Libro de animadores by Raziel Crt Pg

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libro de animadores

Fabiola Cruz Santiago.

Flipbook

Un folioscopio es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones

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Rotoscopia La rotoscopia es una técnica de animación muy antigua que consiste en redibujar o calcar un fotograma teniendo otro como referencia. Por lo general la rotoscopia suele usarse para re-dibujar vídeos, frame a frame, una execelénte rotoscopia sería re-dibujando sus 25 fotogramas, aunque haciendo menos, como 22, 12 u 8 se pueden conseguir fantásticos resultados. También puedes rotoscopiar otros formatos de vídeo como sería 3D, cualquier tipo de animación, dejando como final un tratamiento que suele destacar por sus lineas temblorosas.

Persistencia retiniana La persistencia retiniana hace referencia al complejo sistema que utiliza nuestra visión y nuestro cerebro para procesar las imágenes. Este concepto dio lugar a la creación de la primera secuencia en movimiento, que más tarde se aplicaría para llegar al origen del cine. En concreto el término persistencia retiniana, explica que nuestra visión crea una imagen que permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo para que después el cerebro procese esas imágenes y esto permite que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas pudiendo calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza. Fue Joseph Plateau quien lo descubrió pero en

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la actualidad la neurofisiología lo aparta de su explicación científica sobre la percepción del movimiento. Fueron varios los instrumentos que intencionadamente se crearon para dar una explicación a la teoría de la persistencia retiniana. En otros casos los objetos creados no tenían esa intención pero se podría decir que tienen en común la búsqueda de conseguir proyectar movimiento a las imágenes. Os describo alguno de ellos.

Fenaquistiscopio:

Juguete

inventado por el mismo Joseph Plateau para demostrar su teoría de la persistencia retiniana en 1829. Consiste en varios dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligeramente diferentes, distribuidos por una placa circular lisa. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una imagen en movimiento.

Zoopraxiscopio:

El zoopraxiscopio es un artefacto que fue importante en el desarrollo inicial de las películas cinematográficas, siendo anterior al cinematógrafo. Creado por Eadweard Muybridge en 1879, proyectaba imágenes situadas en discos de cristal giratorios en una rápida sucesión para dar la impresión de movimiento.

Praxinoscopio: El espectador mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda interior con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor.

Inventado por Émile Reynaud en 1877.

Taumatropo:

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Es un sencillo instrumento que reproduce el movimiento mediante dos imágenes, fue inventado por John Ayrton en 1824. Consiste en un disco con dos imágenes diferentes en ambos lados y un trozo de cuerda a cada lado del disco. Ambas imágenes se unen estirando la cuerda entre los dedos, haciendo al disco girar y cambiar de cara rápidamente.

El estroboscopio es un dispositivo que emite destellos luminosos a una frecuencia predeterminada. De esta forma se puede ver un objeto que gira a gran velocidad como si estuviera inmóvil o girando muy lentamente. Simon von Stampfer, matemático austriaco, inventó el estroboscopio en 1829. El aparato tiene una lámpara similar a las empleadas en los flashes de fotografía, que, en lugar de un destello, emite varios consecutivos con una frecuencia regulable. Si se sincroniza la frecuencia del estroboscopio con la del objeto que gira, éste parece inmóvil, ya que se ilumina siempre en la misma posición. Si la frecuencia del giro y del estroboscopio no coinciden, pero se aproximan, el objeto parece moverse lentamente hacia adelante o hacia atrás.

Edward Muybridge Fotógrafo inglés. Entre 1870 y 1914 la investigación fotográfica viró, fundamentalmente, hacia el registro del movimiento. Se trataba de reducir al máximo el tiempo de exposición a fin de aproximarse a la instantánea, susceptible de revelar la estructura de un cuerpo en movimiento. En este sentido, las primeras respuestas las aportaría Muybridge, quien estaba intentando probar con ayuda de la instantánea que, en un determinado momento del trote del caballo, sus cuatro patas estaban al mismo tiempo en el aire, aspecto que contradecía años de representación pictórica.

Eadweard J. Muybridge

Tomó sus primeras fotografías en 1872, pero no fue hasta 1877, tras conseguir apoyo financiero del gobernador de California Leland Stanford, cuando consiguió un juego completo de fotografías satisfactorias. Se trataba de un conjunto de placas de colodión húmedo, realizadas a velocidad de obturación de alrededor de una milésima de segundo, recurriendo para ello a sistema de relojería y mecanismos de cortocircuito que obturaban las cámaras al paso mismo de los caballos, al tocar éstos unos finísimos alambres estirados de un lado a otro de la pista. Ello registraba imágenes consecutivas de las diversas fases de su andadura.

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Émile Reynaud, precursor de los dibujos animados.

Digo precursor porque los suyos fueron hechos antes de la invención del cinematógrafo que es el disparo de arranque del cine como tal. Reynaud ha pasado a la posteridad porque, en primer lugar, inventó el praxinoscopio a partir de su intención primera de mejorar los ya existentes fenaquistiscopio y zoótropo. De todos ellos se encuentra información un poco más detallada en los enlaces. Tan solo resaltar que todos estos inventos fueron comercializados como pequeños juegos ópticos infantiles.

