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rre y funda lavable, dos versiones disponibles. Edición limitada. Medidas: 45 x 45 cm. FATIGA. www.fatiga.tiendanube.com 2. Estructura de soporte Lace, hecho de piezas de vidrio recuperadas de una lámpara de techo de 3x3 m, diseñada en 1959 por Flavio Poli encargo de Seguso Vetri d’Arte (VE) para el Hotel Bristol en Merano (BZ), Italia. DESIGNBOOM. www.designboom.com 3. Lámpara de pie Tower, pie de espejo, piezas en raíz nogal con columna y base de acero, diseño inspirado en los edificios déco de New York. Medidas: 1.80. EL IMAGINERO. 4. Cabinet Bar Tres Puertas, enchapado con técnica de marquetería, en nogal y roble, lustre artesanal a muñeca. Patas con terminación de bronce, interior cubierto en cedro, contiene espejo, luz y bar. Medidas: 120 x 150 x 48 cm. RAVANAL. 5. Mesas Quiti, estructura en madera de petiribí, tapa removible, realizadas con tratamientos superficiales al agua. TALLERES SUSTENTABLES. muebles@rodrigomatta.com

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CIUDAD Producción: Sofia Di Maggio

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latón recubierto por manto de oro. Pieza excepcional con ocho proyectores que ofrecen una iluminación suave. Medidas: Altura: 66,9 “| 170 cm - Diámetro: 23,62 “| 60 cm. DELIGHTFULL www.delightfull.eu 2. Mesa lateral Pilar, realizada con roble cepillado y entalcado. Medidas: 66 x 49 x 66 cm. RAVANAL. www.ravanal.com.ar 3. Sillón Giratorio Bitter, armado con cuero natural de forma artesanal. Inspirado en el estilo francés de 1930. EL IMAGINERO. 4. Lámparas de mesa realizadas en madera, pintadas en varios colores, 2 luces E27, pantalla de vidrio con juntas de estaño con técnica Tifanny, diseño de Tere Raymond & Mat Tassara. TEMANUESTRO. www.facebook.com - temanuestro@gmail.com

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Richard Long

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Intervenciones en la naturaleza Como parte de sus proyectos inmobiliarios, Alan Faena habrá de inaugurar el Faena Arts Center de Miami a fines de 2015, con obras de Manuel Ameztoy y Juan Gatti. Este espacio de exhibición está firmado por Rem Koolhaas y servirá también para realizar residencias de artistas. Por su parte, el Faena Arts Center de Puerto Madero sigue activo y, tras la exhibición de artistas rusos, llegó la del escultor, fotógrafo y pintor inglés Richard Long. Reconocido por sus obras de Land Art, Long aquí presenta Mendoza Walking. Su primera muestra en la Argentina surge como resultado de sus caminatas por Tupungato y el Cordón del Plata de la Cordillera de Los Andes, y sus visitas a Buenos Aires, el Paraná y más. Son cuatro piezas vinculadas al movimiento y la libertad, actos creativos como caminar y señalar lugares, trabajos realizados con materiales comunes; obras fruto de la música de la naturaleza y de la poesía.

POR VICTORIA VERLICHAK

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Humberto Rivas

Dibujar con luz Línea lejana donde cielo y tierra parecen fundirse, Horizonte es lema de esta edición ampliada de Encuentros Abiertos - Festival de la Luz, que celebra su 25° aniversario entre el 1/8 y el 30/9. Horizonte es una palabra que augura incluso nuevas perspectivas, un futuro venturoso antes que un límite (que también lo es). La autofoto (selfie) tomada por Bradley Cooper junto a la presentadora de los premios Oscar y varios actores más durante la ceremonia de premiación dio la vuelta al mundo en tiempo real y fue compartida más de tres millones de veces vía Twitter, demostrando el imparable camino de la fotografía (y de la publicidad). Con la presentación de 178 muestras en 45 ciudades, de 500 autores provenientes de 31 países, estas jornadas tienen a Chile como país invitado. Organizado por Fundación Luz Austral, con auspicio de gobiernos de Ciudad de Buenos Aires, Salta, Neuquén y San Juan y aprobada por Ley de Mecenazgo del Ministerio de Cultura de BA. Aunque las múltiples actividades comienzan a fines de julio, el Festival inaugura oficialmente el 12/8 en Centro Cultural Recoleta, epicentro de grandes muestras como las dedicadas a Humberto Rivas. Con conferencias, revisión de portfolios, concursos, más en http://encuentrosabiertos.com.ar

Grupo Escombros

Preocupaciones colectivas Mucho antes de que la “sacerdotisa” de la performance, Marina Abramovic, ocupara titulares de los noticieros con acciones artísticas extremas como la realizada en MoMA en 2010 -la artista sentada y muda recibía uno a uno visitantes que la miraban-, los artistas visuales de la región realizan acciones para suscitar reflexiones políticas y culturales. Fundación Proa reúne prácticas y acciones realizadas por colectivos artísticos interdisciplinarios durante las dos últimas décadas llegando hasta el presente, en Argentina, Brasil, Bolivia, Chile, Paraguay, Perú y Uruguay. Son producciones artísticas desprejuiciadas de alto valor simbólico, en conexión con el tema de la memoria enmarcada en cuestiones sociales, filosóficas y estéticas. En ese sentido, el acto fundacional en 1988 del grupo Escombros (Argentina) es un grafitti/mural que decía: “Somos artistas de lo que queda. Nos sorprende seguir vivos cada mañana, sentir sed, e imaginar el agua”. A partir de entonces, Escombros realiza foto, performances, acciones solidarias, manifiestos, Land Art como la obra Crimen seriado, o la intervención en un bosque de La Plata en 1995.

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Agustín Pérez Rubio

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POR VICTORIA VERLICHAK

Una gran sinfonía La exhibición Le Parc Lumière, ahora en Malba-Fundación Costantini- fue concebida en Casa Daros de Río de Janeiro ya que esta selección de 17 instalaciones lumínicas históricas de Julio Le Parc (Mendoza, 1928) pertenecen a Colección Daros Latinamerica de Zúrich, Suiza. La exposición gira alrededor de uno de los aspectos centrales de su producción: la alteración de la luz. Casi todas las piezas fueron creadas en los años ‘60 y, en palabras del Hans-Michael Herzog, director artístico y curador de Colección Daros Latinamerica, forman una “gran sinfonía de luz en movimiento”. Käthe Walser, curadora técnica de la institución y de esta muestra, restauró cada una de las obras con la participación del artista, que está feliz y elegante como la sucesión de movimientos y reflejos que emanan de sus bellas obras. En Mendoza, el Espacio Cultural Julio Le Parc, en Guaymallén también rinde homenaje al artista, pionero del movimiento óptico y cinético internacional radicado en París desde 1958; con catálogo de 240 páginas producido por Daros. Asimismo, Malba también anunció el nombramiento del historiador y curador español Agustín Pérez Rubio como Director Artístico del museo.

Julio Le Parc

Víctor Florido

Juntos son más Cesar Abelenda unió fuerzas con Luciana Massarino para mudar sus galerías y compartir el espacio de Pasto y de STUDIO 488, frente al Museo Nacional de Arte Decorativo, en Pereyra Lucena 2589. Mientras que Studio 488 inauguró con fotografías de Alejandro Lipszyc el espacio del subsuelo, Víctor Florido sorprendió con la ilusoria simplicidad de sus imágenes, que aparecen como dubitativas e inconclusas, con rasgos sin definir y bordes sin demarcar, en la planta baja de Pasto, con gran ventanal. La decena de obras de La vista es el hotel de los demás destilan una ambición pictórica notable y transmiten el placer por el oficio y la memoria de la pintura. El repertorio de Florido incluye espacios que poseen atmósferas metafísicas, teatrales y silenciosas.

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dario as Gibrat

Las hermanas Gibrat se mudaron y, desde su flamante showroom en Recoleta, siguen ofreciendo un servicio de excelencia. Con más de veinticinco años de experiencia en interiorismo, lideran proyectos de decoración y diseñan muebles a medida.

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Masisa estrena línea nueva; llamada Lacas, se distingue por su alegre gama de colores. Cada tono encierra una identidad propia: Esmeralda, para espacios sofisticados, a los que aporta mayor amplitud; Coñac, elegante y cálido; Mango conjuga lo exótico y lo natural además de dar luz y vitalidad; Verde Oliva se destaca por su sobriedad y pureza; Visón, en tanto, es ideal para espacios elegantes. www.masisa.com

atron

En Patrón se celebran la creatividad y la imaginación argentinas; reúne local de venta y espacio artístico. Cada pieza que pasa por el negocio es supervisada por la mirada atenta de Laura Patrón Costas y las hay de las más variadas: joyas contemporáneas, accesorios de decoración, prendas únicas de moda y obras de arte. El común denominador es la calidad artesanal, la atemporalidad y el lujo de lo simple. www.patronba.com

orpresa

En la última edición de arteBA, Chandon presentó Luminiscencia, una videoinstalación de Nicola Costantino con experiencia gastronómica incluida, diseñada especialmente para el ingreso al Barrio Joven Chandon. Un enorme telón translúcido impreso con la imagen agigantada de burbujas de champagne, mesas que imitaban la superficie del líquido en movimiento, sabores misteriosos. Chandon volvió a apoyar al arte, y a sorprender. www.barriojovenchandon.com.ar

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Atriles / Moira Goldberger

ARTE Y PARTE En contacto con el arte y la decoración desde muy chica, Moira Goldberger buscó con tesón el medio idóneo para su expresión artística. Asistió a talleres de escultura, pintura, escenografía, iluminación y perspectiva y, de a poco, fue haciendo su camino. Hoy conjuga arte y familia con su trabajo en MP Estudio, que dirige su madre, Margarita Papouchado. Un profesor le dijo una vez que la pintura no era lo suyo. Pero, en cambio, Moira estaba segura de que el arte era, efectivamente, lo suyo. Pasó a la escultura, pero el proceso le resultó demasiado lento. Casada y con un hijo su vida, así como sus tiempos, habían cambiado. En el taller de Ariel Mlynarzewicz, su profesor hasta el día de hoy, le dio una segunda oportunidad a la pintura, y lo bien que hizo. En mayo realizó su muestra más reciente en el Luna Park. “Hace mucho que no hacía una muestra individual y es un paso muy importante. Mostrar la obra es cerrar un proceso. Fue bárbaro, la gente estaba muy contenta”, resume. El tema central fue netamente femenino: “Trabajé sobre las mujeres, las internas y las externas, estoy rodeada por ellas. Vengo de una familia en la que tienen un peso fuerte”. “La pintura me da la posibilidad de expresarme intuitiva e inmediatamente. Es un proceso orgánico y muy personal para mí, tiene que ver con lo que me pasa. Pintando logré un momento de juego, de diversión; no me preocupa que algo me salga mal, lo puedo arreglar, no afecta a nadie. Eso es lo fantástico de esto, no hay muchos otros ámbitos que te lo permitan. Yo soy estructurada en ciertas cosas y es importante para mí haber encontrado este lugar de no-estructura”, explica. La escultura no le permitía ese juego libre y desprejuiciado de trabajar impulsivamente, pero eso no quiere decir que la haya abandonado totalmente: “Pongo en práctica sus técnicas, sobre todo para hacer los objetos decorativos de MP”. La tercera dimensión cobra presencia en los adornos que diseña y que muchas veces realiza ella misma para el negocio familiar, una especie de reconciliación con la escultura, y una confirmación de que el camino elegido es siempre el acertado. n

Texto: Sonia Diradourian

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AG N E S D E C O

Texto: Violeta Moraga Fotos: Emma Livingston

PASARYVER Difícil que el transeúnte apurado adivine la profusión de escenarios que se despliegan en los casi 200 metros cuadrados que ocupa Agnes Deco, en Palermo. Pero alcanza con cruzar el umbral para dar con las distintas postales que se arman en este espacio y descubrir, pausadamente, un importante caudal de piezas que van desde un bergère tapizado en lino y aguayo con tachas a un sillón Luis XVI en madera de haya vestido en pana de los años 70; de una araña de hierro negro con tulipas antiguas amarillas, a una cómoda inglesa victoriana intervenida en color naranja; de un alhajero italiano neoclásico en madera tallada con herrajes, a una mesa con estampa psicodélica en la tapa. Y podemos seguir enumerando las originales piezas para constatar, como explicará más tarde Daniela Oviedo, encargada de diseño, prensa y producción, que “cada mueble es único”. En este marco, la preservación y la restauración juegan un rol central: “Se utilizan los métodos tradicionales de lustre y se tapiza a la manera antigua y con materiales de primera calidad, naturales y ecológicos”, cuenta Daniela y refuerza la idea de que “no hay nada repetido”. A la hora de definirse, Agnes Deco plantea el concepto de un no-estilo que denomina barroco urbano y que describe como una nueva tendencia que busca el dinamismo en sus espacios y que mezcla diseños totalmente contemporáneos con piezas “del más puro estilo barroco” de colores intensos y materiales sólidos, todos en armonía. “Es algo osado, muy creativo. Una mezcla de estilos que da como resultado algo nuevo”, detalla Oviedo y enumera la presencia en el local de al menos diez espacios diferentes –salas de lectura, comedores, living, escritorios-, ambientaciones disímiles que también colaboran a la hora de las producciones que tienen lugar entre los servicios que ofrece Agnes. La vidriera deja ver una serie de botellones grabados al ácido. Más acá, una lámpara industrial de diseño entremezcla los tiempos. Y si cruzamos la puerta de Uriarte al 1900, el arte también emergerá de las paredes en pinturas y fotografías. Ciertamente, el uso del “caos ordenado, el límite y el exceso, la discordancia, la búsqueda del centro, el ritmo y la repetición, la inestabilidad y la metamorfosis, el detalle y el fragmento” que define a la propuesta queda expreso. Así como la invitación: pasen y vean.

