Artcertificate | Magazine Art4Any d'avril 2021

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art4any N°6 | AVRIL | 2021 WWW.ART4ANY.COM

Coups de Projecteur sur 25 Artistes

© Art4Any

CLAUDE SAUVAGE FLORENCE JARRIGE

INVITÉ D’HONNEUR

PHILIPPE FARES ANDRE FARNIER LAURENCE TRECENO STEPHANE CIRCE



ADELIA CLAVIEN MADONA


PHILIPPE FARES

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STÉPHANE CIRCÉ

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ADELIA CLAVIEN

THIERRY DURAND

FLORENCE JARRIGE

art4any

CATHERINE PUGEAT

LOUIS DE CLIPPEL

LAURENT PHEULPIN

CHANTAL LALLEMAND

CHRIS JANO

GENEVIÈVE DUC

MARTY

ANDRE FARNIER

LAURENCE TRECENO

CLAUDE SAUVAGE

GERARD DUCHENE LAURIE PLAQUET KAMEL BRICHNI

GILLES AUBERT

REGINE PELTIER

MARIE ISABELLE FONSECA

F.A.P KO.

SOPHIE LECESNE WALLACE AZOR

FRANCOIS BIANCHI

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INVITÉ D'HONNEUR PHILIPPE FARES

EDITORIAL

Philippe Fares en tant que sculpteur contemporain plasticien conçoit et réalise lui-même ses créations sans aucune sous-traitance extérieure. L’élaboration d’une œuvre se fait en quatre étapes. Dans un premier temps, il confectionne un véritable avant-projet avec des croquis réalisés sur papier. Vient ensuite le projet proprement dit avec une phase de dessins, de calculs mathématiques, de géométrie descriptive et d’études sur la résistance des matériaux. Les méthodes de fabrication et la façon dont va être réalisée la pièce constituent l’étape suivante.

L’artiste rassemble alors l’ensemble des matériaux qui vont composer l’œuvre. À l’instar de sa sculpture métal, Le stade final de la fabrication est souvent réalisé par assemblage permanent, avec collage structural de formes en 3D et de surfaces réglées ou non dans l’espace. L’artiste utilise principalement des matériaux de dureté et de densité équivalente, en rapport avec les colles préconisées (métal, verre, granit, céramique, ardoise massive, etc. / colles époxy ou polyuréthanes et polymères). L’objectif est d’éviter une anisotropie excessive dans ses créations.

Artiste Ingénieur Sculpteur


A L’HONNEUR

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PHILIPPE FARES Artiste Ingénieur Sculpteur

P

hilippe Fares est né le 8 décembre 1958 à Paris. Il est père de deux enfants. L’artiste a grandi en Afrique subsaharienne où il a été sensibilisé aux arts plastiques et plus précisément aux Arts premiers. Sa mère, professeur de français, lui enseignait les nuances et différences dans l’Art des civilisations traditionnelles bantou, peul et bamiléké.

De retour en France à l’âge de 16 ans, il parfait sa culture des Arts occidentaux et suit des études scientifiques qu’il achèvera par un diplôme d’ingénieur (ESTP Paris).

Philippe Fares conçoit et réalise des formes en volume qui interagissent le plus souvent avec leur environnement direct. En majorité composé de surfaces réglées, son corpus de créations est intrinsèquement lié aux mathématiques et à la géométrie.

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L’artiste procède par assemblage structurel permanent pour élaborer ses travaux. Le ciment, le béton, la céramique, le verre, le métal ou le bois constituent l’essentiel des matériaux utilisés pour la réalisation des sculptures.

Philippe Fares compare la construction d’un grand bâtiment à la réalisation d’une gigantesque sculpture. Le rapport entre couleurs, dimensions et positions est essentiel.

La proportion entre l’horizontale, la verticale et la profondeur est à l’image des trois dimensions qui nous entourent. Elle se conjugue avec les oppositions qui régissent d’une façon générale la vie et l’espace, le plus et le moins, ce qui existe et ce qui n’existe pas.

Internet : https://philippefares.fr Email : philippe.fares@icloud.com


L'Art et la Mathématique sont enchaînés par une abstraction mutuelle, déraisonnée.

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ANNEAU A1

Calculs de structures, résistance des matériaux, géométrie descriptive : autant de techniques qu’il utilise aujourd’hui notamment dans l’élaboration de ses pièces (optimisation des formes, choix des matériaux, etc.).

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BLACK SHARDS

La lumière artificielle baigne certaines de ses créations dans un champ chromatique spécifique et amplifie le contraste des lignes directrices. La dimension de l’œuvre est essentiellement déterminée par l’architecture qui l’encadre ou l’espace orthonormé avoisinant, lui-même redéfini par des projections de lumière.

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Philippe Fares est un artiste sculpteur qui considère la lumière (naturelle ou artificielle) comme un élément clef de la plupart de ses créations à caractère géométrique complexe. INVADER

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SPHERE

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ADELIA CLAVIEN L’inspiration orientée vers la singularité

A

délia Clavien originaire de Miège (VS) est née au Portugal et établie en Suisse depuis 1981.

En Valais elle a pendant longtemps côtoyé le milieu artistique mais c’est à St. Gall qu’elle a suivi ses premiers cours de peinture et fait ses débuts en photographie.

Dans les années 2000 elle s’établit à Lausanne puis à Trélex. Curieuse et passionnée, elle a depuis son plus jeune âge une fascination pour les Arts et est active depuis plus de 20 ans dans le domaine de l'informatique.

