BRUTALIST MAGAZINE

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// arte // design // fotografia //architettura

NEL NOME DEL DESIGN

8.50€

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2018

idee in lavorazione via Nilo 35 - Napoli

saddo.ro

APRILE 2018

indice // LARGO AI GIOVANI

simone hutsch guido zimmermann

/ / D I G I TA L A R T

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filip dujardin

// ICONE SENZA TEMPO

12 achille castiglioni 20 santiago calatrava // TENDENZE

27 shabby chic 31 polimerici / / P A R O L A A L L’ A R T I S TA

32 franco fontana // MOSTRE

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tra grafica e design

Diretore editoriale Alessia De Maio adm@brutalistmag.com Direttore responsabile Hariel Axel h.axel@brutalistmag.com Progetto grafico PurpGraf info.purpgraf.com Realizzazione grafica PurpoType Via Alcide de Gasperi 21 Napoli Web www.brutalistmag.com Social facebook //brutalistmag twitter @brutalistmag

// in copertina Pierre Châtel-Innocenti La Défense, France

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LUX

COLLECTION

diemme diemme.com

In senso orario: Serie LND RND Concrete tree | London.

Serie RTTD Diamonds | Rotterdam. Serie RTTD Steel lookup | Rotterdam.

// LARGO AI GIOVANI

simone

Hutsch // la realtĂ surreale di Vera Adema

ota sul web come Heysupersimi, Simone Hutsch è la vincitrice del EyeEm Award 2018, nella categoria - The Architecture.

Nel suo processo creativo, attraverso i colori e la manipolazione geometrica, cerca di creare nuove forme che possano ispirare e rendere felice coloro che le osservano.

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Serie RTTD | Waves | Rotterdam-Netherlands

In senso orario: Glenkerry House London. Berlin. The first Cuckoo Block.

Nella pagina accanto; Hotel La Flaine.

/ // /L AL R AG RO G OA IA G I IGOI V OAV N A IN I

guido

Zimmermann // cuckoo block di Vera Adema

rtista multidisciplinare tedesco, street artist ed illustratore.

Guido Zimmermann ha voluto svecchiare l’immagine dell’orologio

a cucù rivisitandone il concetto. ” …la mia versione vuole esibire la parodia della vita sociale all’interno delle architetture moderne e contemporanee …”

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Cuckoo Block | Hotel La Flaine.

filip

Dujardin // impossibili architetture di Hariel Axel

/ / D I G I TA L A R T

ualche anno fa, l’artista fiammingo Filip Dujardin ha iniziato a ricostruire un nuovo linguaggio a partire dalla tradizione architettonica modernista.

L’elemento chiave del suo

lavoro è l’iperrealtà, così attraverso i suoi collage fotografici, crea architetture senza tempo a metà tra il reale e l’onirico, con l’unico obiettivo di creare edifici impossibili; che siano cioè troppo astratti per essere reali e troppo

In questa pagina: Untitled, 2009. Untitled , 2009. Untitled, 2007.

Nella pagina accanto:: Untitled, 2007. Untitled , 2009.

realistici per essere fantastici.

Ma che spesso ci fanno chiedere se l’edificio sia reale o meno.

L’opera di Dujardin è un omaggio al surrealismo, alle architetture senza funzioni e all’imponente presenza scultorea del cemento nella nostra epoca.

Filip Dujardin Untitle 2009.

A destra: Foto Guido-Santinelli, Sezione Industrial Design, 1954 Palazzo dell’Arte Archivio Achille Castiglioni.

Sotto: Achille Castiglioni - Lampada Arco Flos.

In occasione del centenario della nascita, la mostra celebra un grande protagonista della stagione d’oro del design degli anni Sessanta, che ha realizzato oltre 150 oggetti di design e ben 484 allestimenti.

L’esposizione si concentra sulla grande capacità di regìa che emerge nel lavoro di Castiglioni.

Schizzi, disegni, modelli, testimonianze video, oggetti originali e prototipi mettono in evidenza la perfetta combinazione di semplicità e ironia che caratterizza la profondità delle sue idee e la sua abilità nel costruire spazi in stretta collaborazione con i graphic designers, in particolare con lo svizzero Max Huber.

