROVOCACIÓN Hablar de Perfil falso es hablar, inevitablemente, de su carga erótica. Sin embargo, Cerati se distancia de una lectura superficial. Para él, estas escenas son parte de una construcción mucho más amplia.

“Hay algo muy interesante en explorar el erotismo desde el personaje. No es solo lo que se ve, sino lo que se juega emocionalmente. Y además, técnicamente, son escenas muy coreográficas.

Tienen un ritmo, una estructura, una precisión”.

[

Julián EL ARTE DE HABITAR EL DESEO El actor profundiza en la evolución de su personaje en la serie "Perfil falso", que acaba de estrenar su tercera temporada. “Inti es un personaje que desafía etiquetas, explora el erotismo sin prejuicios y revela una faceta más humana en esta nueva entrega”, dice en entrevista desde Argentina con la Revista Cameo.

Por Carlos Mora 44 | 46

Cerati ERFIL FALSO

Dónde ver: Netflix

| 45 47

] G N I M A E R S T Y V T [ 48 |

“Siempre que hay respeto y comunicación, se vuelve un juego. A mí, sinceramente, hay escenas que me cuestan mucho más que esas.

Estas tienen algo muy orgánico. En la primera temporada, por ejemplo, nos divertíamos muchísimo. Había confianza, humor… eso se traduce después en pantalla”.

Incluso recuerda con humor la dinámica con sus compañeros: “Me decían ‘el enano’, porque ellos son altísimos. Yo mido 1.80, pero al lado de ellos parecía chiquito. Ese tipo de cosas relajan todo”.

persona puede experimentar su cuerpo y sus relaciones como quiera.

Hay muchos mandatos, muchos prejuicios todavía. Y la ficción también puede abrir esas puertas”, reflexiona.

Para Cerati, interpretar a Inti también implica una exploración personal desde lo creativo: “Hay algo intrínseco del ser humano que tiene que ver con la libertad.

A través del personaje podés explorar cosas que en la vida cotidiana están más condicionadas. Y eso también es sanador, de alguna manera”.

UNA SEXUALIDAD SIN ETIQUETAS Uno de los aspectos más relevantes de Inti es su forma de habitar la sexualidad. El personaje se define como pansexual, una identidad aún poco explorada en la ficción latinoamericana.

“Me parece importante visibilizar que cada

COLOMBIA, UN SEGUNDO HOGAR Aunque nació en Argentina, Cerati ha encontrado en Colombia un espacio clave para su desarrollo artístico.

“Le tengo mucho cariño. Por momentos me siento muy colombiano.

Tengo mi rutina, mis amigos, mis lugares allá. Es

una cultura muy festiva, muy positiva, muy trabajadora. Y artísticamente, impresionante”.

Esa conexión también se traduce en su trabajo frente a cámara. Adaptar el acento, encontrar el tono justo, moverse entre códigos culturales distintos… todo forma parte del proceso.

“A veces mi mamá me dice que sobreactúo el argentino cuando vuelvo”, bromea. “Pero sí, es un ejercicio constante. En Perfil falso hay cierta flexibilidad con los acentos, pero también hay una búsqueda de neutralidad.

Y eso es interesante, porque refleja lo que pasa hoy en la industria”.

El fenómeno de Perfil falso no se entiende sin su carácter global. El elenco mezcla nacionalidades, acentos y estilos, en sintonía con una audiencia cada vez más diversa.

“Es congruente con el mundo de hoy. Ves redes

sociales y tenés contenido de todos lados. Esa mezcla enriquece muchísimo. Al final, las historias humanas nos atraviesan a todos.

Para el actor, este tipo de producciones no solo amplían horizontes profesionales, también transforman la forma de contar historias.

“Cada cultura aporta su sabor. Y a nivel actoral, es muy enriquecedor compartir con gente de distintos lugares. Aprendés todo el tiempo”.

Con estrenos simultáneos en decenas de países, el alcance de la serie es innegable. Sin embargo, Cerati prefiere mantener cierta distancia emocional frente a ese impacto.

“No lo pienso tanto en la rutina. Ahora estoy en mi ciudad, con mis amigos, mi familia… una vida bastante tranquila. Quizás cuando estoy en Colombia o en otros países lo siento más en la calle”.

REGRESO A CASA Esa dualidad —entre la exposición global y la vida cotidiana— es algo que ha aprendido a equilibrar con el tiempo.

“Es medio surrealista.

Prender la tele en el lugar donde crecí y verme en una serie que está en todo el mundo, pero trato de no perder el foco. Lo importante sigue siendo lo simple”. Y agrega: “Mi familia, mis amigos, incluso mi perro… eso es lo que me da estabilidad. El trabajo es una pasión enorme, pero necesito tener todo lo otro fuerte para que funcione bien”.

Además del estreno de esta nueva temporada, Cerati prepara el lanzamiento de la película Susana y Elvira en Colombia, mientras procesa el cierre de otra etapa importante en su carrera con una serie que describe como “difícil de soltar”.

“Me cuesta ver los finales. Es como un duelo.

Entonces lo voy pateando, esperando el momento ideal… que nunca llega”, admite.

Este 2026 también lo ha tomado como una pausa consciente.

“El año pasado trabajé mucho, estuve fuera todo el tiempo. Ahora necesitaba volver, reconectar con mis raíces, hacer cosas simples: jugar al fútbol, cantar, estar con los míos”.

Pero el movimiento es inevitable. Y México aparece en su radar como un próximo destino.

“Tengo muchas ganas de abrir mercado allá. Me interesa mucho la cultura mexicana, siempre fue muy respetada en mi familia. Ojalá pronto pueda trabajar ahí”.

Mientras tanto, Inti Valderrama sigue evolucionando dentro de Perfil falso: más libre, más contradictorio, más impredecible. Y en esa transformación, Julián Cerati confirma que su mayor fortaleza como actor está en atreverse a habitar los matices.

Porque en un mundo de apariencias, deseo y secretos, lo verdaderamente peligroso —y fascinante— es aquello que no se puede definir. | 49

] G N I M A E R S T Y

ALFONSO HERRERA ANTE SU MAYOR RETO EN LA CASA DE LOS ESPÍRITUS

[

T

V

Texto y fotos Carlos Mora

El actor comparte en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG) cómo construyó a Esteban Trueba, un personaje atravesado por el tiempo, la política y las emociones.

50 |

D

entro del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), Alfonso Herrera compartió detalles sobre su participación en la serie La casa de los espíritus, adaptación de la obra fundamental de Isabel Allende, donde asume el reto de dar vida a Esteban Trueba, uno de los personajes más complejos y contradictorios de la literatura latinoamericana.

“Es un personaje que atraviesa muchas épocas, desde finales de los años 20 hasta los años 70. Eso, por sí solo, ya implica una exigencia enorme”, explicó el actor, quien subrayó que la dificultad no radica únicamente en la transformación física, sino en sostener la evolución emocional del persona-

je a lo largo de décadas. “No es solamente en el fondo, también en la forma. Hay que cuidar la energía, la presencia, el peso que tiene en cada etapa de su vida”.

Uno de los mayores desafíos fue el propio proceso de rodaje.

“No filmamos de manera cronológica, entonces de repente estás interpretando a un hombre de 80 años y al día siguiente a su versión joven. Eso puede descolocarte si no tienes muy claro el mapa emocional del personaje”, confesó.

Para Herrera, fue clave apoyarse en los distintos departamentos: “El vestuario, el maquillaje, los detalles técnicos ayudan mucho, pero al final eres tú quien tiene que sostener esa coherencia interna”.

Sobre la construcción de Esteban Trueba, el actor fue enfático en evitar simplificaciones. “Existe el riesgo de caer en el cliché, de hacerlo solo como un hombre autoritario o violento, pero es mucho más que eso. Es alguien con una herida profunda, con carencias afectivas muy marcadas, alguien que no tuvo un entorno emocional sano”. Añadió: “Desde ahí, deposita todas sus aspiraciones en el poder, en la aprobación social y política. Eso lo vuelve un personaje muy humano, aunque también muy incómodo”.

Herrera también reflexionó sobre la dimensión política del relato.

LA CASA DE LOS ESPÍRITUS

Dónde ver: Prime Video

“Trueba representa una política latinoamericana desigual, una política que calla, que oprime, que muchas veces es corrupta. Y lo más fuerte es que no se siente lejana, sigue resonando hoy”, señaló. Para el actor, esa conexión con el presente es una de las claves de la historia: “No es solo una historia de época, es un espejo que todavía nos interpela”.

El actor destacó además la importancia histórica de la obra de Allende y su impacto en la representación de la región. “A principios de los 90, este tipo de historias ayudaron a poner a Latinoamérica en el mapa, en un momento donde predominaban los estereotipos y donde nuestras narrativas no tenían tanta visibilidad internacional”, comentó.

Otro de los aspectos fundamentales del proyecto fue el idioma. “Esta historia fue concebida en español, desde el exilio, con una carga emocional muy fuerte.

Contarla en su idioma original le da una profundidad distinta”, aseguró. Incluso compartió una experiencia personal que reforzó esta idea: “En terapia me dijeron algo que se me quedó grabado: cuando hablas en tu lengua materna, accedes a emociones más profundas. Creo que eso también pasa con esta historia”.

El trabajo con el acento fue otro de los retos importantes.

Herrera reveló que comenzó su preparación semanas antes del rodaje. “Empecé como un mes y medio antes, de manera remota, tratando de entender la musicalidad, casi como si fuera una partitura”, relató. Sin embargo, el proceso evolucionó: “Al principio estaba muy rígido, muy enfocado en hacerlo ‘correcto’, pero con el tiempo me fui soltando y encontrando una mayor naturalidad.

Eso también te permite improvisar, habitar mejor el personaje”.

El intercambio con sus compañeros de elenco fue clave en ese proceso. “Recuerdo que en pruebas de cámara me dijeron: ‘todo está muy bien, solo cuida el acento’. Fue un ajuste constante, no solo mío, sino de todo el equipo, para lograr cierta uniformidad”, explicó.

Finalmente, Herrera resumió la experiencia como una de las más demandantes de su carrera.

“Es de los proyectos más complejos y rigurosos que me ha tocado hacer, pero también uno de los más gratificantes. Interpretar a Esteban Trueba es un privilegio enorme”, afirmó.

Con La casa de los espíritus, Alfonso Herrera se enfrenta a un personaje que no solo exige un despliegue actoral amplio, sino también una reflexión profunda sobre la memoria, el poder y las heridas que atraviesan la historia de Latinoamérica.

| 51

] G N I M A E R S T

A

M E D I A S

UNA BRUTAL DECONSTRUCCIÓN DE LA MASCULINIDAD

V

Y

H O M B R E

[

T

Tras el éxito de la miniserie "Bebé Reno", Richard Gadd regresa con "Hombre a medias" ("Half Man"), una serie que explora el trauma, la violencia y la construcción de la masculinidad.

Por Alejandra Lomelí

L

a manzana no cae lejos del árbol para Richard Gadd cuando se trata de intensidad emocional. El escritor y actor escocés vuelve después del enorme éxito de Bebé Reno con otra propuesta que aborda con crudeza y honestidad el impacto del trauma en la vida adulta. Hablamos de Hombre a medias (Half Man), la miniserie que traza un relato oscuro y violento en torno a la construcción de la masculinidad.

Gadd explora en esta ficción cómo la violencia, la represión y el entorno moldean una identidad masculina distorsionada desde edades tempranas, fijando conductas y comportamientos arraigados que conducen hacia diná52 |

micas tóxicas y de abuso emocional.