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Internet : http://www.adelia.ch Email : adelia@adelia.ch

Afin de consacrer plus de temps à ses activités artistiques (photographie, peinture, musique et danse) elle travaille à 80%. Autodidacte, elle a plusieurs cordes à son arc ; parle plusieurs langues, joue de plusieurs instruments, maîtrise les nouvelles technologies et a une facilité naturelle dans les relations humaines.

Quelques mots d’Adelia par rapport à sa technique mixte (photo & peinture) sur toile. La technique mixte apporte une dimension supplémentaire à mes ouvres car elle la foisonne d'éléments, de textures, de détails et permets d’explorer les interactions entre les différents médiums et instruments graphiques.

Mes tableaux « technique mixte » sont des compositions contenant jusqu’à 15 photos (ou plus) superposées et traitées numériquement. La photo base et plusieurs autres photos superposées qui viennent elles apporter le côté artistique.

Une fois le montage effectué l’image numérique il est imprimé sur de la toile. Cette toile est ensuite peinte avec différents médiums tels que : Acrylique, Fusain, Sable, Vitrail, Plâtre, Bitume de Judas, etc. Le tout étant ensuite recouvert de résine époxy.


DANS L'ART CONTEMPORAIN, LA SYNERGIE, ENTRE DIFFÉRENTES FORMES D'EXPRESSION A SOUVENT FUSIONNÉ POUR DONNER VIE À DE NOUVELLES MANIFESTATIONS D'UNE INSPIRATION CRÉATIVE FORTEMENT ORIENTÉE VERS LA SINGULARITÉ.

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STÉPHANE CIRCÉ

Un regard différent sur l'homme

J

e suis un artiste, peintre et sculpteur autodidacte. Mon initiation à la sculpture remonte aux années 2000, bien que je la pratiquais de façon sporadique depuis quelques années.

J'utilise différents médiums pour construire mes pièces soit la broche, le plâtre, le verre concassé et du métal récupéré, etc. Je travaille avec l'acrylique principalement que j applique au couteau ou à la spatule.

Mes tableaux sont de style figuratif et semi figuratif. Je suis aussi artiste sculpteur. Je travaille mes pièces à partir de broche et de platre pour ensuite en faire des bronzes et travaille aussi directement avec la broche à laquelle je greffe du verre, du métal récupéré ou toute autre matière qui m inspire.

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C'est suite à une journée "portes ouvertes" à Inverness pour en faire la visite des fonderies du village que mon profond désir de produire des bronzes est né.

J'ai depuis sept pièces de coulées, une représentation en bronze de mes Humains-mutants. J'aime représenter des personnages longilignes, au genre indéfini qui laissent entrevoir leur sensibilité, malgré la rusticité de certains de leurs membres.

Des humains qui, tout en ressemblant à tout le monde, ne ressemblent à personne. J'essaie d'illustrer, à la fois, la souffrance et la joie d'être humain. Je privilégie souvent le côté original, marginal, non-conforme, au côté purement esthétique lorsque je crée mes pièces.

Mon rapport avec la sculpture est maintenant quotidien. Celle-ci prend désormais dans ma vie la place qu'elle aurait dû prendre depuis longtemps. Les idées fusent et mon envie de partager mes idées, mon évolution et mon travail est très sincère.

www.gallea.ca/en/artists/stephane-circe Email : stephanecirce@outlook.com


UNE FAÇON DE METTRE UN PEU DE LAIDEUR DANS CE QUI EST TROP BEAU OU ESTHÉTIQUE

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COUP DE COEUR

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THIERRY DURAND J'ai appris seul devant mon chevalet

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'amour de la peinture figurative Spécialiste du portrait et du nu, Thierry Durand est un artiste professionnel depuis une dizaine d'années.

Sa passion pour l'art remonte à son plus jeune âge s'intéressant à tous les grands peintres du XV siècle à nos jours.

Autodidacte, il commença comme beaucoup par le dessin d'une part, puis la peinture par la suite, restant dans le figuratif qu'il affectionne particulièrement, pour la beauté d'un visage qui vous dévoile son âme ses sentiments les plus profonds, des plus beaux aux plus sombres, les courbes d'un corps baigné de lumière ou en clair-obscur.

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Internet : thierrydurand57.com Email : thierrydurand57@gmail.com

Seul devant mon chevalet, la peinture est en moi, je ne peux m'en passer. J'ai appris seul devant mon chevalet après des heures et des heures de travail. J'achève une toile,

j'en attaque une autre. Ma production est lente, je n'en réalise que 7 à 8 par an.

Je peins d'après-photographie que je fais moi-même pour saisir l'instant clé, ce moment magique et éphémère, puis une alchimie se produit et me dévore, je dois m'efforcer de la transcrire sur la toile comme pour me libérer et pouvoir passer à une autre. Lorsque je peins, j'aime pousser les détails sur certaines parties : dentelle, mèches de cheveux, un regard.

Puis vient le temps ou le public lors d'une exposition découvre les toiles, certains y ressentent des émotions, une certaine beauté, d'autres sont indifférents. C'est le prix à payer pour un artiste. La force de l'art, c'est sa diversité, sachez l'apprécier.


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FLORENCE JARRIGE

Tombée dans la sculpture dès l’enfance

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l’instar d’un célèbre gaulois, Florence est tombé dans la sculpture dès sa plus tendre enfance, en effet ses parents sont des passionnés de géologie.

La pierre sous sa forme brute la passionne très vite est la logique voudra que Florence en face sa matière première pour son art. Florence voyage aux Etats-Unis et suit une formation au musée de la sculptrice Elisabeth Ney à Austin au Texas.

Revenue en France en 2002, elle suit une formation de tailleur de pierre et ornementation, et entre autres aussi à la restauration des prestigieux calvaires bretons de Plougastel et de Guimillau.

