WÜMEN: 1° edición

WÜMEN

Ser Mujer en la Bauhaus

Al ser la primera escuela del diseño gráfico se ha visto vulneradas las mujeres dentro de esta misma, hasta que se hizo un cambio por parte de ellas mismas

MUJER, MÁS QUE UN PAPEL DENTRO DEL DISEÑO

BOHORQUEZ

te de la Institución Universitaria Herrera, quién es el supervisor de todo o, las correcciones y el enfoque dado a tilla que se muestra en cada página de

MATEO ZULETA

Estudiante de la Institución Universitaria Salazar y Herrera, encargado de la profundidad en la investigación, nutriendo el conocimiento respecto a todas las escuelas abarcadas dentro de la revista para un mejor desarrollo.

VALERIA OROZCO MUÑOZ

Estudiante de la Institución Universitaria Salazar y Herrera, encargada principalmente en la edición estética e investigación sobre el diseño de forma general y así abarcar la importancia de cada una de las rama unificadas dentro de la revista

D I T O R A

EDITORIAL

La mujer ha tenido un papel importante en la historia del diseño, aunque a menudo ha sido pasado por alto o minimizado. A lo largo de la historia, las mujeres han contribuido significativamente al diseño en una variedad de campos, desde la moda y el diseño de interiores hasta la arquitectura y el diseño gráfico.

A pesar de las barreras y prejuicios de género que han enfrentado, muchas mujeres han logrado destacarse en el campo del diseño y han dejado una huella duradera en la historia del diseño. Muchas mujeres diseñadoras han enfrentado obstáculos en su carrera debido a la discriminación de género y la falta de oportunidades. A medida que la sociedad se vuelve más consciente de estos problemas, es importante reconocer y celebrar el papel que las mujeres han desempeñado en la historia del diseño y trabajar para crear un futuro más inclusivo y equitativo para todos los diseñadores

Fotografía: de Valeria Orozco Muñoz, Atardecer

ÍNDICE

Editorial

Introducción al desarrollo de contenido de la revista hablando así de la importancia que tuvo la mujer

De musas pasivas a creadoras que inspiran.

La trascendencia que tuvieron las mujeres de ser vistas como objetos a unas verdaderas reinas del arte

Ser mujer en la bauhaus

Al ser la primera escuela del diseño gráfico se ha visto vulneradas las mujeres dentro de esta misma, hasta que se hizo un cambio por parte de ellas mismas

Inge scholl: la mujer que desnazificó Alemania

La tipografía abarca y con ella compartimos algunas diseñadoras reconocidas por sus obras de arte

Una entrevista exclusiva con una artista transgresora

Paula Escher

Escher busca reflejar la versatilidad a través de un compendio de piezas procedentes de épocas muy distintas

LATINOÁMERICA: el arte en el conflicto

Conoceremos la obra de una gran artista

Colombiana: un viaje por las diseñadoras mas destacadas.

Una aventura de reaslimo mágico

De musas pasivas a creadoras que inspiran.

Por Jhon Bohorquez

El rol de la mujer en el arte desde un inicio se redujo únicamente a ser objetos artísticos, ocasionando que las mujeres no fueran valoradas como artistas. Durante las vanguardias el rol de la mujer comienza a no solo ser objetos, sino que poco a poco comienzan a ser consideradas como creadoras de arte, pero con una valoración notablemente menor en comparación a la masculina. avanzando significativamente hacia el inicio de una historia que evoluciona constantemente incluso hasta nuestros días. En las artes y la cultura, las musas habían sido históricamente objeto de admiración y deseo, representado típica mente como figuras femeninas pasivas y anónimas que inspiran a los creadores masculinos.

En las vanguardias, un número creciente de mujeres comenzaron a desempeñar un papel activo en la creación artística y a ser reconocidas como artistas en su propio derecho, en lugar de ser simplemente musas o modelos. Este cambio estuvo estrechamente relacionado con los movimientos de liberación femenina y el aumento de la igualdad de género en muchos países occidentales.

Escultura: Las tres gracias, la alegría la belleza y la fertilidad de Antonio Canova

No es hasta comienzos del siglo XX que la mujer comienza poco a poco a ser tomar posición en la sociedad, impulsada por los movimientos feministas que buscaban la defensa de la igualdad de derechos e intereses en pro de un cambio en la estructura social preexistente. Las vanguardias, entonces, son el inicio del rompimiento de las creencias de que hay una diferencia entre los sexos que les permite justificar la subordinación de las mujeres en un orden social donde se considera a las mujeres como un objeto de deseo y posesión.

Movimientos como el impresionismo permitieron impulsar un gran número de mujeres artistas, que comienzan a ser reconocidas un gran número de mujeres que fueron alumnas de grandes pintores como Degas y Manet. Por otra parte, el surrealismo también contribuyó a romper el prejuicio hacia las mujeres ya que dentro de él podemos encontrar a varias artistas reconocidas hoy en día. lo cual permitió que en la post vanguardia se generen nuevas fórmulas del arte, las cuales son expuestas en salones independientes que atraen a las mujeres artistas

El papel de la mujer ha sido un camino de largos sacrificios, que incansablemente ha recorrido a lo largo de toda nuestra historia, como en la del arte transmutando en la continúa búsqueda del reconocimiento que se ha merecido, estar en la constante lucha de ser valorada y apreciada no termina ya que solo alguien con todo su fuerza , carácter ha logrado obtener el lugar y poder pasar de musas pasivas a creadoras que inspiran.

Transmutando en la continúa búsqueda del reconocimiento que se ha merecido, estar en la constante lucha de ser valorada y apreciada no termina ya que solo alguien con todo su fuerza , carácter ha logrado obtener el lugar y poder pasar de musas pasivas a creadoras que inspiran.

