Impresionismo ~ mi vision de julia galemira

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. La misión del artista consistía en conseguir una representación del mundo espontánea y directa.

El término impresionistas les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy al ver la obra de Monet “Impresión atardecer” o “Impresión sol naciente” en la exposición de 1874. Lo habitual era exponer en el Salón Oficial, pero los nuevos artistas, conocidos como "Los Rechazados", tenían que buscar lugares alternativos donde les permitieran exhibir sus obras.

Ame a los artistas Impresionistas desde la primera obra que vi, siendo jovencita. Ellos en cierta medida han guiado mis pasos por la literatura y la creaci贸n de mi obra.

Hoy, creo que a trav茅s de estos poemas, siento la necesidad de brindarles mi respetuoso homenaje en nombre de los creadores que he elegido.

Julia Galemire

La diferencia entre realismo, simbolismo, impresionismo está entre la decisión de escoger en función de la propia indagación el mundo objetivo o ir más allá de las apariencias reales La imagen no significa la existencia realista sino que sugiere significados distintos y a menudo misteriosos EN lo más profundo eso es lo que llamamos sueños, símbolos, metáforas, los cuales encarnan la sublimación de las percepciones y sensaciones

Gustave Moreau. 1826 ~ 1898.

“En el Triunfo de Alejandro Magno, hay zonas en las que el dibujo, esgrafiado, aparece desvinculado de la base cromática, casi tan abstracta como en los esbozos. Son muy características las composiciones con ejes verticales, y dramáticos contrastes de penumbras y áreas de luz que se imponen en la atención del espectador al tema representado. En un mismo cuadro, hallamos trozos acabados con técnica más o menos tradicional y otros aparentemente inconclusos en los que las formas se deshacen”. Elena Vozmediano - Madrid

“Solo creo en lo que veo Y únicamente lo que Siento” Gustave Moreau

Moreau

Descubrió con templanza nuevas experiencias como si mordiera en las cuerdas del arco iris el vértigo ilusorio de la humanidad

Vio, su alma en, el simbolismo inquietante la luminosidad precisa de sus alegorías, el hilo infinito de la perfección y las formas

En su audacia compositiva, de Misterio y de sucesos palpitaron LAS QUIMERAS

con poder primigenio la edad m铆tica de oro y plata

as铆 contemplo su creaci贸n su ritual sagrado y descifro en desplegada orilla el trovar escondido de su imaginaci贸n orante

Edgar Hilaire Degas. 1834 ~ 1917.

“Pocos artistas muestran las contradicciones de su tiempo de la misma manera que Degas; participó en las exposiciones impresionistas y criticó los principios básicos de este movimiento; se inspiró en los maestros del pasado y sus escenas rebosan modernidad; defendía la línea sobre el color y se destapará como uno de los mejores coloristas del momento en algunas obras”. Arte Historia.

La “Bailarina leyendo” muestra a una jovencita desconectada del entorno de la clase leyendo un periódico, concentrada buscando alguna información.

El arte es un vicio No se casa con el Se lo viola Degas

La bailarina imagina un movimiento un saludo en el espacio y lo hunde morosa en el entorno

Su rostro tiene un vaho de luz una gracia desvanecida entre lรกmparas Y espejos

Sus manos apenas visibles son transparencia de marfil

de s铆mbolo donde se anida lo sagrado o la dispersi贸n de los cuerpos

La bailarina , como reina blanca flota sumergida en el invisible viaje que besa el abismo

Paul Cézanne 1839 ~ 1906.

El Impresionismo fue para Cézanne una práctica, una técnica que tratará de acomodar a sus intenciones, donde la pincelada pierde espesor y el colorido gana pureza. En 1878 supera definitivamente la pintura impresionista. Para él el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. Paul Cézanne es considerado el padre del arte moderno.

Le Château Noir ~ Año: 1904 ~ Técnica: Óleo sobre lienzo.

El aplauso de los demás es un Estímulo y hacemos bien en desconfiar a veces de el la sensación de la fuerza propia Nos hace modestos Paul Cezanne

Cezanne

Descubro, en el profético paisaje , pleno de hierbas, de orillas baldías., el alma inanimada que duerme su luz astral en dimensión desconocida

Ritmo de claro oscuro (a lo lejos el tiempo) alguien se pierde sobre sus pasos pasos de lluvia, gris y olor antiguo

Las figuras, exploradas se diluyen en revelación de esfinges, de ilusiones en intimidad de sueño incumplido

Tal vez en ese viaje de búsqueda de nuevas raíces; , el polvo estremecido del tiempo Sea la contracción temporal más acá o más allá de la vida, el olvido, la agonía.

vale

Vincent van Gogh 1853 ~ 1890.

Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros y realizó más de 1600 dibujos.

“Theo, con la pintura empieza mi carrera real. ¿No piensas que esto sea correcto considerar?”

Carte de Van Gogh a su hermano.

“Los objetos personales de Van Gogh se convertirán en el motivo protagonista de varios cuadros.

