ISSUE #58

LILA MOSS

BY VENETIA SCOTT IN FENDI KIM JONES LILA MOSS ANNE IMHOF NATHANIEL MARY QUINN HANS ULRICH OBRIST DEVON LEE CARLSON DANIELLE ORCHARD ARAM BARTHOLL VENETIA SCOTT PAMELA GOLBIN

LILA MOSS

SO GOOD SO RIGHT

ISSUE 58 FALL/WINTER 2021 FASHION COVER

MUSE COVERS

ISSUE 58 FALL/WINTER 21

FASHION COVERS

1

1

LILA MOSS by VENETIA SCOTT and SARA GILMOUR in FENDI

2

SARA GRACE WALLERSTEDT

by NADINE FRACZKOWSKI and RAY TETAUIRA in BOTTEGA VENETA

3

BENTE OORT by BLOMMERS & SCHUMM and PATRICK WELDE in SAINT LAURENT

2

4

3

FLORENCE HUTCHINGS

by BENJAMIN LENNOX and BRIAN CONWAY in CHANEL

ART COVERS 5 6

4

ANNE IMHOF

by NADINE FRACZKOWSKI NATHANIEL MARY QUINN

5

6

FASHION COVERS

7

Covers

8

7

ARIEL NICHOLSON by DREW JARRETT and KIRBY MARZEC in LOUIS VUITTON

8

SARA GRACE WALLERSTEDT

by NADINE FRACZKOWSKI and RAY TETAUIRA in GUCCI

9

EMILY KRAUSE by TINA BARNEY and STELLA GREENSPAN in NOIR KEI NINOMIYA

9

32

INTERFERENZE

on alysi.com

ISSUE 58 FALL/WINTER 21 42

FRONTPAGES

48

CONTENTS

50

DANIELLE ORCHARD Interview Bill Powers Photography Clément Pascal

62

SKIN CONTACT Photography Isabelle Wenzel Fashion Francesca Cefis

78

THE YOUNG AND THE RESTLESS Photography Bella Newman Fashion Amy Mach

100

DEVON LEE CARSLON Interview Maddalena Iodice Photography Lindsay Ellary Fashion Amy Mach

108

FLORIDA ESCAPE Photography Fumi Nagasaka Fashion John Colver

118

SOFTEN DISCERN Photography Thomas Rousset Fashion Anna Schiffel

128

CULTURE CHAOS

130

THE CIRCUS Nathaniel Mary Quinn

146

THE OPEN MAZE Anne Imhof

164

BECOMING MYTHIC Dawoud Bey

176

DIGITAL DYSTOPIA Aram Bartholl

Index

196

FASHION FW 21

198

MODEL BEHAVIOR Photography Benjamin Lennox Fashion Brian Conway

212

SINK OR SWIM Photography Blommers & Schumm Fashion Patrick Welde

228

MIRROR MIRROR Photography Adrian Samson Fashion Sara Gilmour

240

EVE OF DESTRUCTION Photography Robert Lindholm Fashion John Colver

264

A TRIBUTE TO FAMILY Kim Jones

278

SO GOOD SO RIGHT Photography Venetia Scott Fashion Sara Gilmour

290

THE MAGIC HOUSE Photography Nadine Fraczkowski Fashion Ray Tetauira

322

THE SPACE BETWEEN THEN AND NOW Photography Tina Barney Fashion Stella Greenspan

334

WHERE THE SUN MEETS THE MOON Photography Ben Beagent Fashion Tereza Ortiz

354

IMAGINATION TAKES FLIGHT Photography Drew Jarrett Fashion Kirby Marzec

51

Index

93

117

222

283

340

Editor in Chief & Creative Director Fabio Crovi Fashion Market Editor Francesca Parasecoli Editor at Large IT Maddalena Iodice Editor at Large US & Digital Creative Director Sarah Bassett Content Coordinator Elisa Ambrosetti Art Direction Dallas Graphic Design Assistants Nicola Narbone Senior Editor Bill Powers Hans Ulrich Obrist

