Hoffnung. Ein großes Wort, religiös und politisch aufgeladen. Oft genug scheitern Hoffnungen. Oder sie werden als Blendwerk missbraucht. Im Zeitalter der multiplen Krisen erscheint ein Beharren auf dem „Prinzip Hoffnung“ (Ernst Bloch) geradezu naiv. Mehr noch: Man müsste, überließe man sich dem apokalyptischen Grundrauschen der Gegenwart, geradezu verrückt sein, inmitten der Kriege, der autoritären Gewalt, der Lügen und Verhetzungen, der ökologischen Notlage und der cyberfaschistischen Zukunftsdrohungen noch an ein besseres Morgen zu glauben.
Und doch ist es vielleicht gerade das Verrückte, das Perspektiven verrücken kann. Anton Kats erzählt in seiner Performance After Hope vom Schicksal des 1974 im (damals zur Sowjetunion gehörenden) ukrainischen Dnipro-Delta gebauten Frachtschiffs Vishwa Asha (Universal Hope). Das Geisterschiff gilt inmitten der heutigen Kriegswirren als verschollen. Anton Kats lässt uns mit einem Rätsel zurück: Wie viele Sandkörner auf dem Grund des DniproFlusses wären nötig, damit die Hoffnung sich dort verankern kann? Hope4Hope heißt eine an das Leitmotiv anknüpfende Gruppenausstellung beim donaufestival 2026. Und in der Dominikanerkirche wird sich die erhobene Faust von Yann Marussich aus einer Badewanne voller Glasscherben in die Höhe recken.
Mad Hope: Das ist der Mut zur Spekulation über unerprobte Formen des Miteinanders, ein kleinteiliger, dezentraler Aufstand gegen die Wirklichkeit. Der Kulturwissenschaftler Terry Eagleton nennt dieses Festhalten an der Möglichkeit von Veränderung „Hoffnung ohne Optimismus“. Der Philosoph Gabriel Marcel formuliert es so: „Mag auch sein, dass alles verloren ist, wir sind es nicht.“
MAD MAD HOPE HOPE
Von dieser Einsicht handelt HOLD&RESIST_a springrite, eine vom donaufestival initiierte, erstmalige Kooperation der Performancegruppe Liquid Loft mit der Metarockband Radian , ebenfalls zu sehen in der Dominikanerkirche. Dabei geht es darum, eine extreme Körperspannung auszuhalten, eine Pose auszureizen, eine – auch politische – Position zu bewahren.
„Wenn die Welt aus Reibung besteht, dann ist Gleitmittel kein Luxus, sondern eine Notwendigkeit.“ So umschreibt die Electropunk-Ikone Peaches ihre queerfeministische Hoffnung mit Verweis auf ihr neues Album No Lube So Rude , das sie in Krems vorstellen wird. Universal Beings nannte der Jazzdrummer Makaya McCraven eines seiner Alben; ein Titel, der den Wunsch nach Gemeinschaftlichkeit ausdrückt. Musik als kollektives Ereignis zwischen Glück und Wahn zelebrieren auch das Folk-Punk-Quartett
The New Eves oder die zu aufgekratzter Euphorie neigende Combo caroline
Im neuen, spirituell unterfütterten PostrapAlbum Eroica II: Christian Nihilism bekennt sich Chino Amobi zur Aufforderung, „das Chaos anzunehmen“, auch auf der Bühne in Krems. Am Ende seines Albums heißt es mit angemessener Ignoranz des Trumpeltiers: „You want it darker (…) But God don’t care about the White House, come through the dark like a light house.”
Thomas Edlinger
Künstlerische
Leitung
Hope. A big word, charged with religious and political connotations. Often enough, hopes fail. Or they are misused as a smokescreen. In our present era of multiple crises, clinging to a “principle of hope” (Ernst Bloch) seems downright naive. What’s more: If one were to surrender to the apocalyptic background noise of the present, with its wars, authoritarian violence, lies and sedition, ecological calamity, and cyber-fascist menaces to the future, you would have to be downright crazy to still believe in a better tomorrow.
And yet it is perhaps precisely this madness that can twist around perspectives. In his performance After Hope, Anton Kats recounts the fate of the cargo ship Vishwa Asha (Universal Hope), built in 1974 in the Ukrainian Dnipro Delta (then part of the Soviet Union). The ghost ship is presumed lost amid the turmoil of today’s war. Anton Kats poses a riddle for us: How many grains of sand at the bottom of the Dnipro River would be needed for hope to take root there? Hope4Hope is the name of a group exhibition at the donaufestival 2026 that ties in with the leitmotif. And in the Dominican Church, Yann Marussich’s raised fist will stretch upwards out of a bathtub full of broken glass shards.
Mad Hope: It is the courage to speculate about untried forms of coexistence, a smallscale, decentralised rebellion against reality. Cultural scientist Terry Eagleton calls this tenacious belief in change “hope without optimism.” Another take is offered by philosopher Gabriel Marcel: “Perhaps all is lost, but we are not.”
This insight pervades HOLD&RESIST_a springrite, a first-time collaboration initiated by donaufestival between the performance group Liquid Loft and the meta-rock band Radian, another act presented in the Dominican Church. The aim is to endure extreme physical exertion, to push a pose to its limits, to maintain a (political) position.
“When the world is friction, lube isn’t a luxury. It’s a necessity,” says electropunk icon Peaches, expressing the queer-feminist hope that reverberates in her new album No Lube So Rude, which she will introduce us to in Krems. Jazz drummer Makaya McCraven named one of his albums Universal Beings – a title that conveys a desire for togetherness. Music as a collective experience between happiness and madness is also celebrated by the folk punk quartet The New Eves or the hyper-euphoric formation caroline.
In his new, spiritually charged post-rap album Eroica II: Christian Nihilism, Chino Amobi professes his belief in “embracing the chaos,” also on stage in Krems. At the end of his album, he says, with appropriate disregard for the Trumpeteer: “You want it darker (…) But God don’t care about the White House, come through the dark like a light house.”
Thomas Edlinger
Artistic Direction
Liebes Publikum,
Liebes Publikum,
seit über zwei Jahrzehnten stellt sich das donaufestival den drängenden gesellschaftsphilosophischen Fragen unserer Zeit. Es ist ein Ort, an dem internationale Künstlerinnen und Künstler mit zeitgenössischen, experimentellen und genreübergreifenden Arbeiten Antworten suchen – oder neue Fragen stellen. Damit schafft das Festival nicht nur außergewöhnliche ästhetische Erlebnisse, sondern auch Räume für Reflexion und Dialog.
Unter der Leitung von Thomas Edlinger verdichtet sich in Krems erneut ein einzigartiges Zusammenspiel aus Musik, Performance, Diskurs und bildender Kunst zu einem sechstägigen Gesamterlebnis. Das donaufestival ist längst ein Fixpunkt im kulturellen Jahresprogramm Niederösterreichs und ein international beachtetes Forum für Innovation und künstlerische Grenzgänge.
Gerade jetzt brauchen wir die Kraft der Kunst, um unsere Blickwinkel zu verschieben und Hoffnung neu zu denken. Lassen Sie sich inspirieren, irritieren und begeistern – und genießen Sie die besondere Atmosphäre dieses Festivals. Ich wünsche Ihnen spannende Begegnungen und bereichernde Momente.
Ihre Johanna Mikl-Leitner Landeshauptfrau
For over two decades, donaufestival has tackled the burning social and philosophical questions of our time. It is a place where international artists seek answers, or pose new questions, with their contemporary, experimental, and interdisciplinary works. The festival provides extraordinary aesthetic experiences but also spaces for reflection and dialogue.
Under the direction of Thomas Edlinger, Krems once again offers the perfect backdrop for a unique interplay of music, performance, discourse, and visual arts – a six-day total work of art for all the senses. donaufestival has long been a highlight in Lower Austria’s cultural calendar and an internationally renowned forum for innovation and groundbreaking artistic experimentation.
Now more than ever, we need the power of art to shift our perspectives and help us to reimagine hope. Be inspired, challenged, and enthralled – and enjoy the exceptional atmosphere of this festival.
I wish you exciting encounters and enriching moments.
Yours sincerely,
Johanna Mikl-Leitner Governor of Lower Austria
PERFOR M A N CE PERFOR M A N CE
springrite weekend 1 May 1-3 May 810 weekend 2
fABULEUS &
Michiel Vandevelde out of hands
Julian Warner
DER SOLDAT. Ein
Übergangsritual
Yann Marussich
Bain Brisé
Jéssica Teixeira Monga Anton Kats / ILYICH After Hope
Onlinereservierung ab Di, 28.04., 10:00. Abholung ab dem ersten Tag des jeweiligen Festivalwochenendes ab 10:00. Details S. 55
fABULEUS & Michiel Vandevelde
fABULEUS & Michiel Vandevelde out of hands
Österreichische Erstaufführung
In unmöglich erscheinenden Positionen verrenkt, türmen sich acht akrobatische Körper zu menschlichen Pyramiden auf – eindringliche Gesten der Verletzlichkeit und sexuellen Begierde. Eine fünfköpfige Live-Band erschafft dazu eine Klangwelt aus Gothic, Industrial und Metal. Aus einer verklärenden Sicht auf die nachkommenden Generationen, steht Jugend oft für Aufbruch, Idealismus und Hoffnung. Tatsächlich leiden aber viele Jugendliche unter gesellschaftsbedingten Depressionen und müssen mit aggressiven Tendenzen und mitunter morbiden Gedanken zurechtkommen, die sich bei out of hands in intensive Tanz- und Musikszenen übersetzen. Bereits 2019 war der belgische Choreograf und Kurator Michiel Vandevelde mit der gefeierten Jugend-Performance Paradise Now (1968–2018), die sich mit dem Nachhall utopischer Gesellschaftsentwürfe beschäftigte, beim donaufestival zu Gast. out of hands lässt sich als klanglich untermalte Reise in die Unterwelt des Jungseins beschreiben, ein Abtauchen angesichts düsterer Zukunftsaussichten. Dort hausen die „Teenage Angst“, aber auch der Wunsch nach einem befreiten Miteinander.
Contorted into seemingly impossible positions, eight acrobatic bodies pile up to form human pyramids – powerful gestures of vulnerability and sexual desire. A fivepiece live band envelops us in a soundscape of gothic, industrial, and metal music. While the idealised image of adolescence is one of new beginnings, optimism, and hope, the reality of many young people is marked by socially induced depression, aggressive tendencies, and at times morbid thoughts. out of hands translates these tensions into mesmerising dance and music scenes. Belgian choreographer and curator Michiel Vandevelde was already a guest at donaufestival in 2019 with his acclaimed youth performance Paradise Now (1968–2018), which dealt with the reverberations of utopian social concepts. out of hands is an embodied, sonic journey into the underworld of youth, a descent into bleak future prospects. This is where teenage angst dwells, but also the desire for liberated togetherness of the spectacle and to gestures that provoke moments of apprehension.
Onlinereservierung ab Di, 28.04., 10:00. Abholung ab dem ersten Tag des jeweiligen Festivalwochenendes ab 10:00. Details S. 55
Messegelände | Halle 1
Fri, 01.05. 19:00 – 20:00
Sat, 02.05. 19:30 – 20:30
Sun, 03.05. 13:00 – 14:00
Concept & choreography: Michiel Vandevelde | Dance: Jinte De Greef, Lexi De Wambersie, Kyano Holbrechts, Ben Herlaar Masina, Dauwke Van Kerckhove, Kauan Matheus Van Mol, Hannah Zaitoune & Anna Zhao | Music: Fleur Di Miceli, Oona Geelen, Maaren Massin, Elizabeth Rijckaert & Marlies Van Oost Assistant acrobatics: Helena Sirugue | Musical direction: Ephraïm Cielen | Dramaturgy: Kristof van Baarle | Costumes: Milk of Lime | Scenography & light design: Michiel Vandevelde | Production: fABULEUS | Co-production STUK, KAAP & Perpodium | In collaboration with CC Brugge & Dans in Brugge | With the support of Destelheide, de stad Leuven, de Vlaamse Overheid & de Tax Shelter van de Belgische federale overheid
Content note: Some viewers may find this performance intense. There are scenes with loud music, smoke and flashing lights. Some images refer to violence and sexuality.