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Florence taille, taille et taille encore la pierre avec sensibilité, avec technique et avec amour du bel ouvrage, elle cherche la perfection du détail sans pour autant délaisser le brut, elle aime ce contraste du fini pas fini, de l’œuvre

qui comme le jour sort de la nuit au petit matin et dévoile la splendeur de son ouvrage, de son art.

Florence aime passionnément la pierre brute, désormais elle souhaite passer à une autre étape, celle des grosses pierres, des blocs à taille humaine pour en faire des œuvres aussi grandes que belle. Son nouveau projet, un bloc brut de 800 kilos de taille de 180 x 50 x 50 cm.

Tout comme un photographe utilise le noir et blanc pour illustrer l’intemporalité de sa prise de vue, Florence utilisera le brut et le poli dans cette œuvre. 200 kilos de minéraux en moins, ce bloc de pierre dévoilera des grandes parties polies est des plus petites brutes afin d’illustrer les confins du réel, de sa recherche intérieure, d’une quête de vérité au-delà du visible.

Gageons que le résultat laissera interrogateur le spectateur dans son interprétation de l’œuvre.

www.sculptureflorencejarrige.com Email : jarflo@free.fr


ELLE TAILLE, TAILLE ET TAILLE LA PIERRE AVEC SENSIBILITÉ

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United Artists Store présente

DES ARTISTES À VOUS COUPER LE SOUFFLE ! VISITEZ NOTRE GALERIE

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CATHERINE PUGEAT

Elle crée ces mouvements de vie tout en souplesse

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a peinture s’est révélée à Catherine Pugeat après la douloureuse perte de l’être aimé. Elle a alors réalisé la préciosité et la fragilité de la vie mais aussi son caractère inexorablement éphémère. Pour faire face à la souffrance, Catherine a choisi d’agir, d’avancer malgré ce qu’elle a perdu : elle a décidé de faire confiance à la vie, d’être dans la vie, de rester « en vie ». Ainsi ont commencé ses premiers pas vers la peinture…

Après une longue pratique et une longue expérience, Catherine Pugeat commence à percevoir ce que la peinture lui apporte : cet art lui permet de ressentir à nouveau l’apaisement, en l’invitant à faire silence. C’est dans ce silence intérieur que Catherine renoue avec la vie, en écoutant son mouvement, en le ressentant pleinement.

www.unitedartists.store/ catherine-pugeat

La pratique artistique de Catherine Pugeat est tournée vers l’abstraction, un expressionnisme abstrait où se mêlent teinteséclatantes, associations osées, gestuelle singulière qui font sa signature plastique, son identité d’artiste peintre. Privilégiant les grands formats, généralement sur des formes carrées qui

symbolisent la stabilité, la terre, Catherine utilise de nombreux outils tels les couteaux, les chiffons, les brosses, mais aussi ses doigts qui lui permettent de délier ses gestes, de toucher à son but : l’équilibre esthétique ou parfois, a contrario, le déséquilibre.

Grâce à la peinture à l’huile, son médium d’expression favori, elle crée ces mouvements de vie tout en souplesse et en sensualité. La peinture est volontairement épaisse, peu mélangée, et souvent associée à des collages de matière tels que la pâte à papier, le tissu, le sable… Sa gestuelle est libre, à la fois spontanée et déterminée ; Catherine étale la vie dans une matière onctueuse, pleine de couleurs vives, révélant ainsi le mouvement vital.

Ses œuvres questionnent la vie dans ses battements, ses ondulations, sa lumière et ses contrastes. Débordantes d’énergie, les peintures de Catherine Pugeat nous font ressentir l’urgence d’arracher la vie au néant. Tout ceci dans le plus profond silence, pour mieux la ressentir…

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LOUIS DE CLIPPEL Un œil, un objectif, une photo

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ouis De Clippel, c’est… le nom d’artiste photo (depuis novembre 2018) de Christian Lange (voir art4any de janvier 2021). C’est un choix réfléchi afin de différencier son travail photo de son travail de peinture et de collage digital. Louis est son second prénom ; De Clippel, le nom de sa maman. Ce choix de nom d’artiste n’est donc pas une volonté d’être différent, puisqu’il est l’identité de son ADN, humaine mais également photographique.

En 2005, la photographie n'est encore pour lui qu'une passion d'amateur. Encouragé par ses proches qui lui voient un réel talent, il devient photographe professionnel. Les premiers travaux qui lui sont confiés sont les couvertures, ainsi que les photos d'illustrations intérieures de guides à Saint-Barthélemy.

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www.unitedartists.store/ louis-de-clippel

Puis les choses s'enchaînent : des agences immobilières font appel à lui pour capturer les images de villas, tout comme cellesd'hôtels ou de restaurants qui veulent immortaliser leurs soirées privées, etc.

À la recherche du meilleur visuel, il opte pour l'aérien afin de saisir les moments les plus rares de la St Barths Bucket. Cette régate réunit une trentaine des plus beaux voiliers privés au monde. « Je le fais pour mon plaisir immédiat et celui du moment où je partage mes clichés. Je crois que cette idée m'est venue en souvenir d'un voyage à bord du Star Clipper, un majestueux voilier, pour les cérémonies officielles d'ouverture de l'Exposition universelle de Lisbonne en 1998.» On emmène son passé dans ses malles…

Cet instinctif travaille au feeling. Ses centres d'intérêt s'étendent du domaine aérien aux voiliers, en passant par l'architecture et les avions. Pour lui, Yann Arthus-Bertrand est un excentrique qui a trouvé une façon originale de faire de la photo. Cependant, depuis que Louis De Clippel a découvert la photo aérienne, il reconnaît que c'est « la troisième dimension ».


