Portfolio 2023 Oumou Barry (EN)

Portfolio

O umou Barry // 2020 - 2023

Oumou Barry

671392208

oumoub10@gmail.com

Curriculum vitae

EDUCACIoN

» Higher Studies in Graphic Design ESDAP Catalunya, Spain (2019 - 2023)

» DNA Design Graphic ESAM Caen, France (Erasmus) (January - June 2022)

WORK experience

» Drafter & Construction permit administrator Holaluz (August 2020 - January 2022) 1 year and 4 months

» Graphic Designer Communication Agency, Pixel (December 2022 - April 2023) 5 months

LANGUAGES

» Spanish

» Catalan

» English (C1 Certificate)

» French (A2)

SOFTWARE SKILLS

» Adobe Illustrator

» Adobe Indesign

» Adobe Photoshop

» Adobe After Effects

» Autocad

» Sketchup

IRIS

December 2022

Iris is a conceptual signage project that answers the question of “What will signage be like in 40 years”? The project proposes a futuristic vision where an orientation system would be created from smart contact lenses. It also deals with concepts such as the privatization of signage and the lost of digital privacy.

Project awarded in the contest “Premio Signes 40 aniversario” with first place.

Jury composed of:

– Mario Eskenazi · Graphic Designer

– Malika Favre · Illustrator and graphic designer

– Rupert Goddard · Director of Graphic Design and Associate at Foster & Partners

– Marisa Gallén · Graphic Designer

– Javi Royo · Illustrator and graphic designer

– Benedetta Tagliabue · Architect

IRIS

Set de cartas mostrando los 12 símbolos del zodiaco.

Lens tracking and orientation system

Sistema de orientación y de rastreo por lentillas

Uso de lentillas inteligentes para poder observar la señalización del mundo, con el fin de extraer información personal sobre la población.

Mi propuesta gira alrededor del desarrollo tecnológico de lentes inteligentes y su uso en el ámbito de la señalización. En mi visión, el desarrollo del uso de lentillas inteligentes se utilizaría en aspectos como monitorear la condiciones de salud, proporcionar experiencias de realidad aumentada o ayudar con la corrección de la visión, entre otros. Con la hiperdigitalización de la señalización en el futuro, esta incluiría aspectos dentro del wayfinding para ayudar a las personas a llegar a sus destinos de manera rápida o traducir señales en otros idiomas, entre otras funciones. Este desarrollo también conllevaría a la violación de los derechos de privacidad por parte de organizaciones o gobiernos. Esto implicaría la extracción de información personal con el fin de identificar y rastrear a la población

Use of smart contact lenses to be able to observe the signage of the world, in order to extract personal information about the population.

My proposal revolves around the technological development of smart lenses and their use in the field of signage. In my vision, the development of the use of smart lenses would be used in aspects such as monitoring health conditions, providing augmented reality experiences or helping with vision correction, among others. With the hyperdigitalization of signage in the future, this would include aspects within wayfinding to help people reach their destinations quickly or translate signs into other languages, among other functions. This development would also lead to the violation of privacy rights by organizations or governments. This would involve the extraction of personal information in order to identify and track the population

Concepto: Que pasaria si el acceso a la señalización solo fuera apta para una parte de la población?

Concept: What would happen if access to signage was only suitable for a part of the population?

La privatización de la señalización

The privatization of signage

Si se usaran lentes de contacto inteligentes para observar y extraer información personal de la señalización u otras señales visuales, es posible que esto conduzca a la recopilación de grandes cantidades de datos personales sobre los movimientos y actividades de las personas. Esto podría usarse potencialmente para varios propósitos, como publicidad dirigida, investigación de mercado o incluso para fines de aplicación de la ley o seguridad nacional.

En mi propuesta, la privatización de la señalización se hace realidad. Esto significaría que solo las personas con este tipo de tecnología (lentillas inteligentes) podrían usar la señalización.

If smart contact lenses were used to observe and extract per sonal information from signage or other visual cues, it is pos sible that this could lead to the collection of large amounts of personal data about individuals’ movements and activities. This could potentially be used for various purposes, such as targeted advertising, market research, or even for law enfor cement or national security purposes.

In my proposal, the privatization of signage becomes a reality. This would mean that only people with this type of technolo gy (smart lenses) could use the signage.

Hyperdigitalisation

Propuesta de concepto de señalización dentro de 40 años

“Aprendiendo del pasado para construir el futuro”

Oumou Barry Diciembre, 2022

Society in the year 2062

La sociedad en el año 2062

Es dificil predecir con precisión como será la sociedad en 2062, ya que es una fecha futura bastante lejana y hay muchas variables que podrían afectar la dirección que toma nuestra sociedad actual. Sin embargo, es probable que haya cambios tecnológicos, sociales y culturales significativos entre ahora y 2062. Algunos de los posibles desarrollos que podrían dar forma al futuro de la sociedad incluyen avances en inteligencia artificial, biotecnología, energía renovable y exploración espacial, así como cambios en los sistemas económicos, estructuras políticas y normas sociales. También se puede imaginar un desenlace catastrófico, como el desarrollo de la tercera guerra mundial o la aparición de las consecuencias del calentamiento global.

It is difficult to accurately predict what society will be like in 2062, as it is quite a distant future date and there are many variables that could affect the direction our current society takes. However, significant technological, social, and cultural changes are likely between now and 2062. Some potential developments that could shape the future of society include advances in artificial intelligence, biotechnology, renewable energy, and space exploration, as well as changes in economic systems, political structures and social norms. One could also imagine a disastrous result, such as the development of the Third World War or the appearance of the consequences of global warming.

Astro 2

May 2022

Set of cards showing the 12 symbols of the zodiac.

Astro 2

The project also includes a delineation part where the windows of the Saint Pierre de Caen church were taken as a reference. The designs can be seen in the background of the cards.

PARALLEL HORIZONS

April 2022

Design of a collection of three publications on science fiction short sto ries. Illustrations made in transparent film.

Ray Bradbury

December 2020

Poster for the carnival poster contest organized by the Badalona City Council.

BLOW HAIR SALON

June 2021

Advertisement mockup for Blow Hair Salon.

THE EMPRESS

THE EMPRESS

November 2021

Design of the tarot card “The Empress”, for later engraving.

SOILEH

October 2020

Label

design proposal for the TagNews Awards contest.

COLLAGES

Between 2016 - 2018

Several collage proposals with floral motifs and dynamic compositions. Created as a hobby and published in a personal blog for several years.

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A Clockwork Orange vs Dirty Harry.

