Indice Flibook.................................................................... 2 Persistencia retiniana.............................................. 3 Aparatos de animación............................................ 4 Eadweard Muybridge…………………………..……….… 7 Charles-Émile Reynaud……………………..…………… 9 Georges Méliès…………………………………..………. 10 Émile Cohl……………………………..………………….. 12 James Stuart Blackton Winsor McCay………………..…………………………… 13 Quirino Cristiani……….……..………………………….. 14 Pat Sullivan…………...…………………………………… 15 Otto Messmer Lotte Reinigers……………….………..………………….. 16 Tony Sargs………………….……….…………………….. 17 Max Fleischer Walter Lantz………………….…….……………………... 18 Walt Disney………………….………..…………………….19 Berthold Bartosch………..……………………………… 20 Bill Nolan Chuck Jones……………………..……………………….. 21 Friz Freleng Oskar Fischinger..………………..……………………… 22 Bob Clampett Shamus Culhane.………………………………………… 23 Ub Iwerks William Hanna.………………………………………….... 24 Tex Avery John Hubey.………………………………………………..25
Joseph Barbera Ray Harryhausen........................................................ 26 Jules Engel Norman McLaren…………………………..……….………… 27 Peter Foldes Heinz Edelmann…………………………………..…………. 28 Jiří Trnka Manuel Garcia Ferré………………..……………………….. 29 Osamu Tezuka Ralph Bakshi…………...……………………………………… 30 Richard WIlliams Terry Gilliam……………….………..………………………… 31 Don Bluth Carlos Carrera………………….…….……………………….. 32 Yuri Norshtéin………………….………..……………………. 33 Milt Kahl Ken Harris………………………………………………….…… 34 Art Babbitt Doug TenNapel……………………..……………………..….. 35 La animación en México..………………..………….……… 36 Adolfo Torres Portillo.………………………………………… 38 Salvador Pruneda Alfonso Vergara Andrade………………………………….... 39 Jesús Sáenz Rolón Fernando Ruiz.………………………………………………… 40 12 principios básicos de la animación…………………… 41 Bibliografía……………………………………………………… 47
Flipbook •
Un flipbook (también conocido como folioscopio) es un libro que contiene una serie de imágenes que varían gradualmente de una página a la siguiente, para que, cuando las páginas• se pasen rápidamente, las imágenes parezcan animarse simulando un movimiento u otro cambio. Son ilustrados usualmente por niños, pero pueden estar también orientados a adultos y emplear una serie de animaciones. Los folioscopios son esencialmente una forma primitiva de animación. Como una película cinematográfica, se basan en la persistencia retiniana para crear la ilusión de movimiento continuo en lugar de una serie de imágenes discontinuas sucesivas. En lugar de leer de izquierda a derecha, el espectador simplemente fija la vista en el mismo lugar de la imagen mientras se voltean las páginas. El libro debe también ser recorrido con suficiente
velocidad para que se cree la ilusión, es por eso que la forma normal de verlo es teniendo el folioscopio con una mano y pasar las páginas con el pulgar de la otra mano es por ello que se ha acuñado el término cine de pulgar que refleja este proceso. El primer folioscopio apar eció en s e p t i e m b r e d e 1 8 6 8 , c u a n d o f u e patentado por John Barnes Linnet con el nombre de kineógrafo (cineógrafo etimológicamente imagen en movimiento)
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Persistencia retiniana •
La persistencia de la visión fue un supuesto fenómeno visual descubierto por Peter Mark Roget que demostraría como una imagen permanece en la retina humana una décima de segundo antes de desaparecer por completo. Según sus estudios, esto permitiría que veamos la realidad como una secuencia de imágenes ininterrumpidas y que podamos calcular fácilmente la velocidad y dirección de un objeto que se desplaza, si no existiese, veríamos pasar la realidad como sucesión de imágenes independientes y estáticas. Plateau creyó descubrir que nuestro ojo ve con una cadencia de 10 imágenes por segundo. En virtud de dicho fenómeno, las imágenes se superponen en la retina y el cerebro las "enlaza" como una sola imagen visual, móvil y continua. Se supuso que el cine aprovechaba este efecto y provoca ese "enlace" proyectando a más de 10 imágenes por segundo (generalmente 24), lo que genera en
nuestro cerebro la ilusión de movimiento (en televisión se da 25 fotogramas por segundo).
Aparatos de animación •
En el cine de animación se usan mayoritariamente técnicas de animación. El cine deimagen real registra imágenes reales en movimiento continuo, descomponiéndolo en un número discreto de imágenes por segundo. En el cine de animación no existe movimiento real que registrar, sino que se producen las imágenes una por una, mediante dibujos, modelos, objetos y otras múltiples técnicas, de forma que, al proyectarse consecutivamente, se produzca la ilusión de movimiento. Es decir, que mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real, en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad.
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El incipiente mundo de la animación e s t u v o e s t a n c a d o h a s t a 1 8 2 4 , cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de persistencia de la visión, fundamento en el que se basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un movimiento completo, como se ve en su «taumatropo».
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Aunque fueron muchos los inventos nacidos a la sombra del principio de persistencia de la visión, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la llegada
del «Phenakistoscopio» de Joseph Antoine Plateau, en 1831, en el que conseguía plasmar un movimiento completo mediante el uso de dibujos.
Entre las bases del origen de la animación está el mismo juego de sombras y la proyección de siluetas de papeles recortados creados por la cultura china.