“Allá por 2019, había muchas conversaciones sobre la rabia masculina, la represión y la violencia”, dijo Gadd durante un encuentro con la prensa internacional, en relación a la idea creativa que impulsó el proyecto que escribe, dirige, actúa y produce.

“Tomé a dos hombres que están rotos en su vida adulta para retroceder a su infancia en una época más intolerante dentro de la sociedad del Reino Unido, y mostrar todos esos comportamientos aprendidos, la represión que absorben y el trauma que experimentan. Contextualizarlos en su etapa adulta y ver cómo han llegado a ese punto de masculinidad rota en el presente”, añadió.

HERIDAS EMOCIONALES Hombre a medias sigue a Niall y Ruben, dos hombres que se conocieron en la adolescencia y se convirtieron en hermanastros cuando sus madres inician una relación sentimental.

Niall es callado, reservado y lucha con su sexualidad, mientras que Ruben es violento, explosivo y muestra una virilidad desbordante.

Pero, a pesar de sus marcadas diferencias, forjan un vínculo fraternal tan intenso como peligroso que perdura años después.

Son polos opuestos que se atraen con más fuerza de la que se repelen, desarrollando una relación tóxica sostenida en la tensión, el afecto, la admiración y una dominación que los vuelve dependientes el uno del otro de forma destructiva.

“Parte de la serie debía ser poner a prueba los extremos de todos los personajes; ver hasta dónde puede llevar la represión masculina”, mencionó el actor y showrunner.

Para llevar al límite a los personajes que son interpretados por Mitchell Robertson y Stuart Campbell como los adolescentes Niall y Ruben, y por Jamie Bell y Richard Gadd en su etapa adulta, respectivamente, la serie alterna dos líneas temporales narrativas, permitiendo explorar, a través del tiempo, cómo la contención y la incapacidad de expresar los sentimientos terminan derivando en conductas agresivas.

“Si quieres realmente abordar la rabia y la violencia masculina, y esa relación tan compleja que los hombres tienen hoy con la sociedad, es necesa-

HOMBRE A MEDIAS

Dónde ver: HBO Max

rio mostrar hasta dónde puede llegar”, afirmó.

Para Gadd era importante examinar ampliamente lo que hay detrás de la ira, analizando hasta qué punto los eventos traumáticos del pasado determinan las respuestas violentas.

“Lo más importante para mí era contextualizar esa represión y cómo el trauma puede llevarte ahí. Hay personas que cometen violencia por pura maldad, pero mucha violencia nace de traumas psicológicos profundos.

Quería que eso se reflejara en los personajes. Mostrar la violencia, pero también los efectos devastadores de lo que han vivido y lo que los llevó a ese punto”, explicó.

CUANDO LA VIOLENCIA NO ES GRATUITA Al igual que lo hizo en la miniserie Bebé Reno, Gadd hace gala nuevamente de una honestidad emocional desbordada e inquietante, entregando con Hombre a medias otro relato desafiante sin suavizar sus escenas más violenta.

“Pienso que el nivel de violencia en la serie era casi tan importante como las revelaciones que aparecen a lo largo del camino”, indicó Gadd. “Cada vez que en la serie ves violencia o algo desafiante, no es algo gratuito, eso impulsa la trama o profundiza en la psicología de los personajes, y creo que está completamente justificado. En

una serie donde exploras la violencia masculina y lo que nos lleva a ella, tienes que mostrar hasta dónde puede escalar. De lo contrario, le estarías quitando al público la verdad de un tema enorme con el que estamos lidiando como sociedad.

De esta forma, la serie solo presenta situaciones y personajes, dejando en el espectador la tarea de sacar sus propias conclusiones.

“Quería que, al terminar, no quedara claro quién de ellos fue el que causó más daño en la vida del otro, ni quién aportó más amor.

Quería que fuera una pregunta interna que continuara más allá de la serie”, aseguró el creador. | 53

] G N I M A E R

EL FENÓMENO FUERA DE VECINOS El spin-off de la serie de comedia de TelevisaUnivision, estrena una segunda temporada con episodios llenos de ópera, tandas VIP, vacaciones y nuevos conflictos familiares mientras sus protagonistas celebran la conexión que lograron con la audiencia.

T

V

Y

S T

RIQUÍSIMOS… POR CIERTO

[

Por Carlos Aguillon

C

uando una producción nace como spin-off de una de las series más exitosas de la televisión mexicana, el riesgo es enorme.

El público inevitablemente compara, exige y pocas veces concede identidad propia. Sin embargo, Riquísimos… por cierto consiguió lo que parecía complicado: dejar de ser “la serie derivada de Vecinos” para consolidarse como una apuesta que encontró su propio ritmo dentro de la comedia televisiva actual.

La segunda temporada llegará con situaciones todavía más absurdas para la familia López Pérez, pero manteniendo algo que, según su elenco, ha sido clave desde el inicio: personajes honestos, cercanos y profundamente humanos.

En entrevista con la Revista Cameo, Moisés Suárez, Dany Perea e Íker Madrid compartieron deta-

54 |

lles de esta nueva entrega, que incluirá desde visitas a la ópera hasta negocios improvisados, viajes y pérdidas inesperadas.

Quien llevó gran parte de la conversación fue Moisés Suárez, uno de los pilares de este universo televisivo y también una de las voces más entusiastas sobre la evolución del proyecto. El actor adelantó que la nueva temporada apostará por ampliar el contexto de los personajes sin modificar su esencia.

“Va a traer nuevas situaciones, naturalmente muy divertidas, manteniendo el buen humor siempre”, contó el actor, quien asegura que estas nuevas aventuras traerán algo bueno. Es un ambiente que se presta para cometer algunos absurdos, algunos desatinos”, explicó entre risas.

Pero la ópera será apenas una parte del caos.

También aparecerá una “tanda VIP” que despertará

la ambición de Magdalenita y provocará que los personajes sueñen con convertirse en grandes empresarios, aunque todo termine saliendo mal. “Ya se le prende el foco a mi querida Magdalenita y empieza a verlo como un negocio”, relató Moisés.

La temporada además incluirá vacaciones en la playa y hasta la pérdida de “Don Arturo”, un burro cuya muerte detonará otra cadena de conflictos y enredos familiares.

Más allá de las situaciones absurdas, el actor considera que el verdadero secreto del éxito está en que los personajes siguen siendo los mismos que el público ha querido durante años, aunque ahora colocados en ambientes distintos.

“Los personajes son los mismos, lo que están viviendo es diferente”, explicó. “Eso nos permite ampliar situaciones sin perder la esencia”.

El éxito de la primera temporada sorprendió incluso al elenco. Moisés recordó que el estreno tuvo números muy altos en plataformas digitales desde los primeros días.

“La primera semana en YouTube el primer capítulo tuvo un millón de visualizaciones. Fue muy impactante”, confesó.

Para el actor, el fenómeno tiene mucho que ver con la experiencia del equipo creativo encabezado por Jorge Garza y Elías Solorio, quienes encontraron la manera de conservar el ADN de Vecinos mientras construían un lenguaje propio.

“Siguen siendo los mismos cocineros del gran éxito que ha sido Vecinos.

Saben perfectamente qué están haciendo”, afirmó.

Uno de los puntos más interesantes de la charla fue cómo mantener vivos personajes que llevan

tantos años en pantalla sin caer en repeticiones o caricaturas. Moisés aseguró que el trabajo consiste justamente en no traicionar la psicología de cada uno.

Ahí apareció con más fuerza la voz de Dany Perea, quien habló sobre la libertad que existe dentro del proyecto para proponer nuevas ideas y enriquecer las escenas desde la experiencia de los propios actores.

La actriz confesó que constantemente busca aportar pequeños detalles, reacciones o cambios que ayuden a que Alejandra se sienta más orgánica dentro de cada situación.

“Yo trato siempre de proponer algo que pueda sentirse más como Alejandra o que funcione mejor para la escena”, explicó.

Entre bromas, contó que el director Jorge Garza suele decirle que ya sospecha cuando llega al set sin una

propuesta nueva.

“Ya se me hacía raro que no tuvieras una propuesta”, recordó divertida.

Para Perea, gran parte de la magia de la comedia ocurre en lo que sucede entre los actores durante las grabaciones, en las reacciones espontáneas y en la química que se genera mientras la escena avanza.

“Somos nosotros los que estamos sintiendo lo que está pasando en ese momento”, explicó. “Eso hace que te nazca una u otra cosa”.

Tanto ella como Moisés coincidieron en que el humor de Riquísimos… por cierto jamás ha dependido de burlarse directamente de otras personas, algo que consideran fundamental en tiempos donde la comedia constantemente es cuestionada.

“Nunca nos hemos hecho de la burla hacia alguien más”, aseguró

Dany. “Siempre ha sido una comedia de situación”.

Moisés reforzó esa idea con una reflexión que prácticamente resume la esencia de la serie.

“La situación es lo gracioso”, dijo. “Nosotros tratamos de ser veraces en lo que estamos haciendo”.

El actor considera que cuando los personajes creen genuinamente en lo que viven, el público también conecta emocionalmente con ellos.

“Si tú te crees esa verdad, el público lo percibe”, afirmó.

Aunque Íker Madrid participó menos durante la conversación, el actor compartió que integrarse a un universo tan consolidado sí le generó nervios al principio.

“Sí tenía preocupación de cómo integrarme a un equipo que se conoce desde hace tanto tiempo”, confesó.

RIQUÍSIMOS… POR CIERTO

Dónde ver: ViX

| 55

] G N I M A E R S T Y V [

T

M A S T E R C H E F SE REINVENTA CON UNA EXPERIENCIA INMERSIVA

Con una apuesta inmersiva que permitirá observar en tiempo real cada conflicto, estrategia y momento íntimo dentro de la competencia, Disney+ y TV Azteca transforman la manera de seguir el reality gastronómico.

D

urante años, MasterChef ha sido el programa que reunió a las familias mexicanas frente a las pantallas para ver cómo un platillo podía cambiar el destino de un participante. Pero ahora, la cocina más famosa del país ya no quiere vivir únicamente en episodios semanales ni limitarse a las galas dominicales. Quiere existir todo el tiempo.

56 |

Por Carlos Aguillón Con una apuesta inédita para la franquicia a nivel mundial, Disney+ y TV Azteca presentan MasterChef 24/7, una experiencia permanente que permitirá seguir en tiempo real la vida dentro del reality culinario más exitoso de México.

La propuesta rompe con la lógica tradicional de la televisión abierta y acerca el formato a la intensidad de los grandes realities de observación

continua, aunque conservando el espíritu competitivo que convirtió a MasterChef en un fenómeno internacional.

El próximo 17 de mayo marcará el arranque de esta nueva etapa. Mientras Azteca Uno transmitirá las emisiones estelares, Disney+ abrirá una ventana ininterrumpida donde la audiencia podrá entrar a cualquier hora para observar entrenamientos, clases,

tensiones, convivencia, estrategias y hasta los silencios que ocurren cuando las cámaras de televisión tradicional normalmente dejan de grabar.

La ambición detrás del proyecto es enorme. No se trata solamente de sumar cámaras o extender horarios de transmisión; la intención es transformar la manera en que el público se relaciona con los realities.

“Hoy es el gran día en que cambia este formato a un formato 24/7, en vivo.

Ahora será diferente, es totalmente revolucionario, multiplataforma, 360, de una experiencia inmersiva”, aseguró Adrián Ortega, director general de Contenidos de TV Azteca, durante la presentación del proyecto.