Dos carteles de cine de 1971, que hoy cumplen 50 años, le sirven como excusa a Óscar Guayabero para reflexionar sobre cómo la violencia ha sido tratada en el cine y asimilada por la opinión pública.

y en este caso, contra la monitorización social de los adolescentes con métodos intrusivos y conductistas y su uso político. LO INAPROPIADO

El cartel, obra del gran Bill Gold afamado cartelista de cine, ha llegado a ser emblemático de la historia del

Un debate sobre la violencia en el cine.

cine, pero tampoco se libró de polémica. De hecho, en algunos países se cambió por considerarlo inapropiado. Efectivamente, la presencia de la navaja y el ojo y la mirada de Alex DeLarge infunden temor por esa sonrisa maléfica pero no fue eso lo que generó controversia. El problema fue que en la ilustración del cartel, de Philip Castle, aparecía una mujer en ropa interior y una postura que se consideró excesivamente erótica. Así que en muchos lugares se eliminó a la mujer, que debe ser un único elemento en el cartel que no expresa violencia. En realidad, la figura era uno de los maniquís de los que usan como mesas en el bar Moloko, donde DeLange y sus amigos toman leche con sustancias narcotizantes que potencian su conducta ultra violenta. Por cierto, el diseño del bar, así como gran parte del mobiliario y decorados de la cinta, son obra de John Barry, quien más tarde trabajaría con George Lucas en Star Wars y ese maniquí censurado es-

taba directamente inspirado en las obras del artista Allen Jones. Esta película tuvo un impacto enorme sobre la opinión pública, fue censurada e incluso prohibida. La película fue calificada «X» en su estreno original en los Estados Unidos. Más tarde, Kubrick cortó, voluntariamente, 30 segundos de la película para su reestreno de 1973. En el Reino Unido, la violencia sexual de la película fue considerada extrema. Más adelante, se dijo que había inspirado imitaciones. La prensa culpó la influencia de la película en un ataque a un indigente y en una violación, los atacantes cantaron Singin’ in the Rain, como en la película. Kubrick pidió la Warner Bros que retirara la película del Reino Unido, pues se encontraba bajo mucha presión, llegando incluso a recibir amenazas de muerte hacia él y su familia. Es cierto que entre los más jóvenes hubo una parte que se recreaba en la escenificación de la violencia

el uso de drogas recreativas para el sexo y la diversión pandillera, basada en la ultraviolencia nihilista y gratuita, pero el planteamiento de Kubrick era explorar los límites morales y poner en tela de juicio lo que es socialmente apropiado, a menudo desde posiciones hipócritas.

Ese mismo 1971, Don Siegel, director y montador en películas de género (westerns y acción principalmente), estrenaba una película donde la violencia también era la protagonista. Pero en ese caso no hubo excesiva controversia. La película era Dirty Harry (Harry, el sucio), el protagonista es un joven Clint Eastwood, habitual en westerns hasta entonces y la trama, una tópica cinta donde un asesino malvado aterroriza una ciudad, San Francisco; y un policía rudo, violento y arrogante aunque «legal», se dedica a repartir balas y puñetazos hasta acabar con el «enemigo público».

VIOLENCIA POP

Curiosamente, el cartel también era de Bill Gold. En esta ocasión Gold apostó por una estética más pop, con un agente Callahan multiplicado multicolor al estilo de las serigrafías de Warhol. Nada pareció alarmar a la censura eso que el poster incluía una frase de lo más alarmante: «You don’t assign him to murder cases. You just turn him loose». Algo así como «tú déjalo suelto, que él ya se ocupa de los malos», todo un alegato la extralimitación policial.

El film tuvo un considerable éxito, que dio pie a una pequeña saga de películas basadas en ese mismo personaje que primero disparaba luego ya si eso preguntaba. Tuvo cuatro secuelas, Harry, el fuerte (Magnum Force en original, de 1973), Harry, el ejecutor (1976), Impacto súbito (1983), y The Dead Pool (1988). En todos los carteles de la serie, el protagonista es dual, Eastwood un Magnum del 44 omnipresente. El fetichismo de ese «pistolón» es bastante obvio. En una escena de Impacto súbito hay una de esas memorables frases de poli duro: ante un joven negro, que retiene una tendera como rehén, Callahan, apuntando la cabeza del atracador atemorizado por «la gran pistola» del policía, dice: «Anda, alégrame el día». Una insinuación a que cualquier cosa que no sea soltar a la rehén, será motivo de un disparo en el entrecejo.

EL BIEN Y EL MAL

Cierto es que el filme estuvo prohibido en Finlandia hasta 1972 y censurado en Noruega Portugal por extrema violencia, pero nada comparado con el revuelo la censura que recibió A Clockwork Orange.

Diría que una de las grandes diferencias entre las dos es que Kubrick hace un retrato difuso entre el bien y el mal, donde nos obliga plantearnos nuestros propios códigos morales, en cambio, Don Siegel siempre nos sitúa en escenarios donde sabemos perfectamente que el bien está encarnado por el policía, el cual tiene «licencia para matar» en nombre del bienestar de la comunidad.

Pero además en La naranja mecánica y en su cartel, el sexo, las drogas y la violencia forman un círculo indivisible, lo cual fue motivo de gran escándalo. En cambio, en Dirty Harry no hay sexo ni drogas. Bueno, no exactamente, Harry bebe más de la cuenta (pero el alcohol es una droga legal) que de vez en cuando aparece alguna mujer (siempre en papeles secundarios y ligeras de ropa). En A Clockwork Orange los políticos son corruptos y utilizan al protagonista tanto para justificar la tortura como para simular su posterior reinserción, en Dirty Harry, los políticos son inútiles y miedosos.

Ambas cintas ponen en duda el sistema pero, así como Kubrick lo hace desde la crítica social, Don Siegel lo hace desde la premisa de tomarse la ley por su mano, al margen de las normas y haciendo reducciones simplistas a problemas complejos y donde una Magnum del 44 es quien imparte justicia. No es difícil hacer metáforas con este doblete, pero no voy caer en hacerlas yo.

hacía para medir el rendimiento de las lentes y eso le sirvió de inspiración para investigar e imaginar lo que quería expresar a través de su creación artística.

Fue cuando se cruzó con la obra Harmonograph, a Visual Guide to the Mathematics of Music cuando supo lo que quería hacer: plasmar armonografías a través de la cianotipia. Un armonógrafo es un aparato inventado a mediados del siglo XIX, aquella época dorada de los inventos, que servía para representar gráficamente las vibraciones del sonido a través de una serie de péndulos conectados a un bolígrafo.

