Трансатлантически Арт Дискурс. Изложба на Галерия ONE +, 1-31 юли. София: ФММ, 2022.

Transatlantic Art Discourse Трансатлантически Арт Дискурс

This project has been realized with the support of the U.S. Embassy in Bulgaria. Проектът се осъществява с подкрепата на Посолството на САЩ в България.

My Museum Foundation is dedicated to the development of the educational and social potential of galleries and museums in Bulgaria. Фондация „Моят музей” е посветена на развитието на образователния и социалния потенциал на галериите и музеите в България.

Transatlantic Art Discourse Трансатлантически Арт Дискурс

The curators would like to express their gratitude to the U.S. Embassy in Bulgaria and the My Museum Foundation for their support of intercultural exchange through the Transatlantic Art Discourse exhibition. Кураторите биха искали да изразят своята благодарност на Посолството на САЩ в България и на Фондация „Моят музей” за тяхната подкрепа за интеркултурен обмен чрез изложбата Трансатлантически Арт Дискурс.

Transatlantic Art Discourse July 1 – July 30, 2022

Brett Eberhardt Anthony Fisher Bryan McFarlane Elena Peteva Suzanne Schireson Svilen Stefanov This American-Bulgarian exhibition presents six artists, each one with a distinct vision and voice, in a discourse on the experience and reflection on the moment of ”now”. A rich multiplicity of visual languages – representation, abstraction, metaphor and invention – come together in the exhibition of paintings and drawings.

Contemporary individual, social and global states take diverse forms through each artist’s personal lens and invite the viewer to engage in a cross-cultural conversation about ”now”.

This exhibition exchange project is years in the making. The first part was the exhibition of four contemporary Bulgarian artists at the Laconia Gallery in Boston, in 2017. In this second exhibition, ONE+ Gallery creates the forum for a creative discourse with four artists from the United States and the two curators.

Elena Peteva, Associate Professor of Art and Design, University of Massachusetts Dartmouth Svilen Stefanov, Professor and Vice-Rector, National Academy of Art Sofia

Трансатлантически Арт Дискурс 1 юли – 30 юли, 2022

Брет Еберхард Антъни Фишър Брайън МакФарлейн Елена Петева Сузан Шиърсън Свилен Стефанов Тази американско-българска изложба представя шест автори, всеки със специфична визия и глас, в дискурс за преживяването и рефлексията на момента „сега”. Богато разнообразие на визуални езици – фигуративност, абстракция, метафора и инвенция – се събират в изложбата на живопис и рисунка. Съвременни индивидуални, социални и глобални състояния приемат различни форми, пречупени през погледа на всеки автор и приканват зрителя да влезе в междукултурен разговор за това, което наричаме „сега”. Този обменен изложбен проект се развива от години. Първата част беше изложбата на четири съвременни български автори в галерия „Лакония” в Бостън през 2017 г. В тази втора изложба ONE+ Gallery създава форум за творчески дискурс на четиримата автори от Съединените Щати и двамата куратори. Елена Петева, доцент, Факултет по изкуство и дизайн на Университета на Масачузетс Дартмът Свилен Стефнов, професор и заместник ректор на Национална Художествена Академия София

Brett Eberhardt I find that the subjects for my paintings need to meet certain criteria.

These criteria are hard to fully articulate, but the subjects and surfaces I am interested in have to be unworthy of such attention, dismissible and of low status. It is the transformation that occurs from the painting of them, from low to high status, that motivates me, and recreates for the viewer my original experience of discovery and attention. These subjects initiate thoughts of time, the lives of others, mortality, happenstance and the symbiotic relationship between us and the spaces and objects that surround us. These spaces and objects affect us deeply and we affect them, altering them over time, both purposefully and inadvertently. In making a painting and recreating these surfaces in paint, there is the building of another history – the building of the painting’s surface – and through that there is the possibility of knowing in a different way.

Brett Eberhardt

Brett Eberhardt (1974, Clarkston, Washington) is an artist who lives and works in Providence, Rhode Island. He received his BFA from Northern Michigan University and his MFA from Syracuse University.

