Neo2 #144 by Neo2 Magazine

nº144

Canarias: 4,20€ / P: 5€ / FR: 6,50€ / IT: 4,90€ / UK: 5,99£

Enero-Febrero 2016

n www.neo2.es Enero-Febrero 2016 / 4€

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número 144

INTRODUCING THE ELEMENT SPRING 2016 COLLECTION MURRAY JACKET / BLUNT PREMIUM TEE / JENSEN WALKSHORT PHOTO BY ELEMENT ADVOCATE : BRIAN GABERMAN @ELEMENTBRAND

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#ELEMENTSPRING16

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17/12/2015 15:53

Fotógrafo: VINCENT URBANI Estilista: JAVIER DE JUANAS Maquillaje & Pelos: LOLITA con productos Graftobian Retoque Digital: DAVID LORENZO Asistente Estilismo: CARMEN BENA Asistente Maquillaje & Pelos: INEVA TROYA Plató: LUBECK99 <lubeck99.com> Modelo: GARRETT FOX @ Uno Models Sombrero DIESEL <diesel.com> + Bomber DSQUARED2 <dsquared2.com>

Staff EDITA: IPSUM

PLANET RUBÉN MANRIQUE + RAMÓN FANO + JAVIER ABIO DIRECCIÓN DE ARTE: IPSUM PLANET REDACCIÓN: IPSUM PLANET DIRECCIÓN:

DEPARTAMENTO PUBLICIDAD Y MARKETING:

MARGARITA SÁNCHEZ <marga@neo2.es> ELENA CIMARRO <elena@neo2.es> coordinación:

TERE VAQUERIZO ESTER RODRÍGUEZ + HELENA G. PIERA asistente diseño gráfico: ÁLVARO PEREÑA equipo moda: JAVIER DE JUANAS (Madrid) + RAMÓN ROS (Barcelona) equipo redacción: MANU ROMERO + ROBERTO JUANES + BEATRIZ LÓPEZ MIGUEL distribución y subscripción: VIRGINIA MEDINA 915 229 096 <subscribe@neo2.es> traducción inglés tablets: SALLY ASHTON diseño gráfico:

CONTENIDOS

Arquitectura: <javier@neo2.es> Arte: <ruben@neo2.es> Cine: <tere@neo2.es> Cosmética: <ramon@neo2.es> Diseño: <javier@neo2.es> Gastronomía: <tere@neo2.es> Moda: <ramon@neo2. es> Música: <tere@neo2.es> Tecnología: <tere@neo2.es> BANDA SONORA

Son Lux: Easy (Lanterns) > Santigold: Who Be Lovin Me - feat. ILoveMakonnen (Who Be Lovin Me) > Junior Boys: Over It (Big Black Coat) > Jack Ü Skrillex Diplo Aluna George: To Ü - feat. Aluna George (Skrillex and Diplo presents Jack Ü) > Oneohtrix Point Never: Ezra (Garden of Delete) > Yacht: Ringtone (I Thought the Future Would Be Cooler) > Youth Lagoon: No One Can Tell (Savage Hills Ballroom) > Alondra Bentley: Remedy (Resolutions) > Julian Sanza - Can’s Stop the Feeling (Can’t Stop the Feeling EP) TOP 5 VIDEO by C. Pedrosa

Tame Impala, “The Less I Know The Better” (CANADA) > Nicolas Godin, “Bach Off” (Colin Solal Cardo) > Baauer, “Gogo” (Thomas Rhazi) > The Weeknd, “In The Night” (BRTHR) > Jessica, “Crema Parte 1” (Roger González) WWW.NEO2.ES Fotografía: LIABUARNA Estilismo: ERICA MER Maquillaje: JENNA NELSON Peluquería: PAUL MADAHAN Modelo: LARSEN THOMPSON @ Next Models Chaleco/Bufanda OTT <byott.com>

Tel: 915 229 096 Neo2 no tiene por qué pensar lo mismo que sus colaboradores, así que no se responsabiliza de sus opiniones. Está terminantemente prohibido reproducir el material que aparece en Neo2 sin autorización expresa de Ipsum Planet.

Imprime: MONTERREINA Depósito Legal: M- 31555-1995

ISSN: 1138-5626

Cactus icono seleccionado de la web Noun Project y diseñado Henry Ryder

Moda Maria Magdalena 6 Víctor Caballero 8 Xavi Reyes 10 Pedro Lobo 18 Manémané 20 Misceláneos 33 Denim de Autor 36 Dzhovani Gospodinov 44 Cambio Climático 54 ¿Las marcas tienen alma? 58 Larsen Thompson 80 Bernhard Willhelm 94 Editorial: White Space 112 Editorial: Dandismo Cheli 130 Arte Michele Mathison 12 No Song to Sing 14 Ritos actuales 15 Kaws 30 Patricia Esquivias 42 Portfolio: Jouk Oosterhof 64 Arte y Naturaleza 124

Repaso Música Kid Simius 4 El Guincho 24 Belako 32 Hinds 50 One Stream Wonder 74 The Bohicas 90 Kirstie Fleck 106 Housing Mad Lab 11 Rosa Rubio 16 Funtastico 19 Barozzi Veiga 22 Lucca Nichetto 38 Omer Arbel 40 RCR 100 Varios Gastronomía: Revolution 26 Fragancias: CK2 27 Automoción: High Fidelity 28 Fragancias: Love Story de Chloé 29 Belleza: Like a Painting 34 Fragancias: Trío de 2 46 Opinión 142

Iconos seleccionados de la web Noun Project. Agujero diseñado por Sergey Demushkin. Curva por Ramsey-Passmore. Trama por Sblendone. Cuentagotas por Ribbla Team. Hexágono por Maurizio Fusillo. Juncos por Ramsey-Passmore.

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texto: TEREVISIÓN RUIZ foto: GEORG ROSKE

Kid Simius

En Berlín le conocen como Kid Simius, en España todavía es José Antonio Soler. Otro talento más que triunfa fuera. No lo perdamos de vista.

Berlín: “La música me trajo de Granada a aquí. Vi un documental que se titulaba ‘Berlín Digital’ en el que hacían un recorrido por la escena electrónica berlinesa. La mayoría de artistas entrevistados coincidían en una cosa: se fueron a Berlín a dedicarse a la música electrónica y funcionó. Así que me dije, ¿por qué no yo también?”. Formación musical: “Concretamente ninguna, aunque si que de vez en cuando he dado clases de guitarra o piano. Aprendí de un amigo que la técnica está al servicio de las ideas y no al contrario, por eso si necesito aprender algo para desarrollar una idea pues lo aprendo, lo desarrollo y le doy mi visión particular. Mi objetivo es seguir desarrollándome artísticamente y no técnicamente. En mi directo toco por ejemplo la guitarra, el teclado, la

melódica, armónica, ukelele… simplemente me puse a ello y no es tan difícil”. Salir de España: “Creo que si uno es constante, cree en sí mismo y se esfuerza día y noche por conseguir sus metas, tarde o temprano las alcanzará. Da igual si está en Granada, en Berlín o en Pekín”. Directos: “Soy de preparar mucho los directos, es como si fuera una banda que ensaya las canciones. Aunque siempre me dejo partes para improvisar. Lo importante es pasármelo bien, confío en que si me lo paso bien la gente se lo va a pasar bien también”. Evolución: “Una vez leí en una entrevista a Brian Eno que lo mas importante en la música es siempre sentirse como un novato. Esas palabras me han marcado hasta ahora e intento siempre que voy a hacer un disco o un EP, tener

las mismas sensaciones que cuando hice el primero. Digamos que las preguntas que no he sabido resolver en trabajos anteriores intento resolverlas en trabajos posteriores”. Nuevo álbum: “Espero que esté listo a mediados de 2016. Es un disco que estoy haciendo con mi hermano pequeño, The Pimientos, y estamos haciendo lo que nos gusta, invitando a muchos artistas al estudio para que hagan música con nosotros, sacando nuestras esencias andaluzas de una manera consecuente, e intentando dar una perspectiva mas cálida a la música electrónica”. “Don Juan Enterprise”, su último EP, está editado por Katermukke. <soundcloud.com/kidsimius>

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Maria Magdalena texto: CARMEN COCINA

Maria Magdalena es Alejandra Jaime. Abandonó el Derecho por el Diseño de Moda. We Are Cattle, su colección debut, la resume así: “Somos ganado para el poder, cerdos nacidos para ser engordados y después devorados”.

María Magdalena: “En la Biblia se la identifica con la mujer adúltera a la que Jesús expulsó siete demonios. En ella veo representado el machismo y la desigualdad en que hemos vivido siempre las mujeres; quise exaltar su valor, libertad e independencia. Además, mi abuela materna, con la cual me crié, se llamaba María. También es un homenaje a ella”. We Are Cattle: “Mi colección es una crítica al poder, al sistema, no al individuo. El ser humano es bueno por naturaleza, pero al nacer nos espera toda una serie de rituales inútiles que anestesian nuestra esencia. Este círculo vicioso de conductas aprendidas nos lleva a vivir dormidos. Pero también hay una energía hermosa e inagotable que habría que destapar con la educación”. Proceso: “Relacioné esta idea metafóricamente con la figura del cerdo, jugando con él en la ropa. Luego

elegí colores relacionados a la ganadería (blanco, rosa, amarillo, negro) y los tejidos: muflón, raso, pelo sintético, el hidrófugo de poliéster, etcétera”. Kitsch: “Está muy ligado a mi visión del mundo cuando hice la colección, todo con un aspecto muy superficial y forzado. Las líneas rectas y simples me salen de forma natural. De pequeña me encantaban Sybilla y Moschino y lo tengo muy en el ADN”. Tendencias: “La moda te exige estar al pie del cañón con las tendencias, pero yo intento llevarlas a mi terreno. No creo que mis colecciones vayan a tener una conexión estética entre ellas. Intentaré no aburrir y contar algo”. Novel: “Mi experiencia con la industria ha sido positiva, he tenido mucha suerte desde que terminé la carrera. We Are Cattle es mi primera colección y con ella he accedido a South Cádiz, a Samsung EGO, he ganado el concurso

DESENCAJA de Andalucía de Moda, y no tengo padrino. Me he encontrado a profesionales de la moda maravillosos y también a gente menos amable, pero creo que así funcionan todos los sectores. Aunque esta sea una industria muy jerarquizada, existen plataformas accesibles para cualquier persona”. Referentes: “La música y el cine me inspiran muchísimo. We Are Cattle está muy influenciada por el rap sevillano, por Woody Allen, hasta por el flamenco. Admiro a muchísima gente, pero podría hacer un top 3 con Pepe Mújica, Tote King y Manuel Molina”. Estilo: “Lola Flores, Chavela Vargas, Lole Montoya. Mi madre”. Hit 2016: “Dicen que el ‘chaos magic’ ¿no? Y el boho está ya por todos lados. A largo plazo, veo una vuelta a lo atemporal y al slow fashion”. <maria-magdalena.es>

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Víctor Caballero

Después de dar la cara como modelo, y tras unos años de formación en la Escuela Superior de Diseño de Madrid (ESD), este diseñador de 26 años presenta su primera colección donde fusiona ante y ganchillo.

La Abuela: “Hubo un antes y un después, al empezar a hablar con mi abuela un día cualquiera, mientras cosía. Ella estaba creando, estaba haciendo algo que por algún motivo me llenó de vida”. Firma: “La firma nace hace relativamente poco tiempo. Más o menos durante los 2 últimos años de mi carrera formativa en la ESD. Todo surgió de una forma más o menos automática. Es el resultado de una doble necesidad: la de crear moda y la de creer en la moda”. Formación: “Creo que nunca se deja de aprender algo nuevo, y hacerlo creo que es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar. Es esa ambición por querer siempre un poquito más. Yo he aprendido mucho por mi cuenta, pero también he aprendido gracias a la formación que he recibido. Las 2 formas se complementan, no debes dejar de lado ninguna de las 2”. Objetivos: “A corto pla-

Toda la importancia radica en el proceso artesanal y el tratamiento manual de los materiales”. Equipo: “Es algo que, en el tiempo que llevo de rodaje con la firma, ha cambiado totalmente. Una firma en la mayoría de los casos es un equipo que interactúa entre sí con la idea de llegar todos a un mismo objetivo. Creo que no es posible que una sola persona lo pueda hacer todo, tienes que derivar tareas en tu equipo. No por voluntad, sino porque no puedes saber todas las facetas y registros que una marca requiere en su desarrollo”.

texto: JAVIER DE JUANAS

zo, aprender lo máximo posible para seguir desarrollándome. Creo que la evolución de la firma te la da el trabajo, el hecho de que las colecciones gusten al público. También supongo que habrá un pequeño porcentaje de suerte. ¿El objetivo a largo plazo? que esa evolución sea, por supuesto, positiva, notable y satisfactoria. Víctor Caballero como firma necesita hacer sentir algo especial al cliente, que descubra el proceso de desarrollo de nuestro trabajo. Ese es uno de nuestros objetivos más importantes”. Primera Colección: “Los culpables son mis abuelos, su entorno, lo artesano, lo manual. Sensaciones personales, muy íntimas que hacen que una colección así tenga tanto peso sentimental. Los materiales predominantes de la colección son el ganchillo y la piel. Son materiales muy delicados, muy significativos, muy metafóricos, y muy estudiados en todo el conjunto.

<www.instagram.com/officialvictorcaballero>

Un tipo de uva, una sonrisa. Una cepa, un abrazo. Un matiz afrutado, un “hoy quedamos”. Una barrica, un brindis. Un tostado, un “te quiero”. Una intuición, una ocasión. Un Rioja, un carácter. Un descorche, una emoción. La vida está hecha de momentos especiales. De ti depende seleccionarlos.

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Es clavadito a Bono de U2, y el diseñador que mejor saluda sobre la pasarela. Tras ganar el MBFashion Talent, prepara su primer desfile internacional en Berlín.

Xavi Reyes

Bio: “Nací en Don Benito (Badajoz). Con 9 meses nos mudamos a Mataró (Barcelona), donde viví hasta los 19 cuando decidí independizarme y mudarme a Madrid para estudiar moda. Madrid me ofrecía una escuela pública de calidad y consideré que era el sitio en el que debía estar si quería ser diseñador”. Badajoz: “Cada colección tiene su inspiración. Lo que hizo saltar la chispa de la de SS16 fue un viaje a casa de mis abuelos en un pueblito de Badajoz, donde he veraneado hasta la fecha. Los manteles que cosían a mano mi abuela y mi madre en los 70’s fueron los primeros tejidos de la colección”. Unisex: “Aborrezco ese término. Me gusta ver a un hombre en un vestido o a una mujer con camisa y pantalones, me da lo mismo. En mis desfiles hay el mismo número de salidas de hombre que de mujer, y muchas prendas las podrían llevar unos u otras. Pero me gusta no hablar mucho del género”. Ego: “Me gusta dar pasos pequeños pero firmes. Participé durante 2 temporadas en el showroom de Ego para financiar mi primer desfile e ir haciéndome un hueco entre los jóvenes diseñadores. Llevo 5 colecciones, en la primera presenté 3 looks, en la segunda y tercera 10, y en la cuarta y quinta 20 looks. De momento, voy a aprovechar mi último Samsung-Ego, tienes opción a desfilar 3 ediciones, y luego ya veremos”. Who’s Next: “Llegar a la final ya fue un premio. Volveremos a intentarlo. Solo contaba con una colección completa cuando me presenté, y me sentía muy novato. Mi estrategia en caso de ganar es la internacionalización de la marca”. Precios: “Depende en gran parte del material utilizado. Tengo prendas de punto, polipiel, fieltro… Van desde los 60 a los 200 euros. Confecciono en Madrid. Hay que coser donde se vive ya que es necesario estar muy pendiente del proceso”. Estilista: “Sí, sigo compaginándolo con el dise-

ño. Ahora mismo solo trabajo para Adolfo Domínguez. No dispongo de tanto tiempo como antes y hay que priorizar. También pincho en fiestas y eventos. Soy puro siglo 21”. Baile: “Empecé hace 2 años medio en

texto: MONGÓMERI foto: JUAN ACHIAGA

broma en el gimnasio en el que entreno y a día de hoy se ha convertido en mi vía de escape favorita”. <xavireyes.com>

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Mad Lab texto: JAVIER ABIO

Antonio Serrano y Mar López, creadores de la editora Mad Lab, ponen rumbo nuevo en su proyecto. Amplían su catálogo introduciendo nuevos materiales y diseñadores. Mario Ruiz, Héctor Serrano o Borja García son algunos de los creadores que colaboran en esta nueva etapa. La compañía da un profundo cambio de imagen con un enfoque más internacional. Todo de la mano de Pablo Gironés, un veterano en estrategias de marketing para empresas del hábitat. Imagen de fondo: Winter and Summer Houses, contenedores diseñados por Héctor Serrano. Imagen inferior: Polígonos, cajitas diseñadas por Héctor Serrano.

Michele Mathison 12

texto: COVADONGA GARCÍA

Tyburn Gallery expone una muestra con las nuevas obras del artista sudafricano Michele Mathison. La exposición reúne herramientas, objetos y símbolos que representan la identidad cultural y política de Sudáfrica y Zimbabue.

A través de la manipulación de diversos materiales, Michele Mathison transforma objetos cotidianos en piezas artísticas. El artista, que ha vivido en Sudáfrica y Zimbabue, crea esculturas e instalaciones que forman un lenguaje visual propio, y aborda temas personales y políticos. La exposición en la galería Tyburn, en Londres, reúne herramientas, objetos y símbolos que dan forma a la identidad cultural y política de Sudáfrica y Zimbabue. Por ejemplo, en Plot, las plantas de maíz elaboradas en acero forman un campo visual dentro de la galería. El maíz es el alimento básico de estos países, así que pequeñas parcelas sembradas con maíz forman parte de la instalación. Situada fuera de contexto y carente de función, la monumentalidad de la cosecha se revela como una escultura por la dureza del metal usado; y a la vez como una imagen atractiva de la supervivencia nacional y un elemento decorativo, dentro del espacio de la galería. La obra se convierte en una expresión escultórica que

trata algunas preocupaciones universales como la propiedad de la tierra y el cultivo, mientras que se presenta como una metáfora sobre el ciclo de la vida. Por otra parte, arquetípicas aves de piedra tallada han sido diseñadas en hierro fundido y están colocadas en postes de madera. Los pájaros simbolizan connotaciones políticas y espirituales del país y también su emblemática historia e identidad. Estas tallas fueron originalmente creadas por el pueblo Shona para la ciudad amurallada de Gran Zimbabue, durante los siglos 13 y 14, y más tarde sacadas del país por los colonizadores británicos y por los buscadores de tesoros durante la última parte del siglo 19. El colonialista Cecil John Rhodes dispuso que varias esculturas fueran llevadas a Sudáfrica siendo finalmente repatriadas a Zimbabue tras la independencia en 1980. Las obras hacen alusión al movimiento a través de las fronteras culturales y nacionales, a la manipulación de la identidad patriótica y personal, y al desarraigo y la re-

patriación de los símbolos históricos. Otros puntos destacados de la exposición incluyen la pared trabajada hecha con resina de acrílico fundido que deja ver las huellas dejadas por las herramientas usadas para cavar. Recordando los inicios del cultivo, la destrucción y la construcción, la obra de Michele Mathison juega de nuevo con las ideas de la crianza y el crecimiento, al tiempo que nos recuerda la violencia a menudo asociada con la apropiación de los recursos minerales del país. En conjunto, las obras de la exposición crean un diálogo sobre temas relacionados con el trabajo y la migración, y proporcionan una narrativa visual de preocupaciones colectivas del África subsahariana. Nacido en Sudáfrica, Michele Mathison vivió en Italia, Zimbabue y Mozambique y en la actualidad vive y trabaja en la ciudad de Johannesburgo. Hasta el 19 de marzo de 2016. <www.tyburngallery.com>

NEO B

A/ Chibage. 2013. B/ Ground, 2014. C/ Refuge, 2014. D/ Load Bearing, 2014. E/ Dig Down, 2014. Todas las imágenes: © Michele Mathison, Cortesía Tyburn Gallery.

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No song to sing

texto: MARIANO MAYER foto: ROBERTO RUIZ

ADN Platform_ se convierte en un espacio de reflexión sonora, con trabajos de artistas como Lucía C. Pino, Carles Congost, Laia Estruch, Antoni Hervàs o Franziska Windisch.

Música y arte son como esos hermanos que a su vez son amigos, cuyo vocabulario, estilo, cadencia y gestualidad no responde a una individualidad sino a una identidad múltiple. Como en toda relación que se precie, hay momentos míticos que todos hemos visto o leído en algún lugar. Y no me refiero solo a grupos con impulso artístico como The Velvet Underground, sino a bandas conformadas por artistas como Orquesta Roja o Destroy All Monsters. La exposición “No Song to Sing” se adentra en esta tradición y lo hace trayendo a la sala de exposiciones distintos tipos de aproximación al sonido. Para ello, sus comisarios David Armengol y Martí Manen parten de dos canciones (“No Song to” de Michael Chapman y “Just Called to Say I Love You” de Stevie Wonder), en cuya negociación, por presentar y a la vez hacer desaparecer lo que entendemos como una canción, intuyen el mismo vínculo entre sonido y canción que emerge en el arte actual. Así, este espacio expositivo convertido tanto en sala de ensayos, espacio de consulta y escenario exhibe piezas escultóricas, videos, dibujos y fotografías y es a la vez el soporte de una serie de conciertos y performances. A través de vinilos, cds y formatos de repro-

ducción on line artistas como Tris VonnaMichell parte de una grabación para narrar una ficción. Con una cadencia próxima al hip-hop, narra la visita de un personaje a una ciudad india en la que descubre una construcción sin terminar de Le Corbusier. Johanna Billing publica en vinilo el fuera de campo sonoro de algunos de sus vídeos, en “I’m Gonna Live Anyhow Until I Die” es posible oír y reponer parte de las apropiaciones callejeras de un grupo de niños en un barrio de Roma (Ostia). Richard T. Walker recoge grabaciones en varios desiertos de los estados de Texas y Arizona, a fin de dar testimonio de la relación con el paisaje utilizando música y lenguaje. Pepo Salazar parte de una serie de grabaciones de sonidos corporales realizadas en 2008 para conformar una instalación (“Pir Loft…2. Así respiraba Guy Debord”) protagonizada por un altavoz y un espejo intervenido. Y hay directos como el de Bradien + Eduard Escoffet, quienes continúan ese mix entre música y voz poética a través de una presentación donde el spoken word alcanza la forma de un concierto. Hasta abril en ADN Platform_ <www.adngaleria.com>

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Ritos Actuales texto: MARIANO MAYER

Ulla von Brandenburg, Haris Epaminonda & Francis Upritchard recurren a elementos del pasado sin preocuparse por las referencia historicistas. Los objetos y materiales con los que construyen sus piezas antes que representantes de una época determinada son para estos artistas conductos de misterio, magia y ritualidad. Las esculturas de Francis Upritchard adquieren la forma de un tótem contemporáneo en el que las referencias culturales se superponen y alcanzan cierto clima de misticismo. A primera vista, resulta casi imposible determinar las procedencias, sin embargo hay algo familiar en las formas, en la paleta de colores o en los tejidos que nos resultan cercanas. A través de procesos y lenguajes muy distintos, cada uno de estos artistas convocan elementos de nuestra memoria colectiva para generar una situación particular donde retales del mundo conocido convocan a la extrañeza. 9 Enero - 6 de febrero, Art : Concept, París. <www.galerieartconcept.com> Imagen/ Francis Upritchard. Hogweed, 2013. Cortesía del artista, Kate MacGarry, London & Art: Concept, Paris.

Rosa Rubio

“Los Objetos Decorativos” es el fruto de un proyecto de cuatro años en el que encontramos materiales como piedras, yeso o fibras naturales. Conexiones con el coleccionismo mágico o los elementos nostálgicos. Su autora, Rosa Rubio, rebusca en las emociones o en los recuerdos antes que en la ergonomía o la función. texto: JAVIER ABIO foto rosa: CARLES RODRIGO

La diseñadora Rosa Rubio nos da unas pistas de lo que hay detrás de sus artefactos visuales, tótems protectores y confecciones textiles. Arte o Diseño: “Se dice que el diseño es el solucionar algo, darle una función, en cambio el trabajo de un artista carece en muchos casos de funcionalidad, aunque no de mensaje. Es algo complejo todo esto, y muchas veces los dos perfiles se entrecruzan y al mismo tiempo se complementan muy bien. Un diseñador puede hacer arte y un artista puede diseñar, al final lo que lo determina es ‘alguien’ o ‘algo’: El contexto en el que se muestra y el mensaje que transmite. Esa es mi humilde opinión.” Estudios: Rosa tiene 30 años, nació en Valencia y estudió en la ETSI de la Universidad Politécnica de Valencia la carrera de diseño industrial, después hizo un máster de Mobiliario e iluminación en CEU. Tras realizar una beca Leonardo en un estudio de producto e interiorismo en Berlín, se instaló en Barcelona donde hizo un postgrado en sistemas expositivos y nuevos formatos en Elisava. Consumo: “Actualmente la gente joven invierte gran parte de su dinero en productos más enfocados a la moda y tecnología, que al fin y al cabo es lo que se ve cuando sales a la calle. Somos una sociedad donde importa lo que vean de casa para fuera y que nos cuesta gastar el dinero en productos con ese grado de autenticidad y valor añadido. En este país todavía no tenemos esa cultura por el diseño y lo artesanal que pueda haber en otros países, pero ya vendrá.”

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Obj. nº 10, 11, 12 y 13.

La utilidad: “Cuando la gente ve mis objetos, primero se quedan un poco asombrados, les parecen raros, pero al mismo tiempo no les pasan desapercibidos. Lo peor viene cuando me preguntan: ¿para qué sirven? Y eso siempre es una pregunta un poco incómoda. Mi intención no es darle una función, o no precisamente una función en concreto. No busco la parte funcional, ni que solucione un problema de uso, ni que sea ergonómico, ni que los costes de producción sean baratos (por eso nunca me haré rica). A mí siempre me ha fascinado lo ‘objetual’, el tacto, el valor sentimental por una forma, la simbología, los recuerdos, lo escultural que puede llegar a ser algo por sí sólo”.

Obj. nº 5, 6, 7 y 8. Foto agradecimiento: Carles Rodrigo.

<www.losobjetosdecorativos.com>

Obj. nº 1, 2, 3 y 4.

Obj. nº9.

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texto: MONGÓMERI fotos: LEAFHOPPER PROJECT

Pedro Lobo

El diseñador murciano Pedro García recupera con garra su firma Pedro Lobo. Ahora con claro olfato para fusionar comercio, creatividad y concepto.

Lobo: “Surge de la necesidad de tener un nombre artístico para presentar mi primera colección en 2007. Comenzó siendo Pedro y el Lobo, más fábula, y ahora es Pedro Lobo, más real. Antes mis colecciones eran experimentales, sin perspectiva comercial, una visión más artística que disfruté muchísimo. Ahora con más experiencia y la intención de vivir de mi profesión, hago ropa que yo me pondría todo el día y todos los días, sin perder concepto y diseño”. 8 años: “Durante este tiempo hice muchas cosas. Me fui a la aventura a Madrid, con mi primera colección bajo el brazo. Tras un par de colecciones lo aparqué y me moví como diseñador freelance, haciendo encargos a medida, vestuario de teatro… compaginando trabajos de estilista con otros de supervivencia. Y seguí formándome con cursos de especialización como el de estilismo del IED Madrid

o Marketing de Moda en el Instituto Marangoni de Milán. Luego regresé a Murcía y trabajé para la firma Titis Clothing, y después de un par de temporadas vi el momento de retomar Pedro Lobo”. El Detonante: “Sentía la necesidad de desarrollar mi trabajo más personal. Esto y la ayuda que me concedieron de la Comunidad de Murcia, Generación, hicieron que viese claro el momento de retomar mi marca”. Murcia: “Es una ciudad que ahora mismo está en ebullición, llena de gente que hace cosas maravillosas, y todos muy accesibles para hacer proyectos colaborativos. Pensaba que me iba a aburrir al regresar y todo lo contrario. Además tienes la ventaja de que todo está a mano, y al ser más barato tienes la posibilidad de tener tu propio estudio. La única desventaja es que soy menos accesible para estilistas, pero existen las empresas de transporte”.

