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SUMARIO LA ESCUELA
PRESENTACIÓN 02 100 AÑOS DE ARTE 04 OFERTA EDUCATIVA 06 ARTÍCULOS
SUBLIME VS BELLEZA 16 DIOS. DE OFICIO, ESCULTOR 20 LAS COLUMNAS DE HÉRCULES 24 IGUALDAD 28 SIGNOS DE EXPRESIÓN 30 OBJETO POÉTICO 32 RE-INVENTANDO LA REALIDAD 36 UN GRAFISMO, UNA VIDA 44 RETRATO TIPOGRÁFICO 50 PROYECTANDO QUE ES GERUNDIO 52 2010-2011
VIAJES 60 ALUMNOS 62 CRÉDITOS 64
100 años eab Escuela de Arte de Baeza (Gaspar Becerra) C/ Julio Burell, 24, 23440, Baeza, Jaén Teléfono: 953 740 066 www.escueladeartedebaeza.com www.facebook.com/pages/ESCUELA-DE-ARTE-DE-BAEZA FACEBOOK escueladeartedebaeza.blogspot.com/ WEB
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PRESENTACIÓN
Este curso la “escuela de arte de Baeza” cumple cien años y es un buen momento para echar una mirada atrás, reflexionar y tomar impulso para seguir adelante. Al echar la mirada atrás hago un ejercicio de agradecimiento acordándome de todo el mundo que ha pasado por aquí y que nos ha dado parte de lo bueno que llevan dentro. Todos los que hemos pasado por aquí y los que aún estamos, dejamos nuestro granito de arena para que la escuela sea lo que hoy día es. Gracias a todos, la “escuela de arte de Baeza” ha sobrevivido a tiempos mejores y a tiempos peores que los que ahora mismo vivimos. En cien años da tiempo a mucho. La “escuela de arte de Baeza” también ha dado mucho, dejando su impronta en su entorno y pretende seguir dejándola, cultivando la sensibilidad artística de los ciudadanos de Baeza y su entorno y formando a profesionales para el mercado de trabajo lo más actualizados posible. De cara al futuro nos planteamos seguir participando de la vida cultural de Baeza, colaborar con las instituciones de nuestro entorno, trabajar codo con codo con nuestro ayuntamiento, ofreciéndole nuestro apoyo y pidiendo su ayuda. Como director de la “escuela de arte de Baeza” tomo el testigo que otros directores anteriores me han dejado y continúo la carrera que hace “100 años” comenzó. El director, MANUEL MILLÁN MORENO.
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100 AÑOS
Llevamos 100 años de arte El poeta místico español San Juan de la Cruz fundó en 1579 en Baeza un convento de Carmelitas Descalzos con el título de “Colegio de San Basilio”. Por informe de D. Julio Burell, ministro de Bellas Artes y aprobación del Rey Alfonso XIII, el 24 de agosto de 1910 se crea la Escuela de Arte “Gaspar Becerra”, haciendo ésta uso del antiguo edificio del Colegio de San Basilio. En 1966 se aprueba la demolición del antiguo edificio y la edificación del actual. Desde ese momento y hasta la aparición de la LOGSE funcionó como ESCUELA DE ARTES APLICADAS Y OFICIOS ARTÍSTICOS, según el plan llamado “del 63”, en la que hasta el final se impartieron once especialidades diferentes y dichos estudios, que eran equivalentes en grado a Formación Profesional, duraban cinco años.
LA ESCUELA
Como reconocimiento público a su dilatada labor docente, en el año 1998 la Asociación Cultural Baezana le otorga el “Premio Directo Ciudad de Baeza”, máximo galardón que con carácter excepcional concede la citada asociación a personas o entidades de reconocido prestigio. Te invitamos a conocernos y a elegirnos como tus formadores para que hagas del arte tu profesión y tu futuro. Nosotros llevamos 100 años actualizándonos. Llevamos 100 años de arte.
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LA ESCUELA
Oferta Educativa Bachillerato de Arte ACCESO
OPCIONES
Podrás acceder a esta modalidad si posees alguno de estos títulos: · Graduado en ESO. · Ciclo de grado medio de artes plásticas. · Título técnico auxiliar de FP1.
· Estudios Superiores de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. · Estudios Superiores de Artes Plásticas y de Diseño. · Estudios Artísticos Profesionales. · Estudios Universitarios.
TITULACIÓN
Los alumnos/as que cursen positivamente el Bachillerato de arte, recibirán el Título de Bachiller.
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Grado Medio
ACCESO
OPCIONES
· Graduado en ESO. · Prueba de acceso, para aquellos aspirantes que tengan 17 años cumplidos en el año de la realización de dicha prueba.
Con la titulación obtenida tendrá acceso a: · Ciclo de Grado Medio. · Acceso directo al Bachillerato de Artes. · Incorporación al mundo laboral.
TITULACIÓN
El alumnado que supere un ciclo formativo de Artes Plásticas y Diseño de Grado Medio, obtendrá el Título de Técnico en la correspondiente especialidad.
LA ESCUELA
Forja Artística
Ebanistería Artística
Supone un conjunto de técnicas tradicionales, que definen un oficio específico basado en los lenguajes plásticos del metal, aportando un repertorio de posibles soluciones actuales, con la incorporación de nuevos materiales y tecnologías.
La Ebanistería Artística, tradicional y moderna, supone un área de actividad profesional y empresarial muy amplia. Desde el Maestro ebanista como artesano independiente, hasta la gran empresa de fabricación de muebles artísticos.
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Grado Superior
ACCESO
TITULACIÓN
· Bachiller en la modalidad de Arte o Artístico Experimental. · Técnico Superior de Artes Plásticas y Diseño de una Familia Profesional relacionada. · Prueba de acceso para los aspirantes que tengan los 19 años cumplidos en el año de la realización de la prueba, o 18 si acreditan estar en posesión del Título de Técnico relacionado con aquel al que se desea acceder.
El alumnado que supere un ciclo formativo de Artes Plásticas y Diseño de Grado Superior, obtendrá el Título de Técnico Superior en la correspondiente especialidad. OPCIONES
Esta titulación le permitirá el acceso directo a los Estudios Superiores de Artes Plásticas, a los de Diseño, a los de Conservación y Restauración, así como a los Estudios Universitarios, o la incorporación al mundo laboral.
LA ESCUELA
Artes Aplicadas a la Escultura
Gráfica Publicitaria
Gracias a la variedad de sus talleres, técnicas, procedimientos y materiales, tiene una gran riqueza de posibilidades artísticas y profesionales. Los titulados se podrán integrar en empresas y talleres de carácter artísticoartesanal, o bien, ejercer como profesionales independientes o asociados, asesorando, participando y desarrollando proyectos propios, organizando y dirigiendo un taller o empresa.
La finalidad de este Ciclo es capacitar al alumnado, para poder analizar y desarrollar los procesos básicos de realización propios de la Gráfica Publicitaria, en sus tres vertientes habituales: Informativa, persuasiva e identificativa, para poder elaborar spots, campañas y anuncios, identidad de producto, promoción de ventas, publicidad exterior, publicidad directa, ediciones empresariales, gráficas de exposiciones y ferias, envases y embalajes, etc.
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RE-DISEÑANDO NUESTRO ESPACIO
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FLORENCIO ANTONIO RODRÍGUEZ GARCÍA | PROFESOR DE FILOSOFÍA
SUBLIME VS BELLEZA Edmund Burke, en su obra “De lo sublime y de lo bello”, afirma que todo lo que resulta adecuado para excitar las ideas de dolor y peligro, es decir, todo lo que es de algún modo terrible, o se relaciona con objetos terribles, o actúa de manera análoga al terror, es una fuente de lo sublime. El miedo es una pasión que incapacita a la mente para ejercer su poder de razonar y actuar. Porque el miedo, al ser una percepción del dolor o de la muerte, actúa de tal forma que parece auténtico dolor. Por lo que, todo lo que es terrible respecto a la vista, también es sublime, esté dotada o no la causa del terror de grandes dimensiones. Encontramos en la naturaleza muchos animales que, independientemente de su tamaño, producen en quien los observa la idea de lo sublime, porque son considerados como entes de terror, tales como los escorpiones, las serpientes y demás animales venenosos. Otra fuente de lo sublime es la grandeza de dimensiones. Una gran altura es tan sublime como un abismo, pero a éste lo acompaña una sensación de estremecimiento y a aquella una de asombro. La observación de las olas del mar enfurecido chocando contra el acantilado, en una tarde de tormenta, impresiona mucho más de lo que por cualquier descripción podamos representarnos. También la infinidad es otra causa poderosa de lo sublime.