¡POBRE PIERROT!- Pauvre Pierrot!,(1892) En esta animación vemos como Arlequín coquetea con Colombina. Hasta que hace aparición el pobre Pierrot, que además de sufrir el inicial desinterés de su amada, también ha de soportar las bromas de Arlequín.

Son dibujos simples, con una historia simple, pero todo muy colorista e ingenuamente bello. Juzguen ustedes mismos. Georges Méliès Director y productor de cine francés. En 1895, fecha en que era director del Teatro Robert-Houdin e ilusionista profesional, asistió al estreno de las primeras películas de los hermanos Lumière, inventores del cinematógrafo.

Convencido de las posibilidades de futuro del invento, adquirió una cámara cinematográfica, construyó unos estudios en los alrededores de París y se volcó en la producción y dirección de películas. Entre 1899 y 1912 realizó cerca de cuatrocientos filmes, en su mayoría comedias de tono burlesco y desenfadado, entre las que destacan Cleopatra (1899), Cristo andando sobre las aguas (1899), El hombre de la cabeza de goma (1901), la célebre Viaje a la Luna (1902), El viaje a través de lo imposible (1904) y Hamlet (1908).

Fotograma de El hombre de la cabeza de goma (1901)

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Émile Cohl Director de cine, caricaturista y animador francés nacido en París el 4 de enero de 1857 y fallecido en la misma ciudad el 20 de enero de 1938. Su nombre completo era Émile Eugène Jean Louis Courtet.

Fotograma de Fantasmagorie (fantasmagoría), 1908.

Después de ganarse la vida como dibujante y caricaturista, comenzó su trayectoria artística en los Estudios Gaumont, en los que se consolidó como un maestro de la animación, compitiendo en el mercado con Georges Méliès y Segundo de Chomón, y desarrollando la técnica de dibujos de línea de la que sus primeras películas son un vivo ejemplo. Cuando a mediados de agosto de 1908 se estrenó Fantasmagorie, el público pudo apreciar la sencillez de los personajes que se iban transformando de una forma original en la medida que sus líneas (unos trazos blancos sobre fondo negro muy infantiles) así lo permitían. Sobre un fondo y jugando con todas las escala posibles, Cohl construyó una sencilla historia de apenas dos minutos que mostró una clara influencia del trabajo precedente del

estadounidense James Stuart Blackton (Humorous Phases of Funny Faces, 1906).

James Stuart Blackton es considerado unos de los padres de la animación. En realidad, Blackton se inició como caricaturista colaborando en espectáculos de vodevil. Más tarde consiguió un empleo como periodista y de este modo conoció a Thomas Edison, que le introdujo en los artilugios en torno a la ilusión de la imagen en movimiento. Blackton combinó estas novedosas técnicas, su talento y su experiencia en el teatro y, tras varios experimentos, dirigió “Humorous Phases of Funny Faces” en 1906. En este corto sin argumento se combinan el dibujo sucesivo de tiza sobre pizarra y el stop-motion de formas recortadas:

Aunque este modo de animación resulta muy primitivo, sin duda tiene un encanto especial. Aquí podéis ver un ejemplo actual de esta técnica en el videoclip de la canción “Autumn Story” de Firekites, dirigido por Yanni Kronenberg y Lucinda Schreiber.

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Richard Williams Saltar a: navegación, búsqueda Richard Williams (19 de marzo de 1933 en Toronto, Ontario) es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.

Winsor McCay Zenas Winsor McCay, conocido como Winsor McCay (Woodstock, Ontario, Canadá, 26 de septiembre de 1867 – Nueva York, 26 de julio de 1934) fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio. La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland, inició su publicación en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911. El 30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams. Esta nueva etapa de la serie se prolongó hasta el 26 de julio de 1914. Años después, McCay haría reaparecer a Little Nemo en las páginas del New York Herald entre 1924 y 1926, sin alcanzar el éxito de la primera época del personaje.

Página de Little Sammy Sneeze

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Quirino Cristiani nació el 2 de julio de 1896, en un pueblo llamado Santa Guiletta, cerca de la ciudad de Pavia en Italia. Su familia estaba formada por su padre, Luigi Cistiani, quien era secretario municipal, su madre, Adele Martinotti, que se dedicaba a ser ama de casa, y cuatro hermanos.

Ya siendo adolescente, Cristiani desarrolló una gran pasión y vocación por el dibujo. Realizó un breve curso en la Academia de Bellas Artes y encontró trabajo dibujando caricaturas para distintos diarios de la época. Por esos años, los periódicos estaban llenos de historietas y sátiras políticas. Cristiani, encontró el escenario propicio para desarrollar un humor sagaz y picaresco que le permitió convertirse en

un dibujante conocido en el medio.