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Vi d r i e r a s / L a C o m p a ñ í a

Texto: Sonia Diradourian

RIQUEZA EN LA

DIVERSIDAD

Foto: Emma Livingston

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Con el lanzamiento de su nueva colección, bautizada In Mondo, La Compañía reafirma su compromiso con la calidad, con la producción nacional y con el diseño de excelencia. Los materiales de siempre –metales, maderas africanas e italianas y pátinas cementicias– se combinan con incrustaciones de coco y con suntuosos géneros invernales; esta colección ecléctica le hace honor a su nombre. “Otras veces hemos hecho colecciones más uniformes, pero este año nos gustaban cosas que, a pesar de ser distintas, en conjunto logran una gran coherencia”, explica Carlos Galli, al comando de La Compañía hace más de treinta años. Así es que las piezas de la colección llevan el nombre de los lugares más disímiles: los banquitos/mesas Xian, las mesas de centro Mykonos y Birmania, el vajillero Dubrovnik, el sofá Laos, las mesas de comedor Sydney y Positano, la silla París y la consola Vietnam. Con su diseño característicamente simple y, por ello, atemporal, La Compañía ofrece productos que gozan del sello inconfundible y valiosísimo de lo artesanal. Sus piezas, que no ostentan más que su propia sencillez, logran convivir en armonía con muebles de distintas épocas y diseñadores. Este es el gran valor de esta firma, que el público nunca ha dejado de acompañar a lo largo de las décadas, al punto que muchos hijos de clientes de la primera hora se han convertido, en la actualidad, en los nuevos compradores. Sin embargo, esto no significa que la empresa se haya limitado a la comodidad del éxito, todo lo contrario, sigue encarando nuevos desafíos, tales como los que destaca Facundo Amandola, socio de Carlos: “Este año también incorporamos macetas patinadas en cemento y en cerámica con cactus y plantas aromáticas; las plantas son de Valentina Bullrich. Además, ofrecemos textiles ecológicos, de Alejandra Gottelli, y una exclusiva línea de objetos, todas piezas únicas, muy pensadas y distintas.” A lo largo de todo el local, las fotos en riguroso blanco y negro de Andrea Bortot, viajera incansable, se combinan con las piezas, revelando la inspiración detrás de cada mueble de la línea. Una verdadera vuelta al mundo; reminiscencias de cada rincón del planeta desembarcan en Buenos Aires y otorgan frescura y contemporaneidad a los espacios que engalanan.

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Tr a s t i e n d a s Relojería Iadarola

Héctor y Germán Iadarola en su taller de la calle Paraná, atrás: el pasado de la cronometría en la Argentina.

Longcase clock, hecho en Inglaterra, circa fines del siglo XIX.

Las

HORAS DyD142_Iadarola.indd 40

Entramos en Paraná 942 a las 11 en punto. Nos reciben Héctor Iadarola y su hijo Germán; y un sinnúmero de campanadas: todos los relojes marcan la hora al mismo tiempo en una insólita sinfonía que padre e hijo dicen ya no escuchar. Héctor trabaja en este local, en el que “hay más relojes que superficie”, hace 41 años, restaurando y vendiendo relojes, pero hace 60 que se dedica a este oficio. Es que la suya es una verdadera pasión por la precisión y por sus manos han pasado cientos de relojes. “Es una suerte vivir en una ciudad a la que han llegado tantos objetos buenos, sobre todo entre 1860 y 1930. Tenemos cosas muy curiosas, que son difíciles de encontrar incluso en Europa, y que muchos relojeros de años de oficio no han visto nunca.” Héctor habla y se remonta a una época en la que no había relojes y el tiempo era subjetivo. Hicieron falta años de evolución, durante los cuales un puñado de fanáticos, fervientes estudiosos del “astro”, como él lo llama, pudieron precisar y dominar esta efímera sustancia que ha fascinado e inquietado a la humanidad durante miles de años. “Antes los relojes en hora se encontraban en tres lugares: en la estación de ferrocarril, en el correo, donde pasaban la hora por telégrafo, y en relojerías medianamente importantes, allí había relojes que daban la hora oficial. La gente entraba y pedía permiso para poner en hora sus relojes de bolsillo como ahora entrarías a una farmacia a pesarte. Recuerdo que cuando era chico y vivía en Devoto, a tres cuadras de la estación de ferrocarril, la hora nos Texto: Sonia Diradourian Fotos: Emma Livingston

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Primer reloj en dar la hora oficial en Buenos Aires a partir del año 1859.

Cronómetro de marina usado para obtener la longitud durante la navegación, circa 1865.

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la decía el tren transandino. Cuando pasaba, el piso cimbraba y nosotros sabíamos que eran las 16.18”, cuenta. Se enamoró de los relojes a los 15 años y aprendió solo. “El movimiento del volante, que es lo que hace el tic tac, me apasionaba. En mi casa había un reloj de péndulo y en lo de mi abuelo había otro. Yo los toqueteaba, quería ver cómo funcionaban, me parecían mágicos”, recuerda. “Vender relojes antiguos no es lo mismo que vender un auto o bajar un artículo de un estante, es incorporar a la casa algo que ha registrado el tiempo de mucha gente y que va a pasar a marcar el tiempo de una familia.” En la entrada del local suele haber un gran reloj; es un notable distintivo, que engalana la cuadra. Hace algunas semanas, el reloj ya no estaba ahí porque fue vandalizado. Padre e hijo se abocaron a la tarea de restaurarlo y mientras el reloj estuvo ausente, los vecinos se acercaban al local y preguntaban por él. De hecho cuenta Héctor, con una enorme sonrisa, que una mujer les dijo que había un grupo de personas que estaba dispuesta a pagar por su reparación y que, antes de salir del local agregó: “Desde que el reloj no funciona, yo no ando bien.” Es que hay relojes que trascienden la función meramente operativa. Héctor subraya el papel que el reloj ha tenido en la evolución tecnológica del hombre: “Es más antiguo de lo que la gente cree. No se podría haber hecho el viaje interplanetario de no existir el reloj atómico, el cronómetro marino determinó travesías históricas, las mediciones de agrimensura realizadas al fundarse las ciudades se hicieron en base al reloj. Uno piensa que tener un Rolex con doble calendario es avanzado pero los relojes empezaron con la astronomía. Los hay muy antiguos con faz lunar, calendario y ecuación del tiempo”, explica. Hoy por hoy, el amor por los relojes de Iadarola sigue intacto: “Ponerlos en marcha es muy atractivo, es algo que se siente, como darle vida a una cosa. Si volviera a nacer haría lo mismo, tendría la misma mujer, los mismos hijos, los mismos abuelos, hermano y amigos. No tengo nada de qué arrepentirme”. “Tendría cuerda para rato para contarte todas las anécdotas”, dice Héctor. Es que padre e hijo hablan con aforismos relojeros. Durante la charla se suceden distintos adagios, esos que suelen aparecer en los cuadrantes de los relojes antiguos, escritos en latín, y hasta otros menos conocidos e incluso el rock argentino. “La más conocida es tempus fugit, pero también hay otras, unas hieren la última mata, por ejemplo. Pero hay unas mucho más lindas como, el reloj corrige las horas engañosas del sol, esto sucede en los equinoccios. Germán agrega: “también la Bersuit dijo el tiempo no para”, y recibe como respuesta “ustedes tampoco”. Es que es asombrosa la dedicación, el cariño y el respeto con los que trabajan; no es el reloj de la vereda el que engalana el local, lo hacen ellos con su sapiencia inmemorial.

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Victoria Romano y Sofía Cal se conocieron mientras estudiaban Arquitectura en la Universidad de Belgrano. El trabajo en equipo en la facultad forjó una dinámica fuerte y armoniosa que soñaban replicar en el mundo laboral, anhelo que concretaron al formar su propio estudio. 1

Fotos: Marcos Ludevid

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ROMANO CAL ARQUITECTURA & DISEÑO Al recibirse en 2008, cada una hizo su propia experiencia. Victoria trabajó 6 años en el estudio Grinberg & Szmulewicz, reconocido por los emprendimientos que generalmente lleva a cabo en Palermo y Belgrano. Sofía hizo una maestría en Desarrollo de Emprendimientos Inmobiliarios, durante la cual realizó un trabajo de investigación para insertar un nuevo modelo económico basado en criterios sustentables para el mercado hotelero. El mismo fue publicado en la revista Reporte Inmobiliario y tuvo grandes repercusiones. Además, trabajó en Proyectos industriales, estudio dedicado a desarrollar proyectos civiles. “Hace cuatro años que trabajamos con los clientes de Prototype Home para brindar soluciones constructivas y asesoramiento en terminaciones, revestimientos, diseño y equipamiento para particulares, empresas, espacios comunes de edificios y hoteles”, explica Sofía. La asociación de la dupla con la reconocida firma de interiorismo fue el puntapié que dio lugar a que, mientras se concretaban los proyectos, la ilusión de Victoria y Sofía de tener un estudio propio se hiciera realidad y se terminara de concretar en 2012. “Ofrecemos una propuesta integral, desde la medición y la obra húmeda hasta el interiorismo. Entregamos la obra terminada, sin que ningún detalle quede pendiente.

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Espacio publicitario

Nuestro objetivo final es aprovechar cada espacio de manera moderna. Muchas veces el cliente tiene claro lo que quiere pero no sabe cómo llevarlo a cabo”, precisa Victoria. El desafío es contundente: cada detalle del rompecabezas debe imaginarse desde el primer momento, porque las recomendaciones solo se dan cuando el cliente recibe en cada tramo del trabajo la calidad, seriedad, cumplimiento y un óptimo servicio de posventa. En cada intervención realizada –construcciones, reformas, amoblamientos y decoraciones- el estudio mostró estas fortalezas y potenció el proyecto.

Estudio Romano-Cal Arquitectura & Diseño está en el Complejo Comercial “Fuentes de Malabia”, Malabia 1720/38, 1er. Piso. Tel. 4832-1515. info@romano-cal.com.ar / www.romano-cal.com.ar.

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En el suburbio y la ciudad, algunos de los trabajos de la dupla de arquitectas.

