No.001 - junio de 2019
ALBERTO GIACOMETTI
En el Museo del Prado en Madrid 78 FERIA DEL LIBRO DE MADRID 31 de mayo al 16 de junio Parque El Retiro - Madrid, España EXODUS Proyecto colectivo de las artistas colombianas Patricia Tavera y Ximena de Valdenebro Primera Plana
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junio 2019 222 junio junio 2019 2019
CEO - Dirección General:
Juan Fernando Cobo A. primeraplanamadrid@gmail.com
Dirección Administrativa: Ana María Rengifo G. amrengifo@gmail.com Foto de portada Juan Fernando Cobo
Dirección de Arte Diseño y Diagramación: Grupo ArteAparte Madrid - España
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TEMA DE PORTADA
Exposiciรณn ALBERTO GIACOMETTI MUSEO DEL PRADO MADRID, ESPAร A 6
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No. 001 junio de 2019
DESTACADOS:
REK Página 65
Juan José Córdoba, más conocido como REK, es el primer colombiano en sellar una canción en Gemstone Records disquera del reconocido Dj Hardwell.
EL CORONEL NO TIENE QUIÉN LE ESCRIBA Página 61
El viejo coronel y su mujer viven en la miseria, esperando la carta del gobierno en la que le comuniquen la concesión de la pensión...metida Primera Plana
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Alberto Giacometti en el Museo del Prado
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Charles Ray (Chicago, 1953) es conocido fundamentalmente por sus enigmáticas esculturas, con las que cuestiona los juicios perceptivos del espectador de manera discordante e inesperada. Partiendo de objetos y referencias cotidianas y cercanas, Ray trabaja con la proporción para rebatir formas y discursos arraigados y estereotipados. En Family Romance (1993), por ejemplo, representa una familia canónica
El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta “Giacometti en el Museo del Prado”, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, quien concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente.
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EXODUS El arte permite contar mil historias con una sola pintura. Normalmente, es un acto individual con el que se comunica una idea. Sin embargo, una innovadora propuesta plantea la creación conjunta a través de la pintura. En este espacio no importa si sabe pintar, así como tampoco interesan la edad ni la procedencia. Lo único que quieren las artistas colombianas Patricia Tavera y Ximena de Valdenebro es que todos pinten y plasmen sus sentimientos en el lienzo.
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Charles Ray - Cuatro Moldes
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Feria del Libro de Madrid
Del 31 de mayo al 16 de junio el Parque de El Retiro acogerá una nueva edición de la Feria del Libro de Madrid. Esta ansiada cita, tanto por parte de los lectores madrileños como foráneos, quiere seguir siendo desde su organización un proyecto cultural sensible a la constante evolución que tiene lugar en el ecosistema del libro, lecturas, lectores y librerías.
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Tetsuya Ishida Autoretrato de otro La obra del artista japonés Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973 – Tokio, 2005) pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión.
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Poeta
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Escultura Urbana El Oso y el Madrioño - Madrid
Orietta Lozano
La estatua es obra del escultor Antonio Navarro Santafé y se inauguró el 10 de enero de 1967. Fue promovida por la sección de Cultura del Ayuntamiento de Madrid, que quiso representar monumentalmente los principales símbolos heráldicos de la ciudad y de España. Tuvo un coste de 200 000 pesetas. La primera aparición de un oso rampante y de un madroño frutado en el escudo de la villa se sitúa en el siglo XIII. Con anterioridad, las armas incorporaban únicamente a un oso en actitud pasante, sustituido a partir del citado siglo por las dos actuales figuras.
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25 años después
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Arterería Pájaro Azul
Como un homenaje al maestro peruano colombiano Armando Villegas, fallecido en el año 2013, publicamos este artículo escrito por el Premio Nobel de Literatura Gabriél García Márquez. Abre en Santiago de Cali, Colombia, una nueva galería de arte Arterería Pájaro Azul, con el propósito principal de mostrar el nuevo arte de la ciudad al mundo. La Ciudad de Santiago de Cali se ha caracterizado por ser excluyente en cuanto a las artes visuales y en especial para la pintura, la mayoría de creadores deben ir a otras ciudades y a otros países para mostrar su obra. Primera Plana
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Exposiciรณn
Alberto Giacometti, Hombre que camina II - 1969
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Exposición
Lester
ALBERTO GIACOMETTI EN EL MUSEO DEL PRADO
El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta “Giacometti en el Museo del Prado”, uno de los artistas más influyentes del siglo XX, quien concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente. Aunque nunca viajó a España, asistió en 1939 a la exposición Chefs-d’œuvre du Musée du Prado celebrada en Ginebra, donde habían sido trasladadas gran parte de sus colecciones durante la Guerra Civil Española. En esa exposición se encontraban representados varios de los pintores predilectos de Gi-
acometti, como Durero, Rafael, Tintoretto, El Greco, Goya o Velázquez. Carmen Giménez, su comisaria, concibe la exposición como un paseo póstumo, donde las esculturas del artista, transitan por las galerías principales del Prado. Las 20 obras expuestas -18 esculturas y dos óleosproceden de colecciones públicas y privadas nacionales e internacionales. El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, continúa frente a Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano, en proximidad al Lavatorio de Tintoretto, discurre junto a la obra del Greco y contrasta con los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules. Primera Plana
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Exposición
Alberto Giacometti
gresivamente en su obra «lo real por lo imaginario». No será hasta 1934 cuando vuelva a servirse de un modelo en sus composiciones, lo que desembocará en su ruptura con el surrealismo. Este empeño por “reflejar” lo real lo aisló en cierta forma del arte de su tiempo y lo vinculó inexorablemente al pasado. Es fundamentalmente a partir de 1945 y hasta su muerte en 1966 - período representado en la exposición del Museo del Prado - cuando su práctica se centra en la representación de la figura humana, sobre todo de sus seres más cercanos, y se observa en su obra una búsqueda infatigable de lo real que pretende trascender la apariencia meramente superficial de sus modelos. Una obsesión que se hace más patente todavía en la radicalidad de sus retratos posteriores a la II Guerra Mundial, cuya terrible experiencia influyó definitivamente al artista, como demuestran las obras aquí reunidas.
Uno de los fenómenos más llamativos en los doscientos años transcurridos desde la apertura del Museo del Prado ha sido su progresiva conversión en lugar de peregrinaje de los artistas de vanguardia. De Courbet a Bacon, pasando por Manet, Degas, Whistler o Picasso, su visita al Museo marcó un antes y un después en su trayectoria artística. Ha habido, no obstante, destacadas ausencias, y quizás ninguna tan notoria como la de Giacometti, a quien está dedicada esta singular exposición. Un artista que concebía el arte como un único y simultáneo lugar de confluencia del tiempo pasado y presente, y, sus creaciones avalan hoy aquí la atemporalidad de la figura humana como modelo de representación para el arte de todos los tiempos. Hijo de un destacado autor posimpresionista suizo, Alberto Giacometti (Borgonovo, 1901Chur, 1966) empezó a dibujar con avidez desde niño y a realizar, en la mayoría de los casos a partir de reproducciones, copias no solo de los maestros antiguos, sino del arte de todos los tiempos y culturas. Continuó esta labor durante su formación en París, ciudad a la que se trasladó en 1922, y a lo largo de toda su Museo Nacional del Prado. Madrid vida, como atestiguan sus cuadernos. Alrededor de 1930, Giacometti se adhirió al 02/04/2019 - 07/07/2019 movimiento surrealista, sustituyendo pro- Fuente: Museo del Prado
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Exposición
Alberto Giacometti en el Museo del Prado - Museo Nacional del Prado. Madrid - YouTube El Museo del Prado, en el marco de la celebración del Bicentenario, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y la Fondation Beyeler y el apoyo de la Embajada de Suiza y el Grupo Mirabaud, presenta “Giacometti en el Museo del Prado”, uno de los artistas más influyentes del siglo XX. La exposición Las 20 obras expuestas -18 esculturas y 2 óleos- proceden de colecciones de la Fondation Beyeler, Riehen/Basilea, Alberto GiacomettiStiftung Zurich, Kunstmuseum Basilea, Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Dinamarca, Alicia Koplowitz, coleccionista y miembro del Real Patronato del Museo Nacional del Prado, la Fondation Marguerite et Aimé Maeght de Saint-Paul-de-Vence, la Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, y el Museum of Fine Arts de Houston. El recorrido empieza en la sala de Las meninas de Velázquez, donde el conjunto de figuras que conforma La Piazza - Mujer alta III, Mujer alta IV, Cabeza grande y Hombre que camina- ideado inicialmente en 1958 como un proyecto de escultura monumental en Nueva York que no llegó a materializarse, prolongan, aún más si cabe, el juego de espejos propuesto por el pintor barroco. Frente al Carlos V en la batalla de Mühlberg de Tiziano se sitúa El carro: una mujer, encaramada sobre dos ruedas gigantes, suspendida en equilibrio entre el movimiento y la qui-
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etud, el avance y la retirada; y dos pinturas entre las que encontramos Cabeza de hombre I (Diego), obra en la que capta en 1964 a su hermano Diego, quien posó para él a lo largo de toda su vida. Próximas al casi cinematográfico espacio del Lavatorio de Tintoretto, siete Mujeres de Venecia, pertenecientes a la serie de esculturas presentadas en la Bienal de Venecia de 1956 en el Pabellón francés y una de sus obras cumbre, dirigen su mirada hacia las salas de la obra del Greco, donde Mujer de pie manifiesta unos evidentes paralelismos formales en su verticalidad y alargamiento con la obra del pintor cretense. Ante los cuerpos colosales representados por Zurbarán en su serie de Hércules, contrasta La pierna, producto quizá de una realidad ya definitivamente fragmentada después de la Segunda Guerra Mundial. La exposición nos recuerda que la obra de este artista único, gran dibujante, pintor y escultor, le debe tanto a la historia de la pintura como a la de la escultura y corrobora que los precedentes esenciales de su obra se encuentran también en la pintura barroca italiana y española.
