Border Art Biennial-Bienal Fronteriza de Arte 2010 by Luis Carlos Salcido

Border Art Biennial Bienal Fronteriza de Arte 2010

Museum and Cultural Affairs Advisory Board Estrella Escobar William E. Moody Jane B. Thomas Jeannine Kennedy Marina Monsisvas Elia Perez Belinda Luna R. Katherine Brennand Francesca Alonso Ann F. Kruzich Ruben Ray Valencia Jane E. Ratcliff Anna Pilhoefer Carina Ramirez

CONACULTA Consuelo Sáizar Presidenta Instituto Nacional de Bellas Artes Teresa Vicencio Álvarez Directora general Sergio Ramírez Cárdenas Subdirector general de Bellas Artes Alejandra Peña Gutiérrez Subdirectora general de Patrimonio Artístico Inmueble José Luis Gutiérrez Ramírez Director de Difusión y Relaciones Públicas Museo de Arte de Ciudad Juárez

El Paso Museum of Art Staff Michael A. Tomor, Ph.D. – Director Nanette Giron- Senior Secretary Christian Gerstheimer- Curator Nick Muñoz- Preparator Sylvia G. Ortiz- Curatorial Secretary Michelle Villa- Registrar Jeffrey Romney- Head of Development Lilia Fiero- Event Coordinator Barbara Read- Museum Marketing Assistant Emma Garcia- Museum Development Assistant Tracey Fontenot- Head of Education Laura Zamarripa- Assistant Education Coordinator Claudia Davila- Museum School Coordinator Nora Wilson- Assistant to Education Department William Beck- Operations Assistant William H. Bolte- Service & Security Worker Mundo Bueno- Service & Security Worker Bernardino Contreras- Museum Operations Assistant Marco Forti- Service & Security Worker Jesus Garcia- Museum Operations Assistant Sara Garza- Service & Security Worker Esteban Lopez- Service & Security Worker Arthur Magallanez- Service & Security Worker Jesus “Jesse” Salgado- Museum Operations Supervisor Arturo Vargas- Museum Operations Assistant

Rosa Elva Vázquez Ruíz Directora José Ángel Reyes Aldana Administrador Lizbeth Ruíz Figueroa Coordinadora de Exposiciones y Eventos Especiales Ogla Liset Olivas Sánchez Coordinadora de Promoción y Difusión María del Refugio Juárez Murillo Secretaria José Luis Hernández Salazar Custodio Norma Villaescusa Mestas Recepción Benito Ernesto Aguilar López Custodio

Contents / Contenido Director’s statement / Declaración de los directores Juror’s statement / Declaración del Jurado Juror’s statement / Declaración del Jurado Curators’ statement / Declaración de los curadores

6 8 10 14

Itzel Aguilera Julie Anand and Damon Sauer Tania Anchondo Julia Barbosa Landois Jesús Barraza Camp Bosworth Maureen Burdock Alejandro Cartagena Gonzalez Camilo Cruz Victor De la Rosa Sergio De la Torre Leticia Díaz Justin Gainan Matt Gainer Joseph Gerges Ed Gomez Eréndira González Alexandra Grant Luis G. Hernandez Yvianna Hernandez Farrah Karapetian Anthony Lozorko Nery Gabriel Lemus

16 18 20 22 24 26 28 30 32 34 36 38 40 42 44 46 48 50 52 54 56 58 60

Paho Mann 62 Mayra Martell 64 Shane Mecklenburger 66 Hector Dionicio Mendoza 68 Dominic Miller 70 Jeffrey Miranda 72 Noe Montes 74 Oscar Moya 76 Michelle Murillo 78 Brenda Perry 80 Greg Phillipy 82 Kerianne Quick 84 Tim Roberts 86 Humberto Saenz 88 Rocio Sáenz 90 Marina Salinas 92 Shawn R. Skabelund 94 David Taylor 96 Rogelio Valenzuela 98 Cathy Wysocki 100

Artist’s nationality / Nacionalidad de los artistas 103

This book has been published in conjunction with the exhibition Border Art Biennial 2010/ Bienal Fronteriza de Arte 2010 El Paso Museum of Art and Museo de Arte de Ciudad Juárez November 20th , 2010 – February 13th , 2011 Design: Luis Carlos Salcido Printed and bound by Guynes Printing, El Paso, TX Translated by: Ana Trachter

Copyright © 2010 by the El Paso Museum of Art, El Paso, Texas and the artists. All right reserved. No part of this publication may be reproduced without written permission of the publisher, the authors or the artists. This exhibition and the accompanying book have been generously sponsored by CONACULTA, United States Consulate in Juárez, MX, The Texas Commission on the Arts, The City of El Paso, The El Paso Museum of Art Foundation, and the Mexican Consulate in El Paso The El Paso Museum of Art One Arts Festival Plaza El Paso, TX 79901 (915)532-1707 www.elpasoartmuseum.org Museo de Arte de Ciudad Juárez Av. Lincoln y Coyoacán s/n Zona Pronaf, CP 32310 Juárez, Chihuahua, México Tels. (656) 613 17 08, 616 74 13 http://www.museodeartejuarez. bellasartes.gob.mx

Director’s statement

wo years ago and with great excitement we opened an exhibition called Binational Art exhibition 2008, as the result of a desire that both museums: The El Paso Museum of Art and El Museo de Arte del INBA of Juarez did something together. The two museums devoted to promote contemporary art and sharing the same geographical region divided only by the borderline, both museums located at a very close distance one from the other but belonging to a very different cities and countries and to economical and social realities with radical differences. Besides this, the border is there, with a strong cultural presence in both sides. With a desire in mind to strike up dialogue through plastic arts, this Border Binational Biennial is created, recovering the spirit of the former binational 2008 exhibition and ready to let the artists of both sides of the border, to speak up, and express themselves with colors, shapes, volumes and even with sound and movement. In the other hand, we believe it’s important and by all means necessary that us, people living in both cities enter in contact with the artist view and find ourselves in the work of art. In the present collection we find a very serious concern for the border issues by most of the participants, most of the works invite us to think about what happens in the border

between México and The United States, these works try to unravel in some way the complexities of the world close to the delicate line that divide us. We’re very proud being able to deliver this cultural dialogue between artists of the Border States north and south to the public in both cities, even the present conditions are not as they should. Art is a human need and a cultural right of everyone and museums appear as those magic places where humans find ourselves with what we are by means to the artist vision. Is with this kind of spirit we deliver this Second Border Art Biennial. Finally, we love to warmly express our gratitude to the staff of both museums; El Museo de Arte del INBA and The El Paso Art Museum, and especially to the artists we are honored by their presence. Rosa Elva Vazquez - Museo de Arte del INBA Michael A. Tomor - El Paso Museum of Art

Declaración de los directores

ace dos años inauguramos con gran entusiasmo la exposición Binacional de Arte 2008, aquello era el resultado del deseo de que ambos museos: El Paso Museum of Art y el Museo de Arte del INBA de Ciudad Juárez, hiciéramos algo juntos. Dos museos dedicados a promover el arte contemporáneo y que comparten la misma región dividida solamente por la línea fronteriza, dos museos ubicados a poca distancia uno del otro, sin embargo pertenecientes a países y a ciudades tan distintas, a realidades económicas y sociales muy lejanas una de la otra. A pesar de esto, la frontera está ahí y tiene una presencia cultural de uno y otro lado. En un afán por entablar un diálogo mediante las artes plásticas, creamos ahora esta Bienal Fronteriza que recupera el espíritu de aquella muestra binacional 2008 y que intenta dar voz a los artistas de los estados de la frontera y los convoca a manifestarse y expresarse con colores, formas, volúmenes y hasta con sonido y movimiento. Por otra parte, pensamos que es importante y absolutamente necesario que los habitantes de ambas ciudades entremos en contacto con la mirada del artista y nos encontremos a nosotros mismos en la obra de arte. En la presente colección encontramos una seria preocupación por la problemática fronteriza por parte de la mayoría de los participantes; los trabajos que integran esta colección nos invitan a reflexionar acerca de lo que ocurre en la frontera entre México y los

Estados Unidos. Se trata de trabajos que buscan desentrañar de alguna manera las complejidades del mundo cercano a la débil línea que nos divide. Es por eso para nosotros un orgullo el poder entregar al público de las dos ciudades este diálogo cultural entre los artistas de los estados fronterizos del norte y del sur aún a pesar de que las condiciones actuales no son como debieran ser. El arte es una necesidad humana y un derecho cultural de todos y los museos son esos espacios mágicos en donde los seres humanos nos encontramos con lo que somos gracias a la visión del artista, con ese espíritu en mente, entregamos esta segunda Bienal Fronteriza de Arte. Finalmente, deseamos brindar un caluroso agradecimiento a los trabajadores de ambos museos; del Museo de Arte del INBA en Ciudad Juárez y de El Paso Art Museum, así como a todos los artistas que nos honran con la presencia de su obra. Rosa Elva Vázquez - Museo de Arte del INBA Michael A. Tomor - El Paso Museum of Art

Juror’s statement

he opportunity to see a large amount of work in a condensed time frame is a challenging process that fortunately in many instances yields revelations of all stripes (the unexpected, the totally unheard of but brilliant, and the eccentric…to name a few). Not only would the Border Biennial jury process be another chance to encounter hundreds of new artists, it also would give me the opportunity to work with Itala Schmeltz, one of a number of strong women director/curators dramatically transforming the cultural landscape in Mexico. My present relationship to the U.S./Mexico border is like for many who do not live in or around it, mostly defined by newspaper accounts, documentary films, and daily blog posts. What I would learn from viewing hundreds of applications to the Border Biennial is that “realism” and “realistic views” of the border resemble everything from traditional photojournalistic photography to surrealistic sci-fi infused paintings. This biennial would not define or describe one border aesthetic or approach but instead relate the cacophonic productions we found in the process. That realization should not have been a surprise, having lived in San Diego from 1994 through 2000, I absorbed the myriad histories of border art in my everyday life: a catalogue for an important exhibition at Centro Cultural de la Raza called La Frontera which was a living document of fifteen years of art and activism on the border; the manifestations of inSite, one

of which I participated in, all of which I witnessed firsthand; the influence of border theory in cultural studies, visual arts, literature and other disciplines which shaped my own approach to curatorial work; and finally the development of new generations of artists and designers in Tijuana and San Diego who have made tremendous steps in de-centering the art world in Mexico. Overall, it was a vital time that taught (and still teaches) us to think about “how the discursive spaces and the physical places of the U.S.-Mexico border inflect the material reality of cultural production?” (José David Saldivar, Border Matters: Remapping American Cultural Studies, Berkeley: UC Press, 1997, ix) That diversity of cultural production is evident in our selections for the Border Biennial, as Itala Schmeltz more thoroughly outlines in her essay. But to speak more generally here, I would project my hopes for this biennial and the future ones to come. This first Border Biennial has already accomplished the difficult task of bringing together two museums that are in geographic proximity yet separated by a highly militarized border. It is that kind of border dialogue that will be key to the professionalization of artists and by this, I do not mean merely by the connections to institutions. As happened in San Diego and Tijuana from the 1980s on, the more officially and nationally sponsored agendas often give way to creative acts and un-

Declaración del Jurado

a oportunidad de ver una gran cantidad de trabajo artístico en un corto tiempo representa un proceso desafiante que de manera afortunada revela todo tipo de facetas, (lo inesperado, lo nunca antes escuchado pero brillante, lo excéntrico, sólo por nombrar algunos), Como jurado de la Bienal Fronteriza no solo tendré la oportunidad de hallar cientos de nuevos artistas, sino que tendré la oportunidad de trabajar con Itala Scmeltz, una de muchas mujeres fuertes que como directoras y curadoras han transformado radicalmente el panorama cultural en México. Mi relación actual con la frontera entre México y los Estados Unidos es como la de muchos que no viven ahí o en la cercanía y está más bien definida por lo que los periódicos dicen, algunas películas documentales o bien lo que las personas colocan en algún blog. Lo que aprendo después de ver cientos de aplicaciones de la Bienal Fronteriza es que “realismo” y “visión realista” pueden ser cualquier cose, desde la fotografía periodística tradicional hasta pinturas surrealistas salpicadas de ciencia ficción. Esta Bienal no intenta definir o describir una estética fronteriza o un acercamiento a la misma sino que más bien relacionar las producciones cacofónicas que encontramos en el proceso. El entender esto no debería de haber sido sorpresivo, habiendo vivido en San Diego desde 1994 hasta el 2000, ahí pude absorber una multitud de historias del arte fronterizo en mi vida diaria: Un catálogo para una importante exhibición en el Centro Cultural de La Raza llamado “La Frontera” que permaneció como un documento vivo de arte y activismo en la frontera, las manifestaciones de InSite en donde participé en alguna y en donde fui testigo

de la influencia de la teoría fronteriza en los estudios culturales, en las artes visuales, en la literatura y en otras disciplinas que formaron mi propio acercamiento al trabajo curatorial y finalmente el desarrollo de nuevas generaciones de artistas y diseñadores en Tijuana y San Diego que han dado tremendos pasos en el proceso de des centralización del mundo artístico en México. Sobretodo fue una época vital que nos enseñó y todavía nos enseña a pensar en: “como los espacios discursivos y los lugares físicos de la frontera entre México y los Estados Unidos declinan la realidad material de la producción cultural” (José David Saldivar: Border Matters, Remapping American Cultural Studies, Berkeley U.C. Press, 1997 ix) Es evidente la diversidad de la producción cultural en nuestra selección para la Bienal Fronteriza tal y como Itala Schmeltz más rigurosamente lo delinea en su ensayo. Pero, para decirlo de manera más general aquí, yo proyectaría mis esperanzas para esta bienal y para las futuras. Esta primera Bienal Fronteriza ya ha logrado la difícil tarea de unir a dos museos que a pesar de la proximidad geográfica se hallan separados por una frontera altamente militarizada. Es esa clase de diálogo fronterizo lo que será la clave para la profesionalización de los artistas, y por esto no me refiero simplemente a las conexiones entre las instituciones. Tal y como sucedió en San Diego y en Tijuana a partir de la década de los ochentas, entre más oficiales y nacionalmente patrocinadas las agendas, a menudo se da lugar a actos creativos y espacios no autorizados de producción llevados a cabo bajo el radar y sin el apoyo oficial. Yo creo que este será el caso de cómo muchos artistas tanto en El Paso como en

authorized spaces of production carried out under the radar and without “official” endorsement. I hope this will be the case as many artists in both El Paso and Juarez get exposed to different conceptual and formal approaches and decide to “do-it-themselves” and create new collaborative forums. I thought about this notion of the simultaneity of “official” and “unofficial” cultural productions recently when I was in Marfa, Texas. This was my second trip, the first occurring in the early 2000s, and I wondered if there was much correspondence between this art destination and the cities of Juarez and El Paso. I saw an excellent exhibition at Ballroom Marfa entitled In Lieu of Unity/En Lugar de la Unidad, and honestly was not too surprised to find out that this was perhaps the first thematic show in Marfa to deal with border issues. The most forceful piece in the show for me was by Teresa Margolles, an artist originally from Culiacan who has spent most of her artistic career in Mexico City and recently represented Mexico the Venice Biennale (with much controversy ensuing). Irrigación (Irrigation, 2010) is a video documenting a “performance” along Highway 90, the road that runs between Marfa and Alpine. While the video at first glance resembles a banal street cleaning of the highway, what is actually occurring is the spraying of water that has been “contaminated” at various murder

scenes in Juarez. Margolles’ work always pivots on this turn between a benign presentation of inert objects or deadpan actions that suddenly take on new meanings with their indexical relations to violence and death. Seeing this work in Marfa, before the jurying process, I wondered how it would resonate in Juarez and El Paso. After the selection process, I now understand that countless artists are presenting highly personalized perspectives on the border. From the late 1980s through the 90s, scholars and artists and performers with a pedagogical streak grappled with border theory and influence of border consciousness on discussions of late capitalism and globalization. The cultural studies that defined the last two decades of a sector of academia has opened a dialogue to consider multiple manifestations of border culture, from narcocorridos to bootleg culture, from Torolab to street tacos. The Border Biennial follows on decades of dynamic changes in material culture and artistic production, inserting more new complicated narratives that describe the daily dreams and nightmares that comprise life on the U.S./Mexican border.