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LAURENT PHEULPIN La symbolique des messages cachés

N

é à Neuchâtel (Suisse) en 1970, Laurent Pheulpin vit toujours dans cet endroit magnifique parmi lac et montagnes. De la littérature, du cinéma et de la musique qu’il affectionne, il retient la symbolique des messages cachés.

Dans l’idée de disséminer lui aussi des messages, Laurent Pheulpin plonge dans un nouvel univers : la photographie. Celle-ci s’avère un moyen d’immortaliser des paysages urbains mais aussi des visages en studio. Sensible aux qualités que peut offrir l’imagerie digitale, il l’utilise par moments lors du montage ou pour des retouches.

Sa première série de photos, exposée en Suisse normande, explore le concept de l’individualisme. Sous une lumière blême ou au contraire intense, il met en scène un sujet, bientôt dissous par la foultitude d’accessoires qui l’entourent.

www.unitedartists.store/ laurent-pheulpin

Sa seconde série de photos utilise la célèbre poupée Barbie, laquelle est par essence à la fois provocante et asexuée, triomphante et soumise, figée dans une éternelle jeunesse, en somme un

symbole fort pour exprimer les contradictions de notre époque. Mise en scène par Laurent Pheulpin dans des attitudes qui interrogent ou dérangent, l’artiste dénonce ainsi la violence sexuelle ou encore notre rapport à la mode ou à l’âge. Cette série ambitieuse a suscité l’émoi voire parfois le choc du public.

Qu’il questionne ou dénonce les failles de notre époque, l’art de Laurent Pheulpin n’en reste pas moins très prisé. Ainsi, son œuvre a été exposée au-delà des frontières de la Suisse : à la Galerie Böhner de Manheim (Allemagne) ou encore à Strasbourg.

Par ailleurs, l’artiste photographe a déjà reçu de nombreux prix : entre autres, le Prix Picasso (association Italia in Arte nelMondo) et le titre d’artiste du mois (magazine allemand KunstSpektrum).

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CHANTAL LALLEMAND

Chantal Lallemand, née à Gevrey-Chambertin (Bourgogne) et résidant en Normandie, tient son goût de l’art et de la broderie de sa maman, costumière et artiste peintre. Cette passion enfouie s’est révélée sur le tard, après une vie professionnelle mouvementée : infirmière, directrice d’établissement, cadre dirigeante. Des problèmes de santé l’amènent à interrompre sa carrière pour renouer avec la peinture et s’y consacrer…

Son travail est fusionnel avec sa toile : celle-ci posée à même le sol, ses pinceaux puis finalement ses mains, ses ongles, qui plongent dans la peinture, l’étalent sur la toile avec force ou douceur. La création est sans limites avec des matériaux comme la cassonade, la poudre pailletée ou encore la broderie de perles pour sublimer la matière. Cela donne une peinture abstraite nourrie par l’authenticité de ses émotions et par son intuition créative. L’œuvre de Chantal est exposée à Paris, Monaco, Londres, New York…

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unitedartists.store/chantal-lallemand

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CHRIS JANO

La peinture est un partage selon Chris Jano, animé par le plaisir de l’échange avec autrui. Sa passion lui vient de son grandpère, artiste peintre, qui l’emmenait enfant voyager sur les routes, le chevalet dans le coffre.

En 2018, après une carrière en tant que conseiller immobilier, Chris entreprend à son tour les prémices d’un voyage… dans le monde de l’art. Il aime la liberté qu’offre l’abstraction, d’où sa préférence pour l’art abstrait, laissant ainsi au spectateur la libre interprétation de son œuvre.

Dans son atelier situé dans le Morbihan, Chris fait danser ses spalters, ces larges pinceaux plats qu’il affectionne. Sur de grandes toiles carrées, il sculpte la couleur telle une matière, la modelant au gré de la lumière, emmenant le spectateur dans une balade picturale, un voyage en lui-même, tantôt effréné, tantôt plus apaisé. Dans l’œuvre de Chris Jano se révèle alors l’indicible : l’émotion pure, brute, nue.

unitedartists.store/chris-jano


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GENEVIÈVE DUC

Issue d’une famille d’artistes, Geneviève Duc a été bercée par les odeurs et les couleurs de l’atelier de sa mère et de son grand-père, artistes peintres. Passionnée très tôt par cet art, elle devient élève de l’École du Louvre puis ouvre son atelier de création en Dôme provençale, où elle donne également des cours de peinture.

Son inspiration lui vient du monde extérieur, de la société et ses fluctuations. D’abord attachée au figuratif, Geneviève a évolué vers une expression plus abstraite, teintée d’onirisme. Fascinée par la dualité entre le monde matériel et le monde invisible, elle donne à voir ce contraste dans ses peintures qui invitent à concevoir la vie autrement. Sa technique de prédilection : la peinture à l’huile qu’elle enrichit de feuilles métalliques et rehausse à l’occasion de poudre de gemmes.

Ses œuvres sont exposées un peu partout dans le monde : France, Allemagne, Pologne, Japon…

unitedartists.store/genevieve-duc

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MARTY

Marty est né à Chicoutimi (Québec) en 1969. Dès l’enfance, il est attiré par le cinéma et la bande dessinée. Le film d’animation de René Laloux « La Planète sauvage » est une révélation qui fait éclore sa passion pour le dessin.