Colecciones: “Cada colección es una historia. Es un proyecto autobiográfico entre el pasado, presente y futuro. Hablan de las transiciones entre etapas. En la primera historia llegamos a una etapa de falsa calma y en la segunda, que es esta colección, partimos de la falsa estabilidad y habla de cómo sobrevivir a ella. Esto se refleja en la colección con prendas que aportan seguridad o trabillas para colgar tus amuletos”. Producción: “Todo se produce en 2 talleres de Murcia y Alhama. El calzado es una colaboración con Rivero, en Caravaca de la Cruz. Los precios rondan los 120 euros. Se puede comprar en la web, y también tengo 2 puntos de venta en Madrid: Miseria y Gazela Thomson”. <pedrolobo.es>

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Funtastico texto: JAVIER ABIO foto: LIAH CHESNOKOV

Una exposición que recoge los trabajos más importantes de Jaime Hayon de los últimos 10 años. La nueva ubicación de la muestra es el museo del diseño Holon en Israel. Un museo con 5 años de vida que fue diseñado por Ron Arad. Para la ocasión Jaime a incorporado una nueva pieza Face Mirrow, un espejo de casi dos metros de alto construido usando superficies de cuarzo de la marca Caesarstone. Funtastico. Design Museum Holon. Hasta el 30 de Abril 2016.

texto: MONGÓMERI fotos: ERIK VON FRANKENBERG

Manémané

Maquillaje & Hair: Manuel Fernández Estilismo: Los Esclavas Crew Modelo: Maria Clara @ Next Models

En solo 5 años, esta joven firma entra en ACME, presenta en la MBFWM y vende en París. Así la defiende Miguel Becer, su creador: “aporta ilusión, diversión y una mirada joven”.

Antecedentes: “Soy de Cáceres, de un pueblo llamado Almaraz. Tengo 30 años. Creo que mi madre siempre tuvo una sensibilidad especial para vestirse, pero es profesora de matemáticas en un instituto y nunca se ha dedicado a nada relacionado con la moda”. Nombre: “Nunca quise trabajar bajo mi nombre propio porque ManéMané se creó para que gente que ame la moda trabaje como un equipo. Un profesor me comentó que había que tener un gran apego con el nombre de tu empresa para no aburrirte de él, y decidí usar ManéMané porque es como me llamaba mi hermano gemelo cuando éramos niños”. Who’s Next: “El plan de negocio que presentamos al concurso fue una simulación que abarcaba 4 colecciones durante 2 años. Gracias al premio vamos a poder trabajar durante 2 años creando la colección, mostrándola en desfile y accediendo a los canales de venta como showrooms y ferias”. Angel Schlesser: “No, lo dejé para dedicarme completamente a mi proyecto, aunque sigo haciendo estilismo freelance para otras marcas y tiendas. Siempre acepté todos los trabajos que pude, quería aprender de todo. Aunque trabajaba para otros, quise ser constante con ManéMané, y ser fiel al calendario”. Docencia: “Me dieron la oportunidad de formar parte del grupo de profesores de la Universidad Politécnica de Madrid, dentro del Centro Superior de Diseño de Moda, y estoy muy contento. Mi mayor obsesión es que los alumnos tengan una conexión direc-

ta con el mundo de la moda en el terreno laboral, y que no sientan una brecha enorme entre las clases y la realidad”. Comunicación Audiovisual: “Nunca quise ser diseñador, creo que lo tenía en el subconsciente y no lo descubrí hasta que me vine a Madrid, aun así, estoy contento de haber estudiado otras cosas que puedo utilizar ahora en mi trabajo.” Piano: “Me gusta la música tanto como la moda. Toco el piano casi cada día, me entretiene mucho y me hace mantener una disciplina. Creo que la música se pare-

ce más a las matemáticas que a la moda, pero los músicos sí son moda cien por cien”. Producción: “Producimos en España y Portugal. Para los tejidos acudo a las ferias de París y Barcelona, suelo utilizar materiales nobles como lanas, sedas y algodones. Ventas: “Vendemos a tiendas a través de showroom en París. Los precios oscilan entre 200 y 800 euros. Se puede comprar también a través de la web y bajo pedido”. <manemane.es>

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BAROZZI VEIGA

texto AURORA DOMÍNGUEZ fotos HUFTON+CROW, Filarmónica de Szczecin

SU COMPETENCIA SON LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO. DESDE SU ESTUDIO FUNDADO EN 2004 EN BARCELONA, FABRIZIO BAROZZI Y ALBERTO VEIGA RECIBEN CONSTANTES RECONOCIMIENTOS A LA EXCELENCIA EN EL DISEÑO. TAMBIÉN NUMEROSOS PREMIOS, ENTRE ELLOS, EL MIES VAN DER ROHE DE LA UNIÓN EUROPEA Y LA FUNDACIÓN MIES VAN DER ROHE. Barozzi y Veiga se conocieron en Sevilla, en el estudio de Guillermo Vázquez Consuegra. Barozzi llegaba de la escuela de Venecia y Veiga acababa de licenciarse en Pamplona, donde además trabajaba en el estudio de Patxi Mangado. Durante su estancia en Sevilla se presentaron juntos como estudio a un concurso de viviendas en Úbeda, el cual ganaron. Este hito significó el inicio del estudio. Poco después, se instalaron en Barcelona, allí no tenían contactos, eran nuevos. Así que se dedicaron a presentarse a concursos. Entre sus primeros proyectos están el Auditorio y Palacio de Congresos Infanta Elena, en Águilas, Murcia y la sede del Consejo Regulador de la Denominación de Origen de la Rivera del Duero en Roa, Burgos; ambos proyectos inaugurados en 2011. El Auditorio en Águilas es el resultado de un concurso que ganaron en aquellos primeros años del Estudio Barozzi Veiga en Barcelona, concretamente en 2004, pero que no comenzó a construirse hasta 2009. El edificio se caracteriza por sus fachadas alabeadas que en concordancia con la bahía definen un interesante mirador que se abre al Mediterráneo. La sede de la Denominación de Origen Ribera del Duero les supuso el premio internacional de

la V Bienal de Arquitectura Barbara Cappochin. El proyecto se construyó a partir de las ruinas de un hospital del S 16 emplazado en un recinto amurallado. Su primer proyecto en el extranjero - de calidad conceptual, espléndida técnica constructiva y por el que han recibido el Premio Mies Van der Rohe - es la Filarmónica de Szczecin, en Polonia. Este espacio para conciertos fue destruido en la II Guerra Mundial. El edificio consigue ante todo, intensificar el lugar desde la sublimidad de las hechuras catedralicias, revistiéndola de vidrio y estableciendo un diálogo con las iglesias neogóticas colindantes. Su interior lo forman una sala sinfónica cubierta de pan de oro, una sala de música de cámara, un espacio polivalente y un gran vestíbulo.Ahora, Barozzi Veiga están construyendo el Museo Cantonal de Bellas Artes en Suiza, la ampliación de un conservatorio en Italia y algún proyecto en España del que pronto tendremos noticias. <www.barozziveiga.com>

IPSUM • PLANET

¿EL NUEVO IT BAG DE LA TEMPORADA?

S I E S T O L O H A C E M O S C O N U N A PATATA , I M A G Í N AT E L O Q U E P O D R Í A M O S H A C E R C O N T U PRODUCTO O MARCA

Imagen: José Morraja + Ipsum Planet

D i s e ñ o & P u b l i c i d a d — w w w. i p s u m p l a n e t . c o m

EL GUINCHO

EL JOVEN PRODUCTOR CANARIO PABLO DÍAZ REIXA, AKA EL GUINCHO, REGRESA CON HIPERASIA, UN DISCO PARA EL QUE HA DESARROLLADO TODO UN UNIVERSO. TAMBIÉN EN VERSIÓN WEARABLE. texto NADIA LEAL foto ADRIÀ CAÑAMERAS

Comienzos: “Empecé a hacer música desde muy pequeñito porque mi abuela es profesora de música. Los nietos mayores estudiamos con ella y después comencé a hacer beats, loops y tocar la batería y la guitarra.” Fama mundial: “La verdad, no he sido muy consciente. Siempre he tenido la libertad de dedicarme a la música sin preocuparme de cosas raras sobre lo que la gente pensara de mí. Siempre he intentado mantenerme puro a la hora de componer”. Björk: “Me escribió cuando yo estaba de gira por Australia en 2011. Recibí un email suyo en el que decía que le gustaba lo que había hecho con Pop Negro y que si quería trabajar con ella en Biophilia. Empecé a trabajar un poquito mientras seguía de gira, después me fui con ella a trabajar en Nueva York y la parte final la terminé yo solo en Barcelona. Fue muy guay. Ella es un genio.” Discos y canciones: “La

idea de Alegranza, mi primer disco, era la de hacer música de islas, con samples que remitieran a eso, y la canción que más me gusta es Polca Mazurca. En Pop Negro el marco era la música pop de la radio y me gusta mucho Muerte Midi. Con HiperAsia quería hacer un disco en el que en el estéreo ocurrieran cosas que te molestaran en el curso normal de la escucha, y me quedo con la canción Sega.” HiperAsia: “Son los giga bazares que hay a las afueras de Madrid. Incluyo canciones del 2012 porque fue cuando empecé a componerlo, pero aunque conté con ese material, lo modifiqué mucho tras entender la experiencia HiperAsia, pasear por esos pasillos transformó todo.” Wearable: “A Wellness los conocí por un amigo en común y flipé. Son una gran fuente de inspiración desde que llegué a Madrid. Gracias a ellos hemos podido hacer el disco wearable en una colección de sudaderas y pulseras con un chip NFC. La materialización simbólica de escuchar música.” Letras: “No son nada oscuras, de hecho hay mucho sentido del humor, mi humor. Todo ese universo que explica HiperAsia no es nada frío ni robótico, no me parece nada frío por ser futuro. De hecho me parece que el chiste está ahí. Utilizamos referencias estéticas, cosas más abstractas, pero hay una persona al fondo de eso”. Proyectos: “Empezar a tocar en directo el disco a partir del 23 de enero, que lo presentamos en Bangkok, y seguir produciendo bajo otros alias para la web de HiperAsia. Y giraré por España también, claro”. “HiperAsia” está editado por Canada Editorial y distribuido por Everlasting. Disponible a partir del 29 de enero. <hiperasia.style>

kino40 a nicefont

designed byles83machines Tipografía gratuita del mes: KINO 40

Fotografía: Kimberly Richards

Tipografía diseñada por LES83MACHINES <www.les83machines.com> Puedes descargártela gratis desde nuestra web: <www.neo2.es/magazine> Entra en tipografía de regalo e introduce el CÓDIGO DE DESCARGA: 88842MX

REVOLUTION

texto SOFÍA DOS SANTOS

RECONOZCÁMOSLO: SOMOS ANIMALITOS DE COSTUMBRES. SEGUIMOS SIEMPRE LAS MISMAS PAUTAS. HASTA QUE LLEGA ALGUIEN Y ROMPE CON ELLAS. ¿PREPARADO PARA EL CAMBIO? Beefeater, la ginebra premium destilada en Londres, la que tiene en su haber más premios que ninguna otra, le lanzó un reto al chef David Muñoz: romper con el universo de lo líquido. Y eso quiere decir nada menos que transformar ese ritual tan nuestro que consiste en salir a tomar una copa con los amigos, o ir de afterwork con los compañeros, o tomar el aperitivo dominguero. Hábitos que nos encantan, pero con los que caemos rápido en la rutina, es decir, solemos ir a los mismos sitios y solemos pedir lo mismo. Bueno, pues ahora llegan David y Beefeater y se proponen cambiar eso con Beefeater XO. Un proyecto con el que adelantan que van a revolu-

cionar la forma en la que disfrutamos de los espirituosos y del ritual que se sigue antes y después de consumirlos, porque se proponen romper los estereotipos que rodean el momento de disfrutar de una copa… David se encargará de transformar el universo de lo líquido, donde las emociones y sensaciones estarán representadas precisamente ahí, en una copa. ¿Y cómo lo hará? Pues todavía no ha sido desvelado, aunque adelantan que la cosa no va de cócteles imposibles, ni de artilugios de perfect serve, ni de hielos con formas extrañas… ¿Qué será entonces? Atentos, porque la revolución está cerca. www.facebook.com/BeefeaterGinSpain

- ARTWORK: TIZIANO DEMURO -

#THE2OFUS CK2 Fresca, urbana y alternativa, una fragancia para 2 que libera las fronteras de géneros. Unisex, para chicos y chicas, sin estereotipos. Una conexión juvenil entre 2 personalidades diferentes en equilibrio que se reafirman la una con la otra. Por un lado, la frescura picante y eléctrica del wasabi con notas florales de violeta y un toque mineral de adoquines húmedos; por otro, el magnetismo de la madera cálida de sándalo con incienso y vetiver. Una energía bipolar que el artista Tiziano Demuro traduce para Neo2 en un enfrentamiento bi-cromático de fondo, con 2 manos, una femenina y otra masculina, que se pasan el relevo, Ck2. Un juego de colores saturados que expresan una visible excitación por el contacto. <www.calvinklein.com>

HIGH FIDELITY texto ROBERTO JUANES

FORD ESTABLECE UNA ALIANZA CON SONY PARA DOTAR AL NUEVO MONDEO VIGNALE DE UNA TECNOLOGÍA ÚNICA, CONVIRTIENDO ASÍ EL COCHE EN EL LUGAR IDEAL PARA DISFRUTAR DE LA MÚSICA. Cuando toca enfrentarse al difícil momento de elegir coche, uno de los elementos que menos tenemos en cuenta es el equipo de sonido. Sin embargo, con el paso del tiempo acaba siendo el que más usamos durante la conducción. Al fin y al cabo, las distancias cada vez mayores y los continuos atascos hacen que pasemos mucho más tiempo del que nos gustaría dentro de nuestros vehículos, con nuestra música favorita como única compañía. Conseguir una experiencia de sonido de calidad que nos permita disfrutar al máximo de esos momentos es la nueva apuesta que Ford, en colaboración con Sony, hace con el nuevo Mondeo Vignale. La primera medida pasa por insonorizar el habitáculo utilizando una tecnología similar a la implementada en los auriculares con cancelación de ruido. Gracias a tres micrófonos colocados estratégicamente en el interior del vehículo se recogen todos los ruidos no deseados que provocan el motor y la transmisión. A través de la emisión de ondas de sonido opuestas, el ruido queda totalmente anulado en un proceso que pasa desapercibido para el oído humano. Por si fuera poco, todos los cristales del coche se realizan con un vidrio acústico laminado que es capaz de reducir el ruido causado por el

viento, especialmente molesto a altas velocidades. Cuando el interior está aislado llega el turno de Sony. Doce altavoces de diferentes tamaños se distribuyen en el interior del coche de tal manera que cada uno de los ocupantes percibe la música como si estuviese colocado en el centro de una gran sala de conciertos. No se trata de una metáfora, ya que la compañía japonesa ha utilizado su experiencia sonorizando este tipo de recintos y la ha aplicado a esta nueva tecnología. La potencia viene de la mano de un amplificador DSP, que gracias a sus diez canales independientes ofrece un rango de frecuencias comparable a los equipos más punteros de la marca. Automoción y alta fidelidad por fin juntos. Ya que el coche va a acabar por ser nuestra segunda casa, al menos habrá que disfrutar del trayecto. <www.ford.es>

- ARTWORK: TIZIANO DEMURO -

LOVE STORY DE CHLOÉ Más fresca, más floral, más sensual… Así es la nueva eau de toilette Love Story de Chloé, una fragancia de amor escrita por Anne Flipo con notas de flor de azahar y aroma del rocío. Una historia que gana en intensidad con la explosión de la flor de capuchina, ligeramente picante. Su final, totalmente abierto, está protagonizado por la frescura de la flor del cerezo con acordes florales de rocío. Una bonita historia de amor que el artista Tiziano Demuro ha interpretado gráficamente para Neo2. Por un lado juega con suaves y delicados colores pastel que contrastan entre sí. Las manos, en blanco y negro, evocan memorias y sentimientos románticos. Ella, con relajada seguridad, acaricia el amuleto del amor, Love Story de Chloé, él recoge su fragancia con las manos abiertas. <www.chloe.com>

KAWS

A texto SOFÍA DOS SANTOS

EL MAYOR PARQUE DE ESCULTURA DE EUROPA, YORKSHIRE SCULPTURE PARK, ACOGE DURANTE LA PRIMERA MITAD DEL AÑO LA OBRA DEL ARTISTA NORTEAMERICANO.

A/ Born to bend, 2013. Cortesía del artista y Ysp. B/ Small lie, 2013. Cortesía del artista y Ysp. C/ Companion (passing through), 2010. Cortesía del artista y Ysp.

Fue en los años 90 cuando Brian Donnelly, aka Kaws, se dio a conocer al mundo gracias a su peculiar interpretación de iconos populares procedentes casi siempre de los dibujos animados, como Mickey Mouse, Los Simpson o Bob Esponja. De hecho, antes de todo esto llegó a trabajar durante un tiempo para Walt Disney, tras graduarse en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Un tiempo breve pero que debió resultarle muy inspirador a la hora de crear su propia y reconocible obra, que todavía hoy se sigue asociando con el arte urbano y el movimiento Art Toy, ya que empezó interviniendo los anuncios publicitarios de las calles y diseñando ediciones limitadas de muñecos en vinilo. Su marca de la casa son esas inconfundibles equis que todos sus personajes tienen en ojos y manos. Un

original sello que le ha llevado a trabajar, a lo largo de los años, con marcas como Vans, Burton, la cerveza Dos Equis (colaboración inevitable) o Nike, e incluso fue elegido para diseñar la estatuilla de los premios MTV. Hoy día, sus obras se venden a precios que alcanzan las seis cifras. Aún así, todavía no había tenido una gran exposición en el Reino Unido, algo que se solucionará a partir del 6 de febrero de este recién estrenado año, porque 20 de sus peculiares obras poblarán el parque de escultura al aire libre más grande de Europa, Yorkshire Sculpture Park, situado en Bretton Hall, al oeste de Yorkshire, repartiéndose entre las instalaciones al aire libre, donde estarán las esculturas monumentales realizadas en bronce, fibra de vidrio, aluminio y madera, que incluirá una obra nueva de seis metros de altura, y la Longside Gallery, que se encuentra también en este gran complejo escultórico que acogerá una serie de grandes lienzos que el artista ha realizado especialmente para la exposición. Y, por supuesto, también habrá merchandising diseñado por Kaws en exclusiva para el Yorkshire Sculpture Park. Yorkshire Sculpture Park. Del 6 de febrero al 12 de junio de 2016. <www.ysp.co.uk> <www.kawsone.com>

BELAKO texto SARA MORALES foto IÑAKI BILLELABEITIA

CON UN DISCO Y DOS EP’S HAN CONQUISTADO LA ESCENA NACIONAL. COLECCIONAN RECONOCIMIENTOS, EL ÚLTIMO: EL PREMIO OJO CRÍTICO DE RNE. EL 22 DE ENERO LANZAN “HAMEN”, SU SEGUNDO ÁLBUM. ENTRAÑAS E INSTINTO PUNK. La clave: “Un directo sincero. Todo ha ido creciendo a medida que hemos ido tocando; la gente que ha venido a nuestros conciertos es la que se ha ido enamorando. También es verdad que el hecho de no buscar una fórmula y apostar por lo que nos gusta, sin pensar en nada más, creemos que cala en la gente. Somos cuatro personas que nos llevamos bien, que en directo nos lo pasamos bien, que nos motivamos con poco y eso al final se acaba transmitiendo”. Evolución: “Desde que empezamos hemos ido aprendiendo en cada directo, de cada concierto hemos sacado una lección. Sí que es verdad que a nivel creativo, en la construcción de los temas, hemos notado una evolución en nosotros mismos. En nuestro primer disco no pensábamos mucho en cómo hacer las canciones, salían

así y ya está. Ahora tenemos más consciencia de por dónde queremos tirar, pero no para llegar a nada a base de fórmulas, sino porque nos sentimos más seguros, sabemos más trucos para encajar diferentes elementos, diferentes frecuencias, y hacer que suenen compactas. Ahora es cuando estamos acercándonos al sonido Belako”. Alma: “Sin clasificarnos en ninguna etiqueta, lo que mejor define nuestro sonido a nivel conceptual es el soul. Entendiendo este como algo visceral, algo que sale de dentro, como nos ocurre a nosotros. Nos sentimos muy identificados con ese género, Belako es instinto, espontaneidad y fuerza interior exteriorizada. Sin embargo, técnicamente, nuestra raíz es punk, todo parte del punk; tres acordes y mucha actitud, no tener miedo. Partiendo de él ya llega el post punk, el noise e incluso hemos llegado a coquetear con el rock progresivo y psicodélico”. Hamen: “Significa ‘aquí’ en euskera vizcaíno. A nivel narrativo no hay un hilo conductor concreto, hablamos de conflictos sociales, introversión... No somos religiosos ninguno, pero sí queríamos jugar con esa dualidad en castellano de ‘Amén’. Queremos reflejar el aquí y ahora, el está pasando, este es justo el momento de este disco. Como un barco que deja su tierra atrás y se encuentra en medio del mar con algo de vértigo, sin rumbo fijo, sabiendo que hay mucho por delante pero sin verlo claramente todavía”. “Hamen” está editado por Mushroom Pillow

MISCELÁNEOS

ASICS TIGER Esta Primavera Verano 2016 se lleva el mármol En la nueva colección hay mucho para elegir, pero dentro de la línea Platinum nos ha sorprendido esta versión de las Asics Tiger Gel Lyte III. Se trata del modelo Marble, una zapatilla de cuero que gráficamente simula un bloque de mármol. Un efecto industrial muy interesante. En la foto verás la opción en blanco con vetas negras, pero también existe la versión en negativo. Fecha de lanzamiento: 15 de enero de 2016. Precio: 145 euros. <asicstiger.com>

LA KANTERA 1987-2015 Converse presenta la historia de uno de los skateparks más antiguos de Europa. Con un estilo costumbrista, y a la vez épico, las páginas de este libro nos muestran la historia de uno de los espacios de referencia de la escena skate europea: La Kantera, el primer skatepark de Euskadi, y con casi 30 años, uno de los más antiguos y bonitos del continente. De este paraíso localizado en Getxo ha salido auténtica piedra y talento internacional. Fotografías impresionantes y testimonios estimulantes hacen que este libro de 300 páginas sea un imprescindible en tu mochila. 40 euros. <converse.com>

texto JOE MADRAZO

G-STAR SCUBA Zapatillas inspiradas en las botas de submarinismo G-Star adora los océanos y son su inspiración. Una buena prueba de ello es esta zapatilla de la colección primavera verano 2016. Se trata del modelo Scuba, un nuevo modelo diseñado para el público masculino donde se mezcla el denim y sus características costuras con goma y neopreno. El resultado tiene un interesante efecto postindustrial. El calzado ideal para urbanistas que adoramos el mar. Este modelo, y el resto de la colección SS16, está a la venta a partir de enero 2016, tanto en tiendas físicas como en la boutique online de G-Star. <g-star.com>

VANS OLD SKOOL ZIP Las Old Skool ahora con cremallera Las clásicas Old Skool de Vans ya no se atan y se desatan. Ahora se abren y se cierran. Llevan cremallera, y los cordones son de adorno si quieres. Se trata de la versión zip. Diseñadas con una cremallera lateral le dan un rollo más radical a este icono del calzado deportivo. Tienes 3 opciones de cremallera: dorada, blanca o negra haciendo contraste con los colores de las zapas. Todos los modelos son de Premium Leather. 95 euros. <www.vans.es>

TEXTO SOFÍA DOS SANTOS

LIKE A PAINTING Mezclar colores, texturas, tonalidades… El arte de pintar no es tan diferente del arte de maquillar. Lo importante es saber utilizar las herramientas adecuadas. Los nuevos productos de maquillaje ck Calvin Klein serán tu aliado perfecto a la hora de transformar tu rostro en una verdadera obra de arte. ck Calvin Klein Eye Palette 200 Olvídate de ese gran neceser que llevas en el bolso. Ahora tienes 10 tonos de sombra de ojos en una sola paleta. La paleta incluye un pincel de doble punta con el que podrás crear looks muy diferentes gracias a su cuidada selección de tonos oro, arenosos, bronces y rosas atemporales.

ck Calvin Klein 3-in-1 face makeup No es sólo un maquillaje, atenta, también es prebase y serum. Un 3-in-1 que te va a dejar el cutis de película. Una fórmula súper ligera, con tres capas de aminoácidos que se adaptan a la piel proporcionando un acabado natural y radiante que controla los brillos mientras hidrata y nutre tu piel. Hay 8 tonos para elegir.

ck Calvin Klein All Day Perfection Lipcolor Encontrar el pintalabios perfecto no es tarea fácil. Estos labiales de ck Calvin Klein serán tus imprescindibles este invierno. Proporcionan un acabado brillo, de larga duración, con un colorido intenso y muy resistente. Estarás perfecta todo el día, y sin sensación de sequedad. Disponible en 12 tonos.

ck Calvin Klein eyeliner gel + brush Para un look sofisticado, un buen eyeliner es fundamental. ck Calvin Klein presenta este novedoso pincel de corte triangular junto a una fórmula en gel sedosa que facilita su aplicación. Seca rápidamente, es de larga duración, proporciona un color ultra intenso y, además, es resistente al agua. Disponible en 3 colores.

TEXTO JOE MADRAZO

FOTOS PABLO THECUADRO

Denim de Autor En realidad son 2 autores. A uno le conoces como ilustrador, y al otro como fotógrafo y collagista. Hablamos de David Kohlver y Pablo Thecuadro. Ambos reconvertidos por un día en autores de sus propios denim en el espacio Custom Studio de Pepe Jeans. Tú también puedes.

¿Soléis customizar vuestra ropa? (David) Lo hacíamos más cuando éramos adolescentes. Ahora yo solo tengo un chaleco, precisamente vaquero, en el que dibujé cosas en la espalda. ¿Cuáles son las piezas de Pepe Jeans que elegisteis para customizar? (David) Tenía claro que quería una chaqueta típica vaquera en oversize. Iba con la idea del tono denim oscuro, prácticamente gris, pero al final me decanté por una normal de Pepe Jeans. (Pablo) Yo escogí un pantalón tipo jogging. Pensaba que cogería un vaquero normal, pero me probé este y resultó comodísimo, puedes moverte como quieras con él. ¿Qué habéis hecho cada uno en el Custom Studio? (D) Imprimí al láser un dibujo de una tarorista estilo años 20 en la espalda, con 3 ojos. Es algo que quería hacer desde hace mucho. Y en los puños imprimí unas calaveras con fuego. Además, utilicé la herramienta para desgastar la prenda, y le añadí tachuelas, unas con forma de calavera y otras triangulares. Estas ilustraciones las hice especialmente para imprimirlas sobre las prendas de Pepe Jeans, pensando en lo que nos gustaría encontrar en una prenda, el tipo de diseño que compraríamos. (P) No quería hacer algo excesivo en un pantalón, así que mi principal opción fue rodear la parte del tobillo con tachuelas en forma de estrella. Además, con la impresión láser metí una ilustración de David en la zona de la cadera, y las mismas tachuelas en forma de calavera en un bolsillo. Lo bueno de Custom Studio es que además de todos los recursos para customizar tus denim y hacerlos únicos, te permite llevar tus propios motivos gráficos y eso aumenta muchísimo las posibilidades. ¿Os ha gustado el láser para imprimir ilustraciones? (D+P) Es una pasada, tarda poquísimo y es muy curioso ver como la luz roja va dejando el dibujo sobre la prenda.