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La animación apareció antes que el• propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó elpraxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pr e-cinematográfica de animación. Posterior mente lo per feccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva ¡Pobre Pierrot!, de 12 minutos de duración.
. Después de la invención de la cámara cinematográfica, cineastas como Georges Méliès en Paris y J. Stuart Blackton en Nueva York mezclaron animación con acción de actores reales para crear un efecto mágico. En 1906, Blackton hizo la primera película animada completamente dibujada a mano, Humorous Phases of Funny Faces.
Eadweard Muybridge •
Fue un fotógrafo e investigador nacido e n K i n g s t o n u p o n T h a m e s . S u s e x p e r i m e n t o s s o b r e la cronofotografía sirvieron de base para • el posterior invento del cinematógrafo.
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En 1872, una polémica enfrentaba a los aficionados a los caballos de Califor nia. Leland Stanford, ex gober nador del Estado y poderoso presidente de la Central Pacific Railway, y un grupo de amigos suyos sostenían que había un instante, durante el trote largo o el galope, en que el caballo no apoyaba ningún casco en el suelo. Otro grupo, del q u e f o r m a b a p a r t e J a m e s K e e n e , presidente de la Bolsa de Valores de San Francisco, afirmaba lo contrario. En esa época no se conocía una manera de
demostrar quién tenía razón, hasta que Leland Stanford ideó un sencillo experimento: este consistía en un método que fotografiaba al caballo en las diferentes etapas de su galope y que proporcionaría una vista completa de todo el trayecto recorrido, para lo cual Stanford encargó a Eadweard Muybridge que tratara de captar con su cámara el movimiento de su caballo de carreras Occident. Sus primeros intentos habían fallado p o r q u e e l o b t u r a d o r m a n u a l e r a demasiado lento como para lograr un tiempo de exposición tan breve como precisaba. Así pues, inventó un obturador mecánico, consistente en dos pares de hojas de madera que se deslizaban verticalmente por las ranuras de un marco y dejaban al descubierto una abertura de 20 centímetros, por la que pasaba la luz. Con este sistema se lograba un tiempo de exposición récord de 1/500 de segundo.
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Stanford, impresionado con el resultado del experimento, que se conocería más tar de con el título El caballo en movimiento, encargó la búsqueda de un estudio fotográfico para poder captar todas las fases sucesivas del movimiento de un caballo.
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E n o c t u b r e d e 1 8 7 8 , l a r e v i s t a científica Scientific American publicó seis grabados hechos sobre negativos ampliados de fotografías de Muybridge, donde se veía a un caballo moviéndose al paso y al trote. La revista proponía a sus lectores que recortaran las ilustraciones y las montaran en un zootropo, un cilindro
que produce la ilusión de movimiento cuando gira, si las imágenes se observan a través de una ranura lateral. El efecto que se consigue se basa en la llamada persistencia retiniana: cuando el ojo humano percibe una serie de imágenes similares y con cambios continuos que se suceden con la suficiente velocidad —diez o más imágenes por segundo—, el cerebro las interpreta como un movimiento real, y se genera la impresión de un movimiento continuo. Ahora bien, si las imágenes no estuvieran separadas unas de otras, se verían borrosas. Después de leer este artículo, Muybridge pensó que se podrían mejorar los resultados proyectando las imágenes sobre una pantalla e inventó un aparato que utilizaba la luz para proyectar imágenes secuenciales mediante el uso de un disco de cristal, invento al que bautizó con el nombre de zoopraxiscopio.
Charles-Émile Reynaud •
Charles-Émile Reynaud fue un inventor y pionero del cine de animación francés que per feccionó el zoótropo e inventó el praxinoscopio en 1877. Patentó una mejora considerable de su invento en 1888 al que b a u t i z ó c o n e l n o m b r e d e T h é â t r e Optique (Teatro óptico). Fue el primero,• además, en perforar la película, como medio de arrastre mecánico. Sus proyecciones estaban sincronizadas con música compuesta por él mismo y efectos sonoros. Sus películas presentan breves escenas humorísticas con un tono naif y poético. Reynaud, en resumen, fue el primero en conseguir pasar del movimiento cíclico de figuras dibujadas a un discurso visual dotado de argumento.
En 1879 tenía lista una evolución del invento, que bautizó como «PraxinoscopioTeatro». En él, las imágenes en movimiento se contemplaban reflejadas en una especie de proscenio teatral en miniatura y se superponían sobre decorados proyectados con el método de linterna mágica, que constituían un fondo sobre el cual se movían las figuras. Se trata de un precursor del sistema de doble exposición o sobreimpresión, técnica que sería importante en el posterior desarrollo de la cinematografía.
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El 28 de octubre de 1892 inicia, en el museo Grévin de París, la proyección de sus «Pantomimas Luminosas» (como anunciaba el cartel publicitario) en un p r o g r a m a q u e i n c l u í a• tres películas: Pauvre pierrot, Clown et ses chiens y Un bon bock (1888). De este modo se convirtió en el creador de los dibujos animados. De su producción tan sólo se conservan Pobre Pierrot (1892) y Alrededor de una caseta de baño (1895). Esta última o b r a f u e r e p r e s e n t a d a ininterrumpidamente, ya en competencia directa con el Cinematógrafo de los hermanos Lumière.