Foto: Sonia de Launiy Archivo personal Fuente:https://wikieadpucvcl/La evoluci%C3%B3n femenina en el arte post vanguardiasDanitza Barrera

La Bauhaus, fue la primera escuela de diseño, fundada en 1919 por Walter Gropius, se convirtió en un símbolo de cambio y revolución, en ella se establecieron las bases del diseño moderno y grandes diseñadores y diseñadoras salieron de allí.Para la sociedad alemana de los años 20s, la Bauhaus representaba algo inmoral, ya que parecía que promovía la igualdad de género, sin embargo detrás de esta fachada se esconden las actitudes sexistas propias de la época

En 1919, se instauró la constitución de la república de Weimar, en ella se les otorgaba a las mujeres el derecho al voto, a enseñar y a la educación por eso, la Bauhaus desde sus inicios pensó en admitir mujeres, de hecho, la política de admisión a la escuela dictaba que “Cualquier persona con buena reputación, sin distinción de edad o sexo, cuya educación previa sea considerada adecuada por el Comité de Maestros, será admitido hasta donde el espacio nos lo permita ” Esta idea de educación igualitaria resultó en que acudieron gran número de mujeres, redoblando la cantidad de hombres El propio Gropius no quería que la escuela fuera considerada para señoritas, fue por eso que afirmó que se haría un minucioso proceso de admisión y en especial para las estudiantes

En 1920, las matrículas para los estudiantes eran de 150 marcos, pero con el fin de limitar el acceso de las estudiantes, la matrícula para ellas sería de 180, los defensores de esta restricción la justificaban con el argumento de que las mujeres eran inferiores intelectual y físicamente a los hombres, un ejemplo claro es el de Johannes Itten, él argumentaba que las mujeres solo eran capaces de visualizar la dimensión plana y no en forma tridimensional, como sí lo podían hacer los alumnos masculinos Por otro lado, también se tenía la idea de que las mujeres eran “infantiles e ingenuas” y que eran capaces de ver el detalle pero no el todo.

La política sexista se extendía también a los talleres, ya que las mujeres solo podían acceder a los de tejido, cerámica y encuadernación, a esto se le suma el hecho de que muchas de ellas habían salido en malas condiciones de sus hogares por lo tanto deben vivir dentro de la escuela, estas estudiantes se debían dedicar (además de estudiar) a las tareas domésticas como limpiar las instalaciones, cocinar y lavar para los demás estudiantes Muchas de las creaciones de estas mujeres fueron solapadas por el nombre de algún hombre, en muchas ocasiones el de sus propias parejas, como lo fueron los casos de Lucia Moholy y Annie Albers.

Ser Mujer y los obstáculos en la Bauhaus

Fotografía: a Gunta StÖlzl, Annie Alberts, Marianne Brandt y Lilly Reich

Fotografía a Annie Alberts

Por: Mateo Zuleta

B A U H A U S

Destacando por sí solas.

Sin embargo, muchas mujeres lograron destacar por sí solas y tener el reconocimiento que se merecían en medio del machismo ejercido por la bauhaus, está el ejemplo de Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el programa de metalistería de la escuela, cuyos diseños todavía comercializa la firma Alessi, y Gertrud Arndt, a quien la universidad intentó disuadir de estudiar arquitectura pero que brilló como fotógrafa y diseñadora de alfombras Chicas como ellas, comenzaron a promover la expresión “chicas de la Bauhaus”, que era sinónimo de mujer moderna Una mujer que hacía deporte, nadaba, jugaba al tenis, hacía danza al aire libre, llevaba el pelo corto, fumaba, se mostraba libre sexualmente y ambigua. Fueron mujeres valientes que se saltaron el rol de género tradicional

En 1933, con el ascenso al poder del partido nacionalista obrero aleman, el rol de la mujer vuelve a limitarse a las tareas del hogar y el cuidado de sus familias, la Bauhaus fue cerrada poco después y muchas de las exalumnas tuvieron que huir de Alemania escapando del regimén, sus ideas se esparcieron por el mundo, siendo el caso de Lotte Beese que revolucionó el urbanismo en Paises bajos y la union sovietica Queda claro que la Bauhaus a pesar de la revolución que representó, aún cargaba con una ideología sexista que defendía la superioridad intelectual de los hombres, ideología que llevó a que la mujer continuará siendo desplazada del diseño por muchos años, no obstante, gracias a la Bauhaus también podemos hablar de mujeres influyentes que lograron destacar y que aún hoy en día son fuente de inspiración para el diseño

Fuente:https://efeminista.com/bauhaus-mujeres/ Fuente:https://divergenteeducacion.wordpress.com/2021/02/12/las-mujeres-en-la-bauhaus/

El género femenino ha sido opacado en esta y la mayoría de disciplinas

Fotografía: Tetera por Marianne Alberts

Fotografía: Bauspiel: por Ein Schife

El álbum recuerda hoy a...

INGE SCHOLL: LA MUJER QU DESNAZIFICÓ ALEMANIA

Por Mateo

Walter Gropius, fundador de la bauhaus, la definió como una mujer capaz de pasar de las palabras a la acción

Una mujer valiente, creativa, intelectual, disrruptiva bueno, nos podríamos quedar horas y horas elogiandola, pero esta gran mujer que entre sus logros ostenta el de darle un rol más activo a la tipografía y de ayudar en la fundación de la escuela sucesora de la bauhaus, merece un reconocimiento para recordarla hoy a 106 años de su nacimiento

La querida Inge, nació en 1917, hija del alcalde de Forchtenberg, su infancia estuvo rodeada de ideas políticas pero fue muy ordinaria En su juventud, Inge comienza a estudiar en la universidad de Múnich, allí la historia toma un rumbo interesante.

