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The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

VOL 24 No 3

may mai june juin




free gratuit

Volume 24, No 3 May-June 2012 / mai-juin 2012 Editor in Chief / Rédacteur en chef Ralph Angelillo Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache Editorial Assistant / Assistant à la rédaction T.Bruce Wittet Contributing Writers / Journalistes Jim Angelillo, Ralph Angelillo, Franck Camus, David Cronkite, Aaron Edgar, T.Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc.


elie bertrand By/Par: T. Bruce Wittet

Cover Photo / Photo du couvert Pascal Milette [] Distribution [866/450] 677-1364 / Advertising / Publicité Ralph Angelillo (Founder/fondateur 1989) [888/450] 928-1726 / Publisher / Éditeur Serge Gamache [866] 834-4257 / [450] 651-4257 Printer / Imprimeur Solisco © Copyright 2012


edito + agenda


Did you know? Savais-tu que? Ralph Angelillo


How To Set Up Your Cymbals and Massively Prolong Their Life



Cymbals Cymbales

Comment prolonger la vie de vos cymbales Aaron Edgar


What’s in a Swivel? Qui est Swivel? Franck Camus

Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 15 000 copies in 385 distribution points [circulation certified by Canada Post]. Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil [QC] J4K 3R5 Canada Fax: [450] 670-8683


Getting Your Shots Travailler les accents David Cronkite


New Products Nouveaux produits

Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 15 000 copies dans 385 points de distribution [circulation certifiée par Postes Canada].

drums etc.




MIAC 2012 Toronto, ON International Centre May 13-14 / 13-14 mai, 2012 1-877-490-6422 /

VICTORIA DRUM FEST 2012 Victoria, BC May 19 / 19 mai 2012

STICKMAN DRUM EXPERIENCE CAMP Black Strap Lake, SK July 4 – 7 / 4 au 7 juillet 2012

Montréal Drum Fest 2012 20th Anniversary! Next October 20-21, Drums Etc Magazine will present the 20th edition of the Montréal Drum Fest ! As this year’s festival will be a very special one, we’ve decided to offer two-day tickets in the first eight rows at a discounted rate. This offer is valid only for tickets purchased from our office before June 29. Group rates are available as well. To take advantage of this opportunity, call us toll-free at 1-888-928-1726. The 2012 site will be launched early August ( Meanwhile, you will find updates and artist confirmations on our Facebook page (

FESTIVAL INTERNATIONAL DE PERCUSSIONS DE LONGUEUIL Longueuil, QC July 10-15 / 10 au 15 juillet 2012 1-888-463-2692

KoSA 17 International Percussion Workshops, Drum Camp & Festival Castleton, VT July 24-29 / 24 au 29 juillet 2012


Drum Fest de Montréal 2012

20e anniversaire!

Orford, QC August 14-19 / 14 au 19 août 2012 (514) 476-9666

REGINA DRUM FESTIVAL Les 20 et 21 octobre prochain, le magazine Drums Etc présentera la 20e édition du Drum Fest de Montréal! Puisque le festival de cette année sera très spécial, nous avons décidé d’offrir des billets de deux jours dans les huit premières rangées à prix réduit. Cette offre n’est valide que pour les billets achetés à nos bureaux avant le 29 juin. Des tarifs de groupe sont également offerts. Pour profiter de cette offre, téléphonez-nous sans frais au 1-888928-1726. Le site 2012 sera mis en ligne au début du mois d’août ( D’ici là, vous trouverez les mises à jour et les confirmations d’artistes sur notre page Facebook ( Ralph Angelillo


drums etc.

Regina, SK September 14-15 / 14-15 septembre 2012 drumfestival2012.php

MONTRÉAL DRUM FEST 2012 20th Anniversary /20e Anniversaire ! Montréal, QC October 20-21 /20-21 octobre 2012 1-888-928-1726 montrealdrumfest

A very popular drum event is the UDC, the Ultimate Drum Camp, presented this year on August 14-19 at the very popular Orford Arts Centre in Orford, Québec. The camp boasts an elite line-up of drum and percussion greats Dennis Chambers, Horacio Hernandez, Mike Mangini, Flo Mounier, Mamady Keita, Giovanni Hidalo and Raul Rekow. The UDC is sponsord by Evans, Pearl Drums, Remo, Sabian, Vic Firth and Zildjian. For more info, visit: www.

UDC Ultimate Drum Camp 2012


of the


Drumoff !

First presented in 2003, The Drumoff, based on the ideal of inspiring greatness through rhythm, is back on July 7th, 2012! Presented at the Islington Evangel Centre in Otobicoke, Ontario, the Drumoff is bringing back several alumni such as drumming greats Larnell Lewis, Adrian Bent . The event will feature, among others, Jonathan Kerr, Otis Williams and Matthew Chalmers. The event is sponsored by Evans, Paiste, Drummer’s Choice, Yamaha, Zildjian, Vater and Plug Youth. Check out the web site for more details:


retour du

Photo: Peter Bruce Wilder

UDC Ultimate Drum Camp 2012

Drumoff !

L’Ultimate Drum Camp est un événement très populaire auprès des batteurs et aura lieu cette année du 14 au 19 août au réputé Centre des arts d’Orford, au Québec. Le camp présentera une sélection de grands noms de la batterie et du monde de la percussion : Dennis Chambers, Horacio Hernandez, Mike Mangini, Flo Mounier, Mamady Keita, Giovanni Hidalo et Raul Rekow.

Présenté pour la première fois en 2003, le Drumoff, fondé sur l’idée d’inspirer l’excellence par le rythme, sera de retour le 7 juillet 2012! L’événement aura lieu à l’Islington Evangel Centre à Etobicoke, en Ontario et le Drumoff accueillera de nouveau les grands batteurs que sont Larnell Lewis et Adrian Bent. Parmi les autres invités, notons Jonathan Kerr, Otis Williams et Matthew Chalmers.

L’UDC est commandité par Evans, Pearl Drums, Remo, Sabian, Vic Firth et Zildjian. Pour plus d’infos, rendez-vous à

L’événement est commandité par Evans, Paiste, Drummer’s Choice, Yamaha, Zildjian, Vater et Plug Youth. Rendez-vous à pour obtenir plus d’information. KoSA - Memo Acevedo Photo: Peter Bruce Wilder

The Stickman Drum Experience Camp The Stickman Drum Experience will be a multi-day drum camp providing a one of a kind experience for drummers of a wide range of ages and abilities. The main objective of this camp is for players to learn, jam and hang with world class musicians in a comfortable, non-competitive and creative atmosphere. The camp will be held in the heart of Saskatchewan, and will feature, among others, Chester Thompson, Vito Rezza, Rich Redmond and Billy Ward. Visit: www.

Le camp Stickman Drum Experience Le Stickman Drum Experience sera un camp de batterie de plusieurs jours offrant une expérience unique aux batteurs de tous les âges et de tous les niveaux. L’objectif principal du camp est de faire en sorte que les batteurs apprennent, jouent et conversent avec des musiciens de niveau mondial dans une atmosphère créatrice confortable et non compétitive. Le camp aura lieu en Saskatchewan et accueillera les invités suivant : Chester Thompson, Vito Rezza, Rich Redmond et Billy Ward, pour ne nommer que ceux-là. www.

KoSA - Marcus Santos

KoSA 17 : Loving



The 17th annual KoSA International Percussion Workshops will take place this summer on July 24-29, in Castleton, Vermont. Faithful to their theme ‘We love the Drums’, Aldo and his KoSA team are presenting quite a roster, including, among many others, Alex Acuna, Vinny Appice, Sergio Bellotti, Dom Famularo, Richie Garcia, Marcus Santos, Glen Velez and Lenny White. Check out the complete program :

KoSA 17:

pour l’amour des tambours

La 17e édition annuelle des Ateliers internationaux de percussion KoSA aura lieu cet été du 24 au 29 juillet à Castleton, au Vermont. Fidèles à leur thème « We love the Drums », Aldo et son équipe ont une liste d’invités impressionnante, dont Alex Acuna, Vinny Appice, Sergio Bellotti, Dom Famularo, Richie Garcia, Marcus Santos, Glen Velez et Lenny White. Jetez un coup d’œil sur le programme complet à drums etc.


cover story en


elie bertrand On Christmas Day 1989 in Chambly, Quebec, to borrow from “The Night Before Christmas”, there arose such a clatter neighbors sprang from their beds to see what was the matter. The clashing of cymbals and rumbling of drums signified the birth of a daughter—the Bertrand family’s gift to the drumming community. Pity the neighbors. Elie Bertrand took up drums early, inspired by her parents, who were semi-pro musicians. Drums were more than an instrument of expression, she recalls. They were a way for her to vent. “I needed to stay quiet and be a ‘good kid’,” as Elie puts it, “especially after my sister was born. I was the noisy kid no one wants—the one who would have temper tantrums at the mall. Drums were the natural choice. They allowed me to release energy. I’ve been playing them ever since and, if I can, I’ll drum forever!” I interviewed Elie recently. I’d seen her at the Montreal Drum Fest a few years back and apart from the wow factor—her vivid stage presence—it was evident she could handle herself on kit. I remember writing something about Elie being “ a woman born for stadium rock and one that doesn’t simply pop the snare; she swoops down like a vulture. As for her cymbals, she sucks them into a vortex of precision windmill strokes....” Yeah, well the prose is a little over-the-top, but then again so is Elie Bertrand. Search her on youtube and you’ll see. It would be enough for her to raise her arm proudly skyward, fair warning she’s gonna deal a blow. But she’ll add a teaser, a deft flick and twirl of stick that is half Gerry Brown, half Carmine Appice. It’s charismatic and easy on the eyes. But I want to assure you that Elie never substitutes ostentation for content. She keeps the time, plays with it, articulates clean fills, and generally calls all the shots. During our recent interview, she acquitted herself similarly, displaying a comprehension of, and commitment to, the entire drumming experience and its heritage. I suppose that ought not to be surprising given drumming has been her life’s work as long as memory serves. It’s her day job, night job, and her deepest passion. Redge showed me how to direct my energies and perfect my motions, including this way of raising the stick and turning it as if brushing my hair. It’s not just show: it’s like being an orchestra conductor.