A. @thecuadro con pantalón customizado gymdigo de Pepe Jeans B. @davidkohlver con cazadora customizada de Pepe Jeans

¿Habíais aplicado antes ilustraciones sobre textil? (D) Sí, sobre sudaderas o camisetas, siempre con la idea de hacer yo mismo lo que me gustaría comprar. En el espacio Custom Studio de Pepe Jeans imprimen todo tipo de ilustraciones, pudiendo utilizar degradados, pero yo me decanté por el blanco/negro porque creo que es más directo, y los colores planos suelen funcionar mejor en textil. ¿Ya habéis estrenado vuestras prendas de autor? (D) Sí, yo utilizo muchísimo la chaqueta, y siempre recibo cumplidos sobre ella. Mucha gente tiene curiosidad por saber si los dibujos los he diseñado yo mismo. (P) Claro, al día siguiente de pasarnos por la tienda. Es una maravilla y llama la atención. Después de esta experiencia, ¿cuáles son vuestros proyectos más inmediatos? (D) Me encantaría lanzar en un futuro una colección pequeña de camisetas, parches o sudaderas. Es un campo que me atrae muchísimo. Y, luego, siempre voy detrás del mundo del cómic. (P) Seguir haciendo collage e incluir, cada vez más, mi propia fotografía.

Espacios Custom Studio Tienda Pepe Jeans en calle Fuencarral, 23 (Madrid) Tienda Pepe Jeans en calle Claudio Coello, 50 (Madrid) Tienda Pepe Jeans en calle Provenza, 249 (Barcelona) Tienda Pepe Jeans en el CC. La Maquinista (Barcelona) <www.pepejeans.com>

Foto arriba. Alphabeta lamp. Foto izquierda. Butaca Hai.

TEXTO

JAVIER ABIO

Es uno de los diseñadores italianos más demandados del momento. En su trabajo, este veneciano mezcla a partes iguales la tradición italiana y la influencia escandinava. Hablamos con él de venta online, crisis, royalties, best sellers y del incombustible estilo nórdico.

Uno de tus últimos proyectos es la lámpara Alphabeta diseñada para una nueva marca de mobiliario llamada Hem, nacida de la unión de One Nordic y Fab. “Ya había colaborado con One Nordic, y con la nueva marca me volvieron a llamar. Tenía en la cabeza una lámpara que proyectara la luz de una forma diferente, aunque en el mercado hay cosas parecidas, son luminarias muy técnicas. También quería hacer un producto muy customizable, para esto Hem era perfecta por su modelo de venta online. Al principio del proyecto teníamos diseñada una familia amplísima con modelos de pie, de mesa, de pared… pero al final decidimos centrarnos solamente en la de techo ya que si no la inversión se disparaba. Aún así el stock que tienen que tener es muy notable ya que hay 8 piezas diferentes combinables, y además con diferentes colores”. ¿Estás contento con el precio que tiene? “Hem trabaja de forma directa ya que tiene venta online y con eso se consigue ahorrar mucho, te quitas muchos intermediarios. El precio final podría haber sido mas barato si la hubiéramos fabricado en China, pero se hubiera perdido calidad. La estamos fabricando en Italia con un proveedor amigo y de confianza y eso hace que haya un buen equilibrio entre calidad y precio”. ¿Qué piensas sobre el pago en royalties que hacen algunas marcas a sus diseñadores? “Este sistema ya no es sostenible, la idea en el fon-

do era buena, pero ya no funciona. El porcentaje que se suele pagar suele ser entre un 3 a un 5 por ciento más o menos. Vivimos en una era en la que hay tantos productos, tantos diseñadores, tantas compañías… que crear un best seller es casi tan difícil como ganar la lotería. No es una cuestión de si tienes un buen diseño o no, hay muchísimos factores extra: el precio correcto, la compañía perfecta, el marketing perfecto, la distribución perfecta… Para hacer un buen trabajo creativo necesitas invertir muchísimo tiempo y es difícil poder esperar años y años para poder recuperar algo de esa inversión. Yo ahora estoy en una buena posición y puedo pedir una mezcla de royalties y de fee por el proyecto, en algunos casos trabajo con fees más altos que royalties. Algo poco comprensible es también que los equipos comerciales se lleven un 7-10% de las ventas mientras que el diseñador se lleva un 3-5%. Si no hay un buen diseño no hay nada que vender. El sistema de royalties en los años 60 o en los 80 estaba bien porque había menos diseñadores, menos competencia y menos compañías. El mundo del diseño ha cambiado completamente, ahora mismo los únicos que están haciendo negocio con el mundo del diseño son las escuelas, porque fuera no hay trabajo para todos. Quizá si eres un genio no tendrás problemas, pero gente con mucho talento lo tendrá muy difícil”.

<nichettostudio.com>

¿Hay mucho Nordic Style todavía? “Los italianos han sido uno de los países más activos en el negocio del mobiliario de alto nivel, después apareció Ikea con mobiliario medio-bajo. Ahora hay un hueco en el medio. Los escandinavos son en su mayoría clase mediaalta y por eso compañías como Hay, Mutto, Normann Copenhagen, etc… cubren ese target. No es producción masiva, es gente con gusto que hace cosas bonitas. Los escandinavos no se gastan 15.000 euros en un sofá pero sí 3.000. Las compañías nórdicas cubren ese agujero que hay en el medio. Los escandinavos no invierten muchísimo dinero en innovación, recurren más a su tradición: un buen producto, buen uso de la madera, un buen tapizado, un toque un poco hipster y les va bien. Por eso en el mercado ves a un montón de seguidores que hacen lo mismo. La crisis ha hecho que los emprendedores inviertan menos, antes de la crisis podías ver un montón de sillas de plástico, ahora pocos quieren invertir en un molde. Menos riesgo, menos inversión. Por ejemplo, el movimiento Makers o New Craft, no aparece porque el mercado lo demande, sino porque no hay dinero para invertir en investigación y producción.

Luca Nichetto

40 Izquierda/ Lámpara 57. Arriba derecha/ Omer Arbel. Abajo derecha/ Lámpara 73, resultante de soplar cristal líquido dentro de un tejido cerámico.

TEXTO

ANA DOMÍNGUEZ SIEMENS

Acaba de abrir sede en Berlín, un laboratorio para dar a conocer sus ideas después de diez años de actividad con Bocci. Omer Arbel es arquitecto, diseñador, escultor, investigador, inventor. Sólo un número identifica sus proyectos cronológicamente. Berlín es el número 79.

Bocci 79: “Pretendemos usar este espacio de cuatro pisos como una especie de laboratorio. En cada habitación mostramos una idea diferente. Lo bueno es que aquí podemos mostrar todas las luces en el contexto de nuestra investigación más amplia y hacerlas interactuar con este espacio que a su vez tiene una gran personalidad. Algunos de los proyectos son inacabados, no se llegan a comercializar. En cada uno de ellos intento inventar procesos técnicos de producción nuevos, yo no pienso en formas sino en modos de hacer. Muchas de las cosas son solo experimentos y no sabemos qué vamos a hacer con ellos. Estos diez años hemos ido creando estas piezas separadas unas de otras, y ahora no sólo vamos a mostrar las piezas sino también a fabricarlas, en seis meses pretendemos empezar a producir porcelana y en doce meses cristal. Tengo mucha más experiencia con cristal pero también gran curiosidad por la porcelana, y el workshop aquí me va a dar la oportunidad de explorarla”. Los artesanos: “Son muy importantes porque pueden dedicar su vida entera a los materiales y eso es lo que yo necesito. Para que yo pueda inventar nuevas técnicas tengo que colaborar con gente que ha dedicado su vida al material. Tiene que haber una mente abierta por ambas partes, yo necesito que me ‘eduquen’ pero también requiero de ellos nuevos enfoques que a veces

no son lo que ellos están acostumbrados a hacer. Bocci tiene su sede en Canadá, un sitio donde casi no hay tradición artesanal, una de las razones por las que me gusta Berlín es porque estoy muy interesado en trabajar con artesanos que tienen una vasta tradición de conocimientos, creo que ese es el camino a seguir en mis exploraciones en los próximos diez años”. El proceso: Las formas no están decididas de antemano por el lápiz de Omer, hay un elemento de imprevisión, de azar, originado en el propio proceso de experimentación: “Es importante para mí respetar lo colaborativo de los procesos; en cierta manera mi papel es más de un director de arte, yo soy el que da un paso atrás y decide qué está bien o mal, si hay que añadir más químicos o más electricidad o calor, pero nunca digo ‘haz esta pieza perfecta’, eso no está en mi modo de actuar. De hecho, los errores son la parte más interesante del trabajo. La pieza 71, por ejemplo, es el resultado de experimentar con distintos metales y con la técnica del electro-chapado”. La naturaleza: “Puedo ver la relación de mi trabajo con la naturaleza pero no es algo intencionado, solamente el modo en el que están hechas las cosas me interesa. En una pieza que parece una extraña rama de árbol, los cambios de color son un error, no sabemos qué los produjo y no hemos sido capaces de

Omer Arbel

<www.omerarbel.com>

reproducirlos. Lo que me inspira no es la naturaleza, son los procesos químicos… El producto de la técnica resulta a veces muy cercano a la naturaleza pero si fuera algo más geométrico me gustaría también”. Arquitectura: Ha diseñado una vivienda en Vancouver en la que repite su enfoque experimental: “Las formas ‘naturales’ de estos grandes elementos que refuerzan la estructura surgen de unos experimentos con cemento. El cemento es un material líquido pero la gente lo usa colocándolo en formas rectangulares. También es muy caro porque es muy laborioso crear el encofrado para él, normalmente con madera, así que hemos pensado que había algo equivocado en el modo en que aplicamos este material y hemos desarrollado un sistema para fundir el cemento moldeándolo en una gran tela que se coloca dentro de unas largas varillas metálicas en vez de en madera.”

42 Izquierda/ Mural de Cesar Manrique por encargo de Manuel Herrero Rivas para un local de su empresa de cerĂĄmicas de azulejos y pavimentos. Abajo/ Fotograma de video GeneralĂsimo/ Castellana 111-119. 2014.

TEXTO MARIANO MAYER RETRATO CRISTINA ROCHA

En sus vídeos y audios Patricia Esquivias arma y desarma narraciones históricas y culturales y las expone liberadas de toda erudición. Estos relatos, que han pasado de boca en boca, promueven otra relación con el trabajo documental. Sus interrogaciones nos permiten lanzar la pregunta sobre la certeza de toda historia, incluso la historia personal. El CA2M reúne un conjunto significativo de piezas realizadas en los últimos años.

CA2M: “La exposición recoge mi trabajo de los últimos cinco años sobre ciertos elementos decorativos en la arquitectura y los mundos que los acogen. Murales de cerámica en terrazas madrileñas, aceras de concreto decoradas y ya muy gastadas de Colombia, casas de estilo europeo en el Rif, la región de montañas al norte de Marruecos, decoradas con pseudo esgrafiados. En cada caso comienzo haciendo una investigación con la intención de descubrir cómo y por qué fue realizada cada una de estas intervenciones. A partir de allí, los mundos que acogen estos objetos empiezan a mezclarse con lo que yo tengo que decir sobre ellos”. Cuestionar la historia: “A veces hay que inventar para explicar verdades, no hay otro modo. Con los niños es un método muy aceptado. Es bonito y resulta satisfactorio para todos los bandos”. Edificios: “Trabajar alrededor de la historia de un edificio pensé que podría ser un trabajo infinito y a la vez algo parecido a cumplir un sueño. Lo primero que me llamó la atención de estos edificios ubicados en el Paseo de la Castellana fueron sus cien terrazas decoradas cada una con un mural diferente. Pero después de empezar a conocer estos espacios mejor me di cuenta que siempre iban a surgir cambios y novedades a las que prestar atención. Estos edificios se construyeron a fina-

les de los años cincuenta, en lo que antes era la Avenida del Generalísimo, y dicen que ahí vivían altos cargos de la CIA. ¡Y yo que en principio sólo pensaba en cómo sería para la gente vivir con esa pieza de arte en la terraza!”. Fernando Garrido: “Me encontré con Fernando Garrido cuando estaba intentando averiguar algo sobre el arquitecto de los edificios del Paseo de la Castellana. Una de las sobrinas de éste es la esposa de Fernando Garrido. Yo no sabía nada de su obra, por eso me emocionó mucho el hecho de conocer por casualidad a un arquitecto de 85 años, con una obra tan sorprendente y desconocida. Esto es lo que me impulsó a realizar un libro con sus obras. No entiendo cómo nadie antes había editado un libro sobre su trabajo”. Formas inconclusas: “Muchas veces, cuando todo más o menos parece estar terminado, surge algo que hace que tenga que añadir o cambiar en mis trabajos. Otras veces me resulta muy difícil aceptar el estado de ánimo que emana de mis videos. Esta incomodidad es la que determina que una pieza llegue o no a su fin”. Arquitectura artesanal: “Me interesan las personas que se han dedicado a ello y han conducido su modo de vida en esta dirección. Ese es el mundo en el que quiero estar. Me atrae esa comunidad de personas dedicadas a que nuestro entorno esté más cuidado.

A partir del 19 febrero, <www.ca2m.org>

Hace poco cerraron una sucursal del Diamante, el bar de los bocadillos de calamares que había cerca de mi casa. En el muro exterior había un mural de hormigón que decía: “café, cerveza, freiduría….” entre figuras geométricas y azulejos de picos. Debía ser de los años sesenta o setenta. Llegaron los nuevos inquilinos con sus hamburguesas de diseño y tiraron esa pared para abrir un par de ventanas. Lo más curioso y triste es que la hamburguesería por dentro está decorada con tablones de viruta grande, todos llenos de firmas y grafitis, como si llevasen ahí veinte años recogiendo las firmas de sus clientes. Pero en realidad, estos grafitis se habrán hecho en lo que tardaron en tirar la pared, que estaba ahí desde hacía cuarenta años”. Estilo: “Creo que el tipo de construcciones y objetos artesanales que me gustan responden un poco a lo que te dije antes, eso de que estoy buscando a las personas atrás de las cosas. Cada una de las cosas con las que trabajo me permite imaginar cierto tipo de personas. Cuando algo no me hace imaginar a un tipo de persona que me gustaría conocer, no sigo por ahí”.

Patricia Esquivias

Total Look G-STAR <www.g-star.com> â&#x20AC;&#x201D;

FOTOS: SEBASTIÁN TRONCOSO @ HYPE-PHOTO

ESTILISMO RA CASAS

MODELO: DZHOVANI GOSPODINOV @ TRAFFIC MODELS

MAQUILLAJE NOEMI NOHALES

Dzhovani Gospodinov A priori la vida de un top model parece interesante, como la de los futbolistas. Luego les entrevistas y son un rollo. Dzhovani Gospodinov es una excepción. Es modelo y, también un tío interesante. TEXTO MONGÓMERI

“Ahora mismo estoy en Tailandia, haciendo un curso de profesor de yoga”. Tiene 22 años, ha hecho Balenciaga, Thom Browne, Hermès, Junya Watanabe… Nació en Bulgaria. A los 9, su familia emigró buscando una vida mejor. “Y la encontramos”: en Luxemburgo, un país conocido como paraíso fiscal. “Lo es, y antes lo era mucho más. Pero ya no hay tanto secreto bancario, hay más control. Aunque sigue siendo un buen lugar para las grandes empresas y los bancos, y sin duda también ofrece ventajas a personas. Yo no me puedo quejar”. A pesar de ser un paraíso, Dzhovani, muy sincero, tampoco nos lo recomienda en plan turismo. “No hay mucho que ver. Hay muy buenos restaurantes, pero muy pocos bares y patéticos clubes. La ciudad la visitas en un día… La fortaleza que rodea el casco antiguo es muy bonita… y el museo de arte moderno -Mudam- hay que verlo”. Dzhovani no solo habla las 3 lenguas oficiales de Luxemburgo (alemán, francés y luxemburgués). “Odio decirlo, porque no quiero parecer que voy de sobrado, pero hablo 6 idiomas, y alguno más que está en camino”. Ahora, su madre vive en Luxemburgo y su padre en España. “He montado una peluquería en Altea -Dzhovani Hair Studio-. Lleva abierta unos 5 meses, y va muy bien. Estoy contento. También tengo un pequeño negocio de espárragos que espero ampliar el año que viene, aunque es algo muy estacional”. Igual que la moda. Mientras, le seguiremos viendo en pasarelas, campañas y, ¿por qué no?, Instagram. “Desgraciadamente, las redes sociales son muy importantes en este trabajo. Y yo soy malo en eso. Conozco gente que consigue trabajos gracias a ellas, y está bien porque entienden cómo funciona el tema. En Nueva York , por ejemplo, las cuentas de instagram están en los composites de los modelos, y si no tienes suficientes seguidores probablemente consigas trabajos con cuentagotas. Hay mucha gente ahí fuera que no debería ser influyente. Sería interesante ocupar su lugar, pero no sé mucho sobre ello”. @dzhovani_gospodinov

Sombrero BRIXTON <brixton.com> + Camisa & Jersey TWEEN <tween.com.es> + Pantalón SANDRO <sandro-paris.com>

TEXTO LILU DIAZ DE QUIJANO

FOTOS ANDONI BERISTAIN

TRÍO DE 2 46

Te proponemos un trío: tú, ella y una de las 3 fragancias femeninas más neo-románticas del mundo: Anaïs Anaïs, Anaïs Anaïs Premiere Délice y Amor Amor. Las 3 de Cacharel. Cada una refleja un momento idílico de la relación. El regalo perfecto para vuestra historia de amor, cada pareja tiene la suya.

TÚ, ELLA Y AMOR AMOR Representa la magia de la primera vez. Ese corazón palpitante que no para de latir bombeando mil sentimientos. Las emociones están al rojo, como el frasco de Amor Amor de Cacharel, una especie de rosa imaginaria que esconde la esencia del amor en una fragancia joven, floral y afrutada. Una creación de Dominique Ropion con alegres y nerviosos toques chispeantes de mandarina y flor de melati… energía que las notas de casis, jazmín y naranja sanguina transforman en deseo voluptuoso. <www.cacharel.com>

TÚ, ELLA & ANAÏS ANAÏS Es la fragancia de las grandes historias de amor eterno. Romances literarios dentro de un frasco de opalina blanca con flores imaginarias y tapón plateado. Una creación de Annegret Beier para un perfume dominado por la flor de lis, romántico, dulce, elegante y femenino. Su sabor frutal está reforzado por un conjunto de notas florales, antesala de exóticas notas refinadas de vetiver, pachuli de Singapur y espuma de La Encina de Yugoslavia. Finalmente, un fondo ámbar de almizcle y cuero de Rusia sella el conjuro de amor de esta fragancia que evoca a la diosa del amor, la fertilidad y la procreación en la antigua Persia, Anaitis. <www.cacharel.com>

TÚ, ELLA & ANAÏS ANAÏS PREMIER DÉLICE Amor acaramelado al primer click. Irresistible, vibrante, azucarada, fresca y alegremente romántica. Así es Premier Délice, una creación de Dora Baghriche y Olivier Cresp para Firmenich. Una interpretación de la mágica sensación de tener miles de mariposas revoloteando en el estómago. En Premier Délice todas giran alrededor de un conjunto de flores, principalmente blancas, y una mezcla exquisita de frutas envueltas en vainilla, donde resaltan las peras más bellas y sabrosas. En la base, un toque de chocolate amargo añade contraste reposando en la piel con una combinación de hongos blancos. <www.cacharel.com>

“Por el mero hecho de ser chicas estamos destinadas a ser más juzgadas que un grupo masculino, y eso es algo que cuando empezamos no sabíamos. Nunca nos hemos sentido menos en nuestros otros trabajos o estudios por ser mujeres, y de repente llegamos a la música y alucinamos” (Carlotta)

Hinds

En el escenario: (Carlotta) “Como músico uno va avanzando por escalones, no es una línea recta hacia arriba, y este verano hemos subido tres o cuatro de golpe. De pronto un día notas que lo acabas de hacer a años luz que el concierto anterior, aunque no sepas el porqué. A partir de ahí ya estás en otro nivel”. (Ana) “Ya no tengo miedo a fallar. Puedo tener miedo a caerme o algo así, pero no es como antes, que estaba todo el rato pensando en no cagarla en algún momento crucial. Ahora todo es mucho más fluido”. Por el mundo: (Carlotta) “De todos los sitios donde hemos tocado nos quedamos con Estados Unidos, es un público muy generoso”. (Ana) “Y muy loco. Son un poco españoles en ese sentido. Los jóvenes van a hacer el salvaje. En Europa es más cultural, algunos se vuelven locos y algunos escuchan; además hay gente más mayor”. Machismo musical: (Carlotta) “No te puedes imaginar lo diferente que es ser un grupo de música de chicas que de chicos, no tiene nada que ver. Por el mero hecho de ser chicas estamos destinadas a ser más juzgadas que un grupo masculino, y eso es algo que cuando empezamos no sabíamos. Nunca nos hemos sentido menos en nuestros otros trabajos o estudios por ser mujeres, y de repente llegamos a la música y alucinamos”. (Ana) “Eres la diana de absolutamente todos los escépticos y ametralladores de la música”. En el punto de mira: (Ana): “En España parece que para ser alguien tienes que haber sacado varios discos, haber tocado en ciertos festivales, en las fiestas que organiza alguna radio; es como una pescadilla que se muerde la cola. El hecho de que alguien nuevo de aquí haya salido de ese circuito y le esté yendo muy bien parece que molesta. De pronto tenemos la sensación de que la gente es-

TEXTO ROBERTO JUANES

FOTOS ALEJANDRO ROD

Con tan sólo dos singles publicados, el garage lo-fi de esta jovencísima banda madrileña ha conquistado a la prensa internacional y las ha llevado a girar por todo el mundo. Su debut largo, ‘Leave Me Alone’, llega para reafirmar su éxito. Sobre él charlamos con Ade, Amber, Ana y Carlotta. Leave Me Alone: (Ade) “Es nuestra manera de presentarnos como grupo, mucho mejor que hacerlo a base de dos canciones, luego otras dos y así continuamente. Un disco es como una historia que estás contando y que estás creando como grupo, creíamos necesario ofrecer algo más. Cuando la gente escuche el disco va a descubrir otro tipo de Hinds”. (Carlotta) “Hemos metido todas las canciones que íbamos componiendo a lo largo del año, no es que hayamos elegido nuestros doce mejores temas entre una lista de cuarenta. Cada vez que hacíamos una canción nueva sabíamos que iba a ir en el disco”. En el estudio: (Carlotta) “La grabación fue super cómoda, porque no nos metimos en el estudio a investigar, sino que queríamos hacer un disco en el que toda la parte instrumental estuviera muy cercana al directo. Entonces cogimos las guitarras y los amplis que más se parecían a los nuestros, pero de mucha mejor calidad, y tocamos como si estuviésemos dando un concierto”. (Ana) “En casi todas las canciones las baterías, muchos bajos y las guitarras están grabadas a la vez, incluidos los punteos. Como muchas de las canciones ya las llevábamos tocando un montón de tiempo no era como aprender una canción y tocarla perfecta, sino que se nos hizo bastante fácil”. Paco y Diego: (Ana) “Fuimos al estudio de Paco Loco porque nuestro productor, Diego [García, de The Parrots] había grabado varias veces con él y sabíamos que tenían un lenguaje, una conexión y un gusto en común”. (Ade) “Entre ellos se compenetran muy bien, era un trabajo muy colaborativo”. (Ana) “Menos Paco, ninguno éramos profesionales en lo que estábamos haciendo, en el sentido de que nosotras nunca habíamos grabado un disco y Diego nunca había producido a nadie. Era un espacio muy libre, no había nadie obligándonos a hacer las cosas de una u otra manera”.