Georges Méliès F u e u n i l u s i o n i s t a y cineasta francés famoso por liderar muchos desarrollos técnicos y narrativos en los albores de la cinematografía. Méliès, un prolífico innovador en el uso d e e f e c t o s e s p e c i a l e s , d e s c u b r i ó accidentalmente el stop trick en 1896 y fue uno de los primeros cineastas en u t i l i z a r m ú l t i p l e s e x p o s i c i o n e s , la fotografía en lapso de tiempo, las disoluciones de imágenes y los fotogramas coloreados a mano.
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Gracias a su habilidad para manipular y transformar la realidad a través de la cinematografía, Méliès es recordado como un «mago del cine». Dos de sus películas más famosas,Viaje a la Luna (1902) y El viaje imposible (1904), narran viajes extraños, surreales y fantásticos inspirados por Julio Verne y están consideradas entre las películas más importantes e influyentes del cine de ciencia ficción. Méliès fue también un pionero del cine de terror con su t e m p r a n a p e l í c u l a L e M a n o i r d u Diable (1896). El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin; eran pequeñas escenas al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo. En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón que lleva a los astrónomos a la Luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada de esta, que va
creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón clavándose en ella.
Émile Cohl • •
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Fue un dibujante francés, uno de los• pioneros de los dibujos animados. Desde 1908 hasta 1923, realizó unas 300 películas, en las que utilizaba diversas• técnicas, como el dibujo, juegos con cerillas, papel recortado y marionetas. También fue caricaturista, ilustrador, fotógrafo, autor dramático, actor, pintor, periodista e ilusionista. Era uno de los clientes asiduos de los cabarets parisinos Le Chat Noir y el Lapin Agile. También fue miembro del club literario Les Hydropathes.
James Stuart Blackton Fue un productor de películas mudas. Es considerado el padre de la animación estadounidense. En 1894, él y dos personas, Albert E. Smith y Ronald A. Reader, formaron una asociación para hacer vaudeville. Smith se llamaba a sí mismo un "Komikal Konjurer" y Blackton se llamaba a sí mismo el "Komikal Kartoonist", y Reader operaba una primera versión de un proyector llamado la linterna mágica. Blackton y Smith produjeron el campo del cine de animación, en la que aparece el propio Blackton en campo dibujando sobre un papel el rostro de un hombre de gesto cómico, junto a una botella y un vaso con el que el dibujante se sirve algunas copas mientras el hombre dibujando se va enfadando
Winsor McCay •
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Fue un historietista estadounidense, uno de los más importantes de la historia del• cómic, autor del clásico Little Nemo in Slumberland. Fue también un destacado pionero del cine de animación, muy influyente en autores como Walt Disney u Osamu Tezuka, con películas como la innovadora Gertie el dinosaurio. La obra maestra de McCay, Little Nemo in Slumberland, inició su publicación en la edición dominical del New York Herald el 15 de octubre de 1905, y continuó apareciendo semanalmente en el mismo periódico hasta el 23 de abril de 1911. El 30 de abril de 1911, Little Nemo pasó a publicarse en el New York American y otros periódicos propiedad de William Randolph Hearst, con el nuevo título de In the Land of Wonderful Dreams. Esta nueva etapa de la serie se prolongó hasta el 26 de julio de 1914. Años después,
McCay haría reaparecer a Little Nemo en las páginas del New York Herald entre 1924 y 1926, sin alcanzar el éxito de la primera época del personaje. El éxito de la tira hizo que se realizasen adaptaciones teatrales en Broadway, y un cortometraje de animación, titulado simplemente Little Nemo (1909).
Quirino Cristiani •
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Fue un caricaturista y director de animación italiano radicado en Argentina responsable de los dos primeros largometrajes de animación y del primer largometraje de animación sonoro del mundo. En 1916, a los 19 años de edad, fue contratado por el italiano Federico Valle (que poseía un estudio cinematográfico en Buenos Aires) para dibujar caricaturas e incluirlas en sus películas informativas de cortometraje. El 16 de septiembre de 1931, Cristiani estrenó Peludópolis, el primer largometraje de animación sonoro, de 80 min. Trataba acerca de la corrupta ‘ciudad del Peludo’ (que era el apodo del expresidente Hipólito Yrigoyen [1852-1933])
Ante la imposibilidad de competir con la empresa de Disney, que tenía mayor tecnología y capacidad presupuestaria, el laboratorio de Cristiani se dedicó al doblaje y subtitulado de las películas extranjeras.
Pat Sullivan •
Fue un productor australiano, conocido• por la producción de los primeros cortos mudos de el gato Félix. Es un tema de disputa quien creó al personaje, él o el animador Otto Messmer. Félix fue el personaje animado más popular hasta los años 1930, cuando los distribuidores de Sullivan cancelaron su contrato ya que se negó a trabajar en el cine sonoro. Sullivan lo pensó nuevamente y en 1933 anunció que el personaje regresaría con sonido, pero murió un año después del inicio de la producción.
Otto Messmer Fue un animador estadounidense, conocido por su trabajo en los dibujos animados y tiras cómicas de el gato Félix, producidos por el estudio de Pat Sullivan. El grado de participación de Messmer en la creación y popularidad de Félix es motivo de disputa, debido particularmente a que demandó su importancia luego de la muerte de Sullivan, quién había recibido hasta entonces el crédito.