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La dupla ha completado trabajos en Puerto Madero, Palermo, Belgrano, Caballito y en varios barrios privados. “Hemos formado muy buenos vínculos con nuestros clientes, que nos han recomendado y vuelto a llamar para nuevos proyectos”, señala Sofía. En la actualidad, están trabajando en Ayres Plaza, en Pilar, en un proyecto de una casa de familia que tendrá 200 metros cuadrados y un diseño eminentemente minimalista. “El terreno tiene muchas diagonales, lo que representa un gran desafío. Decidimos jugar con ellas en el diseño de la casa y el proyecto resultó ser muy interesante y único dada su peculiar espacialidad”, detalla Victoria. En cuanto a la dinámica de trabajo, las socias se complementan muy bien. Aunque funcionan en contacto permanente tomando las decisiones en conjunto, Sofía disfruta más de la obra misma y de lo constructivo y Victoria de pensar en las terminaciones y visualizar el producto acabado. La tarea en equipo y la atención personalizada son los valores fundamentales del estudio Romano Cal, el pilar de su éxito y de su, seguramente brillante futuro.

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Entrevista D&D / Jorge Miño

Por Sol Dellepiane A. Fotos de obra: Gentileza Jorge Miño Retrato y collage: Emma Livingston

EL IMPERIO DE LAS

FOrmAs Jorge Miño nació en Corrientes en 1973. Venido de chico a Buenos Aires, estudió arte en la academia y en talleres independientes, hasta que en un momento se reveló como brillante fotógrafo. Desde entonces nunca paró de crear y de crecer como artista visual. Representado por la Galería Foster Catena, primero, y por Praxis desde hace un tiempo, el presente lo encuentra generando obra para exposiciones locales y extranjeras (Lima Miami) que marcan un momento cúlmine en esta etapa de su carrera. Con apertura y generosidad nos hace partícipes de su mundo, una galaxia personal que late dentro de una antigua casa a medio reciclar en un barrio porteño del sur. Desde ese laboratorio de imágenes que es su computadora, pasa las horas y los días apasionado por su trabajo, apenas conciente del transcurso del tiempo mientras sus gatitas se desplazan, ágiles, de este a oeste por el estudio, para volver a agazaparse una y otra vez bajo la tibieza del sol de otoño.

Puerta de entrada ¿Cómo entrar a la obra de un artista? ¿Cuál es la puerta de ingreso a una trayectoria fecunda, compleja, que ya ha atravesado varias etapas, cada una de las cuales estalla en múltiples sentidos escapando a las simplificaciones? ¿Cómo dar cuenta del presente de un artista contemporáneo si, por definición, él ya está pensando en lo que sigue? ¿Cómo lograr que la foto no salga movida? Quizás haya que ceñirse a lo literal: Caminar un par de cuadras desde la estación San Juan del subterráneo, justo en la cornisa entre San Telmo y Barracas –pleno Distrito de las Artes–. Detenerse ante la casa –fachada punzó, persianas cerradas, magia asegurada–. Tocar el timbre. Llamar por teléfono después del segundo o tercer intento –por azar uno sabe que la mudanza es más o menos reciente: es verosímil que el timbre no ande–. Ser atendida y que, inmediatamente, el anfitrión abra la puerta. Comprobar desde el saludo su sospechada afabilidad.

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Entrevista D&D / Jorge Mi単o DyD142_Mino.indd 4

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Formas propias

Perspectiva del simulacro

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Entrevista D&D / Jorge Miño

Lanzar una exclamación involuntaria al primer vistazo del zaguán de la casa chorizo y sus mayólicas, del pasillo tapizado de plantas, del jardín más tupido aun que se deja adivinar desde el fondo. Entrar al estudio. Despojarse de las capas de abrigo a las que obliga el otoño avanzado. Aceptar un café. Este es el universo de Jorge Miño, ya estamos adentro. - Esta casa tiene un gran significado –explica. Como parte de mi trabajo comercial yo saco fotos de personas, algo que mi obra (se refiere a la obra artística) no tiene. La que fue dueña de esta casa está relacionada con el arte. Yo le hice fotos a ella acá, hace 8 años. Cuando entré, dije Esto es irreal; un poco como hiciste vos cuando te abrí. Para mí fue como entrar a una película fantástica. Hice las fotos, apenas conocí el jardín y algún ambiente del interior, y me fui con la sensación de haber estado en un palacio. Mucho tiempo después, con mi pareja buscábamos un lugar para mudarnos. Vi esta casa en Internet y supe que la había visto antes. El cuento es largo. Jorge se extiende en detalles que prefiere mantener en reserva. Lo cierto es que, gracias a la combinación de un esfuerzo personal descomunal y de la ayuda también extraordinaria de la antigua propietaria, logró comprar esta casa chorizo –o casa de patios, como también se las llama– de pura cepa.

Naturaleza humana - Después de haber pasado por todo eso, yo empecé a vender. Las cosas empezaban a funcionar. Nos mudamos en noviembre del año pasado. Hicimos una mudanza hormiga porque nos quedamos sin un centavo. Nuestras familias y amigos nos ayudaron. Como nuestra casa anterior quedaba cerca, fueron caminatas, viajes en autos, hasta mis sobrinas chiquitas cargando cosas, las perras... . Hicimos lo mínimo: calefacción, ampliar el estudio y arreglar un poco el jardín. La cuestión es que yo no quiero salir de acá –apura. Yo soy de Corrientes, vine a los 6 años. La única referente de mi amor por Corrientes era mi abuela, y cuando ella falleció hace un par de años, ya no hubo mucha razón para volver. Sin embargo, esta casa tiene algo mesopotámico. Muchas de las plantas que tengo son del jardín de mi abuela: mangos, croton, orquídeas. Siempre me traje gajos, casi se me mueren con tantas mudanzas y acá pudieron desplegar su esplendor. Encontrar esto fue, de alguna manera, reencontrarme con mi propia naturaleza humana. Quiero estar acá en septiembre y octubre, quiero ver crecer las plantas. Quiero ver cómo explota lo que vengo ayudando a crecer –repite como en una letanía.

Antecedentes Este mundo privado que alterna la concentración del estudio y la exuberancia de los patios atrapa al artista sobre todo durante la primera mitad del día.

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Detrás de lo invisible

- Trabajo mucho a la mañana. A las 4 de la tarde puedo ser el Señor Control Remoto o salir a dar vueltas con la bicicleta. Me da muchísimo placer trabajar acá. Tengo una disciplina. Jorge no titubea en relacionar esa disposición diaria para el trabajo con quien fue su jefe hasta hace pocos meses y durante nada menos que 24 años: Guillermo Kuitca. Él jamás explotó esta información para su propio beneficio. Y aunque sabe que el mundillo conoce su larguísimo pasado como asistente de uno de los artistas argentinos vivos de mayor consagración a nivel internacional, Miño muestra cierta reticencia a hablar del tema. Sin embargo, a la hora de pensar en el acto cotidiano de sentarse a producir, el nombre del Maestro aflora inevitablemente. - Guillermo es alguien que trabaja todos los días de su vida en su obra. Tiene una disciplina y una constancia con logros a la vista. Yo creo que desde que empecé a ejercer el rol de artista, maduré bastante rápido. Pensá que mi primera exposición fue en el 2004, en el Centro Cultural Rojas; en 2011 tuve un quiebre, un momento donde busqué algo y encontré algo. Solo 3 años pasaron, en que todo esto fue macerando: dejé de hacer solo fotografías, empecé con relaciones más pictóricas, más plásticas, separándome de lo técnico-fotográfico. Y reconozco que en esto de llegar a un lugar hay algo de mi experiencia de haber trabajado con Guillermo. Hoy puedo rescatar muchas cuestiones de calidad y profundidad de cuando yo veía las crisis que él tenía con su obra. Ojo: esto nunca fue una conversación entre nosotros. Creo que solo dos veces le mostré mi trabajo. Yo

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Entrevista D&D / Jorge Miño

no era ni su amigo ni su alumno; era su asistente. Siempre quise esa distancia. Me gustó crecer al margen. Pero reconozco que desde ese lugar, tuve mi propia Beca Kuitca.

la segunda edición del Premio Petrobras en arteBA. En paralelo, continuó formándose en diversos talleres y clínicas, exponiendo y ganando premios.

La llegada de Miño al taller de Kuitca obedeció a una pasantía, parte del programa del secundario con orientación artística que cursaba en la Escuela Nacional de Bellas Artes Rogelio Yrurtia, en Mataderos, el barrio donde vivía entonces. Más tarde su familia se mudaría a Quilmes.

Uno de los hilos conductores de su obra es la búsqueda de la forma pura que subyace bajo la forma aparente. Y uno de los elementos con los que ha representado esta búsqueda de manera paradigmática, son las escaleras.

- Ahí en Quilmes empecé un profesorado. No soporté ni a Quilmes ni al profesorado –grafica. Ese fue mi primer cachetazo de realidad: darme cuenta de que yo no quería ser docente, que estaba trabajando con un artista de primer nivel y haciendo todo lo contrario, cursando una carrera súper ortodoxa en lo formal. Nunca di la única materia que me quedaba para recibirme. La pasé muy mal en esa etapa. Me vine a vivir solo a Buenos Aires. Tenía 21.

La revelación Entre lo poco que Jorge rescata de aquellos años de profesorado, está la materia de fotografía. Hacerla detonó una especie de señal interna, algo así como un “es por acá”, dentro de esa cosa que el Miño-estudiante percibía como chata y dogmática. - Mi papá es arquitecto y fotógrafo. Cuando le dije que quería empezar a hacer algo de fotoEntrecruce, 2014 grafía, me dijo Si yo te enseño, nos vamos llevar muy mal, te pago el curso, estudiá por tu cuenta. Así que hice mi experiencia básica en un Foto Club –lo académico a mí se me vuelve como vacio, insiste-. Guillermo era muy amigo de Alejandro Kuropatwa. Me animé a hacer con él un Workshop… que me voló la cabeza. Hice dos cursos con él y con Martín Weber, y la verdad que fue increíble. Después empecé a ser asistente en los cursos que Alex siguió haciendo. En el 2003 hago el curso en el Centro Cultural Rojas con Alberto Goldenstein. En un trabajo que presenté, él vio algo que le pareció interesante. Me gustaría exponer tu obra en el Rojas para el Festival de la Luz, me dijo Goldenstein. Yo todavía no hacía nada para mí como artista. Me pidió fotos para tal fecha, las rehice, y esa fue la primera vez que expuse, agosto del 2004. Desde ahí, no paré. La rueda empezó a rodar: Miño inició vínculos con galerías, con las curadoras Victoria Noorthoorn e Inés Kaztenstein; ingresó a

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- Yo viajaba mucho acompañando a Kuitca en el montaje de las muestras afuera. Un día estaba en el aeropuerto de Londres y me quedé tildado con una escalera mecánica. La miraba subir y bajar hasta que fue tal la hipnosis, que en un momento ya no supe cuál subía y cuál bajaba. La fotografié. Me acuerdo perfectamente de esa escalera; toda la cuestión del tiempo que uno gana, ese ganarle tiempo al tiempo, hay algo de unión de extremos. Fue muy revelador. Me interesa esa representación temporal del transcurso de uno mismo en la escalera, en los puentes, en las rampas…. Pero eso lo pude notar recién cuando lo vi en la computadora, que pasó a ser mi laboratorio de pos-producción. Para mí el laboratorio era un mundo fantástico, la búsqueda empezaba ahí: revelados mal hechos, solarizados, velados, al mejor estilo del comienzo de la fotografía. Ahora la computadora es el medio en que el trabajo rompe el esquema técnico. Producto de esa alquimia hoy digital, son imágenes que se refractan, se descomponen, se disocian y se multiplican cumpliendo con todas las posibilidades habidas y por haber –sobre todo por haber– de la luz. Y, a la inversa, elementos que se simplifican en sus formas básicas: la materia reducida a su mínima expresión, con elegancia matemática. - ¿Que qué hago en la computadora? Creo –recalca. Los programas te ayudan como te ayuda el verde talo o el verde inglés. El recurso lo tenés. Yo voy cebándome, surge y en un momento se termina: Ya está, lo conseguí. Mientras ultima detalles para un viaje que lo llevará a Lima y Miami, donde se preparan muestras de sus trabajos vigentes, Miño ya piensa en lo que vendrá. Y lo que vendrá es -imagina- algo más cercano a lo escultórico, a la tridimensión. Mientras conversamos, las gatitas hermanas que Jorge y su pareja adoptaron hace unos meses luego de la partida de sus adoradas perras (las mismas que integraban el team de la mudanza), reclaman atención, juegan y se desplazan por el estudio para volver a hacerse ovillos gemelos en el rincón donde, a través de alguna de las ventanas o de la claraboya cenital, entren rayos de sol. Patty y Selma se llaman, como las hermanas de Marge Simpson. Al igual que las formas inmateriales y los juegos de luces y sombras que se apoyan aquí y allá enmarcados, son amas y señoras del lugar.