Agradecimientos ESPACIO MOOD <espaciomood.com> —

‘Leave Me Alone’ está editado por Lucky Number y distribuido por Music As Usual. —

“Como músico uno va avanzando por escalones, no es una línea recta hacia arriba, y este verano hemos subido tres o cuatro de golpe. De pronto un día notas que lo acabas de hacer a años luz que el concierto anterior, aunque no sepas el porqué. A partir de ahí ya estas en otro nivel”. (Ana) “Ya no tengo miedo a fallar. Puedo tener miedo a caerme o algo así, pero no es como antes, que estaba todo el rato pensarlo en no cagarla en algún momento crucial. Ahora todo es mucho más fluido”. Por el mundo: (Carlotta) “De todo los sitios donde hemos tocado nos quedamos con Estados Unidos, es un público muy generoso”. (Ana) “Y muy loco. Son un poco españoles en ese sentido. Los jóvenes van a hacer el salvaje. En Europa es más cultural, algunos se vuelven locos y algunos escuchan; además hay gente más mayor”. Machismo musical: (Carlotta) “No te puedes imaginar lo diferente que es ser un grupo de música de chicas que de chicos, no tiene nada que ver. Por el mero hecho de ser chicas estamos destinadas a ser más juzgadas que un grupo masculino, y eso es algo que cuando empezamos no sabíamos. Nunca nos hemos sentido menos en nuestros otros trabajos o estudios por ser mujeres, y de repente llegamos a la música y alucinamos”. (Ana) “Eres la diana de absolutamente todos los escépticos y ametralladores de la música”. En el punto de mira: (Ana): “En España parece que para ser alguien tienes que haber sacado varios discos, “Como músico uno va avanzando por escalones, no es una línea recta hacia arriba, y este verano hemos subido tres o cuatro de golpe. De pronto un día notas que lo acabas de hacer a años luz que el concierto anterior, aunque no sepas el porqué. A partir de ahí ya estas en otro nivel”. (Ana) “Ya no tengo miedo a fallar. Puedo tener miedo a caerme o algo así, pero no es como antes, que estaba todo el rato pensarlo en no cagarla en algún momento crucial. Ahora todo es mucho más fluido”. Por el mundo: (Carlotta) “De todo los sitios donde hemos tocado nos quedamos con Estados Unidos, es un público muy generoso”. (Ana) “Y muy loco. Son un poco españoles en ese sentido. Los jóvenes van a hacer el salvaje. En Europa es más cultural, algunos se vuelven locos y algunos escuchan; ade-

ECOALF Colección Otoño/ Invierno 2015-16

TEXTO BEATRIZ LÓPEZ MIGUEL

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CAMBIO CLIMÁTICO Collection

Sabemos que la industria de la moda, como todas las industrias, influyen en el cambio climático. Pero, ¿sabemos cómo influye el cambio climático en la moda? 54

Si la moda fuese agricultura y John Galliano fuese un célebre granjero vestido con un peto vaquero y un sombrero de paja, el momento de la cosecha podría equipararse al comienzo de la temporada otoño invierno. Ese momento clave para la subsistencia de nuestros campos (aka, nuestras tiendas) llega cuando bajan las temperaturas, vuelve a empezar la rutina de trabajos y colegios y todos corremos a comprarnos jerseys, cazadoras y abrigos. Pero, de la misma forma en la que la catástrofe golpea a la agricultura cuando una granizada destruye el trabajo de meses, los cambios inesperados en el clima también pueden llevarse por delante el trabajo de un diseñador y de todo el equipo detrás de su marca. Según datos de la Agencia Estatal de Meteorología, julio de 2015 fue el mes más cálido de la serie histórica, superando en 2,8 ºC los valores normales de las temperaturas máximas para este mes y batiendo el récord de temperatura media mensual. Un

mes de julio extremadamente cálido, un verano extremadamente cálido, un otoño extremadamente cálido, que llegó mucho más tarde de lo normal y en el que nadie se ha puesto (ni se ha comprado) el abrigo. Como consecuencia, muchos cambios en la cosecha. Las prendas de otoño comienzan a hacer falta a primeros de diciembre y las primeras ventas de las colecciones de invierno casi se solapan con las rebajas y con las compras de los regalos de navidad. Tres momentos del año que suponían puntos clave en cuanto a ingresos para la industria de la moda, se concentran ahora en un único mes. Las campañas de publicidad se retrasan, dejando de ser septiembre el mes clave, y las colecciones de otoño tienen que adaptarse al calor introduciendo prendas típicamente veraniegas, como camisetas de tirantes o cardigans finos de algodón con los que los consumidores jugamos al juego de vestirnos con un millón de capas que nos iremos quitando

G-STAR RAW Colección Raw for the Oceans Otoño/ Invierno 2015-16 —

a lo largo del día. Porque hace frío cuando vamos por la mañana a trabajar, pero calor cuando paramos a comer. MARCAS: CÓMO ADAPTARSE AL CLIMA La primera posible solución nos conduce directamente al fast fashion. Si las temperaturas cambian de forma impredecible, la rapidez en la producción es clave para poder adaptarse a las necesidades del cliente. En este momento aumentar el número de colecciones es primordial, algo que no se les ha pasado por alto a las grandes corporaciones. Esta podría ser una de las razones detrás de la creciente proliferación de colecciones de entretiempo, precolecciones y colecciones crucero entre las marcas de alta moda, que han pasado de organizar un desﬁle por temporada a subirse a las pasarelas hasta en cuatro o cinco ocasiones cada año. Un aumento en la producción que supone grandes esfuerzos para una

industria detallista y de lujo como la de alta costura, pero que funciona de forma natural para las cadenas de moda rápida. “Actualmente, nuestras tiendas ponen a la venta nuevas propuestas cada semana, generando una oferta muy variada y en permanente cambio para conseguir la máxima adaptación al mercado” aﬁrma un representante de INDITEX cuando

le preguntamos cómo se adapta su empresa a los cambios en el clima. Pero traer ropa nueva a las tiendas todas las semanas, o todos los meses, es una solución que no está al alcance de todas las marcas y, en estos casos, diseñar de forma inteligente se vuelve vital. El diseño debe adaptarse a los pequeños cambios de temperatura que se suceden de forma casi aleatoria a lo largo del año. Esto supone una menor posibilidad de cambiar el estilo entre temporadas y explica la reciente aparición de prendas de abrigo en las colecciones de verano, así como prendas de tejidos más frescos y ligeros en las colecciones de otoño. “Las colecciones han de cubrir un amplio rango de situaciones climáticas. Esto signiﬁca una gran variedad de prendas en términos de ‘peso’, (desde lo más ligero hasta lo más pesado) y un sistema de capas que nos facilite los rápidos cambios metereológicos. Las colecciones primavera/verano han introducido prendas acolchadas, que nunca antes se habían incluido. Además, la búsqueda de nuevos materiales también nos ha ayudado a crear prendas con características muy novedosas: materiales que se van adaptando según los cambios de temperatura,” sostiene el representante de COLMAR, empresa italiana dedicada a la producción de abrigos y cazadoras. Para las tiendas multimarca, la cosa se complica aún más. El diseño y la producción quedan fuera de su ámbito de control, lo que los deja en una situación desprotegida. Deben concentrar sus esfuerzos en los dos puntos que sí pueden controlar: las compras y el marketing. La mayoría de las tiendas que contactamos durante la producción de este artículo se niegan a hablar sobre cómo les han afectado los cambios en el clima, respondiendo con un gran hermetismo. Aitor Azúa, encargado de compras de YUSTY, uno de los emblemas de la moda masculina en Madrid, en

cambio, declara que la entrada tardía del invierno afecta en gran medida a las ventas, ya que la gente no necesita los jerséis, ni otras prendas de abrigo, casi hasta la época de rebajas, y esperan a comprarlos entonces, aprovechándose de los descuentos y reduciendo los beneﬁcios de las tiendas. Ante estos problemas, Aitor ha comenzado a rebajar el número de prendas de abrigo que adquiere para la tienda. Pero aﬁrma sentirse limitado por las colecciones y su estacionalidad. Para él, una posible solución sería que existiese una única colección por año, con todo tipo de prendas que las tiendas pudiesen distribuir de acuerdo a las condiciones climáticas y otros factores de demanda. Pero el reto no termina aquí para la industria de la moda. No sólo hay que adaptarse al cambio climático, hay que frenarlo para evitar que siga haciendo daño. Buscar las causas de este cambio y actuar contra ellas no es algo que debiese resultar difícil para la industria de la moda, ya que las tenemos más cerca de lo que parece. CLIMA: CÓMO SE VE AFECTADO POR NUESTRA INDUSTRIA El premiado documental The True Cost, dirigido por Andrew Morgan y estrenado este año, destapa la íntima relación entre la moda y el cambio climático. Este documental arroja algo de luz sobre los orígenes y

COLMAR Colección Otoño/ Invierno 2015-16 —

las causas de este cambio en el clima que tanto está afectando a la industria de la moda. Unos orígenes que (sorpresa) tienen mucho que ver con la producción textil y con las alteraciones químicas a la que se someten los suelos, las plantas de algodón e, incluso, los propios trabajadores de los cultivos durante la producción de las prendas. El documental afirma que la industria de la moda es la segunda industria, después de la industria petrolera, que más contamina el medio ambiente y una de las principales desencadenantes del cambio climático que estamos viviendo en este mismo momento. Unas acusaciones a las que los conglomerados de la moda ya se han enfrentado con anterioridad y a las que han respondido, principalmente, con el lanzamiento de colecciones eco-friendly. Es decir, colecciones creadas con algodones orgánicos, que se tiñen con tintes naturales. Estas colecciones se presentan como una forma menos agresiva de producir, reduciendo el impacto que la industria de la moda tiene en el medio ambiente y

por lo tanto el impacto que el medio ambiente tiene en la moda. Pero la realidad es que el algodón orgánico gasta tanta agua y tantos pesticidas como el algodón no orgánico en su producción y, aunque se reduce un poco el impacto ambiental, la solución no es ni de lejos la ideal. Como alternativa, expertos en moda y ecología como Eva Kruse, CEO del Instituto Danés de Moda, recomiendan el reciclaje. La experta aboga por la instauración de contenedores de textil en las calles, de la misma forma que contamos con contenedores para el reciclado de papel o para el de vidrio. Los textiles reutilizados se desmontarían hasta ser convertidos de nuevo en fibra y esa fibra se utilizaría para crear una nueva prenda. Esta alternativa reduciría el consumo de energía y de materias primas, beneficiando a la vez al mantenimiento de la calidad de los suelos y a la dependencia respecto a recursos naturales cada vez más limitados. Hay marcas que van incluso más allá con el concepto del reciclaje. Por ejemplo, en España tenemos a ECOALF. Empresa de moda sostenible creada en 2009 por Javier Goyeneche. La principal materia prima con la que hacen sus tejidos son botellas usadas de plástico. Entre sus nuevos proyectos está Upcycling The Oceans, una iniciativa doble, por un lado limpian el océano de residuos plásticos nocivos para la vida marina, y por otro reciclan este material convirtiéndolo en un nuevo textil de moda. Un camino que también ha elegido la famosa firma de denim G-STAR RAW. Desde hace varias temporadas firman como Raw for the Oceans una colección especial realizada con tejidos que proceden de plásticos recogidos en el mar, un proyecto en el que también da la cara el mismísimo Pharrell Williams como embajador. Con la escasez de materiales y el empobrecimiento del suelo la pro-

ducción se convierte en el punto clave a mejorar. Es de vital importancia colocar los patrones de forma que no se malgasten las telas. Hay que controlar la energía que se gasta y los vertidos. Hay que invertir en tecnología. Marcas como Levi’s, Adidas, Nike, Ecoalf, G-Star o Colmar ya han convertido el desarrollo de nuevos procesos de producción en una prioridad. Es el momento de innovar para crear un impacto, hay que dejar de gastar 200 litros de agua para producir una camiseta de calidad media-baja que no sobrevivirá a un par de lavados. A este respecto la creatividad es un punto clave, la necesidad de innovar es imperiosa y la llegada de nuevas ideas podría salvar a la industria de la moda de destruirse a sí misma mediante la explotación de recursos y energías finitas. La diseñadora SUZANNE LEE ofrece una inspiradora alternativa al respecto con su proyecto Grow your own clothes, un proyecto de investigación a través del cual la diseñadora cultiva sus propias prendas desde cero utilizando una base de té que fermenta con energía solar en su jardín. El resultado es un cuero vegetal cuyo coste de producción es reducido y que permite teñirse con tintes naturales. “Los nuevos textiles y las nuevas técnicas de fabricación siempre revolucionan la moda. Y cuanto más se reduzca el proceso de producción, mejor. Si podemos simplemente pulsar un botón y obtener un vestido de la talla y color que queremos, sin malgastar los materiales, eso lo cambiaría todo.” Afirma Valerie Steele, directora del museo del FIT de nueva York, que propone la utilización de nuevos materiales y nuevos procesos de producción, como la tecnología de impresión 3D, como método para solucionar muchos de los problemas de la industria y compara el impacto de este invento con el de la máquina de coser.

ECOALF Colección Otoño/ invierno 2015-16 —

CONSUMIDOR: NUESTRO PAPEL EN TODO ESTO El aumento en el numero de consumidores moralmente responsables y conscientes del cambio climático también está suponiendo una revolución en la industria de la moda, impulsando, por ejemplo la proliferación de negocios de ropa vintage y de segunda mano. Negocios que además de ser una alternativa totalmente ecológica ofrecen unos precios mucho más bajos que los de las cadenas low cost, aumentando la competencia.

Todos los expertos coinciden en que los consumidores somos capaces de mover la industria en la dirección que queramos. Para empresas como Inditex las demandas y las preguntas que los clientes realizan en las tiendas son definitorias a la hora de diseñar las prendas y dibujar sus estrategias de marca. “Nuestra oferta se configura de forma dinámica en función de factores diversos, tanto climatológicos como de tendencias y demandas de los clientes, a partir de la información que nos proporcionan las más de 900 tiendas de la marca”,

comentan desde Pull&Bear del Grupo Inditex, que cuenta desde hace años con una Política Medioambiental y una Estrategia de Sostenibilidad. Ir a la tienda y preguntar al dependiente cómo y dónde está hecha una prenda es una manera de forzar a la industria a responder. Comprar prendas producidas de una forma más inteligente y dirigir la demanda hacia un tipo de producción más respetuosa con el medio ambiente harán que la industria siga tu dinero y comience a interesarse por lo que interesa a sus consumidores. La forma en la que los clientes consumimos la ropa encamina la industria hacia nuevas direcciones y, los beneficios de consumir de una forma más responsable podrían abrir una grieta en el círculo vicioso que se establece entre la producción de moda y el cambio climático. No se trata de comprar menos o de comprar siempre en negocios vintage. Los consumidores tenemos el poder de decidir cómo cuidar nuestra ropa. Se estima que aproximadamente el 40% del impacto que una prenda de ropa tiene en el medio ambiente se relaciona con las veces que la lavamos, la secamos y la planchamos, así como con la forma en la que nos deshacemos de ella. Tratar de lavar menos algunas prendas, como los jerséis de lana o los vaqueros, es un pequeño gesto que contribuye al cuidado del medio ambiente. Además, lavar menos, o casi nunca, tus vaqueros, es una práctica que mejorará su conservación, haciendo que duren mucho más. Chip Bergh, CEO de LEVI’S, declaró en una ponencia universitaria en 2014 llevar más de un año sin lavar sus vaqueros. Como alternativa, puedes meter tus vaqueros en el congelador, una práctica que ya se ha convertido en tendencia en muchos países. El frío matará las bacterias y eliminará los malos olores, dejando tus vaqueros limpios sin necesidad

de poner la lavadora, es decir, ahorrando agua y energía. Puede sonar sucio, pero las decisiones de consumo y conservación que tomemos ahora repercutirán de forma directa en el futuro del planeta. Los consumidores debemos ser responsables y pensar en qué gastamos nuestro dinero y como utilizamos nuestras prendas, porque todos llevamos ropa y por lo tanto nuestro papel en la guerra entre moda y cambio climático es decisivo.

TEXTO MONGÓMERI

“Louis Vuitton Windows” está publicado por Assouline —

¿Las marcas tienen alma? Si los escaparates son los ojos de una marca, estos son el reﬂejo de su alma. En el libro “Louis Vuitton Windows” miramos directamente a los ojos de la legendaria casa francesa de lujo a través de los escaparates realizados por Faye McLeod y Ansel Thompson para la Maison desde 2009. Un escaparate, para Louis Vuitton, no es un simple espacio donde exponer sus últimas colecciones al público que pasea por la calle. Es más un escenario teatral mágico donde el espectador puede mirar directamente a los ojos de la marca y descubrir su alma. En este sentido, “Louis Vuitton Windows” nos muestra la esencia de una casa que desde 1854 ha traspasado fronteras, sobre todo las que separan y unen el arte y la moda. Ya en 1902, la Maison francesa sorprendió a los viandantes de la época con un escaparate donde las maletas apiladas hacían el efecto de esculturas. Pero este libro no hace un repaso a la historia del escaparatismo de la casa, lo cual sería un trabajo casi enciclopédico, se centra en los últimos 6 años. 168 páginas

con las 35 creaciones realizadas por los magos y artistas del escaparatismo Faye McLeod y Ansel Thompson -respectivamente, directora de imagen visual y director de arte para Louis Vuitton-. Obras en las que en ocasiones han colaborado otros creadores como el arquitecto Frank Gehry o la artista Yayoi Kusama. Su trabajo hace que nos cuestionemos las fronteras del arte urbano. Al igual que las de muchos street artists, sus creaciones son efímeras, apenas duran una temporada. También son totalmente democráticas, abiertas a cualquiera que pase por delante de un escaparate Louis Vuitton. Mucho menos elitista que un desfi le, al que solo puedes acceder con invitación. A veces, estos escaparates ni tan siquiera tienen un fi n comercial ya que el producto aparece semi-oculto en ocasiones. Su principal intención es hacernos soñar. Lo mismo que este libro, “Louis Vuitton Windows”, publicado por Assouline, con una interesante introducción fi rmada por Vanessa Friedman -directora de moda de The New York Times e International New York Times- y salpicado de testimonios de personalidades de la cultura contemporánea sobre sus experiencias ante las creaciones de Faye McLeod y Ansel Thompson para Louis Vuitton. Una vez más, la mítica casa francesa habla de la cultura del viaje, pero en esta ocasión viajamos con la mente y el corazón, ligeros de equipaje.

Escaparate por Yayoi Kusama. Maison Louis Vuitton en 5th Avenue (NY, 2012) —

“Estoy muy agradecida a todo el mundo en Louis Vuitton por apoyar mi desarrollo artístico. Y en concreto a Ansel, Faye y todo su equipo por alentar y dar forma a mi arte”. - Yayoi Kusama. Artista

Ostrich. Maison Louis Vuitton en New Bond (Londres, 2010) —

“Todos los escaparates de Vuitton tratan sobre el viaje. Viajar a lugares que yo ni sabía que existían. A lugares donde los avestruces de cola amarilla desarrollan cuellos de 4 metros y medio… Viajes de imaginación. Saltos de fe. Mágico. Transportador” - Dennis Freedman. Director Creativo (Barneys New York)

Ostrich. Maison Louis Vuitton en New Bond (Londres, 2010) —

“Recuerdo quedarme impactada por el gigante avestruz de cuello alargado que recorría varios escaparates de la tienda. En un extremo una pila de baúles monogram sobre su espalda, y en el otro un hermoso bolso colgando del pico. Desde las estatuas de Kusama, increíblemente realistas, a los magníficos esqueletos de dinosaurios dorados, los escaparates de Vuitton presentan las colecciones de la casa con ingenio, precisión y una imaginación infinita” - Alexia Niedzielski. Fundadora de System Magazine

Christmas. Maison Louis Vuitton en Galeries Lafayette (París, 2012) —

“En un paisaje comercial interrumpido por los medios digitales y el comercio electrónico, se necesitan experiencias emocionantes para guiar a los consumidores hacia las tiendas. Los innovadores escaparates de Faye McLeod para Louis Vuitton cumplen este objetivo a la perfección, con creaciones fantásticas que te transportan a un mundo de fantasía y lujo” — Imran Amed. Fundador y editor de The Business of Fashion

Natural History. Maison Louis Vuitton en New Bond Street (Londres, 2013) —

“Al igual que los artistas de la época dorada del surrealismo, hoy seguimos fascinados por los escaparates de las tiendas. No hay manera de escapar a un escaparate” - Chris Dercon. Director del museo Tate Modern

JOUK OOSTERHOF

PORTFOLIO

TEXTO MONGÓMERI

La primera foto que vi tuya fue un retrato, My Muse, seleccionado en 2015 para el Taylor Wessing Portrait Prize de la National Portrait Gallery de Londres. ¿Ese acontecimiento llevó tu carrera profesional a un nivel superior? Era la primera vez que participaba en ese concurso. Y solo después de la nominación fui consciente del impacto. Mucha gente de la industria vio la exposición y se hizo eco. Pero lo que me lleva a un nivel superior siempre es invertir tiempo en nuevos proyectos y hacer trabajo personal. Has ganado otros premios de fotografía. ¿Los premios hacen que los clientes respeten más tu criterio? Siempre hay clientes que te valoran más si has ganado algún premio reconocido. Pero yo no estoy buscando ese tipo de clientes necesariamente. Los concursos son una forma de ampliar tu público, algo que yo uso en la búsqueda de nuevos clientes que te quieran por tu estilo. Tienes 42 años y llevas 15 años trabajando como profesional, ¿cómo iniciaste tu formación? Estudié en La Haya, en la Royal Academy of Fine Arts. Y mientras estudiaba fui asistente de 2 fotógrafos, como becaria. Uno de ellos fue John Midgley. Yo admiraba su forma de trabajar, lo cual es importante para ser asistente de alguien. Después de graduarme trabajé con él como asistente. En aquella época él tenía su base en Amsterdam, pero también trabajaba en Nueva York y Londres. ¿Qué consejo darías a los jóvenes fotógrafos que quieran dedicarse profesionalmente a esto? Mi versión abreviada de un consejo sería que te escuches a ti mismo mientras desarrolles tu estilo personal. Cuanto más fiel seas a ti mismo, más único e irremplazable será tu trabajo. Has sido nominada numerosas veces al premio Dutch Photography. ¿Crees que hay una corriente holandesa dentro de la fotografía? Creo que todos los países tienen su propio estilo. Con todo tipo de excepciones, por supuesto. La fotografía holandesa en general es más cruda, seca o sosegada. ¿Cuáles son tus influencias? A mí me inspira todo lo que me rodea. El cine, el arte y la vida cotidiana. Mi gusto cada vez está más definido y lo uso con mucha más consciencia. Tanto en la forma en la que uso los colores, como en el modo en el que plasmo a las personas. Tu trabajo lo definen como “realidad sublimada” con dosis de ironía. ¿Cómo lo definirías tú? Sí, en mis fotos ves ingredientes cotidianos, de la vida real, pero son presentados de una manera que no es real. De alguna forma esculpo la realidad que está ahí: una simple mesa, la taza de café, la vieja cortina… Pero con la luz y la forma en la que conscientemente los pongo en escena ya no pertenecen a la realidad. Y sí, puedo ser irónica. Yo definiría mi trabajo como realidad sublimada, señorial y tranquila.

En los 90 decíamos que encontrábamos información en los contenedores de basura. Ahora la encontramos en el buzón del correo electrónico. Entre toneladas de spam, newsletters, open days, look books y save the dates, encontré un retrato que me hipnotizó. Quise ver más. En el remite ponía Jouk Oosterhof, fotógrafo holandesa. “Si te incluí en mi newsletter sería por algo, aunque sinceramente no recuerdo porqué”.

Fotografía: Jouk Oosterhof Estilismo: Analik Brouwer Pelo & Maquillaje: Mylene Janssen @ Angelique Hoorn Management Modelo: Fee

Fotografía: Jouk Oosterhof Estilismo: Analik Brouwer Pelo & Maquillaje: Jennifer Mackintosh @ NCL Representation Modelo: Elve Lijbaart Localización: Bituman —

La figura de My Muse es recurrente en tu trabajo, creo que se llama André, ¿no? ¿Quién es? Era mi vecino. Yo vivía en el piso de arriba. Y siempre nos encontrábamos en la escalera, algunas veces charlábamos y también nos hacíamos breves visitas para comentar algo, por ejemplo, o tomar una taza de café. Un día llamó a mi puerta para pedirme si podía bajar la música. Yo creo que no le hizo gracia, pero la expresión de su cara era la misma de siempre. En ese momento pensé en él como modelo. Eso fue hace 15 años. Trabajaba en tecnologías de la información para la banca. También le gustaban los bolos y los juegos de mesa. Ahora está retirado y tiene una relación con su vecino de abajo. Es una persona que siempre es fiel a sí misma. Me inspira con su belleza particular. ¿Qué haces más: trabajo personal o comercial? Durante muchos años he trabajado principalmente para clientes. Pero en los últimos 2 años la cosa ha cambiado. Ahora siento mucho más la necesidad de hacer trabajo personal. El equilibrio puede variar. Pero siempre me ha gustado equilibrar el trabajo editorial, con el comercial y el personal. El resultado siempre es diferente y te mantiene alerta. Uno de tus rasgos es que construyes la imagen con mucho mimo. ¿Puedes ejercer el mismo control cuando haces por ejemplo un retrato para una revista? Siempre trabajo igual, no solo en mi trabajo personal. Cuando hago, por ejemplo, un retrato para una revista suelo tener diferentes respuestas. Hay gente a la que le encanta, y hay personas que no se sienten cómodas. La principal limitación puede darse cuando el personaje no es consciente de que cada fotógrafo trabaja de una forma distinta y no quiere colaborar al cien por cien. ¿A la revista le das varias opciones para editar o solo una? Suelo dar imágenes adicionales, pero solo si estoy de acuerdo con la selección principal. Hay casos en los que solo doy una opción. ¿Qué es lo que más te puede enojar cuando ves una foto publicada? Que hayan cortado una foto sin haberme preguntado antes, eso me molesta. También es frustrante cuando los créditos no se muestran correctamente, a veces ocurre. También cuando el lay-out y el diseño no le pegan a las fotos… Lo cierto es que eso es algo en lo que puedo tener una opinión, pero no es mi responsabilidad al fin y al cabo. ¿Tienes total libertad cuando trabajas con revistas? Normalmente tengo libertad de visualizar mi propia idea de la forma que yo quiera. Las revistas también sirven para desarrollar tu estilo. Y en ocasiones estas también se atreven a correr el riesgo de dar carta blanca a un fotógrafo. ¿Y cuando haces trabajo comercial? Suelo tener bastante libertad en la mayoría de los casos. Y ninguna en alguno. Ahora hay mucha presión desde la crisis

económica. Los clientes quieren ir a lo seguro, tienen miedo de destacar. ¿Dónde prefieres disparar? ¿Plató, exteriores, localizaciones…? Mis localizaciones preferidas son las casas vividas, con muchos años en sus muros. Adoro el papel pintado, las alfombras… ¿Retocas tu misma? Siempre trabajo la post-producción con mi propio retocador: Jan Hibma. Es fantástico. ¿Te has planteado introducirte en el mundo del arte? He participado en alguna exposición colectiva cuando me lo han pedido, pero nunca he considerado el mundo del arte como fotógrafo. Aunque me lo estoy pensando desde que últimamente hago todo este trabajo personal. ¿Para ser fotógrafo profesional es imprescindible tener un agente? En Amsterdam no es esencial, Holanda es un país pequeño. Aquí los fotógrafos consiguen sus propios clientes. Sin embargo, en Londres, París o Milán es muy importante tener uno. Yo he estado con 2 agentes en Amsterdam: Edson Williams, que también está en Londres, y Sticky Stuff. También con Terrie Tanaka en Londres. En Italia mi agente es Multisrl.it. Y ahora trabajo con una “producer freelance” que es la mejor, se llama Julia Llamas, es de origen español. ¿Tienes planes de dejar Amsterdam para internacionalizar tu trabajo? No, me gusta vivir aquí, y desde Amsterdam puedo viajar fácilmente a cualquier parte. ¿Cuáles son tus planes profesionales? Seguir creciendo es mi mayor objetivo. ¿Un fotógrafo que nos recomendarías para nuestro siguiente portfolio? Mirka Laura Severa.

<www.joukoosterhof.nl>

FotografĂa: Jouk Oosterhof Estilismo: Analik Brouwer Pelo & Maquillaje: Yvonne Nusdorfer @ Angelique Hoorn Management Modelo: FĂŠline @ Paparazzi Model Management

FotografĂa: Jouk Oosterhof + Estilismo: Analik Brouwer @ Unit C.M.A. + Pelo & Maquillaje: Patricia van Heumen @ Angelique Hoorn management BV Gracias a Location Search

Fotografía: Jouk Oosterhof + Estilismo: Analik Brouwer + Modelo: André Vossen

FotografĂa: Jouk Oosterhof + Estilismo: Analik Brouwer + Pelo & Maquillaje: Mylene Janssen + @ Angelique Hoorn Management + Modelo: Fee

Fotografía: Jouk Oosterhof Estilismo: Analik Brouwer Pelo & Maquillaje: Jennifer Mackintosh @ NCL Representation Modelo: Elve Lijbaart Localización: Bituman

One Stream Wonder TEXTO TEREVISIÓN RUIZ

Ya lo decían los mayas, que en el siglo 21 el mundo, tal y como lo conocíamos, iba a desaparecer. Rápidamente nos pusimos a pensar en cataclismos nucleares, meteoritos asesinos, invasiones alienígenas y plagas mortíferas; pero no había que ser tan catastrofista, nuestro mundo está cambiando, lo hace diariamente, pero es la tecnología y las nuevas formas de comunicarnos las que están haciendo que nuestra vida sea muy diferente. Si tomamos como ejemplo el negocio musical podemos ver cómo sobrevive reinventándose continuamente, planteando nuevos hábitos de consumo.

Los famosos heavies de la Gran Vía madrileña, los gemelos Emilio y José Alcázar, no se plantan por casualidad todas las tardes en el número 25 de la emblemática calle. Elegir ese punto concreto del asfalto no ha sido casual. Llevan ahí desde el año 2005, cuando fueron a protestar por el cierre de la mítica tienda de discos Madrid Rock, situada ahí mismo, donde ahora Inditex campa a sus anchas. Las grandes tiendas de discos como aquella han desaparecido, aunque sin embargo sobreviven, y hasta se podría decir que proliferan, pequeños comercios que basan su negocio en el auge del mercado de segunda mano, de formatos como el vinilo, y de esos románticos que todavía añoran sentir el contacto físico del soporte musical entre sus manos.

