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Marzo Aprile 2020

anno IX n.02

FOTO

IMAGING

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FINE ART

STORIE DI FOTOGRAFI E DI FOTOGRAFIA

IMAGE MAG MARZO n APRILE 2020

Jacques Henri

Lartigue

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Coronavirus È pandemia: chi se lo aspettava? A poco alla volta si è spento tutto, persino ciò che ci veniva raccontato. Negozi chiusi, strade deserte, mascherine: siamo soli in casa, in quel luogo che abbiamo sempre usato poco. Oggi ci troviamo lì, preoccupati è ovvio, a domandarci come andrà a finire, e quando soprattutto. Sì perché, anche il prossimo ormai è un avversario. Nelle rare uscite che possiamo permetterci, quasi ci evitiamo, misurando (a vista) quel metro che pare essere di speranza. Questi giorni propongono poi una realtà dicotomica: noi, che siamo a casa; e tanti (il personale medico) che si sta facendo in quattro per far sopravvivere. D’improvviso ci rendiamo conto come i “teatri” del ventesimo secolo non contino

nulla: il calcio, la Formula 1, gli spettacoli vari, persino quella TV di urlatori che ormai vive di una quotidianità straziante.

Alla fine, una risposta plausibile viene proprio da quella “domus” che ci ha accolto in silenzio. Da lì potremo ripartire, per comprendere ciò che è veramente importante per noi; e anche per quell’avversario (il prossimo) al quale contiamo, un giorno, di poter stringere la mano.

Se frughiamo nei cassetti dimenticati, probabilmente verrà fuori un po’ della nostra storia e anche quella fotografia che ci farà ridere, piangere, meravigliare. Ripartendo da lì, ce la faremo.

COVER STORY

EDITORIALE

Mosè Franchi

1. CORONAVIRUS

Coronavirus, il momento, le opportunità.

CAFÉ FOTOGRAFICO 14. PERSONE, FATTI, CURIOSITÀ Notizie da non perdere.

UNO DI NOI

72.IL REGISTA FOTOGRAFO, E NON SOLO

Fotografia e cinema hanno coabitato nell’arte di Giuseppe Tornatore, prendendo spunto dallo stesso pensiero, da un medesimo approccio alle cose della vita.

COMUNITÀ FOTOGRAFICA 60. UN PROGETTO DI VITA

Jacques Henri Lartigue

La fotografia che può accompagnarci per tutta l’esistenza.

4. IL FOTOGRAFO DELLA FELICITÀ

HI-END

L’ALTRA COVER STORY

66. NIKON, OLYMPUS E CANON Presentati tre prodotti professionali.

Sono fotocamere “di punta”. Sarà bello averle al collo.

QUESTIONE DI LIBRI

24. LA BIBLIOTECA CHE VORREI I testi che non dovrebbero mai mancare nei nostri scaffali.

EVENTI&MOSTRE 70. DA VEDERE & PER PARTECIPARE

Simone Nervi

Mostre, eventi, manifestazioni, fiere, workshop e seminari.

16. IL SOGNATORE CHE COMUNICA Progetto grafico Visiva S.r.l. - www.visiva-adv.it

­­www.imagemag.it

Realizzazione grafica Gino Durso, Davide Lanzino, Ilaria Nigro

Direttore responsabile Mosè Franchi

Stampa Cortona Moduli Cherubini S.r.l.

Direzione artistica Massimo Reggia

Image Mag è una pubblicazione Consorzio Gruppo Immagine

Redazione Consorzio Gruppo Immagine Viale Andrea Doria, 35 20124 Milano Tel. 02/23167863 e-mail: info@imagemag.it

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Arretrati 20,00 euro.

Distributore esclusivo per l’Italia Consorzio Gruppo Immagine

Image Mag è una testata registrata presso il Tribunale di Milano con autorizzazione n. 237 del 1 Giugno 2012

Periodicità bimestrale

Abbonamento a 6 numeri: ritiro in negozio Photop 42,00 euro, spedizione postale 62,00 euro

PORTFOLIO 24. ENZO TRUPPO LIBERA NOS A MALO

30. MARIA PIA BARRACO SGUARDO SICILIANO

36. MAURILIO FORESTIERI DOPPELGÄNGER

42. STEFANO BARATTINI A DIFFERENT POINT OF VIEW

48. ANGELO BONARELLI RIFLESSI & GEOMETRIE

54. MARZIA BRAULIN CHI SONO IO?

È proibita la riproduzione di tutto o parte del contenuto sen­za l’autorizzazione scritta dell’Editore.

L’Editore è a disposizione per regolare i diritti delle immagini i cui titolari non siano stati reperiti.

pagina uno

Image Mag è la prestigiosa rivista bimestrale interamente dedicata alla fotografia e ai suoi interpreti. È l’espressione del desiderio di parlare ad appassionati di fotografia usando la lingua degli appassionati di fotografia. Una rivista che presenta immagini stupefacenti realizzate da celebri professionisti e lavori di appassionati che compongono gli epici portfolio, cuore e anima di questo straordinario magazine.

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COVER STORY I GRANDI PROTAGONISTI DEL PALCOSCENICO FOTOGRAFICO

IL FOTOGRAFO DELLA FELICITÀ

LARTIGUE pagina quattro

Grand Prix de l'Automobile Club de France detta anche l'automobile deformata, 1913 ma diffusa da Lartigue nel 1912 Photograph by Jacques Henri Lartigue Š Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

paginacinque

COVER STORY I GRANDI PROTAGONISTI DEL PALCOSCENICO FOTOGRAFICO

L

’occasione è ghiotta, irripetibile: guardare e leggere l’opera di Lartigue in una grande mostra antologica. Non potevamo mancare, anche perché in esposizione avremmo trovato il racconto di un novecento, quello della Parigi ricca e borghese del nouveau siècle.

Già a livello documentario le immagini di Lartigue assumono una valenza storica e sociale.

Resta però da considerare il valore dell’attimo, cercato di continuo per rinsaldarne la memoria e mantenerlo in vita. Lì il fotografo francese ha portato avanti una ricerca spasmodica ed estrema. Ne emerge la bellezza, tanta; ma anche il movimento, l’istante rinsaldato, il tutto in un racconto infinito, che poi è quello di una vita.

La mostra titola “L’invenzione della felicità” e le parole risultano appropriate. Emerge però anche il retrogusto dolciastro di tanti istanti fuggiti dietro un’auto in corsa o nel ricordo di una donna troppo bella oggi.

La mostra L’invenzione della felicità. Fotografie.

L’esposizione è la più ampia retrospettiva mai organizzata in Italia, dedicata al fotografo francese Jacques Henri Lartigue (1894-1986).

La rassegna presenta 120 immagini, di cui 55 inedite, tutte provenienti dagli album fotografici personali di Lartigue, dei quali saranno esposte alcune pagine in fac-simile.

Il percorso de "L’invenzione della felicità" si articola intorno a questi grandi momenti di riscoperta dell’opera di Lartigue, a cominciare dalla rassegna del museo newyorkese, durante la quale sono presentati i suoi primi scatti precedenti la Prima Guerra Mondiale, e che fanno di lui l’enfant prodige della fotografia.

Ispirato dai giornali e dalle riviste illustrate di quest’epoca, Lartigue s’interessa alla ricca borghesia parigina che si ritrovava ai Grandi premi automobilistici, alle corse ippiche di Auteuil, oltre che agli uomini e alle donne eleganti che le frequentavano.

A seguito del successo ottenuto con la mostra al MoMa, verso la fine degli anni ‘60, Lartigue incontra Richard Avedon e Hiro, due tra i più influenti fotografi di moda di allora, che si appassionano immediatamente alla sua arte.

Avedon, in particolare, gli propone presto di realizzare un lavoro che prenda la forma di un “giornale fotografico”, mostrando un po’ di più degli archivi di Lartigue. Aiutato da Bea Feitler, l’allora direttrice artistica di Harper’s Bazaar, pubblicano nel 1970 il Diary of a Century che lo consacra definitivamente tra i grandi della fotografia del XX secolo.

Tuttavia, Lartigue non è più da tempo il fotografo amatoriale di inizio secolo. Dagli anni ‘40 pubblica le sue fotografie su riviste, combinando i suoi incontri mondani e le inquadrature

pagina sei

Madeleine Messager detta Bibi durante il viaggio di nozze con Jacques Henri Lartigue. Hôtel des Alpes, Chamonix, 1920 Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

Anna la Pradvina, detta anche “la signora con le volpi” Avenue du Bois, Paris, 1911 Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

André Haguet, un cugino di Lartigue, Foresta di Rambouillet, 1938 Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

paginasette

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Il conte Salm durante la finale dei Campionati del Mondo di tennis, Parigi, 8 giugno 1914.

Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

pagina otto

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ricercate.

Dopo l’approfondimento del periodo della sua riscoperta, le ultime sezioni si concentrano sugli anni ‘70 e ‘80, segnati dalle collaborazioni con il mondo del cinema, dove lavora come fotografo di scena per numerosi film, e della moda. L’occhio di Lartigue, tuttavia, non riuscì mai ad allontanarsi dalla vita di tutti i giorni, immortalando sempre molti dettagli curiosi e carichi d’ironia.

Un interessante focus è inoltre riservato alle memorie che Lartigue scrisse negli anni ‘60 e ‘70, quando inizia a ricomporre i suoi album nei quali aveva raccolto tutti i suoi scatti.

JACQUES HENRI LARTIGUE. L’invenzione della felicità. Fotografie Casa dei Tre Oci Fondamenta delle Zitelle, 43,

Giudecca, Venezia Fino al 12 giugno 2020 Note biografiche Jacques-Henri Lartigue (1894-1986) è nato a Courbevoie, Francia, ed è cresciuto a Parigi.

Suo padre, un uomo d'affari e appassionato fotografo dilettante, gli regalò la prima macchina fotografica all'età di sette anni. Lui era attratto precocemente dal movimento, infatti le sue prime istantanee riguardano il tennis, il nuoto, e altri giochi.

A partire dal 1904 inizia con alcuni esperimenti fotografici. L'esempio più rappresentativo di queste prove è costituito dalle sovrimpressioni per creare foto di “pseudo fantasmi”. Automobili e aeroplani, ma più in generale il movimento, diverranno poi tra i soggetti preferiti da Lartigue.

In questi anni comincia a delinearsi la filosofia che poi caratterizzerà tutta la sua vita: il culto della felicità, la ricerca di un idillio che non

possa essere turbato da traumi profondi. Tale ideale, che si rispecchia a pieno con il periodo della Belle Époque, viene rappresentato dalle fotografie di serate mondane e eleganti dame a passeggio al Bois de Boulogne, che lo interessano fin da giovane.

Parallelamente, in piena prima guerra mondiale, Lartigue decide di dedicarsi alla pittura. In questi anni, lavora anche come scenografo, illustratore e fotografo di scena, iniziando a frequentare personalità di spicco del mondo dell’arte e del cinema.

Lartigue arrivò alla notorietà molto tardi, aprendosi al pubblico americano attraverso una mostra fotografica organizzata da John Szarkowski nel 1963 al Museum of Modern Art di New York, che ha visto Jacques-Henri Lartigue come "il precursore di tutto ciò che è vivace e interessante nel mezzo del 20° secolo".

Il fotografo Jacques Henri Lartigue è un

La Baule, 1979 Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

paginanove

Federico Fellini sul set di La città delle donne, Cinecittà, Roma, 1979 Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

paginadieci

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COVER STORY I GRANDI PROTAGONISTI DEL PALCOSCENICO FOTOGRAFICO

esempio d’artista la cui opera è pervasa da un forte dilettantismo. Parte delle sue opere più famose risalgono a quando era un bambino.

In queste è facile riscontrare un senso evidente d’infantilismo, nel senso migliore della parola.

Esteticamente, mostrano un mondo pieno di energia, movimento, velocità, divertimento: le cose che attraggono i ragazzi.

Del resto, cosa attendersi di più? Jacques era figlio del dodicesimo uomo più ricco di Francia. I motori facevano parte della sua vita, anche attraverso un padre che viveva le corse direttamente. Una curiosità, al tempo esistevano nel territorio d’oltralpe 102 fabbricanti di automobili.

Ancora due curiosità sul fotografo francese.

Come abbiamo detto, giunse alla notorietà negli Stati Uniti, relativamente tardi rispetto alla carriera. Un servizio su di lui venne pubblicato su LIFE che dedicava molte pagine all’omicidio di J.F. Kennedy. La moglie ebbe modo di dire che un po’ di fortuna non guastava, avendo temuto che l’assassinio presidenziale avrebbe potuto far saltare i piani editoriali del magazine.

Noi crediamo che Lartigue sia stato realmente

fortunato, inconsapevolmente; e che le sue fotografie vivano proprio di un entusiasmo incondizionato e vero: quello che deriva da tanti scatti alla scoperta di un mondo privato, ma gigantesco e opulento. Belle sono le macchine e le donne, compreso le mogli che hanno riempito

”CIÒ CHE M’INTERESSA È L'ISTANTE PRESENTE, BISOGNA TROVARE OGNI GIORNO IL MODO PER ESSERE FELICI" la sua vita. Non traspare comunque nessuna alterigia dagli scatti: tutto è solo più alto e, ahinoi, inaccessibile ai più.

Per finire, l’editore Taschen ha inserito “Car Trip” tra le cinquanta foto più importanti del secolo scorso. Un’altra fortuna?

Dani Lartigue, Aix-les-Bains, agosto 1925.

Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

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Lartigue muore il 12 settembre del 1986 a Nizza, all’età di novantadue anni, restando nell’immaginario della gente come il testimone privilegiato di un’età d’oro.

Il fotografo della felicità Parlando di felicità, in fotografia la scelta cade inevitabilmente su Jacques-Henri Lartigue. Ne parleremo in profondità, per quanto ne siamo capaci; scopriremo tra l’altro come si possa lasciare il segno pur essendo semplici amatori.