// ICONE SENZA TEMPO

Castiglioni

“VISIONARIO”

// l’alfabeto allestitivo di un designer regista di CLP Relazioni Pubbliche

l m.a.x. museo di Chiasso (Svizzera), dal 31 maggio al 23 settembre 2018, ospita una mostra che celebra, a cento anni dalla nascita, Achille Castiglioni (1918–2002).

L’esposizione, sviluppata secondo la curatela e il progetto di allestimento

di Ico Migliore, Mara Servetto e Italo Lupi, in collaborazione con Nicoletta Ossanna Cavadini; s’inserisce all’interno del filone d’indagine dedicato ai “Maestri del XX secolo”.

Essa intende mettere in luce il ruolo dell’allestimento come strumento di comunicazione culturale e commerciale

A destra: Terzo programma.

Stand per la XXIX Fiera di Milano, 1951 Committente: RAI Fiera di Milano Achille e Pier Giacomo Castiglioni Archivio Achille Castiglioni (© 2018, ProLitteris, Zurich).

di straordinaria importanza.

La mostra fornisce anche l’occasione per ricordare la stretta amicizia che legava Achille Castiglioni al graphic designer svizzero Max Huber (1919–1992), ripercorrendo attraverso “l’alfabeto” allestitivo di Castiglioni i tanti progetti realizzati insieme.

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In alto: Sezione Industrial Design, 1954. Triennale di Milano. Archivio Achille Castiglioni.

A sinistra: Chimica = un domani + sicuro, XLV Fiera di Milano, 1967. Archivio Achille Castiglioni © 2018, ProLitteris, Zurich.

Protagonista della stagione d’oro del design degli anni Sessanta, Achille Castiglioni ha realizzato ben 484 allestimenti e più di 150 oggetti, tra i quali si annoverano vere e proprie icone della cultura del design.

Il fuori scala, la cinetica, l’allegoria, la sequenza, il ready made, il segno grafico sono solo alcuni degli elementi chiave, ricorrenti nei suoi progetti, che saranno messi in luce nel percorso espositivo.

Dagli allestimenti dei padiglioni della

Serve liberarsi dall’ossessione di voler ad ogni costo inquadrare tutto, catalogare tutto, giudicare tutto con il metro della tendenza.

In alto: Ritratto di Achille Castiglioni nel suo studio con lampada Diabolo, foto di Hugh Findletar, 1998 Archivio Achille Castiglioni.

A destra: Zanotta Joy, Achille Castiglioni, 1989.

Zanotta Basello 638 Couchtisch, Achille Castiglioni, 1987.

Rai, dell’Eni, di Montecatini per manifestazioni fieristiche, ai progetti per la cultura, per l’innovazione e per l’esposizione dei prodotti, emerge chiaramente la figura di Achille Castiglioni, capace di concepire la messa in scena come una regìa.

Ogni elemento è studiato, ogni peso calibrato, il ritmo modulato.

Tutto è reso in funzione dell’allestimento, che si struttura come un dinamico racconto per immagini.

A. Castiglioni

Unendo la sperimentazione alla razionalità, Achille Castiglioni riesce a combinare semplicità e ironia con l’attenzione per l’utilizzo della tecnologia e dei nuovi materiali. I suoi progetti sono “atemporali”, ovvero sono capaci di vivere una continua attualità nelle diverse fasi storiche.

L’esposizione ricostruisce la storia visiva del concepimento delle idee di Castiglioni, leggibile attraverso schizzi, disegni, modelli, testimonianze video, prototipi e oggetti originali nell’ambito

della sua attività, grazie alla collaborazione con Antonella Gornati che gestisce l’Archivio della Fondazione Achille Castiglioni con Carlo e Giovanna Castiglioni.

Intervallano la mostra alcuni episodi di design in cui fanno la loro comparsa la lampada Arco, Aoy, Noce e la Gibigiana, il sedile da giardino Allunaggio, gli sgabelli Mezzadro e Sella, le posate Dry, gli orologi Wall Clock e Rekord e altri oggetti che ben esprimono l’atteggiamento del grande maestro, capace di

Nella pagina accanto: Oggetti creati da Achille e Pier Giacomo Castiglioni; TACCIA, 1962 - FLOS. Lampada Arco, 1962 - FLOS.