Lotte Reinigers •
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Fue una cineasta alemana (posteriormente nacionalizada británica), famosa por sus películas de animación con siluetas, especialmente Las aventuras del príncipe Achmed (1926). Consiguió ser admitida en el Institut für Kulturforschung (Instituto de Innovaciones Culturales), un estudio berlinés dedicado a las películas de animación experimentales. Allí realizó su primera película de siluetas, Das Ornament des verliebten Herzens ("El ornamento del corazón enamorado", 1919). En dicho estudio conoció también a Carl Koch, con el que se casaría en 1921, y que colaboraría con ella en casi todas sus películas. En 1923, se le presentó una oportunidad única. El banquero judío Louis Hagen, admirador de su obra, le ofreció financiarle un largometraje, que realizaría
en un estudio construido encima de su garaje, cerca de su casa de Potsdam. El resultado fue Die Abenteuer des Prinzen Achmed ("Las aventuras del príncipe Achmed"), terminado en 1926, el más antiguo largometraje de animación que se conserva,2 con una trama que es un pastiche de varias historias relacionadas con Las mil y una noches.
Tony Sargs •
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Conocido profesionalmente como Tony• Sarg, era un americano alemán titiritero e ilustrador. Fue descrito como "Puppet Master de Estados Unidos", y en su biografía como el padre de los títeres modernos en América del Norte. Se había criado en torno títeres , heredó la colección de su abuela de ellos, los desarrolló como un pasatiempo que ha mejorado la impresión que hizo en otros artistas, y, finalmente, en 1917 los convirtió en una profesión. En 1920, se convirtió en un ciudadano naturalizado de los Estados Unidos . En 1921 Sarg animó la película The First Circus, una caricatura de la invención para el productor Herbert M. Dawley, que• fue acreditado como co-animador.
Max Fleischer Fue uno de los pioneros en la creación de dibujos animados. Es el creador de Betty Boop y Koko el payaso, y quien llevara al cine a Popeye y al Superman animado. También se encargó de realizar unas cuantas innovaciones tecnológicas.
Fleischer tuvo la idea de usar fotogramas de cine capturados de la realidad para usarlos como referencia al dibujar animación, y así patentó la rotoscopia en 1917. Usó esta técnica junto a su hermano Dave en su primer cartoon en 1915.
Walter Lantz •
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Fue un caricaturista y animador estadounidense, conocido por fundar Walter Lantz Productions y crear al Pájaro Loco. En 1928, Lantz es contratado por Charles B. Mintz para dirigir la serie animada Oswald the Lucky Rabbit de Universal. Cuando Oswald perdió popularidad, Lantz d e c i d i ó q u e n e c e s i t a b a u n n u e v o• personaje. Meany, Miny y Moe, Baby-Face Mouse y Snuffy Skunk eran algunos de los personajes creados por Lantz y sus• empleados. Sin embargo, uno de sus personajes, Andy Panda, pudo sobresalir del resto y se convirtió en el protagonista de los dibujos animados de Lantz para la temporada 1939-1940.
Lantz hizo la primera aparición del Pájaro Loco en un episodio llamado “Knock Knock” protagonizado por Andy Panda. Algunos personajes del universo de Lantz (dibujos animados y tiras cómicas) son Oswald el conejo afortunado, Space Mouse (Super Ratón), Pájaro Loco, Homer Pigeon, Chilly Willy, Andy Panda, Charlie Chicken y muchos otros.
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Walt Disney •
Fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación, es considerado un icono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions, que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.
Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney puso su voz original. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue premiado con 22 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió otros cuatro premios honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de la Academia ha ganado. También fue galardonado con siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.
Berthold Bartosch • •
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Fue un director de cine, nacido en Bohemia región de Austria-Hungría (ahora parte de la República Checa ). Bartosch era conocido por sus cortos de los años 30 como el llamado L'Idée, una• preciosa fábula sobre el pensamiento y las sociedades. De 1935 a 1939, trabajó en Bartosch una película anti-guerra, St. Francis o Pesadilla y Dreams. Cuando los nazis invadieron París, él depositó la película en la Cinemateca Francesa.
Fue un estadounidense de origen irlandés Animación escritor , animador , director y artista. Él es mejor conocido por la
Bill Nolan creación y el perfeccionamiento de la manguera de goma del estilo de la animación y de la racionalización de Félix el gato. Trabajó en una adaptación animada suelta de George Herriman 's Krazy Kat de Margaret J. Winkler y 1929-1934, trabajó como animador, storyman y director en el Walter Lantz Estudio sobre el Oswald el conejo afortunado serie.
Chuck Jones •
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F u e u n a n i m a d o r, c a r i c a t u r i s t a ,• guionista, productor y director estadounidense, siendo su trabajo más importante los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner Brothers. Entre los personajes que ayudó a crear en el estudio se encuentran El Coyote y el Correcaminos, Pepe Le Pew y Marvin el Marciano. Een 1962, fundó el estudio de animación Sib Tower 12 Productions, con el que produjo cortometrajes para MetroGoldwyn-Mayer, incluyendo una nueva serie de Tom y Jerry y El Grinch: el Cuento Animado.
Friz Freleng Fue un animador, caricaturista, director y productor estadounidense conocido por su trabajo en las series animadas de Warner Bros. como Looney Tunes y Merrie Melodies. Introdujo varias de las estrellas más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes y Speedy Gonzales. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de los directores, ganando cuatro premios Oscar. Luego que Warner cerrara su estudio de animación en 1963, Freleng y su compañero David DePatie fundaron DePatie-Freleng Enterprises, que producía dibujos animados, créditos de películas, y series animadas en los años 1980.