Al nostro è capitato, ma era molto bravo.

La parola “dilettante” ha due significati. Nel suo senso classico del termine, rappresenta l'opposto di professionista; si riferisce così a coloro che perseguono un obiettivo per amore, piuttosto che per le ricompense che potranno arrivare. In questo senso la parola identifica spesso i praticanti più sofisticati. Molti dei più grandi nomi della fotografia sono stati “amatori” puri, così come tanti altri che, anche se “a pagamento” durante la settimana, hanno svolto il loro miglior lavoro durante il fine settimana.

Il secondo significato della parola “dilettante”, diverso e diffuso, identifica colui che svolge il

COVER STORY I GRANDI PROTAGONISTI DEL PALCOSCENICO FOTOGRAFICO

proprio lavoro in mancanza di tutta la competenza necessaria, oltretutto senza i toni seri e gravi tipici del professionista. A quest’ultimo potrà essere concesso di non essere totalmente preparato, ma mai potrà perdere i comportamenti di colui che opera per un Cliente. Questo secondo tipo di dilettante generalmente vive tra mille ostacoli e unicamente del proprio talento, che poi non è quasi mai abbastanza.

Ci sono, tuttavia, rare occasioni nelle quali un talento eccezionale, accomunato a una nuova tecnica (mai sfruttata prima) si combinano in una personalità ingenua e spregiudicata come quella di un bambino. In questi casi (rari, a dire il vero) i risultati possono essere sorprendenti.

Nei primi del ‘900 Jacques Henri Lartigue era un bambino e aveva iniziato a scattare già dall’età di dieci anni, quando nacque la sua passione per la fotografia e la pittura.

Lui era un privilegiato, questo è certo, ma ha fatto del suo meglio proprio partendo dai vantaggi a disposizione. Guardando le sue immagini, si potrebbe supporre che la vita della sua famiglia sia stata dedicata interamente alla ricerca del divertimento: la spiaggia, la pista, le belle donne in abiti eleganti, le automobili di lusso, le macchine volanti e ogni sorta di splendido beneficio, compresa la fotografia ovviamente.

Anche se Lartigue fosse stato un fotografo comune, o addirittura banale, la documentazione da lui tramandata avrebbe rappresentato un bene prezioso. In realtà lui era un fotografo dal talento meraviglioso. Colse immagini memorabili con lo stile di un grande, a cui è stato offerto il beneficio di vedere chiaramente e a fondo.

Lartigue non ha avuto alcun effetto percepibile sullo sviluppo della fotografia nel ventesimo secolo, dal momento che il suo lavoro rimase praticamente sconosciuto per cinquant’anni e più, quando era già stato portato a termine quasi nella sua interezza. Quando le sue immagini vennero alla luce, apparirono persino inevitabili: forse perché evidenziavano “modalità d’uso” in voga al momento. Sarebbe stato meglio considerare che quelle fotografie le aveva scattate un bambino, cinque decenni prima.

Una felicità a volte difficile Lartigue aveva due diari, uno scritto e uno fotografico. Fin dall’infanzia annotava di continuo ogni evento della sua vita, nel tentativo di consolidare gli attimi felici, provando quasi a fermarli. Già questo nasconde un po’ di malinconia, quasi che la contentezza debba essere un evento obbligato, povero di spontaneità, razionale addirittura.

Certo, lui era nato in una facoltosa famiglia francese. Trascorse un’infanzia tranquilla da bambino spensierato, il che si proietterà in tutta la sua vita longeva. Lusso e belle donne, infatti, costituiranno il tema portante delle sue fotografie. Per tale ragione è stato chiamato il

“fotografo della felicità”.

Ma questa è una lettura dall’esterno, con un occhio d’invidia. Si può essere felici cancellando dai diari tutti i momenti tristi? Lartigue lo fece.

Il risultato non è forse una narrazione irreale?

Probabilmente. Anche lui, però, visse degli attimi difficili: l’epidemia della spagnola (ne sappiamo qualcosa anche noi, oggi), la morte della sua seconda figlia o i ripetuti divorzi, ma tutto ciò è stato cancellato dalle raccolte fotografiche nel tentativo di ricostruire, a ritroso per giunta, un’esistenza perfetta, senza ombre. Ecco emergere allora una malinconia dolciastra, edulcorata dall’eccesso, eppure sempre presente; e crediamo che anche questo faccia parte della fotografie di Lartigue. Se ci piacciono tanto (perché è così), in parte lo dobbiamo a una tristezza necessaria e obbligata. Ogni immagine che vediamo racchiude il ricordo di un tempo perso, non più afferrabile, irrimediabilmente passato nella polvere alzata da un’auto da corsa o dietro il sorriso di una donna ormai troppo bella.

LA NOSTRA COPERTINA: Coco, Deauville, 1938 - Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

Richard Avedon, New York, 1966 Photograph by Jacques Henri Lartigue © Ministère de la Culture (France), MAP-AAJHL

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CAFÈ FOTOGRAFICO NOTIZIE DA NON PERDERE

PERSONE, FATTI, CURIOSITÀ NASCE JOSEF SUDEK

Josef Sudek è nato il 17 marzo 1896, nella città industriale di Kolin, sul fiume Labe, in Boemia. Josef ha iniziato la sua vita lavorativa come apprendista rilegatore di libri. Ha perso il braccio destro mentre prestava servizio nell’esercito e poi si rivolse alla fotografia. Ha studiato fotografia presso la Scuola di Stato di Arti Grafiche a Praga dal 1922 al 1924.

Nei suoi primi lavori ha avuto un approccio pittorialista nella luce e nella forma. Durante il 1920, Sudek ha creato una serie di fotografie di soldati cechi disabili.

Dopo la sua prima mostra personale, nel 1933, il lavoro di Sudek è stato mostrato accanto a quella di László Moholy-Nagy, Man Ray, e Alexander Rodchenko al Salone Internazionale di Fotografia della città nel 1936.

Con l’eccezione del suo servizio militare, e un breve viaggio attraverso l’Italia e un altro in Belgio alla fine del 1920, Sudek ha trascorso tutta la sua vita in Cecoslovacchia, fotografando Praga con intimità e affetto.

PROIEZIONE PRIVATA DEI LUMIÈRE

Il 22 marzo 1895, a Parigi, i fratelli Lumiere organizzano la prima proiezione privata di un film di animazione, usando un cinématographe. È da questo termine che deriverà poi la parola “cinema”. Il loro cortometraggio verrà proiettato in pubblico per la prima volta il 28 dicembre 1895 a Parigi, al Salon Indien del Grand Café al Boulevard des Capucines. È considerato il primo film della storia del cinema.

NASCE ERIC CLAPTON

Il 30 marzo 1945 nasce Eric Clapton. Figlio illegittimo, sono i nonni con cui vive a regalargli a quattordici anni la prima chitarra. È con i “Cream” (un trio) che nel 1965 raggiunge il successo. Assieme all’affermazione artistica, Clapton vive però l’esperienza drammatica della dipendenza da droga e, nel 1991, la tragica morte del figlio Conor, di soli 5 anni, al quale dedicherà il brano “Tears of heaven”. Negli anni ’80 e ’90, e fino ai giorni nostri, Eric Clapton si confermerà come uno dei più famosi e influenti chitarristi del mondo.

Non ricordiamo fotografi celebri che lo abbiano ritratto, ma la passione per la chitarra (mitica la sua Fender) ci ha “costretto” ad accludere questa notizia nelle curiosità.

Nella foto I Cream. Eric Clapton è il primo a destra

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CAFÈ FOTOGRAFICO NOTIZIE DA NON PERDERE

26 APRILE 1986, CHERNOBYL ESPLODE

Molti ricordano l’evento: a Chernobyl esplode il reattore 4. Da noi in Italia sembrava che anche l’aria avesse un altro sapore, ma era solo suggestione. Il più grande disastro nucleare della storia lascia ancora i suoi strascichi: con un retrogusto di opinioni e supposizioni, più o meno scientifiche. A noi però interessa la fotografia, così abbiamo selezionato il lavoro più suggestivo (titolo: Nel Ventre della Bestia), opera di un fotografo russo (Jeremy Nicholl), scattato 9 anni dopo il disastro.

Qui sotto riportiamo le sue parole.

“In epoca sovietica ci dicevamo che l’amico atomo sarebbe entrato in ogni casa, così nel mese di aprile 1986, l’ha fatto veramente”. L’oratore era l’ingegnere capo presso la centrale nucleare di Chernobyl, con cui avevo viaggiato durante un’escursione dedicata ai giornalisti in vista del 10° anniversario del più grande incidente nucleare della storia.

Ho annunciato al capo che avevo deciso di rimanere per una settimana: con mia grande sorpresa, dopo un paio d’ore di trattativa nel suo ufficio, ha accettato. Ho trascorso due giorni di lavoro all’interno dello stabilimento e il sarcofago che ospita le rovine del reattore numero quattro, l’epicentro dell’esplosione, e un altro paio di giorni nella zona interdetta (di 30 km) a cavallo del confine Ucraina-Bielorussia.

Naturalmente si tratta di posti straordinari. Pripyat, la città in precedenza sede di 50.000 persone giaceva completamente deserta. […] In alcuni dei villaggi circostanti i residenti che erano stati evacuati erano tornati a vivere illegalmente, con le autorità che chiudevano un occhio.

Questi erano quasi tutti anziani, incapaci di abituarsi alle città dove erano stati trasferiti. All’interno della centrale varie centinaia di dipendenti avevano continuato a lavorare per la manutenzione e la pulizia, nove anni dopo il disastro: di solito con il minimo di attrezzature per la sicurezza.

21 APRILE 1913, NASCE NORMAN PARKINSON Ritrattista e fotografo di moda, Norman può vantare una lunga carriera, che gli ha permesso di testimoniare un’epoca intera (si riteneva fortunato per questo).

Parkinson, detto Parks, negli anni ‘40 rivoluzionò il mondo della fotografia di moda inglese portando le sue modelle all’aperto, in un ambiente dinamico, fuori dal contesto dello studio. Nel corso di 56 anni di carriera ha lavorato, tra gli altri, per Harper’s Bazaar, per l’edizione inglese e americana di Vogue e come fotografo ufficiale della Famiglia reale inglese. Uomo e artista eccentrico, Norman Parkinson credeva che l’umorismo fosse l’ingrediente migliore da mettere in una fotografia.

1 APRILE 1892, NASCE DANIEL MASCLET

Daniel Masclet, paesaggista e ritrattista-figurativo, nasce a Blois, in Francia. Ha iniziato la sua carriera professionale come violoncellista, dedicandosi alla fotografia per passione (suo un album di fotografie messo insieme durante la prima guerra mondiale). Dal 1920 ha frequentato il Photo-Club de Paris. La fotografia divenne ben presto il suo obiettivo primario, che lo avrebbe portato a lavorare per Harper Bazaar (dove è stato assistente tecnico del barone de Meyer) e Vogue. Nel 1928 apre uno studio a Parigi, specializzandosi in ritratti storicistiche. Decisivo per il suo slancio artistico è stato l’incontro con Edward Weston, nel 1933. Lo stile di Masclet divenne ben presto influenzato dal minimalismo moderno.

Ha pubblicato una serie di libri sul tema della fotografia, tra cui: “Nus, La bellezza de la Femme”, nel 1933. Curatore di mostre, giurato, e critico, ha rappresentato una figura di primo piano sulla scena fotografica europea.

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L’ALTRA COVER STORY NUOVE TENDENZE ALLA RIBALTA DELLA FOTOGRAFIA

SIMONE NERVI

IL SOGNATORE CHE COMUNICA Incontriamo Simone Nervi in un bar, a Milano. I timori circa il Coronavirus hanno restituito alla città un’atmosfera estiva. C’è silenzio in giro, una calma che non t’aspetti; l’aria, limpida e fredda, restituisce un sapore strano.

Simone ci appare meno timido di come l’avevamo percepito al telefono, sicuramente molto più consistente. Risponde con lucidità, dialoga senza indecisioni: riconosciamo in lui le caratteristiche dell’autore, di un interprete cioè che guarda oltre la propria prossimità odierna, non ponendosi limiti.

Si definisce sognatore, e questo non sorprende guardando i suoi lavori. Restiamo stupiti solo quando ci parla del suo essere bambino, nel senso di una qualità spendibile in fotografia. Sono però gli orizzonti allargati a farci comprendere la sua affermazione, gli ambiti estesi con i quali si circonda: quelli che ancora non costituiscono dei freni a quanto desidera esprimere. Del resto, quando parla di digitale (nel senso della tecnologia) si riferisce al pensiero e non alla metodica. Lui comunica e vuole farlo, da sempre; che poi lo faccia con la fotografia poco importa. Avrebbe potuto scrivere (l’ha detto) o fare cinema (manca poco, vedremo): l’importante è esprimersi. Ecco allora il bambino, quello che gioca. Entra nella sua stanza e costruisce un nuovo mondo, più largo, forse irreale, di certo sognato o immaginato. Siamo nella fase del “prima”: lo scatto verrà dopo, prima di chiudere la porta di quella camera che continua a vivere, quasi in una vita parallela. È un Simone bambino quello che abbiamo incontrato? Va bene, ci fidiamo. Sognatore? Di certo, lo vediamo. Comunica, però; e questo è un risultato voluto, che gli rende onore.

© foto di Simone Nervi

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Simone, quando hai iniziato a fotografare e perché?

Ho iniziato... Beh, ho sempre usato la fotocamera, sin da bambino. Prendevo quella di mio padre. Tutto è diventato più serio durante l’ultimo anno delle superiori. Giravo la mia prossimità per capire cosa volessi fotografare.

Scattavo numerosi autoritratti, così compresi come fossero le persone a piacermi.

Le tue fotografie prendono vita più frequentemente in studio, dico male?