En 1942, la segunda guerra mundial estaba en pleno auge, junto a otros estudiantes de la universidad Inge formó el grupo llamado "la rosa blanca", que se oponía a las ideas discriminatorias del partido nazi Inge se encargo de publicar panfletos que invitaban a restaurar la justicia social y especialmente la democracia

Los panfletos fueron repartidos en el centro de Alemania y esto llamó la atención de la Gestapo, en especial por uno en el que se leía "el nombre de Alemania queda deshonrado para siempre si la juventud alemana no se alza por fin" Esta incitación causó que muchos miembros del grupo fueran arrestados, entre esos dos de los hermanos de Inge, posteriormente fueron ejecutados y los demás miembros de la familia fueron interrogados Inge continuo luchando clandestinamente contra los nazis hasta el final de la guerra

En 1946 se casa con Otl Aicher, y junto a Max Bill deciden fundar la escuela de Ulm. Los principios de la escuela, evocaban el deseo de los miembros de la rosa blanca de colaborar en la reconstrucción de una sociedad que estaba moralmente destrozada por culpa del nazismo

La escuela fue todo un éxito, cumpliendo con su objetivo Inge fue una figura influyente para la escuela, para ella el diseño gráfico era una idea poderosa para la comunicación y la educación, y así uniendo su pasión por la escritura, se encargo de establecer a la tipografía como un elemento importante en el diseño moderno

Pero esta mujer no paró allí!! En los años 50s, se encargo de diseñar para la exposición "gente en nuestro tiempo" Su trabajo más importante, fue la publicación del libro "la rosa blanca", en el que contó su experiencia en el grupo y su lucha contra el régimen, este libro fue un Best seller y la instauró como una verdadera escritora. Más tarde se unió al movimiento pacifista que se oponía a la guerra fria, demostrando que siempre sería una valiente guerrera, pero hubo una batalla que no pudo ganar

En 1998 fue diagnosticada con cáncer, un cáncer tan agresivo que terminó por acabar con su vida Nuestra querida Inge Scholl, será recordada por siempre por unir la vida creativa con la cotidiana, demostrando el verdadero poder de las palabras

Fuente:https://elpais.com/elpais/2019/11/28/icon_design/1574964035_534052.html

Fuente:https://todoenmodelismo.website/heroes/inge-aicher/

La visualización y reconocimiento que hoy en día tienen las mujeres diseñadoras (Y mujeres en general) no sería posible sin el trabajo del movimiento feminista

Portrait Inge Aicher-Scholl 1955, Foto: Sisi von Schweinitz © HfG-Archiv / Museum Ulm

Die weiße Rose Buch oder Schutzumschlag in ordentlichem Zustand mit Gebrauchsspuren, aber vollständige Seiten

The picture shows her in class; on the wall are vh posters by Otl Aicher Photo: © vh ulm

Edificio de la HfG de Ulm diseñado por Max Bill y terminado en 1955

ESCUELA DE BASILEA

Por Valeria Orozco

La Escuela de Basilea fue un importante centro de arte y diseño que se desarrolló en la ciudad suiza de Basilea desde la década de 1940 hasta la década de 1970. La escuela se enfocó en la enseñanza de las artes gráficas, incluyendo diseño gráfico, tipografía y diseño de carteles Se caracterizó por un enfoque funcionalista y minimalista en su diseño, y por su énfasis en la comunicación clara y efectiva.

Aunque la Escuela de Basilea tuvo muchos estudiantes y profesores femeninos, generalmente se considera que la institución no tuvo un enfoque específico en el lugar de lasLa Escuela de Basilea fue un importante centro de arte y diseño que se desarrolló en la ciudad suiza de Basilea desde la década de 1940 hasta la década de 1970 La escuela se enfocó en la enseñanza de las artes gráficas, incluyendo diseño gráfico, tipografía y diseño de carteles. Se caracterizó por un enfoque funcionalista y minimalista en su diseño, y por su énfasis en la comunicación clara y efectiva

Fotografía: Petersschule, Basilea, 1926

La Escuela de Basilea es conocida por haber sido una de las instituciones educativas de arte y diseño más influyentes en Europa en el siglo XX, y por haber ejercido una gran influencia en el diseño gráfico y la tipografía en particular La tipografía suiza se convirtió en un estilo de diseño de renombre internacional, y las tipografías Univers y Helvetica, creadas por diseñadores de Basilea, siguen siendo algunos de los diseños más utilizados en la actualidad.

Sin embargo, es importante tener en cuenta que la Escuela de Basilea tuvo un enfoque internacional y atrajo a estudiantes y profesores de todo el mundo, lo que significó que las mujeres tuvieron la oportunidad de estudiar y enseñar en un ambiente creativo y progresista Además, muchas mujeres diseñadoras y tipógrafas notables que trabajaron después de la época de la Escuela de Basilea citan su trabajo como una influencia importante en sus carreras. En resumen, aunque la Escuela de Basilea no tuvo un enfoque específico en la inclusión de las mujeres, su legado en el diseño y la tipografía sigue siendo importante e inspirador para muchos diseñadores y tipógrafos, independientemente de su género.

DISEÑADORAS

Imagen:Müller-Brockmannonpenccil

Rosmarie Tissi es una diseñadora gráfica suiza que ha sido reconocida por su trabajo como parte del Estilo Internacional Suizo, que tuvo gran influencia en el diseño gráfico durante las décadas de 1950 y 1960. En su obra, Tissi se destacó por su uso del color, la tipografía y la fotografía. Participó en exposiciones importantes y trabajó en proyectos de diseño para clientes de todo el mundo Además, ha sido docente en varias instituciones educativas en Suiza y en el extranjero.

ROSMA ROSMA

TISS TISS

Imagen: Alfabetempo

Catherine Zask es una diseñadora gráfica y artista francesa, conocida por su trabajo en diseño editorial, tipografía y fotografía Ha trabajado para clientes de todo el mundo y ha sido reconocida por su estilo innovador y su enfoque experimental. También ha sido docente en varias instituciones educativas en Francia y en el extranjero. Zask ha trabajado como diseñadora gráfica independiente desde la década de 1980 y ha recibido varios premios y reconocimientos por su trabajo innovador en diseño. También ha sido docente en varias instituciones educativas en Francia y en el extranjero.

Imagen: Mar&Vi Blog

Lora Lamm fue una diseñadora gráfica suiza conocida por su trabajo en el campo del diseño editorial Estudió en la Kunstgewerbeschule en Zúrich y trabajó en la revista "Wochenpresse" antes de establecer su propia agencia de diseño en Milán. A lo largo de su carrera, trabajó con clientes como Olivetti y La Rinascente, y fue reconocida por su estilo innovador y moderno Lora Lamm falleció en 1993

Imagen: Grande fiera

Imagen: Rosmarie Tissi - "Konzerte Im Theater 11"

¿TE IDENTIFICAS CON ALGUNA ESCUELA DE PINTURA EN PARTICULAR?