Eberhardt is a painting professor at Manchester Community College, Connecticut. He has exhibited internationally and won numerous awards, including a Pollock-Krasner Foundation Grant, an Elizabeth Greenshields Foundation Grant and a Merit Award Fellowship from the Rhode Island State Council on the Arts. Eberhardt is represented

by Kenise Barnes Fine Art gallery, Connecticut. www.bretteberhardtpainting.com

Брет Еберхард Tемите на моите картини трябва да отговарят на определени критерии, които обаче са трудно податливи на изчерпателна формулировка. Обектите и повърхностите, които ме интересуват, трябва да са банални, обикновени, с нисък статус – такива, каквито лесно могат да бъдат пренебрегнати и отхвърлени. Това, което ме интригува, е трансформацията им от нисък към висок статус, която настъпва при изобразяването им и пресъздава за зрителя моето първоначалното преживяване на откриване и внимание. Тези теми пораждат мисли за времето, живота на другите, тленността, случайността и за симбиотичната връзка между нас и пространствата и предметите, които ни заобикалят. Тези пространства и предмети ни въздействат дълбоко и ние им въздействаме, променяйки ги с течение на времето, както целенасочено, така и неволно. При рисуването на една картина и пресъздаването на тези повърхности в боя се създава и една друга история – изграждането на повърхността на картината – и това дава възможност за опознаване по един азличен начин. Брет Еберхард Брет Еберхард (1974, Кларкстън, щат Вашингтон) е художник, който живее и работи в Провидънс, Роуд Айлънд. Той има бакалаварска степен от Университета на Северен Мичиган и магистърска степен от Университета Сиракуза. Еберхард e преподавaтел по живопис в Колежa Манчестър в Кънектикът. Той е излагал на международни изложби и е печелил множество награди, включително грантове от Фондация Pollock-Krasner, Фондация Elizabeth Greenshields и Художествената награда на Щатския съвет по изкуствата на Роуд Айлънд. Еберхард е представен от галерия Kenise Barnes Fine Art, Кънектикът. www.bretteberhardtpainting.com

Green Drawers, 2020, oil on panel, 17.75 x 20.25 inches Зелени чекмеджета, 2020, масло на панел, 45 х 51.5 см

Indecision Duo, 2015, oil on panel, 24 x 19 inches Нерешителност: дуо, 2015, масло на панел, 61 х 48.25 см

Indecision Duo, 2015, oil on panel, 24 x 19 inches Нерешителност: дуо, 2015, масло на панел, 61 х 48.25 см

Leaking Linseed Bottle, 2015, oil on panel, 23.75 x 19.5 inches Бутилка с протекло ленено масло, 2015, масло на панел, 60.5 х 49.5 см

Rembrandt Canister, 2015, oil on panel, 23.25 x 16 inches Канче Рембранд, 2015, масло на панел, 59 х 40.5 см

Patch, 2020, oil on panel, 16.5 x 12 inches Кръпка, 2020, масло на панел, 42 х 30.5 см

Luck Jar and Green Boards, 2014, oil on panel, 14.5 x 13 inches Бурканче с късмет и зелени дъски, 2014, масло на панел, 37 х 33 см

Anthony Fisher At present, my working process is very close to a meditative act involving physical struggle, laws of gravity, chemistry, physics, and ingenuity. I’ve found many ”viral” means of mark-making through quirky and lumbering invented tools that allow for hundreds, even thousands of marks, lines, and shapes to be thrown onto the paper or canvas all at once. My process is specifically designed for EXCESS – with so many visual ideas emerging at once, the overwhelmingly vast majority are discarded. I want the unexpected. Мy goal is to spark ideas that otherwise wouldn’t appear with a more deliberative, considered approach. My first stage is all about QUANTITY… Judgement, analysis, and editing occur in later stages. Increasingly, I leave my distracting ego at the door of my studio.

Anthony Fisher

Anthony Fisher (1960, Pittsburgh, Pennsylvania) received his MFA from Yale University and his BFA from Carnegie-Mellon University.

Nationally, he exhibits at Galerie Mourlot in New York City. His work has been reviewed in Art News, Art Critical, and Painting Perceptions.