Après des études en multimédia, informatique et psychologie, il poursuit finalement son rêve d’une carrière d’artiste. Influencé par Caza, Bak, Ferri ou encore Voka, le style de Marty, à la frontière avec la bande dessinée, est doté d’une forte identité. Plongeant dans le Pop Art, il nous offre une critique de la société de consommation, opposant sa beauté et son insouciance destructrice, nous éveillant à l’urgence d’agir pour le futur. Son format d’expression, la peinture numérique, n’est pas si différent de la traditionnelle : une page blanche, moult pinceaux, pour finalement donner une photographie ou une sérigraphie. Tout le long, ses émotions le guident pour parfaire son œuvre.

unitedartists.store/marty

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ANDRE FARNIER J’ai appris à voler de mes propres ailes

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eintre aquarelliste et pastelliste autodidacte, né à BORT LES ORGUES (19) j’ai passé mon enfance en Auvergne, puis c’est en Dordogne que j’ai fait toutes mes études, mais toujours une feuille de brouillon à coté de mon cahier de leçons, pour y griffonner les dessins qui me passaient par la tête.

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www.artquid.com/farnierandre Email : dedefarnier@gmx.fr

Après des études d’ajusteur et de perfectionnement en dessin industriel, j’ai fait divers travails et c’est à PARIS que ma carrière m’a conduit durant 15 années. Sur la Place du Tertre où je passais la plupart de mon temps libre, j’ai pioché ça et là pas mal d’astuces en regardant les différents artistes de ce lieu merveilleux.

Puis muté à SARLAT, donc de retour en Dans le Périgord je me suis inscrit à un cours d’aquarelle où je me suis perfectionné pendant une année, après une nouvelle mutation dans le Ribéracois , je me suis inscrit à deux cours au centre culturel de Ribérac . Puis une nouvelle mutation au L E P de Chardeuil m’a obligé de voler de mes propres ailes.

J’ai participé à plusieurs expositions régionales, nationales, internationales qui m’ont valu quelques récompenses et reconnaissances, mais la peinture reste pour moi un loisir pour le moment.


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LAURENCE TRECENO Sculptures en résine ornées de perles

UNIK’ART L

aurence Treceño est une artiste visuelle et graphiste franco-suisse qui vit et travaille à Zurich.

Son travail créatif allie esthétique et harmonie grâce à une combinaison de différents matériaux, formes, couleurs, arrière-plans et structures avec l’intention unique de faire appel à une émotion et une envie d’évasion chez le collectionneur.

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Internet : www.unikart.shop Email : lounikart@gmail.com


COUP DE COEUR

CECI N’EST PAS DE L’ART. C’EST UNIQUE!

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CLAUDE SAUVAGE

L’invention du rondisme/extraterrisme

Internet : www.artquid.com Email : artquid.com@claude.sauvage

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laude Sauvage est né le 4 juin 1940 du signe du Dragon. Qui rappel le YING et le YANG de la philosophie chinoise. Il prend le pinceau en 1958 en regardent sa mère dessiner et peindre des dessins de mode pour des grands couturiers. Après avoir étudié une cinquantaine de peintres ; il crée des œuvres dans des ronds, cela deviendra son univers sa marque de fabrique en les signant en monogramme (CS) au centre du tableau. Ce sera un style qui se diversifie ou les œuvres se métamorphose dans la réalité.

Il dépose à l'I.N.P.I. le style pictural l’art du rondisme/extraterrisme qui devra être divisé en trois périodes. C'est un mouvement pictural, déposé à l'I. N. P. I. Par claude sauvage. Les œuvres de claude sauvage sont représentées à l'intérieur de cercles, avec sa signature (cs) au centre du tableau dans un rond.

Son mouvement a pour but d'exprimer, de transmettre au peuple par des textes, des peintures, les informations que celui-ci aura bien voulu leur dire.

D'ailleurs les médias non pas attendus pour s'emparer et développer à outrance son concept dans le monde entier, par la mode le design la publicité, dans les revues, à la télé.

C'est donc bien dans des ronds, que maintenant l'on trouve partout et principalement par des logos tous les corps de métiers et sportifs, qu'ils soient publics ou privés.

À ce jour, ce n'est pas moins de 338.000 personnes sont venues rendre visite à ces œuvres sur son site. 7 300 Peintes du monde entier contribuent au développement de son mouvement ; l'art du rondisme/extraterrisme. En créant eux aussi des œuvres en rond.


CLAUDE SAUVAGE DE RENDRE AINSI COMPTE D'UNE PRODUCTION PICTURALE INSPIRÉE ET INSPIRANTE

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GERARD DUCHENE Portraitiste, mais pas que !

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urprenant parcours que celui de Gérard Duchêne… Né à Oran, cet aubois d’adoption a travaillé dans des secteurs aussi variés que la fonction publique hospitalière, le champagne ou encore l’assurance.

Et ce, sans jamais perdre de vue sa passion pour la chose artistique.

« J’ai toujours dessiné, confie-t-il. Plus jeune, je souhaitais faire les beaux-arts, mais mes parents n’étaient pas franchement emballés par l’idée. »

Trente-cinq ans plus tard(!), son épouse décide de l’y inscrire. « C’est grâce à l’une de mes professeurs que j’ai eu envie de faire desportraits. Depuis, je peins les gens que j’aime ».

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Internet : gerard-duchene.com Email : duchenegerard@yahoo.fr

Des membres de sa famille, mais aussi des personnalités comme Ray Charles ou Jimmy Hendrix, des

bluesmen, car il est fan de cette musique ou des icônes, comme Marilyn Monroe.

« Elle fait partie des légendes, au même titreque Gainsbourg. »

Il réalise aussi des portraits sur commande et dernièrement s’est attaqué aux « portraits de voitures ».