Juárez son expuestos a distintos acercamientos formales y conceptuales y deciden “hacerlo por ellos mismos” y crear así sus nuevos foros de colaboración. Pensé acerca de esta noción de la simultaneidad de las producciones culturales “oficiales” y lo “no oficiales” recientemente cuando me hallaba en Marfa, Texas. Era mi segundo viaje, el primero ocurrió a principios del 2000 y me preguntaba si existía algún tipo de correspondencia entre este destino artístico y las ciudades de Juárez y El Paso. Me tocó ver una excelente exhibición en el Ballroom de Marfa titulada In Lieu of Unity / En Lugar de la Unidad, y honestamente no me sorprendió encontrar que probablemente este era la primera exhibición temática en Marfa que se ocupaba de asuntos fronterizos. La pieza más poderosa de la exhibición, para mi fue auqlla de Teresa Margolles, una artista originaria de Culiacán que ha hecho la mayor parte de su carrera artística en la Ciudad de México y quien recientemente representó a México en la Bienal de Venecia (con la controversia consiguiente). Irrigación (irrigation 2010) es un video que documenta un “performance” a lo largo de la carretera 90, que une a Marfa con Alpine, mientras que en una primera mirada el video parece mostrar una limpieza banal de la carretera, lo que está ocurriendo en realidad es el rociado de agua que ha sido “contaminada” en varias escenas de asesinatos en Juárez. El trabajo de Margolles siempre nos hace girar sobre los talones para mostrarnos una presentación inocente de objetos inertes o de acciones deliberadamente inexpresivas que de pronto adquieren un nuevo significado cuando se les relacione con la violencia y la muerte.

Mirando este trabajo en Marfa, antes de la deliberación del jurado, me preguntaba como resonaría esto en Juárez y en El Paso. Una vez finalizado el proceso de selección, entiendo que un sinnúmero de artistas están presentando perspectivas altamente personalizadas de la frontera. Desde fines de los ochentas y a través de los noventas, académicos, artistas ye interpretes con una veta pedagógica, forcejean con la teoría fronteriza y la influencia de la conciencia fronteriza en discusiones acerca del capitalismo tardío y la globalización. Los estudios culturales que definen las dos últimas décadas de un sector de la academia se han abierto al dialogo considerando las múltiples manifestaciones de la cultura fronteriza, desde los narco corridos hasta la cultura pirata, desde Torolab hasta los tacos callejeros. A la Bienal Fronteriza le siguen décadas de cambios dinámicos en materia de cultura y producción artística, insertando nuevas y más complicadas narrativas que describen los sueños y las pesadillas diarias que componen la vida en la frontera Estados Unido /México.

Rita Gonzalez, Assistant Curator Contemporary Art, Los Angeles

Rita Gonzalez , Curadora Adjunta Arte Contemporáneo Museo de Arte del Condado de Los Angeles

Jurors’ statement

articipating as one of the jurors who selected the artists for the second Border Art Biennial was an extraordinary experience, not only for introducing me to the work of talented artists, but more importantly for bringing me closer to a very specific social and geographical reality. The territory near the Mexican and American border has generated a culture and aesthetics of its own that speaks of two very different cultures coming together. I was particularly interested in exploring beyond how contemporary language evolves and observing the folklore, since it reveals a completely original creation that far from aspiring to internationalism, displays an irreplaceable, specific potential. Syncretism, dreams, violence, identity, nationalism, nostalgia, brotherhood and racism, they all merge and are reflected in the juried works. In particular, the works with guns caught my attention. Firearms turned into icons representing everyday life: glorified, sculpturized, acquired and consumed in the border, just like in the Wild West. For Gregory Phillipy from Las Cruces, New Mexico, the gun is a source of visual art media inspiration. He creates two pieces that are very similar in construction to

popular handicrafts made for souvenirs: “Candy Colored Pistols” is a ceramic sculpture with bronze handguns painted in pastel tones and “La Biblia es verdad” (The Bible is truth) is sort of a wooden frame with carved bas-relief designs that depict Juarez, around an array of guns and submachine guns. Shane Mecklenburger, from Dallas, Texas, presents an interactive video entitled “Friendly Fire”. Like in a virtual game, a player shoots at a blank stage without people or gravity, the guns multiply with each shot fired creating a growing visual and sonic chaos, sort of a threedimensional kaleidoscope that multiplies and repeats ad infinitum the aestheticized shape of the revolver. Another one of the artists who uses weapons to create eccentric sculptures is Camp Bosworth, of Marfa Texas, like a golden 9mm handgun with a glass compartment converted into a tiny cabinet with a miniature bar inside. This work, entitled “Mi vida loca” (My Crazy Life), joins another one shaped like a spur, decorated with themes like drug trafficking, and the norteño music and dance, with a style of its own that Bosworth calls “narcotecture”. Most of the artists who participated in this exhibit live north of the border; it is unfortu-

Declaración del Jurado

er parte del jurado que determinó la selección de artistas que integran la muestra de la segunda Binacional fronteriza, fue una ocasión excepcional, no únicamente para conocer el trabajo de valiosos artistas sino especialmente para aproximarme a una realidad social y geográfica muy específica. El territorio en torno a la frontera entre México y los Estados Unidos ha generado una cultura y una estética propias, que hablan del encuentro de dos culturas muy diferentes. Me interesó en particular, ir un poco más allá del manejo de los lenguajes contemporáneos y observar el folklore, pues revela una creación del todo original que lejos de aspirar al internacionalismo reporta un potencial específico insustituible. Sincretismo, anhelos, violencia, identidad, nacionalismo, nostalgia, hermandad y racismo, se mezclan y expresan en las obras revisadas. Llamaron mi atención especialmente las piezas con pistolas. El arma de fuego convertida en un ícono representativo de la cotidianeidad: endiosada, escultorizada, asumida y consumida en la frontera, como en la época del viejo oeste. Para Gregory Phillipy de Las Cruces Nuevo México, la pistola es una inspiración plástica. Realiza dos piezas muy próximas a la

hechura de artesanía de pueblo que funcionan como un souvenir: Candy Colored Pistols es una escultura de cerámica con pistolas de bronce pintadas en tono pastel y La Biblia es verdad es una especie de marco de madera con motivos tallados en bajo relieve que caracterizan a Ciudad Juárez, en torno a un montaje de pistolas y metralletas. Por su parte, Shane Mecklenburger de Dallas Texas, hace un video interactivo titulado Frendly Fire. A modo de juego virtual, un jugador dispara ante un escenario vacío sin gente ni gravedad, a cada disparo las pistolas se multiplican creando un creciente caos visual y sonoro, una especie de caleidoscópico tridimensional que multiplica y repite ad infinitum la forma estetizada del revólver. Camp Bosworth de Marfa Texas, es otro de los artistas que toma las armas para realizar esculturas excéntricas como una pistola de 9 mm completamente dorada y con montajes de vidrio, convertida en una vitrina que exhibe un bar en miniatura. Esta pieza titulada Mi vida loca, se suma a otra con forma de espuela para picar a los caballos, ornamentada con motivos tales como el tráfico de drogas y la música y el baile norteños con un estilo muy propio que Bosworth denomina: Narcotecture.

nate that the artists from south of the border were very few. However, on the U.S. side, most of the population is Hispanic. This demographic looks at “Mexicanness” issues in a quest to find their own identity, looking at their ancestors or “their own blood”, basing this search on iconic models for tourists and pro-government models, like the typical Mexican calendar illustrations and genre painting used to promote Mexico abroad. Still, it is in the midst of this culture that we were able to select some proposals that have gone back to their rich heritage until something truly unique was created. As far as which medium or technique was used, there is plenty of diversity in this exhibit: drawing, painting, sculpture, video recordings, installation and documentaries comprise a broad spectrum of choices which surely, will make the public reflect upon the works, while they enjoy them at the same time. Tony Lazorko prints poetize the predominant landscape of the area: long stretches of highway without any curves going across huge distances in the desert with some motels and fast food diners along the way. Portraits of local people depicted in Oscar Moyas’ prints: the cholo, the peasants, their racially mixed origins. The culture of the immigrant, their trip back driving “chocolate” pick-up trucks with American plates (vehicles taken into Mexico illegally),

full of consumer goods – glass mirrors – to give to their families, the ones who remain on this side. From all this, a very unique socio-economic structure can be identified. The borderland Tarot game of artist Yvianna Hernández substitutes the usual characters in this popular card game for the participants of the everyday border drama: migrants, polleros (migrant smuggler), drug traffickers, etc. Karianne Quick’s proposal showcases leather handbags engraved with border life themes: maquiladora workers and the feminicides, as well as portraits of the best known drug traffickers, creating her own version of borderland souvenirs – graphic manifestations attempting to culturally assimilate a very specific reality. Maureen Burdock created a comic series entitled “Marta & the Missing”, about a woman with superpowers: Marta is guided by the spirits of the women murdered in Juárez, she fights rapists with her karate moves. In turn, Mayra Martell from Chihuahua, has created a record with photographs and videos taken in memory of the women who disappeared in Juárez with the memories kept in their rooms. The artist has gone to the homes of the missing women and probed their painful absence in the bedspreads of their bedrooms. Evidence of the unfathomable vacuum left in a home when a family member is missing.

La gran mayoría de los artistas participantes vienen del lado norte de la frontera, es lamentable la escasa participación del lado sur. Sin embargo, la población fronteriza del lado de EU es en su mayoría latina y trata temas de la mexicaneidad en una búsqueda de su identidad en sus antepasados o en su sangre, basándose en modelos icónicos turísticos y oficialistas, como los cromos de calendario y las pinturas costumbristas, con las que se ha promovido a la patria en el extranjero. Es sin embargo dentro de esta tradición en donde pudimos seleccionar algunas propuestas que han remontado su rica herencia hasta generar algo novedoso. En cuanto a formatos y técnicas, en esta muestra gana la diversidad: dibujo, pintura, escultura, video, gráfica, instalación y documentales conforman una rica oferta que sin duda pondrá a reflexionar, al tiempo que deleitará al público. Los grabados de Tony Lazorko, quien poetiza el paisaje dominante de la zona: las enormes distancias desérticas atravesadas por los Hi Ways sin curvas, de vez en cuando franqueados por moteles y Diners de Fast food. El retrato de la gente del lugar: El Cholo, los paisanos, su cultura mestiza, representados en los grabados de Oscar Moya. La cultura de los migrantes, su viaje de regreso en las “camionetas chocolate” con placas gringas, llenas

de productos de consumo –espejos de vidrio– para ofrendar a sus familiares: los que se quedan de este lado. Dan pie para identificar un escenario socio económico muy singular. El Tarot fronterizo de Yvianna Hernández, en donde sustituye a los personajes del típico juego de mesa, por los actores del drama cotidiano que se vive en la frontera: migrantes, polleros, narcotraficantes, etc. La propuesta de Karianne Quick, quien produce un puesto de bolsas de cuero grabada con motivos de la vida de la frontera: las trabajadoras de la maquiladoras y los feminicidios, así como retratos de los narcotraficantes mas famosos, haciendo su propia versión de los souvenirs de la frontera; son esfuerzos gráficos por asimilar culturalmente una realidad muy específica. Maureen Burdock, realiza una serie gráfica tipo cómic titulada Marta & the Missing, acerca de una mujer superheroína: Marta, que es guiada por los espíritus de las mujeres asesinadas en Ciudad Juárez y que se pone en acción combatiendo a los violadores con movimientos de karateca. Por su parte Mayra Martell de Chihuahua, ha documentado foto y videográficamente la memoria de las mujeres desaparecidas en Ciudad Juárez, a través de las memorias guardadas en sus habitaciones. La artista ha visitado las casas de las

Juror’s statement (cont) Another piece evidence of the violence sweeping Juárez nowadays is Brenda Perry’s work. Her installation of overlapping panels with photographic prints inside transparent covers with images of the people of Ciudad Juárez seen from El Paso, mixed with others of events that show violence and murders. There is some sort of subliminal or ghostly presence over that city that permeates how people feel. Julie Anand photographs the border fence from both sides, while Luís Hernández, using a conceptual approach, writes on a wall of each one of the exhibit venues: “El otro lado” (The Other Side), a reference to the duality of this exhibit taking place in both Juárez and El Paso. Also following the same subject of a wall that separates two countries we have very interesting drawing done by Nery Gabriel Lemus taken by Gabriel Lemus Nery, using a dual composition of images he highlights the contrast between the unstable and dangerous conditions in which immigrants have to cross the border, with the migration of birds that fly over the fences with the enviable freedom that their wings provide. Among my favorite proposals were the photographs gathered by Matt Gainer: “On the th 13 of each month, María Paula Acuña drives her car in the Mohave and she sees and speaks

to the Virgen Mary. “A dream-like visual language has evolved in her followers, using a Polaroid to document the divine presence” –explains the artist—who devoted three years to complete this work, writing a book. The kitschy devotion for these apparitions in the desert updates the undocumented immigrant’s Christian myth of the Stations of the Cross. Jefrey Miranda’s ink drawings, “American Dilusion” speak of the American issue. In the artist’s own words, her photographic compositions show “the American military power at the expense of the poor”. With regard to drug use, she tells us “border cities like Juarez suffer at the hands of a destructive machine driven by the American drug use”. This counterculture awareness has always encouraged a critical view of the issues from within this powerful northern country. Along those lines, it’s important to mention Joseph Gerges paintings about youth violence; teenage gangs of mostly Hispanics and blacks, dead on the streets. Or the paintings of Kathy Wysocki, who creates images of chaos and degeneration as dystopian portraits of the present. Both works reveal a restrained fury and impotence in the face of the current reality.

Declaración de los Jurados (cont) desaparecidas y ha hurgado la dolorosa ausencia en las colchas de sus camas. Retratos del vacío insondable que deja un familiar perdido en el ceno de un hogar. Otro retrato de la violencia que en el presente vive Ciudad Juárez, es el que realiza Brenda Perry en su instalación de paneles sobrepuestos de fotografías impresas en micas trasparentes, con imágenes de la gente de Ciudad Juárez vistas desde El Paso, intercaladas con otras de hechos ocurridos de violencia y asesinatos. Una especie de presencia subliminal o fantasmal, que se sobrepone al sentir sobre esa ciudad. Julie Anand fotografía la barda fronteriza de ambos lados. Mientras que con un gesto más conceptual, Luís Hernández escribe sobre un muro de cada una de las cedes de la exposición: El otro lado buena referencia a la dualidad de esta muestra, que se realiza paralelamente en Ciudad Juárez y El Paso. También con el tema de la barda que separa a los dos países, los dibujos de por Nery Gabriel Lemus son interesantes, mediante la composición dual de imágenes, relaciona la situación precaria y de riesgo en la que cruzan los emigrantes, con la migración de las aves que sobrevuelan las bardas con la envidiable libertad que les prestan sus alas.

Entre las propuestas que más me gustaron, están las fotografías que recopila Matt Gainer: El 13 de cada mes, María Paula Acuña maneja su automóvil en el Mohave y ve y habla con la virgen María. Un lenguaje visual de ensueño ha evolucionado de sus seguidores usando polaroid para documentar la divina presencia --explica el artista--, quien se tomó tres años en concluir este trabajo realizando un libro. La devoción kitsch por estas apariciones en el desierto, actualiza el mito cristiano en el vía crucis del indocumentado. Los dibujos de Jefrey Miranda, American Dilusion, realizados con tinta, hablan de la condición Norteamericana. En las palabras de la propia artista, sus composiciones gráficas muestran El poder militar de EU a costa de los pobres, o con respecto al consumo de drogas, nos dice ciudades fronterizas como CD Juárez sufren en manos de una maquinaria destructiva, manejada por el consumo norteamericano de drogas Esta conciencia contracultural siempre ha promovido una visión crítica desde dentro, en el poderoso país del norte. También en este tono es interesante traer a cuento las pinturas de Joseph Gerges acerca de la violencia juvenil, bandas de delincuentes adolescentes, principalmente latinos y negros, muertos en las calles. O las pinturas de Kathy Wysocki, quien crea imágenes de

A very interesting video by Sergio de la Torre documents when a group of undocumented Chinese young men lock themselves in a warehouse and hide, creating a barricade with cardboard boxes. This work demonstrates that in the United States, all of us are not citizens with freedom to move about. The participation of artists who take into account Indian minorities is also very valuable. These descendants of the oldest inhabitants of this land were exiled to live in reservations created by the government. Dominic Miller made a very interesting documentary about uranium mines, exploited to build nuclear weapons and, as it has been proven, uranium causes cancer. Because the Navajo Indian reservation is close to the mines, many Indians who work in the mines and live near them have gotten ill. In another one of his works entitled South Base (Landscape Assembly), Miller conducts an audio exploration with an Apache Indian community radio station that broadcasts all over their territory. Miller builds an instrument to capture sound waves that travel through the desert. This way, he captures unusual and ghostly sounds that mix human voices and sounds with the roar of the wind crossing those desolate lands.