Anthony lives and paints just outside Boston in a community with other visual artists in what was once an elementary school. He describes himself as a distinct ”outlier” in his family of scientists… always messy, rambunctious, and playing games with paint. He has been a university teacher for thirty years. www.anthonyfisher.net

Антъни Фишър В момента моят работен процес е много близо до акт на медитация, който включва физическо усилие, закона на гравитацията, химия, физика и изобретателност. Открих различни „вирусни” начини за белязване чрез изобретения, на глед странновати и тромави, които позволяват нахвърлянето наведнъж на стотици, дори хиляди белязвания, линии и форми върху хартията или платното. Работният процес при мен е специално ориентиран към една ПРЕКОМЕРНОСТ – с толкова много визуални идеи, които се появяват наведнъж, преобладаващото мнозинство от които впоследствие отпадат. Търся неочакваното. Целта ми е да предизвикам идеи, които инак не биха се появили с един посъзнателен, обмислен подход. Първоначалният етап при мен е изцяло свързан с КОЛИЧЕСТВО... Преценката, анализът и редактирането се случват по-късно. Все по-често оставям разсейващото ме его пред вратата на моето ателие. Антъни Фишър

Антъни Фишър (1960, Питсбърг, щат Пенсилвания) има магистърска степен от Университета Йейл и бакалаварска степен от Университета Карнеги-Мелън. Той излага в Галерия Моулот в Ню Йорк Сити. Отзиви за неговата работа са публикувани в Art News, Art Critical и Painting Perceptions. Антъни живее и има ателие в общност на художници в сградата на бивше училище до Бостън. Той описва себе си като определено външен за средата на научни изследователи в неговото семейство – винаги разхвърлян, буен и играещ си с бои. Той е университетски преподавател от тридесет години. www.anthonyfisher.net

Thicket I, 2021, oil and acrylic on mat board, 30 x 40 inches Гъсталак I, 2021, масло и акрил на картон, 76 х 101.5 см

Thicket Study, 2021, oil and acrylic on mat board, 30 x 37 inches Скица за гъсталак, 2021, масло и акрил на картон, 76 х 94 см

Thicket II, 2021, oil and acrylic on mat board, 30 x 40 inches Гъсталак II, 2021, масло и акрил на картон, 76 х 101.5 см

Thicket III, 2021, оil and acrylic on mat board, 30 x 40 inches Гъсталак III, 2021, масло и акрил на картон, 76 х 101.5 см

Thicket Study, 2021, оil and acrylic on mat board, 30 x 40 inches Скица за гъсталак, 2021, масло и акрил на картон, 76 х 101.5 см

Bryan McFarlane I have a long and committed interest in the intersection of the practice of art making, art history and contemporary critical discussion. As an artist, I have been fortunate to receive several prestigious grants that allowed me to travel extensively in Brazil, Columbia, West Africa, Turkey, Japan and China to engage in international discourse regarding art history, art production and criticism. My engagement with the arts is also an intellectual endeavor. At every point, I have sought not simply to create art, but to understand the implications and possibilities for art within art history, criticism and philosophy as an intrinsic part of travel for art production.

Special parts of my journey and my life’s work as a painter are: China as a cultural hub and the three years of Oceanographic explorations and collaboration with MIT scientists in Cambridge, USA. Initially I set up studio residency at the Red Gate Gallery in Beijing and have maintained a studio in the city for the last fourteen years. My work there has shaped concepts that lead to the creation of new and inspired work – a launching board generating current work to engage in the greater part of East Asia and the expanded contemporary art scene in which China is now a major player. At the same time, my collaboration with MIT scientists related to deep sea diving and oceanographic explorations of tectonic plates’ surfaces and their effects on Earth’s atmosphere above the ocean has turned my work towards the issues of climate change. These experiences in turn link my imagination to my childhood in the tropics; my fondness for rain and ocean; and current unprecedented rainfalls all over (or the lack of). All of these become metaphors for a kind of inter-cultural and tactile visual interplay into painted abstractions – exploring rain elements while deriving infinite mark making and expressive aesthetic simplicity – with their own myriad of temperatures, content and formal direction.