ISSUE 58

FALL/WINTER 21

Contributing Photographers Adrian Samson Bella Newman Ben Beagent Benjamin Lennox Blommers & Schumm Brett Lloyd Casper Sejersen Clément Pascal Drew Jarrett Fumi Nagasaka Isabelle Wenzel Jon Ervin Lindsay Ellary Malick Bodian Nadine Fraczkowski Robert Lindholm Thomas Rousset Tina Barney Venetia Scott Vitali Gelwish Whitten Sabbatini

Casting Directors Clemence Orozoco Bello Clare Rhodes Dora Production Ian Bauman Ikki Casting Monika Domarke Ortiz Casting Simone Schofer Trevor Swain General Inquires contact@musemagazine.it Advertising Director Eleonora Armirotti eleonora.armirotti@cesanamedia.com Advertising France Magali Riboud mriboud@studio-riboud.com PR & Events projects@musemagazine.it

Contributing Stylists Amy Mach Anna Schiffel Brian Conway Francesca Cefis John Colver Kirby Marzec Patrick Welde Ray Tetauira Sara Gilmour Stella Greenspan Tereza Ortiz

Contributing Writers Angeliki Kim Jonsson Gloria Boeri LeRonn P. Brooks Maddalena Iodice Paige Silveria Pamela Golbin

Muse Studio musestudio@musemagazine.it Finance mag@musemagazine.it Instagram @musemagazine Facebook muse magazine Twitter @muse_mag

Contributing Artists Anne Imhof Aram Bartholl Danielle Orchard Dawoud Bey Devon Lee Carlson Kim Jones Lila Moss Nathaniel Mary Quinn

Publisher Fabio Crovi Published By Mag Srl a socio unico Pubblicazione Registrata presso il Tribunale Di Milano N. 123 Del 18/02/2005 Cppap: 1110U87293 Head Office Milan Foro Buonaparte, 48 20121 Milano, Italy musemagazine.com Editorial Office New York 110 E. 25th Street New York, NY 10010

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Special thanks to: Angeliki Kim Jonsson, Independent Curator and Art advisor, who oversaw the translation of Anne Imhof and Hans Ulrich Obrist’s conversation.

Gloria Boeri, Doctoral candidate in History of Art, University of Oxford, who oversaw the translation of Nathaniel Mary Quinn and LeRonn P. Brooks’s conversation.

Italian Distribution So.di.p. “Angelo Patuzzi” Spa Via Bettola, 18 Cinisello Balsamo T +39 02 660301 Worldwide Distribution New Export Press 30 Rue Raoul Wallenberg Paris, France T +33 (0)140291451

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LOVE IN VERONA | robertocoin.com

Front Muse Magazine 58

2. Sturm&Drang Osservatorio Fondazione Prada, Milan until January 22, 2022 Una collaborazione tra Fondazione Prada, GTA ed ETH Zurich, “Sturm&Drang” è una nuova mostra in esposizione all’Osservatorio di Fondazione Prada a Milano fino al 22 gennaio 2022. Un nuovo progetto che esplora l’esperienza phygital con l’uso di Computer-Generated Imagery (CGI), ma che al tempo stesso vuole spiegare la complessità del processo di creazione di immagini digitali, e di quanto esse abbiano influenzato la nostra vita quotidiana creando una vera e propria industria del digitale. L’esibizione si suddivide in quattro ambienti distinti (reali e immaginari) che sono solitamente utilizzati per la creazione di CGI, videogame, e altri tipi di immaginario high tech.

Nel primo piano dell’Osservatorio i visitatori possono immergersi nell’esperienza digitale di un Military First Person Shooter, ricreando un combattimento a mano armata solito ad apparire nei videogame, e sempre nello stesso piano, nel secondo ambiente vengono ricreate delle stanze del Cheap Hotel a Chiba, come omaggio al film di fantascienza “Neuromancer” di William Gibson. Al second piano, il terzo ambiente mostra dei tutorial che spiegano l’impiego dei CGI, e nel quarto viene ricreato uno spazio di 3D rendering, che viene situato in mezzo ad una stanza piena di letti utili ai grafici per riposarsi mentre i loro rendering stanno processando.