Lo que Ralf hizo fue emular con un software informático el movimiento de un armonógrafo, sincronizar dicho software con un láser y proyectar este láser sobre una superficie emulsionada con cianotipia, creando resultados bellos a la par que hipnóticos. «Quiero que

El color azul es uno de los grandes protagonistas del Mediterráneo. Desde el cielo hasta el mar, transmite belleza y tranquilidad. Es un color con tanto poder que incluso condicionó una etapa entera en la carrera artística de Pablo Picasso. Y, sin embargo, ni el cielo es azul, ni el mar lo es y ni tan siquiera los ojos azules poseen ese color, como explicó John Tyndall en el siglo XIX.

En los tres casos, no existe color alguno. Solo la luz que los atraviesa y es blanca, pero al pasar a través de las moléculas o partículas que se encuentran suspendidas en estos tres medios (atmósfera, agua e iris), las ondas del color azul, de menor longitud, se dispersan mucho más que las del resto de los colores, haciéndose únicamente visibles estas. Es lo que se llamó efecto Tyndall. También reciben el nombre de Tyndall un monte en California, otro monte en el sur de Chile, cuatro glaciares, un cráter lunar, otro en Marte y un asteroide. Hoy la cosa va de genios.

Al igual que Picasso en una etapa de su carrera artística, Anna Atkins dedicó al azul la suya entera e hizo de este color su modo de vida.

¿Pero quién es Anna Atkins? Para conocerla mejor hay que retroceder en el tiempo hasta la primera mitad del siglo XIX, cuando, en varios lugares del mundo y de manera simultánea, diferentes científicos estaban buscando la manera de fijar una imagen en un soporte físico. En decir, estaban intentando inventar la fotografía.

En esa época de invenciones y descubrimientos casi diarios se crió nuestra protagonista, Anna Atkins. Huérfana de madre, fue criada por

su padre, prestigioso científico que, de manera poco habitual para la época, decidió educar a su hija en su propia especialidad, la botánica.

Otro de los personajes de esta historia es sir John Herschel, científico, astrónomo, matemático, sir y amigo de la familia de Anna. Herschel, quien había ayudado otros científicos en la carrera por la invención de la fotografía, creó un método para hacer copias de sus anotaciones apuntes. Consistía en una mezcla de sales que, aplicadas a una hoja de papel, la hacían sensible a la luz, pudiendo crear de esta manera fotocopias en una gama monocromática de azul de prusia. Bautizó su método con el nombre de cianotipia.

Esta fue una época muy loca. El ritmo al que se producían entonces los descubrimientos era vertiginoso. El propio Herschel no solo inventó la cianotipia y le dio nombre, sino que también acuñó el nombre fotografía e inventó la manera de fijarla que aún hoy día se sigue usando. No se podían esperar menores logros del hijo del científico que descubrió Urano, dos de sus lunas y demostró

el movimiento del sol, entre otras cosas.

La cianotipia coincidió con los descubrimientos de otros contemporáneos suyos que daban resultados en blanco negro, por lo que no tuvo la aceptación que hubiera deseado. Estos otros inventos, que en ocasiones usaban parte de las investigaciones de Herschel, se popularizaron y evolucionaron muy rápido entre la sociedad, dejando la cianotipia en un segundo plano.

El científico, no del todo satisfecho con el impacto de su creación, compartió su invento con la familia Atkins, y Anna, a diferencia de aquellos que no veían esta gama de azules atractiva, quedó fascinada por los resultados que ofrecía. Inmediatamente pensó en coger las muestras de plantas que tenía como parte de sus estudios y ponerlas sobre una hoja emulsionada con cianotipia. Tras 15 minutos al sol y enjuagar el papel con agua, obtuvo increíbles fotogramas de las plantas.

Y cuando pudo contemplar la perfección y rigurosidad de los cianotipos que había creado, fue consciente del gran avance que esto podría suponer para la comunidad científica, que hasta ahora basaba todo sus conocimientos en ilustraciones. Sistemáticamente empezó a hacer cianotipos de las algas autóctonas de su zona. Las fue encuadernando y distribuyendo en fascículos durante 10 años para concluir en 1853 en un libro de botánica que llamó British Algae. Este no fue su único trabajo. Continuó publicando obras relacionadas con la botánica ilustradas con cianotipos durante toda su carrera. tal fue su dedicación y pasión por la cianotipia, que, a diferencia de lo que se solía hacer en la comunidad científica por aquel entonces, no se molestó en documentar el impacto de su trabajo en ningún medio. De hecho, ni siquiera firmaba sus obras como Anna Atkins. En lugar de ello, usaba unas simples siglas, A.A., que

apenas la relacionaban con su obra, por lo que su memoria estuvo a punto de ser borrada. Por suerte, Anna tenía algunos grandes seguidores que pudieron perpetuarla. Aunque probablemente ella no lo supo, al publicar British Algae, Anna Atkins pasó a ser la primera fotógrafa de la historia y no solo eso, sino que dicha obra es considerada hoy día la primera publicación ilustrada con fotografías de la historia. En una época marcada por la masculinidad en lo que a hazañas se refiere, Anna se hizo, sin darse cuenta, un hueco en la historia del arte. El camino de la cianotipia desde entonces hasta nuestros días ha tenido altibajos dependiendo de las épocas. No era una técnica de primer uso en el mundo del arte, más bien un método de aprendizaje o ensayo para amateurs estudiantes, pero en el plano industrial sí que fue muy popular y utilizada. Al ser una técnica muy económica y fácil de adaptar a grandes formatos, se ha utilizado hasta hace bastante poco como método para duplicado de mapas, planos esquemas.

Cuando vemos en una película o serie esa escena cliché en la que un grupo de personas desenrollan un mapa en una mesa y empiezan a discutir qué camino van a seguir, muchas de las veces nos daremos cuenta de que este mapa suele ser azul y blanco. Si alguna vez te has preguntado por qué, efectivamente, son cianotipos. Y no solo planos de edificios y mapas, también en diseño industrial, todos los planos de elementos y piezas se duplicaban a través de cianotipia. De ahí el nombre de blueprints, que todavía hoy se usa para referirse planos, sin necesidad de que se haya usado esta técnica o de que sean azules. Cuando Leonardo DiCaprio repite más de 30 veces en un minuto la frase «show me all the blueprints» en la película The Aviator, está pidiendo las copias en cianotipia de los planos.

A partir de la segunda mitad del siglo XX, cuando se empezó a reconocer el trabajo y figura de Anna Atkins, la cianotipia ganó popularidad hoy día es la técnica elegida por muchos artistas de renombre para expresarse. Parte de este resurgimiento del uso de la cianotipia en el mundo del arte se debe a proyectos como Alternative Photography, un colectivo de artistas encabezado por Malin Fabbri, especializados en técnicas históricas y alternativas de fotografía.

