Living - Volume 14.1

V O L U M E

14.1

W E L C O M E

As 2022 brings travelers back to Hawai‘i, it is a great

2022年、多くの旅行者がハワイに戻ってくるこの時期は、 この島々の

time to rediscover the islands. In our latest edition

魅力を再発見する絶好の機会です。 『ハレクラニ・リビング』 の最新号で

of Halekulani Living, we invite you to delve deeper into the rich history that makes this place unique and the connections that are formed across people, communities, and time.

In this issue, we visit the studio of local artist John Tanji Koga, commissioned to do the new two-story

は、 この土地ならではの豊かな歴史や、人、 コミュニティ、時間を超えて 形成された繋がりについて深く掘り下げてご紹介します。 今号では、 ハレクラニの歴史薫る本館に新たに描かれた２階建ての 絵画『ハレクラニ』 を制作した地元アーティスト、 ジョン・タンジ・コガ氏

Ulrich Krauer

painting, Halekulani, located in our historical Main

のスタジオを訪れました。 ホテル内の随所に作品が飾られている表現

General Manager

Building. Mentored by expressionist painter Tadashi Sato, whose paintings can also be seen throughout

派画家のタダシ・サトウ氏に師事し、 ハワイの海や山のエッセンスを表

Halekulani

the hotel, Mr. Koga reflects on capturing the essence of Hawai‘i’s oceans and mountains and discusses his life and work since moving to Hawai‘i Island.

Visit the artist’s Rising Light exhibit, on display at the hotel until the end of April.

Meet a surf instructor, board shaper, and designer connected by their love for the ocean, Hawaiian culture, and their crafts. Also connected by water is the ‘opihi, enjoyed as a local delicacy and sought after for use in jewelry making and other crafts.

Learn about new research working to sustain this precious creature for future generations. Visit artist Christopher Edwards’ Opihi Village, a work inspired

by Hawai‘i’s beloved limpet, on display in the Halepuna Waikiki lobby.

Gain a new perspective on old Hawai‘i through Tony Barnhill’s colorized images of historical photographs, and join artist Leeroy New at Foster Botanical Garden as he builds a futuristic, large-scale installation for Hawai‘i Triennial 2022, exploring themes of community and environmentalism as he transforms discarded surfboards and water bottles into breathtaking sculptures.

Hear from composer Leilehua Lanzilotti as she prepares a special tribute to the prominent sculpture Sky Gate located near the city’s official seat of government, Honolulu Hale, created by the late sculptor Isamu Noguchi. Lastly, we introduce you to a new bar concept, EP Bar, located in our trendy Chinatown district, where highballs and vinyl records are the main attraction.

We hope you enjoy this issue of Halekulani Living

現するコガ氏に、 ハワイ島に移住してからの生活や仕事について語って いただきました。4月末まで当ホテルで開催されるコガ氏の 「ライジング ライト」展もぜひご覧ください。 また本誌では、海やハワイの文化、工芸品への愛で結ばれているサ ーフインストラクター、 ボードシェイパー、 そしてデザイナーにも出会え ます。 同じく海と関係しているのが、 ハワイでは珍味として知られ、 その 貝がジュエリーや工芸品にも使われる 「オピヒ」。 この貴重な生き物を 次世代に残すための新たな研究成果についてもご紹介します。 ハレプ ナ・ワイキキのロビーに展示されているクリストファー・エドワーズ氏の アート 『オピヒ・ビレッジ』 は、 ハワイで愛されているオピヒ （カサガイ） に インスピレーションを受けた作品です。 トニー・バーンヒル氏による歴史的な写真のカラー画像を通して、 オ ールドハワイの新たな視点を発見してください。 フォスター植物園では、 アーティストのリロイ・ニュー氏がハワイ・トリエンナーレ2022のため に、未来的で大規模なアート作品を制作中で、 コミュニティと環境保護 をテーマに、捨てられたサーフボードやウォーターボトルから見事なオ ブジェを作り上げています。 編集部は、 ハワイ州庁舎の近くにある彫刻家の故イサム・ノグチ氏 の作品『スカイゲート』 に捧げるトリビュートを制作中の作曲家、 レイレ フア・ランジロッティ氏にも話を聞きました。最後は、 チャイナタウンに あるハイボールとレコードがメインの新しいコンセプトバー 「EPバー」 を ご紹介します。 ハワイの過去と現在と未来をつなげるストーリーの数々をご紹介す る今号のハレクラニ・リビングをお楽しみください。

and learn more about the connections between Hawai‘i’s past, present, and future.

2

Halekulani Living

©2018 Harry Winston, Inc. Avenue Graffiti by Harry Winston

A R T S

T E X T BY

HERE IS THE TITLE FOR

LI SA YA MA DA

THIS STORY

I MAG E BY J O HN HO O K

Subtitles command the respect of the audience it’s reaching out to.

Some photo captions

Waikīkī Mānoa At dolorem re atias expelia exceste

産業革命時には、多くの場合、 マスター金細工人によってキャストの魅

or any other impertent

mpossit quia natusaescia sequibus ab id quiam

力は、富の符号を考慮しました。先進とジュエリーの技術を量産になっ

text important to this

ipsam, qui omniae magnature et que cus veruptiorit

specific story and some

et ex ex eiciis voluptatet, sitia dus parchit, il

more additional tag

minum, accatem as int. Bor am est que repudae. Et

lines if necessary for the writer and editor.

たように、 ブレスレットやネックレスに追加されたこれらの装身具の人 気は兵士がヨーロッパの都市から家に魅力を持って来たときに、第二

quatumqui vella sed ut eumque non consenimpor

次世界大戦後のアメリカでピークに達し、 中流階級の間で増加しまし

aut volupta qui omnistr umquam, nate que vero

た。今日、彼らは若い女の子の​​誕生日パーティーでプレゼント今はやり

maio iuscill uptatur, temperf ereptae net, volessitis

の世界のようになりました。

estiorruptas minctem oloreped que expliquam in et ature soluptae nos undita sunt accatemod eius

私が最初にハレクラニの魅力をテーマにした問題をやって考えたとき、

ipis aspernat omnimil in eat antemo qui cuptae

私たちはいますでしょう物語が-愛情のこもった、魔法の質で満たされ

perferovit es adigentio quam quo minimos totatin

たもの魅惑なの想像しました。 チャームブレスレットに似て、 それぞれの

or any other impertent

peris re, cus aut aciento tem. Itate sum faccab

物語は、 ハワイのユニークなファセットを示した1であろう。物語は、“あ

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specific story and some

aut ut delibus sum sitatemquo iditatquis et eost,

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ad quas rerepudae que pedit ut maxime enihitas

lines if necessary for the

et ma debit esed qui custem quistrunt volupta

された問題を、私は、実現するために始めた、私は誰にもわからないこ

ectatur? Solorem num am eatinci minctum quiam

とでした実際チャームブレスレットを身に着けている10、 たとえば、歳

+ Some photo captions

writer.

Ad

quis esAliquat restia nonseque ent. Consequ ossinci omnimin ctorro cum est, tes in cus, nim sum venditat m num am eatinci minctum quiam quis.

あ、 その甘くはありません。 「私たちは小さな町や発言を通過するときに 我々が得る同じ暖かく、 ファジーな気持ちで私たちを埋めるために意味

以上。彼らが行う場合と、彼らが着るものは遠くから、 ほとんどの場合、 唯一の架空です。 とでした実際チャームブレスレットを身に着けている 10、 たとえば、歳以上。彼らが行う場合と、彼らが着るものは遠くから、

dendistrum, quodicipitam re, omnimagni odicimos

ほとんどの場合、唯一の架空です。私が最初にハレクラニの魅力をテー

rent esto con rem reiusaperum abo. Cone laborerio.

マにした問題をやって考えたとき、私たちはいますでしょう物語が-愛情

Namusam,Ped que rae venducient. Hicab inctese.

Elit, ab iur magnimpor remperi orerum imagnate nobisti dolum volut fugia debis et oditis ent.

のこもった、魔法の質で満たされたもの魅惑なの想像しました。 チャー ムブレスレットに似て、 それぞれの物語は、 ハワイのユニークなファセッ

Et min corecat ionest, sequodit faceaquatius

トを示した1であろう。物語は、“ああ、 その甘くはありません。 「私たち

ernatem atem eliberit aut eosa velitatur, sectibe

は小さな町や発言を通過するときに我々が得る同じ暖かく、 ファジーな

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Numquas re et reritis sitectur reribus as et, odit

気持ちで私たちを埋めるために意味された問題を、私は、実現するたマ にした問題をやって考えたとき、私たちはいますでしょう物語が-愛情の

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こもった、魔法の質で満たされたもの魅惑なの想像しました。 チャーム

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ブレスレットに似て、 そ

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© 2022 by Nella Media Group, LLC. All rights reserved. No part of this publication may be reprinted without the written consent of the publisher.

Opinions are solely those of the contributors and are not necessarily endorsed by NMG Network.

18

Halekulani Living

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A R T S

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LI SA YA MA DA

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Halekulani Living

ROMA

19

T A B L E

These unique surfboards feature designs inspired

by Hawai‘i’s native flora, fauna, and culture.

88

ハワイの動植物や 文化にインスパイア

O F

C O N T E N T S

ARTS

CULTURE

28

76

Creative Country

Living History

40

88

Written in Stone

Connected by Water

50 Filipino Futures

されたデザインのユニ ークなサーフボード。

CUISINE

64 Musical Cheers

98 On the Rocks FASHION

106 Belle of the Bold

EXPLORE

122 Change of Place

Tony Barnhill breathes new life into a blackand-white photograph of women on the beach in front of Halekulani.

ハレクラニ前のビーチで 撮影されたモノクロ写真

76

に、 トニー・バーンヒル氏 が新しい命を吹き込む。

ABOUT THE COVER:

John Koga is photographed by Megan Spelman on a picturesque day in Waimea. Learn about his life and work on page 28 and travel to his studio on Hawai‘i Island in a video about the artist on Living TV.

20

Halekulani Living

T A B L E

O F

C O N T E N T S

目次

ARTS

CULTURE

lives to pry the elusive

28

76

limpet from Hawai‘i’s

クリエイティブ・カントリー

生きた歴史

40

88

刻まれた思い

海で結ばれて

50

98

フィリピンの未来

オン・ザ・ロック

CUISINE

FASHION

‘Opihi pickers risk their

rocky coastlines.

人々はハワイの海岸沿い の岩場に生息する採取 の困難なカサガイを命が けで採取する。

64 音楽で乾杯

106 大胆な美女

EXPLORE

122 チェンジ・オブ・プレイス

98

Named after “extended play” records, EP Bar was inspired by renowned Tokyo listening bar JBS.

“エクステンデッド・プレイ”の 頭文字をとった 「EP バー」

64

は、東京の老舗リスニングバ ーの 「JBS」 からインスピレー ションを受けている。

ABOUT THE COVER:

ワイメアでの美しい一日、 メーガン・スペルマンさんが撮影したジョン・コガ氏。彼の人生と作品については28ページ

表紙について：

を、 ハワイ島のスタジオについてはLiving TVのビデオをご覧ください。

22

Halekulani Living

W H A T

T O

W A T C H

CREATIVE COUNTRY クリエイティブ・カントリー

Living TV is designed to complement the understated elegance enjoyed by Halekulani guests, with programming

Artist John Koga captures the soul of the land, sky, and sea in rural Waimea. アーティストのジョン・コガ氏はワイメアの田舎町で大 地、空、海の魂を表現している。

focused on the art of living well.

Featuring cinematic imagery and a luxurious look and feel, Living TV connects guests with the arts, style, and people of Hawai‘i. To watch all programs,

WRITTEN IN STONE 刻まれた思い

Composer Leilehua Lanzilotti pays tribute to

tune in to channel 2 or online at

the late American artist Isamu Noguchi.

halekulaniliving.tv.

作曲家のレイレフア・ランジロッティさんは、 アメリカの 芸術家、故イサム・ノグチ氏にオマージュを捧げる。

客室内でご視聴いただけるリビング TVは、 ハレクラニならではの上質な寛 ぎのひとときをお過ごしいただくため、 豊かで健康的なライフスタイルをテー マにしたオリジナル番組をお届けして います。臨場感溢れる映像で芸術や

FILIPINO FUTURES フィリピンの未来

ファッション、食文化、 ハワイの人々に

At Foster Botanical Garden, Manila-based artist

ついてのストーリーをお楽しみくださ

Leeroy New prepares a site-specific installation

い。 すべての番組は、 ２チャンネルまた

for Hawai‘i Triennial 2022.

はhalekulaniliving.tv からご視聴い ただけます。

フォスター植物園では、 マニラ在住のアーティスト、 リー ロイ・ニュー氏がハワイ・トリエンナーレ2022のために、 屋外インスタレーションを制作中だ。

BELLE OF THE BOLD 大胆な美女 watch online at:

halekulaniliving.tv

Rediscover Waikīkī’s “house befitting heaven” in this fashion editorial set against the backdrop of Halekulani’s newly renovated spaces. 改装されたハレクラニで撮影されたファッションページ は、 ワイキキの 「天国にふさわしい館」 の新たな魅力を 紹介する。

CONNECTED BY WATER 過去に想いを馳せて

A surf instructor, board shaper, and design team join forces to create one-of-a-kind surfboards for Halekulani’s Art of Surfing program. サーフインストラクター、 ボードシェイパー、 デザインチームの 3人が協力して、 ハレクラニのアート・オブ・サーフィン・プログ ラムのために世界に1つしかないサーフボードを制作した。

24

IM AG E BY CHR I S RO HR E R

A R T S

A R T S

T EXT BY JEA N NE CO O P E R

IM AG E S BY M EG A N S P E LMA N

文：ジャンヌ・クーパー 写真：メーガン・スペルマン

CREATIVE COUNTRY クリエイティブ・カントリー

Artist John Koga’s move to Waimea marks a new chapter in his multifaceted career. ワイメアに移住したアーティストのジョン・コガ氏は、多面的なキャリアの新たな章をスタートさせた。

The prolific artist now creates work in a repurposed stable in paniolo (Hawaiian cowboy) country.

多作なアーティストは パニオロ （ハワイのカウ ボーイ） カントリーにあ る馬小屋を再利用して、 創作活動に取り組んで いる。

Born and raised in Honolulu, artist John Koga freely

ホノルルで生まれ育ったアーティストのジョン・コガ氏は、妻で長年のビ

admits that he and Kajsa Koga, his wife and longtime

ジネスパートナーのカジサさんとともに、2019年にハワイ島の静かな

business partner, didn’t know what they were doing when they relocated to Hawai‘i Island’s quiet

田舎町、 ワイメアに移住した。 引っ越してすぐの頃は、 「右も左もわから

upcountry town of Waimea in 2019. Living first in a

なかった」 と彼は素直に認める。最初の頃は普通の住宅地に住んでい

modest residential subdivision, they later moved 20

たが、 しばらくして20分ほど離れた霧さえかからなければ素晴らしい山

minutes away to a verdant ranch where only gentle mists impede the stunning mountain views.

“Something magical has happened,” Koga says, wearing board shorts and slippers as he gives a tour of the former stable stalls that now serve as his studio and unofficial gallery. “Likeminded hearts find each other,” he adds, in reference to the small group of artist friends he’s invited over this morning.

の景色が望める緑豊かな牧場に引っ越した。 ボードショーツにスリッパを履いたコガ氏は、 もともと馬小屋だった スタジオ兼ギャラリーを案内しながら、 「不思議なことが起こってね」 と、今朝、牧場に招いた数人のアーティストたちについて話す。 「似た者 同士は巡り合うようになっているんだ」 と付け加えた。 「ここでは深呼吸 ができて、考えがまとまるのさ」。

“You can breathe and think clearly here.”