PRECURSORES DE LA ANIMACIÓN Peter Patrick Sullivan Dibujante y productor de cine de animación, nació el 22 de febrero 1885 en el Ivy Street, Paddington Su-llivan contribuyó dibujos animados ocasionales e ilustraciones para el trabajador y el tábano (como 'P. O'Sullivan') antes de partir a Londres en 1909 para promover sus ambiciones fue conocido por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Fé-lix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato

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Otto Messmer

Otto Messmer, nació el 16 de agosto de 1892 en West Hoboken, New Jersey (ahora Unión City). Se convertiría en el más conocido por su trabajo en el Felix el gato de dibujos ani-mados y cómic producido por el estudio de Pat Sullivan.El primer amor de Messmer, sin embargo, era la caricatura. Inspirado por las películas de animación de Winsor McCay, ta-les como ¿Cómo Funciona un Mosquito, que empezó a crear sus propios cómics para perió-dicos locales en 1912, el mismo año conoció a Anne Mason, quien se convirtió en su esposa en 1934. Uno de sus tebeos, diversión, co-rrió como parte de la página tiras cómicas del domingo "para el Mundial de Nueva York. A principios de la década de 1960, Felix ha sido reinventada para otro medio - televi-sión. La persona que ejecuta el programa de televisión Felix Cat fue durante mucho tiem-po asistente Joe Oriolo de Messmer (creador de Casper the Friendly Ghost), que se asegu-

LOTTE REINIGER Charlotte Reiniger fue una cineasta alemana (posteriormente nacionalizada británica), famosa por sus películas de animación con siluetas, especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926)Fue cineasta y musa de la vanguardia alemana de los años 1920. En ella se encuentran los orígenes del mundo del cine animado, del que se enamoró en su adolescencia: Dedicó tres años de su vida a crear el largometraje animado Las aventuras del príncipe Achmed, el primer largometraje de animación que se conserva (*), estrenado en 1926. Mantuvo lazos estrechos con los círculos cul-turales del Berlín de la época: creó el decorado de algunas repre-sentaciones en el teatro Volksbühne, conoció a Bertold Brecht y rodó varios cortos publicitarios. Por sus películas de animación, casi siempre dirigido al público infantil, siempre sobre argumen-tos de raíz popular, recibió infinidad de aplausos y premios. De su film Papageno (1935), Jean Renoir dijo que era el mejor equiva-lente óptico a la música de Mozart.

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TONY SANG Anthony Frederick Sarg (21 abril 1880 a 17 febrero 1942), conocida profesionalmente como Tony Sarg, era un titiritero e ilustrador. Fue descrito como "Puppet Master de Estados Uni-dos", y en su biografía como el padre de la marioneta moderna en América del Norte.

Se había criado en torno títeres , heredado la colec-ción de su abuela de ellos, ellos se desarrolló como un pasatiempo que mejora la impresión que causó en otros artistas, y, finalmente, en 1917 los convirtió en una profesión. En 1920, se convirtió en un ciudadano naturalizado de los Estados Unidos . En 1921 Sarg animada de la película The First Circus, un dibujo de la invención para el productor Herbert M. Dawley, que fue acreditado como co-animador.

MAX FLEISCHER

Max Fleischer (Cracovia, 19 de julio de 1883 – Los Ángeles, 11 de septiembre de 1972) fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológi-cas. Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia

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en 1917. Usó esta técni-ca junto a su hermano Dave en su primer car-toon en 1915. En 1919 estableció los 'Fleischer Studios' para producir dibujos animados y cortometra-jes. Inventó el rotógrafo para agregar dibujos animados en películas reales. En uno de sus films de Koko el payaso incorpora a un gatito real.

WALTER LANTZ Animador y productor de dibujos animados estadounidese Nació el 27 de abril de 1900 en New Rochelle, Nueva York. Cursó estudios en la Arts Students League. En 1922 entra en los Bray Studios de Nueva York, y trabaja con Isadore Klein y Gregory La Cava en diferentes tiras como Katzenjammer Kids, Mutt and Jeff, Happy Hooligan y Krazy Katz. En el año 1927 viaja a Hollywood donde escribió para Hal Roach y Mack Sennett. Entre 1928 y 1938 trabajó en la serie del Conejo Oswald para la Universal. Después dibuja para Walt Disney pero regresa a Universal y creó su perso-naje más famoso: el Pájaro Loco (Woody Woodpecker). Otros de sus personajes fueron Chilly Willy y Andy Panda. En 1978 la Academia le otorgó un Óscar honorario por su contribución al cine animado. Walter Elias

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WALT DISNEY Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901 — Burbank, California, 15 de diciembre de 1966) fue un pro-ductor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital del cine de animación en los Estados Unidos y en todo el mundo, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento estadounidense durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,1 que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actuali-dad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo En su faceta de animador y empresario, Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los perso-najes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Dis-ney prestó su voz originalmente. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue galardonado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió cuatro premios de la Academia honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de este tipo ha ganado en toda la historia.3 También ganó siete premios Emmy

James "Shamus" Culhane (1908 - 1996) fue un animador, director y productor de cine estadounidense. Trabajó para numerosos estudios de animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enani-tos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes. Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban co-merciales animados para televisión. En el estudio de Lantz, Culhane comenzó a animar películas educativas para el esfuerzo de guerra . Con el fin de las hostili-dades , después de un par de los esfuerzos fallidos para entrar en el cine educa-tivo y los programas de televisión para niños, fundó su propia compañía, Shamus Culhane Productions. Dentro de un corto período de tiempo , se convirtió en una fuerza importante en la creación de comerciales animados y Culhane se hizo co-nocido como un pionero de esta nueva forma

Shamus Culhane Productions fue cerrada en los años 60, en este tiempo Culha-ne se transformó en la cabeza del sucesor de Fleischer Studios, Famous Studios. Dejó el estudio en 1967. Culhane escribió dos libros sobre animación: el texto de guía Animation from Script to Screen, y su autobiografía Talking Animals and Other People. Debido a que Culhane trabajó para un gran número de estudios de animación, su autobio-grafía entrega una amplia descripción sobre la industria de la animación

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Oskar Fischinger (1900 - 1967) fue un pintor, animador y realizador de cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno. Realizó una escena para la película de Disney Fantasía, pero fue eliminada del montaje final. Frustradas sus intenciones como animador (a pesar de que hizo más de 50 cortos) Fischinger se volvió cada vez más un pintor al óleo.