1. “Imagination Takes Flight: The World of Fornasetti Through the Eyes of Nicolas Ghesquière” Garage Traversi, Milan November, 2021 “Quello che ho realizzato è stato più di una decorazione. È un invito a sognare, a pensare, a fuggire da ciò che di automatizzato e inumano ci circonda. Le mie creazioni sono biglietti da viaggio nel regno dell’immaginazione” — Piero Fornasetti Successivamente alla collaborazione per la collezione Autunno Inverno 2021, Louis Vuitton annuncia l’apertura di nuova mostra intitolata “Imagination Takes Flight: Il mondo di Fornasetti attraverso lo sguardo di Nicolas Ghesquière, con la partecipazione di Fornasetti, che prenderà luogo nel rinnovato Garage Traversi, situato nel centro di Milano.

L’esposizione presenterà una selezione dei progetti passati, includendo oggetti, tessuti e vestiti presi dagli archivi di entrambe le maison, mostrando la comune visione che Louis Vuitton e Fornasetti hanno del futuro, risultato di referenze storiche e studio dell’attuale società.

La mostra è suddivisa in tre temi fondamentali: il primo, “Arte tessile”, che rappresenta la dimostrazione della qualità dell’artigianalità attraverso l’esposizione di tessuti e foulard stampati.

“Architettura”, che vede l’uso dell’architettura come fonte di ispirazione sia per Louis Vuitton, che per Fornasetti, attraverso anche gli iconici disegni architettonici rivisitati in bianco e nero. E infine il “Viaggio” come valore fondamentale che fa parte dell’eredità dei due brand, inteso anche come il viaggio per oltrepassare i limiti dello spazio e del tempo.

Sturm&Drang, Fondazione Prada, Milan, courtesy of Fondazione Prada.

“What I created is something more than just a decor. It’s an invitation to dream, to think, to escape from what surrounds us and it is automatized and inhuman.

My creations are tickets for a journey to the imagination kingdom.” — Piero Fornasetti Subsequently their collaboration for the Autumn Winter 2021 Collection, Louis Vuitton announces a new exhibition once again in partnership with Fornasetti.

The display, “Imagination Takes Flight: The World of Fornasetti Through the Eyes of Nicolas Ghesquière”, will take place in November in the renovated Garage Traversi in the heart of Milan. It will present a selection of archives objects, dresses, and textiles of the two historical Maisons, showing that creativity’s bound which has always been addressed to a futuristic vision, as a result of past historical references and present society. The display will be divided in three sections: the first one, “Arte Tessile” (Art of Textile), will include printed silks and foulards resized by Nicolas Ghesquière as a demonstration of the ability of craftsmen. The second one, “Architettura” (Architecture), will explore architecture as a source of inspiration for both Louis Vuitton and Fornasetti, and will include the iconic black and white drawings conveying the ancient classic black and white. Finally, the last section, “Viaggio” (Journey), can be understood as a key value developed through both brands heritage but, most of all, identified as a journey to overcome space and time limits.

A collaboration between Fondazione Prada, GTA and ETH Zurich, “Sturm&Drang” is a new exhibition that will take place in the Osservatorio of Fondazione Prada in Milan until the 22nd of January 2022. A new project that explores the phygital experience within the usage of Computer-Generated Imagery (CGI) aiming to explain the complexity of processes of creative production that stares behind the CGI. And how it affected our Digital economy and our daily life. The exhibition reveals four different environments (real or imaginary ones) that are used for the creation of CGI, videogames and high tech imagery.