Es posible que no exista nada infinito por naturaleza, pero ya que nuestros ojos no son capaces de percibir los límites de muchas cosas, éstas parecen ser infinitas, y producen los mismos efectos que si realmente lo fueran. La contemplación del cielo estrellado en una noche de verano puede provocar en el espectador el sentimiento de lo sublime, haciéndole sentir infinitamente pequeño frente a lo infinitamente grande. Se ha creído muy comúnmente que la belleza consiste en ciertas proporciones de las partes, pudiéndose reducir a proporciones matemáticas. Observando la naturaleza podemos comprobar que la proporción tiene escasa participación en la formación de la belleza. Dicen que en los cuerpos humanos bellos, la circunferencia del cuello debería medir lo mismo que la pantorrilla, y ser asimismo el doble de la muñeca. Pero, ¿qué relación tiene la pantorrilla con el cuello, o cada una de estas partes con la muñeca? Estas proporciones se encontrarán ciertamente en cuerpos hermosos, e igualmente en
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cuerpos feos, como verá el que se proponga encontrarlas. Después de todo, ¿cómo se ponen de acuerdo los partidarios de la belleza proporcional sobre las proporciones del cuerpo humano?
Debemos concluir que la belleza es, en su mayor parte, alguna cualidad de los cuerpos que actúa mecánicamente sobre la mente humana mediante la intervención de los sentidos. Algunos sostienen que ésta debe ser de siete cabezas; algunos que debe ser de ocho; mientras otros la extienden incluso hasta diez; La proporción pues, no es la causa de la belleza en la especie humana. Afirma Burke que los objetos bellos son pequeños. En la creación animal, fuera de nuestra propia especie, nos inclinamos a querer lo más pequeño; los pajaritos y algunos de los animales más pequeños. Una gran cosa bella es una expresión que se aplica raramente; pero, la de una gran cosa fea es muy común. También le es esencial a la belleza la delicadeza y la fragilidad, siéndole muy perjudicial la robustez y la fuerza. Nosotros no consideramos como bellos ni el roble, ni el fresno, ni el olmo, ni ninguno de los árboles robustos del bosque; son horrorosos y majestuosos; inspiran una especie de reverencia. Lo que nosotros vemos como bellezas
vegetales es el delicado mirto, el naranjo, el almendro, el jazmín y la vid. La especie floreada, tan notable por su debilidad y duración momentánea, es la que nos da la idea más viva de la belleza y de la elegancia. Los cuerpos perfectamente bellos no se componen de partes angulares, sus partes nunca tienen continuidad a lo largo de la misma línea recta. La vista de un pájaro bello ilustrará esta observación. Vemos cómo su cabeza crece imperceptiblemente hasta el medio, de donde empieza a disminuir gradualmente hasta que se mezcla con el cuello; el cuello a su vez se pierde en un bulto más ancho, que continúa hasta la mitad del cuerpo, cuando el conjunto disminuye de nuevo hasta la cola; la cola toma una nueva dirección, pero no tarda en variar su nuevo curso: se mezcla de nuevo con las otras partes; y la línea cambia perpetuamente, arriba, abajo y a cada lado. Juega un papel muy importante en la belleza la cualidad de la Lisura, En los árboles y las flores, son bellas las hojas; en el paisaje, las corrientes mansas; en mujeres delicadas, las pieles suaves, y así podríamos seguir citando infinidad de ejemplos. Evidentemente la Belleza es tan compleja que no depende exclusivamente de alguna cualidad positiva hasta ahora mencionada, que escapa a la razón como el agua vertida al interior de una cesta de mimbre, que convierte en vana la obsesión por dejarla reducida a proporciones matemáticas, y que, por tanto,
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No es posible tensar la cuerda de un Arco si falta alguno de sus extremos opuestos. Lo mismo valdría para cualquier instrumento musical, por ejemplo, la Lira.
FRAN RUIZ LÓPEZ | ILUSTRACIÓN
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debemos concluir que la belleza es, en su mayor parte, alguna cualidad de los cuerpos que actúa mecánicamente sobre la mente humana mediante la intervención de los sentidos. Para concluir este análisis general de la belleza, debemos compararla con lo sublime; en esta comparación aparece un contraste notable. Pues los objetos sublimes son de grandes dimensiones, y los bellos, comparativamente pequeños; la belleza debería ser lisa y pulida; lo sublime, áspero y negligente; la belleza debería evitar la línea recta, aunque desviarse de ella imperceptiblemente; lo sublime en muchos casos ama la línea recta, y cuando se desvía de ésta a menudo hace una fuerte desviación; la belleza no debería ser oscura; lo sublime debería ser oscuro y opaco; la belleza debería ser ligera y delicada; lo sublime debería ser sólido e incluso macizo.
La contemplación del cielo estrellado en una noche de verano puede provocar en el espectador el sentimiento de lo sublime, haciéndole sentir infinitamente pequeño frente a lo infinitamente grande. En efecto, son ideas de naturaleza muy diferente, ya que una se funda en el dolor, y la otra en el placer.
En la infinita variedad de las combinaciones naturales, no ha de extrañarnos encontrar aquellas cualidades de las cosas más alejadas unas de otras, unidas en el mismo objeto. Tampoco ha de extrañarnos encontrar combinaciones de la misma clase en las obras de arte. Si las cualidades de lo sublime y de lo bello algunas veces aparecen unidas, ¿acaso prueba esto que son las mismas?, ¿prueba que están aliadas de alguna manera?, ¿prueba incluso que no son opuestas y contradictorias? Decía Heráclito que la Realidad está en continuo devenir, que es una lucha entre opuestos, donde éstos están unidos, pero no reconciliados; y creo que, de igual modo, aflora la misma química entre lo bello y lo sublime. Afirmaba Kant en su obra “Observaciones sobre el sentimiento de lo bello y lo sublime” que “la noche es sublime, el día es bello”. Creo que no podríamos entender el uno sin la otra, son dos caras de la misma moneda, como tampoco podríamos comprender el sentido de Dios sin la existencia del Diablo. No es posible tensar la cuerda de un Arco si falta alguno de sus extremos opuestos. Lo mismo valdría para cualquier instrumento musical, por ejemplo, la Lira. Lo bello y lo sublime se comportan de la misma manera que los ejemplos que he citado; actúan como opuestos, que en muchas ocasiones aparecen unidos, creando una armonía extraordinaria, pero de ninguna manera conciliados.
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AINHOA DÍAZ DE MONASTERIOGUREN APORTA | PROFESORA DE VOLUMEN
DIOS. DE OFICIO ESCULTOR Mucha gente piensa que las labores relacionadas con la escultura tienen una finalidad decorativa y, por tanto, superflua; es fácil encontrar a alguien que cuestione si el precio de una escultura es acorde con su valor real o si está sobrevalorada. Sin entrar en el campo del comercio del arte, lo que sí es cierto es que las manifestaciones escultóricas han existido desde los comienzos de la humanidad y que a aquel que era capaz de producirlas se le presuponía un poder creador cercano a lo divino. Así, en culturas muy distantes en el espacio y en el tiempo existen seres divinos que se dedican a la labor de escultores y también de herreros, dado que los primeros darían lugar al hombre modelándolo con arcilla y los segundos asegurarían su supervivencia con herramientas para labrar la tierra y armas con que cazar y protegerse. Pongamos algunos ejemplos de esto: Posiblemente, para nosotros el más familiar es el relato del Génesis en la Biblia (Gen. 2, 3-7): “Al tiempo de hacer Yahvé Dios la tierra y el cielo, no había todavía arbusto alguno sobre la tierra, ni había germinado hierba alguna, porque Yahvé Dios no había hecho aún llover sobre la tierra, ni había hombre que cultivase el suelo e hiciese subir de la tierra el agua con que regar la superficie del suelo. Entonces, Yahvé Dios formó al hombre del barro de la tierra, le insufló en sus narices un hálito de vida y así llegó a ser el hombre un ser viviente.”