It helps that her parents encouraged to listen to diverse musical styles. No kidding: one moment it’d be the delightfully odd Gentle Giant grooving in odd times; the next Paul Brochu with UZEB, then to Gino Vanelli at the coda. And then the catalyst, her dad bringing her to see Nickelback live. Elie recalls it vividly: “That’s when things changed. I was impressed by the big stage show and the drumming. This was their first drummer. The newer one, Daniel Adair, is incredible in terms of technique and stage presence.”

“I have to acknowledge the influence of (René) Redge (Adolph) who is known as drum tech and Pearl rep. People don’t realize how well he plays! I remember connecting with him at a clinic, maybe Tommy Lee or it might have been Tommy Aldridge—he’s so precise and athletic. Anyways, Redge showed me how to direct my energies and perfect my motions, including this way of raising the stick and turning it as if brushing my hair. It’s not just show: it’s like being an orchestra conductor. Even when we rehearse these days, I tend to ‘direct’ with my limbs. Obviously, on a funk or lounge gig, I’m not going to do this; only when appropriate.  6

drums etc.

Le jour de Noël à Chambly en 1989, il y eut un tel fracas que les voisins se sont réveillés en sursaut se demandant ce qui se passait. Le tintamarre de cymbales et de tambours indiquait la naissance d’une fille, un cadeau que la famille Bertrand offrait à la communauté des batteurs. Pauvres voisins. Inspirée par ses parents qui étaient des musiciens semi-professionnels, Elie Bertrand commence à jouer la batterie à un jeune âge. Elle se rappelle que la batterie était plus qu’un mode d’expression, c’était une façon pour elle de se défouler. « Je devais rester tranquille et être un enfant sage, » explique Elie, « surtout après la naissance de ma sœur. J’étais l’enfant bruyant que personne ne veut, celui qui fait des crises au centre commercial. La batterie était le choix naturel. Je pouvais y dépenser mon énergie. Depuis, je n’ai jamais cessé de jouer et, si je le peux, je jouerai la batterie pour toujours! » Récemment, j’ai interviewé Elie. Je l’avais vu jouer au Drum Fest de Montréal il y a quelques années et mis à part sa capacité à séduire et sa présence scénique frappante, il était évident qu’elle pouvait se débrouiller derrière une batterie. Je me rappelle avoir écrit d’elle qu’elle est une « femme née pour le rock qui fait plus que seulement bien frapper la caisse claire; elle frappe ses tambours comme un vautour descendant sur sa proie. Quant aux cymbales, elles subissent les coups précis d’un moulin à vent… » Bon, mes comparaisons sont un peu excessives, mais encore, ça reflète Elie Bertrand. Faites une recherche dans YouTube et vous verrez. Ça serait déjà assez qu’elle lève le bras vers le ciel, un avertissement qu’elle donnera un coup. Mais elle y ajoute un petit quelque chose, une vrille et un tournoiement de baguette, un peu comme Gerry Brown ou Carmine Appice. Ça fait preuve de charisme et c’est beau à voir. Mais je tiens à vous assurer qu’Elie ne remplace pas le contenu par l’ostentation. Elle bat le tempo, joue avec, façonne des passes habiles et, en général, mène la barque. Lors de notre conversation, elle a démontré sa compréhension et son dévouement à l’expérience entière de la batterie et de son héritage. Je suppose que ce n’est pas surprenant étant donné qu’elle ne se rappelle pas ne jamais avoir joué la batterie. Jour et nuit, c’est sa plus grande passion. 

Redge m’a montré comment diriger mon énergie et perfectionner mes mouvements, y compris cette façon de lever ma baguette en la tournant, comme si je brossais mes cheveux. Ce n’est pas simplement pour le spectacle; c’est comme être un chef d’orchestre.

Ça aide que ses parents l’encourageaient à écouter différents styles musicaux. Ça pouvait être les temps composés de la charmante bande de Gentle Giant ou bien Paul Brochu avec UZEB et ensuite Gino Vanelli. C’est devenu sérieux quand son père l’a amené voir un spectacle de Nickelback. Elie s’en rappelle clairement : « c’est là que tout a changé. Le gros spectacle de scène et la batterie m’ont vraiment impressionné. C’était leur premier batteur. Le nouveau, Daniel Adair, a une technique et une présence scénique incroyables. »

« Je dois parler de l’influence de (René) Redge (Adolph), connu comme technicien de la batterie et représentant pour Pearl. Les gens ne réalisent pas à quel point il joue bien! Je me rappelle l’avoir rencontré lors d’un atelier de Tommy Lee ou peut-être Tommy Aldridge (il est tellement précis et athlétique). Qu’importe, Redge m’a montré comment diriger mon énergie et perfectionner mes mouvements, y compris cette façon de lever ma baguette en la tournant, comme si je brossais mes cheveux. Ce n’est pas simplement pour le spectacle; c’est comme être un chef d’orchestre. Encore aujourd’hui, lors des répétitions, je tends à diriger avec mes membres. Bien sûr, si je joue du funk ou de la musique lounge, je ne fais pas ça. C’est seulement quand l’occasion s’y prête. » Pour vous donner une idée de ce qui est « approprié », trouvez la vidéo de Vanilla Fudge jouant You Keep Me Hanging On à l’émission The Ed Sullivan Show. Carmine Appice y déploie tellement de puissance et d’expression, autant de corps que d’esprit, qu’il a séduit John Bonham et, beaucoup plus tard, Elie Bertrand, avec sa grosse caisse énorme et ses grands mouvements de bras. « Le livre de Carmine Appice, Realistic Rock, fut une grande influence, dit Elie, et je ressentais une connexion avec lui malgré le fait que je ne l’avais jamais entendu jouer! Ça s’est confirmé lors de sa prestation au Festival de batterie du Cap Breton. Il est une vraie force dans le monde de la batterie, tout comme son livre est un classique. Je l’utilise avec mes élèves. » Elie a étudié auprès de plusieurs professeurs, dont certains étaient inflexibles, d’autres accommodants. Elle cite Maurice Métayer comme étant l’un des plus importants à un carrefour critique. « Je jouais du rock puissant et j’avais des tendinites et des crampes dans mes bras. Maurice m’a enseigné le mouvement et la conservation d’énergie, soit comment fouetter les tambours pour produire un son immense sans avoir à jouer super fort. Il est important de terminer un spectacle avec la même intensité et la même présence avec laquelle on commence. » To give you an idea of “appropriate”, go to youtube and search the Vanilla Fudge playing “You Keep Me Hanging On” live on The Ed Sullivan Show. Carmine Appice is so powerful and expressive in body and soul he swayed John Bonham and, years later, Elie Bertrand. big-ass bass drum to long-arm moves. “Carmine Appice’s book Realistic Rock was a huge influence,” Elie says, “and I felt a connection despite never having heard or seen him play! It all came together when he appeared at the Cape Breton Drum Festival. He’s a real force in drumming, just as his book is a classic. I use it with my students.” Elie has studied with several teachers, some inflexible, others accommodating. She cites Maurice Metayer as the most significant at a critical juncture. “I was playing loud rock and getting tendinitus and cramps in my arms. Maurice taught me about motion and energy conservation—how to whip the drums and get a huge sound without having to play as loud. It’s important to finish a show with the same intensity and presence as I started.” It makes good sense and saves pennies. “I don’t break cymbals or trash heads,” says Elie. “I change heads for the sake of tone, not damage. Same with cymbals, which is good because I get attached to them. When I change stuff around, it never sounds or feels as good. Mind you, I’m not going to use my jazz cymbals or a soft bass drum beater to play rock.”  8

drums etc.