These are the thoughts provoked by some of the works in this exhibit. At this point, I want to express my gratitude for the opportunity to work with Rita González, curator of the LACMA in Los Angeles, whose knowledge of border artists, without a doubt, was essential in order to select the right proposals. I would like to congratulate the directors of the organizing museums: Michael Tomor, El Paso Museum of Art Director, and Rosa Elba Vázquez, Director of the Museo de Arte de Tijuana, for this invaluable effort, which must go on as an important alternative so this part of the planet, so marred by violence, finds a creative outlet to overcome adversity.

caos y degeneración, como retratos distópicos del presente. Ambas obras revelan una furia contenida, e impotencia ante el presente. En un interesante video de Sergio de la Torre, se registra el tiempo real en el cual un grupo de jóvenes chinos ilegales se encierran en un almacén y se ocultan, creando con cajas de cartón una barricada. Este trabajo deja ver que en los Estados Unidos no todos somos ciudadanos con libre circulación. También es muy valiosa la participación de artitas que dan cuenta de las minorías indígenas; herederas de los habitantes más antiguos del territorio, que fueron confinados a las reservas que les dispuso el Estado. Dominic Miller realiza un interesante trabajo documental sobre las Minas de uranio, explotadas para construir armamento nuclear, y que se ha comprobado, produce cáncer. Por la cercanía de su reserva a la mina muchos indios navajos que trabajan ahí y viven en sus proximidades, han enfermado. En otro de sus trabajos titulado South Base (Landscape Assembly), Miller realiza una exploración sonora con una estación de radio comunitaria de los Indios Apache, que se transmite a lo largo y ancho de sus territorios. Miller construye un instrumento para cap-

tar las ondas sonoras que viajan a través del desierto. Capta así unos sonidos insólitos y fantasmales que mezclan azarosamente voces y tonos humanos con el rugido del viento atravesando esas soledades. Estas son las reflexiones que me han producido algunos de los trabajos incluidos en la presente muestra. Únicamente me falta agradecer la oportunidad de trabajar en conjunto con Rita González, curadora del LACMA de Los Ángeles, cuyo conocimiento de los artistas de la frontera fue sin duda central para hacer una acertada selección de propuestas; y especialmente felicitar a los directores de las cedes organizadoras: Michael Tomor director de El Paso Museum of Art y Rosa Elba Vázquez directora del Museo de Arte de Tijuana, por este valioso esfuerzo. Iniciativa que debe continuar como una opción importante para que una zona del planeta tan mermada por la violencia encuentre un reflejo creativo para superar la adversidad.

Itala Schmelz Director Museo de Arte Carrillo Gil Mexico City

Itala Schmelz Directora Museo de Arte Carrillo Gil Ciudad de México

Curator’s statement

he objectives of the Border Art Biennial 2010 are similar to the those of the numerous, biennial exhibitions that proliferate internationally, however the Border Art Biennial 2010 modestly focuses on the ten states in Mexico and the United States that contact the border. The larger art community should know about and recognize these artists. Because the Border Art Biennial 2010 is a juried exhibition it differs from a curated exhibition in that the conventional responsibility of the curator, researching and using critical criteria to initiate the selection of works of art, is not necessary. The importance of the curator for a juried exhibition lies in selecting the jurors, defining the parameters of the exhibition; what media and subject matter are included, and working with the jurors to ensure a strong presentation of the art of our region. The process of selecting qualified and willing jurors required research and ultimately

was based on a desire to collaborate on a binational level. We were fortunate to find two jurors, with a successful history of collaboration who were thrilled at the opportunity of jurying this exhibition. Working with Itala Schmelz, Director, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City, and Rita Gonzalez, Assistant Curator, Contemporary Art, Los Angeles County Museum of Art has been a fascinating, complex process. We are privileged to have these jurors, knowledgeable of contemporary art, who again set the bar for our exhibition. We are also grateful that they were willing to jury the work online through the website in which all artists entered the exhibition because using this system advances our institutions to a higher, technological level. Further, in the case of a juried exhibition, where hundreds of entries are submitted, sometimes even high quality artworks must be omitted. To our benefit again, the jurors’

Declaración de los curadores

os objetivos de la Bienal Fronteriza de Arte 2010 son similares a aquellos de numerosas exhibiciones bienales que proliferan internacionalmente, no obstante, la Bienal Fronteriza de Arte 2010 de una manera modesta se enfoca en los diez estados de México y los Estados Unidos que comparten la frontera. La comunidad artística en toda su extensión, debe conocer y reconocer a estos artistas. La Bienal Fronteriza de Arte 2010 es una exhibición jurada, es decir que difiere de una exhibición curada en la cual hay una responsabilidad del curador que es quien investiga y usa su criterio críticamente para iniciar la selección de las obras de arte. La importancia del curador en una exhibición jurada descansa en elegir a un jurado selecto, en definir los parámetros de la exhibición; que materiales, medios y temas pueden estar incluidos, además de trabajar con los jurados para garantizar una presentación vigorosa del arte de nuestra región.

El proceso de seleccionar a jurados calificados y dispuestos, requiere un trabajo de investigación y finalmente está basado en el deseo de colaborar a nivel bi nacional. Por fortuna encontramos a dos jurados con una exitosa trayectoria de colaboración que se entusiasmaron inmediatamente ante la oportunidad de jurar esta exhibición. El trabajar con Itala Schmeltz, Directora del Museo de Arte Carrillo Gil de la Ciudad de México y con Rita González, curadora asistente del Museo de Arte del Condado de Los Angeles ha sido por demás un fascinante y complejo proceso, es un privilegio contar con jurados de tal estatura; conocedores del arte contemporáneo y quienes establecen el tono de nuestra exhibición. Adicionalmente, nos sentimos muy agradecidos que hayan accedido a juzgar los trabajos en línea a través del sitio web en donde todos los artístas colocaron sus trabajos para la exhibición, el uso de este sistema hace avnzar a nuestras instituciones hacia un nivel tecnológico más elevado.

selections were delightfully surprising and the process introduced us to many artists that we may not have learned about otherwise. For their diligent efforts and creative problem solving talent we are especially thankful. It is increasingly difficult for contemporary artists to show their work given the small number of exhibition spaces in most regions. The Border Art Biennial 2010, bringing together contemporary, Mexican and American emerging and established artists in one exhibition, gives artists an opportunity to exhibit their work in a museum on a binational level. In most cases, the artists shown are new to El Paso/Juarez so visitors to both museums will see artists working from fresh perspectives in variety of media; painting, sculpture, mixed media, ceramics, found object, video, works on paper, and installation. Our hope, “that the Art Binational 2008 could become a biennial occurrence that pushes

the limits of the exhibition, broadens the region included and continues to increase the cross border interaction among artists,” has, with this exhibition, been accomplished.

Más allá, en el caso de una exhibición jurada, fueron cientos de solicitudes las recibidas, en algunos casos hubo verdaderas obras artísticas de calidad que no pudieron ser incluidas. Para nuestro bien, la selección de los jurados fue deliciosamente sorpresiva y el proceso nos presentó a muchos artistas que quizás no hubiéramos conocido de otra forma. Por sus diligentes esfuerzos y su talento para resolver problemas nos sentimos agradecidos de manera muy especial. Cada vez es más difícil para los artistas contemporáneos mostrar su trabajo, esto, debido al número limitado de espacios en la mayoría de las regiones, es por eso que La Bienal Fronteriza de Arte 2010 brinda la oportunidad de juntar a artistas contemporáneos emergentes de México y los Estados Unidos con artistas ya establecidos en una sola exhibición, esto les ofrece a los artistas la posibilidad de exhibir su trabajo en un museo a nivel bi nacional. En la mayoría de los casos, los artistas resultan nuevos para el área Juárez /

El Paso de tal forma que los visitantes de ambos museos podrán ver artistas que trabajan desde nuevas y refrescantes perspectivas con materiales y medios de una gran variedad; pintura, escultura, mixtas, cerámica, video, trabajos en papel e instalación. Por lo anterior, nuestra esperanza de que “la Bienal de Arte 2008 se llegara a convertir en un suceso que empujara los límites de la exhibición ampliando las posibilidades y continuara incrementando la interacción fronteriza entre los artistas”, con la presente exhibición, ha sido cumplida.

Christian Gerstheimer, Curator - El Paso Museum of Art Katherine Smith, Assistant Curator - El Paso Museum of Art

Christian Gerstheimer, Curado r- El Paso Museum of Art Katherine Smith, Assistant Curadora Adjunta - El Paso Museum of Art

Ciudad Juárez, MX

Itzel Aguilera

Respondo eficientemente a lo que la realidad me exige? ¿Respondo con franqueza? ¿Hago lo justo, lo conveniente? Son tiempos confusos. Desde que hice estas fotografías no supe si actué impulsada por una revelación artística, robotizada por los juegos de colores o, peor aún, por no tener otra opción al permanecer encerrada en el carril sin retorno de un lavacarros automático. Confundida las tomé y confundida las elegí para esta bienal. No sé si son profundas expresiones de íntimas realidades o simples ejercicios decorativos. Tengo dieciocho años como fotodocumentalista y como tal he mostrado un claro énfasis en el contenido, cuidando siempre la respectiva forma. Estas piezografías no son muy de mi oficio. Dominan en su abstracción en forma y en color. Este tipo de imágenes las siento como “de moda”, como del “arte actual”, donde galeristas, coleccionistas y curadores dicen si valen y dirán si siguen valiendo. Llevo poco tiempo explorando esta vertiente fotográfica que de entrada me gusta y acepto con franqueza no ser muy consciente ni de sus trasfondos, ni de sus posibles consecuencias. Ojalá estas imágenes expresen mucho más.

o I react properly to what reality demands from me? Do I react with honesty? Do I do what’s right, what’s necessary? These are indeed confusing times. When I took

these photographs, I didn’t know if I was driven by some artistic revelation, robotized by the contrasting colors or worse yet, compelled by my lack of options while trapped in carwash tunnel. I was confused when I took these photos and also when I chose them for this biennial – I don’t know whether they are deep expressions of an intimate reality or purely ornamental pieces. I have been a photo-documentalist for eighteen years and as such, I’ve shown a marked preference for content, safeguarding its respective form all the while. This piezography work is not what I usually do; the abstraction of form and color prevails above all else. My feeling is that this type of images are sort of “fashionable”, they are part of the “current trends” and gallery owners, art collectors and museum curators say if they are valuable now and will say later if they continue to be. I’ve only explored briefly this new photographic medium, which I liked from the start, and I’m the first to acknowledge that I’m not very s illed yet in its undertones or possibilities. May these images evoke much more than that.

Itzel Aguilera – Cristal I, 2009 Pigmentos metálicos sobre papel de algodón / Metallic pigments on cotton paper. 11x14"

Itzel Aguilera – Cristal II, 2009 Pigmentos metálicos sobre papel de algodón / Metallic pigments on cotton paper. 11x14"

Phoenix, AZ

Julie Anand and Damon Sauer

irage [Sonora/Arizona] and Border Crossing explore a liminal space where an abstract line is given immense physical form with palpable consequences. Each of these pieces results from weaving together two shredded photographs from opposing vantage points along the international border. This, in effect, allows the viewer to stand on both sides of a wall at once, oriented both north and south simultaneously. The barrier becomes translucent. Boundaries such as the one we acknowledge between “you” and “I” are pragmatic conventions reinforced by language. In this perspective, we work toward a softening of borders and toward the possibility of seeing two things at once.

spejismo [Sonora/Arizona] y Cruce Fronterizo exploran el espacio limítrofe en donde a una línea abstracta le es dada una inmensa forma física con consecuencias palpables. Cada una de estas piezas es el resultado de tejer dos fotografías hechas tiras, desde puntos opuestos a lo largo de la frontera internacional. Esto, en efecto, permite al observador colocarse a ambos lados del muro al mismo

tiempo, orientado al norte y sur de manera simultánea; la barrera entonces se vuelve translúcida. Los límites como los que entendemos como “tú” y “yo” son sólo convencionalismos pragmáticos reforzados por el lenguaje. Dentro de esta perspectiva trabajamos para suavizar las fronteras para acceder a la posibilidad de ver las dos al mismo tiempo.

Julie Anand and Sauer – Border Crossing, 2008 Shredded hand woven photographs, acrylic, resin / Tiras de fotos entretejidas a mano, acrílico, resina. 38.5” x 46.75”

Anand, Julie and Damon Sauer – Mirage [Sonora/Arizona], 2008 Shredded hand woven photographs, acrylic, resin / Tiras de fotos entretejidas a mano, acrílico, resina. 38.5” x 46.75”

Chihuahua, MX

Tania Anchondo

l poco tiempo de tener mi cámara, me siento deslumbrada con la belleza de la luz natural. Es en el retrato en donde logro encontrar una manera de comunicar un gesto a través de una fotografía. Es sencillo, todavía busco momentos para documentar la realidad, quizás a lo largo de mi vida no he jugado lo suficiente, quizás me opongo a crecer. Mera pretensión, creer que le desnudas cuando le robas ese gesto, crear un personaje nuevo cuando te otorga una mirada que dura menos de un segundo. Si pudiera tener poderes especiales, escogería ser invisible con mi cámara para espiar a todo el mundo. Y preguntarme cosas como: ¿de dónde le vienen esas pecas?, ¿qué gesto tiene de su madre, cuál le viene del lado paterno?, ¿cuánta tristeza puede incluir una sonrisa? Estas son cuestiones que sin duda siempre se quedan sin respuesta, y después de todo, ¿qué más da?

fter obtaining a camera, I’m amazed with the beauty of natural light. It is in portraiture where I can find a way to convey body language through a photograph. It’s a simple thing, I still look for time to document reality, perhaps I haven’t had enough fun in my life, perhaps I refuse to grow up. It would be pretentious to think that the photographer truly undresses the subject when a gesture is captured, or think that he creates a new character when he merely captures a fleeting glance that lasts less than a second. If I could have special powers, I would choose to be invisible so I could spy on everyone with my camera. Ques-

tions like, who did he get those freckles from? Which one of his gestures did he inherit from his mother and which ones from his father? How much sadness can there be in a smile? Without a doubt, these questions always remain unanswered, after all, what difference does it make?

Tania Anchondo – Güero, 2009 Inkjet Print / Impresión Inkjet. 20” x 28”

Tania Anchondo – Aburrida / I`m bored) 2010 Inkjet Print / Impresión Inkjet 28” x 20”

San Antonio, TX

Julia Barbosa Landois 22

y newest body of work, «The Boystown Project», examines the relationship between folklore and landscape, masculine rites of passage, and the politics of sex and violence on the Texas transnational border. Videos and objects from this project draw on interviews with border brothel patrons as well as literary and journalistic source material, with a focus on the aftermath of experience. Indeleble (Indelible) uses excerpts from an interview about a notorious sex show in Nuevo Laredo, Tamaulipas. Tracks references a vehicle screeching away from a violent act and those left behind to grieve in its wake

i Nuevo trabajo, «The Bostown Project», examina la relación entre el folklore y el paisaje, los rituales masculinos de transición y las políticas de sexo y violencia en la frontera transnacional de Texas. Videos y objetos extraen entrevistas de propietarios de burdeles, así como material literario y periodístico, con un enfoque en las repercusiones de la experiencia. Indeleble utiliza extractos de una entrevista acerca de un conocido espectáculo sexual en Nuevo Laredo, Tamaulipas. Tracks se refiere al chirrido de un vehículo que se aleja de un hecho violento y a aquellos abandonados detrás en el llanto.

Julia Barbosa Landois – Indeleble, 2010 Video, 3:46 min.

Julia Barbosa Landois – Tracks, 2009 Installation / Instalación. 10" x 40" x 10"

Julia Barbosa Landois – Tracks (detail / detalle), 2009 Installation / Instalación. 10" x 40" x 10"

San Leandro, CA

Jesus Barraza

believe screenprinting is an art for the people, as evidenced by its use in social and political movements throughout the last 100 years to educate and organize the masses. My mission as a printmaker is to help create a renaissance of the screen-printed political poster, and most importantly, to make it accessible to the people. I work to translate the messages of the frontlines of social justice movement into works of art that can be used to educate, mobilize and affirm. My political posters address issues such as educational justice, incarceration, globalization, femicide, migrant rights, Neo-colonialism, self-determination, Zapatismo and Third World unity. As a printmaker I see myself as part of a long tradition of political artists who have used their art to dismantle and expose the injustices of oppression.

reo que la serigrafía es un arte para la gente, como ha sido evidenciado al usarse en movimientos sociales y políticos desde hace 100 años para educar a las masas. Mi misión como serigrafísta es contribuir a crear un renacimiento del afiche político serigrafiado y, lo más importante, hacerlo accesible a la gente. Trabajo para traducir los mensajes de las líneas fronterizas de los movimientos en pro de la justicia social en obras de arte que puedan ser utilizadas para educar, movilizar y afirmar. Mis afiches políticos tratan temas como la justicia educativa, el encarcelamiento, la globalización, el feminicidio, los derechos de los migrantes, el neo colonialismo, la auto determinación, el Zapatismo y la unificación de tercer mundo. Yo, como serigrafísta, me veo como parte de una larga tradición de artistas que han utilizado su trabajo para desmantelar y exponer la injusticia y la opresión.