Bryan McFarlane

Bryan McFarlane (1956, Moore Town, Portland, Jamaica) is Professor Emeritus of Painting and Drawing at the University of Massachusetts Dartmouth, and a member of AAMARP residency at Northeastern University. McFarlane has exhibited and lectured as visiting artist at numerous universities and museums throughout Europe, Asia, Latin America, Africa, the Caribbean, and the USA, including the ICA and the Museum of Fine Arts Boston. McFarlane was awarded a Silver Musgrave Medal ‘outstanding merit in his field’ for Jamaica/ Caribbean in 2012 and a gold medal from the Chinese government for the Beijing ”Olympic Fine Arts Exhibition 2008”. McFarlane worked on collaborative projects with the Massachusetts Institute of Technology – ‘Synergy’ with The Oceanography Institute and ‘Genomics’ microbiome research funded by the National Science Foundation / Emmas and TERC. His work has been reviewed in noted publications: The Boston Globe; The Washington Post; Art New England; The Chicago Herald; The Chicago Tribune; Dallas Fort Worth Magazine; Today Arts Magazine in Beijing; Art Exit Magazine, East Asia; Journal da Bahia, Brazil; Revue Noire-International, Paris; Magazine du Camescope, Paris; Die Welt: Wenn Bilder Schen, Berlin.

McFarlane is represented by Naga Gallery in Boston and Skoto Gallery in New York City. www.bryanmcfarlane.net

Брайън МакФарлейн От дълго време се интересувам сериозно от пресечната точка на практиката на изкуството, историята на изкуството и съвременната критична дискусия. Като художник имах щастието да получа няколко престижни стипендии, които ми позволиха да пътувам много из Бразилия, Колумбия, Западна Африка, Турция, Япония и Китай, за да участвам в международния дискурс относно историята на изкуството, художествената продукция и критиката. Работата ми с изкуствата е интелектуално начинание. Винаги се стремя не просто да създавам изкуство, но да осмисля възможностите и последиците за изкуството в контекста на неговата история, критиката и философията, като неразделна част от пътя в създаване на изкуство. Специално място в моето пътешествие в живота и работата ми като художник заемат Китай като културен център и трите години на океанографски изследвания и сътрудничество с учени от MIT в Кеймбридж, САЩ. Първоначално се установих с арт резиденция в галерия ”Red Gate”, Пекин, и през следващите четиринадесет години имах ателие в града. Натрупаният опит формира концепции, които вдъхновиха настоящата ми работа свързана с голяма част от Източна Азия и със широката сцена за съвременно изкуство, в която Китай сега е основен играч. В същото време, сътрудничеството ми с учени от MIT свързано с дълбоководни гмуркания и с океанографски изследвания на повърхността на тектоничните плочи и тяхното въздействие върху земната атмосфера над океана, насочиха творчеството ми към проблемите на климатичните промени. Този опит на свой ред свързва въображението ми с моето детството в тропиците; с любовта ми към дъжда и океана; и с настоящите безпрецедентни валежи на много места (или тяхната липса). Всичко това се превръща в метафори за един

вид междукултурно и тактилно визуално взаимодействие – в живописни абстракции, които изследват дъжда и извличат едно безкрайно маркиране, една изразителна естетическа простота с безброй собствени температури, съдържание и формална посока. Брайън МакФарлейн

Брайън МакФарлейн (1956, Мур Таун, Портланд, Ямайка) е почетен професор по живопис и рисуване в Университета на Масачузетс Дартмът и член на художническата резиденция на Североизточния университет в Бостън. Той е представял свои изложби и е изнасял лекции като гост-художник в университети и музеи из Европа, Азия, Латинска Америка, Африка, Карибите и САЩ. През 2008 г. получава златен медал от китайското правителство за „Олимпийската изложба за изящни изкуства” в Пекин, а през 2012 г. е награден със сребърен медал Мъсгрейв за „изключителни заслуги в своята област” за Ямайка/Карибите. МакФарлейн е работил по съвместни проекти с MIT в Бостън ― „Синергия” с Института по океанография и изследване на микробиома и „Геномика”, финансиран от Националната научна фондация. Специализирани издания, писали за неговото творчество: The Boston Globe; The Washington Post; Art New England; The Chicago Herald; The Chicago Tribune; Dallas Fort Worth Magazine; Today Arts Magazine in Beijing; Art Exit Magazine, East Asia; Journal da Bahia, Brazil; Revue Noire International, Paris; Magazine du Camescope, Paris; и Die Welt: Wenn Bilder Schen, Berlin. МакФарлейн е представен от Naga Gallery в Бостън и Skoto Gallery в Ню Йорк. www.bryanmcfarlane.net

Like the Weather When Illuded, 2020, oil on linen, 74. 5 x 113 inches Като времето, което е избягнато, 2020, масло на платно, 189.25 х 287 см