Julian Warner
Julian Warner DER SOLDAT. Ein Übergangsritual
Österreichische Erstaufführung
Ein Schwarzer Künstler stellt fest, dass er zum Soldaten geworden ist. Als Kunstarbeiter betritt er die Bühne. Im Kampf um Repräsentation und Ressourcen erhält er eine Waffe und lernt, dass auch in der Kunst gilt: Die Befreiung der Okkupierten ist zugleich der Schrecken der Besatzer:innen. Doch ist Kulturkampf Krieg? Wenige haben so luzide über die Gewalt in einer zersplitterten Welt geschrieben wie Frantz Omar Fanon (1925 –1961). Der Psychiater und Marxist aus Martinique war davon überzeugt, dass die Entmenschlichung durch den europäischen Kolonialismus nicht auf dem Wege der Verhandlung und des Kompromisses überwunden werden könne, sondern einzig durch seine Zerstörung. Fanons Rechtfertigung der antikolonialen Gewalt wurde von der Linken und der Black Panther Party bis zur RAF weltweit rezipiert und ist bis heute eine kontrovers diskutierte Thematik. In welcher Situation muss man Gewalt oder deren Abwehr organisieren? Auf der Bühne durchlebt der Schwarze Künstler seine Transformation zum Soldaten noch einmal. Im Zusammenspiel von Sprache und der physischen Kraft des Schlagwerks befragt er die historische Situation und setzt sich mit seinem Verhältnis zur Gewalt auseinander.
A Black artist realises that he has become a soldier. He enters the stage as a cultural worker. But in the struggle for representation and resources, he is given a weapon and learns that the arts are no exception: the liberation of the occupied is also the occupiers’ terror. But is cultural warfare really war? Few have written as lucidly about violence in a fractured world as Frantz Omar Fanon (1925–1961). A psychiatrist and Marxist from Martinique, he was convinced that the dehumanisation brought on by European colonialism could not be overcome through negotiation and compromise, rather only by destroying it. Fanon’s justification of anti-colonial violence has been well received by leftists from the Black Panther Party to the Red Army Faction and is still the subject of controversial debate today. In which situations does one need to organise violence or resistance against it? On stage, the Black artist relives his transformation into a soldier. In the interplay of spoken word and the physical force of the drums, he interrogates the historical situation and explores his relationship to violence.
Nach der letzten Aufführung am 03.05. findet ein Gruppengespräch mit Julian Warner statt.
Concept, performance, music: Julian Warner | Music & live drums: Markus Acher | Voice: Veronica Burnuthian | Dramaturgy: Veronika Maurer | Light, technics: Dennis Dita Kopp | Head of artistic production: Sabine Klötzer
Translations: Veronica Burnuthian, Anna McCarthy |
Production: Studio Julian Warner Eine Koproduktion von donaufestival und Belluard Bollwerk, Kaserne Basel, , Burg Hülshoff – Center for Literature, Theater Rampe, Münchner Kammerspiele, studiobühneköln
Content note: The performance addresses experiences of racism and recites racist comments.
Yann
Yann Marussich
Marussich
Bain Brisé
Österreichische Erstaufführung
Eine Badewanne in der Dominikanerkirche, gefüllt mit Glasscherben. Der Unterarm eines Mannes ragt gen Himmel, der Rest des Körpers ist unter dem Gewicht von 600 Kilogramm scharfkantiger Teile begraben. Doch etwas bewegt sich unter dem Scherbenmeer: Yann Marussich atmet. Wie ist er in diese Situation gekommen, kann er sich daraus ohne Hilfe und gröbere Verletzungen befreien? In den folgenden eineinhalb bis zwei Stunden arbeitet der Extremperformer an der behutsamen Überwindung seiner selbst auferlegten Immobilität. Glas zerbricht und hinterlässt glänzende Splitter auf der geschundenen Haut. Der Ausdruck des Künstlers bleibt starr, als ob sein Blick nicht mehr von dieser Welt und für diese da wäre. „Mir geht es darum, den Schmerz nicht zu fühlen, sich ihm hinzugeben, ihn zu akzeptieren und von ihm nicht beeinflusst zu werden.“ Wie kann es weitergehen? „Ich kann diese Grenze nicht überschreiten. Der Tod wäre das nächste Extrem. (…) Jetzt muss ich fliegen.“
A bathtub in the Dominican Church, filled with broken glass. A man’s forearm rises straight up, the rest of his body buried under the weight of 600 kilograms of sharpedged pieces. But something is moving under the sea of shards: Yann Marussich is breathing. How did he get into this predicament, and can he free himself without help or serious injury? Over the next hour and a half to two hours, the extreme performer works cautiously to overcome his self-inflicted immobility. Glass cracks, leaving a layer of shiny shards on battered skin. The artist’s facial expression remains unaffected from the procedure, as if his gaze is no longer one of this world and for this world. “For me, it’s about not feeling the pain, surrendering to it, accepting it, and not being influenced by it.” How can it continue? “I cannot cross this line. Death would be the next extreme. (...) Now I have to fly.”
Achtung! Zählkarten erforderlich. Free numbered tickets required! Onlinereservierung ab Di, 28.04., 10:00. Abholung ab dem ersten Tag des jeweiligen Festivalwochenendes ab 10:00. Details S. 55
Dominikanerkirche
Sun, 03.05. 15:30 – 17:30
Concept & interpretation: Yann Marussich | Sound: Léo Marussich | Technics: Léo Marussich | Production: Claire Felix | Communication: Audrey Croisier | International distribution: Chimène Costa | Administration: Nathalie Wenger
Jéssica Teixeira
Jéssica Teixeira Monga
Österreichische Erstaufführung
„Die Todesschwadronen, der Ku-Klux-Klan und die Neonazis existieren nicht, denn das Reale rebelliert“, heißt es im Eröffnungssong dieses preisgekrönten, zugleich zärtlichen und herausfordernden Stücks der brasilianischen Künstlerin Jéssica Teixeira. Monga erinnert an die Geschichte der Mexikanerin Julia Pastrana, die im 19. Jahrhundert als „Affenfrau“ in Freakshows ausgebeutet und bis in das späte 20. Jahrhundert als präparierter Leichnam zur Schau gestellt wurde. Teixera nimmt sich den sensationslüsternen, verdinglichenden Blick auf die marginalisierten Körper der „Anderen“ vor und verwandelt ihre Reflexion dazu in eine so verstörende wie bezaubernde, befremdliche wie humorvolle Arbeit, in der sich eine schwingende Discokugel mit dem beharrlich grellen Ringlicht über dem Kopf duelliert. Monga verschränkt Live-Konzert, Erzählung und Performance miteinander, irritiert durch transgressive Intimität – und stellt zugleich Empathie für ein ungezügeltes und zugleich verletzliches Leben her. „This is a freak show – but my life is not a f***ing freak show – motherf***eeeeeeeeeers!“
“Death squads, Ku Klux Klan, and neo-Nazis don’t exist, because reality resists,” says the opening song of this award-winning, tender yet challenging piece by Brazilian artist Jéssica Teixeira. Monga conjures the story of Mexican Julia Pastrana, who was exploited as an “Ape Woman,” among other names, in 19th century freak shows and whose stuffed corpse was on display until the late 20th century. In a work as disturbing as it is enchanting, alienating and humorous at the same time, Teixeira confronts the sensationalist, objectifying gaze on the marginalised bodies of “others.” Meanwhile, a swinging disco ball duels with the glaring light-ring attached to her head. Monga entwines live concert, narrative, and performance, unsettling with its transgressive intimacy, while full of empathy for an unbridled and vulnerable life. “This is a freak show – but my life is not a f***ing freak show – motherf***eeeeeeeeeers!”
Director, playwright & actress: Jéssica Teixeira | Art direction: Chico Henrique | Music direction & guitar: Luma | Technical direction & lighting design: Jimmy Wong | Stand-in for lighting setup and operation: Dara Duarte | Video/photography direction: Ciça Lucchesi | Body preparation: Castilho Zabumba: Juliano Mendes
Stage manager: Aristides Olivera | Producers: Rodrigo Fidelis, Gabi Gonçalves & Khazar Masoumi-Corpo Rastreado | International distribution: Corpo a Fora and Farofa | Sign language performer: Pam Eden
Content note: Use of stroboscope, nudity, themes of violence, death, ableism and experiences of racism.
Achtung! Zählkarten erforderlich. Free numbered tickets required! Onlinereservierung ab Di, 28.04., 10:00. Abholung ab dem ersten Tag des jeweiligen Festivalwochenendes ab 10:00. Details S. 55
Anton
Kats / ILYICH
Anton Kats / ILYICH After Hope
Österreichische Erstaufführung
Die Werft von Cherson liegt im DniproDelta im Süden der Ukraine und war einst die größte Schiffsfertigungsanlage der UdSSR. Hier entstand 1974 im Rahmen der indisch-sowjetischen Partnerschaft das Frachtschiff Vishwa Asha (Universal Hope). Heute ist es verschollen; ein Geisterschiff, das durch die Erzählungen eines Kriegs manövriert, der „nie vorbei war“. Kats, der sich auch als Musiker unter dem Namen ILYICH um „sonischen Antifaschismus“ bemüht, verwischt in After Hope die Grenzen zwischen Klangkunstinstallation, SpokenWord-Poesie und Live-Konzert. Um zu erfassen, wie Hoffnung entstehen kann, und angetrieben von der Notwendigkeit, auf die globale Faschisierung zu reagieren, greift das Werk die Idee der Seelenwanderung auf, ein nichtlineares Verständnis von Zeit, in dem die Reinkarnation zu einer Art Navigationsinstrument durch die zyklischen Chronologien des Lebens wird. Letztlich sind es bei After Hope antiheroische Strategien, die eine Form von Hoffnung ermöglichen: Zuhören, Fürsorge und Erneuerung.
The Kherson shipyard, located in the Dnipro Delta in southern Ukraine, was once the largest boat building site in the USSR. Here in 1974, the cargo ship Vishwa Asha (Universal Hope) was built in the framework of the IndoSoviet Treaty of Friendship and Cooperation. Today, it is lost; a ghost ship manoeuvring through the narratives of a war that “never ended.” Created by Anton Kats, who strives for “sonic anti-fascism” as a musician under the name ILYICH, the performance After Hope blurs the boundaries between sound art installation, spoken word poetry, and live concert. Examining processes by which hope is built and driven by the need to respond to the global rise of fascism, the work embraces the idea of transmigrating souls, a nonlinear understanding of time in which reincarnation becomes a mode of navigating life’s cyclical chronologies. After Hope centres on antiheroic strategies that cultivate any form of hope: listening, caring, and renewal.
Messegelände | Halle 3
Fri, 08.05. 21:00 – 22:00
Sat, 09.05. 22:00 – 23:00
Sun, 10.05. 15:00 – 16:00
Concept, artistic direction, performance, sound, music, text: Anton Kats Original music: ILYICH | Recorded in collaboration with: Andrii Barmalii, Maxim Hladetskyy, George Lewis Jr. aka Twin Shadow, Olivia Lucy Phillip, Susanne Sachsse, Yuri Shepeta, Valeri Volkov, Fanni Zahár | Mixing: Viktor Kurando | Mastering: Eugene
Die Gravitation wirkt nicht überall gleich. Im All sind wir schwerelos. In den zum delikat swingenden Ambientnoise der Metarock-Elektronikformation Radian in Szene gesetzten Versuchsanordnungen der Performancegruppe Liquid Loft wird das Potenzial des Körpers im Konflikt mit dem Diktat der Schwerkraft ausgelotet. Eine Pose überdehnen, die Erschöpfung ausreizen, eine Spannung aushalten, die den Naturgesetzen widerspricht. Politisch gesprochen: eine widerständige Haltung einnehmen, die erdrückenden Umständen und autoritären Tendenzen trotzt. Durchhalten, Standhalten, Position halten. Hoffnung auf das Unwahrscheinliche, aber eben doch Mögliche bewahren: Davon handelt HOLD&RESIST_a springrite , eine vom donaufestival initiierte, erstmalige Kooperation von Liquid Loft und Radian. Die Arbeit verbindet erstaunliche, fast unmögliche Slowest-Motion-Kippfiguren mit kongenialen, feinstofflichen Klanggebilden, die von dynamischen Stop & GoPassagen, mikrotonalen Verschiebungen und einem freigeistigen und zugleich konzentrierten Spiel zwischen Komposition und Improvisation geprägt sind.