28

Halekulani Living

A R T S

T E X T BY

HERE IS THE TITLE FOR

LI SA YA MA DA

THIS STORY

I MAG E BY J O HN HO O K

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Some photo captions

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産業革命時には、多くの場合、 マスター金細工人によってキャストの魅

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あ、 その甘くはありません。 「私たちは小さな町や発言を通過するときに 我々が得る同じ暖かく、 ファジーな気持ちで私たちを埋めるために意味

以上。彼らが行う場合と、彼らが着るものは遠くから、 ほとんどの場合、 唯一の架空です。 とでした実際チャームブレスレットを身に着けている 10、 たとえば、歳以上。彼らが行う場合と、彼らが着るものは遠くから、

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こもった、魔法の質で満たされたもの魅惑なの想像しました。 チャーム

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cus, sum

Halekulani Living

29

A R T S

With soft-edged, abstract shapes and luminous,

馬小屋のスタジオに置かれたコガ氏のいくつかの絵は、 ソフトな輪

often pastel hues, several of Koga’s paintings in the

郭で抽象的な形と明るいパステル調の色彩が特徴的だ。2021年のハ

repurposed stable resemble those from his 2021 solo exhibition at Halekulani, along with the four original oil paintings and two-story showpiece

絵、 そして 『Halekulani』 と題されたオーキッズとラ・メールの間の壁一

commissioned by the hotel, the latter of which is

面を飾る2階建ての展示作品ともよく似ている。

entitled Halekulani and spans the shared showcase wall of Orchids and La Mer. The titles of the four

ホテルの客室とスイート用に描かれた4枚の絵、 『Dancing Spring』

paintings intended for the hotel’s rooms and

『Heavenly Water』 『Land Sky Ocean』、 、 『Coral Blossom』 の作

suites—Dancing Spring, Heavenly Water, Land Sky

品名は、 ハワイの自然風景がコガ氏の想像力に与える影響力の深さを

Ocean, and Coral Blossom—hint at the profound influence that Hawai‘i’s natural landscape has had on Koga’s imagery. “I often try to bring out the soul of the

伺わせる。 「石や山や雲や水の魂を表現したいと思ってる。 それを僕の 絵を見る人に伝えたい」。

stone, the mountain, the cloud, the water, and that’s

ワイメアのスタジオ内にあるギャラリーに入ると、 ハワイ島を象徴す

what I’m trying to convey to my audience,” he says.

る溶岩を連想させる、藍色の空と黒い山に赤いリボンがうねる新作の

In the gallery portion of his Waimea studio, one new canvas leaps out for its undulating ribbon of red

キャンバスが目に飛び込んでくる。 ハレクラニでの展示用に同じような

across a black mountain with indigo sky, evocative of

絵を描いたのは、近隣の4万エーカーの牧草地を焼き尽くしたハワイ島

the flowing lava for which Hawai‘i Island is famed.

最大の山火事を目撃した後だという。 「あの山火事には本当に感動した

Koga says he created a similar painting for the Halekulani show after witnessing the island’s largest brush fire, which consumed more than 40,000 acres of nearby ranchlands. “I was really moved by the fire, because at nighttime looking toward Maunakea, you couldn’t judge the distance,” he says.

Overall, the paintings’ elegant simplicity and

よ。夜中にはマウナケア山がとても近くに見えたんだ」 と彼は語る。 コガ氏の作品のエレガントな質素さと魅力的な色使いは、彼の絵画 の師であるハリー・ツチダナ氏や故タダシ・サトウ氏から受けた影響に よるものだ。彼らの作品はハレクラニにも展示収蔵されている。 これら の先輩アーティストや、彫刻の師匠であるサトル・アベ氏、 ブンペイ・アカ

inviting tones reflect the influence of his painting

ジ氏らと“ププ （つまみ）”を食べながら一緒に時間を過ごせたことに、彼

mentors, Harry Tsuchidana and the late Tadashi

は感謝しているという。彼らもコガ氏と同じ、 ハワイのプランテーション

Sato, whose works have also been exhibited or collected by Halekulani. Koga speaks with gratitude about the opportunity to “hang out and have pupus” with these senior artists and his mentors in sculpture, Satoru Abe and Bumpei Akaji, who, like Koga, descended from Japanese immigrants

で働いた日系移民の子孫だ。 「みんながビジネスマンになっていた頃、 彼らは美術の道を選んだんだ」。 2001年にホノルル・スターブレティン紙に掲載されたプロフィール には、初期の展覧会で性的な彫刻やスカトロのオブジェを発表したコ

who worked on Hawai‘i’s plantations. “They went

ガ氏は当初、 「アンファン・テリブル」 としてホノルルで名を馳せたと書か

into fine art when everyone else was becoming

れている。 当時は報道陣の注目を集めるために物議を醸す何かをしよ

businessmen,” Koga says.

According to a 2001 profile in the Honolulu Star-Bulletin, which described his early exhibitions

うとしていたという彼は、 「アートというビジネス、 それに美術館やオー クションハウス、 ギャラリーの役割を理解しようとしていた。 どうすれば

of sexually charged carvings and scatological

有名になれるかを自分なりに考えていたんだ」 と説明する。 「僕はいつで

sculptures, Koga initially made a name for himself in

も限界に挑んだ」。

Honolulu as an enfant terrible. “I tried to understand the game of art—and museums and auction houses

ニューヨーク、 ロサンゼルス、 マイアミのギャラリーで高級家具や照

and galleries, and the role they all played in the

明器具を展示するラルフ・プッチ氏も、2007年にはコガ氏の質素な石

business of art—and I also tried to figure out for

の彫刻に目を留めた。 ラルフ・プッチ・インターナショナルは、 コガ氏の

myself how you get known,” Koga explains, admitting he’d try to cause “enough trouble” to gain press. “I always pushed boundaries.”

32

レクラニでの個展の作品や、 ホテルから依頼された4枚のオリジナル油

石細工、鋳造品、 ブロンズの取り扱いを始めたが、 プッチ氏が自身の家 具ブランドのデザインを彼に依頼したのは2018年のことだった。 プッ

Halekulani Living

Koga’s studio doubles as a gathering and exhibition space for his

コガ氏のスタジオは、 ハワイ島のアーティストや職人たちの集いの場、

circle of fellow Hawai‘i Island artists and artisans.

そして展示スペースでもある。

A R T S

The natural forms in Koga’s work bear influences from his mentors, including luminaries Satoru Abe and the late Tadashi Sato.

コガ氏の作品に見られる 自然なフォルムは、 サトル・ アベ氏やタダシ・サトウ氏 といった師匠の影響を受 けている。

By 2007, Koga’s austere stone sculptures had

チ独自の石膏ガラスを使った流動的な3本柱のシャンデリアと上部が

caught the eye of Ralph Pucci, whose galleries in

球状のミニマルなデザインのフロアランプだ。 「おそらく彼は僕に、 まず

New York, Los Angeles, and Miami also showcase luxury furniture and lighting. Although Ralph Pucci International began carrying Koga’s stoneworks, castworks, and bronzes, it wasn’t until 2018 that Pucci asked the artist to design his own line of furnishings: fluid, three-pronged chandeliers and

れからは自由にやらせてくれたよ」。 コガ氏が家具デザインの世界に足を踏み入れたきっかけは、 「ずっと 勉強してきた尊敬する人の一人」 であるイサム・ノグチ氏の存在にあっ

minimalist, orb-topped floor lamps using Pucci’s

たという。 アメリカの著名な彫刻家である彼について、 「彼は僕たちの創

proprietary plasterglass. “My gut instinct is he really

作活動のあらゆる分野にどっぷり浸かっていた。 マーサ・グラハムさんと

wanted me to be known as a sculptor first,” Koga says. “Then, he let me cut loose.”

Koga credits the great Isamu Noguchi, “one of

のダンスの共同プロデュースやセット作り、巨大なインスタレーション の制作、 そしてもちろん家具作りも」 とコガ氏。 「彼の彫刻は誰もが買え

the people I’ve always studied and admired,” for

るとは限らないから、 ここには大衆向けに、彼らの住む生活空間のため

inspiring this foray into furniture design. The

に彼が作ったものがあるんだ」。

influential American sculptor “was immersed in all the different parts of our creative process,

コガ氏のしなやかなデザインの照明器具には、 うねったパズルピー

whether it was working with Martha Graham in

スのような彫刻と共通するものがある。 ぴかぴかの照明が、 ワイメアの

dance, or making sets, or doing huge installations—

スタジオで最後の仕上げを待っている。 この日、牧場ツアーに招待され

or, of course, furniture-making,” Koga explains.

“Understanding that maybe not everyone can afford

34

彫刻家として有名になってほしかったんだと思う」 とコガ氏は言う。 「そ

たのは、 カパ職人のローエン・ハフォードさん、織物職人のリン・マーテ

Halekulani Living

A R T S

“You can breathe and think clearly here,” Koga says of his home in Waimea’s rolling hills.

ワイメアのなだらかな丘に ある自宅について、 コガ氏 は 「ここでは深呼吸ができ て、考えがまとまる」 と語る。

his sculptures, here’s something for the masses that

ィン・グラトンさんとジョアン・ナムクーンさん、 そしてレイ職人のメアリ

he created for their physical living spaces.”

ー・サカモトさんだ。地元アーティストの彼らは、 コガ氏がギャラリーの

Koga’s sinuous lighting fixtures share kinship with his undulating, puzzle-piece-like sculptures,

隣に建てた立派な鶏小屋で卵を生む一羽の赤い鶏を揃って興味深げ

one of which stands gleaming in his Waimea studio

に眺めている。 コガ氏は、 この新しい素朴な展示スペースで、友人たちの

as it awaits final touches. The local artists that Koga

作品も紹介したいと考えている。

has invited on the tour—kapa maker Roen Hufford, weavers Lynn Martin Graton and Joan Namkoong,

「アーティスト同士だけでなく、 コミュニティ全体の人助けをするのが

and lei maker Mary Sakamoto—seem equally

僕の仕事だよ」 と語るコガ氏は、 ワイメアで毎週食事を提供するコミュ

intrigued by an egg-laying red hen in the artful

ニティミールのボランティアも行っている。 「地域社会やアイナ （土地） に

chicken coop he built next door. In this new, rustic exhibition space, Koga looks forward to sharing his friends’ artworks, too.

対して正しい心のあり方を持ち、 お互いを思いやることが、僕にとっては 生きるということの最も大切な要素なのさ」。

“It’s just who I am as far as helping others, not only others in art, but the community as a whole,” says Koga, who also volunteers at the weekly community meals in Waimea. “When the heart and mind have the right intentions for the community, for our ‘āina (the land), and how we take care of each other, that for me is one of the most important parts of what I consider living.”

38

Halekulani Living

ON DISPLAY AND FOR SALE: WORLD-CLASS ART ON WAIKIKI PARK

WEST ®

EST. 1969

FINE ART MUSEUM

GALLERY & AUCTIONS

Works by Picasso, Rembrandt, Renoir, Chagall, Toulouse-Lautrec, Peter Max, Michael Godard, Romero Britto, and others. 展示および販売中：世界中から集められた貴重な作品をワイキキで見ることができます

ピカソ、レンブラント、ルノアール、シャガール、ロートレック、ピーター・マッ クス、

マイケル・ゴダード、ロメロ・ブリット、その他巨匠の作品。

On the Waikiki Beach Walk. ワイキキ・ビーチ・ウォーク内 808.859.4871 parkwesthawaii.com

The ‘ulu (breadfruit) is one of the earliest Hawaiian quilt patterns.

ウル （ブレッドフルーツ） は、 初期のハワイアンキルトの パターンの一つだ。

A R T S

T E X T BY E R I C S T I N TO N

I MAG E S BY N A N CY CR A MP TON, CHR I S RO HR E R , D O N S TA HL , V Y TAS VAL AI TI S, & CO U RT E SY O F THE N O G U CHI MU S E UM A RCHI V E S 文：エリック・スティントン 写真：ナンシー・クランプトン、

WRITTEN IN STONE 刻まれた思い

In a collaboration that transcends time and space, composer Leilehua Lanzilotti creates enigmatic works in conversation with the late artist Isamu Noguchi.

クリス・ローラー、 ドン・スター ル、 ヴァイタス・ヴァライタス、

作曲家のレイレフア・ランジロッティさんは、芸術家の故イサム・ノグチと対話しながら、時空を超えたコラボレーション作品を制作している。

ノグチ美術館アーカイブ提供

Halekulani Living

A R T S

“We all look to the past and to the future to find

「私たちは皆、 自分自身を見つけるために、過去と未来に目を向けてい

ourselves,” wrote the late artist Isamu Noguchi.

る」 と、芸術家の故イサム・ノグチ氏は書き残している。 「ここには、私た

“Here, we find a hint that awakens us; there, a path that someone like us once walked.” It’s a quote

ちを目覚めさせるヒントがあり、 そこには、 かつて私たちのような誰かが

returned to often by musician and composer

歩いた道がある」。音楽家で作曲家のレイレフア・ランジロッティさんは

Leilehua Lanzilotti, who grew up frequenting the

この言葉をよく口にする。 ランジロッティさんの父親は当時のホノルル

same path Noguchi tread to construct his sculpture

市長フランク・ファシに仕えていて、 ノグチ氏がホノルルハレ （市庁舎） の

Sky Gate near Honolulu Hale, where Lanzilotti’s father worked for then-Honolulu Mayor Frank Fasi.

This was long before she was formally introduced to the work of the prolific American sculptor, and just one of her formative experiences encountering art in outdoor spaces. Lanzilotti’s mother, who worked at the former Contemporary Museum of

近くにある彫刻『スカイゲート』 を建てたときに歩いたであろう道を、彼 女は子供の頃よく通った。 それは彼女がこの多作なアメリカ人彫刻家の作品のことを知るずっ と前のことで、屋外彫刻に触れた初期の経験のひとつに過ぎない。 旧ホ ノルル現代美術館で働いていたランジロッティさんの母親は、美術館の

Honolulu, encouraged her to explore the museum’s

敷地内にあるキネティックアート （動く美術作品） で飾られた庭を散策

fields and gardens, which were adorned with kinetic

するよう勧めた。 「野外で沢山のアートに囲まれているのが好きでした」

sculptures. “I loved being outdoors in the middle of all that art,” she recalls. “It was really influential to my way of thinking about art and music-making in a playful way.”

But the kind of mastery that Lanzilotti is known for also required structure. As a child she began studying under Hiroko Primrose, a “strict, oldschool, and incredible” violin teacher, while also dancing in Hālau Hula O Ma‘iki, an experience that provided her with an in-depth cultural education in Hawaiian language and music.

After graduating from Punahou School in 2002,

と彼女は振り返る。 「私が芸術や音楽制作に対して遊び心を持つように なったのは、 その影響が大きいのです」。 ランジロッティさんのような匠の技には、 ストラクチャが必要とされ る。幼少の頃、彼女は“厳格で保守的で素晴らしい”バイオリンの先生で あるヒロコ・プリムローズさんに師事しながら、 「ハーラウ・フラ・オ・マイ キ」 でフラを踊り、 ハワイ語と音楽の豊かな文化教育を受けた。 2002年にプナホウ・スクールを卒業後、 19年間、 米国とヨーロッパ で音楽を学び、演奏し、教えてきた。 ニューヨーク在住時、 イサム・ノグチ 氏の作品を展示するロングアイランドにあるノグチ美術館とのコラボレ

she spent the next 19 years learning, playing, and

ーションを始めた。美術館のコレクションに深い感銘を受けた彼女は、

teaching music across the United States and Europe.

その空間でパフォーマンスを行うことを提案したのだった。

While living in New York, she began collaborating with The Noguchi Museum in Long Island, an

ノグチ美術館はこのアイデアを気に入り、 それまで合わせてディス

institution dedicated to the work of Isamu Noguchi.

プレイされることのなかったノグチ氏のトラバーチンでできた頭を後ろ

Inspired by the museum’s collection, she proposed

に投げ出した女性像『誕生』 と金属製のリンチされた人体『死』 の彫像２

putting on a performance in the space.