Sì, scatto più frequentemente in interni. Solo qualche volta lavoro in esterni e raramente per i Clienti. Oggi si producono poche campagne e molti look book. Per questi ultimi la luce deve essere costante. Sono cambiate tante cose, in pochi anni: nel 2010 giravo il mondo, oggi tutto è più difficile.

La tua è stata passione per la fotografia?

Sì, avevo trovato un modo per esprimere me stesso. Io desideravo scrivere, dedicarmi alla regia cinematografica; il caso ha voluto che la fotografia esaudisse ciò che cercavo altrove.

Dopo quasi vent’anni, ancora mi emoziono nell’andare sul set, perché fotografando potrò mettere in pratica le idee che avevano mosso i miei pensieri. Dello shooting amo il prima e il dopo: la parte creativa non nasce durante lo scatto.

Puoi indicarci dei fotografi che ti abbiano ispirato?

David LaChapelle su tutti. Mi ha fatto comprendere quanto ampio sia l’ambito espressivo della fotografia. Si può fare qualcosa di diverso, lontano dagli standard richiesti dal mercato. Molti Clienti desiderano degli scatti omologati, purtroppo.

© foto di Simone Nervi

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Hai avuto altri elementi ispiratori? Degli autori che ti abbiano acceso la creatività?

Sì, i libri di Haruki Murakami e il cinema “parlato” di Woody Allen.

Simone, come hai curato la tua formazione?

Ho frequentato la Libera Accademia di Belle Arti (LABA, Brescia), quando gli studenti erano pochi. Non ho imparato molto circa la fotografia, per cui ho dovuto studiare da autodidatta.

Sono stato assistente di un professionista per quattro mesi, ma ho capito che non potevo far fede agli impegni che quel ruolo richiedeva.

Non mi piaceva seguire le indicazioni del fotografo. Se non altro è aumentata la mia convinzione nell’intraprendere la professione: le direttive dovevano essere mie.

Hai fatto tutto da solo, quindi...

Ho imparato tanto scattando: sono cresciuto lavorando. Mi piace capire come funziona la luce: da lì posso intuire cosa potrà

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funzionare. Conosco la tecnica, ma non mi definisco un tecnico: gli still life non faranno mai parte di me.

Fotograficamente come ti definiresti?

Come ho scritto nel WEB, amo definirmi comunicatore, o comunque sognatore...

Perché sognatore?

Non amo pormi dei limiti. All’inizio mi definivo “fotografo digitale”. Volevo distinguermi, affermando che pensavo “in digitale”. Col passare degli anni, ho deciso di allargare le visuali. L’importante, per me, è comunicare qualcosa, oggi con la fotografia.

Qual è, a tuo avviso, la qualità più importante per un fotografo come te?

Quella che per certi versi può rappresentare un difetto: sono ancora un bambino. Non lo faccio di proposito, ma finisco per non crescere.

Per via del sogno?

Per via di credere ancora nei sogni.

Tu fotografi molta moda...

Sono nato in quell’ambito, perché mi permetteva di fotografare le persone. Le ritraevo non per indagarne l’anima, ma al fine di rappresentare ciò che desideravo. Non sono un ritrattista.

Hai al tuo attivo il calendario Campari...

Si è trattato di un lavoro duro, bello, strano.

Non ho più fatto cose del genere. Ci sono stati quattro giorni di scatti, preceduti da sei mesi di preparazione. Per finalizzare il tutto, dopo lo shooting, si sono resi necessari altri novanta giorni. Lavoravo a stretto contatto con gli art director per evitare i problemi circa la comunicazione di un prodotto alcolico. C’erano delle regole visive da rispettare.

La moda è donna, dico male?

Sì, quasi solo femminile. Il mercato è così.

Che tipo di donna esce dai tuoi scatti?

Non ce n’è uno definito. Cerco di renderla forte, ma molto dipende dalle occasioni che si presentano.

Come ingaggi le modelle fotograficamente? È strano per me. Sono molto timido, ma conosco l’inglese (la lingua ufficiale del fashion), anche se declinato alla mia maniera. Posso dire che non sono un dittatore, perché faccio sì che tutti si trovino bene. Certo è che sul set sono un’altra persona: me lo dicono tutti.

B/N o colore?

Colore, senza dubbio. Ho realizzato pochissimi scatti in B/N, perché ricattato dal Cliente.

pagina venti

Š foto di Simone Nervi

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Hai iniziato a scattare con la pellicola?

Solo da bambino. A diciotto anni avevo tra le mani una Sony Mavica. Ho lasciato l’analogico quando il digitale ha iniziato ad affiancarsi. Non potevo fare diversamente, perché la post è diversa.

Nessun rimpianto quindi...

Nessuno.

Curi personalmente la post produzione?

Sì, quasi mai delego ad altri. Non è una qualità, comunque: passo troppo tempo davanti al computer.

Dopo quindici anni di carriera, c’è un progetto rimasto indietro e che vorresti portare a termine?

No, non c’è, perché ci sono tante idee che sviluppo negli anni. Se un progetto non l’ho portato a termine, qualche parte di esso migra in altre idee. Adesso sto approcciando il video. Non so se costituirà la mia attività o se sposterò le mie attenzioni nei confronti del cinema. Al momento, le mie immagini in movimento sono molto vicine

alla fotografia. Si tratta di un linguaggio nuovo, per il quale forse non sono ancora pronto. Sto studiando.

Osservi il lavoro di altri?

Guardo tanti film, ai quali poi s’ispirano le mie immagini. Molte delle mie fotografie sono orizzontali e non verticali. Con quell’inquadratura riesco a includere il contesto narrativo.

Tu hai studiato cinematografia, dico male?

Sì, cose che si dimenticano, ma che recuperi in un secondo momento. Il mio insegnante mi ha aiutato molto: sono riuscito a guardare oltre, avvicinando i miei mondi onirici.

C’è un’ottica che usi preferenzialmente?

All’inizio usavo i grandangoli (mi sdraiavo anche per inquadrare). Con l’avanzare dell’età, il mio angolo di ripresa si è alzato, per uno scatto divenuto più formale. Oggi uso il “normale”.

Tra le tue, c’è una fotografia preferita?

No, sarebbe stato meglio se mi avessi chiesto di un

SIMONE NERVI

“COMUNICATORE MULTIMEDIALE, CON PARTICOLARI DOTI COME CREATORE DI MONDI ONIRICI. SONO UN ESSERE UMANO DEDITO ALLA FOTOGRAFIA COME MEZZO DI ESPRESSIONE, RIFLESSIONE E DIVERTIMENTO. PRONTO A COLLABORARE CON CHI CREDE NELL’EVOLUZIONE COME SINOSSI NECESSARIA PER ESERCITARE AL MEGLIO LA PROPRIA CONDIZIONE DI ESSERE UMANO. NON TEMO IL CONFRONTO ED ESERCITO LA FACOLTÀ DI ESSERE CREATIVO, TERMINE TANTO OBSOLETO QUANTO COMPRENSIBILE ”

© foto di Simone Nervi

pagina ventidue

eventuale progetto preferito, ma anche in questo caso non sarei stato in grado di risponderti. Dei lavori, mi piace l’inizio; una volta terminati, tutto finisce. Pensandoci bene, una fotografia preferita non esiste; ma forse ne esiste qualcuna alla quale sono maggiormente affezionato.

Potessi dedicarti un augurio fotografico, cosa ti diresti?

Me ne dedicherei due. Da un lato vorrei poter esprimermi con maggiore libertà (c’è sempre un committente alla base dei miei lavori), da un altro desidererei una solidità più consistente, questo per pensare in grande.

E se ti chiedessi un augurio per la fotografia?

Non saprei cosa dire. Vuoi che lo dedichi alla fotografia come disciplina?

Sì, va bene.

Non ci ho mai pensato, probabilmente perché la fotografia è un mezzo che non riesco a percepire al di fuori di me.

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© foto di Malena Mazza

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PORTFOLIO Enzo Truppo

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LIBERA

NOS

A MALO Oh, mama, mama, sarò cattivo, ma sono carne e sangue, insomma viv o Eccomi, mama, col capo chino, com’è il castigo? Perché il castigo?

Oh, mama, lei stava bene, io stavo be ne Oh, mama, o è proprio questo che no n si può dire?

Libera nos a malo, però il mio male qual è?

Da “Libera nos a malo”. Luciano Ligabu

e

© foto di Enzo Truppo

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Š foto di Enzo Truppo

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PORTFOLIO

Il confine tra bene e male spesso è sfumato, altre volte ambiguo, se non addirittura incomprensibile. C’è del buono nel male, se non addirittura qualcosa (tanto) di piacevole. “O è proprio questo che non si può dire?”, domanda Ligabue, senza ottenere risposta. “Però il mio male qual è?”, chiede ancora. I quesiti rimangono irrisolti e li troviamo narrati (è il caso di dirlo) nel progetto di Enzo Truppo. Lì troviamo tutto: preamboli, peccato, piacere, vergogna; peraltro in un luogo confezionato ad hoc. Non mancano, poi, male e bene, provocazione e debolezza, violenza (quasi) e istinto a cedere. Il merito sta in un progetto ben tracciato, per lungo tempo potremmo dire. Per il resto: “Liberaci dal male”. Amen.

Un plauso va a Vincenzo Carannante e Milena Gori, validi interpreti dell’idea.

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PORTFOLIO

© foto di Enzo Truppo

ENZO TRUPPO Enzo Truppo è un fotografo napoletano, classe ‘72. La sua avventura nel mondo della fotografia inizia a 14 anni, quando ancora ragazzo incontra, per fortuna o per destino, quello che sarà il suo futuro, la sua ragione di vita. Muove i primi passi come apprendista in uno studio fotografico del suo paese in provincia di Napoli.

Dopo cinque anni da apprendista, sente l’esigenza di proseguire il suo cammino autonomamente, con le proprie gambe. Apre così il suo primo studio fotografico a Frattaminore (Na), suo paese di origine, dove tutt’ora svolge la sua attività di fotografo professionista.

Enzo si dedica alla fotografia in modo profondo ed essenziale, tenendosi a debita distanza dalle frenesie del tempo e da un mercato che impoverisce il pensiero e priva la fotografia del sentimento. In quasi trent’anni di fotografia praticata e studiata autonomamente, Enzo oltre a vivere di fotografia come elemento di sostentamento, vive la fotografia come una vera e propria disciplina, vive le storie che racconta, le sente e le trasmette all’osservatore rendendolo sempre partecipe delle sue osservazioni. Per Enzo la fotografia è un continuo confronto con se stesso e con ciò che lo circonda, un vero e proprio esercizio intellettuale e spirituale. Ama Napoli e il suo essere napoletano. Racconta la sua città con “occhi pensanti” e con un cuore puro. Si approccia alla scena sempre con gran rispetto e con stupore negli occhi. Dalle sue foto si evince un attaccamento quasi “morboso” alla sua città. Anche nelle sue fotografie di matrimonio si nota un forte legame sentimentale oltre ad un aspetto tecnico ed estetico gradevole. In tanti anni ha percorso diverse strade, ha solcato tanti sentieri, dalla fotografia di matrimonio a quella di strada, dal nudo concettuale al ritratto ambientato. La sua passione e la tanta esperienza accumulata nel corso degli anni, lo portano a essere apprezzato non solo sul territorio nazionale ma anche internazionale, dove riviste del settore gli hanno dedicato diversi articoli. Da circa quattro anni conduce anche incontri didattici e formativi, organizzati da associazioni culturali e circoli fotografici di diverse regioni italiane. enzotruppofotografo.it

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PORTFOLIO Maria Pia Barraco

© foto di Maria Pia Barraco

sguardo SICILIANO pagina trenta

Stupiscono, le immagini di Maria Pia: meravigliano. Guardandole, ci vengono in mente Enzo Sellerio (di Palermo anche lui), ma anche Ferdinando Scianna e persino Giuseppe Tornatore (quest’ultimi, entrambi di Bagheria). Forse cambia lo sguardo (discreto, quello di Maria Pia; attento), ma l’atmosfera è la stessa: quella di un’isola che pulsa di fotografia. E non si tratta solo di passione, quella che l’autrice ci dice di vivere; bensì di un’esigenza che parte da lontano, colta e isolana al tempo stesso. È la voglia di guardarsi dentro, raccontando e raccontandosi, in una dialettica continua e contagiosa.

Scorgiamo bambini e anziani nelle fotografie che vediamo, estremità anagrafiche di vite “siciliane”, costruite anch’esse su quesiti interiori, di fronte a orizzonti chiusi di spazio e tempo. C’è anche movimento, in alcune delle immagini che abbiamo di fronte; e questa è una nota aggiuntiva, ispirazione nuova di uno sguardo sempre acceso, fertile, complice. Si tratta comunque ancora di frammenti, nati da uno sguardo soggettivo alla scoperta di un “invisibile” da indagare.

Maria Pia Barraco ci ha dedicato un grande regalo, quello di aver continuato a sviluppare un linguaggio siciliano proprio di fronte ai nostri occhi. Tale dono diventa per noi quasi uno stimolo per cercare ancora altri interpreti come Maria Pia. Forse lei ne sarà contenta (speriamo). Sappia comunque che guarderemo ancora le sue fotografie, magari dopo aver letto un libro di Giuseppina Torregrossa. A una “Fotografapalermitana” pensiamo possa far piacere.

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PORTFOLIO

Š foto di Maria Pia Barraco

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maria pia BARRACO

Maria Pia Barraco, in arte “Fotografapalermitana”, nasce e vive a Palermo. Ha venticinque anni. È laureata in scienze dell’educazione e tra qualche giorno conseguirà la seconda laurea in Scienze pedagogiche.