Pero tenemos otros similares, como el poema de la creación (VER PÁGINA 22) grabado sobre una tablilla hallada en las ruinas de Nínive (Mesopotamia). Contemos un antiguo cuento chino. Habla de la diosa creadora Nugua: “Cuando llevaba algún tiempo en la tierra, Nugua empezó a sentirse sola y a pensar que en el mundo faltaba algo. Un día vio su reflejo en una charca y tuvo una idea. Cogió un puñado de barro y modeló una minúscula copia de sí misma: el primer ser humano. Al dejar aquel ser sobre el suelo cobró vida de inmediato y se puso a gritar y a bailar alegremente. Encantada con su obra, Nugua cogió más barro e hizo un montón de personas, que se desperdigaron por el campo, pero la diosa oía sus voces y no volvió a sentirse sola. Al poco tiempo comprendió que para poblar el mundo entero tenía que hacer personas con más rapidez y eficacia. Hundió una vid en agua embarrada, la sacudió y el barro saltó
JUAN SERRANO | ILUSTRACIÓN VECTORIZADA
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por todos lados. Cada gota de barro se convirtió en un ser humano. Así, Nugua pobló el mundo y pudo descansar de sus tareas. Más adelante, cuando algunas personas envejecieron y murieron, enseñó a los seres humanos a reproducirse y criar niños”.
Sin salir de África, el pueblo tiv (al Norte de Nigeria) es conocido por su artesanía en madera. Piensan en Dios creador como el carpintero que talló el mundo siguiendo su idea de perfección (tenemos a los profesionales de todos los sectores de nuestros ciclos formativos).
“En el tiempo en que cielo y tierra estaban confundidos, Marduk luchó contra el monstruo Trianak, que se debatía en la inmensa noche. Marduk venció al caos y modeló la tierra, y luego suspendió los astros en el cielo, y finalmente amasó con sus manos un ser de barro al que dio vida: el hombre.” En numerosas mitologías africanas, el herrero celestial desempeña un papel crucial en la preparación de un nuevo universo para la humanidad. Por lo general, desciende del cielo: según los fon de Benin, el hijo mayor de Mawu Lisa (divinidades creadoras gemelas) era Gu, el herrero celestial. Lo trajo a la tierra Lisa, el varón, en la forma de una espada de hierro ceremonial que empuñaba Lisa. Después Gu recibió el encargo de hacer habitable la tierra para los humanos, tarea que nunca ha abandonado. Gu enseñó a la gente a trabajar el hierro y a fabricar herramientas para obtener alimento, cubrir su cuerpo y construir refugios. Otros mitos del Sáhara cuentan que el primer herrero fabricó una azada con el cráneo de un antílope celestial, Bintu, y después bajó a la tierra para enseñar la agricultura a la raza humana, recién creada.
En el antiguo Egipto aparece el dios Jnum (ILUSTRACIÓN PÁGINA ANTERIOR), el alfarero, que aparece curiosamente representado en su torno sobre el cual está torneando una figurita humana, mientras otras muchas esperan su turno. Para los incas y sus predecesores, el lugar de los orígenes míticos se encontraba al sureste de Cuzco, en las cercanías del lago Titicaca. Según cierta versión, allí creó Viracocha un mundo de oscuridad, habitado por una raza de gigantes que había esculpido en piedra. Pero estas primeras criaturas desobedecieron a su creador y en castigo se convirtieron en piedras en puntos como Tiahuanaco y Pucara, o quedaron sumergidas en la inundación que provocó Viracocha. Sólo sobrevivieron un hombre y una mujer que fueron transportados mágicamente a la morada del dios en Tiahuanaco. En
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la segunda tentativa, Viracocha modeló a los seres humanos con barro, pintó sobre ellos las ropas que distinguían a cada nación y les dio sus costumbres, lenguas y canciones diferenciadoras y las semillas que cultivarían. En nuestra tradición greco-latina, Dibutades o Butades de Sición fue un artista legendario de época desconocida (tal vez 600 aC) acerca del que refiere Plinio el Viejo (Historia Natural XXXV) una tradición corintia que le atribuye la invención de las figuras en tierra cocida: "la primera obra de este tipo (plástica) la hizo en arcilla el alfarero Butades de Sición, en Corinto, sobre una idea de su hija, enamorada de un joven que iba a dejar la ciudad: la muchacha fijó con líneas los contornos del perfil de su amante sobre la
Para los Nórdicos, uno de sus dioses principales era Thor, el dios herrero, conocido por su ferocidad: su pertenencia más querida era su martillo. En recuerdo de esto se mantuvo la costumbre de ofrecer un martillo a la novia el día de la boda. pared a la luz de una vela. Su padre aplicó después arcilla sobre el dibujo al que dotó de relieve, e hizo endurecer al fuego esta arcilla con otras piezas de alfarería[…]". Al propio Butades se le atribuyó también la invención de una
mezcla de tierra de ladrillo y yeso, que se aplicaba a los trabajos de adorno, de haber sido el primero que construyó tejas adornadas con figuras en sus extremos y de haber construido las acróteras adornadas con figuras. Sin salirnos de la mitología grecorromana aparece la creación del hombre con el barro: en las Metamorfosis de Ovidio se habla de Prometeo, un titán que modeló con barro al primer hombre y le dio vida con el fuego robado a los dioses. Esta misma tradición clásica nos relata la historia de Pigmalión, aquel escultor griego que se enamoró sin remedio de una de sus esculturas y con tal fervor le rogó a Afrodita que hiciese su amor posible que la diosa le dio vida para que se pudieran casar. Por cierto, el propio marido de Afrodita –Hefesto- es el dios herrero que forja en su fragua los rayos de Zeus. Para los Nórdicos, uno de sus dioses principales era Thor, el dios herrero, conocido por su ferocidad: su pertenencia más querida era su martillo. En recuerdo de esto se mantuvo la constumbre de ofrecer un martillo a la novia el día de la boda. Aunque hoy los veamos como cuentos, en su momento estos relatos expresaban la manera en que diferentes culturas concebían el mundo. No somos dioses, pero en estas historias queda patente el reconocimiento al trabajo del escultor y así también el potencial creativo de nuestra actividad al margen de los muchos aspectos insustanciales de que tantas veces se ve rodeada.
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FRANCISCO JAVIER HIDALGO CASAS | PROFESOR DE DIBUJO
LAS COLUMNAS DE HÉRCULES Desde la asignatura de Diseño en 2º de bachillerato se ha realizado una actividad para conmemorar el día de Andalucía tomando como tema la figura mítica de Hércules y su relación con nuestra identidad andaluza. La figura mitológica de Hércules está estrechamente relacionada con nuestra comunidad autónoma pues su imagen forma parte del escudo de Andalucía. En la Asamblea de Ronda de 1918 se fijaron lo que Blas Infante llamó las insignias de Andalucía; la bandera y el escudo en el que figuraba el héroe griego, tomado del escudo de la ciudad de Cádiz. Desde entonces, salvando el periodo de la dictadura franquista, la imagen de Hércules ha permanecido ligada a nuestra tierra reivindicando así nuestro legado grecorromano. UN POCO DE HISTORIA
Los griegos situaron las columnas de Hércules en lo que hoy es el Estrecho de Gibraltar y constituían para ellos el límite occidental del mundo conocido. Esas dos columnas se corresponden con el Peñón de Gibraltar y, probablemente, el Monte Hacho de Ceuta. Según la mitología griega, que más tarde pasará a etruscos y romanos, cuando Hércules tuvo que realizar doce trabajos, uno de ellos fue ir a
buscar el ganado de Gerión, temible gigante del lejano oeste, y llevárselo a Euristeo, que era el rey de Micenas, lo que marcó el punto más occidental de sus viajes. La tradición renacentista nos dice que en los pilares rezaba la advertencia “Non plus ultra” (no más allá) que prevenía a los marineros de adentrarse en las aguas inexploradas del Atlántico. En el siglo XVI el emperador Carlos I incorpora las columnas de Hércules al escudo imperial modificando el lema a “Plus ultra”, es decir, más allá, en una clara alusión al proyecto expansionista hacia las nuevas tierras de ultramar. Las columnas dejan de ser un símbolo del fin del mundo conocido y se convierten en una puerta de entrada a las nuevas tierras por descubrir. Desde entonces las columnas formaron parte del escudo de España y de las demás posesiones del Imperio español. Como símbolo del Imperio fue utilizado en las monedas americanas y, la evolución de este, dio lugar al símbolo del dólar que no es otra cosa que la banda del lema “Plus Ultra” rodeando en forma de “S” las columnas de Hércules.