The museum liked the idea and invited her to play something for an upcoming exhibit featuring two

作品を同時に公開する次回の展示で、何か演奏してほしいと彼女に依 頼した。 ノグチ氏が制作した黒曜石の楽器のサウンドスカルプチャー2

Noguchi sculptures that had never been displayed

点を美術館から渡され、 弦楽器と声楽のパフォーマンスの始まりに鳴ら

together before: Birth, a travertine figure of a woman

してはどうかと提案されたランジロッティさんは、 あえてサウンドスカル

with her head thrown back, and Death, a metal figure being lynched. The museum offered her two obsidian sound sculptures that Noguchi made to be played as instruments, suggesting that she ring them

プチャーを曲の随所に取り入れた全く新しい曲を作曲した。 このプロジェクトがきっかけでスタートしたコラボレーションは、 ランジロッティさんが2021年にハワイに戻った今も続いている。現

at the start of her string and vocal performance.

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Halekulani Living

Co-commissioned by the Mayor’s Office of Culture & the Arts and

ホノルル市郡文化芸術局とチェンバー・ミュージック・ハワイの共同委嘱による

Chamber Music Hawai‘i, Lanzilotti’s upcoming performance at

『スカイゲート』 でのレイ・レフア・ラジロッティさんの公演は、彼女がこれまで

Sky Gate is one of several she’s orchestrated in honor of the artist Isamu Noguchi.

に企画したイサム・ノグチ氏を讃えるパフォーマンスの一つだ。

A R T S

Sky Gate casts a circular shadow twice a year during a solar phenomenon known in Hawai‘i as Lāhainā Noon.

『スカイゲート』 は、 年に 2回、 ハワイでラハイナ·ヌー ンと呼ばれる太陽現象のと き、 円形の影を落とす。

Instead, Lanzilotti created an entirely new work

在、彼女は帰郷後のプロジェクトにふさわしい 『スカイゲート』 の作曲

that incorporated the sound sculptures throughout

を完成させているところだ。 ノグチ美術館で 『スカイゲート』 のミニチュ

the composition.

The project kicked off an ongoing collaboration

ア模型を見たとき、見覚えはあったものの、幼い頃、父親と一緒に下で

that continued even after Lanzilotti moved back

ランチを食べたあの彫刻と同じだと気づいたのは、後になってからの

to Hawai‘i in 2021. Currently, she’s finalizing

ことだった。

a composition for Sky Gate, a fitting project for her return home. When she was at The Noguchi Museum, she saw a miniature model of Sky Gate,

不思議なフォルムの堂々たる彫刻は、塗装されたスチール製のフレ ームが、 円形のコンクリート製プラットフォームの上に、7.3メートルの

and while it looked familiar, it wasn’t until later that

高さでうねったリングを支えている。 このパブリックアートは、元ホノル

she recognized it as the same sculpture she and her

ル市長のフランク・ファシによるキャピタルディストリクトの美化活動の

dad would eat lunch under when she was younger.

Mysterious and imposing, the sculpture’s painted steel frame holds an undulating ring 24 feet in the

一環であったが、 当初はあまり評判がよくなかった。 「当時の記事には 『 これは何だ』 というような面白いものがたくさんあります。多くの人が嫌

air above a circular concrete platform. The public

っていました」 とランジロッティさんは説明し、今の公園と彫刻の間に

artwork was part of Fasi’s efforts to beautify the

生まれた関係によって、 その認識は変わってきたと付け加えた。 「木々が

Capitol District, though it wasn’t well received at first. “There are a lot of funny articles from the time

成長し、彫刻の四面体の形を真似るように枝を広げています。 それはま

that are like, ‘What is this thing?’ Lots of people

るでノグチ氏がこの彫刻を、50年近く経った今の、彼が見ることのない

hated it,” Lanzilotti explains, adding that perceptions

未来の公園のために作ったかのようです」。

have changed given how the sculpture interacts

44

Halekulani Living

A celebrated sculptor, designer, and landscape architect, Isamu

彫刻家、 デザイナー、造園家として知られるイサム·ノグチ氏は、生涯を

Noguchi spent much of his life designing parks.

通じて多くの公園を設計した。 ヴァイタス・ヴァライティス撮影の写真。

Photo by Vytas Valaitis ©INFGM / ARS.

A R T S

with the park today. “The way the trees have grown in, the way the branches reach out and mirror the tetrahedron shape, it’s like Noguchi was making this sculpture for now, almost 50 years later, for a version of the park he’d never see.”

フォーマンスは、公園をコミュニティスペースとして活性化させるとい うノグチ氏の当初のビジョンを実現させたものだ。 「彼はここでコンサ ートをしたかったのです」 とランジロッティさん。 「ここではどのミュー

Lanzilotti’s performance, written for ten

ジシャンの近くにいるかによって、聴こえる音が違ってきます。席に座

musicians, is a fulfillment of Noguchi’s original

って動かないコンサートホールとは違うのです。 このプロジェクトで大

vision to activate the park as a community space. “He wanted concerts here,” Lanzilotti says.

“Depending on which musician you’re close to, you’ll hear different things. That’s different from being in a concert hall, where you don’t move. This project is about the relationship between people and art and parks. It’s about being in the world.”

In many ways, Lanzilotti is collaborating with Noguchi himself, even though he worked in a completely different artistic medium and died in 1988, when Lanzilotti was five years old. But the art

46

10名のミュージシャンのために書かれたランジロッティさんのパ

切なのは、人とアート、 そして公園の関係です。屋外で楽しむことに意 味があります」。 1988年、 ランジロッティさんが5歳の時に亡くなったノグチ氏は全 く異なる芸術手法を用いたが、彼女は多くの面でノグチ氏自身と今もコ ラボレーションしている。 ノグチ氏が遺した芸術作品、 とりわけ彼の創 作活動との向き合い方に共感を覚えるという。 現代美術の多くは、 いわゆる 「パースペクティブ・テイキング」、 つま り相手の立場に立って物事を考えることを実践している、 とランジロッ

he left behind has resonated with her, specifically

ティさんは言う。 「ノグチ氏が公園の周辺や素材をどのように捉え、向き

Noguchi’s approach to his creative practice.

合ったのかを想像するのは楽しいです。彼の作品と向き合い、 その周り

Halekulani Living

Leilehua Lanzilotti, Ashley Jackson, and Alice Teyssier performing

2018年にノグチ美術館でノグチ氏の有名な光の彫刻への頌歌を演奏

an ode to Noguchi’s famed light sculptures at The Noguchi

するレイレフア・ランジロッティさん、 アシュリー・ジャクソンさんとアリ

Museum in 2018.

ス・テイジィーさん。

A R T S

Noguchi left behind an extensive body of work that challenged the boundaries between art and life.

Photo by Nancy Crampton ©INFGM / ARS.

ノグチ氏は、芸術と生活の 境界線に挑むような幅広い 作品を残した。 ナンシー・ク ランプトン氏撮影の写真。

A lot of contemporary art is about practicing “perspective-taking,” or the act of perceiving a situation from alternative points of view, Lanzilotti says. “It’s interesting to see how Noguchi approached the parameters of a park or a material, engaging with

を歩き、 さまざまな視点から見て、 なぜ彼がそうしたのか、 どんなアプロ ーチだったのかと考えたりします」 と彼女は加えた。 「創造とは問題解 決のようなものです」。 さらに言えば、 パースペクティブ・テイキングは、相手に共感すると

his work and walking around it, looking at it from

いうこと。 それは私たちが持つ最強の問題解決ツールだともいえる。

different perspectives, and trying to understand why

「人々が互いの意見を聞き、互いの視点を理解するのは難しいことで

he would do that, or what his approach was,” she adds. “Creativity is problem solving.”

Explained further, perspective-taking is an act of

す」 とランジロッティさんは語った。 「でも現代アートはコミュニティをひ とつにしてくれます。 お互いを理解するための手段となるのです」。

empathy, one of the most potent problem-solving tools we have. “It’s hard for people to hear each other and see each other’s perspectives,” Lanzilotti says.

“But contemporary art can help bring communities together. It can be a way to understand each other.”

48

Halekulani Living

A model of Noguchi’s unrealized Bell Tower for Hiroshima (1950),

実現しなかったノグチ氏の 『広島のための鐘楼』 （1950年） の模型。

the inspiration for Lanzilotti’s 2019 composition beyond the accident

ランジロッティさんが2019年に作曲した 『beyond the accident of

of time. Photo courtesy of The Noguchi Museum Archives ©INFGM / ARS.

time』 のインスピレーションとなっている。 ノグチ美術館アーカイブ提 供の写真。

A R T S

T EXT BY KYL IE YAMAU CHI

IM AG E S BY M A RIE E R I E L HO B RO

文：カイリー・ヤマウチ 写真：マリー・エリエル・ホブロ

FILIPINO FUTURES フィリピンの未来

Leeroy New showcases his alien creations at Foster Botanical Garden for Hawai‘i Triennial 2022. 現代アーティスト、 リーロイ・ニュー氏の宇宙人の作品がハワイ・トリエンナーレ2022の期間中、 ホノルルのフォスター植物園にて公開されている。

Halekulani Living

In resistance to the rarefied museum experience, Leeroy New’s art

リーロイ・ニュー氏のアートは、美術館での高尚な体験とは異なり、

invites people to get close, to touch, and to loudly enjoy the work.

近づいて触ったり、誰もが自由に楽しめる作品ばかりだ。

A R T S

On a manicured clearing in Foster Botanical Garden,

ホノルルのダウンタウンの外れにある緑豊かなフォスター植物園の手

a lush respite on the border of downtown Honolulu,

入れの行き届いた芝生の上に、実物大の宇宙船のようなオブジェが鎮

a life-sized space pod rests. Constructed of loosely interwoven bamboo, this alien craft hardly resembles the impermeable, aluminum UFOs depicted in

る頑丈なアルミ製の機体とは似ても似つかないものだ。複雑に編まれ

popular culture. Tucked into the messy lattice is

た格子の隙間には、 たくさんの使い古しのサーフボードがはめ込まれ、

an array of worn surfboards, angled like quills on

針毛を伏せた状態のヤマアラシのような模様を作り上げている。 ワック

a porcupine in repose. Scraped of its wax, each weathered, yellow board is covered in bright pink

スが剥がれ、風化して黄色くなったボードの先端には、鮮やかなピンク

spray paint at its tip. The mouth of the pod gapes

のスプレーが塗られている。尻すぼみの後部から使用済みペットボトル

open, inviting visitors to step into the bamboo dome;

で作られた鱗がキラキラと光るねじれた尾が伸びる宇宙船は、 ぽっかり

the rear end narrows into a twisting tail, shimmering with scales made of discarded plastic bottles.

This installation, titled Taklobo, which means

と大きく口を開けて、来場者を竹のドームの中へと誘っているようだ。 タガログ語で 「海松貝 （ミルガイ）」 という意味の 『Taklobo』 と題さ

“giant clam” in Tagalog, is part of Hawai‘i Triennial

れたこの作品は、 ホノルル市内のパブリックスペースで11週間にわたっ

2022 (HT22), an event showcasing 43 artists and

て、43人の芸術家とアートグループの作品が公開される国際芸術祭

collectives over 11 weeks in public spaces across Honolulu. Themed “Pacific Century,” which alludes

「ハワイ・トリエンナーレ2022（HT22） 」 の一環で製作されたものだ。

to Hawai‘i as a meeting place for Asia-Pacific and

そのテーマとなっている 「パシフィック・センチュリー」 は、 ハワイがアジ

Oceanic influences, it’s fitting that HT22 sought

ア太平洋とオセアニアのアートや文化の交流の場であることを示唆し

out Manila-based artist Leeroy New, who imagines sustainable Filipino futures in his alien works.

Much of New’s early oeuvre is brash and playful, a stark contrast to the 36-year-old artist’s humble, reserved disposition. I spoke with New over FaceTime in the middle of his second day installing Taklobo. Slightly jet lagged and sporting a tank top, New explained he spent most of the day alone,

ている。宇宙人の作品を通して持続可能なフィリピンの未来を表現す るマニラ在住のリーロイ・ニュー氏は、今回のHT22のテーマにふさわ しいアーティストといえる。 ニュー氏の初期の作品には、36歳のアーティストの謙虚で控えめ な性格とは対照的な大胆で遊び心のあるものが多い。 『Taklobo』 の製 作2日目、作業中のニュー氏とフェイスタイムで話す機会を得た。 タンク

something he’s accustomed to despite the demands

トップ姿のニュー氏は時差ボケのまま、一日の大半を一人で作業して

of installing his larger-than-life works. “Having

いて、大型作品を製作するのは大変だが慣れっこだという。 「フィリピン

worked in the Philippines, we’re not used to asking for stuff,” New said. “We tend to just go at it and make the most out of it.”

That’s another thing about New: He regularly speaks in the plural “we,” referring to Filipinos in the Philippines, when discussing his practice. His compatriots, their cultural past, and social present

で仕事を経験している僕たちは、人に頼むことに慣れていません」 とニ ュー氏。 「ただひたむきに取り組んで、 それを最大限に楽しもうと考えま す」。 ニュー氏は自身の作品について話すとき、大抵フィリピンに住むフ ィリピンの人たちを指して 「僕たち」 という複数形を使って話す。彼の同

inform every detail of his art, which is perhaps why

胞、文化遺産、社会の現状が彼のアートの細部にまで影響を与えてい

this unconscious but abundant “we” emerges.

るからこそ、 この無意識でありながら深い意味を持つ 「僕たち」 という言

Born in General Santos City, a port town famous for its tuna industry, New stepped into the creative

葉に表れるのだ。

world at an early age, crossing islands to attend

マグロ産業で有名な港町、 ジェネラルサントス市に生まれたニュー

Philippine High School for the Arts. Far from

氏は、幼い頃から創作の世界に足を踏み入れ、島を渡ってフィリピン芸

his hometown, New was introduced to theater, performance and installation art, and sculpting.

He focused his practice on the latter while at the

52

座している。竹をゆるく編んで作られたこの宇宙船は、私たちが想像す

術高等学校に入学した。故郷を遠く離れ、演劇、 パフォーマンス、 インス タレーションアート、彫刻に触れる思春期を過ごし、 マニラにあるフィ

University of the Philippines College of Fine Arts

リピン大学の芸術学部在学中は、後者に重点を置いて制作を行った。

in Manila. In those formative years, he learned

その頃彼は、 アート界においてアメリカやヨーロッパのアーティストた

Halekulani Living

A R T S

The installation is titled Taklobo, which means “giant clam” in Tagalog.

このインスタレーション は、 タガログ語で 「海松貝 （ミルガイ）」 を意味する 『Taklobo』 と題されて いる。

how American and European artists dominated the

ちが優位な立場にあり、彼らの作品が高価な美術館やプライベートギ

industry, forming a monopoly in pricey museums and

ャラリーをいかに独占しているかを知った。 ニュー氏は、 「当初、僕たち

private galleries. “Initially, we were problematizing, as art students, the inefficiencies of existing art systems,” New told the Philippine design platform

た」 とフィリピンのデザインプラットフォーム 「Fame+」 に語っている。

Fame+. “Like the gallery and museum system, we

「ギャラリーや美術館のシステムと同じで、 それは植民地支配者や世

were all aware that these were adapted concepts from

界的な大国に合わせた概念であって、必ずしもフィリピンにとっては有

our colonizers or the global powers, so they may not necessarily be effective in the Philippines.”

For this reason, most of New’s artwork engages public spaces. In 2012, New embraced the postapocalyptic, barren landscape of the Paoay Sand Dunes, a popular tourist destination along the South China Sea, to build a massive spaceship that towered

益でないことに誰もが気づいていました」。 そのため、彼の作品の多くは、公共スペースが舞台となってい る。2012年、 ニュー氏は南シナ海沿いにある人気の観光地、 パオアイ 砂丘の世界の果てのような不毛の風景が広がる砂の上に、通りがかり の人が登って中に入ってみることのできる巨大な宇宙船を建設した。 そ

above curious bystanders atop bamboo poles.