La sua passione per la fotografia nasce (o meglio, viene alla luce) all’età di nove anni grazie a suo padre: infatti anche lui appassionato di fotografia e di arte decise di realizzare un documentario amatoriale sulla loro bellissima città. Lei era l’addetta alle fotografie e da quel giorno non ha mai più smesso di amare questo modo di esprimersi. Per lei non è solo un hobby o una passione: è ciò che le fa battere il cuore.

Tra i tanti generi fotografici quello che più preferisce è la street photography: ama osservare la gente e per una frazione di secondo cercare sé stessa nell’altro.

Nel novembre 2019 ha vinto il contest “Ferdinando Scianna: Viaggio, Racconto, Memoria”, con esposizione delle sue foto alla Galleria di Arte Moderna di Palermo.

Cerca e cercherà sempre di dare il meglio di sé, studiando, leggendo libri e confrontandosi; perché è solo con la passione e l’amore per le cose che si ottengono i risultati.

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PORTFOLIO

PORTFOLIO

Maurilio Forestieri

DOPPELGÄNGER

© foto di Maurilio Forestieri

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– Affermazione –

– Vitalità – paginatrentasette

– Sinfonia –

– Inconscio – pagina trentotto

– Trasformazione –

– Interiorità –

PORTFOLIO Il lavoro che vediamo risulta essere meraviglioso e potente, sin dalle finalità che si propone. Parlarne ci risulta difficile, perché le qualità fotografiche (indiscutibili, peraltro) si giustappongono con un percorso personale.

L’ansia, ormai comune nel mondo occidentale, riguarda l’io, quello specifico individuo, per come percepisce e concretizza un pericolo imminente. Mai chiedere un perché a un amico ansiogeno, molto meglio tentare di comprendere quanto e come possa soffrire. È in quest’ottica che tentiamo di guardare le fotografie che abbiamo di fronte, per renderci conto al meglio di una sofferenza vera e palese, manifesta e indiscutibile. Ci sono piaciute, a proposito, le ambientazioni, le tonalità scure, quel senso di solitudine che emerge evidente: questo ad ammonirci che quell’individuo è solo, perseguitato da entità esterne qualificabili, quasi, come individui parossistici e minacciosi.

Interessante è l’uso della maternità, ma più di ogni cosa viene a galla il dolore, raffigurato dagli strumenti di taglio o da armi rudimentali.

Guardiamole ancora, quelle immagini: facciamole nostre. L’ansia è un habitat.

Solo osservandolo attentamente potremo comprendere chi ne soffre. Grazie Maurilio.

© foto di Maurilio Forestieri

– Depersonalizzazione – paginatrentanove

– Dono – © foto di Maurilio Forestieri

MAURILIO FORESTIERI Maurilio Forestieri nasce a Messina nel 1994. Laureato in lingue e letterature straniere presso l’Università degli studi di Messina, fin da bambino coltiva la passione per il cinema e la fotografia. A diciotto anni fonda la sua prima casa di produzione cinematografica indipendente, realizzando vari progetti tra cui il cortometraggio “The Last Life”, con l’attore Gianfranco Quero, vincitore di vari Festival in Italia. Lavora come videomaker e fotografo presso importanti aziende sul territorio nazionale. Nel 2019 realizza il progetto fotografico “Doppelgänger”: un percorso personale alla ricerca del significato e della causa dei disturbi di panico, ansia e depressione. Dai primi mesi del 2020 è allievo del Centro Sperimentale di Cinematografia.

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– La Donna senza volto –

– Nascita –

– Prigionia #1 –

– Manifestazione –

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PORTFOLIO

Stefano Barattini

T N W E E R I E V F F F I O D T A IN O P Š foto di Stefano Barattini

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Š foto di Stefano Barattini

pagina quarantaquattro

PORTFOLIO

Si tratta di un progetto iniziato nel 2019 e tuttora in evoluzione. Gli esseri umani sono abituati a guardare il mondo che li circonda da un’altezza di circa 1,80 metri, che poi risulta essere la visione abituale. In questo modo, tutti hanno la possibilità di osservare gli elementi del paesaggio, siano essi opera dell’uomo o della natura, da un punto di vista limitato, che ne enfatizza la forma senza identificarne la posizione rispetto al terreno.

Per comprendere come interagiscono i diversi elementi tra loro occorre una visione più ampia, sfruttando un punto di vista privilegiato che riesca a captare forme e geometrie altrimenti non riconoscibili. Non serve, anzi è controproducente salire troppo in alto, come si potrebbe fare con un aereo di linea, perché la visione sarebbe troppo ampia per isolare una determinata “simbologia territoriale”.

Nel suo lavoro Stefano si è concentrato su elementi del territorio mediante l’utilizzo di un drone. Questo ha permesso, a un’altitudine medio bassa, di focalizzare lo sguardo sul soggetto “terreno”, arrivando addirittura all’astrazione della realtà fotografata, mostrando ciò che è consueto sotto una luce diversa. La ricerca artistica che porta avanti è duplice: da un lato la costruzione dell’immagine fotografica, dall’altro la tendenza all’astrazione. Un ambito, quest’ultimo, dove la visione permette la creazione di un’altra dimensione, nella quale il progetto fotografico riesce a configurare molteplici aspetti del reale. Le immagini hanno quasi un sapore pittorico: sono astrazioni del paesaggio visto da un’altra dimensione.

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© foto di Stefano Barattini

STEFANO BARATTINI

Stefano Barattini è nato a Milano il 4 gennaio 1958. Ha frequentato per cinque anni la Facoltà di Architettura, presso il Politecnico di Milano. Gli inizi con la fotografia risalgono al 1979, quando ha cominciato a viaggiare, legando indissolubilmente la passione per l’immagine al viaggio. Dal 1990 (per circa cinque anni) inizia la sua collaborazione con la rivista Mototurismo e in seguito con Scooter Magazine, dove ha pubblicato diversi reportage di viaggio e altri articoli legati al mondo delle due ruote. Dopo una pausa di riflessione, mentre stava nascendo l’era digitale, ha ripreso la fotografia adattandosi alle nuove tecnologie, sempre legandola ai viaggi, soprattutto in Africa. L’architettura (con particolare interesse per il periodo razionalista) e gli spazi suburbani in continua crescita sono temi che tratta periodicamente.

La presenza umana, nei suoi scatti, è quasi sempre assente, Da circa cinque anni ha iniziato, con grande interesse e soddisfazione, a fotografare i luoghi abbandonati, soprattutto le aree industriali. Posti che emanano un fascino unico, fatto di luci e ombre, di polvere, di odori e grandi silenzi, ma soprattutto di ricordi. E sono queste memorie, queste tracce del passato, che va a cercare, catturandoli con la macchina fotografica, perdendosi negli ambienti, alla ricerca dell’inquadratura adatta e della luce giusta per meglio interpretarli.

Rappresentano, per Stefano, una sorta di universo parallelo che vive a poca distanza da noi e che la fotografia contribuisce a far rivivere, almeno per un momento. Recentemente si è avvicinato alla fotografia aerea tramite drone. Ha realizzato diverse mostre personali, partecipato a concorsi internazionali con ottimi piazzamenti. Le sue immagini sono comparse in diverse pubblicazioni.

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PORTFOLIO

&

Angelo Bonarelli

RIFLESSI GEOMETRIE Guardando le immagini di Angelo Bonarelli ci rendiamo conto di come esista una realtà invisibile a ciascuno: qui, là, persino nelle architetture della modernità. Non possiamo dire che si tratti di un limite, tantomeno di una cecità: l’invisibile sta alla realtà per come noi ci rapportiamo con essa, coscientemente.

Le fotografie che vediamo non vanno condivise per un’interpretazione (che pure esiste), ma con la gioia della scoperta, la meraviglia; con quell’orgoglio che ci fa credere, finalmente, come linee, forme e colori possano ricomporsi oltre il caos di un’entropia dovuta (e voluta, semmai) a (e da) sguardi attoniti e inconsapevoli, senza coraggio, perché privati del dono di sé.

Ecco, sì: oggi riceviamo un regalo intimo, personale; un atto di coscienza e conoscenza che vive dentro l’autore, nel suo sentire. Ciò che vediamo lui l’ha trovato, senza cercarlo: perché già sapeva. Ed è una grande lezione, pensiamoci bene: sopraffatti come siamo da ideali “protettivi”, spacciati alla bisogna quali unici rimedi contro un disordine cosmico ineluttabile e in continuo divenire, che a dire dei più possiamo solo temere.

C’è quindi un mondo migliore? Non vogliamo, né possiamo, dirlo. Sarebbe un errore gettare proclami, che automaticamente diventerebbero forieri di sette visionarie ed emozionali. No, c’è unicamente un modo migliore per vedere, osservare, capire: partendo dall’io, da ciò che si è. Consapevolmente.

Oggi ci portiamo a casa una realtà che forse non vedevamo, e dobbiamo esserne contenti. Il regalo ricevuto è vero, schietto, privo di ambiguità o retoriche di maniera.

D’ora in poi dipenderà anche da noi: un principio di libertà o, se vogliamo, di sano altruismo. © foto di Angelo Bonarelli

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Š foto di Angelo Bonarelli

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PORTFOLIO

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PORTFOLIO

© foto di Angelo Bonarelli

Angelo Angelo Bonarelli nasce a Tuscania il 18 novembre 1951 ma si trasferisce per lavoro a Civitavecchia.

Affascinato da ogni tipo di tecnologia, ben presto inizia a frequentare un noto negozio di fotografia del luogo e non appena possibile acquista la sua prima macchina fotografica, una Petri MF1 che diventerà sua compagna inseparabile per anni. Parallelamente allestisce una camera oscura in un vecchio e malandato magazzino preso in affitto, e passa intere giornate a sviluppare negativi e stampare fotografie. Poi la vita e il lavoro decidono diversamente e la passione deve fare posto alla vita reale.

Dieci anni orsono, un altro suo hobby, l’informatica, lo reintroduce nuovamente alla fotografia, questa volta digitale, e da allora non è passato giorno senza che almeno una attività legata alla fotografia arricchisse le sue giornate. Osservatore curioso e instancabile, ha sperimentato vari generi che l’hanno arricchito e forgiato fotograficamente. La ricerca dura ancora. L’esperienza non è mai troppa, la voglia di buone immagini rimane sempre irresistibile. Ama in particolare l’architettura, la fotografia di strada e di viaggio. È stato in Marocco, a Istanbul; e più volte in India, dove ha partecipato, con un gruppo di fotografi internazionali, al Kumbh Mela 2019, in Allahabad. Oggi è reduce da un viaggio in Myanmar.

Durante questi anni ha esposto in numerose mostre personali e collettive, in Italia e all’estero. Vincitore di concorsi fotografici nazionali, ha partecipato a importanti manifestazioni fotografiche, (Lucca Off 2017, Fotoconfronti off a Bibbiena 2019 organizzate dal CIFA), ha sempre partecipato alle attività di varie associazioni fotografiche.

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PORTFOLIO Marzia Braulin

Chi sono IO?

Š foto di Marzia Braulin

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La SCELTA

Franco Fontana

di

“Non esistono autoritratti inutili.

Raccontano tutti una storia.

Ma non dicono cosa è successo. Dicono perché” Chi sono io?, di Concita De Gregorio

Da anni Franco Fontana tiene workshop in ogni angolo de mondo: delle avventure “tutta in salita”, dove gli studenti vengono spinti a essere liberi, a “rendere visibile l’invisibile che è dentro di loro”. È l’identità di ciascuno a saltar fuori, l’autonomia creativa che appartiene a tutti. Sono nati così “Quelli di Franco Fontana”; che sicuramente rappresentano un movimento nuovo, un’ondata d’energia nel panorama della fotografia. Hanno seguito i Workshop del Maestro: alcuni di loro compiendo i primi passi, altri affermandosi; di sicuro tutti prendendo coscienza di se stessi.

Il progetto parte da lontano, ma il proselitismo ha convinto il Maestro, ed anche tanti alunni, a rischiare; perché senza una posta in gioco non si arriva a nulla. Sono così nate tante mostre, tenute su tutto il territorio nazionale.

Da questa volta, e per ogni uscita di Image Mag, Franco Fontana ci proporrà un autore tra “Quelli di …”. I fotografi che impareremo a conoscere hanno cercato di mostrare un loro mondo, viaggiando fuori e dentro loro stessi.

Da parte nostra rimarrà la sensazione nell’aver allungato un viaggio, testimoni a nostra volta di quando gli autori erano lì, di fronte al loro “vedere”, col tempo che si è fermato per le ragioni dell’anima.

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“Chi sono io?” è una domanda imponente, che presuppone un interlocutore affidabile, col quale raccontarsi e condividere. Perché?

Semplice: non si affida a chiunque la propria identità, soprattutto quando la stiamo cercando. Occorre responsabilità, elemento primario dello scatto fotografico: soprattutto da parte di chi guarda.

Il riferimento al libro di Concita De Gregorio risulta coerente con le immagini di Marzia Braulin: con i suoi autoritratti (ambito quasi esclusivamente femminile) tende a definire una propria identità, chiedendone conferma. In questo modo, ci dedica anche la sua fiducia: si offre, si dona. “Eccomi, sono qui”, pare dirci: con un gesto reale e non unicamente simbolico. Marzia s’indaga e offre a noi il risultato della sua riflessione. Ci parla della sua terra (il Carso), di quel ponte che frequentava sin da bambina. C’è però molto di più nelle sue immagini, il risultato di uno stato d’animo più volte interrogato. E non è tanto il risultato a meravigliarci, quanto il fatto di aver reso il processo fruibile, palese, leggibile.

Sotto questo profilo, la fotografia di Marzia è un “cantiere” in divenire. Ci aspettiamo dell’altro e anche molto di più, “Chi sono io?”, continuerà a chiederci. Noi forse non sapremo rispondere mai, ma il dono è già nella domanda e nel modo col quale è stata posta. pagina cinquantasei

PORTFOLIO

Š foto di Marzia Braulin

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Š foto di Marzia Braulin

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MARZIA

PORTFOLIO Marzia nasce a Monfalcone, in provincia di Gorizia, il 13 marzo 1969. Ha studiato nel capoluogo friulano e oggi si occupa di contabilità aziendale.