In alto: Achille Castiglioni – Max Huber, Rekord (orologio) per Alessi, 1989.

Foto di Matteo Zarbo) Archivio Fondazione Achille Castiglioni © 2018, ProLitteris, Zurich.

guardare alle cose in modo sempre unico, traducendo nel campo del design i concetti sperimentati in ambito allestitivo.

Oltre alla “storia della grafica” e dell’allestimento, la mostra racconta anche le vicende di una Milano imprenditoriale, nel mutare dei consumi e delle relazioni internazionali della città.

Il panorama artistico e culturale si completa con l’importante contributo di più di venti grafici e illustratori di fama mondiale, tra cui Pierluigi Cerri, Milton Glaser, Aoi Huber Kono, Emiliano Ponzi, per l’occasione chiamati a realizzare ciascuno un manifesto grafico che traduca la genialità e fantasia rigorosa del progettista milanese.

In questa pagina: Oggetti creati da Achille e Pier Giacomo Castiglioni; RR 126 stereo, 1965.

Foto di Matteo Zarbo. Archivio Volonté.

Interruttore tompitratta, 1968.

Sgabello Mezzadro, 1957 - Zanotta.

Foto di Matteo Zarbo. Archivio Max Huber.

Divani e complementi serie DanZ, design Luis wwLamar | www.pais.com

LUIS

A destra: Città delle Arti e delle Scienze Valencia.

Foto ©tripandtravelblog.

In basso: Santiago Calatrava - © Keith Bedford.

Calatrava scardina il classico modo di vedere l’architettura, ribalta il problema strutturale: alla massa che agisce sulla struttura sostituisce la scomposizione delle forze.

La forma diviene quindi la più semplice ed essenziale possibile; quella in cui si distribuiscono le forze normali, il taglio, la flessione.

Di qui l’assoluta importanza della sezione trasversale dei suoi progetti, mediante la quale è possibile capirne tutta la genesi, e se per Nervi la sensibilità estetica è anche la sensibilità statica, Calatrava va oltre; le sue strutture sono in equilibrio dinamico, e a Statica è vista come una parte della dinamica e delle forme in movimento.

// ICONE SENZA TEMPO

Calatrava

“FUTURISTA”

// le metamorfosi dello spazio di CLP Relazioni Pubbliche

ercoledì 4 dicembre inaugura, nei monumentali spazi del Braccio di Carlo Magno, la mostra Santiago Calatrava.

Le metamorfosi dello spazio.

propone al pubblico una raccolta di circa 140 opere per presentare la complessa e multiforme produzione artistica del celebre architetto e ingegnere di origine spagnola.

L’esposizione, promossa dai Musei Vaticani e dal Pontificio Consiglio della Cultura per la cura di Micol Forti,

Un selezionato nucleo di modelli architettonici è accompagnato non solo dai relativi studi preparatori, ma anche da

A destra: Endless Light , 2008 Alabastro bianco.

Proprietà Studio Calatrava Š Santiago Calatrava.

dipinti ad acquerello, nati da una vena creativa del tutto autonoma dalla genesi dei progetti stessi, e da una ricca antologia di sculture, sia monumentali come di formato piĂš ridotto, realizzate in bronzo, marmo, alabastro, legno.

Gli accostamenti tra opere appartenenti a codici artistici differenti, sebbene

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In alto: Fotografie di proprietà Studio Calatrava © Santiago Calatrava.

Modello del Palasport di Roma 2005.

Legno, plexiglas, polistirene e metallo.

A sinistra: Cattedrale St. John the Divine, New York, 1991 Modello, visione frontale Legno, plexiglas, polistirene, metallo.

contigui, seguono vari criteri per indirizzare lo sguardo dell’osservatore verso livelli diversificati nella lettura dei volumi architettonici, della visione dello spazio e delle forme.

Il grande modello architettonico della Chiesa greco-ortodossa di St. Nicholas a New York, progettata per Ground Zero, è affiancato a suggestivi disegni ad acquerello nei quali lo sguardo dell’artista spazia dallo studio dei mosaici e delle cupole di Santa Sofia a Istanbul allo schiudersi di una camelia, dall’arco

“Ho cercato di avvicinarmi al confine tra architettura e scultura per vedere l’architettura come arte.”