Jesus Barraza – Las Flores, 2009  Screen print / Serigrafía. 26” x 20”

Jesus Barraza – Mujer Zapatista, 2009  Screen print / Serigrafía 30” x 22”

Marfa, TX

Camp Bosworth

iving in Texas, I am highly influenced by the traditions of artisans, ranging from wood workers and spur makers to guilders and gunsmiths. As a Texan who lives on the Mexican-American border, I have also been unavoidably influenced by Narco Corridos, the politics of the border and the ongoing cartel wars. Although I come from a formal background in painting, I find the most conductive medium for constructing my narratives is through my woodworking practice. Works like Mi Vida Loca (Gun Bar) demonstrate a melding of both my painting and wood working, and exemplify my ongoing interest in the creation of narratives through objects. Just as narco corridos tell the stories of the drug lords in song, I try to tell them through my sculptures. In scale, my work mimics the cartels’ larger than life exploits, and tries to tell the stories of their accumulation of status and power, of the transformation of poverty into wealth, of campesinos into drug lords.

omo residente de Texas estoy altamente influenciado por las tradiciones de artesanos que van desde talladores de madera, fabricantes de espuelas y armeros. Como texano que vive en la frontera méxicoamericana, he estado influenciado inevitablemente por los narcocorridos, las políticas fronterizas y la actual guerra de los carteles. Aunque mis antecedentes se ubican en la pintura formal, he encontrado una mejor manera de construir mis narrativas a través de la práctica de trabajar la madera. Trabajos como Mi Vida Loca (bar de pistoleros) muestran una amalgama de ambas cosas, el trabajo de madera y la pintura, y ejemplifican mi interés actual en la creación de narrativas a través de objetos. De la misma manera que los narcocorridos cuentan las historias de los señores de la droga en sus letras, yo intento contarlas a través de mis esculturas. A escala, mi trabajo imita las hazañas de proporciones épicas de los carteles e intenta contar las historias de su acopio de estatus y poder, de la transformación de la pobreza en abundancia, de pasar de ser campesinos a ser señores de la droga.

Camp Bosworth – La frontera del Norte, 2008 Wood, gold leaf, silver leaf / Madera, oro de hoja, plata de hoja

Camp Bosworth – Mi Vida Loca, 2009 Detalle / Detail

Camp Bosworth – Mi Vida Loca, 2009  Wood, gold leaf, mirror, paint / Madera, hoja de oro, espejo, pintura 42” x 14” x 78”

Santa Fe, NM

Maureen Burdock

orn in Germany in 1970, I emigrated with my mother to the United States at age seven. During my childhood I frequently visited the art museums of Chicago, absorbing the work of artists who had the intention and power to change perspectives and social conditioning. Since then, my work has consistently addressed social issues. I have shown my paintings, drawings, artists books, and installations at the Anti War Museum in Berlin, Germany; Tapp Gallery in Sydney, Australia; Mecenas Gallery in Juarez; Mexico, and Woman Made Gallery in Chicago, among others. Past projects include The Womb is a Bunker: Exploration of Cellular Memory, The Politics of Purification, and Collateral Damage. These works dealt with the ways in which war affects civilians, especially women and children. My current work, a series of graphic novellas, is titled The F Word Project: Five Feminist Fables for the Twenty-first Century. This project incorporates engaging stories, social messages, strong female superheroines, humor, and contemporary artworks. I began this project in 2006, in response to the femicides in Juárez, Mexico. Now living in Santa Fe, New Mexico, I came to feminist consciousness from my life experiences as a woman, immigrant, and artist. From such experiences, I learned to transmute bad situations with humor and grace, as well as through socially conscious art. In homage to my own transmutation, I have adopted the surname Burdock, after the hearty herb possessing a deep taproot that thrives globally under almost any conditions.

ací en Alemania en 1970 y émigré con mi madre a los Estados Unidos a la edad de siete años. Durante mi infancia frecuentemente visitaba los museos de arte de la ciudad de Chicago, absorbiendo el trabajo de los artistas que tienen el poder y la intención de cambiar las perspectivas y el condicionamiento social. Desde entonces, mi trabajo ha sido consistido en tratar temas sociales; he mostrado mis pinturas, dibujos, libros artísticos e instalaciones en el Anti War Museum de Berlín, Alemania; en la Galeía Tapp en Sydney, Australia; en la Galería Mecenas en Juárez, México y en la Woman Made Gallery en Chicago, entre otros. Algunos de mis proyectos anteriores incluyen: La matriz es un bunker, Exploración de la memoria celular, Políticas de purificación y Daño colateral. Estos trabajos se refieren a cómo la guerra afecta a

los civiles, especialmente a mujeres y los niños. Mi trabajo actual es una serie de novelas gráficas, titulado El proyecto F, cinco fábulas feministas para el siglo XXI. Este proyecto incorpora historias agradables, mensajes sociales, super heroinas mujeres, humor y arte contemporaneo. Inicié este proyecto en 2006, en respuesta a los feminicidios en Juárez, México. Ahora que vivo en Santa Fe, Nuevo México, he adquirido una conciecia feminista debido a mis experiencias de vida como mujer, inmigrante y artista. De estas experiencias he aprendido a transitar por las situaciones negativas con humor y gracia, así como a través de un arte socialmente consciente. En homenaje a mi propia transmutación he adoptado el apellido Burdock como la hierba que crece en cualquier parte, casi bajo cualquier condición. Maureen Burdock – SPLUFF!, 2007  Pen & Ink / Pluma y tinta. 24” x 19”

Burdock, Maureen – We Need Your Help! 2007  Pen & Ink / Pluma y tinta. 24” x 19”

Monterrey MX

Alejandro Cartagena González 30

esde las década de los sesenta hasta los ochenta, muchos fotógrafos centraron su trabajo en lugares industriales o suburbanos. El paisaje alterado es ahora, treinta años después, como la acción-reacción a aquellas acciones humanas que ellos se figuraban empezarían a aparecer en algún lado. Ríos perdidos es la representación de los perjuicios a la naturaleza en aras de nuestro bienestar. En el estado mexicano nororiental de Nuevo León, algunos ríos y riachuelos se han secado o están en ese proceso, después de que el área metropolitana de la ciudad de Monterrey emerge y su crecimiento demanda agua. Estos ríos y riachuelos secos son una de las muchas consecuencias involuntarias producto de estrategias económicas erróneas. Dependiendo menos de la ironía y más de una representación romántica del deterioro, Lost Rivers es un comentario social del México contemporáneo y su falta de planeación del desarrollo urbano.

rom the 60s to the 80s, many photographers used to focus their work on industrial and suburban places. Now, thirty years later, the altered landscape is the result of the cause and effect to those human acts that they expected would emerge somewhere. Rios perdidos is a representation of the damage that has been done to nature for the sake of our wellbeing. In the northeastern Mexican state of Nuevo Leon, some rivers and streams are running dry or have dried up completely after Monterrey’s metropolitan area developed and water demand increased. These dry riverbeds are one of many unintended consequences of deficient economic policies. Placing less emphasis on the irony of its downfall, and more on a romantic representation, Lost Rivers is a social commentary on contemporary Mexico and its lack of urban planning.

Alejandro Cartagena – Lost river no.3, Cause and Effect of Mexican Suburbia Series, 2008  Archival Inkjet print / Impresión inkjet. 39.4” x 47.2”

Alejandro Cartagena – Lost river no.4, cause and effect of Mexican suburbia series, 2008  Archival Inkjet print / Impresión inkjet. 100 cm x 120 cm x 1”

Los Angeles, CA

Camilo Cruz

s an employee in the Los Angeles courts, I have witnessed poor people at the mercy of system driven attorneys; toddlers crawling unattended on marble floors; sheriff deputies flirting with teenage girls. I once saw a very short man reading the palm of a very tall, attractive woman outside a death penalty proceeding. These and other scenes are simultaneously beautiful and circus-like, emotional and compelling. I see these scenes as a public administrator in the court. As a photographer, I make images that explore the intense psychological and social experiences of this powerful space. My position in the court allows me access to the people and environment that comprise our nation’s system of justice. Since cameras are prohibited in the courthouse, I photograph after normal working hours. The courthouse transforms into my studio during the evening and on weekends. My images are not of specific individuals. They are portraits of the emotional turmoil that creeps into our bodies the moment we navigate the tedious complexity of our courts and the other ubiquitous institutions of our nation. My images seek to expose this turmoil, which might go unnoticed if not captured within the boundaries of an ‘art piece.’

omo empleado en la Corte de Los Angeles he sido testigo de cómo la gente pobre está a merced de un sistema manejado por abogados, niños pequeños gateando por los pisos de mármol, ayudantes del Sheriff filtreando con chicas adolescentes. Una vez ví a un hombre bajito leyendo la palma de la mano de una mujer muy alta y atractiva, esto afuera de donde se llevaba a cabo un proceso de pena de muerte. Esta y otras escenas son simultáneamente bellas y circenses, a la vez que emocionales y absorbentes. Veo estas escenas como administrador público en la corte. Como fotógrafo capturo estas imágenes para explorar las intensas experiencias psicológicas y sociales de este poderoso espacio. Mi posición en la corte me permite acceder a las personas y al ambiente del cual se compone nuestro sistema de justicia. Puesto que las cámaras están prohibidas en la corte, yo tomo las fotos después de las horas de trabajo normales. La corte se transforma en mi estudio durante las tardes y los fines de semana. Mis imágenes no son de individuos específicos, son retratos de la confusión emocional que se arrastra dentro de nuestros cuerpos una vez que navegamos por la tediosa complejidad de nuestras cortes y otras omnipresentes instituciones de nuestra Nación. Mis imágenes buscan mostrar esta confusión que pasaría desapercibida si no es capturada entre las fronteras de la obra artística.

Camilo Cruz – Reyes, 2010  Photography / Fotografía. 30” x 40”

Camilo Cruz – Xitlali, 2010  Photography / Fotografía. 30” x 40”

San Francisco, CA

Victor De la Rosa

hrough the use of various media I explore the convergence of technology, stereotype, history and race as one reaction to the Mexican | American* experience. My approach is to create a feeling of unease and tension through subject matter and patterning. Through a close look at the US/Mexico border I explore issues of geographic boundary and national identity; and in the process I question the idea of provenance and the inevitability of change. And I wonder at the futility of trying to harness the human desire for advancement or preservation. The woven Jump series depicts this struggle to overcome barriers in order to reach another state of being, to escape or to seize opportunity. In this piece I explore the possibilities of the medium of textiles as an agent of change with the potential of increasing awareness, raising consciousness and provoking deeper, personal and collective thought. Farm Worker Jacket explores the migrant past of my father and his family. The piece represents the travel and struggle I witnessed while visiting my relatives during the summers of my youth and the memories of the ubiquitous jacket I saw the men wear and the history the garment conveyed through use. With these pieces I want to give the viewer pause and foster a moment for considering one’s values and beliefs ...and perhaps complicity. * Mexican/American is my collective reference for the Mexican immigrant, MexicanAmerican and California Mexican-American (Chicano).

ediante el uso de varios medios, exploro la convergencia de los estereotipos tecnológicos, históricos y de raza como una reacción hacia la experiencia mexicoamericana. Mi enfoque es el crear un sentimiento de inquietud y tensión a través de patrones temáticos. Al mirar de cerca la frontera entre México y los Estados Unidos exploro temas de límites geográficos e identidad nacional y en el proceso cuestiono la idea de la procedencia y la inevtabilidad del cambio, me pregunto sobre la inutilidad de sofocar el deseo humano en aras del avance. El textil Jump (salto) representa esta lucha por vencer barreras para alcanzar otro estado del ser o para escapar o atrapar oportunidades, en esta pieza exploro las posibilidades de los textiles como agentes de cambio con el

potencial de incrementar la conciencia y provocar un pensamiento colectivo y personal mas profundo. Farm Worker Jacket ( Chaqueta de trabajador del campo) explora el pasado migrante de mi padre y su familia la pieza representa el viaje y la lucha de la cual fui testigo cuando visitaba a mis parientes durante los veranos de mi juventud y los recuerdos de aquella omnipresente chamarra que veía a los hombres usar; la historia a través de esta pieza de ropa mediante el uso de la misma. Con esto quiero ofrecerle al observador una pausa y darle un momento para considerar los valores y las creencias propias... así como algo de complicidad. * Méxicoamericano es mi referente colectivo para el migrante mexicano. Méxicoamericano y California Méxicoamericano (Chicano).

Victor De la Rosa – JUMP 6 (detail / detalle), 2008  Jacquard woven textile / Tejido Jacquard. 82” x 56”

De la Rosa – JUMP 6, 2008 Jacquard woven textile / Tejido Jacquard. 82” x 56”

De la Rosa – Farm Worker Jacket: Siguiente, 2010 Digital print on cloth with embroidery / Impresión digital sobre tela bordada 13.5” x 10”

San Francisco, CA

Sergio De la Torre

s an artist I have worked with and documented the manifold ways by which citizens reinvent themselves in the city they inhabit as well as site-specific strategies they deploy to move ‘in and out modernity’, to borrow an expression from urban theorist Nestor Garcia Canclini when he refers to a condition of modernity without a concomitant process of modernization in Latin America. My video, photographic and research works often invoke collaborations with the subjects and invites both intimate and critical reflections on topics related to housing, immigration and labor, to mention only a few. In my work I have tried to approach the lives of these individuals not as victim-subjects, but have attempted rather to reexamine the meaning of their actions in the context of shifting global conditions.

omo artista he trabajado y documentado las múltiples maneras mediante las cuales los ciudadanos se reinventan a si mismos en la ciudad que habitan, así como estrategias específicas de lugar que se utilizan para moverse “dentro y fuera de la modernidad”, esto, tomando prestada una expresión del teórico urbanista Néstor García Canclini cuando se refiere a la condición de la modernidad sin un proceso concomitante de modernización en Latinoamérica. Mis trabajos de video, fotografía e investigación a menudo invocan colaboraciones con los sujetos e invitan a una reflexión crítica e intima sobre temas relacionados con vivienda, migración y trabajo por mencionar sólo algunos. En mi trabajo he tratado de acercarme a las vidas de estos individuos no como sujetos-víctimas, sino más bien intentando re examinar el significado de sus acciones en el contexto de cambiar las condiciones globales.

Sergio De la Torre – Waiting for Francis Alys (From the series Drivers), 2009 C-Prints. Mounted / Fotografía en color. 16” x 20”

De La Torre – Waiting for Gabriel Orozco (From series Drivers), 2009 C-Prints. Mounted / Fotografía en color. 16” x 20”

Sergio De la Torre – Nuevo Dragon City Video film still / Foto fija de video, 2008.

Ciudad Juárez, MX

Leticia Díaz

escribir mi trabajo visual a través de una larga historia sería muy complejo, ya que ha sido una búsqueda de mí misma, a veces encontrada, y otras como un alto en el camino que tan sólo me ha dado una pista de lo que quiero seguir. Por eso describiría mi trabajo como cambiante, explorador, como una evolución de mi ser. Es como un viaje que a veces expresa lo que está dentro de mí. Otras veces es como un hallazgo, me reconozco en sucesos cotidianos que quedan atrapados e inmóviles en mi fotografía, convirtiendo el espacio y movimiento en una imagen. La fotografía me permite crear lo irreal, lo fantástico. Se puede convertir en un documento sin palabras redactado en un lenguaje universal que cualquier espectador capta sin importar raza, ni creencias, ni qué digo yo o qué entiendes tú, sino que nos conecta de alguna manera por un instante fugaz en el tiempo y el espacio, tal como sucede en la fotografía. Es un instante capturado que perdura y me permite conservar mi esencia primaria, mi capacidad de asombro. Carma es una muestra de esos hallazgos, de los espíritus que puedo sentir en la luz, que puedo intuir y que la fotografía me permite materializar. Entre tantas búsquedas, este trabajo fotográfico es una búsqueda para encontrar una segunda lectura de un suceso cotidiano mediante diferentes técnicas y tomas de exposiciones largas.

rying to describe my graphic work with a long narrative would be very complex since it has been a journey to find myself, sometimes successful, while other times it’s like a stop that provides a clue of the road I want to travel. That’s

why I would describe my work as ever-changing, explorative, like an evolution of my own self. Like a trip that sometimes reveals what’s inside of me, and other times is like a realization of seeing myself through the everyday events suspended motionless in my photograph, turning space and motion into an image. Photography allows me to create a world that’s not real, a fantasy world. It allows me to transform a wordless document into a universal language that anyone can understand regardless of race or beliefs, without taking into account what I might say or what you might think, instead, it connects us somehow in time and space for a fleeting moment – just like a photograph. It’s a moment in time that has been captured for posterity allowing me to preserve my primal being, my ability to be amazed. Carma is a sample of these revelations, a sample of the spirits that I’m able to feel in the light, the ones I can sense and that photography somehow allows me to materialize. Among so many other searches, my aim in these photographs is to look for a deeper me

Leticia Díaz Moreno – Carma II, 2008-2010 Positivado digital, color / Color positive digital print. 13” x 20”.