Panels for Trilogy and Black Rain, 2022, oil on linen, 120 x 48 inches Платна за Трилогия и Черен дъжд, 2022, масло на платно, 304.75 х 122 см

Black Rain – Drip Drip Puddles, 2022, oil on linen, 94 x 48 inches Черен дъжд – кап кап локви, 2022, масло на платно, 238.75 х 122 см

Trilogy with Broken Umbrella in Black Rain, 2022, oil on linen, 94 x 48 inches Трилогия със счупен чъдър в черен дъжд, 2022, масло на платно, 238.75 х 122 см

Suzanne Schireson A dream of solitary space is contradictory at this moment. In quarantine, I occupied more time with those I care for, making flashes of solitude particularly rare. Each of these images is based on a mother or a caretaker, and I paint them a studio. Increasingly the buildings struggle to hold them, or the women get to work before the structure is even complete. This often leaves an open edge between architecture and landscape, no longer making the studio a fixed place.

The paintings invent spaces for nocturnal women, working against distraction in marginal hours of the day. These works are on paper due to a material shift that enabled me to paint at home on a smaller scale at the start of the pandemic. Washes of transparent fluorescents neighbor areas where neutral paint is iced on with a palette knife.

I’m rediscovering color for myself in this work, finding new networks dictated by the twilight of fluorescent grounds. I intend these spaces to be more psychological than physical. They are not about escape; they are about a deep desire to reflect and refuel.

Time and capacities for making creative work fluctuate. Motherhood seems to compress the past and the future because the present can be so demanding. Dig Site holds space for a studio out of reach, looming in the distance or always under our feet. The silhouette of a house is inverted and carved out of the illuminated violet ground plane in a shape that recalls the home base on my son’s little league field. I was inspired watching archeology shows with him in quarantine. Now we marvel at what might be buried beneath us and try to understand what kind of foundation we are making.

Suzanne Schireson

Suzanne Schireson (1981, Philadelphia, Pennsylvania) is an artist based in Rhode Island. She is the recipient of a Rhode Island State Council on the Arts Fellowship and two Elizabeth Greenshields Foundation grants. Her work has been featured in Hyperallergic, The Providence Phoenix, and The Boston Globe. Recent solo exhibits include Inside Room at Tiger Strikes Asteroid GVL; Mother Hermit at West Virginia Wesleyan College; and Ears May Talk Behind Your Back at Smith College. Her work has been exhibited at The Woodmere Art Museum (Philadelphia, PA), the New Bedford Museum of Art (New Bedford, MA), the Sori Art Center (Jeollabuk-do, South Korea), the Srimanta Sankaradeva Kalakshetra (Guwahati, Assam, India), and The Carrousel du Louvre (Paris, France). Schireson attended Indiana University (MFA), the University of Pennsylvania (BFA), and the Pennsylvania Academy of Fine Arts (Fine Arts degree). She is an Associate Professor of Painting and Drawing at the University of Massachusetts Dartmouth. www.suzanneschireson.com

Сузан Шиърсън Мечтата за едно уединено пространство е противоречива в настоящия момент. По време на карантината прекарвах повече време с хората, за които се грижа, като това правеше миговете на уединение особено редки. Всяко от изображенията тук има в основата си майка или гледачка, и аз им рисувам ателие. Постройките все по-трудно ги вместяват или жените се захващат за работа в ателието, дори преди конструкцията му да е завършена. Това често оставя отворена границата между архитектурата и пейзажа, и така ателието вече не е фиксирано място. Картините създават пространства за жени, трудещи се през нощта, които се съпротивляват на разсейването в късните часове. Тези произведения са на хартия –смяна на материала в началото на пандемията, която ми позволи да рисувам в помалък мащаб у дома. Прозрачни флуоресцентни размивания са в непосредствена близост до пространства, където боя с неутрален цвят е положена с нож за палитра. В тези работи преоткривам цвета за себе си, намирайки нови взаимовръзки, създадени от здрача на флуоресцентните основи. За мен тези пространства са повече психологически, отколкото физически. Те не са пространства за бягство; те са израз на дълбоко желание за размисъл и презареждане. Времето и възможностите за творческа работа варират. Майчинството сякаш компресира и миналото и бъдещето, защото настоящето може да бъде с толкова много изисквания.