"Bob" Clampett Robert Emerson "Bob" Clampett (8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, pro-ductor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany. Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Án-geles. Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pe-queña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Har-man y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su pri-mer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñan-zas Clampett aprendió lo necesario sobre anima-ción. En 1935, diseñó la principal estrella del estu-dio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.

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Ubbe Ert Iwwerks, conocido co-‐ mo Ub Iwerks ( fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney. Tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las prime-ras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios. El Iwerks Studio abrió sus puertas en 1930. El primer personaje creado por él fue la rana Flip ("Flip the Frog"), personaje muy semejante a Mickey Mouse (aunque, por supuesto, tratándose de una rana, carecía de orejas y hocico). Flip protagonizó 36 cortometrajes, pero no consiguió el éxito previsto por Iwerks y por su patrocinador. Uno de los cortome-trajes, Fiddlesticks, utilizó por primera vez la técnica de Technicolor.

Entre 1936 y 1940, Iwerks traba-jó para otros estudios de anima-ción, como el Charles Mintz Screen Gems, de Charles A. Mintz, antiguo socio comercial de Disney. En 1937 dirigió para éste Merry Mannequins, que algunos consideran su mejor tra-bajo. William Denby

William Denby Hanna (14 de julio de 1910 - 22 de marzo de 2001) fue un dibujante, director, animador y productor de cine y televisión esta-dounidense Tras desempeñarse en varios trabajos esporádi-cos durante la crisis económica, se integró al estudio de animación Harman-Ising en 1930.1 Su participación en dibujos animados como Captain and the Kids le permitió obtener una mayor experiencia y notabilidad en la industria

En 1937, mientras trabajaba en Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera,que se convertiría en el es-tudio de animación televisiva más exitoso en esa época,5 6 al producir series como Los Picapie-dra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leon-cio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi Hanna y Barbera trabajaron en ese entonces junto con el director de animación Tex Avery, crea-dor del Pato Lucas y de Bugs Bunny para Warner Bros., y director de Droopy en MGM.30 31 En 1940, Hanna y Barbera dirigieron el cortometraje animado Puss Gets the Boot, que se hizo acreedor a una nominación como «Mejor cortometraje animado» En la Segunda Guerra Mundial, continuaron animando películas con enfoque educativo.17 Des-de el principio, concibieron que Tom y Jerry debía tener más acción que diálogo entre los prota-gonistas

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William "Bill" Nolan (junio 10, 1894-diciembre 06, 1954) fue un estadounidense de origen irlandés Animación escritor , animador , director y artista . Él es mejor conocido por la creación y el perfeccionamiento de la manguera de goma del estilo de la animación y de la racionalización de Félix el gato . De 1925 a 1927, trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman 's Krazy Kat de Margaret J. Winkler y 1929-1934, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Estudio sobre el Oswald el conejo afortunado serie.

Charles Martin "Chuck" Jones (Spokane (Washington), 21 de septiembre de 1912 – Corona del Mar (California), 22 de febrero de 2002) fue un animador, caricaturista, guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano. Tras su salida de Warner Bros. en 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para Metro-GoldwynMayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y el especial de televisión El Grinch: el Cuento Animado. Jones obtuvo un premio Óscar por su cortometraje The Dot and the Line (1965) y otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica.

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Isadore "Friz" Freleng

(21 de agosto de 19061 –26 de mayo de 1995) fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.

Robert Emerson "Bob" Clampett

(8 de mayo de 1913 – 4 de mayo de 1984) fue un animador, productor, director de cine y titiritero estadounidense conocido por su trabajo en la serie animada Looney Tunes de Warner Bros. y el programa de televisión Time for Beany. Clampett mostró un interés por la animación y los títeres cuando era joven, mientras vivía en Los Ángeles.

Clampett diseñó los primeros muñecos de Mickey Mouse para Walt Disney. Como afirmaría Clampett en algunas entrevistas posteriores, Disney quedó impresionado con el talento del artista, y le ofreció un trabajo. Sin embargo, la falta de cupos en la pequeña empresa de Disney no permitieron esto. Aun así, consiguió trabajo en el estudio de Hugh Harman y Rudolf Ising en 1931 donde trabajó en las series Looney Tunes y Merrie Melodies. En su primer año en el estudio, Clampett trabajó para Friz Freleng la mayoría de las veces, bajo sus enseñanzas Clampett aprendió lo necesario sobre animación. En 1935, diseñó la principal estrella del estudio, Porky, quien apareció en el cortometraje de Freleng I Haven't Got a Hat.