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Exposición
NUEVAS FORMAS DE CONTAR HISTORIAS A TRAVÉS DE LA PINTURA
En España, dos artistas colombianas pintarán con aquellos que no se han acercado al arte.
Por María Camila Botero Escuela de Periodismo Multimedia El Tiempo Tomado del Periódico El Tiempo - Bogotá D.C.*
El arte permite contar mil historias con una sola pintura. Normalmente, es un acto individual con el que se comunica una idea. Sin embargo, una innovadora propuesta plantea la creación conjunta a través de la pintura. En este espacio no importa si sabe pintar, así como tampoco interesan la edad ni la procedencia. Lo único que quieren las artistas colombianas Patricia Tavera y Ximena de Valdenebro es que todos pinten y plasmen sus sentimientos en el lienzo. Las artistas decidieron crear un espacio en Madrid (España), junto al Museo Thyssen, y
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estarán desde el 11 hasta el 30 de mayo de 12 m. a 8 p. m. Quienes lleguen pueden participar en un plan individual o en grupo pintando al lado de las creadoras para construir la exposición ‘Exodus’. La propuesta invita a observar el arte de una manera distinta y donde todos quepan. Para Tavera, “la pintura es el medio más sutil de comunicación”; por eso quiere que este sea un escenario de creación, pero, al mismo tiempo, que se genere un espacio diferente de conversación e interacción con las personas que se reúnan frente al lienzo. Este formato ya se ha realizado antes en dos ocasiones. La primera fue en Bogotá, en el barrio La Candelaria. Gustó tanto que a Tavera le propusieron llevarlo a Fráncfort (Alemania).
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Entrevista - Patricia Tavera y Ximena de Valdenebro nos hablan de su exposición “Exodus” en Madrid, mayo de 2019
Tavera ha centrado su pintura, principalmente, en temas relacionados con el éxodo porque considera que es el mayor flagelo del siglo XXI. Pero el éxodo es diferente para cada persona que se acerque al lienzo. Un niño, comenta Tavera, en la exposición en La Candelaria, le preguntó por qué tenía que pintar solo éxodos de personas si también había de planetas. Entonces, ella le preguntó cómo representaría eso, a lo que él le respondió: “Pintando extraterrestres”. A Patricia Tavera la situación política y social de Venezuela la impactado particularmente, espera que personas que tuvieron que salir de su país a la fuerza se reúnan junto a ella en la pintura. Así lo hizo y, por eso, para ella este es un espacio donde surgen “unas conversaciones divinas que permiten conocer diferentes formas de ver la misma realidad”, afirma. Agrega también que exponer en una tela y permitir que las personas pinten representa los derechos humanos. Por este motivo, al terminar la exposición subastará las tres telas (las de Bogotá y Fráncfort, y la de Madrid). El dinero que reúna lo donará a obras sociales. *Hemos reproducido este artículo con el único fin de darle una mayor difusión o el Periódico El Tiempo creen que debemos retirarlo, por favor haganoslo saber.
a la exposición, si la autora
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Patricia Tavera nos habla de la tela colectiva del proyecto “Exodus” en Madrid, mayo de 2019
Dialogo con Alberto Vega, Director Albert Gallery en donde está expuesta la obra “Exodus” de Patricia Tavera y Ximena de Valdenebro en Madrid, mayo de 2019
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Dialogos alrededor de “Exodus”de Patricia Tavera y Ximena de Valdenebro, con Alberto Vega y Pilar Carrasco en Madrid, mayo de 2019
Dialogos con Ximena de Valdenebro en Madrid, mayo de 2019
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Exposición Museo nacional centro de arte reina sofía Madrid, España
CHARLES RAY Cuatro moldes Charles Ray (Chicago, 1953) es conocido fundamentalmente por sus enigmáticas esculturas, con las que cuestiona los juicios perceptivos del espectador de manera discordante e inesperada. Partiendo de objetos y referencias cotidianas y cercanas, Ray trabaja con la proporción para rebatir formas y discursos arraigados y estereotipados. En Family Romance (1993), por ejemplo, representa una familia canónica: una pareja de padres heterosexuales con sus dos hijos, un niño y una niña, todos desnudos. Al subvertir la escala de los niños hasta alcanzar la altura de los padres, provoca una percepción alterada
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Exposición de una normalidad idealizada. La mayor parte de su obra consiste en esculturas e instalaciones, si bien al comienzo de su carrera artística Ray experimentó con piezas más performativas, como Plank piece I & II (1973), en la que su propio cuerpo es un elemento de la escultura. Ray ha participado en la documenta IX de Kassel (1992) y en varias ediciones de diferentes Bienales: la 50ª y 55ª de Venecia (2003 y 2013), la 9ª de Sídney (1992), la 4ª de Lyon (1997) y cinco del Whitney Museum of American Art de Nueva York (1989, 1993, 1995, 1997 y 2010), museo donde se mostró su obra en 1998. Ha expuesto también en el Art Institute de Chicago en 2015, en el Kunstmuseum de Basilea en 2014, y en el Museum of Contemporary Art de Los Angeles en 1998, entre muchos otros museos o centros de arte. Es profesor emérito de la Universidad de California en Los Ángeles, ciudad en la que actualmente vive y trabaja. Fuente: www.museoreinasofia.es
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Exposición Charles Ray (born 1953) is a Los Angelesbased American sculptor. He is known for his strange and enigmatic sculptures that draw the viewer’s perceptual judgments into question in jarring and unexpected ways. Christopher Knight in the Los Angeles Times wrote that Ray’s “career as an artist…is easily among the most important of the last twenty years.” Wikipedia
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Del 31 de mayo al 16 de junio el Parque de El Retiro acogerá una nueva edición de la Feria del Libro de Madrid. Esta ansiada cita, tanto por parte de los lectores madrileños como foráneos, quiere seguir siendo desde su organización un proyecto cultural sensible a la constante evolución que tiene lugar en el ecosistema del libro. En ese sentido, los contenidos de la 78ª edición van a girar en torno a tres ejes temáticos fundamentales, que son: lecturas, lectores y librerías. La componente internacional ya forma parte del ADN de la Feria del Libro de Madrid. En la edición de 2019 será la República Dominicana nuestro país invitado. Además, pondremos el foco en las políticas públicas de defensa de las librerías, así como en la situación de los planes de lectura en el ámbito latinoamericano y su influencia en la creación de lectores en el subcontinente. Desde la organización de la Feria queremos seguir abanderando un valor en alza, como es el feminismo, por ello la imagen que ilustra la 78ª edición vuelve a ser obra de una mujer. Asimismo, recuperaremos el espíritu que inundó El Retiro en la edición pasada en la que la faceta creativa de las mujeres estuvo presente durante los 17 días de duración en todas sus manifestaciones posibles (editoras, escritoras, lectoras, ilustradoras…) Como en ediciones anteriores, no faltarán los espacios lúdicos y pedagógicos que promuevan el contacto directo con los libros. En 2019 vamos más allá prestando atención a las distintas formas de prescripción y a las nuevas formas de consumir contenidos culturales por parte de los lectores para analizar en qué medida puede esta tendencia suponer una competencia para el libro y la lectura. La 78ª edición también se recordará por su afán de ser una Feria inteligente, digital y sostenible. Primera Plana