Leticia DĂaz Moreno â&#x20AC;&#x201C; Carma I , 2008-2010 Positivado digital, color / Color positive digital print. 9 x 20â&#x20AC;?

Oakland, CA

Justin Gainan

collapse of pathetic romanticism is evident through the documentation of varying performances in my work. Suggesting histories of epic longevity with cumbersome materials and uninhibited expressions, I am invested in articulating the properties of self imposed commitment as well as unsolicited motivations. Furthermore, the linchpin of my recent work has been to make the audience aware of the actions taken throughout my practice. Those actions are both suggested and literally demonstrated at times as a crucial performance articulating the constant negotiations of ubiquitous objects.

l colapso de un romanticismo patético es evidente a través de la documentación de varias ejecuciones de mi trabajo. Sugiriendo historias de épica longevidad con materiales pesados y expresiones desinhibidas, le apuesto a articular las propiedades de un compromiso autoimpuesto, así como de motivaciones no solicitadas. Además, el eje de mi trabajo reciente ha sido el hacer que la audiencia esté consciente de los actos realizados mediante mi practica, estos actos son a la vez sugeridos y literalmente demostrados a veces como una ejecución crucial que articula las negociaciones constantes de objetos ubicuos.

Justin Gainan – Look! / Mira! 2009. Photographs / Fotografías. 9” x 12” x 1.5”

Toluca Lake, CA

Matt Gainer

n 1989 a woman named Maria Paula Acuña visited a small canyon on the north-east edge of San Bernardino Valley to pray for a sick child, and began having visions of the Virgin Mary. These days her visions occur near a small grotto in the Mojave Desert that followers call Virgin of the Rocks. Each month hundreds of witnesses make a pilgrimage to the site, the majority of whom have come from Los Angeles. They follow Maria Paula down an unpaved road to a makeshift sanctuary, where she will ask them to kneel as she reveals the Virgin’s message. While Maria Paula speaks with the Virgin, witnesses make photographs and videos of the sun; hoping to capture proof that the Virgin was among them. Imprints and light patterns on photographs are commonly understood by pilgrims to have specific meanings. For example, one shape is understood to be the gates of Heaven, while another is thought to be the presence of the Virgin herself. I’m particularly interested in how pilgrims ‘learn to see’ and understand the possible meanings of their photographs –and the paths that lead them both toward and away from Virgin of the Rocks–. I have been collaboratively examining the visions at Virgin of the Rocks with Historian Lisa Bitel since 2006. A book of our work will be published by Cornell University Press in 2011.

n 1989 una mujer llamada María Paula Acuña visitó un pequeño cañón en el noreste del valle de San Bernardino para rezar por un niño enfermo. Ahí tuvo visiones de la Virgen María. En aquellos días sus visiones tuvieron lugar en una pequeña gruta en el desierto de Mojave. Los seguidores le llaman «La Virgen de las Grutas»; cada mes cientos de testigos peregrinan al lugar. La mayoría vienen de Los Angeles, siguen a María Paula por un camino sin pavimentar hasta un santuario hechizo hasta donde ella les pedirá que se arrodillen para revelarles el mensaje de la 42

virgen. Mientras María Paula habla con la virgen, los testigos toman fotografías y videos del sol, con la esperanza de obtener una prueba de que la Virgen estuvo con ellos. Impresiones y patrones de luz sobre fotografías son comúnmente entendidos por los peregrinos como mensajes específicos. Por ejemplo una silueta puede ser la puerta del cielo, mientras que otra puede ser la misma Virgen; a mí me interesa cómo los peregrinos aprenden a ver y entienden los posibles significados de sus fotografías, así como los senderos que les conducen hacia y lejos de la Virgen de las Rocas. He examinado las visiones de la Virgen de las Rocas en colaboración con la historiadora Lisa Bitel desde 2006. Sobre este trabajo la Cornell University Press publicará un libro en 2011. Matt Gainer – Ada Luz, seer, 2010 Color Photograph / Fotografía en color. 20” x 24”

Matt Gainer – Mustang Family, Mohave, 2010 Color Photograph / Fotografía en color. 20” x 24”

La Mirada, CA

Joseph Gerges

ngaged by the current social climate of Anti-MiddleEastern sentiment and a two-year personal investigation of his Egyptian-American upbringing, Los Angeles artist Joseph Paul Gerges scrutinizes themes that counterbalance the tension of violence and war and it’s seldom seen muted ramifications. Through large-scale works that are simultaneously heroic and viscerally confrontational, the artist explores notions of brutality, conflict, race and religion from a first-person point of view, engaging his individual experiences as a child of abuse and racial violence and its parallels with war torn regions. Joseph juxtaposes the visual vocabulary of figurative painting and abstraction allowing the lack of “literal space” to relay a sense of timelessness while the isolated voiceless figures begin to awaken complex investigations of the true fatalities of these poignant events. These moments, frozen on the surface of the canvas yet emotionally fluid, confront the viewer’s stare with that of the subjects’ gaze in the work staring mutely back, yet shouting aloud beseeching to be seen and heard.

omprometido con el actual clima social del sentimiento anti Medio-Oriente y por una investigación personal de dos años sobre su educación egipcia-americana, el artista de Los Angeles, Joseph Paul Gerges, escudriña temas que vienen a contra balancear la tensión de guerra y violencia así como sus a veces mudas ramificaciones. A través de trabajos de gran escala que son simultáneamente heroicos y confrontacionales, el artista explora nociones de brutalidad, conflicto, raza y religión desde el punto de vista de primera persona comprometiendo sus experiencias individuales como niño del abuso y la violencia racial y su paralelismo con regiones destrozadas por la guerra. Joseph yuxtapone el vocabulario visual de la pintura figurativa y la abstracción permitiendo que la carencia de espacio literal aporte un sentido de ausencia de tiempo mientras solitarias figuras sin voz comienzan a despertar complejas investigaciones de las verdaderas fatalidades de estos dolorosos hechos. Estos momentos, congelados en la superficie del lienzo, todavía emocionalmente fluidos, confrontan la mirada del espectador con aquella del sujeto que desde la obra le devuelve ya sea gritando con fuerza y suplicando por ser visto y escuchado.

Joseph Gerges – The Samaritan, 2007 Oil and Acrylic on Canvas  / Óleo y acrílico sobre tela. 75” x 50” x 02”

Joseph Gerges – Casting The First Stone, 2007 Oil and acrylic on canvas / Óleo y acrílico sobre tela. 76” x 105” x 03”

Long Beach, CA

Ed Gomez

r. Gomez’s interdisciplinary art practice revolves around the questioning of exhibition practices, institutional framework and historical models of artistic production. In 2006, he co-founded the MexiCali Biennial, a bi-national art and music program addressing the region of the US-Mexico border, which he is currently a director and co-president. This project serves not only as a curatorial project but also a satirical statement to the abundance of biennials occurring around the globe and the impact they have on the art community. Mr. Gomez is also the director of G.O.C.A., The Gallery of Contemporary Art, which is a traveling self-contained exhibition space humorously located in his suitcase. It has showcased emerging and established artists from Los Angeles, Phoenix, New York and Mexico.

a práctica artística interdisciplinaria de Gómez, gira alrededor de cuestinar las prácticas de exhibición, el enmarcado institucional y los modelos históricos de la producción artística. En 2006 fue co-fundador de la Bienal de Mexicali, un programa binacional de arte y música dirigido a la región fronteriza entre México y los Estados Unidos, del cual el es director y co-presidente. Este programa no sólo es un proyecto curatorial sino un comentario satírico acerca de la abundancia de bienales que ocurren alrededor del mundo y el impacto que estas tienen en la comunidad artística. Gómez es también director de G.O.C.A., la Galería de Arte Contemporáneo que consiste en una exhibición viajera humorísticamente localizada en su maleta. Ha sido escaparate para artístas nacientes y ya establecidos de Los Angeles, Phoenix, Nueva York y México.

Ed Gomez – Safety, Continuity, Reliability, 2009 Nylon vests / Chaleco de nylon 28” x 18” x 4”

Ed Gomez – Dissuading Passage, 2009 Silk screened albums and record player with wood bars / Portadas de discos con serigrafías y tocadiscos con barras de madera. 96” x 96” x 48”

Tijuana, MX

Eréndira González

i trabajo más reciente ha constado en explorar temas sociales específicos que resuenan en la región donde vivo en Tijuana-San Diego: violencia fuera de control, interacción fronteriza y la expansión creciente de la ciudad. Trabajo con elementos que pertenecen a situaciones sociales cotidianas y que pueden ser fácilmente reconocidos por el público local. Luego los descontextualizo colocándolos sobre un escenario vacío o fantástico. Por lo tanto, así se cuestiona el significado social del objeto en sí que de otra forma no sería cuestionado. Uso dibujo y acuarela para crear ilustraciones ligeras y no amenazantes que utilizo como una ironía para reforzar el hecho de que los temas sociales serios que impactan mi vida y las personas que me rodean carecen de sentido. Creo que el arte disuelve lo tangible permitiendo un espacio en donde se puede cuestionar lo real e ideal y la posibilidad de crear.

y most recent work has focused on exploring specific social issues that relate to where I live in the Tijuana San Diego area – the widespread violence, the interactions on the border, and the continuing urban sprawl of the city. I work with elements that include everyday social situations that can be easily recognized by the local audience. Then, I decontextualize them by placing them on a blank background or a fantastic setting. This way, anyone can question the social significance of the object itself, which might not have been questioned otherwise. I chose drawing and watercolor to create soft, non-threatening illustrations that I use as irony to reinforce the fact that the serious social issues that have an impact on my life and the people around me make no sense at all. I think art dissolves what’s tangible, providing a space where one can question what’s real and what’s ideal, and the potential to create.

Eréndira González – La paca de ropa, 2010 Watercolor and ink / Acuarela y tinta. 33” x 25”

Eréndira González – La patrulla, 2010 Watercolor and ink / Acuarela y tinta. 24” x 18”

Los Angeles, CA

Alexandra Grant

lexandra is a text-based artist who uses literary language and networks of words as the basis for her work in painting, drawing and sculpture. Her interest in language stems in part from a childhood spent in Mexico, the US and France. Her work explores ideas of translation, identity, and dis/location in collaboration with writers, such as her current collaborator, hypertext author Michael Joyce, and the philosopher Hélène Cixous. For the Border Biennial, Grant will be exhibiting two large-scale works on paper, Conspirar and Contender, from the Ladder Quartet. Both pieces are based on texts by Michael Joyce – and look at the image of the ladder in books as diverse as The Bible and James Joyce’s Ulysses. conspirar is an homage to Hélène Cixous and her Three Steps on the Ladder of Writing; and contender is a look at the ladder in Joyce’s Ulysses.

lexandra es una artista que usa el lenguaje literario y las redes de palabras como la base de su pintura, dibujo y escultura. Sus intereses en el lenguaje provienen en parte de su infancia en México, Estados Unidos y Francia. Su trabajo explora ideas de traducción, identidad y dis/ locación en colaboración con escritores como su actual colaborador y autor de hipertexto, Michael Joyce, así como la filósofa Helen Ciouxs. Para la Bienal Fronteriza, Grant exhibe dos trabajos de gran escala sobre papel, Conspirar y Contender, del Ladder Quartet. Ambas piezas están basadas en textos de Michael Joyce y observan la imagen de la esacalera en libros tan diversos como La Biblia y el Ulises de James Joyce. Conspirar es un homenaje a Helen Cioux y sus Tres pasos en la escalera de la escritura y contender es una mirada a la escalera en el Ulyses de James Joyce.

Alexandra Grant – Conspirar (After Michael Joyce’s “conspire”, 2004), 2005 Mixed media on paper / Técnica mixta sobre papel. 126” x 80”

Alexandra Grant – Contender / After Michael Joyce’s “contend,” 2004), 2005 Mixed media on paper / Técnica mixta sobre papel. 126” x 80”

Los Angeles, CA

Luis G. Hernandez 52

uis G. Hernandez is an artist and curator originally from Baja California, Mexico and currently resides in Los Angeles. Recent solo and group exhibitions of the artist’s work have included Off Fence, Art Laboratory Berlin (2010); Replica, Instituto Sonorense de Cultura, Hermosillo, Sonora (2010); The Story of O: Graduate Fine Arts 1989-2009, Ben Maltz Gallery, Los Angeles (2010); and Variantes, Monaco Art Club, Mexicali, Mexico (2010). Hernandez’ aesthetic production consists of sculptures, paintings, drawing, collages, and installations that respond in subtle ways to the space where they are exhibited. The artist makes provocative, humorous, and many times absurd associations between context, materials, and language, working through these elements as if they were sculptural spaces, and incorporating subject matter that points to art history and its institutions, politics, and border issues. In 2006, the artist co-founded the MexiCali Biennial, a non profit that grants exposure to artists and locations often overlooked in the contemporary arts of Southern California and Mexico. The MexiCali Biennial remains to serve not only as a curatorial/art project, but also as a satirical platform upon which to question the abundance of biennials occurring around the globe and the impact they have on the art community. Hernandez is currently working in the programming for the MexiCali Biennial 2012. Luis G. Hernandez received his MFA from Otis College of Art in 2003.

uis G. Hernandez es un artista y curador originario de Baja California, México. En la actualidad reside en Los Angeles. Exhibiciones recientes individuales y colectivas del artista han incluido Off Fence (fuera de la barda). El Laboratorio del Arte en Berlín (2010), Replica, Instituto Sonorense de la Cultura, Hermosillo Sonora (2010), La Historia de O, Graduate Fine Arts, 1989.2009, Galería Ben Maltz en Los Angeles (2010) y Variantes, El Club de Arte Mónaco en Mexicali, México, 2010. La producción estética de Hernandez consiste en esculturas, pinturas, dibujos, collages e instalaciones que responden de manera sutil al espacio en el que son exhibidas. El artista realiza provocadoras, humorísticas y muchas veces absurdas asociaciones entre el contexto, los materiales y el lenguaje, trabajando con estos elementos como si fueran espacios escultóricos e incorporando elementos que apunten hacia la historia del arte, sus instituciones, políticas y temas fronterizos. En 2006 el artista co fundó la Bienal de Mexicali, una bienal sin fines de lucro que garantiza exponer a artistas y locaciones que a menudo son pasados por alto en el arte contemporáneo del sur de California y México. La Bienal de Mexicali permanece no sólo como un proyecto artístico y curatorial sino como una plataforma satírica que cuestiona la abundancia de bienales que ocurren en el mundo y el impacto que estas tienen en la comunidad artística. Luis G. Hernández en la actualidad trabaja en la programación de la Bienal Mexicali 2012. Se recibió como maestro en Bellas Artes en el Otis Collage en 2003.