In the first floor of the Observatory, visitors will be involved in a Military First Person Shooter, simulating a videogame’s armed combat; meanwhile in the second environment on the same floor, there will be the recreation of some rooms of the Cheap Hotel in Chiba, as homage to the science fiction film “Neuromancer” by William Gibson. On the second floor the third setting will exhibit some tutorials for the explains the usage of CGI, and the fourth one will be recreation of 3D rendering spaces, located in the middle of sleeping places, where graphic designers could rest while their renders are processing. fondazioneprada.org ausstellungen.gta.arch.ethz.ch ethz.ch/de.html

louisvuitton.com fornasetti.com

Front

Opposite: Archive pieces from Louis Vuitton FW21 Collection and Fornasetti.

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Muse Magazine 58

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Vaughn Spann

1 Courtesy of the artist and Half Gallery. Photo by Martin

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3. FIAC Grand Palais Éphémère, Paris from 21 to 24 September, 2021 La 47esima edizione della FIAC (Fiera Internazionale Arte Contemporanea) avrà luogo quest’anno al Grand Palais Éphémère a Parigi, a partire dal 21 fino al 24 ottobre 2021. Per quest’edizione, FIAC unisce 160 gallerie proventi da 25 Stati diversi, esibendo una selezione d’arte moderna, contemporanea e design, che sarà possibile visitare nel nuovo palazzo creato in occasione della fiera.

Disegnato da Jean-Michel Wilmotte, il Grand Palais Éphémère è una nuova struttura sostenibile che riflette l’originale monumento parigino, e allo stesso tempo unisce tradizione e modernità.

Quest’anno la fiera decide di estendersi anche sul lato della Eiffel Tower su Champ de Mars con la costruzione di Eiffel Galerie, una nuova installazione progettata come espansione per la fiera.

In questo arrangiamento il Settore Generale espone le più influenti gallerie d’arte contemporanea del mondo, ma anche quelle più recenti nel Settore Gallerie Giovani, composto da 10 gallerie emergenti, precedentemente selezionate e finanziariamente supportate per esibire i propri lavori.

Come per gli altri anni il Settore Design, presenta pezzi di arredamento presi da negozi e gallerie di design. Verrà rinnovato anche l’iconico programma culturale “FIAC Hors les Murs” che sarà esposto a Jardin des Tuileries.

The 47th edition of FIAC (International Contemporary Art Fair) will take place for the first time at the Grand Palais Éphémère in Paris, from 21st to 24th of October 2021.

For its latest edition, FIAC is bringing together 160 galleries of over 25 different countries, including a selection of modern art, contemporary art, and design, that will be displayed under a new building created in occasion of the art event. Designed by Jean-Michel Wilmotte, the Grand Palais Éphémère is the new sustainable building that reflects the original Parisian monument, and at the same time combines tradition and modernity. FIAC also decided to expand its exhibition in a new side wing area on the Champ de Mars on the Eiffel Tower’s side, titled as the Eiffel Gallerie.

The General Sector’s setting will display, as every year, the most influential international contemporary art galleries all over the world, but the most recent ones in within a Young Galleries Sector composed by 10 selected emerging art galleries, previously selected and financially supported. As already happened in the past, the Design Sector will present some forniture pieces from markets and design galleries; and lastly the iconic cultural “FIAC Hors les Murs” program will be renewed at Jardin des Tuileries.

4. Martin Margiela Lafayette Anticipations, Paris October 20, 2021 - January 2, 2022 Dal 20 Ottobre fino al 2 Gennaio 2022, Martin Margiela presenta la sua prima mostra nelle vesti di artista presso Galerie Lafayette Anticipations, nel quartiere del Marais di Parigi. L’esposizione include più di 40 lavori sui quali Margiela ha lavorato negli anni successivi al suo abbandono dell’industria moda. Una serie di installazioni, sculture, collage, dipinti e filmati che fanno da sfondo al concetto basilare di continua trasformazione. Anche come artista, Margiela continua a valorizzare la forma anatomica umana, assenza del passare del tempo e dell’anonimato. Questi temi rendono la mostra una ricerca dell’esistenza, che non vede mai un vero e proprio inizio o fine degli oggetti e dei corpi, dettando l’importanza dell’incompleto come bisogno per trasformarsi.