El ejecutivo habló del programa como una evolución natural del entretenimiento moderno, donde las audiencias ya no se conforman con observar fragmentos editados de una historia, sino que buscan participar emocionalmente en ella. “Todo está planeado por un solo objetivo: poner a la audiencia en el centro”, afirmó.

La frase resume perfectamente la nueva filosofía detrás del formato. Porque si antes el espectador veía únicamente el resultado final de un reto culinario, ahora podrá presenciar también los nervios previos, las discusiones entre participantes, las correcciones de los chefs y el desgaste físico y emocional que implica mantenerse dentro de la competencia.

Para Ortega, la transformación también refleja una nueva etapa creativa dentro

de TV Azteca. “Estoy de una infraestructura emocionado de trabajar en tecnológica distinta.

TV Azteca porque tengo la Luis Arvizu, directivo de libertad de poder crear y Disney, explicó que el proconceptualizar cosas a paryecto representa uno de los tir de la visión de Benjamín desafíos técnicos más comSalinas”, expresó. plejos que ha enfrentado la Incluso se permitió des- plataforma en México. “Es cribir la experiencia desde la primera vez que se hace un terreno casi sensorial. en este formato en todo el “Yo pienso que hasta mundo”, afirmó. vamos a poder oler lo que Para el ejecutivo, la gran se está cocinando”, dijo diferencia de MasterChef entre risas, dejando claro frente a otros programas que la intención es de convivencia generar cercanía radica en que aquí absoluta entre existe un objeMASTERCHEF el público y los tivo concreto y Dónde ver: Tv Azteca concursantes. competitivo. “Es La producción un reality que mantendrá a Clautiene un propódia Lizaldi como consito, en donde sí se ductora principal y contará sabe para qué la gente se nuevamente con los chefs junta. Es un concurso para Zahie Téllez, Adrián Herrera buscar quién es el mejor y Poncho Cadena como chef”, señaló. jueces titulares. Sin embarLa apuesta implicó adapgo, la verdadera diferencia tar la tecnología de Disney+ estará en todo aquello para soportar una transmique el público nunca había sión permanente en tiempo visto: las horas muertas, las real, algo muy distinto conversaciones privadas, al modelo tradicional de los momentos de presión streaming bajo demanda. antes de entrar al foro y el “Las plataformas proceso real de aprendizaje nacen para que uno vea el culinario. contenido cuando quiera.

En una época donde Ahora estamos hablando los realities dominan las de algo que sucede en vivo conversaciones digitales, y que necesita capacidades Disney también entendió técnicas para mostrarse que la evolución del formientras está pasando”, mato debía ir acompañada explicó Arvizu.

El ejecutivo también adelantó que este proyecto forma parte de una estrategia mucho más amplia para fortalecer contenidos hechos específicamente para el público mexicano.

“Antes muchas producciones estaban pensadas para Latinoamérica en general. Ahora estamos enfocándonos en proyectos relevantes específicamente para México”, comentó.

La alianza entre Disney y TV Azteca se ha fortalecido en los últimos meses. Como parte del acuerdo, Disney+ ya incorporó señales como Azteca UNO -1, Azteca Deportes Network y Corazón dentro de su catálogo de canales en vivo, consolidando una oferta híbrida entre streaming y televisión tradicional.

Pero MasterChef 24/7 parece ir todavía más lejos.

Porque más allá de los números, del negocio o de la tecnología, el programa intenta responder una pregunta que hoy domina la industria del entretenimiento: ¿hasta dónde quiere entrar el público en la vida de quienes aparecen en pantalla?

La respuesta llegará cuando las cámaras se enciendan y ya no vuelvan a apagarse. | 57

T

E

A T

R

O

EDUARDO ESPAÑA

ENTRE SILENCIOS Y VERDADES EN LAS HERIDAS DEL VIENTO FOTO CARLOS MORA

] O R A T E T [

EL TEATRO: EL REFUGIO EMOCIONAL DE LALO ESPAÑA En entrevista con la Revista Cameo, el actor protagoniza "Las heridas del viento", una obra que explora los secretos familiares, la identidad y las emociones que permanecen ocultas incluso dentro de casa.

Texto y fotos Carlos Mora

60 |

C

onocido por su trabajo en la comedia y la televisión, Eduardo España se aleja nuevamente de su zona de confort para protagonizar Las heridas del viento, un intenso drama escrito por Juan Carlos Rubio que confronta al espectador con los silencios familiares, la identidad y las emociones que atraviesan generaciones.

La obra sigue a David, un hijo que tras la muerte de su padre descubre un paquete de cartas de amor escritas por otro hombre. Ese hallazgo lo lleva a buscar respuestas sobre una faceta desconocida de quien creía conocer por completo. El encuentro con el supuesto amante desencadena una conversación íntima, dolorosa y profundamente humana.

En entrevista, Lalo España confesó que el proyecto llegó a él después de acercarse al productor Ricardo Ian tras ver una de sus puestas en escena. “Le dije que quería hacer algo con él porque me gustaba mucho su trabajo y me mandó varios textos.

Cuando leí este, me encantó inmediatamente”, recordó. “Es un texto muy poderoso”.

El actor asegura que, aunque gran parte del público lo identifica con la comedia, siempre ha buscado explorar otros registros actorales. “Defiendo mucho la formación. Me gusta seguir entrenando, tomar talleres y tocar otros registros. Salirme de las zonas de confort”, compartió. Para él, el teatro sigue siendo “una prueba de fuego” para cualquier intérprete.

“La popularidad que te da la televisión puede ser enorme, pero siempre he tratado de hacer cine, teatro, doblaje y distintos formatos”, explicó. “Sí ha sido un reto desmarcarme del estigma que puede generar la comedia, pero agradezco mucho a quienes han confiado en mí para contar otras historias”.

Lejos de los personajes caricaturescos o estridentes, España encontró en Las heridas del viento un trabajo construido desde la sutileza.

LAS HERIDAS DEL VIENTO DÓNDE: Teatro Milán Del 19 de mayo al 25 de agosto.

Bajo la dirección de Anahí Allué, el actor desarrolló un personaje contenido, lleno de ironías discretas y emociones reprimidas. “Es un trabajo de mucho pincel, no de brocha gorda”, explicó. “La directora ha cuidado muchísimo el tono y la manera en que se cuenta esta historia”.

España también destacó el trabajo visual de la puesta en escena, especialmente el vestuario, inspirado en una elegancia clásica y sofisticada.

“Todo está muy cuidado. Hemos sido muy limpios y muy detallistas para construir el universo de los personajes”, señaló.

Uno de los temas centrales de la obra son los secretos familiares y las vidas ocultas detrás de la figura

paterna. Para el actor, el texto conecta con una realidad vigente: “Hay familias que no se conocen a pesar de vivir años juntos. Compartimos la mesa todos los días, pero muchas veces no sabemos qué pasa realmente en el mundo del otro”.

El actor reflexionó sobre la manera en que solemos idealizar a los padres sin detenernos a pensar en sus conflictos personales. “Vemos al padre como la figura que cumple, que provee, que saca adelante a la familia.

Pero pocas veces nos preguntamos quién es realmente esa persona, qué sueños tuvo o qué cosas calló”.

España considera que la puesta no debe reducirse únicamente a una historia sobre orientación sexual.

“No podría englobarse solo en eso. Es una obra que habla de muchas cosas: de la relación con los padres, de quiénes somos y de lo que callamos”, comentó. Aun así, reconoce que el público LGBTQ+ encontrará una sensibilidad especial en la historia por la manera respetuosa y humana con la que aborda estos temas. “Claro que hace falta seguir visibilizando estas historias”, afirmó.

Además de protagonizar la obra, el actor también participa como productor, apostando por funciones en horarios alternativos para acercar el teatro a más públicos. “Con las agendas tan llenas que todos tenemos, encontrar un espacio para el teatro se vuelve casi un santuario”, dijo.

En tiempos marcados por la inmediatez y las pantallas, Lalo España define al teatro como “un oasis”.

“La gente cada vez pone menos atención. Todo es rápido, todo es el celular. Por eso el teatro es tan valioso: porque te obliga a detenerte y dejarte tocar el corazón”.

“El teatro es un refugio, un remanso y un tesoro que hay que cuidar muchísimo”, concluyó el actor, quien además continúa trabajando en nuevos proyectos de televisión, cine y plataformas digitales, mientras sigue apostando por historias capaces de conmover desde la intimidad. | 61

]

LAS HERIDAS DEL VIENTO

T

E

A T

R

O

EL VIAJE EMOCIONAL DE MARKIN LÓPEZ

[

Durante una entrevista con la Revista Cameo, el actor reflexiona sobre el reto emocional de interpretar una historia marcada por los silencios, la identidad y las heridas familiares.

Texto y foto Carlos Mora

E

LAS HERIDAS DEL VIENTO DÓNDE: Teatro Milán Del 19 de mayo al 25 de agosto.

62 |

l actor se adentra en uno de los personajes más íntimos y complejos de su carrera con Las heridas del viento, una puesta en escena que confronta los silencios familiares, la identidad y las verdades que muchas veces permanecen ocultas incluso después de la muerte.

En entrevista con la Revista Cameo, el actor habló sobre el reto emocional de interpretar a David y sobre cómo la obra conecta con preguntas universales acerca de quiénes son realmente las personas que creemos conocer.

La obra, escrita por el dramaturgo español Juan Carlos Rubio, sigue la historia de David, un hombre que tras la muerte de su padre descubre unas cartas de amor escritas por otro hombre. Ese hallazgo lo lleva a emprender una búsqueda para conocer al misterioso autor de las cartas: Juan, personaje interpretado por Eduardo España.

“David es un hombre que, después de la muerte de su padre, empieza a descubrir que quizá nunca lo conoció realmente”, explicó Markin.

“Eso fue lo que más me atrapó

del personaje: preguntarme si de verdad conocemos a nuestros padres, a nuestras madres o incluso a las personas más cercanas”.

El histrión confesó que la historia resonó profundamente con experiencias personales y con la idea de que siempre existen partes ocultas en quienes amamos. “Me conectó mucho esta premisa de pensar quién era tu padre antes de que tú llegaras al mundo. Sus miedos, sus fantasías, sus deseos… hay muchas cosas que probablemente nunca terminamos de conocer”.

Además del conflicto familiar, la obra aborda la represión emocional y las vidas construidas desde el silencio.

Para Markin, aunque la sociedad ha avanzado en temas de diversidad y libertad, aún existen muchas personas que continúan ocultando aspectos esenciales de sí mismas.

“No vale la pena vivir escondiéndonos o siendo lo que los demás esperan. Mientras más historias como esta se cuenten, más podremos entendernos y aceptar quienes somos”, comentó.

Sobre trabajar junto a España, el actor aseguró que ha sido una experiencia enriquecedora, especialmente porque el público suele identificar a Lalo con la comedia.

“Aquí estamos explorando un lugar mucho más profundo y emocional. Sí hay momentos ligeros, pero el corazón de la obra está en este conflicto humano muy honesto”.

Durante la conversación, Markin también reflexionó sobre el estado actual del teatro en México y celebró que existan nuevas generaciones interesadas en contar historias distintas. “Han querido matar al teatro desde hace siglos y aquí sigue. Ninguna inteligencia artificial va a reemplazar la experiencia de ver actores en vivo”.

El actor habla sobre "Las heridas del viento", una obra que confronta los secretos familiares, la relación entre padres e hijos y las emociones masculinas que pocas veces se dicen en voz alta.

Texto y foto Carlos Mora

| 63

T

E

A T

R

O

]

CLAUDIO MORALES: HERIDAS HEREDADAS EN SILENCIO

el productor otra y yo otra.