C’est sensé et ça permet d’économiser. « Je ne casse pas de cymbales et je ne détruis pas les peaux, ajoute Elie. Je change les peaux pour renouveler la tonalité, pas parce qu’elles sont endommagées. C’est pareil avec les cymbales; c’est une bonne chose, parce que je m’y attache. Quand je change des éléments, ça ne sonne jamais aussi bon. Remarquez, je n’utilise pas mes cymbales de jazz ou une mailloche de grosse caisse molle pour jouer du rock. »

Une fille Pearl Durant notre conversation, je mentionne avoir acheté une caisse claire Reference de 14 x 5 pouces, de la série originale (suite à ma critique de la série dans Modern Drummer). « C’est la même que j’ai, excepté qu’elle fait 14 x 6,5 pouces. Elle est très sensible, avec beaucoup de volume; elle fait tout. Je joue mes backbeats avec des rimshots et avec cette caisse claire et ses anneaux moulés, c’est génial. Quand des batteurs viennent me voir, ils me posent toujours des questions sur cette caisse claire Reference! En fait, ma première batterie professionnelle était une Reference, une commande personnalisée avec des toms légèrement moins profonds et une grosse caisse de 22 x 20 pouces. La dimension des toms me permet de m’assoir plus bas tout en me permettant de les frapper confortablement. Le seul point négatif à propos des premières batteries Reference était leur poids. Faites attention à votre dos quand vous les déplacez! » 

drums etc.


Pearl Girl During our conversation, I mentioned having purchased a 14x5” Reference snare, original series (following my review of the Pearl series for Modern Drummer). “It’s the same with me, except mine is 14x6.5”. It’s sensitive, it’d loud, it does everything. I play backbeats with rimshots and that snare and the die-cast rims sound amazing. Whenever drummers come out, they come up and ask me about that Reference snare drum! Actually, my first pro kit was a Reference, a custom order with slightly shallower toms and a 22x20” kick. I chose those tom sizes to enable me to sit lower but nail them comfortably. The only bad thing about the early Reference drums was the weight. Watch your back when lifting them!” Every busy drummer needs a backup drumset you know, for rehearsals and casuals, so Elie got hold of an affordable Pearl Visions kit. The thing turned out so good, in terms of sound and construction quality, she now uses it freely on important gigs if the Reference is tied up. I ask Elie to level with me on something Gordon Wood expounded on in his recent Drums Etc interview, namely that all Pearl kicks are monsters. “They’re the best,” Elie replied, no hesitation. “You don’t have to adjust them endlessly then add all this muffling. I don’t want to be tuning a kick forever, especially when touring as a support act and there’s no proper soundcheck. Pearl kicks are huge, right out of the box. And so are Demon Drive pedals, the way they transfer energy and rebound. I’d play them even if I didn’t endorse Pearl.” Elie would like us to know that her custom Pearl pink kit is not merely a girlie thing. It’s also a statement about extremes and a shimmer presence it affords under stage lighting. Since pink is not cataloged, Pearl had a kit professionally sprayed to Elie’s specs.

Trigger in Acoustic drums

Trigger in Electronic pads

Another Pearl initiative Elie’s behind 100% is the Vision Special Edition: Drums for Cure. For every kit sold, Pearl donates $200 to the Canadian Breast Cancer Society. Elie singles out Steve’s Music, Montreal, for matching this amount. “That’s so nice to see,” says Elie. “We’re all using this window of opportunity to give hope and maybe improve the world.” First thing Elie looks for in cymbals and sticks is sound and the way they interact. Durability is a close second. Then a sense of family between endorsers and manufacturer. “Sabian employees are obviously drummers,” she says. “They’re passionate. They’re constantly trying to innovate, make things better. It’s like that with D’Addario Canada (distributor of Evans). I prefer the tone and feel of Evans and it’s great how receptive D’Addario is to my needs. Los Cabos is similar—a small, passionate family, literally. I’m sure if I didn’t play rimshots on snare all the time, I’d never break a single Los Cabos stick!” Those companies are really service-oriented. I’d never advertise a product on behalf of a company that wasn’t.”

A day in a girl’s life “I’m comfortable freelancing in various bands, Elie says, but my main gig is a band I lead, Belles Angels. It’s an all-girl band but bottom line is they’re all great musicians. I spend my days charting music, practicing drums, and doing behind-the-scenes administration. I’m also in pre-production for a new project. I don’t want to just show up and play the gig. I want a lead role, not to be a control freak but because I’m accustomed to getting things done while respecting the limited time musicians have at their disposal. That means the manager can book gigs, not spend all this time babysitting and trying to make us into musicians!” 

Midi in Producer/DJ

Midi in Electronic drum kit

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drums etc.

Tout batteur occupé a besoin d’une batterie secondaire pour, vous savez, la pratique et les contrats plus informels, donc Elie s’est procuré l’abordable Pearl Visions. Cette batterie s’est avérée tellement bonne, en termes de sonorité et de qualité de construction, qu’elle l’utilise maintenant pour des contrats importants si la batterie Reference est prise ailleurs. J’ai demandé à Elie ce qu’elle pensait des propos de Gordon Wood dans une récente entrevue parue dans Drums Etc, soit que toutes les grosses caisses Pearl sont colossales. « Ce sont les meilleures, » répond Elie, sans hésiter. « On n’a pas besoin de les ajuster pendant des heures et de mettre des coussins à l’intérieur. Je ne veux pas accorder une grosse caisse éternellement, particulièrement quand on fait une tournée en première partie et qu’il n’y a pas vraiment de tests de son. Les grosses caisses Pearl sonnent immenses dès le premier coup. Et c’est la même chose pour les pédales Demon Drive avec leur manière de transférer l’énergie et leur rebond. Je les utiliserais même si je n’étais pas commanditée par Pearl. » Elie aimerait qu’on sache que sa batterie Pearl rose n’est pas qu’une simple affaire de fille. C’est également une déclaration à propos d’extrêmes et aussi une présence scintillante sous l’éclairage de la scène. Puisque le rose n’est pas une couleur offerte par Pearl, le fabricant a fait peinturer une batterie selon les critères d’Elie. Une autre initiative de Pearl appuyée à 100 % par Elie est Vision Special Edition: Drums for Cure. Pour chaque batterie vendue, Pearl donne 200 $ à la Société du cancer du sein du Canada. Elie appuie Steve’s Music, à Montréal, qui accotera ce montant. « C’est très beau à voir, dit Elie. Nous utilisons ces occasions pour donner de l’espoir et possiblement améliorer le monde. »

La première chose qu’Elie cherche en une cymbale et une baguette est le son et la façon dont elles interagissent avec la batterie. Ensuite viennent la durabilité et l’esprit de famille qui existe entre le fabricant et l’artiste commandité. « Les employés de Sabian sont évidemment des batteurs, dit-elle. Ils sont passionnés. Ils essaient toujours d’innover, de rendre les choses meilleures. C’est comme ça aussi chez D’Addario Canada (distributeur des peaux Evans). Je préfère la sonorité et la sensation que procurent les peaux Evans. Et j’aime à quel point D’Addario est à l’écoute de mes besoins. Los Cabos est semblable : une véritable petite famille passionnée. Je suis certaine que si je ne jouais pas toujours de rimshots, je ne casserais aucune baguette Los Cabos! Ce sont des entreprises orientées vers le service. Je ne ferais pas la promotion d’un produit fabriqué par une entreprise qui ne l’est pas. »

Une journée dans la vie d’une fille « Je peux jouer confortablement dans toutes sortes de bands, dit Elie, mais mon projet principal est le band que je dirige, Belles Angels. C’est une formation de filles, toutes d’excellentes musiciennes. Je passe l’entièreté de mes journées à écrire de la musique, à jouer la batterie et à faire de la gestion. Je suis également en pré-production d’un nouveau projet. Je ne veux pas simplement me présenter pour un contrat et jouer. Je veux diriger, pas parce que je veux tout contrôler, mais parce que je suis habituée de faire les choses en respectant le temps limité qu’ont les musiciens. Ça veut dire que le gérant signe des contrats sans être obligé d’agir en gardienne et d’essayer de nous faire devenir des musiciens responsables! »  By/Par: T.Bruce Wittet Traduction: Jim Angelillo Photos: Pascal Milette

Elie Bertrand

Congratulations from Pearl Canada

© Claude Dufresne drums etc.


How To

Set Up Your Cymbals

and Massively Prolong Their Life

Often I see drummers setting up and hitting their cymbals in a way that shortens their lives considerably. I’m sure part of it is due to what they see some of their favorite drummers doing. Travis Barker’s set-up is a notorious example. His crashes are completely flat and poised at eye level. Sure, it looks cool—that’s what matters, fashion over function, right? I’m not saying it’s wrong by any stretch. By all means, set up and play that way if it’s comfortable for you. But for those of you, unlike Travis, who actually pay for your cymbals, there’s a few things that can be done to ensure your bronze investment lasts much longer. The most important thing to consider is not hitting directly into your cymbals. What I mean by that is if you place your crash completely flat and you slam your stick directly towards the edge and the bell at an almost 90-degree angle, you’re putting considerable stress on the cymbal. You’ll be hacking up your sticks and, worse, each stroke will get you nearer to cracking the cymbal. A better choice is to strike with a swipe across the edge. Approaching the cymbal at an angle similar to the way it’s suspended is a more natural approach. If this new to you, it won’t feel quite right immediately. But practice time will be well spent. This may involve a shift in the way you set up your cymbals. If you practice what I’m suggesting, meaning delivering swiping blows, but keep your cymbals set up horizontally like Travis, you’re still going to be prone to cymbal “accidents” and eating up sticks. You can make life a whole lot easier on yourself if you set up your cymbals in a way that promotes a swiped hit (ed: otherwise known as a glancing blow).