Así están las cosas: Según el informe sobre música digital de 2015 de la IFPI (Federación Internacional de la Industria Fonográfica) la venta de formatos físicos todavía representa el 46% de los ingresos totales de la industria musical, con países a la cabeza como Alemania, Austria, Francia, Japón, Polonia y Sudáfrica. Aun así, en 2014 hubo un descenso a nivel mundial de un -8,1% en las ventas de los formatos físicos y de un -8% en las ventas por descargas. Hoy día lo más común es que el usuario que antes esperaba impaciente el lanzamiento de su grupo o artista favorito para correr a su tienda de discos más cercana, se haya transformado en el usuario que consume música de forma compulsiva y que muchas veces no es capaz de escuchar una canción entera,

mucho menos un álbum. El consumidor cultural del siglo 21 está expuesto a tal cantidad de estímulos visuales y auditivos que retener su atención es cada vez más difícil. Ahora, más que nunca, o llamas la atención a partir del primer segundo o estás perdido, hay que enganchar rápido al usuario, ya sea lector, espectador u oyente. También los soportes cambian, ya comentábamos como la música ha pasado en cuestión de unas décadas del formato físico al digital, pero hoy día la cosa va mucho más allá, y el MP3 pierde terreno frente al nuevo rey del cotarro: el streaming. Diego A. Manrique resumía así de bien nuestra relación con la música en las últimas décadas en un reciente artículo para El País Semanal: “Cuando irrumpió Internet en nuestras vidas, su

oferta de barra libre musical resultó irresistible. Te topabas con amigos no especialmente musiqueros que presumían de llenar sus discos duros con discografías completas, incluso de grupos que les resultaban desconocidos. Y normalmente, allí se quedaban: almacenadas, sin escuchar, arte muerto. El paradigma, ya saben, ha cambiado. Acumular miles de horas de música per-

A. Diseñado por Collectif Intro, de la web Noun Project.

B. Diseñado por Anbileru Adaleru, de la web Noun Project.

C. Diseñado por Misirlou, de la web Noun Project.

D. Diseñado por Atelier Iceberg, de la web Noun Project.

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dió su encanto. Ahora se aspira a disponer de toda la música del mundo en cualquier lugar, a través de ordenador o teléfono”. Efectivamente, la clave ahora no es poseer y acumular música, sino acceder a ella donde y cuando queramos. De ahí el auge de servicios de streaming como Spotify, Deezer, Google Play Music, o las más recientes Apple Music y la controvertida Tidal. En el informe de la IFPI comentan que los servicios de streaming por suscripción, junto a los apoyados por publicidad (los que son gratis para el usuario), constituyen ya el 32% de todos los ingresos digitales a nivel mundial, lo que se traduce en 41 millones de usuarios de servicios por suscripción, mientras que la cifra asciende a unos 100 millones si nos centramos en los que optan por la modalidad gratuita ( freemium frente a premium). Los orígenes: Hay que hacer un pequeño inciso para recordar que el embrión de toda esta revolución digital nació con Napster en 1999, cuando unos amigos decidieron poner en marcha un servicio de distribución de archivos en MP3 con el que los usuarios podían intercambiar música con otros aficionados. La red utilizaba un servidor principal, pero las transferencias de archivos se hacían sin intermediarios, directamente entre los usuarios. Rápidamente se toparon con el gran problema: los derechos de autor. Comenzaron los juicios en los que las discográficas identificaron el hecho de compartir música con robar. En 2001, por orden

judicial, tuvieron que cerrar sus servidores por violar los derechos de autor. Pero no fue el fin, en 2008 Napster creó free.napster.com, la tienda más grande de MP3 del mundo por entonces, con seis millones de canciones, y en

La primera canción descargable de la historia fue “Head First” de Aerosmith, en 1994. Por aquel entonces en descargar una canción se tardaba entre una hora y hora y media. 2011 se fusionó con Rhapsody, quienes presumen de haber ofrecido el primer servicio de streaming bajo suscripción. Como curiosidad, la primera canción descargable de la historia fue “Head First” de Aerosmith en 1994. Por aquel entonces en descargar una canción se tardaba entre una

hora y hora y media. Vamos, que había que tener mucha paciencia y ser muy fan. El reparto: Hoy día todos estos servicios de streaming son absolutamente legales, pero, realmente, ¿quién se lucra con ellos? Parece ser que los que menos pedazo de tarta se

llevan son los propios artistas, de ahí la aparición de Tidal a manos de grandes de la industria como Madonna, Jay-Z, Calvin Harris, Kanye West y otros pesos pesados del negocio que se quejaban de que los

servicios de streaming prácticamente no pagan nada a los artistas, por ello lo de crear su propia plataforma donde el dinero de los fans va a parar directamente a éstos, sin intermediarios. Además es un servicio de streaming de música en alta calidad, que, al contrario de los más conocidos, no tiene opción gratuita, solo abono básico y premium. También hay artistas, como Taylor Swift, que directamente se niegan a subir sus canciones a ningún servicio de streaming, al igual que ha hecho recientemente Adele con su nuevo disco, “25”, que a pesar de no estar disponible en streaming vendió nada menos que 2,43 millones de copias, solo en Estados Unidos, en poco más de tres días. Sobre el tema del pago o no pago a los artistas, Javier Gayoso, director de Spotify en España, nos

E. Diseñado por Ruben Baghdasaryan, de la web Noun Project.

F. Diseñado por Kenneth Appiah, de la web Noun Project.

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comenta: “Es importante entender que todas las escuchas en Spotify se traducen en una retribución, de la primera a la última. Spotify dedica el 70% de sus ingresos totales (publicidad + cuotas de suscripción) a pago de derechos de autor a artistas, sellos, discográficas y sociedades de propietarios de derechos. Dado que nuestros ingresos aumentan con cada nuevo suscriptor a Spotify no hay límite en el total de pagos que hacemos. En consecuencia, no existe una tasa fija por escucha, si no que fijamos los pagos en relación a la popularidad del artista. Si un artista supone el 1% del total de escuchas de Spotify, nosotros pagaremos aproximadamente el 1% del pago total en derechos de autor a ese artista o a sus representantes. En un ejercicio de transparencia para que los artistas entendieran el sistema de pago, creamos una web en la que se detalla toda esta información: www.spotifyartists.com”. Una web con la que este servicio de streaming se defiende de las malas lenguas que aseguraban que las tres grandes multinacionales (Universal, Sony y Warner) tenían contratos secretos con estos servicios con el objetivo de repartir lo recaudado a su conveniencia. Y es que parece que a estas grandes discográficas los servicios de streaming les pagan importantes sumas de dinero con el objetivo de tener acceso a sus catálogos musicales. Vamos, que el streaming, al menos de momento, sí que da dinero, pero a los de siempre. Aún así, según el informe de la IFPI, parece ser que los pagos

a los artistas están aumentando, sobre todo en países como Suecia, donde en los últimos 5 años aumentaron un 111% debido principalmente a que predominan los servicios de streaming de pago. Los artistas: Tienen dos vías para que su música esté presente en Spotify, Deezer u otros servicios similares. Si pertenecen a alguna de las grandes discográficas (volvemos a las famosas majors) es muy probable que ellas ya se encarguen de todo el asunto porque ya tienen acuerdos con ellos, pero si no es el caso tendrán que recurrir a una distribuidora o agregadora digital. Sí, otro intermediario

más que también se quedará, junto con la discográfica, con otro pedazo del pastel. Estas empresas digitales cobran un coste por subir cada canción o álbum a los diferentes servicios de streaming y a tiendas como iTunes, también un coste de mantenimiento anual por mantener la música en los mismos y además puede haber costes por cambiar o eliminar la música de estos servicios. Algunas de las más conocidas son TuneCore o CD Baby. En España también tenemos algunas, como Creanauta o Lanzadera Music, por citar solo un par de ejemplos. Una vez que las canciones están por fin en streaming, ¿qué obtiene el artista a cambio? Monetariamente hablando, muy poco.

Si nos centramos en el streaming, llama la atención que sean necesarias unas 400 reproducciones de una canción en Spotify para que se le pague un euro, no al artista, sino a la distribuidora y a la discográfica que verán lo que dejan para el artista, que según los cálculos será entre 0,0054 € y 0,0076 € cada vez que escuchamos uno de sus temas.

También hay que aclarar que para que Spotify pague por un click en la canción esta se tiene que haber reproducido durante al menos 30 segundos. Linda Mirada, una de nuestras artistas nacionales, opina así sobre los servicios de streaming: “Son útiles, muy útiles, poder salir un día a la calle con la discografía entera de Prince es impagable, así que no voy a negar que es un buen servicio, que luego sea un negocio rentable es otra cosa. En cuanto a estar o no estar en estas plataformas… yo diría que uno no tiene más remedio que hacerlo, puedes tirar de otras páginas como Bandcamp pero la mayoría opta por ‘estar dentro’. El problema es que no funciona como las descargas, donde el pago corresponde al número de descargas de una canción. El sistema de pago de streaming es más complicado pues no es un pago directo, es un sistema de reparto que depende de la cuota de mercado (donde es fácil imaginar quienes son los que se reparten la mayor parte). Si lo comparamos con el modelo clásico, ni ellos mismos saben todavía cómo contabilizar cuantas escuchas podrían equivaler a la compra de una canción. Además, los

G. Diseñado por Gregor Črešnar, de la web Noun Project.

H. Diseñado por Leszek Pietrzak, de la web Noun Project.

I. Diseñado por Nicolas Vicent, de la web Noun Project.

servicios de streaming pagan a los sellos, no a los artistas, y muchos de ellos no pagan a éstos. Personalmente nunca he recibido ningún ingreso por tener mis canciones en estos servicios de streaming, debe ser tan insignificante que no me lo han pagado”. Aunque a Linda Mirada, una artista que se mueve en el terreno de la música independiente, no le han pagado nunca nada, Javier Gayoso asegura que todos los artistas son tratados de igual modo: “Spotify tiene acuerdos con las tres grandes discográficas así como con la mayor parte de los sellos independientes.

Igualmente, los artistas sin acuerdos discográficos pueden subir su música a Spotify a través de alguna de las agregadoras digitales con las que trabajamos y podrán monetizar su catálogo musical. Al igual que con los grandes, Spotify paga derechos de autor a los artistas emergentes cada vez que los fans disfrutan su música”. Sobre el mismo tema opina también Leo Nascimento, Country Manager for Iberia de Deezer: “La música de los independientes es igual de importante que las de las majors. En Deezer hay espacio para todos los gustos musicales y queremos seguir ampliando la

oferta musical con el máximo de sellos posible de todo el mundo”. Espacio para todos sí, dinero para todos parece que, todavía, no.

One Hit Wonder: Inmersos en esta sociedad sobreinformada y saturada, ¿estamos de nuevo volviendo en la música al fenómeno del single resultón perteneciente a grupos de los que nunca más volveremos a saber nada?, ¿los servicios de streaming fomentan quizás el modelo del éxito fácil de usar y tirar? Leo Nascimento, de Deezer, lo ve así: “Creo que todo empieza por la canción y que un álbum debería ser un recopilatorio de buenas canciones. Vivimos en la ‘economía de la atención’ y un artista ya no vive del ‘one hit wonder’. Hace falta que componga y grabe buenas canciones, que se dedique a promocionarlas para que entonces pueda publicar un álbum y salir de gira. Si su material es bueno y sabe cómo conectar con el público, no tendrá problemas en sonar en las radios o plataformas digitales. El nivel sube con la mayor competencia por atención y al final ga-

namos todos”. Portales como Priceonomics anunciaban de hecho hace poco la muerte del One Hit Wonder argumentando que cada vez son menos frecuentes debido, sobre todo, a que ahora la industria se centra más en promocionar artistas consolidados que a artistas noveles. No se busca el hit sino una carrera a largo plazo. Volviendo a los servicios de streaming y a esa “economía de la atención” de la que hablaba Leo, es evidente que Internet ha cambiado el modelo de consumir música, y frente al one hit wonder podríamos hablar del nacimiento del one stream wonder, no ya de grupos o artistas con un solo hit, sino de la preeminencia del single o hit frente a la escucha de un álbum o disco entero. De hecho, en un estudio reciente que hizo la discográfica Universal, fijándose en los hábitos de escucha de los usuarios de servicios de streaming gratuitos, llegaron a la conclusión de que solo un 10% había escuchado un álbum entero. La siguiente pregunta es: ¿realmente triunfan las buenas canciones o las mejor promocionadas? I

J. Diseñado por Santiago Arias, de la web Noun Project.

K. Diseñado por Sage McElroy, de la web Noun Project.

L. Diseñado por Sergi Delgado, de la web Noun Project.

En España, según datos del último informe de Promusicae el grueso de los ingresos del mercado digital procede del streaming, que continúa afianzándose. La venta de música ha subido en el último año un 11% enteramente por la fuerza del streaming. Por primera vez en nuestro país la industria discográfica genera más ingresos por el cauce digital que a través de los soportes físicos”. Sobre el mismo tema, esto es lo que nos comenta Leo Nascimento: “Creo que ya hay un proceso de redefinición del uso de los formatos y medios

M. Diseñado por Sergey Demushkin, de la web Noun Project.

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Sobre hits y buenas canciones Linda Mirada nos comenta: “Nos hemos acostumbrado a no pagar por la música y eso no puede causar más que un empobrecimiento en general. Los ‘hits’ que se lanzan son cada vez más efectistas, y no creo que nadie se acuerde de ellos dentro de 10 años. En cuanto a las buenas canciones… depende de lo que entendamos por esto, pero sigo creyendo que a excepción de alguna cosa al año que cae en gracia por lo que sea, la promoción sigue siendo importante. De hecho la radio y la televisión siguen ejerciendo una gran influencia. En cuanto a los servicios de streaming, las campañas que aparecen en sus webs son de artistas o grupos de multis, al fin y al cabo ellos son sus principales inversores, y los que mayor parte del pastel se llevan”. ¿Convivencia de formatos?: ¿Y qué pasará con la radio convencional o comercial? ¿Y los formatos físicos? ¿Será el streaming el culpable de su desaparición? Se lo preguntamos también a Javier Gayoso, de Spotify: “Creemos que lo que hemos hecho es contribuir a crear una nueva fuente de ingresos para la industria de la música donde ya se estaban agotando las vías de monetización debido al mal endémico que fue la piratería. J

tradicionales y está claro que ya no tienen la relevancia del pasado. Sin embargo, no creo que desaparecerán, pero sí que convivirán con los nuevos formatos y medios, atendiendo a las demandas de los distintos tipos de consumidores musicales”. Hasta las famosas listas de éxitos se van adaptando poco a poco a los nuevos tiempos, y ya hay países donde utilizan las cifras del streaming para formular sus listas. Y otro dato curioso, volviendo al informe de la IFPI, parece ser que desde mediados de 2015, tanto las grandes discográficas como los inde-

“Creemos que lo que hemos hecho es contribuir a crear una nueva fuente de ingresos para la industria de la música donde ya se estaban agotando las vías de monetización debido al mal endémico que fue la piratería”. (Javier Gayoso, Director Spotify España) M

pendientes han decidido lanzar sus novedades musicales los viernes a las 00:01 dependiendo la hora local de cada país, así todos los consumidores tienen acceso a las novedades al mismo tiempo. El futuro: Como es habitual hoy día, estas plataformas no paran de reinventarse y cuando se les pregunta por el futuro, parece, que, según sus cifras se presenta bastante halagueño: “En Spotify contamos con un catálogo de 30 millones de canciones por lo que estamos seguros de que este dato influye en el éxito global de nuestro servicio. Ahora estamos en 58 mercados en todo el mundo, con más de 75 mi-

N. Diseñado por Pham Thi Dieu Linh, de la web Noun Project.

Ñ. Diseñado por Look And Feel, de la web Noun Project.

llones de usuarios activos, de los cuales 20 millones son suscriptores de pago. En España, la gran aceptación de Spotify se debe a un cambio en los hábitos de consumo y su relación con la tecnología. España es el país europeo líder en penetración de smartphones (82% según Ametic y Accenture). El año 2014 fue un año de transformaciones, con una exitosa transición desde el escritorio al móvil, que ha supuesto para nosotros un nuevo récord de crecimiento de suscriptores a nivel global, además de nuevas funcionalidades que hemos añadido, como Spotify Running. Nuestra previsión es que el uso de Spotify en España siga aumentando a buen ritmo, tanto en usuarios Premium como en la modalidad gratuita, financiada por la publicidad.”, nos comenta Javier Gayoso. Sobre el futuro de Deezer, Leo también da cifras y apunta algunas novedades: “Nosotros tenemos la mayor presencia global, estamos presentes en 183 países, lo que nos permite tener también el mayor catálogo musical (internacional + local). Contamos con 16 millones de usuarios y 6 millones de pago. Ahora mismo estamos diversificando el negocio y pasando de una plataforma de música a una de audio (música + podcasts) lo que nos permite desarrollar muchas otras vías

“Estamos diversificando el negocio y pasando de una plataforma de música a una de audio (música + podcasts) lo que nos permite desarrollar muchas otras vías de negocio”. (Leo Nascimento, Country Manager for Iberia de Deezer) de negocio. Además hay alianzas interesantes que desvelaremos en breve”. Renovarse o morir, porque la muerte también acecha este modelo de negocio, como ha pasado recientemente con el servicio de streaming on demand de

música Rdio, que se ha declarado en bancarrota. Anteriormente otros corrieron la misma suerte, como Dhingana, un servicio de streaming muy popular en la India que cerró y fue comprado, curiosamente, por Rdio. Expertos del sector creen que con estos servicios sucederá lo mismo que con los buscadores o las redes sociales, es decir, se tenderá a la concentración, por lo que prevén que en solo unos años de todos estos servicios globales solo queden 2 o 3. Ahora, una cosa es lo que prevean y otra lo que realmente suceda, también se pensó que la televisión acabaría con el cine y el teatro, o que la aparición del cedé pondría fin al vinilo. Lo importante es que siempre nos quedará la música, nos llegue por donde nos llegue, y la consumamos como la consumamos, ya sea con walkman, discman o smartphone… Music non stop!

FOTOGRAFÍA LIABUARNA <liabuarna.com> ESTILISMO ERICA MER <ericamer.com>

MAQUILLAJE JENNA NELSON <jennamnelson.com> PELUQUERÍA PAUL MADAHAN <pauldavidhair.allyou.net>

MODELO LARSEN THOMPSON @ NEXT MODEL

LARSEN THOMPSON

Un buen día, la pareja madrileña de fotógrafos Liabuarna, Iván Chicharro y Laura Villanueva, me dice que se va a Los Ángeles a disparar a la increíble bailarina y modelo Larsen Thompson. Una niña de 15 años que arrasa en Youtube con sus coreografías. Además de bailar, también canta, y ahora Next Models la acaba de fichar como modelo. Es muy probable que sea la nueva gran pelirroja de portadas y pasarelas, o incluso una versión con pecas de Beyoncé. Lo que quiera. TEXTO MONGÓMERI

¿Qué tal ha ido la sesión de fotos con Liabuarna? Me ha encantado. Disparamos en una de mis playas favoritas, la de Venice Beach en Southern California. Ha sido genial conocer personalmente a Liabuarna, he aprendido mucho de la cultura de su país, España. Tengo muchos seguidores españoles en Youtube e Instagram. Me encantaría trabajar próximamente en España. Liabuarna es muy fan tuyo, pero supongo que tus padres son tus fans número 1. ¿Cuándo descubrieron que tenías un talento especial? Comencé a bailar con 3 años. Mis padres te podrían decir que ya desde entonces me encantaba entretener a la gente. Mi tía fue una gimnasta de élite, Julianne McNamara, creo que afortunadamente tengo alguno de sus genes. Ella participó en los Juegos Olímpicos del 84 y ganó un oro y 2 medallas de plata. Y probablemente sea la persona más humilde del mundo. ¿Tienes antecedentes familiares en el mundo del espectáculo? Solo mi tía. Después de las Olimpiadas mi tía hizo anuncios de publicidad, televisión, como comentarista e intérprete, y también películas. ¿Dónde has aprendido a bailar? Me encanta aprender, y procuro desarrollar mi arte yendo a clases de diferentes coreógrafos que me enseñan una variedad de estilos de baile. Me encanta

la danza contemporánea y el hip-hop porque me permiten expresar mis sentimientos y emociones. También recibo clases de ballet para mantener y desarrollar mi técnica. ¿Cuántas horas entrenas a la semana? Entre 15 y 20 horas semanales. La danza para mí es un deporte, y como en cualquier otro, el entrenamiento y la práctica continua es fundamental para el éxito. No tendrás mucho tiempo libre. De momento, hago todo lo posible para equilibrar el instituto, los amigos y las audiciones durante toda la semana. Voy a una escuela pública de secundaria y llevo una vida muy normal. Me encanta salir con mis amigos y con mi familia, pero también me pierdo alguna cosa por las audiciones y los trabajos. Es un equilibrio continuo, pero mis amigos y mi familia me mantienen conectada a la tierra. ¿Qué estudias ahora mismo? Español, Geometría y Ciencia. Tengo que decir que Español es mi clase favorita, porque mi profesor es fantástico y me encanta aprender idiomas. Supongo que ahora que eres tan famosa no tienes que hacer muchos castings, ¿los comienzos fueron duros o fue un simple juego para ti? Las audiciones son divertidas, es un desafío, también estresante. Pero soy feliz cuando siento que he dado lo mejor de mí, consiga el trabajo o no. Creo que todo lo que me he esforzado ha merecido

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Recientemente he firmado con Next Model Management... La verdad es que si me dan la oportunidad me veo desfilando en las pasarelas de París, Milán, Londres, Nueva York... .

la pena para trabajar en la industria de la danza. Además mi formación en baile también me está ayudando a desarrollar mi carrera como intérprete y modelo. Conocerás a muchas bailarinas de tu edad. Pero, ¿qué crees que te hace especial? Estoy bailando constantemente con gente más mayor y más joven que yo, y todos me motivan e inspiran. La danza es subjetiva, pero creo que el entrenamiento técnico que he recibido de mis fantásticos maestros es lo que ha dado forma a lo que soy hoy en día: mucha técnica, más un movimiento corporal flexible, fluido, potente… y sudar emoción. ¿Nacer y vivir en California es una ventaja para dedicarse al mundo del espectáculo? ¿O desde que tenemos Youtube ya da igual dónde estés? Para trabajar en la industria de la danza es importante vivir aquí, en el sur de California, ya que la mayoría de los trabajos se generan aquí. Youtube ha cambiado todo en términos de exposición y visibilidad. Me encanta. Pensar que personas de todo el mundo pueden verme hacer lo que más me gusta es simplemente impresionante. A mí me gusta responder a los comentarios de la gente, y espero que sea una buena influencia para que otros hagan lo que les gusta. Además, lo bueno es que la conexión a través de Youtube te ofrece muchas oportunidades de viajar y conocer gente de otros países, y eso me encanta. Tienes 15 años, ¿estás segura que quieres dedicarte al mundo del espectáculo durante toda tu vida? Cuando era pequeña quería ser médico. Pero ahora mis opciones han cambiado ligeramente. Me apasiona el baile y la moda, así que todo lo que estoy haciendo ahora gira en torno a eso. Sigo trabajando en mi baile, la interpretación, el canto… El mundo de la canción también me tira, estoy trabajando mi voz. Y también trabajo de modelo. Me encanta todo. De hecho, últimamente he posado mucho como modelo, es muy divertido. ¿Quiénes son tus músicos favoritos? Taylor Swift, Beyoncé, Justin Timberlake… son algunos de los que sigo y me inspiran. Su música me motiva y hace que quiera bailar y cantar. ¿Y como actriz? ¿Te ves? Frecuentemente hago audiciones para películas y anuncios, me encantaría trabajar en una serie o una película. Ahora mismo estamos trabajando en un contrato para un reality, la idea es comenzar a grabar en enero, así que crucemos los dedos.

Iván Martínez e Inés Aguilar, diseñadores y fundadores de La Casita de Wendy

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Ahora mismo estamos trabajando en un contrato para un reality, la idea es comenzar a grabar en enero.

Tú y Taylor Hatala sois Fraternal Twins. Os habéis hecho muy famosas en Youtube con versiones de Nicki Minaj, Beyoncé, Big Sean, Kanye West…¿Sabéis qué opinan ellos de vuestros vídeos? La gente nos ha dicho que Beyoncé y Nicki nos han puesto por las nubes. Pero no conozco a ninguna de ellas personalmente. Taylor tuvo ocasión de conocer a Beyoncé y su hija en el show de Los Angeles de Janet Jackson. La odio, estoy celosa :) Todo el mundo se pregunta cuál será la siguiente versión. Nuestro cuarto vídeo sale a mediados de diciembre. Se presentará en una nueva plataforma social en la que nos estrenamos. Estamos muy ilusionadas con esto. Esperamos que todo el mundo lo disfrute. Así que buscadnos pronto en Sweety High <www.sweetyhigh.com>. ¿Y cómo surgió lo de Fraternal Twins? Taylor y yo nos conocimos en North Hollywood, bailando para un concept video con WilldaBeast Adams y el grupo de baile ImmaBeast. Nos lo pasamos tan bien bailando juntas que decidimos actuar juntas en The Pulse -una convención de baile en Las Ve-

gas-. Y a partir de ahí comenzamos a trabajar juntas con la fantástica Janelle Ginestra -coreógrafa, directora y visionaria-. A ella se le ocurrió lo de Fraternal Twins y el resto es historia. Las 2 compartimos un estilo de baile muy similar. Y las 2 trabajamos duro y le damos fuerte, estamos muy sincronizadas cuando bailamos juntas. A pesar de la diferencia de edad -Taylor tiene 9- ella es una verdadera amiga, somos casi como hermanas, nos encanta estar juntas. Aparte de Fraternal Twins tienes otros proyectos como The Suga N Spice. Me siento muy afortunada de haber conocido a Taylor y a Janelle, juntas continuamos trabajando en nuevos proyectos. Me encanta trabajar en Suga N Spice, un grupo creado por mi maestro Brian Friedman. Muchas de mis amigas están en el equipo, así que lo pasamos fenomenal cuando quedamos para crear conceptos de baile. También trabajo yo sola, ahora estoy trabajando en distintos proyectos que asocian la moda y el baile a través de las redes sociales, la publicidad… colaborando con otros artistas y marcas como David Yerman, HP, Stance o Diamond Supply.

Visera & Brazalete I STILL LOVE YOU NYC <istillloveyounyc.com> + Top NUN BANGKOK <nunbangkok.com> + Falda KIRA PLASTININA <kiraplastinina.com> + Underwear RED WOLF PDX <shopredwolf.com> + Anillo GOOD GIRL JEWELRY <thegoodgirlcollective.com> + Zapatillas ADIDAS <adidas.es> —

Cada proyecto es único y una experiencia de aprendizaje. Pero la publicidad digital es más excitante para mí porque me permite crear mi propio contenido mientras colaboro con marcas. 88

¿Quién guía tu carrera? Mis padres son una gran influencia. Confío mucho en ellos y sé que quieren lo mejor para mí. Pero recientemente he firmado con Next Models Management para que me representen a nivel internacional como modelo y en la gestión de las redes sociales. ¿Qué prefieres: hacer publicidad convencional o generar contenidos para las marcas? He trabajado en campañas nacionales para compañías como Microsoft, Target, Coca Cola, Panera, Walmart, Nissan… Cada proyecto es único y una experiencia de aprendizaje. Pero la publicidad digital es más excitante para mí porque me permite crear mi propio contenido mientras colaboro con marcas. Al menos tienes 2 páginas oficiales, ¿cómo te las arreglas con tanto trabajo online? LarsenThompsonFashion.com es un blog en el que me encanta escribir sobre moda, modelos… LarsenThompson.com es mi primer site, es donde comparto mis trabajos de baile, moda e interpretación. La

verdad es que dedico mucho tiempo a subir contenidos a Youtube, Snapchat, Instagram y Facebook. Tengo un Social Media Manager que me ayuda mucho respondiendo a las marcas y creando nuevas y excitantes oportunidades. ¿Y cuáles son tus siguientes pasos como modelo? Firmé en verano con Next Models, y estuve en la última edición de la New York Fashion Week, fue fantástico. La verdad es que si me dan la oportunidad me veo desfilando en las pasarelas de París, Milán, Londres, Nueva York… Mis referentes sobre la pasarela serían Kate Moss y Rachel Hunter. Como fashionista influyente, ¿cuáles son las marcas que normalmente usas? Me encanta llevar ropa cómoda, desde Adidas a LF, WildFox o Brandy Melville. Pero también me gustan marcas como Chanel o Stella McCartney. Eres Escorpio, ¿mucho o poco? Soy muy apasionada y obsesiva en ciertas cosas, y leal. No creo que sea excesivamente manipuladora o celosa por naturaleza.