Lo interesante fue empatar todas esas perspectivas”, comenta. Esa colaboración terminó por enriquecer una obra que evita los juicios fáciles y se enfoca en la complejidad emocional de sus personajes.

Uno de los aspectos que más entusiasma a Morales es trabajar junto a Eduardo España, actor ampliamente identificado con la comedia, pero que aquí explora un registro mucho más dramático. “Es un ser humano muy generoso. Más que preocuparse por él mismo, se preocupa por el producto y por sus compañeros”, dice. Lejos de los reflectores individuales, el actor asegura que el montaje funciona gracias a la sinergia del elenco.

Más allá del drama familiar, el actor considera que la obra conecta con una conversación poco explorada en el teatro y la cultura popular: la relación con el padre. “Todo el tiempo hablamos de la madre en canciones, películas y obras, pero muy poco del padre”, reflexiona. Para Morales, la obra confronta directamente al espectador con una pregunta incómoda: “¿Qué tanto conoces realmente a tu padre?”.

En ese sentido, Las heridas del viento no sólo revisita secretos familiares; también cuestiona los modelos de masculinidad heredados y la incapacidad emocional de muchas generaciones para expresar afecto. La obra se vuelve entonces un espejo incómodo para quienes crecieron bajo estructuras rígidas donde el silencio era parte de la educación sentimental.

[

E

n tiempos donde las historias familiares parecen filtrarse únicamente a través de las redes sociales y la inmediatez digital, Las heridas del viento apuesta por algo más íntimo: sentar a dos hombres frente a frente para hablar de aquello que nunca se dijo. La obra escrita por Juan Carlos Rubio revive en escena los secretos, las ausencias y las heridas emocionales que atraviesan la relación entre padres e hijos, un tema que, para Claudio Morales, sigue siendo profundamente vigente.

La historia comienza tras la muerte del padre de David, quien descubre un paquete de cartas de amor escritas por otro hombre. La revelación lo obliga a buscar respuestas y enfrentarse a una verdad desconocida sobre la vida de su padre. A partir de ese encuentro, la obra se convierte en un intenso duelo emocional sobre identidad, masculinidad y memoria.

Morales, quien alterna el papel de David, explica que la construcción del personaje partió del contexto emocional y social en el que fue criado. “Es hijo de un militar, tiene una educación sumamente pragmática.

No se muestran mucho los sentimientos dentro de la familia y eso fue fundamental para entenderlo”, comparte el actor. Para él, el personaje vive atrapado entre lo que siente y aquello que aprendió a callar.

El actor también destaca el proceso creativo detrás del montaje, donde distintas miradas se encontraron para darle forma al personaje. “La directora tenía una visión,

] O R A T E T [

LA LEYENDA DE LA NAHUALA SALTA DEL CINE AL TEATRO A dos décadas de su estreno, el clásico de animación mexicana sigue vigente y ahora salta al teatro, donde su historia cobra nueva vida en escena, dice en entrevista con la Revista Cameo.

Por Carlos Mora

A

20 años de su estreno, La Leyenda de la Nahuala continúa siendo uno de los títulos más representativos de la animación mexicana.

Lo que comenzó como una producción independiente, realizada con recursos limitados y sin grandes certezas industriales, terminó convirtiéndose en una obra que ha atravesado el 64 |

tiempo, las plataformas y ahora también el escenario teatral, consolidándose como un fenómeno que ha acompañado a varias generaciones.

“Lo hicimos con poco dinero, sin experiencia, pero con mucho corazón, y ese tipo de cosas trascienden”, recuerda su creador, Ricardo Arnaiz, al reflexionar sobre el origen del proyecto. Para el director,

el paso de los años no solo ha traído reconocimiento, sino también una perspectiva distinta sobre el impacto real de la película.

“Es un shock cuando llega alguien de 32 años y te dice que la vio cuando tenía 12. No puedes creer cómo pasa el tiempo, pero es una satisfacción enorme ver que sigue viva”, añade.

Con el paso del tiempo, la película ha encontrado

nuevas formas de permanencia. Primero a través de su circulación constante en televisión y plataformas digitales, y ahora con una adaptación teatral que ha ampliado su universo narrativo. Lejos de ser una simple extensión, la obra escénica representa una reinterpretación que traslada a los personajes a un lenguaje completamente distinto.

“Yo no me imaginaba la Nahuala en otro formato que no fuera el cine, pero cuando hicimos pruebas entendí que podía trascender sin perder su esencia”, explica Arnaiz. La transición al teatro implicó un proceso creativo complejo, en el que el equipo tuvo que repensar cada elemento desde cero, desde el vestuario hasta la actuación. “Estuve supervisando el diseño de vestuario, cuidando que los actores se parecieran a los personajes, les mostramos la película para que entendieran sus actitudes, pero al final ellos lo hacen suyo”, comenta.

En escena, los personajes dejan de ser únicamente una reproducción de la animación para convertirse en entidades vivas que cambian con cada función.

La improvisación y la interacción con el público se volvieron elementos centrales del montaje. “Ellos hacen suyo el personaje.

En esencia es lo mismo, pero en vivo es diferente, es impredecible”, señala el director.

Uno de los aspectos más destacados de esta nueva etapa es la reacción del público infantil, que no solo observa, sino que participa activamente en la historia.

“Es muy bonito ver las

caritas de los niños, cómo se paran, cómo quieren ayudar a los personajes, cómo les gritan, cómo los animan desde su asiento.

Eso en el cine no se puede lograr”, explica Arnaiz.

Para él, esa participación transforma por completo la experiencia. “Se meten en la historia, quieren subir al escenario, quieren ser parte. Eso es algo que el teatro permite y que lo hace muy especial”.

La obra ha generado también un fenómeno intergeneracional inesperado. Padres que crecieron con la película ahora llevan a sus hijos al teatro, creando una experiencia compartida que mezcla nostalgia y descubrimiento.

“Es muy bonito ver cómo los fans que la vieron de niños ahora regresan con sus hijos. Es como si volvieran a su infancia mientras los niños están descubriendo algo nuevo”, comenta el director.

Este reencuentro entre generaciones ha reforzado la vigencia de la historia, que no solo se mantiene en circulación, sino que adquiere nuevos significados con el paso del tiempo.

“La gente la sigue viendo, sigue interesándose. Es una película que ha trascendido porque conecta

con algo muy básico: la cultura, las leyendas, lo que somos”, añade.

En un contexto donde el consumo audiovisual se ha desplazado hacia plataformas digitales y dispositivos personales, Arnaiz insiste en la importancia de las experiencias colectivas. “El teatro y el cine son actividades sociales. No puedes pausar la historia ni verla a medias. Tienes que estar ahí, presente”, reflexiona.

Para el director, este tipo de espacios siguen siendo fundamentales, especialmente para las nuevas generaciones que crecen en entornos cada vez más individualizados.

A lo largo de estos 20 años, la película no solo ha mantenido su presencia, sino que ha crecido en alcance y significado. “Es la saga más importante del cine mexicano de animación. Ha conquistado ya dos o tres generaciones”, afirma Arnaiz. Ese impacto, dice, no puede explicar-

se únicamente desde lo técnico o lo industrial, sino desde la conexión emocional que ha logrado establecer con el público.

El universo de La Leyenda de la Nahuala continúa expandiéndose. Arnaiz adelanta que ya trabaja en nuevos proyectos dentro de la animación y la ficción, algunos ligados a este mismo universo y otros completamente distintos. “Me gusta contar historias. Ya sea en cine o en teatro, lo importante es que sigan conectando con la gente”, señala.

Hoy, a dos décadas de su estreno, la Nahuala no solo es una película que se recuerda, sino una historia que sigue ocurriendo en distintos formatos, con nuevas voces y nuevas miradas. Un relato que, lejos de cerrarse, continúa reinventándose frente a públicos que la descubren por primera vez o la reencuentran desde la nostalgia. | 65

] O R A T E T FOTOS CARLOS MORA

[

NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN DÓNDE: Foro Principal, Foro Shakespeare Los martes hasta el 8 de julio

NUNCA HE ESTADO EN DUBLÍN: APARIENCIAS, CULPAS Y VERDADES INCÓMODAS HAY FAMILIAS que convierten la cena navideña en un campo de batalla silencioso. En Nunca he estado en Dublín, la mesa está servida con resentimientos, secretos y expectativas que llevan años acumulándose bajo una falsa idea de armonía. La obra escrita por Markos Goikolea, adaptada y dirigida por Marco Pacheco, toma esa incomodidad familiar tan reconocible y la transforma en una comedia punzante, incómoda y profundamente humana.

La historia comienza con el regreso de Verónica (Daniela Méndez. ) después de tres años viviendo en Londres. Lo que aparenta ser una oportunidad para reconstruir vínculos termina detonando una serie de tensiones que nunca desaparecieron realmente.

Luz María (Mónica Huarte ) y Javier (Silverio Palacios), los padres, intentan sostener la imagen de una familia funcional mientras Martín (Miguel Tercero ) observa

66 |

cómo todo empieza a resquebrajarse. La gran virtud del montaje está en cómo convierte lo cotidiano en un espejo feroz: pequeños comentarios, silencios incómodos y gestos aparentemente insignificantes revelan heridas emocionales mucho más profundas.

El humor funciona como la herramienta más filosa de la puesta en escena. El público ríe constantemente, pero detrás de cada momento cómico existe una sensación de tristeza difícil de ignorar. La obra entiende perfectamente que las dinámicas familiares suelen estar construidas sobre afectos torcidos, culpas heredadas y expectativas imposibles de cumplir. Ahí aparece la pregunta central de la historia: ¿cuánto de nuestra vida realmente nos pertenece y cuánto está moldeado por lo que otros esperan de nosotros?

La dirección de Marco Pacheco apuesta por un ritmo ágil que permite

que los diálogos fluyan con naturalidad, evitando caer en dramatismos excesivos. Cada personaje parece atrapado entre la necesidad de ser amado y el miedo a decepcionar.

Esa contradicción vuelve a Nunca he estado en Dublín especialmente cercana para cualquiera que haya sentido el peso emocional de una familia intentando aparentar estabilidad mientras todo se derrumba por dentro.

Más que una simple comedia familiar, la obra se convierte en una reflexión sobre la identidad, la frustración y los vínculos rotos que muchas veces preferimos maquillar antes que enfrentar. Entre risas incómodas y confesiones inesperadas, Nunca he estado en Dublín encuentra su mayor fuerza en recordarnos que crecer también implica cuestionar las versiones de nosotros mismos que otros construyeron primero.

M

Ú

S

I

C

MÍA RUBÍN

A

FORJANDO SU PROPIO CAMINO EN PLENA TRANSFORMACIÓN

] A C I S Ú M [

H

ay artistas que nacen buscando un reflector. Y hay otros que nacen aprendiendo a sobrevivir dentro de él.Para Mía Rubín, crecer frente a las cámaras nunca fue opcional. Desde niña, su apellido la convirtió en parte de una conversación pública constante. Ser hija de Andrea Legarreta y Erik Rubín implicó crecer entre escenarios, foros, titulares y expectativas ajenas. Pero hoy, a sus 21 años, la artista parece haber encontrado algo mucho más importante que la aprobación externa: su propia voz.

Y Lento es, quizá, la primera gran prueba de ello. “Ahora sí estoy contando algo con mi música”, dice con una sonrisa que mezcla emoción y alivio a la Revista Cameo.

“Me emociona muchísimo que la gente conozca este mundo que estoy creando porque, por primera vez,

siento que estoy escribiendo mi propia historia”.