S. Calatrava

In alto: Fotografie di proprietà Studio Calatrava © Santiago Calatrava.

Modello della chiesa greco-ortodossa di St. Nicholas a New York, 2013.

Legno, plexiglas, polistirene, metallo.

A destra: Morphing Yellow, 2009 Alluminio.

Tree - Acquerello su carta fatta a mano.

disegnato dal peso di una foglia di palma al volto di Cristo, modello ideale per la Chiesa a pianta centrale.

La splendida torsione delle vele che danno vita al progetto per il Palasport a Roma, per l’Università di Tor Vergata, è accostata a tre bellissimi dipinti di figure accovacciate.

La verticalità delle Torri di Malmö o di Chicago si rispecchia nell’equilibrio instabile delle sculture ad esse abbinate.

La riflessione sul volto umano trova compiutezza nelle rotondità delle sculture in marmo ed alabastro, nella forma racchiusa dell’Opera House di Tenerife, ovvero sembra dissolversi nella trasparenza delle superfici colorate di una serie di acquerelli geometrici.

Il movimento è reale quando apre, come i petali di un fiore, le maglie che compongono due colonne tortili in bronzo; quando modifica le sfumature cromatiche dei Moving Painting; quando scavalca il vuoto nel Ponte di Buenos Aires.

È un movimento visionario, e non per questo meno vero, nell’intreccio delle corna dei tori ammassati, nei rami secchi di un bosco senza luce o nei corpi, che con i loro gesti compongono spazi, fisici, psicologici e spirituali.

Oltre alla nuova Chiesa greco-ortodossa di St. Nicholas, è presente in mostra anche lo splendido plastico dell’audace progetto per la Cattedrale di St. John the Divine, sempre a New York. Alla magnificenza di questa straordinaria idea di spazio sacro che converge con e

In questa pagina: Turning Torso - Malmö Tower, 1999-2005.

Studio e sezione.

Proprietà Studio Calatrava © Santiago Calatrava

nella natura, fa da contraltare il modello della Los Angeles Chapel, dedicata a Padre Junipero, frate francescano che nel 1767 viene inviato nelle missioni della “Baja California”.

La capanna, prima chiesa eretta dalla piccola comunità, è il modello per una cappella immersa nello spazio, nell’acqua e nell’aria: le sue non-pareti si aprono all’esterno, alzandosi, come le fronde di un albero, rinunciando ad ogni confine fisico tra lo spazio sacro e la collettività.

Nella pagina accanto: Fotografie proprietà Santiago Calatrava © Santiago Calatrava.

Puente de la Mujer, Buenos Aires.

Legno, plexiglas, polystyrene, metallo.

Near the Parthenon , 2011 Acquerello su carta giapponese.

idee in lavorazione via Nilo 35 - Napoli

// TENDENZE

“TUTTO TORNA”

Shabby chic // le “nuove” idee di Hariel Axel

ensavamo fosse morto ed invece lo Shabby chic torna di tendenza.

Si tratta di uno stile che trova le sue origine in Gran Bretagna nelle tipiche case di campagna, con qualche richiamo allo stile Vittoriano mediante l’aggiunta di elementi eccentrici, allo stile francese dei castelli della Loira e al mondo provenzale. È uno stile che dona all’ambiente un sapore d’antico, di vissuto, in

cui le tracce del tempo non sono autentiche, ma ben simulate e ricreate appositamente.

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Blasi Home

PIERRE sofa Showroom via De Gasperi 53, Napoli - blasi.it

Edo Marini

Salone del Mobile Milano 9 al 14 Aprile 2019 hall 21 - A53 B52 edomerini.com infp@edomerini.com

// TENDENZE

“SEMPRE IN AUGE”

I polimerici // tendenze 2019 di Vera Adema

ratiche in esterno, oggi le sedute in materiale sintetico hanno lasciato la dimensione outdoor per entrare tra le mura domestiche abbandonando l’economicità e la democrazia del design che le caratterizzavano.

Forme palstiche, colori brillanti e design vanno di pari passo con la praticità.