ARTÍCULOS
BOCETO
LOS TABLEROS, UNA VEZ PINTADOS, IRÁN MONTADOS FORMANDO 2 PRISMAS CON SUS 5 CARAS DECORADAS
DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO
OBJETIVOS
Se trata de que los alumnos realicen una serie de composiciones pictóricas trabajando con el mito de las columnas de Hércules a partir de un formato dado. Para realizar dichas composiciones los alumnos deberán realizar una búsqueda de material visual en el que apoyarse y realizar una serie de bocetos preparatorios antes de trabajar con el formato definitivo que en este caso son unos tableros de madera de 122x60 cm. Dichos tableros, una vez pintados, pretenden ir montados formando dos prismas rectangulares que actuarán de escultura conmemorativa del Día de Andalucía.
Este proyecto está destinado a los alumnos del módulo de Diseño de 2º de Bachillerato. Pretende ser una introducción al mundo del diseño y hace especial hincapié en que los alumnos desarrollen habilidades teórico-prácticas que les permitan abordar un proyecto de diseño desde un planteamiento inicial hasta la finalización. Aparte de sensibilizar al alumnado sobre los mitos y símbolos relacionados con nuestra tierra andaluza, se pretende también abordar cuestiones de carácter gráficoplástico; trabajar la composición, la exploración a través de bocetos, las texturas visuales, el dibujo anatómico,etc...
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DESARROLLO DE LA ACTIVIDAD
Se dividieron los 30 alumnos del módulo en grupos de 3 ó 4 miembros y a cada grupo se le asignó un tablero de 122x60cm. Después de una tormenta de ideas para identificar imágenes que fueran relevantes para el proyecto, se realizó una búsqueda de material gráfico que les sirviera de apoyo. Se realizaron una serie de bocetos en los que se trataba de ajustar las imágenes elegidas a las proporciones del formato dado. Cada grupo generó un mínimo de tres bocetos para luego desarrollar solo uno con mayor detalle. En los bocetos definitivos se debía mostrar de forma fiel el aspecto final de las composiciones indicando colores, texturas y materiales que se iban a emplear en su realización. Estos bocetos se cuadricularon para poder ser reproducidos a escala en los tableros de 122x60 cm. CONCLUSIÓN
Esta actividad, por su carácter grupal, ha resultado ser un ejercicio bastante motivador para los alumnos que están acostumbrados, sobretodo, a realizar ejercicios individuales. El trabajo en grupo es siempre enriquecedor pues se comparten puntos de vista, conocimientos, habilidades y destrezas. Igualmente se aprende a planificar el trabajo, repartir las tareas y establecer un diálogo constructivo con los demás miembros del grupo.
EDUCACIÓN EN VALORES
El modelo educativo que estableció la LOGSE, que no ha sido modificado sustancialmente por la LOE, es un modelo para la educación de ciudadanos/as, en el que la enseñanza de los valores se considera que tiene un papel esencial. Entre ellos se encontraban la educación ambiental, vial, del consumidor, para la igualdad de oportunidades de ambos sexos, para la salud y educación sexual, para la paz, moral y cívica y para la cultura andaluza. Una de las formas de desarrollar la educación en valores es la de promover la celebración de días internacionales o la de dedicar un año completo a la celebración de algún evento de carácter mundial, que tenga un reconocimiento expreso de carácter internacional. Desde el ciclo de Gráfica Publicitaria se ha trabajado a lo largo del curso en este aspecto, diseñando imágenes relacionadas con estos temas, las cuales, además de propiciar la aplicación de las técnicas propias de esta disciplina y el desarrollo de la creatividad, facilitan la reflexión acerca de los temas transversales.
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ANA Mª VILLACAÑAS SÁNCHEZ | 8 DE MARZO. DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER MARTA DE LA ROSA GALLEGO | 31 DE MAYO. DÍA INTERNACIONAL SIN TABACO
ANTONIO CAMACHO ÁGUILA | 14 DE FEBRERO: DÍA EUROPEO DE LA SALUD SEXUAL | INMACULADA JIMÉNEZ LARA |16 DE NOVIEMBRE. DÍA MUNDIAL EN RECUERDO DE LAS VÍCTIMAS DE ACCIDENTES DE TRÁFICO
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EVA MARÍA CUBERO VALLEJO | PROFESORA DE ORGANIZACIÓN INDUSTRIAL Y LEGISLACIÓN
IGUALDAD
Con la proclamación de la II República, en Abril de 1931, la igualdad de los sexos pasó a ser por fin una posibilidad real con la aprobación de la nueva constitución. Sería una mujer llamada Clara Campoamor, diputada radical y miembro de la comisión parlamentaria, la que protestó vigorosamente pidiendo la enmienda del art. 25 de aquella constitución. Quién iba a pensar entonces que aquello iba a ser el comienzo de la liberación de la mujer en España, una liberación que ha luchado en mil guerras y ganado cien batallas. En el mundo miles de mujeres batallaron para que se les reconocieran sus derechos, en España solo nos hizo falta una. La Guerra Civil Española hace que las mujeres se incorporen de forma masiva al ámbito laboral, pero cuando finaliza, se restablece el Código Civil de 1889 y se produce una vuelta de las mujeres a la vida doméstica. No se puede trabajar sin el consentimiento del marido, ni tampoco abrir una cuenta bancaria o administrar el propio dinero. Esta situación se prolongó hasta el 24 de julio de 1961, fecha en la que se promulga la Ley sobre Derechos Políticos, Profesionales y de Trabajo de la Mujer. En esta ley se reconocía el derecho al mismo salario e hizo desaparecer la excedencia forzosa en el trabajo al casarse pero mantuvo la exigencia de la autorización del marido para poder trabajar. En 1975 con la Reforma del Código Civil, desaparecen las restricciones que el matrimonio impone a las mujeres, ya pueden trabajar sin tener que pedir la autorización, realizar contratos y actos sin que el marido ostente su representación. La incorporación de las mujeres al mercado laboral ha supuesto un cambio en los modelos de vida de la sociedad española. Si anteriormente las mujeres estaban dedicadas principalmente al espacio doméstico, desde la llegada de la democracia, esta situación ha cambiado, desgraciadamente la igualdad no es una de esas cosas kantianas que ya venían escritas en el alma, es una conquista y además su dificultad mayor no estriba en llegar a ella, sino en mantenerla, pisando fuerte a favor de todas las desigualdades por las que hemos luchado y han de seguir luchando los jóvenes de nuestros días, porque cambiar es fácil y beneficioso, lograr un mundo más igualitario es cosa de todos.