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REPÚBLICA DOMINICANA
¡Descubre un país de cultura! República Dominicana, país invitado de honor de la 78ª Feria del Libro de Madrid, participa en este importante evento editorial con el entusiasmo y la alegría propios de los caribeños, y en especial de los antillanos, cuya cultura es un crisol de creatividad como nuestra propia sangre mulata, mezcla de razas, de historias comunes, de costumbres, tradiciones, sueños y esperanzas.Enclavado en el mismo trayecto del sol, como cantara nuestro poeta nacional, Pedro Mir, somos un país de 48.000 km², cuyo 175º aniversario como nación independiente se celebra justamente en el 2019. Por lo tanto, esta dedicatoria es una oportunidad excepcional para poner en valor los atributos de nuestra cultura, con énfasis en una literatura rica en poetas y narradores que deseamos mostrar en toda su amplia gama creadora, con sus distintos matices en el ejercicio de la escritura y del arte. Alrededor de cien actividades han sido contempladas para ser presentadas en el recinto del Parque del Retiro -así como en otros escenarios de Madrid-, encabezadas por una selecta delegación de escritores, residentes en la isla o establecidos en Estados Unidos y Europa. Enfatizaremos nuestra presencia en la trayectoria de tres figuras estelares de nuestra literatura: Pedro Henríquez Ureña, Juan Bosch y Marcio Veloz Maggiolo, este último nuestro principal escritor vivo. El programa incluirá conferencias, tertulias, presentaciones de libros, la riqueza de nuestra literatura infantil, música dominicana –en especial, el merengue, declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por UNESCO, y la bachata, ritmo y danza que suena hoy por todo el mundo-; exposiciones y un ciclo de cine que ejemplariza una industria que ha experimentado un despuntar vertiginoso en la última década. Buscaremos, durante esta edición de la Feria del Libro de Madrid, dar a conocer la pujanza de nuestra literatura, así como celebrar la pertenencia de República Dominicana al mundo cultural hispánico, el orgullo de formar parte de la comunidad lingüística del español y de una historia en la que destaca su privilegiada posición como primer asentamiento europeo y sede del primer gobierno español en el Nuevo Mundo y, como tal, lugar de primacías históricas. Enfatizaremos, así, la herencia española en nuestra cultura, abonada por las diferentes inmigraciones de españoles al país y la presencia, desde hace decenios, de una importante comunidad dominicana en España. Descubre, pues, con nosotros, un país de cultura. [Información facilitada por la Embajada de República Dominicana ante el Reino de España que con el patrocinio de la Presidencia de la República y el apoyo de entidades estatales, empresas privadas y editores dominicanos, organiza su participación en la 78º edición de la Feria del Libro de Madrid como país invitado]. Primera Plana
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ENCUENTRO IBEROAMERICANO DE LIBRERÍAS 4 - 6 de junio de 2019, Madrid, España
El evento cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española, AC/E. Del 4 al 6 de junio, Madrid reunirá a representantes de cadenas de librerías independientes y a responsables de librerías en las Cámaras del Libro de Argentina, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México y Perú. Este Encuentro Iberoamericano de Librerías está organizado por la Feria del Libro de Madrid con el apoyo de Acción Cultural Española, AC/E. Se consolida así la presencia de Iberoamérica en la Feria, siendo la lectura y la prescripción por parte del canal de librerías de la región temas clave en su próxima edición. El sector editorial español tiene ante sí una gran oportunidad para entrar en contacto con el sector librero de los países mencionados y podrá formar parte del debate so-
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bre temas de interés común. Para ello se han programado reuniones y espacios de intercambio de opiniones. El objetivo es fortalecer la circulación del libro en español en el circuito de comercialización en Iberoamérica, a través del diálogo entre los libreros latinoamericanos con los agentes de la cadena del libro en España. Así el evento también está abierto a la participación de distribuidoras y librerías con independencia de que estén presentes en la Feria como expositores. En el caso de los editores, se han cursado invitaciones a través de los distintos gremios. Los interesados podrán entrevistarse con una o varias de las cadenas que nos visitan los días 5 y 6 de junio en horario de mañana y tarde. Fuente: www.ferialibromadrid.com
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Poesía
ORIETTA LOZANO Poeta Poeta y novelista colombiana nacida en Cali en 1956. Pertenece a la nueva generación de poetas colombianas con una marcada inclinación hacia los temas eróticos. Es directora de la Biblioteca del Centenario de la ciudad de Cali donde ha desarrollado una importante gestión.Obtuvo el Premio Nacional de Poesía 1986 con «El vampiro esperado» y ganó además el concurso Mejor poema erótico colombiano. Entre sus publicaciones se destacan: «Fuego secreto» 1980, «Poesía para amantes», «Memoria de los espejos» 1983, «El vampiro esperado»y «Agua ebria», traducido al francés. Premios y distinciones: Premio nacional de poesía Eduardo Cote Lamus, 1986 Premio nacional de poesía Aurelio Arturo, 1992 Premio mejor poema erótico colombiano, Casa de Poesía Silva, 1994
A este triste animal que me soporta... A este triste animal que me soporta le duele el vuelo de mi espíritu, la sagacidad de mi garganta que huye de la soga, la escueta salud de mis microbios, el juego lúgubre de mi carne. La recolecta está hecha, la oreja de Van Gogh, para un poema de agua y de dolor, un rayo de sol para mi ombligo. Todos me dieron la palabra plena de sutiles formas, todos me dieron el ayuno pleno de sus bocas, ahora, mis brazos fatigados recogen las flores funerarias
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Poesía Amo en ti lo que en otros... Amo en ti lo que en otros hubiera despreciado: tus pasos algo tardos, tus pies casi pesados; tu cabeza inclinada hacia la frente; tu madurez, y tu cansancio. Amo el gesto de tus labios, tus sonrisas, trago a trago. Tu traje también lo amo: es tu presencia; sus arrugas son la marca de tus luchas. Tus zapatos son un signo de mi espera, cuando van tristemente hacia tus calles. ¿Por qué tienes las manos desatadas? ¿Quieres llevar la frente levantada y estar firme, y regresar a tu voz hoy, y mañana, con la misma palabra decantada? Te hallarías inundado de fango, enturbiadas tus manos, y los hombros agobiados de pronto por un peso acerbo tan intenso que te arrastraría encadenado hacia los años venideros. Un sabor cáustico de acíbar purifica mis labios. Tengo envenenada la garganta. Gritaría con rabia, tumbaría mis puertas, mis techos, mis aldabas, destruiría sin conciencia mi casa y tu casa, para romper las ataduras de tu alianza. Pero sería la derrota de lo que vale adentro, y estarías empequeñecido por ti frente a tus ojos, débil para la lucha de los odios no tan grande, no tan fiero, no tan alto, cuando tu cruz se levante sobre el altar de tus años.