の骨格は、16世紀から18世紀にかけてスペイン領フィリピンとメキシ

Tapping into his people’s history of migration and

コ間を貴重な物資を輸送したマニラ・ガレオン船のデザインを反映し、

exploration, its skeletal frame echoed features of the Manila galleon—trading ships used for transporting

フィリピン民族の移住と探検の歴史を巧みに表現している。厳しい警

valuable goods between the Spanish-colonized

備員に一挙一動が監視されているような高尚な美術館でのアート体験

Philippines and Mexico from the 16th to the 18th

とは対照的に、 ニュー氏のインスタレーションは人々が作品に近づき、

centuries. In resistance to the rarefied museum

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は美大生として、既存のアートシステムの非効率性を問題視していまし

触れ、大きな声で楽しむことができる作品だ。彼のアートは、人々がいる

Halekulani Living

More Chefs.

More Flavors.

Delight in globally-inspired culinary flavors at International Market Place, home to Waikīkī’s largest collection of restaurants. With extraordinary eateries from award-winning chefs like Michael Mina and Roy Yamaguchi, the next chapter in

by Chef Roy Yamaguchi

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your culinary journey is just around the corner.

by Chef Michael Mina

Find the finest poke, indulge in sizzling cuts of premium steak, enjoy line-caught seafood, savor down home barbecue, pick the perfect pizza and do it all in the heart of Waikīkī. Bring your appetite and let your culinary story unfold.

Eating HousE 1849

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Moani waikiki liliHa bakEry sHorEfyrE

Kalākaua Avenue

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A R T S

experience, where stolid guards surveil the public’s every move, New’s installation invited people to get close, to touch, and to loudly enjoy the work. His art met the public where they already were, and welcomed them to be a part of it, too.

As an Asian artist in a developing nation, New’s approach to sourcing materials differs greatly from that of his contemporaries in the art world.

Whereas sculptors in industrialized nations have

発展途上国のアジア人アーティストであるニュー氏の材料調達の 仕方は、 同世代のアーティストたちとは大きく異なる。 ジェフ・クーンズ が 『Balloon Dog』 の作品ひとつに何百キロものステンレスを使うよう に、先進国の彫刻家たちが未加工原料を簡単に入手できるのに対し、 ニュー氏は手頃に手に入る材料なら何でも利用する。 オーストラリアで の研修期間中、彼はリサイクルセンターで材料を調達し始めた。 この時

easy access to virgin materials (like the thousands

見つけた大量の灌漑用ホースは、 フィリピンのおとぎ話にもでてくる樹

of pounds of stainless steel Jeff Koons uses in a

木、 バレテの太く垂れ下がった枝を模したオブジェが何列にも連なった

single Balloon Dog), New uses whatever affordable materials are available. He began excavating recycling centers while on residency in Australia,

作品 『Balete』 シリーズのインスピレーションになった。 現在製作中のシ リーズ 『Aliens of Manila』 の材料には、100円ショップで見つけたプ

finding streams of irrigation hoses that would

ラスチック製のザルやハエたたきなどを用い、精巧で奇抜なウェアラブ

inspire his Balete series—a succession of sprout-

ル・アートを作り出している。

like sculptures resembling the thick, drooping branches of the balete, a tree renowned in Filipino

HT22のインスタレーションの企画時、 オアフ島のリサイクルセンタ

folklore. For his ongoing series Aliens of Manila,

ーに壊れた中古のサーフボードがあることを知って喜んだニュー氏は、

New raids the shelves of dollar stores, repurposing

それを 『Taklobo』 に取り入れることにした。 ペットボトルをクリスマスや

plastic colanders, fly swatters, and other objects into elaborate and outlandish wearable art.

When New began planning his HT22 installation,

お祭りの飾り付けにした思い出もあるという彼は、何も捨てないという 「フィリピン人特有の感性」 が彼の手法のもとになっているという。 ニュ

he was excited to learn that O‘ahu’s recycling centers

ー氏によれば、手に入る素材は、 その土地の物質文化を物語るという。

contained broken and used surfboards, which he

パンデミックの間、彼はただでさえ非効率的なフィリピンの廃棄物処理

then incorporated into Taklobo. New attributes his methods to “the very Filipino sensibility” of not discarding anything, recalling memories of

システムが悪化し、 プラスチック廃棄物が増えるのを目の当たりにした。 それに比べ、彼が次のプロジェクトで再び訪れるオーストラリアではリ

“turning plastic bottles into Christmas or fiesta

サイクルシステムが発達しているため、使用済みのペットボトルを手に

decorations.” According to New, available materials

入れることが難しいという。

also speak to the material culture of a place.

Throughout the pandemic, he witnessed an increase

ニュー氏の作品は一見奇抜に見えるが、彼の芸術的なビジョンは

in plastic waste in the Philippines, aggravated by an

自国の人々への深い共感から生まれている。高校生のとき、彼の母親

already ineffective waste-management system. By

は住み込みのベビーシッターの職に就くため、単身ニューヨークへ移

comparison, in Australia, where New is returning for an upcoming project, used plastic bottles are harder to obtain because of the country’s advanced recycling system.

While New’s creations appear whimsical, his artistic vision arises out of a deep empathy for his country’s people. When he was in high school, New’s

住した。慢性的に仕事が不足しているフィリピンでは、労働者階級によ くあるシナリオだ。 ニュー氏は少し悲しげに、 自分の母親が、 フィリピン を追われた人々の窮状を訴える 『Aliens of Manila』 シリーズの最初 のエイリアン （異邦人） だったと話してくれた。 「このような作品を制作 し、 キャラクターを作ることは、僕にとっては推理小説を書いているよ

mother immigrated on her own to New York to

うなものです。私の描くエイリアンのキャラクターは、 いつか僕たちの

become a nanny, a common narrative for working-

国が、先進工業国のゴミ捨て場になったときに起こりうるコミュニティ

class Filipinos because of the interminable lack of jobs in the Philippines. New told me, with a hint of sadness, that his mother was the first “alien” in his

56

場所に出向き、人々が作品の一部となることを歓迎する。

のイメージから生まれています。僕たちはこれらの材料を使って、 プラ スチック製のたすきを身に纏い、 プラスチック製のボトル、 プラスチック

Aliens of Manila series, a response to the plight of

製の容器に囲まれたフィリピン人の新しい種族を生み出すことになる

displaced Filipinos. “It’s speculative fiction for me,

かもしれません」。

Halekulani Living

A R T S

Turning to whatever affordable materials are available, artist Leeroy New attributes his methods to “the very Filipino sensibility” of not throwing anything away.

ニュー氏は、 ものを捨てな いという 「フィリピン人特有 の感性」 を活かして、手頃に 手に入る材料を何でも利用 するという。

building these things, creating these characters,”

ニュー氏の宇宙船や宇宙人は今にも星に向かって飛んでいきそうに見

New said. “In my alien characters, I imagine could-

えるが、地球にしっかりと足をつけている。 サーフボードは期待に胸を

be communities that arise if we ever do become the dumpsite of First Worlds. … We [may] end up using

膨らませ、竹の外皮は収縮と拡張を繰り返し、尾は近くのトレリスから

these materials to create a new tribe of Filipinos,

解き放たれそうだ。 それでも 『Taklobo』 がフォスター植物園から打ち上

dawned in plastic sashays, plastic bottles, and

げられることはない。 しかし想像してみる価値は十分にあるのではない

plastic containers.”

だろうか。 ニュー氏がずっとしてきた、 この地球に住むフィリピンの人た

Although New’s space crafts and alien figures seem ready for the stars, they’re very much here

ちの明るい未来を想像することに価値があるのと同じように。

on Earth. Taklobo isn’t meant to launch from Foster Botanical Garden, its surfboards bristling in anticipation, bamboo hull contracting and expanding, tail uncurling from its adopted trellis nearby. But it’s worth imagining. Just like it’s worth imagining a dazzling future for Filipinos right here on Earth, something New has been doing all along.

58

Halekulani Living

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THIS IS NOT INTENDED TO BE AN OFFERING OR SOLICITATION OF SALE IN ANY JURISDICTION WHERE THE PROJECT IS NOT REGISTERED IN ACCORDANCE WITH APPLICABLE LAW OR WHERE SUCH OFFERING OR SOLICITATION WOULD OTHERWISE BE PROHIBITED BY LAW. WARD VILLAGE, A MASTER PLANNED DEVELOPMENT IN HONOLULU, HAWAII, IS STILL BEING CONSTRUCTED. ANY VISUAL REPRESENTATIONS OF WARD VILLAGE OR THE CONDOMINIUM PROJECTS THEREIN, INCLUDING THEIR LOCATION, UNITS, COMMON ELEMENTS AND AMENITIES, MAY NOT ACCURATELY PORTRAY THE MASTER PLANNED DEVELOPMENT OR ITS CONDOMINIUM PROJECTS. ALL VISUAL DEPICTIONS AND DESCRIPTIONS IN THIS ADVERTISEMENT ARE FOR ILLUSTRATIVE PURPOSES ONLY. THE DEVELOPER MAKES NO GUARANTEE, REPRESENTATION OR WARRANTY WHATSOEVER THAT THE DEVELOPMENTS, FACILITIES OR IMPROVEMENTS OR FURNISHINGS AND APPLIANCES DEPICTED WILL ULTIMATELY APPEAR AS SHOWN OR EVEN BE INCLUDED AS A PART OF WARD VILLAGE OR ANY CONDOMINIUM PROJECT THEREIN. WARD VILLAGE PROPERTIES, LLC, RB-21701. COPYRIGHT ©2020. EQUAL HOUSING OPPORTUNITY.

WARNING: THE CALIFORNIA BOARD OF RE AL ESTATE HAS NOT INSPECTED, E X AMINED OR QUALIFIED THIS OFFERING.

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C U I S I N E

C U I S I N E

T EXT BY M ITC H E L L K U G A

IM AG E S BY M A RK KU S HI MI A N D BRA NDY N LI U 文：ミッチェル・クガ 写真：マーク・クシミ、 ブランディン・リウ

MUSICAL CHEERS 音楽で乾杯

Music reigns supreme at EP Bar, a haven for audiophiles and highball drinkers in Chinatown. チャイナタウンにあるオーディオマニアとハイボール好きのための天国、EPバーでは音楽が主役。

Behind the bar is a library

It’s been nearly nine years, but Ryan Miyashiro still

もう9年も前のことだが、 ライアン・ミヤシロさんは渋谷の小さなリ

of approximately 2,000

remembers what record was playing when he first

スニングバー「JBS」 に初めて入ったとき、 どんなレコードがかかってい

vinyl records.

entered JBS, a small listening bar in Shibuya: Pete Rock & CL Smooth. But it wasn’t the jazzy thump of

バーの奥には、約2,000枚の

たかを今でも覚えている。 ピート・ロックとC.L.スムースだ。90年代前

early ’90s hip-hop that surprised him so much as

半のヒップホップのジャジーなサウンドに驚いたのではなく、 それを演

the man playing it, Kobayashi Kazuhiro, who looked

奏していた小林カズヒロさんが70歳過ぎに見えたからだ。JBSのオー

レコードを収めたライブラリ

to be pushing 70 years old. As JBS’s owner and sole employee, Kazuhiro worked seven days a week. He

ナーで唯一の従業員の小林さんは、 その店で週7日働いていた。

ーがある。

functioned as host, bartender, and music impresario, playing from his collection of over 10,000

ーの裏にずらりと並んだ1万枚を超えるレコードのコレクションから音

records, which were organized prominently behind

楽をかける。 レコードを選ぶと、舞台照明が主役を照らすように、 アル

the bar. After selecting an album to play, Kazuhiro placed the vinyl’s jacket on the bar under a lamp, like a stage light illuminating the night’s protagonist. Conversations were hushed; this was music with a side of drinks, and Miyashiro was transfixed.

“It was pretty much one of the most amazing things I’ve ever seen,” he says.

バムのジャケットをランプの下に置く。会話は少ない。主役はあくまで も音楽で、酒は二の次だ。 ミヤシロさんはすっかりこの店の虜になった。 「今まで見たこともないような素晴らしい光景でした」 と彼は言う。 それ以来、 ミヤシロさんは日本を訪れるたびにJBS（ジャズ、 ブルー ス、 ソウルの略） を訪れるようになり、友人のクリス・ナカノさんやダニ

Ever since, Miyashiro made a point of visiting JBS

エル・イングさんも誘って、 その感動を共有した。2022年1月、3人は

(shorthand for jazz, blues, and soul) during his trips

ホノルルのチャイナタウンに、JBSにオマージュを捧げる、 ハワイ初の

to Japan, bringing along friends like Chris Nakano and Daniel Ng, who shared in his wonderment. In January 2022, the three opened an homage to JBS

リスニングバー「EPバー」 をオープンした。戦後の日本でブームとなっ た作家や知識人が通う 「喫茶店」 を思わせる落ち着いた雰囲気で、 オ

in Honolulu’s Chinatown: EP Bar, Hawai‘i’s first

ーディオ愛好家のための空間だ。店内には、 ハイエンドな音響機器と

listening bar. An offshoot of the kissaten—quiet off-

無名のレコードも含めた豊富なコレクション。 おしゃべりは控え目で、

beat coffeehouses catering to writers and intellectuals that gained prominence in post-World War II Japan—listening bars are designed with audiophiles

リスニングがメインといったルールはあるものの、EPバーはそれほど 厳しくはない。 「ここは日本ではないですから。 アメリカでそういうやり

in mind. They tend to feature high-end audio equip-

方は通用しないんです」 とミヤシロさんは言う。

ment, robust, sometimes obscure vinyl collections,

EPバーは、最近ロサンゼルス、 ロンドン、 バルセロナなどの都市に増え

and noise restrictions—less talking, more listening—though EP Bar’s approach is less austere.

64

ホスト兼バーテンダー兼音楽プロデューサーの彼は、 バーカウンタ

つつある新感覚のリスニングバーで、 ヒップな音楽好きのためのスペ

“We’re not in Japan, we’re in America,” Miyashiro

ースだ。 モーニンググラスコーヒーのヌウアヌ通り店の奥にある広さ

says. “I don’t think we could get away with that here.”

56平方メートルのバーは、小さな書斎のようなインテリアが隠れ家的

Halekulani Living

Unlike the Tokyo listening bar it was inspired by, where the

EPバーは、 ビールかウィスキーしかアルコールの選択肢がない東京の

only alcohol options are beer or whiskey, EP Bar has a robust

リスニングバーとは異なり、幅広い種類のドリンクが揃っている。

drink selection.

C U I S I N E

EP Bar belongs to a crop of newfangled listening bars, hip audio-forward spaces that have recently expanded to cities like Los Angeles, London, and Barcelona. Located in the back of Morning Glass Cof-

ていながらも温かみがあり、 バーの脇にはヴィンテージのオーディオ 機器やレトロなJBL L100のスピーカーが置かれている。 お約束通り

fee’s Nu‘uanu Avenue outpost, EP Bar’s 600 square

（EPとはエクステンデッド・プレイレコードのこと）、音楽が主役だ。 バ

feet is den-like, exuding the interiority of a well-kept

ーの奥には、約2,000枚のレコードが並ぶライブラリーがある。 「サイ

secret. The custom-built decor is sleek but warm,

ケデリック、 ドゥーワップからロック、 ハワイアンまで何でもありますよ」

with vintage audio equipment and retro JBL L100 speakers flanking the bar. As promised—“EP” refers

とミヤシロさんが言うように、EPバーのサウンドセレクターは、友人や

to extended play records—music reigns supreme. A

音楽愛好家で構成され、 バーのレコードに加えて、各自のレコードコレ

library of around 2,000 records is organized behind

クションからもプレイする。才能あるDJのように、 「彼らはその場の空

the bar. “It’s everything from psychedelic and doowop to rock and Hawaiian,” says Miyashiro, who refers to the people making those decisions each

気を読むのがとてもうまいんです」 と彼は言う。 アルコールはビールかウイスキーしかなく、値段も1杯500円という

night as EP Bar’s “sound selectors”—an assortment

JBSとは違い、EPバーはカクテルバーとは呼べないまでも、 より充実

of friends and music lovers who play records from

したドリンクのセレクションが揃う。 「チャイナタウンには、 おいしいオ

their own vinyl collections in addition to the bar’s.