Fotografa sin da quand’era bambina e arriva alla fotografia che conta a quarant’anni, quando acquista la sua prima reflex. Inizia da allora un lungo percorso formativo, che parte da un corso base frequentato a Fogliano Redipuglia, paese dove tuttora abita. Sarà poi la volta di un Workshop con Settimio Benedusi, a Venezia, sul tema del nudo. “A fine corso”, ci racconta Marzia, “Settimio ha scelto una mia immagine a mo’ d’esempio”. “Fu una piccola cosa, ma per me rappresentò una grande soddisfazione”.

L’impegno fotografico di Marzia continua frequentando un Workshop tenuto a Modena da Toni Thorimbert: “Un fotografo molto colto e motivante”, ci dice. Tempo dopo, avviene l’incontro più importante: quello con Franco Fontana. “Lui offre lezioni di vita”, racconta Marzia.

Sta di fatto, che per lei si sono allargati gli orizzonti di visione. Oggi sa cosa vuole e dove insistere. Si dedica agli autoritratti e fotografa le persone in genere.

Braulin

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COMUNITÀ FOTOGRAFICA L’IMMAGINE DIVENTA PROGETTO

Kenro Izu, Foro, Pompei, 2016 - Stampa al platino 55x42,5 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

UN PROGETTO DI VITA KENRO IZU

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COMUNITÀ FOTOGRAFICA L’IMMAGINE DIVENTA PROGETTO

KENRO IZU REQUIEM Skira editore

PREMESSA Il libro di Kenro Izu, presentato nella rubrica di questa rivista (La biblioteca che vorrei) ci permette di compiere qualche riflessione, particolarmente sul progetto fotografico.

Non stiamo però parlando di quanto porre in essere in ogni singola immagine e nemmeno del processo da perseguire quando si voglia affrontare, fotograficamente, uno specifico argomento. Vorremmo descrivere un incedere che potrebbe accompagnarci per tutta l’esistenza, con la ricerca dell’immagine sempre al nostro fianco.

Kenro Izu ha dedicato una vita alla “sua” fotografia. Ispirato dalle immagini del vittoriano Francis Frith e dalle antiche spedizioni fotografiche in Egitto, nel 1979 intraprende il suo primo viaggio nella terra delle Piramidi.

In particolare resta fortemente impressionato dalla spiritualità del luogo e dal profondo senso di fragilità ispirato dalla vista delle rovine. Le enormi pietre si ergono come tracce imponenti di ciò che l’uomo è riuscito a costruire.

Da questa esperienza, e dalle fotografie realizzate in questo viaggio, prende avvio Sacred Places, lavoro che diventerà nel tempo uno dei cardini stessi della ricerca dell’autore.

Per oltre trent’anni, Izu si è spinto verso mete sempre più lontane fotografando i più suggestivi “luoghi sacri” del mondo: dalla Scozia al Messico, dalla Cambogia all’India e all’Indonesia, dalla Siria al Tibet.

UN PROGETTO DI VITA Con Izu ci rendiamo conto come si possa dedicare alla passione fotografica la propria esistenza, almeno nel tempo che si ha a disposizione. In questo Image Mag, a proposito, incontriamo un altro esempio: Jacques Henri Lartigue. Lui può essere considerato un fotografo anomalo, perché per tutta la vita ha documentato il suo mondo, arrivando al successo solo all’età di settant’anni, con una mostra presso il MOMA di New York.

Lartigue ha trascorso un’esistenza da persona agiata, senza problemi contingenti; non a caso è stato soprannominato il “fotografo della felicità”. Il suo tempo ha sempre compreso

Kenro Izu, Tempio di Apollo, Pompei, 2016 - Stampa al platino 42,5x55 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

Kenro Izu, Casa degli Amorini Dorati, Pompei, 2016 - Stampa al platino 42,5x55 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

piaceri, bellezza, agi, divertimenti. Nelle immagini che gli appartengono incontriamo la Costa Azzurra, le corse in auto; e poi belle donne, ville, eleganza.

La fotografia è rimasta per sempre al suo fianco, testimone delle gioie, con anche qualche tristezza. Il fotografo francese soleva dire: “Fin da bambino, sento di avere una specie di malattia; tutte le cose che mi stupiscono si dissolvono senza che io riesca a conservarle abbastanza”.

Lartigue parla di “malattia”, ma anche di

tempo: in questo caso, quello che manca. È comunque la nostalgia il tema portante, quindi un sentimento: un elemento indispensabile perché la fotografia possa prenderci per mano durante tutta l’esistenza.

Per il fotografo giapponese è stata un po’ la stessa cosa, cambia solo lo stato d’animo, quel sentire interiore che vive in noi quando ci troviamo di fronte al soggetto desiderato.

C’è un silenzio inquietante che traspare dalle immagini di Kenro Izu: un costante viaggio attraverso le metafore della vita,

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COMUNITÀ FOTOGRAFICA L’IMMAGINE DIVENTA PROGETTO

Kenro Izu, Terme del Foro, Pompei, 2016 - Stampa al platino 55x42,5 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

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COMUNITÀ FOTOGRAFICA L’IMMAGINE DIVENTA PROGETTO

Kenro Izu, Casa degli Amorini Dorati, Pompei, 2016 - Stampa ai pigmenti 61x76 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

della morte e del decadimento. La sua fotografia rivela la complessa bellezza della vita, con particolare attenzione nel cogliere gli elementi della tragedia e del declino.

Non è quindi il tema che può far parte di un progetto per la vita, sempre che non sia accompagnato da un’interiorità forte e motivata. I luoghi di Izu hanno tutti un significato spirituale e lui, nel visitarli, aveva bisogno di tempo, affinché esercitassero una magia su di lui.

CHI È KENRO IZU Kenro Izu (1949) è nato a Osaka, in Giappone.

Durante i suoi studi alla Nippon University College of Art, nel 1970, Izu visita New York per studiare fotografia, e decide di rimanervi e lavorare. Nel 1975, dopo essere stato assistente per altri fotografi, Izu fonda il Kenro Izu Studio a New York City, per specializzarsi nella fotografia di nature morte, sia commerciali che artistiche. Nel 1979, Izu intraprende il suo primo viaggio in Egitto, che l’ispirò a iniziare la sua ricerca sui Luoghi Sacri, un’esplorazione ancora in corso.

Nel 1983, una stampa al platino di Paul Strand induce Izu a compiere un passo verso lo sviluppo del proprio processo di stampa a contatto al Platino-Palladio, usando una fotocamera di grande formato. Da allora, tutto il lavoro di Izu è stato prodotto con la stessa tecnica, principalmente in un formato 14x20 pollici. Le immagini di natura morta di Izu includono soggetti floreali e anatomici. Nel 2000, Izu inizia a sperimentare una tecnica di ciano su platino per ottenere un profondo blunero. Il corpus di lavori intitolato “Blue” è stato completato nel 2004.

Per continuare il suo lavoro sui Luoghi Sacri, Izu viaggia in Egitto, Siria, Giordania, Inghilterra, Scozia, Messico, Francia e Isola di Pasqua (Cile). Più recentemente, si è concentrato sui monumenti buddisti e indù nel sud-est asiatico: Cambogia, Birmania, Indonesia, Vietnam e, più recentemente, Bhutan e India. Il lavoro di Izu è stato esposto in numerosi musei, tra cui la Arthur M. Sackler Gallery of Smithsonian Institution, il Kiyosato Museum of Photographic Art, il Cleveland Museum of Art, il Peabody / Essex Museum, il Museum of Photographic

Art, il Rubin Museum of Art, tra gli altri. Ha pubblicato diversi libri delle sue opere tra cui: Luoghi sacri, Natura Morta di Kenro Izu, Passaggio ad Angkor ed Eternal Light.

Nel 1985, dopo una visita in Cambogia per fotografare l’Angkor Wat, Izu decise di costruire e gestire un ospedale pediatrico gratuito e fondò un’organizzazione no profit, Friends Withou A Border, per aiutare i bambini della Cambogia che soffrono di grave povertà, resa più severa dalla mancanza di strutture sanitarie. L’ospedale per bambini di Angkor, aperto nel 1999 a Siem Reap, in Cambogia, è ora un centro ufficiale di educazione medica.

Izu ha ricevuto il Catskill Center for Photography Fellowship nel 1992, una borsa di studio NEA nel 1984, la borsa di New York Foundation for Arts nel 1985, il Lou Stouman Award nel 1999, una Guggenheim Fellowship nel 2001, il Vision Award dal Centro per la fotografia a Woodstock nel 2005 e un Lucie Award nel 2007.

IL “REQUIEM” DI KENRO IZU Requiem si distingue da altri lavori realizzati in siti archeologici, specialmente per due

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COMUNITÀ FOTOGRAFICA L’IMMAGINE DIVENTA PROGETTO

ragioni: narra una storia e restituisce vita e dignità a quanti morirono per l’eruzione del Vesuvio nel 79 d. C., incapaci di reagire di fronte a tanta improvvisa violenza. La caparbietà ostinata di Izu nell’allestire i corpi dei fuggitivi trasformati dalla lava incandescente in statue eterne, nelle varie case come negli esterni di Pompei ed Ercolano, sembra davvero restituire la vita a quei momenti. I corpi rattrappiti che scopriamo nelle stanze o lungo i corridoi lastricati ci colgono impreparati perché li vediamo dove, forse, l’eruzione li sorprese, inermi e abbandonati dopo aver cercato invano un rifugio.

Quella di Izu, quindi, non è una rilettura storica per immagini di un evento catastrofico, piuttosto diventa un omaggio alla gente di Pompei ed Ercolano. C’è, in questo approccio così trasparente e lucido, la medesima partecipazione che Izu da decenni riserva a tutti quei luoghi del mondo ancora puri e sacri; c’è, verso quegli umani e animali di pietra, un profondo rispetto e una grande discrezione.

L’AIUTO DI PLINIO IL GIOVANE Le suggestive immagini del fotografo giapponese, tra spiritualità e reperti archeologici, ci hanno indotto a rileggere una

testimonianza dell’epoca. È quella di Gaio Plinio Cecilio Secondo, detto anche Plinio il Giovane per distinguerlo dall’omonimo zio Plinio il Vecchio.

Plinio “secondo” aveva diciotto anni. Suo padre era morto quando era ancora bambino e in seguito era stato adottato dallo zio, il rinomato scrittore e naturalista di Como che al tempo dell’eruzione del Vesuvio si trovava sul Golfo di Napoli come prefetto della flotta imperiale romana all’ancora presso Miseno.

In una lettera inviata da Plinio allo storico Tacito vengono trascritte le testimonianze circa la morte di Plinio il Vecchio. Questi si era recato a Ercolano per andare ad aiutare la famiglia di un amico, ma dovette cambiare rotta a causa del ritiro improvviso delle acque.

Si diresse così verso Stabia, dove approdò; facendosi ospitare da Pomponianus. Anche quella cittadina venne colpita dalle ceneri e lapilli del vulcano. I vapori tossici soffocarono Plinio il Vecchio che lì trovò la morte.

Grazie a suo nipote, che seguì la vicenda dalla terraferma, possediamo una testimonianza diretta sull’eruzione; un resoconto delle ultime ore riferito in due lettere indirizzate, 27 anni dopo l’accaduto, all’amico Tacito, il

Kenro Izu, Casa di Apollo, Pompei, 2016 - Stampa ai pigmenti 61x76 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

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celebre storico. Le lettere fanno parte del suo epistolario, Lettere ai familiari, l’opera maggiore di Plinio il Giovane composta da 247 epistole suddivise in nove libri più 121 aggiunte in seguito in un decimo libro.

La data stessa dell’eruzione del Vesuvio del 79 d.C. è stata ricavata dalla prima lettera. Nella variante più accreditata del manoscritto, si legge nonum kal. septembres cioè nove giorni prima delle Calende di settembre, data che corrisponde al 24 agosto. In tempi recenti però questa data è stata messa in dubbio, perché alcuni reperti archeologici non trovano un corrispettivo col periodo estivo. Il ritrovamento di frutta secca carbonizzata, di bracieri, usati all’epoca per il riscaldamento, di mosto in fase d’invecchiamento trovato ancora sigillato nei contenitori, e soprattutto, di una moneta riferita alla quindicesima acclamazione di Tito ad imperatore, avvenuta dopo l’8 settembre del 79, lasciano supporre che l’eruzione sia avvenuta in autunno, probabilmente il 24 ottobre di quell’anno.

Leggiamo nella prefazione del libro Requiem.

Lettera di Plinio il Giovane a Tacito.

Cadeva già della cenere, ma ancora non

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fitta. Mi volto e vedo sovrastarmi alle spalle una densa caligine che, come un torrente, spargendosi per terra ci incalzava. «Deviamo – dissi - finché ci si vede, per non essere travolti, una volta raggiunti dalla folla che ci segue».

Ci eravamo appena seduti che scese la notte.

Avresti udito i gemiti delle donne, le urla dei bambini, le grida dei mariti; gli uni cercavano a gran voce i padri; gli altri i figlioli; gli altri i consorti; chi commiserava la propria sorte; chi quella dei suoi. Vi erano coloro che, per timore della morte, la invocavano. Molti supplicavano gli dei; molti ritenevano che non ve ne fossero più e che quella notte dovesse essere l’ultima notte del mondo. Né mancavano quelli che con immaginari e bugiardi spaventi accrescevano i veri pericoli. Riapparve un debole chiarore, che non sembrava il giorno, ma piuttosto la luce del fuoco che si avvicinava. Ma il fuoco si arrestò più lontano e di nuovo furono le tenebre; di nuovo cenere spessa in gran copia.