Gravity does not act the same everywhere. In outer space, we are weightless. In the performance experiments of Liquid Loft, set to the delicately swinging ambient noise of the meta-rock electronic group Radian, the body’s potential is explored in confrontation with the rules of gravity. Poses are stretched beyond their limits, exhaustion is pushed to the edge, and tensions are held that seem to contradict the laws of nature. Seen politically, this becomes a resistant stance – one that pushes back against oppressive conditions and authoritarian tendencies. To endure, to stand firm, to hold one’s position. A hope in the unlikely, yet still possible: HOLD&RESIST_a springrite is an initiative of donaufestival and marks the first collaboration between Liquid Loft and Radian. The piece brings together astonishing, almost impossible slow-motion tipping figures with closely attuned, finely textured sound worlds. These are shaped by dynamic stop-and-go moments, microtonal shifts, and a free yet focused play between composition and improvisation.
Angesichts sich häufender globaler Krisen und zunehmender individueller Erschöpfung erscheint die pure Vorstellung von Hoffnung geradezu kitschig und doch erstrebenswerter denn je. Während in der Verzweiflung eine bestechende Klarheit liegt, ist es ungleich herausfordernder, Hoffnung als lebendige, aktive Kraft wiederzuentdecken.
In der Ausstellung Hope4Hope begeben sich Masterstudierende der Abteilung CrossDisciplinary Strategies der Universität für angewandte Kunst Wien auf die Suche nach Spuren von Hoffnung in unterschiedlichsten Bereichen und erkunden die Bedingungen, unter denen sie entsteht. Die präsentierten Arbeiten unterlaufen die starre Logik abgegrenzter Forschungsfelder und kombinieren eine Vielzahl von künstlerischen Strategien, wissenschaftlichen Methoden und technologischen Tools, um die Vielfalt und Mehrdeutigkeit von Hoffnung zu reflektieren.
Aus dieser Verflechtung von Methodologien generiert Hope4Hope eine facettenreiche Kartografie der Hoffnung: als kollektives Gefühl, als Gift, als Form des Widerstands. Zusammen ergeben die Arbeiten ein multiperspektivisches Gefüge und bilden das Hoffen auf Hoffnung als kollektives Brainstorming ab.
As global crises multiply and exhaustion becomes chronic, the very notion of hope feels suspiciously kitschy, yet dangerously all the more desirable. While despair tempts us with a certain clarity, the challenge of our time lies in rediscovering the potential of hope as a driving force for change.
In the exhibition Hope4Hope, MA students from the Department of Cross-Disciplinary Strategies at the University of Applied Arts Vienna undertake a search for traces of hope across various fields, exploring the conditions under which hope manifests. Undermining the rigid logic of delimited research areas, their investigations combine a wide range of artistic strategies, scientific methods, and technological tools to reflect the richness and ambiguity of different modes of hoping.
Interweaving these different methodologies, Hope4Hope generates a manifold map: hoping as collective emotion, hoping as poison, hoping as an act of resistance. Together, the works materialise a constellation of diverse perspectives, depicting “hope for hope” in a collective brainstorm.
Gruppenausstellung von Masterstudierenden der Abteilung Cross-Disciplinary Strategies der Universität für angewandte Kunst Wien Ausstellungsdesign: Arbeitsgruppe TAT
Content Note: One exhibition contribution deals with old-age dementia, two others with political violence.
Ligia Lewis
Ligia Lewis deader than dead
Anton Kats
Kippen, fallen, liegen, an der Wand kleben wie tote Fliegen: Die Performer:innen in der Videoinstallation zur Performance deader than dead von Ligia Lewis zeigen den slapstickhaften Kontrollverlust und schauspielerische Darstellungsformen im ausdruckslosen „deadpan“-Modus genauso wie Momente einer zombiehaften Remobilisierung, in der sich Widerständigkeit und Repressionserfahrung die Waage halten. Das in der Kunsthalle Krems präsentierte Video erscheint letztlich als eine Allegorie auf den (auch sozialen) Tod und die Auslöschung von Stimmen und Geschichte(n) unter rassistischen Bedingungen.
Tipping, falling, lying, sticking to the wall like dead flies: the performers in the video installation to Ligia Lewis’ performance deader than dead shift between slapstick-like loss of control and forms of theatrical performance in an expressionless “deadpan” mode and moments of zombiesque remobilisation, where acts of resistance and the experience of repression fluidly take turns. The video presented at Kunsthalle Krems is an allegory of (social) death and the eradication of voices and (hi)stories in racist contexts.
In Kooperation mit der Kunsthalle Krems. Die Ausstellung läuft bis 1. November 2026.
Die Filminstallation von Anton Kats, die aus der Performance After Hope hervorgegangen ist, vertraut auf die Stimme der Künstlerin und Schauspielerin Susanne Sachsse und verwandelt die klanglichen, performativen und skulpturalen Elemente der Live-Darstellung in ein Experiment über Erinnerung und Transformation. Die Bilder und Klänge erzählen von einem 1974 in der damals zur Sowjetunion gehörenden ukrainischen Stadt Cherson gebauten Frachtschiff namens Vishwa Asha (Universal Hope). Heute als verschollen geltend, geistert das einstige Symbol der Hoffnung durch eine Gegenwart, die von Faschismus, Vertreibung, Widerstand, Trauer und Erneuerung geprägt ist.
The film installation by Anton Kats, which emerged from the performance After Hope, features the voice of artist and actress Susanne Sachsse and transforms the live work’s sonic, performative, and sculptural elements into a cinematic experiment about remembrance and transformation. The images and sounds tell the story of a cargo ship named Vishwa Asha (Universal Hope) built in 1974 in the Ukrainian city of Kherson, then part of the Soviet Union. Now decommissioned or lost, the former symbol of hope haunts a present marked by fascism, displacement, resistance, grief, and renewal.
Ulrike Königshofers multimediale Praxis untersucht die menschliche Wahrnehmung und die Frage, wie wir uns im Alltag ein Bild von der Welt machen. In ihrer Installation steuert ein Plattenspieler mit der Aufnahme von Wind mehrere Ventilatoren an, deren Luftströme im Raum sowohl körperlich spürbar als auch akustisch wahrnehmbar werden. Die Arbeit öffnet so neue Zugänge zum scheinbar Vertrauten des Hörens und macht erfahrbar, dass Klang kein objektiv gegebenes Phänomen ist, sondern sich erst in fortlaufenden Wahrnehmungs- und Übersetzungsprozessen konstituiert.
Ulrike Königshofer’s multimedia practice explores human perception and how we construct our image of the world in everyday life. In her installation, a record player with a soundtrack of wind recordings activates various fans whose air currents are both physically tangible and audible in the space. The experience opens up new perspectives on the customary act of hearing, demonstrating that sound is not an objectively given phenomenon, rather something constituted in an ongoing process of perception and translation.
Angesichts der gegenseitigen soziotechnischen und ökologischen Durchdringung wäre es „Wahnsinn“, Hoffnung auf rein individueller Ebene zu konzipieren. Ausgehend von Ernst Blochs Überlegungen zur Hoffnung als etwas, das auf dem „Noch-Nicht-Bewussten“ gründet, werden wir untersuchen, wie der durch unsere planetarische Situation erzwungene Realismus möglicherweise nicht im Widerspruch zu Blochs Idealität steht, sondern eine Gelegenheit bietet, strukturelle Verflechtungen in soziale Solidaritäten zu verwandeln, aus denen Hoffnung kollektiviert werden kann.
In light of socio-technical and ecological interconnectedness, there is a “madness” to conceiving hope at a purely individual scale. Extending from Ernst Bloch’s discussion on hope as predicated on the “Not-YetConscious,” we’ll examine how the realism compelled by our planetary condition may not be at odds with Bloch’s ideality but may serve as a means of transforming structural entanglements into social solidarities from which to collectivize hope.
In Kooperation mit Kunstraum Niederoesterreich.
Kino im Kesselhaus Sat, 02.05. 13:15–14:15
Julian Warner
Julian Warner
Dekoloniale Gewalt als Versprechen und Verhängnis
Der deutsch-britische Künstler und Kurator Julian Warner widmet sich in seinem Stück DER SOLDAT. Ein Übergangsritual der Frage, in welchen Situationen der Widerstand gegen gewaltvolle Verhältnisse selbst kriegerische Formen annehmen muss oder kann. Wann verkörpert der dekoloniale Kampf eine Hoffnung auf eine gerechtere Welt und in welchen Kontexten schlägt umgekehrt eine als notwendig empfundene Militanz als psychische Deformation auf die zu Befreienden selbst zurück?
Dieses von einem:r Gruppenanalytiker:in geführten Gespräch findet direkt im Anschluss an die Performance am 03.05. statt und richtet sich ausschließlich an das Publikum dieser. In Performance-Zählkarte enthalten.
In his “rite of passage” The Soldier, German-British artist and curator Julian Warner asks in which situations resistance to violent conditions must or can take on warlike forms. When does the decolonial struggle embody the hope for a more equitable world, and in which contexts, in turn, does seemingly necessary militancy rebound as psychological deformation on those seeking liberation?
This discussion, led by a group analyst, will take place immediately after the performance on 3 May and is exclusively for the audience of that performance. Included in the numbered ticket for the performance.
Messegelände | Halle 3 Sun, 03.05. 15:00–16:00
Zwei Künstlergespräche (EN)
Vortrag (DE)
Chino Amobi,
Anton Kats
Chino Amobi, Anton Kats
Welche Hoffnung gibt es nach der Hoffnung?
Der US-Rapper Chino Amobi versteht sein Album Eroica II: Christian Nihilism als Versuch, „sich in einer Welt am Rande der Verzweiflung der Leere zu stellen“ und „das Chaos anzunehmen“. Anton Kats, ein Künstler aus der Ukraine und als Musiker auch unter dem Namen ILYICH aktiv, betreibt „sonischen Antifaschismus“ und beschwört in seiner Performance After Hope eine „hoffnungslose Hoffnung“, die ohne illusionären Optimismus auskommt. Die beiden werden von Jens Balzer bzw. Christian Höller zu ihren Ansichten befragt.
US rapper Chino Amobi views his album Eroica II: Christian Nihilism as an attempt to “confront the void in a world on the brink of despair” and “embrace chaos.” Anton Kats, an artist from Ukraine and active as a musician under the name ILYICH, practices “sonic antifascism.” In his performance After Hope, he explores the prospects of a "hopeless hope" that dispenses with illusory optimism. The two artists will be interviewed by Jens Balzer and Christian Höller.
Moderation: Jens Balzer, Christian Höller
Nora Sternfeld
Nora Sternfeld
Die Pessimisten landen in Hollywood. Hoffnung als Praxis
Billy Wilder wird der Satz zugeschrieben: „Die Pessimisten landeten in Hollywood, die Optimisten in Auschwitz.“ Antonio Gramsci wiederum ging es auch in einem faschistischen Gefängnis um den Pessimismus des Verstandes und den Optimismus des Willens. Der Vortrag verfolgt künstlerische, theoretische und aktivistische Beispiele einer nüchternen Hoffnung als Untröstlichkeit, als Überlebensweisheit und als Alltagspraxis. Denn, so Heiner Müller, „wir können nichts tun als unsere Arbeit, die wenig Folgen hat und für die Toten keine.“
Billy Wilder is credited with saying: “The pessimists are in Hollywood, and the optimists are in Auschwitz.” Antonio Gramsci, on the other hand, wrote about the pessimism of the intellect and the optimism of the will while imprisoned in a fascist jail. This lecture outlines artistic, theoretical, and activist examples of sober hope as inconsolability, as wisdom for survival, and as everyday practice. For, as Heiner Müller said, “we can do nothing but our work, which has little impact, and none for the dead.”