« J’aime la difficulté des portraits, car ils ont l’obligation d’êtreressemblants, j’ai une approche un peu photographique des sujets, mais je travaille à l’acrylique, ça me permet de libérer le geste, d’être proche de la réalité tout en la transcendant ». Le résultat est bluffant. Sonia Legendre


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LAURIE PLAQUET Ses émotions débordantes sont très inspirantes

L

aurie est une jeune artiste photographe qui se sert de l'art pour exprimer ses émotions et extérioriser ses démons intérieurs. Ultra sensible et passionnée, Laurie aime partager avec authenticité.

Ses émotions débordantes sont très inspirantes pour sa créativité, et elle aime s'en servir pour communiquer à sa façon ou encore sensibiliser à certaines causes.

Passionnée d'image, elle adore faire des photos avec tout et n'importe quoi, depuis toute petite, et s'intéresse à la photo plus approfondie depuis 2015. Elle commence par de la photo client classique pour rapidement céder à la pratique de la photo artistique, d'abord avec quelques modèles pour ensuite faire principalement de l'autoportrait.

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Internet : www.laphotografolle.com Email : objectiffeminin@hotmail.com

Elle adore être devant et derrière l'appareil photo en même temps, car cela lui permet d'exprimer pleinement tout ce qu'elle a sur le coeur, librement.

C'est une véritable thérapie pour elle, notamment avec la création d'un livre photo sur la dépression qu'elle décide de faire en 2020, lorsqu'elle traverse elle-même la maladie pour la deuxième fois de sa vie.

Elle réalise alors la série de photos entièrement en autoportrait et l'impact des clichés qui en ressortent est non seulement bénéfique pour elle mais aussi pour les personnes qui les voient, qui disent que cela les aide à mettre des mots sur leur souffrance ou à comprendre leurs émotions.

Elle espère aussi sensibiliser les gens à la cause, en démontrant que la dépression n'est pas un simple "coup de mou", et en essayant de casser les préjugés mais aussi les tabous sur la maladie.


COUP DE COEUR

Elle décide en même temps de partager cette expérience sur Youtube, possédant une chaîne avec plus de 4000 abonnés, et montre son quotidien avec la dépression, son combat à travers ce projet, et envoie un message d'espoir.

C'est d'ailleurs ainsi qu'elle nomme son projet : "Espoir", car c'est selon elle la clé indispensable pour s'en sortir, tant qu'il y a de l'espoir, il y a de la vie. Sa campagne de financement Ulule ayant été un succès, le livre est actuellement en vente sur son site internet.

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La dépression n'est pas un simple "coup de mou".

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18 K

KAMEL BRICHNI

La recherche théorique et la pratique artistique

amel Brichni est un artiste maquilleur chez Christian Dior, il a un double parcours de Plasticien-Graphiste et de Make up artist. Après l'Ecole des Beaux Arts, il a obtenu un DEA en Arts Plastiques à La Sorbonne et parallèlement il a fait une Ecole de Maquillage et d'Infographie. Il est intéressé par l'image, le corps, le portrait, la peau...

Un jeu autour de l'être et le paraitre. Sa façon de travailler évolue dans un environnement qui favorise innovation et création artistique. Un style assez graphique structuré, il aime jouer avec des matières et des textures différentes et varier les nuances, l'intensité et le contraste. L'homme et son temps

...Proposer des concepts et des thèmes, énoncer des mots et des phrases et extérioriser des images parait plus évident pour développer la recherche.

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La création se fond dans la continuité et la fluidité; l'acte résonne avec la question

de l'être, du temps et du rythme. Quand l'acte de création, la signature du créateur, se devine dans chaque tableau. Il ne s'agit pas simplement d'être différent mais de montrer ce qu'il peut échanger comme émotion, comme sensation.

Ses tableaux révèlent des portraits en apparition et disparition, un jeu entre l'être et le paraitre, l'éphémère et l'éternel, la différence et la répétition...

Dans les milieux vivants de la nature, des matières inertes surgissent et se multiplient pour enfin s'évader. Elles apparaissent et disparaissent puis elles se répètent et s'effacent comme des fragments de texte, des séquences, des mots et des images. Inspiration

Une veine puis un filon ensuite un réseau, des sons, des silences, des martèlements et des ruées constituent et reconstituent l'image. De cette image naît une suite d'images dont la figure initiale reste le récit en mouvement.

https://www.kamelbrichni.com Email : kbrichni@gmail.com


LA POUSSÉE CHAOTIQUE : DE L’ORDRE NATUREL À L’ORDRE FRACTAL

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GILLES AUBERT

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REGINE PELTIER

Régine PELTIER, peintre autodidacte.

2006 Début de mon parcours artistique. Mes toiles sont de style figuratif réalisées à l’huile : portraits d’enfants, de femmes, art animalier. 2013 Je démarre la sculpture, terre cuite et Raku en 2018. 2017 Un autoportrait façon Adèle Bloch-Bauer de Klimt, me libère sur le plan artistique. 2017 sur Montmartre, découverte d’un peintre cubiste : Zabinski. Ces réalisations m’aident à me libèrer un peu plus encore de mes contraintes figuratives.

Mon travail : Les enfants, femmes et hommes trouvent toujours leur place, dans mes tableaux. De la douceur et de la modernité dans leur transposition sur la toile. Ils y sont mis en scène dans des décors imaginés ou revisités, comme certains sites de la ville de Nantes, dans un style figuratif contemporain, imprégné d’un peu de cubisme et de style Art déco.

Aubert Gilles Née à Rennes, France, le 11 juillet 1965 Étude école des beaux-arts de rennes en dessin industriel supérieure de couverture d'Angers. J'ai effectué mon tour de France dans le compagnonnage en couverture caractérisant la plupart de ma carrière dans la restauration des monuments historiques, telle que les châteaux de la Loire, le "beau" est la passion pour I ' Art.