Oskar Fischinger Bob Clampett •
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Fue un pintor, animador y realizador de• cine alemán. Sus obras se caracterizan por ser abstractas, donde combina la geometría con la música. En la Alemania de Hitler se lo consideró a su arte degenerado, y así se exilió a Estados• Unidos, llegando a Hollywood en febrero de 1936. Todo intento de Fischinger de filmar en Estados Unidos fue dificultoso. Compuso un Poema óptico para "La segunda• rapsodia húngara" de Liszt (de MGM) pero no recibió beneficio alguno.
Fue un animador , productor , director y titiritero más conocido por su trabajo en el Looney Tunes serie animada de Warner Bros. , y los programas de televisión La hora de Beany y Beany y Cecil . E1931, se unió al equipo Clampett en Harman-Ising Producciones y comenzó a trabajar en nuevos temas cortos del estudio, titulado Looney Tunes y Merrie Melodies . Durante sus quince años en el estudio, dirigido 84 caricaturas más tarde considerados clásicos y diseñaron algunos de los personajes más famosos del estudio, incluyendo Porky Pig y Tweety .
Shamus Culhane Ub Iwerks • •
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Fue un animador, director y productor de• cine estadounidense. Trabajó para numerosos estudios de• animación, incluyendo Fleischer Studios, el de Ub Iwerks, Walt Disney Productions y Walter Lantz Studio. Mientras estaba en Disney, fue uno de los principales animadores de Blancanieves y los siete enanitos, trabajando en una de las escenas más famosas de la película: la animación de los enanos marchando al ritmo de la canción "Heigh-Ho". Culhane completó la escena tras seis meses de trabajo junto a sus asistentes. Tiempo después, Culhane trabajó como director para Lantz, donde hizo el clásico de 1994 del Pájaro Loco, The Barber of Seville. A finales de los años 40, fundó Shamus Culhane Productions, una de las primeras compañías que creaban comerciales animados para televisión.
Fue un animador estadounidense, famoso por su trabajo con Walt Disney. Tuvo un papel fundamental en el desarrollo del estilo característico de los primeros cortos de Disney. Animó los primeros dibujos animados de Mickey Mouse (se discute si la idea del personaje fue suya o de Disney, a quien se le atribuye oficialmente), y dirigió las primeras entregas de la serie "Silly Symphonies". Sin embargo, rompió con Disney en 1930, cuando el productor Pat Powers le ofreció financiarle unos estudios propios.
William Hanna •
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Fue un dibujante, director, animador y• productor de cine y televisión estadounidense. En 1937 conoció a Joseph Barbera. Ambos comenzaron a colaborar conjuntamente, de lo que resultaron producciones como Tom y Jerry o algunas películas en imagen real. En 1957 fundaron Hanna-Barbera, que se convertiría en el estudio de animación televisiva más exitoso en esa época,5 6 al producir series como Los Picapiedra, The Huckleberry Hound Show, Los Supersónicos, Scooby-Doo, Los Pitufos, Don gato, Leoncio y Triston, Pepepotamo y Show del Oso Yogi.
Tex Avery Fue un animador, dibujante, y director estadounidense, famoso por producir dibujos animados durante la edad de oro de Hollywood. Hizo su trabajo más significativo para la Warner Bros. y los estudios de Metro Goldwyn Mayer, creando o desarrollando plenamente los personajes del Pato Lucas, Bugs Bunny, Droopy, Lobo McLobo, Screwball Squirrel, Porky y a Chilly Willy. Su influencia se extiende a casi todos los estudios desde los años 40 y 50 hasta la actualidad.
John Hubley •
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Fue un americano director de animación ,• director de arte , productor y escritor de animación tradicional películas conocidas tanto por su experimentación formal y por su realismo emocional que se deriva de su tendencia a emitir sus propios hijos como actores de voz en sus películas. En 1949 él fue el creador del Sr. Magoo personaje de dibujos animados, en base a un tío, y dirigió el primer dibujo animado Magoo con Jim Backus expresar Magoo.
Joseph Barbera Fue un animador, creador de storyboards, director y productor estadounidense. Cofundó junto a William Hanna el estudio de animación Hanna-Barbera (luego absorbido por Warner Bros. Animation y convertido en Cartoon Network Studios tras la muerte de Hanna en 2001). El estudio creó dibujos animados los cuales obtuvieron mucha popularidad, tales como Tom y Jerry, The Huckleberry Hound Show, Los Picapiedra, Los Supersónicos y Scooby-Doo.
Ray Harryhausen Jules Engel •
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Fue un técnico en efectos especiales y• productor cinematográfico estadounidense. • Era especialmente conocido por su estilo en la técnica de animación stop motion. Algunos de sus más notables trabajos son• El gran gorila en 1949 (junto a Willis O'Brien, película que obtuvo un Óscar a los mejores efectos visuales), Simbad y la princesa en 1958 (su primera película en color), Jasón y los argonautas en 1963 y Furia de titanes en 1981.
Fue un dibujante y animador estadounidense de origen húngaro. Sus obras son en general abstractas, coreografías de figuras geométricas en movimiento. Con sus propias palabras Engel fue uno de los animadores que abandonaron las grandes compañías y se unieron para formar la United Productions of America (UPA). Allí trabajó en cartoons como Gerald McBoing Boing. Luego de la UPA fundó Format Films. A finales de los años sesenta comienzó a realizar su propia animación experimental. Además hizo varios documentales sobre otros artistas.