Luis Hernandez â&#x20AC;&#x201C; The Other Side / El otro lado,â&#x20AC;¨2007/2010. Vinyl on wall / Vinil sobre muro. Dimensions: variable / Dimensiones: variable

El Paso, TX

Yvianna Hernandez

rt has always been a method of personal expression and relaxation for me. My art appears to consist of numeorus concepts, and while this is true, it all has a fundemental link to environment and process. I am greatly inspired by my surroundings. Many times this is evident in my artwork since it may literally illustrate a surrounding event such as the mass murders in Cuidad Juárez. Other times it is very discreet and only apparent to myself. I may simply create a piece of art based on what my current situation and environment inspires me to. As far as materials go, I will use just about anything I can find. I love to experiment mixing different media together. Sometimes this results in a pleasant surprise and other times in disaster. I feel that the use of mixed media helps heighten the visual process of how my art is created, which is important to me

l arte siempre ha sido un método de expresión personal y relajamiento para mí. Mi arte consta de numerosos conceptos y en la medida en que esto es cierto, todo tiene un lazo fundamental con el entorno y el proceso. Me inspira enormemente mi entorno, esto es evidente muchas veces en mi trabajo artístico desde que ilustra hechos ocurridos en el entorno como pueden ser los asesinatos masivos en Ciudad Juárez. Otras veces es muy discreto y sólo aparente para mí misma. Yo simplemente creo una obra artística basada en lo que mi situación actual y el entorno me inspiran. En cuanto a los materiales, utilizo cualquier cosa que encuentre, me encanta experimentar mezclando diferentes materiales juntos. A veces esto es una sorpresa placentera y en ocasiones es un desastre. Creo que el uso de mezclas de materiales ayuda a ampliar el proceso visual de cómo mi arte se crea, lo cual es muy importante para mí.

Yvianna Hernandez – Declarando 2009  Mixed media (cloth, gesso, ink, charcoal, conté, thread) / Técnica mixta (tela, yeso, tinta, carbón, conté, hilo). 52” x 35”

Yvianna Hernandez – La Lotería Fronteriza Book (Front and Back) 2009  Mixed Media (intaglio, watercolor, marker, ink, colorpencil) / (calcografía, acuarela, marcador, tinta, lápiz de color). 7.25” x 5.25” x .75”

Yvianna Hernandez – La Lotería Fronteriza Book, 2009 Detail / Detalle

Los Angeles, CA

Farrah Karapetian

ork frequently concerns moments of crisis as they register in architectural space, from the marks of unrest transcribed on the Western panels of the Berlin Wall to the charged space of shadows burnt into walls at Hiroshima. She works with cameraless photography in a sculptural field and her process results in images and forms that are, in the words of LA Times critic Leah Ollman, “more like a metaphor than a record.” Karapetian holds a BA from Yale (2000) and an MFA from UCLA (2008.) She has worked with space and photography internationally, including most recently an installation in an atrium designed by Richard Meier & Partners in Los Angeles and residencies at the Los Angelesbased Wende Museum and Archive of the Cold War and at the MacDowell colony in New Hampshire. In the fall of 2010, Karapetian commences a collaboration with writer Kim Philley in the mountains between Cambodia and Thailand, continuing the artist’s research on borders as sites of tension and historicity.

l trabajo frecuentemente se refiere a momentos de crisis que quedan registrados en el espacio arquitectónico, desde los signos de descontento transcritos en los paneles del muro de Berlín hasta el espacio cargado de

sombras que quema las paredes de Hiroshima. Ella trabaja con fotografía sin cámara dentro de un campo escultórico y el proceso conduce a imágenes y formas que son, en palabras del crítico Leah Ollman, “más como una metáfora que como un registro”. Karpetian tiene una licenciatura en Artes de Yale (2000) y una maestría en Bellas Artes de la Universidad de California en Los Angeles (2008). Ha trabajado con espacio y fotografía internacionalmente, incluyendo una instalación reciente en el atrio diseñado por Richard Meier y Asociados en Los Angeles. Ha hecho residencias en el Museo y Archivo Wende de la Guerra Fría y en la Colonia Mac Dowell en New Hampshire. En el otoño de 2010, Karpetian inicia una colaboración con el escritor Kim Philley en las montañas entre Cambodia y Tailandia en continuación de la investigación de la artísta sobre las fronteras como lugares de tensión e historia.

Farrah Karapetian – Stowaway, 2009 Unique silver gelatin photogram / Fotograma único. Plata sobre gelatina. 118” x 240”

Farrah Karapetian – Caution, 2009 Unique chromogenic photogram / Fotograma cromogénico único. 15.5” x 19.5”

Mesilla NM

Anthony Lozorko

he focus of my work has always been to depict something about the American experience, no matter how ordinary, and to say it in an aesthetic manner. The enjoyment of color, composition and consideration of tactile surfaces all need to marry with the content. That being said, I sometimes will create a piece for its pictorial qualities in and of itself, sometimes for the technical challenge a visual idea may pose. Elements of the way things sound and smell are also meaningful to me. Visual images should bring about the "at onceness" experience that we all know and understand in an instance. The print titled Truck Stop reflects my keen interest in various light settings and the challenge of evoking this setting with wood. I made many photo studies from a quiet overpass on Interstate 10 north of El Paso. It was dawn and that particular color of light is when it is about to go to sunrise and losing the night. The print titled Going Home reflects my keen interest in night settings and the challenge of evoking this setting with wood. I made many photo studies from a quiet overpass on Interstate 10 north of El Paso. Once at the overpass, I watched a brilliant red sunset and experienced an "AhHah!" moment. I knew from that moment where I was to take the image.

l enfoque de mi trabajo ha sido siempre el describir algo acerca de la experiencia americana sin importar qué tan ordinaria sea, y para decirlo de una manera estética, el disfrute del color, la composición y la consideración de superficies táctiles deben de casarse con el contenido. Dicho esto, yo a veces creo una pieza por sus cualidades pictóricas en sí, a veces por el reto técnico una idea visual se plan-

tea. Elementos acerca de cómo las cosas suenan y huelen también tienen un significado para mí. Las imágenes visuales me deben llevar a la “inmediatez” de la experiencia que todos conocemos y entendemos en cualquier momento. El trabajo titulado Truck stop refleja mi entusiasta interés en las diferentes posiciones de la luz y el reto de evocar esto con la madera. He hecho muchos estudios fotográficos desde un paso a desnivel en la carretera interestatal 10 al norte de El Paso, era el amanecer y ese particular color de la luz se da cuando el sol está a punto de salir y la noche se pierde. El grabado titulado Yendo a casa refleja mi entusiasta interés en escenarios nocturnos y el reto de evocar este escenario con madera, hice muchos estudios fotográficos desde un plácido paso a desnivel en la carretera 10 al norte de El Paso. Cierta vez que me hallaba en ese paso a desnivel ví una brillante y rojiza puesta de sol y experimenté un momento de ¡ahhh!; desde ese instante supe donde debería tomar la imagen.

Tony Lazorko – Truck Stop, 2008  Color Woodcut / Grabado en madera a color. 11” x 18”

Tony Lazorko – Going Home / Yendo a casa, 2009  Color Woodcut / Grabado en madera a color. 11” x 17”

Pasadena, CA

Nery Gabriel Lemus

mmigration has and continuous to be a controversial topic within the United States. Being that we live in a state that borders a foreign country (Mexico), the issue advances to a “hotter” topic. That being said, In my project, “Friction of Distance”, I address the controversial topic of immigration by connecting images that encourage the viewer to formulate ideas about immigration. I attempt making these connections by indicating parallels between similar forms of travel; that of migrating birds and that of migrating immigrants. My intent is to explore metaphorical analogies of the social and political act of migration, thus forming a critical deconstruction of these ideas. The title of the exhibit, «Friction of Distance», derives from the concept that distance usually requires some amount of effort, money, and/or energy to overcome. For example, in purchasing gasoline one will tend to patronize stations that are located nearby rather than traveling a considerable distance for fuel, hence, a minimal amount of friction. On the other hand, to seek a better quality of life (migration), one may be less concerned with travel distance, and the "friction of distance" may play a lesser role in ones decision. Even though the immigrant is aware that he might confront such things as; paying money to coyotes, rape, robbery, dehydration, being arrested, and even death, the migrant sees a greater gain in reaching “the other side.” This concept also applies for migrating birds, out of necessity they migrate (climate change) and the friction they encounter in the distance they travel is not of concern.

a inmigración es y ha sido un tema controvertido en los Estados Unidos, puesto que tenemos fronteras con un país extranjero (México), el tema cada vez es mas “candente”. Dicho esto, en mi proyecto «Fricciones de distancia» me dirijo al controversial tema de la inmigración conectando imágenes que alienten al observador a formularse ideas acerca de la inmigración. Intento establecer estas conexiones indicando los paralelismos entre formas similares de viaje entre las aves migratorias y los inmigrantes. Intento explorar analogías metafóricas sobre el acto social y político de la migración, de ese modo se forma una deconstrucción de tales ideas. El título de la exhibición «Fricciones de Distancia» se deriva del concepto que la distancia requiere cierta carga

de esfuerzo, dinero y energía para alcanzarla; por ejemplo, al comprar gasolina, uno tiende a frecuentar ciertas estaciones que se encuentran localizadas cerca, en lugar de recorrer una distancia considerable por el combustible; de ahí, un aumento mínimo de la fricción. Por otro lado, al buscar una mejor calidad de vida, uno está menos preocupado por la distancia del viaje y la «fricción de la distancia» jugará tal vez un rol menor en la decisión. Aún así, el inmigrante está consciente de que tal vez confontará cosas tales como pagarle dinero a coyotes, violación, robo, deshidratación, el ser arrestado y hasta la muerte. El migrante ve como un gran logro el llegar al “otro lado”, este concepto también se aplica a las aves migratorias, ante la necesidad de emigrar por el cambio de clima y la fricción a la que se enfrentan por la distancia, el viaje es lo de menos. Nery Gabriel Lemus – Four Black Bellied Whistling Ducks Migrating and Four Young, 2009 Charcoal and archival ink-jet print on paper / Impresión en tintas de carbón. 41.5” x 29”

Nery Gabriel Lemus – Two Seagulls migrating and a Bed of Workers, 2009 Charcoal and archival ink-jet print on paper / Impresión en tintas de carbón. 20” x 30”

Denton, TX

Paho Mann

n Re-inhabited Circle Ks, I photographed buildings that originally housed Circle K convenience stores and have now been re-purposed. Starting in 1951 Circle K built thousands of retail locations across the southwest United States. By the 1980s there was a location on nearly every block in cites like Phoenix, Arizona. Resulting from corporate expansion and restructuring, Circle K moved its mid-block locations opened in the 1960‘s, 70’s, and 80’s to more desirable corner lots, allowing a variety of small businesses to inhabit the shells left by their migration. Each new occupant paints, puts up a new sign, and modifies windows and doors in a deliberate attempt to individualize the storefront. These buildings do not show a linear progression of the corporateization and homogenization of suburbia, but rather serve as evidence of a more circular system –a system driven by a delicate negation between same and different, and complicated sets of actions and choices affecting our built environment–.

n los Circle K rehabitados tomé fotografías de edificios originalmente utilizados por las tiendas de conveniencia Circle K que ahora son re utilizados para otro propósito. Desde 1951 Cirkle K construyó miles de edificios a lo largo del Suroeste de los Estados Unidos. Para la década de los ochentas ya había una locación en casi cada cuadra de ciudades como Phoenix, Arizona. Como resultado de una expansión y reestructuración corporativa, Circle K cambió sus locaciones de los sesentas, setentas y ochentas por 62

predios en esquinas más deseables, permitiendo a una gran variedad de pequeños negocios ocupar estos locales abandonados por la migración. Cada nuevo ocupante pintó su negocio, colocó nuevos letreros, modificó ventanas y puertas en un intento deliberado de individualizar el frente de su tienda. Estos edificios ahora no muestran la progresión lineal de la corporativización y homogenización de suburbio, sino evidencian un sistema más circular –un sistema impulsado por una delicada negación entre los mismo y lo diferente así como un complicado patrón de acciones y decisiones que afectan nuestro entorno urbano–.

Paho Mann – Re-inhabited Circle K Phoenix, AZ: Carniceria Cuerrero, 2006 Archival Inkjet Print / Impresión en inkjet. 20” x 24”

Paho Mann – Reinhabited, Circle K: Mr. Formal, Phoenix, AZ. 2006 Archival Inkjet Print / Impresión en tintas de carbón. 20” x 24”

Chihuahua, MX

Mayra Martell

l proceso de trabajo surge de una necesidad de búsqueda constante, la imagen se convierte en el resultado de obsesiones, deseos y movimientos interiores, casi comparados con los sueños. La identidad y su construcción, en complicidad con las realidades designadas por la alteridad y deformación de la época, se convierten en un detonador para los cuestionamientos del interior hacia fuera. Ensayo de una búsqueda de la identidad que surge de mi obsesión por reconstruir quienes son esas personas desaparecidas, gente que nunca he visto en persona; el retrato no surge directamente y al verme tras esa lamentable circunstancia, sólo me queda encontrar rastros, signos de la presencia que dejaron en sus espacios y objetos personales. Ese buscar y buscar se convirtió en un ejercicio, un ensayo de una búsqueda de la identidad. Esa reconstrucción era como pegar una fotografía rota, ese ensamble, ese pedazo que falta, que es al fin y al cabo el algo de un todo. Estos encuentros constituyeron en mí impresiones como individuo, donde la memoria de estas experiencias va actuando de manera diferente con el tiempo.

he work process emanates from a constant need to search; the image becomes the product of obsessions, desires and yearnings that can almost be compared to dreams. Identity and its construction, combined with the reality created by the alterity and deformation of the times, turns into the catalyst that moves me to verbalize everything

I question, a rehearsal of the search for identity that comes from my obsession with the reconstruction of those who remain missing, people I’ve never met. But a picture doesn’t surface immediately and finding myself pursuing this unfortunate circumstance, all I have left is searching for a trace, a sign left behind by their presence, any personal belongings. This searching and searching has become a routine, like a rehearsal in a quest for identity. The reconstruction was like gluing back together the pieces of a torn photograph. That collection of parts, that missing link is after all, a piece of the whole. These encounters had a profound effect on me, specifically by reshaping the memory of these experiences over the course of time.

Mayra Martell – El documento de la memoria, documental de mujeres desaparecidas, 2009 Fotografía digital impresa en papel de algodón / Digital photography printed in cotton paper. 16X20

Mayra Martell â&#x20AC;&#x201C; El Documento de la memoria, documental de mujeres desaparecidas 2009 FotografĂa digital impresa en papel de algodĂłn / Digital photography printed in cotton paper. 16X20

Dallas, TX

Shane Macklenburger

hese works are interested in the body, mass media and power exchanges. Friendly Fire and Hairpin form part of a larger series called pwn3d, investigating media mythologies of childhood and masculinity, and the lived experience of these unstable constructs. The series uses a variety of media to explore the way first-person shooter games normalize and reinforce consensus around gun violence as comprising 'realism', 'masculinity' and 'adult' activity. Currently the most popular form of mass market entertainment, in such games the gun replaces the body and encompasses the camera's view. Hairpin is a wall sculpture generated from a found digital gun model originally made for use in shooter games. The model has been distorted to draw attention to its essential feature: the trigger. Friendly Fire is an artist-made shooter game developed in collaboration with Mark L. Franz. The game environment has been stripped of opponents, backgrounds, architecture, gravity— everything but guns. Dramas of conflict, chaos and control unravel as one 'plays' the 'game'. The consequence-free nature of game simulations flicker between contradiction and agreement with 'real' urban violence; a lack of consequences alternately stands in sharp contrast or in eery parallel to 'real gun violence'.

stos trabajos parten de un interés por la masa corporal y los intercambios de poder. Fuego Amigo y Horquilla forman parte de una serie amplia llamada pwn3d, investigando mitologías mediáticas de la infancia y la masculinidad, así como la experiencia vivida de estas construcciones inestables. La serie utiliza una variedad de medios para explorar la forma en que los juegos de disparar normalizan y refuerzan consensos acerca de la violencia con armas de fuego para comprender el realismo, la masculinidad y la actividad de adultos. Hoy es la forma más popular de entretenimiento masivo, en estos juegos la pistola remplaza al cuerpo y abarca la visión de la cámara.

Hairpin (Horquilla para el pelo) es una escultura de pared generada por un modelo de arma digital originalmente hecho para juegos de video de disparar. El modelo ha sido distorsionado para centrar la atención hacia su característica más esencial, el gatillo. Friendly Fire (Fuego Amigo) es el juego de video de disparar desarrollado por el artista en colaboración con Mark L. Franz. El entorno del juego ha sido despojado de oponentes, fondos, arquitectura, gravedad, es decir, de todo menos de armas de fuego, dramas de conflicto, caos y control se revelan mientras uno juega el juego, el simulador libre de consecuencias parpadea entre la contradicción y el acuerdo con la violencia urbana real; una falta de consecuencias se erige en contraste y paralelismo con la violencia real.