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Frederick Bean Avery (conocido como Tex Avery o Fred Avery) (26 de febrero de 1908 - 26 de agosto de 1980) fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad. El estilo de Avery rompió el molde del realismo establecido por Walt Disney, y alentó a los animadores a llegar al límite del medio para hacer cosas en animación que no se podían hacer en las películas con actores. Avery solía decir: “en animación puedes hacer cualquier cosa”, y sus trabajos hicieron eso muy a menudo.

Avery comenzó su carrera de animación en el estudio de Walter Lantz en los años 30, trabajando en Oswald the Lucky Rabbit. Mientras trabajaba en una oficina, un clip metálico voló hacia el ojo izquierdo de Avery quien perdió el uso de ese ojo. Algunos especulan que la carencia de percepción de profundidad fue lo que le dio su mirada única en la animación y su estilo tan extraño de dirigir.

JOHN HUBLEY´S Fué un moderno director de arte y animación, mundialmente conocido por su personaje de MR.MAGOO, pero su trabajo fue extenso y destacado por su experimentación y su realismo emocional. Tiene numerosos cortometrajes, cabe destacar entre ellos sus inserciones de animación en EDWID AND THE ANGRY INCH. STYLE SECRETS

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Joseph Barbera

Nació en Nueva York el 24 de marzo de 1911. Sus primeros años transcurrieron en el barrio de Little Italy, donde vivía con sus padres de origen sicilianos. Durante la gran depresión trató de convertirse sin éxito en un caricaturista de revista. En 1932 se unió a Van Beuren Studios como animador y guionista. Despues en un tiempo empezó a trabajar con el que sería su socio hasta la llegada del ultimo aliento: Wiiliam Barbera. El día lunes 18 de diciembre de 2006, muere en Los Ángeles a los 95 años de edad. La noticia se confirmó mediante un comunicado público emitido por MGM. Que en paz descanse Joseph Barbera. Trabajaron juntos dirijiendo dibujos animados; Barbera creaba los storyboards y borradores, y Hanna estaba a cargo de la coordinacion. Su primera creación fue Puss Gets the Boot (el gato se gana el zapatazo) (1940), el primer cortometraje de Tom y Jerry, que estuvo nominado a un Oscar al mejor

cortometraje animado. El trabajo de la pareja en Tom y Jerry resultó en 7 premios Oscar y 14 nominaciones por mejor cortometraje animado. Hanna y Barbera estuvieron a cargo del estudio de animación de MGM a finales de 1955; sin embargo el estudio fue cerrado un año más tarde.

RAY HARRYHAUSEN (1920-2013)

Antes de que la animación se convirtiese en un juego de niños ricos gracias a las maquinitas, existía un genio llamado Ray Harryhausen que conseguía levantar admiración empleando con maestría la técnica del stop motion. Con su enorme talento, influenciado por el maestro Willis O’Brien (responsable del stop motion de, entre otras, la obra maestra de 1933 “King Kong”) este grande del cine logró efectos especiales que todavía hoy en día consiguen levantar fascinación, convirtiendo sus mejores trabajos en auténticos títulos de culto del género fantástico.

Ray Harryhausen nació el 29 de junio de 1920 en la ciudad de Los Angeles, California (Estados Unidos). Amante del mundo de la ciencia-ficción y la

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fantasía desde niño, Ray formó parte de clubes de aficionados a estos géneros, intimando desde su adolescencia con el conocido escritor Ray Bradbury. Fue el citado Willis O’Brien el que impulsó a Harryhausen a dedicarse al mundo de la animación de marionetas y maquetas mediante el stop motion, llegando a colaborar con su maestro en “El Gran Gorila” (1949), que dirigió Ernest B. Schoedsack y produjo Merian C. Cooper y nada menos que John Ford, quien también dirigió varias escenas.

Jules Engel innovador animador y educador, conocido principalmente por las secuencias de baile coreografiado de Fantasía, el largometraje animado estrenado por Disney en 1940, falleció el 6 de septiembre en Simi Valley, California. Tenía 94 años y vivía en Bervely Hills. Engel, experto en los métodos de gran arte y cultura de masas de la animación, fundó el programa de animación experimental de CalArts en 1970. Fue también uno de los fundadores del estudio de animación UPA, donde ayudó a crear populares personajes de dibujos animados, como el miope e irascible Mr. Magoo.

Sus cortos de dibujos animados abstractos están también muy considerados, al igual que sus cuadros y grabados de colores vivos, al estilo Kandinsky, expuestos en museos como el Museo Whitney de Arte Americano y el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

Norman McLaren conocido como el «poeta de la animación». Su singularidad radica en unir el cine experimental y de vanguardia con la tradición ilusionista de los espectáculos de animación cinematográfica. McLaren nació en Glasgow el año 1914 y, con solo 20 años, cuando todavía era estudiante en la Glasgow School of Fine Arts descubrió las filmaciones de los rusos Eisenstein y Pudovkin. Estas películas simbolizaron un cambio en su manera de concebir el cine; esta iba mucho más allá del mero entretenimiento, convirtiéndose en un gran medio expresivo. Su primera filmación, Hand-painted Abstraction, realizada sin cámara, sino pintando y dibujando directamente en la superficie del celuloide, hizo que John Grierson decidiese contratarlo para la British General Post Office Film Unit en Londres. Durante este periodo McLaren logró un sutil balance