Kino im Kesselhaus
Kino im Kesselhaus
Isabelle Stengers:
Building Hope on the Edge of the Abyss
Isabelle Stengers: Building Hope on the Edge of the Abyss
Regie: Fabrizio Terranova
Ein geheimnisvolles Haus und ein magischer Wald verschmelzen in diesem dokumentarischen Filmessay zu einem Habitat für die rebellische belgische Philosophin Isabelle Stengers. Der von Terranova zurückhaltend inszenierte Dialog mit der Natur leitet uns durch die Grundzüge und Motive ihres ökologischen Denkens. Stengers begegnet den von ihr konstatierten „katastrophischen Zeiten“ und der „kommenden Barbarei“ mit einer „kosmopolitischen Vielheit“ nicht-hierarchischer Praktiken und einem kooperativen Miteinander von Menschen und anderen Lebensformen.
In this documentary film essay, a mysterious house and a magical forest set the stage for the rebellious Belgian philosopher Isabelle Stengers. Terranova’s carefully directed dialogue with nature initiates us into the threads of her ecological thought. Stengers responds to what she describes as “catastrophic times” and a “coming barbarism” by proposing a cosmopolitical multiplicity of non-hierarchical practices and cooperative common world of humans and other life forms.
Queer as Punk
Queer as Punk
Regie: Yihwen Chen
„Shh diam!“ heißt auf Malaiisch: Maul halten! Die Punk-Band Shh…Diam lässt sich den Mund nicht verbieten und verbreitet auf ihren mitreißenden Konzerten die Botschaft vom Aufstand der „lonely lesbians“ und anderer Diskriminierter: „Electric Boogie in my Underwear!“ Auch abseits der Bühne, so führt es Regisseurin Yihwen Chen vor, engagieren sich die Bandmitglieder für LGBTQRechte in einem konservativen, muslimisch geprägten Staat, in dem Menschenrechte und Freiheiten sehr eingeschränkt sind. So stellt sich die Frage nach dem „pink exodus“: Soll mensch das Land verlassen?
“Shh diam!” simply means “Shut up!” in Malay. The punk band Shh...Diam refuses to be silenced, spreading the message of recalcitrant “lonely lesbians” and other marginalised groups at their rousing concerts: “Electric Boogie in my Underwear!” Off stage, too, as director Yihwen Chen shows, the band members are committed to LGBTQ rights in a conservative, Muslim-dominated state where human rights and freedoms are severely restricted. This raises the question of the “pink migration”: Is leaving the country the only solution?
Even Hell has its Heroes
Even Hell has its Heroes
Regie: Clyde Petersen
Move Ya Body:
Der aus Seattle stammende Künstler und Regisseur Clyde Petersen würdigt die exzentrisch und notorisch schweigsame Band Earth vor der Szenerie des pazifischen Nordwestens rund um Seattle. Earth prägte nicht nur das Subgenre des extrem verlangsamten Metal, Drone Doom, sondern spielte auch eine entscheidende Rolle bei der Popularisierung von Grunge. Daneben kämpfte der visionäre Frontmann Dylan Carlson mit seiner Heroinsucht und dem tragischen Tod seines Mitbewohners und besten Freundes Kurt Cobain. Der Film findet für die Entrücktheit des Sounds kongeniale, von Roadmovies inspirierte Bilder.
Home to artist and director Clyde Petersen, the Pacific Northwest around Seattle forms the backdrop of his tribute to the eccentric and notoriously taciturn band Earth. Not only did the band create a glacially sluggish subgenre of metal, drone doom, and play a pivotal role in the popularization of grunge. Visionary leader Dylan Carlson was also battling his heroin addiction and the tragic death of his roommate and best friend Kurt Cobain. The ethereal nature of the soundscape is perfectly matched by the film’s melancholic imagery, a road movie from another world.
The Birth of House
Move Ya Body: The Birth of House
Regie: Elegance Bratton
Ein Musikstil, geboren in der von Rassismus und Gewalt geprägten, vibrierenden USMetropole Chicago, erneuert das queere Versprechen, das „Mama“ Disco zuvor in die Welt gesetzt hatte: Die Befreiung beginnt in einem Safe Space mit Dancefloor. Elegance Bratton rekonstruiert den frühen Sound der Warehouses als Feedback zwischen Stadtund Musikgeschichte und lässt prägende Figuren wie Frankie Knuckles oder Vince Lawrence zu Wort kommen. House, das ist Euphorie und globales Business, für Fans der ersten Stunde eine transzendente Erfahrung wie der "Heilige Geist".
A music style born in the vibrant US metropolis of Chicago, steeped in racism and violence, renews the queer promise that “Mother” Disco had previously brought into the world: liberation begins in a safe space with a dance floor. Elegance Bratton reconstructs the pioneering sound from the warehouses in a feedback loop between urban and music history, letting influential figures such as Frankie Knuckles and Vince Lawrence have their say. House stands for euphoria and a global business, but for fans from the very early days, a transcendent experience like the “Holy Spirit”.
im Kesselhaus Sun, 10.05. 13:30 – 15:00
Kino
Kino im Kesselhaus
SO UN D SO UN D
Ak'chamel
Abdullah Miniawy
Exit Void / Selvhenter
Makaya McCraven
Ex-Easter Island Head
Marie Davidson
May 01 May 08 May 02 May 09
claire rousay / Joe Rainey
SANAM / Quade
Peaches / Pain Magazine
DJ Haram
FRANKIE & Kelman Duran
pmxper
Nina Garcia / feeo
The New Eves
caroline / Blawan (live)
Maruja / Operant
Chino Amobi / Rainy Miller
Dälek / Barker
Oneohtrix Point Never with Freeka Tet
NikNak / Kirara
Alan Sparhawk (of Low) Slumberland
Olga Anna Markowska John Maus
Ak'chamel
Ak'chamel Abdullah Miniawy
In die Sonne schauen und dabei irrlichternden, archaischen Postapocalyptic Desert Folk bauen: Das texanische Trio Ak’chamel entzieht sich durch Masken, Kostüme und variable Alias-Namen, vor allem aber durch formsprengende Improvisationen jeder Einordnung. Beschwörende Chants in Fantasiesprachen, knorrig-repetitive Gitarrenfiguren, perkussive Schleifen und Tape-Manipulationen halten unsere Wahrnehmung konsequent in Schwebe, im Niemandsland zwischen Kontemplation und Kontrollverlust: Ein Sandsturm wird kommen.
Staring into the sun playing ravenous, archaic, post-apocalyptic desert folk: the Texan trio Ak’chamel defies categorisation, behind their masks, costumes, and variable aliases, but with their capricious improvisation skills too. Gonzo chants in fantasy languages, gnarled rebounding guitar riffs, percussive loops, and tape manipulations throw our cognition out of whack, into a no human’s land between contemplation and absolute loss of control: a sandstorm is coming.
Abdullah Miniawy
Nach Arbeiten an der Schnittfläche von Jazz, zeitgenössischer Klassik und Spoken Word bündelt Abdullah Miniawy seinen künstlerischen Ausdruck nun im Trio-Format. Seine fragil-akrobatische Stimme formt mit den beiden Posaunen von Robinson Khoury und Jules Boittin eine faszinierend reichhaltige, entrückt wirkende Klangästhetik: Poetische Beschwörungen und expressive Bläserfiguren erstrahlen ineinandergreifend vor dem Hintergrund spiritueller Traditionen und verhandeln so auf eindringliche Weise Fragen von Zugehörigkeit und Identität.
On the heels of works at the crossroads of jazz, contemporary classical, and spoken word, Abdullah Miniawy now channels his artistic expression in a trio format. His fragile, acrobatic vocals weave together with the two trombones of Robinson Khoury and Jules Boittin, creating a fascinatingly rich, ethereal sound aesthetic: poetic incantations and eloquent brass motifs flare up against a backdrop of spiritual traditions, poignantly addressing questions of belonging and identity.
Exit
Selvhenter
Void Selvhenter Exit Void
Die Versuchung, von einer Supergroup zu sprechen, ist groß, wenn sechs prägende Köpfe der österreichischen Musikszene gemeinsam auf der Bühne stehen. Exit Void agiert gleichsam als spontane Soundsuchbewegung, die die Handschriften von Anja Plaschg (Soap&Skin), David Reumüller (Reflector), Alex Kranabetter (m o s), Wolfgang Lehmann (Naked Lunch), Katrin Euller (Rent) und Manfred Engelmayr (Bulbul) in produktive Reibung treten lässt. An den Kontaktzonen von experimenteller Elektronik und Klangperformance entfaltet sich kollektivintuitive, komplex kreiselnde Musik, die unwiderstehlich in die Unvorhersehbarkeit des Augenblicks strebt.
It is hard to resist speaking of a supergroup when six leading figures from the Austrian music scene stand together on one stage. Exit Void acts as a spontaneous sound exploration, bringing together the styles of Anja Plaschg (Soap&Skin), David Reumüller (Reflector), Alex Kranabetter (m o s), Wolfgang Lehmann (Naked Lunch), Katrin Euller (Rent) and Manfred Engelmayr (Bulbul) into a productive friction. At the interface between experimental electronics and sound performance unfolds a collective-intuitive, intricately spiralling music that plunges straight into the unpredictability of the moment.
Das 2010 gegründete Quartett entzieht sich vorschnellen Genreeingemeindungen. Alles scheint Antrieb und Reaktion zugleich zu sein in den noisigen Free Rock-Improvisationen von Jaleh Negari und Anja Jacobsen (beide Drums) sowie Sonja LaBianca (Saxofon) und Maria Bertel (Posaune). Selvhenter denken Klang konsequent vom Fluss her: als offen kollektiv gestalteten Prozess, der mit polyrhythmischer Anziehungskraft rechnet, aber auch mit dem gezielten Bruch, der Umleitung der Energien: heavy music, die Haken schlägt.
Founded in 2010, this Danish quartet cannot be hastily pigeonholed into a single genre. In the noisy free rock improvisations between Jaleh Negari and Anja Jacobsen (both drums) as well as Sonja LaBianca (saxophone) and Maria Bertel (trombone), it’s stimulus and response at the same time. Selvhenter’s sound is all about flow: an open, collective process forges strong polyrhythmic patterns but also targeted breaks and redirected energies – heavy riffs with sidewinders.
Makaya McCraven Makaya McCraven
Der französisch-US-amerikanische Schlagzeuger, Bandleader und Produzent Makaya McCraven verfolgt eine rastlos rhythmusgetriebene Herangehensweise an den Jazz. Seine mit jeweils rotierenden Improv-Partner:innen absolvierten Shows sind pulsierende Kollektivakte: in Echtzeit hochgezogene Laboratorien einer von Neugier und Agilität getragenen Beat Science. Im Spannungsverhältnis von robuster Struktur und rauschhafter Groove-Gewinnung entstehen zirkulierende, mutierende Wirbel, die dazu angetan sind, Kopf und Körper simultan in Schwingung zu versetzen.
The French-US-American drummer, band–leader, and producer Makaya McCraven pursues a relentless, rhythm-driven style of jazz. His shows featuring a rotating lineup of improv partners are vibrant collective acts: real-time laboratories of beat science driven by curiosity and agility. The interplay between robust structure and intoxicating groove yields circulating, mutating vortexes that set body and mind into vibrating tremors.