From 20th of October to the 2nd of January, Martin Margiela is showing his first solo exhibition as an artist at Galerie Lafayette Anticipations in the Marais of Paris.

The exhibition includes more than 40 works that Margiela has worked on in the years since his departure from the fashion industry.

A series of installations, sculptures, collages, paintings and films designed in a background setting as whole total artwork that reveals the concept of constant transformation. Even as an artist, Margiela continues to value the shape of the human’s anatomy, the absence of time passing, and disappearance. These themes make the exhibition a search for existence, which never sees a real beginning or end of objects and bodies, dictating the importance of the incomplete as a need to transform. lafayetteanticipations.com

Martin Margiela, Lafayette Anticipations, Paris, courtesy of Martin Margiela.

Muse Magazine 58

Fat to Ashes, Pauline Curnier Jardin, Hamburger Bahnhof, courtesy of the artist and Ellen de Bruijne Projects.

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6. Jennifer Packer: The Eye Is Not Satisfied With Seeing Whitney Museum, New York from October 30, 2021

Preparatory work, Ibrahim Mahama.

5. Ibrahim Mahama White Cube Bermondsey, London until November 7, 2021 “Sono interessato in come la crisi e il fallimento vengano assorbiti dai materiali, con una forte influenza del commercio globale e anche come il capitalismo sia strutturato.” — Ibrahim Mahama Il White Cube presenta un’intera mostra dedicata unicamente all’artista Ibrahim Mahama, presso le gallerie Bermondsey a Londra, in esposizione fino al 7 novembre 2021. Ibrahim Mahama è considerato come uno degli esponenti più alti dell’arte contemporanea africana, che si è fatto sempre riconoscere grazie alle sue influenze socio-politiche e alla trasformazione dei materiali impiegati nelle sue più importanti installazioni. Attraverso le sue opere, l’artista reinventa l’utilizzo di materiali urbani di scarto (sacchi, legno e tanti altri) per esprimere la sua critica riguardo la migrazione, la globalizzazione e il cambiamento economico.

Per l’esposizione di Londra, l’artista mostra una serie di collage e disegni che ha continuato a creare successivamente ad un periodo passato, svolgendo ricerche nella sua terra d’origine, il Ghana Settentrionale, precisamente a Nkrumah, dove l’artista ha recentemente acquistato e ristrutturato un hub per riporre le sue opere e celebrare la sua cultura.

“I am interested in how crisis and failure are absorbed into materials with a strong reference to global transaction and how capitalist structures work.” — Ibrahim Mahama The White Cube announces a full exhibition by Ibrahim Mahama, at the Bermondsey galleries in London, opened until November 7th, 2021. Ibrahim Mahama, considered as one of the highest exponent of contemporary art from Africa, has been noticed thanks to his political and ethical references and transformation of materials used in his large scale installations. Through his works the artist reinvents the usage of waste urban materials, (sacks, wood and others), in order to express his critic to migration, globalization and economic change.

For his presentation in London, the artist has prepared a series of collages and drawings that he has been creating after a period of researches in his hometown in Northern Ghana, in Nkrumah, where the artist has recently acquired a silo and turned into a cultural hub where he leaves his artworks and celebrates his origins.