Shane Macklenburger – Friendly fire / Fuego amigo, 2008 Interactive installation / Instalación interactiva, 5’ x5’ x 5’

Shane Mecklenburger – Hairpin / Horquilla para el pelo (Installation diagram / diagrama de instalación), 2008  Aluminum / Aluminio. 6” x 8” x 2”

Oakland, CA

Hector Dionicio Mendoza 68

n this body of work, I explore ideas of psychological travel, the illusion of functionality, and systems of modularity. Using throwaway materials I create ambiguous, hybrid forms that utilize humor and color to seduce my viewers into confronting larger psychological human issues. The pieces themselves appear to function as part of multi-purpose systems that I have invented but they are dysfunctional. My post-human forms exist within boundaries that combine the organic and the mechanic, exterior and interior as a means of depicting transformation and the potentiality of catastrophe.

n este trabajo exploro las ideas del viaje psicológico, la ilusión de funcionalidad y de sistemas de modularidad. Usando materiales de desecho creo formas ambiguas e híbridas que utilizan el humor y el color para seducir a mis observadores, confrontándolos con temas humanos y psicológicos. Estas piezas por sí mismas funcionan como parte de un sistema de propósitos múltiples que he inventado pero que es disfuncional. Mis formas post-humanas existen entre los límites de lo orgánico y lo mecánico, el exterior y el interior como medios para representar la transformación y el potencial de la catástrofe.

Hector Mendoza – Untitled (vocho) / Sin título (vocho), 2009 Mixed media (throw away materials) / Técnica mixta (materiales de desecho). 55" x 34" x 45"

Hector Mendoza – Untitled (vocho) / Sin título (vocho), 2009 Mixed media (throw away materials) / Técnica mixta (materiales de desecho). 62" x 43" x 54"

Phoenix, AZ

Dominic Miller

he body is composed of many rhythms. Often what we take to be singular is more the temporary arrangement of multiple, heterogeneous frequencies. I work to identify how those frequencies overlap, only to return again to the broader sphere. The perceived distance between them becomes the setting to maneuver individual passages across various boundaries.

l cuerpo está compuesto por muchos ritmos, a menudo lo que tomamos por singular es más bien el arreglo temporal de frecuencias múltiples y heterogéneas. Yo trabajo para identificar cómo esas frecuencias se traslapan solamente para regresar dentro de una esfera más amplia. La distancia percibida entre ellas se convierte en el escenario para manejar pasajes individuales dentro de varios límites.

Dominic Miller – Minor Lawn: Hair of Graves Memorial, 2007  2-channel audio, mixed media installation / Audio de 2 canales, Instalación. Técnica mixta. 8’ x 8’ x 8’

Dominic Miller – rezRadio (solar audio tower / torre audio-solar) 2009 Audio, solar electrical assembly, reinforced concrete / Ensamble eléctrico audio-solar, concreto reforzado / dimensions variable / dimensiones variables

Allen, TX

Jeffrey Miranda 72

orn in 1981 at El Paso, Texas. Grandchild of a Mexican peasant family migrated to U.S. during the Bracero Program in the 1960s. Miranda’s art rises to form a conglomerate imagery that depicts human nature in the border of El Paso/Ciudad Juarez. As a Mexican American, cultural oppression can produce a great deal of artistic and political activity among the oppressed. Growing up in El Paso and Juarez, combined with the unique issues that affect both cities, Miranda’s art illustrates the dense complexity issues that affect the border of El Paso/Ciudad Juarez.

acido en 1981 en El Paso, Texas, nieto de una familia de campesinos que emigraron a los Estados Unidos durante el Programa Bracero en los años sesentas, el arte de Miranda se eleva para formar un conglomerado de imágenes que representan la naturaleza humana en la frontera de El Paso/Ciudad Juárez. Como méxicoamericano, la opresión cultural puede producir yna buena cantidad de actividad política y artística entre los oprimidos. Habiendo crecido en El Paso y Juárez, combinando los temas propios de las dos ciudades, el arte de Miranda ilustra la densa complejidad temática que afecta la frontera de El Paso/ Juárez

Jeffrey Miranda – American Dilusion, 2009 Pen and Ink on Vellum / Pluma y tinta sobre Vellum. 36” x 32” x 0”

Jeffrey Miranda – El Consumidor, 2010  Pencil on Vellum / Lápiz y pluma sobre Vellum. 36” x 33”

Los Angeles, CA

Noe Montes

uma is a town in the southwest corner of Arizona bordering California on one side and Mexico on the other. It has a population of about 90,000 people of which approximately 45% are Hispanic, mainly Mexican and Mexican-American. The unemployment rate in Yuma hovers consistently around 20%. The average income in Yuma is about $ 35,000 for men and $ 27,000 for women. I spent a lot of my childhood and adolescence in Yuma where these pictures were taken. I now live in Los Angeles and my parents and siblings live in Yuma so I go there regularly to visit. I am coming to understand the local economy there as a closed loop in which players and materials move around but the economy never grows. A new mall was built but the old one shut down. People have yard sales in which other people buy stuff to then sell in their own yard sales. In this economy it seems that all movement is lateral . All the while the sun is washing everything out.

uma es un pueblo situado en la esquina suroeste de Arizona, boredando California por un lado y México por el otro. Tiene una población de 90 mil personas aproximadamente, de los cuales el 45% son hispanos, principalmente mexicanos y méxicoamericanos. El desempleo en Yuma se centra consistentemente alrededor del 20%, el ingreso promedio es de $ 35,000.00 anuales para los hombres y $ 27,000.00 para las mujeres. Pasé una gran parte de mi niñez y adolescencia en Yuma, donde estas fotos fueron tomadas. Ahora vivo en Los Angeles y mis padres y hermanos viven en Yuma, así que con regularidad voy a visitarlos. He llegado a entender a la economía local como una curva cerrada en donde los participantes y los materiales se mueven alrededor de una economía que nunca crece. Se ha construido un nuevo Mall, pero el viejo tuvo que cerrar. Las personas ofrecen ventas de garage donde hay quien compra cosas que luego vende en su propia venta de garage. Dentro de esta economía parece que todo movimiento es lateral. Y mientras, el sol está decolorándolo todo.

Noe Montes – Custom Car, 2009  Photography, Digital C Print / Fotografía, impresión digital. 9.707” x 14.56”

Noe Montes – Department of Economic Security, 2009 Photography, Digital C Print / Fotografía, impresión digital. 9.707” x 14.56”

El Paso, TX

Oscar Moya

fter a 35 year absence from (San Antonio) Texas, upon returning to (El Paso) Texas, I began a series of paintings titled "Maquila Blues." I have been documenting the people I have met and worked with on this side of the border. My choice of imagery, techniques and color have been heavily influenced by the social, cultural, political, and desert environment of this region. My work Cholo is about a co-worker and friend who resides in Sunland Park, New Mexico about three blocks from the border of Ciudad Juárez, Mexico and El Paso, Texas. Cholo breeds pit bulls in the desert, and is part of a subculture in which dogs are used as a status symbol. My work Ride Home is from a photo taken by my fiancé. The image depicts a familiar scene of a working crew riding in the back of a truck after a long day of work. I was once one of them. The southern sunset skies and mountains will remain forever and the ASARCO smoke stacks, as we now know them, will remain a memory.

espués de 35 años de ausencia de San Antonio, Texas y regresando de El Paso, inicié una serie de pinturas tituladas “Maquila Blues”. He estado documentando a personas con las que he trabajado de este lado de la frontera. Mis imágenes, colores y técnicas elegidas están fuertemente influenciadas por el entorno social, cultural, político y el medio ambiente desértico de esta región. Mi trabajo Cholo es acerca de un compañero de trabajo y amigo que vive en Sunland Park, Nuevo México, a sólo tres cuadras de Ciudad Juárez, México y El Paso, Texas. Cholo cría perros pit bull en el desierto y forma parte de una subcultura en donde estos animales son vistos como símbolos de estatus. Mi trabajo Viaje a casa proviene de una foto tomada por mi novia; la imagen representa la escena familiar de un equipo de trabajadores que viajan en la caja de una troca después de un largo día de trabajo. Yo fui alguna vez uno de ellos. El cielo sureño y las montañas permanecerán así como las chimeneas de la ASARCO. Todo será un recuerdo.

Oscar Moya – Cholo, 2009  Silkscreen on paper / Serigrafía sobre papel. 30” x 22”

Moya, Oscar – Ride Home, 2008  Acrylic on canvas / Acrílico sobre lienzo. 36.5” x 57” x 1.5”

Dallas, TX

Michelle Murillo

dentity belongs to the person. It is the possibility of recognizing the self and finding a place, a selfdefinition based on traces of the past, memory, experiences or knowledge. My work is an attempt to create a visual language that expresses the intricacies of memory. Memory connects our past and present, thus defining who we are. It is my hypothesis that memory is a narrative of the past that can also function as a compass in the present. Therefore, I look to history for evidence. Finally, my work aims to re-present traces of memory as evidence of the past to remind, recall and evoke.

a identidad le pertenece a la persona, es la posibilidad de reconocer el ser y de encontrar un lugar, una autodefinición basada en las huellas del pasado, de la memoria y de las experiencias del conocimiento. Mi trabajo es un intento de crear un lenguaje visual que exprese lo intrincado de la memoria. La memoria conecta nuestro pasado y nuestro presente, definiendo así quiénes somos. Tengo la hipótesis de que la memoria es la narrativa del pasado que puede funcional como la brújula del presente. Así pues, veo la historia en busca de evidencia. Finalmente mi trabajo busca re-presentar huellas de memoria como evidencia del pasado para recordar, rememorar y evocar.

Michelle Murillo – Landed, 2009 Silkscreen on glass / Serigrafía sobre vidrio. 4’ x 5’

Michelle Murillo – Destinations I, 2008  Silkscreen on glass  / Serigrafía sobre vidrio. 24” x 24” x 4”

El Paso, TX

Brenda Perry

rowing up in El Paso, I have always considered this geographically isolated area an epicenter of two very distinct worlds. My perception of this paradoxical environment results in a connection of both cultures. Photography has always been my primary means of communication. Although I do not consider myself a photographer, I practice both contemporary and obsolete processes in order to link concept materially to its subject matter. In my most recent artwork, Underlying Issues, I address the opposing elements of perspective from two adjoining nations. The photographs I shot from both sides of the border investigate the transparent dissimilarities between the sister cities. Living in El Paso with a clear view of Juarez has always made me question the inherent injustices of governments, social orders, and political powers that can bewitnessed through the living conditions of people in a single panoramic view. Overexposure to our neighbor’s struggles has also seemed to cause much desensitization amongst the general public in the borderland. In my series, Postmortem Juarez, I approach the daily killings as an event in history. By documenting recent crime scene photographs on tintypes and glass plates, I compare the contrasting notion of history happening now.Through my art I attempt to bring more social consciousness to the critical problems affecting both cultures today.

abiendo nacido en El Paso, siempre he considerado a esta aislada área geográfica como el epicentro de dos muy distintos mundos. Mi percepción de éste paradójico entorno es el resultado de la conexión con ambas culturas. La fotografía ha sido siempre mi principal medio de comunicación, sin embargo yo no me considero fotógrafa, practico tanto el proceso tradicional como el contemporáneo con el fin de ligar los conceptos a sus temas. En mi más reciente trabajo, Underlying Issues ( Temas Subyacentes), trato los elementos opuestos de perspectiva desde las dos naciones vecinas. Las fotografías captadas desde los dos lados de la frontera investigan las disimila-

ridades transparentes entre las dos ciudades hermanas. Vivir en El Paso con una vista clara de Juárez siempre me ha hecho cuestionarme acerca de las justicias inherentes a los gobiernos, los órdenes sociales y el poder político que pueden atestiguar las condiciones de vida de las personas dentro de una sola vista panorámica. La sobrexposición a las luchas de nuestros vecinos también ha sido la causa de una cierta des sensibilización en el público en general y en la frontera. En mi serie Post Mortem Juarez (Juárez Post Mortem) planteo los asesinatos diarios como un evento más en la historia. Documentando fotografías que representan escenas de crímenes recientes sobre tintypes y platos de vidrio comparo la noción contrastante de la historia que ocurre actualmente con los problemas críticos que afectan ambas culturas en la actualidad y trato de ofrecer una conciencia social acerca de esto.

Brenda Perry – Postmortem Glass Plate I, 2010 Silver emulsion on glass / Emulsión de plata sobre vidrio. 4” x 5”

Brenda Perry – Underlying Issues (front), 2010 Photography on transparency film / Fotografía sobre película transparente. 5’ x 7’ x 12’

Las Cruces, NM

Greg Phillipy

esthetically, guns are perfect instruments of precision and utility. While guns and gun rights are always debated in the United States, ownership is regarded as a basic freedom. Consequently, most of the guns used in the violence across the border originate form the U.S. I am struck by the irony of how one of the symbols of American freedom, once transported over the border, can become tools for commercialized terror in the drug trade once they reach the hands of loathsome criminals.

stéticamente, las pistolas son instrumentos perfectos de precisión y utilidad. Mientras los derechos de posesión de armas son motivo de debate en los Estados Unidos, la propiedad de las mismas es entendida como una libertad básica. En consecuencia, la mayor parte de las pistolas usadas para la violencia al otro lado de la frontera provienen de los Estados Unidos. Me impacta la ironía de cómo estos símbolos de la libertad norteamericana, una vez llevados a l otro lado de la frontera, se pueden convertir en herramientas para el comercio del terror en el narcotráfico, en manos de los criminales

Gregory Phillipy – La Biblia es Verdad, 2010  Ceramic and wood / Cerámica y madera. 28” x 42” x 3”

Gregory Phillipy – Candy Colored Pistols, 2003 Ceramic, wood and bronze / Cerámica, madera y bronce. 18” x 24” x 4.5”

Pasadena, CA

Kerianne Quick

raveling to learn about physical and cultural geography is a vital aspect of my art practice. The fundamental objective is one of visceral understanding of a people and place, filtered through the experience of an outsider pretending to be an insider. The work becomes a strange commemoration of a time and place; a kind of reverse souvenir made by the visitor instead of the visited. Predominately my work is about the global context in which objects are made and cross-cultural negotiation. In my most recent work the geographic origin and physical properties of the material directly influence the form of the object. Materials that are mundane are impregnated with specific circumstances that surround the place from which the material is sourced. Through research I become explorer and the work becomes a vessel for discovery, communication and understanding. The work’s ultimate goal is to inspire the viewer to consider a complex network of historical, economic, and geopolitical forces that bring an object into existence. Thus I intentionally collapse the notion that art or any designed object can emerge from a bubble, untouched by the issues of culture and economy.

iajar para aprender acerca de geografía física es un aspecto vital de mi practica artística. El objetivo fundamental es el obtener un entendimiento visceral de personas y lugares, filtrado a través de la experiencia como forastero que pretende ser de adentro. El trabajo se convierte en una extraña conmemoración de tiempo y lugar: una suerte de souvenir en reversa hecho por el visitante en lugar de por el visitado. Predominantemente mi trabajo es acerca del contexto global en el cual los objetos están hechos y son una negociación transcultural. En mi trabajo más reciente, el origen geográfico y las propiedades físicas de los materiales influencian directamente la forma del objeto. Materiales mundanos que están impregnados con las circunstancias específicas que rodean el lugar de donde provienen. A través de la investigación me he convertido en un explorador y el trabajo en un recipiente del descubrimiento, la comunicación y el entendimiento. El fin último es inspirar al observador a considerar la compleja red de fuerzas históricas, económicas y geopolíticas que traen un objeto a la existencia. Así pretendo de manera intencional acabar con la noción de que el arte o cualquier objeto diseñado pueden emerger de una burbuja intocado por los elementos de la cultura y la economía. 84

Kerianne Quick – Cartel Cameos: Arellano, Guzman, Cardenas, 2009 Vegetable tanned leather, silver, copper, stainless steel / Piel vegetal bronceada, plata, cobre, acero inoxidable. 1.75" x 1.25" x .25"

Kerianne Quick – Souvenirs from the Border: Bolsa Grande, Ciudad Juarez (rear / reverso), 2009  Vegetable tanned leather, brass, hand tooled, laser etched / Piel vegetal bronceada, cosido a mano, grabado laser. 8.25” x 5.25” x 3.25”

Kerianne Quick – Souvenirs from the Border: Bolsa Grande, Ciudad Juarez (front / frente), 2009  Vegetable tanned leather, brass, hand tooled, laser etched / Piel vegetal bronceada, cosido a mano, grabado laser. 8.25” x 5.25” x 3.25”

Fort Davis, TX

Tim Roberts

nfluenced by the rugged landscapes, varied characters, and customs of the borderland region of west Texas and adjacent Chihuahua, Mexico, I work in a variety of media—oils, acrylics, watercolor pencils, and scratchboard etching— to present snapshots of this land and the people that live here. While I enjoy working in color, the classic black and white nature of scratchboard etching lends itself well to illustrating the duality of such topics as life and death, good and evil, night and day, and other subject matter. Regardless of the media that I use to produce an art piece, the one rule of thumb that I follow with all of my artwork is that the work must be fun for me to do and must hold my interest from beginning to end and, if I am very lucky, this will also result in an artwork that others will appreciate and enjoy. Using the historic Terlingua, Texas cemetery as a backdrop, my etchings in this exhibition depict imagery influenced by the Day of the Dead (Día de los Muertos) celebration, a primarily Latin American occasion when family and friends gather to pray for and remember friends and family who have died.

nfluenciado por paisajes escarpados, una variedad de personajes y la aduana de la región fronteriza del oeste de Texas, adyacente con Chihuahua, México, trabajo con una gran variedad de medios: aceite, acrílico, lápices de acuarela y grabado para presentar instantaneas de esta tierra y de las personas que viven aquí. Mientras disfruto trabajar con el color, el clásico blanco y negro y la naturaleza blanca de los grabados conducen a poder ilustrar la

dualidad de temas como la vida y la muerte, el bien y el mal, la noche y el día y otros. Mas allá del medio que use para producir la obra artística, la regla básica que sigo para mi trabajo es que debe ser divertido para mí, esto para que mantentenga un interés de principio a fin y, si tengo suerte, esto redundará en una obra artística que los demás apreciarán y disfrutarán. Utilizando el histórico cementerio de Terlingua, Texas como telón de fondo, mis grabados en esta exhibición representan imágenes influenciadas por la celebración del día de muertos, una ocasión que en Latinoamérica se aprovecha para que las familias y amigos se reúnan a rezar por quienes han fallecido.