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entre la libertad expresiva y la disciplina artística. El año 1936, en el inicio de la Guerra Civil, McLaren trabajó como cámara en España, experiencia que le marcará a lo largo de su vida. Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial, McLaren se trasladó a Nueva York, ciudad que abandonó cuando Grierson le animó a unirse al National Film Board of Canada (NFB). En la NFB desarrolló su faceta de animador, nombre por el cual se le conocía, y creó un estudio de animación. McLaren experimentó con diversas técnicas cinematográficas y se interesó especialmente por la creación del sonido trabajando directamente sobre la película

Peter Foldes nació en 1924 en Budapest , Hungría , y murió 29 de marzo 1977 en París , fue director y animador de nacionalidad británica. Contenido [hide] 1 Biografía 2 Filmografía 3 Pinturas 4 Referencias 5 Enlaces externos [ editar ] Biografía Nacido en Budapest Peter Foldes (1924-1977) fue uno de una serie de artistas húngaros (otra fue la película del compositor Mátyás Seiber), que terminó trabajando con su compatriota John Halas en las películas animadas de este último después se trasladó a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa británica Joan (n. 1924), empezando por el Génesis alegórica animados (1952), un examen más detallado (1953) y una visión de corto

(1956). [1 ] Una visión de corto se convirtió en uno de los más influyentes películas de animación británico jamás se ha hecho, cuando se proyectó en la televisión de EE.UU. como parte del popular show de Ed Sullivan .

Heinz Edelmann fue consecuente con sus principios y consiguió convertir esa indefinición en libertad de expresión e independencia. Su espíritu y su trazo polifacético le permitieron trabajar para clientes tan dispares como los Beatles o la Sociedad Estatal para la Exposición Universal de Sevilla, realizar los dibujos de la película Submarino amarillo, crear la mascota Curro o ilustrar la primera edición alemana de El Señor de los Anillos. Nacido en Ústí nad Labem, en la antigua Checoslovaquia, y nacionalizado alemán, Edelmann falleció el pasado día 21 a los 75 años como consecuencia

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de una cardiopatía y una insuficiencia renal en un hospital de Stuttgart, según informó su hija a The New York Times.

Jiří Trnka (1912-1969) fue el gran patriarca del cine de animación checo. Sin él, el esplendor sin igual de la animación checoslavaca en particular, y de Europa del Este en general, así como las figuras de realizadores de la talla de Jiří Barta o Jan Švankmajer –por no decir Tim Burton-, serían imposibles. El arte de las marionetas fue llevado por Trnka hasta alturas incomparables, y su labor

divulgativa y pedagógica formaría e inspiraría a múltiples generaciones posteriores de cineastas y animadores.

Trnka falleció en 1969, a los cincuenta y siete años de edad, demostrando de forma ejemplar la posibilidad de un cine animado para niños de todas las edades, artística e intelectualmente elaborado, y estéticamente alejado de los modelos de Hollywood.

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Manuel García Ferré (Almería, 8 de octubre de 1929 - Buenos Aires, 28 de marzo de 2013) fue un artista gráfico, historietista, autodidacta1 y animador hispano-argentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el creador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.

García Ferré también creó una enciclopedia para niños y jóvenes (El libro gordo de Petete), publicada en España y Argentina, y lanzó otras publicaciones a través de su agencia Producciones García Ferré (PGF), como la edición argentina de Muy Interesante o Ser padres hoy. El muñeco de peluche, Petete, apareció en la televisión con una joven presentadora, la modelo y actriz Gachi Ferrari. El programa mostraba a Petete, un pequeño pingüino, en un corto de 1 o 2 minutos presentando información que ilustraba la enciclopedia El libro gordo de Petete. El programa se transmitió entre 1970 y 1980 en Argentina Uruguay, Perú, Bolivia, Brasil, Chile, Venezuela, Colombia, Ecuador, México,

Puerto Rico y España, donde compitió con el famoso Topo Gigio. A principio del 2000, Telefé comenzó a transmitir nuevos cortos del Libro gordo de Petete, pero esta vez acompañado por la modelo Guillermina Valdés.

Osamu Tezuka Osamu Tezuka (手塚治虫, Tezuka Osamu, Osaka 3 de noviembre de 1928 - 9 de febrero de 1989) fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga (漫画の神様 manga no kamisama?), debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga. Tal fue el impacto de sus creaciones y de sus obras que a día de hoy la base de su estilo perdura en los nuevos autores japoneses y los personajes que él dio a luz con su pluma siguen viviendo en la cultura popular de Japón, donde se puede encontrar en las librerías la gran mayoría de sus obras. Además, sus historietas han sido traducidas a decenas de lenguas, entre ellas el español. La ternura y el profundo y sincero humanismo que imprimió a sus personajes han dejado una huella indeleble, haciendo de él un autor universal capaz de traspasar culturas. Incluso los ojos desproporcionadamente grandes que son tan característicos de la animación y la historieta japonesa (sobre todo en el shoujo) constituyen un legado de Tezuka.