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Escultura urbana
Escultura urbana
EL OSO Y EL MADROÑO Puerta del Sol, Madrid, España
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La estatua es obra del escultor Antonio Navarro Santafé y se inauguró el 10 de enero de 1967. Fue promovida por la sección de Cultura del Ayuntamiento de Madrid, que quiso representar monumentalmente los principales símbolos heráldicos de la ciudad y de España. Tuvo un coste de 200 000 pesetas. La primera aparición de un oso rampante y de un madroño frutado en el escudo de la villa se sitúa en el siglo XIII. Con anterioridad, las armas incorporaban únicamente a un oso en actitud pasante, sustituido a partir del citado siglo por las dos actuales figuras. Con este cambio se quiso simbolizar la resolución adoptada por el municipio y el Cabildo de Curas y Beneficiarios, tras un largo litigio por el control de los pastos y árboles de las tierras madrileñas. Según este acuerdo, los primeros pasaron a ser propiedad del Cabildo y los segundos del Concejo de Madrid. De ahí que se modificasen las armas, con la inclusión de un madroño y de una nueva postura para el oso, irguiéndose sobre el árbol. La escultura siempre ha estado en la Puerta del Sol, aunque con dos ubicaciones diferentes dentro de la plaza. Hasta 1986 estuvo situada en el lado oriental de la misma, en las inmediaciones del edificio que se levanta entre la calle de Alcalá y la Carrera de san Jerónimo. En ese año fue trasladada al inicio de la calle del Carmen, en el contexto de las obras de reforma y remodelación de la plaza impulsadas por el alcalde Enrique Tierno Galván. En septiembre de 2009, con la renovación integral de la plaza promovida por Alberto Ruiz-Gallardón, ha vuelto a su emplazamiento original. La estatua del oso y del madroño está realizada en piedra y bronce. Pesa aproximadamete 20 toneladas y mide 4 m de altura. Descansa sobre un pedestal cúbico escalonado, hecho en granito. Representa de forma realista las armas heráldicas de Madrid, con el madroño superando en altura al oso y éste apoyando sus manos sobre el tronco y dirigiendo sus fauces hacia uno de los frutos. Según relata el escultor, se inspiró en un oso pardo macho de la Casa de Fieras del Retiro capturado en los Picos de Europa. El oso no tiene atributos masculinos visibles —al igual que los leones del Congreso de los Diputados—, presumiblemente están ocultos entre el frondoso pelo. Fuente: Wikipedia
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Exposición Museo nacional
centro de arte reina sofía Madrid, España
TETSUYA ISHIDA Autoretrato de otro 12 abril – 8 septiembre, 2019 Palacio de Velázquez, Parque del Retiro
La obra del artista japonés Tetsuya Ishida (Yaizu, Shizuoka, 1973 – Tokio, 2005) pone rostro a la experiencia del sujeto contemporáneo, indagando en la incertidumbre y la desolación de la sociedad japonesa radicalmente alterada por el desarrollo tecnológico y por las sucesivas crisis que han afectado a la economía y a la política a escala planetaria. En concreto, Ishida retrata con precisión descriptiva el estado de ánimo de su generación, marcada por el estallido de la burbuja financiera e inmobiliaria y los despidos masivos que en 1991 sumieron a su país en una profunda recesión. Primera Plana
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Exposición
Durante los escasos diez años de su trayectoria, Ishida produce un formidable corpus de trabajo centrado en la incomunicación y alienación en un mundo dominado por fuerzas incontrolables. La imaginería recurrente del escolar/oficinista le sirve para realizar una crítica acerada de los sistemas educativos y laborales regidos por los imperativos de productividad y competitividad. La metamorfosis del cuerpo humano fusionado con ciertas especies de insectos, dispositivos tecnológicos o medios de transporte; las situaciones claustrofóbicas en las que el cuerpo se
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halla físicamente atrapado en agujeros y construcciones, o forma parte de una cadena de montaje como si de un engranaje más se tratara; la búsqueda de la identidad ligada a la necesidad primaria del retorno a la niñez y al componente escatológico reprimido; el lustro perdido de los parques de atracciones y la tristeza que invade los terrenos baldíos funcionan como telón de fondo para la apatía de una sociedad que ha sucumbido a la maquinaria de la producción y del consumo infinitos. Crédito: www.museoreinasofia.es
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Homenaje
25 AÑOS DESPUÉS
Como un homenaje al maestro peruano colombiano Armando Villegas, fallecido en el año 2013, publicamos este artículo escrito por el Premio Nobel de Literatura Gabriél García Márquez. Por Gabriel García Márquez En aquella época todo el mundo era joven. Pero había algo peor; a pesar de nuestra juventud inverosimil, siempre encontrábamos a otros que eran más jóvenes que nosotros, y eso nos causaba una sensación de peligro y una urgencia de terminar las cosas que no nos dejaba disfrutar con calma de nuestra bien ganada juventud. Las generaciones se empujaban unas a otras, sobre todo entre los poetas y los
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criminales, y apenas si uno había acabado de hacer algo cuando ya se perfilaba alguien que amenazaba con hacerlo mejor. A veces me encuentro por casualidad con alguna fotografía de aquellos tiempos y no puedo reprimir un estremecimiento de lástima, porque no me parece que en realidad los retratados fuéramos nosotros, sino que fuéramos los hijos de nosotros mismos.
Armando Villegas
Homenaje
Bogotá era entonces una ciudad remota y lúgubre, donde estaba cayendo una llovizna inclemente desde principios del siglo XVI. Yo padecí esa amargura por primera vez en uno funesta tarde de enero, la más triste de mi vida, en que llegué de la costa con trece años mal cumplidos, con un traje de manta negra que me habían recortado de mi padre, y con un chaleco y sombrero, y un baúl de metal que tenía algo del esplendor del Santo Sepulcro. Mi buena estrella, que pocas veces me ha fallado, me hizo el inmenso favor de que no exista ninguna foto de aquella tarde. Lo primero que me llamó la atención de esa sombría capital de 1943, fué que había demasiados hombres de prisa en la calle, que todos estaban vestidos como yo, con trajes negros y sombreros, que en cambio no se veía ninguna mujer. Me llamaron la atención los
enormes percherones que tiraban de los carros de cerveza bajo la lluvia, las chispas de pirotecnia de los tranvías al doblar las esquinas bajo la lluvia, y los estorbos del tránsito para dar paso a los entierros interminables bajo la lluvia. Eran los entierros más lúgubres del mundo, con carrozas de altar mayor y los caballos engringolados de terciopelo y morriones de plumones negros, y cadáveres de buenas familias que se sentían los inventores de la muerte. Bajo la llovizna tenue de la Plaza de las Nieves, a la salida de un funeral, vi por primera vez una mujer en las calles de Bogotá, y era esbelta y sigilosa y con tanta prestancia como una reina de luto, pero me quedé para siempre con la mitad de la ilusión, porque llevaba la cara cubierta con un velo infranqueable. La imagen de esa mujer, que todavía me inPrimera Plana
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quieta, es una de mis escasas nostalgias de aquella ciudad de pecado en la que casi todo era posible, menos hacer el amor. Por eso he dicho alguna vez que el único heroísmo de mi vida, y el de mis compañeros de generación, es haber sido jóvenes en la Bogotá de aquel tiempo. Mi diversión más salaz era meterme los domingos en los tranvías de vidrios azules que por cinco centavos giraban sin cesar desde la Plaza de Bolívar hasta la Avenida Chile, y pasar en ellos esas tardes de desolación que parecían arrastrar una cola interminable de otros domingos vacíos. Lo único que hacía durante el viaje de círculos viciosos era leer libros de versos y versos y versos, a razón
quizás de una cuadra de versos por cada cuadra de la ciudad, hasta que se encendían las primeras luces en la lluvia eterna, y entonces recorría los cafés taciturnos de la ciudad vieja en busca de alguien que me hiciera la caridad de conversar conmigo sobre los versos y versos y versos que acababa de leer. A veces encontraba a alguien, que era siempre un hombre, y nos quedábamos hasta pasada la medio noche tomando café y fumando las colillas de los cigarrillos que nosotros mismos habíamos consumido, y hablando de versos y versos y versos, mientras en el resto del mundo la humanidad entera hacía el amor. Una de esas noches, o principios de 1954, y