Dig Site съдържа пространство за студио, което не може да бъде достигнато, мержелеещо се в далечината, винаги недосегаемо. Силуетът на къща е обърнат и изрязан от осветената виолетова повърхност на земята във форма, напомняща „домашнатата база” на бейзболното игрище на

което играе сина ми. Вдъхновението ми дойде, докато по време на карантина гледахме заедно археологически предавания. Сега се чудим за това, което може да е зарито под нас и се опитваме да разберем каква основа създаваме. Сузан Шиърсън

Сузан Шиърсън (1981, Филаделфия, щат Пенсилавания) живее и работи в Роуд Айлънд. Тя е носител на Художествената награда на Щатския съвет по изкуствата на Роуд Айлънд и два гранта от Фондация „Елизабет Грийншийлдс”. Отзиви за нейната работа са публикувани в Hyperallergic, The Providence Phoenix и The Boston Globe. Най-новите й самостоятелни изложби включват Inside Room в Tiger Strikes Asteroid GVL; Mother Hermit в Колеж Западна Вирджиния Уеслиан; и Ears May Talk Behind Your Back в Колеж Смит. Нейните творби са били изложени в Музея за изкуство Лудмиър (Филаделфия, Пенсилвания), Музея за изкуство Ню Бедфорд (Ню Бедфорд, Масачузетс), Арт център Сори (Чолабук-до, Южна Корея), Сриманта Санкарадева Калакшетра (Гурвати, Асам, Индия) и Въртележката на Лувъра (Париж, Франция). Шиърсън е завършила Университета Индиана (магистърска степен), Университета на Пенсилвания (бакалавърска степен) и Академията за изящни изкуства на Пенсилвания. Тя е доцент по живопис и рисуване в Университета на Масачузетс Дартмът. www.suzanneschireson.com

Unrolling Canvas, 2022, oil on paper, 18 x 15 inches Развиване на платно, 2022, масло на хартия, 45.75 х 38 см

Janice’s Midnight Garden, 2021, oil on paper, 30 x 22 Среднощната градина на Джанис, 2021, масло на хартия, 76 х 56 см

Dig Site, 2021, oil on paper, 22 x 30 inches Място на копаене, 2021, масло на хартия, 56 х 76 см

Bright Music, 2020, oil on paper, 30 x 22 inches Ярка музика, 2020, масло на хартия, 76 х 56 см

Meeting House, 2020, oil on paper, 30 x 22 inches Къща за срещи, 2020, масло на хартия, 76 х 56 см

Run Like Ro, 2021, oil on paper, 30 x 22 inches Бягай като Ро, 2021, масло на хартия, 76 х 56 см

Elena Peteva

My work explores individual, social and global states through allegorical representation. The image functions as a signifier that creates a net of subtle meanings. I seek a distilled representation, an impossible stillness that captures the ephemeral essence of ”now”, the memory of the past and the sense of what is to come, and creates a deeper reality. What I try to do in my work is to define, present and illuminate things that are, perhaps, unrepresentable.

Elena Peteva Elena Peteva (1978, Sofia) works in the fields of drawing, painting and installation. She has exhibited in numerous exhibitions in Bulgaria, the United States and Europe. Selected solo exhibitions: 2021 – Of Smoke and Ash, Arosita Gallery, Sofia; 2019 – Turmoil and Silence, Smith College, Massachusetts; 2017 – The In-Betweens, Franklin Pierce University; 2017, 2015 – Presence and Absence I and II, Arosita Gallery, Sofia. Selected group exhibitions: European Museum of Modern Art, Barcelona, Spain; Manifest Creative Research Gallery (Cincinnati, Ohio); Long Beach Island Foundation of the Arts and Sciences (Long Beach, NJ); Stanek Gallery (Philadelphia, PA). Peteva is the recipient of three Elizabeth Greenshields Foundation grants and other prestigious professional awards. She studied at Syracuse University (MFA degree) and the Pennsylvania Academy of the Fine Arts (Fine Arts degree). Peteva is an Associate Professor of Painting and Drawing at the University of Massachusetts Dartmouth. Her home and studio are in Providence, Rhode Island. www.elenapeteva.com

Елена Петева Работата ми изследва индивидуални, социални и глобални състояния чрез алегорична репрезентация. Изображението функционира като означител, който създава мрежа на загатнати значения. Търся едно пречистено представяне, една невъзможна застиналост, която улавя ефимерната същност на „сега”, паметта за миналото и усета за това което предстои и създава една по-дълбока реалност. Това което се стремя да направя в моята работа е да доловя и осветля неща, които вероятно не могат да бъдат изобразени. Елена Петева