Norman McLaren Peter Foldes •
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Fue un animador y director de cine• canadiense de origen escocés reconocido por sus trabajos en el National Film• Board of Canada. Estudió diseño en la escuela de arte de Glasgow, donde comenzó a experimentar con el cine y la animación. McLaren creó su film más famoso, Neighbours (1952), el cual ganó innumerables premios en todo el mundo incluidos el Canadian Film Award y el Academy Award.
Fue un director y animador de la nacionalidad británica. Fue uno de una serie de artistas húngaros (el otro era el compositor de la película Mátyás Seiber) que terminó trabajando con su compatriota John Halas en las películas de animación de este último después de que él se trasladó a Gran Bretaña en 1946. Después de salir de Halas, Foldes hizo una serie de películas de animación en colaboración con su esposa británica Joan (nacido en 1924), a partir de lo alegórico Génesis Animated (1952), un examen más detallado (1953) y A Short Vision (1956).
Heinz Edelmann •
fue un ilustrador y diseñador alemán• reconocido principalmente por ser el d i r e c t o r a r t í s t i c o y d i s e ñ a d o r d e• personajes del film de 1968, Yellow Submarine , dónde apar ecían los miembros del grupo musical The Beatles en una visión psicodélica y animada. También diseñó a Curro, la mascota de la Exposición Universal de Sevilla 1992.
Jiří Trnka Fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos o extranjeros. Por su singular relevancia dentro de la historia del cine de animación, fue llamado “el Walt Disney de la Europa del Este”, a pesar de las grandes diferencias existentes entre su trabajo y el del célebre animador estadounidense.
Manuel García Ferré •
Fue un artista gráfico, historietista,• autodidacta1 y animador hispanoargentino, radicado en Buenos Aires desde los 17 años. Su arte ha sido orientado plenamente a los niños, siendo el cr eador de famosos personajes infantiles, como Anteojito, Hijitus, Larguirucho, Profesor Neurus, Oaky, Petete y Calculín, entre muchos otros, así como de tiras animadas televisivas, largometrajes animados y la Revista Anteojito.
Osamu Tezuka Fue un dibujante de historietas y animador japonés, al que a menudo se le llama el "padre del manga" o incluso el dios del manga debido a la calidad de su prolífica producción y a la influencia de sus técnicas, con el abandono de las historietas que apenas ocupaban unas viñetas por los story manga (o mangas de larga duración con una trama mucho más elaborada) y el desarrollo del formato tankoubon, que actualmente triunfa en todo el mundo para la edición de manga.
Ralph Bakshi •
E s u n c i n e a s t a y a n i m a d o r• estadounidense. A medida que la industria de la animación estadounidense declinaba durante las décadas de 1960 y 1970, Bakshi intentó innovar y fue pionero de la animación para adultos con El gato Fritz, película basada en el personaje de Robert Crumb. En 1978 dirigió la primera adaptación cinematográfica de El Señor de los Anillos, la novela de fantasía heroica de J. R. R. Tolkien. Su última película se remonta a 1992 con Cool World, que mezcla imagen real con dibujos animados.
Richard Williams Es un animador, director y productor canadiense. Es conocido por haber trabajado como director de animación en la película ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y El ladrón de Bagdad, la cual no fue terminada. Además animó algunos créditos de películas; sus trabajos más importantes son los créditos de What's New, Pussycat? (1965), The Charge of the Light Brigade (1968). También animó al personaje La pantera rosa para los créditos de dos de sus películas.
Terry Gilliam •
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Es un actor y director de cine británico• nacido en Estados Unidos. Fue uno de los miembros del grupo humorístico Monty Python. Como director ha deambulado por los límites de la realidad, los sueños y el tiempo. Sus películas, de estilo surrealista, están marcadas por los viajes en el tiempo (Los héroes del tiempo y Doce monos) y la realidad confundida por los sueños, la fantasía o la imaginación (Brazil, Las aventuras del Barón Munchausen, El rey pescador, Fear and Loathing in Las Vegas o El imaginario del Doctor Parnassus), siempre aderezado con mucho humor o ironía.
Don Bluth Es un dibujante, animador y director de cine estadounidense, dueño de un estudio de animación independiente y conocido sobre todo por ser el creador de numerosas películas de dibujos animados, destacando entre ellas títulos como NIMH, el mundo secreto de la señora Brisby (1982), En busca del valle encantado (1988) o Anastasia (1997).
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Carlos Carrera •
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Es un director, guionista y animador mexicano, cuatro veces galardonado con el Premio Ariel. En el mes de febrero de 1991 se estrena en privado la copia 0 de su primer largometraje, La mujer de Benjamín, ganadora de la segunda edición del programa de óperas primas del CCC, escuela donde cursó sus estudios de cine tras haber estudiado la carrera de ciencias de la comunicación en la UIA. Su estreno mundial fue en el Festival Internacional de Cine de Berlín, en Alemania, en 1991, junto a otras cintas mexicanas para un ciclo nombrado "Panorámica del Cine Mexicano", mientras que el 29 de agosto se estrena en el circuito comercial mexicano, en salas de la capital del país.
En 1998 filma Un embrujo, a invitación de Bertha Navarro, coproductora de la película junto con Guillermo del Toro, una historia de época estelarizada por Blanca Guerra que obtiene reconocimiento de la crítica, haciéndolo acreedor a su segundo Ariel como mejor director y que fue su primer filme seleccionado como representante mexicano para los premios Óscar, aunque no logró ser nominado.