“La mia inclinazione alla pittura, e specialmente alla vita, è piuttosto politica. Noi apparteniamo a questo posto. Ci meritiamo di essere presi in considerazione. Ci meritiamo di essere ascoltati con spudorata generosità e accuratezza.” — Jennifer Packer Quest’autunno il Whitney Museum of American Art proporrà una collezione di 30 dipinti e disegni realizzati da Jennifer Packer, con la più ampia delle sue collezioni, intitolata “Jennifer Packer: The Eye Is Not Satisfied With Seeing”. Le sue opere d’arte combinano l’osservazione, l’improvvisazione e i suoi ricordi, con l’arte astratta generata dall’opacità dei colori, creando un dialogo tra rappresentazioni realistiche di fiori, membri della sua famiglia ed amici. Jennifer Packer è capace di rivisitare le regole della pittura classica con lavori monocromatici, estrapolandoli dal contesto e facendoli diventare personali, consapevole quindi di rappresentare i suoi soggetti attraverso un pensiero politico: “La rappresentazione e, in particolare, l’osservazione dal vero, sono la reale testimonianza di quel che viviamo e che dobbiamo condividere.”

“My inclination to paint, especially from life, is a completely political one. We belong here. We deserve to be seen and acknowledged in real time.

We deserve to be heard and to be imaged with shameless generosity and accuracy.” — Jennifer Packer This Fall the Whitney Museum of American Art will exhibit the collection of 30 paintings and drawings realized by Jennifer Packer, within her largest exhibition entitled “Jennifer Packer: The Eye Is Not Satisfied With Seeing”. The artworks combine observation, improvisation and her memories, creating a dialogue between realistic portrait representations of flowers or her family’s members and friends, with abstract art generated by opacity of colors. Jennifer Packer is able to rinnovate the classics paint art rules with monochromatic works, turning them in a personal context, she acknowledges her choice to paint figures as political thought: “Representation and particularly, observation from life, are ways of bearing witness and sharing testimony”. whitney.org

whitecube.com @ibrahimmahama3

Left: The Body Has Memory, Jennifer Packer, Whitney Museum of American Art, courtesy of the artist, Sikkema Jenkins & Co., New York, and Corvi-Mora, London.

Right: Say Her Name, Jennifer Packer, courtesy of the artist, Sikkema Jenkins & Co., New York, and Corvi-Mora, London.

Front

Opposite: Transfiguration (He’s No Saint), Jennifer Packer, courtesy of the artist, Sikkema Jenkins & Co., New York, and Corvi-Mora, London.

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CONTENTS 62

SKIN CONTACT Photography ISABELLE WENZEL Fashion FRANCESCA CEFIS 78 THE YOUNG AND THE RESTLESS Photography BELLA NEWMAN Fashion AMY MACH 108 FLORIDA ESCAPE Photography FUMI NAGASAKA Fashion JOHN COLVER 118 SOFTEN DISCERN Photography THOMAS ROUSSET Fashion ANNA SCHIFFEL

77

Index

96

112

127

48

MUSE TALKS 50

DANIELLE ORCHARD Photography CLÉMENT PASCAL Interview BILL POWERS 100 DEVON LEE CARLSON Photography LINDSAY ELLARY Fashion AMY MACH Interview MADDALENA IODICE

61

Muse 58

106

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Photography CLÉMENT PASCAL Interview BILL POWERS

I ENJOY THE POTENTIAL FOR MISREADING, I ALSO LIKE THE IDEA OF SENDING CODED SIGNALS THAT DESCRIBE FEMALE BEHAVIOR,PERCEPTIBLE MAINLY TO WOMEN.

Muse Talk

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DANIELLE artist.

NEW YORK June 15TH, 2021

Content

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DANIELLE ORCHARD IN CONVERSAZIONE CON BILL POWERS BP Quando ho intervistato Cecily Brown sui suoi bagnanti, mi ha specificato che la nostra concezione di “bagnanti” oggi giorno è completamente diversa rispetto a quella che aveva un pittore come Cézanne.

DO Mi interessano i temi storici dell’arte, la piscina è quindi nel mio lavoro un sostituto del classico lago o ruscello. Si ritaglia una parte di scena, con solo l’allusione di una piscina utilizzando un blu dell’acqua leggermente diverso dall’acquamarina che si vedrebbe invece nella vita reale. Il posizionamento delle figure, così come la natura languida delle pose, è sicuramente un riferimento a un ambiente del XIX secolo che non esiste più; un bagnante oggi assume un aspetto quasi aspirazionale.