TEXTO ROBERTO JUANES

The Bohicas

FOTOS ALEJANDRO ROD

Pasaron la adolescencia escuchando sin parar a los Strokes, los Arctic Monkeys y toda la hornada de rock guitarrero de principios de siglo. Pocos años después, estos cuatro amigos de Essex, al noreste de Londres, decidieron que había llegado el momento de tomar el relevo. Su carta de presentación es ‘The Making Of’, un torbellino de guitarras saturadas, baterías robustas y estribillos pegajosos que buscan despertar los instintos más primarios. Hablamos con Dominic McGuinness, su cantante.

Nombre: “The Bohicas es un acrónimo de la expresión ‘bend over, here it comes again’ [agáchate, aquí viene otra vez]. En un mundo plagado de grupos de rock creo que es bastante divertido tener la suficiente consciencia de sí mismo como para decir: somos uno más, así que preparaos. Me lo propuso mi hermano mientras estábamos bebiendo y me pareció que tenía mucho sentido, tanto cuando estábamos borrachos como de resaca, así que lo dejamos así”. Formación: “El grupo se creó a finales de 2013, pero durante algunos años antes estuvimos tocando en otras formaciones y haciendo todo tipo de música. Siempre eran cosas basadas en la batería y la guitarra, pero todo muy disperso y esquizofrénico. En el 2013 ya teníamos la formación, la música y el estado de ánimo correctos para dar un buen concierto de treinta minutos”. Influencias: “El art-rock, el blues, el punk y el kraut son algunas de las influencias que aparecen en nuestra música, aunque hay muchas más. Todo lo que creamos es un producto que sale después de digerirlas todas. No me interesa definir mi propio sonido o el de los demás, porque en última instancia es el oyente quién decide. Obviamente somos un grupo de rock y nos enorgullecemos de nuestras melodías y armonías, así como del aspecto ‘roll’ del rock&roll. Música para mover el cuello y ese tipo de cosas”.

A. Dominic McGuinness. B. Dominic John. —

“Creo que en el rock&roll es importante ese tira y afloja entre lo poético y lo bonito frente a lo salvaje y animal que viene del corazón. Algo parecido a lo que hacían John Lennon o Ray Charles con su voz”.

Novelas gráficas: “Son el lugar ideal para inspirarse. He leído mucho ‘Sin City’ mientras componía el disco, y ‘Preacher’ mientras estábamos de gira. Ambos tienen elementos de amor desechable y violencia sobre un escenario épico de callejones mugrientos. Me gusta que la letra de una canción cree imágenes potentes en la cabeza. Algo estático, afilado y vívido, como sacado de un cómic. Básicamente, cualquier cosa de las que escribió Eminem en sus primeros discos”. Literatura clásica: “Me inspiro mucho en escritores como Oscar Wilde o Émile Zola. Siempre les robo la poesía que hay en su escritura. Una vez leí unas palabras de Oscar Wilde que decían ‘fragancia rosa’, refiriéndose a un olor intenso. Pero usar esas palabras en concreto hace que suene como una traducción del francés, como más elegante, aunque simplemente sea el olor de una flor. Creo que en el rock&roll es importante ese tira y afloja entre lo poético y lo bonito frente a lo salvaje y animal que viene del corazón. Algo parecido a lo que hacían John Lennon o Ray Charles con su voz”. Productores: “Oli Bayston ha trabajado con nosotros desde el principio y siempre ha sabido quiénes somos en realidad, como músicos y como amigos. Compusimos juntos ‘XXX’ y eso forjó nuestra amistad. Él se encargó de producir el disco en el estudio junto a Mark Rankin. Mark acababa de terminar ‘...Like Clockwork’, de Queens Of The Stone Age. A todos nos encanta ese grupo y especialmente su producción, por lo que fue un honor enorme poder contar con él. No habían trabajado juntos hasta ese momento, así que fue interesante ver cómo encajaba todo. Al final resultó que se compenetraron muy bien, fue una gozada ser testigo de ese momento. El tercer productor, Chris Huges, se involucró más durante el trabajo previo y posterior a la grabación. Ayudó a estructurar las canciones y asegurar que no había ningún momento aburrido. Tenían que vibrar de principio a fin, y él nos ayudó a darnos cuenta de eso y a conseguirlo. Fue un honor y un privilegio absoluto trabajar con todos ellos, hemos aprendido muchísimo los unos de los otros”. The Fish Factory: “Grabamos el disco en un almacén que está en el lado opuesto de la ciudad, así que tardábamos casi dos horas en ir y otras dos en volver. Pero daba igual, porque estábamos grabando un disco con unos productores increíbles. Hubiera cruzado el Sáhara cada mañana si me hubieran estado esperando en el otro lado. El almacén había sido antes una fábrica de conservas de pescado, pero ahora sólo queda una pequeña pescadería en la puerta. Cuando entras tienes que pasar entre congeladores llenos de calamares y peces espada. Lo que me pareció más raro es que encima de uno de los congeladores había un pequeño acuario con peces vivos. No eran para comer, sino que eran

C. Brendan Heaney. D. Adrian Acolatse.

las mascotas de los dueños de la tienda. Vivían sobre sus muertos, como nosotros. Parecía más siniestro en ese momento, como si fuera una guardería encima de un cementerio. De cualquier manera, allí vendían una bebida llamada Guarana Antartica, de la que básicamente nos alimentamos durante toda la sesión de grabación”. Domino Records: “Era casi inevitable no fichar por Domino, porque desde que dejé el colegio he estado tocando la guitarra y el piano en el grupo de mi hermano. Él está en el sello, así que yo en cierto modo también. A menudo me preguntaban en qué estaba trabajando y siempre les mandaba maquetas. Nadie más se estaba interesando por mi música, y cuando me ofrecieron el primer contrato fue genial saber que me consideraban alguien con el talento suficiente como para formar parte de su empresa. Creo que lo mejor que nos aportan es el tiempo. Nunca nos presionan para hacer algo que no queremos. Nos dejaron mucho espacio para descubrir qué queríamos ser y nos proporcionaron los recursos para conseguirlo. Eso no es habitual en la industria musical, y por ello les estaremos siempre agradecidos”. El público: “La gente te da mucho cariño a través de las redes sociales, pero eso es algo tan intangible que para mí es difícil de entender. No es hasta que das un concierto, conoces a la gente, ves la expresión de sus caras y oyes la alegría en sus voces hasta que dices: ‘por eso hacemos esto’”. El rock ha muerto: “Las únicas personas que dicen que el rock&roll está muerto son aquellas que están muertas para el rock&roll. Ve a cualquier festival donde hay grupos tocando rock y verás a miles de chavales volviéndose locos por culpa de cuatro tíos”.

‘The Making Of ’ está publicado por Domino y distribuido por Music As Usual.

CARMEN: La exposición que te ha dedicado el Museo de Arte Contemporáneo de Los Angeles llevaba por título “When Fashion Shows The Danger Then Fashion Is The Danger” (“Cuando la moda muestra el peligro, la moda es el peligro”). ¿Qué te hizo llegar a esa conclusión? BERNHARD: Lo digo tal y como es. Cada centímetro de mí es un semental. La disciplina de una casa de moda combinada con la espontaneidad de un amante impetuoso. ¿Qué más podría pedir? (Y tres desnudos indómitos). C: Admiro tu lascivia, está claro que la humanidad jamás estaría en peligro si el peso de la descendencia recayera sobre tus hombros. En cuanto a esa colisión moda-sostenibilidad, ¿por qué la elegiste como título de la exposición? ¿Porque quedaba bien? B: Uno tiene más peso cuando dispone de argumentos verdaderos en un show. Es como hacer un “garganta profunda” sin manos y sin atragantarte: tragas y ya está. C: También está el número 3.000, referido, supongo, al año 3.000. ¿Se refiere entonces ese peligro únicamente al futuro de la moda, o podemos ver ya sus efectos?(Lo dice en francés): J’ai un bombe a’neutrons dans le caleçon… !Vous êtes un surgénérateur dans le postérieur…! (Ête atomique). Traducción: Tengo una bomba de neutrones

Bernhard Willhelm SS16 Foto: Nick Haymes

TEXTO CARMEN COCINA

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Retrato de Bernhard Willhelm por Nick Hayme —

Bernhard Willhelm 95

Bernhard Willhelm tiene algo de lumbreras, bastante de sobrao y mucho de psicópata. Es uno de esos pesos pesados de la cantera de Antwerp del nuevo milenio. Acaba de presentar su primera colección de calzado y tiene lista una vistosa colección para la próxima primavera-verano, pero no parece tener ganas de hablar de ello, ni de la exposición que le ha dedicado el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, ni de sus previsiones sobre el futuro de la industria, ni de nada que tenga remotamente que ver con moda. Así que, abortada esa posibilidad y tras un total Knock Out por mi parte en el primer round (sí, esto es un combate de boxeo en toda regla), me mimetizo con su misantropía y su despiadado sarcasmo, aunque confieso que tanta mala hostia me supera. Al grano: lo que vais a leer es una transcripción íntegra, directa y combinada de las salidas de tono con las que ha regado este surrealista intercambio de e-mails, una auténtica declaración de agorafobia y amor hacia sí mismo. Gentes del mundo, no desesperéis: cualquier relación con la coherencia es pura coincidencia. El juego Willhelm ha comenzado.

Bernhard Willhelm SS16 Fotos: Daniel Trese —

CARMEN: La exposición que te ha dedicado el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles llevaba por título “When Fashion Shows The Danger Then Fashion Is The Danger” (“Cuando la moda muestra el peligro, la moda es el peligro”). ¿Qué te hizo llegar a esa conclusión? BERNHARD: Lo digo tal y como es. Cada centímetro de mí es un semental. La disciplina de una casa de moda combinada con la espontaneidad de un amante impetuoso. ¿Qué más podría pedir? (Y tres desnudos indómitos). C: Admiro tu lascivia, está claro que la humanidad jamás estaría en peligro si el peso de la descendencia recayera sobre tus hombros. En cuanto a esa colisión moda-sostenibilidad, ¿por qué la elegiste como título de la exposición? ¿Porque quedaba bien? B: Uno tiene más peso cuando dispone de argumentos verdaderos en un show. Es como hacer un “garganta profunda” sin manos y sin atragantarte: tragas y ya está. C: También está el número 3.000, referido, supongo, al año 3.000. ¿Se refiere entonces ese peligro únicamente al futuro de la moda, o podemos ver ya sus efectos? B: J’ai un bombe a’neutrons dans le caleçon…!Vous êtes un surgénérateur dans le postérieur…! (Ête atomique). Traducción: Tengo una bomba de neutrones en los calzoncillos. Usted es un supergenerador en la parte posterior. (Ser atómico). C: Eso ha sido muy excitante, me alegro de haber estudiado francés. Y estoy segura de que en el fondo tiene alguna relación con mi pregunta. Porque sí, todos estamos en peligro y somos peligrosos al mismo tiempo, ¿no? Algunos más peligrosos que otros, como sabrás. (Por cierto, en la firma de mi mail tienes mi teléfono, por si te apetece pasarte a tomar una copa en mi casa cuando pases por Madrid. Soy mujer, pero estaré encantada de compartir mi novio contigo). B: Lo que importa es la inteligencia, el ingenio, la educación, la paella, una personalidad desbordante, alguien que muestra compasión y generosidad hacia otros. (También acepto invitaciones de afroamericanos). C: En tu opinión, ¿cómo será la industria de la moda en el año 3.000? B: Para los hombres que estén cansados de ser viejos, depende de la deuda de inserción. Enchúfenme a un inseminador artificial en el año 3.000. C: El conjunto de la expo suena muy apocalíptico, tanto en el diseño de moda como en el medio ambiente y en lo laboral. ¿Es utópico mantener la esperanza? ¿Quién debería actuar para revertir la situación: políticos, consumidores, oenegés, diseñadores, empresas de moda…? ¿Qué rol desempeña cada uno en ese conjunto? B: Es un poco como con el mozo de la grúa municipal. Aparece cuando estás ocupado con tu negocio, y cuando

Bernhard Willhelm SS16 Fotos: Nick Haymes —

vuelves se ha llevado tu coche. Entonces te toca ir a la chatarrería a rescatarlo de las manos de un asqueroso que no deja de mascar cigarros. Pero cuando llegas está ahí SHANE (vestido de Bernhard Willhelm), el tipo de machote con mono raído a quien suplicarías un trabajo como mecánico y un poco de acción. C: La globalización ha desempeñado un rol importante en el modo en el que se produce y se consume la moda: mientras la mano de obra del Tercer Mundo trabajan horas y horas por un penique, en los países desarrollados los ciudadanos de clase media apenas tienen la oportunidad (es decir, el presupuesto) de elegir moda ética y sostenible. ¿Quién es culpable entonces? ¿Cómo crees que la globalización ha contribuido a reforzar este escenario? B: ¿Hay algo de eso que NO te guste? Pues ven aquí y arréglalo. Bernhard Willhelm no tiene pinta de tío duro, pero su hermoso culo da buena muestra de su verdadera naturaleza. Igual que el temible leopardo muestra sus colmillos, Bernhard merodea como un depredador hambriento. C: Gracias por la advertencia. ¡Mis primos de Bangladesh aprenderían tanto de ti! Y es un lugar suuuuuuperexótico, nos encantaría que vinieras a cenar algún día. Por otro lado, me imagino que tener tu propia marca tiene que ser cansadísimo, pero ¿te gusta viajar? ¿Cuáles son tus lugares favoritos? B: Mi destino número 1 es MASPALOMAS: ZONA DE EXCLUSIÓN (sólo para personal autorizado). C: En esta era fast-fashion, hacer ropa que no esté tirada de precio es un suicidio en términos comerciales. ¿Cuáles son los puntos fuertes de diseñadores independientes como tú? ¿Qué target compra Bernhard Willhelm? B: Me baso en la fontanería elemental. Tengo 3 fontaneros en mi superempresa: Jutta Kraus en el área de negocios, Julia Santili en la de estampados y Yonatan Zohar en la de diseño gráfico. Y también un asistente en Los Ángeles, Calvin Stalvig. Lo demás lo hacen estudiantes. Es el corte perfecto para afianzar a los clientes y lo suficientemente ajustado como para aligerar la presión del presupuesto. The rest is done by students. C: ¿Qué crees que buscan tus clientes en tu marca? B: Libertad, fricción, ficción. Voyeurismo privado. Pervertidos. Camellos (traficantes). Carteristas. Punks. Primadonnas. PARA QUE VEAS.

Bernhard Willhelm SS16 Fotos: Daniel Trese —

La exposición que te ha dedicado el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles llevaba por título “When Fashion Shows The Danger Then Fashion Is The Danger” (“Cuando la moda muestra el peligro, la moda es el peligro”). ¿Qué te hizo llegar a esa conclusión? BERNHARD: Lo digo tal y como es. Cada centímetro de mí es un semental. La disciplina de una casa de moda combinada con la espontaneidad de un amante impetuoso. ¿Qué más podría pedir? (Y tres desnudos indómitos). C: Admiro tu lascivia, está claro que la humanidad jamás estaría en peligro si el peso de la descendencia recayera sobre tus hombros. En cuanto a esa colisión moda-sostenibilidad, ¿por qué la elegiste como título de la exposición? ¿Porque quedaba bien? B: Uno tiene más peso cuando dispone de argumentos verdaderos en un show. Es como hacer un “garganta profunda” sin manos y sin atragantarte: tragas y ya está. C: También está el número 3.000, referido, supongo, al año 3.000. ¿Se refiere entonces ese peligro únicamente al futuro de la moda, o podemos ver ya sus efectos?

C: Acabas de lanzar tu línea de calzado después de 16 años como diseñador. ¿Cómo te dio por ahí? B: ¡Mis colecciones necesitan zapatos! C: ¿Cansado entonces de caminar descalzo? B: El destino número 2 de mi lista es MASPALOMAS ZONA DE GRAND DUNA, sólo para pies descalzos. C: ¿Cuál es la inspiración de tu colección primavera-verano 2016? B: Una COPIA gratuita. La hice y ya está. Los plátanos. (Me acosté con el jefe). C: Enhorabuena. ¿Con quién más te has acostado? Eso es lo que de verdad nos interesa. Por aquí tenemos a unos cuantos guapetes solteros. B: Perfectamente. A algunos les gusta más el rollo swingerMaspalomas. Hoy en día ya no se lleva tanto el cruising. C: Recientemente has afirmado que en tu trayectoria te has movido entre el caos y la diversidad. ¿A qué te refieres? B: Me refiero a lo bueno y lo malo, lo hermoso y lo feo. El meollo del yin y el yang. El zen y el vértigo. Y a explorar tus fantasías. Con suerte alguien más se pondrá cachondo. Probarse a uno mismo y a los demás. Ha sido un reto. C: ¿Presentas tus colecciones en París, la meca del lujo y la alta costura. ¿Te sientes un poco como la oveja negra allí? B: ¿Fuera lo viejo y venga lo nuevo? ¿Qué quieres, una segunda cita? ¿Un nerd con su risita que explota en una

Bernhard Willhelm FW2015 Fotos: Josh Paul Thomas —

“Me refiero a lo bueno y lo malo, lo hermoso y lo feo. El meollo del yin y el yang. El zen y el vértigo. Y a explorar tus fantasías. Con suerte alguien más se pondrá cachondo.” orgía de pedos luminosos? ¿Una FLATULENCIA a lo John Galliano? No hay reglas sobre cómo actuar en el mundo de la moda. Como si construyo un jardín de rosas en mi ático de París. Flores de las refinadas. C: John Galliano es muy tú, un compañero de profesión brillante. Has hecho una colección cápsula con Camper, ¿no estaría bien que hicierais una los dos juntos? B: Todavía hago de modelo de vez en cuando, pero no a tiempo completo. Sólo poso en exteriores (sperrzonenerotikZona de Exclusión Erótica). C: En tu trabajo hay una esencia irreverente. Esa controversia, ¿llega de forma natural o vas a por ella? B: Sí, querida. Acabas de dar con el maestro. C: Además de tu diatriba hacia la uniformidad de la moda rápida, ¿qué otros temas te resultan relevantes para tratarlos en tu trabajo? B: Esta es una pregunta pasivo-agresiva, de las de pecado y espada. Es como salir de excursión por París hablando una lengua extranjera. C: Discúlpame, acabo de dejar la terapia. París estos días está también lleno de caos y diversidad. Pero de un modo diferente, no como en las fashion weeks. ¿Piensas volver pronto allí? B: La última vez tuve problemas al hacerme un batido. Más tarde, en el gimnasio, después de haber lavado juntos unos shorts blancos y una camiseta roja: -Oh, chica -A por ella -Bonitas bragas -¡Venga, chica, trabájate esas muñecas! Un diagnóstico bastante rosado. Un poco como la zona ROSSA. C: ¿Cómo valorarías estos 16 años al frente de tu firma? B: La cuestión sigue siendo cómo de grande es lo grande, y si lo es lo suficiente. Esto es importante para las cifras empresariales, y también para ver cómo de grande tienes la polla. Yo soy versátil, pero generalmente prefiero el culo. C: Me gustaría una estimación más precisa. ¿Cuánto te mide la polla últimamente? Un desnudo frontal serviría. B: ¿Prefieres algo que le gusta a todo el mundo o a alguien que sabe de lo que habla? C: ¿Qué planes tienes para el futuro? B: ¿Dónde está Bernhard? < www.bernhardwillhelm.com>

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Architects y Chevaliers de l’Ordre des Arts et des Lettres de la République Française. Su obra estará expuesta en el Museo ICO de Madrid del 24 de febrero al 8 de mayo de 2016. Sobre esta exposición, la intuición creativa basada en la sensibilidad, Japón, y otras cosas importantes, como la independencia de Cataluña, hemos conversado con Ramon Vilalta desde su fantástico estudio en la antigua fundición industrial Barberí. Creatividad Compartida “Es una exposición de trayectoria que explica de manera global los más de 25 años de trabajo de RCR. La exposición del ICO es la suma de dos exposiciones: ‘Creatividad Compartida’, que estuvo en el Palau Robert en Barcelona; y ‘Papeles’, que pudo verse en el centro Arts Santa Mònica, también en Barcelona, complementaria a la otra, más procesual, con maquetas, dibujos, aguadas, que acompañan a casi todos los proyectos y toda una diversidad de material con el soporte fundamental del papel. Ambas muestras se unen en Madrid, en un mismo espacio, bajo el título de ‘Creatividad Compartida’, que expresa el valor que nosotros damos al compartir”. Compartir “Extendemos esta expresión a todo nuestro trabajo. Compartir es estar en recepción con lo que te rodea, ya sea en tu entorno cotidiano, en un proceso proyectual, o en la vida misma. Compartir como valor del acto de dar y recibir. Compartir es trascender el yo por el nosotros, sentirse en todos y en todo; es no haber conflicto entre uno y el conjunto. Hacer una arquitectura en un lugar no es para nosotros una imposición, sino también un compartir, un diálogo con el paisaje en el que se creará un nuevo lugar. En la relación con el cliente es también fundamental y necesario el compartir, es cuando el proyecto se enriquece más”.

Pertenecen a una línea de trabajo propia de esta zona, de arquitectos con gran sensibilidad por el paisaje. Sus obras están siempre en concordancia con el entorno, el paisaje y los habitantes del lugar, son de una exquisita sensibilidad en la que quizás mucho tiene que ver las cualidades del paisaje de Olot, de interesante vegetación y relieves, fuente de inspiración ya en el siglo 19.

RCR

Arquitectes TEXTO AURORA DOMÍNGUEZ

RCR es el estudio de arquitectura de Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramon Vilalta. Este año recibieron la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura de Francia, y el premio de Arquitectura Española Internacional (CSCAE). Además, son miembros de honor del Royal Institute of British Architects, miembros de honor del American Institute of Architects y Chevaliers de l’Ordre des Arts et des Lettres de la République Française. Su obra estará expuesta en el Museo ICO de Madrid del 24 de febrero al 8 de mayo de 2016. Sobre esta exposición, la intuición creativa basada en la sensibilidad, Japón, y otras cosas importantes, como la independencia de Cataluña, hemos conversado con Ramon Vilalta desde su fantástico estudio en la antigua fundición industrial Barberí.

Creatividad Compartida “Es una exposición de trayectoria que explica de manera global los más de 25 años de trabajo de RCR. La exposición del ICO es la suma de dos exposiciones: ‘Creatividad Compartida’, que estuvo en el Palau Robert en Barcelona; y ‘Papeles’, que pudo verse en el centro Arts Santa Mònica, también en Barcelona, complementaria a la otra, más procesual, con maquetas, dibujos, aguadas, que acompañan a casi todos los proyectos y toda una diversidad de material con el soporte fundamental del papel. Ambas muestras se unen en Madrid, en un mismo espacio, bajo el título de ‘Creatividad Compartida’, que expresa el valor que nosotros damos al compartir”. Compartir “Extendemos esta expresión a todo nuestro trabajo. Compartir es estar en recepción con lo que te rodea, ya sea en tu entorno cotidiano, en un proceso proyectual, o en la vida misma. Compartir como valor del acto de dar y recibir. Compartir es trascender el yo por el nosotros, sentirse en todos y en todo; es no haber conflicto entre uno y el conjunto. Hacer una arquitectura en un lugar no es para nosotros una imposición, sino también un compartir, un diálogo con el paisaje en el que se creará un nuevo lugar. En la relación con el cliente es también fundamental y necesario el compartir, es cuando el proyecto se enriquece más”.

Bajo la particularidad de haber permanecido en Olot, su lugar de origen desde el que han evolucionado y crecido como arquitectos, RCR cuenta con numerosos proyectos de carácter internacional diseñados en su estudio de esta pequeña ciudad del norte de Cataluña. Pertenecen a una línea de trabajo propia de esta zona, de arquitectos con gran sensibilidad por el paisaje. Sus obras están siempre en concordancia con el entorno, el paisaje y los habitantes del lugar, son de una exquisita sensibilidad en la que quizás mucho tiene que ver las cualidades del paisaje de Olot, de interesante vegetación y relieves, fuente de inspiración ya en el siglo 19.

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Niveles de diálogo “Tal y cómo he dicho, para nosotros la arquitectura no debe ser una imposición al lugar, sino que es a partir del diálogo que se crea un elemento nuevo. Nos aproximamos a los lugares desde nuestra sensibilidad, intuición; intentamos que los proyectos encuentren varios niveles de diálogo. El resultado de este diálogo debe ser un nuevo paisaje, como suma de las dos partes”.

Arquitectura “La arquitectura es antes que nada un acto de generosidad. Los arquitectos crean para los hombres y les ofrecen todos aquellos espacios donde desarrollar sus vidas, con el deseo de que encuentren la atmósfera necesaria para elevar su vida a la máxima aspiración: la comprensión de uno mismo en un entorno natural y social”. Japón

“Fue una experiencia casual, y maravillosa. En el año 1988 hubo un concurso nacional que realizamos al salir de la Escuela de Arquitectura, se trataba de diseñar un faro en Gran Canaria, concretamente en Punta Aldea, donde propusimos un faro horizontal. Un faro es una torre vertical, pero la visita al lugar nos sugirió una transgresión tipológica y lo planteamos horizontal, manteniendo la cota de la señal luminosa. Ganamos el concurso y su repercusión llegó a Japón, donde nos invitaron a participar en otro concurso en la isla de Saikaibashi. Después de ganarlo estuvimos trabajando un breve período allí, el cual nos llevó a descubrir toda la sensibilidad del mundo oriental. Nos sorprendió en gran manera los niveles de sensibilidad y la sofisticación del Japón tradicional, la belleza, la luz, las penumbras, los filtros, las complejas aproximaciones que se producen para llegar a los edificios… De esta experiencia impactante es difícil saber qué cualidades han enriquecido nuestra manera de proyectar, pero de bien seguro que han influido”. Belleza “Aunque es una palabra actualmente poco usada, nosotros hablamos de belleza. Nos gusta decir: Un proyecto bueno necesita de razones, explicaciones y comentarios. Un proyecto profundo conmueve los sentidos y los pensamientos se disparan. Un proyecto bello en mostrarse, solamente se siente y no cabe en la mente. Siempre hemos intentado que un proyecto, aparte de expresar una idea, una intención, sea bello”.