Ex-Easter
Island
Head
Ex-Easter Island Head
Ein Konzert des Quartetts aus Liverpool beginnt beinahe in absoluter Stille. Zunächst wird zugehört, dann gespielt – und wie! Schlagartig findet man sich in einer wahren Klangwerkstatt wieder: Präparierte Gitarren, die flach auf Keyboard-Ständern liegen, werden perkussiv angeschlagen, während aus Smartphones ausgebaute Vibrationsmotoren über Saiten krabbeln und gesampelte Stimmen über Tonabnehmer laufen, auf welche die Gitarren unmittelbar antworten. So entwickeln Ex-Easter Island Head ausgetüftelte Spannungsbögen, die ihre mesmerisierenden Soundscapes anleiten.
A concert by this quartet from Liverpool begins in almost complete silence. First they listen, then they play – and how! Suddenly, you are transported to a veritable sound workshop: prepared guitars laid flat on keyboard stands are tapped for percussive effects, while vibration motors removed from smartphones crawl across strings and sampled voices feed through pickups, prompting immediate responses from the guitars.
Ex-Easter Island Head craft intricate narratives that guide us through their mesmerizing harmonic worlds. Messegelände | Stadtsaal 21:30
Marie Davidson
(live)
Marie Davidson (live)
Auf ihrem jüngsten, mit der Elektronikformation Soulwax entstandenen Werk City of Clowns lässt sich Marie Davidson von den Gedanken der Ökonomin Shoshana Zuboff über den Überwachungskapitalismus inspirieren. Mit kühl-konfrontativem Vokalvortrag beschwört die kanadische Produzentin zu retrofuturistischem Techno und Alarm-Electro eine lückenlose digitale Kontrolle, die sich als Hintergrundrauschen in unseren Alltag eingeschrieben hat. Davidson hält in ihrer nachtschwarzen Maschinenmusik mit sarkastischer Schärfe und widerständiger Wucht dagegen: „All your asses on the floor“.
On her latest album City of Clowns, created together with the electronic formation Soulwax, Marie Davidson draws inspiration from economist Shoshana Zuboff’s insights into surveillance capitalism. With cool, confrontational vocals over retrofuturistic techno and thundering alarm electro, the Canadian producer invokes a dystopian world of total digital control, inscribed in the background noise of our everyday lives. Davidson counters this terror with sarcastic sharpness and rebellious force in her pitch-black machine music: “All your asses on the floor.”
ALINA ARSHI ANDREA RODRIGO
BILLY MORGAN
CHLOE CHIGNELL
KATHARINA HÖLZL
KENNETH CONSTANCE LOE
LIINA MAGNEA
NEW KYD
SHADE THÉRET
SLOW READING CLUB (BRYANA FRITZ AND HENRY ANDERSEN)
YOH MORISHITA
claire rousay
Joe Rainey
Das Konzept des „kleinen Todes“, jener kurze Verlust des Ichs, den Roland Barthes unter anderem mit dem Orgasmus in Verbindung brachte und das er auch verwendete, um das Vergnügen zu beschreiben, sich in einem Buch zu verlieren und vorübergehend dem ideologischen Zwang der Welt zu entfliehen, scheint auch claire rousay nicht fern zu sein. Die neue Arbeit der Kanadierin, die zu den profiliertesten Stimmen der zeitgenössischen elektroakustischen Musik zählt, ist schließlich als a little death erschienen. Jene Momente der Entrückung sucht rousay indes im achtsamen Lauschen und Innehalten. Aus Field Recordings, Drones und zärtlichen Melodien formt sie subtile Klangskulpturen, die uns aus dem Weltenlärm herauslösen können.
The concept of “La Petite Mort,” that brief loss of self that made Roland Barthes think of orgasms and which he also used to describe the pleasure of losing yourself in a book and momentarily escape the world’s ideological grip, also seems to have inspired claire rousay. The new work by the Canadian artist, one of the most prominent voices in contemporary electroacoustic music, has been released under the title a little death rousay seeks those moments of rapture in attentive listening and reflection. With field recordings, drones, and fragile melodies, she forms subtle sound sculptures that release us from the noise of the world.
Nicht nur ehemalige Kollaborateur:innen wie etwa Bon Iver wissen um die Besonderheit dessen, was Pow-Wow-Sänger Joe Rainey seit Jahren auf Tonträger und Bühne bringt. Er transportiert die Klänge und Trommelriten der Red Lake Ojibwe in höchst originäre Sounds, in denen Echos aus Industrial und Techno Verbindungslinien wie auch Bruchstellen zwischen Tradition und Gegenwart hervorbringen. Abseits routinierter FusionLogiken und frei von jedwedem folkloristischen Gestus gelingt hier eine verblüffende Rekontextualisierung spiritueller Ausdrucksformen im Zeichen gelebter urbaner Indigenität.
Not only former collaborators from Bon Iver appreciate the exceptional nature of what Joe Rainey has brought to tape and to the stage for years. The powwow singer transforms the songs and drumming rituals of the Red Lake Ojibwe into highly original soundscapes, where digital renditions and distortions from industrial and techno music create ties and breaks between tradition and the present. Steering clear of routine fusion logic and free from any folkloric gestures, he achieves an astonishing recontextualization of spiritual forms of expression as a tribute to lived urban indigeneity.
Als Hans Joachim Irmler von der Krautrocklegende Faust 2021 eine Begleitband für einen Gig in Beirut suchte, kontaktierte er Figuren der lokalen Underground-Szene. Aus der punktuellen Kooperation entsprang bald ein autonomes Ensemble, das eine Liaison aus arabisch-levantinischer Musiktradition und Krautrock/Psych-Rock verfolgt. SANAM lassen ihre aufwühlenden Songs zwischen schwebender, magisch wirkender Reduktion und splittrigen Texturen wandern. Die sich daraus entwickelnde Reibung lässt sich als Echo der Umbrüche in ihrer Heimat verstehen.
When Hans Joachim Irmler from the Krautrock legend Faust was searching for a backing band for a 2021 gig in Beirut, he got in touch with some figures from the local underground scene. The one-off collaboration soon evolved into an autonomous ensemble that pursues overlaps between Arab-Levantine musical traditions and Krautrock/psych rock. SANAM’s stirring songs wander between floating, magical reduction and fragmented textures. The resulting dissonance can be read as an echo of the upheavals in their homeland.
Quade
claire rousay Joe Rainey SANAM Quade SANAM
Entschleunigung und Bedacht sind die Superkräfte des vierköpfigen Ensembles aus Bristol, das seine Sound-Signatur aus einem besonders wachen Wahrnehmen formt. Quades vermutlich durch den 2019 verstorbenen Talk Talk Sänger Mark Hollis geschärfter, Weite und Weichheit atmender Post-Rock zieht seine Dynamik aus behutsamen Verlagerungen: Klanglinien treten nach und nach aus dem Halbschatten, verschieben und justieren sich, um in bezwingenden Konstellationen wieder zueinanderzufinden. Alles ist hier im Fließen und doch auch ein organisches Ganzes.
Deceleration and deliberation are the superpowers behind the four-piece ensemble from Bristol, whose signature sound is owed to their particularly alert perception. Quades' post-rock, presumably sharpened by Talk Talk singer Mark Hollis, who died in 2019, breathes vastness and softness, drawing its momentum from subtle shifts: sound lines edge gradually out of the twilight, drifting and reconciling to find each other again in compelling constellations. Everything is in constant flux, yet irresistibly coherent.
Peaches
Peaches Pain Magazine
The Teaches of Peaches werden mehr denn je gebraucht. Nach zehnjähriger Krems-Abstinenz kehrt die Electropunk-Ikone nun für ihren dritten donaufestival-Auftritt zurück und stellt No Lube So Rude vor, ihr neues, verlässlich rabaukig verschwenderische Lust und körperliche Autonomie verfechtendes Album. Unvermindert angriffslustig agiert Peaches weiterhin dort, wo nonkonforme, speziell queere Lebensrealitäten zur Frontlinie gesellschaftlicher Auseinandersetzungen werden: „We will stop you fucking up our lives!”
The Teaches of Peaches are sorely needed now more than ever. After a ten-year hiatus, the electro-punk icon returns to Krems for a third appearance at donaufestival with her new album No Lube So Rude in hand, a sterling tribute to rowdy, extravagant lust and physical autonomy. Peaches remains as defiantly aggressive as ever, continuing to fight where non-conformist, especially queer lifestyles, hold the front line of social conflict: “We will stop you fucking up our lives!”
Pain Magazine
Wie von einem rasenden Gott des Gemetzels getrieben, wandeln Pain Magazine durch den staubigen Schutt des Spätkapitalismus: müde, klamm, vor Wut zitternd. Diese Adhoc-Allianz aus der Post-Hardcore-Wucht von Birds in Row und der Industrial-Techno-Präzision von Kimifromtheinternet und Louisahhh versteht Klang als Ausdruck der Klage. Mit fiesem Getöse und kaltem Lodern sticht die derzeit aus Frankreich operierende Truppe Wahrheiten aus der klaffenden Menschheitswunde, findet dabei auch zu Momenten verzweifelter, kathartischer Schönheit: „You want it dark, I want it darker.”
As if stalked by a frenzied god of carnage, Pain Magazine treads through the dusty debris of predatory capitalism: weary, numb, trembling with rage. For this ad hoc alliance of the post-hardcore ferocity of Birds in Row and the industrial techno precision of Kimifromtheinternet and Louisahhh, sound is about expressing lament. With nasty noise and cold flames, the France-based faction exact truths from humanity’s gaping wound, but also find moments of desperate, cathartic beauty: “You want it dark, I want it darker.”
DJ
Haram DJ Haram
Schon vor ihrem Solodebüt hinterließ DJ Haram mit Kollaborationen und EPs Spuren im Beat-Betrieb. Beside Myself geriet dann aber zum gezielten Battlecry in einer Welt, der mit 4/4-Eskapismus nicht mehr beizukommen ist. Auf dem Hyperdub-Release gerinnen dräuende Drums, nahöstliche Klangfarben und meinungsstarke Gaststimmen zu Tracks von merklicher Beklemmung, die auch immer körperliche Wirksamkeit entfalten. Klanglich kantig markiert Haram die Limits von Clubkultur, spart sich aber wohlfeile Entlastungen: „Who Needs Enemies When These Are Your Allies?"
Even before her solo debut, DJ Haram left her mark on the beat scene with collaborations and EPs. But Beside Myself became a targeted battle cry in a world that can no longer be endured with 4/4 escapism. On the Hyperdub release, ominous drums, Middle Eastern soundscapes, and charismatic guest vocals coalesce into tracks with palpable anxiety and physical impact. Haram’s sharp sounds stake out the perimeters of club culture but refrain from any easy exonerations: “Who Needs Enemies When These Are Your Allies?”
pmxper
FRANKIE & Kelman Duran pmxper
Alan
Low) FRANKIE & Kelman Duran
Kelman Duran, renommierter Akteur der abstrakten Clubmusik und Teil des Produktionsteams hinter Beyoncés Renaissance, trifft auf Komponistin und Sängerin Franziska Aigner, die oft im Performance / KunstKontext agiert – etwa mit Anne Imhof. Der Clash entpuppt sich als fein austarierter Aushandlungsprozess: Durans Electronica schafft Räume, in die FRANKIE mit schwebenden Harmonien und gezielt gesetzten Brüchen vordringt. Man darf hier ein Duo beobachten, wie es Zonen der Reibung und Verdichtung erschließt.