Yuri Norshtéin •
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Es un animador ruso, conocido sobre• todo por su mediometraje El cuento de los cuentos, considerado una obra maestra de la animación soviética. Durante los años setenta, trabajó en varias películas, como El zorro y la liebre (1973), La garza y la grulla (1974) y Erizo en la niebla (1975). Su obra más• reconocida, sin embargo, llegó en 1979: El cuento de los cuentos. Esta película, de 27 minutos de duración, no tiene un argumento convencional, sino que se basa en asociaciones mentales.
Milt Kahl Fue uno de los Nueve Ancianos de Disney. Se le considera el más brillante dibujante de todos los animadores de Disney. A menudo se encargó de mejorar los bocetos de personajes de Bill Peet, realizados a partir de ideas de Ken Anderson. Durante mucho tiempo se encargó del aspecto visual de los personajes de las películas Disney. Su estilo estaba inspirado por Ronald Searle y Picasso.
Ken Harris •
Fue un animador estadounidense que• trabajó en varios estudios. Es conocido por su destacada labor en la animación.• Sus trabajos más conocidos son los que hizo bajo la dirección de Chuck Jones para War ner Bros. Cartoons; esta asociación comenzó en 1938 y duró hasta 1962. Luego que Jones dejara Warner, Harris trabajó con el animador Phil Monroe en dos cortometrajes animados antes que Warner Bros. cerrara su estudio de animación.
Art Babbitt Fue un animador estadounidense que trabajó para The Walt Disney Company. En los años 30 se especializó en la realización de cortometrajes del personaje Goofy, al que dio su personalidad definitiva en cortos como On Ice (1935) y Moving Day (1936). Su película de 1936 The Country Mouse obtuvo un Oscar al mejor cortometraje de animación. Participó también en los primeros largometrajes de Disney: Blancanieves y los siete enanitos (1937), en la que fue el responsable de la animación de la madrastra de Blancanieves; Pinocho (1940)—fue el cr eador gráfico del personaje Geppetto—; Fantasía (1940), película de la que animó varias secuencias, como la danza de los hongos; y Dumbo (1941).
Doug TenNapel •
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Es un americano animador , escritor, ilustrador y músico cuyo trabajo ha abarcado animada de televisión, videojuegos y libros de historietas. Él es mejor conocido por la creación de Earthworm Jim , un personaje que dio lugar a una serie de juegos de video, programa de dibujos animados, y una línea de juguetes. TenNapel comenzó como animador en El ataque de los tomates asesinos: The Animated Series . [ cita requerida ] Él pronto comenzó a trabajar en el juego de video de la industria en proyectos como 1993 de Jurassic Park y Invención de Stimpy para el Sega Genesis y El libro de la selva para los SNES y Sega Genesis. [ cita requerida ] En 1994, creó Earthworm Jim , el personaje que protagonizará Shiny Entertainment juego
's video, línea de juguetes, y la serie de dibujos animados. En 1996, trabajando para DreamWorks , que creó para The Neverhood para la PC. La secuela, titulada Skullmonkeys , seguido en 1998.
La animación en México •
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La animación mexicana, en sus comienzos, se intentó con varias producciones que en su mayoría fueron• cortometrajes realizados por personas que tenían la inquietud y el deseo de involucrarse en ese ámbito artístico poco explotado en el país. Cabe mencionar los trabajos de Alfonso Vergara Andrade y algunas de sus obras como “Paco Perico en premier” de 1935 y “Los cinco cabritos y el lobo” de 1937 cortometrajes realizados en ava films, estudio que él mismo fundó. En la década de 1970 y principios de los años 1980 se produjeron una serie de largometrajes representativos del cine de animación mexicano: Los tres reyes magos (1974) Los supersabios (1977) Roy del espacio (1983)
Katy la oruga (1984), una coproducción mexico-española. Las aventuras de Oliver Twist (1987), adaptación animada de la novela de Charles Dickens hecha por Fernando Ruiz. Aunque se olvidó un poco la producción de largometrajes de animación en los años posteriores, limitándose la animación casi por completo a los cortometrajes, comerciales y publicidad, en años recientes se ha intensificado su producción.
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Algunas de las películas animadas mexicanas contemporáneas son las siguientes: • o Magos y gigantes o o o o o o o o o o o o o o o o o
Imaginum Una película de huevos La leyenda de la nahuala El agente 00P2 • Otra película de huevos y un pollo Campeones de la lucha libre Nikté (película) AAA sin límite en el tiempo Brijes Sabel redención Héroes verdaderos'' Gaturro 3D (2010, largometraje) una coproducción méxico-argentina Don Gato y su pandilla (2011, película hecha por ánima estudios) La Revolución de Juan Escopeta La leyenda de la llorona El gran milagro (filme 3d hecha por Imágica) ZBaw Mejores Amigos (filme 3d producido por Imagination Films)
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El Secreto del Medallón de Jade (2012, filme 3d hecha por Kaxan) El Santo vs La Tetona Mendoza (2012)
Entre las compañías de animación mexicanas por destacar están: Ánima Estudios, Animex Producciones, Huevocartoon Producciones, Santo domingo animation, Imagination Films. En el 2004 se funda en México los estudios ANIMAAP.2 Han realizado el primer video clip totalmente en 3D (189 segundos).