No creo haber hecho nunca ninguna pintura tradicional, excepto lo que llamas expresionismo abstracto. Lo que más amaba era a De Kooning y Gorky, pero eso era personal, no por lo que podía tomar de ellos. Pero no creo que haya tomado o usado esos materiales de ninguna manera. Creo que nunca he hecho eso con el trabajo de nadie. Su arte y sus declaraciones y su persona son tan equivalentes. Él y su trabajo son lo mismo. Es lo que quiero ser, lo más que Eva puede ser como artista y como persona… Me siento muy cercana a Carl Andre.

EVA

Por Entrevista: Mateo Zuleta

Edición: Valeria Orozco

EN PROCESO.

En esta ocasión en la sección del receso, estuvimos en el guggenheim de Nueva York, en la inauguración de la Expanded Expansion, exposición centrada en el trabajo de la talentosa artista Alemana, Eva Hesse. Allí mismo, logramos conseguir una entrevista con esta maravillosa mujer, quien recientemente debió someterse a una operación, sin embargo se siente feliz de poder continuar con su obra. En nuestra charla, Eva nos cuenta de su compromiso con el arte, como ella ve la conceptualización como una experiencia que va más allá de la obra de arte final y como su arte no es decoración.

Estas son algunas de las palabras de la artista Eva Hesse, sigue leyendo

imagen: EvaHesse1936–1970|Tate

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Imagen: Ennead | icabostonorg

SI CARL SUPIERA TU RESPUESTA A SU TRABAJO, ¿CUÁL SERÍA SU REACCIÓN?

No sé! Tal vez le repugnaría que yo dijera tal cosa sobre su arte. Dice que no se puede confundir vida y arte. Pero creo que el arte es una cosa total. Una persona total dando una contribución. Es una esencia, un alma, y de eso se trata

Yo estoy interesada en resolver una incógnita del arte y una incógnita de la vida. No se puede divorciar como idea, composición o forma. No creo que el arte pueda basarse en eso. De hecho mi idea ahora es contrarrestar todo lo que he aprendido o me han enseñado sobre esas cosas, encontrar algo que es inevitable que es mi vida, mi sentir, mis pensamientos.

En mi alma interior el arte y la vida son inseparables. Se vuelve más y menos absurdo aislar una idea básicamente intuitiva y luego elaborar un sistema calculado y seguirlo (supuestamente, ese es el enfoque más intelectual) que dar prioridad al alma o la presencia o como quieras llamarlo

Este año, no saber si sobreviviría o no estaba relacionado con no saber si volvería a hacer arte alguna vez. Una de mis primeras visiones al despertar de la operación fue que no tenía que ser artista para justificar mi existencia, que tenía derecho a vivir sin serlo.

imagen:EvaHesse–Hauser&Wirth

¿CÓMO TE SIENTES ACERCA DE LA ARTESANÍA EN EL PROCESO DE TU TRABAJO?

imagen:EvaHesse|Americanartist|Britannica

Creo que hay un estado de calidad que es necesario, pero no se basa en la corrección Tiene que ver con la calidad de la pieza en sí y nada que ver con la pulcritud o los bordes No es la calidad artesanal del trabajo, sino la integridad de la pieza No soy consciente de los materiales como una esencia hermosa Para mí, la gran implicación es con un propósito: llegar a un fin, no tanto. en sí misma… Me interesa descubrir a través del trabajo de la pieza algo del potencial y no de lo preconcebido… A medida que trabajas, la pieza en sí misma puede definir o redefinir el siguiente paso, o el siguiente paso combinado con alguna idea vaga Quiero permitirme involucrarme en lo que está sucediendo y lo que puede suceder y ser completamente libre para dejarlo pasar y cambiar Sin embargo, tengo un sentimiento muy fuerte sobre la honestidad, y en el proceso, Me gusta ser, suena cursi, fiel a lo que uso, y lo uso de la manera menos pretenciosa y más directa… Si el material es líquido, no lo dejo o lo vierto. Puedo controlarlo, pero realmente no quiero cambiarlo. No quiero agregar color o hacerlo más grueso o más delgado No hay una regla No quiero guardar ninguna regla Por eso mi arte puede ser tan bueno, porque no tengo miedo Podría correr riesgos, realmente camino al límite

¿CÓMO SE RELACIONAN LOS MATERIALES CON EL CONTENIDO DE TU OBRA?

No es una pregunta simple para mí Primero, cuando trabajo, solo estoy trabajando con las cualidades abstractas, cuál es el material, las formas que va a tomar, el tamaño, la escala, el posicionamiento, dónde viene, el techo, el suelo Sin embargo no valoro la totalidad de la imagen en estos puntos abstractos o estéticos Para mí, como decía antes, el arte y la vida son inseparables Si puedo nombrar el contenido, entonces tal vez en ese nivel, es el absurdo total de la vida Si me relaciono con ciertos artistas no es tanto por haber estudiado sus obras o escritos, sino por sentir el absurdo total en su obra

¿QUÉ ARTISTAS? ¿ABSURDO?

Es tan personal El arte y el trabajo y el arte y la vida están muy conectados y toda mi vida ha sido absurda No hay nada en mi vida que haya sucedido que no haya sido extremo: salud personal, familia, situaciones económicas

Mi arte, mi escuela, mis amigos personales fueron las mejores cosas que he tenido Y ahora de vuelta a la enfermedad extrema, todo extremo, todo absurdo. Ahora el arte siendo lo más importante para mí, además de existir y mantenerse vivo, se conectó con esto, ahora más entrelazado que nunca, y absurdo es la palabra clave… Tiene que ver con contradicciones y oposiciones. En las formas que uso en mi trabajo, las contradicciones ciertamente están ahí. Siempre fui consciente de que debía tomar el orden frente al caos, lo fibroso frente a la masa, lo grande frente a lo pequeño.