Se trata de un proyecto que lleva más de 20 años manteniendo vivas todas estas técnicas través de tutoriales, eventos, exposiciones libros.

Otro que ha sabido llevar esta técnica hasta un extremo totalmente diferente ha sido Ralf Jacobs, artista holandés especializado en ingeniería óptica. A Jacobs le fascinaba la forma de los diagramas generados a través de las emulaciones que su ordenador

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clamos los dos vasos en uno solo.

Agitamos muy bien y nos debería quedar en el vaso un líquido de un color entre verde y amarillo. ¿Dónde está el azul? Paciencia.

Mojamos la brocha en la mezcla y aplicamos una fina capa que cubra la superficie del papel. Aquí podemos ser todo lo creativos que queramos con los bordes, pero la capa tiene que quedar homogénea y de un color amarillento. Dejamos secar a oscuras, y mientras seca, nos vamos a buscar hojas, flores y aquello que queramos poner en nuestra cianotipia.

Una vez seco (el amarillo del papel se habrá oscurecido un poco), en penumbra, buscamos algo plano (un libro, por ejemplo) y ponemos encima la hoja con la parte amarilla hacia arriba. Sobre esta capa amarilla, situamos las hojas y elementos elegidos para la composición. Una vez lo tenemos todo colocado, ponemos el cristal encima. La

idea es que el cristal presione las hojas contra el papel de acuarela.

Para ello, nos podemos ayudar de pinzas o de algún peso.

Cuando lo tenemos todo listo, lo ponemos a sol directo durante 15 minutos (el tiempo puede variar; ensayo y error al poder). Tras 15 minutos, quitamos el cristal las hojas, sumergimos el papel de acuarela en agua y poco poco veremos cómo todo se va tornando azul, dejando solo la silueta de nuestras hojas y algunos detalles de zonas en las que haya pasado algo de luz.

Hemos creado una cianotipia como hizo Anna Atkins hace 178 años..

Por

Wassily

En 1925 diseñó la silla B3 o silla Vassily. Probablemente inspirada en el manillar de una bicicleta, fue la primera silla en la historia construida con tubos de acero. Con su diseño Marcel Breuer consiguió una obra maestra entre metal tela o cuero y una transparencia y ligereza en los volúmenes que supuso toda una revolución para la época.

Origenes

Bordes de piel de vacuno negra teñidos de negro.

La silla más tarde conocida como “Wassily” fue fabricada por primera vez a fines de la década de 1920 para Thonet, el fabricante de muebles alemán-austriaco más conocido por sus diseños de sillas de madera curvada, bajo el nombre de Modelo B3. La versión de la silla producida por Thonet es muy rara y dejó de producirse durante la Segunda Guerra Mundial.

Porque “Wassily”?

La silla recibió el nombre de “Wassily” en honor al pintor Wassily Kandinsky, amigo de Breuer compañero instructor de la Bauhaus, que elogió el diseño cuando se produjo por primera vez.

Precio

mi trabajo sea estéticamente agradable; quiero que la gente vea la belleza en lo que hago».

Es por ello que, aunque cada una de las obras que Jacobs plasma en cianotipia podría representarse de forma acústica, el artista advierte que la mayoría de las veces, para que el resultado de la impresión sea bello, el sonido que lo genera no suele serlo. así es como Ralf Jacobs, a través de dos inventos de hace más de 150 años, la cianotipia y el armonógrafo, consigue crear sus enigmáticas obras.

Además de Alternative Photography y Ralf Jacobs, artistas de reconocida trayectoria como Wu Chi-Tsung y ULFsaupe, entre otros, han sabido encontrar en el azul de prusia de la cianotipia la fuente de inspiración para expresarse, situándose hoy día como una técnica fotográfica muy recurrente por todo tipo de artistas.

Si después de leer este reportaje y haber visto el potencial de la técnica y la belleza de los azules que se consiguen te has quedado con ganas de saber cómo se hace, aquí te lo contamos.

Solo se necesitan un par de químicos fáciles de encontrar (ferricianuro de potasio y citrato férrico amónico), agua destilada, una brocha, papel de acuarela y un cristal (más grande que el papel). Los dos químicos se mezclan por separado con agua destilada. Así, en un vaso pondremos 100 ml de agua con 8 g de ferricianuro de potasio, y en otro 100 ml de agua con 20 g de citrato férrico amónico. (Es más sencillo de lo que parece. Lo único difícil es aprenderse los nombres).

Una vez tenemos los dos vasos con sus químicos correspondientes bien diluidos, ponemos la habitación en penumbra (importante), preparamos brocha y papel y mez-

INTRODUCCIÓN

Marcel Breuer

(21 de mayo de 1902 de julio de 1981) fue un arquitecto diseñador de muebles modernista nacido en Hungría. Fue uno de los exponentes más influyentes del Estilo Internacional; estaba interesado en aplicar nuevas formas usos a la tecnología los materiales recientemente desarrollados para crear un arte expresivo de la era industrial.

Apariciones en el cine...

Marco de acero tubular sin costura con un acabado cromado pulido.

De 1920 a 1928, Breuer estudió y luego enseñó en la escuela de diseño Bauhaus. Allí siguió el ejemplo de Walter Gropius sobre la combinación de unidades estandarizadas para formar un todo tecnológicamente simple pero funcionalmente complejo. En 1925, inspirado en el diseño de los manillares de las bicicletas, inventó la silla tubular de metal; su versión original se conoce como la silla Wassily.

9 1/2

Weeks, 1986

Promising

Young Woman, 2020

Juanlu Ronco

TALLER DE CIANOTIPIA

Camping

El nuevo chiringuito urbano de Poblenou, Barcelona

El trap es mucho más que letras polémicas y voces con autotune. El auge de este género está muy relacionado con la democratización del acceso a las nuevas teconologías, tanto a la hora de crear como de difundir creaciones musicales. Max Besora, coautor de Trapologia (2018), hace un repaso a la historia de este estilo que ha seducido a jóvenes de medio mundo.

Aunque no hayas oído hablar del trap, probablemente lo habrás escuchado sin saberlo en el teléfono de alguien sentado tu lado en el metro o en el hilo musical de alguna tienda o centro comercial mientras comprabas en rebajas cosas que ni sabías que necesitabas.

La música trap es un subgénero del rap que apareció principios de los noventa en los barrios más pobres de Atlanta (EUA), donde estaban las trap houses, casas donde se produce y vende crack y otras drogas, y donde los consumidores se encuentran «atrapados» hablando de su propio submundo y con su propio slang al margen del sistema.

