Nicolás J. Escobar Ruiz
Nicolás J. Escobar Ruiz
Linares López Pedro
La talla y pintura de alebrijes requiere habilidades artísticas específicas, como la habilidad para tallar madera y aplicar detalles pintados con precisión. Los talleres y cursos de alebrijes proporcionan una plataforma para el desarrollo de estas habilidades.
La creación de alebrijes fomenta la creatividad y la imaginación, ya que los artesanos y estudiantes tienen la libertad de diseñar y pintar sus propias criaturas fantásticas.
Descripción
Técnica artística
Escultura de papel maché y cartón.
Lugar
México
Lugar de circulación
Museo de los Niños de Indianápolis
Relación con los procesos educativos
Los alebrijes tienen una relación valiosa con la educación al promover la preservación cultural, el desarrollo de habilidades artísticas, la estimulación de la creatividad y la imaginación, y la contribución al turismo y la economía locales. Además, la enseñanza y práctica de esta tradición artesanal contribuye a la transmisión de conocimientos y habilidades a las generaciones futuras.
Los alebrijes son mundialmente conocidos, ya que son las divertidas figuras de animales fantásticos, hechas a base de cartón y papel maché. Entre los colores brillantes que visten y la mágica fantasía e historias que se cuentan sobre las figuras, estos pequeños animales son muy famosos en México, y son considerados como productos únicos de la tradición del arte popular mexicano. Los alebrijes son artesanías tradicionalmente elaboradas en el estado mexicano de Oaxaca y han sido reconocidas y adaptadas a distintas formas de arte en los medios. Actualmente las pequeñas figuras de papel maché han hecho apariciones en películas, murales, pinturas y hasta se han adaptado para ser enormes esculturas en las que se puede admirar cada detalle de la técnica que Pedro Linares López.
El Pájaro Alegrife.
David Alfaro
Siqueiros
Técnica artística
Piroxilina sobre masonite y celotex en bastidores metálicos semielípticos
Formato
Muros de 8 x 5 mts, techo de 160 m²
Lugar
Chile
Lugar de circulación
Colegio México, Ciudad de Chillán, Chile.
Relación con los procesos educativos
El muralismo fue un movimiento artístico y cultural que no sólo transformó el paisaje artístico de México, sino que también desempeñó un papel importante en la educación al promover la apreciación del arte, la identidad cultural y el pensamiento crítico.
Los murales estaban ubicados en espacios públicos, como escuelas, edificios gubernamentales y otras instituciones. Esto significa que eran accesibles para una amplia audiencia, incluyendo a estudiantes de todas las edades y niveles educativos.
Muchos murales tenían un mensaje social o político. Abordaban cuestiones como la justicia social, los derechos laborales, la lucha contra la opresión y otros
temas relevantes para la sociedad. Esto proporcionaba a los espectadores una perspectiva educativa sobre cuestiones importantes.
Los murales a menudo representaban situaciones y personajes complejos que requerían un análisis crítico. Esto fomenta la reflexión y la discusión entre los espectadores, promoviendo así la capacidad de pensar críticamente.
Muchos artistas muralistas, como Diego Rivera, enseñaron y colaboraron con jóvenes artistas en la creación de murales. Esto proporcionó una valiosa oportunidad de aprendizaje y mentoría para la próxima generación de artistas.
Los murales del movimiento muralista siguen siendo una fuente de inspiración para artistas, estudiantes y activistas de todo el mundo. Su legado perdura como un ejemplo de cómo el arte puede tener un impacto significativo en la educación y la sociedad en general.
Descripción
El pintor David Alfaro Siqueiros fue uno de los máximos representantes del muralismo mexicano junto a José Clemente Orozco y Diego Rivera. Hizo gala de un temperamento aguerrido, siempre convencido de la importancia del arte como vehículo para la formación de la conciencia popular por medio de una nutrida obra teórica.
Al mismo tiempo, destacó por el ser más arriesgado de los muralistas al nivel estético y técnico, ya que no se limitó al fresco. Por el contrario, investigó el uso de nuevos materiales como la fibra de vidrio y técnicas como los escultomurales.