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Ralph Bakshi (Haifa, Mandato Británico de Palestina; 29 de octubre de 1938) es un cineasta y animador estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos con El gato Fritz, película basada en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su última película se remonta a 1992 con Cool World, que mezcla imagen real con dibujos animados, aunque actualmente trabaja en Last Days of Coney Island, un largometraje de animación financiado en masa mediante el sitio web Kickstarter. El estreno está previsto para 2014.1 Ver imágenes

Los 12 principios de la animacion 1-. Squash and Strech (encoger y estirar) Básicamente le dota al personaje (u objeto) de un aspecto más orgánico. Cuanto más estilo cartoon sea la animación que haces, más uso deberás hacer de esta ley, ¡pero cuidado!; exagerarlo demasiado o simplemente usarlo sin justificación puede hacer que tu animación luzca por ser mala.

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2-. Anticipation (anticipación) Aquí también incluiríamos la Contraanticipación. La Anticipación se basa en reservar unos frames para que el personaje haga la acción contraria a lo que se dispone a hacer; como para tomar impulso. Nuevamente, cuanto más cartoon sea, más exagerada o duradera ha de ser la anticipación. Por su parte, la contraanticipación es la "inercia" que lleva un personaje tras realizar una acción hasta que se detiene por completo.

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3-. Staging (puesta en escena) El lugar donde colocamos a nuestro personaje o la cámara, así como la silueta de las poses, enriquecerá el aspecto visual de nuestra escena. Si hubiera algún método por el cual basarse sobre si hemos aplicado bien esta ley o no, sería dejar la escena sin luces para poder ver sólo la silueta del personaje. Si aún se entiende lo que está haciendo, es que la puesta en escena es correcta, pero si no podemos entender su movimiento por que los brazos o piernas quedan ocultos por el volumen del cuerpo, deberemos replantearnos las poses.

ahead action and pose to pose (acción directa y pose a pose) 4-. Straight

Son dos maneras de animar, por lo que usar una en detrimento de la otra no tiene por qué considerarse un error (siempre y cuando la animación esté bien hecha, claro). En Pose a pose marcamos las poses claves de la animación a lo largo del tiempo. Esto nos permite preveer de antemano si a nuestro personaje le dará tiempo de hacer todas las acciones que requiera el guión para ese plano. Asímismo, dado que tenemos agrupados todos los controladores en un mismo frame, será fácil corregir temas de timming. Una vez tenemos claro el diseño básico de la animación podremos empezar a refinar y aplicar el resto de leyes. Por su parte, en Acción directa lo que hacemos es comenzar a animar a nuestro personaje de acuerdo a cómo calculamos que cada controlador debería encontrarse en un momento determinado del tiempo. Esto permite que incluso en un estado muy básico de la animación, ya podamos tener bastante claro el aspecto que ésta tendrá una vez finalizada -algo que suele gustarle mucho a los directores, ya que en pose a pose lo normal es usar curvas constant, que hace que el personaje cambie de una pose a otra en una fracción de segundo y, o se le hecha mucha imaginación, o pones poses a saco Paco.

5-. Follow through and overlapping action (acción continuada y acción desfasada) Diferentes cosas se mueven a diferente tiempo. Con esta premisa deberemos tener en cuenta que existen elementos que aunque conservan la misma animación que otros, ésta ocurre con cierto

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desfase. Un ejempo muy típico sería la cola de un perro; cada hueso se mueve ligeramente después que el anterior, permitiendo conseguir ese efecto de látigo en mayor o menor medida. A esta ley no hay que confundirla con la de Secondary action (acción secundaria). Como hemos dicho, la animación del elemento desfasado es la misma (suele serlo) que la del elemento que le precede; no estamos hablando de una animación independiente que viene dada por una fuerza externa o mayor.

6-. Ease in and out on slow in and out (aceleración y desaceleración gradual) A excepción de la aguja secundera de un reloj y otros pocos ejemplos, las acciones están regidas por una aceleración y una frenada que podrán ser más o menos evidentes de acuerdo a las características del personaje, del estilo de animación, etc Aun así, si dispusiéramos de una cámara de alta velocidad para grabar dicha aguja, comprobaríamos que ésta también inicia su marcha acelerando para luego terminar frenando, así que deberás aplicar esta ley si no quieres que tu personaje parezca que se mueve como un robot.

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7-. Arcs (arcos) Aunque los animadores 3D tenemos la gran suerte de que el ordenador automatiza el proceso de crear claves inbetween, éste no sabe conservar arcos de trayectoria, por lo que esa será nuestra labor como animadores. Consiste en posicionar un elemento de una pose a otra consiguiendo la sensación de que existe una inercia centrífuga. Así conseguimos una trayectoria atractiva desde el punto de vista visual.

8-. Secondary action (acción secundaria) Si tuvieras que animar a un jinete montado a caballo, el vaivén del primero estaría provocado por el galopar del segundo, por lo que eso sería una animación secundaria. Observarías que el movimiento de uno o de otro no tendría por qué ser el mismo, tal como ocurre con overlapping. Si aplicamos esto al ejemplo animado de abajo, el jinete sería la pelota, que tiene su propia animación de subir y bajar y rotar, pero que sin embargo viene gobernada por la fuerza del personaje que la hace botar.