I suggest you angle the cymbals towards you. You don’t need to angle them vertically, straight up and down, or anything crazy like that. The degree at which you angle them depends on how you play. The simplest way to figure it out is to sit at your kit relaxed, then raise your stick up to crash a cymbal in your usual manner. If your cymbal is suspended and turned relative to the angle of your forearm, you’re going to avoid striking directly into the edge. Even if you miss the mark and don’t bring out a full crash, at least you’re not smacking perpendicular to the edge. Consider adjusting both the height of the cymbal relative to the way you strike and the angle of attack. A good way to practice is to set up crashes on both sides of your kit, then adjust the relative positions according to the way you swipe with your left and right hands. I find that when attempting this, as with any new technique in the beginning, exaggerating your motions really helps build muscle memory. I suggest you do this, at very least, in the practice room. Even if you revert to your old ways live, you’ll be doing wonders for the lifespan of your cymbals. Try to refrain from all of those super-cool moves like hitting the cymbal as hard as you can, especially when coming up from underneath. Who wants to spend all their gig pay replacing a crash cymbal?  If you’d like to see examples of this, check out

If you place your crash completely flat and you slam your stick directly towards the edge and the bell at an almost 90-degree angle, you’re putting considerable stress on the cymbal. Si vous placez votre crash à l’horizontale et que vous assénez un coup de baguette sur la bordure et la cloche à un angle de 90 degrés, vous imposez beaucoup de stress sur la cymbale.

A better choice is to strike with a swipe across the edge. I suggest you angle the cymbals towards you. Approaching the cymbal at an angle similar to the way it’s suspended is a more natural approach. Un meilleur choix serait de la frapper en balayant légèrement sa surface, dans un angle similaire à la cymbale. Ma suggestion est de pencher les cymbales vers vous. C’est une approche plus naturelle.


drums etc.

NEW FROM VATER IN 2012 Comment prolonger la vie de vos cymbales


Je vois souvent des batteurs qui installent et qui frappent leurs cymbales d’une façon qui écourte de beaucoup leur longévité. Je suis certain que c’est dû en partie à ce que font leurs batteurs favoris. La batterie de Travis Barker est un excellent exemple. Ses crash sont parfaitement horizontales et placées au niveau des yeux. Oui, ç’a l’air cool. C’est ce qui compte, l’allure plutôt que la fonction, non? Je ne dis pas que c’est mauvais comme tel. Chacun est libre d’installer ses cymbales à sa façon et de les jouer comme tel si c’est confortable. Mais pour ceux d’entre vous qui, contrairement à Travis, payent leurs cymbales, il est possible d’adopter certaines mesures pour assurer que votre investissement dans le bronze dure beaucoup plus longtemps. L’une des considérations les plus importantes est de songer à ne pas frapper directement vos cymbales. Ce que je veux dire est que si vous placez votre crash à l’horizontale et que vous assénez un coup de baguette sur la bordure et la cloche à un angle de 90 degrés, vous imposez beaucoup de stress su la cymbale. Vous éplucherez vos baguettes et, encore pire, vous ferez craquer vos cymbales avec le temps.. Un meilleur choix serait de la frapper en balayant légèrement sa surface, dans un angle similaire à la cymbale. C’est une approche plus naturelle. Si c’est du jamais vu pour vous, ça semblera étrange. Mais avec la pratique, tout se placera. Cette façon de faire pourrait impliquer un changement dans la façon dont vous installez vos cymbales. Si vous essayez ce que je propose, c’est-à-dire de frapper vos cymbales d’un coup balayé, mais voulez les garder dans leur position horizontale, comme Travis, vous risquerez toujours d’avoir des accidents, et vous continuerez à éplucher vos baguettes. Vous vous faciliterez la vie en installant vos cymbales de façon à promouvoir les coups balayés (note de l’éditeur : ou coup oblique). Ma suggestion est de pencher les cymbales vers vous. Il n’est pas nécessaire de les placer à la verticale, de haut en bas. Ça serait ridicule. L’angle des cymbales dépend de votre jeu. La façon la plus simple de déterminer leur position est de vous assoir derrière la batterie et de lever votre baguette comme pour frapper une crash. Si la cymbale est placée dans l’angle de votre bras, vous éviterez de frapper directement sa bordure. Même si vous ratez votre coup et ne produisez pas l’effet sonore complet, au moins vous ne frappez pas sa bordure de façon perpendiculaire. Pensez à ajuster à la fois la hauteur de la cymbale relativement à votre coup et l’angle d’attaque. Une bonne façon de pratiquer est de mettre une crash de chaque côté de votre batterie et ensuite, d’ajuster leur position relative selon vos coups de baguette gauche et droit. Je trouve qu’en essayant cela, comme avec tout apprentissage d’une nouvelle technique, le fait d’exagérer les mouvements aide vraiment à imposer une mémoire musculaire. Je suggère fortement que vous fassiez cela au moins lors de vos sessions de pratique. Même si vous revenez à vos vieilles habitudes en spectacle, vous augmenterez tout de même beaucoup la longévité de vos cymbales. Essayez d’éviter de jouer ces coups qui paraissent très cool, comme frapper une cymbale le plus fort possible, surtout par en dessous. Qui veut dépenser toute sa paye sur une nouvelle crash?  Si vous désirez voir des exemples, rendez-vous sur


L 16" • 40.64cm D .580" • 1.47cm VHFAW

The Fusion™ Acorn is the same design as the classic Vater Fusion but with an acorn tip for a warmer cymbal and drum tone.


By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo drums etc.


What’s in You know, I hate it when people have prefabricated reactions to an artist

a Swivel?

after seeing a mere 5 seconds of video on YouTube. Most of the time, I laugh, especially when they talk about technique and make reference to a movement in particular, which is the result of hours upon hours of practice. The other day, I happened to read a comment under a YouTube video about the swivel technique. A very bright individual had explained how this technique isn’t really one, and went into a rather laughable analysis of the movement. He obviously had no basic knowledge of the anatomy. A real champion! Thank you, sir, for giving me the idea for this article.

The criticism of the technique written by that person on YouTube was absolutely wrong, because he said it was a movement of the ankle… But it is not the case. The ankle articulation (astragalus-calcaneus) has but one degree of lateral play; it flexes and extends. (Can you move your heel without moving the rest of your foot?)

For those of you who are not familiar with the swivel technique, it is a particularly effective bass drum technique that enables drummers to play fast, smoothly. It involves having the back of the foot move freely on the pedal from left to right and back, as if you were stubbing out a cigarette with your foot. The front of the foot remains in place on the pedal while the heel moves rapidly from left to right. On a personal level, this technique has saved my hips; after 20 years of playing fast double bass drum metal, it has greatly increased my high-speed playing comfort.

The question we must ask ourselves is what causes the lateral action of the foot? If we take a closer look, we need to find the hip’s rotator muscles, because this is the movement we are looking at. Since the heel moves to the left and right of the pedal’s central axis, we need to look at the internal rotation, and also at the muscles responsible for the external rotation of the hip. The muscles responsible for the internal rotation of the leg are the sartorius, the adductors, the pectineus, and gracilis for the inside of the thigh. The gluteus maximus, piriformis, obturator internus and externus, gemellus inferior and supertior, as well as quadratus femoris take care of the backside.

The swivel technique needs the heel to be raised. It doesn’t touch the pedal so it can freely move from one side of the pedal’s central axis to the other, an axis that goes through the 2nd and 3rd toes, and the middle of the heel (calcaneum). To be precise, you have to practice slowly and make sure your left and right heel movements are at the same speed. Similarly, when you play with two bass drums or with a double pedal, you need to make sure the right foot moves at the same speed as the left foot. The main advantage of the swivel technique is that the foot itself moves very little vertically since it slides laterally. The foot is always resting on the pedal. The hip muscles (psoas and iliac) need to expend much less effort, because they do not have to support the weight of the leg when it moves up. With conventional techniques, these muscles work much more. This depends obviously on the intensity of the legs vertical movement. If you want to see a good example of the swivel technique, you can watch videos of George Kollias, NILE’s excellent drummer!

The muscles responsible for the external rotation of the leg are the tensor fasciae latae, and gluteus medius and minimus. A mechanical analysis would be incomplete if we left out the static position of the leg with flexed knee. In order to flex the knee, we need the sartorius and gracilis muscles at the front of the thigh, but the main muscles responsible for flexing the thigh are found at the back and include the hamstrings (biceps femoris, semitendinosus, semimembranosus) as well as the popliteus and plantaris. Since the heel does not rest on the pedal, the calf and gastrocnemius muscles must be involved. So there you have it, a biomechanical analysis of the swivel technique. The next time you watch a video, remind yourself that the lighting, point of view, and image quality are factors that may make good informed criticism impossible. Never forget that it is better to remain silent and pass for an idiot than open one’s mouth and spew nonsense. 