SANDRA LASERNA JIMÉNEZ |CARTEL REALIZADO PARA EL DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER
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PABLO PONCE LÓPEZ | SARA SÁNCHEZ CÓZAR | ANA BELÉN CRUZ CRUZ | ANA ISABEL PADILLA FERNANDEZ | JUAN RUÍZ GARCÍA ALUMNOS DE PRIMERO Y SEGUNDO DE BACHILLERATO, DIBUJO ARTÍSTICO
ARTÍCULOS
JUAN CUESTA NAVARRETE | PROFESOR DE DIBUJO ARTÍSTICO
SIGNOS DE EXPRESIÓN Las Artes no se enseñan: lo sabemos todos. Nadie se hace pintor, escultor o diseñador en la escuela: es una verdad que no hace falta comprobar. En la creación artística hay siempre un componente de exaltación fantástica, la aspiración a reconstruir el mundo según una visual subjetiva. Estas ideas hay que decirlas rápido para evitar equívocos. En las artes figurativas el secreto es solo uno: “ver”, aprender a ver las cosas con ojos nuevos y comprenderlas hasta liberar su esencia cautiva. El resto viene en consecuencia. Entonces, ¿para qué sirve la escuela? A “ilustrar”, en el modo más sencillo posible “la gramática de las Artes”. Y también a educar el gusto, iluminando la senda recorrida indicando las grandes directrices, con las cuales la humanidad trata de vez en cuando la exaltante aventura de recrear el mundo. En mi actividad diaria no hay nada de frialdad, de torpemente didáctico y de molesto para la fantasía. No lo olvidemos: dibujar, expresarse a través de las imágenes, es la primera y las más antigua forma de “escritura” inventada. Será solamente por esto, es justo y sacrosanto, que los jóvenes vie-
nen estimulados a relacionarse entre ellos con “signos”. Nosotros los adultos, a menudo no nos damos cuenta de qué riquezas está lleno el ánimo de los jóvenes. Llamamos quizás “capricho” a aquello que es fantasía, y casualidad a aquello que es invención. Intervenimos a veces con nuestras “reglas”, negando la más elemental norma pedagógica; la norma que nos impone respetar la espontaneidad de nuestro alumnado. Cierto, la vía del Arte es larga, ardua y pocos la seguirán hasta el final. Pero esto es ley natural. Lo importante, por tanto, es que la selección venga espontánea con el madurar de los años y de la experiencia. Serán los mismos jóvenes los que decidan, en el momento justo, su destino en la vida. La escuela no tiene la tarea ni la posibilidad de crear artistas. Tiene, sin embargo, el deber de ofrecer los instrumentos más idóneos para desarrollar libremente la personalidad. Esto es lo que procuro todos los días con entusiasmo.
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OBJETO POÉTICO No hay nada más poético que el insólito encuentro de una máquina de coser y un paraguas en una mesa de operaciones. ANDRÉ BRETON, PADRE DEL SURREALISMO. La fuerza comunicativa de un objeto poético reside en la asociación novedosa de objetos de entornos diferentes. Así, hemos propuesto tres temas: interior-exterior, migraciones e identidad femenina que servirían como desencadenante abierto para que los alumnos
desarrollen sus propios trabajos. El valor de este ejercicio es, por un lado, técnico (con libertad total de materiales), pero ante todo, creativo. En estas páginas se puede ver la diversidad de interpretaciones que han dado los alumnos de Gráfica Publicitaria.
AINHOA DÍAZ DE MONASTERIOGUREN APORTA | PROFESORA DE VOLUMEN
ARTÍCULOS
MALETA ALADA
RECORRER EL MUNDO
Viajar es descubrir. Toda nueva experiencia nos abre la mente y nos hace vivir situaciones mediante las que relativizamos lo que hemos conocido hasta el momento, aprender nuevos modelos y maneras de actuar y, en general, crecer.
No siempre viajar es fácil: las botas se embarran. Llevamos marcada la experiencia y, a la vez, dejamos nuestra huella en los lugares que hemos visitado. El emigrante se siente extraño, entre la identidad que le confirió el lugar del que procede y los códigos del nuevo entorno en el que desea integrarse. Viajar modifica la identidad de uno.
MIGUEL GALLEGO (PÁGINA ANTERIOR)
DAVID MARTÍNEZ
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APPLE
Lo que intenta reflejar mi obra es la situación de la actual sociedad, inmersa en las nuevas tecnologías: llena de i-pod, i-pad y demás instrumentos tecnológicamente punteros… ¿nos comunican? VICENTE CUEVAS
DENTRO O FUERA “MADE IN CHUECA”
El trabajo simboliza el encasillamiento de las personas gays en un mismo sitio. En este caso me refiero al barrio de Chueca, en Madrid. La obra intenta representar el encasillamiento, dando a entender que la población gay debe vivir en Chueca para tener una vida y un respeto, “gay que no vive en Chueca no es gay”… Una persona no debe ser identificada o marcada por su orientación sexual. Creo que la raza humana está compuesta de personas y sólo personas con sus sentimientos, creencias, convicciones, colores… SHEILA CAZORLA
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RE-INVENTANDO LA REALIDAD
ANTONIO CAMACHO ÁGUILA
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FRANCISCO MILLA GÓMEZ | PROFESOR DE FOTOGRAFÍA
RE-INVENTANDO LA REALIDAD Desde hace ya algún tiempo me vengo divirtiendo con la riqueza plástica que me proporciona la técnica fotográfica, me refiero concretamente al uso de las velocidades lentas de obturación. En mi afán por ligar fotografía y pintura en una misma imagen, frente a la posibilidad de trabajar la técnica pictórica como si fuera una fotografía” (cosa que me aburre considerablemente), opté por hacer que mi fotografía cobrase una dimensión pictórica. Aún, ni siquiera estoy a medio camino, pues no he comenzado, por ejemplo, a experimentar con la tercera dimensión, ese relieve formado por la acumulación de pintura que tanto nos apetece tocar cuando observamos ciertas obras…, pero en el aspecto “visual” procuro jugar con veladuras, fusión de formas y colores, trazos que se asemejan a pinceladas, formas distorsionadas… alejándose del rigor inherente en la fotografía. Resulta una aventura excitante realizar fotografías que, en algunos casos, no tienen nada que ver (aparentemente) con la realidad fotografiada, inventando nuevos espacios, nuevos objetos, nuevas sensaciones… “bailando” con mi cámara mientras imagino la imagen que me mostrará al cabo de unos instantes.
ANTONIO CAMACHO ÁGUILA
Alternativas a la fotografía típica ¿Quién en su cámara réflex no ha investigado con las velocidades de obturación y ha probado a realizar alguna fotografía a 30”? Pues bien yo invito a realizar esas tomas por la noche, ya que la luz solar quemaría la fotografía. La experiencia es como si estuvieras grabando, pero al final no sabes qué imagen te vas a encontrar, aparecen texturas, luces en movimiento, sombras,
una explosión de colores dependiendo del sitio desde donde se tomen, etc. Una vez hecha la prueba no sabes si estás mirando un cuadro abstracto o, como se dice vulgarmente, viendo una “foto movida”. Estas texturas no sabes si son reales o pictóricas, imágenes sacadas de una obra de arte abstracta, de un cuento infantil con imágenes sombrías… Yo recomiendo hacer esta prueba de vez en cuando y romper, por así decirlo, con las “fotografías clásicas”. (PÁGINA ANTERIOR)
ARTÍCULOS
PEDRO ANTONIO CRUZ MAYENCO
Cuando alguien dice que una foto está demasiado negra, demasiado oscura, a mí se me vienen a la cabeza ideas que podrían aprovechar esa foto tan escasa de luz, porque no logro entender por qué una foto que está oscura, está inservible; otro recurso que es de gran agrado para mí, es el utilizar las velocidades de obturación. Hacer una fotografía variando las velocidades de obturación permite buscar una esencia más oculta y da también la
posibilidad de poder fusionar objetos, personas, y más imágenes en una sola. Lo que debe saber ver la gente al mirar una fotografía así, no es que esté movida o se vean luces extrañas, o simplemente se distingan colores; lo que deben ver es lo que nosotros hemos querido que se vea, y así ir ampliando los conocimientos a través de imágenes tanto a nosotros mismos como a todas las personas que se interesan en este mundo tan fascinante como es el de la fotografía.
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SHEILA CAZORLA GUERRERO
Jugando en la noche con velocidades lentas, hay momentos en los que encuentras el principio, pero no el final, llegando incluso al infinito, transformando la noche en un conjunto de luces y formas, trasladﾃ｡ndonos a otra dimensiﾃｳn en la que llegamos a perder la nociﾃｳn del espaciotiempo.
ARTÍCULOS
SANDRA LASERNA JIMÉNEZ
Fotografiar es un arte. El arte de hacer fotografías sin tener que depender de que la imagen sea principalmente nítida me parece un recurso muy útil e interesante, hasta ahora, personalmente, inexplorado. La cámara da mucha libertad a la hora de superponer una imagen con otra, crear luminogramas, efectos de luz… hacer que la fotografía se confunda con la pintura hasta el punto de no saber ciertamente si es una cosa u otra.