La palabra trap comienza a sonar finales de los años noventa a través del colectivo Dungeon Family. Sin embargo, para entender el nacimien-

to de la música trap tenemos que remontarnos al origen del hip hop y las fiestas que se celebraban en el Bronx en los años setenta, con DJ’s y MC’s como Afrika Bambaataa, Kool Herc, Grandmaster Flash y otros que rapeaban sobre beats mezclados. Al salir del gueto y ser comercializada como música en los años ochenta, surgen grupos como Public Enemy, Rakim, KRS-One o Native Tongues, conocidos como la Nueva Escuela, que rapean una poética callejera de reivindación social.

Más adelante, en los noventa, músicos como N.W.A., UGK, Three 6 Mafia, Master P, Dr. Dre o Ice-T, entre otros, empezaron emplear lo que se ha llamado gangsta rap para hablar del estilo de vida violento en las zonas desfavorecidas de las ciudades norteamericanas, dejando de lado los discursos más políticos y poéticos

del rap de los inicios. La tranformación del género se extiende al Mystic Stylez (1995) de Three 6 Mafia hasta llegar Gucci Mane y su Trap House (2005).

Y es que, así como el gangsta rap era una mutación del hip hop original, el trap es una segunda mutación derivada del gangsta que se convirtió en una nueva cultura distinta al hip hop original, olvidándose muchas veces de los versos, de la ideología/poética comprometida de la rima, y con tonos musicales ciertamente más siniestros. Sin músicos como Future, Migos, Gucci Mane, Fetty Wapo o Chainz y productores como Shawty Redd, Mannie Fresh, Zaytoven o Tony Fadd no existiría el trap tal como se conoce hoy, que ha logrado un éxito sin precedentes entre las generaciones jóvenes, tanto de público como de producción.

La música trap, con sus tres notas, sintetizadores, dientes de oro falsos y sobredosis de autotune irónico, se extendió desde Atlanta y el resto del sur de los EUA, pasando por América Latina y alcanzando Europa Asia. Si el momento álgido de este género musical en los Estados Unidos se produce en torno a 2010, a España llega aproximadamente en 2013, de la mano sobre todo de los Kefta Boyz, que después se harían llamar PXXR GVNG, con Khaled y Yung Beef al frente. Más tarde aparecen músicos como D. Gómez, M. Ramírez, C. Tangana, Big Jay, Pimp Flaco, Kinder Malo, Cecilio G o P.A.W.N. Gang, sin olvidar a La Zowie o Ms Nina, mientras que otras como Bad Gyal, Nathy Peluso o incluso Rosalía mezclan beats procedentes del trap con otros géneros musicales con resultados mucho más sugerentes. Además, todas estas músicos tienen el mérito de cantar o rapear con una lengua mezclada y antinormativa, inventándose registros lingüísticos sorprendentes.

Pero no solo la irreverencia a la norma lingüística es parte fundamental de este tipo de música, sino también su estética de la fealdad buscada, que tiene su origen en los submundos del tráfico de drogas en Estados Unidos y que encuentra su correlación en la Península con el cine quinqui de los ochenta, pasando por el camp, intencionadamente feo y precario, y el kitsch más comercial, así como la relectura de los roles de género que articulan muchas de sus voces femeninas, como Las VVitch, Tribade, IRA o Chocolate Remix, al hablar de sexismo, de cosificación del cuerpo femenino, del aborto, del racismo, del clasismo o de la misoginia.

Pimp Flaco B a d G y a l La Zowi

Se une a la comunidad de Poblenou Urban District un nuevo espacio de ocio y gastronomía en el barrio. Camping, no es un chiringuito al uso. Camping es un proyecto gastro-cultural que busca replantear la utilización del espacio público como lugar común.

Este nuevo chiringuito urbano, busca traer su modelo de servicio la comunidad de Barcelona. Y ha venido para quedarse: con la intención de abrir los 365 días del año, a no ser que el temporal lo impida.

Este chiringuito quiere ser punto de encuentro para todos aquellos que busquen un oasis en la ciudad donde disfrutar del aquí y el ahora, ya sea en compañía o en soledad, practicando deporte o simplemente disfrutando del dolce far niente.

Confieso que el único deporte que hago, si se le puede llamar deporte, es andar. Confieso además que caminar se me ha convertido en un vicio. Me encanta utilizar la bipedestación para dar largos paseos, recorrer espacios, descubrir lugares. Andando se hace más amplia la línea del horizonte, se ofrece a la vista una variedad un dinamismo de imágenes que despejan (o eso creo yo) la mente oxigenan el cerebro. Andando se hacen propios los espacios públicos, la ciudad y la vida. Andar es un acto de empoderamiento, en contraposición a la ciudad dormida, de ciudadanos zombies, telespectadores de sofá y manta.

Caminando, recorrí varias veces una pineda entre Poblenou y la Mar Bella. Oliendo pinos, humedad y piñones se baja a una explanada enorme deshabitada adormecida. En el parque, con pistas de básquet y vóley, en la calle Carmen Amaya, entre Llacuna y Badajoz, ya existía la estructura de un chiringuito urbano que llevaba abandonado una eternidad. Un pequeño cubículo y unas cuantas mesas raídas por la luz solar, pedían a gritos que alguien diera una nueva vida a ese espacio de la ciudad.

Construcción creada, seguramente, a raíz de las olimpíadas y, cual vestigio de ciudad griega, su objetivo era,

claramente, ser habitada por los ciudadanos de pie. La Vila Olímpica, Poblenou está llena de emplazamientos, con influencias de vida de aldea, que, como éste, fueron creados para ser disfrutados y que cómo éste también, hasta ahora, permanecen callados y solitarios.

Vestigios de una época en que se creía que la calidad del espacio público se podría evaluar por la calidad de la relaciones sociales que facilita, por su capacidad de generar mezcolanzas de grupos, actividades y comportamientos. Actualmente, reemplazada por otra época. En ésta, nueva, el mercantilismo de la cultura y del espacio público-privado generan construcciones en donde las personas se ven abocadas comportamientos pasivos.

Cuando una recorre estos espacios –adormecidos, decía- le viene la cabeza la rima de Bécquer. es que estos emplazamientos permanecen de sus dueños tal vez olvidados, silenciosos, cubiertos de polvo… Y ¡cuántas risas, conversaciones, música duermen en ellos! Esperan al grupo humano, a que la vibrante comunidad se levante, ande, corra, coma, juegue, baile…

Pues este chiringuito urbano nace con pretensiones de Camping. Esos recintos-aldeas temporales donde la vida se genera en el exterior y es compartida. Donde las tardes en sus calles, plazas y piscinas son eternas y brillantes. Esos momentos en la infancia se perfilan como contextos de unión, apertura y conciencia social, además de crear un gran vínculo con la naturaleza.