Kelman Duran, renowned exponent of abstract club music and part of the production team behind Beyoncé’s Renaissance, meets composer and vocalist Franziska Aigner, who often appears in performance / art context – for example, with Anne Imhof. The clash turns out to be a finely calibrated process of negotiation: Duran’s electronica creates spaces that FRANKIE conquers with floating harmonies and calculated breaks. We witness a duo as it opens up new zones of friction and convergence.
pmxper ist das gemeinsame Projekt von Pavel Milyakov, auch bekannt als Buttechno, und Aleksandra Zakharenko alias Perila, zwei Artists, die bislang vor allem in elektronischen Kontexten verortet wurden. Nahezu ausschließlich mit analogen Methoden realisiert, gründen ihre gemeinsamen Songs auf einer sparsamen Instrumentierung aus Gitarre, Saxofon und Beserl-Schlagzeug. Das Geschehen zwischen minimalistischem Dream Pop, Jazz- und Folktexturen wird von Perilas ätherischem Sprechgesang mit betörender Präsenz umkreist.
pmxper is a collaboration between Pavel Milyakov, aka Buttechno, and Aleksandra Zakharenko, alias Perila, two artists one usually associates with electronic settings. Realized almost exclusively in the analogue world, their songs are centred on sparse instrumentation featuring guitar, saxophone, and drum brushes. The interplay between minimalist dream pop, jazz, and folk textures is enveloped by the stunning presence of Perila’s ethereal vocals.
Alan Sparhawk (of Low)
Sparhawk (of
Der Tod von Mimi Parker im Jahr 2022 markierte einen tiefen Einschnitt in Alan Sparhawks Leben und Schaffen. Parker war jahrzehntelang nicht nur seine Ehefrau, sondern auch seine kongeniale Partnerin in der Slowcore-Band Low. Nach White Roses, My God , Sparhawks erstem, zerfurchtem Solowerk nach dem Schicksalsschlag, folgte 2025 dann ein von akustischer Wärme durchdrungenes, gemeinschaftlich mit der Indiefolk-Band Trampled by Turtles entstandenes Album. Live münden die darin nachklingenden Verluste und Hoffnungen in himmelaufreißenden Songs.
The death of Mimi Parker in 2022 marked a profound turning point in Alan Sparhawk’s life and creative work. For decades, Parker was not only his wife but also his congenial partner in the slowcore band Low. White Roses, My God, Sparhawk’s first, deeply emotional solo work after this tragic loss, was followed in 2025 by an album imbued with acoustic warmth, created in collaboration with the indie folk band Trampled by Turtles. Live, the lingering of loss and hope expressed in these songs culminate in celestial songs.
Florentina Holzinger
Narcissister
Christoph Schlingensief
Inna Shevchenko
Trajal Harrell Gob Squad
Susanne Kennedy & Markus Selg
Angélica Liddell
Romeo Castellucci AND MANY MORE
Nina Garcia
feeo
„I play experimental music, merging noise, abstract sounds, bones melodies, and visceral emotions with a raw guitar“: Präziser als Nina Garcia selbst kann man ihren Ansatz gar nicht fassen. Seit Jahren in Pariser Impro-Zirkeln verwurzelt, kultiviert die Musikerin eine verwegene Praxis des Gitarrenspiels, die kühne Dekonstruktion einem zur Schau gestellten Können vorzieht. Mit den Mitteln der Repetition und Rückkopplung gedeihen aus fragmentierten Motiven und kontrollierter Instabilität intensive Klangkolorite, die eigensinnig wie intim anmuten.
“I play experimental music, merging noise, abstract sounds, bones melodies, and visceral emotions with a raw guitar”: one couldn’t put Nina Garcia’s approach more succinctly than she herself. Active in Parisian improv circles for years, the musician cultivates a daring approach to guitar playing, pursuing bold deconstruction over ostentatious virtuosity. Through repetition and feedback, fragmented motifs and controlled instability blossom into intense soundscapes that strike a chord that’s both idiosyncratic and intimate.
Mit ihrem Projekt feeo kartografiert Theodora Laird die seelischen Blessuren der modernen Metropolenexistenz. Zwischen kompositorischer Strenge und der in der Experimentalszene Südlondons erprobten Freiheit der Improvisation behauptet sie auf ihrem beim Top-Imprint AD 93 erschienenen Erstling Goodness klangliche Zurückhaltung als Schutzraum. Behutsam schreitet Lairds schwebender Vortrag über skelettierter Rhythmik und soften Synths die Strecke zwischen Isolation und Verbundenheit ab und etabliert so eine Ästhetik der profund dosierten Unschärfe.
With her project feeo, Theodora Laird tends to the emotional wounds of modern metropolitan existence. Between compositional rigor and improvisational freedom, tried and tested in South London’s experimental scene, she asserts musical restraint as a safe space. On her debut album Goodness, released on the top label AD 93, Laird’s narrative floats over skeletal rhythms and soft synths, carefully navigating the divide between isolation and connection, to arrive at an aesthetic of profound obscurity.
caroline
Nina Garcia feeo The New Eves caroline The New Eves
Mit spielerischer Dämonie erwecken The New Eves den Eindruck, als seien sie direkt einem verschollenen britischen Folk-Mythos entsprungen, dessen gängiges Genre-Spektrum das Quartett aus Brighton ins windschief Psychedelische oder auch archaischPostpunkige dreht. Mehrstimmige (Sprech-) Gesänge bestürmen die konservativen Vorstellungen von Weiblichkeit seit Adam und Eva. Denn die von neueren Horrorfilmen inspirierten Rituale der neuen Evas scheren sich nicht um die Überlieferung von Bewahrenswertem, sondern beschwören dessen Zersetzung: Freak Folk im Hexenkleid.
With their beguiling devilry, The New Eves come across as if they’ve stepped straight out of a forgotten British folk myth. The Brighton quartet twists the usual genre spectrum into something warped and psychedelic, archaic and post-punk. Polyphonic (spoken word) chants undermine traditional notions of femininity dating back to Adam and Eve. Inspired by contemporary horror films, the rituals of these new Eves pay no heed to traditions, rather invoke their demise: freak folk in witch’s garb.
Die filigranen, fragilen Stücke zwischen Folk, verbeultem Post-Rock und verfließendem Slowcore fußen oft im Kleinen, Kruden, Kuriosen: Hier laufen zwei minimal verschobene Gitarrenfiguren gegeneinander, dort wehen Stimmen aus dem Nebenraum, bis sich verlässlich ephemere, strahlend warme Prachtmelodien ans Licht wagen. Ja, im Grunde umreißt der Titel des aktuellen Album-Openers des Oktetts die emotionale Topografie ihres ergreifenden Entwurfs zeitgenössischer Ensemblemusik aufs Allertrefflichste: „Total Euphoria“.
Filigree, fragile pieces between folk, battered post-rock, and fuzzy slowcore steeped in the small, crude, and curious: here, two slightly offset guitar lines intertwine; there, voices drift in from another room, till ephemeral, radiantly warm melodies come to light. Indeed, the title of the octet’s current album opener perfectly encapsulates the emotional topography of their compelling vision of contemporary ensemble music: “Total Euphoria.”
Blawan (live) Blawan (live)
Mit unerbittlichem Stampfen, Schaben und Schleifen wird hier die Tanzfläche eingeebnet. Blawan, seit über eineinhalb Dekaden eine Schlüsselfigur des UK Techno, durchpflügt mit seinem Maschinenpark eine dunkle, hyperphysische Clubmusik aus verzerrten Stimmen, ausscherenden Rhythmen und industriell grollenden Tieftonwellen. Aus Druck, Unruhe und Opazität nährt sich die Grammatik dieser harschen, zugleich chirurgisch exakten Klangsprache. Sie wirkt weniger der Entfesselung als der Erschütterung verpflichtet: der Zusammenbruch als Akt der Befreiung.
The dance floor creaks under unrelenting stomping, scraping and grinding. Blawan, a figurehead of UK techno since over a decade and a half, has devised a machine park that ploughs through dark, hyperphysical club music dishevelled with warped voices, veering rhythms, and industrial rumbling low-frequency waves. The grammar of this harsh yet surgically precise sonic language feeds on pressure, turmoil, and opacity. It speaks less about setting free than shattering: collapse as an act of liberation.
Messegelände | Halle 2 22:00
Maruja
Maruja
In der jüngeren britischen Rockszene mangelt es derzeit kaum an Bands, die sich des guten alten Jazz annehmen, um ihn dann schnurstracks in den Overdrive zu jagen. Bands wie Maruja aus Manchester etwa, die ihre musikalischen Grenzgänge auch noch mit aufbegehrendem Elan versehen, wenn sie in ihrem aus Post-Hardcore-Punch, Saxofon-Steilgang und Spoken-Word-Vehemenz gekneteten Œuvre zu sozialen Fragen Stellung nehmen. Auf dieser Basis verschwenden sich Maruja in furiosen Live-Konzerten. Pain to power, power to the people!
There’s no shortage today of bands in the contemporary British rock scene taking good old jazz and propelling it into overdrive. Bands like Maruja from Manchester: musical experimentation fuses with rebellious verve as they tackle social injustices in their oeuvre, jazz-punk kneaded with a post-hardcore punch, saxophone rampages, and spoken word vehemence. Maruja deliver exhilarating live shows. Pain to power, power to the people!
Operant Operant
Das Berliner Duo Operant agiert im unwegsamen, klaustrophobischen Dunkelgraubereich zwischen Industrial, Techno, Noise und Breaks. Die Besonderheit ihres Wirkens bemisst sich an ihrer konfrontativen Direktheit: Aus rohen Texturen, harschen Rhythmen und entstellten Stimmen entfesseln sie einen Mahlstrom, dessen kathartische Härte alles mit sich reißt. Die Trennlinien zwischen Körper und Maschine, Schmerz und Euphorie, spürbarem Aufeinanderprallen und spiritueller Entladung werden so mit beispielhafter Entschlossenheit aufgelöst.
The Berlin duo Operant navigates the forbidding, claustrophobic grey territory between industrial, techno, noise, and breaks. The singularity of their work lies in its confrontational directness: using raw textures, harsh rhythms, and distorted voices, they unleash a maelstrom whose cathartic intensity sweeps everything away. The dividing lines between body and machine, pain and euphoria, tangible collision and spiritual release dissolve with merciless rigour.
Chino Amobi Rainy Miller Joseph, What Have You Done?
Auf seinem aktuellen Album Eroica II: Christian Nihilism schafft der im Süden der USA mit nigerianischen Wurzeln und einer Liebe zu klassischer Musik aufgewachsene bildende Künstler und Musiker Chino Amobi Assemblagen aus sakralen Chorälen, industriellen Texturen, kratzigem Sprechgesang und Trap Beats. So geerdet wie entrückt anmutend, bleiben sie selbst in den zugänglicheren Momenten von existenzieller Unruhe bestimmt. Erlösung ist hier abgesagt, stattdessen regiert ein Wechselspiel der Widersprüche: „I love beauty, I am a nihilist, but I love beauty.“
On his latest album Eroica II: Christian Nihilism, Chino Amobi – an artist and musician with Nigerian roots who grew up in the US American South with a love for classical music – concocts his assemblages from sacred chorales, industrial textures, scratchy spoken word, and trap beats. Grounded yet seemingly otherworldly, the songs retain an existential unease, even in their more accessible moments. There's no promise of salvation here, rather a liberating interplay of contradictions: “I love beauty, I am a nihilist, but I love beauty.”
Rainy Miller presents Joseph, What Have You Done?
Als eine der zentralen Stimmen des sogenannten Northern Gothic – einer experimental-elektronischen Strömung im deindustrialisierten Nordwesten Englands, zu der auch aya zählt – entfaltet Rainy Millers Rap eine Ästhetik des Intimen. Seine sonischen Seelenschauen sind stark eklektisch angelegt: Driftende Gitarren stehen gleichberechtigt neben Breakbeat-Gewittern oder fast sakralen Ambient-Annäherungen. Anker dieser Collagen ist stets Millers eindringlicher Vortrag, der Selbstbehauptung in urbanen Lebensrealitäten sucht, ohne sich hinter Pathos und Pose zu verstecken.
As one of the leading voices of Northern Gothic – an experimental electronic scene in the deindustrialised north-west of England, aya also counts amongst its members – Rainy Miller’s rap unfolds an aesthetic of intimacy. His sonic soul-searching is highly eclectic: drifting guitars mingle with breakbeat storms and almost sacred variants of ambient. The foundation of these collages is always Miller’s haunting delivery, which strives for self-assertion in urban realities without hiding behind pathos and poses.