¿ QUÉ HAY DE LOS MOTIVOS, EL CÍRCULO POR EJEMPLO? LO USASTE CON BASTANTE FRECUENCIA EN TUS PRIMEROS TRABAJOS.

Creo que hay un elemento de tiempo en mi uso del círculo. Fue una secuencia de cambio y maduración. Creo que ahora estoy menos involucrada En los últimos trabajos que hice, hace apenas un año, estaba menos interesada en una forma específica como el círculo, el cuadrado o el rectángulo Realmente estaba trabajando para llegar a una forma no antropomórfica , no geométrico, no no Cuando regresé de Europa, aproximadamente en el 65, hice una pieza llamada Hangup Fue la primera declaración más importante que hice Fue la primera vez que surgió mi idea de absurdo o sentimiento extremo Era una pieza enorme, seis pies por siete pies La construcción es realmente muy ingenua Si tuviera que hacerlo ahora, lo construiría de otra manera Es un marco, aparentemente, y se asienta en la pared con una varilla muy delgada, fuerte pero que se dobla fácilmente que sale de ella El marco es todo cordón y cuerda Está todo atado como un vendaje de hospital, como si alguien se hubiera roto un brazo Todo es absolutamente rígido, con un cordón limpio alrededor de todo

Marcel Duchamp, Yvonne Rainer, Jasper Johns, Carl Andre, Sartre, Samuel Beckett

HICISTE UNA PIEZA LLAMADA 'ENNEAD' EN 1965 QUE COMIENZA SIMÉTRICA Y TERMINA EN UNA MARAÑA CAÓTICA.

LSí Comenzó perfectamente simétrico en la parte superior y todo estaba perfectamente planeado Las cuerdas se graduaron en color, así como el tablero del que procedían Sin embargo, terminó en un revoltijo de cuerdas Las cuerdas eran muy suaves y cada una venía de uno de los círculos Aunque la cuerda la tejí por igual en la parte de atrás (en la parte de atrás de la pieza se ve lo iguales que son) y se podría arreglar para ser perfectos, como todos tienen la misma longitud, tan pronto como comenzaron a caer, tomaron diferentes direcciones y a medida que se acercaban al suelo, más caóticos se volvían Siempre he opuesto el contenido a la forma o solo la forma a forma Siempre hay divergencia A esa caja enorme que hice en 1967 la llamé ' Accesión' Lo hice primero en metal, luego en fibra de vidrio Por fuera tiene forma de cuadrado, un cuadrado perfecto, y por fuera es muy, muy claro El interior, sin embargo, se ve increíblemente caótico, aunque son los mismos pedazos de manguera que atraviesan. Es lo mismo, pero tan diferente como podría ser... Pero es un poco demasiado precioso desde donde estoy ahora. Es demasiado hermoso, como una joya, y demasiado correcto, me gustaría hacerlo un poco más mal en este punto

¿POR QUÉ REPITES LA FORMA UNA Y OTRA VEZ?

Porque exagera Si algo tiene sentido, tal vez sea más significativo dicho diez veces No es solo una elección estética Si algo es absurdo, es mucho más exagerado, más absurdo si se repite No creo que siempre lo haga, pero la repetición sí agranda o aumenta o exagera una idea o propósito en una declaración A veces pensaba, 'Cuanto más pensaba que era mejor el arte', pero ahora me pregunto sobre eso... Creo que dejaré que sucedan muchas cosas y tal vez resulte mejor Tal vez si realmente creo en mí, confía en mí, sin ningún plan calculado, quién sabe qué pasará

imagen:EvaHessesNewlyRestored“ExpandedExpansion”

MENCIONASTE A DUCHAMP ANTES COMO UN ARTISTA AL QUE TE SENTÍAS CERCANA. ¿QUIZÁS TAMBIÉN ESTÁS INVOLUCRADA CON EL ELEMENTO DE CAMBIO, DIGAMOS EN UN TRABAJO COMO 'SEQUEL'?

Sí, está todo suelto Es al azar Los círculos se pueden manipular al azar La única limitación es el tapete y estas formas podrían salir rodando del tapete porque son básicamente cilíndricas La pieza está hecha de medias esferas que son rígidas Se moldeaban a partir de medias bolas y luego se volvían a juntar pero no del todo Se juntaron con una abertura para que todo quedara 'sacudido'. Era una pelota sólida pero no era una pelota sólida, es plegable y no es plegable porque es de goma, y luego es cilíndrica, pero no lo es, pero las bolas aún se pueden mover. Todo está ordenado, pero nuevamente está esa duplicidad. Pero esta es una pieza antigua y me interesa menos, por supuesto, como un problema De nuevo esa duplicidad -antes decía que no me interesaban los problemas formales, sino ' Sequel' obviamente representaba un problema formal para mí

Hay una pieza llamada Area que hice del molde de otra pieza que fue ' Repetition 19'. Tomé los fondos de los contenedores y engomé las formas, los adjunté y los cosí Tiene veinte pies de largo y tengo un apego personal a la pieza. Las piezas están totalmente desconectadas ' Repetition 19' estaba hecha de contenedores vacíos y tenía esa connotación sexual, es antropomórfica El Area no lo es, o lo es de una manera totalmente diferente Se utiliza como pieza plana con una sugerente tridimensionalidad. Area es tan feo, me refiero al color, ' Repetition 19' es fibra de vidrio transparente

¿HAY ALGÚN OTRO TRABAJO QUE ENCARNE PARTICULARMENTE TUS IMPULSOS HACIA LAS CONTRADICCIONES? TU TRABAJO

MÁS RECIENTE PARECE MÁS LIBRE Y ATREVIDO QUE NUNCA.