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9-. Timing (noción del tiempo) Como animador, ésta es una de esas leyes que debes llevar equipadas de fábrica. Se trata de la noción del tiempo; de saber cuánto tiempo han de tardar las cosas para que ocurran. En el ejemplo de abajo a la izquiera, el animador chapuzas ha creado un ciclo de caminar otorgando más tiempo del necesario a un pie y excesivamente poco al otro. Así sólo anda un cojo. No obstante, el timing no consiste solamente en que las partes del cuerpo se muevan a velocidades similares, sino que engloba el resto de las otras leyes ya que si las aplicas, pero con mal timing, también serás un animador chapuzas. Conocer el timing para un plano en concreto es tan elemental que debes ser capaz de imaginarlo incluso antes de grabar una sola key.

10-. Exaggeration (exageración) Nuevamente, estamos ante una ley que se aconseja usar más cuanto más cartoon sea nuestra animación. Obviamente no debemos aplicar esta ley en una animación realista (¿te imaginas un personaje de Halo asustándose de la misma manera que el personaje de abajo a la derecha?) Exagerar poses, gestos o movimientos dotará a nuestro personaje de vida.

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11-. Weight and depth (peso y profundidad) En el ordenador la ley de la gravedad no existe (hablo en términos de animación de personajes; no simulación de dinámicas), por lo que nuevamente nos toca a nosotros, sufridos animadores, engañar a la audiencia haciéndoles creer que existe. La cadera del personaje baja cuando ninguna pierna está evitando que vaya al suelo. Por contra, una vez iniciado el contacto con el suelo y cuando esa fuerza es transmitida a la cadera (debería dejarse ver una mínima rotación), ésta empezará a subir. Cuando animes una caída, ten en cuenta que debemos aplicar la Ley de aceleración y desaceleración gradual a medias: aunque existe una aceleración por la que nuestro personaje empieza a caer, al llegar al suelo no existe frenada alguna, por lo que rebotará.

12-. Acting (actuación, personalidad) Como animadores 3D somos mitad técnicos, ya que el uso del software con el que trabajamos requiere un tipo de conocimientos especializados, pero también somos mitad actores. El animador que sabe aplicar un buen acting se diferencia del resto por que no se limita a mover controladores, sino que dota al personaje de personalidad; lo hace actuar. Y aquí no basta con ponerle cara de asustado cuando tiene miedo o hacerlo reír cuando algo le hace gracia (es de lógica); se trata de inventar gestos, muecas, expresiones o cualesquiera recursos más o menos sutiles, más o menos evidentes, que contribuyan a reforzar la personalidad que queremos que la audiencia capte. ¿Y qué es lo que debemos inventar exactamente? Pues lo sabremos en mejor o menor medida en función de lo actores que somos y cómo nos metamos en el pellejo de nuestro personaje.

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Animación en Mexico. Fernando Ruiz Rendón. 1985- 1996 Tuvo colaboración como intercalador y asistente de Animación en la película de largo metraje EL PEQUEÑO LADRONZUELO producida por mundo animado S.A. de C.V. Su colaboración como asistente de animación en los videos musicales realizados para el grupo Bronco titulados los castigados, ls cuatro caballos, el sheriff de chocolate, Vamos hay, El carretón de Choche. Su colaboración en diversas compañías publicitarias como instituciones para Fester, campañas para Home Mart, para El Consejo Nacional de Seguro de Ahorro para el Retiro, entre otras. Colaboración como Jefe de Animación en el medio metraje titulado Vamos a la SEP realizado para la Secretaria de Educación Pública. En 1997- 2010 fue director de animación en la producción tres capítulos de la serie Cuatli de 24 minutos cada uno, titulados La señal, Los Hombres del Maíz, La visión de Halcón realizados por PROMEXA S.A. Director de animación en campañas publicitarias para Rotoplas, Elektra, Pepsi, Sabritas, Nivea, Michellin realizados por PROMEXA S.A.

Gabriel y Rodolfo Riva Palacio Alatriste Huevocartoon.com es un sitio de animaciones donde los personajes principales, unos huevos, realizan sátiras sobre diversos aspectos culturales y sociales de un modo humorístico e irreverente. El tipo de humor utilizado es de un estilo muy particular mexicano: pícaro, burlón y con una buena medida de doble sentido; y se hace burla de estereotipos como el borracho, el macho mexicano, el político, y muchos otros. Entre las animaciones más populares se encuentran: Los Poeta Huevos, Los Huevos Rancheros y El Huevo Filósofo. El sitio www.huevocartoon.com surgió como uno de los primeros proyectos de La Comunidad Huevo, una empresa de animación y producción fundada por Rodolfo Riva Palacio Alatriste, Carlos Zepeda Chehaibar, Gabriel Riva Palacio Alatriste y Rodolfo Riva Palacio Velasco en noviembre de 2001. Oficialmente el sitio se abrió al público el 6 de enero de 2002, y en los primeros tres meses se habían llegado ya a los 3 millones de visitas. Hacia finales del 2004 el sitio tenía ya una afluencia de 230 mil visitas diarias.1 La empresa que inició con tan sólo dos computadoras, creció muy rápidamente sobrepasando las expectativas de sus propios creadores. En el 2006, con un presupuesto de 1.5 millones de dólares e incrementando su planta de 25 a 100 dibujantes y animadores,2 la empresa se preparaba para lanzar su primer largometraje, Una Película de Huevos. La película animada, donde el humor característico fue bajado un poco de tono para ser apto a audiencias desde los 9 años, se convirtió también en un éxito instantáneo recaudando un millón de asistentes en su primer fin de semana de exhibición.