Noi ci alzavamo a tratti per toglierla di dosso, altrimenti ne saremmo stati, se non coperti, schiacciati.

ANCORA IL PROGETTO DI KENRO IZU La lettera di Plinio fa immaginare uno scenario tremendo, reso forse più tenue dal tanto tempo passato tra accadimento e scrittura (ventisette anni). Resta il fatto che sempre Plinio ebbe modo di dire: “Molti temettero che di dei non ve ne fossero più e che quella notte dovesse essere l’ultima notte del mondo”.

C’è tanta angoscia, nelle parole precedenti: una solitudine immensa; il che trova un corrispettivo con le immagini del fotografo giapponese.

Al loro interno vive il vuoto, un silenzio postapocalittico: quasi un monito per il futuro da un ritratto del passato.

Kenro Izu, Ercolano, 2016 - Stampa ai pigmenti 76x61 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

Il lavoro su Pompei di Kenro Izu si distingue dai precedenti anche da un punto di vista tecnico.

Gli scatti non sono stati realizzati col grande formato analogico, ma in digitale, con una fotocamera medio formato. La nota tecnologica non toglie né aggiunge valore alle immagini che vediamo. A vincere è la forza dei calchi, collocati in luoghi plausibili. Da soli, spesso in ambienti vasti, parlano del confine tra la vita e la morte, dell’ultimo tentativo per sopravvivere.

Straordinaria, in tal senso, è la statua vivente del cane che si attorciglia attorno alla sua catena. Non c’è clamore, in quanto vediamo, né si percepisce l’urlo della folla atterrita. Per coloro che stanno morendo rimane solo il suono ovattato degli ultimi gesti: confusi, disordinati, inutili; poi tutto finisce nel nero dell’immagine, quello nel quale anche noi cerchiamo una salvezza che non c’è.

L’INSEGNAMENTO PER NOI Si può vivere con la fotografia al proprio fianco: basta averne fiducia. Non occorre tentare progetti immensi: e sufficiente aspettare. Sarà l’analisi della nostra prossimità a suggerirci cosa continuare a ritrarre. Così è stato per Izu (il primo viaggio in Egitto) e anche per Lartigue (la ricca borghesia che frequentava). Col tempo sarà l’archivio a offrirci ulteriori insegnamenti.

Capiremo come continuare e cosa cambiare.

Izu, a Pompei, ha trovato una nuova via, forse solo un ramo di quell’albero che rimane il suo progetto di vita; ma il passo è stato grande.

Kenro Izu, Terme Stabiane, Pompei, 2016 - Stampa al platino 42,5x55 cm © Kenro Izu Courtesy Fondazione Cassa di Risparmio di Modena - Fondazione Modena Arti Visive

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HI-END

MACCHINE, MAGIE TECNOLOGICHE E OGGETTI DEL DESIDERIO

NIKON E OLYMPUS, NOVITÀ PROFESSIONALI DA CANON UN ANNUNCIO IMPORTANTE

Non ci sorprende più nulla, oramai: la tecnologia sconfigge gli antichi paletti della fotografia (buio, lentezza, altro) e di volta in volta si migliora, senza sosta; restituendoci strumenti che vanno oltre la fantasia operativa, al di là di ciò che solitamente si desidera fotografare. Oggi parleremo di tre prodotti professionali, ma quest’ultima definizione un po’ ci sta stretta: sono fotocamere “di punta”, desiderabili da chiunque. Sarà bello averle al collo.

CANON, MIRRORLESS PROFESSIONALE “5” per Canon è un numero fortunato, che ha accompagnato schiere di fotografi. La Mark II fece epoca, subito migliorata dalla “III” e dalla “IV”. Oggi ecco un’altra “cinque”, targata “R” però, e quindi mirrorless. Un altro modello fortunato? Le premesse ci sono tutte: EOS R5 offre performance ad

alta velocità, elevata risoluzione, video 8K e stabilizzazione d’immagine senza eguali (sul corpo che dialoga con la lente!),

consentendo a fotografi e videomaker di superare se stessi, in qualità ovviamente.

La R5 va veloce: 12 fps tramite otturatore meccanico e 20 fps con otturatore elettronico. L’azienda giapponese parla di una caratteristica utile a naturalisti e matrimonialisti: ma chi non vorrebbe in mano performance del genere? C’è tanta realtà da catturare, anche vicino a casa; e la velocità, lo sappiamo, non è mai abbastanza.

Della stabilizzazione abbiamo già parlato: per la prima volta, in casa Canon,

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viene introdotta nel corpo macchina, che però non dimentica le ottiche, con le quali dialoga. Il mosso, se voluto, sarà sempre e solo una scelta! Mai una conseguenza!

Gli 8K parlano di futuro, anche se il video oramai cresce di continuo nella domanda dei professionisti (e non solo!). L’archivio di molti si sta riempiendo d’immagini in movimento (anche il nostro!), perché scatenano emozioni diverse, suggestive, immediate. La R5 consente ai fotografi di riprendere in 8K e, quando necessario, di riposizionare l’inquadratura per un file finale in 4K.

EOS R5 integra la funzione di trasferimento automatico dei file alla nuova piattaforma cloud image Canon. Altri utenti, oltre al

fotografo, potranno visualizzare i contenuti su dispositivi differenti, ovunque si trovino. Dimenticavamo: EOS R5 offre due slot per schede di memoria. Gli utenti “R” lo chiedevano da tempo: finalmente!

OLYMPUS OM-D E-M1 MARK III: STABILE E INTELLIGENTE Caliamo subito gli assi: la nuova Olympus monta un sensore Micro Quattro Terzi da 20,4 megapixel, con sistema di stabilizzazione meccanica a 5 assi, in grado di arrivare fino a 7 stop (7,5 stop con alcune ottiche stabilizzate). Il processore TruePic IX permette alla macchina

di scattare a 18 fps con autofocus e di acquisire filmati 4K DCI a 24p. Niente male, quindi.

HI-END

MACCHINE, MAGIE TECNOLOGICHE E OGGETTI DEL DESIDERIO

NIKON D6, VELOCE CON UN AF SUPER

Nikon lancia D6, ed è già desiderio! Non ce ne voglia Eric Fromm: la sua alternativa (avere o essere) qui non funziona. Il sogno di possedere agisce sulla consapevolezza: in casa Nikon è sempre stato così.

I fotografi professionisti (ma anche tanti appassionati) avranno una opportunità in più per rinnovare il proprio corredo: Nikon D6 è l’ultima reflex della casa gialla e va a posizionarsi all’apice del comparto full frame di Nikon.

Reflex, dicevamo, e questo un po’ ci consola (solo un poco): le fotocamere con lo specchio non sventolano bandiera bianca. Questa poi si adatterà a coloro che operano nello sport o in ambito naturalistico. Lo abbiamo comunque già detto: tutti possono beneficiare di una top di gamma, anche chi passeggia alla domenica.

La D6 si distingue soprattutto per la velocità dell’AF, il più potente che Nikon abbia mai progettato: 105 punti a croce, che grazie al nuovo

modulo Multi-CAM 37K sono in grado di mettere a fuoco quasi in assenza di luce grazie alla sensibilità di -4,5 EV nel punto AF centrale e -4 EV su tutti gli altri.

La Nikon D6 mette a disposizione ben 17 Aree AF a gruppo che

Il sistema di stabilizzazione finalmente avvicinano le modalità di scatto della fotocamera ad alcune delle funzioni oggi molto utilizzate sugli smartphone (Sacrilegio? No, perché?). La nuova Olympus OM-D E-M1 Mark III può vantare la modalità Live ND che sovrappone diverse immagini per creare l’effetto di una lunga esposizione. Attenzione: questa funzione può essere utilizzata anche a mano libera! La funzione Live ND consente di selezionare il livello dell’effetto a partire da ND2 (1 stop) fino a ND32 (5 stop), e di verificare l’effetto generato dall’utilizzo di un tempo di posa prolungato nel mirino ancor prima di effettuare lo scatto. Questa funzione elimina la necessità di cambiare i filtri ND ottici in funzione delle differenti inquadrature e dei diversi obiettivi, ed è particolarmente comoda con gli obiettivi su cui è difficile montare i filtri ottici.

La funzionalità è simile ad altre modalità di scatto Live, come Live Composite e Live Bulb, che facilitano la ripresa di fotografie molto complicate, con il vantaggio di non richiedere ora il treppiede.

Gli anziani si sentiranno inevitabilmente superati. Loro disponevano di posa B e T, ma quanta fatica, quanto tempo trascorso, la notte, magari sotto un acquazzone, per riprendere quel fulmine da far invidia agli amici! Oggi è tutto più semplice e fattibile: basta aspettare un bel temporale estivo.

La Olympus OM-D E-M1 Mark III consente poi uno scatto (a mano libera!) in High-Res con file finale RAW e JPG da 50 megapixel. A livello autofocus troviamo sistema a rilevazione di fase con 121 punti a croce, che la casa giapponese ha implementato la funzione Eye AF. Tra le funzioni troviamo poi il pre-buffer, che cattura fino a 35 immagini alla pressione a mezza corsa del pulsante di scatto, in modo da permettere di catturare il momento giusto anche se il fotografo ha avuto un tempo di reazione più lento del necessario.

possono essere spostate in orizzontale (verso sinistra e destra) e in verticale (verso l’alto e il basso), agendo sul selettore posteriore della reflex.

La macchina consente inoltre di fissare un punto AF in una determinata zona dell’inquadratura e di aspettare che il soggetto in movimento venga a trovarsi esattamente in quel punto, per ritrarlo con la massima nitidezza possibile. Si può dare la priorità AF agli occhi, anche in fase di tracking .La velocità di scatto in sequenza raggiunge i 14 fps con AF/AE tracking oppure i 10,5 fps con AE. Nikon D6 è dotata di un CMOS a pieno formato da 20.8 MP, con processore EXPEED 6. Supporta un’ampia gamma ISO 100–102.400, estendibile fino a ISO 50 e ISO 3.280.000. Registra filmati in 4K Ultra HD (3.840 x 2.160 pixel) a 30p in modalità Live View grazie al monitor posteriore di tipo touch da 3,2 pollici e 2.359k pixel. È dotata di tecnologie di connessione per il trasferimento dati via cavo e wireless, per una comunicazione rapida, almeno il 15% in più rispetto al modello precedente.

Il sensore risulterà sempre pulito. Grazie all’evoluta tecnologia Olympus SSWF (Super Sonic Wave Filter), che fa vibrare 30.000

volte al secondo il filtro posto sul sensore, e al nuovo rivestimento ottico del sensore introdotto per la prima volta sulla OM-D E-M1X, la sporcizia non ha più la possibilità di attaccarsi al sensore, riducendo così le macchie presenti nelle immagini ad un decimo di quelle dei normali modelli.

Il sensore a lunga durata della E-M1 Mark III ha superato il test delle 400.000 attivazioni e offre quindi un elevato livello di affidabilità grazie alla quale anche i fotografi professionisti che utilizzano costantemente l’otturatore potranno sentirsi a loro agio.

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QUESTIONE DI LIBRI LA FOTOGRAFIA DA LEGGERE E DA VEDERE

LA BIBLIOTECA CHE VORREI

C

ontinua il consueto appuntamento con “Questioni di libri”, dobbiamo dire con una certa soddisfazione. La rubrica, ormai da anni, tenta di proporsi come il suggerimento per una sorta di biblioteca ideale, quella nella quale porre i volumi con i quali gratificare lo sguardo o anche trarre ispirazione per la propria passione. Del resto, un libro fotografico deve far parte del corredo di un appassionato, al pari dell’attrezzatura.

In questa puntata abbiamo un po’ di tutto: nudo, viaggio, progetto, letteratura e cinema. Non manca nemmeno un’opera curiosa, quella in grado di svelare i “trucchi” del mestiere: ciò che serve, cioè, per scattare una fotografia accattivante.

Del progetto abbiamo già parlato ampiamente all’interno di questo numero. Qui segnaliamo il libro che ne è scaturito: “Requiem” di Kenzo Iru. All’interno è visibile il risultato dell’eruzione del Vesuvio, narrata a dovere (79 d.C.).

Circa la letteratura, ecco Bruce Chatwin e i suoi “Sentieri Tortuosi”. Sì perché lui ha sempre usato la fotocamera come un blocco d’appunti per i suoi scritti.

L’ampio archivio dei suoi viaggi è stato reinterpretato da Roberto Calasso.

Da un viaggiatore passiamo a un altro. È Roberto Salbitani con il suo lavoro: “Il viaggiatore parallelo, fotografie e scritti in diretta dal treno”. Parole e immagini si susseguono nel racconto di un habitat singolare: quello del viaggio ferroviario; un’opera affascinante.

“Aktfotografie” ci illustra il nudo “classico”: quello spontaneo, sereno, vicino al ritratto. Il libro ci restituisce fiducia e anche una panoramica di scatti lontani dall’omologazione.

“The Spirit of Sahiwal” è una fatica di Sohail Karmani, un’insegnante universitario che riscopre un Pakistan privato, quello dei suoi genitori. Si tratta di un progetto nato casualmente, ma che sicuramente troverà nuovi sbocchi.

“Indiscrezioni” ci parla di un Tornatore fotografo, quello degli inizi. È bello riconoscerne lo sguardo, lo stesso che il regista cinematografico è riuscito a trasferire nella pellicola.

Per finire, ecco: “Perché i fotografi amano le giornate grigie e altri sessantuno lampi di genio”. Si tratta di libro che restituisce consigli per meglio fotografare: più di sessanta, per la precisione. Va preso come un gioco ed è divertente.

Buona lettura.