BP Quel che dici è particolarmente vero! Soprattutto se vivi a New York City dove possedere anche solo una vasca da bagno è un lusso incredibile! Volevo chiederti: come mai gran parte delle tue donne dipinte ha i piedi sporchi? Qualcuno sostiene che sia un cenno al famoso dipinto di Caravaggio della Madonna con Bambino, dove Maria ha i piedi sporchi.

DO Diciamo che questo dettaglio non era in cima ai miei pensieri quando ho dipinto i primi piedi sporchi. È più una minuziosità. Cammino spesso a piedi nudi nel mio studio e finiscono per essere disgustosi. Lo vedo quasi come un gesto di penitenza, come San Francesco che si toglie le scarpe prima di pregare. La connotazione religiosa è una dimostrazione di umiltà.

BP Completamente contrario a Matisse che si metteva in ghingheri per dipingere perché credeva che fare arte fosse un’esperienza estetica e quindi il pittore doveva presentarsi sulla tela con un abbigliamento adatto all’occasione.

DO Che è ancora molto ritualistico. Mi piace citare nei dipinti vecchie abitudini non pianificate, ora diventate rituali intenzionali. È quasi una forma di superstizione. E penso che molti artisti siano superstiziosi.

BP Fammi un esempio.

DO Io e la mia amica Nikki Maloof a volte scherziamo sul fatto che certi telai siano maledetti se possiedono un brutto dipinto sopra.

BP Ci sono molte sigarette nei tuoi dipinti. Questo perché ti manca fumare? So che Dike Blair avrà cocktails e sigarette nei suoi prossimi lavori, sto sperando che dipingere questi oggetti ti risparmi dal consumarli nella vita reale.

DO Per quanto mi riguarda, le sigarette e le candele permangono nel tempo, il che le rende interessanti da dipingere. Come spettatori sappiamo dove collocarci in una linea temporale riconoscibile. Quasi come la miccia accesa di una bomba: sai quanto deve durare.

BP In un recente quadro con una torta di compleanno, la candela e la sigaretta sono quasi speculari tra di loro, come oggetti cilindrici. Mi ha ricordato un tuo quadro del 2020 di una donna riflessa in uno specchio dove un libro di botanica aperto sul tavolo accanto a lei corrispondeva ai tulipani in un vaso vicino.

DO Lo specchio serviva inizialmente come strumento formale per dividere la tela, ma ora ha assunto più un valore psicologico.

BP È simile all’armonia dei palindromi, però nel tuo caso è molto frammentata.

DO O come un frattale che si ripete in diverse sezioni in un’immagine. Lo specchiarsi punta anche alle discrepanze di come vediamo noi stessi e come siamo visti dagli altri, e anche come le Muse Talk

cose vengano commercializzate. Volevo attingere a una sorta di dismorfia collettiva con cui tutti ci confrontiamo. È anche visivamente più interessante quando le cose sono leggermente sbagliate. Potrei chiamare la prossima nuova mostra a Seoul At the Seam perché ho pensato molto al luogo in cui l’aspettativa interiore incontra la realtà esteriore. 02 BP Alcune delle tue figure hanno un contorno intorno alle braccia o ai torsi mentre altre sembrano passare direttamente dalla carne all’ambiente circostante. Mi hanno colpito i perimetri blu che circondano i soggetti nei dipinti di Alice Neel quando ho visto la sua retrospettiva al The Met. È come se ora non si potesse contornare di blu una persona senza inevitabilmente fare riferimento al suo stile. È proprio il suo!

DO Alice Neel custodisce gelosamente il suo confine blu, specialmente in questo momento, ma se guardiamo un po’ più indietro nel tempo, penso più riconducibile a Seurat. I suoi dipinti sono ovviamente “pixellati”, ma c’è anche questo morbido alone blu che aleggia intorno alle figure.