Camping, recupera el espacio urbano para crear una comunidad activa, vibrante, capaz de disfrutar del espacio a cielo abierto, dispuesta para el goce de la hierba, del deporte, del ocio, de la gastronomía y de la música. To

“Se podría afirmar que el trap es el primer estilo musical donde personas sin discográfica o dinero para poder pagarse una maqueta pueden hacer música desde sus ordenadores. “

Kinder Malo

perciben un futuro negro ante un sistema social desigual ven en esta música la profecía que les ilustra el camino a seguir. Paradójicamente, a pesar de que el trap abraza abiertamente el capitalismo con sus letras sobre el éxito, la fama, el lujo, el dinero, etc., también su pragmatismo neoliberal de procedencia norteamericana y el do it yourself posibilita una salida del monopolio de las grandes compañías discográficas que controlan el mercado musical. Es una manera de decir «ya no aceptamos las reglas del juego, ahora jugaremos a nuestra manera». Esto supone cuestionar el funcionamiento de la industria y, al mismo tiempo, servirse de ella. La música trap pone fin la exclusividad del disco/objeto, considerado antes como una pieza de arte exclusiva, y participa de la fuerza de la comunidad global, donde el metarrelato o discurso legitimador a nivel ideológico, social y político ha sido reemplazado por una pluridad de pequeñas narrativas fragmentadas y dispersas por todos los rincones del mundo cibernético. Se ha ganado en democracia musical, pero por el ca-

mino se ha perdido el mensaje social y el poder transformador que podía tener el primer hip hop al perpetuar el individualismo, el consumo y la artificialidad de los valores neoliberales.

tivas, que reflexiona la vez sobre el feminismo, la apropiación cultural o la lucha de clases.

El debate sigue abierto, y en los últimos tiempos ha aparecido una serie de estudios en la Península que analizan desde diversos puntos de vista el éxito fulgurante de este fenómeno musical. Historia del trap (2018), de Jon I. García, analiza de forma empírica los inicios del género en Estados

Unidos y su posterior desembarco en América Latina y España. Trapologia (2018), escrito por Borja Bagunyà y Max Besora, es un ensayo/ficción que narra las peripecias de dos escritores de casi cuarenta años que se adentran en este submundo para investigar, entender y reflexionar, con humor y transversalidad, sobre este género musical que se les escapa por una cuestión generacional.

El trap: filosofía millennial para la crisis en España (2019), del filósofo y agitador cultural Ernesto Castro, es un ensayo filosófico y sociológico sobre este género musical en España y sobre sus figuras más representa-

Sea como fuere, el trap no es solamente –igual que ocurrió antes con el hip hop y otras músicas populares como el rock, el punk o el reggae–un género musical sino una manera de vivir, de vestirse, de hablar de expresarse de toda una nueva generación de jóvenes que se reúnen en plazas para bailar o rapear, la semiótica de una expresión que se difumina en una retórica que va de las redes sociales a los grafitis de la calle, con sus propios sistemas de funcionamiento, códigos y leyes específicas.

Ya ha pasado con anterioridad: teddy boys, mods, skin-heads, punks, b-boys, las distintas escenas musicales han proporcionado a sus miembros un sentimiento, una identidad a la que aferrarse también un desafío la norma convencional con una actitud concreta. Te podrá gustar más o menos, pero el trap, como cualquier otro género musical, es como el planeta Tierra: los diamantes siempre yacen escondidos bajo la superficie.

A diferencia del hip hop, el éxito global de la música trap tiene, entre otras, dos posibles explicaciones: por un lado, está muy vinculado al desarrollo y la accesibilidad de la tecnología y las redes sociales. Se podría afirmar que el trap es el primer estilo musical donde personas sin discográfica o dinero para poder pagarse una maqueta pueden hacer música desde sus ordenadores. Colgar estas canciones/vídeos en las plataformas digitales ha supuesto una revolución en la forma de hacer, pensar y comunicar la música. Por otro lado, su éxito global está directamente relacionado con el hecho de que muchas de las letras de este tipo de música están generalmente dirigidas a clases sociales desfavorecidas por la crisis económica el paro, independientemente del lugar de origen. Así, jóvenes de todo el mundo que 10 11

dos esos puntos clave puestos en el contexto de un “campamento” urbano, un bar al aire libre, hacen de Camping una propuesta única. Proyecto nacido en Buenos Aires llevan donde sus socios o partners in crime – Gaby, paco y Antonella) llevan cinco años creando una comunidad a través de una propuesta gastronómica sencilla y de calidad, cohesionando a sus miembros a través de la música con conciertos gratuitos y la libertad total de escoger qué melodía suena en Camping a través de una app. En Barcelona buscan exportar el alma del proyecto y que se cree su propia comunidad. Con el mismo concepto de carta sencilla y de calidad, y la opción de escoger la música que suene en el lugar. Camping no busca reproducir el éxito de su ciudad natal, sino brindar espacio para que se desarrolle través de su nueva comunidad en Barcelona. Además, cuentan con una serie de materiales que prestan para realizar actividades deportivas como balones de fut-

bol, básquet, raquetas de ping- pong o material para jugar a vóley. También prestan mantas de picnic por si apetece tumbarse al sol en el césped, sin dañar el entorno.

Desde su llegada tienen voluntad de ser KM0. Cuentan sólo con productos locales, desde su imagen gráfica a cargo de Hey studio (Poblenou), hasta sus productos de consumo como la Horchata del Tío Che (Poblenou), el café de Cafeteria Industrial (Poblenou), los helados de De la cream (Eixample), vinos naturales de Catalunya. Su carta es reducida, pero está cuidada al máximo para que la oferta de Camping sea de extrema calidad. El proyecto no gira alrededor de la empresa Camping, sino de las personas que vienen disfrutar de éste ¿No estás oyendo ya en el fondo del alma (Bécquer otra vez ;-)) unwa voz que como a Lázaro te dice ¡Levántate y anda!? Anda y ve a Camping por un choripán, una lata de anchoas, un partidito, una siesta, una lectura, una charla, a por algo bueno, lo que sea… pero ve.

MUCHO MÁSQUE REV I S SATKiosk

Amigos desde la adolescencia, el arquitecto Txema Montero y el diseñador gráfico Iván Jiménez se encontraban con ganas de cambiar el rumbo de sus vidas, y por ello, durante la cuarentena decidieron embarcarse en un proyecto transformador: abrir su propio quiosco. A simple vista no llama mucho la atención, ¿verdad? Pero es que este no es un quiosco normal, es Odd Kiosk, el primer quiosco queer del mundo.