By/Par: Franck Camus Translation: Jim Angelillo 14

drums etc.

Qui est Swivel? Vous savez, je déteste les discours préfabriqués de gens qui critiquent un artiste simplement en ayant vu 5 secondes de vidéo sur YouTube. Souvent, ça m’amuse… Surtout quand cela parle de technique et que cela fait référence à un mouvement particulier, fruit d’un apprentissage nécessitant beaucoup de répétitions. L’autre jour, je tombe par hasard sur un commentaire faisant suite à une vidéo sur YouTube traitant de la « swivel technique. » Un brillant individu y relatait que cette technique n’en était pas une et il s’essayait à un semblant d’analyse du mouvement plutôt cocasse, car manifestement l’individu n’avait aucune connaissance anatomique de base. Bravo champion! Tu viens de me donner l’idée de cet article.

Pour ceux qui ne connaissent pas la technique « swivel », cela a rapport à une technique de grosse caisse particulièrement efficace qui permet de jouer vite tout en douceur. Cette technique consiste à avoir l’arrière du pied qui bouge librement sur la pédale de droite à gauche (et vice versa), comme si on écrasait une cigarette avec le pied. L’avant du pied reste dans l’axe de la pédale alors que le talon passe rapidement de gauche à droite. Personnellement cette technique a sauvé la vie de mes hanches et après 20 ans de métal avec les grosses caisses jouées très vite cela facilite grandement mon confort de jeu à haute vitesse. Cette technique se joue avec le talon levé. Celui-ci ne touche pas la pédale pour pouvoir se déplacer librement et bouger de part et d’autre de l’axe qui passe entre le 2e et 3e orteil ainsi que le milieu du talon (os calcanéum). Pour pouvoir être précis, il faut pratiquer lentement et s’assurer d’avoir la même vitesse lorsqu’on bouge le talon vers la droite et vers la gauche. Quand on joue sur deux grosses caisses ou avec une pédale double, il faut s’assurer que le pied droit bouge à la même vitesse que le pied gauche. Le grand avantage de cette technique est que le pied bouge très peu de haut en bas puisque le talon glisse latéralement. Le pied repose donc en tout temps sur la pédale. L’effort au niveau des muscles de la hanche (psoas et iliaque) est donc moindre, car ils n’ont pas à supporter le poids de la jambe qui n’est pas supporté lorsqu’elle monte. En utilisant une technique conventionnelle, ces muscles ont une plus grande part de travail à effectuer. Évidemment, cela dépend de l’amplitude du mouvement de bas en haut de la jambe. Pour voir un bon exemple de la technique « swivel », vous pouvez toujours regarder les vidéos de George Kollias, l’excellent batteur de NILE! La critique de l’individu à propos de cette technique était totalement erronée, car il mentionnait que c’était un mouvement de cheville… Ce qui n’est absolument pas le cas, car l’articulation de la cheville dite « pince astragalo-calcanéenne » ne possède qu’un seul degré de liberté et il est en flexion extension et non en rotation latérale. (Êtes-vous capable de bouger le talon sans que le reste du pied bouge?) À quoi est donc due cette action latérale du talon? Voilà la question qu’il faut se poser… En regardant de plus près, il faut chercher quels sont les muscles rotateurs de la hanche, car c’est de ce mouvement dont il est question. Puisque le talon bouge à droite et à gauche de l’axe du milieu de la pédale il faut donc regarder la rotation interne, mais aussi les muscles responsables de la rotation externe de la hanche. Les muscles responsables de la rotation interne de la jambe sont donc le sartorius, le grand, moyen et petit adducteur, le pectiné et le gracile pour la loge interne de la cuisse. Le grand fessier, le piriforme, l’obturateur interne et externe, les jumeaux inférieur et supérieur, ainsi que le carré fémoral pour la loge postérieure. Les muscles responsables de la rotation externe de la jambe sont donc le tenseur du fascia lata, le moyen et petit fessier sur le côté externe. L’analyse mécanique ne serait pas complète sans parler de la position statique de la jambe avec le genou fléchi. Pour fléchir le genou, on a besoin du sartorius et du gracile sur l’avant de la cuisse, mais les muscles principaux responsables de la flexion de la cuisse se situent en arrière et sont composés des ischiojambiers (biceps crural, 1/2 tendineux, 1/2 membraneux) ainsi que du poplité et du plantaire grêle. Puisque le talon ne repose pas sur la pédale, il faut forcément une action des mollets et des gastrocnémiens. Voilà pour l’analyse biomécanique de cette technique. La prochaine fois que vous regarderez un vidéo, dites-vous bien que la lumière, l’axe ainsi que la définition même de la caméra font que vous n’avez peut-être pas tous les atouts en main pour effectuer une bonne critique. N’oubliez jamais qu’il vaut mieux se taire et passer pour un con que de dire des idioties.  drums etc. 15

Getting Your Shots Accents are splashes of color in rhythmic phrases. Without them, a drummer’s beats, fills and solos sound like a drab, boring lecture. Although experienced drummers take them for granted, beginners must be taught how to play accents.

I use the downstroke for most of my accents, meaning I throw the stick to the drum or cymbal but I keep it close to the surface instead of bouncing it. I’ll use a high stroke where the stick is almost perpendicular to the drum, then proceed until it’s almost parallel. I make the stick heights extreme to make the point clearly, knowing that students are apt to narrow the gap between the two heights. I keep the height differences extreme because visuals are easier to remember than verbal instructions. In addition, I feel that audiences should not only hear accents but see them. I cannot stress this enough. Beginners will usually return the sticks to a certain level they’ve grown used to...and accents will disappear. It’s not the high strokes that are the problem but keeping the downstroke consistently close to the batter that beginners find challenging. The next step is practicing accents within a flow of notes. Ted Reed’s Syncopation, Joe Morello’s Master Studies and Mark Wessels’s Fresh Approach to the Snare Drum contain plenty of accent studies. Although they are written for the snare drum they can be applied to the drumset—after students get a feel for playing accents on the snare drum alone. If you’re a beginner, you’ll discover that moving accents from snare drum to full drumset is confusing at first. I recommend starting very simple: quarter-notes on the crash. Play a stream of quarter-notes on the snare drum then choose one of these and play it on crash and bass drum. Yes, I know it’s easy but it’s a good way to learn accents. Next, choose 2 of the quarter-notes from the stream and do the same. Eventually you’ll be hitting all 4 quarter-notes in a bar of 4/4. On to eighth-notes. Following the same drill (above) and pick eighths at random and move them from snare to crash/bass drum. Assuming your sticking is RLRL on snare, once you begin replacing snare shots with crash/bass drum, you’ll be hitting half of those crashes with your left hand. If you’re a right hand player and have never crashed with your left hand, you should get used to it. You will quickly notice that the jump from quarters to eighths involves a lot more coordination and mental preparation.

Travailler les accents Les accents sont des touches de couleur dans les phrases rythmiques. Sans eux, le rythme, les figures et les solos de batterie ne sont que lectures ternes et ennuyeuses. Même si les batteurs expérimentés tiennent les accents pour acquis, les débutants doivent apprendre à les jouer.


drums etc.

J’utilise les frappes « down stroke » pour la plupart de mes accents, ce qui veut dire que je frappe la baguette sur la peau ou la cymbale, mais que je la garde tout près de la surface au lieu de la laisser rebondir. J’utilise une « high stroke » en gardant la baguette presque perpendiculaire à la peau avant d’amorcer la descente jusqu’à ce qu’elle soit presque parallèle à la surface de frappe. Lorsque j’enseigne, j’exagère les hauteurs de baguette pour être certain de me faire comprendre, sachant que les étudiants peuvent jouer entre ces deux extrêmes. Il est souvent plus facile de retenir le visuel que les instructions orales. De plus, je crois que le public devrait non seulement entendre les accents, mais aussi les voir. Et je n’insisterai jamais assez là-dessus. Les débutants ont tendance à reprendre la hauteur de baguette à laquelle ils étaient habitués, ce qui fait disparaître les accents. Le défi pour les débutants, ce n’est pas les high strokes, mais bien de garder la baguette constamment près de la peau lors des down strokes. La prochaine étape consiste à pratiquer les accents en jouant une série de notes. Syncopation de Ted Reed, Master Studies de Joe Morello et Fresh Approach to the Snare Drum de Mark Wessels contiennent une tonne d’exercices pour pratiquer les accents. Bien que conçus pour la caisse claire, ces exercices peuvent être appliqués au reste de la batterie, une fois que les étudiants savent comment jouer les accents sur la caisse claire. Si vous commencez à jouer de la batterie, vous allez trouver déroutant de déplacer les accents au début. Je recommande de commencer par des exercices simples : des noires sur la crash. Jouez une série de noires sur la caisse claire puis déplacez-les sur la crash et la grosse caisse. C’est facile et c’est une bonne manière d’apprendre les accents. Ensuite, choisissez-en 2 dans le lot et faites la même chose. Vous arriverez ainsi à frapper les 4 noires sur une barre en 4/4. Les croches maintenant. Refaites l’exercice ci-dessus en choisissant des croches au hasard, que vous déplacerez de la caisse claire à la grosse caisse. En présumant que votre roulement est DGDG sur la caisse claire, une fois que vous avez commencé à remplacer les accents sur la caisse claire avec la crash et la grosse caisse, vous frapperez la moitié des notes sur la crash avec votre main gauche. Si vous êtes droitier et que vous n’avez jamais joué de la crash avec la gauche, donnez-vous du temps pour vous y habituer. Vous remarquerez vite que le saut des noires aux croches implique beaucoup plus de coordination et de préparation mentale.