Eлена Петева (1978, София) работи в областта на рисунката, живописта и инсталацията. Тя има многобройни изложби в България, Съединените Щати и из Европа. Избрани самостоятелни изложби: 2021 – Пушек и Пепел, Галерия Аросита, София; 2019 – Хаос и Тишина, Колеж Смит, Масачузетс; 2017 – Междинните, Университет Франклин Пиърс, Ню Хампшир; 2017, 2015 – Присъствие и Отсъствие I и II, Галерия Аросита, София. Избрани групови изложби: Европейски Музей за модерно изкуство, Барселона; Галерия „Manifest Creative Research”, Охайо; Фондация за изкуствата и науките Лонг Бийч Айлънд, Ню Джързи; галерия „Станек”, Пенсилвания. Петева е носител на три гранта от Фондация „Елизабет Грийншийлдс” и други престижни професионални отличия. Тя е завършила Университета Суракуза (магистърска степен) и Академията за изящни изкуства Пенсилвания. Петева е доцент по живопис и рисуване в Университета на Масачузетс Дартмът. Нейният дом и ателие са в Провидънс, Роуд Айлънд. www.elenapeteva.com

Ash, 2022, Conte on Dura-Lar, 34.25 x 25 inches Пепел, 2022, Конте на Дура-Лар, 87 х 63.5 см

Svilen Stefanov My painting is a result of a long experience in the field of the very materiality of this art, but, more importantly, it stems from my activity in the sphere of theory and art history, as well as from my practice as an artist from the 1990s, when I expressed myself by means of photography, text and performance. During the last decade of the 20th century, I was among the creators of the ideology of the XXL Group, which gave contemporary art a new meaning, as opposed to the existing ”socialist” paradigms or to the neo-conceptualism, which certain circles thought to be essential for ”contemporary artists”. Today, completely intentionally, I work in the visual art field that is related to tradition, but this, once again, corresponds to my understanding of independence.

My painting is narrative and it seemingly tells various ”stories”, but the logical threads of these narratives are deliberately broken. There is nothing in them that can be related to anything concrete from life. The essence of my work is deeply rooted in the feeling for life’s divinity and, at the same time, in the serious mistrust in all ideologies, which happen to mark the social side of contemporary art.

Svilen Stefanov

Svilen Stefanov (1966, Sofia) is an artist, art historian, art critic and curator. He lives and works in Sofia. Education: National Art Academy, Sofia. Occupations: Professor, D. Sc. in History of the 20th c. Art at the National Art Academy, Sofia. Svilen Stefanov is one of the main representatives of the XXL Group, established in Sofia, in 1994.

Selected Solo Shows: 2021 – One Gallery, Sofia; 2020 – Sofia City Gallery, Sofia; 2019, 2018 – One Gallery, Sofia; 2017 – Art 4.

Contemporary Art Museum, Moscow, Russia; 2017 – Prozor Gallery, Belgrade, Serbia; 2017 – One Gallery, Sofia; 2015 – One Gallery, Sofia; 2014 – One Gallery, Sofia; 2013 – Yuzina Gallery, Sofia;

2009 – Arosita Gallery, Sofia; 2005 – the National Art Gallery, Sofia; 1997 – XXL Gallery, Sofia; 1995 – Studio Spectrum Gallery, Sofia; 1994 – Art 36 Gallery, Sofia. Selected Group Shows: 2020 – Vienna Contemporary, Austria; 2019 – National Gallery of Macedonia, Skopje; 2018 – IV Cacak Biennial, Serbia; 2017 – The XXL Group, National Gallery, Sofia; 2017 – Four Artists from Bulgaria, Laconia Gallery, Boston, USA; 2016 – Cosmoscow International Art Fair, Moscow, Russia; 2015 – Grayscale (20 Contemporary Bulgarian Artists), City Museum, Chakovec, Hrvatska; 2015 – Imago Mundi.