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Retrato: Pedro Chouela

C a r t o g r a f í a Pe r s o n a l

La arquitectura

EN LA MIRA DyD142_cartografias142.indd 58

El fotógrafo Guido Chouela nos abre el camino de su universo personal. Con el acento puesto en la mirada tal como dicta su metier, recorre la ciudad y descubre más allá de lo visible, historias para contar y para dejarse inspirar.

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Por Natalia Iscaro Fotos: Guido Chouela

La Usina del Arte: un trabajo autoral “Al antiguo edificio de la Compañía de Electricidad Italo Argentina lo fotografié por primera vez hace más de 10 años, y me inspiró la idea de un trabajo autoral sobre la arquitectura industrial de Buenos Aires, que fue muy importante en mi carrera como artista. Hoy es un edificio dedicado al arte y la música con un reciclaje realmente espectacular”.

Mini Bio

Estudio Sisso Chouela: el sueño del fotógrafo “El estudio que compartimos junto a mi socio David Sisso en Colegiales es un auténtico sueño de fotógrafo. Un antiguo salón de fiestas construido en los años 40 que descubrimos por casualidad abandonado y lo reciclamos nosotros; es único. Es espacioso, con gargantas de luz, escaleras de mármol, espejos tallados y grandes ventanales”.

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Guido Chouela nació en Buenos Aires en 1969. Se inició en la fotografía en 1986. Estudió medicina en la Universidad de Buenos Aires, especializándose en pediatría, profesión que compartió con la fotografía profesional y de autor. Colaboró con publicaciones tales como D&D, Rolling Stone, Living, El País de España y realiza campañas publicitarias para importantes marcas desde el estudio Sisso Chouela. Realizó numerosas exposiciones y obras suyas forman parte de la colecciones privadas, de la Academia Nacional de Bellas Artes y la Colección de Fotografía del Museo Nacional de Bellas Artes. Ganó la Beca Antorchas y del Fondo Nacional de las Artes con su trabajo sobre arquitectura industrial de Buenos Aires. Una parte importante de su trabajo autoral se relaciona con esta ciudad.

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Cartografía Personal

Club de Pescadores: una oportunidad para observar “Siempre me impresionó este edificio estilo inglés, por su ubicación y excepcionalidad, en una ciudad cuya costanera fue una frontera lejana dentro de la ciudad. Es una oportunidad para fotógrafos y observadores”.

El Malba: turista en la ciudad “Voy seguido en bicicleta al Malba. Me gusta la arquitectura, las obras de artistas latinoamericanos expuestas permanentemente, y las sorpresas de las muestras internacionales. Creo que pocos edificios modernos llegaron a la cualidad de hitos urbanos como este museo, que me hace sentir ganas de ser turista en mi ciudad.”

La Avenida Libertador “La Avenida Libertador crea esa singularidad de poder ver con distancia, tanto los edificios como los espacios verdes, a la manera de los ríos que atraviesan las ciudades europeas. Desde que era chico, observándola desde la bici o a través de la ventanilla de un auto, este lugar de la ciudad me ayudó a aprender a mirar.”

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Preguntas Picantes / Laura Brucco

Por Nina Segura Retrato para fotomontaje: Emma Livingston

BLANCO

SOBRE NEGRO ¿A quién admirás en materia de diseño & decoración y por qué? Jean-Michel Frank, John Pawson, Christian Liaigre, Antonio Citterio, Philippe Starck, Patricia Urquiola, Paola Navone. Estos maestros del diseño conciben nuevos idiomas y estética, con altos estatus técnico y tecnológico, traducidos en confort para el buen vivir. Experimentan materiales revolucionarios, eco-sostenibles. Investigan nuevas nociones de funcionalidad sin dejar de ser serios cuando ejercen su sentido lúdico e irónico. Crean productos de vanguardia que se convierten en iconos; generan el establecimiento de tipologías y arquetipos innovadores. Qué percibo de cada uno de ellos en particular: Frank: palabras mayores. Pawson: lo expresó en sus palabras: “Minimalismo no es la cultura de la abnegación, la privación o ausencia: no se define por lo que no hay, sino por la certeza de lo que está ahí y por la riqueza con la que se experimenta”. Liaigre: combina un sentido de elegancia con lujo sutil. Citterio: la excelencia en el diseño. La Urquiola: su femenina identidad española brota en sus creaciones. Philippe Stark: lúdica provocación. Paola Navone: reformula la realidad con una libertad colorida y absoluta. Por Nina Segura

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¿Cuáles son los mayores vicios de los argentinos al poner una casa? Reconozco que tengo un problema con la acumulacion y el exceso; que con el paso de los años estoy más exigente y permito menos transgresiones que se traducen en más severidad en las obras; que los ambientes despojados siempre me produjeron una cierta emoción difícil de explicar, ¡pero convengamos que uno de los mayores vicios de los argentinos es el miedo al vacío! ¿Alguna gaffe que recuerdes que, desde la perspectiva de hoy, te cause gracia? El entusiasmo generado en el estudio con una obra de 1000 m2 en Saint Thomas, Caribe… ¡cuando en realidad era en el Club de Campo Saint Thomas, camino a Ezeiza! ¿Hay algún trabajo del que te hayas arrepentido? Absolutamente ninguno, todas las obras son un nuevo desafío y un aprendizaje. ¿Qué es lo peor que te puede decir o pedir un cliente? Pedir un material pretencioso… ¡lo que quiere ser y nunca será! Melamina texturada, cerámico símil mármol o madera, cuero ecológico, símil duvet, piel sintética, lustre poliuretánico, símil piedra París con composición acrílica en vez de base de minerales y compuestos cementicios, géneros con viscosa, BRILLO… Todas opciones prohibidas en el estudio. Si pudieras diseñar al cliente ideal, ¿cómo sería? El cliente ideal es el que deposita rápidamente confianza y libertad de acción, cualidades que habilitan elaborar un proyecto sin conceptos rígidos preestablecidos. Y que permiten la concepción de un layout y criterio respecto de la espacialidad que genere el disfrute del espacio. De esta ciudad, ¿a qué monumento, plaza, edificio o espacio público o privado, le cambiarías algo o demolerías? Si trabajaras en planeamiento urbano, ¿cuál sería tu primera medida? Como primera medida prohibiría la cartelería publicitaria y el cableado aéreo en vía pública; normalizaría y limitaría el uso de marquesinas disminuyendo la contaminación visual. Iluminaría con el respeto debido nuestros monumentos y edificios emblemáticos. Utilizaría una carta de color acotadísima para nuestra querida ciudad de Buenos Aires. Generaría condiciones de existencia, realización y disfrute vital del hombre urbano con mejoras en las cualidades de uso y mantenimiento de los espacios, calles y plazas, cuidando severamente la estética. Ejecutaría medidas claras y definidas encaminadas al mejoramiento del transporte fundamentalmente público y privado. Estaría más atenta a los aspectos relativos al patrimonio arquitectónico urbano que tiene importancia museológica, además de valor testimonial, definiendo nuestra imagen e identidad, relacionando el pasado desde el presente. Tantas maravillas desaparecidas… y otras tantas necesitadas de restauración… . Y si fuera factible empezar de cero, ademáas de mirar el Río de la Plata, estaría muy atenta al tema medianeras. ¿De qué proyecto realizado te hubiera gustado ser la autora? No solamente ser la autora, sino además vivir en el increíble minimal chic duplex que tiene Liaigre en el Hôtel Particulier del siglo XVIII construido por el Marqués d’Aubigné, de la Rue de Verneuil en París. Modestia aparte, ¿tu mejor obra hasta el presente? Seré reiterativa… la próxima a venir. n

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Retrato: Emma Livingston

D i s e 単 o q u e e s h i s t o r i a / C O N T I E N DA M O D E R N I S TA


Retrato: Emma Livingston

POR MARCELO NOUGUÉS

Días después de concluida la Exposición Universal de 1900 celebrada en Paris, una profunda preocupación se instalaba entre los diseñadores y los decoradores de la época. El Art Nouveau en todo su apogeo había sido la gran vedette del evento, pero así como el gran público aun hablaba y comentaba las maravillas de estas sinuosas y novedosas formas, un grupo más selecto y algo más intelectual se preguntaba por el rumbo de la tradición y el célebre buen gusto francés. Inquietud que ya se había encendido con la acelerada producción masiva consecuencia de la revolución industrial. William Morris por un lado y Mackintosh por otro combatían a brazo partido en relación con la pérdida de la calidad e intentaban desde sus respectivas escuelas trabajar sobre este punto de la calidad, así como por el respeto por el artesanado. Medio siglo más tarde, esta preocupación no solo seguía vigente, sino que se había agravado. El fuerte consumo generado por las nuevas burguesías locales y extranjeras, florecientes y beneficiadas por un periodo de paz y prosperidad económica, fomentó un marcado crecimiento en todo lo referente al diseño y la decoración. En este contexto que la historia recuerda como Belle Epoque, dos posturas bien marcadas empiezan a antagonizar, dividiendo el mundo de las artes y el diseño. Los tradicionalistas, empecinados en combatir todo germen modernista que pudiera afectar la tradición y el buen gusto secular francés, se agrupan por primera vez en 1901 creando la Société des Artistes Décorateurs - SAD. Fundada por René Guilleré, realizan su primer Salon en 1904 en el recién inaugurado Petit Palais, bajo el título de Un Salon de Thé. La flamante agrupación está empeñada en rescatar la ebanistería, el artesanado y las industrias de lujo. Entre sus miembros se encuentran Ruhlmann, Jallot, Dufrêne, Follot y Süe et Mare. El debate se enciende de inmediato entre este grupo conservador y los cultores de l’avant-garde. Entre los más radicalizados estaba el teórico André Véra, que llegó a proclamar en un artículo que el Art Nouveau era la más absoluta decadencia del arte y de la tradición.

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SAD versus UAM

Dos posturas dentro del modernismo

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D i s e ñ o q u e e s h i s t o r i a / C O N T I E N DA M O D E R N I S TA

Esta disputa persiste en relativa calma hasta los umbrales de la Primera Guerra Mundial. Finalizada la gran contienda, lo que era una simple discrepancia de opiniones toma la fuerza de un enfrentamiento antológico. Apoyados por los movimientos vanguardistas como De Stijl, Bauhaus y Esprit Nouveau, los cultores de un auténtico modernismo no están dispuestos a someterse a los dictámenes de la anacrónica SAD. La Exposition des Arts Decoratifs de 1925, a la cual muchos autores le adjudican el origen del estilo Art Deco, fue para la SAD un punto de inflexión definitivo. Pese al éxito de su Pabellón, titulado Une Ambassade Française, las otras propuestas presentes en la exposición ponen en evidencia su marcado clasicismo y su lenguaje historicista. Una vez terminada la muestra, los disconformes modernistas no tardan en organizarse y en 1929 Robert Mallet-Stevens le da la espalda al Salon anual de la SAD y funda, junto a René Herbst y Francis Jourdain, una nueva agrupación que marcaría fuertemente el pensamiento y la acción del movimiento moderno. Este grupo emancipado, en sumayoría integrado por arquitectos, formó la Union des Artistes Modernes - UAM. Liberados de la presión y de las rígidas reglas de la estructurada SAD, esta incipiente organización se concentró en desarrollar e investigar los nuevos materiales y en pensar de forma más teórica y racional las problemáticas del hábitat y el diseño. La década siguiente pasaron por sus filas nombres como Le Corbusier, Pierre Charreau o André Lurçat. En esos años anteriores a la Segunda Guerra Mundial, la UAM no solo desarrolló una calificada labor profesional, sino que también cumplió una labor pedagógica, principalmente desde los Congresos Internacionales de Arquitectura. Hoy, a la distancia, el antagonismo que existió entre las dos memorables instituciones se diluye y el tiempo felizmente se ha encargado de darle a cada una su merecido lugar en la historia del diseño del siglo XX. n

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Cortina Wood-Blind

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Inspiraciones / Evangelina Bomparola

Texto: Sonia Diradourian

Rebelde. Mujer de contrastes que diseña escribiendo y que va hacia adelante, a su paso levanta polvareda, pero eso no la distrae. Introspectiva, analítica, curiosa; la música es una presencia constante en su vida, disparador y compañía durante todo el proceso creativo. Estudió Comunicación en la UCA e Historia en la UBA. “Mi curiosidad tiene mucho que ver con lo intelectual, las carreras que estudié las elegí para satisfacer mi ansia de saber.” En 2002 creó su propia marca de ropa que, colección tras colección, sigue ganando adeptas entre las mujeres más elegantes del país. Pero Evangelina no se detiene y, junto a Jorge Gogorza, lanzó una colección de muebles y objetos que tiene el sello inconfundible de su estética.