La frase resume perfectamente el momento que atraviesa. Porque aunque Mía ya había lanzado música anteriormente, este nuevo sencillo representa un cambio más profundo: uno sonoro, visual y emocional.

Lejos de los boleros con los que comenzó a explorar la música, ahora abraza un pop femenino, brillante y juguetón, influenciado por el afrobeat y el dembow, géneros que, asegura, conectan mucho más con la mujer en la que se está convirtiendo.

“El pop siempre ha sido parte de mi vida. Era inevitable llegar aquí porque es lo que más resuena conmigo ahorita”, ha contado recientemente.

En Lento, Mía canta sobre ese amor fantasioso que uno imagina antes de vivir el amor real. Ese sentimiento ingenuo donde existen príncipes

azules, crushes imposibles y finales perfectos.“Queríamos hablar de este amor medio inocente que uno idealiza cuando todavía no ha experimentado realmente el amor”, explica.

La inspiración llegó durante una sesión de composición junto a María Centeno, cuando ambas comenzaron a recordar sus primeros enamoramientos ficticios. “Mi primer crush de la vida era el príncipe Eric de La Sirenita”, dice entre risas. “Y de ahí salió toda esta conversación sobre los amores imposibles”.

No es casualidad, entonces, que el videoclip tenga una estética sirenesca y fantástica. Lo sorprendente es que gran parte del universo visual fue creado con Inteligencia Artificial, aunque detrás hubo meses de trabajo artesanal y una obsesión casi quirúrgica por los detalles.

“Todo era real: el vestido, el maquillaje, mi pelo, incluso una cicatriz que tengo desde

niña aparece en el video.

Grabamos durante horas para que la Inteligencia Artificial pudiera capturar absolutamente todo”, cuenta.

El resultado terminó convirtiéndose en uno de los videos más ambiciosos de su carrera. Ballenas gigantes, medusas flotando y un océano surrealista acompañan una narrativa visual que parece salida de un sueño.

Pero lograrlo no fue sencillo. “Había momentos en los que pensábamos: esto puede verse increíble o puede verse muy chafa. Entonces teníamos que hacerlo perfecto”, admite.

El proyecto fue dirigido por Ricardo Pérez, quien, según Mía, pasó semanas estudiando herramientas de IA para lograr el resultado que imaginaban. Y aunque reconoce el debate que existe alrededor de esta tecnología, también defiende su potencial creativo.

Mía Rubín

EL COMIENZO DE UNA HISTORIA P Visuales de sirenas, pop con afrobeat y una narrativa más personal: “Lento” marca una etapa íntima donde la cantante se aleja de su apellido famoso para mostrarse tal cual es.

Por Carlos Aguillón

68 |

n

PROPIA

“Entiendo la preocupación de que la inteligencia artificial pueda reemplazar cosas humanas, pero también nos permite crear mundos que antes eran imposibles para artistas jóvenes que no tenemos presupuestos gigantescos”.

La canción también representa una evolución emocional. Después de años enfrentando críticas relacionadas con el famoso término “nepobaby”, Mía asegura que aprendió a dejar de buscar aprobación.

“Lo más importante fue dejar de pensar en lo que esperaba la gente de mí y preguntarme qué quería hacer yo”, confesó. “Hay canciones que salen muy rápido, pero las más difíciles son las que hablan de tus demonios o de cosas muy vulnerables. Ahí sí tienes que abrirte completamente”, reconoce.

Por ahora, su prioridad absoluta es la música. Tiene alrededor de 20 canciones en proceso y planea lanzar sencillos de manera constante antes de reunirlos eventualmente en un álbum conceptual.

“Estoy aprendiendo a balancear la doble vida… pero estoy feliz”, dice.

Y quizá ahí está la verdadera transformación de Mía Rubín. No en dejar atrás el apellido que inevitablemente la acompaña, sino en entender que ya no necesita escapar de él para demostrar quién es. Porque finalmente encontró el espacio para ser simplemente ella.

| 69

] A C I S Ú M [

D

espués de dos décadas de carrera, Motel volverá a encontrarse con su público en dos conciertos especiales que celebran la historia de una de las agrupaciones más representativas del pop rock mexicano de los años 2000. Guillermo “Billy” Méndez y Rodrigo Dávila Chapoy anunciaron su regreso a los escenarios con presentaciones en el Teatro Metropólitan.

La noticia llega veinte años después del debut de la banda con temas como Dime Ven y Olvídame, canciones que marcaron a toda una generación y que, según los músicos, siguen encontrando nuevos escuchas con el paso del tiempo.

Durante una conferencia de prensa, Billy y Rodrigo compartieron la emoción que les provoca regresar a los escenarios juntos. Ambos coincidieron en que estos conciertos representan una celebración de la cone-

M O T E L

Y SU REGRESO MÁS NOSTÁLGICO Billy Méndez y Rodrigo Dávila celebran 20 años de trayectoria con una serie de conciertos que marcarán su regreso a los escenarios junto a la generación que creció con sus canciones.

Texto y foto Carlos Mora xión que han construido con el público a lo largo de los años.

“Queremos que la gente salga afónica y con los pies cansados”, comentaron entre risas al hablar sobre el espíritu de los shows, los cuales prometen un recorrido por los temas más emblemáticos de su trayectoria.

Más allá de la nostalgia, los integrantes reflexiona-

ron sobre el crecimiento personal y profesional que han vivido desde sus inicios. Rodrigo Dávila reconoció que, aunque el proyecto comenzó cuando eran muy jóvenes, hoy enfrentan esta nueva etapa con mayor experiencia y tranquilidad.

“Seguimos teniendo la misma pasión por hacer música”, expresó el vocalista, quien también

destacó cómo las canciones han adquirido nuevos significados conforme el público ha crecido junto a la banda.

Billy Méndez, por su parte, aseguró que uno de los aspectos más emocionantes ha sido ver cómo los fans han acompañado a Motel a través de distintas etapas de sus vidas. “Hay personas que nos escuchaban siendo adolescentes y ahora llegan a los conciertos con sus hijos”, relató.

Los músicos también hablaron sobre la evolución de la industria musical y el impacto de las redes sociales y los algoritmos en la forma de consumir música. Sin embargo, coincidieron en que el vínculo real con el público sigue construyéndose en vivo, arriba del escenario.

Con esta serie de conciertos, Motel no solo celebra veinte años de trayectoria, sino también la permanencia de un proyecto que ha sabido mantenerse vigente entre distintas generaciones.

PRESENTE EN LOS MEJORES EVENTOS

EL ESPACIO QUE TU MARCA MERECE Presencia garantizada en web, redes y newsletters

Informes: cameo.revista@gmail.com o al cel. 5510166388

CINE · TV Y STREAMING · TEATRO · MÚSICA

] A C I S Ú M [

L

aura Pausini ya no necesita demostrar nada. Después de más de 30 años de carrera, Grammys, discos en cinco idiomas y escenarios conquistados alrededor del mundo, la cantante italiana podría conformarse con vivir de la nostalgia. Pero en su nueva gira, Yo Canto 2, World Tour, decidió hacer lo contrario: regresar al escenario para recordar de dónde viene, homenajear a los artistas que la inspiraron y reconectar con el público desde un lugar profundamente íntimo.

La cantante aterrizó en la Arena CDMX, dentro de una gira que recorrerá América y Europa hasta finales de 2027, con más de 50 fechas confirmadas en diversos países.

Pero lejos de sentirse como una artista inalcanzable, Pausini apareció vulnerable, emocional y entregada. “Estoy muy feliz de estar aquí en México. No soñé con ser una cantante famosa, de niña soñaba con ser cantante de piano bar”, confesó.

Durante tres horas y media, la italiana construyó un espectáculo pensado más como un viaje emocional que como una simple sucesión de éxitos. Hubo más de 30 canciones, diez cambios de vestuario y una escenografía gigantesca que mezclaba elementos medievales y futuristas.

La gira acompaña el lanzamiento de Yo Canto Vol. 2, un proyecto muy personal en el que la italiana reinterpreta canciones que marcaron su vida y rinde homenaje a figuras fundamentales de la música hispana.

En el repertorio conviven referencias a Shakira, Alejandro Sanz, Juan Luis Guerra, Joan Sebastian, Natalia Lafourcade, Celia Cruz, Ricky Martin y Bad Bunny, demostrando el enorme puente cultural que Pausini ha construido entre Italia y Latinoamérica.

Por eso el concierto no se sintió únicamente italiano ni completamente latino: fue ambas cosas al mismo tiempo.

La cantante pasó de clásicos como La soledad, Amores extraños, Víveme y Se fue, a homenajes inesperados como La vida es un carnaval, Gracias a la vida, Livin’ la Vida Loca en versión Spanglish y Hasta la raíz, integrados en un show diseñado para conectar generaciones y geografías distintas.

También hubo invitados especiales.

La española Ana Torroja apareció para interpretar Hijo de la luna, en uno de los momentos más ovacionados de la noche, mientras que el italiano Achille Lauro subió al escenario para cantar 16 de marzo.

Más allá de la producción, lo que terminó marcando la velada fue la honestidad de Laura. La altura de la Ciudad de México le provocó problemas para respirar y tuvo que recurrir al oxígeno detrás del escenario, algo que no impidió que regresara una y otra vez para continuar el concierto.

Sin embargo, lejos de ocultarlo, convirtió ese momento de vulnerabilidad en otra forma de cercanía con el público.

“Imagínense todas las veces que subo al escenario y veo a todas esas personas que son mías y yo de ustedes. Cómanme, utilícenme”, dijo entre risas y aplausos, reafirmando el vínculo emocional que mantiene con México desde hace décadas.

Ese mismo tono confesional atravesó buena parte del concierto. La cantante habló de relaciones, del paso del tiempo y de las heridas emocionales que sobreviven incluso después del éxito. “La vida continúa y la persona que nos espera no debe de hacernos daño”, soltó en uno de los momentos más íntimos del show.

Hoy, mientras muchas giras apuestan por el impacto visual o la nostalgia fácil, Pausini parece haber encontrado otra ruta: la memoria emocional. Su tour no busca demostrar vigencia; busca celebrar todo aquello que la convirtió en una artista universal.

Laura Pausini SU NUEVA GIRA, UNA CARTA DE AMOR En México, tres horas y media de amor: 30 canciones y tres décadas de música.

Por Carlos Aguillón

72 |

] A C

L

a agrupación colombiana Monsieur Periné volvió a encontrarse con el público mexicano en una conferencia de prensa previa a su presentación en el Teatro Metropólitan, donde Catalina García y Santiago Prieto compartieron la emoción de regresar a una ciudad con la que, aseguran, mantienen un vínculo especial desde hace años.

“Aquí nos sentimos en casa”, expresó Catalina al recordar las múltiples visitas que han realizado a México y el cariño constante que reciben de sus seguidores.

El regreso llega acompañado de Instrucciones para ser Feliz, su quinto álbum de estudio, un trabajo que marca una nueva etapa

sonora para la banda. Sin abandonar el swing, el jazz y la elegancia musical que han caracterizado su trayectoria, el grupo decidió explorar ritmos urbanos, texturas electrónicas y sonidos afrolatinos. “Nos gusta explorar y vestir la música de distintas maneras”, comentó Santiago Prieto sobre esta evolución artística que, lejos de romper con su esencia, amplía el universo sonoro de Monsieur Periné.