Su nombre es un juego de palabras que conjuga ‘odd’, que en inglés significa raro, y kiosk, haciendo alusión a los productos que venden y a sus intenciones, entre las cuales se encuentran llevar la cultura la calle, recuperar sitios abandonados de la ciudad, generar espacios de unión social, y lo más importante, crear una plataforma segura para dar voz al colectivo LGTBIQ+.

Odd Kiosk abrió sus puertas el 12 de septiembre en Barcelona, en la calle Valencia 222, con una inauguración que se llenó (dentro de las posibilidades de la pandemia) de asistentes curiosos, que enterados de esta propuesta innovadora decidieron ir a mostrar su apoyo.

El quiosco ofrece una amplia selección de libros, fanzines, arte, revistas snacks, y está abierto al público de lunes a martes de 8h a 14h, y de miércoles a domingo de 8h a 14h y de 17h a 20h. Si aún no te has pasado, ¿a qué esperas?

Antes que nada chicos, ¿nos podríais contar cómo os conocisteis?

Nos conocimos en la adolescencia, en nuestro primer trabajo, cuando teníamos 18 y 16 años respectivamente, y hemos sido amigos todos estos años.

Txema, eres arquitecto, y tú, Iván, diseñador gráfico. Ambas son profesiones muy creativas. ¿Siempre tuvisteis claro a qué os queríais dedicar?

Iván: Pues yo lo tengo claro desde que a los 16 años vi en la televisión un anuncio de un curso CCC de diseño gráfico. El anuncio mostraba cómo hacer una portada para una revista, y en él salía una foto de una mano con el dedo índice señalando, le cambiaban la uña por un ratón de ordenador y le ponían una cabecera la revista. Fue ahí cuando pensé que esto era lo que quería hacer.

Txema: Yo lo decidí también una edad similar. Plástica y dibujo técnico me flipaban, así que empecé ar-

quitectura con 19 años, aunque tuve que dejarlo pocos meses después. Mi familia no llevaba bien mi condición sexual y yo no me sentía cómodo en casa, así que me tuve que marchar y posponer los estudios. Años más tarde pasé por arquitectura técnica hasta regresar arquitectura superior. Estuve un tiempo dibujando y pintando algunos cuadros para amigos, estos últimos años estoy muy interesado en el diseño gráfico. Soy bastante fluido en cuanto a mis ámbitos de desarrollo profesional.

Juntos habéis creado Odd Kiosk, un proyecto muy especial que pretende acercar la cultura y el arte de la comunidad LGBTQ+ a todos los públicos. Durante la cuarentena visteis que los quioscos eran de los pocos negocios que seguían abiertos y por eso decidisteis lanzaros abrir el vuestro propio. ¿Fue este el único aliciente? ¿Os habíais planteado previamente empezar un proyecto juntos?

Hay muchos alicientes, sobre todo el hecho de que combina muchas de las cosas que nos representan en las que creemos, entre ellas recuperar un espacio de la ciudad que está dejando de funcionar, tener un lugar donde poder encontrar mil revistas diferentes, llevar la cultura la calle, poder dar voz al colectivo a través del arte, generar un espacio donde surjan sinergias mixtas sociales, y hacer barrio. Todo unido nos parecía super interesante. ¿Creéis que si no hubiera habido una pandemia mundial habríais empezado este proyecto? En caso de ser que sí, ¿hubierais creado igualmente un quiosco, o hubiera sido otro negocio completamente distinto?

Nunca lo sabremos, pero creo que ha tenido bastante que ver. Queríamos hacer algo diferente, cambiar un poco nuestras vidas. Uno de los proyectos era irnos a México a vivir y descubrir otra cultura y manera de hacer, pero con la pandemia, este plan se quedó en el aire, y pensando mucho salió Odd Kiosk. No sabemos si hubiera sido otro negocio, un viaje, un curso… Somos amigos, así que

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siempre hablamos y compartimos nuestras ilusiones con el único objetivo de disfrutar y aprender. Intentasteis respetar la propia estructura del quiosco haciendo los menores cambios posibles. Aun así, ha cambiado considerablemente, puesto que hasta los vecinos del barrio se sorprenden con su nueva imagen. Contadnos, ¿cómo fue el proceso creativo y de remodelación? ¿Teníais claro desde un principio el aspecto que le queríais dar?

Más o menos, algunas cosas ya las pensábamos mientras buscábamos el quiosco, otras se fueron decidiendo unas semanas después de comprarlo,w cuando pudimos visualizar bien las posibilidades que tenía el espacio. Desde un principio tuvimos claro que iba a ser rosa –esa fue la primera decisión (risas). Queríamos darle luz, color vida, así que teniendo en cuenta el tipo de producto que

Con vuestro proyecto queréis darle una nueva vida y oportunidad a los quioscos de Barcelona, que lamentablemente “van desapareciendo por no saber adaptarse a las necesidades del siglo XXI”, como decís. ¿Cuáles son esas necesidades? ¿Cómo os estáis adaptando vosotros para que no os pase lo mismo?

Especializarse, ser diferentes y aportar unos valores concretos. La sociedad cambia constantemente y hay que adaptarse. Desde que los quioscos han empezado a vender menos a causa de la prensa digital, una de las soluciones ha sido incrementar las licencias de productos que pueden vender, pero esto, lejos de ser una solución, ha empeorado el panorama, porque en lugar de escoger algo y especializarse en un producto, todos lo han ido incorporando todo a los quioscos, hasta el punto de que si vas uno, ya no sabes si es una tienda de souvenirs, un bazar, o un sitio donde encontrar prensa (si es que la

Un quiosco siempre ha sido un punto de referencia para el barrio, un lugar de diálogo, y la esencia no hay que olvidarla. Creo que Odd Kiosk se adapta llevando el diálogo a la calle y generando múltiples relaciones culturales con el barrio y las familias través de libros inclusivos, arte queer y magazines de editores jóvenes actuales que se plantean la moda, el arte y el diseño desde un punto de vista mucho más trascendental socialmente hablando. Aportamos nuestra visión y nuestros valores, y sería genial que todos los quioscos aporten lo mismo a su manera.