Next you will be playing accents around the kit. You could begin taking figures from the recommended books (or select from your own RLRL flow) and move them to any one of your toms or cymbals now that you’re comfortable with basic crashing, which I find is a good starting point. In addition to use your notes as accents, try play 2-bar phrases where bar 1 is the beat, bar 2 is fill. Accents can now become part of your beats. When playing to music, whether your band or your iPod, arrange your drumset patterns such that the accents complement those ones that stand out songs. I suggest keeping it at eighth-notes, both flow and accents, before moving on to sixteenth-notes and triplets. Note that drummers will set up their accents; they’ll do fills before their accents, which make the accents even more exciting.You’ll find that you’ll begin to distinguish one drummer’s style from another by the nature of these set ups, accents, and fills. I can’t give you specific instructions on how to set up accents, or “shots” as they are often called. You’ll have to listen to drummers and copy what they do. Gradually, you will build up your own repertoire, mixing and matching what they do with your own ideas.

Danny Gottlieb Signature Kit

A final exercise: play a stream of quiet sixteenth-notes (or triplets, once you’re familiar with them) along with a suitable song. Listen to the vocals and try and play accents that match the rhythms of the lyrics. Be selective or your accents will get too crowded! Spread your accents and fills around the kit. Once you get that going, pare down your playing until you are only accenting the important parts. Now you are a musician! 

Ensuite, vous allez jouer les accents sur la batterie. Vous pouvez commencer en vous inspirant de figures trouvées dans les livres cités plus haut (ou en choisissant à partir de votre propre série DGDG) pour les déplacer ensuite de n’importe quel tom ou cymbale, une fois que vous êtes à l’aise avec la crash, ce qui est, à mon avis, un bon point de départ. En plus d’utiliser vos notes comme accents, essayez de jouer des phrases de 2 barres dans lesquelles la barre 1 constitue le rythme et la barre 2, la figure. Les accents feront désormais partie intégrale de vos rythmes. Lorsque vous jouez de la musique, que ce soit avec votre groupe ou votre iPod, arrangez vos motifs de batterie de façon à ce que les accents complètent ceux qui ressortent dans les chansons. Je vous conseille de vous en tenir aux croches, autant dans le flot que dans les accents, avant de passer aux doubles croches et aux triolets. Notez que les batteurs vont mettre en valeur leurs accents; ils vont faire des figures avant leurs accents, ce qui les rend encore plus séduisants. Vous commencerez à différencier le style d’un batteur d’un autre par la nature de ces mises en valeur, de ces accents, de ces figures. Je ne peux pas vous donner d’instructions précises sur l’endroit où placer ces accents, ou ces « shots », comme on les appelle souvent en anglais. Vous devrez écouter les batteurs et copier ce qu’ils font. Graduellement, vous construirez votre propre répertoire, en mélangeant et en agençant ce qu’ils font avec vos propres idées. Un dernier exercice: jouez une série de doubles croches ou de triolets (une fois que vous les maîtriserez) sur la chanson de votre choix. Écoutez les voix et essayez de placer les accents en fonction des rythmes des paroles. Soyez sélectif ou vos accents se perdront dans la cohue! Répartissez vos accents et vos figures sur la batterie. Une fois sur votre élan, réduisez votre jeu pour accentuer seulement les parties importantes. Vous voilà musicien!  By/Par: David Cronkite Traduction: Geneviève Hébert

In Canada, contact Kief Music at

drums etc.



Annual Cymbal Round Up Cymbals were around long before The Bible and its reference to the clashing of bronze plates. They were used to drive the music, excite the dancers, and sometimes to frighten the enemy. Not much has changed except, maybe, substitute “lead singer” for “enemy”. And there’s still secrecy shrouding certain aspects of alchemy and manufacturing. It’s all good, witness the proliferation of diverse models we examine today.


Twenty Masters’ Collection 22” Crisp Ride: Paiste Twenty cymbals are the result of the Swiss company sending out to Turkey for B20 bronze disks. Paiste then goes to work on them at home. In the instance of the 22” Crisp Ride, Paiste worked with Ndugu and came up with a defined ping that sparkles against a upper-mid register cushion swell. There’s not a lot of dark trash in this one, which Ndugu calls “Rosie”. I guess you had to be there. The underside is finished in a gold satin. Alpha Boomers by McBrain: Nicko McBrain of Iron Maiden has helped create a (no-brainer) line of heavier cymbals intended for loud music. Whereas Alpha originated in the early 1990s as an “affordable Paiste”, it has matured into a series of cymbals that do the job a decent price point. McBrain has designated essential sizes/weights of crashes (from splash to 16” through 20”), rides (the 22” is a razor!), and hats. For various reasons, the Boomer hi-hats resemble other pro Paiste hats. The 14” pairs react to a brutal blow, also to a gentle flick of wrist, while the open and closed activity is exquisite. Then there’sthe 18” China in a hand-buffed reflector finish. PST8 Paiste Sound Technology on a Budget: Trust Paiste to take the B8 alloy (think John Bonham) and work it into a full line that cash-shy drummers can afford and play without hiding their faces in shame. Many of these cymbals will truly surprise you—could be the splashes, Reflector Ride, crashes, and always the hats when it comes to Paiste (available with the Paiste Sound-Edge rippled bottom). Box sets are available. 18

drums etc.

Les cymbales existaient bien avant la Bible dans laquelle il est question de plaques de bronze qui s’entrechoquent. Elles étaient utilisées pour animer la musique, exciter les danseurs et, parfois, pour apeurer l’ennemi. Aujourd’hui, rien n’a vraiment changé, excepté peut-être que le chanteur est devenu l’ennemi! Et comme dans l’alchimie, il y a toujours certains aspects de leur fabrication qui demeurent des secrets. Il y a encore certains aspects mystérieux concernant leur alchimie et leur fabrication. Ce qui n’est pas mal, puisqu’il existe de plus en plus de modèles, dont en voici un aperçu.

Twenty Masters’ Collection 22” Crisp Ride Crisp Ride de la collection Twenty Masters : les Crisp Ride de la collection cymbales Twenty de Paiste sont le fruit de la collaboration du Twenty Masters fabricant suisse avec des artisans turcs qui leur fournissent des disques de bronze B20. Paiste les retravaille dans leur usine. Dans le cas de la Crisp Ride de 22 pouces, Paiste a travaillé avec Ndugu Chancler jusqu’à l’obtention d’un « ping » défini qui reluit au-dessus d’un coussin de fréquences médianes et aiguës. Il n’y a rien de sombre et de bruyant dans cette cymbale que Ndugu surnomme Rosie…

Alpha Boomers par McBrain : Nicko McBrain de Iron Maiden a participé à la création d’une gamme de cymbales destinées à la musique heavy. Bien que la série Alpha tire ses origines du début des années 90 en tant que cymbales Paiste abordables, elle s’est transformée en une série qui fait très bien son travail pour un prix tout à fait décent. McBrain a donc désigné les diamètres et les poids idéaux des crash (de splash à 16 et 20 pouces), des rides (la 22 pouces est une razor!) et les cymbales hi-hat. Pour plusieurs raisons, les cymbales hi-hat Boomer ressemblent à certaines cymbales professionnelles de Paiste. La paire, faisant 14 pouces de diamètre, réagit aussi bien aux coups brutaux qu’aux petits coups de poignets subtils, tandis que l’effet ouvert/fermé est exquis. Et il y a la China de 18 pouces qui a un fini miroir, poli à la main.

Le tour d’horizon annuel des cymbales

Dream I reviewed favorably the first incarnation of Dream Contact Series for Modern Drummer. The rides were heavy like a rock ride. They didn’t catch on and vanished from the catalog. Now we see the introduction of Dream Contact Heavy Rides 20” and 22” and the photos sent by Andy Morris, Dream founder and meticulous standards-keeper, show a cymbal identical to the old-series one I bought a year following the MD review. One change, blessedly: Andy has reduced the former mega-bell to normal-size. Everything else seems intact, from old fashioned, wide-band lathing to deep hammering. If you don’t fancy heavy rides, the Dream Contact heavies could have you questioning your druthers.