Durante la charla, Catalina profundizó en el concepto emocional detrás del disco, inspirado en la necesidad de encontrar calma y belleza en medio de un mundo caótico. Para la cantante, la felicidad no es un estado permanente ni una fórmula sencilla, sino

una construcción cotidiana hecha de pequeños rituales: dormir bien, guardar silencio, respirar, preparar café por las mañanas o agradecer antes de dormir. “Hay que crear espacios donde uno pueda sentirse presente”, compartió la vocalista, quien también habló sobre la ansiedad, el cansancio emocional y la importancia de poner límites personales en tiempos dominados por la hiperconectividad.

El álbum también funciona como un homenaje a la identidad y la sensibilidad latinoamericana. La banda mencionó la influencia de figuras como Gabriel García Márquez y Chavela Vargas, referentes que atraviesan el imaginario poético del proyecto. Catalina explicó

que el disco nace de una pregunta constante sobre qué significa realmente vivir en “el país de la felicidad”, una idea que quisieron cuestionar y reinterpretar desde la música y la emoción.

Con casi dos décadas de trayectoria, Monsieur Periné aseguró sentirse en un momento de equilibrio creativo. Más allá de las metas o los grandes escenarios, la agrupación celebró la posibilidad de seguir haciendo música, conectar con nuevas generaciones y construir conciertos donde el público pueda cantar, bailar y sentirse abrazado por las canciones. Su regreso al Teatro Metropólitan promete justamente eso: una noche de celebración, nostalgia y nuevos comienzos. | 73

M

Ú

S

I

La banda colombiana presentó en CDMX su nuevo disco sobre amor, ansiedad y bienestar.

Texto y foto Carlos Mora

[

ENTRE JAZZ, NOSTALGIA Y CALMA: EL REGRESO DE MONSIEUR PERINÉ

] A C I S Ú M [

¡LOS IMPERDIBLES!

] A [

M

Ú

S

I

C

El grupo revive el universo de "La calle de las sirenas" con un show drag e inmersivo. En entrevista con la Revista Cameo, Federica y René Ortiz hablan del legado del tema y la libertad del pop.

H

Por Carlos Aguillón

ay canciones que pertenecen a una época. Otras, en cambio, consiguen algo mucho más extraño: sobre viven al tiempo, atraviesan generaciones y terminan convirtiéndose en símbolos emocionales. La calle de las sirenas de Kabah pertenece a esa categoría. Treinta años después de su lanzamiento, la canción sigue instalada en la memoria colectiva del pop latinoamericano como un himno imposible de borrar. Lo que comenzó en los años noventa como un tema colorido sobre unicornios, sirenas y mundos fantásticos, hoy adquiere una nueva dimensión para la agrupación: la de una canción que siempre habló de libertad.

“Originalmente viene inspirada por encontrar un lugar como La calle de las sirenas, es decir, un mundo libre. Ahora entendemos que esa idea es la médula espinal de este concierto que estamos preparando con grandes dragas”.

Y justamente esa libertad es la que Kabah quiere celebrar con Ocrilú, el espectáculo que llegará a la Arena Ciudad de México.

“Va a ser un show de muchísimo color, mucha fantasía e inmersión”, adelanta Federica. “Habrá grandes estrellas drag, DJ´s y una mezcla muy distinta con las canciones del grupo. Nos gusta innovar, nos gusta emocionar a la gente y creo que este espectáculo tiene justo esa magia”.

Para Kabah, este aniversario representa también una oportunidad para resignificar el legado de una agrupación que marcó la cultura pop mexicana de los noventa.

Formados en 1992 por Federica y Andrés Quijano junto a Daniela Magun, René Ortiz, Sergio O’Farrill y María José, el grupo apostó desde el inicio por un universo visual surrealista.

El grupo construyó un lenguaje propio que terminó conectando con públicos que encontraban en esa estética una forma distinta de representación.

TRES DÉCADAS DE CAMINAR ENTRE UNICORNIOS Y SIRENAS

El gran punto de quiebre llegó en 1996 con el lanzamiento del álbum La calle de las sirenas, considerado uno de los discos pop más importantes de la década en México. El álbum vendió más de un millón de copias en el país y superó los dos millones y medio a nivel internacional. La canción principal permaneció durante semanas en los primeros lugares de popularidad y hoy acumula más de 289 millones de reproducciones en Spotify, una cifra que confirma la permanencia del fenómeno tres décadas después.

Lo más curioso es que el tema estuvo a punto de no existir. Los integrantes han contado en distintas ocasiones que inicialmente consideraban la canción demasiado infantil y dudaban sobre incluirla en el disco. Fue el productor Marco Flores quien insistió en que ahí estaba el futuro de la agrupación. El tiempo terminó dándole la razón.

“Creo que hoy entendemos mejor por qué la canción conectó tanto”, reflexiona René. “La gente encontró un lugar seguro dentro de esa fantasía y eso sigue pasando hasta ahora cuando vamos a conciertos y vemos cómo nuevas generaciones la siguen cantand”.

Federica coincide. Para ella, el espectáculo de Ocrilú representa también una forma de abrazar la relación histórica que Kabah ha tenido con la comunidad LGBT+, incluso desde años donde esa conversación todavía no existía abiertamente dentro de la industria musical mexicana.

“Es la primera vez que tenemos una conexión tan directa con la comunidad dentro de un show de este

tipo y nos emociona muchísimo”, explica. “También es muy bonito entender que, aunque quizá no lo verbalizábamos así en los noventa, éramos una banda que defendía la libertad y la diferencia desde el pop”.

La cantante reconoce que el proyecto comenzó a tomar forma cuando los productores se acercaron con Apio Quijano para desarrollar la propuesta artística.

“Cuando vimos todo lo que querían hacer nos impresionó muchísimo”, cuenta. “Hay una inversión enorme detrás de este proyecto y todo está pensado para crear una experiencia completamente distinta”.

“Tendremos interacción con las dragas y el setlist todavía lo seguimos armando”, adelanta Federica. “Los outfits van a estar increíbles.

Le estamos echando muchísimas ganas al vestuario porque queremos que todo se vea espectacular. Además serán más de dos horas de show”.

Aunque el grupo continúa presentándose en conciertos, Kabah reconoce que esta etapa llega en un momento distinto para la industria musical. Federica recuerda cómo en los años noventa un álbum podía permanecer vigente durante años, algo impensable en la era del streaming y las tendencias fugaces.

“Antes hacías un disco y te duraba dos años. Sacabas muchísimos sencillos y todo tenía otro ritmo”, recuerda.

“Ahora la música cambia rapidísimo y nosotros seguimos aprendiendo a movernos dentro de es nueva dinámica”.

Sin embargo, hay canciones que parecen inmunes al paso del tiempo. La calle de las sirenas es una de ellas. | 77

] A C I S Ú M [

C

uando Álex Ubago escribió las canciones de ¿Qué pides tú? apenas era un joven de San Sebastián que soñaba con dedicarse a la música. No imaginaba que aquellas letras nacidas desde la intimidad de su habitación terminarían convirtiéndose en himnos sentimentales para millones de personas en el mundo hispano.

Mucho menos que, 25 años después, seguiría recorriendo escenarios internacionales gracias al impacto de un disco que transformó su vida para siempre.

Hoy, convertido en uno de los cantautores más reconocidos del pop romántico en español, el artista atraviesa un momento profundamente simbólico con la gira internacional que conmemora el aniversario de aquel álbum debut que marcó el inicio de una carrera sólida y emocionalmente cercana al público.

“Cuando lancé ese disco jamás pensé que iba a seguir cantando estas canciones después de tantos años”, confesó recientemente durante su visita a México, país clave dentro de su trayectoria artística.

“Lo más bonito es que ahora las canta gente que creció conmigo y también generaciones más jóvenes que las han descubierto con el tiempo”, agregó.

El intérprete de “Sin miedo a nada” comenzó su carrera profesional a principios de los años 2000 luego de ser descubierto gracias a una maqueta de canciones que rápidamente llamó la atención de la industria musical española. Aquella producción terminaría convirtiéndose 78 |

en ¿Qué pides tú?, álbum publicado en 2001 y considerado hoy uno de los discos más exitosos del pop español contemporáneo.

Con temas como “Sabes”, “Dame tu aire”, “¿Qué pides tú?” y “Sin miedo a nada”, Ubago logró algo poco común para un artista debutante: conectar de manera inmediata con América Latina y España al mismo tiempo. El disco superó millones de copias vendidas y consolidó al cantante como una de las voces más importantes de su generación.

Su relación con México ha sido una de las más importantes de toda su carrera. El propio cantante reconoce que el público mexicano fue determinante para consolidar su presencia internacional desde el inicio. “México me abrió las puertas de una manera impresionante. Aquí las canciones crecieron muchísimo y eso nunca lo voy a olvidar”, comentó.

Durante sus recientes conciertos en territorio mexicano, Ubago no sólo interpretó completo el álbum ¿Qué pides tú?; también

nera que tenía de expresar cosas que me costaba decir”, relató durante su show en el Teatro Metropolitan.

Lejos de los excesos visuales o las producciones monumentales, el español continúa apostando por conciertos donde la música y las emociones son protagonistas. Acompañado por seis músicos y su guitarra, ha logrado sostener una carrera basada principalmente en la conexión sentimental con sus seguidores.

“Hay canciones que ya no me pertenecen completamente. La gente las hizo

ÁLEX UBAGO 25 AÑOS DE CANTAR “SIN MIEDO A NADA” El compositor español celebra el aniversario de "¿Qué pides tú?", el disco que lo convirtió en estrella internacional y consolidó su conexión con Latinoamérica.

Por Carlos Aguillón

A diferencia de muchos artistas surgidos durante aquella época, Ubago encontró estabilidad en la permanencia. Mientras la industria musical atravesaba cambios radicales con la llegada del streaming y las nuevas tendencias urbanas, él decidió mantenerse fiel a la esencia melódica y sentimental que definió sus primeros años.

“No tendría sentido intentar ser alguien que no soy. Siempre he defendido las canciones, las melodías y las letras”, aseguró.

aprovechó para mirar hacia atrás y compartir recuerdos de una carrera construida a partir de la cercanía emocional con el público.

En las pantallas de sus conciertos aparecieron imágenes de su infancia, videos familiares y fotografías de sus primeros años como músico. El cantante incluso recordó cómo comenzó escribiendo canciones siendo adolescente, sin imaginar que terminarían escuchándose en distintos países.

“Yo era un chico muy tímido. La música era la ma-

parte de su vida y eso es algo muy fuerte para mí”, expresó.

Además de convertirse en referente del pop romántico, Álex Ubago ha colaborado con artistas de distintos géneros y generaciones, incluyendo figuras como Amaia Montero, Luis Fonsi y La Oreja de Van Gogh, demostrando una capacidad constante para adaptarse sin perder identidad.

A lo largo de más de dos décadas de carrera, el cantante ha publicado

múltiples álbumes de estudio, discos en vivo y recopilatorios, manteniéndose vigente gracias a una audiencia fiel que continúa acompañándolo generación tras generación.

Sin embargo, el aniversario de ¿Qué pides tú? representa algo más profundo que una celebración comercial. Para Ubago, esta gira funciona como una oportunidad para agradecer el camino recorrido y reconectar con las canciones que definieron su historia personal.

“Cuando canto estos temas vuelvo a acordarme de quién era cuando los escribí. Es una sensación muy emocional”, confesó.

Uno de los momentos más emotivos de sus recientes conciertos ocurrió cuando apareció abrazando una bandera mexicana mientras agradecía el cariño del público. “Gracias por hacerme sentir parte de ustedes. Gracias porque

sigo aquí, de pie en un escenario”, dijo visiblemente conmovido.