Me gustaría hacer eso ahora, bueno, ¿por qué no? Solía planificar mucho y hacer todo yo misma. Entonces comencé a correr el riesgo, no, necesitaba ayuda Fue un poco difícil al principio Trabajé con dos personas, pero llegamos a conocernos bastante bien, y adquirí la suficiente confianza, y justo antes de enfermarme, no mencionaba el problema ni planeaba el día. Dejaría que sucediera más y me dejaría usar de una manera más libre y ellos también: su participación era más propia, más flexible. Quería ver dentro de un día de trabajo o dentro de tres días de trabajo lo que haríamos juntos con un enfoque general pero no nada específico Me gustaría mucho, cuando vuelva a trabajar, profundizar más en todo este proceso. No significa casualidad total, sino más libertad y apertura

tomó muy poco tiempo. Era una pieza muy compleja, pero toda la actitud era diferente, y esa es más la actitud con la que quiero trabajar ahora, de hecho, incluso aumentada, incluso más exagerada Esa fue una de las últimas piezas que hice antes de ponerme tan enferma. Fue una de las piezas en las que empezamos a trabajar con menos plan Simplemente describí la vaga idea a dos personas con las que trabajé, y comenzamos a hacerlo Hubo algunas cosas que le dije a una de las personas con las que trabajé. Dije que quería hacer un poste Hizo un poste perfecto, no era lo que quise decir en absoluto Así que comenzamos de nuevo y luego entendió

TU TRABAJO MÁS RECIENTE PARECE MÁS LIBRE Y ATREVIDO QUE NUNCA.

Puedo pensar en una cosa que cambió Antes de ese tiempo, el proceso de mi trabajo tomaba mucho tiempo. Primero porque hice la mayor parte yo misma, y luego cuando planeé las piezas más grandes y trabajé con alguien, fueron más formalistas Luego, cuando comenzamos a trabajar de manera menos formalista o con mayor oportunidad, todo el proceso se aceleró Cuando hicimos una de las piezas en el Whitney que más me gustan, la pieza en forma de escalera, ' Vinculum I',

' Vinculum II' también parece estar involucrado con elementos de azar, particularmente en su potencial de movimiento

' Vínculum II' está conectado a la pieza de escalera porque está hecho con la misma manguera de goma Pero ' Vinculum I' es sólido, serio e inflexible excepto por la manguera, mientras que ' Vinculum II',aunque muy similar, es totalmente flexible No hay nada que se pueda parar o poner Todas estas partes se pueden mover, cada conexión es móvil Así que tiene una cualidad muy frágil y tenue Es muy, muy tenso ya que está unido desde dos ángulos Hay mucha tensión, pero todo es flexible y se mueve. Está hecho de malla de alambre con fibra de vidrio y las partes sólo están engrapadas para que realmente puedan subir y bajar; se colocan pero se pueden mover Y luego a través del alambre y la fibra de vidrio hay un agujero y estas mangueras de ladrones irregulares los atraviesan Todos son de diferentes longitudes Todo es tenue porque las mangueras en realidad no están muy apretadas y pueden cambiar y no me importa, dentro de lo razonable.

DIJISTE QUE NO TE INTERESABAN LAS PIEZAS

AMBIENTALES, PERO EXPANDED EXPANSION, CON SU TAMAÑO Y PRESENCIA, TIENE UNA CALIDAD AMBIENTAL

Supongo que esto es lo más parecido que he hecho a un entorno. Está apoyado contra la pared como una cortina y la escala podría hacerlo superficialmente ambiental, pero eso no es suficiente Pensé que haría más, pero la enfermedad lo impidió; entonces, en realidad, podría extenderse a una longitud que uno realmente sentiría. ser ambiental. Esta pieza tiene una opción Creo que lo que confunde a la gente en una pieza como esta es que es tan tonta y, sin embargo, está bastante bien hecha Su ridiculez se contradice con su clara preocupación por su presentación...

Quiero contarles sobre los antecedentes de ese trabajo. Tengo que retroceder un poco, porque es relativo. Empecé la idea inicial hace un año. La idea totalizó antes de que me enfermara La pieza estuvo encordada en mi estudio durante todo un año Así que no estaba en conexión con él cuando volví a él, pero lo recordaba visualmente. Recordé lo que quería hacer con la pieza y en ese momento debí dejarla, porque era realmente atrevida Era muy, muy simple y muy extremo porque parecía una nada realmente grande, que era una de las cosas que tanto deseaba poder lograr Quería lanzarme por completo a una visión a la que tendría que adaptarme y aprender a comprender Pero al volver después de un verano de no haberla visto, sentí que necesitaba más trabajo, más finalización y ese fue mi error Dejó la zona fea y se fue a la zona bella No quise decir que hiciera eso

¿QUÉ PASA CON ' RIGHT AFTER' ?

Imagen:VisualartinspiredbyEvaHesseonBehance

¿LO ENCONTRASTE DEMASIADO DECORATIVO?

Ni siquiera quiero usar esta palabra porque no quiero que se use en ninguna entrevista mía, relacionada con mi trabajo. Para mí esa palabra, o la forma en que la uso o me siento al respecto, es el único pecado del arte. No soporto las películas efusivas, los cuadros bonitos y las esculturas bonitas, las decoraciones en las paredes, los colores bonitos, el rojo, el amarillo y el azul, las líneas paralelas agradables me enferman…

VOLVIENDO A ' RIGHT AFTER'...

Mi declaración original era muy simple y no había mucho allí, solo cables irregulares y muy poco material. Era realmente absurdo y totalmente extraño y lo perdí Así que ahora estoy intentando hacerlo en otro material, en cuerda, y creo que con este obtendré mucho mejores resultados.

¿CÓMO PUEDES IGNORAR LOS ASPECTOS FORMALES DEL ARTE?

Así que estoy atascada con problemas estéticos Pero quiero llegar al pasado… Quiero darle mayor significado a mi arte. Quizá quiero extender mi arte a algo que aún no existe...

¿ CÓMO CAERSE DEL BORDE?

Esa es una buena manera de decirlo. Sí, me gustaría hacer eso.

Imagen:Heroínas:EvaHesseescultorainnovadora

Paula Escher

Paula Escher nació en 1948 en Virgina y estudió en la Tyler School of Art en Filadelfia Pronto empezó su trabajo en el mundo de la publicidad y el diseño en CBS Records donde fue contratada en el departamento de publicidad y promociones. En este departamento no se sentía cómoda y decidió marchar a la competencia, Atlantic Records, donde se convirtió en Directora de Arte, empezando a diseñar las portadas de los álbumes.