THE SPIRIT OF SAHIWAL Sohail Karmani - Ed. Skira Sohail Karmani è professore ordinario presso la New York University di Abu Dhabi, dove attualmente tiene il corso Power and Ethics in Photography. Lo abbiamo incontrato durante la presentazione del suo libro, presso la Fondazione Gianfranco Ferré a Milano. Ci ha spiegato come sia nato il progetto e perché, soffermandosi a lungo su una curiosità antica, quella delle proprie origini.

“Sono Londinese di prima generazione; i miei genitori sono di origini pakistane”, ci dice. “Il Pakistan dista solo tre ore di volo da Abu Dhabi, cosi ho deciso di recarmi là”, ha continuato. “Era il 2010 e non avevo alcun progetto in mente”. “Sono partito con un’idea tutta “inglese” di quella terra, popolata da terroristi, fanatici e con tante donne maltrattate”. “Del resto si tratta di un luogo oscuro, poco frequentato; i turisti vanno in India”. “All’arrivo, sono rimasto stregato, perché ho incontrato generosità, energia, voglia di vivere”. È nato così lo spaccato fotografico della vita quotidiana a Sahiwal, città del Punjab, in Pakistan, quella che aveva dato i natali a suo padre.

“Ho iniziato a fotografare a caso”, ci racconta Karmani. “Ero colpito dai visi, dai tessuti”. “Mi sarebbe piaciuto tornare a Londra, presso la comunità pakistana (enorme, peraltro), mostrando un paese che loro non conoscono”. “Queste immagini avrei voluto vederle a vent’anni, anche se rappresentano una visione personale”. “Qui non c’è tutto il Pakistan, ma solo la regione nella quale è nato mio padre”.

Karmani viene Sopraffatto dai colori, dalle vibrazioni, dalle storie racchiuse in ogni angolo di strada.

Ne ha tratto le immagini per questo libro, che vuole essere un omaggio alla bellezza, all’umanità, alla dignità e allo straordinario spirito di resilienza di questo popolo. Mantenendosi lontano dai luoghi comuni di un Oriente fatto di ultimi e di dimenticati, ed evitando qualsiasi spettacolarizzazione (frequente oggi) della sofferenza, il libro offre uno sguardo ravvicinato, e in molti casi intimo, della società sahiwaliana.

“Io non ho certato l’angolo bello della regione”, ci ha spiegato Karmani. “Desideravo rappresentare dignità e grazia”. Noi da parte nostra abbiamo chiesto se avesse avuto degli elementi ispiratori. Lui ci ha risposto che molti lo paragonano a Steve McCurry, anche se poi crede di avere uno stile proprio. “Io scatto con un 28 mm”, spiega, “Ritratti a parte”.

Già, i ritratti: nel libro se ne incontrano molti, il che parla di empatia con persone e luoghi. “Mancano i dettagli”, afferma il fotografo, “Ed è ciò che non sono riuscito a portarmi a casa: mani, oggetti, gesti”. Forse sarebbe stato bello poter ritrarre delle famiglie, ma ci rendiamo conto come fosse difficile avvicinare le donne e ottenerne un ingaggio. Ma forse, a pensarci bene, il volume è bello così, per come è nato: uno sguardo improvviso e suggestivo, suggerito da un primo incontro. Del resto, dopo un viaggio, ci si rende conto di aver lasciato indietro scenari più grandi di quelli che s’immaginavano.

Rimangono, a corredo del libro, i frammenti di una quotidianità, in cui i volti s’intrecciano con i riti, i rituali e le cerimonie di un territorio in cui è ancora parzialmente intatta la naturalità della condizione umana.

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QUESTIONE DI LIBRI LA FOTOGRAFIA DA LEGGERE E DA VEDERE

AKTFOTOGRAFIE 1974 - 1995

IL VIAGGIATORE PARALLELO

“Per me, la fotografia di nudo è strettamente legata al ritratto e in generale alla personalità della persona: significa bellezza umana, sensualità e forza”. Così si è espresso Norbert Vogel parlando della sua ricerca sul tema. Lo stesso vale per il lavoro di Heidi Vogel-Hennig, sua compagna, in cui la conoscenza dei modelli fotografici ha suscitato il desiderio di lavorare in questo campo della fotografia. A volte con un gusto estetico classico, in altri casi con eleganza, spesso messo in scena in modo stravagante con i mezzi del fotomontaggio, Heidi Vogel-Hennig e Norbert Vogel tracciano un passato in cui il corpo femminile nudo dispiegava un fascino originale, irradiando fiducia in se stessi. Questo emozionante libro di nudi dimostra in modo impressionante le capacità della coppia nel riportare il genere in un ambito spontaneo, non omologato, per nulla “montato” su standard consueti.

Il treno è un ambito particolare, dove un fotografo può indagare a fondo. Non si viaggia a caso, in treno; c’è sempre uno scopo per salirci sopra: una visita a un parente, a una fidanzata, un impegno di lavoro. Si apre uno scenario autentico, per nulla artefatto, di ciò che siamo nella società. Roberto Salbitani è un grande frequentatore di treni, delle atmosfere particolari che solo in treno si possono vivere, dei percorsi e dei paesaggi italiani che i finestrini degli scompartimenti da sempre offrono.

Soprattutto, Salbitani è un grande osservatore curioso, divertito e profondo, dell’umanità varia e composita che sul treno si incontra, si scontra e si ritrova. Nei tanti viaggi in treno, fatti nella sua vita di fotografo nomade per natura e professione, mille sono stati gli incontri, le notazioni, le impressioni raccolte da Salbitani. Insieme, tra immagini e testo, ci mostrano un paese, il nostro, che riconosciamo in queste pagine e che ritroviamo con piacere e tenerezza.

Norbert Vogel e Heidi Vogel Henning - Ed. Bild und Heimat Verlag

PERCHÉ I FOTOGRAFI AMANO LE GIORNATE GRIGIE Haje Jan Kamps - Ed. Logos

Come scattare foto fantastiche: sessantadue trucchi di fotografia creativa. Gli scatti migliori sono quelli che raccontano una storia, soprattutto se accattivanti. In quest’ottica è giusto frequentare la pubblicazione che abbiamo di fronte, divertendoci però: prendendo tutto come un gioco. Attraverso numerosi esempi e schede dallo stile scorrevole e accattivante, il volume propone un manuale agile e divertente per tutti gli appassionati di fotografia. Scatto dopo scatto, i lettori possono scoprire come per realizzare foto di qualità non servono costose fotocamere, obiettivi di lusso o costosi flash. Rimane ciò che già sappiamo: la pianificazione, l’osservazione e la costanza sono la chiave per migliorare le proprie prestazioni fotografiche. In ogni caso, è bello tuffarsi in questo libro e ricercarne nuove idee. I trucchi e consigli saranno un valido aiuto per ottenere immagini belle e interessanti, anche se sempre delle scorciatoie.

SENTIERI TORTUOSI

Roberto Salbitani - Ed. Contrasto

REQUIEM

Kenro Izu - Ed. Skira Requiem narra la storia di quanti morirono per l’eruzione del Vesuvio nel 79 d. C., incapaci di reagire di fronte a tanta improvvisa violenza.

Ne emerge tanta dignità. La caparbietà di Izu nell’allestire i corpi dei fuggitivi trasformati dalla lava incandescente in statue eterne, nelle varie case come negli esterni di Pompei ed Ercolano, sembra davvero restituire la vita a quei momenti. I corpi rattrappiti che scopriamo nelle stanze o lungo i corridoi lastricati ci colgono impreparati perché li vediamo dove, forse, l’eruzione li sorprese, inermi e abbandonati dopo aver cercato invano un rifugio. Quella di Izu non è una rilettura storica per immagini, piuttosto un omaggio alla gente di Pompei ed Ercolano. C’è, in questo approccio così trasparente e lucido, la medesima partecipazione che Izu da decenni riserva a tutti quei luoghi del mondo ancora puri e sacri; c’è, verso quegli umani e animali di pietra, un profondo rispetto e una grande discrezione.

Roberto Calasso - Ed. Adelphi

INDISCREZIONI

I “sentieri tortuosi” sono quelli legati al destino di Bruce Chatwin, che l’hanno condotto in una perenne irrequietezza nei luoghi più disparati, dalla Mauritania ai deserti australiani, fino alla Patagonia.

Di fatto Chatwin nei suoi viaggi ha sempre usato la macchina fotografica come una sorta di taccuino visivo, in parallelo ai celebri quaderni di tela cerata che sempre lo accompagnavano e che hanno rappresentato il vero laboratorio della sua opera letteraria. Si sono così accumulate centinaia di fotografie che Roberto Calasso, cui si deve anche il saggio introduttivo al catalogo, ha scelto e organizzato in sezioni, creando un contrappunto fra di esse e l’opera letteraria, l’ultima a tutt’oggi in cui si sia incarnato il «mito del viaggio».

“Avevo dieci anni quando ho cominciato a usare la macchina fotografica”. “Da allora per circa un decennio essa è stata per me una specie di indumento, qualcosa che si indossa necessariamente la mattina prima di uscire per strada, qualcosa senza la quale non puoi muoverti, qualcosa di molto simile alle scarpe”. È così che Giuseppe Tornatore descrive la sua passione per la fotografia, elemento determinante anche nella sua attività cinematografica, la cui qualità viene più volte premiata nei suoi film. Questo libro esce in occasione del ventesimo anniversario dell’uscita nel 1988 del film “Nuovo Cinema Paradiso”, che ha sancito la sua notorietà a livello mondiale e gli ha fatto vincere due anni dopo il premio Oscar, le fotografie di Tornatore rappresentano l’occasione di scoprire un nuovo aspetto artistico del noto regista italiano.

G. Tornatore e M. Maffioli - Ed. Fratelli Alinari Fondazione

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EVENTI&MOSTRE I PRINCIPALI APPUNTAMENTI PER I PROSSIMI MESI

DA VEDERE & PER PARTECIPARE MOSTRE, EVENTI, MANIFESTAZIONI, FIERE, WORKSHOP E SEMINARI NAZIONALI. FINO AL

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UNIFORM. INTO THE WORK / OUT OF THE WORK

LA DIVISA DA LAVORO NELLE IMMAGINI DI 44 FOTOGRAFI. WALEAD BESHTY RITRATTI INDUSTRIALI

MAGGIO MAST - Bologna Via Speranza UNIFORM INTO THE WORK / OUT OF THE WORK rappresenta un progetto espositivo sontuoso. Curato da Urs Stahel, ci mostra come un’esposizione ben ideata possa superare, per impatto, il valore delle singole opere. È dedicato alle uniformi da lavoro, rivelando le molteplici tipologie di abbigliamento indossate dai lavoratori in contesti storici, sociali e professionali differenti. Sono esposti oltre 600 scatti di grandi fotografi internazionali.

Nate per distinguere chi le indossa, le uniformi da un lato mostrano l’appartenenza a una categoria, a un ordinamento o a un corpo, senza distinzioni di classe e di censo, dall’altro possono evidenziare la separazione dalla collettività di chi le porta. Le parole “uniforme” e “divisa” rivelano, allo stesso tempo, inclusione ed esclusione.

UNIFORM INTO THE WORK / OUT OF THE

WORK comprende una mostra collettiva sulle divise da lavoro nelle immagini di 44 fotografi e un’esposizione monografica di Walead Beshty, che raccoglie centinaia di ritratti di addetti ai lavori del mondo dell’arte incontrati dall’artista, per i quali l’abbigliamento professionale è segno distintivo, una sorta di tacito codice dell’anti-uniforme.

La mostra collettiva "La divisa da lavoro nelle immagini di 44 fotografi", allestita nella PhotoGallery, raccoglie gli scatti di 44 artisti: celebri protagonisti della storia della fotografia tra cui, Manuel Álvarez Bravo, Walker Evans, Arno Fischer, Irving Penn, Herb Ritts, August Sander e fotografi contemporanei come Paola Agosti, Sonja Braas, Song Chao, Clegg & Guttmann, Hans Danuser, Barbara Davatz, Roland Fischer, Andrè Gelpke, Helga Paris, Tobias Kaspar, Herlinde Koelbl,

Paolo Pellegrin, Timm Rautert, Oliver Sieber, Sebastião Salgado, immagini tratte da album di collezionisti sconosciuti e otto contributi video di Marianne Mueller.

In tutto il mondo si distingue ancora oggi tra “colletti blu” e “colletti bianchi”, due espressioni che si sono imposte in molte lingue della società industrializzata. Ispirandosi all’abbigliamento da lavoro, si opera una distinzione tra diverse forme e categorie professionali e poi sociali: da un lato la casacca o la tuta blu degli operai delle fabbriche, dall’altro il colletto bianco quale simbolo del completo giacca e pantaloni, camicia bianca e cravatta di coloro che svolgono funzioni amministrative e direttive.

La mostra monografica del fotografo americano Walead Beshty “Ritratti Industriali”, raccoglie 364 ritratti, suddivisi in sette gruppi di 52 fotografie ciascuno: artisti, collezionisti,

curatori, galleristi, tecnici, altri professionisti, direttori e operatori di istituzioni museali.

Sono fotografie di persone con cui l’artista è entrato in contatto nel suo ambiente di lavoro, mentre realizzava la sua arte o preparava le mostre. Nel corso degli ultimi dodici anni Walead Beshty ha fotografato circa 1400 persone con una macchina di piccolo formato e pellicola analogica di 36 mm, per lo più in bianco e nero. Dal totale degli scatti effettuati il fotografo ha scelto un ritratto per ogni singolo soggetto, per la mostra al MAST ne sono stati selezionati 364.

L’obiettivo di Walead Beshty, ispirandosi al lavoro d’inizi del ‘900 del ritrattista August Sander, non è quello di esprimere l’aspetto, il carattere o la natura della persona fotografata, ma è quello di rappresentare le persone nel loro ambiente di lavoro (che è anche il suo).