LA CANCIÓN DE EVA DyD142_bomparola.indd 2

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Foto: Emma Livingston DyD142_bomparola.indd 69

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Inspiraciones / Evangelina Bomparola “La naranja mecánica, de Stanley Kubrick, es el símbolo de una época y su estética es muy actual. Los problemas que plantea siguen vigentes hasta el día de hoy. Nuestra sociedad tiene una enfermedad que se llama frustración y que se manifiesta en la envidia. Las últimas décadas han dejado un sabor amargo, somos como el hijo que fue criado para grandes cosas y que no llegó. La misoginia, la falta de sinceridad y de solidaridad, la competencia están a la orden del día. Yo eliminé todo eso de mi vida, hago mi camino y que los demás hagan, digan y piensen lo que quieran.”

Fotografía de Christopher Peddecord. “El día que vi esta foto había sido muy especial, ya que había tomado decisiones personales muy importantes que tenían que ver con concentrarme en el foco y no distraerme con todas las cosas que se presentan para entorpecer mi camino. La libertad y la fluidez del retrato me impresionaron, esta mujer es como una lanza, se dirige hacia su objetivo con un foco increíble.”

Michael Jackson y Justin Timberlake en el video Love Never Felt So Good. “Nací en una época en la que el foco no pasaba por el marketing sino por el talento. Más allá de su vida privada, la producción artística de Michael Jackson es conmovedora y es mérito suyo. Justin Timberlake siguió la misma línea, es heredero de la tradición de Jackson: canta, baila, actúa, musicalmente es muy rico. Nivela para arriba, no es un producto, es un artista que vio muy claro hacia dónde iba.”

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Coco Chanel. “La mujer en pantalones, siendo solidaria con otras mujeres y ocupando un lugar de ser pensante. Fue una de las primeras diseñadoras mujeres y nos arrojó al mundo, a la modernidad. No me inspiran otros diseñadores sino las vidas de las personas que llevan la ropa. Mis referentes están basados en el talento, son personas que no paran de crecer y de seguir aprendiendo. Un amigo que es director de cine y está trabajando en Los Ángeles destaca que allá, los actores consagrados siguen estudiando y perfeccionándose, no pierden la humildad del alumno. Acá, en general, somos todos demasiado soberbios.”

Jorge Gogorza es una de las personas que más me alentó para que lanzara mi marca. Somos como almitas gemelas, amigos hace años y tenemos padecimientos y alegrías en común. El año pasado empezamos a viajar juntos. Somos buceadores de ciudades, nos gusta caminar por la calle a las 4 de la mañana y ver quién está, por qué está ahí. Durante estos viajes surgió la idea de hacer algo juntos y desarrollamos muebles y objetos que acá no existen y que tienen mucho que ver con mi ropa. El diseño es compartido y la ejecución es de Jorge, que la tiene clarísima después de tantos años de trabajo como decorador.”

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David Bowie, una fuente de inspiración inagotable: su estética, su música, su estilo, sus letras. “Siempre fue muy coherente consigo mismo. Esta foto es muy elocuente, no hay que hablar tanto hacia afuera sino escucharse más, ser dueño de los silencios y no tanto de las palabras.”

Alfred Hitchcock. “En una sola escena puede decir mucho, cada vez que veo una de sus películas descubro cosas nuevas. Me sorprende su capacidad lúdica, fue realmente un adelantado. Su mujer, Alma Reville, también era muy talentosa, un sostén en la sombra.”

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Uno de los productos más recientes de Evangelina Bomparola, Ruptura. Cosida a mano y hecha con un cuero de altísima calidad, la cartera está bordada con piezas de acrílico que descomponen un rectángulo, una es blanca, “un capricho”. Antes se confesaba fanática de carteras y zapatos pero ahora su poder magnético perdió fuerza: “El mundo se volvió un poco loco, pareciera que una cartera te define y te permite pertenecer. Empecé a usar carteras anónimas.”

Otoño/invierno 2014. “Lograr un buen corte es como construir un edificio, sin estructura se cae y el saco se convierte en una camisa. El cambio de textura en diagonal fue un enorme desafío, no es casual que el saco se llame Milagro. Estoy muy rupturista, nos enseñaron que para ser un diseñador considerado tenías que trabajar un hilo conductor, pero yo quiero romper con eso. Una persona que trabaja en moda tiene que tener muchísima flexibilidad. Vivimos en un mundo diverso, tenemos que permitirnos la diversidad.”

Composición de patas y pie, su hija y su perro. “Recorrí un camino muy largo. Mis pies me han traído desde La Paternal al centro, me han llevado de viaje por Europa. Si tengo que elegir una parte del cuerpo destaco los pies, que son, además, mi parte más castigada, la que más tengo que cuidar. Creo que están cansados porque los uso mucho.”

Marilyn Monroe. “Fue una persona fresca, profunda y curiosa que fue tratada como un objeto. Viendo sus películas hoy, veo la evolución de una actriz, que no se sabe qué proyectos podría haber hecho en el futuro. Me gusta esta foto de ella en la que está volando, no le importa nada.”

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DA r A

DÍA INTERNACIONAL DEL DISEÑO INTERIOR Nuevamente, en consonancia con el IFI - Federación Internacional de Arquitectos y Diseñadores de Interior del que es miembro, la organización argentina que nuclea a los interioristas y que preside Julio Oropel, celebró el último sábado de mayo el Día del Diseño de Interior. La acción se enmarca en la tarea que DArA viene realizando a favor de la consolidación de la profesión, y de su respectiva legitimación en el imaginario social. En esta ocasión, la iniciativa tuvo lugar en la Plaza Pierre de Coubertin, un espacio a la vera de la Avenida 9 de Julio que por sus escalinatas resultó un acertado escenario para la ya clásica foto de los miembros de la agrupación. Durante la tarde, que transcurrió amable entre el otoño benévolo, el chocolate con churros que se sirvió, una serie de espejos intervenidos y subastados y el entusiasmo de los presentes, se reconoció la trayectoria de los socios con 25 años de antigüedad. Recibieron sus condecoraciones Sebastián Arauz, Roxana Punta Alvarez, Susana Villaverde, Susana Aczel, Juan Azcue, Doris Oliva, Mercedes Novoa, Germán Carvajal, Mónica Melhem, Minnie Firpo y Margot Sánchez Elía. n

Por SDA

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P r e f e r i d o s d e a r t e B A 2 014

Por Victoria Verlichak

Preferidos de arteBA 2014

Feria muy bien desplegada, arteBA 2014 hizo alarde de prolijidad, exhibiendo incluso en espacios corporativos mayormente arte abstracto y conceptual, cerca de una práctica artística politizada. Lejos de la espectacularidad, ganaron terreno el documento, la fotografía y el video.

Vía de comunicación Las obras de Amalia Pica (Neuquén, 1978) suelen tener una visión política abarcadora y generar situaciones que piden la participación de la gente, como Switchboard (2014) presentada en U Turn by Mercedes Benz. La escultura del rústico conmutador explora “maneras de entendemos” y construye un lugar íntimo. En arteBA, MACBA adquirió Monumento a Intersecciones #7, pieza abstracta de la artista que vive en Londres, llevada por un amor.

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Percepción avanzada El trabajo de Annemarie Heinrich (Alemania, 1912-Argentina, 2005) es un aporte a la memoria cultural. Autodidacta, creó un nuevo género en la Argentina: la fotografía de los protagonistas del espectáculo, recreando atmósferas inexistentes y cultivando un costado vinculado con la escenografía. Malba adquirió dos imágenes con aportes del Programa de Adquisiciones. Con aire vanguardista y tinte feminista, La mano (1953) de una mujer mide a un hombre.

A última hora Artista precursora en el uso de nuevas tecnologías, Margarita Paska (Argentina, 1933) desconoció límites y mandatos estéticos, formales y conceptuales. Pieza “tipográfica”, Es tarde (1976) se sumó al patrimonio de Malba-Fundación Costantini, con una donación del Citi. Realizada con ruedas plásticas de colores sobre una base de aluminio, pertenece a su serie de Escrituras Secretas, y a la distancia permite leer la frase “es tarde”. ¿Tarde para qué?

Todo destino La foto Liliana Maresca (1993) -serie Liliana Maresca se entrega - Todo destino – 304.5457- es de Alejandro Kuropatwa (Buenos Aires, 1956-2003). Cabinet LAN en Vasari presentó escenas de los años ’90: la provocadora artista Liliana Maresca (Buenos Aires, 1951-1994) y el autor de una trayectoria placentera e incómoda. Kuropatwa incluso será recordado por Cóctel (1996): serie que retrató las píldoras que lo ayudaban en su batalla contra el sida.

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P r e f e r i d o s d e a r t e B A 2 014

Extraña belleza Jorge Miño (Argentina, 1973) concibe encuadres que aíslan el objeto de su interés, generando bellos y solitarios paisajes arquitectónicos. El gran tamaño de Entrecruce (2014, 100 x 200 cm.), fotografía en Praxis, subraya la despojada belleza de rampas y escaleras, pasamanos y descansos. Miño suele trabajar el concepto de serie: mecanismos, dispositivos de trabajo, decorados de interiores y arquitecturas forman parte del inventario de su imágenes.

En vivo Ernesto Ballesteros trabajó junto a un grupo de colaboradores frente al público, dibujando una sucesión de líneas sobre papel durante toda la feria. En una tabla dispuesta sobre caballetes en galería Ruth Benzacar, trazaron rayas del mismo color resultando en una potente obra de vibrante anaranjado. Ballesteros y equipo demostraron la potencia del dibujo “que lo puede todo”, como dice Marta Traba, aludiendo a su relevancia y expresividad.

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Juegos de mente Ingenio en los “rompecabezas gordianos” de Vik Muñiz (Brasil, 1961), en galería Xippas de Uruguay. Otra vez toma como punto de partida emblemáticas obras para producir imágenes con materiales poco convencionales. La fotografía Mona Lisa, After LeonardoDa Vinci está compuesta con piezas imposibles de ensamblar. El rompecabezas no tiene solución, pero el artista completa la imagen “cortando” camino; agrupa las piezas por color antes que por su forma.

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Tres generaciones Galería van Riel celebró sus 90 años con la exhibición de clásicos y contemporáneos, de Aldo Paparella a Sergio Avello. La histórica galería fue la primera dedicada exclusivamente al arte. Iniciada por el fotógrafo italiano Frans van Riel, cobijó obras de vanguardia y de consagrados. Continuó en manos de Frans van Riel (h) y fue heredada por Gabriela van Riel. El catálogo de arteBA también le rindió un homenaje a Van Riel (h), fallecido este año.