J’avais déjà écrit positivement à propos de la première incarnation de la série de cymbales Contact de Dream dans les pages de Modern Drummer. Les rides étaient lourdes comme une ride destinée au rock. Elles n’ont pas eu le succès escompté et ont été éliminées du catalogue. Mais voici que Dream vient de lancer les rides Contact Heavy de 20 et de 22 pouces. D’après les photos que le fondateur de Dream, Andy Morris, m’a envoyées, on y voit une cymbale identique à celle que j’ai acheté un an après ma critique dans MD. Il n’y a qu’un changement : la cloche. Elle est maintenant de grandeur normale, plutôt qu’extra grande. Tout le reste semble intact, des stries larges à l’ancienne au martelage profond. Si vous n’êtes pas attirés par les rides épaisses, les Contact de Dream pourraient vous faire reconsidérer votre position.

Dream Contact Heavy Ride 22’’

20’’ PST8 Paiste Sound Technology on a Budget Technologie sonore PST8 de 20’’ de Paiste abordable

La technologie sonore PST8 de Paiste abordable : on peut faire confiance à Paiste qui, avec l’alliage B8 (pensez John Bonham), façonne la matière jusqu’à l’obtention d’une série de cymbales que même les batteurs les moins riches pourront se procurer sans avoir honte du résultat. Plusieurs de ces cymbales vous surprendront vraiment, comme les splash, la ride Reflector, les crash et bien sûr, les cymbales hi-hat (disponible avec cymbale inférieure ondulée Paiste Sound-Edge). Également offertes en ensembles de cymbales présélectionnées. drums etc.


13’’ Pocket Hi-Hat Pocket Hi-Hat de 13 pouces

Zildjian The groove and the pocket are the raison d’être for Zildjian’s 13” Pocket Hi-Hats. Formerly available in box sets oriented to gospel drummers, the 13” hats became so popular Zildjian decided to make them stand-alone items. An extra-thin cymbal sits atop a heavy bottom. Both are unlathed and bludgeoned with large hammers. The sound is full, the response instantaneous when pedaled with feet or struck with sticks. Maybe it doesn’t take 17” hi-hats to create a big sound...

22’’ Renaissance Ride Ride Renaissance de 22 pouces

The 22” Renaissance Ride targets jazz players in moderate volume situations. The lathing is tight, top and bottom, except for the underside of the bell, which is left in its native raw state. Zildjian head of R & D Paul Francis worked with jazz legend Adam Nussbaum, got the cymbal right, then messed it up with the addition of 4 deep craters atop an already extensively-hammered cymbal—a sort of “de-tuning”. Zildjian introduced the Constantinople Bounce Ride last year and it sizzled in the basic 22” diameter. It took a little bit of work to retain all the trashy boldness and soft feel in a 20” Bounce Ride but it paid off. It gets wobbling and you think all hell’s gonna break loose but surprisingly you can dig in and tip it. Hammering all over the place plus fully 8 additional craters. Trashy in a good way! K Custom Dark Complex rides are completely unlathed. They are hammered so extensively it’s ridiculous, which may account for the softer feel and amazingly defined stick tip tone. Is it just me or is that brilliant/satin finish, what with all that hammering, cool or what?

20’’ Constantinople Bounce Ride Constantinople Bounce Ride de 20 pouces

Le groove et le pocket sont LA raison d’être des cymbales hi-hat Pocket de 13 pouces de Zildjian. Elles faisaient auparavant partie d’ensembles de cymbales destinés aux batteurs gospel, les hi-hats de 13 pouces sont devenus tellement populaires que Zildjian a décidé de les offrir séparément. La cymbale du dessus est ultra mince, tandis que la cymbale du dessous est épaisse et lourde. Les deux ne sont pas striées, mais travaillées avec un gros marteau. Elles produisent un son bien rempli et la réponse est instantanée que ce soit avec un coup de pédale ou de baguette. Il n’est peut-être pas nécessaire d’avoir des cymbales hi-hat de 17 pouces pour produire un gros son… La ride Renaissance de 22 pouces est destinée aux batteurs jazz qui jouent à volume modéré. Le dessus et le dessous sont striés bien serré, excepté sous la cloche, où la surface est laissée à l’état brut. Le chef de la recherche et du développement chez Zildjian, Paul Francis, a travaillé avec la légende du jazz Adam Nussbaum, et ça a donné des résultats qui ont ensuite été gâchés lorsqu’ils ont ajouté quatre cratères sur une surface déjà très martelée, ce qui, en fait, la « désaccorde ». Zildjian a lancé la « grésillante » ride de 22 pouces Constantinople Bounce l’année dernière. Il a fallu du travail pour transporter la même sonorité métallique et la même douceur sur une ride de 20 pouces, mais Zildjian a réussi. Lorsqu’elle se met à vaciller, on croit à la catastrophe, mais c’est avec surprise qu’on réalise qu’on peut continuer à jouer avec intensité sans perdre le contrôle. En plus de ses huit cratères, toute sa surface est martelée. Et pourquoi pas! Les rides K Custom Dark Complex ne sont pas striées. Par contre, elles sont tellement martelées jusqu’à la moelle. C’est ce qui pourrait expliquer leur douceur et leur sonorité très définie. Et que dire de leur finition lustrée et satinée? Elles sont superbes avec tout ce martelage!

Here’s a crossover cymbal from the ever-artsy Akira Jimbo: the K Custom Hybrid Trash Smash. The name says it all...almost. It doesn’t say “ride”. You can ride it. Note the reverse bell.

Enfin, regardons la nouvelle cymbale hybride de l’original Akira Jimbo, soit la K Custom Hybrid Trash Smash. Son nom dit tout, ou presque! On ne mentionne pas « ride », mais elle s’utilise comme tel. Vous aurez remarqué sa cloche inversée. 21’’ K Custom Dark Complex Ride


drums etc.

19’’ K Custom Hybrid Trash Smash

K Custom Hybrid Trash Smash de 21 pouces

K Custom Dark Complex Ride de 21 pouces



The B8 Pro cymbal line, which was completely overhauled a few years ago, is now closer to pro than ever. Seriously, at NAMM, Sabian master cymbal maker Mark Love showed me a few B8 Pros that I’d put to good use in a live or studio setting without blinking. I say this to you younger drummers who are wondering, “Can I get a real cymbal at a lower price?” The new Sabian B8 Pro Ozone Crashes are every bit as cool as their counterparts in, say, the Evolution line. Shaped from, you guessed it, B8 bronze alloy (92% copper and 8% tin), which is inherently more active in the upper register, the new B8 Pro Ozone crashes are not all highs, though. They exhibit a nice helping of funky, trashy lows. Available in 16” and 18”, they project a full tone, loud if you need it, and the attack is sharp but not shrill. Those holes seem to EQ-out brittle overtones prevalent in some B8 alloy crashes and make for a dry, smooth decay.

Meinl, a German company known as a sort of “automated” cymbal maker in the 1980s, upped and surprised the world, towards the end of the 1990s and to date, by creating truly musical, non-robotic cymbals...real instruments. The current Meinl Byzance Big Apple Ride is among the Meinl cymbals beginning as a disk caste in Turkey then worked over at the headquarters. The Meinl Byzance series Big Apple Ride does a credible job, in look and feel, replicatng the dark, lower-pitched cymbals that were prevalent on 52nd Ave in the 1950s and 1960s. The snub nosed bell, flat profile, and dimpled surface are critical to the presence created by this 22” ride cymbal.

The popular B20 alloy Sabian Holy China is now available in a 17” diameter, regular or brilliant finish. This establishes a trinity: 17”, 19”, 21”. They feature bumped up profiles and large unfinished bells. They will actually crash, not just pop like a gun. There are something like 51 holes (who’s counting?) that dry out the tone and adjust the defiant clang. This cymbal could have spelled anarchy but, in fact, it’s the most interesting China cymbal I’ve heard in years. Think 17” Holy to your right, 21” Holy to your left, and pray you don’t get fired.

La gamme de cymbales B8 Pro, qui a été entièrement repensée il y a quelques années, s’approche de plus en plus de l’appellation « pro ». Sans blague, lors du salon NAMM, le maître cymbalier chez Sabian, Mark Love, m’a montré quelques B8 Pros que j’utiliserais sans hésitation sur scène ou en studio. En écrivant cela, je songe à tous les jeunes batteurs qui se demandent : « est-ce que je peux m’acheter une vraie cymbale à moindre coût? » Les nouvelles crash Sabian B8 Pro Ozone sont aussi cool que leurs semblables, par exemple, dans la gamme Evolution. Sans surprise, elles sont faites à partir de l’alliage de bronze B8 (92 % cuivre et 8 % étain), qui produit beaucoup plus de fréquences aiguës. Mais les nouvelles crash B8 Pro Ozone ne produisent pas que des aigües. Elles possèdent une bonne dose de graves funky. Offertes en versions de 16 et de 18 pouces, elles produisent une sonorité bien remplie avec, si désiré, beaucoup de volume, tandis que l’attaque est précise, sans être stridente. Les trous semblent éliminer les harmoniques dérangeantes qui affectent certaines cymbales crash faites d’alliage B8, aidant à produire une fin de note sèche et douce.