La gira también incluye momentos acústicos donde el español rinde homenaje a artistas fundamentales de la música iberoamericana, interpretando canciones como “Siempre en mi mente”, de Juan Gabriel, y “Temblando”, de Hombres G. Mientras las tendencias musicales cambian aceleradamente y nuevos géneros dominan las plataformas digitales, Álex Ubago continúa demostrando que las canciones honestas siguen encontrando espacio entre el público. “Las modas pasan, pero las emociones permanecen”, afirmó.

Y quizá ahí radica precisamente el secreto de su permanencia: en haber construido una carrera donde las canciones no sólo se escuchan, sino que acompañan momentos específicos en la vida de las personas. | 79

] S T

I

L

O

SONOS APUESTA POR UN AUDIO QUE CRECE CONTIGO

E

L

[

V

I

D A

Y

a experiencia de escuchar música en casa sigue transformándose, y ahora Sonos presenta dos nuevas bocinas pensadas para acompañar esa evolución.

La marca anunció el lanzamiento de Sonos Play y Sonos Era 100 SL, dispositivos que refuerzan su ecosistema de sonido conectado y buscan hacer más sencillo comenzar —o expandir— un sistema de audio en casa.

Desde Santa Bárbara, California, la compañía compartió que ambos modelos fueron diseñados para integrarse entre sí y adaptarse a distintos espacios y estilos de vida. La apuesta no solo está en la calidad de audio, sino en construir una experiencia que pueda crecer habitación por habitación sin perder compatibilidad con el paso del tiempo.

SONOS PLAY: SONIDO PORTÁTIL Sonos Play llega como una de las propuestas más versátiles de la marca. Pensada para utilizarse tanto dentro como fuera de casa, combina conectividad WiFi y Bluetooth con un diseño portátil resistente al agua gracias a su certificación IP67.

Entre sus funciones destaca la posibilidad de agrupar varias bocinas incluso fuera de casa mediante Bluetooth, algo inédito dentro

80 |

de la línea Sonos. Además, ofrece hasta 24 horas de batería, tecnología Trueplay para adaptar el sonido al entorno y compatibilidad con plataformas como Spotify Connect y Apple AirPlay 2.

Su diseño incorpora una correa removible y una batería reemplazable, reforzando también la apuesta de la compañía por una mayor durabilidad de sus productos.

UNA ENTRADA MÁS ACCESIBLE AL ECOSISTEMA Por otro lado, Sonos Era 100 SL fue concebida como una alternativa más sencilla y accesible para quienes buscan integrarse al ecosistema Sonos. Con un diseño sin micrófono y funciones optimizadas, ofrece sonido envolvente y la posibilidad de crecer posteriormente hacia configuraciones estéreo o experiencias de cine en casa.

La marca enfatiza que ambos dispositivos forman parte de una estrategia enfocada en la escucha a largo plazo, con productos compatibles entre generaciones y una plataforma en constante actualización.

Sonos Play y Sonos Era 100 SL estarán disponibles en México a partir del 31 de marzo de 2026 en colores blanco y negro. El precio de Sonos Play será de 5,699 pesos mexicanos, mientras que Era 100 SL costará 3,599 pesos. Más información disponible en Sonos.

PRENSA · TOUR DE MEDIOS · RELACIONES PÚBLICAS

DALE VOZ Y VISIBILIDAD A TU PROYECTO CON ESTRATEGIAS DE COMUNICACIÓN EFECTIVAS, CREATIVAS Y PERSONALIZADAS.

· COORDINAMOS ENTREVISTAS · GIRAS DE MEDIOS · ACCIONES DE ALTO IMPACTO PARA QUE TU MENSAJE LLEGUE DONDE DEBE ESTAR: EN LOS REFLECTORES.

C A R LO S AG U I L LÓ N

C E L . 5 5.1 0.1 6.6 3.8 8

@ S O R R E N TO D E S I R E N

] O L I S T E Y D A I

JOSÉ DÍAZ “CACHITO” El cantaor español conversa con Cameo sobre "Tercio", una apuesta íntima junto a Ricardo Sánchez y Diego Álvarez “El Negro” que busca devolverle al arte jondo su profundidad emocional, lejos de lo desechable y superficial de la industria actual.

Por Carlos Aguillón

[

V

EL FLAMENCO COMO REFUGIO PARA

E

n tiempos donde la música parece consumirse a la velocidad de una pantalla que se desliza con el dedo, José Díaz “Cachito” levanta la voz para recordar que el flamenco no nació para la inmediatez. Nació para doler, para sanar, para transmitir emociones humanas que no pueden comprimirse en unos cuantos segundos virales.

El cantaor español, heredero de una tradición familiar profundamente ligada al arte jondo, atraviesa una nueva etapa creativa con Tercio, un proyecto que apuesta por regresar a la esencia más pura del flamenco. En entrevista con la Revista Cameo, Cachito habla de la necesidad de defender la autenticidad en una época marcada por la velocidad, la sobreproducción y el consumo fugaz.

“Tercio surge desde el respeto absoluto a una tradición que no solamente es música, sino una forma de sentir y de contar la vida. No queremos reinventar el fla-

menco, queremos honrarlo”, expresa el artista.

SU ORIGEN Nacido en Barcelona, José Díaz creció literalmente dentro del flamenco. Hijo del cantaor Mario Díaz, pasó su infancia rodeado de guitarras, palmas y ensayos que terminaron convirtiéndose en su escuela natural. A diferencia de otros músicos formados en academias, su aprendizaje ocurrió directamente sobre los escenarios.

“Yo realmente nunca elegí esta carrera porque el flamenco siempre estuvo ahí. Desde niño formaba parte de mi día a día, de mi familia, de nuestros juegos y nuestra forma de convivir.

Con el tiempo entendí que el flamenco no era solamente algo que admiraba, sino algo que ya vivía dentro de mí”, recuerda.

Aquella conexión temprana con el cante lo llevó a pisar un escenario por primera vez a los 11 años junto a su padre. Desde entonces, su voz ha recorri-

do algunos de los recintos y festivales más importantes del mundo, consolidándose como una de las figuras más respetadas del flamenco contemporáneo.

Su carrera incluye presentaciones en escenarios emblemáticos como el Lincoln Center de Nueva York, el Palacio de Bellas Artes y el Auditorio Nacional en México, además del Teatro Semperoper de Dresde, el Teatro Calderón de Madrid y el Teatro José Martí de Cuba.

También ha formado parte de encuentros internacionales como el Festival Internacional Cervantino, el Festival Internacional de Flamenco de Vancouver, el Festival Mont de Marsan en Francia, el Festival Ibérica Contemporánea en Querétaro y el Festival Internacional Santa Lucía de Monterrey.

A lo largo de ese recorrido, Cachito ha compartido escenario con figuras fundamentales del flamenco como Antonio Canales, Mercedes Anaya, La Lupi, Alfonso Losa, José Maya y María Juncal,

además de colaborar en proyectos que cruzan fronteras musicales, incluyendo producciones operísticas y fusiones con otros géneros.

Uno de los momentos más recordados de su trayectoria ocurrió en 2015, cuando interpretó junto a Juan Gabriel una versión flamenca de “Déjame”, experiencia que abrió nuevas posibilidades creativas sin traicionar la esencia del género.

Ahora, con Tercio, el cantaor vuelve deliberadamente hacia la raíz. El proyecto, desarrollado junto al guitarrista Ricardo Sánchez y el percusionista Diego Álvarez “El Negro”, nace como una respuesta artística frente a la superficialidad contemporánea.

“Hoy todo parece necesitar ser inmediato, rápido y hasta desechable.

Y Tercio va justamente en sentido contrario. Surge de la necesidad de volver a la raíz, a la pureza y a la tradición”, afirma.

Más que construir un espectáculo lleno de artificios, la intención del proyecto es colocar nuevamente al cante en el centro de la experiencia flamenca.

“Queremos defender el flamenco en su estado puro, en su estado natural, sin artificios, sin excesos, sin aditivos. Queremos que el protagonismo vuelva a estar dentro del cante, del toque y de la emoción real de ese acompañamiento en directo”, explica.

SUS DESAFÍOS La reflexión de "Cachito" también alcanza a las nuevas generaciones y a la manera en que descubren el flamenco en plena era

digital. Aunque reconoce que el consumo cultural ha cambiado radicalmente, considera que existe una búsqueda genuina por conectar con expresiones auténticas.

“Sí creo que sigue habiendo interés. Las nuevas generaciones tienen acceso a muchísima información y descubren el flamenco desde lugares distintos. Pero también creo que existe una necesidad de volver a lo auténtico y a lo humano. Ahí el flamenco sigue teniendo una fuerza enorme porque es un arte muy verdadero”, comparte.

Para el cantaor, el verdadero desafío no está en resistirse al cambio tecnológico, sino en evitar que la esencia emocional del género desaparezca dentro de la velocidad actual de la industria musical.

“La industria ha cambiado muchísimo. Todo es más inmediato y eso puede hacer que las cosas se consuman muy rápido. Pero también ha permitido que el flamenco llegue a lugares donde antes era imposible. El reto es mantener la esencia y la profundidad del arte dentro de esa velocidad”, señala.

Con más de tres décadas de trayectoria, José Díaz “Cachito” entiende el flamenco como un lenguaje vivo que puede dialogar con el presente sin perder su identidad. Por eso insiste en que el género necesita tiempo, transmisión y verdad para sobrevivir.

“El flamenco necesita tiempo, verdad y transmisión. Y eso nunca debería perderse dentro del ser humano”, concluye.

FOTO LOREANA VON PLOCKI

| 83

] O L I S T E Y D A I V [

H

ay lugares que fabrican productos y otros que construyen identidad.

San Francisco del Rincón pertenece al segundo grupo. En ese rincón de Guanajuato donde el cuero, la costura y la creatividad forman parte del paisaje cotidiano, el sombrero dejó de ser hace tiempo una simple pieza charra para convertirse en símbolo cultural, accesorio de moda y hasta souvenir oficial rumbo al Mundial 2026.

Por eso la sexta edición de la Feria Nacional del Sombrero (FENS) no llega como una feria cualquiera. Lo hace como una postal contemporánea de México: una mezcla de tradición, estilo, gastronomía, música y negocios internacionales que del 5 al 7 de junio tomará el recinto ferial de San Francisco del Rincón para presumirle al mundo aquello que en el Bajío llevan décadas perfeccionando con las manos.

Porque sí: mientras muchos asocian el sombrero mexicano únicamente con la estética ranchera, en Guanajuato existe toda una industria multimillonaria detrás de él.

En entrevista para la Revista Cameo, Analy Ayala Mejía explicó que la intención de la FENS es precisamente mostrar que el municipio es mucho más complejo, sofisticado y diverso de lo que muchos imaginan.

“Queremos que prueben un poquito de lo que somos y un poquito de lo mucho que San Francisco les puede ofrecer”, comentó.

Y lo cierto es que la feria parece diseñada para seducir todos los sentidos. No solo habrá sombreros. También desfilarán botas, cinturones, bisutería artesanal, textiles, bebidas tradicionales y gastronomía típica en distintos pabellones que transformarán el recinto en una experiencia inmersiva del Bajío contemporáneo.

“Llegas y primero te reciben los sombreros, luego las artesanías y después la gastronomía y las bebidas”, contó la ejecutiva.

84 |

FENS: TRADICIÓN, RODEO Y DISEÑO CON SELLO MEXICANO Entre vino, pambazos, rodeo y diseño artesanal, Guanajuato celebra una tradición que hoy conquista al mundo.