Lujo “Es una palabra poco utilizada en nuestro quehacer diario. Podría ser la relación próxima con las personas y las cosas que nos interesan. Una manera de disfrutar de la vida y de la belleza con tus principales intereses. Esta palabra me hace retomar Japón: disfrutar de los jardines es un auténtico lujo para ser vivido, así como gozar de todos sus utensilios para comer, para vivir... Un lujo para la sensibilidad”. Independencia Cataluña “Podríamos vincularlo también al concepto de compartir. Para compartir hay que sentir enriquecimiento mutuo. Para compartir hay que conversar y ser receptivo, y naturalmente tiene que haber un esfuerzo y dedicación para que la relación sea viva e intensa. En la actualidad hay un número muy importante de personas que expresan un profundo malestar. Casi un 80% de los catalanes está de acuerdo en hacer un referéndum. Si se les considera españoles, parece lógico intentar comprender sus motivos, ser receptivos y actuar en consecuencia para mejorar la relación. El futuro de este proceso es complejo y continuará perdurando en el tiempo más allá de las personas, con más o menos intensidad, sino se afrontan los temas fundamentales como la lengua, la cultura y la financiación.

Si convenimos que España es un estado rico por su pluralidad, ¿por qué no aceptarla con claridad, naturalidad y compartir este valor? Creo que debería entenderse como una oportunidad para mejorar las cosas y crear ilusiones nuevas. La cultura catalana es una cultura abierta, construida por la inmigración y tiene en su lengua y cultura el elemento integrador. El carácter catalán para nada es conflictivo, es creativo, solidario... Creo fundamental ser receptivos, profundizar en este sentir y alejarse de tópicos, supuestos e intereses políticos. Es así como en los lugares de una intervención arquitectónica nosotros intentamos ser receptivos de sus potencialidades, y con la arquitectura no imponer, sino compartir y desde este compartir, crear vínculos y hacer un nuevo paisaje”. Equipo “Lo que pasaba con RCR es que al estar en un lugar relativamente pequeño como es Olot, al principio no teníamos la oportunidad de estar acompañados por estudiantes, como sucede, por ejemplo, en Barcelona. Ha sido al cabo de los años cuando realmente nos han empezado a escribir

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arquitectos que querían hacer prácticas o colaborar, para nosotros ha sido importante y nos ha permitido abarcar un poquito más y crecer. Desde nuestra manera de ver y pensar, la arquitectura necesita de un equipo mínimo de alrededor de una docena de personas permanentes y a ser posible el soporte de estudiantes en prácticas que permiten rodar, con rodar me refiero a poder hacer en un mismo momento: un concurso, construir un edificio, es decir crear una simultaneidad de las distintas fases del proceso proyectual, lo cual produce un enriquecimiento mutuo de estas fases. El equipo actualmente está formado por españoles, portugueses y franceses (sobre todo por la proximidad cultural). Nos sentimos próximos a ellos en la manera de hacer y de vivir. Hay también estudiantes de prácticas que llegan desde cualquier parte del mundo y que nos ayudan a apreciar otras culturas”.

Laboratorio de Arquitectura y Paisaje

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“En verano realizamos en Olot un taller durante el mes de agosto, al que vienen alrededor de unas 60 personas de hasta 25 nacionalidades. Se trata de un taller internacional de Arquitectura y Paisaje. Cada año desarrollamos ejercicios diferentes, uno de los valores principales que pretende el taller precisamente es el compartir la unión de las personas diversas y de culturas diferentes durante un mes. El curso cuenta con unos tutores que ayudan a la integración y al funcionamiento del proceso proyectual. El RCR LAB·A tiene lugar en la antigua fundición artística de Olot. Además de Arquitectura y Paisaje, hay otro taller de comunicación – Audiovisual y Fotografía y ambos comparten el espacio con actividades artísticas diversas como la danza… Este año será del 1 al 26 de agosto de 2016. El workshop supone para nosotros una entrada de aire fresco y riqueza cultural. Así es también para la ciudad de Olot, lugar del interior de Cataluña que históricamente nunca tuvo muy buenas comunicaciones. Recibir durante el mes de agosto un número importante de personas de todo el mundo se convierte en un evento muy especial para la ciudad”.

pensar, la arquitectura necesita de un equipo mínimo de alrededor de una docena de personas permanentes y a ser posible el soporte de estudiantes en prácticas que permiten rodar, con rodar me refiero a poder hacer en un mismo momento: un concurso, construir un edificio, es decir crear una simultaneidad de las distintas fases del proceso proyectual, lo cual produce un enriquecimiento mutuo de estas fases. El equipo actualmente está formado por españoles, portugueses y franceses (sobre todo por la proximidad cultural). Nos sentimos próximos a ellos en la manera de hacer y de vivir. Hay también estudiantes de prácticas que llegan desde cualquier parte del mundo y que nos ayudan a apreciar otras culturas”. Laboratorio de Arquitectura y Paisaje “En verano realizamos en Olot un taller durante el mes de agosto, al que vienen alrededor de unas 60 personas de hasta 25 nacionalidades. Se trata de un taller internacional de Arquitectura y Paisaje. Cada año desarrollamos ejercicios diferentes, uno de los valores principales que pretende el taller precisamente es el compartir la unión de las personas diversas y de culturas diferentes durante un mes. El curso cuenta con unos tutores que ayudan a la integración y al funcionamiento del proceso proyectual. El RCR LAB·A tiene lugar en la antigua fundición artística de Olot. Además de Arquitectura y Paisaje, hay otro taller de comunicación – Audiovisual y Fotografía y ambos comparten el espacio con actividades artísticas diversas como la danza… Este año será del 1 al 26 de agosto de 2016. El workshop supone para nosotros una entrada de aire fresco y riqueza cultural. Así es también para la ciudad de Olot, lugar del interior de Cataluña que históricamente nunca tuvo muy buenas comunicaciones. Recibir durante el mes de agosto un número importante de personas de todo el mundo se convierte en un evento muy especial para la ciudad”.

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Camiseta BEYOND RETRO <www.beyondretro.com> + Sweater cuello cisne KLING <www.kling.es> + BaÃ±ador GUILLERMINA BAEZA <www.guillerminabaeza.es> + Anillo DOMINIC JONES <www.dominicjonesjewellery.com>

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TEXTO TEREVISIÓN RUIZ

MAQUILLAJE ELLE WADE

FOTOS ALEX AMORÓS

ESTILISMO SEILA SIN H

<www.darkwallsofsound byalexamoros.com>

Kirstie Fleck 107

Kirstie ya es oficialmente, “la chica del grupo”. Nos referimos a Is Tropical, la banda londinense que nació en 2009 como trío y que cuenta ahora entre sus miembros con esta chica de larga melena rubia que además es la novia de Gary Barber, uno de los componentes del grupo. Inmersos en una gira infinita para promocionar su último disco, “Black Anything”, publicado por entregas, conseguimos quedar con Kirstie en Londres para entrevistarla y hacer esta sesión de fotos.

Hola Kirstie, cuéntame algo sobre ti y dime cómo llegaste a Is Tropical. ¡Hola! Nací en el norte de Inglaterra, en Blackburn, pero me mudé a Londres con mi familia cuando tenía 11 años, de eso hace 17 (así que haz las cuentas y tendrás mi edad). Me fui a vivir al este de Londres en 2007 y allí fue donde conocí a Gary y a Simon, y un año más tarde más o menos conocí a Dom. No estaba metida en la música por aquel entonces, solo estaba por allí cuando los chicos daban conciertos. No fue hasta 2013 cuando canté por primera vez, y eso fue en el tema ‘Dancing Anymore’. La verdad es que fue un shock para mí cuando me pidieron cantar en la grabación, en realidad fue una casualidad, porque estaba por allí en ese momento y Gary necesitaba una voz femenina. ¿Cuál es tu formación? Empecé a estudiar Bellas Artes pero lo dejé cuando empecé con el grupo, vi que ellos se lo pasaban mucho mejor que yo. ¿Recuerdas cómo os conocisteis? Fue una noche en el White Heat del Soho, aunque la verdad es que no me acuerdo de mucho, solo sé que pasó algo con la policía... ¿Y cómo surgió lo de convertirte en un miembro más de la banda? ¿qué ha supuesto esto para ti? La verdad es que todo ha sucedido de forma muy espontánea, nunca nos sentamos a hablar al respecto. Las nuevas canciones de Black Anything parecían estar hechas con mi voz en mente. Eres la novia de Gary, ¿qué tal trabajáis juntos? La verdad es que muy bien. Ahora que soy un miembro de la banda puedo participar y aportar ideas, mientras que antes, si lo hacía, sentía que estaba interfiriendo o metiéndome donde no me llamaban.

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“Para alguna gente ha resultado extraño que hayamos editado el disco por partes, pero para nosotros ha sido simplemente una manera distinta de enfocarlo. Por una parte ha sido muy divertido, pero también ha sido todo un desafío”.

¿Tocas algún instrumento musical? A veces trasteo con el bajo o los teclados en casa. Gary me graba sin que yo me de cuenta y luego me chantajea con los videos (risas). Actualmente, ¿dedicas todo tu tiempo a la música? Sí, totalmente, de hecho hemos pasado casi todo el verano fuera, así que no hay tiempo para mucho más. Desde luego es un privilegio poder vivir de algo que te gusta. Pero en el pasado trabajaste como modelo, ¿no? Sí, uno de mis mejores amigos, Kristin Vicari, es un fotógrafo increíble y lleva haciéndome fotos desde 2009. A raíz de estas fotos otros amigos que están relacionados con la moda empezaron a preguntarme si podía posar para ellos, así que al final acabé apareciendo en revistas como Dazed and Confused, i-D, Elle, Vogue… solo por hacer favores a amigos cercanos como Hermione de Paula, Fanny Sciovanni o Benjamin Vovono (Braille). También aparecí en un par de videos musicales de Elliot Summer. Al final me uní a una agencia por un tiempo pero no me acostumbré al ritmo de trabajo. ¿Cuál es tu relación ahora con la moda? ¿cuál es tu diseñador o marca favorita? Antes de unirme al grupo trabajé para una marca de ropa y cosas para la casa, House of Hackney, siempre me han gustado estas cosas, aunque en lo que se refiere a mi estilo siempre visto de negro porque es lo más fácil y rápido. Tengo amigos que hacen ropa increíble como Hermione de Paula, Claire Barrow, Liam Hodges, Braille, Jivomir Domoustchiev, Lamia Asudari, Fanny Sciovanni… Para el vídeo de ‘Crawl’ cogimos prestada un montón de ropa de nuestros amigos de December Agency, que llevan a un montón de diseñadores fabulosos. Cuéntame un poco cómo está funcionado Black Anything. Para alguna gente ha resultado extraño que hayamos editado el disco por partes, pero para nosotros ha sido simplemente una manera distinta de enfocarlo. Por una parte ha sido muy divertido, pero también ha sido todo un desafío porque hemos tenido que ir continuando el álbum mientras estábamos de gira. El álbum completo estará listo para el nuevo año. ¿Cómo es tu relación con los fans y las redes sociales? Tenemos fans muy leales, con los que siempre nos encanta divertirnos. Me gusta conocer a la gente, aunque 9 de cada 10 veces no consigo acordarme de ellos… siempre suele ser de noche y si bebo demasiado no me acuerdo de nada. Creo que tienes algunas anécdotas curiosas con tus fans, ¿no? Sí, la verdad es que me han pasado cosas bastantes raras… En España, por ejemplo, alguien robó uno de mis zapatos del escenario. Un par de semanas después recibí una invitación a una página de Facebook que se llamaba “Kirstie’s Missing Shoe”. La página empezó a añadir a todos mis amigos y subían fotos de mi zapato robado en diferentes sitios, con cervezas, con aceitunas dentro, en la ladera de una montaña… Fue bastante raro. Supongo que es gente que solo quiere hacer algo divertido, lo cual está muy bien, pero a veces da un poco de miedo. En otra ocasión una chica hizo composiciones de fotos donde aparecía ella con Gary y un niño tomando drogas, también fotos mías con

“Por una parte ha sido muy divertido, pero también ha sido todo un desafío porque hemos tenido que ir continuando el álbum mientras estábamos de gira. El álbum completo estará listo para el nuevo año”.

Pero en el pasado trabajaste como modelo, ¿no? Sí, uno de mis mejores amigos, Kristin Vicari, es un fotógrafo increíble y lleva haciéndome fotos desde 2009. A raíz de estas fotos otros amigos que están relacionados con la moda empezaron a preguntarme si podía posar para ellos, así que al final acabé apareciendo en revistas como Dazed and Confused, i-D, Elle, Vogue… solo por hacer favores a amigos cercanos como Hermione de Paula, Fanny Sciovanni o Benjamin Vovono (Braille). También aparecí en un par de videos musicales de Elliot Summer. Al final me uní a una agencia por un tiempo pero no me acostumbré al ritmo de trabajo. ¿Cuál es tu relación ahora con la moda? ¿cuál es tu diseñador o marca favorita? Antes de unirme al grupo trabajé para una marca de ropa y cosas para la casa, House of Hackney, siempre me han gustado estas cosas, aunque en lo que se refiere a mi estilo siempre visto de negro porque es lo más fácil y rápido. Tengo amigos que hacen ropa increíble como Hermione de Paula, Claire Barrow, Liam Hodges, Braille, Jivomir Domoustchiev, Lamia Asudari, Fanny Sciovanni… Para el vídeo de ‘Crawl’ cogimos prestada un montón de ropa de nuestros amigos de December Agency, que llevan a un montón de diseñadores fabulosos. Cuéntame un poco cómo está funcionado Black Anything. Para alguna gente ha resultado extraño que hayamos editado el disco por partes, pero para nosotros ha sido simplemente una manera distinta de enfocarlo. Por una parte ha sido muy divertido, pero también ha sido todo un desafío porque hemos tenido que ir continuando el álbum mientras estábamos de gira. El álbum completo estará listo para el nuevo año. ¿Cómo es tu relación con los fans y las redes sociales? Tenemos fans muy leales, con los que siempre nos encanta divertirnos. Me gusta conocer a la gente, aunque 9 de cada 10 veces no consigo acordarme de ellos… siempre suele ser de noche y si bebo demasiado no me acuerdo de nada. Creo que tienes algunas anécdotas curiosas con tus fans, ¿no? Sí, la verdad es que me han pasado cosas bastantes raras… En España, por ejemplo, alguien robó uno de mis zapatos del escenario. Un par de semanas después recibí una invitación a una página de Facebook que se llamaba “Kirstie’s Missing Shoe”. La página empezó a añadir a todos mis amigos y subían fotos de mi zapato robado en diferentes sitios, con cervezas, con aceitunas dentro, en la ladera de una montaña… Fue bastante raro. Supongo que es gente que solo quiere hacer algo divertido, lo cual está muy bien, pero a veces da un poco de miedo. En otra ocasión una chica hizo composiciones de fotos donde aparecía ella con Gary y un niño tomando drogas, también fotos mías con

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Chaqueta MEDWINDS <www.medwinds.com> + Falda URBAN OUTFITTERS <www.urbanoutfitters.com> + Camiseta H&M <www.hm.com> + Anillo DOMINIC JONES <www.dominicjonesjewellery.com> + Broche & OTHER STORIES <www.stories.com>

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¿Es duro para ti ir de gira? Me encanta ir de gira, es alucinante, y es justo lo que hemos hecho durante casi todo el año, aunque por supuesto también tiene sus momentos chungos. Y pagar el alquiler de tu casa cuando ni siquiera la pisas no es muy guay. También a veces es raro no tener una rutina porque cuando vuelves a casa después de estar fuera mucho tiempo es difícil adaptarse. Por suerte, todos nosotros nos llevamos muy bien y además siempre conocemos a gente estupenda cuando vamos de gira, así que merece la pena totalmente. ¿Cuáles son las ciudades de las que guardas mejor recuerdo? Siempre acabo rompiendo mis medias y calcetines porque nunca llevo zapatos en el escenario (sobre todo desde que me los roban), así que siempre que llegamos a un sitio nuevo tengo que salir en busca de tiendas donde comprar medias y me encanta perderme por cada ciudad que visitamos. Hemos pasado tanto tiempo en España este año que incluso empezamos a buscar casa para alquilar… al final no seguimos adelante con ello, pero a veces fantaseo con mudarme a otro país. También me encantó México, lo pasamos muy bien allí. ¿Cuáles son tus referentes musicales? Me gustan mucho viejos grupos como The Police, The Cars, Echo & The Bunnymen, TC Matic, Fleetwood Mac, Love, Talking Heads, Supertramp… pero también cosas más actuales como Mystery Jets, Celluloid Jam, Civil Civic, Crystal Fighters, Uncanny Valley, Bottoms... y muchos grupos de amigos. Y luego hay hits que surgen de repente y me encantan, como la última canción de Major Lazer con MØ. ¿Conoces algún artista o grupo español? Hace poco conocimos a Delorean, en el Festival De Les Arts de Valencia. Fueron muy majos y su música es muy guay. ¿Cómo te cuidas?, ¿practicas algún deporte? No hago deporte desde que iba a la escuela… Soy un desastre, bebo demasiado, fumo demasiado y salgo de fiesta demasiado… ¿Qué te gusta hacer cuando tienes algo de tiempo libre? La verdad es que solo intento descansar y relajarme todo lo que puedo cuando estoy en casa. Tengo un viejo Porsche 944 que me encanta conducir lejos de la ciudad, y con él me escapo al campo. Y también me gusta diseñar muebles (aunque todavía no he hecho nada). La verdad es que me vuelvo una persona mayor cuando tengo tiempo libre. Creo que estuvisteis en París poco antes de los atentados, ¿cómo vivisteis la noticia? París es una ciudad increíble. Estos ataques fueron terribles, aunque también me gustaría señalar que estas atrocidades también están sucediendo en otras ciudades de Oriente Medio, lo cual también es muy trágico y triste. Yo no creo en la venganza porque no resuelve nada y destruye más vidas inocentes.

¿Cuáles son tus proyectos para 2016? El primer concierto del año lo daremos en Beirut, el 7 de enero. También tendremos gira por Estados Unidos, con parada en el SXSW. Y después volveremos de gira por Europa, creo que también iremos a Asia, y seguro que haremos muchos festivales en verano. Nuestro disco, ‘Black Anything’, estará por fin completo en Axis Mundi Records. ¡Va a ser un gran año!

Sweater BEYOND RETRO <www.beyondretro.com> + Camisa DEVERNOIS <www.devernois.com> + Sweater cuello cisne KLING <www.kling.es> + Mono URBAN OUTFITTERS <www.urbanoutfitters.com>

un hacha en la cabeza. Aquello también fue muy extraño, pero quiero pensar que es todo inofensivo, solo una broma. ¿Dónde prefieres tocar: en sitios pequeños o en grandes festivales? Es una pregunta difícil porque son dos cosas totalmente diferentes. Cuando tocas en un pequeño club, incluso aunque algo salga mal, es muy gratificante, porque percibes muy de cerca a la gente. En un festival la atmósfera es muy distinta y la presión también, pero cuando oyes a cientos de personas corear tus canciones es difícil pensar que hay algo mejor en el mundo. ¿Es duro para ti ir de gira? Me encanta ir de gira, es alucinante, y es justo lo que hemos hecho durante casi todo el año, aunque por supuesto también tiene sus momentos chungos. Y pagar el alquiler de tu casa cuando ni siquiera la pisas no es muy guay. También a veces es raro no tener una rutina porque cuando vuelves a casa después de estar fuera mucho tiempo es difícil adaptarse. Por suerte, todos nosotros nos llevamos muy bien y además siempre conocemos a gente estupenda cuando vamos de gira, así que merece la pena totalmente. ¿Cuáles son las ciudades de las que guardas mejor recuerdo? Siempre acabo rompiendo mis medias y calcetines porque nunca llevo zapatos en el escenario (sobre todo desde que me los roban), así que siempre que llegamos a un sitio nuevo tengo que salir en busca de tiendas donde comprar medias y me encanta perderme por cada ciudad que visitamos. Hemos pasado tanto tiempo en España este año que incluso empezamos a buscar casa para alquilar… al final no seguimos adelante con ello, pero a veces fantaseo con mudarme a otro país. También me encantó México, lo pasamos muy bien allí. ¿Cuáles son tus referentes musicales? Me gustan mucho viejos grupos como The Police, The Cars, Echo & The Bunnymen, TC Matic, Fleetwood Mac, Love, Talking Heads, Supertramp… pero también cosas más actuales como Mystery Jets, Celluloid Jam, Civil Civic, Crystal Fighters, Uncanny Valley, Bottoms... y muchos grupos de amigos. Y luego hay hits que surgen de repente y me encantan, como la última canción de Major Lazer con MØ. ¿Conoces algún artista o grupo español? Hace poco conocimos a Delorean, en el Festival De Les Arts de Valencia. Fueron muy majos y su música es muy guay. ¿Cómo te cuidas?, ¿practicas algún deporte? No hago deporte desde que iba a la escuela… Soy un desastre, bebo demasiado, fumo demasiado y salgo de fiesta demasiado… ¿Qué te gusta hacer cuando tienes algo de tiempo libre? La verdad es que solo intento descansar y relajarme todo lo que puedo cuando estoy en casa. Tengo un viejo Porsche 944 que me encanta conducir lejos de la ciudad, y con él me escapo al campo. Y también me gusta diseñar muebles (aunque todavía no he hecho nada). La verdad es que me vuelvo una persona mayor cuando tengo tiempo libre. Creo que estuvisteis en París poco antes de los atentados, ¿cómo vivisteis la noticia? París es una ciudad increíble. Estos ataques fueron terribles, aunque también me gustaría señalar

que estas atrocidades también están sucediendo en otras ciudades de Oriente Medio, lo cual también es muy trágico y triste. Yo no creo en la venganza porque no resuelve nada y destruye más vidas inocentes. ¿Cuáles son tus proyectos para 2016? El primer concierto del año lo daremos en Beirut, el 7 de enero. También tendremos gira por Estados Unidos, con parada en el SXSW. Y después volveremos de gira por Europa, creo que también iremos a Asia, y seguro que haremos muchos festivales en verano. Nuestro disco, ‘Black Anything’, estará por fin completo en Axis Mundi Records. ¡Va a ser un gran año!

<www.istropical.com>

Fotógrafo MARKUS RICO Estilista JAVIER DE JUANAS

Peluquería CHEAN Peluqueros Maquillaje VINS GUIJARRO

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(ZIGGIE)

Asistente Fotógrafo GIUSEPPE MARCONI Asistente Estilismo CARLOS MARLÓ

Modelos ANASTASIA D + ASIER G + ADRIAN VILLA + PEDRO F (todos @ Uno Models)

7 Ã&#x2030;l: Gorra NEW ERA <es.neweracap.eu> + Chaqueta HOMINEM <www.elcorteingles.es> + Camisa BARBOUR <www.barbour.com> + Reloj MARK MADDOX <www.markmaddox.es> Ella: Cazadora G-STAR <www.g-star.com> + Vestido MAX MARA <www.maxmara.com>

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Pantalรณn ELEMENT <elementbrand.com> + Camisa ELEMENT <elementbrand.com> + Relojes HUAWEI <www.huaweispain.com>

Chico 1: Chaqueta Vellรณn Verde BURBERRY Prorsum <es.burberry.com> + Zapatillas NIKE Air Force 1 <www.nike.com> Chico 2: Gafas CARRERA <carreraworld.com> + Reloj DIESEL <www.diesel.com> + Zapatillas CONVERSE Chuck Taylor All Star Monocromo <www.converse.com> Chico 3: Cazadora Cuero COACH <spain.coach.com>

Smartphone HUAWEI <www.huaweispain.com> + Jersey & Camisa FRANKLIN & MARSHALL <www.franklinandmarshall.com> + Cazadora HILFIGER DENIM <es.tommy.com> + Pantalรณn PEPE JEANS London <www.pepejeans.com>

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Izquierda: Camisa CARHARTT WIP <www.carhartt-wip.com> + Jersey TWEEN <tween.com.es> + Pantalรณn ADIDAS ORIGINALS <www.adidas.es/originals> + Zapatillas K-SWISS <www.kswiss.com> Derecha: Gorra CARHARTT WIP <www.carhartt-wip.com> + Zapatillas NIKE Air Force 1 <www.nike.com> + Reloj SWATCH <www.swatch.com>

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Jersey NEIL BARRET para YUSTY <yusty-store.tumblr.com> + RiÃ±onera VANS <www.vans.es>

Ella: Gafas CHRISTIAN DIOR <www.dior.com> + Jersey PHILIPP PLEIN <www.philipp-plein.com> + Pantalรณn U ADOLFO DOMINGUEZ <www.adolfodominguez.com> + Botas JIMMY CHOO <www.jimmychoo.com> ร l: Gafas DIOR Homme <www.dior.com> + Mochila PHILIPP PLEIN <www.philipp-plein.com> + Reloj VICEROY <www.viceroy.es> + Zapatillas ADIDAS TUBULAR <www.adidas.es>

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Total Look VERSACE <www.versace.com>

ร l: Gafas OAKLEY <es.oakley.com> + Perfecto DIESEL <www.diesel.com> + Camisa Negra G-STAR <www.g-star.com> + Chaqueta & Pantalรณn LACOSTE <www.lacoste.com> + Zapatillas ASICS TIGER GEL LYTE III <www.asicstiger.com> Ella: Gafas MAX MARA <www.maxmara.com> + Jersey LEANDRO CANO <www.leandrocano.com> + Botas CHRISTIAN DIOR <www.dior.com>

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Ella: Total Look LOUIS VUITTON <www.louisvuitton.com> Ã&#x2030;l: Mono LOUIS VUITTON <www.louisvuitton.com> + Zapatillas REEBOK Classics <www.reebok.es/classics>

Gafas RAY-BAN <www.ray-ban.com> + Abrigo & Falda SPORTMAX <www.sportmax.com> + Sombrero BRIXTON <www.brixton.com> + Zapatos MUSTANG <mustangstore.es>

Camiseta COLMILLO DE MORSA <colmillodemorsa.com>

TEXTO COVADONGA GARCÍA

Tomas Saraceno. Flying Greenhouse, 2008. Vista de la instalación, Sonsbeek 2008, Holanda. Foto: Estudio Tomás Saraceno. —

Arte y Naturaleza 124

Los hombres del paleolítico representaron la naturaleza como algo simbólico y mágico. Desde un punto de vista clásico el arte siempre ha buscado su imitación. Pero las cosas han cambiado y los artistas contemporáneos recurren a la protesta para denunciar la intervención humana en la naturaleza. La COP21 del arte.