Adolfo Torres Portillo • •
Guionista, argumentista, productor y• director. Comenzó su carrera de escritor en el medio radiofónico. Adolfo Torres Portillo fue el realizador de• la película Los 3 Reyes Magos (1974), una de las contadas cintas de animación de largometraje que se han hecho en México. También fue productor y guionista de Intimidades de una secretaria (Dir. José María Fernández Unsaín,1970) y de Una pura y dos con sal (Dir. Rafael Villaseñor Kuri, 1981). Incursionó como actor en la película El secuestro (Dir. José María• Fernández Unsaín, 1972).
Salvador Pruneda Periodista, caricaturista, fotógrafo, escritor, guionista y pionero del cine sonoro mexicano. El interés de Salvador Pruneda por el mundo cinematográfico, comenzó por la fotografía, actividad que le enseñó su maestro y amigo Salvador Toscano. Además, debido a su interés por el cine mexicano, creó importantes noticieros cinematográficos, entre los más destacados: Noticiero Nacional (1911), Aztecart (1924) y Clasa (1933). Para las cintas La mujer del puerto (Dir. Arcady Boytler, 1933) y El primo Basilio (Dir. Carlos de Nájera, 1934), hizo los efectos especiales. En 1934 trabajó junto con Arcady Boytler en la versión original de la Revista Musical, en la que Pruneda hizo algunos fragmentos de dibujos animados.
Alfonso Vergara Andrade •
Otorrinolaringólogo de profesión, en cuya• clínica se asentó el primer estudio de animación mexicano, que generó seis cortometrajes entre 1935 y 1938. Creó a• Paco Perico, el primer personaje animado hecho en el país, y realizó dos comerciales para Sal de Uvas Picot, protagonizados por Chema y Juana –quienes también aparecen en uno de los cortometrajes de este programa. Estos cortos no se volvieron a exhibir en México, fuera de los programas de Cinemateca, después de los años treinta.
Jesús Sáenz Rolón Fundó Caricaturas Animadas de México junto con Claudio Baña y Leobardo García. Su primera producción fue el Noticiero cómico que trataba de una parodia de los noticieros, sin embargo, debido a que la animación de los eventos tardaba un par de meses, la parodia de la noticia perdía eficacia. Posteriormente, fue este estudio el que fusionó por primera vez en México la animación con la acción en el filme El diablo no es tan diablo de 1949. A punto de terminarse el trabajo de animación, el estudio se incendió debido a una colilla de cigarro: el productor ordenó que se repitiera todo el trabajo. La compañía no pudo solventar los gastos y tuvo que claudicar.
Fernando Ruiz •
Graduado de la Universidad Iberoamericana y posteriormente de la Universidad de Califor nia, creó la compañía Producciones Omega en 1961, en la que realizó El duende y yo de Tin tan, donde se mezclaba la animación y la acción real. Ruiz también tuvo la oportunidad de trabajar en el filme La espada en la piedra de Disney.
12 principios básicos de la animación
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Estirar y encoger (Squash and• stretch): La exageración, la deformación de los cuerpos flexibles. Sirve para lograr un efecto más cómico o bien más drámatico. El estiramiento muchas veces se relaciona con la velocidad y la inercia.
Anticipación: Se anticipan los movimientos, esto guía la mirada del espectador. Anuncia sorpresa. Se verán tres pasos: Anticipación (nos prepara para la acción); la acción en sí misma y la reacción (recuperación, término de la acción).
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P u e s t a e n e s c e n a ( S t a g i n g ) :•
Acción directa y pose a pose: Éstas
Representación de una idea. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes. Poniendo en escena las posiciones claves de los personajes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente, esconder o revelar el punto de interés, o las acciones en cadena, acción – reacción, son dos ejemplos.
son en realidad dos técnicas de animación diferentes. En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluír una acción impredecible, y en la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave
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Acción continuada y acción• superpuesta (Follow Through and Overlapping Action) : Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En ellas el movimiento continúa hasta finalizar su curso. En la acción continuada, la reacción del personaje después de una acción nos dice cómo se siente el personaje. En la acción superpuesta, movimientos múltiples se mezclan, se superponen, e influyen en la posición del personaje. En la animación 3D se utiliza mucho la acción continuada, por ejemplo en las simulaciones dinámicas de la ropa o el pelo.
Entradas lentas y salidas lentas (Slow In and Slow Out): Acelerar el centro de la acción mientras que se hacen más lentos el principio y el final de la misma.
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Arcos: Al utilizar los arcos para animar•
Acción secundaria: Pequeños
los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.
movimientos que complementan a la acción dominante. Son resultantes de la acción principal. La acción secundaria no debe estar más marcada que la acción principal
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Timing: Da sentido al movimiento. El•
Exageración: Acentuar una acción. La
tiempo que tarda un personaje en realizar una acción. Las interrupciones en los movimientos. Aquí se define también el peso del modelo y la sensaciones de escalas y tamaños.
hace más creíble.
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Dibujos sólidos: Un modelado y un• sistema de esqueleto sólido, o un dibujo sólido como se decía en los años 30, ayudarán al personaje a cobrar vida. El peso, la profundidad y el balance simplificarán posibles complicaciones en la producción debidas a personajes pobremente modelados. Además, hay que poner atención a las siluetas al alinear los personajes con la cámara.
Apariencia o carisma: Esto proporciona conexión emocional con el espectador. Se trata de la personalidad del personaje, que sea coherente con sus movimientos.
Bibliografía Ø es.wikipedia.org Ø vinoglauco.wordpress.com Ø escritores.cinemexicano.unam.mx Ø www.cinela7noamericano.org