Contemporary Artists from Bulgaria, Luciano Benetton Collection, Venice; 2014 – Istanbul Contemporary, Turkey; 2014 – Hangzhou Art Expo, China; 2014 – Grey, Traklhouse Gallery, Salzburg, Austria; 2010 – XXL Group, Sofia City Gallery. Svilen Stefanov is represented by One Gallery, Sofia. www.onegallery.eu/svilen-stefanov

Свилен Стефанов Живописта ми е резултат на достатъчно продължителен опит в полето на самата материалност на това изкуство, но несравнимо повече, тя е следствие от заниманията ми с теория и история на изкуството, както и с практиката ми като художник пред 90-те, когато предпочитаните от мен изразни средства бяха фотографията, текста и пърформанса. Още през последното десетилетие на миналия век, бях сред създателите на идеологията на група XXL, чрез която съвременното ни изкуство получи ново звучене, различно от заварените „социалистически” парадигми, или от налагания (от определени среди) като задължитилен за „съвременния художник” неоконцептуализъм. И днес, съвсем умишлено, работя в изобразителено поле, което е свързано с традицията, но това отново е част от разбиранията ми за независимост. Живописта ми е наративна и на пръв поглед разказва различни „истории”, но логическите нишки на тази тематичност са умишлено прекъснати. В тях няма нещо, което по някакъв начин би могло да бъде обвързано с житейска конкретика. Същността на моята работа е дълбоко вкоренена в едновременното усещане за божественост на битието и дълбокото съмнение във всички идеологии, характеризиращи социалната страна на съвременния живот. Свилен Стефанов

Свилен Стефанов (1966, София) е художник, историк на изкуството, критик и куратор. Живее и работи в София. Завършил е Националната художествена академия в София. Професор е по история на изкуството на ХХ в. в НХА, доктор на изкуствознанието. Историята му на художник, куратор и критик е свързана с група XXL, създадена в София през 1994 г. Избрани самостоятелни изложби: 2021 – One Gallery, София;

2020 – СГХГ, София; 2019, 2018 – One Gallery, София; 2017 – Art 4. Музей за съвременно изкуство, Москва, Русия; Галерия „Прозор”, Белград, Сърбия; One Gallery, София; 2015 – One Gallery, София; 2014 – One Gallery, София; 2013 – галерия „Юзина”, София; 2009 – галерия „Аросита”, София; 2005 – НХГ, София; 1997 – галерия XXL, София; 1995 – галерия Studio Spectrum, София; 1994 – Галерия Art 36, София. Избрани групови изложби: 2020 – Vienna Contemporary, Австрия; 2019 – Интеграция на идентичности, Национална галерия на Македония, Скопие; 2018 – IV Международно биенале, Чачак, Сърбия; 2017 – Група XXL, Национална галерия, София; 2017 – Четирима художника от България, галерия „Лакония”, Бостън, САЩ; 2016 – Cosmoscow International Art Fair, Москва, Русия; 2015 – Grayscale (20 Съвременни български художници), Градски музей, Чаковец, Хърватия; 2015 – Imago Mundi. Съвременни художници от България, колекция Лучано Бенетон, Венеция; 2014 – Istanbul Contemporary, Турция; 2014 – Hangzhou Art Expo, Китай; 2014 – „Сиво”, галерия „Траклхаус, Залцбург, Австрия; 2010 – Група XXL, СГХГ. Свилен Стефанов е представен от One Gallery, София. www.onegallery.eu/svilen-stefanov

Suzy Reading El Machete, 2022, oil on canvas, 35.5 x 59 inches Сузи чете El Machete, 2022, масло на платно, 90 х 150 см

Трансатлантически Арт Дискурс Издател: ONE+ Gallery Съставители: Елена Петева, Свилен Стефанов Автори: Брет Еберхард, Антъни Фишър, Брайън МакФарлейн, Елена Петева, Сузан Шиърсън, Свилен Стефанов Превод: Елена Петева, Тодор Т. Петев Дизайн и предпечатна обработка: Андреа Кожухарова София, 2022 © Всички права запазени ISBN: 978-619-91605-2-7

Transatlantic Art Discourse Published by: ONE+ Gallery Compilers: Elena Peteva, Svilen Stefanov Authors: Brett Eberhardt, Anthony Fisher, Bryan McFarlane, Elena Peteva, Suzanne Schireson, Svilen Stefanov Translation: Elena Peteva, Todor T. Petev Design and prepress: Andrea Kozhuharova Sofia, 2022 © All rights reserved ISBN: 978-619-91605-2-7