16’’ Sabian B8 Pro Ozone Crash

B8 Pro Ozone Crash de 16 pouces

The Mb8 Brann Dailor Signature 21” Ghost Ride follows a particular Meinl forté: taming a wild cymbal so that it behaves. For the Dailor Ghost Ride, Meinl puts the B8 alloy to good use, talking about the inherent high-end cut. In this respect, the medium weight is optimum and gives off highs and lows in reasonable proportions. There’s yin yang at work: they’ve taken the cymbal from the fire then torched it again; they’ve hammered heavily but left that black bell untouched. As for the “ghost”, apparently Mr Dailor claims you shouldn’t be frightened. It’s an all round cymbal that isn’t scary...unless you provoke it.

18’’ Sabian B8 Pro

Ozone Crash

B8 Pro Ozone Crash La cymbale Sabian Holy China, faite de l’alliage populaire de 18 pouces B20, est maintenant offerte en version de 17 pouces, avec une finition normale ou lustrée. Elle complète la trinité, soit 17, 19 et 21 pouces. Elles présentent un profil cahoteux et de grandes cloches sans finition. Elles résonnent plutôt que de claquer comme une arme à feu. Elles sont trouées 51 fois (oui, je les ai comptés), ce qui a pour effet d’assécher la tonalité et ajuster le fracas métallique. Elles auraient pu créer un son anarchique, mais elles s’avèrent être les cymbales China les plus intéressantes depuis plusieurs années.

Sabian B20 Holy China now available in a 17’’ B20 Hoyly China de Sabian maintenant offerte en version 17 pouces 22

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22’’ Meinl Byzance Big Apple Ride Meinl Byzance Big apple de 22 pouces

Meinl, une entreprise allemande connue dans les années 80 comme fabricant de cymbales sans âme, a surpris le monde à la fin des années 90 avec une série de nouvelles cymbales musicales, de vrais instruments, quoi. La récente ride Byzance Big Apple de Meinl a commencé sa vie comme disque moulé en Turquie, retravaillé ensuite dans ses ateliers. La ride Big Apple réussit, tant par son allure que par la sensation qu’elle offre, à reproduire la sonorité sombre et grave des cymbales omniprésentes sur la 52e avenue à Manhattan dans les années 50 et 60. Sa petite cloche, son profil plat et sa surface martelée contribuent à la présence créée par cette ride de 22 pouces.

La ride Ghost Mb8 Brann Dailor Signature de 21 pouces est le fruit de l’une des forces de Meinl, soit apprivoiser une cymbale sauvage, la rendant docile. Pour la ride Dailor Ghost, Meinl fait bon usage de l’alliage B8, gérant ses tonalités aiguës caractéristiques. À cet égard, son poids moyen est optimal et aide à produire autant de fréquences aiguës que graves. C’est une question de yin yang: ils ont pris une cymbale encore chaude et l’ont mise au feu une fois de plus et l’ont martelé, sans retoucher la cloche noircie. Quant à l’idée de « fantôme », M. Dailor affirme qu’il ne faut pas s’en faire. Voici une cymbale tout-usage qui ne fait pas peur… à moins qu’on la provoque!

MB8 Brann Signature 21’’ Ghost Ride

Ride Ghost MB8 Brann Dailor Signature de 21 pouces

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Pearl Percussion Cube Cajon The Cube Cajon is Pearl Percussion’s latest addition to its family of cajons. This square 12.5” x 12.5” fiberglass cajon features 5 different playing surfaces, with one side ported for low frequency resonance. The thinner the wall, the lower the pitch; the thicker the wall, the higher the pitch. Snare wires are fixed to two sides, producing a sizzling snare slap. The Cube Cajon comes with a 3-level wood stand, while the cajon itself boasts the beautiful Carubinga finish. Distributed by Erikson Music.



Le cajon Cube de Pearl Percussion

Le cajon Cube constitue le plus récent ajout à la famille de cajons de Pearl Percussion. Ce cajon de fibre de verre de 12,5 par 12,5 pouces offre 5 surfaces de jeu différentes, dont une est trouée pour améliorer la résonnance des fréquences graves. Plus la surface est mince, plus grave est le ton; plus la surface est épaisse, plus aigu est le ton. Deux des surfaces sont munies de cordes de timbre, produisant un grésillement et un claquement de caisse claire. Le cajon Cube est vendu avec un support de bois à trois niveaux, tandis qu’il arbore la superbe finition Carubinga de Pearl. Distribué par Erikson Music.

Cymbag The new Cymbag is a single cymbal protector, which lets you manipulate it without touching it directly. The affordable Cymbag’s radial opening makes them easy to slip on and off. Available in sizes ranging from 6” to 26”, it can be used as a protector, yes, but also as a separator, when you need to stack your cymbals for transport or storage, and as a cymbal muffler. The company also offers custom made Cymbags. Le nouvel étui Cymbag ne protège qu’une cymbale, que vous pouvez manipuler sans la toucher directement. L’étui abordable comporte une ouverture radiale qui le rend facile à mettre ou à enlever. Offert en diamètres allant de 6 à 26 pouces, l’étui Cymbag s’utilise comme protecteur, oui, mais aussi comme séparateur lorsque vous voulez empiler vos cymbales pour le transport ou l’entreposage, et comme sourdine de cymbale. Cymbag offre aussi des étuis faits sur mesure.


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Mark Drum YES Marketed as the first “acoustic hearted” electronic drum set, Mark Drum’s YES actually offers the feeling of playing on an acoustic set. The Italian-made instrument includes a light aluminum rack and an 8-piece set, which includes a snare drum and 3 toms with 10” mesh heads, kick, ride, crash, and hi-hat with 255 layers of sensitivity. The YES sound module offers 24 onboard drum sets of which each sound can be tweaked to one’s desire. Distributed by Erikson Music.

Annoncée comme étant la première batterie électronique au « cœur acoustique », la batterie YES de Mark Drum offre effectivement la sensation de jouer sur une batterie acoustique. L’instrument, qui est fabriqué en Italie, comprend un support d’aluminium léger et 8 pièces principales, comprenant une caisse claire et 3 toms, munis de peaux de maille de 10 pouces, un pad de grosse caisse, une cymbale ride, crash et un hi-hat avec 255 couches de sensibilité. Le module sonore YES contient 24 batteries desquelles chaque sonorité peut être modifiée selon ses préférences. Distribué par Erikson Music.

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2 years / 2 ans 29,40 $ 31,90 $ (Québec)

Toca Kalani Flex Drum

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In collaboration with educator and percussionist Kalani, Toca has launched its new Flex Drum, a stackable, easy to transport community drum, perfect for interactive drumming. Entirely made of lightweight PVC, the Flex Drum is 23-inches tall and its pre-tuned 11” PVC head can be removed and used as a frame drum. With its included adjustable shoulder strap, it is a very convenient instrument, which ca be used in a wide variety of contexts. B&J Music Ltd

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Flex Drum Kalani de Toca


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En collaboration avec l’éducateur et percussionniste Kalani, Toca vient de lancer son nouveau Flex Drum, un tambour communautaire empilable et facile à transporter, idéal pour le jeu de tambour interactif. Fait entièrement de PVC léger, le Flex Drum mesure 23 pouces de hauteur et sa peau de PVC pré-accordée de 11 pouces s’enlève et peut s’utiliser comme tambour à main. Il n’y a aucun doute que c’est un tambour très polyvalent qui, avec sa bandoulière ajustable, s’utilise dans une multitude de contextes. B&J Music Ltd

Perfect Balance Pedal by Jojo Mayer Sonor is celebrating its 135th year by launching the Perfect Balance Pedal by Jojo Mayer. Sonor collaborated with Jojo in his quest to achieve perfect harmony and interplay between the pedal’s moving parts and the foot. Though it uses new technology like its low mass drive system and innovative folding mechanism, the pedal retains many industry standard features. “The most important feature of this pedal is that it will not put any obstacles in your way to develop a level of speed, control, and power that can’t be obtained with most pedals,” says Mayer.


Send your check or money order to: Faites parvenir votre chèque ou mandatposte au nom de: Musicien Québécois, 753, rue SteHélène,Longueuil (Québec) J4K 3R5 26

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Pédale Perfect Balance par Jojo Mayer Sonor célèbre son 135e anniversaire avec le lancement de la nouvelle pédale Perfect Balance conçue par Jojo Mayer. Sonor a collaboré avec Jojo dans sa quête pour atteindre l’harmonie et l’interaction parfaite entre les éléments de la pédale qui sont en mouvement et le pied. Bien qu’elle fait usage de nouvelles technologies comme le système d’entraînement léger et le mécanisme innovateur permettant de plier la pédale sur elle-même, la pédale conserve plusieurs éléments qui sont standards depuis des décennies. « La caractéristique la plus importante de cette pédale est qu’elle n’imposera pas d’obstacles dans l’atteinte d’un niveau de vitesse, de contrôle et de puissance que la plupart des autres pédales ne permettent pas d’acquérir, » affirme Mayer.


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Drums Etc [v24-n3] May-June 2012  

Cover: Elie Bertrand / Theme: Cymbals