Muerte al invasor (1941 - 1942).Cândido Portinari
Café (1935).
Portinari apoyó la creación de instituciones educativas dedicadas al arte y la cultura. Fue uno de los fundadores de la Escola de Artes Visuais do Parque Lage en Río de Janeiro, que sigue siendo una destacada institución de educación artística en Brasil.
Descripción
Técnica Artística
Óleo sobre tela
Formato
130 x 195 cm.
Lugar
Brasil
Lugar de circulación
Museu Nacional de Belas Artes. Rio de Janeiro
Relación con proceso educativos
Cândido Portinari tuvo una profunda influencia en la educación, especialmente en el ámbito de la educación artística. A través de su arte y su compromiso con la promoción de la cultura y la educación, dejó un legado que sigue inspirando a generaciones de artistas y educadores en Brasil y en todo el mundo.
Portinari a menudo incluyó temas relacionados con la educación en sus pinturas. Por ejemplo, en su famosa serie de murales en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, titulada “Guerra y Paz”, se observan escenas que resaltan la importancia de la educación y la cultura en la sociedad.
En 1930 regresó a Brasil con un fuerte deseo de pintar la realidad de su pueblo con un nuevo lenguaje pictórico. Muchos de los murales que realizó en esta etapa fueron encargados por el dictador Getulio Vargas, lo que no le impidió retratar de manera dramática la realidad social y humana del país. Portinari mostró siempre en su pintura la tragedia de los pueblos y las gentes menos favorecidas; es constante la presencia del obrero, del campesino, del niño, de la mujer, así como la preocupación religiosa. Trabajó en una línea abstracta sólo como experiencia de estudio y, aunque recibió influencia de la pintura abstracta, la figuración fue siempre más fuerte en él.
A lo largo de su vida, Portinari pintó innumerables murales no sólo en Brasil, sino en otros países. En 1935 recibió su primer reconocimiento en el exterior: fue mención honorífica en la exposición internacional del Instituto Carnegie de Pittsburgh, Nueva York, con su pintura Café.
Tarsila do amaral
Técnica artística
Óleo sobre tela
Formato
150 x 205 cm.
Lugar
Brasil
Lugar de circulación
Palácio Boa Vista, Campos do Jordão, São Paulo (Brasil).
Relación con proceso educativos
Tarsila do Amaral desempeñó un papel importante en la educación artística en Brasil al desafiar las convenciones y promover una visión más innovadora y nacionalista del arte. Su legado continúa siendo una fuente de inspiración y aprendizaje para estudiantes y educadores en el campo del arte.
Junto a otros artistas modernistas, Tarsila contribuyó a la transformación del panorama artístico y edu cativo de Brasil. Su participación en el Movimiento
Modernista Brasileño ayudó a impulsar una nueva forma de entender y enseñar el arte en el país.
A través de su arte, Tarsila desafió las convenciones académicas y tradicionales de su época. Esta actitud de ruptura con lo establecido también se traduce en una postura que anima a los estudiantes a cuestionar y explorar nuevas formas de expresión artística.
Tarsila do Amaral es conocida por sus obras que abordan temas nacionales y sociales, como la representación del folclore brasileño y la crítica a la desigualdad. Esta perspectiva educativa implica la conciencia social y la comprensión de la cultura y la historia de Brasil.
Descripción
En 1933, pasó a desarrollar una pintura más conectada a temas sociales, de la cual son ejemplos las telas Obreros y Segunda Clase. Expuso en las dos primeras Bienales de São Paulo y ganó una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM) en 1960. Se le dedicó una sala especial en la Bienal de São Paulo de 1963 y, el año siguiente, se presentó en la 32. Bienal de Venecia. Fue una pintora brasileña, la más representativa del movimiento modernista brasileño.