And like a good DJ, “they’re really good at reading the room,” he says.

Unlike JBS, where the only alcohol options are beer or whiskey, and all for 500 yen a pop, EP Bar has a more robust drink selection—but don’t call it a cocktail bar. “There’s so many places in Chinatown

ールドファッションやマティーニを飲める店がたくさんありますから」 とバーディレクターのサム・トラスティさんは言う。 そうした店を真似ることはせず、EPバーがウイスキーに特化したド リンクメニューの開発で目指したのは、 「この空間にふさわしい、高級 すぎず、質の高いものを提供するバランスを見つけること」 だとトラス

where you can get a great old-fashioned or a great

ティさんは言う。 バー・レザー・エプロンの共同設立者のジャスティン・

martini,” says bar director Sam Trusty. Rather than

パーク氏とのコラボレーションで生まれたハイボールセレクションに

mimicking those places, Trusty says the goal in developing EP Bar’s whiskey-focused drink menu “was trying to find a balance of offering quality without being overwhelming, that feels appropriate for the space.” The highball selection, created in collaboration with Bar Leather Apron co-founder Justin Park, includes the Kyoho Highball, made with green grape

は、独自に調合したグリーングレープ酸を使った 「巨峰ハイボール」 も ある。一番人気のカクテル 「EPバーオールドファッション」 は、 トラステ ィさんの作った黒ゴマ入りバーボンを使用している。 トラスティさんは、何年も前にJBSを訪れた経験がきっかけで、EP バーに入社した。 ある晩、 リスニングバーというものを知らずにふらり

acid concocted in-house. The most popular cocktail,

と立ち寄った彼女は、 ミヤシロさんと同じように、 その非日常性と、誰

the EP Bar Old Fashioned, spotlights Trusty’s black

かのリビングルームの延長のような親密さに衝撃を受けたという。 「こ

sesame-infused bourbon.

Many years ago, Trusty had her own experience at JBS that eventually led her to EP Bar. She wandered

の業界に長くいて、 いろいろな場所を旅して、何百というバーを訪れま したが、 あの店がいつまでも心に残っています」 と彼女は言う。 「ハワイ

in one night without knowing what a listening bar

にも、他のどの都市にも、 ああいう店はありませんでした。 その後、 日本

was and, like Miyashiro, was struck by how unusual

を訪れた彼女は、何の変哲もないビルの2階にひっそりと佇むJBSに

and intimate it felt, like an extension of someone’s living room. “I’ve been in the industry for so long,

再び足を運ぼうとした。 「『レコードバー』、 『レコードのあるバー』 など、

and I’ve traveled to so many places and visited

あらゆるキーワードでグーグル検索したのですが、 どうしても見つか

hundreds of bars, but that one always comes back

らなかったんです」。 それも彼女がこのバーに惹かれる理由だと教えて

to mind,” she says. “There was nothing like that in Hawai‘i or any other city I had been to.” On a subse-

70

な雰囲気を醸し出している。 カスタムデザインされた内装は、洗練され

くれた。 それゆえにハワイでリスニングバーがオープンすると知ったと

Halekulani Living

EP Bar’s approachable menu was designed to suit the cozy,

EPバーの手頃なメニューは、居心地のよい小さな空間に合うように

intimate space.

考案された。

C U I S I N E

EP Bar’s 600 square feet is den-like, exuding the interiority of a wellkept secret.

56平方メートルのバーは、 小さな書斎のようなインテ リアが隠れ家的な雰囲気 を醸し出している。

quent visit to Japan, she tried to return to JBS, which

き、 そこで働けることは夢のようで、 自分なりの方法でやっとあの場所

is tucked into the second floor of a nondescript build-

に戻れる気がしたという。

ing. “I Googled every possible combination—‘record bar,’ ‘bars with records’—and I couldn’t for the life

トラスティさんが一番驚いたのは、小林さんの謙虚さだった。彼

of me find it,” she says, which only added to the bar’s

は、JBSがミヤシロさんや彼女自身のように、気が付けば何年も通い

allure. So, when she discovered that a listening bar

続けている客たちの心に、 どれだけ深い印象を残しているかということ

was opening in Hawai‘i, working there felt like a

に気づいていないようだった。EPバーが目指しているのは、 そんな不

dream job, her own way of finally returning.

What struck Trusty most about Kazuhiro was

思議な肩肘張らない親密さなのだ。 トラスティさんが回想するに 「彼は、

his humility, how unaware he seemed of the deep,

『僕は男だ。 レコードをかけたいんだ。 その間にここに座ってビールを

long-lasting impression JBS has left on guests like

飲みたいならどうぞ』 という感じなんです」。

Miyashiro and herself, who’ve unwittingly stumbled in over the years. It’s that magical and effortless intimacy that EP Bar hopes to reflect. Or, as Trusty recalls: “He’s just like, ‘I’m a guy, I want to play my records, and if you want to sit here and drink a beer while I do that, that’s great.’”

72

Halekulani Living

Stroll The Neighborhood Ward Village is a location like no other. Come discover an array of locally-owned boutiques, unique décor and gift items, and a variety of outdoor dining options where you can enjoy globally-inspired cuisine and local flavors. Only in Honolulu, only at Ward Village. 他には無い魅力に溢れるワードビレッジ。この街で、ロコブランドのファッション、ユニークでお洒落なインテリア 雑貨やセンスの光るギフトがきっと見つかるはず。さらにグローバルにインスパイアされた料理やハワイの ローカルフードまで、ここワードビレッジでしか味わえない楽しみに満ちています。

A Howard Hughes Master Planned Community

explorewardvillagehawaii.com

IM AG E BY TO N Y BA R N HI L L

The ‘ulu (breadfruit) is one of the earliest Hawaiian quilt patterns.

ウル （ブレッドフルーツ） は、 初期のハワイアンキルトの パターンの一つだ。

C U L T U R E

C U L T U R E

T E X T BY LE HI A A PA N A

I MAG E S BY TO N Y BA R N HI LL

文：レヒア・アパナ 写真：トニー・バーンヒル

LIVING HISTORY 生きた歴史

In Tony Barnhill’s colorized images of old Hawai‘i, black-and-white photographs are reimagined in vivid color. トニー・バーンヒル氏がカラー化したモノクロ写真は、 オールドハワイのイメージを鮮やかな色彩で再現している。

Halekulani Living

C U L T U R E

In 2020, Tony Barnhill began digitally adding

2020年に劣化した祖父母のイヤーブックのモノクロ写真

color to his grandparents’ deteriorating black-

を試しにデジタル技術でカラー化したことがきっかけで、 す

and-white yearbook photos. His experiment evolved into obsession, and today Barnhill’s focus has shifted to colorizing snapshots of old Hawai‘i.

は古いハワイのスナップ写真の色付けに専念している。 バーンヒル氏は、玉座のリリウオカラニ女王の肖像、 パ

Barnhill has colorized portraits of Queen

イナップルを分け合うデューク・カハナモクとアメリア・イア

Lili‘uokalani on her throne, Duke Kahanamoku

ハート、素朴なワイキキの風景といった写真をカラー化し

and Amelia Earhart sharing a pineapple, as

ている。

well as scenes from a simpler Waikīkī.

78

っかりその魅力の虜になったトニー・バーンヒル氏は、今で

C U L T U R E

In today’s overly documented society, where

あらゆる記録がデータとして残される現代社会では、 デ

an endless stream of images crowds our

バイスの中に無数の画像が存在し、 カラー写真の持つ影

devices, it’s easy to overlook the influence of

響力は見過ごされがちだ。 だがバーンヒル氏の作品を見

color photography. But as Barhill’s work proves, something unexpected happens when shades of gray are infused with layers of reds, blues, and greens.

くことで、思いがけない効果が生まれる。 写真に収められた過去の人物が突然、 より身近な存

The figures captured in time suddenly

在に感じられるようになる。 デュークとアメリアはもはや

appear more familiar, more like us. Duke and

遠い存在ではなく、古風な服装を除けば、写真はまるで

Amelia are no longer distant figures. Apart from

昨日撮られたもののようにも見える。 このポリクローム

old-fashioned clothing, the photos appear like they could have been taken yesterday. In these polychromed images, the pair become more akin to the faces we see in our daily lives and could easily be somebody’s uncle or friend.

80

れば分かるように、濃淡のグレーに赤、青、緑を重ねてい

（多色）写真の中の二人は、私たちの日常生活で目にす るような顔立ちをしていて、誰かの叔父や友人であるかも しれないとすら思えてくる。

Barnhill begins by combing state and national

バーンヒル氏は最初に、州や国の公文書館で公有に属す

archives for photos in the public domain, which

る写真を探し、 それをフォトショップで加工して、 まずはポ

he then runs through Photoshop to achieve

ップな色調に仕上げる。 ボタンをクリックするだけで色付

an initial pop of color. Technology aids the colorization process with the click of a button, but artificial intelligence is no match for the human eye. He finishes the process by manually tweaking layers of color to edge closer to reality.

けができる技術もあるが、人工知能は人間の目にはかなわ ない。最後に色のレイヤーを手作業で調整し、実際の色合 いに近づけていく。 20年近くオアフ島に住んでいるバーンヒル氏は、 「この

“The technology isn’t trained on Pacific

技術は、太平洋諸島に住む人たちの肌や熱帯植物や海の

Islander skin, or tropical vegetation, or the

色には対応できていないんだ」 と説明する。 「僕はここに住

color of the ocean here,” explains Barnhill, who has lived on O‘ahu for nearly two decades.

“Because I live here, I can just look out my window for inspiration.”

んでいるから、窓の外を見さえすればいつでもインスピレ ーションを得ることができるのさ」。

C U L T U R E

Barnhill says accuracy within the image itself is

バーンヒル氏は、写真に写っているものを忠実に再現する

paramount. For a photo of Queen Lili‘uokalani

ことが何より重要だと言う。 リリウオカラニ女王の写真は、

on her throne, he visited Bishop Museum to see

装飾が施されたワインレッド色の女王のガウンを観察し

her embellished burgundy gown for himself.

His drives through town and frequent hiking expeditions inform his landscape colorizations.

に、実際にビショップ博物館を訪れた。街でのドライブや ハイキングも、風景写真の色付けの参考になっているとい

It’s not just about reviving the color—this process

う。 こうした努力によって、色彩を蘇らせるだけでなく、 モ

can reveal subtleties that are hidden away.

ノクロ写真に隠れていた微妙なニュアンスを表現すること ができるのだ。

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A R T S

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Halekulani Living

Halekulani Living

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C U L T U R E

“There are things in photos that we cannot see in

「写真には、 モノクロでは見えないものがあってね。特に

the black-and-white version, especially wrinkles

顔のシワや空の雲といった細かいディテールが面白さにつ

in faces or clouds in the sky, really small details

ながっているんだ」 とバーンヒル氏。

that make it more interesting,” Barnhill explains.

In black and white, everything can feel ancient.

But Barnhill’s vivid images collapse the distance between past and present, forcing the viewer to

ヒル氏の鮮やかなイメージは、過去と現在の距離を縮め、 古い写真に新しい視点を与えてくれる。

see an old photograph with a new perspective.

「色には、人々の想像力をかきたてる力があるんだ」 と

“Color has a way of sparking people’s

バーンヒル氏はいう。 「そこに写っている過去の世界がそれ

imagination,” Barnhill says, “making it seem as if the past it portrays wasn’t that long ago.”

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モノクロ写真はすべてを古めかしく感じさせる。 バーン

ほど昔ではないかのように思わせてくれるパワーがね」。

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C U L T U R E

T E X T BY E MI LY CHA N G

I MAG E S BY J O HN HO O K A N D CHR I S RO HR E R 文：エミリー・チャン 写真：ジョン・フック、 クリス・ローラー

CONNECTED BY WATER 海で結ばれて

Get a glimpse into the lives of a surf instructor, board shaper, and trio of designers united by their love for the ocean, their craft, and Hawaiian culture. 海、技、 ハワイ文化への愛でつながる3人、 サーフインストラクター、 ボードシェイパー、 デザイナーの人生を覗く。

Halekulani Living

C U L T U R E

“Making a surfboard is a kind of storytelling about the past, and bringing it into the present,” says Hoku Kupihea, a board shaper based on O‘ahu.

「サーフボードを作ること は、過去を語り、今に伝える ことです」 と語るのは、 オア フ島を拠点に活動するボ ードシェイパーのホク・クピ ヘアさん。

This summer, Halekulani debuts The Art of Surf-

この夏、 ハレクラニでは、 サーフボードメーカーのホク・クピヘア、 テキス

ing, a collaboration between surfboard maker Hoku

タイルデザイン会社のケアロピコ、 そしてハレクラニ専属のサーフィン

Kupihea; textile design company Kealopiko; and Halekulani’s resident surf school, Gone Surfing.

Featuring surfboards hand shaped by Kupihea and

ーフィン」 が公開される。 ハンドシェイプされたクピヘアのサーフボード

inlaid with Kealopiko’s prints, the program will be

にケアロピコのデザインを施した、他では見られないユニークなサーフ

home to utterly unique surfboards not found any-

ボードが並ぶ。

where else.

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スクール、 ゴーン・サーフィンのコラボレーションによる 「アート オブ サ

Halekulani Living

A former cook, Kupihea believes his kitchen training prepared

元料理人であるクピヘアさんは、厨房でのトレーニングがボードシェ

him well for his work as a board shaper. Above, a corner of his

イパーとしての仕事に役に立っているという。上の写真は、下準備のコ

mise en place.

ーナー。

C U L T U R E

the shaper: hoku kupihea

シェイパー：ホク・クピヘア

Hoku Kupihea first started surfing on a bodyboard

ホク・クピヘアさんがサーフィンを始めたのは、 サンディービーチでのボ

at Sandy Beach. His father, a bus driver, would drop

ディボードであった。 バスの運転手の父親が、朝9時に島一周ルートの

him off at 9 a.m. at the start of his circle-island route, returning to pick him up at 5 p.m. after his last circumnavigation. Then, his father had the

えに来てくれた。 ワイキキのルートでは、 カラカウア通りの端にあるサー

Waikīkī route and would drop him off at the end of

フブレイクの 「ウォールズ」 で息子を降ろし、 「カーブを曲がるたびに、僕

Kalākaua Avenue at the surf break Walls, “keeping an eye on me each time he came around the bend,” Kupihea says. When his father started the West Side route, that’s when Kupihea realized, “I gotta get on a surfboard—these waves are too big.”

Kupihea’s entry into surfboard shaping was just as serendipitous, born out of “true, pure curiosity” to see how an altered rail, a wider tail, or a more

を見てくれていた」 とクピヘアさんは当時を振り返る。父親がウエストサ イドのルートを始めたとき、彼は気づいたという。 「サーフボードに乗ら なきゃ、 この波は大きすぎる」。 クピヘアさんがサーフボードシェイピングの世界に入ったのは、 レイ ルを変えたり、 テールを広くしたり、 ノーズを丸くしたりすると、 サーファ ーのライディングにどう影響するかという 「真の純粋な好奇心」 から生

blunt nose would affect a surfer’s ride in the water.

まれた、 まさにセレンディピティ （偶然の産物） だった。 ほとんどのシェイ

From shaping to glassing, Kupihea does everything

パーは一部の工程を外注するが、 シェイピングから仕上げのグラッシン

himself, from beginning to end—uncommon among shapers, who often outsource parts of the process.

グまで、 クピヘアさんは最初から最後まですべて一人で行う。 「コントロ

“It’s not me being a control freak,” he says, “but

ールフリークという訳ではなくて、単にボードの全ての作業に関わり、全

being able to involve myself into the work and being

ての工程を理解したいからなんだ」 と彼は言う。 そして新しいものを試

able to understand every step.”