Resistenti, leggere, colorate o trasparenti, con le loro linee

In alto: Sedia Viento.

Dondoli e Pocci - BONALDO. A destra: Helmut Bätzner, BA 1171, Bofinger Chair, 1964-68.

Foto Jürgen Hans.

consentono abbinamenti nuovi e talvolta inaspettati.

Trovano posto nella cucina più algida come nel living più caldo, persino abbinate ad un tavolo di legno massello.

In & out, insomma, senza soluzione di continuità.

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A destra e in basso: Basilicata- Italia, 1978. © Franco Fontana

“Per me la fotografia non è ne un mestiere ne una professione, ma è la realtà della mia vita, dopo gli affetti della famiglia e dell’ amicizia. È quella scelta che mi dona la qualità della vita, perché la vivo con entusiasmo e creatività, esprimendomi per quello che penso,testimoniando come pretesto quello che vedo e ne sono.

Fotografare è un atto di conoscenza: è possedere.”

/ / P A R O L A A L L’ A R T I S TA

Fontana

“PIONIERE”

// paesaggi a confronto uello che si fotografa non sono immagini ma è una riproduzione di noi stessi.

Il fotografo si dissolve nelle sue fotografie e diventa lui stesso la fotografia, e si annulla sempre davanti al soggetto che fotografa.

Così come quando fotografo un paesaggio è il paesaggio che entra in me è si fa “l’autoritratto” per esistere al meglio autentificandosi perché esiste solamente quello che si fotografa.

La fotografia è ciò che facciamo di essa, è quello che fotografiamo non è quello che vediamo ma quello che siamo perché si scopre al mondo solamente

A destra: Basilicata- Italia, 1978. © Franco Fontana

quello che ci portiamo dentro, ma abbiamo bisogno del mondo per scoprirlo e testimoniarlo come vorremmo che fosse.

Esiste nel fotografo quell’istinto che precede l’intuizione creativa per esprimere la sua fecondità e donare tutto se stesso in quel momento.

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Anche in fotografia l’attimo che illumina e concepisce quello che vede è come un colpo di fulmine. La creatività non illustra, non imita, ma interpreta diventando la ricerca della verità ideale.

Che cos’è la creatività? Come prima impressione la determinerei un presenza dell’intelligenza, una nota distintiva della personalità fatta di invenzione, emozione, fantasia, versatilità, agilità, un pensiero avventuroso che fa a pezzi le regole, aperto a nuove esperienze, che cerca sempre nuove risposte

interpretando il mondo che ci circonda che è fatto di persone, di paesaggi, di orizzonti, di cieli, di colore e di tante altre variopinte situazioni, testimoniando e interpretando in modo sconvolgente e differente da quel quotidiano ripetitivo che si conosce, assumendosi la responsabilità dei risultati perché la fotografia creativa non deve riprodurre ma interpretare rendendo visibile l’invisibile. [...]

Bisogna far capire che la creatività con l’aiuto del colore anche in fotografia

In questa pagina: Puglia, 1978. © Franco Fontana

non è sinonimo di creazione arbitraria, ma di un movimento che genera vita e non sofferenza con valenza positiva per tutti.

Il colore è anche sensazione fisiologica,interpretazione psicologica emozionale, modo e mezzo di conoscenza ed è per questo fondamentale soprattutto nella fotografia. [...]

La forma è la chiave dell’esistenza cerco di esprimerla in fotografia testimoniandola nello spazio in correlazione con le cose coinvolte in esso,che non è ciò che contiene la cosa ma ciò che emerge in relazione della cosa, che può essere un paesaggio, una persona, un albero, un’automobile, un ambiente, ecc ecc… E tutto ciò che ci circonda può venire ripreso per essere testimoniato con significato. [...]

Franco Fontana

Nella pagina accanto: Los Angeles, 2001.

Phoenix, 1979. ©Franco Fontana.

Paessaggio urbano, Los Angeles, 1991. ŠFranco Fontana.

La rassegna analizza l’evoluzione dello stile nella storia dell’automobile, attraverso le grafiche pubblicitarie, disegni, cartoline, oggetti di design, realizzati da Jules Chéret a Marcello Dudovich, da Leopoldo Metlicoviz a Carlo Biscaretti di Ruffia, da Achille Mauzan a Plinio Codognato, da Marcello Nizzoli a Max Huber, da André Martin a Pierluigi Cerri.