Obreros/Operarios (1933).Gracia Barrios
Técnica artística
Óleo sobre tela
Formato
151 x 246 cm
Lugar Chile
Lugar de circulación
Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
Relación con proceso educativo
Su trabajo artístico y su compromiso social desempeñaron un papel educativo crucial al concientizar a la sociedad sobre los problemas políticos y sociales de Chile. Su legado continúa siendo una fuente de inspiración para aquellos que buscan utilizar el arte como una herramienta para el cambio y la educación social.
Sus pinturas capturaban la realidad social de Chile, representando a las clases trabajadoras, los movimientos sociales y los efectos de la dictadura en la po blación. Esta representación educativa proporcionó a la gente una visión más profunda de los desafíos que enfrentaba el país.
Descripción
A lo largo de su extensa trayectoria artística, Gracia Barrios ha demostrado una constante preocupación por los problemas políticos y sociales de su contexto cercano, eligiendo como tema central de su obra la condición humana, los sueños y el sufrimiento de hombres y mujeres. Si bien sus primeras obras fueron dibujos y pinturas figurativas, en los 60 y alineada con las propuestas de Signo, su pintura asumió un tono más cercano al informalismo y la abstracción: en sus trabajos predominó el gesto y la experimentación matérica en tonalidades oscuras dadas por la utilización de tierras.
Sin título (América) (1971).
Nemesio Antúnez
Técnica artística
Litografía y lápiz sobre papel Formato
33 x 50 cm
Lugar Chile
Lugar de circulación
Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
Relación con proceso educativo
Desempeñó un papel significativo en la educación artística en Chile a través de su trabajo como educador, su promoción de la importancia de la educación artística y su contribución al desarrollo cultural del país. Su legado perdura como un ejemplo de la influencia positiva que un educador comprometido puede tener en la formación de futuros artistas y en el enriquecimiento de la educación cultural y artística.
Antúnez creó obras de arte que tenían un enfoque educativo y didáctico. Sus pinturas y grabados a menudo representan temas y técnicas que pueden ser estudiados y aprendidos por estudiantes de arte y entusiastas del arte.
Antúnez participó en programas y actividades que fomentaban el intercambio cultural y educativo entre
Chile y otros países. Esto contribuyó a la internacionalización del arte chileno y al enriquecimiento de la educación artística en el país.
Descripción
El trabajo artístico de Antúnez se caracteriza por su gran contundencia, aquello puede verse reflejado igualmente en su rol como agente cultural. A lo largo de su trayectoria, el artista desempeñó varias funciones, que incluyen labores de enseñanza y difusión del arte, puestos directivos y cargos diplomáticos. Así, en 1956, y tras regresar de una estancia en París, fundó el Taller 99 en Santiago, donde se propuso replicar la experiencia del “Atelier 17”. Dicho espacio se convirtió en una de las más relevantes instancias para la instrucción y práctica del grabado en Chile, en el cual participaron artistas tan relevantes como Roser Bru, Dinora Doudchitzky, Eduardo Vilches y Juan Downey.
Almuerzo en Quinchamalí (1955).
Inti castro
Relación con proceso educativo
Su contribución al mundo del arte urbano y su impacto en la comunidad artística demuestran cómo su trabajo puede ser educativo y formativo para aquellos que interactúan con su arte. Su presencia en la escena artística contemporánea contribuye a la diversidad y el enriquecimiento cultural en Chile y en el mundo.
Inti ha participado en talleres y workshops tanto en Chile como en el extranjero. Estos eventos ofrecen a los participantes la oportunidad de aprender sobre técnicas de arte urbano, composición artística y otros aspectos relacionados con la creación de murales.
A través de su arte, Inti a menudo destaca temas relacionados con la cultura y la historia de Chile. Sus obras son una forma educativa de compartir la riqueza cultural del país con audiencias locales e internacionales.
Inti ha colaborado en proyectos comunitarios que involucran a la población local en la creación de murales. Esto fomenta el sentido de pertenencia y empoderamiento de la comunidad, así como la apreciación por el arte y la creatividad.
Descripción
(2019).
Técnica artística Muralismo
Formato
150 m2
Lugar
Chile
Lugar de circulación
Frontis de la Universidad de Santiago, Santiago, Chile.