Escher busca reflejar la versatilidad a través de un compendio de piezas procedentes de épocas muy distintas, desde sus comienzos en la industria musical hasta sus más conocidos trabajos de identidad e intervención en espacios arquitectónicos, pasando por una amplia selección de carteles

Escher se convirtió en una icona de la cultura visual de Nueva York A mediados de los 90, su identidad corporativa para The Public Theater se fusionó en una simbología completamente nueva para las instituciones culturales. Scher creó un lenguaje gráfico que aunaba la tipografía de la calle y el graffiti. Con ello aumentó la conciencia pública y consiguió que espectadores diversos asistieran al teatro. Y Gracias a ello ganó el codiciado

Premio Beacon en 1996

Eliniciodesucamino.

Serie de portadas para la disquera de Bob James. 1978 combinaba la ilustración con la tipografía con que se relacionaba o con la que contrastaba. Durante los ocho años en que Paula trabajo diseñando tapas de discos fue formando su estilo y la forma en la que trabajaría en las siguientes décadas. Jugando con la tipografía en un primer plano convirtiéndola en la protagonista de la pieza.

Album cover for Wilbert Longmire, Sunny Side Up 1978

Bob James & Earl Klugh – One On One 1979

Impacto Show

Escher busca reflejar la versatilidad a través de un compendio de piezas procedentes de épocas muy distintas, desde sus comienzos en la industria musical hasta sus más conocidos trabajos de identidad e intervención en espacios arquitectónicos, pasando por una amplia selección de carteles. Gracias a su característico estilo de aire pop y su uso audaz de la tipografía, sus imágenes han entrado en la lengua vernácula estadounidense, y por ello, hoy continua siendo un gran referente del diseño por su rica propuesta, meticuloso trabajo creativo y de investigación para el desarrollo de cada una de sus piezas, llegando a nombrarse obsesiva por el detalle.

Su aporte es importante porque es la prueba viva del resultado de un trabajo de investigación, disruptivo y poco convencional de manera rigurosa y dedicada.

Su aporte es interesante porque nos muestra una visión global del impacto que tiene el diseño a nivel local, del impulso que puede generar un pieza bien diseñada en diferentes en los diferentes aspectos del mundo, ya sea de la industria creativa, musical o bancaria

atinoámerica: el arte en el conflicto L

Latinoamérica ha sido una región muy azotada por la violencia a lo largo de la historia, no es un secreto para nadie por ejemplo todos esos actos reprochables cubiertos durante años por gobiernos insensibles, aguantados durante décadas por pueblos resilientes En el marco de este contexto, artistas como la colombiana Doris Salcedo se han encargado de plasmar la violencia a través de su obra como una forma de no olvidar Recientemente charlamos con ella y nos contó un poco de su obra, de qué manera le da valor a las vidas de aquellos que ya no están y cómo es su búsqueda de una paz total

¿DE QUÉ MANERA HAS VIVIDO EL CONFLICTO?

Bueno de una u otra forma el conflicto nos afecta a todos, directa o indirectamente, constantemente nos bombardean de noticias relacionadas con la violencia causada por un conflicto armado. Recuerdo con amargura, el 6 de noviembre del 85, ese día yo estaba en la biblioteca Luis Angel Arango, yo trabajaba allí en el departamento de educación. Cuando a lo lejos empezaron a sonar disparos y rafagas de fusil, por supuesto salí corriendo las pocas cuadras que había hasta la plaza de bolívar y fue un momento muy impactante ver toda esa escena, estoy muy segura que miles de colombianos ese día estuvieron pegados al televisor o a la radio pendientes de esa masacre, verdaderamente espantoso. Me pareció entonces que era importante no olvidar, la memoria es lo que nos permite cambiar y hacer una mirada crítica al pasado, comencemos a hacer esculturas con objetos cotidianos, descontextualizados para dar a conocer esas historias de una guerra tan arraigada a nosotros Claro está que posteriormente le dediqué una obra a esa fecha, 6 y 7 de noviembre, cada silla representaba una persona, por supuesto no habían suficientes colgando de la fachada del nuevo palacio de justicia

¿TE GUSTARÍA ENFOCAR TU OBRA EN OTRO TEMA?

Bueno para empezar, como te dije anteriormente, la violencia es algo muy arraigado en cada uno de nosotros como sociedad, mi responsabilidad como artista es la de plasmar esa violencia, de no olvidarla para que no se vuelva repetir, claro que mis obras buscan darle reconocimiento a esas víctimas, esas voces que no pudieron dar su testimonio, que no vivieron la paz. Mira tu por ejemplo, los 80s fueron terribles, mis primeras grandes obras fueron para tres hechos desgarradores, masacre de segovia, Asesinato de Jose Antequera, masacre de Honduras y la Negra; respectivamente estas tres obras, son de un caracter muy personal, muy intimo, allí comence a seguir de cerca estos acontecimientos Mi intención nunca fue la de representar la violencia explícita, una muerte violenta va mucho más allá de los alcances del arte, por esto un artista no debería nunca de representarla, me gusta llamar mi obra como acciones de duelo, como si fuera una oración fúnebre

Doris Salcedo en 2019

HABLAS DE LA MEMORIA, ES

OTRO ELEMENTO MUY

PRESENTE EN TU OBRA, RECIENTEMENTE POR EJEMPLO

CON FRAGMENTOS

La memoria es algo muy necesario, si no tenemos memoria, las atrocidades del pasado se seguirán repitiendo indefinidamente Ahora que mencionas a fragmentos, de hecho va más allá de la memoria, mi intención era volver a dar a las víctimas del conflicto la dignidad que se merecen, me gusta ver esta obra como el principio del fin de un ciclo Esta obra es muy significativa para mi, no solo por lo que te menciono de la dignidad, esta obra es la primera vez que hago una obra colectiva, tuve la colaboración de mujeres victimas de violencia sexual por miembros de las FARC, junto a ellas les dimos forma a las lozas de metal hechas con el armamento entregado por el grupo armado, es ahora muy simbolico que estas lozas sean el suelo de un espacio dedicado al arte. ¿sabes? Me gustaría poder darle un destino similar a todas las armas del mundo

¿TU OBRA TERMINA CON EL FIN DEL CONFLICTO ARMADO?