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en una reunión de amigos, conocí a Armando Villegas. Lo recuerdo muy bien desde el primer momento, porque el estaba haciendo los mismos esfuerzos que yo porque nos floreciera un bigote indigente que ni él ní yo nos hemos vuelto a quitar desde entonces, porque parecía tan macilento y mal comido como yo, pero sobre todo porque no pude entender cómo era posible que se sintiera en Bogotá como un nativo, mientras yo no tenía un instante de sosiego tratando de encontrar detrás del olor de hollín de las calles el olor de guayabas podridas del Caribe. Sólo lo entendí cuando supe que Armando Villegas venía de Lima, la única ciudad más tenebrosa que la
nuestra, donde además no había llovido nunca y donde hacer el amor podía costar la vida. Sin embargo, por lo que recuerdo mejor la noche en que conocí a Armando Villegas, es porque yo regresaba de mis solitarios festiva les poéticos en los tranvías, y por primera vez me había ocurrido algo que merecía contarse. Ocurrió que en una de las estaciones de Chapinero había subido un fauno en el tranvía. He dicho bien: un fauno. Según el Diccionario de la Real Academia Española, un fauno es "un semidiós de los campos y las selvas". Cada vez que releo esa definición desdichada, lamento que su autor no hubiera estado allí aquella noche en que un fauno de carne y hueso subió en
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el tranvía. Iba vestido a la moda de la época, como un señor canciller que regresara de un funeral, pero lo delataban sus cuer, nos enroscados y sus barbas de chivo, y las pezuñas muy bien cuidadas por debajo del pantalón de fantasía. El aire se impregnó de su fragancia personal, pero nadie pareció advertir que era agua de lavanda, tal vez porque el mismo diccionario la había repudiado como un galicismo para querer decir agua de espliego. Los únicos amigos a quienes yo les contaba estas cosas eran Álvaro Mutis, porque les parecían extraordinarias aunque no las creía, y Gonzalo Mallarino, porque sabía que eran verdad aunque no fueran ciertas. En una ocasión, los tres habíamos visto en el atrio de San Francisco a una mujer que vendía unas tortugas de juguete y cuyas cabezas se movían con una naturalidad asombrosa. Gonzalo Mallari-
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no le preguntó a la vendedora si esas tortugas eran de plástico o si estaban vivas, y ella le contestó: “Son de plástico pero están vivas”. Sin embargo, la noche en que vi el fauno en el tranvía ninguno de los dos estaba en su teléfono, y yo me sofocaba con las ansias de contárselo a alguien. De modo que cuando llegué a la fiesta de amigos donde conocí a Armando Villegas, solté la revelación como si hubiera sido una granada de guerra: “He visto un fauno en un tranvía”. Nadie me hizo caso, salvo Armando Villegas. Más aun: me contó que en Pomabamba, el pueblecito del Perú donde había nacido, los faunos y las faunas iban con sus crías al mercado los domingos en la mañana, pero en los últimos tiempos se les veía cada vez menos, porque los traficantes alemanes los desollaban
Homenaje
vivos para vender sus pieles como si fueran de vicuña a los peleteros de Hamburgo. Desde ese momento me di cuenta de que Armando Villegas y yo no sólo seríamos amigos, sino algo todavía más comprometedor: cómplices. Yo trabajaba en la redacción de El Espectador, donde escribía reportajes de actualidad y notas editoriales frívolas para burlar a la censura militar. Había escrito algunos cuentos que Eduardo Zalamea, mi verdadero papá literario, publicaba en lo primera página del mejor suplemento de artes y letras de la época, e inclusive había escrito una nota de consagración en la que digo que eran cuentos muy buenos. También sabía que el inolvidable Hernando Téllez le había dicho en privado al ex-presidente Alberto Lleras que yo podía llegar a ser un escritor de los grandes si lograba superar la peligrosa virtud de la facilidad. Pero no era más que eso, en una ciudad donde había de-
masiada gente que creía ser mucho más. La pintura en Colombia se estaba restableciendo entonces de los estragos del muralismo mexicano y parecía a punto de naufragar en el pantano de la novedad abstracta, pero ya todos los grandes nombres de hoy estaban disputándose la primera fila. Armando Villegas era quien les enmarcaba los cuadros en la trastienda de una galería, con serrucho y martillo, y se defendía muy bien con su oficio de carpintero anónimo, mientras dedicaba sus pocas horas libres a pintar como lo ha hecho siempre: con la fuerza y la tenacidad de un galeote. Sin ser famoso, estaba muy lejos de ser un desconocido. Lo único que le faltaba era un padrino de peso, y no le hubiera costado ningún trabajo conseguirlo. Por eso recuerdo con tanta admiración, y con tanta gratitud, que hubiera tenido la modestia de pedirme que le inaugurara su primera exposición importante en Bogotá. Me quedé muy confundi do, porque ambos estábamos rodeados de insignes inauguradores profesionales, que de veras habían visto la mejor pintura del mundo y tenían sus discursos escritos de antemano con citas en su idioma original clasificadas por orden alfabético para cada ocasión. A pesar de eso, pensé que el acto de valor civil de Armando Villegas merecía ser respondido con la misma sangre fría, y le contesté que sí. Aquella fue la única y la última exposición que presenté en mi vida, y pensándolo bien, el único discurso que he pronunciado por mi propia voluntad. Delante de todos los pontífices de la ciudad tuve esa vez los riñones de decir: “Tengo la satisfactoria impresión de estar asistiendo al principio de una obra pictórica asombrosa”. Hice bien en decirlo, porque eso fue hace 25 años, y ahora estoy disfrutando de la satisfactoria impresión de no haberme equivocado.
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Exposiciรณn
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Exposición
ARTERERÍA PÁJARO AZUL
Nueva Galería de arte en Cali Colombia Exposición de Lotti Weinberg
Abre en Santiago de Cali, Colombia, una nueva galería de arte Arterería Pájaro Azul, con el propósito principal de mostrar el nuevo arte de la ciudad al mundo. La Ciudad de Santiago de Cali se ha caracterizado por ser excluyente en cuanto a las artes visuales y en especial para la pintura, la mayoría de creadores deben ir a otras ciudades y a otros países para mostrar su obra, con el resultado de un naciente enjambre de curadores que osan pontificar sobre lo que es
bueno o malo sólo con base en sus gustos personales lo que ha llevado a relegar todo lo que no se enmarca en sus parámetros. Felipe Eugenio Payán Berón es un artista plástico con más de treinta años de trabajo ininterrumpido en el mundo de la pintura, el periodismo cultural y en general las artes plásticas. A partir del 16 de abril del presente año decidió aportar un grano de arena al desarrollo de la plástica regional y fundó la galería taller Arterería Pájaro Azul. Primera Plana
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Exposición
La galería que además cuenta con un pequeño café Tertuliadero, está ubicada en el barrio Normandía, un barrio tradicional de la ciudad, circundado de talleres de arte y muy cercano al barrio San Antonio, ampliamente reconocido como el barrio cultural de la ciudad lo que realza su objetivo. La primera exposición, con la que se inauguró la galería, como el mismo lo dice: es un autohomenaje a su obra y a su trayectoria. A partir del 8 de mayo se dio inicio a un ciclo de exposiciones de artistas locales con la exposición de la artista LOTTY WEINBERG,
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una mujer creadora, nacida en Alemania pero desde muy niña radicada en Cali, mujer de 82 años, los cuales ha dedicado a la creación artística. Su obra ha sido plasmada en la creación de vitrales, Batik y desde hace más de 15 años, una obra realizada en papel maché, su creaciones han estado expuestas en galerías de Cali, París, Madrid, Barcelona y Jerusalén. La presente muestra consta de 83 figuras, todas realizadas en papel maché, donde se presentan esculturas de mujeres maravillosas, cuadros en distintos formatos, pequeñas esculturas decorativas, móviles y collares.
Exposición
Para Lotty Weinberg trabajar el papel, además de permitirle la creación artística, ha sido la mejor oportunidad para desarrollar su lenguaje, le ha permitido interpretar a su antojo la historia de grandes mujeres, la temática tanguera argentina y la cotidianidad de la ciudad de Cali.