INTI es uno de los muralistas chilenos más consolidados y reconocidos en el mundo. Con más de 20 años de trayectoria, su obra se puede apreciar en muros repartidos por los cinco continentes. Los trabajos de INTI se inspiran fundamentalmente en las culturas andinas y precolombinas, rescatando y redefiniendo iconografías y símbolos que son al mismo tiempo ancestrales y contemporáneos. El sincretismo es su método de creación, esto representa la conciliación de ideas procedentes de ámbitos culturales diferentes, y más específicamente por la unión forzada de culturas y religiones. Los elementos e iconografía que usa vienen de Latinoamérica, de situaciones, personas, o culturas con las que se ha sentido identificado y reconocido como parte de sí mismo.
Primavera InsurrectaCamila Rosa
Técnica artística
Ilustración Digital
Formato
Póster Ilustrado
Lugar
Brasil
Lugar de circulación
Bolonia, Italia.
Relación con proceso educativ
Expresa su compromiso en promover la visibilidad y la apreciación de la cultura afrodescendiente en Brasil y en el mundo. Su arte es una forma de celebrar y honrar la rica herencia afrobrasileña. En base a esto, su aporte en los procesos educativos va desde la exploración sobre temas de identidad, empoderamiento, amor propio y la importancia de la representación cultural en el arte. A través de sus obras, busca transmitir un mensaje positivo y alentador.
ActionAid Italia comisariadas por Cheap Festival para discutir la ecología radical durante el Festival della Partecipazione (2022).
Descripción
Camila busca defender su posición en contra del racismo, la desigualdad y demás, representando la lucha en sus imágenes.
A pesar que toca temas políticos y de fuerza a la mujer, ha mencionado que se concederá una activista dentro de los movimientos. Para ella, ser una activista es estar presente participando en las actividades realizadas por el movimiento, no solo generando arte; así que si bien se considera una artista política, no le gusta ser llamada activista.
Rosa ha mencionado abiertamente que considera su inspiración algo cliché, ya que le funciona el caminar por la calle, observar a la gente y sus alrededores, y escuchar música.
Además de esto, los movimientos como el feminista, LGBTQ+, el veganismo y los grupos punk de Brasil le generan una gran inspiración.
Francisco Toledo
En diciembre de 2014, tras la desaparición de los 43 estudiantes normalistas en Ayotzinapa, Francisco Toledo diseñó y armó 43 papalotes con los rostros de los estudiantes desaparecidos. Dichos papalotes fueron elevados al cielo por alumnos de una primaria en Oaxaca y el propio maestro Toledo.
“Hay una costumbre del sur: cuando llega el Día de Muertos se vuelan papalotes porque se cree que las almas bajan por el hilo y llegan a tierra para comer las ofrendas; luego, al terminar la fiesta, vuelven a volar. Como a los estudiantes de Ayotzinapa los habían buscado ya bajo tierra y en el agua, enviamos los papalotes a buscarlos al cielo”, comentó el artista.
Relación con proceso educativo
Francisco Toledo fue un defensor apasionado de la cultura y el patrimonio de Oaxaca, así como de la preservación del medio ambiente. Fue una figura destacada en la lucha por la conservación del centro histórico de Oaxaca y se involucró en diversas causas culturales y sociales.
Toledo fundó y apoyó diversas instituciones y proyectos relacionados con las artes y la educación en Oaxaca. Fue un impulsor de la creación del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) y el Centro de las Artes de San Agustín (CaSa).
Descripción
Francisco Toledo es recordado como un artista profundamente comprometido con su tierra natal, Oaxaca, y como una figura clave en la escena cultural y artística de México. Su legado perdura a través de su obra y las instituciones que fundó, que continúan promoviendo las artes y la cultura en la región.
Francisco Toledo es recordado como un artista profundamente comprometido con su tierra natal, Oaxaca, y como una figura clave en la escena cultural y artística de México. Su legado perdura a través de su obra y las instituciones que fundó, que continúan promoviendo las artes y la cultura en la región.