Tim Roberts – Nevermore, 2008  Scratchboard etching / Dibujo esgrafiado sobre tabla. 8” x 10”

Tim Roberts – Bride of Terlingua, 2008 Scratchboard etching / Dibujo esgrafiado sobre tabla. 8” x 10”

Spring, TX

Humberto Saenz

y art aims to empower the viewer with knowledge about immigration issues which have affected and segregated Mexican immigrant communities. The immigration issue within the political consciousness has fragmented the voice of the American culture to one of dissent and superiority. The issues that interest me within this strife are tradition, politics, and the immigrant struggle. My imagery depicts issues which affect the community through the appropriation of mythological stories and contemporary immigrant issues. Within my imagery the piñata is a signifier of the Mexican culture and the Mexican immigrants. The piñatafication of the figures represents the objectification of minorities and points to the loss of culture, identity, and the division of disenfranchised immigrant communities.

i arte intenta empoderar al observador con el conocimiento acerca de temas de migración que han afectado y segregado a las comunidades méxicoamericanas de inmigrantes. El tema de la migración dentro de la conciencia política ha fragmentado la voz de la cultura americana en superioridad y desacuerdo. Los temas que me interesan dentro de estos conflictos son la tradición, la política y la lucha de los inmigrantes. Mis imágenes representan temas que afectan a la comunidad a través de el apropiamiento de historias mitológicas y de temas de la migración contemporánea. Dentro de mis imágenes, la piñata es un significante de la cultura mexicana y de los inmigrantes mexicanos. “La piñatificación” de las figuras representa la cosificación de las minorías y apunta hacia la pérdida de cultura, identidad y la división de comunidades de inmigrantes privadas de sus derechos.

Humberto Saenz, La Arca, 2008  Lithography  / Litografía. 19” x 15”

Humberto Saenz, Una Nueva Guerra, 2008  Lithograph / Litografía. 11” x 17”

Chihuahua, MX

Rocio Sáenz

a violencia puede ser una fuerza con dos polos, lleva la destrucción en sí misma pero simbólicamente engendra una posible renovación. Dentro de estos escenarios se mezclan imágenes de un pasado que se recuerda a pedazos con elementos de un lenguaje urbano contemporáneo. En el centro caótico se evidencia la discrepancia entre sus personajes, la raíz de la incomunicación. Por otro lado la fuerza reveladora que se manifiesta hacia fuera sin lastimar lo “otro” no arremete, vive en lo hondo, aviva la flama de las convicciones. Esta serie de piezas es por así decirlo un diálogo plástico violento, visto desde diferentes interpretaciones personales, pasando de las experiencias íntimas hasta los acontecimientos sociales que se manifiestan desde los medios de comunicación donde generalmente el ser humano es visto como un objeto de nuestro entorno. A partir de este diálogo propongo una lectura abierta en la que pretendo encontrar también el reverso de la moneda y reflexionar sobre las otras formas de desencontrarse con los demás de maneras no violentas.

iolence can be a continuum with two polar opposites – while violence is inherently destructive, it can lead to potential renewal. In this environment, images of a past that is partially remembered intertwine with elements of a contemporary urban language. In its chaotic center, the conflict between the characters is evident. It is the source of their lack of communication. Somewhere else, a revelatory force that outwardly projects itself in a way that causes no harm to “the other” is self-contained; it simmers within,

fanning the flame of one’s convictions. It could be said that this series of works is a violent plastic dialogue seen from different perspectives that range from intimate experiences, to social events broadcast by the media in a way that generally portrays human beings as objects in their environment. With this dialogue, I propose an open interpretation in which I also try to find the flip side of the coin and reflect on other ways to disagree with others in a non-violent manner.

Rocío Sáenz – Baloon, 2010  Monotype/paper / Monotipo/papel. 13.4” x 49 19.3”

Rocío Sáenz – Comunicación paralela, 2010  Monotype/paper / Monotipo/papel. 34 cm x 49 cm

McAllen, TX

Marina Salinas

The hybrids – los híbridos

s a teenager studying in Mexico and the United States, my traditional views and customs were challenged since my early years. In my adult life, I have realized that I am a border woman caught between two worlds. I consciously recognize that I cannot completely abandon my roots, family, traditions, or culture. We border girls are different compared to women confined exclusively to the Mexican or American culture. We are somewhat isolated, creating our own culture, beliefs, and traditions. Some of us metamorphose into strange human beings. Others go back resolutely to the traditional Mexican ways. A final few acquire exuberant traits from both cultures. Nonetheless, it takes a while to acknowledge this metamorphosis and to find ones place within this hybrid society. In these photographs, I have captured the abandonment of my ancestor’s homes. They left their land, culture and mores to assimilate into the American Dream. There is a realistic sensation of their aura, past existence, and abandoned life encapsulated in a stagnated and deteriorated exposure. A dialogue is opened to raise questions regarding the depth of their recognition and the extent of their omnipresence in a continuous furtive life in a surrogate country.

The hybrids – los híbridos

omo un adolescente que estudió tanto en México como en Estados Unidos, mi visión tradicional fue cuestionada desde muy temprana edad. En mi vida adulta me he dado cuenta que soy una mujer fronteriza atrapada entre dos mundos. De manera consciente reconozco que no puedo abandonar completamente mis raíces, mi familia, mis tradiciones y mi cultura. Nosotras, las chicas de la frontera, somos diferentes comparadas con las mujeres que están confinadas ya sea a la cultura mexicana o a la norteamericana exclusivamente. De alguna manera estamos aisladas y creamos nuestra propia cultura, creencias y tradiciones, algunas incluso nos metamofoseamos en seres humanos muy extraños, otras regresamos de manera resuelta a las tradicionales formas mexicanas.Finalmente algunas cuantas adquieren rasgos exuberantes de ambas

culturas. No obstante toma un poco de tiempo el asimilar esa metamorfosis y encontrar el lugar propio dentro de esta sociedad híbrida. En estas fotografías he capturado el abandono de los hogares de mis antepasados. Dejaron su tierra, su cultura y más en aras de incorporarse al sueño americano. Hay ahí una sensación realista de su aura, de sus existencias pasadas y de su abandonada vida, encapsulado en una exposición anquilosada. El diálogo está abierto para que surjan preguntas en función de su reconocimiento y alcance de su omnipresencia en una continua y furitiva vida en un país sustituto. Marina Salinas, – Los Penantes, 2008  Mixed Media / Técnica mixta. 48” x 48”

Marina Salinas – Los Ausentes 1, 2008  Photography / Fotografía. 12 » x 18

Flagstaff, AZ

Shawn R. Skabelund

y work explores what Wendell Berry calls the “unsettling of America,” namely, the effects, the marks, and the changes that humans make on the land and cultures of a given area. My installations all demonstrate my desire to create art that gives viewers time and space to think about the local communities, economies, and ecosystems they inhabit. It is my hope that my art initiates questions which remind viewers of their importance, their responsibilities, and their place, on earth and in the order of things—the local cultures they share with other creatures. Land Reclamation: In 1848, the Southwest became part of the United States through illegal means, stolen from Mexico. This piece explores the contemporary dilemma of Hispanic immigration to the north Arizona Miner (17 April 1869): This piece explores manifest destiny within the historical boundaries of the New Mexico Territory and displacement of the Apache Indians within the Southwest before Arizona became a state.

i trabajo explora lo que Wendell Berry llama la “desestabilización de América”, a saber, los efectos, las marcas y los cambios que los humanos hacemos en la tierra y la cultura de un área en particular. Mis instalaciones, todas, demuestran mi deseo de crear un arte que le ofrezca al observador tiempo y espacio para pensar acerca de las comunidades locales, economías y ecosistemas que habitan. Tengo la esperanza de que mi arte inicie cuestiones que les recuerden a los observadores de su importancia, sus responsabilidades y de su lugar en la tierra y en el orden de las cosas, así como de las culturas locales que comparten con otras criaturas. Land of Reclamation (Reclamo de la tierra). En 1848 el suroeste pasó a ser parte de Estados Unidos mediante medios ilegales, robado de México. Esta pieza explora el dilema contemporáneo de la inmigración hispana hacia el norte. Arizona Miner (Minero de Arizona), 17 de abril de 1869. Esta pieza explora el destino manifiesto dentro de los límites históricos del territorio de Nuevo México y el desplazamiento de los indios apaches dentro del suroeste antes de que Arizona se convirtiera en un estado.

Shawn R. Skabelund – Arizona Miner, 17 April 1869, 2009 Installation / Instalación. 36" x 68" x 12"

Shawn R. Skabelund – Land of Reclamation, 2008 Installation / Instalación. 96" x 96" x 4"

Las Cruces, NM

David Taylor

Working the Line

ver the last four years I have been photographing the U.S.-Mexico border between El Paso/Juarez and Tijuana/San Diego. The 690 miles of land boundary west of the Rio Grande is a territory in transition. During my work the United States Border Patrol has doubled in size and the federal government has constructed over 600 miles of pedestrian fencing and vehicle barrier. With apparatus that range from simple tire drags to seismic sensors the border is under constant surveillance. To date the Border Patrol has attained “operational control” in many areas, however people and drugs continue to cross. Much of that traffic occurs in the most remote and rugged areas of the desert. My travels along the border have been done both alone and in the company of Border Patrol agents and have been granted broad access to photograph field operations and the routine activities that occur within Border Patrol stations. In total, the resulting pictures are intended to offer a view into locations and situations that we generally do not access. In doing so, I hope to offer a view into highly complex set of issues that are most often framed by reductive, ideologically driven polemics.

Trabajando la línea

or espacio de los cuatro últimos años he estado fotografiando la frontera entre México y Estados Unidos, El Paso-Juárez y Tijuana-San Diego. Las 690 millas de tierra aledañas al oeste del Río Grande son un territorio en transición. Durante el desarrollo de mi trabajo, la Policía Fronteriza se ha duplicado y el gobierno federal ha construido más de 600 millas de cerca para impedir el paso de peatones y vehículos, con aparatos que van desde simples poncha llantas hasta sensores sísmicos. La frontera está

constantemente vigilada, a la fecha. La Policía Fronteriza ha alcanzado un “control operativo” en muchas áreas, sin embargo las personas y la droga continúan cruzando y mucho de este tránsito ocurre en áreas escarpadas del desierto. He viajado a lo largo de la línea fronteriza, sola y en compañía de agentes de la Policía Fronteriza y se me ha permitido el acceso a fotografiar operaciones de campo y actividades de rutina que ocurren en las estaciones de la Policía Fronteriza. En suma, las fotos resultantes intentan ofrecer una visión de locaciones y situaciones a las que generalmente no se tiene acceso, al hacer esto, espero ofrecer una visión de un complejo sistema de asuntos que usualmente son enmarcados dentro de una polémica ideológica y reduccionista.

David Taylor – Detainee Holding Area, Arizona, 2009 Archival Inkjet Print / Impresión a chorro de tinta, calidad de archivo. 24" x 31.5"

David Taylor – Backpack Scars, 2009  Archival Inkjet Print / Impresión a chorro de tinta, calidad de archivo. 24” x 31.5”

Ciudad Juárez, MX

Rogelio Valenzuela

stas fotografías forman parte de una serie que intenta describir a Ciudad Juárez como una especie de (falsa) tierra prometida para mucha gente que viene del resto de México a trabajar como obreros en las maquiladoras. Además, esta serie de fotos también ilustra el urbanismo de la ciudad de un modo vívido, caótico, carente de una estética convencional, a la vez que es funcional.

hese photographs are part of a series that attempts to depict Ciudad Juarez as a kind of promised (and fake) land for many people who come from the rest of the Mexico to work as maquiladora operators. In addition, this series also depicts the city’s urbanism as vivid, chaotic, lacking of aesthetics in a conventional, yet functional sense.

Rogelio Valenzuela Colomo – Ruteras, 2009  Digital C print. / Impresión cromogénica. 11" x 14"

Rogelio Valenzuela Colomo – Casa rosa, 2009  Digital C print / Impresión cromogénica. 8" x 14"

Corrales NM

Cathy Wysocki 100

hese paintings are a visceral response to a repeated flaw within civilizations throughout history - the drive to satiate an insatiable hunger. By means of deception, aggression, isolation, and the instilling of fear, humankind continues its quest for power, domination, and control of all life. Seeing the suffering and injustice around me ignites and motivates my work - searching for the compassion and kindness within us all, no matter how deeply buried.

stas pinturas son una respuesta visceral a las fallas que las civilizaciones repiten a través de la historia –el impulso por satisfacer una insaciable hambre–. Mediante engaños, agresión, aislamiento y el inculcar miedo la humanidad, continúa peleando por el poder, el dominio y el control de la vida. Ver el sufrimiento y la injusticia a mi alrededor es lo que enciende y motiva mi trabajo, buscando la compasión y la bondad que hay dentro de nosotros, no importa qué tan profundo estén enterradas.

Cathy Wysocki – El Bruto, 2009  Mixed media on wood / Técnica mixta sobre madera. 59" x 72" x 8"

Cathy Wysocki – Unrelenting, 2009 Mixed media on wood / Técnica mixta sobre madera. 57" x 70" x 3"

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Artists’ nationality / Nacionalidad de los artistas

Itzel Aguilera Ciudad Juárez, MX

Alejandro Cartagena Monterrey, MX

Eréndira Gonzalez Tijuana, MX

Nery Gabriel Lemus Pasadena, CA

Oscar Moya El Paso, TX

Rocío Saenz Chihuahua, MX

Julie Anand and Damon Sauer Phoenix, AZ

Vic De la Rosa San Francisco, CA

Alexandra Grant Los Angeles, CA

Paho Mann Dallas, TX

Michelle Murillo Dallas, TX

Marina Salinas McAllen, TX

Sergio De la Torre San Francisco, CA

Luis Hernandez Los Angeles, CA

Mayra Martell Chihuahua, MX

Brenda Perry El Paso, TX

Shawn Skabelund Flagstaff, AZ

Leticia Díaz Moreno Ciudad Juárez, MX

Yvianna Hernandez El Paso, TX

Shane Mecklenburger Dallas, TX

Gregory Phillipy Las Cruces, NM

David Taylor Las Cruces, NM

Justin Gainan Oakland, CA

Farah Karapetian Los Angeles, CA

Hector Mendoza Oakland, CA

Kerianne Quick Pasadena, CA

Rogelio Valenzuela Colomo Ciudad Juárez, MX

Matt Gainer Toluca Lake, CA

Julia Landois San Antonio, TX

Dominic Miller Phoenix, AZ

Tim Roberts Fort Davis, TX

Joseph Gerges La Mirada, CA

Anthony Lazorko Mesilla, NM

Jeffrey Miranda Allen, TX

Humberto Saenz Spring, TX

Tania Anchondo Chihuahua, MX Jesus Barraza San Leandro, CA Camp Bosworth Marfa, TX Maureen Burdock Santa Fe, NM Camilo Cruz Los Angeles, CA

Ed Gomez Long Beach, CA

Cathy Wysocki Corrales, NM

Noe Montes Los Angeles, CA

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