La relación de los seres humanos con la naturaleza ha sido quizás el primer tema en aparecer en la historia del arte. Su representación gráfica aparece en el paleolítico, y a lo largo de la historia, de una forma u otra, siempre ha estado presente como un tema preferencial y de referencia de las artes plásticas. La naturaleza también ha sido una fuente de inspiración y de alegría. Y es que los grandes maestros del pasado nos han enseñado a apreciarla desde distintas perspectivas. Hoy día, las cosas han cambiado mucho y lo que nos preocupa en 2016 es la conservación de la naturaleza ante el grave problema que se presenta con su permanente deterioro. Por eso, es frecuente ver a artistas que practican diferentes disciplinas con las que comprometerse y reaccionar cada día ante las noticias que nos llegan sobre el desastre provocado por el cambio climático y el agotamiento de los recursos naturales. Por otra parte, la representación artística de la naturaleza está estrechamente vinculada con la percepción social del mundo natural, al mismo tiempo que

los artistas contribuyen a un cambio progresivo en la forma en que nos relacionamos con ella y la visualizamos. Durante las últimas décadas se ha producido una transición en la representación de la naturaleza que en muchos casos es el resultado de la fusión de varias ideas intelectuales, sociológicas, políticas y artísticas. De aquella idealización del pasado sólo queda el recuerdo. La actual generación de artistas se ha centrado en presentarnos como temática recurrente la cada vez más amenazante intervención humana en la naturaleza. Aire, tierra, agua y fuego. AIRE. La naturaleza como género está estrechamente relacionada con ideas que vinculamos con lo sublime y pintoresco. La obra de Tomás Saraceno es un ejemplo del resultado de una investigación continua, en la que convergen el arte, la arquitectura, las ciencias naturales y la ingeniería. Sus esculturas flotantes e instalaciones interactivas nos proponen explorar nuevas y sostenibles formas de relacio-

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Simon Starling. Island for Weeds, 2003. De la exposición Radical Nature. 2009 - Barbican. —

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narnos con la naturaleza que podrían tener lugar en un mundo imaginario, un mundo irreal que se encuentra más allá de la tierra. Una de las obras más representativas de este artista es Flying Green House (2008), una experimentación artística que realizó en Sonsbeek. En este lugar de los Países Bajos, Saraceno tuvo la oportunidad de construir un invernadero flotante hecho con 32 balones transparentes llenos de helio. El invernadero sostenible estaba compuesto por un globo central gigante y otros 31 globos más pequeños a su alrededor que se mantenían unidos mediante una red. El interior del globo más grande albergaba plantas que podían crecer dentro, mientras que los balones más pequeños garantizaban que la temperatura permaneciese constante. Flying Green House tenía un diámetro total de 10 metros y se colgó entre los árboles del parque de Sonsbeek. Saraceno desarrolla su trabajo con un equipo de arquitectos, artistas y técnicos en construcciones con los que proyecta gigantescos globos destinados a permitir la libre circulación de personas y mercancías por todo el planeta. El artista se formó como arquitecto en la Universidad Nacional de Buenos Aires, en Argentina y en el año 2009 asistió al Programa de Estudios Espaciales de la NASA Ames. Pero sus ideas, de alguna forma utópicas y revolucionarias, desembocaron en el ámbito del arte. Saraceno sueña con un mundo libre en el que la gente ya no necesite identificarse para viajar, y puesto que esto es imposible en la tierra, prefiere mirar hacia el cielo. El arquitecto también aborda en su obra otros problemas actuales como la sobrepoblación y la pobreza. TIERRA. Otros artistas contemporáneos muestran sus preferencias en la exploración y la confrontación directa entre la huella creada por el hombre y el mundo natural. Este es el caso del artista Henrik Håkansson. En su obra

Henrik Håkansson, Fallen Forest, 2006. De la exposición Radical Nature. 2009 - Barbican. —

titulada Fallen Forest (2006), Håkansson analiza la naturaleza a través de un bosque que ha sido volcado hacia un lado y debe crecer horizontalmente. La obra fue construida en 16 metros cuadrados y quería denunciar la relación desequilibrada entre el hombre y la naturaleza. El ganador del Premio Turner en el año 2005, Simon Starling afirma que su trabajo es “la manifestación física de un proceso de pensamiento”. En el año 2003 una obra del artista titulada Island for Weeds representó a Escocia en la Bienal de Venecia. Island for Weeds es una isla compuesta por una cama repleta de rododendros, una planta clasificada como mala hierba por su poder destructivo, desde que llegó por primera vez desde España a Escocia en el siglo 18. La obra es el resultado de una investigación realizada por Starling, en Heathland (Escocia). El artista investigó durante algún tiempo estas plantas así como también la historia y el medio ambiente de la región, porque Heathland es un ecosistema muy delicado que se encuentra constantemente bajo amenazas naturales y de origen humano. A Starling le gusta estudiar los procesos que intervienen en la transformación de un objeto o sustancia en otra. Sus obras e instalaciones representan una serie de ideas que el artista tiene sobre nuestra relación con la naturaleza, la tecnología y la economía. El artista estudió fotografía, y al igual que muchos fotógrafos, su práctica va mucho más allá de la producción fotográfica. Influenciado por el arte conceptual de la década de los 60 y principios de los años 70, el trabajo de Starling se centra en aspectos relacionados con la sociedad, la economía, la política, la cultura y la historia del arte como medios para poder entender el arte como una fiel imitación de la realidad y una forma de política.

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El pasado mes de noviembre los mandatarios de medio mundo se reunían en París en la conferencia COP21 para tratar de negociar un acuerdo y frenar el calentamiento global. El clima del planeta ha ido cambiando a través del tiempo. Sin embargo, el actual período de calentamiento se está produciendo más rápidamente. Los científicos están preocupados por el calentamiento inducido por el hombre que tiene rápidas y graves consecuencias para la estabilidad del clima del planeta. Los efectos del cambio climático se pueden ver en la vegetación y los animales. El impacto del cambio climático es incierto aunque se augura que los cambios a no tan largo plazo podrían conducir a la escasez de agua, a cambios radicales en la producción de alimentos, y a au-

mentar el número de desplazamientos humanos y muertes por inundaciones, tormentas, olas de calor y sequías. Así pues, no es de extrañar que muchos artistas hayan decidido sumarse a las protestas y poner el foco de atención sobre un problema que nos afecta a todos. AGUA. El pasado 1 de septiembre se inauguraba la primera instalación artística en Londres del escultor Jason deCaires Taylor. La instalación de esculturas bajo el agua titulada The Rising Tidel tenía como objetivo llamar la atención sobre la permanente dependencia de los combustibles fósiles y el resultado apocalíptico del cambio climático. Las esculturas de The Rising Tidel, ocultas bajo el agua, apa-

“Este llamamiento es para que se consiga la mayor participación posible del mundo de las artes. Es nuestro privilegio y nuestro deber estar a la vanguardia de esta lucha. No tenemos más remedio que seguir el camino que va de la ética a la estética. Vivimos en sociedades sofocadas por los residuos“ (Gustav Metzger)

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recían y desaparecían dependiendo de las mareas en Vauxhall. La obra compuesta por cuatro caballos y sus jinetes a tamaño natural, de pie, simbolizaban los orígenes de la industrialización y la importancia del Támesis y su papel vital en la ciudad de Londres. Pero también representaban la gran historia de la ciudad como un centro en constante evolución de la cultura, la industria y el comercio. La obra pretendía además ser una advertencia sobre el futuro sombrío que se presenta en el mundo. Nacido en 1974, de padre inglés y madre guayanesa, Taylor creció en Europa y Asia, donde pasó gran parte de su infancia explorando los arrecifes de coral de Malasia. Fue educado en el sureste de Inglaterra y se graduó en escultura en el London Institute of Arts, en 1998, pero se acabó convirtiendo en instructor de buceo y naturalista subacuático. Taylor también es un fotógrafo submarino galardonado, famoso por sus imágenes dramáticas, que capturan los efectos de la metamorfosis del océano en sus esculturas. En 2006, el artista fundó y creó el primer parque de esculturas bajo el agua del mundo, situado en la costa oeste de Granada, en las Antillas y que ahora ha sido catalogado como una de las 25 Maravillas del Mundo por National Geographic. En 2009, cofundó MUSA (Museo Subacuático de Arte), un museo monumental con una colección con más de 500 de sus obras escultóricas, sumergidas en las costas de Cancún, México. Los proyectos de Jason deCaires Taylor son ejemplos de

Remember Nature: A Call to Action by Gustav Metzger. Serpentine Galleries, Central St Martins, UAL. 4 Noviembre 2015. Imágenes: Las 2 de arriba © London Fieldworks. El resto © 2015 Tristan Fewings/Getty. —

la conservación marina y buscan fomentar la conciencia ambiental y promover el cambio social y el desarrollo de una apreciación de la belleza natural del mundo submarino. FUEGO. Bajo el título Remember Nature, otra protesta creativa que tenía como objetivo denunciar el cambio climático, la contaminación y la destrucción, se desarrolló el pasado 4 de noviembre, en Londres, liderada por el artista y activista político Gustav Metzger. Metzger vive en Londres, aunque nació en Núremberg, Alemania, en 1926. Su obra durante los últimos 65 años se ha centrado en la investigación de fuerzas opuestas pero interdependientes, como la destrucción y la creación. En 1959 concibió los conceptos de “arte autodestructivo” y de “arte autocreativo“, mostrando obras que reflejaban la naturaleza destructiva de los sistemas políticos y económicos. El artista y activista político es conocido por su participación en Extinction Marathon, en la Serpentine Gallery de Londres, en 2014 y por su aclamada exposición, Decades 1959–2009, también en la Serpentine Gallery, en 2009 que abordaba el tema del cambio climático y sus efectos catastróficos. El pasado noviembre Metzger convocó a un día de acción a los profesionales de las artes de todo el mundo y les animó a participar en Remember Nature. La llamada del artista a la acción instaba a los profesionales de las artes y a estudiantes de todas las disciplinas artísticas a crear un nuevo trabajo con el objetivo de tratar cuestiones globales como la extinción, el cambio climático y la contaminación ambiental. El evento tuvo lugar en Central Saint Martin’s y se llamó también a la participación a las escuelas de arte de todo el Reino Unido ese mismo día. Metzger declaraba a este respecto: “Este llamamiento es para que se consiga la mayor participación posible del mundo de las artes. Es nuestro privilegio y nuestro deber estar a la vanguardia de esta lucha. No tenemos más remedio que seguir el camino que va de la ética a la estética. Vivimos en sociedades sofocadas por los residuos“.

FOTÓGRAFO VINCENT URBANI ESTILISTA JAVIER DE JUANAS

ASISTENTE ESTILISMO CARMEN BENA ASISTENTE MAQUILLAJE & PELOS INEVA TROYA

MAQUILLAJE & PELOS LOLITA con productos GRAFTOBIAN RETOQUE DIGITAL DAVID LORENZO

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Dandismo Cheli

(ADVANCED SPRING)

Sua: Sombrero TOPMAN + Trench & Bolso GUCCI

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Antonio: Bomber & Pantalón SCOTCH & SODA + Jersey U.S. POLO ASSN + Zapas CONVERSE Chuck Taylor All Star Daniel: Gafas DIOR + Traje MARCIANO GUESS+ Camisa PEPE JEANS London + Calcetines SOLOiO + Sandalias GENUINS Sua: Gorra NEW ERA + Camisa TUK TUK + Bomber GANT + Pantalón G-STAR by Marc Newson + Mochila EASTPAK + Zapatillas REEBOK Classic Club C 85 Union Jack Masha: Turbante CLAIRE’S + Camisa & Jersey TRUSSARDI + Pantalón MALIPARMI + Bolso CHRISTIAN DIOR + Zapatos CHRISTIAN LOUBOUTIN

Antonio: Gafas RAY-BAN + Camisa ORIGINAL PENGUIN + Bomber HERMÃ&#x2C6;S

Sua: Gafas MICHAEL KORS + Camiseta ADIDAS ORIGINALS + Peto CARHARTT WIP + Zapatillas CHRISTIAN LOUBOUTIN Masha: Pendientes MARQUISE (914 357 906) + Camisa ESSENTIEL + Bomber G-STAR + Cinturรณn ESPRIT + Falda L.K. BENNETT + Bolso RELIQUIAE + Zapatos JIMMY CHOO Garrett: Gafas MICHAEL KORS + Camisa TIWEL + Peto CARHARTT WIP

Daniel: Jersey HOMINEM + Camisa & Americana CARUSO + PaÃ±uelo SOLOiO

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Daniel: Traje & Camisa ANTONY MORATO + Zapatillas CHRISTIAN LOUBOUTIN Sua: Traje & Camisa ANTONY MORATO + Zapatillas TOD’S Antonio: Traje & Camisa ANTONY MORATO + Zapatillas TOD’S

Garrett: Total Look DSQUARED2 + Reloj DIESEL + Zapatos JIMMY CHOO

Masha: Cascos CLAIREâ&#x20AC;&#x2122;S + Top TETE by ODETTE + Smartphone HUAWEI Mate S + Anillo BEATRIZ PALACIOS

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Garrett: Gafas RAY-BAN + Polos LACOSTE + Reloj HUAWEI Watch

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ARRIBA Daniel: Gafas CARRERA + Camisa & Cazadora ELEMENT + Pantalón TOMMY HILFIGER Garrett: Total Look LOVE MOSCHINO + Gafas TOMMY HILFIGER Antonio: Gafas CARRERA + Camisa FRED PERRY + Sudadera ELEVEN PARIS + Pantalón CARHARTT WIP ABAJO Antonio: Camisa TUK TUK + Cazadora BERSHKA + Pantalón ADOLFO DOMÍNGUEZ + Cinturón PEPE JEANS Masha: Abrigo de Punto & Cazadora ADOLFO DOMINGUEZ + Pendiente CHRISTIAN DIOR + Collares BEATRIZ PALACIOS + Camisa NAUGHTY DOG + Pantalón PEPE JEANS + Bolso YLIANA YEPEZ Garrett: Camisa & Pantalón CUSTO BARCELONA + Bomber DSQUARED2 + Sombrero DIESEL

Sua: Gafas MARC JACOBS + Camisa CUSTO BARCELONA + Americana GANT + Reloj SWATCH

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la montaña salvaje MIT BORRÁS Es artista visual, su obra es fundamentalmente instalativa, objetual y multimedia, con un trabajo conceptual crítico. Ha co-dirigido Fünf Galerie en Berlín, trabaja como comisario independiente, expone a nivel internacional y ha publicado su nuevo catálogo Machines en 2015. Está vivo. No tiene perro.

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Estamos hasta el pecho sumergidos en esta sociedad del progreso hardcore, invasión ciberpunk de tartas Pantone y runners fosforitos corriendo por las ruinas del sistema. Hay urbanizaciones abandonadas, bloques enteros de pisos sin fantasma llenos de gente fluorescente cronometrando sus tiempos y midiendo sus distancias. Gente que va muy rápido esquivando escombros. Gente iridiscente oliendo muy bien como fenómenos paranormales. Resulta, sin embargo, que hace tiempo que se observa un rechazo alérgico a este asunto del buenismo consumista, un deseo de volver a lo salvaje, a lo primario. Ha brotado un sano eccema enrojecido por el hartazgo y convertido en individuos con deseo de partir rumbo a la montaña. Allí donde el barro, la bruma y lo tosco es el bien y la confortabilidad una trampa del Estado. Allí donde el espíritu crítico y la solitud construyen algo desde la ruina, lejos de todo este potaje. Aún nos queda lo salvaje. Existe con mas fuerza quizá la conciencia de una selva como un estado mental, un lugar al que huir, oficial o simbólicamente, mientras aquí nos proponen envejecer suave. Una vida sin baches reseñables, ahogados por el capital o mas bien mecidos, apretados dentro de cuerpos blandos desprovistos de callos, felices y sobrealimentados. Y seguramente es por eso que ahora vemos artistas contemporáneos que pintan bosques, jóvenes que vuelven a lo viejo, observan la naturaleza y la interpretan pseudocientíficamente, resolviéndola en instalaciones con aspecto de laboratorios, véase Sarah Sze. El arte de quienes hablo pertenece a una corriente moderadamente abundante, hastiada, contestataria o analítica, que reclama una huida a la montaña. En las galerías y en los project spaces aparecen bodegones reentendidos, las plantas, no tanto las flores como las rocas, los pinos y los invernaderos digitales. Vuelve incluso la pintura con todo lo muerta que andaba, si. Si nos damos un paseo por las galerías mas fuertes de Europa, E.E.U.U y Sudamérica, veremos en la obra de ciertos artistas, mujeres y hombres, no importa con qué rocen los vaqueros, una cantidad considerable de aproximaciones a la naturaleza, con frecuencia desde disciplinas digitales, con recursos formales que la representan en contraposición a la postmodernidad y verdaderos discursos con posicionamientos frontales. A veces proponen con su trabajo la arcada por mala digestión del bienestar contra todo lo perversamente barato, otras veces sencillas representaciones evasivas. Tenemos ejemplos brillantes en los cuadros de pitas y cactus

de Klaus Geigle, los paisajes molestos con la serie de caravanas de Matthias Röhrborn, Santiago Giralda y sus montañas digitales, las naturalezas color vejiga de Anders Kjellesvik o las piedras kitsch de Rachel Lamot y sus minerales pendulantes, resueltos con precisión. No hablo de Olafur y su posicionamiento naturista sino de una generación posterior afinada ya en otro tono. Gente que vuelve a pintar piedras y prefiere que su hijo sea pastor a trending topic. En Berlín está la alegría naíf de los animales de Antonio Ballester Moreno en Peres Projects y pergeñadas también en la misma ciudad, los cuadros con las plantas carnívoras de Alberto Acinas. Mark Dion en la misma línea construye con sus instalaciones Wunderkammern modernas donde se archiva lo natural, se empaqueta el mundo animal y crea pequeños museos de la cuestión de lo salvaje y nuestra relación parásita con el medio. En las últimas ediciones de la Bienal de Venecia son numerosos los casos. Roman Ondák contruye en 2009 un bosque que atraviesa el pabellón de Repúplica Checa, y Céleste BoursierMougenot en 2015 dispone en el francés con Rêvolutions, título nada accidental, árboles completos hasta la raíz que se desplazan por toda la sala con un sistema mecánico. Hay propuestas mas destructivas como las máquinas que no conducen a nada de Andreas Fischer (König Galerie) o las excelentes masas de desperdicio de Peter Buggenhout, museos de los restos del naufragio que se pudiera avecinar. En otros ámbitos creativos se reproducen fogonazos idénticos, protestas de intensidad baja con gente vestida como montañeros y marineros, barbas y tatuajes, como putas y presidiarios, estampados de caballos, renos y plantas tropicales. Lamentablemente la cultura de masas lo engulle todo. En la música, en otro orden, centellean canciones de evasión hacia el espacio sideral, ahí está Marte de Tigres Leones, Chicha Libre y su Primavera en la Selva con sus ritmos tropicales peruanos, o Hidrogenesse cuando en su tema 1987 exhortan: “rompe tu contrato y vámonos a bailar al bosque”. Probablemente sea Thoureau con su obra Walden una pieza clave de todo este asunto. Probablemente alguien que se marcha a vivir al bosque y construye su cabaña como símbolo de desobediencia imprime un carácter concreto a este momento. Ya decía el filósofo Krishnamurti que “no es síntoma de buena salud estar bien adaptado a una sociedad profundamente enferma”. El bosque es joven, aún.

el zorrito ÁLVARO SÁEZ De naturaleza autodidacta y estilo políticamente incorrecto, Álvaro Sáez ha creado en Chuiso su propio álter ego online. Natural de Madrid y radicado en República Dominicana, Chuiso representa con humor y desparpajo un nuevo concepto de marketing online y SEO.

¡Boom! En su 42ª versión publicada a principios de noviembre, Firefox ha sorprendido a todo el mundo con una funcionalidad que hace temblar a las grandes webs y sobre todo a Google: el bloqueo nativo de publicidad. Antes de analizar el porqué de todo esto y cómo nos afecta, debemos “entender” la jugada del travieso zorrito de Firefox, un navegador en desuso. Pongámonos en situación. El bloqueo publicitario en Firefox se ha incluido de forma nativa en la navegación de incógnito… Sí, sí, esa que se usa mundialmente para ver porno, seamos claros. En parte esto es una buena noticia, ya que un estudio de Elie Bursztein1 afirma que prácticamente la mitad de los usuarios de Internet ni siquiera saben qué es la navegación de incógnito, y sólo un 19% la usan y lo hacen ocasionalmente. Esto reduce al mínimo el impacto que pueda tener. Pero por otro lado es una mala noticia, ya que Firefox ha marcado un antes y un después decidiéndose a incluir algo así de forma nativa, y ha sacado los guantes de boxeo para dar un par de hostias, sino tres. Un croché de izquierdas a AdBlock, la tan amada y a la vez vilipendiada extensión, que lleva años creciendo a ritmo imparable a costa de “matar” el sustento que permite mantener Internet gratis, la publicidad. Este bloqueador de publicidad creado por Wladimir Palant se estaba convirtiendo en algo más que una altruista aportación a la navegación libre de estrés y banners molestos, ya que el bueno de Palant había empezado a rentabilizar su negocio permitiendo que “ciertas webs” pudiesen no ser bloqueadas si cumplían con sus “criterios de anuncios aceptables”… Vamos, que empezó a cobrar a cambio de no bloquear cierta publicidad ante sus 60 millones de usuarios activos. Por supuesto, webs como Google y Amazon han tenido que pasar por caja. Adblock ha sentido este croché de Firefox, pero las canillas le tiemblan por lo que podría venir en un futuro próximo. Si finalmente todos los navegadores aceptan que los bloqueadores de publicidad son inevitables, encontrarán el modo de “paliar” el problema y se subirán al carro, noqueando a AdBlock. Sigamos con las hostias. Un gancho de derechas a Google. En los últimos años Firefox ha visto como Chrome le comía terreno a un ritmo alarmante, triplicando su cantidad de usuarios en este 20152. Desde 2009 el uso de Firefox no ha dejado de caer en picado año tras año… Pero Firefox juega con ventaja, y es que debe responder ante mucha menos gente, pudiendo decidir preocuparse exclusivamente por sus usuarios, deseosos de navegar por la

red sin molestias. Chrome es Google, y Google se debe a las webs que nutren y hacen útil su buscador, aquellas que han convertido Google Adsense y Google Adwords en un negocio multimillonario. ¿Acaso Chrome podría añadir de forma nativa un bloqueador de anuncios? Ni de coña. Un poco de clinch a los usuarios. No seamos inocentes, esta pugna por bloquear anuncios no tiene nada que ver con pretender ofrecernos la mejor experiencia de navegación posible; es una lucha encarnizada por el monopolio y por el dinero que se mueve en él. ¿Por qué este dilema no ha surgido nunca en la TV? Pues porque el mercado está controlado y son los propios medios los que deciden lo que vemos y lo que no… En Internet la masa manda, porque tiene la elección de cerrar con un click y buscar entre miles y millones de fuentes y contenidos dispares. Youtube es el ejemplo perfecto de un competidor que desborda en variedad y libertad al anticuado y rígido formato televisivo. Lo que es un hecho es que tarde o temprano el debate sobre la capacidad de neutralizar la publicidad y la necesidad de la misma para poder “mantener” Internet degenerará en algún tipo de solución final, y esperamos que no sea algo similar al Holocausto. Muchos webmasters vivimos de lo que los sistemas publicitarios como Adsense generan en nuestras webs. Sin éstos, el mercado se pudrirá o, en el mejor de los casos, degenerará en un sinfín de webs que cobrarán por acceder a los contenidos. ¿Cambiará todo el sistema publicitario? ¿Empezaremos a pagar por visitar enlaces? Quiero creer que esas gilipolleces sólo las hacen algunos políticos españoles que saben de Internet lo que yo de ganchillo, y también quiero creer que el mercado lo marcamos los usuarios, así que: Google, Firefox, Adblock y compañía; si queréis daros de hostias por vuestros intereses económicos, montad un Pay-Per-View de 4 millones de dólares como Mayweather y Pacquiao, pero a nosotros dejadnos en paz. He dicho.

<https://www.elie.net/blog/privacy/19-of-users-use-theirbrowser-private-mode> 2 <http://www.w3schools.com/browsers/browsers_stats.asp> 1

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spain fashion week CAROLINA BARCELÓ & DOMINGO LLUL Ambos viven y respiran moda a través de su consultora ProjectROOM y su agencia Comunicación de MODA by ProjectROOM. Con ellas, han llevado a cabo grandes proyectos en este área, siendo su buque insignia MFSHOW, del que Domingo Llull es el director.

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Cinco años cumplen en 2016 desde que realizamos la primera edición de MFSHOW, un proyecto privado con el ánimo de apoyar a marcas de moda con vocación comercial, esto es, que vendan, que apuesten por la industria, y que tengan interés en crecer. Ha sido mucho trabajo, pero ha merecido la pena, MFSHOW nos ha dado tantas alegrías que si tuviésemos que empezar de nuevo, volveríamos a hacerlo sin lugar a duda. Es, a raíz de este proyecto, que últimamente nos invitan a foros con empresas y entes públicos para debatir y buscar soluciones al comercio de moda de Madrid, a este sector de la industria, y a la promoción de la imagen de Madrid como destino de moda europeo. Esto no es nuevo, muchos encuentros ha habido ya desde los años ochenta y seguimos con el mismo problema, a pesar de que algunas de las propuestas puestas en marcha, siguen siendo a día de hoy, hitos importantes en el calendario nacional. Y es que hace tiempo ya que, en España, son bastantes los entes y entidades que están tratando de resolver el problema que hay con la moda en nuestro país, viendo de qué forma se puede acortar la distancia que existe entre los diseñadores y la industria de moda, para conseguir ser un país de referencia en este sector fuera de nuestras fronteras. El caso es que lo somos, pero no en un área en la que a muchos les haga sacar pecho. Empresas como Inditex, Mango o Cortefiel son un claro ejemplo, y facturan millones todos los años, habiendo llevado sus marcas a los 5 continentes y con ellas, el nombre de España en lo que a moda se refiere. Pero no, esa no es una imagen de moda que se acepte de buen grado; nosotros queremos ser como París, Londres, Milán o Nueva York, y no nos damos cuenta de que este objetivo está y seguirá estando fuera de nuestro alcance hasta que no consigamos tener una industria fuerte y reconocida. No es que queramos que llueva sobre mojado, pero sí es necesario comenzar a acercar posturas para crear una industria de moda destacada en España, aceptando las cosas como son y viendo nuestras fortalezas como lo que son. Las marcas deben ser rentables, a corto, medio y largo plazo, porque si no, ¿qué sentido tiene? Entonces, ¿tenemos capacidad para ser un destino de moda importante a nivel europeo? Pues nosotros creemos que sí, y mucho. Sólo hace falta afinar algunos aspectos y dar valor a aquellas marcas que son rentables, porque ellas reflejan la realidad de nuestro mercado y de nuestra identidad.

Para esto, no hace falta mirar a grandes corporaciones, estas ya tienen su camino andado, pero tenemos infinidad de marcas que sí lo están haciendo, ¿ejemplos? Pues de la A la Z, todos los que queramos. Y una vez dicho esto, ¿de que otra forma podríamos ayudar a que la imagen de España como destino de moda fuese notable en el panorama internacional? Para empezar, dejar de lado la “Guerra Fría” que hay entre Madrid y Barcelona. No tiene ningún sentido, porque lleva a las administraciones públicas a un gasto enorme que es injustificado. Y si a esto le añadimos las pasarelas regionales, agravamos más la situación. Tal vez lo inteligente sería centralizar todo el esfuerzo en un único punto, una única fecha, y un calendario plural, que aunase marcas, firmas, eventos, desfiles, fiestas, etc, y que además involucre al comercio, y que entienda que otros formatos puedan ser aceptados. Representantes de toda España, con apoyo, esta vez si queréis, de las instituciones regionales, reforzando el calendario. En esto sí que hay entidades que tienen responsabilidad, y son las asociaciones de comercio, de industria y de creadores, que llevan ya años con esta asignatura pendiente. Son ellos los que sí podrían dar un golpe en la mesa, uniendo sus fuerzas a través del empuje de las empresas que hay detrás en vez de seguir con secretismos, desuniones y guerras en solitario. Tal vez un organismo que estuviera por encima de todos ellos, que forzase a poner las cartas sobre la mesa, que organizase el desorden existente para, a partir de ahí, empezar a sentar las bases para el futuro que nos espera. Esto son solo ideas y divagaciones que defendemos en todas esas reuniones a las que nos invitan, creemos en España y su potencial y es una pena ver desde dentro como no termina de arrancar, y a pesar de que parece complicado, si alguien quiere coger el testigo, sepa que contará con todo nuestro apoyo.

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