Passionnée d'Art, c'est naturellement que je décide d'exprimer mon talent par mes œuvres. Mais comment atteindre ces objectifs ? Apprendre, travailler, découvrir la réalisation des différentes techniques d'expression de Grands Maîtres et notamment comprendre, reproduire et interpréter afin de me trouver. Autodidacte, c'est la découverte et l'étude des œuvres de ces Grands Maîtres et la chronologie de l'évolution et de la transformation de leur art, à travers leurs ambitions et leurs efforts pour accéder au rang de peintres. C'est la découverte de certains artistes au travers d'interne, ces artistes de tout horizon, que j'ai pu découvrir au fil des années mon expression picturale.

J'ai appris à regarder, à exprimer mes émotions, à découvrir toutes les techniques, à les perfectionner et surtout à peindre avec sincérité et non pas à m'exprimer en fonction d'un courant artistique. Mon inspiration est actuellement puisée dans les paysages maritimes et plus particulièrement dans les grands océans et les marins navigateurs.

mail: gylartiste@gmail.com

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http://mestoiles44.eklablog.com http://regine-peltier.artmajeur.com mail: galeriesderegine@gmail.com


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MARIE-ISABELLE FONSECA

C’est dans l’univers de la couleur, du dessin que je m’épanouie et vie ma passion. J’explore les couleurs, les lumières, et je transcris ce que je ressens. Je peins selon mes envies, le moment de la journée, souvenirs de voyages, en intérieur ou extérieur. Tout est source d’inspiration et d’évasion. En peignant je prolonge mon rêve d’enfant. Les paysages, les marines, les nus font partis de mes favoris. La peinture est un merveilleux univers que j’aime partager et ma passion. Médaille de Bronze, Salon International des Créateurs du Siècle « Art Inter » Lyon 2017. Prix du public, Salon Arnorisère Saint Quentin Fallavier 2016

mail: isabelle.crouzier38@gmail.com

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F.A.P KO.

L’artiste peintre a fait connaissance avec la peinture à l'âge de 16 ans au collège Moderne de Cocody. Son approche artistique est soutenue par ses expériences Québécoises et Ivoiriennes qui l'ont permise d'apprivoiser sa nouvelle réalité existentielle. Le mélange de couleurs offre une saveur particulière aux tableaux. Elle s’inspire de son quotidien pour transmettre émotions et messages à travers ses œuvres. L’aquarelle et l’acrylique sont ses médiums de travail préférés. Elle a participé à des concours internationaux. Aujourd’hui Elle expose dans une galerie à Duham dans la province de Québec.

mail: arianefoad@yahoo.ca

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SOPHIE LECESNE Je veux laisser une trace du temps

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ée en 1971, à Caen, après une vingtaine d'années sans pratique artistique, je fais de la peinture abstraite, devenue une vraie passion.

beautés abstraites et réelles en même temps. En observant de plus près tous ces petits détails, la vie nous montre que dans la réalité, l'abstrait existe bel et bien !

Le crêpi d'un mur usé, la serrure d'une porte oxydée par le temps, le pistil d'une fleur nous offrent des

Ma manière de travailler, intuitive, va me donner les couleurs qui vont diriger les premiers coups de couteau sur la toile, et les formes vont ainsi naître et être. Travailler la matière, la creuser, la modeler, la superposer, la sculpter pour que la toile ne soit plus qu'un support. J' aime utiliser le sable, la terre, le marc de café mélangés au gesso pour apporter une texture solide à la composition.

Je suis très inspirée par la création de matières et les couleurs. Les élèments de la nature, notre Terre, mais aussi les vieux murs abimés, les coques de bateaux, l'acier rouillé, tous les matériaux usés par le passage du temps vont m'inspirer. Les façades des bâtiments qui ont vécu, abimées par la pollution de l'environnement et la présence de l'être humain, m'inspirent beaucoup. Les matières végétales, telles que les arbres et leur écorce, la terre ellemême, m'attirent vers elles pour que je puisse en définir leur réelle construction, leur « état d'être ».

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Internet : www.artmajeur.com Email : couleur14@gmail.com

Ce sont eux qui vont me guider, à l'aide de l'intuition et des émotions surgies, à créer mes propres matières, structures sur les supports. Je peins essentiellement à l'acrylique et j'utilise des techniques mixtes également.


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WALLACE AZOR

Une simple planète ne peut contenir autant d’univers

www.artmajeur.com : tiwalazor Email : tiwalazor@gmail.com

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allace Azor Balzac est un très jeune artiste, né le jour du suicide de Van Gogh et descendant d’Honnoré de Balzac. Il vit dans la banlieue Est de Paris et poursuit des études en psychologie. Celui-ci a été initié dans l’art depuis toujours, en passant par la bande dessinée puis par l’illustration, il a inconsciemment toujours été fasciné par l’art. Mais la peinture restera toujours dans ses pratiques, et c’est depuis maintenant plusieurs années qu’il se consacre à l’art. Son but est déjà bien précis, il compte en effet imposer son style et marquer le monde de l’art en restant fidèle à lui-même. En effet, son univers est à la fois sombre, engagé, abstrait et contemporain. Il tente de retranscrire cela, en étalant son style au maximum afin de se développer artistiquement. Pour Wallace, l’art est présent partout, c’est un moyen de rentrer dans une dimension qui ne nous appartient pas. De part son omnipré-

sence, nous serions sans arrêt confrontés à des centaines d’univers artistiques chaque jour. Que ce soit par un simple regard en voyant un graffiti, ou bien en écoutant une musique. Il pense que c’est pour cela, que le monde d’aujourd’hui est fou, et sans limite, car l’art s’est emparé du monde dans lequel nous vivons. Une simple planète ne peut contenir autant d’univers sans que ses habitants en soient dépassés. Wallace tente de s’affranchir de cela, en restant authentique dans son art et sa personnalité. Car c’est pour lui, le plus important pour un artiste afin de se démarquer. Il cherche donc constamment à s’éloigner de toutes influences, même si, il ne nie pas avoir été inspiré par Michael Jackson ou bien Tim Burton lors de son enfance. Enfin, Wallace est très actif sur Instagram et c’est en grande parti là qu’il expose son travail.