Arterería Pájaro Azul Galería - Café Teléfono +57 317 437 12 04 felipepayan1101@hotmail.com Avenida 4A Oeste No. 1-73 Cali, Colombia Primera Plana
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Un Museo
MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE CONTEMPORANEO Santa Marta, Colombia El Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo abre sus puertas el 24 de julio de 1986 al interior de la Hacienda San Pedro Alejandrino, en Sana Marta, Colombia, nacido de la iniciativa del artista colombo peruano Armando Villegas con el beneplácito de las autoridades regionales y el Presidente de la República de entonces Belisario Betancur, con la intención de hacer realidad a través del arte, el sueño de integración de los países bolivarianos (Bolivia, Colombia, Ecuador, Perú, Panamá y Venezuela) como tributo al Libertador de Naciones, Simón Bolívar. Con una muestra que supera las 200 obras, el Museo desde su fundación ha venido consolidando una colección de arte contemporáneo bastante heterogénea, que configura de manera parcial el mapa cultural de América Latina desde la primera mitad del siglo XX hasta nuestros días. La Colección Permanente reúne obras de artistas destacados de los países bolivarianos y otros países de América Latina con una importante muestra de pintura, escultura, grabado, dibujo, ensamblaje, acuarela, collage, instalación, fotografía y video-arte. De manera paralela a la colección permanente recreada en las salas Alejandro Obregón, Armando Villegas y Enrique Grau, el Museo Bolivariano ha reservado sus salas Hernando del Villar y la Galería Espacio Abierto para difundir la pro-
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ducción de los creadores actuales de la región, del país e Iberoamérica. En su calendario de eventos internacionales destaca la Trienal de Acuarela, evento que viene realizando el Museo Bolivariano desde hace algunos años y que ha contado con la participación de obras provenientes de todos los rincones del planeta. En años recientes, aprovechando la vocación ambiental y cultural de la Quinta de San Pedro Alejandrino y su Jardín Botánico, el Museo ha comenzado a impulsar la puesta en escena de proyectos In Situ de temática ambiental, dentro de su calendario de exposiciones. De la misma forma se viene propiciando el fortalecimiento de la cultura de la región, realizando eventos culturales como recitales de poesía, danza y presentaciones teatrales en el Teatro Joaquín de Mier y Benítez, ubicado también en predios de la Quinta. Siguiendo además la tarea pedagógica y de formación de públicos, el Museo cuenta con su Departamento de Educación, donde se diseñan y desarrollan actividades como visitas (guiadas y especializadas), talleres, seminarios y cursos, dirigidos a niños, jóvenes y al público en general. Fuente: www.museobolivariano.org.co Primera Plana
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Un Museo
Encontramos rastros de movimientos y tendencias, como el indigenismo, que acusan la emergencia de cierta identidad latinoamericana -proveniente del muralismo mexicano- hasta corrientes más influidas por las vanguardias internacionales; esta tensión caracteriza la modernidad inconclusa de América Latina.
LA COLECCIÓN
L a Colección Permanente del Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo es una muestra de carácter participativo y, de cierta manera, ecléctico. Generaciones sucesivas de artistas conviven en este espacio, en la contigüidad heterogénea de sus obras, con una amplia diversidad de opciones en oficio, técnica, alcance conceptual o de época. Encontramos rastros de movimientos y tendencias, como el indigenismo, que acusan la emergencia de cierta identidad latinoamericana -proveniente del muralismo mexicano- hasta corrientes más influidas por las vanguardias internacionales; esta tensión caracteriza la modernidad inconclusa de América Latina. La incorporación de la herencia prehispánica está presente en la obra de artistas como Eduardo Kingman (Ecuador, 1913 – 1998), Oswaldo Guayasamín (Ecuador, 1919-2000) y Luis Alberto Acuña (Colombia, 1904-1994),
que logra volverse lenguaje personal en Antonio Grass(Colombia, 1937) y Enrique Tábara (Ecuador, 1930). Mencionamos aquí la obra de marcado acento cubano deRené Portocarrero (Cuba, 1912-1985). De la tradición académica citamos la obra de Gonzalo Ariza (Colombia, 1912-1995) por el acertado manejo de la luz en sus paisajes, visión aprendida de maestros japoneses durante su estancia en el lejano oriente. Los desnudos deDarío Morales (1944-1988), Alfredo Guerrero (1936) y la figuración de Enrique Grau (1920-2004) dan presencia en la colección a estos tres importantes cartageneros. El destacado lienzo Don Simón en San Pedro Alejandrino es la pintura de Alejandro Obregón (1920-1992) que retrata a El Libertador en vísperas de su muerte. También Jorge Elías Triana (Colombia, 1921-1998),Gustavo Zalamea (Colombia, 1951), el argentino Ger-
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Un Museo
mán Tessarolo (Italia, 1945) y Antonio Frio (Colombia, 1950) citan la imagen de Bolívar. Desde orillas distintas a la figuración, los trabajos de la venezolana Luisa Richter (n.1928) o de la colombianaPatricia Tavera (n.1945) permiten que la materia supere el concepto, el color a la forma y la textura al signo. En esta línea, los colombianos Jorge Riveros (n. 1934) y Omar Rayo (n.1928) son ejemplo de abstracción geométrica. Otras expresiones cercanas a la abstracción son las del nota-
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ble maestro peruano Fernando De Szyszlo (n. 1925),Alberto Dávila (Perú, 1912-1988), o las de los panameñosAlfredo Sinclair (1915) y Olga Sinclair (n.1957) –padre e hija-. Acá destacan los reconocidos lenguajes de los colombianos Manuel Hernández (n.1928) y Carlos Rojas(1933-1997). Del cinetismo internacional tenemos dos exponentes venezolanos: Carlos Cruz Diéz (n.1923) yAlejandro Otero (1921-1990). El regreso fuerte de la figuración conjuga las obras del español Juan Antonio Roda
(1929-2005), el peruanoArmando Villegas (n.1928), el barranquillero Ángel Loochkartt (n.1933), los panameños Manuel Chong Neto (n.1927), Brooke Alfaro (n.1949), y Alicia Viteri(n.1946). Como una síntesis notable de hiperrealismo destaca la obra de Santiago Cárdenas (n.1937). Otros artistas figurativos de la colección son los colombianos,Pedro Alcántara (n. 1942), Augusto Rendón (n.1933) y el italiano Humberto Giangrandi (n.1943), quienes abordan lo social; de otro lado Maripaz
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Jaramillo (n.1948) y Regulo Pérez (n.1927) usan la deformación de la figura como elemento de expresión plástica. En el teatro al aire libre Joaquín de Mier y Benítez están las esculturas en hierro de Eduardo Ramírez Villamizar(1923-2004) Caracol Caribe y Manto Emplumado; además el Museo tiene su Donación Póstuma: cinco esculturas de pequeño formato. De Edgar Negret (n.1920)Machu Picchu es una escultura importante en nuestra colección. En los jardines están la escultura ceremonial en hierro oxidado Panel Solar de Lydia Azout (Bogotá, 1942) yPesca Milagrosa del joven artista samario Carlos Chacín (n. 1974). Cóndor, la obra de Marina Núñez del Prado(Bolivia, 1910 – 1995), Homenaje a los Caídos de Elma Pignalosa (Colombia ) y Ave de Alicia Tafúr (Colombia, 1934), son esculturas zoomorfas estilizadas. Unión es la escultura en piedra del peruano Benito Rosas (n.1952); Sin Título es la obra en hierro de John Castles, entre otros. Por motivos de conservación es exhibida eventualmente la obra gráfica de la colección, como los dibujos Homenaje a una pared colonial de David Manzur (n.1929), Desnudo de Alfredo Guerrero y Dos proyectos para un mural de Álvaro Barrios (n.1945). En acuarelas hay trabajos del cubano Roberto Fabelo (n.1950), del maestro mexicano Alfredo Guati Rojo (1918-2003) y de los colombianos Luis Paz(n.1937), Zarita Abelló, César Bertel y Roberto Angulo. Fuente: www.museobolivariano.org.co Primera Plana
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La historia en Blanco y Negro
PLAZA DE BOLIVAR Bogotá D.C. Colombia
Plaza de Bolivar en los años 50´s y actualmente
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VISITA DINAMIZADA “EL PRADO EN TUS MANOS” PARA DISCAPACITADOS