¡por supuesto que no! Me gustaría poder acabar con la violencia de todo el mundo, empezar por mi tierra era el primer paso, poco a poco voy a lograr esa meta, ese sueño de vivir en paz, Palimpsesto, que hice en el palacio de cristal de Madrid, da muestra de ello. El palimpsesto es cuando un texto antiguo es raspado, borrado, para tallar uno nuevo en la piedra, en esta muestra queria darles reconocimiento a esas miles de personas que se ahogaron en el mar Mediterraneo buscando llegar a Europa para escapar de la violencia en sus países, en la exposición, poco a poco del suelo salen gotas de agua que forman los nombres de esos hombres y mujeres ahogados Esa minuciosidad es lo que siento que de una u otra forma es un mensaje de te recuerdo, es un duelo colectivo, el duelo nos humaniza, es un reconocimiento social y político porque una vez reconocida la vida, los seres salen del anonimato.

Desarraigados, obra de Doris Salcedo

Fuente:https://wwwsemanacom/arte/articulo/doris-salcedo-un-recorrido-comentado-por-su-trayectoria/74322/https://magisitesomx/nota/cotidiano-para-la-batalla-doris-salcedo/https://wwweltiempocom/cultura/arte-yteatro/entrevista-con-doris-salcedo-requiem-por-las-vidas-perdidas-592186https://hipermedulaorg/2020/03/la-guerra-permea-nuestra-realidad-doris-salcedo/ https://enciclopediabanrepculturalorg/indexphp/Doris Salcedo#Obras

destacadashttps://museonacionalgovco/noticias/Paginas/Fragmentosaspx

1550 sillas - Doris Salcedo - Historia Arte (HA!)

En un entorno dirigido por hombres, era casi inimaginable que una mujer incursionara en el diseño, de esta manera aparece la obra de Marta Granados. Nace en Boyacá y desde el colegio estuvo muy en contacto con la creación visual, en 1972 participó en su primera exposición y desde entonces se estableció como la primera gran diseñadora colombiana En la obra de Granados, observamos la necesidad de darle un papel al diseño gráfico dentro de la sociedad, jugando con los colores y las figuras geométricas, sus diseños son juegos visuales que usan la metáfora inspirados fuertemente por el art nouveau

Fuente:https://wwwradionacionalco/cultura/arte/marta-granados-una-mujer-enel-diseno-grafico-en-colombia

COLOMBIANA: UN VIAJE POR LAS DISEÑADORAS MÁS DESTACADAS.

Por: Mateo Zuleta

AConsiderada una verdadera innovadora y referencia obligada en términos de diseño, la Barranquillera Silvia Tcherassi incursionó en la moda en 1987. Comenzó como diseñadora de interiores, pero más tarde decidió irse hacia otra rama del diseño Silvia es considerada de las primeras diseñadoras de moda colombiana, su trabajo se destaca por modificar trajes tradicionales del Caribe colombiano, los colores, las formas, los patrones, toda una oda a su tierra natal

NA principios de los 90s, nos encontramos con Beatriz Camacho, su obra se aleja de las intenciones de las demás diseñadoras por exaltar la cultura colombiana. Beatriz creció en Cartagena, muy cerca del mar, desde entonces su inspiración fue la naturaleza, sus diseños evocan esas olas del mar o los pájaros de la costa, sus patrones son evidencia de la carga emotiva que representa para ella la tierra. Camacho presentó sus diseños junto a grandes marcas como Coltejer, pero su más grande logro fue abrir su propia marca

Fuente:https://wwwsilviatcherassicom/co/es/nosotros

Fuente:https://wwwelnuevosiglocomco/articulos/07-25-2022-la-moda-va-mas-alla-de-la-ropa-beatriz-camacho

Cartel Colombia es libertad Marta Granados 1983

Silvia Tcherassi Pre-fall 2019

Colección Amazonas Beatriz Camacho 2020

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Llegamos al momento en el que el diseño Colombiano llega a Hollywood, considerada una de las diseñadoras colombianas con mayor renombre, casi todas las celebridades tienen al menos uno de sus diseños en su armario. La caleña, Nancy Gonzalez, comenzó su imperio en 1998 junto a su hijo, sus diseños están cargados de sofisticación, esto ha permitido que aparezcan en las alfombras rojas más importantes del mundo, de hecho el museo metropolitano de Nueva York, colocó una de sus carteras como uno de los 64 objetos más influyentes del siglo XX.. Como dato curioso, su nombre es mencionado en la pelicula "the devil wears Prada"

Fuente:https://colombiaascom/actualidad/asi-es-la-historia-de-nancy-gonzalez-la-disenadora-debolsos-capturada-n/

Fusionando una técnica artesanal con el diseño contemporáneo, aparece en escena Adriana Santacruz, que en 1999, comienza una propuesta artística en la que propicia un período de encuentro con mujeres artesanas descendientes de “Los Pastos”. Sus diseños destacan por el uso del telar como lo usaban los indígenas, formando patrones que unifican lo moderno con lo precolombino.

Fuente:https://artesaniasdecolombiacomco/PortalAC/Noticia/adriana-santacruz-mezcla-perfecta-entretradicion-e-innovacion 5219

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Mercedes Salazar nació en Bogotá, en 1994 se muda a México y estudia en la escuela de artesanía del instituto nacional de Bellas Artes Sus diseños se caracterizan por ser fabricados de manera tradicional con técnicas artesanales, suelen incorporar colores brillantes y patrones audaces, y se inspiran en las costumbres, la flora y la fauna locales de Colombia. En 2017, diseñó para Carolina Herrera y ese mismo año se encargó de diseñar los ornamentos que utilizó el papa en su visita a Bogotá

Fuente:https://wwwinfobaecom/america/colombia/2021/09/02/mercedes-salazar-regresa-con-suapuesta-por-llevar-la-biodiversidad-colombiana-al-hogar/

Todas mueren por un Nancy González - EXCLAMA

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