Por Carlos Aguillón

El recorrido incluye desde pambazos estilo San Francisco del Rincón, muy distintos a los capitalinos, hasta vinos locales, cerveza artesanal, tequila y pulque producido por jóvenes emprendedores de la región.

“Tenemos cuatro marcas de cerveza artesanal y han surgido de jóvenes emprendedores. Algunos empezaron como proyectos escolares y hoy ya tienen marcas consolidadas”, señaló.

La escena resume perfectamente el nuevo rostro de Guanajuato: tradición heredada mezclada con generaciones jóvenes que buscan reinterpretar la identidad local desde otra mirada.

En San Francisco del Rincón no solo se fabrican sombreros.

También existen más de 200 empresas dedicadas al calzado tipo tenis, decenas de productores lácteos, talleres textiles, fabricantes de maquinaria y negocios especializados en proveeduría para distintas industrias.

“Son muchísimas empresas.

Hay más de mil registradas y muchas están buscando exportar”, explicó.

Ese crecimiento ha convertido a la FENS en mucho más que un evento turístico. Hoy funciona como una plataforma de negocios B2B donde compradores nacionales e internacionales descubren marcas emergentes y realizan alianzas comerciales.

En sus ediciones más recientes, la feria reunió visitantes de países como Estados Unidos, Francia, Alemania, España, Canadá y Brasil, además de compradores provenientes de más de 21 estados de la República Mexica na.

Pero aun con todo el músculo económico detrás, la esencia sigue siendo profundamente emocional.

Porque el sombrero mexicano tiene algo cinematográfico. Algo que remite a las películas de oro, a la música ranchera, a los caminos polvorientos, al rodeo y a la elegancia popular que nunca desaparece del todo.

] O L I

D A

Y

E

S T

I

EL ARTE DE NARRAR HISTORIAS A TRAVÉS DEL DISEÑO

[

V

ALEX PEÑA

El diseñador de producción mexicano debuta en el largometraje con "Chronovisor", reafirmando su talento para crear universos visuales complejos en Hollywood.

Por Alejandra Lomelí

86 |

C

rear universos visuales que se sientan reales y complejos es el eje rector del proceso creativo de Alex Peña como diseñador de producción, disciplina en la que se posiciona como uno de los talentos mexicanos más prometedores en la competitiva industria de Hollywood.

“El mayor desafío es crear un mundo específico desde cero que se sienta complejo y real para la historia que estás contando”, dijo Peña en entrevista exclusiva para la Revista Cameo. “Cada historia y cada director son únicos, el mensaje también. El diseño de producción debe corresponder a ese mundo, que ayude a la audiencia a entrar en ese universo y también que sea un personaje más”.

Arquitecto de formación,

el joven cineasta trasladó su pasión por la construcción de espacios a un terreno donde el desarrollo de conceptos no estuviera limitada a reglamentos ni presupuestos ajustados, sino que permitiera dar rienda suelta a la creatividad para narrar historias a través del diseño.

Fue ahí donde encontró la puerta que lo llevó al mundo del cine.

Tras participar en una decena de comerciales y cortometrajes, Peña presenta su primer largometraje como diseñador de producción: Chronovisor, película dirigida por Kevin Walker y Jack Auen estrenada a finales de enero de este año en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, y proyectada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dentro de la programación del Festival New Directors/New Films del Lincoln Center.

Basada en la leyenda del “Cronovisor”, la supuesta máquina del tiempo desarrollada por el padre Pellegrino Ernetti en los años 50 capaz de visualizar el pasado, la película narra la inquietante historia de una investigadora que se encuentra con este artefacto. ¿Qué aprendiste de tu experiencia en el diseño de set para comerciales que sigues aplicando ahora en Hollywood?

Algo que sigo llevando a cabo al día de hoy es el ritmo. En el cine y en la publicidad el ritmo es muy acelerado a diferencia de la arquitectura. Aquí te llaman para un proyecto, lo presentas, lo aprueban y en cuestión de días ya lo terminaste, ya lo construiste o ya lo grabaste, y se acabó.

Aprender ese ritmo y despegarme de esa velocidad de trabajo, comparándolo con la arquitectura, es algo que se me quedó. ¿Qué tan diferente es el proceso creativo de un largometraje en comparación c on los otros formatos?

La mayor diferencia es que en la publicidad, generalmente, los clientes buscan promocionar un producto específico con una estética muy definida que va a favorecer a ese producto. En un cortometraje, o en el caso de un largometraje, se hace un concepto visual que favorezca a una historia específica, no a un producto. Y la diferencia en cuanto al cortometraje, es que debes mantener la consistencia visual a lo largo de la película en muchos sets y locaciones, y llevar

esa línea visual constante a lo largo de la producción.

En un corto, generalmente, es mucho más manejable debido a que son menos locaciones y el presupuesto es más limitado. ¿En qué te basaste para crear la estética visual de Chronovisor?

Fue muy importante para mí estar en comunicación con los directores y con el director de fotografía.

Prácticamente mi proceso fue leer el guion con base en una conversación previa que tuve con los directores sobre qué buscaban en esta película, la cual no tiene un género muy definido, es misterio, documental académico, un poco de ciencia ficción, terror… eso era parte de lo interesante del proyecto. Una vez que leí el guion, me encargué de juntar imágenes que ilustraran mi reacción al leer la historia.Esas imágenes empezaron a crear ese mundo, a indicarme lo que quería hacer en el set de forma tangiblemente. ¿Cómo llegas a formar parte del equipo de diseño de producción de la tercera temporada de Severance?

Luego de graduarme de la carrera de Diseño de Producción aquí en Nueva York, uno de mis profesores, que es un diseñador de producción con mucha trayectoria y que trabajó en shows como Dickinson y Pretty Little Liars, me llamó para un proyecto de Netflix que se llama Unaccustomed Earth, yo entré en la parte de gráficos.

Aquí en Estados Unidos, para trabajar en produccio-

nes de ese calibre, necesitas ser parte de de un Sindicato. Y, bueno, entré, lo cual es un proceso largo, tienes que aplicar, te evalúan, tienes que tener cierto nivel de conocimiento y preparación. Pero una vez que entré a formar parte, desbloqueé muchos otros roles dentro del diseño de producción, de hecho, en ese show de Netflix también tuve más participación como Set Designer. Y fue por medio del Sindicato que me enteré de proyectos que estaban armándose, fue así que me enteré de Severance, donde formo parte del departamento de arte, un ecosistema más grande que apoya en el departamento en general. ¿Crees que en México el diseño de producción es igualmente valorado?

Yo creo que es diferente, incluso la percepción de la disciplina. De hecho, parte de por qué quise formarme en Estados Unidos como diseñador de producción fue porque en México realmente no encontré un programa de me ayudara con eso, los programas, por lo menos cuando yo estaba en la búsqueda, encontré que estaban muy enfocados en teatro. Y, también, la definición en México de diseño de producción es más como de dirección de arte, cuando acá en Estados Unidos la dirección de arte es más un rol entre el productor y el diseñador, es decir, el que ejecuta la visión del diseñado de producción. Creo que en México falta fomentar esa disciplina, porque hay muchísimo talento y muchísimos diseñadores. | 87

] O L I S T E Y D A I V [

LEONORA CARRINGTON: PERDERSE EN EL LABERINTO PARA ENCONTRARSE “Laberinto Mágico” transforma el arte en una experiencia inmersiva donde esculturas monumentales, simbolismo surrealista y atmósferas sensoriales revelan el universo más íntimo de la artista.

E

Por Maribel De Luna

l nuevo espacio cultural Centro de Artes Inmersivas abre sus puertas con Laberinto mágico, una exposición dedicada a la artista surrealista Leonora Carrington que invita al público a internarse en un recorrido multisensorial donde el arte no solo se observa: también se siente y se habita.

La muestra reúne 11 esculturas monumentales creadas por Carrington, además de grabados, litografías y diversos objetos que permiten acercarse al universo creativo de la también pintora y escritora. A diferencia de otras exposiciones inmersivas centradas únicamente en proyecciones digitales, esta propuesta apuesta por la presencia tangible de la obra original, creando un diálogo entre lo físico y lo sensorial.

Cada sala envuelve al visitante con música, iluminación y efectos especiales que construyen una atmósfera mística y envolvente. Las piezas pueden apreciarse desde distintos ángulos, permitiendo descubrir detalles ocultos y nuevas interpretaciones en cada recorrido.

La exposición fue posible gracias al trabajo conjunto de Cocolab, el Consejo Leonora Carrington y la FIFA, consolidan-

do una propuesta innovadora que explora la libertad, la identidad y el cuestionamiento de las estructuras sociales a través del arte.

Laberinto mágico también funciona como un mapa emocional y biográfico de la artista.

El recorrido revela momentos clave de su vida, desde su infancia marcada por los cuentos de hadas y los mitos celtas, hasta su llegada a México, país donde encontró un espacio para desarrollar plenamente su visión artística.

En las esculturas cobran vida criaturas mitológicas, símbolos religiosos, mandalas y figuras asociadas con la alquimia, la mística y la espiritualidad. También destaca la constante presencia de animales —especialmente gatos—, reflejo del profundo vínculo que Carrington mantenía con el mundo natural y lo invisible.

La exposición plantea una búsqueda constante: la de la libertad. Leonora, adelantada a su tiempo, convirtió el surrealismo en una herramienta para desafiar normas, explorar la identidad femenina y abrir puertas hacia mundos interiores. Bajo la premisa “Piérdete para encontrarte”, la experiencia invita al visitante a emprender un viaje personal dentro del laberinto creativo de la artista.

LABERINTO MÁGICO DÓNDE: Martes a domingo, de 11:00 a 19:30 horas, en el Centro de Artes Inmersivas, ubicado en General Prim 90, colonia Juárez.

] L O

Christopher Lloyd actor de Volver al futuro.

[

V

I

D A

Y

E

S T

I

Tom Wlaschiha actor de la serie Juego de Tronos.

Paul Wesley actor de Star Trek: Strange New Worlds.

CCXP MÉXICO 2026: EL MULTIVERSO DEL FANDOM CONQUISTA LA CDMX El actor Fabien Frankel actor de La casa del Dragón.

LA CIUDAD DE MÉXICO volvió a llenarse de superhéroes, cosplayers y amantes de la cultura pop con una nueva edición de CCXP México 2026. Durante varios días, miles de asistentes se dieron cita para vivir una experiencia inmersiva entre paneles, adelantos exclusivos, videojuegos, cómics y encuentros con figuras internacionales del entretenimiento. Entre los invitados más destacados estuvieron el reparto principal de “La Casa del Dragón” está encabezado por Matt Smith, Olivia Cooke y w, también personalidades de la talla de Christopher Lloyd, entre otros, quienes protagonizaron algunos de los momentos más celebrados por los fans. Sus participaciones generaron largas filas, ovaciones y conversaciones sobre los próximos proyectos que llegarán al cine y las plataformas. La convención reunió a fans de distintas generaciones que recorrieron escenarios temáticos, zonas de gaming y espacios dedicados al cine, el anime y las series más populares del momento. Con mercancía exclusiva, activaciones especiales y una producción cada vez más ambiciosa, CCXP México continúa consolidándose como uno de los eventos de cultura pop más importantes de Latinoamérica.

Fotos y texto Carlos Mora

Matt Smith actor de La casa del Dragón.

Rebecca Romijn actriz de Star Trek: Strange New Worlds.

Christopher Lloyd actor de Volver al futuro, feliz con su piñata.

Los actores Fabien Frankel y Matt Smith.