And while Kupihea isn’t afraid to experiment, it doesn’t mean he neglects the basics. He frequently

すことを恐れないクピヘアさんだが、 かといって基本を疎かにすること はしない。約15年間シェフとして働いた経験から、彼はよく料理を例に

makes analogies to cooking, his previous profession

挙げる。 「忍耐力、細部へのこだわり、忠実にレシピに従うこと。料理の

of about 15 years: “I took everything I learned from

世界で学んだすべてが役立っているのさ」。

the cooking world, like patience, attention to detail, and following the recipes.”

クピヘアさんは、 サーフィンとシェイピングの歴史にも惹かれてい

Kupihea is also drawn to the history of surfing

る。 ネイティブハワイの彼は、伝説のウォーターマンでモダンサーフィン

and shaping. A Native Hawaiian, he’s inspired by

のパイオニアであるデューク・カハナモクや、革新的なボードシェイパー

other Hawaiians, like legendary waterman Duke

のベン・アイパといったネイティブハワイアンからインスピレーションを

Kahanamoku and innovative board shaper Ben Aipa.

It’s why Kupihea’s boards have a retro feel, drawing

受けている。 そのためクピヘアさんのボードは、60年代や70年代のシェ

on shapes from the ’60s and the ’70s, but with a

イプを参考にしながらも、彼が 「ニュースクール・フリップ」 と呼ぶ、独自

“new-school flip on it,” his own touch. And from

のタッチを加えたレトロな雰囲気に仕上がっている。 そして彼にボード

close discussions with the surfer commissioning the board, he considers what will work with their style or physicality, whether it’s a certain color or altering the shape to suit how they move on the water.

His understated logo is also rooted in the past: a simple, small upside-down triangle, a symbol that some Hawaiians interpret as “water.” Kupihea

を委託するサーファーたちと綿密に話し合い、 彼らのスタイルや体格に 合ったボードとは何かを考え、色や水面での動作に合わせて形を変え る。 彼の使用する控えめなロゴも、 過去に根ざしたもので、 シンプルで小 さな逆三角形は、 ハワイの人々にとっては 「水」 を意味するシンボルだ。

cuts each triangle out of old aloha shirts, many of

彼は、 父親のバス運転手時代の古いアロハシャツから、 布を三角形に切

them from his dad’s bus-driving days, and lays it on

り取り、 ボードの裏側に貼る。 サーフボードと同様、 この三角形も唯一無

the underside of the board. Each triangle, like the surfboard itself, is a unique work of art.

92

スタート地点で彼を降ろし、最後の一周が終わると午後5時に彼を迎

二の芸術品なのだ。

Halekulani Living

C U L T U R E

the instructor: joanne “jojo” howard

インストラクター：ジョアン・"ジョージョー”・ハワード

Each time Jojo Howard came back from odd jobs

ジョアン・“ジョージョー”・ハワードさんは、 イタリア、 フィレンツェでの観

across the world—working in tourism promotion

光プロモーションやチリのサンティアゴでの英語教師など、世界各地

in Florence, Italy, or teaching English in Santiago, Chile—she would always return to Hawai‘i, and to

でさまざまな仕事を終えるたびに、 サーフィンを教えるためにハワイに

teaching surfing. “I worked with a lot of the older

戻ってきたという。 「ハワイのビーチで年配のおじさんたちと一緒に働

uncles down the beach and they taught me a lot,” she

いて、 たくさんのことを教わったわ」 と彼女は言う。 「いつ戻ってきても最

says. “It was just the best job to come home to.”

She’s now been a surf instructor for almost two decades, and has been surfing even longer than

高の仕事なの」。 彼女のサーフィンインストラクター歴はかれこれ20年近く、 サーフィ

that. “I love being in the water,” she says. “I love

ンの経験はもっと長い。 「水の中にいるのが大好き」 と彼女は言う。 「サ

the challenges of surfing.” Every wave and day is

ーフィンの難しさが好きなの」。一日一日が違うようにひとつとして同じ

different, which is also what makes teaching the sport difficult—and what draws her to it.

Like falling in love, the joys of surfing are hard to

波はない。 それがサーフィンを教えることの難しさであり、彼女を惹きつ けてやまない理由でもある。

put into words, but the first time someone catches a

恋に落ちる感覚と似ているサーフィンの喜びを言葉にするのは難し

wave, they get it, and Howard is there to witness it.

い。 だが初めて波に乗ったときには、誰もがそれを瞬時に知ることがで

She also coaches intermediate surfers, and she sees a lot of clientele who are used to being in control.

きる。 それをハワードさんは日々目にしている。 彼女は中級者サーファー

“It’s fun to see people whose lives are so scheduled

のコーチもしていて、 クライアントの中には物事を常にコントロールす

and regimented break away from that a little bit,”

ることに慣れている人たちが多いという。 「厳しい規則や忙しいスケジュ

she says. “You can’t really say, ‘I’m gonna go this way and then make a 90-degree turn,’ you have to just live in the moment and do what you think is right in that moment.”

Howard’s surf school, Gone Surfing Hawai‘i, recently partnered with Halekulani, which sits in front of Howard’s go-to surf spot and, she says, one

ールに合わせて生活を送っている人たちが、 そこから少し抜け出すのを 見るのは楽しいわ」 と彼女は言う。 「ここを通って90度でターンする、 な んて決まった通りにサーフィンはできないから、 その瞬間を楽しんで、 そ のとき正しいと思えることをするしかないのよ」。 ハワードさんのサーフスクール 「ゴーン・サーフィン・ハワイ」 は最近、

of Hawai‘i’s “most perfect breaks.” As Halekulani’s

ハワイで“最も完璧なブレイク”の一つだという、彼女のお気に入りのサ

resident surf school, Gone Surfing is committed to

ーフスポットの前にあるハレクラニと提携した。 ゴーン・サーフィンは、 ハ

incorporating more of the Native Hawaiian culture that surrounds surfing. “I love everything about my culture, Hawaiian culture, and Oceania in general,”

レクラニ専属のサーフスクールとして、 サーフィンを取り巻くハワイのネ イティブ文化を積極的に取り入れることに力を注いでいる。 ミクロネシ

says Howard, who is of Micronesian heritage. “But

アの血を引くハワードさんは、 「私は自分の文化、 ハワイの文化、 そして

there’s not much representation [of it] in surfing,

オセアニアのすべてが大好き。 でもサーフィンの世界では、特にサーフィ

particularly for the birthplace of surfing.”

In addition to working with Halekulani to build out a small retail space on property featuring Native

ン発祥の地であるハワイの文化があまり表に出ていないの」。 ハワードさんは現在、 ハレクラニとホテルの敷地内にネイティブハワ

Hawaiian artists, Howard is commissioning a set

イアンのアーティストの作品を扱う小さなリテールスペースの建設を計

of Hoku Kupihea-shaped surfboards inlaid with

画しているほか、 モロカイ島のデザイナーブランド 「ケアロピコ」 の布を

fabric by Moloka‘i-based design house Kealopiko.

The unique quiver will give guests a chance to try

あしらったホク・クピヘアのサーフボードシリーズの製作を依頼してい

different surfboard shapes and, Howard hopes,

る。 ハワードさんは、 このユニークなボードコレクションによって、 ゲスト

inspire a deeper connection to Hawai‘i, where she

がさまざまなサーフボードの形を試せるだけでなく、彼女がサーフィン

learned to love surfing and her island community.

を好きになったハワイや島のコミュニティとより深くつながるきっかけ になればと願っている。

94

Halekulani Living

Despite a passion for travel that sent her around the world,

世界中を夢中で旅していたゴーン・サーフィンの創始者ジョジョ・ハワードさん

a love of surfing drew Gone Surfing founder Jojo Howard

をオアフ島に連れ戻したのは、 サーフィンへの愛だった。

back to the islands.

C U L T U R E

the designers: kealopiko

デザイナー：ケアロピコ

of a fish, the meat

Picture your typical aloha print and it’s most likely

アロハプリントといえば、 ヤシの木、 プルメリア、 ハイビスカスなどが思

traditionally favored by

palm trees, plumeria, and hibiscus that come to mind, none of which are native to Hawai‘i. In 2006,

い浮かぶが、実はどれもハワイ原産の花ではない。2006年、 ネイティブ

Hawaiians and a nod to the founders’ Native

three friends, Ane Bakutis, Hina Kneubuhl, and

heritage and connection

Jamie Makasobe, who are all of Native Hawaiian

ルさん、 ジェイミー・マカソベさんは、 「私たちの祖先と、私たちが故郷と

to the ocean.

descent, decided to create clothing and textile

呼ぶこの場所に敬意を捧げる」服や布のデザインを作ることに決めた

The name Kealopiko refers to the belly

designs that would “honor our ancestors and this ハワイアンの人々が伝統的 に好んで食べる魚の腹を 意味するケアロピコという 名前には、創始者のネイテ

place we call home,” Makasobe says. That means prints with various ‘ōlepe, bivalves that were once

ハワイアンの血を引く3人の友人、 アネ・バクティスさん、 ヒナ・クネブー

のだとマカソベさんは話す。 そこで生まれたのが、 かつて食用やレイ用 に採取されていたさまざまな二枚貝のオレぺや、 ハワイアンの人々が花

collected for food or lei, or the endangered wiliwili,

が咲くとサメの繁殖期になると言う絶滅危惧種のウィリウィリを使っ

whose bloom signaled to Hawaiians that it was

たプリントだ。

breeding season for sharks.

The three combined their backgrounds—Bakutis

3人は、 バクティスさんの植物学、 クネブールさんの植物学とハワイ 語、 マカソベさんの広報とインテリアデザインと養魚池の修復といった、

ィブ文化と海とのつながり

in botany, Kneubuhl in botany and Hawaiian

に対する深い思いが込めら

language, and Makasobe in public relations, interior

それぞれの経歴を合わせてハワイ固有の植物や動物や文化を讃える

design, and native fishpond restoration—to come

スタイリッシュで遊び心のあるプリントを考案した。会社名は 「ケアロピ

れている。

up with stylish and playful prints that celebrate Hawai‘i’s native flora, fauna, and culture. They named their company Kealopiko, which translates to “belly of the fish.” “By our kūpuna (elders), [that’s] the choicest part to eat,” Makasobe says.

All three women are also surfers, so it was only natural they would eventually collaborate with

コ」。直訳すると 「魚の腹」 という意味だ。 「クプナ （年長者） たちが最も美 味しいという魚の腹の部分です」 とマカソベさんは説明する。 サーファーでもある3人が、 サーフボードシェイパーのホク・クピヘア さんとのコラボレーションに至ったのは自然のなりゆきだった。 サーフィ ンをしていたとき、 マカソベさんがクピヘアさんのサーフボードのロゴに

surfboard shaper Hoku Kupihea. The idea was born

アロハプリントの布が使われているのを見て、 ケアロピコのデザインを

out of—what else?—a surf session, when Makasobe

クピヘアのボードに使うことを思いついたのだという。

saw Kupihea’s surfboard logo cut out of aloha print fabric, and they came up with the idea to use Kealopiko’s designs on Kupihea’s boards.

Each Kupihea and Kealopiko surfboard starts with a conversation: about color, the kind of waves the surfer rides, the fabric inlays they favor. Recently, a customer requested a board with a pattern of a hīhīmanu, or stingray, which also translates to the word “elegance.” “How [more] elegant can you be, dancing on a wave on that board?” Makasobe says.

The boards are a tribute to our ancestors, she explains, “who have been playing on waves for many generations. It’s a relationship with the ocean

一枚一枚カスタムで作られるクピヘアとケアロピコのサーフボード は、色やサーファーが乗る波の種類、 ロゴに使う好みの生地などについ て会話することから始まる。最近、一人の客から、 ヒヒマヌ （エイ） の柄の ボードをリクエストされたというマカソベさん。 「そのボードで波の上で 踊るなんて、 なんて優雅なんでしょう」。 ハワイ語でヒヒマヌには、 エレガ ンスという意味もあるのだそうだ。 サーフボードは、彼女たちの祖先へのオマージュなのだと彼女は説 明する。 「彼らは何世代にもわたって波に乗って遊び、海とのつながりを 大切にしてきました。 それは海で踊ったり遊んだり、喜びや笑いを分か ち合えること。波をつかまえるのは、最高の気分なんです」。

and being able to dance and play and have joy and laughter in that way. Catching a wave, it’s one of the best feelings.”

96

Halekulani Living

C U L T U R E

T EXT BY C H RIS T I N E HI T T

IM AG E S BY JOH N H O O K

文：クリスティン・ヒット 写真：ジョン・フック

ON THE ROCKS オン・ザ・ロック

‘Opihi, considered a delicacy due to its immense difficulty to harvest, is where high stakes meet high flavor. 採取が困難で珍味とされている命がけのごちそう 「オピヒ」

In ancient Hawai‘i, ‘opihi

Distinguished by their conical shell shapes, ‘opihi

殻が傘のような円錐形をしたオピヒ貝 （ハワイ固有のカサガイの一種）

was an important part of

(limpets or sea snails) line the shorelines of the

は、 ハワイ諸島の海岸の波が荒く藻類が豊富な岩場に単独で、 あるい

the Native Hawaiian diet

Hawaiian Islands, dotting large rocks or boulders

starting at infancy.

singularly or in clusters where the ocean is rough

昔のハワイでは、 オピヒは幼

and algae is plentiful. Braving the pounding surf

りやすい岩をものともせず、岩場にくっ付いたオピヒを貝と岩の間にナ

and slippery rocks, ‘opihi pickers risk their lives to

イフを差し込み、 それこそ“命がけ”でオピヒを採る。 ハワイ語で 「ヘ・イ

ku‘i ‘opihi, or pry the limpets loose from a rock with

ア・マケ・カ・オピヒ」 （オピヒは死の海の幸） という言い回しがあるほど、

少期から食べられるハワイ先

a knife. “He i‘a make ka ‘opihi,” as one Hawaiian

住民の重要な食生活の一部

proverb goes, “the ‘opihi is a fish of death”—a

であった。

は群れをなして生息している。 オピヒの採取者たちは打ち付ける波や滑

波にさらわれる危険性の高い行為である。昔からオピヒを採取するとき

reference to the danger of being washed away by

は、決して海に背を向けてはいけないと言われているのは、 たった一度

the waves. ‘Opihi pickers have long learned never to

でも見逃した波が生死を分けることもあるからだ。

turn their backs on the ocean, but one missed wave could mean the difference between life or death. “‘Opihi are a culturally revered and important

分子生物科学と生物工学の博士号を持ち、熱帯のカサガイ類を研 究しているアンソニー・マウ氏は、 「オピヒは、生態系にとって重要なだ

species, not just for their ecology, but also as a food

けでなく、食用の貝として、 また実用的な用途からも、 ハワイでは文化的

species and [for practical use],” says Anthony Mau,

にとても大切にされている貝なのです」 と話す。

who holds a doctorate in molecular biosciences and bioengineering and studied tropical limpet species.

In traditional Hawai‘i, ‘opihi was part of the Native Hawaiian diet starting at infancy. A little past six months old, a child would be given the soft parts of ‘opihi with some poi or sweet potatoes, scholar Margaret Titcomb wrote in the research paper Native Use of Marine Invertebrates in Old Hawaii.

“Even in 1969, ‘opihi were an important part of the diet of most of the Hawaiian families living near the shore,” Titcomb continues. “The favorite method of preparation was raw and salted, either

昔、 ハワイでは、 オピヒは幼い子供にも食べさせるハワイ先住民の 食生活の一部だった。学者のマーガレット・ティトコム氏は、研究論文 『オールドハワイにおける海洋無脊椎動物の利用法』 の中で、生後6ヶ 月過ぎの子供に 「ポイやサツマイモと共にオピヒの柔らかい部分を与え ていた」 と書いている。 「1969年当時でも、 オピヒは海岸近くに住むほとんどのハワイアン ファミリーの重要な食生活の一部でした」 とティトコム氏は続ける。 「調 理法は、生のまま塩漬けにするのが一般的で、海藻を入れたりもしまし た。 きれいに洗ってから殻ごと瓢箪に入れ、熱い石を入れて調理するこ

with or without seaweed. They were sometimes

ともありました。後で殻を取り出すのですが、 こうやって調理すると、 お

washed clean and then cooked in the shell, in a

いしいカイ （煮汁） を残すことができます」。

calabash with hot stones. The shells were picked out later. This method enabled the delicious liquor (kai) to be saved.”