Representaciones nacionales Alexander Apóstol (Venezuela, 1969) escenifica obras del pintor oficial de la dictadura de Pérez Jiménez, Pedro Centeno ballenilla, en Ensayando la Postura Nacional (video, 2010). El vínculo entre “postura nacional” y la política del país caribeño hoy, promueve la reflexión. Apóstol dice que la “(…) filosofía venezolana radica en su eterno intento, con forma pero sin fondo, de imaginar utopías que terminan en simulacros de país”; en Dixit Petrobras.

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De aventuras y piedras Cabeza de gigante de Mariano Giraud y Alfio Demestre sorprende por su espesor conceptual e innovación tecnológica. Se inspiraron en novelas de François Rabelais y en los restos de la Calzada del Gigante en Irlanda. “Nos encontramos pensando en gigantes y formaciones naturales” sostienen los artistas. Trabajaron con programas gráficos y una impresora 3D, generando la escultura exhibida: un gigante que se come o vomita una ciudad imaginaria.

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Griferia / FV El lanzamiento es el resultado del intenso trabajo del equipo de Diseño e Ingeniería de la firma, que lidera José Rodríguez y que cuenta con el asesoramiento del multifacético diseñador Juan Cavallero. Desarrollada y producida en nuestro país, Novum se destaca por la elegancia de sus formas, la delicadeza de su diseño y la nobleza de sus materiales. Novum desembarca en Argentina. FV ya había presentado su línea más reciente en el mercado norteamericano, donde obtuvo el premio Good Design que otorga The Chicago Athenaeum Museum of Architecture and Design. El nombre de la colección representa la irrupción de lo nuevo que, sin embargo, se inserta a la perfección en la trayectoria que FV desarrolla en Argentina hace casi cien años. Ya todos conocemos los valores de FV: robustez, calidad, prestigio, confiabilidad y perdurabilidad. Pero esto no es todo, la firma es una de las pocas en el país que cuenta con un departamento de Diseño Industrial, dedicado exclusivamente a la creación de nuevos productos, y eso se nota. En el marco de la nueva colección, FV ha presentado las siguientes líneas: Casablanca, que conjuga la elegancia de lo clásico con la síntesis del diseño contemporáneo y seguramente se convertirá, ella misma, en un clásico; Edge, que es liviana, sutil y vanguardista; Lollipop, de diseño minimalista, se destaca por sus formas puras y contundentes; y finalmente Skyline, que combina un diseño original con la más alta tecnología.  Firme en su postura de ofrecer los productos de la más alta calidad en el mercado nacional, FV sigue desafiando los límites de la grifería, convirtiéndolos en lejanos espejismos. n

Texto: Aurora Bidau

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LA TOSCANA Del mar a la montaña Un recorrido en auto a través de una de las regiones más pintorescas del planeta, combinando dos hoteles de lujo con una casita ultra accesible. POR: LUISA ZU B E R B U H L E R FOTOS : C A M I LO A L DAO

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1. Forte dei Marmi, encerrada entre el mar Tirreno y los Alpes Apuanos, es considerada la Reina de la Versilia por sus playas de arena y sus lujosas Vilas. 2. Los famosos viñedos de Chianti, situados entre las provincias de Florencia y Siena, el corazón de la Toscana. 3. After shopping en el outlet The Mall. Buena relación precio calidad, considerando que se trata de etiquetas como Prada, Armani y Ferragamo. Via Europa 8, Leccio Reggello.

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sta vez la propuesta es dejar de lado los enclaves más conocidos para gozar del encanto de lugares no tan famosos. Obvio que si es su primera visita a la Toscana, sería un pecado no pasar al menos por Florencia y Siena. Empezamos con dos noches en Forte dei Marmi, símbolo de la mundanidad refinada desde los años 60. Un placer la playa, sus boutiques ultra cancheras y un lujo el hotel Principe. Después nos instalamos una semana en el Antico Borgo de Sugame, súper bien ubicado y con una tarifa increíble, para terminar con un par de noches en un espléndido Relais & Châteaux.

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1. Los Gazebos del Beach Restaurant and Club, la playa privada del Hotel Principe Forte dei Marmi. Cada gazebo tiene un locker para no estresarse con las pertenencias. 2. Triciclo lookeado para recorrer el centro de la ciudad y sus boutiques.

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FORTE DEI MARMI

3. Personaje local junto a Valentino Cassanelli: Best Emerging Chef, Central Italy 2013. Este simpático y jovencísimo chef está a cargo del restó de la playa y del restaurante Lux Lucis, ambos de este hotel miembro de The Leadings Hotels of The World.

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El balneario más sofisticado de la Versilia debe su nombre a la fortaleza edificada por el Gran Duque Pedro Leopoldo en 1788. Hoy, devenida Museo della Satira e della Caricatura es uno de los pilares de la vida cultural de la ciudad. El hotel Principe Forte dei Marmi tiene espectaculares vistas al mar y a los Alpes Apuanos. Reservas: 011 4129 0010, sales.buenosaires@lhw-offices.com 3

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1. Edificio principal de este mini pueblito de piedra transformado en ocho departamentos, atendidos personalmente por su dueña, Catrina. En la planta baja está emplazada la bodega donde Lorenzo Miceli, su marido,

elabora un recomendable Chianti Classico. 2. Los departamentos, sencillos pero de muy buen gusto, tienen un precio realmente increíble.

3. Todos tienen jardín privado con estupendas vistas a los viñedos y las colinas, que también se pueden disfrutar desde la pileta del Borgo. Reservas: sugame@ borgo-di-sugame. com, +39 3334 917 209 2 3

ANTICO BORGO DI SUGAME La excelente ubicación de este Agriturismo -a mitad de camino entre Florencia y Siena- es ideal para recorrer el Valle del Chianti, con una tradición vinícola que se remonta al siglo XIII. Lo mejor es agarrar el auto y vagar entre viñedos, colinas y pintorescos pueblos medievales: Greve, Radda, Castellina y Gaiole in Chianti; Monteriggioni y Meleto.

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1. Las habitaciones están ubicadas en las construcciones de la aldea. 2. Tiene varios viñedos propios y elabora vinos premiados, como Il Quercione, elegido el mejor vino italiano por la revista Wine Spectator. 3. Un placer comer los manjares del Chef Francesco Bracali -2 estrellas Michelin- en La Terrazza.

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SAN FELICE, BORGO

4. El spa, la cava y la pileta completan la propuesta de San Felice, Borgo. Reservas: mprep@ fibertel.com.ar, 011 43263861/ 43284647

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La misma idea del pueblito devenido hotel, pero mucho más grande y a todo trapo. Este ocupa una aldea medieval del siglo VIII, con capilla y todo. Posteriormente fue la residencia de los paquetísimos Marqueses Del Taja y hoy es un Relais & Châteaux, cerca de Castelnuovo Berardenga y a media hora de Siena, ideal también para hacer base y recorrer los pueblos de la Toscana. 4

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COMER Y COMPRAR Cerca de Sugame: Ristoro di Lamole. 055 8547050, súper panorama y buenos vinos (foto 1). Los manteles que Maria Anna y Alfredo venden en su tienda de 1874, frente a la plaza de Greve (foto 3). Las carnicerías de Panzano in Chianti, donde también esta la famosa Antica Macelleria Cecchini, Via XX Luglio 11. Con tres restaurantes diferentes, siempre a full. +39 055 852020. (foto 2). A mitad de camino: Via Ricasoli en Gaiole in Chianti: cerámicas en Colori Del Chianti y objetos varios en Cose di casa. Mas adelante, el Castello di Meleto, con cava, hotel y boutique. 53013 Gaiole in Chianti (foto 5). Cerca de San Felice: famoso restaurante La Bottega del 30, Via S. Caterina 2, Villa a Sesta Castelnuovo Berardenga. Hay que reservar: 0577359226. (foto 4).

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editorial

Virginia Braun

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FOTO: DANIELA MAC ADDEN.

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o mucho tiempo atrás, en la editorial trabajábamos con diapositivas. La selección de imágenes se hacía a través de transparencias casi minúsculas, con un visor y un cuenta hilos que ayudaban a estudiarlas detalladamente; la tarea era compleja. Luego había que pautar una reunión con el diagramador, que bocetaba a lápiz graso, prismando la imagen, plantando los títulos y los espacios para el texto tantas veces como fuera necesario. El archivo de los materiales era otro paso cuidadoso que se hacía con clips, ravioleras y carpetas. De allí al taller de pre-impresión para las primeras pruebas color, que habría que revisar y aprobar. ¿Fue hace poco más de diez años? La increíble revolución tecnológica cambió el proceso de trabajo e invadió zonas impensadas. Hoy recibimos en el teléfono, las redes sociales, las imágenes que nos adelanta un arquitecto, y que luego de la producción nos enviará el fotógrafo vía e-mail. Luego, la subdirectora observa y corrige cualquier imperfección que contenga la imagen, manteniendo un diálogo con ambos talleres –pre-impresión e impresión– para que las pruebas queden impecables; ella es el centro de la organización de la revista. De allí pasa al diagramador, que devuelve diferentes propuestas en PDF. Velozmente probamos tamaños, tipos, formatos. Los redactores, en tanto, escriben los textos, que luego pasan por la editora en un feedback que invade horarios y espacios sin límite, a toda hora, en la calle, en el bar, en la casa, en la oficina. “Todo lo sólido se desvanece en el aire”, dice la cita y parece cierta. Pero lo que permanece y le da sentido a esta pasión que es D&D, son los dos extremos del proceso. De un lado: la producción de la nota, el encuentro vivo con el espacio, sus protagonistas, los objetos, el diseño y su puesta en escena para el registro. Y del otro: la revista, de amorosa y artesanal factura, que llega flamante a nuestras manos: ese olor a recién impresa que bien conocemos y que viaja también hasta ustedes, lectores de D&D.

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Como en casa TEXTO: NI NA S EGURA

FOTOS: ARQ. DANI ELA MAC ADDEN

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El living es muestra cabal del estilo ecléctico que impera en toda la casa. Gran sofá tapizado en blanco bajo la obra en alto-relieve y sobre gran alfombra también clara, bibliotecas a los lados plagadas de libros y vitrinas con colección de copas rusos.

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Sobre la arcada, pinturas de Jorge de la Vega. La caja blanca da lugar al diĂĄlogo de ĂŠpocas y estilos que entablan los muebles, objetos y alfombras, viejos amigos, ya, a fuerza de una larga convivencia.

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Como único adorno sobre las mesas del living, pareja de Budas de porcelana, piezas heredadas por Inés Mocorrea Roemmers de su abuela Candelaria que las exhibía en su lugar preferido de la casa familiar, el Salón Chin Candelaria que las exhibía en su lugar preferido de la casa familiar, el Salón Chino.

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En otro sector del living la conversaciĂłn se produce entre beige y negro, con toques tierra en los almohadones, algĂşn objeto traĂ­do de un viaje y los cortinados.

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o es una casa, no queda en el suburbio. Es un departamento en un muy buen edificio sobre una tradicional avenida en el centro porteño. Espacialidad generosa, hechura de calidad y –fundamental– un jardín que ancla en una naturaleza propia y transporta a un espacio alternativo al de la ciudad. Realmente, el sueño de muchos. El matrimonio dio con esta planta baja buscando un lugar donde volver a echar raíces luego de la partida de los hijos. Eso fue hace ocho años. Facundo Alzaga

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fue el arquitecto convocado para refaccionar el piso y su intervención resultó súper exitosa: nada más se tocó desde entonces. Su dueña, de pocas pero elocuentes palabras, indica: “La casa es de un estilo ecléctico, donde fueron respetados los volúmenes ideados por Facundo. A la decoración la hice yo misma, creo que a veces los decoradores son impersonales. Entre los muebles hay de todo: antiguos de familia, comprados y contemporáneos. Me encanta este departamento, parece una casa, pero queda en medio de la Avenida Callao”. Y la verdad es que, como en la mejor arquitectura, no es preciso agregar nada. n

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Un biombo chino antiguo funciona como cabezal de la cama en el dormitorio principal y aparece Protagonista indiscutido del baño principal es el mármol, que con su elegancia al desnudo escoltado por un baúl oriental y una mesa de rattán. vuelve prescindente todo lo demás. En el vestidor, contiguo a un pequeño patio —aire y Alrededor, una serie de kilims. luz del edificio— ambientado a lo oriental, imperan la amplitud y la luz.