En mi opinión, creo que todas las artes están ligadas entre sí de alguna forma y que cada una se completa con otra. Por ejemplo; para realizar una ilustración digital de algo real antes habrá que sacar fotos de los objetos reales y pasarlos al ordenador, aquí actúan dos artes que tienen una relación simbiótica. En definitiva, nunca antes había sentido tanta libertad de expresión con una cámara de fotos y es algo que realmente satisface; aprender cosas nuevas y seguir avanzando en este mundillo artístico.
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ANA MARÍA VILLACAÑAS SÁNCHEZ
ARTÍCULOS
DAVID MARTÍNEZ MULERO
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DAVID MARTÍNEZ MULERO
Parece que la fotografía, a menudo, se ve limitada a representar la realidad de la manera más fiel posible, al igual que algunos estilos pictóricos. Pero cuando experimentamos y dejamos volar la cámara o el pincel, podemos contar historias con las imágenes, y hacer que la imaginación también eche a volar.
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ANA MARÍA VILLACAÑAS SÁNCHEZ
Una buena alternativa. Hay veces en las que me gustaría poder parar el tiempo o simplemente ralentizarlo y que pasara muy despacio, para poder disfrutar de esos momentos que pasan casi sin que podamos apreciarlos. Creo que hacer una fotografía con velocidad de obturación lenta es algo así, algo así como detener el tiempo o captar un intervalo de este y concentrarlo en una única imagen, para conseguir de esta forma que perdure y no permitirle que deje de existir. El futuro se transforma en pasado antes de poder disfrutar el presente, así que capturar el tiempo es una buena alternativa. FIN.
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ROBERTO HITA LEYVA | PROFESOR DE DIBUJO-GRÁFICA PUBLICITARIA
UN GRAFISMO, UNA VIDA El grafismo, como medio de expresión, va arraigado a nuestras vidas, a lo largo de toda nuestra historia, la cual se convierte a su vez en un grafismo poético y diverso en el que se entremezclan todas las artes y formas de expresión posibles. Así pues, el grafismo es una actitud, un recurso expresivo de nuestro yo hacia el exterior, un hilo conector y conductor que establece vocabularios y pautas de identidad con nuestro entorno, con nuestra sociedad y con nuestro hábitat. Desde la Prehistoria ya podemos apreciar una actitud de comunicación a través del grafismo como lenguaje estético dotado de una belleza singular, visual, espiritual, táctil, rítmica, musical, realista y abstracta a su vez, de modo que se asientan y exponen las vertientes de un pensamiento que trata de reflejar tanto lo real como lo irreal en un mundo de necesidades y deseos conjuntos. Los niños son seres en constante cambio y la representación gráfica que realizan no es más que el lenguaje de su pensamiento. A medida que van creciendo van percibiendo el mundo de forma diferente, por lo que la manera de expresar su realidad va cambiando. Se expresan de forma directamente proporcional a su desarrollo. Igualmente, nuestra sociedad va cambiando y girando de modo que el
grafismo que siempre la acompaña demuestra el reflejo de lo que somos en cada momento aunque sea de modo ilusorio, grotesco o surreal. Siempre seguirá siendo reflejo de nuestro tiempo y búsqueda. El propio arte cinético investiga la relación que existe entre los cuerpos y las fuerzas que sobre ellos actúan, estableciendo grafismos en el espacio como hilos de conexión entre elementos que, al fin y al cabo, se comunican. Y en estas fuerzas o trazos de comunicación nos vemos fielmente representados hoy día, y desde siempre. En el arte óptico se establecen ilusiones con carácter de movimiento o relieve que dejan claro el poder del grafismo como herramienta de estímulo sin ahondar en una temática determinada. El espacio habitable que Bridget Riley nos ofrece en sus propuestas sigue manteniendo la plástica del arte como entorno para compartir y saborear, alimento al fin y al cabo para nuestro yo interior y exterior. En nuestra escuela, se aúna su lenguaje con una metáfora solidaria hacia el pueblo de Japón y su caos tras el seísmo acontecido el 11 de
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INTERVENCIÓN EN ACCESO A LA SALA DE EXPOSICIONES DEL CENTRO | ALUMNOS DE PRIMERO DE GRÁFICA
marzo de 2011. Se realiza una intervención por parte del alumnado y el profesorado en el que se establece cada punto rojo (símbolo de la bandera nipona definido como el Sol Naciente), como una vida perdida en el desastre. El resultado es un espacio vital repleto de interrogantes y ritmos que rompen una serie de líneas rectas definidas por lo arquitectónico. En este “punto” podemos apreciar claramente la importancia del grafismo en la arquitectura (FOTOGRAFIAS DE LA PÁGINA 48). Así, ampliamos el concepto narrativo y espiritual de la Capilla Sixtina hasta una experiencia publicitaria por
parte de la empresa Volkswagen cargada de recursos estéticos que plantean un modo de vida acorde a un producto re-decorando, para ello el Hotel Fox, situado en Copenhague. El resultado es un mundo gráfico habitable que subraya de nuevo la poética de la vida a cada instante. Sabina dice: “Ese tipo corazón... aprendiendo a vivir, a coger en marcha el autobús, aprendiendo a leer en los ojos de la multitud”. Estamos degustando las palabras de una persona que han sido encajadas en un grafismo musical de cinco líneas paralelas, en las que el ritmo no deja de ser un fiel
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reflejo del grafismo que pueda dejar el corazón de quien lo escribe a modo de electrocardiograma. Aquellos fisiogramas que Picasso nos dejará en la retina con su movimiento en el vacío se fortalecen con la actitud de Paul Klee en una Bauhaus que defiende el grafismo y crea imágenes irónicas consideradas como símbolos. El lenguaje del grafitti que hoy conocemos y que se remonta a tiempos romanos no deja de ser un camino de expresión del ser que llevamos dentro, de un ser que vive en comunión con una sociedad, esté o no de acuerdo con ella, pero siempre sujeto a unos criterios estéticos afines a su entorno o a las
vivencias que ha saboreado, como si de un diario se tratara. La obra de Basquiat es un buen ejemplo de ese espejo que retrata las inquietudes más sencillas de un ser que siempre se mantiene en plena búsqueda. Keith Haring es otro padre del graffiti actual que con sus intervenciones iniciales sobre vallas publicitarias en el Metro de Nueva York va dejando un rastro de intervenciones sobre el hábitat urbano que dejará las semillas que hoy día podemos degustar como arte urbano. En este punto, en nuestro Centro se realiza otra intervención plástica a través del grupo de 1º de Gráfica Publicitaria con el lema “La vida, una obra de
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arte”. No deja de ser una intervención gráfica que incide en la misma idea: vida y arte, un único camino. Y es que hasta el grafismo abstracto de Manuel Viola resulta válido y firme de expresión frente a las pinceladas interminables que Velázquez expusiera en su obra más contenida. El grafismo adopta el lenguaje del trazo, de un recorrido visual, de una sugerencia enmascarada que acaricia el más mínimo sentido de coherencia plástica y visual que nuestro espíritu pueda compartir. El grafismo vuelve a convertirse en ese número áureo que todo lo conforma, desde nuestras proporciones hasta el ritmo de
nuestro respirar; todo ello enmarcado en un universo sustentado por gravedades y distancias matemáticas. Así pues, el grafismo más anárquico no deja de ser eso: una matemática pura del ser, tal y como contempla el astrofísico Mario Livio, el cual cuestiona un Dios de carácter matemático. Así pues, somos un grafismo en pleno cambio, un efecto mariposa que se expande, un aroma que se deja de percibir pero nunca se pierde, un trazo en movimiento que aporta un mundo de trazados en tres dimensiones, siempre definidos por una cuarta dimensión: el tiempo, nuestro tiempo… un grafismo.
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HOMENAJE A BRIDGET RILEY
La Escuela de Arte con el departamento de dibujo artﾃｭstico ha realizado una intervenciﾃｳn en la primera planta en homenaje a la obra de Riley.