Su Dormitorio en Arles o su Silla también formarán parte de la iconografía del pintor junto a sus viejas botas, colocadas en una postura totalmente informal, otorgando un aspecto fotográfico a la composición”. Arte Historia.

“El par de botas” Oleo sobre lienzo, 1887. Neo-Impresionismo – 1887.

¨ Se puede tener en lo más profundo del alma, un corazón cálido, y, sin embargo, puede que nadie acuda jamás a acogerse a el¨.

Vincent Van Gogh

El cuadro esta allí los distintos matices de oro el inconfundible color, transmite desde la quietud de sus líneas una plenitud expresiva un sutil penetrante rito

El flujo flotante de poderosa sugestión nace en cada contorno El ritmo de todo y del todo busca agrandar la vida hasta la dimensión de mito

En sus soles violáceos se descubre la sutilidad de un ser perdido el silencio trenza la lejanía del tiempo los años por venir.

entretanto ,el temblor del sol teje laberintos La emoción convoca la pasión ,de ser y hacer la esencia , donde gravita el deseo de ser reconocido por el mundo inconsciente que no puede soportar

A Vincent Van Gogh Su soledad ‌. Otro poema

La soledad como nube en espiral Gira las cosas en orbitas divididas Agotando el alma Una amarga tristeza cae inevitable Hacia el momento desconocido De la realidad y la energĂ­a de su enigma

o

Georges-Pierre Seurat 1859 ~ 1891.

Georges-Pierre Seurat fue un pintor francés y el fundador del Neoimpresionismo.

Su trabajo Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte es uno de los íconos de la pintura del siglo XIX. Recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes. Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco.

Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grand Jatte (1884-1886, Instituto de arte de Chicago), representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras.

Una tarde en la Gran Jatte ~ Oleo sobre lienzo. 1886.

Vamos a emborracharnos de luz una vez más Eso nos consuela Seurat

El circo de la infancia regresa en la lágrima en la composición, de los eternos símbolos del caballo blanco O en la increíble acróbata que traza arpegios de aire, o espejismos de arena

Es Un circo imaginario donde todo es imaginario, donde los tonos se esfuman en líneas puntillistas en borracheras de luz

Ahora sabemos alucinaci贸n de la distancia que la escena fue el ultimo sue帽o del pintor; entre sus manos vio desvanecer las sombras , el color el mundo fantasmal de los circos Creados por sus ojos.

.mirar

Edvard Munch 1863 ~ 1944.

Edvard Munch ~ Pintor y grabador noruego. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego uno de los modelos estéticos de las primeras décadas del siglo XX. “La obra de Edvard Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Ibsen a Strindberg”

Biografias y Vidas.

“El Grito”, es la obra que más reproducciones ha tenido en el mundo inspirado en el cráneo de la momia chachapoyas la cual estaba trepanado, operación que se realizaba a los guerreros que sufrían golpes de piedras o mazas.

En mi arte he tratado de llegar a una

explicación de la vida y me he esforzado por lograr claridad a mí vida.

Edward Munch

Edward Munch

Quizá todo sea conocido en si mismo o Sencillamente extraño como puerta abierta transformada en el aire de lámparas apagadas

En ella los temores los equívocos son, vuelo de alas obsesivas son, colores sometidos sentimientos trágicos de la vida a la sabiduría de Dios

El artista ojo fundido como súbito destino crea su propia reflexión desdobla su ser hacia límites indefinidos

El pintor, con riqueza sueña su bohemia el grito indefinido penetra la naturaleza y en chorro de sangre caliente invade el nudo del cosmos como alarido de los huesos sin luz.

Paul Klee 1879 ~ 1940.

Paul Klee pintor suizo, acuarelista y aguafuertista, considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno. Siguiendo un estilo artístico específico, creó una serie de obras famosas por parecer imágenes de ensueño fantástico, ingenio e imaginación. Ciudadano alemán, Klee vivió la mayor parte de su vida en Suiza. A partir de 1935, afectado por una enfermedad progresiva, la esclerodermia, Klee adoptó un estilo claro, sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados.

Cosmic Architecture ~ Oleo sobre Carton 1919.

Contemplo lo creado desde

un punto de vista lejano, primigenio Paul KLEE

Descubrio

nuevas formas

límpidas misteriosas entre el delirio del color como si su retina anclara en la dialéctica del arco iris

Líneas , números jardines sumergidos son revelaciones abstractas en el dibujo de la noche postrera

De la nada surgen caprichosos transportes. estructuras matemáticas en la composición lineal del alma

Su luz rodea la puntuaci贸n imaginer铆a sapiente de manos rebosantes de colores, de enigmas

Su equivalencia ocre y escarlata es quejido del viento en la invenci贸n del mundo ebrio de ritmo

idioma milagroso, de c贸mo cifrar por rieles invisibles el aleteo abismal de su sagrado credo.

Gino Severini 1888 ~ 1966.

Gino Severini es considerado como uno de los fundadores del futurismo. Sus pinturas, influenciadas por la fragmentación de la técnica cubista, representan la acción o el movimiento como una turbulenta composición de líneas y formas quebradas.