Francisco Toledo fue un pintor prolífico y sus obras abarcaron una amplia variedad de estilos y temas. Su estilo artístico era a menudo caracterizado por la fusión de elementos surrealistas, realistas y simbolistas. Toledo era conocido por su habilidad para capturar la riqueza cultural y natural de Oaxaca en sus pinturas. Toledo también se destacó en el campo del grabado. Sus obras gráficas muestran una maestría técnica y una sensibilidad artística única. Fue uno de los impulsores del renacimiento del grabado en México.
Además de su trabajo en pintura y grabado, Toledo incursionó en la escultura. Sus obras escultóricas a menudo incorporaban materiales naturales y elementos orgánicos.
Técnica artística
Impresión de linóleo sobre papel.
Lugar
México
Lugar de circulación
Centro Cultural Independiente “El Ocote”, Oaxaca, México.
Papalotes por los 43 de Ayotzinapa (2014).
Carlos Páez Vilaró
Técnica artística
Acrílico sobre tela
Formato
1,83 x 2,60 mts.
Lugar
Uruguay
Lugar de circulación
Museo del Carnaval, Montevideo, Uruguay.
El Carnaval, destaca entre otros por celebrarse sobre escenarios; igualmente, es muy crítico, teatral y musical. Además, cuenta con una duración aproximada de 40 días (el más largo del mundo). En el mismo se escuchan varios ritmos como: La murga, el candombe y las parodias. La festividad se disfruta de la misma manera que un campeonato de fútbol: con sus mismas alegrías y enojos, por lo que se vive con pasión.
El carnaval uruguayo tiene un fuerte componente social y competitivo. Se desarrolla sobre los tablados: escenarios en donde todas las noches se reúnen distintas agrupaciones para participar del concurso que se organiza entre éstas y el Estado, a los cuales el público asiste para disfrutar del espectáculo.
Veamos cómo surgió esta celebración que viene a ser el reflejo de una sociedad, producto de la mezcla entre múltiples culturas.
Relación con proceso educativo
Carlos Páez Vilaró tuvo una relación con la educación que se centró en la promoción del arte, la cultura y la creatividad. Aunque no fue un educador formal en el sentido académico, su legado artístico y su influencia en la comunidad fueron educativos en sí mismos.
A través de su obra y su estilo de vida, Páez Vilaró ofreció experiencias educativas informales a aquellos que visitaban Casapueblo o se familiarizaban con su trabajo. La interacción con su arte y su entorno tenía el potencial de inspirar y enseñar sobre la expresión creativa y la apreciación del arte.
Después de su fallecimiento, el legado artístico de Carlos Páez Vilaró continúa siendo una fuente de inspiración para jóvenes artistas y entusiastas del arte en Uruguay y más allá. Su estilo y enfoque artístico han influido en generaciones posteriores de artistas.
Descripción
La pintura de Carlos Páez Vilaró se nutre de un periplo inacabable de aventuras y desafíos. Tomando del paisaje y de las diferentes culturas todo aquello que lo impactó, y plasmándolo a su manera en cientos de cartones y telas, fue enriqueciendo su obra y tomando coraje para seguir batallando en la búsqueda del arte. Autodidacta, no le fue fácil sortear e ignorar reglas impuestas dentro de la pintura, para guiarse con total libertad y descubrir su propio estilo. Con el obstáculo como mayor estímulo, y con una brillante capacidad de producción, conquistó la admiración y el reconocimiento de las gentes. Expuso sus obras en museos y galerías del mundo entero. El destino quiso que en su andar se encontrara con grandes maestros como Pablo Picasso, Salvador Dalí, Giorgio De Chirico, Jean Cocteau, Jean Cassou, Alexander Calder o Andy Warhol entre otros, que lo animaron y estimularon cuando daba sus primeros pasos como artista fuera del Uruguay. Quebrando la rutina de pintura de caballete, Carlos Páez Vilaró siempre se ha sentido empujado a encarar obras de mayor dimensión, escapando del bastidor para alcanzar el muro.
Sin título (2009).