ESCALERAS PRINCIPALES | FOTO: INMACULADA JIMÉNEZ
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JUAN ÁNGEL VEGA RUS CRISTINA SIERRA MENDOZA LAURA ISLÁN MOLINA MANUEL HIGUERAS CRUZ ALUMNOS DE T.I.C. DE 2º DE BACHILLERATO
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FRANCISCO JAVIER HIDALGO CASAS | PROFESOR DE DIBUJO
RETRATO TIPOGRÁFICO Los alumnos del módulo de Tecnologías de la Información y la Comunicación han realizado una serie de autorretratos utilizando como único recurso expresivo la tipografía. Las T.I.C. han llegado a ser uno de los pilares básicos de la sociedad y hoy es necesario proporcionar al ciudadano una educación que tenga en cuenta esta realidad, es por este motivo por lo que, desde hace tan solo tres años, las T.I.C. forman parte del currículo de la Enseñanza Secundaria en Andalucía. No se puede entender el mundo de hoy sin un mínimo de cultura digital. Es preciso entender cómo se genera, cómo se almacena, cómo se transforma, cómo se transmite y cómo se accede a la información en sus múltiples manifestaciones (textos, imágenes, sonidos) si no se quiere estar al margen de las corrientes culturales. Desde este módulo de nuestro bachillerato de artes se está tratando sobretodo de mostrar al alumno las enormes ventajas que ofrecen los medios informáticos aplicados a las Bellas
FRANCISCO JAVIER HIDALGO CASAS MODELO DE RETRATO TIPOGRÁFICO REALIZADO POR EL PROFESOR
Artes y más en concreto al mundo del Diseño Gráfico. Los alumnos aprenden a tratar imágenes digitalmente, generar gráficos, retoque fotográfico, composición de carteles, elaboración de presentaciones digitales, etc. En esta actividad en concreto, cada alumno ha realizado su autorretrato utilizando únicamente elementos tipográficos. Para elaborar los retratos se ha partido de una fotografía y posteriormente se han realizado los trazados con la aplicación de diseño vectorial Adobe Illustrator.
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VANESA AGUILERA HATERO | PROFESORA DE GRÁFICA PUBLICITARIA
PROYECTANDO QUE ES GERUNDIO El grupo de proyectos de gráfica publicitaria ha realizado un proyecto especial para estas páginas que explica visualmente en qué consiste ser diseñador gráfico. Un proyecto infográfico implica combinar palabras y elementos gráficos que describan acontecimientos o informaciones de manera atractiva para el lector. Este tipo de trabajos de diseño son muy comunes en la prensa y han alcanzado un alto grado de sofisticación en publicaciones de prestigio. Ser diseñador gráfico y dedicarse al diseño de la información, o infografía, es hoy más que nunca una especialidad en auge. Debido al poco tiempo que dedicamos a leer, y a la rapidez con la que consumimos la información, es habitual que la gente primero lea los gráficos, y a veces sea lo único. Las siguientes seis páginas son el resultado del trabajo conjunto del grupo de alumnos y alumnas de segundo curso de gráfica publicitaria. Dividimos la clase en tres grupos que, partiendo de su experiencia y de los conocimientos adquiridos, debían seleccionar la información y estructurarla. El objetivo era que reflexionaran sobre los aspectos de la profesión, colaborando entre sí, asignándose tareas, y cumpliendo con el compromiso adquirido con ellos mismos y conmigo. Se trataba de darles la oportunidad de seguir el proceso proyectual en un tiempo limitado y en un espacio reducido. En primer lugar, en la página contigua, aparecen el retrato del grupo en clave pictográfica; a continuación nos encontramos con una doble página que nos acerca los contenidos propios de los estudios de diseño gráfico, los elementos del diseño. Han compuesto además una pieza lúdica que explica los caminos que puede tomar un profesional de diseño; la doble página que le sigue expone la dicotomía entre el pensamiento y la expresión; y por último, el tercer grupo nos narra de manera escueta cómo se desarrolla un proyecto a través del día a día de una diseñadora. El resultado de la experiencia ha sido positivo. Los alumnos se han involucrado en este trabajo más que en otros, optimizando al máximo el tiempo disponible. El grupo y yo misma deseamos que el contenido ilustre en qué consisten sus estudios y su futura labor como diseñadores.
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BEA CASTRO MARTÍN, PAQUI BERZOSA GILBERT, VANESA AGUILERA HATERO, LUCAS GARCÍA ESPINOSA, JOSE MORENO TUÑÓN, FERNANDO PULIDO HERMOSO, JULIETA PRADO, LOURDES RODRÍGUEZ RAMOS, ANA VILLA REAL VD.L. TORRE, LAURA LARA MARTÍNEZ, JUANA RUIZ PÉREZ, JUAN SERRANO GALÁN, JAIME VENZALÁ CANO Y LAURA GÓMEZ RAMOS
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ELEMENTOS DEL DISEÑO En nuestras composiciones gráficas debemos buscar un equilibrio entre todos los elementos que las constituyen, a fin de poder hallar un adecuado sentido gráfico al diseño. El objetivo es lograr una comunicación eficaz.
“LAS FUENTES SON COMO LA MÚSICA: HAY UNA DIFERENTE PARA CADA HISTORIA.”
“EL DISEÑADOR TIENE ALMA DE GRAFITO, Y CON ELLA TRAZA LA VIDA.”
“EL PROYECTO ES SIEMPRE MÁS BONITO QUE LA REALIZACIÓN.”
RODRIGO POSADA
ANÓNIMO
CHRISTA WOLF
“LA FOTOGRAFÍA ES VERDAD. Y EL CINE ES VERDAD 24 VECES POR SEGUNDO.”
“UNA NUEVA TECNOLOGÍA NO QUITA NI PONE NADA. LO CAMBIA TODO.”
“EL TRABAJO ES UN TÍTULO NATURAL PARA LA PROPIEDAD DEL FRUTO DEL MISMO, Y LA LEGISLACIÓN QUE NO RESPETE ESE PRINCIPIO ES INTRÍNSECAMENTE INJUSTA.”
GODDARD
NEIL POSTMAN
JAIME LUCIANO BALMES
ESTOS ELEMENTOS SE CORRESPONDEN CON LOS MÓDULOS DE SEGUNDO CURSO DE GRÁFICA PUBLICITARIA 1. Tipografía 2. Técnicas
Gráficas Industriales 3. Proyectos 4. Medios Audiovisuales 5. Medios Informáticos 6. FOL
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¿A QUÉ PUEDO DEDICARME?
AS LID SA
Dependiendo de las habilidades mostradas o las herramientas con las que nos encontremos más a gusto, podremos decidir qué camino profesional emprender.
POR CUENTA AJENA
POR CUENTA PROPIA
ILUSTRAR
INFOGRAFÍA (1)
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5-10
2-5
EMPRESA PROPIA
10-50
BRANDING
FREELANCE
AGENCIA DE ESTUDIO DPTO. PUBLICIDAD DE DISEÑO DE DISEÑO
DISEÑADOR DE TIPOS CLIENTE
WEB Y MULTIMEDIA
COLABORADOR
FOTOGRAFÍA
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NOTAS 1. Número de empleados que tienen de media cada tipo de empresa. 2. Colaborador se
define como el que participa con otros en la consecución de un trabajo. En el ámbito del diseño los colaboradores suelen estar especializados. 3. El freelance es un trabajador autónomo que realiza trabajos a terceros. Bien puede ser directamente a clientes, o bien como colaborador.
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PENSAR Y EXPRESAR A través del pensamiento y la expresión el diseñador desarrolla un proyecto, recogiendo en el proceso tanto los conocimientos específicos como las inspiraciones e ideas que a veces parecen surgir por casualidad.
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¿QUÉ PASA EN LA MENTE DEL DISEÑADOR CUANDO ESTÁ TRABAJANDO? 2
MUCHAS COSAS EN REALIDAD. COMO SER HUMANO, MIENTRAS TRABAJAMOS ESTAMOS PENSANDO EN TEMAS PERSONALES, EN COLORCITOS, POSICIONES, TIPOGRAFÍAS… “LA MENTE DE DISEÑO” SURGE SI LOGRAMOS CONCENTRARNOS EN NUESTRA TAREA, PUDIENDO CREAR PROYECTOS QUE REALMENTE NOS SORPRENDEN Y ASOMBRAN.