98

Halekulani Living

C U L T U R E

Following Western contact, ‘opihi populations declined dramatically in the islands.

西洋文化の影響を受け始 めた頃から、 ハワイのオピヒ の個体数が激減した。

The kai was fed to the sick and young, and small, bitter ‘opihi were used in healing and sorcery. The leftover hard shells were sometimes used as jewelry, but mostly as tools. Their sharp edges were used to scrape and scoop or peel things, such as the inside of a coconut or the outside of raw taro.

In Hawai‘i, there are three common types of ‘opihi. The ‘ālinalina (yellow-footed limpet) is a favorite but is often found where the waves are the

われた。残った硬い殻は宝石として使われることもあったが、多くは道 具として使われた。 その鋭い刃は、 ココナッツの内側や生のタロイモの 外側など、物をこすったりすくったり、 皮をむいたりするのに利用した。 ハワイでは、3種類のオピヒが一般的である。 アーリナリナ （貝の身 が黄色いカサガイ） は人気があるが、波が最も荒い場所に生息する。 コーエレは （貝殻の先端が尖ったカサガイ） は大きいので珍重されてい

roughest. The kō‘ele (limpet with highly pointed

るが、 貝の身は他の種より硬く、水中に生息している。 マカイアウーリ

shell) is very large, and thus is coveted, but it lives

（貝の身が黒いカサガイ） はアーリナリナよりも高い岩場に生息してい

underwater and its meat is tougher than others.

The makaiaūli (dark-footed limpet) lives higher on the rocks than the ‘ālinalina and is easier to harvest. “The ‘opihi was a favorite food source for

100

カイは病人や子供に与えられ、小さく苦いオピヒは治療や魔術に使

るので採取するのが簡単だ。 「オピヒはハワイの人々が好んで食べてい た食べ物で、 どのオピヒが好きかは、人それぞれでした」 とビショップ博 物館の文化アドバイザーのマルケス・マルザン氏は説明する。

Halekulani Living

C U L T U R E

There are three common

Hawaiians,” says Marques Marzan, cultural advisor

species of ‘opihi found

at Bishop Museum. “Everyone had their own

in Hawai‘i, which are

preference on which ones they like to eat.”

endemic to the islands.

Following Western contact, ‘opihi populations declined dramatically since the early 20th century,

ハワイには3種類のオピヒ

especially on the island of O‘ahu. The threat to ‘opihi has mostly been blamed on overharvesting,

があり、 いずれもハワイの固

but there are other contributing factors, including

有種である。

a changing shoreline landscape due to development

西洋文化の影響を受け始めた20世紀初頭から、特にオアフ島では オピヒの個体数が激減した。 オピヒが激減したのは、主に乱獲のせいだ とされているが、開発による海岸線の環境の変化や、藻類をはじめとす るオピヒの食物に影響を与える汚染など、 その要因は他にもある。 マウ氏による研究は、乱獲を要因とする意見に反する結果を示して いる。博士課程の学生であった彼は、 ハワイ大学でオピヒの養殖技術に ついて研究し、野生の環境では難しいオピヒの行動と生態を観察した。

and pollution that impacts the food that ‘opihi eat,

「オピヒが減少しやすい場所とそうでない場所があり、 オピヒが繁殖し

such as algae.

やすい条件とそうでない条件があります」。

Mau’s findings refute the overharvesting argument. As a doctoral student, Mau researched aquaculture technology for ‘opihi at the University

乱獲を防ぐために1970年代後半に定められた州法は、殻の直径 が3.175cm以下のオピヒの採取と、 貝の身の大きさが1.27cm以下

of Hawai‘i, where ‘opihi behavior can be studied

のオピヒの販売を禁止している。 だがマウ氏をはじめとする研究者たち

in a way that can’t be done in the wild: “There are

は、 オピヒの寿命、 成長の速度、 年齢や季節といった繁殖の時期など、 よ

certain areas that naturally should have less ‘opihi than others, and there are certain conditions that allow for ‘opihi to thrive and to be abundant versus others that don’t.”

To manage overharvesting, state law produced in the late 1970s prohibits picking ‘opihi with shells that measure less than 1.25 inches in diameter and

り多くの情報が得られるようになった今、 この法律は変更されるべきだ と考えている。 オピヒのライフサイクルを継続的に調査し、新しい研究に基づいて 法律を改正することで、将来的にオピヒを安定的に供給できる可能性 があるという。 「繁殖の成功率を高めると同時に、繁殖期以外の時期に

selling ‘opihi meat (without the shell) that measures

は、 できるだけ多くのオピヒを収穫できる方法を研究しています。 オピヒ

less than half an inch. Mau and other researchers,

の個体数を回復させても、食べられなければ意味がありません」 とマウ

however, think the law should change now that there’s more information on how long ‘opihi live,

氏は言う。 「利用できなければ資源とは言えませんから」。

how fast they grow, and when they reproduce, whether by age or season.

The ongoing examination of the life cycles of ‘opihi, and potential changes to the law based on new research, could mean a better supply of ‘opihi in the future. “We’re trying to enhance reproductive success but also be able to harvest as much as we can outside of those windows, because restoring the populations of ‘opihi doesn’t do us any good if we’re not eating them,” Mau says. “It’s not a resource if you can’t use it.”

104

Halekulani Living

F A S H I O N

IM AG E S BY M A RK K U S HI MI

S T YL E D BY A RA L AY LO

H A IR + M A K E U P BY TA M IKO HO B I N

M OD EL E D BY NIC O EN O S JAS M INE R E I KO HE A LY

写真=マーク・クシミ スタイリング＝アラ・レイロー ヘア&メイク= タミコ・ホビン モデル＝ニコ・イーノス、 ジャス ミン・レイコ・ヒーリー

B E LL E O F THE BO L D 大胆な美女

Like a jagged ridge line softened under a veil of mist at dusk, structured separates and billowing fabrics exude strength and grace in the elegant, art-filled lounge spaces at Halekulani and Max Mara Rosetta sleeveless belted midi dress from Saks Fifth

Halepuna Waikiki. 夕暮れ時に霧のベールに包まれたギザギザの稜線のように、 かっちりとした

Avenue. T Timeless

セパレーツと膨らみのあるファブリックは、 ハレクラニとハレプナ・ワイキキの

bag from TOD’s.

優雅でアートに満ちたラウンジスペースで強さと優雅さを醸し出している。

106

S E C T I O N

On Nico: Dress by Hermès. Dior Diorsostellaire 59MM square sunglasses from Saks Fifth Avenue.

Tiffany T T1 open hoop earrings in 18K rose gold with diamonds and Tiffany T T1 wide diamond hinged bangle in 18K rose gold, medium, from Tiffany & Co. Slim tread boots

by Alexander McQueen.

On Jasmine: Women’s cotton cropped top and skirt by Hermès.

Tiffany T True 8 mm ring in 18K rose gold and Tiffany HardWear link bracelet in 18K gold, medium, from Tiffany & Co. Black leather sandals from TOD’s.

Cropped rib knit jacket, ottoman knit bra top, button fluted midi skirt, crystal-embellished signet ring, and hammered-effect two finger ring, all from Alexander McQueen. At right, Staud Callaluna floral print dress from Saks Fifth Avenue. Tiffany HardWear link bracelet in 18K gold, medium, and Tiffany Victoria® vine band ring in rose gold with diamonds, 6mm wide, from Tiffany & Co.

Etro Camicia semi-sheer floral shirt and pleated paisley maxi skirt from Saks Fifth Avenue.

Tiffany HardWear link bracelet in 18K rose gold with diamonds, medium, from Tiffany & Co.

Windbreaker, knitted dress, and T Timeless bag from TOD’s. Red 54mm cat-eye sunglasses by Alexander McQueen.

Kekaulike Market

ケカウリケ・マーケット

1039 Kekaulike Street

1039 Kekaulike Street

A historic brick-and-mortar market where residents

地元の人たちが食料品の買い出しに毎週足を運ぶ歴史的なレンガ

shop for their weekly groceries. Browse the tight aisles and booths brimming with fresh seafood and produce every day until 3 p.m.

造りの市場。狭い通路とブースに、新鮮なシーフードや野菜などの生 鮮食品が所狭しと並ぶ。毎日午後3時まで営業している。

LV stripe pencil skirt and crop top and Pool Pillow flat comfort mule from Louis Vuitton.

Diorxtrem MU logo mask sunglasses from Saks Fifth Avenue.

Chiara Boni La Petite Robe halter ruffle gown from Saks Fifth Avenue. Tiffany T T1 wide diamond hinged bangle in 18K gold with diamonds, medium, and Tiffany T T1 ring in 18K yellow gold with diamonds from Tiffany & Co.

HOALOHA

HERE, YOU’RE IN THE COMPANY OF FRIENDS.

FASHION, DINING, CULTURE, IN THE HEART OF WAIKI– KI– . WELCOME TO OUR LEGACY. Apple Store | Fendi | Harry Winston | Hermès | Jimmy Choo | kate spade new york | KITH | Loro Piana | Rimowa | Saint Laurent Salvatore Ferragamo | Tiffany & Co. | Tory Burch | Tourneau | Valentino | Doraku Sushi | Island Vintage Wine Bar | Noi Thai P.F. Chang’s | Restaurant Suntory | The Cheesecake Factory | Tim Ho Wan | TsuruTonTan Udon | Wolfgang’s Steakhouse See daily Center & restaurants hours, culture schedule & all there is to discover at RoyalHawaiianCenter.com Open Daily | Kalākaua Avenue and Seaside, Waikīkī | 808.922.2299

FREE WIFI

IM AG E BY SAU MO L I A P UAPUAG A

E X P L O R E

E X P L O R E

T EXT BY NATA L IE S CHACK

CHA N G E O F P L AC E チェンジ・オブ・プレイス

IM AG E S BY H AW KIN S B I G G I N S , JAS ON CHU, J O HN HO O K ,

Discover what three Hawai‘i artists worked on during their recent artist residencies around Honolulu.

A ND C O U RT E SY O F T H E A RT I S T S

ハワイの3人のアーティストによるホノルル周辺でのレジデンス期間中 の作品を紹介する。

文：ナタリー・シャック

downtown honolulu: passion on display

ダウンタウン・ホノルル：パッション・オン・ディスプレイ

ェイソン・チュー、 ジョン・フッ

For Saumolia Puapuaga, life during the Covid-19

サウモリア・プアプアガさんにとって、 コロナウイルスのパンデミック中

ク、 アーティスト提供

pandemic has been transformative. For all the pain and

の生活は、大きな変化をもたらした。隔離と孤立から経験した苦痛と不

写真：ホーキンス・ビギンズ、 ジ

anxiety that quarantine and isolation initially brought, it was also an opportunity for the artist to truly be alone with himself. It meant coming to terms with “the

安は、 アーティストとしての自分自身と正面から向き合う機会を与えてく れたという。 それはキュレートされたソーシャルメディアでの交流やうわ

deeper beauty of myself,” Puapuaga explains, without

べだけのパフォーマンスにとらわれることなく 「自分本来の内面からの

the trappings of curated social interactions and all

美しさ」 を受け入れることなのだ、 とプアプアガさんは語る。 それはアー

their performative accoutrements: Saumolia, the artist; Saumolia, the queer man; Saumolia, the human.

What resulted was an idea for a dynamic art

ティストであり、 クィア （性的マイノリティ） であり、一人の人間としての“ サウモリア”を感受することを意味する。

project that toed the line between fine art and

その結果、生まれたアイディアがファインアートとパフォーマンスの境

performance. Puapuaga’s art tends to focus on the

界線に立つダイナミックなアートプロジェクトだ。 プアプアガさんの作

natural world around him, such as clouds colliding into each other above his home in Hau‘ula, or lush scenes of mountain and sea along Kahana Bay just

品は、 ハウウラの自宅から見上げる空にぶつかり合う雲や、 すぐ近くの カハナ湾に広がる山や海の緑豊かな風景といった身近な自然界を題

down the road. For this next project, he decided, he

材にすることが多い。 だが今回のプロジェクトで彼は、 内面に目を向け

would look inward. He would paint what he knew best

ることにした。 自分が一番よく知っているが、時には向き合うのが難し

but sometimes found hard to face: himself.

122

Halekulani Living

C I T Y

G U I D E S

Over the course of his residency at the Hawai‘i State Art Museum, visitors could observe artist Saumolia Puapuaga at work.

ハワイ州立美術館の来館者 は、 アーティストレジデンス期 間中、 サウモリア・プアプアガ さんの制作風景を見学するこ とができた。

Dear Saumolia became a message addressed to his younger self. Through his work, Puapuaga envisioned guiding himself through the complicated experience of growing up as a queer person in the church.

The project was originally intended for Pride month, but it was delayed by the onset of the pandemic in 2020. Reviving the idea two years later in his role as the inaugural artist in the Hawai‘i State Art Museum’s new Passion On Display residency program, he started

い自分自身を描くことにしたのだ。 『Dear Saumolia』 は、若かりし自分 に宛てたメッセージとなった。 プアプアガさんは作品を通して、教会の 中でクィアとして育つという複雑な経験をした、幼い頃の自分自身を導 こうと考えた。 このプロジェクトは当初、 プライド月間のための企画だった が、2020年にパンデミックが起こって延期された。2年後、 ハワイ州立 美術館の新しいレジデンスプログラム 「パッション・オン・ディスプレイ」

with a portrait. “Looking at my features, insecurities,

の初回アーティストとして、 このアイデアを復活させた彼は、 まず肖像画

tackling everything that made me feel uncomfortable

を描くことから始めた。 「自分の外見や自信のなさに目を向け、違和感を

at one point or another,” Puapuaga says. “There are so

感じたことのあるすべてと向き合いました」 とプアプアガさんは言う。

many times I’d look away from the mirror because I didn’t like what I’d see.”

The residency included live painting sessions in

「自分の容姿が嫌で、鏡から目をそらすことが何度もありました」。 レジデンスでは、 「パッション・オン・ディスプレイ」 のスタジオスペー

the Passion On Display studio space, where visitors

スでライブペインティングを行い、来場者はアイデンティティ、成長、 自

could watch him work on five personal pieces that

己愛をテーマにした5つの個人的な作品の制作風景を見ることができ

addressed themes of identity, growth, and selflove. This type of public interaction, laying his own vulnerability bare, elicited some powerful reactions.

“When people saw the naked truth and honesty I was longing for, they broke down, crying, thanking me,” Puapuaga recalls.

Post-residency, Puapuaga predicts he will continue to explore themes of authentic queer identity in

た。彼自身の弱さをさらけ出すようなこの公開制作は、強い反響を呼ん だ。 「私が求めていた裸の真実と正直さを見た人たちは、泣き崩れ、私に ありがとう、 と言いました」 とプアプアガさんは振り返る。 プアプアガさんは、 レジデンス終了後も、 ありのままのクィアのアイ デンティティをテーマにした作品を制作し続けようと考えている。 だが 今は、彼の心と絵筆はハウウラの雲を恋しがっている。 「とても個人的で

future projects. For now, though, his heart and

感情的な部分を共有したばかりだから」 と彼は言う。 「しばらく屋外での

paintbrush miss those Hau‘ula clouds. “I shared a

んびり過ごすつもりです」。

very emotional part of me,” he says. “I’m going to take some time outdoors.”