A destra: L. Roowy, Pneu Pirelli, 1914, manifesto, litografia.Civica Raccolta delle stampe “Achille Bertarelli”, Milano.

Sotto: Plinio Codognato, Salone dell’automobile, 1919, Manifesto pubblicitario. Litografica.

Civica Raccolta delle stampe “Achille Bertarelli”, Milano.

Il percorso espositivo si arricchisce della sezione allestita, dal 7 ottobre al 9 dicembre 2018, nell’attiguo Spazio Officina, con dodici tra le più iconiche auto d’epoca, dalla Prinetti & Stucchi del 1899, alla Iso Rivolta Vision del 2017, dalla Bugatti T 35 del 1925 alla Pagani Huayra Coupé del 2016, dall’Alfa Romeo SS Villa d’Este del 1952 alla De Tomaso Pantera GTS del 1974, dalla Lancia Astura del 1933 alla Lamborghini 400 GT del 1966, dalla Ferrari 275 GTB del 1965 all’Alfa Romeo V6 Vittoria del 1995.

// MOSTRE

Interazione tra grafica e design a centenaria storia dell’automobile con una mostra che documenta l’evoluzione dello stile, così come si è sviluppato in quel territorio in cui grafica e design s’intrecciano, all’interno delle varie fasi storiche fino a raggiungere la contemporaneità.

La rassegna, dal titolo AUTO CHE PASSIONE! Interazione fra grafica e design, è curata da Marco Turinetto, del Politecnico di Torino, e da Nicoletta Ossanna Cavadini, direttrice del m.a.x.

museo, e s’inserisce all’interno del filone d’indagine del museo svizzero che, per la stagione 2017-2018 si declina in Sinestesia.

L’esposizione muove i suoi passi dagli inizi del Novecento quando una serie di scoperte e innovazioni tecnologiche hanno rivoluzionato il modo di vivere di tutto il secolo. Ma è grazie all’intervento della grafica e del design che il ruolo delle carrozzerie delle automobili viene elevato da un livello funzionale a quello estetico.

A destra: Marcello Dudovich, FIAT. La nuova Balilla per tutti, eleganza della signora.

Civica Raccolta delle stampe “Achille Bertarelli”, Milano.

Ecco allora che le più importanti case automobilistiche affidano l’immagine della loro azienda e quella della comunicazione pubblicitaria ad artisti quali Jules Chéret, Marcello Dudovich, Leopoldo Metlicoviz, Carlo Biscaretti di Ruffia, Achille Mauzan, Plinio Codognato, Marcello Nizzoli, Max Huber, André Martin, Pierluigi Cerri, che contribuirono a costruire quella ‘cultura dell’automobile’ che ancora è presente ai nostri giorni; contemporaneamente, nascono quelle figure di designer industriale quali Pininfarina, Giugiaro,

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Zagato e Sbarro che, attraverso le loro creazioni, segnarono lo spirito di un’epoca.

Al m.a.x. museo, tutto questo sarà documentato da oltre trecento pezzi fra manifesti cromolitografici a grande formato grafiche pubblicitarie, disegni, cartoline e oggetti di design.

La sezione allestita nell’attiguo Spazio Officina, presenterà dodici tra le più iconiche auto d’epoca, dalla Prinetti & Stucchi del 1899, alla Iso Rivolta Vision del 2017, dalla Bugatti T 35 del 1925 alla Pagani Huayra Coupé del 2016, dall’Alfa Romeo SS Villa d’Este del 1952 alla De Tomaso Pantera GTS del 1974, dalla Lancia Astura del 1933 alla Lamborghini 400 GT del 1966.

In alto: Anonimo, Bianchi automobili, cromolitografia.

Collezione MAUTC. A destra: Fabio Luigi Rapi, Isotta Fraschini DS 104 mod.

20/30 HP 1910, stampa a colori.

Collezione MAUTC. Giuseppe Riccobaldi, FIAT (la rampa), 1928, manifesto pubblicitario.

Collezione Bellenda Galleria L’Image, Alassio .

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