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PENSAMIENTO
EXPRESIÓN
ES LA ACTIVIDAD Y CREACIÓN DE LA MENTE; DÍCESE DE TODO AQUELLO QUE ES TRAÍDO A EXISTENCIA MEDIANTE LA ACTIVIDAD DEL INTELECTO.
ES EL MOVIMIENTO DEL INTERIOR AL EXTERIOR, UNA PRESIÓN HACIA FUERA, LA DEMOSTRACIÓN DE IDEAS O SENTIMIENTOS ENTRE UN EMISOR Y UN RECEPTOR.
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Observar y analizar el medio en el cual se desenvuelve el ser humano, descubriendo alguna necesidad.
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Planear y proyectar proponiendo un modo de atender esta necesidad, buscando soluciones viables.
Construir y ejecutar haciendo real la idea inicial mediante materiales y procesos productivos.
POR QUÉ PRIMERO PENSAR ANTES DE DISEÑAR
HAY QUE HUIR DEL VICIO MALSANO DE «LO VISUALMENTE ATRACTIVO» Y AJENO AL CONTENIDO
a diferencia , no suele ser la fuente de los mensajes que comunica, sino su interprete. Los hace visuales. EL DISEÑADOR , DEL ARTISTA
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un proyecto objetivamente es tener en cuenta lo que pretende expresar, reflexionando sobre su significado. DESARROLLAR
1 NORMAL
es una actividad abstracta que implica programar, proyectar y traducir lo que es invisible en visible, es comunicar. DISEÑAR
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2 DUBITATIVO
3 CANSADO
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4 AGOBIADO
5 CABREADO
6 SATISFECHO
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EL PROYECTO El diseño nace de la necesidad de comunicar visualmente. Cuando ésta surge, el diseñador entra en acción: hay que dar una respuesta, iniciar un proyecto, ponerse a trabajar. Pero... ¿cómo es el proceso?
DÍA 1
FORMALIZAR EL ENCARGO
DÍA 2
Nos reunimos con el cliente y planteamos el Briefing. Una vez hecho, distribuimos el trabajo en el tiempo (Timming). BLA,bla BLA, BLA Ybla BLA
MANOS A LA OBRA Buscamos, investigamos, rebuscamos, re-investigamos... en nuestras experiencias, en los gustos del cliente, en la competencia...
PUES... BLA, BLA, BLA.
PASAN LOS DÍAS DÁNDOLE VUELTAS AL PROYECTO
DÍA 8
ABOCETAR
DÍA 9
DESCARTAR
DÍA 10
Y ABOCETAR
ARTÍCULOS
DÍA 11
¡LA TENGO!
DÍA 15
A IMPLEMENTAR
DÍA 12
PRESENTAR LA IDEA
El cliente ha visto unas ideas previas, el planteamiento o propuesta. Ahora, hay que ajustarla a sus necesidades reales y al presupuesto disponible para las impresiones. Implementar es adaptar la idea a los soportes finales.
DÍA 23
CTRL+Z CTRL+ALT+ MAYÚS+C...
VISTO BUENO
DÍA 24
DÍA *
RELAX
DÍA 22
ÚLTIMOS RETOQUES Después de una semana de duro trabajo y enclaustramiento, comprobamos que todo está como debe y preparamos los archivos convenientes para que pueda revisarlo el cliente y darnos su ok.
ENVÍO A IMPRENTA DE LAS ARTES FINALES
El cliente siempre se hace de rogar, se toma el tiempo necesario para revisar cada detalle.
DÍA 29
LLEGA LA IMPRESIÓN Hay que revisarlo. ¡Ummm! ¡Qué bien huele el trabajo recien horneado.
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FACTURAR ¡YUJUUU!
RECOMPENSA Y RECONOCIMIENTO Nosotros, como Paul Rand, aplicamos la regla de las dos erres.
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VIAJES
GRANADA | 10/02/11
MADRID-MUSEOS | 18/02/11
2010-2011
MADRID-ARCO | 18/02/11
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ALUMNOS Con sus propias palabras nos han contado por qué están aquí y qué es lo que más les ha sorprendido de los ciclos que estudian.
ILDEFONSO QUESADA SÁNCHEZ
MERCEDES RAMOS MELGAR
DAVID MARTÍNEZ MULERO
Estoy aquí por aprendizaje y por amor al arte. Me gustaban la escultura y las antigüedades, coleccionaba monedas y a partir de ahí surgió la inquietud. Casi todo me ha sorprendido, las esculturas que pueden hacerse con hierro; las miles de formas que se le puede dar a una chapa; las diferentes técnicas de otros alumnos jóvenes en diferentes facetas del arte, y un largo etcétera.
Siempre me ha gustado el mundo relacionado con el arte y la escultura. Me ha llamado la atención la coordinación que hay entre clases, que se hagan esculturas del cuerpo humano… La buena coordinación entre dibujo artístico y escultura; la historia; en volumen, hacer caras… Aparte de actividades extraescolares, ir a museos, exposiciones… Y en definitiva los procesos del seguimiento de la escultura.
Estoy en esta Escuela por que aquí se puede estudiar algo que no hay en toda la provincia. Además, siempre me gustó el mundo del diseño, de pequeño dibujaba etiquetas para refrescos y cosas así. Lo que más me ha sorprendido del ciclo es que he aprendido las muchas posibilidades que tiene la imagen, según usemos los colores, las formas y líneas, para expresar una idea. Además hay muy buen ambiente y me motiva a seguir con este tipo de
FORJA ARTÍSTICA 58 AÑOS
ARTES APLICADAS A LA ESCULTURA 47 AÑOS FOTOGRAFÍAS Y ENTREVISTAS REALIZADAS POR ALUMNOS DE 1º DE GRÁFICA PUBLICITARIA
estudios. GRÁFICA PUBLICITARIA 21 AÑOS
2010-2011
JUAN JOSÉ TUÑÓN JIMÉNEZ
Estoy aquí por afición, me interesaba trabajar la madera. Lo que más le ha sorprendido del ciclo es cómo se pueden crear objetos a partir de un trozo de madera. 66 AÑOS | EBANISTERÍA ARTÍSTICA
INMACULADA JIMÉNEZ
Me gusta diseñar, el dibujo, pintar… quiero dedicarme al diseño. Lo que más me ha sorprendido es que puedes hacer proyectos con un motivo real y participar en la escuela con ellos. GRÁFICA PUBLICITARIA 18 AÑOS
FOTOGRAFÍA 1948
MARÍA GUERRERO GÁMEZ
Sus andaduras por este Centro se inician en el año 1948, a los 16 años de edad. Su gran inquietud por la expresión plástica la convierte en un claro ejemplo de un corazón creativo, repleto de ilusión donde la edad no es obstáculo. Venida y crecida en un entorno familiar de artistas, hoy día, vive con gran plenitud su capacidad y posibilidad de dialogar con este mundo a través del color. FORJA ARTÍSTICA
María Guerrero define la escuela de arte de Baeza con tres palabras: conocimiento, amistad e ilusión.
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DATOS DE LA PUBLICACIÓN Depósito Legal: GR 1407-2011 Imprime: Ediciones Al Sur CONSEJO EDITORIAL GRUPO DE TRABAJO REVISTA CENTENARIO Coordina: Vanesa Aguilera Hatero Equipo: Francisco Milla Gómez, Ainhoa Díaz de Monasterioguren Aporta, Roberto Hita Leyva, Eva Cubero Vallejo, Francisco Javier Hidalgo Casas, Juan Cuesta Navarrete, María Francisca Rodríguez Martínez y Florencio Antonio Rodríguez García. Maquetación: Julieta Prado, Juan Serrano Galán y Juana Ruiz Pérez (Alumnos de segundo de Gráfica Publicitaria). Gracias a todas las personas que de una manera u otra han colaborado en esta publicación.
Escuela de arte de Baeza (Gaspar Becerra) C/ Julio Burell, 24, 23440, Baeza, Jaén Teléfono: 953 740 066