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COUP DE COEUR

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FRANCOIS BIANCHI

Je me nourris des rencontres et des découvertes

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é en haute savoie, mais originaire de L'Ain dans une région appelée le PAYS DE GEX situé à la frontière Suisse (Genève).

Depuis ces débuts en 2014 , son parcours et son art à beaucoup évolué. Du dessin depuis son enfance, il est passé à des compositions de peintures à la bombe et acrylique. Son exploration de la couleur et des matières évolue vers plus d'abstraction.

Il invente selon ses humeurs et ses émotions. Son inconscient lui impose souvent des détours qu'il ne soupçonnait pas. Autodidacte pur, il se laisse aller à son instinct.. L'infiniment petit n'est pas son domaine et travaille à ses débuts sur des grands formats.

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Depuis 3 ans, des sculptures s'offrent également aux Regards curieux. Le béton cellulaire, taillé et poli dévoile ses courbes douces et généreuses. Depuis peu, des moulages sur corps font leurs apparitions, avec déjà un prix attribué à Barcelone pour sa toute première création.

Le temps passant, il intègre une association d'artistes, tout d'abord comme invité puis vice Secrétaire et fini par en prendre la présidence pendant un an avant de se retirer pour prendre son envol.

Il mettra d'ailleurs beaucoup de cœur à renouer avec les traditions, d'abord en organisant les 30 ans D'Arti's Club Avec une certaine réussite puis une grande reconnaissance de par la venue de différents Élus de communes voisines, Adjoints et chargés Culturelles pour le vernissage de la 31e exposition. Il participe à beaucoup d'événements avec un réel plaisir pour lui ouvrir des portes.

Voilà 8 ans qu'il n'a de cesse de s'ouvrir à de nouveaux où nouvelles formes et techniques. Mélange de métal, bois, tissus et béton cellulaire pour ces sculptures. Depuis son premier tableau, il est à la recherche de nouvelles techniques supports et d'imagination avec de nouveaux outils.

artmajeur.com/francoisbianchi Email : francoisbianchi.art@gmail.com


J'AIME À DONNER , VOIR LES SPECTATEURS CONTEMPLER ET S'ÉVADER À TRAVERS MES OEUVRES

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United Artists Store l’art contemporain en ligne

Dans notre édition du mois de janvier, nous vous avions présenté cette toute nouvelle plateforme dédiée aux artistes et à la vente en ligne de leurs créations. On a décidé de vous donner quelques nouvelles et précisions sur celle-ci.

À ses débuts, la plateforme comptait seulement 6 artistes, normal, la date de lancement de la plateforme était le 10 décembre 2020. Aujourd’hui (à l’heure où nous écrivons ces lignes), ce sont déjà 15 artistes qui ont rejoint cette plateforme et une dizaine d’artistes supplémentaires sont en attente d’être mis en ligne.

Et donc concrètement : comment cela se passe pour rejoindre cette plateforme innovante ? En fait, c’est assez simple. Une très modeste contribution annuelle de 95 euros vous sera demandée pour couvrir les frais de publicité sur les réseaux sociaux et de serveur web. Ensuite, lors d’une vente, la plateforme prendra une commission de 12% sur la vente.

Vous devez, si vous êtes intéressé(e) par cette proposition de collaboration, faire parvenir votre accord de collaboration et les éléments suivants : une photo en haute définition (format portrait), une biographie la plus complète possible (si vous n’en avez pas, la jeune rédactrice de la plateforme en rédigera une), deux ou trois photos d’œuvres parlantes et en relation avec votre biographie. Il est également possible d’inclure une vidéo de présentation dans votre profil artiste.

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Magazine trimestriel édité par Artcertificate.eu Urb Sainvi - Europark - 03570 Villajoyosa Alicante - Espagne - +34 63 84 555 72 Directeur de publication : Eric Doireau

Ensuite, les œuvres que vous voudrez présenter dans la galerie devront comporter les informations essentielles comme le titre de l’œuvre, un descriptif de l’œuvre, la date de création, la technique, le support et les dimensions de l’œuvre, la catégorie de l’œuvre (abstrait, surréaliste, contemporain, etc.). Vous pourrez transmettre jusqu’à 25 œuvres.

La plateforme fait non seulement de la publicité sur les réseaux sociaux, mais elle met également en place une lettre d’information avec près de 18 000 contacts (artistes, amateurs d’art, etc.).

Les artistes ayant rejoint la plateforme précisent qu’ils croient en la capacité du concepteur de celle-ci à tenir un site Internet propre, design, minimaliste mais efficace, et apprécient tout particulièrement le travail de présentation de chaque artiste. Envie d’en savoir plus ? On vous conseille d’aller voir le site : www.unitedartists.store ou de prendre contact avec Christian : info@unitedartists.store qui répondra à toutes vos questions et saura vous motiver à le rejoindre dans cette aventure.

https://www.unitedartists.store



www.art4any.com

Le magazine Art4Any est publié par Mr Eric Doireau © 2020