SONG CHAO - Serie “Minatori” / Series “Miners”2000-2002 © Song Chao | Courtesy of Photography of china.com

WERONIKA GĘSICKA - Senza titolo, dalla serie “Tracce” Untitled, from the series "Traces". © Weronika Gęsicka

ALBRECHT TÜBKE - Senza titolo, dalla serie “"Dalliendorf" Untitled, from the series "Dalliendorf". © Albrecht Tübke

PAOLA AGOSTI - Forlì, 1978. Giovane operaia ferraiola in cantiere/Young iron worker. © Paola Agosti

DA MARTEDÌ A DOMENICA DALLE 10:00 ALLE 19:00 - VISITE GUIDATE DAL MARTEDÌ AL VENERDÌ, ORE 11:00 E 17:30; SABATO E DOMENICA, ORE 11:00/15:00/17:00.

INGRESSO GRATUITO - WWW.MAST.ORG - GALLERY@FONDAZIONEMAST.ORG

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CALENDARIO 2000venti

MARZO BIENNALE DELLA FOTOGRAFIA FEMMINILE Spazio Arrivabene 2, Tempio di San Sebastiano, Palazzo Broletto, Galleria Corraini, Galleria Disegno e Casa del Rigoletto Mantova bffmantova.com MARGARET BOURKE-WHITE E DOROTHEA LANGE RICEVERE L’AVVENIMENTO. DUE DONNE NEI TORNANTI DELLA STORIA Centro Culturale di Milano Milano centroculturaledimilano.it APRILE OLIVO BARBIERI MOUNTAINS AND PARKS Centro Saint-Bénin Aosta lovevda.it GABRIELE BASILICO METROPOLI Palazzo delle Esposizioni Roma palazzoesposizioni.it MAGGIO MEMORIA E PASSIONE. DA CAPA A GHIRRI. CAPOLAVORI DALLA COLLEZIONE BERTERO. CAMERA - Centro Italiano per la Fotografia Torino camera.to ELLIOTT ERWITT ICONS WEGIL Trastevere Roma wegil.it WOMEN. UN MONDO IN CAMBIAMENTO Chiesa S. Maria della Vita Bologna genusbononiae.it GIUGNO L’INVENZIONE DELLA FELICITÀ.

JACQUES HENRI LARTIGUE Casa dei Tre Oci Venezia treoci.org TUTTE LE ORE DEL MONDO. LA VITA DI UNA COMUNITÀ MULTIETNICA DI GERALD BRUNEAU CDI-Centro Diagnostico Italiano Milano percorsiconibambini.it/kiriku/

PRIMA SELEZIONE GIOVANI AUTORI TARGA STEFANO MESSINA Il Mascherone con Foto De Angelis - Ancona

L’associazione fotografica Il Mascherone di Ancona, in collaborazione con Foto De Angelis - Ancona, organizza il concorso fotografico a tema libero “PRIMA SELEZIONE GIOVANI AUTOR - TARGA STEFANO MESSINA”.

L’iniziativa, ricordando Stefano Messina e la sua sensibilità per l’arte della fotografia, invita a raccontare, con immagini fotografiche, la realtà quotidiana nelle sue più varie espressioni. Possono essere presentate opere in formato digitale, sia a colori che in bianconero, nelle due sezioni: “Racconto fotografico” e “Scatto singolo”.

Partecipazione Possono partecipare al concorso tutti i fotografi aventi età inferiore o uguale ad anni 35, con anno di nascita non antecedente al 1985. I concorrenti minorenni dovranno allegare un’autorizzazione sottoscritta da un genitore.

Sono esclusi dalla gara i membri della Giuria e i rispettivi familiari nonché i soggetti che collaborano all’organizzazione del concorso.

Giuria La giuria è composta da: - Pierpaolo MESSINA > Presidente - Pia BACCHIELLI > Giornalista - Massimo MAZZOLI > Lettore Fotografia FIAF - Claudio PENNA > Fotografo e vice presidente dell’associazione Il Mascherone - Tiziana TORCOLETTI > Direttrice artistica della Galleria Puccini di Ancona Il giudizio della giuria è inappellabile e la partecipazione al concorso implica l’integrale accettazione del presente regolamento.

Calendario La selezione si articolerà secondo il seguente programma: Termine invio opere: 30 aprile 2020 Comunicazione risultati dal: 25 maggio Premiazione: 20 giugno nell’ambito di AnconaFotoFestival 2020 Riconoscimenti Sulla base delle valutazioni della Giuria saranno attribuiti i seguenti riconoscimenti ai due lavori selezionati: - VOUCHER/BUONO ACQUISTO DI 300 € - per il migliore racconto fotografico - VOUCHER/BUONO ACQUISTO DI 300 € - per la migliore foto singola - a ciascuno dei due selezionati: Targa “Stefano Messina” La giuria, a suo insindacabile giudizio, attribuirà ulteriori quattro menzioni speciali, complessivamente per le due sezioni; i quattro autori menzionati riceveranno un abbonamento annuale alla rivista IMAGE MAG. Mostra opere L’esposizione delle fotografie sarà realizzata mediante la pubblicazione sul sito web dell’Associazione all’indirizzo www.anconafotofestival.it dei lavori selezionati e dei menzionati; i lavori selezionati delle due sezioni inoltre saranno esposti nel corso della rassegna ANCONA FOTOGRAFIA 2020 - settembre 2020 allestita nelle sale della Polveriera “Castelfidardo” nel Parco del Cardeto di Ancona, e - in data da stabilire - presso la galleria espositiva della sede centrale di Foto De Angelis in via Maggini 84 ad Ancona. Ai selezionati per il racconto e per la foto singola sarà offerto, in occasione della inaugurazione delle mostre a settembre 2020, un soggiorno per due persone (sab/dom) presso il B&B Massignano 116, nel parco del Conero.

PER INFORMAZIONI: WWW.ANCONAFOTOFESTIVAL.IT - ANCONAFOTOFESTIVAL@GMAIL.COM

1935 - 2020

ALLA ROTONDA TRENTO COMPIE 85 ANNI

Fortunato Zorzini, il fondatore, giunto dal paese di origine, dopo aver lavorato presso alcune Aziende locali, decise di intraprendere la tortuosa strada del lavoro autonomo.

Aprì un negozio rivolto al mondo dell’erboristeria e drogheria, dove inserì un piccolo spazio dedicato alla fotografia, che iniziava a muovere i primi passi nel mondo amatoriale. Cominciarono a diffondersi le ricette per lo sviluppo dei negativi in b.n. mentre sugli scaffali facevano capolino le prime prestigiose attrezzature fotografiche del tempo: le mitiche ROLLEI, LEICA, KODAK, AGFA FERRANIA e via dicendo.

Ecco aperta la strada a quella che oggi vede Alla Rotonda come una delle poche realtà specializzate nel mondo della fotografia moderna.

I Zorzini negli anni sono stati: Zorzini Fortunato > 1935 - 1962 Zorzini Luciano > 1962 - 1985 Zorzini Giorgio > dal 1980 in Azienda e alla guida dal 1985 Zorzini Marco > dal 2000 Per la ricorrenza sono previste alcune attività, non pianificabili al momento attuale per via del Coronavirus. Ci preme evidenziare la 1^ Mostra Collettiva Fotografi Professionisti del Trentino, “Palazzo Roccabruna” - Trento. Si terrà dall’8 al 27 giugno 2020 e offrirà una panoramica circa il valore attuale dell’arte dello scatto in Trentino. Da non perdere.

PER INFORMAZIONI: WWW.SHOP.ALLAROTONDA.COM

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UNO DI NOI

LA PASSIONE PER LA FOTOGRAFIA DIVENTA CELEBRE

GIUSEPPE TORNATORE IL REGISTA FOTOGRAFO, E NON SOLO Non solo fotografo o regista Ospitare Giuseppe Tornatore nobilita questa rubrica, perché è “quell’uno di noi” che forse abbiamo sempre sognato pubblicare. Sarà facile scoprire le sue origini fotografiche giovanili, così come stupirà il suo ritorno all’immagine scattata dopo i successi nel cinema. Resta il fatto che lui ha raccontato con forza i sentimenti umani con le pellicole (fotografiche e cinematografiche), ma anche entrando in un ambito letterario. La sua produzione libraria è cospicua e variegata, tra saggi, biografie, racconti di film, romanzi.

Spicca, tra quest’ultimi, “La Corrispondenza”, che narra la relazione d’amore tra un astrofisico di fama internazionale, in età matura (con famiglia e due figli), e una studentessa di fisica che si mantiene con un riuscito lavoro di stunt-woman. La coppia “clandestina” vive una quotidianità difficile, da amanti nascosti: lotta per sopravvivere. Gli incontri dei due sono rari e clandestini, mentre si sviluppa tra loro una corrispondenza virtuale, via internet. Questa nuova realtà li pervade con forza, quasi travolgendoli. Racconta una storia moderna, il romanzo di Tornatore, quasi inspiegabile; e ci piace pensare che a narrarla sia stato proprio il regista di “Nuovo Cinema Paradiso”. Quel film ci ha riportato alla magia dei cinema di provincia, quando entrarvi voleva dire sognare, partecipare, crescere, frequentare. Eravamo agli albori di una “virtualità” consapevole, anche se inattesa; oggi migrata altrove e ricercata con morbosità e col peccato. Tornatore ha capito tutto e l’ha spiegato da par suo, con strumenti differenti. Del resto cinema, fotografia, e oggi i nuovi strumenti, altro non fanno che provare ad allungare la vita ai sentimenti, perché continuino a brillare anche quando la luce che li anima risulta irrimediabilmente spenta.

Gli inizi fotografici Ce ne siamo resi conto subito, solo guardando “Nuovo Cinema Paradiso”. Totò, il bambino che aiuta Alfredo, il proiezionista del Cinema Capitol, rimane illuminato dai film e dall’ambiente cinematografico; quando è solo in casa, però, osserva i fotogrammi da proiezione in trasparenza, trafugati di nascosto e conservati gelosamente nella scatola delle “cose buone”. Lì emerge la matrice della visione di Giuseppe Tornatore: il fatto di poter includere volti e sentimenti in un rettangolo magico, dove rimarranno per sempre.

“Tra fotografia e cinema c’è un rapporto stretto”, ha avuto modo di dire il regista siciliano; ed è proprio dallo scatto che nasce il suo successo nel grande schermo. Giuseppe Tornatore nasce a Bagheria il 27 Maggio 1956 e a otto anni comincia a frequentare Mimmo Pintacuda, proiezionista di cinema e fotografo con uno studio proprio. Le immagini di Mimmo abbagliano la fantasia di Giuseppe, perché gli mostrano realtà mai percepite, sfuggite agli occhi dei più, ma non alla sensibilità del suo maestro, perché arricchita da una profonda capacità d’osservazione. A dieci anni, con i soldi guadagnati qua e là, riesce ad acquistare una Rolleicord (la Rolleiflex dei poveri). “Da allora, per circa un decennio, quella fotocamera ha rappresentato per me una specie d’indumento, qualcosa che indossi necessariamente la mattina prima di uscire per strada, qualcosa senza la quale non puoi muoverti, qualcosa di molto simile alle scarpe”, ha detto Tornatore.

Dalla fotografia al cinema “Quando premi il dito sul pulsante di scatto, lo sconosciuto che hai immortalato smette di essere tale perché lo porterai sempre con te”. Anche questa è un’affermazione del regista

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siciliano. Sta di fatto che la fotografia ha costituito per lui l’anticamera del cinema. Rubare immagini, in età giovanile, l’ha costretto a osservare a lungo le persone, a studiarne i movimenti, a comprenderne i gesti, quasi immaginandoli in anticipo; a catturarli nel magico istante del clic. Del resto, il regista cinematografico tende a restituire sullo schermo le dinamiche della vita reale e questo è accaduto ancor di più nella filmologia di Giuseppe Tornatore. La sua mania per la composizione dell’inquadratura deriva tutta dalla sua esperienza come fotografo. È come se inquadrando il mondo attraverso il mirino della macchina da presa, Tornatore riportasse la sua creatività a un grado primordiale di espressività, quest’ultima caratterizzata da una sincera purezza dello sguardo, solo leggermente perduta nell’attività cinematografica. Un ritorno al passato, quindi, che poi coincide col suo sentimento della percezione.

La fotografia, un gradito ritorno “Indiscrezioni” è il titolo del libro che abbiamo presentato nell’apposita rubrica, che poi accompagnava l’omonima esposizione, la cui inaugurazione è coincisa col 20° anniversario di “Nuovo Cinema Paradiso”. In mostra erano esposte le foto che il regista aveva scattato in giro per il mondo: i volti e gli angoli di Bagheria, ripresi in gioventù, e poi Cina, Siberia (un viaggio nella cittadina di Novij Urengoi, per raccontare la storia di una città nata negli anni Ottanta dopo la scoperta di un giacimento di gas naturale); per finire a Tokyo, a Mosca, in Marocco, Tunisia, Sudafrica e negli Stati Uniti.

La fotografia, il cinema, la Sicilia Fotografia e cinema hanno coabitato nell’arte di Giuseppe Tornatore, forse senza mai separarsi. Non si tratta quindi di una contaminazione successiva, come potrebbe dirsi per Stanley Kubrick o Dennis Hopper. Le due discipline hanno preso spunto dallo stesso pensiero, da un medesimo approccio alle cose della vita. Ci piace altresì pensare che anche il calore della “sua” Sicilia abbia favorito la simbiosi tra le due arti. Tornatore vede i natali a Bagheria, che ha visto nascere Renato Guttuso e Ferdinando Scianna, artisti sensibili e curiosi, colti quanto basta, edotti nell’osservare per descrivere, al fine di esprimere sentimenti e circostanze.

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02

Marzo Aprile 2020

anno IX n.02

FOTO

IMAGING

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FINE ART

STORIE DI FOTOGRAFI E DI FOTOGRAFIA

IMAGE MAG MARZO n APRILE 2020

Jacques Henri

Lartigue