Poco. satisfecho con el ambiente artístico de la capital italiana, Severini se instaló en París en el otoño de 1906. Allí conoció a artistas habituales de Montmartre como Maurice Raynal, Pablo Picasso, Juan Gris, Georges Braque y Max Jacob, contactos que hicieron que su obra se aproximase al cubismo.

Su obra es una visión caleidoscópica en la que se funde presente y pasado, espacio y tiempo, consiguiendo así una fiesta de luces y colores.

Obra Lanceros.

“Vosotros nos creéis locos. Somos en Cambio, los Primitivos de una nueva Sensibilidad completamente transformada” Gino Severini

Severini

La tarde es primavera A causa del amor Exaltado de palabras

Sus figuras muestran luz Generan ritmos Transparencias

Son intimidad pájaros de alas blancas en mares y arboles indefensos

son vigilia de hierba encerada Cansancio de sueños vividos Abismos de tiempo infatigable

Amedeo Modigliani – 1884 ~ 1920 “Modigliani, el artista disipado y bohemio que reveló el 'misterio del instinto' humano” Amedeo Clemente Modigliani fue un pintor y escultor italiano, perteneciente a la denominada Escuela de París. El gran pintor italiano (1884-1920), uno de los más singulares creadores de las primeras décadas del siglo XX y uno de los más influyentes, ganó por derecho el título del más disipado de los bohemios, condición que llevó con cierto orgullo hasta el arquetipo. Artista bohemio, en su vida hubo estupefacientes, alcohol, mujeres, pobreza y enfermedad, y sólo alcanzó la fama después de muerto.

“Yo soy rico y fecundo de gérmenes

,

cambiar y necesito la obra. Tengo el orgasmo pero el orgasmo que precede al goce, al que sucederá la actividad

,

vertiginosa, ininterrumpida por la Inteligencia AMADEO MODIGLIANI

Modigliani

Tal vez existió un lugar donde la máscara de oro supo de tiempo de esoterismo, de epifanías con su dominio sobrenatural

En ese prefijado tiempo entre piedras calizas de misteriosa geometría nacieron estatuas remotas

de cuellos alargados, rosa infinito impregnaron la atmosfera de motivos humanos en el pendular rio del pensamiento Las pulsiones descifraron problemáticas antorchas y el aire crecio en el mágico crepúsculo del retrato que que durmió su perfil en líneas sencillas , en apagados colores en esencias que volaron hacia el manantial inacabado d el viento que suspira,

René Magritte

1898 ~ 1967.

Magritte empezó a ganarse la vida dibujando carteles y anuncios publicitarios, así como ilustraciones para portadas de partituras. Con una infancia muy traumatizada tras el suicidio de su madre a los 14 años, es su padre quien lo estimulara estudia dibujo y pintura lo que lo llevara a ingresar a la Academia de Bellas Artes de Bruselas.

El Hijo del Hombre (en francés: 1964. Le Fils de l'Homme), Magritte lo pintó como un autorretrato.

Uno es tan serio que no toma nada en serio ,salvo la negaciĂłn.

RenĂŠ Magritte

Te recuerdo pintor pulido meticuloso en el agua del espejo donde se siente lo que nace, se hunde la fragancia de las ideas

Descubro los ojos del paisaje , que no son verdores Ni orillas baldĂ­as Ni el alma inanimada que muele su llanto en los parpados hinchados de la mirada

Ritmo de claro oscuro (a lo lejos el tiempo) alguien se pierde sobre el horizonte recoge entre sus grietas Lo que vive debajo o mas allĂĄ de lo visible

las figura se diluye en nebulosa en rito esperanzado en diversas turbaciones que resbalan hacia el vaivĂŠn de la memoria

Paul Jackson Pollock 1912 ~ 1956 Paul Jackson Pollock, más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar pintura.

La Loba pintura que no es considerado como un claro ejemplo de este estilo. De hecho aquí parece haberse centrado en un tema mitológico. Muchos consideran que esta obra de arte como una forma de surrealismo. Aunque el artista no quiso hacer comentarios sobre el tema de la pintura, o el tema en sí, muchos piensan que fue inspirado por la legendaria madre loba de Rómulo y Remo. Pintura que es una de las mejores muestras de amor de Jackson Pollock de la forma de libre abstracción.

La Loba (en inglés The She-Wolf )- Pintura al aceite 1943.

Espacio tiempo laberinto

Ante la obra de Jackson Pollock

Este cuadro, esta esfera de Vidrio… este original crear el tiempo que no existe, Esta búsqueda de materias Y de espacios Complicada sombra en tu memoria liberada de miedos y de formas.

La libertad pudo nacer, En tu madeja de suenios Que atraviesa El color de la tierra y la nube.

Salvaje es el canto que se esparce Por la arena Y el tumulto creador De líneas no trazadas Por el movimiento En su ternura mas alta.

Las horas

Son apenas cĂ­rculos En tu mundo exclusivo El rojo, el matiz sombrio Y la original plegaria En el escandaloso caso de tu memoria.

La muerte del laberinto Jackson Pollock Compartiendo tu trayectoria.