Dentro del programa “El Prado para todos” una de las visitas dinamizadas es “El Prado en tus manos” destinada a grupos de personas con daño cerebral adquirido o esclerosis múltiple. Con esta propuesta se pretenden acercar parte de la colección del museo a los colectivos de personas con daño cerebral adquirido y otros colectivos sociales. A través de esta experiencia se busca proporcionar, además de aprendizaje, bienestar personal. La actividad se desarrolla en dos sesiones durante la misma semana. En la primera se conceptualiza el hecho de que las manos son capaces de de-
sempeñar diferentes funciones y, en la segunda, se realiza un análisis visual de las obras de forma dialogada. Datos generales Haste el 30 de junio de 2019 Museo Nacional del Prado Paseo del Prado, s/n 28014 Madrid Madrid Teléfono +34 913302800 Correo electrónico museo.nacional@museodelprado.es Web http://www.museodelprado.es Fuente: España es cultura Primera Plana
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Teatro
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EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA
Gabriel García Marquez
Dirigida por Carlos Saura ‘’UNA HISTORIA DE AMOR Y ESPERANZA EN UN MUNDO MISERABLE» El viejo coronel y su mujer viven en la miseria, esperando la carta del gobierno en la que le comuniquen la concesión de la pensión prometida por sus servicios durante la guerra. Pero esa carta nunca llega y mientras tanto la vieja pareja malvive en la pobreza alimentando a un gallo de pelea, que es su única esperanza de supervivencia. A medida que avanza el tiempo y la carta sigue sin llegar, deberán enfrentarse a un dilema: alimentar al gallo o alimentarse ellos. La codicia del pueblo, la usura de los supuestos amigos, la fatalidad y estupidez de la guerra, se mezclan con la soledad del viejo coronel vencido por la vida pero al que aún le quedan dos tesoros: el amor de su mujer y la dignidad. La tragedia del viejo coronel es el reflejo de la injusticia en el mundo. Su capacidad de resistencia ante las adversidades que le presenta el destino es infinita, guiado por una rebeldía tan sólida como su esperanza y su fe en el ser humano. Primera Plana
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Teatro ficha artística y técnica
Dirección: CARLOS SAURA Basado en la novela de: GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ Adaptación: NATALIO GRUESO ELENCO ARTÍSTICO Coronel: IMANOL ARIAS Mujer del coronel: CRISTINA DE INZA Sabas y abogado: JORGE BASANTA Médico: FRAN CALVO Mujer de Sabas, dependienta de correos, cantinera: MARTA MOLINA EQUIPO ARTÍSTICO Ayudante de dirección: GABRIEL GARBISU Diseño de escenografía: CARLOS SAURA Diseño de iluminación: PACO BELDA Vestuario: CARLOS SAURA Ayudante de Vestuario: MARTA SUAREZ Realización de vestuario: CORNEJO Jefe técnico : MARIO MARTINEZ Diseño de sonido: ENRIQUE MINGO Digitalizador : Guillermo Alvite Fotógrafo: SERGIO PARRA Maquillaje y Peluquería: CHEMA NOCI PRODUCTORA EJECUTIVA : Maria Jose Miñano Ayudantes de producción : Triana Cortés y Raul Luna. PRODUCIDO POR JOSÉ VELASCO
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TEATRO INFANTA ISABEL Calle Barquillo 24, Madrid, España - Fecha: 15 May. 2019 - 30 Jun. 2019 Martes, Miércoles, jueves, viernes y sábados a las 19:00 Domingos a las 18:00 Primera Plana
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Música
JUAN JOSÉ CÓRDOBA Primer colombiano en sellar una canción en Gemstone Records
Juan José Córdoba, más conocido como REK, es el primer colombiano en sellar una canción en Gemstone Records disquera del reconocido Dj Hardwell. Su nuevo tema "The Weekend" con la voz de Viex, es una canción que combina el pop electrónico con ritmos urbanos y una fuerte influencia de sus raíces latinoamericanas, es melódica, fresca, y perfecta para reventar las pistas de baile en cualquier discoteca. REK es conocido por su versatilidad en producciones de múltiples géneros que van desde Big Room hasta Future Bass, y ahora el DJ/ Productor colombiano nos sorprende una vez más con ésta increíble canción, que ya está disponible en todas las plataformas de distribución digital en todos los países del mundo. Nacido en Santiago de Cali, Colombia, REK ya ha estado haciendo grandes movimientos en la industria Dance. Recientemente fue el ganador de los premios CDA (Colombia Dance Awards) en la categoría “Mejor DJ/Productor Revelación 2018”, y también fue mencionado por la revista DJ Mag Latin America por su canción anterior "Kingston" junto a Sunministers. REK ha tenido lanzamientos anteriores en sellos como Sirup Red Lizard Records, y ha sido también el único colombiano que ha hecho un remix oficial para el gran Avicii. Ha compartido tarima con Djs de gran renombre, como Tiesto, David Guetta, Nervo, Sunnery James & Ryan Marciano, Dimitri Vegas & Like Mike, Oliver Heldens, Quintino, entre otros, y se proyecta como una de las revelaciones en la música Pop y Dance que seguro dará mucho de qué hablar en éste 2019.
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Música
Por Martin Meneses Revista Conexiones Internacional ( Miami ) Publicamos esta entrevista que le fue hecha a REK por Martín Meneses en la revista Conexión Internacional de Miami, EE.UU. Has crecido musicalmente en relativamente poco tiempo, como te sientes como artista: Me siento muy bién, mi música ha tenido una calurosa acogida nacional e internacionalmente, poco a poco la gente está conociendo a REK y eso me llena de alegría. Tus primeros pasos fueron en el dubstep cuéntanos como ha sido tus inicios y la evolución musical hasta hoy. Mis comienzos en la música son desde mucho antes, empecé tocando la guitarra clásica y componiendo nuevas canciones instrumentales con ella, a raíz de eso conocí los programas que actualmente uso para producir, me encanta fusionar estilos, creo que la única regla de la música es que no tiene reglas, puedes hacer lo que quieras con tal de mandar un mensaje a tu público. De donde sale la inspiración musical La inspiración llega en cualquier momento, generalmente cuando no la estas buscando, mi canción “YOU” se me ocurrió mientras caminaba en un centro comercial, saqué mi celular y grabé una nota de voz tarareando la melodía, pienso que lo difícil es volver esa inspiración realidad, muchas veces termina saliendo algo mucho mejor de lo que tenías en tu cabeza todo depende de tus capacidades y el amor que le pongas.
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Música Has estado en casi todos los stage de los festivales franquicias mundiales, que han visitado Colombia, Como es esa experiencia con tu público y la trasformación de tu madurez como persona. Así es, he tenido el honor de compartir escenario con grandes figuras de la música electrónica como Steve Aoki, Dimitri Vegas & Like Mike, David Guetta, Kryder, Tiesto, Nervo, Quintino y más, han sido experiencias realmente increíbles, y me han dado la oportunidad de mostrar mi música a una gran cantidad de personas amates de la música dance. De donde sale el Nombre REK Es una história graciosa, yo tenía una novia en ese entonces y ella me ayudó a decidir que mi nombre artístico sería REK5 pero con el tiempo todos me empezaron a decir REK y decidí cambiarlo para que se quedara así ( grabar: Rec). Has compartido stage con muchos Dj internacionales cuéntanos alguna anécdota o algo curiosos con ellos o durante los shows. En Alicante España Cuando hice el warm up para Steve Aoki recuerdo que comí un poco de un pastel que luego él le tiraría al público como de costumbre en sus
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Música
shows y de hecho es muy rico, quien lo diría! Cuantos track tienes publicados y cuáles son los label y los collab
Actualmente tengo 5 sencillos disponibles en todas las tiendas digitales, he tenido el gusto de ser publicado por sellos como Sirup de suiza, Castro Music de España y próximamente saldrá algo en Gemstone el nuevo sello de Hardwell. también tengo varios remix en mi cuenta de SoundCloud que pueden ir a escuchar y descargar Finalmente háblanos del futuro de REK, donde te ves? Esto apenas es el comienzo, se viene mucha música nueva como dije anteriormente, con grandes artistas nacionales e internacionales, con un estilo muy fresco que ya pronto podrán escuchar Nómbrame 5 djs colombianos que están haciendo la diferencia, según tu criterio musical
Colegas a quienes admiro mucho Moska, David Nova, Ortzy, Cato Anaya y Sunministers.