Dälek
Barker
Dälek Barker
Dälek sind MC Dälek (Will Brooks) und CoProduzent Mike Manteca (Mike Mare). Die Pioniere des experimentellen Hip-Hop, die in den 90er Jahren in der Underground-Musikszene der East Coast groß geworden sind, haben sich über Jahrzehnte hinweg eine einzigartige Nische geschaffen, in der sie Hardcore-Hip-Hop, Noise und einen radikalen Ansatz in Sachen Sound miteinander verbinden. Von Anfang an traten Dälek in die Fußstapfen ihrer Vorgänger Public Enemy und ließen sich von so unterschiedlichen Einflüssen wie My Bloody Valentine und den deutschen Experimentalisten Faust inspirieren. Damit ist es Dälek gelungen, der Rap-Musik völlig neue texturale und strukturelle Dimensionen zu verleihen. Dälek kehren zum donaufestival zurück, um ihr neues Album Brilliance of a Falling Moon in voller Länge zu präsentieren. Ein Ereignis, das man nicht verpassen sollte.
Dälek are MC Dälek (Will Brooks) and co-producer Mike Manteca (Mike Mare). Forged in the fires of the East Coast underground music scene in the 90s, Experimental Hip Hop pioneers Dälek has spent decades carving out a unique niche fusing hardcore Hip Hop, noise and a radical approach to sound. From the very beginning, Dälek came out the gate, following in the footsteps of their predecessors Public Enemy while drawing from influences as varied as My Bloody Valentine and German experimentalists Faust, Dälek have succeeded in adding completely new textural and structural dimensions to rap music. Dälek return to donaufestival to perform their new album Brilliance of a Falling Moon in its entirety. An event not to be missed.
Stochastic Drift ist nicht nur der Titel von Sam Barkers zweitem Artist-Album, sondern steht auch für das Prinzip, das seine Version von Techno dieser Tage prägt. Der aus der Statistik entlehnte Begriff beschreibt, wie Zufälligkeit in ein System hineinwirkt. Die Einschränkungen der früheren Arbeiten des Berghain-Residents – wie der Verzicht auf Kick-Drums – haben einer Vorliebe für analoge Instrumente und deren Unwägbarkeiten Platz gemacht. Barker nutzt ihre spontanen Impulse und schafft daraus kühne Tracks aus vertrackter Rhythmik, verhalltem Dub und Jazz-Texturen.
Stochastic Drift is not just the title of Sam Barker’s second artist album, it has become the principle behind his version of techno these days. The term, borrowed from statistics, describes how randomness affects a system. The constraints of the Berghain resident’s earlier work – such as the absence of kick drums – have given way to a penchant for analogue instruments and their unpredictability. Barker uses their spontaneous impulses to create audacious tracks with intricate rhythms, reverbed dub, and jazz textures.
Oneohtrix Point Never
NikNak
with Freeka Tet
Oneohtrix Point Never with Freeka Tet NikNak
Daniel Lopatin prägt längst an mehreren Fronten die Gegenwart: als Produzent für The Weeknd, Anohni oder Charli xcx, als Filmkomponist (Marty Supreme) und vor allem als Oneohtrix Point Never, einem der aktuell einflussreichsten Projekte avancierter Elektronik. In dieser Rolle agiert er gern als Audio-Archäologe, der in kulturellen Artefakten wie Werbespots, Preset-Bibliotheken und Sample-CDs gräbt, um klangliche Denkmäler zu erschaffen. Es geht Lopatin weniger um Nostalgie als um ein Ausloten, wie sich Erinnerung (oder der Glaube daran) im Digitalen manifestieren kann. Jetzt bringt er sein Album Tranquilizer auf die Bühne, begleitet von Freeka Tets einzigartiger Live-Visual-Ästhetik.
Daniel Lopatin has already left his mark on the present on multiple fronts: as a producer for The Weeknd, Anohni, and Charli xcx, as a film composer (Marty Supreme) and, above all, as Oneohtrix Point Never, one of the most influential projects in the field of advanced electronic music today. In this role, he is something of an audio archaeologist, digging through cultural artefacts such as commercials, preset libraries, and sample CDs – vestiges for new acoustic monuments. For Lopatin, it’s not so much about nostalgia but exploring how (the belief in) memory manifests in the digital realm. He now brings his album Tranquilizer to the stage, accompanied by Freeka Tet’s singular live visual aesthetic.
„Wenn es einen Schwarzen ‚Blade Runner‘ gäbe, wäre dies der Soundtrack dazu.“ Ausgehend von dieser Prämisse hat NikNak das hybride, afrofuturistisch akzentuierte Klanguniversum ihrer LP Ireti erschaffen, auf der sie Dark Ambient mit druckvollen JungleTracks und jazzigem Trip-Hop verschmilzt. Im Zusammenwirken von Club-Energie und cineastischer Abstraktion geht die in Leeds lebende Turntablistin und Produzentin der bangen Frage nach, wie sich das Menschliche angesichts seiner technologischen Durchdringung noch zu bewähren vermag.
“If there was a Black Blade Runner, this would be the soundtrack.” With this premise in mind, NikNak has created the hybrid, Afro-futurist soundscape of her LP Ireti, a blend of dark ambient with powerful jungle tracks and jazzy trip-hop. Combining club energy and cinematic abstraction, the Leeds-based turntablist and producer explores the pressing question of how human nature can still prevail in the midst of pervasive technological infiltration.
Kirara Kirara
Seit einem Jahrzehnt gilt die südkoreanische Produzentin Kirara als Impulsgeberin in der elektronischen Musikkultur ihrer Heimat. Die in Seoul ansässige Musikerin versteht ihre clubkompatiblen Tracks im Grenzbereich zwischen EDM, Techno und Big Beat – nicht von ungefähr, so versiert wie sie mit geschmeidiger Präzision und eruptiver Energie arbeitet. Auf bestrickende Weise sind Kiraras Klangwelten erfüllt von melodischen Irritationen, feingliedrigen Mikrodramaturgien und situativen Übersteuerungen.
Over the past decade, South Korean producer Kirara has been a driving force in her homeland’s electronic music community. The Seoul-based musician describes her surefire club-friendly tracks, as straddling the lines between EDM, techno, and big beat – and with good reason, considering how adeptly she merges smooth precision with explosive energy. Kirara’s soundscapes are captivating, filled with melodic irritations, delicate micro-dramaturgies, and situational overdrive.
Messegelände |
22:00 Messegelände | Halle 2 00:00
Messegelände | Halle 2 23:00
Slumberland
Slumberland Olga Anna Markowska
Jochem Baelus rührt in einem Topf am Rande des Lärms, der jederzeit überzukochen droht. Ebenso schön anzusehen wie himmlisch anzuhören sei dies. Der belgische Musiker und Instrumentenbauer kultiviert die mittelbare Nachbarschaft von krautiger Verhangenheit und post-punkigem Zund, zur Klanggewinnung zieht er selbst umgebaute Apparaturen von Nähmaschine bis Filmprojektor heran. Nach diversen Kooperationen ist Slumberland nun solo zugange: Seine mesmerisierenden Ghosts in the Machines wird er mit einer neuen Audioinstallation auf uns Sterbliche loslassen.
Jochem Baelus stirs a pot on the edge of noise that threatens to boil over at any moment – beautiful to watch and heavenly to listen to. The Belgian musician and instrument builder brews the adjacency of krautrock melancholy and post-punk spark, using converted equipment ranging from sewing machines to film projectors to forge his sound. After various collaborations, Slumberland is now on a solo path: he will unleash his mesmerising Ghosts in the Machines on us mortals with a new audio installation.
Olga Anna Markowska
Durch den Tag mit Olga Anna Markowska: Auf ihrem betörenden Debütalbum ISKRA kredenzt die polnische Komponistin und Multiinstrumentalistin mit Zither, Cello und Elektronik behutsam tönende Beobachtungen zwischen „Dawn“ und „Dusk“. In unaufdringlichen Verschiebungen und fein herausgearbeiteten Details skizziert Markowska den Tagesverlauf als klare Abfolge wechselnder Lichtstimmungen, ihre zwischen moderner Klassik und Ambient angelegte Musik findet ihre Heimat bevorzugt in den Halbschatten und Zwischentönen. Das Album erzählt die Geschichte von Emotionen und gelebten Erfahrungen, die sich kaum in Worte fassen lassen: das Erwachsenwerden, Verlassenwerden, Einsamkeit, der Verlust eines geliebten Menschen und die ersten jugendlichen Leidenschaften, die sich in der wilden Natur entfalten, in der Olga Anna Markowska aufgewachsen ist.
A day with Olga Anna Markowska: on her acclaimed, wondrous debut album ISKRA, the Polish composer and multi-instrumentalist uses zither, cello, and electronics to carefully craft sonic observations between “Dawn” and “Dusk.” With subtle shifts and finely honed details, Markowska sketches out the course of the day as a clear sequence of changing light moods. Her music, residing somewhere between modern classical and ambient, finds home in the penumbra and its tonal interstices. The album tells the story of emotions and lived experiences that are almost impossible to translate into words: growing up, abandonment, loneliness, the loss of someone close, and those teenage first passions unfolding in the wildness of nature where Olga Anna Markowska was raised.
John Maus John Maus
Pop mangelt‘s an Personality? Weit gefehlt. Welcome back, Mr. Maus, du uniquer Zusammenzwirbler von Goth-Pop, akademischer Theorie und religiöser Motivik! Mit Later Than You Think legt der Musiker und promovierte politische Philosoph nach einer existenziellen Krise sein aktuelles Album vor. Stoische Drums und ausladende Synths tragen den beschwörenden Bariton über Melodien von erhöhter Eingängig- wie Seltsamkeit. Die Faszination Maus nährt sich auch aus dessen Live-Präsenz. Ein nach wenigen Minuten völlig verschwitzter Sänger verwandelt sich nach eigenen Angaben in einen „hysterischer Körper“, der sich das Mikro an die Stirn schlägt und in seinem Barmen das Herz für alle Verwundeten dieser Welt öffnen will: „Reconstruct your life!“
Pop lacks personality? Far from it. Welcome back, Mr. Maus, you one-of-a-kind hybrid of goth pop, academic theory, and religious motifs! With Later Than You Think, the doctor of political science presents his current album following an existential crisis. Stoic drums and sprawling synths accompany the evocative baritone through melodies brimming with catchiness and strangeness. Maus’s awesome allure is boosted by his stage presence. Completely drenched in sweat in a matter of a few minutes, the singer transforms himself, as he says, into a “hysterical body” who bangs the microphone against his forehead and amid his lamenting opens his heart to all the wounded people in the world: “Reconstruct your life!”
ABO 26/27 IM WIENER KONZERTHAUS
Garantiert Ungehörtes
Electronics, Percussion, Jazz und Experimental – das Klangforum Wien schöpft aus vielseitigen Klängen und erkundet gemeinsam mit den maßgeblichen Komponist:innen der Gegenwart die künstlerischen Horizonte Neuer Musik.
Abo ab 25. März 2026 erhältlich!
DER BLICK UNTER DEN TELLERRAND.
Offenheit hält die Tür offen. Auch für unbequeme Themen. Journalismus, der Welten öffnet. Macht was.
JETZT STANDARD abonnieren
Ö1 Club. In guter Gesellschaft.
Öffnet Türen zu Kunst und Kultur mit vielen Vorteilen: Ermäßigung bei 600 Kulturpartnern immer für zwei, monatlich das Ö1 Magazin gehört, Freikarten und exklusiven Veranstaltungen.
Seit 30 Jahren in guter Gesellschaft. Im Ö1 Club. Jetzt Ö1 Club-Mitglied werden!
Alle Vorteile auf oe1.ORF.at/club
Weiterbildung, die in mein Leben passt.