124

Halekulani Living

E X P L O R E

chinatown: arts & letters nu‘uanu

チャイナタウン：アーツ＆レターズ・ヌウアヌ

At a glance, the ten or so pieces from Susan

2021年末に 「アーツ＆レターズ・ヌウアヌ」 の壁を飾ったスーザン・マダ

Maddux’s exhibition, A Kind of Homecoming,

ックスさんのアート展『A Kind of Homecoming』 の10点ほどの作品

displayed on the walls of Arts & Letters Nu‘uanu at the end of 2021, resemble a collection of kimono: graceful folds of ombré fabric fanning outward,

は、一見すると着物コレクションのようだ。優美に折られた染めぼかし の布が、今にも女性の肩にかけられそうに広がっている。 この展示作品

ready to be draped over a woman’s shoulders.

は彼女が着替えるたびに一枚ずつ足元に落ちていく、彼女のワードロ

Together, the works in the exhibition could be her

ーブのようでもある。

wardrobe, each garment pooling at her feet as she slips into her next persona.

But Maddux’s inspiration for the show, created

一方、 アーツ＆レターズ・ヌウアヌでのレジデンス期間中に制作され たマダックスさんの展示のインスピレーションは、 もっと抽象的なもの

over the course of her residency at Arts & Letters

だ。 「私はとても直感的に仕事をするタイプでね」 とマダックスさん。 「制

Nu‘uanu, is much more abstract. “I tend to work

作の過程で、私が大切にしているのは言語ではなくて、 フィードバックル

very intuitively,” Maddux says. “In the making, it’s not about language. For me, it’s about a dialogue I’m having in the moment, like a feedback loop.” Perhaps

ープのようなその瞬間の対話なの」。 『A Kind of Homecoming』 が、 誰かの腕の中に抱かれた遠く甘い記憶のように、優しく包み込むような

that’s why A Kind of Homecoming is so gently

温もりを感じさせるのは、 そのためかもしれない。 マダックスさんが幼少

stirring—enveloping and warm, like a distant but

期を過ごしたハワイで作品を制作し、展示するのは、彼女のキャリアに

cherished memory of being held in someone’s arms.

This endeavor marks the first time in Maddux’s career that she’s created and exhibited work in her childhood home of Hawai‘i. A kind of homecoming, indeed.

おいて今回が初めてのことだという。 まさに里帰りのようだと言える。 1987年にプナホウ・スクールを卒業後、 マダックスさんは米国本土 に渡った。 その後数十年間、絵を描き、 テキスタイルの仕事をし、 ハワイ

After graduating from Punahou School in 1987,

から離れた生活を送っていたが、 決してハワイを忘れることはなかった

Maddux moved to the continent, spending the next

という。 「ニューヨークにいたときも、 ハワイをテーマにした作品を作っ

couple of decades painting, working in textiles, and building a life away from the islands—and yet, she never quite left them behind. “I made work about Hawai‘i even when I was in New York,” she says. “I needed to have that connection to Hawai‘i, especially in New York.”

The Arts & Letters residency was both a literal and symbolic acknowledgement of that connection.

ていたわ」 と彼女は言う。 「特にニューヨークでは、 ハワイとのつながり が必要だったの」。 アーツ＆レターズ・ヌウアヌのレジデンスは、 そのつながりを文字ど おり、 そして象徴的に示すものであった。 マダックスさんは高校時代か らの友人を通じてこのレジデンスのことを知り、 ハワイでの4週間、 アー トシーンの職人やクリエーターたちと新しい関係を築き、天然染料のワ

It was through a long-time friend from high school

ークショップにも参加した。彼女はさらに、場所との関係についても掘

that Maddux heard about the residency, and in her

り下げた。 この展示でマダックスさんは、彼女が育ったマノアや保護区

four weeks in Hawai‘i, she spent time forging new relationships with makers and creatives in the local arts scene, even taking a workshop in natural dyeing

で働く母親と何時間も探索したカイヴィの沿岸など、個人的に思い入 れのあるオアフ島の3つのエリアを題材に扱っている。

techniques. She also explored her relationship with

この一月におよぶ内省的なプロセスは、 本格的な創作活動の序章に

place: The show is an examination of three areas of

過ぎないと彼女は言う。 「何が見つかるか見当もつかなかったわ。 分かっ

O‘ahu that have personal significance for Maddux, including Mānoa, where she grew up, and the Kaiwi

ているのは、 これがインスピレーションのほんの一部だということね」 。

coastline, which she spent many hours exploring with her mother, who works at a preserve there.

But that month of introspective creation is just the beginning. “I wasn’t sure what I was going to find,” Maddux says. “And what I found was I was barely able to scratch the surface of that inspiration.”

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Halekulani Living

Even after decades of living and working on the continent, artist

アーティストのスーザン・マダックスさんは、米国本土に住んで何十年に

Susan Maddux continues to make work about Hawai‘i.

もなるが、今もハワイにちなんだ作品を作り続けている。

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In Ribeaux’s experimental film Ulu Kupu, a mother and daughter become separated while wandering through the rainforest.

このプロジェクトは、 『Ulu Kupu』 というタイトルの実 験映画で、熱帯雨林をさま よっている間に離れ離れに なってしまった母娘の物語 を映像で表現している。

mānoa: trades a.i.r.

マノア：トレーズ・エー・アイ・アール

“I just go straight to the rainforest,” says Oakland-

「真っ先に熱帯雨林の森に向かいます」 と言うのは、 オークランドを拠

based artist Tiare Ribeaux of her typical first stop

点に活動するアーティスト、 ティアレ・リボーさんだ。 オアフ島に帰省す

upon returning home to O‘ahu. “That’s how I can feel connected to my ancestors. I don’t even see my family first. My family’s kind of scattered. That’s the

るとまず最初に訪れる場所だそうだ。 「森は私にとって、祖先とのつなが りを感じることができる場所です。家族に会うよりも先に森へ向かいま

deeper family.” Over thousands of miles of ocean, it’s

す。私の家族はバラバラで、森はもっと深いつながりのある家族みたい

the land that calls to her, serving as a reminder of

な存在です」。何千キロもの海を越えて、彼女に呼びかけるハワイの地

who she is and where she came from.

These visits are not something Ribeaux takes for granted. After almost a decade of making a life

は、 自分が誰でどこから来たのかを思い出させてくれるという。 このような帰省は、 リボーさんにとって決してあたりまえのことでは

in California’s Bay Area, her Hawai‘i family is now

ない。 カリフォルニアのベイエリアで10年近く暮らした後、彼女の家族

flung across the islands’ many nooks and crannies,

はハワイ諸島のあちこちに散らばり、彼女が帰れる場所はなくなってし

leaving her no home base to come back to. Returning to the land of her ancestors, even for a short period of time, now comes with an increasingly prohibitive

まった。先祖代々の土地に帰るのは、 たとえ短期間であっても、宿泊費 の高騰でますます費用が嵩むようになった。 パンデミック後、各家庭が

price tag as the cost of accommodations rise. After

閉鎖的になっていることも、 帰省が難しくなった理由の1つだ。 最近では

the pandemic hit, trips home were hard for a new

ゲストルームや友人宅のソファーに泊まれることも珍しくなった。

reason: households were locked down tight. Guest rooms and friends’ couches were more difficult to come by.

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Halekulani Living

Cultivating creativity, wonder, and deeper connections to the world we share.

EXTENDED EVENING HOURS FRI & SAT 4-9PM

E X P L O R E

Expressionistic and symbolic, the film features only loosely defined characters—including beings who guide the child back to her mother.

表現豊かで象徴的なこの映画 の各シーンには、子供を母親 の元へ導く擬人化された不思 議なキャラクターが登場する。

It’s why Trades A.i.R.—an artist-in-residence program hosted in partnership with the Honolulu Museum of Art and the University of Hawai‘i at Mānoa’s Department of Art and Art History—was such a godsend for Ribeaux. The Mānoa-based

それゆえにホノルル美術館とハワイ大学マノア校の芸術・美術史学 部が共同で運営するアーティスト・イン・レジデンス・プログラム 「トレー ズ・エー・アイ・アール」 は、 リボーさんにとってまさにうってつけであっ た。 マノアを拠点とするレジデンスは、 ハワイで制作活動を行い、考え、

residency offered valuable space (a house) and

感じ、 リボーさんの作品が追求する自然やコミュニティとの意義深いつ

time (she was there for a month) in the islands

ながりを形成することのできる貴重な空間（家） と時間（1ヶ月間の滞

to work, think, feel, and connect with nature and the community in the deep and meaningful way that Ribeaux’s work demands. In the past, her

在） を彼女に与えてくれた。彼女はこれまでに、拡張現実やウェアラブル バイオプラスチックなどを題材に扱ってきたが、人類と環境のつながり

art has explored augmented reality and wearable

に対する彼女の強い関心は、常に一貫したテーマといえる。 トレーズは、

bioplastics; her fascination with humankind’s

彼女が育んできたこのテーマを彼女が愛するハワイという場所で開花

connection to the environment remained a common theme throughout. At Trades, she had the

させる絶好の機会となった。

opportunity to take that thematic thread and let it blossom in the context of her beloved Hawai‘i.

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Halekulani Living

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While working on her residency project, Ribeaux collaborated with local creatives to bring her poetic visions to life.

レジデンスプロジェクトに 取り組みながら、 リボーさ んは詩的なビジョン実現 の手助けをしてくれる地元 のクリエイターやコラボレ ーターたちとも連絡を取り 合った。

While working on her residency project, she collaborated with local creatives to bring her poetic visions to life. With Trades’ support, she also hosted workshops devoted to Native Hawaiian themes and narratives. “A big part of the work is just being here,

レジデンスプロジェクトに取り組みながら、 リボーさんは詩的なビジ ョン実現の手助けをしてくれる地元のクリエイターやコラボレーターた ちとも連絡を取り合った。 トレーズのサポートで、 ネイティブハワイアン のテーマや物語に関するワークショップも開催された。 「この場所にい

meeting with the lāhui (Hawaiian nation), seeing

ること、 そしてラ・フイ （ハワイアンの国） や他のアーティストたちとの出

other artists,” Ribeaux says.

会いが、作品の大きな部分になっています」 とリボーさんは言う。

The project, an experimental film titled Ulu Kupu, is a visual narrative about a mother and daughter who get separated while wandering through the

このプロジェクトは、 『Ulu Kupu』 というタイトルの実験映画で、熱 帯雨林をさまよっている間に離れ離れになってしまった母娘の物語を

rainforest. Expressionistic and symbolic, the film’s

映像で表現している。表現豊かで象徴的なこの映画の各シーンには、子

vignettes feature loosely defined characters—

供を母親の元へ導く擬人化された不思議なキャラクターが登場する。

including anthropomorphized beings who guide the child back to her mother—but Ribeaux’s focus is more on themes than plot: the sacredness of water; the deep connection between land and people;

この作品でリボーさんが重視しているのは、 ストーリーよりも、水の神 聖さや土地と人々の深いつながり、 そして帰るべき道をみつけるという テーマだ。

finding one’s way home.

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Halekulani Living

DISCOVER HAWAI‘I’S MUSEUM

OPEN DAILY 9 am–5 pm Closed Thanksgiving & Christmas Day

LIVING CULTURE | NATURAL SCIENCE | IMMERSIVE PROGRAMS 1525 Bernice Street, Honolulu, Hawai‘i 96817 | bishopmuseum.org | 808.847.3511

Halekulani, the most internationally acclaimed of all Hawai‘i hotels, blends serenity and understated elegance with exceptional service to create an oasis of tranquility.

ハワイを代表するホテル、 ハレクラニは、 オアシスのような 安らぎと上質なエレガンス、 一流のサービスでお客様を お迎えしています。

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LEGACY レガシー

Halekulani’s beachfront location has welcomed people since 1883, when the original owner, Robert Lewers, built a two-story house on the site of what is now the main building. ハレクラニの建つワイキキのビーチフロントは、1883年にロバート・ルワーズ氏が現在のメインビルディングのある場所に2階建ての家を建てて以来、多くの人々を迎えてきました。

The fishermen of the area would bring their canoes onto the beach

ルワーズ一家が、邸宅前のビーチにカヌーを引き揚げて休憩するワイキキの漁師たちを歓迎

in front of the property to rest. So welcomed were they by the

したことから、地元の人たちはこの場所を 「天国にふさわしい館」 という意味のハレクラニと呼

Lewers family that the locals named the location “house befitting heaven,” or Halekulani.

ぶようになりました。

In 1917, Juliet and Clifford Kimball purchased the hotel, expanded

1917年にジュリエット＆クリフォード・キンバル夫妻によって購入、拡張されたこのホテルは、

it, and established it as a stylish resort for vacationers, giving it the

バカンス旅行者のための洗練されたリゾートとして生まれ変わり、地元の人たちによってつけ

name the locals originally bestowed on it, Halekulani. The hotel was sold following the passing of the Kimballs in 1962. Almost 20

られた 「ハレクラニ」 と命名されました。1962年、 キンバル夫妻の死去を機に売却されたホテ

years later, it was purchased by what is now the Honolulu-based

ルは、 ほぼ20年後、現在ホノルルに拠点のあるハレクラニ・コーポレーションによって購入さ

Halekulani Corporation. The hotel was closed and rebuilt as the

れ、一時閉館すると、改築工事を経て、現在の453室あるハレクラニに生まれ変わりました。

existing 453-room property.

Today, Halekulani’s staff, location, and hospitality reflect the original Hawaiian welcome that defined the property.

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ハレクラニでは、歴史あるワイキキのビーチフロントで、 現在も昔と変わらないハワイ ならではのおもてなしの心で、 スタッフ一同お客様をお迎えいたします。

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DINING ダイニング

At Halekulani’s Waikīkī restaurants, award-winning chefs create signature dishes from Hawai‘i’s freshest ingredients. ハレクラニのレストランでは、数々の受賞歴を誇るシェフによる、 ハワイの新鮮な素材を使ったオリジナル料理をご用意しています。

Each of Halekulani’s restaurants celebrates its own distinct

ハレクラニのレストランでは、美しいオーシャンビューとともに、 それぞれに特徴のある多彩な

style of cuisine, and all offer stunning views of the sea.

料理の数々をお楽しみいただけます。

Select from La Mer for fine dining, Orchids for more casual elegance, and, reopening this spring, House Without A Key

ファインダイニングのラ メール、 カジュアルでエレガントなオーキッズ、 そしてこの春にリニュ

for a relaxed ambience.

ーアルオープンするリラックスした雰囲気のハウス ウィズアウト ア キーでのお食事をお楽し みください。

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THE ART OF WELLBEING アート・オブ・ウェルビーイング

The Art of Wellbeing is Halekulani’s new wellness concept representing an evolution of our acclaimed spa program, designed to expand intellect, incite wonder, and tap into emotions necessary for wellbeing. 「アート・オブ・ウェルビーイング」 は、知性を広げ、驚きと感動を与え、健やかな心と体へと導く感情を引き出すためにハレクラニが掲げる幸せの新しいコンセプトです。

Encompassing our dedication to and deep respect for

伝統、 レガシー、 ハワイ文化へのこだわりと深い敬意を込めたこのプログラムは、 より上質で

tradition, legacy, and the culture of Hawai‘i, this program is a

彩り豊かなライフスタイルを実現するための総合的で新しいアプローチです。栄養、運動、探

collection of curated experiences that offer an integrated and refreshed approach to an elevated lifestyle, combining six key pillars: nourish, move, explore, renew, rest, and discover.

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検、再生、休息、発見という6つのキーワードをもとにキュレートされたウェルビーングを向上 する体験の数々を提供しています。

IM AG E BY MA R K K U S HI MI

A

H U I

H O U

HALEKULANI FINE ARTS COLLECTION ハレクラニ・ファイン・アート・コレクション

For an elevated art experience, explore a curated selection of works from local art legends and rising contemporary artists throughout the hotel. ホテル内の随所にて、 ハワイの巨匠アーティストや新進気鋭のコンテンポラリーアーティストによる選りすぐりのアート作品の数々をご鑑賞ください。

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