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Puedes seguir a REK en sus redes sociales: Instagram: @REKmusic_ Twitter: @REKmusic_ Facebook: @REKhouse Soundcloud: @REKhouse Primera Plana
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ROCK AL PARQUE 25 AÑOS PRESENTA SUS PRIMEROS 30 INVITADOS
Autor: eliana.osorio Fuente: rockalparque.gov.co Idartes da a conocer los primeros 30 invitados para la celebración de los 25 años del Festival Rock al Parque, que se realizará el 29 y 30 de junio y 1 de julio en el Parque Metropolitano Simón Bolívar, con entrada libre. Ante el reto de construir y ofrecer una edición emblemática, "con estos invitados el festival quiere exaltar y celebrar su ADN latinoamericano y su carácter incluyente, dos valores que lo han acompañado desde su primera edición y que lo llevaron a convertirse en un referente por su construcción artística, cultural y musical desde la diferencia", dice Chucky García, programador artístico y curador del Festival. La lista la encabeza el guitarrista y cantante colombiano Juanes, uno de los principales embajadores mundiales del rock latino, aclamado por el diario The New York Times como “un poeta lleno de soul con guitarra eléctrica”; l Fito Páez, figura indiscutible del rock argentino y
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latinoamericano y quien regresa a Rock al Parque para presentar sus éxitos y su más reciente álbum, La ciudad liberada; Gustavo Santaolalla, uno de los músicos y productores argentinos más importantes en todo el mundo, ganador de dos Premios Oscar, 18 Premios Grammy, 2 Premios Bafta y un Golden Globe. Desde Argentina llega Pedro Aznar, uno de los fundadores del historico grupo argentino Serú Girán, compositor de la música de diez películas, autor de 18 discos como solista y quien debuta en el festival a sus 40 años de trayectoria; Shoot The Radio, el nuevo grupo del legendario músico de Soda Stereo, Zeta Bosio, un proyecto de paisajes sinfónicos, rock progresivo y electrónica que ha compartido cartel con The Chemical Brothers, Justice y LCD Soundsystem; Babasónicos, íconos del rock alternativo argentino que regresa a Rock al Parque y que traerá en su equipaje, no solo sus más grandes hits, sino las canciones de su nuevo álbum, Discutible. Primera Plana
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Además, llega El Tri, la banda de rock and roll más mítica y legendaria de todo México, una agrupación sin igual liderada por Álex Lora y que viene a celebrar sus 50 años de carrera; El Gran Silencio, que desde México también regresa al festival con todo el poder de su ‘chúntaro style’, viene de romper el escenario principal del Vive Latino 20 años y para los 25 años de Rock al Parque no promete menos. Los Amigos Invisibles, emblema de la música y el rock venezolanos que no podía faltar en esta celebración, hacen parte de la historia del festival y a lo largo de más de 20 años de carrera han lanzado nueve discos y visitado más de 60 países. Zona Ganjah, desde Argentina, banda que debuta en Rock al Parque luego de 15 años de trayectoria y de convertirse en una de las agrupaciones de reggae con más convocatoria en todo el continente; y La Vela
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Puerca, agrupación de rock uruguayo con 20 años de trayectoria y numerosos shows en su país, Argentina y México. Junto a esta nómina del rock latinoamericano que Rock al Parque ha preparado para la fiesta de sus 25 años, este primer anuncio de invitados incluye a varios de los pesos pesados del rock duro, que harán las delicias del público amante del metal que acompaña al festival desde su origen. El primero de ellos es Deicide, icónica banda norteamericana de death metal que viene a celebrar sus 30 años de carrera, tiempo en el que ha lanzado 12 álbumes de estudio, dos de los cuales están entre los tres más vendidos en su género; Sodom, desde Alemania, la famosa y clásica banda de thrash metal que trae al festival su show demoledor y contundente. Y desde Finlandia, llega a Rock al Parque una
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figura femenina cuyo aporte vocal y musical ha sido decisivo para el rock de su país y del mundo: Tarja Turunen, quien fue vocalista de la banda de metal sinfónico Nightwish. Figuran en la lista, además, Angra de Brasil, en carrera desde los años 90 y con más de 30 álbumes en su historia, ¡los fans del power metal se lo merecen! y además vendrá con la leyenda del canto power/heavy, el italiano Fabio Lione; Toxic Holocaust pisará por primera vez suelo colombiano y una de las bandas favoritas, no solo de los amantes del thrash sino también del punk, con 20 años de carrera Dying Fetus, también de Estados Unidos, banda extrema por excelencia y cuyo show no tiene pérdida ni misericordia con el oído. Directamente desde Suecia, llega otra de las bandas más longevas e influyentes en toda la historia del metal, Grave, aclamada por la
crítica y el público desde los años 90 con su famoso álbum Into The Grave; y Capilla Ardiente, agrupación de doom metal que sin duda es de lo mejor que tiene este género en tierras suramericanas, con un sonido épico y potente. Por cuarto año consecutivo, Rock al Parque dedicará especialmente uno de sus escenarios al talento femenino y nuestras siguientes invitadas serán algunas de sus grandes protagonistas. Directamente desde Puerto Rico, la escritora, compositora y cantante dominicana Rita Indiana, por primera vez en vivo en Colombia y en Rock al Parque con su nuevo grupo El Comité; directamente desde Japón, las fabulosas The 5.6.7.8’s, el famoso trío de Tokio de rock and roll, rockabilly y rock de garaje que cobró fama en todo el mundo gracias a su aparición en la película Kill Bill y el power trío Eruca Sativa de Córdoba, ArgenPrimera Plana
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tina, que regresa al festival con una carrera más consolidada y premiada, que incluye dos premios Carlos Gardel a Producción del Año y Mejor Disco de Rock. La participación femenina, en todo caso, no se limitará al escenario pensado para las mujeres, sino que se extenderá a otras tarimas del festival, con la participación de figuras como Christina Rosenvinge, una mujer que se ha convertido en un referente tanto en España como en Latinoamérica y quien comenzó su carrera en 1991 como Christina y Los Subterráneos. De España también participará La Fuga, por primera vez en Rock al Parque, una banda que ha construido una importante audiencia en Colombia, país por el que han girado en dos ocasiones y segundo territorio -después de España- que más consume su música; y Konsumo Respeto, que a sus 20 años exactos de existencia llegará por primera vez al festival y, al mismo tiempo, hará su show oficial de despedida pues sus músicos han decidido poner fin a su carrera. Hablando de punk, otro de los invitados es Acidez, desde Guadalajara, México, banda conformada en 2003, que ha recorrido el continente americano y que realizó 96 shows en distintos festivales del mundo en 2018, gracias a un estilo hardcore punk con elementos del
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thrash, del D-Beat y del rock and roll. También desde México llega a Rock al Parque Silverio, uno de los actos más provocadores y desmadrados en la música alternativa latinoamericana y directamente desde Francia llega a Kap Bambino, dúo de rock electrónico que combina sonidos del Eurodance y el hardcore y que viene a presentar su álbum 2019 Dust, Fierce, Forever. Desde el Reino Unido llega uno de los referentes obligatorios para los amantes del reggae, el bass, el dubwise y la cultura roots, Channel One Sound System con un show imperdible, porque están cumpliendo 40 años. Para cerrar este anuncio, Rock al Parque presenta el primer show para niños en toda su historia: desde Chile, 31 Minutos, fenómeno de la televisión infantil en todo el continente, famoso por su humor, sus canciones y protagonistas. Este espectáculo se llevará a cabo en el Teatro Municipal Jorge Eliécer Gaitán, la entrada será libre e incluirá los grandes éxitos del programa interpretados en vivo por 31 Minutos y todos sus personajes. Rock al Parque es un evento de la Alcaldía Mayor de Bogotá, a través del Idartes. Consulte la información completa de los artistas en la web oficial www.rockalparque.gov.co y en las redes oficiales en Facebook, Twitter e Instagram. Pronto más anuncios.
Agenda
EXPOSICIÓN: PIONERAS. MUJERES ARTISTAS DE LA VANGUARDIA RUSA
El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta este montaje especial con las obras de su colección firmadas por algunas de las artistas femeninas más importantes de la vanguardia rusa. La vanguardia rusa supuso un renacimiento cultural sin precedentes en Rusia a comienzos del siglo XX. Este movimiento, que combinaba las influencias de las corrientes artísticas extranjeras con aspectos genuinos de la cultura rusa, se caracterizó por contar con una participación femenina numerosa, muy relevante y activa, factor que lo diferenció del resto de movimientos de la época. Algunas de las artistas más destacadas de esta vanguardia rusa forman parte de este montaje expositivo, que reúne una selección de 12 de obras de Natalia Goncharova, Alexandra
Exter, Olga Rozanova, Nadeshda Udaltsova, Liubov Popova, Varvara Stepanova y Sonia Delaunay, además de textos, biografías y fotografías. Todas ellas se convirtieron en pioneras de la creación y difusión de los nuevos lenguajes artísticos, liderándolos en muchos sentidos y marcando un importante hito en la historia del arte. Datos generales Hasta el 16 de junio de 2019 Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Paseo del Prado 8 28014 Madrid Madrid Web http://www.museothyssen.org Fuente: España es cultura Primera Plana
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