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Clima despojado y contemporáneo en el dormitorio, donde una Virgen, una abstracción o el verde exterior se enmarcan como las postales elegidas para el ámbito más íntimo de la casa.

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Decidida impronta oriental, un estilo que los dueños de casa conocen y cultivan, en este ambiente abierto al jardín que sirve de estudio para ella. Desacartonamiento y luminosidad buscadas y logradas.

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El jardín, único y exuberante, con palmeras que transportan a otras latitudes, era lo suficientemente grande como para armar un sector de pileta y solarium. Un paraíso oculto entre las fachadas de una sobria avenida porteña.

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Javier Echenike se tomó un año para remodelar su casa en Fort Lauderdale. Su propia producción artística, mobiliario de vanguardia y espacios amplios son los ejes del proyecto. En el comedor se destacan la mesa en cristal y acero de Domicile, la lámpara de Decades, los cuadros originales de Antonio Berni y una Santa Teresa de su autoría. Los candelabros en plata llegaron a Miami desde San Telmo.

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AUR RERA HOUSE TE XTO: D É B ORA CA MP OS FOTOS: TON Y AG I US P R OD U CCI ÓN : ECHE N I K E / ECHE N I K E .COM

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Un único espacio integra el acceso, la cocina, el comedor y el living. Sobre una alfombra de Restoration Hardware y en torno a una mesa en vidrio de Domicile se localizaron un sofá en cuero gris azulado y otros asientos en tela y madera de Churba. Completan la ambientación almohadones de Crate & Barrel y Domicile, y un retrato del padre del dueño de casa, Angel Echenike.

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n el Norte de Miami, más concretamente en Fort Lauderdale, se encuentra la Venecia de América, una ciudad repleta de canales que desembocan en el mar”, retrata el diseñador madrileño Javier Echenike. Cuenta que visitó esta región de ensueño por primera vez invitado al Boat Show -uno de los eventos náuticos más importantes del mundo- y que la belleza de la ciudad lo fascinó: “Vi la proximidad a Miami y a West Palm Beach, también la tranquilidad, y por eso decidí invertir en esa zona, cerca de la playa”. En aquel momento Javier llevaba siete años de residencia y trabajo en Buenos Aires, pero no dudó en hacer las valijas. “Esta casa se cruzó en mi vida en el año 2011. Se trataba de una vivienda de 200 metros cuadrados en estado original de los años ´50 en esquina, con unos 2.000 metros de terreno, completamente abierta a la calle”, recuerda.

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l proyecto de remodelación demandó un año de trabajo: “Se modificó la casa entera: sistema eléctrico, cañerías, instalación de aire acondicionado, pisos y baños. Además construí una pileta, un segundo baño para la suite principal y también amplié el living”, detalla el diseñador. Para el exterior tampoco faltó entusiasmo: “Tener un terreno bastante grande me llevó a diseñar cuatro diferentes zonas de disfrute con variada vegetación y paisajismo”. “Es curioso que cada casa que habito me transmita una inspiración diferente. En esta en particular la mayoría de los cuadros son obras mías; desde que vivo en Florida he realizado unas cuantas exposiciones de pintura, la última en Miami durante Art Basel”, comparte. Y se despide desde The Aurrera House, el nombre que eligió para su residencia, haciendo honor a sus orígenes vascos y al significado de La Casa del Progreso en euskera. n

Un antiguo trastero mutó en un singular estudio que se proyecta en un jardín onírico. “Estando en Florida, increíblemente el terreno apenas tenía vegetación, por lo que diseñé el paisajismo de los 2000 m2. Lo dividí con la galería de la casa principal a través de un seto de árboles y, rodeado de buganvillas, rosas chinas, jazmín, kentias y bambú, diseñé un jardín en forma de damero con césped real”.

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La pared se pintó en azul marino y las aberturas en blanco como toque mediterráneo. Baldosas de cemento de Home Depot que absorben rápidamente el agua para las lluvias intensas de Florida. En la suite principal, techo gris que busca ampliar las dimensiones y captar el fuerte sol de la zona; mobiliario de Crate & Barrell y, en el baño, de Restoration.

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BARAJAR TEXTO: SOL DEL L EP I A N E FOTOS: A RQ. DA N I E LA MAC A D D E N

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La boiserie del comedor tiene la antigüedad de la casa. La mesa es portentosa, de raíz de nogal, las sillas también preexistentes fueron retapizadas en paleta de grises, blanco y negro por Confalonieri. Araña de cristal y cuadro francés S XIX, enfrentado a espejo y díptico de Berni.

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poco de volver a vivir a Buenos Aires después de una larga estadía en París, el decorador y RRPP Gerard Confalonieri fue contratado para redecorar esta casa en Barrio Parque que una década atrás había sido íntegramente refaccionada por Marcelo Nougués. Esta puesta a punto buscaba ese estilo mezcla de casual, chic y canchero que caracteriza a Gerard, claramente influenciado por sus años de residencia europea. La importante colección de muebles que acompaña a la familia desde siempre determinaron una base excelente sobre la que trabajar. El diseñador buscó dotar a los ambientes de cierto clima escenográfico, efecto que logró a base de una cuidada iluminación y de detalles como cortinados de terciopelo negro, una paleta estricta y el agregado de algunas piezas nuevas muy seleccionadas. Remozada, la casa inició una nueva etapa. Y sus dueños también. n

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EN LA TERRAZA ABIERTA AL CIELO Y AL VERDE DE PALERMO CHICO, SOBRIO JUEGO DE MUEBLES DE EXTERIOR DE MA. VICTORIA DE LAS CARRERAS CON ALMOHADONES RAYADOS.

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En el acceso, un desnudo femenino de Cristina Villamor y un cuadro en madera con forma irregular de Lionel Luna reciben a propietarios y visitantes. El autor de la fotografĂ­a que descansa apoyada en el piso es Robinson Savari.

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D E VISITA EN E L K AVANAG H TEXTO: DÉB ORA CA MP OS FOTOS: A RQ. DA N I E LA MAC A D D E N

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EN ESTE ESTUDIO-VIVIENDA LA DECORACIÓN SE FUE ADAPTANDO A LA FUNCIONALIDAD.

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ace 17 años estábamos buscando un espacio céntrico que nos permitiera instalar, por un lado, nuestro estudio fotográfico, pero además que funcionara como un pied à terre en Buenos Aires para las ocasiones en que necesitáramos permanecer en la ciudad”, cuenta el dueño de este piso, sentando el inicio de su relación con este departamento cargado de historia. Aquel refugio a mitad de camino entre lo laboral y lo privado cobró cuerpo en el edificio Kavanagh, con “una excelente ubicación céntrica, emblemático de la arquitectura porteña. Además, aún en la actualidad conserva su sistema de conserjería, propio de hoteles de alto rango”.

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Declarado Patrimonio Mundial de la Arquitectura de la Modernidad por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) en 1999, el Kanavagh ya no debe tributar impuestos municipales. Sin embargo, sus propietarios están obligados a conservar sus trazos originales en perfectas condiciones así como los materiales que lucía en enero de 1936, al ser inaugurado.

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➤ Ciertamente,

el Kavanagh no es cualquier torre. En sus orígenes se entrelazan amores frustrados, celos, venganzas ingeniosas y pulsiones que influyeron radicalmente en el perfil de una ciudad pujante y cosmopolita. La leyenda asegura que la adinerada Corina Kavanagh vendió tres estancias para comprar en 1935 el generoso lote entre Plaza San Martín y la iglesia del Santísimo Sacramento, y que convocó a los arquitectos Luis María De la Torre, Ernesto Lagos y Gregorio Sánchez con la premisa de edificar una torre que impidiera que la basílica pudiera verse desde el palacio que hoy

ocupa el Ministerio de Relaciones Exteriores, entonces perteneciente a la familia que había desairado a la suya. Poco más de un año después, el 3 de enero de 1936, se inauguraba el magnífico rascacielos -el más alto de la región- con sus 120 metros repartidos en 33 pisos y 105 departamentos lujosos y únicos. Ese mismo año la torre fue distinguida con el Premio Municipal de Casa Colectiva y de Fachada y, en 1939, también fue premiado por el American Institute of Architects. Con esta historia presente, los propietarios fueron sutiles al momento de renovar las instalaciones: “Elegimos al estudio VillanuevaVeis, con quienes compartimos el criterio moderno y clásico que tratamos de respetar en el departamento”, confirman. Así, casi ocho décadas después de su nacimiento, el Kavanagh mantiene la presencia de un mayordomo que coordina la labor de los siete encargados, no tiene sistema de portero eléctrico ni tampoco cocheras. Los propietarios siguen siendo celosos cuidadores de sus rasgos y materiales originales. n

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LA MIRADA DESDE EL LIVING DESCUBRE LA CÚPULA DE LA BASÍLICA DEL SANTÍSIMO SACRAMENTO.

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Profesionales de la imagen, los propietarios supieron rodearse de trabajos de artistas plásticos amigos y otros contemporáneos que admiran. Entre los elegidos, una fotografía de Santiago Giovanetti, una pintura de Jorge Pietra, una serigrafía de Rufino Tamayo y un dibujo de Natalia Kohen. En la biblioteca se exponen un cuadro de Roberto Fernández, foto de desnudo de Cruz Mendizabal, y otra de Rosel.

AL TRATARSE DE UN ESTUDIO, LA OBRA FOTOGRÁFICA OCUPA UN LUGAR PREPONDERANTE.

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TEXT I LES / GÉN ER OS D EL SUR

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UNA EXPERIENCIA TEXTIL El local de GĂŠneros del Sur es uno de esos secretos bien guardados de la ciudad. Aparece en un espacio inesperado, para delicia de los amantes de las tramas nobles y las estampas versĂĄtiles, y para hacer de la compra de telas toda una experiencia sensorial. TEXTO: NATA L I A I SCA RO FOTOS: E MMA L I V I N GSTON

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M谩quinas antiguas, hilos y bolsas configuran una identidad y refuerzan una atenci贸n puntillosa por el detalle.

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ay que animarse. Hay que enfrentarse al número 3545 sobre la calle J.F. Seguí, confirmar los datos en la agenda o el celular, tomar aire y adentrarse en la galería visiblemente derruida. Hay que deambular por el pasillo de pintura descascarada, sondear las vitrinas grises que exhiben zapatos y cordones, cajones de verduras, nalgas vacunas, y preguntarle a algún rostro afable si acaso habrá una forma de llegar hasta el piso cuatro. Y entonces sí, indicación mediante, habrá que montarse al elevador de un celeste brillante para adentrarse en otro universo. Como si fuera el guardarropas mágico de un cuento para niños, tres pisos más arriba aparece un oasis. Primero un jardín seco, donde en el suelo los listones de madera alternan con piedras blancas que

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Los metros generosos respiran en un espacio donde el cemento alisado, el hierro negro y la madera cuentan la historia de telas que llegan desde Francia, Italia y España, especialmente para clientes exigentes y que disfrutan de hacer de la compra toda una experiencia.

contienen suculentas y amplios macetones color visón alojan especies de la misma familia, acompañados de enredaderas que trepan hasta una pérgola. Para sellar el efecto, un estanque con verdes acuáticas revela un mensaje escrito en dorado: LOVE. Todo ello obra y gracia de la multipremiada paisajista Cristina Le Mehauté. Este pulmón abierto se encuentra flanqueado por una estructura horizontal, cuyo efecto se refuerza gracias a generosos paneles de vidrio recostados sobre vigas de hierro, y únicamente interrumpidos por una puerta corrediza de madera maciza. Una segunda entrada revela finalmente el amplio espacio interior, elogio al loft neoyorkino de pura cepa. Las telas –los rollos apilados, los retazos colgados, y más rollos con extremos caídos en exhibidores verticales– son el toque de color en un lienzo pincelado por el