Mit Genehmigung von H. Bachmann, Österr. Nationalbibliothek
Tickets & Service
Tagespässe
Tagespass Freitag/Samstag
Tagespass € 54,-
Tagespass ermäßigt* € 49,-
Tagespass Jugend bis 27 J. € 38,-
Tages- bzw. Abendkassa: € 59,-
Tagespass Sonntag
Tagespass € 44,-
Tagespass ermäßigt* € 40,-
Tagespass Jugend bis 27 J. € 30,-
Tages- bzw. Abendkassa: € 48,-
*Ermäßigungen siehe do n a u festival.at Ermäßigungen gelten nur im Vorverkauf. An der Tages - bzw. Abendkassa sind nur Tickets zum Tageskassatarif erhältlich. Das Mindestalter für den Zutritt zu allen Veranstaltungen des donaufestivals liegt bei 14 Jahren, auch im Fall der Mitnahme einer volljährigen bzw. erziehungsberechtigten Begleitperson.
Der Preis für die Sonntage ist günstiger, da der letzte Festivaltag mit drei Highlight-Konzerten in der Minoritenkirche endet (kein Musikprogramm am Messegelände).
Pakete mit Preisvorteil
Außerdem bieten wir Pakete mit frei kombinierbaren Festivaltagen an. Die im Paket getroffene Auswahl der Tage ist verbindlich:
Preispakete Freitag/Samstag
Vollpreis Ermäßigt
2 Festivaltage € 102,- € 90,-
3 Festivaltage € 153,- € 135,-
4 Festivaltage € 196,- € 172,-
Preispakete mit 1 Sonntag
Vollpreis Ermäßigt
2 Festivaltage € 91,- € 82,-
3 Festivaltage € 142,- € 127,-
4 Festivaltage € 185,- € 164,-
5 Festivaltage € 234,- € 207,-
Preispakete mit 2 Sonntagen
Vollpreis Ermäßigt
2 Festivaltage € 80,- € 74,-
3 Festivaltage € 131,- € 119,-
4 Festivaltage € 174,- € 156,-
5 Festivaltage € 223,- € 199,-
6 Festivaltage € 252,- € 222,-
Während der Konzerte wird teilweise Stroboskoplicht eingesetzt! Infos dazu auf unserer Website.
Vorverkauf
Online: donaufestival.at
Ticketbüro der NÖ Festival und Kino GmbH in der Landesgalerie NÖ
Museumsplatz 1, 3500 Krems
Öffnungszeiten: Di – Fr 10:00 – 17:00
Tickethotline: +43 (0) 2732 90 80 33
Solidaritätstickets
Als Angebot für einkommensschwache Personen, die keinen Kulturpass besitzen, bieten wir je nach Verfügbarkeit einen stark vergünstigten und limitierten Eintritt á € 10 zu dem gewünschten Festivalveranstaltungstag an.
Schreibt ein Mail an tickets@noe-festival.at (Betreff: Solidaritätsticket) mit Angabe Ihres Namens und der gewünschten Veranstaltung.
Tageskassa/Armbänder
An Festivaltagen von 10:00 – 19:00 im Klangraum Krems Minoritenkirche, Minoritenplatz 5, 3500 Krems / Stein und ab 12:00 bis Beginn des letzten Konzertes beim Ticketcontainer am Messegelände, Utzstraße 12, 3500 Krems
An Festivaltagen nur Verkauf an den Tageskassen und online!
Externe Vorverkaufsstellen
Tagespässe mit Ermäßigung für Raiffeisen Kontoinhaber:innen in allen Raiffeisenbanken in Wien und NÖ mit oeticket-Service und auf shop.raiffeisenbank.at sowie in den oeticket Geschäftsstellen unter: www.oeticket.com, (+43 (0) 900 94 96 096) erhältlich. (jeweils zzgl. Vorverkaufsgebühr / keine Preispakete und Bustransfers)
NÖKU Tickets
Karten können auch in allen NÖKU Tickets Kartenbüros erworben werden: Baden, Grafenegg, Melk, Reichenau, St. Pölten, Wien, Wiener Neustadt. Nähere Infos unter noeku.at/tickets
Freier Eintritt
Alle gültigen Festivaltickets (2026) der NÖ Festival und Kino GmbH berechtigen zum einmaligen freien Eintritt in Kunsthalle Krems, Landesgalerie NÖ, Forum Frohner und Karikaturmuseum Krems im Jahr 2026.
Zählkarten
Aufgrund von begrenzten Kapazitäten bei den Performances von
≠ f ABULEUS & Michiel Vandevelde
≠ Julian Warner
≠ Jéssica Teixeira
≠ Anton Kats / ILYICH ersuchen wir um Online-Reservierung von Zählkarten.
Reservierung ab Di, 28.04. 10:00 & Abholung ab dem ersten Tag des jeweiligen Festivalwochenendes ab 10:00. Restplatzanfragen ab 20 Minuten vor Vorstellungsbeginn am jeweiligen Veranstaltungsort möglich. Kein Nacheinlass nach Vorstellungsbeginn. Zutritt zur Veranstaltung nur mit gültigem Armband.
Bustransfer
Das donaufestival bietet an allen Festivalabenden einen Bustransfer von
KREMS → WIEN (KARLSPLATZ)
Bustransfer: 15 Min. nach Ende des letzten Konzertes
Abfahrt Fr/Sa: Krems Stadtpark
Abfahrt So: Kunsthalle Krems
Details auf donaufestival.at Busticket: € 15,- (Nur im VVK erhältlich)
Service
Die Website donaufestival.at bietet ausführliche Informationen zu Programm und Beginnzeiten, sowie eine umfangreiche Mediathek mit Hör- und Videobeispielen. Auf unserer Website finden sich ausführliche Informationen zur Anreise mit Bahn oder Auto, zu Unterkünften sowie zu weiterführenden Angeboten in der Kulturlandschaft Wachau und Umgebung. Auch Hinweise zum Thema Barrierefreiheit, Awareness und Nachhaltigkeit sind dort zu finden.
Festivalgastronomie
Kaffeelix
Frisch gerösteter Spezialitätenkaffee aus St. Pölten. Dazu jede Menge homemade sweets.
www.kaffeelix.at
Foodtruck von Harry‘s Gastrotainment beim Festivalgelände
Burger, Curry, vegane Speisen und die legendäre Schnitzelsemmel.
www.harrys.co.at
Awareness-Team
Das Awareness-Team ist beim Festival für euch da: Meldet euch, wenn ihr euch unwohl fühlt, euch etwas zu viel wird, ihr übergriffiges Verhalten erlebt oder in anderen Situationen Support braucht. Ihr erkennt das Team an neongelben Buttons und erreicht es telefonisch.
The awareness team is there for you at the festival: get in touch if you feel unwell, if something is getting too much for you, if you experience abusive behaviour or need support in other situations. You can recognise the team by their neon yellow buttons and you can reach them by phone.
Datenschutz
Die Veranstaltungen des donaufestivals werden auf Bild- und Videomaterial dokumentiert. Wir veröffentlichen diese Fotos zur Berichterstattung und Information über die eigenen Leistungen im Internet, in Social-Media-Kanälen oder Printmedien. Weitere Informationen dazu liegen bei der Veranstaltung auf oder finden sich unter https://www.donaufestival.at/datenschutz. Wir verarbeiten deine Daten in der Unternehmensgruppe der NÖ Kulturwirtschaft GesmbH (siehe https://www.donaufestival. at/datenschutz) und verwenden diese auch zur Zusendung von Informationen. Diese Daten haben wir unter Umständen von einem Betrieb unserer Unternehmensgruppe erhalten. Wenn du das nicht wünschst, dann teile uns das per E-Mail an datenverwaltung@noe-festival.at oder auf andere Art und Weise mit (Widerspruchsrecht). Wir senden dir daraufhin keine Informationen mehr zu. Weitere Informationen finden sich in unserer Datenschutzerklärung, die wir auch gerne zusenden.
Allgemeine Hinweise
Besetzungs-, Programm- und/oder Ablaufänderungen sowie Änderungen bei den Beginnzeiten sind vorbehalten und berechtigen nicht zur Rückgabe oder zum Umtausch der Karten. Alle Preise verstehen sich inkl. gesetzlicher MwSt. Es gelten die AGB und die Hausordnung der NÖ Festival und Kino GmbH. Da aufgrund der Lautstärke der veranstalteten Konzerte die Gefahr von Gesundheitsschäden nicht ausgeschlossen werden kann, stellen wir kostenlosen Gehörschutz zur Verfügung. In allen unseren Spielorten gilt Rauchverbot. Bitte beachte die ausführlichen Hinweise zu diesen Themen auf
donau festival.at donau festival.at
Förderer
Hauptsponsoren
Sponsoren
Medienpartner & Partner
oder folge uns auf unseren
Social-Media-Kanälen:
Instagram: @donaufestival
Facebook: donaufestival
Telegram: @donaufestivalkrems
Mobilitätspartner
Festivalpartner
Impressum: Herausgeber: NÖ Festival und Kino GmbH Minoritenplatz 4, A-3500 Krems
Team Team
Künstlerische Leitung: Thomas Edlinger
Advisory Board:
Jens Balzer, Frederike Sperling, Christian Höller, Mateusz Szymanówka
Geschäftsführung:
Klaus Moser, Stefan Mitterer
Büroleitung: Eva Wally
Gesamtprokura & Produktionsleitung:
Liselotte Grand
Produktion:
Hannes F. Franks, Jochen Gruber
Technische Leitung: Frank Lischka
Presse/Öffentlichkeitsarbeit:
Barbara Pluch, Carolin Kayali
Marketing/Kommunikation:
Daniela Freistetter, Lukas Hofmann, Elisabeth Stecker, Leonard Spelbrink
Ticketing:
Joanna Schild, Maria Öhlinger, Michaela Stierschneider
Veranstaltungstechnik Klangraum Krems Minoritenkirche: Ernst Steindl, Michael Huber
Reinigung: Thom Trinh
Grafik & Artwork: Michael Tripolt-Felch (michaeltripolt.com) & Patrick Sturm
Web-Design: MIR Media
Texte: Christoph Prenner (Sound), Thomas Edlinger
Lektorat/Übersetzung: Christine Schöffler & Peter Blakeney
Druck: Druckhaus Schiner GmbH
PEFC-06-39-01
Wir danken außerdem allen Teammitgliedern wie Techniker:innen, Backstage Team, Fahrer:innen, Spielstättenleitungen, Security- und Awareness-Team, Reinigungskräften, Ticketing und unzähligen weiteren Menschen, die vor und hinter den Kulis sen das donaufestival möglich machen.
TICKET-
JETZT RAIFFEISEN SHOP!
Einfach, schnell und günstig zu den besten Events Österreichs.
Einzigartig unter den Mineralwässern, mit natürlich-frischem Geschmack und harmonischer Mineralisierung! Die Kraft unberührter Natur von den Gipfeln der Hohen Tauern direkt ins Glas. www.gasteiner.at
shop.raiffeisenbank.at/tickets
Ulrike Königshofer
Karl Salzmann Marsch, Linie und Vibration
Symbolfoto. Stand 03.12.2025. Alle Preise unverb., nicht kart. Richtpreise in Euro inkl. NoVA und 20% MwSt. Berücksichtigte listenpreismindernde Privatkunden-Nachlässe gelten mit Kaufvertrags-/Antragsdatum von 03.12.2025 bis 30.06.2026: 2.400,–Family-Bonus, 2.500,– Finanzierungs- und 1.000,– Versicherungs-Bonus (bei Finanzierung und Abschluss einer KASKO Versicherung über die Porsche Bank Versicherung) sowie 1.000,–Service-Bonus (bei Abschluss eines Service-Produktes der Porsche Bank). Mindestlaufzeit 36 Monate. MindestNettokredit 50% vom Kaufpreis. Stromverbrauch: 15,3–21,0 kWh/100 km. CO2-Emission: 0 g/km.
Finanzierung, Versicherung und Service über die Porsche Bank.