En Odd Kiosk podemos encontrar principalmente revistas especializadas en moda, comida, arte, arquitectura y literatura queer, además de prensa nacional internacional y snacks y bebidas. Comentáis que todas las revistas tienen una estética cuidada y que los snacks y bebi-

das son saludables y de calidad. Aparte de estos factores, ¿qué más tenéis en cuenta a la hora de seleccionar los productos para vuestro quiosco? Contadnos un poco el proceso de selección de artistas, publicaciones…

Para nosotros es muy importante que lo que tengamos expuesto tenga valores que vayan más allá de simplemente ser bonito y vendible. Somos libres, nuestro negocio no es un plan business, así que lo que tenemos es algo que nos parece que tiene un valor añadido, positivo e inclusivo. Imagino que la diferencia con otros negocios es que como tenemos otros trabajos, Odd Kiosk no nace con la presión del mundo rentable en que vivimos hoy en día. Todo esto hace que sea trascendente, que te pares y que te cuestiones cosas.

Que los niños vengan al quiosco y mientras compran una cookie o uno de nuestros fanzines para colorear, o los mayores se llevan La Vanguardia, vean el arte del colectivo, libros que te explican cómo entender tu género, revistas que hablan del cambio climático, o de poesía de mujeres escritoras, es algo genial. Hicimos una primera selección, y ahora estamos trabajando en la segunda. Evidentemente, cada día que pasa estamos aprendiendo con nuestros clientes, los artistas los amigos.

A los dos nos llega feedback y somos researchers, así que cuando vemos algo que encaja lo compartimos, y si ambos vemos que es algo positivo y que está guay, lo ponemos en una lista de ‘deseos’, la cual organizamos y reorganizamos casi cada día. Después nos empezamos a poner en contacto con los artistas o magazines. Nuestro espacio es pequeño, y ahora mismo tenemos más de veinte artistas con unos cuantos más a punto de incorporarse. Después iremos actualizando con nuevo producto de los artistas y nuevas incorporaciones.

Queremos que el barrio y la gente que venga Odd Kiosk descubra cosas nuevas cada poquito tiempo. ¡Hay muchos magazines y artistas a los que dar espacio!

Y ya que estamos, recomendadnos algunos títulos o artistas que deberíamos chequear para descubrir un poco más el universo de Odd Kiosk.

A nivel revistas, recomendaría C☆ndy (de Luis Venegas), Worms, Visions, Real Review, Badland, Girls Like Us o LadyBeard. En cuanto fanzines, Barcelona se muere de Isaac Flores, Ending Stories de Beatriz Janer, o A queer anthology. De artistas, tenemos, entre otros, Alexa Barrios, Albert Madaula, Mr Sis, Arden que Ardan, Pepo Moreno o Nicasio Torres. Y de libros, Asalto a Oz, Cómo entender tu género, Ariel y los cuerpos…

Ambos residís en Barcelona. ¿Cómo definiríais el panorama cultural de la ciudad? ¿Creéis que faltan más espacios de representación de la comunidad LGBTQ+?

Creemos que más espacios que den voz a una minoría siempre son necesarios, ya sean LGBTQ+, feministas, antirracistas o una combinación de ellos. Al menos hasta que lleguemos a un momento, que por ahora parece utópico, en el que la igualdad sea para todos.

A la vez, creemos que hay un movimiento artístico muy vivo por parte de una generación joven que es feminista, antirracista y que lucha por romper etiquetas con su obra, pero también creemos que por parte de las instituciones, marcas, etc., no se les está dando voz. Es hora de poner las voces de lo diferente en alza y creemos que Barcelona podría ser otra vez esa ciudad rompedora que fue en su día si apuesta por un cambio y apoya todos estos movimientos.

Txema, comentas que eres “un apasionado porque las ciudades no pierdan su esencia”. Según tu criterio, ¿qué factores dirías que hacen de Barcelona una ciudad con esencia?

Barcelona siempre ha sido un referente cultural para el mundo. Arquitectónicamente tenemos una de las ciudades con uno de los patrimonios más grandes y admirados; hemos sido una ciudad de tendencias en moda y diseño, con valores sociales muy avanzados respecto a otras. Muchos han mirado y miran a Barcelona como un modelo de ciudad a seguir. Por otro lado, actualmente hay un exceso de conservacionismo en las normativas de la ciudad, tanto urbanísticamente como arquitectónicamente, y eso trae cosas positivas y negativas. Creo que Barcelona tiene planes muy buenos a muy largo plazo, pero no se tiene que olvidar del ahora. El 12 de septiembre inaugurasteis el quiosco con un resultado muy exitoso. ¿Os esperabais esta acogida tan positiva?

Para nada, el fin de semana de la inauguración acabamos llorando de la alegría. Nunca pensamos que Odd Kiosk sería recibido así. La verdad es que no hemos tenido mucho tiempo de llegar a esperar algo. Estamos muy felices por la acogida, el cariño y el amor que nos dan los vecinos y todo aquel que viene a descubrirnos. Queremos dar las gracias a todos por comprendernos y dar valor a lo que estamos haciendo.

De cara al futuro, ¿habéis pensado en expandir vuestro negocio a otros puntos de España?

Pues no te vamos decir que no hemos pensado en Madrid. Hasta en Londres y Nueva York hemos soñado (risas). Pero eso lo aparcamos porque nuestra prioridad ahora es seguir desarrollando Odd Kiosk en Barcelona.

Vamos a tener un café buenísimo dentro de poquito, estamos diseñando cositas de la marca y abrimos web dentro de poco. También tenemos mil eventos que rondan en nuestra cabeza… Así que por ahora esto, y luego ya veremos. Nos dejaremos llevar.

Ahora que os habéis embarcado en esta nueva aventura, ¿cómo compagináis llevar este negocio con vuestras otras profesiones?

Pues como nos decías antes, tenemos profesiones artísticas y eso nos permite moldear nuestros horarios. Hacemos un poco más de media jornada (física, hehehe) en Odd Kiosk, y el resto con planificación, y si surge alguna reunión o algo excepcional uno cubre al otro.

No hay muchos quioscos queer especializados alrededor del mundo. ¿Creéis que vuestro proyecto inspirará a otros a que también enfoquen sus negocios a la creación de espacios inclusivos con la comunidad LGBTQ+?

“Wow, no sé, ni lo habíamos pensado, pero sería genial. Ojalá más proyectos con valores queer. Ojalá más proyectos que desnormativicen y cuestionen lo establecido. Nosotros, desde luego, seguro que iríamos a descubrirlos.”

AFRÓNTATE

June 2023 TFG (Trabajo de Final de Grado - Final Degree Project)

“Afróntate” is a project that deals with the process of self-acceptance of Afro hair that many black people experience. The book is divided into the parts of a hair; root, stem and tip. The graphic identity is based on my actual hair to reflect my own experience of self-acceptance.