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gris del cemento alisado en el piso, el blanco del lino de los mullidos sillones del estar, el marrón de la madera rústica de las mesas y el negro de las vigas y los lamparones de zinc pintados. Uno podría quedarse a vivir en esta obra diseñada por la arquitecta Ana Smud, del estudio Rietti Smud y Asociados. La ambientación estuvo a cargo de Gabriela Faena, arquitecta que hoy también se encarga del asesoramiento de clientes para sus obras, espacios, tapices, cortinas, y todo lo que empiecen a soñar ni bien entran al local. Nos cuentan que Géneros del Sur tiene seis años de vida, y se afianza en la trayectoria de una empresa madre con muchos años de experiencia en el mercado de la moda, con clientes de la talla de Rapsodia. Los caminos siempre se cruzan y la incursión en el mundo de la decoración llegó naturalmente: sucede que muchas de las telas pensadas para indumentaria hacen las delicias de los decoradores, ambientadores y arquitectos, que suelen ser los que más se le animan a este enclave escondido. A la hora de comprar, en el muestrario se destaca el lino 100% natural, llamado Quinquela, que entre las manos se deshace como manteca pomada. Y también las panas, 100% de algodón, con tonos vibrantes que permiten imaginar ambientes tan delicados como imponentes. Asimismo, se han sumado blends que incorporan materiales sintéticos. A los macetones en tono visón y la pérgola se suma un toque de color: es el Los motivos son infinitos. Los hay con tapas mural realizado especialmente para el lugar por Eduardo Medici y Diana Janin. de revistas Vogue, acuarelas de techos parisinos, flores y aves diversas, rayas de múltitifunción del local, quien también rastrea la historia ple grosor, y toda una línea especial para chicos. de piso perdido -y encontrado- en medio de la zona Los textiles llegan mayormente desde Francia, con palermitana del Zoológico. algunos aportes desde España e Italia. Son piezas Parece que este espacio alguna vez fue boliche, especialmente seleccionadas en las Ferias de otra vez jaula de golf y que cuando sus dueños actuaFrankfurt, París, Nueva York y Shanghai, a lo cual se les llegaron por primera vez, zumbaban los murciésuma una encantadora colección alfombras traída lagos. Detalles que aportan a la picaresca del lugar y de La India, digna de Anthropologie. Todo esto lo lo vuelven un punto oculto pero obligado. Habrá que cuenta Valeria Fusco, diseñadora y encargada mul- ir, y regresar. www.generosdelsur.com.ar n

ANA SMUD, DEL ESTUDIO RIETTI SMUD Y ASOC, HIZO LA OBRA, Y GABRIELA FAENA SE ENCARGÓ DE LA AMBIENTACIÓN.

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En el interior del local, un estar donde los clientes pueden detenerse a elegir, meditar o simplemente disfrutar del lugar. La perla es el hilo 100% natural de los sofás y almohadones, para afinar el sentido del tacto.

En el jardín seco se luce el trabajo de la paisajista Cristina Le Mehauté. Desde allí se observan las oficinas gerenciales, dispuestas tras generosos paneles de vidrio que refuerzan el gesto industrial y natural.

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LA FANTASÍA

DE LAS ISLAS TEXTO: DEBORA CA MP OS FOTOS: A RQ. DA N I E LA MAC A D D E N

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ucho tiempo pasaron mirando aquel lote desde la orilla, imaginando una casa en medio de esa isla pequeña en la que, a través de las ventanas, el agua siguiera siendo protagonista. Sin embargo, el terreno y las ensoñaciones habitaban un universo irrealizable. Pero años después y por absoluta casualidad, supieron que el propietario había decidido vender.

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“Se trata de un lote en una isla del Río de la Plata que permitía disfrutar de múltiples actividades vinculadas al agua”, describe la decoradora Violeta Equioiz. Además, estaban las fantasías y fue la arquitecta Mariana Gramlich quien las interpretó haciéndolas convivir con las necesidades que tenía la familia. “El proyecto arquitectónico y de decoración tomó como premisa dar cuerpo a una casa moderna que fuera capaz de integrar ese entorno tan particular”, señala Violeta.

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En el comedor, sobre una alfombra antigua se despliega un juego de mesa y sillas réplica de uno existente en la Embajada del Reino Unido en la Argentina. Las arañas, un diseño de Gabriel del Campo a partir de piezas que pertenecieron a una iglesia. “Optamos por este intenso color uva que imprime dramatismo”, apunta la decoradora. In situ, los cortinados de seda bordada abiertos dejan ver un acuario con peces.

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La propiedad está planteada en dos grandes alas: por una parte, la que se destina a la vida social y del matrimonio. Y, por otra, el sector habitado por los jóvenes hijos. En todos esos ambientes, diseñados por la decoradora con la colaboración de Eugenia Corian, el estilo oscila entre toques clásicos, la identidad de sus pobladores y sus preferencias, la historia familiar y sus diversas herencias, y también integra objetos y muebles hallados en viajes. Y el agua. Que todo lo enmarca. Que invita a divertirse y a disfrutar. Desde esta orilla, ahora. n

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El family busc贸 integrar una situaci贸n de bar y living. Protagonista indiscutida, una barra al estilo de los viejos mostradores de almac茅n o bares de pueblo. En torno, todos los muebles son de maderas antiguas recuperadas. Entre los objetos comprados y guardados largo tiempo antes de terminar la casa, una caja registradora de anticuario que todav铆a funciona, con su rollo de papel original.

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El vestidor recuerda el juego de probarse y disfrazarse de la niñez, con ropa y hasta bijoux a la vista. El baño prima el contraste entre el mármol Arabescato y el wengue de los muebles, con accesorios de Restoration Hardware. En la suite principal, combinación de texturas como terciopelo, sedas y damascos, carbonillas del artista uruguayo Cardozo y lámparas de platil de Andrew Martin.

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HUGO BREITMAN ANTIQUES GALLERY www.hbantiques.com.ar info@hbantiques.com.ar Banco italiano realizado en mármol de Carrara, profusamente decorado, circa 1860. Par de tallas en madera policromada representando monos africanos, estilo realista, circa 1940. Gran reloj en mármol de Carrara estatuario: alegorías femeninas que representan a la sabiduría, firmado P. d’ Epinay, circa 1890 Macetero (par) realizado en piedra París.

ART & ANTIQUES El coleccionismo ha llevado a muchos decorar sus casas con piezas antiguas. Así, algunas viviendas actuales se han convertido en especies de desvanes ordenados donde siempre hay lugar para una antigüedad recién adquirida. En ocasiones esto sucede por gusto personal y en otras porque es bien sabido que un mueble o un objeto antiguo son inversiones con amplias posibilidades de revalorización.

Retrato: María Teresa de Jesús Rodríguez

POR JAVIER ITURRIOZ

RETRATO PERSONAL DE COLECCIONISMO (EPÍLOGO)

Hay decoradores o dueños de casa que convierten a determinada pieza en la estrella total del ambiente donde se las exhibe, sea un elemento comprado o heredado… En efecto, ¡una pieza puede llegar a ser la vedette de una casa! Por eso, a la búsqueda de esos objetos extraordinarios capaces de dictar la clave de toda una decoración, proponemos un nuevo recorrido especial. La excepcionalidad artística, la singularidad y la rareza de la antigüedad son los valores fundamentales que se tuvieron en cuenta para esta cacería de favoritos por los que no daríamos la vida… pero casi.

Fotos: Emma Livingston

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NORBERTO MEDRANO www.norbertomedrano.com info@norbertomedrano.com Par de tejas representando dragones con cuerpos escamados, recubiertas por esmalte turquesa y ocre. Terminaciรณn de tejado recubierto en esmalte color ocre con figura en sobre-relieve de dragรณn de cinco garras. Cรณmoda Luis XV en palisandro sobre estructura en madera maciza de hayas, ornamentaciรณn de bronces dorados, rematada con mรกrmol de color beige.

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GUEVARA GALLERY www.guevaragallery.com info@guevaragallery.com Pintura Kakemono japonesa. Escritorio italiano 1920. Silla italiana años 40 y par de sillas misma década. Cerámica italiana 1950 Vidrio francés Dege 1920

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CHENG & CO chengantiguedades@yahoo.com Bronce y marfil de Paul Philippe de los a単os 30. Aprieta libros a単os 20 de Frecourt. Galgo de bronce de Kley, circa 1900. Par de floreros, vidrios franceses de los 40.

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GALERÍA SERGIO GUEVARA www.galeriasergioguevara.com antiguedadesguevara@hotmail.com Par de lámparas de pie de hierro batido con vidrios soplados y satinados al ácido. Mueble art déco 1930 en raíz de tuya diseño de Dufrene, con incrustaciones y tapa de mármol. Bronce y marfil firmado D.Chiparus, modelo Fan Dancing.

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DK ANTIQUES Duggan Krause www.dkantiques.com.ar info@dkantiques.com.ar Óleo firmado por Stefano Benech, especialista en la anatomía de los perros. Camisero forrado en cuero, años 60. Par de bases de lámpras en mármol de Carrara, año 1920. Par de carameleras firmadas Baccarat.

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GABRIEL DEL CAMPO gabrieldelcampoanticuario@yahoo.com.ar Pinรกculos antiguos de mรกrmol de Carrara italianos. Busto romano en marmolina sobre viejos libros en cuero de Rusia. Par de viejas cรณmodas al estilo Maggiolini. Fondo: parte de un Trumeau con detalles en falso mรกrmol.

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PA S D E D E U X TEXTO: DÉB ORA CA MP OS FOTOS: A RQ. DA N I E LA MAC A D D E N

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in que lo hayan buscado deliberadamente, el arquitecto Marcelo Nougués y la diseñadora María Emilia Lobbosco ya han compartido varios proyectos. Y cada vez, la relación profesional fluye despojada de preconceptos y plena de inteligencia. En este caso la consigna fue aggionar las comodidades de un departamento para una de una mujer con sus tres hijos. El piso forma parte de un imponente edificio de época –previamente reciclado en su totalidad por Nougués– que lleva la firma nada menos que de los arquitectos Luis María de la Torre, Ernesto Lagos y Gregorio Sánchez, autores del emblemático Kavanagh. “La obra data del año 1929 y encontramos pisos de un plano académico, pero como todos los trabajos de este estudio, es al mismo tiempo muy actual y vigente”, explica el arquitecto.

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Dentro del living, un sector de reunión más íntimo a partir de una mesa laqueada en negro de Azcue y silloncitos franceses tapizados en rafia y lino natural de Ronchamp. El comedor, pintado en gris plomo y dorado, se armó con dos mesas y sillas de pana gris y negro. Escultura de mármol de María Boneo.

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LA COCINA, REALIZADA POR LA ARQUITECTA LORENA MENÉNDEZ OHAN, ES FUNCIONAL Y DESPOJADA DE TODA ORNAMENTACIÓN.

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“Me sorprendieron las proporciones del pasillo principal, que por su ancho recuerdan a las de un hotel o las del Banco Tornquist”, señala Marcelo Nougués. El toilette, clásico en mármol Calisa Capri con paredes color chocolate.

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En el dormitorio principal, cama de Eugenio Aguirre, mesas de luz de Guevara Gallery y lámparas Tolomeo. El cuadro es de Carlos Alonso. Verde Alpe en el mármol del baño, con una escala generosa y despojada. El vestidor es sencillamente espectacular.

L

a propietaria tenía en claro que “este piso era algo excepcional, de modo que estableció pautas muy claras para que la obra no alterase su esencia”, explican a dúo el arquitecto y la diseñadora interior. El conocimiento previo que Nougués tenía del edificio lo llevó a plantearse la idea de unificar varios espacios pequeños de modo de obtener un gran living de proporciones generosas. Por su parte, María Emilia equipó los ambientes con los muebles justos, dotando de protagonismo a las obras de María Boneo, Carlos Alonso, María Ester Joao, Martha Boto y Beatriz Soto García, entre otros artistas. El resultado exhibe la identidad de los habitantes de la casa pero también el sello de dos referentes del diseño que se retroalimentan: “La base que Marcelo me presenta es gloriosa, me permite lucirme”, afirma ella. “Pocas veces he visto a alguien tan profesional y rigurosa con la calidad”, pondera él. n

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