BP È difficile dipingere una sigaretta senza rifarsi a Tom Wesselmann?

DO Mi sta bene rubare un po’!

BP Ti approcci in maniera diversa alla tela quando dipingi una sola figura piuttosto che un gruppo di donne?

DO Non penso mai che le mie figure interagiscano socialmente perché non sono propriamente “vive”. Questo è un mondo dipinto e le figure sono come inserite in questi ambienti. Mi interessa rappresentare anche tematiche sociali, per esempio.

BP I nostri dipinti sono “animati” nel senso che hanno una certa presenza ma spesso le figure sembrano statiche o congelate nei loro movimenti, quindi si leggono quasi come sculture.

DO E spesso si trovano in posizioni molto scomode. È un sacrifico che fanno per la percezione visiva di linea e forma. Modellavo molto quando frequentavo la scuola d’arte all’Indiana University, il che mi ha fatto capire quanto innaturali fossero in realtà le pose dei modelli. E poi quando ho continuato a disegnare figure all’Hunter College, ho provato molta più empatia con i modelli, che il più delle volte erano donne.

BP Hai mai rappresentato degli uomini?

DO Ho sempre considerato gli uomini i veri spettatori dei miei dipinti, e forse non è così comune come scelta. Quelle rappresentate sono donne dotate di una certa carica sessuale,che godono del compiacimento maschile.

BP Sto pensando al tuo approccio ritrattistico rispetto a un artista come Louis Fratino che è gay e pittura solo uomini.

DO C’è un vecchio dipinto che ho realizzato con una donna davanti a uno specchio che si slaccia il reggiseno dietro la schiena. La posizione delle sue mani mentre si allunga goffamente sopra le spalle e intorno alla schiena è subito riconoscibile dalle donne, al contrario dagli uomini. Un dipinto dove una donna si sistema il cavallo dei suoi collant potrebbe essere confuso dagli uomini con una presunta masturbazione: eppure è un gesto di comune disagio per chi ha provato un paio di collant! Se da un lato mi incuriosisce questa possibilità di fraintendimento, dall’altro mi piace l’idea di inviare segnali codificati tipicamente femminili, percepibili soprattutto dalle donne. 01 BP Quando parlavi di simboli legati alla permanenza temporale nei tuoi lavori, ho notato dei fiori appassiti in un dipinto, questi hanno tutt’altra valenza temporale.

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DO In realtà ci sono sia fiori freschi che sfioriti all’interno dello stesso dipinto, proprio per suggerire il passare del tempo all’interno di un’immagine statica. È un’idea presa dagli affreschi di Giotto nella Cappella degli Scrovegni, che rappresentano più scene della vita di Cristo, ma in un’unica immagine lunga e lineare. O da La danza della vita di Munch, che mostra le fasi di un’età adulta riassunte in una sola scena.

BP Perché la maggior parte delle tue donne sono nude?

DO Potrei iniziare a metter loro dei vestiti. Ci sarà una mia personale a Shanghai l’anno prossimo e mi chiedo se la censura cinese accetterà mai tanta nudità.

BP Strano pensare che ci sia ancora un angolo di mondo che non accetti il nudo nei dipinti.

DO Anche Instagram. I miei dipinti non vengono mai segnalati, ma ho molti lavori di amici uomini che sono stati segnalati perché non conformi alle “linee guida della comunità”. Le donne sono talmente oggettivate che la nudità femminile è molto più “normalizzata”.

BP C’è una fetta di pizza ai peperoni in uno dei tuoi dipinti dove i peperoni sono perfettamente in tinta con i capezzoli della donna. Penso che spesso le persone non colgano l’umorismo nel tuo lavoro.

DO Mi avvarrò anche dei capezzoli per orientare la vista dello spettatore.

BP Qual è il tuo rapporto con il Cubismo? Mi sembra una specie di camuffamento il modo in cui cerchi di integrarlo.

DO Penso che la sua influenza sia stata particolarmente predominante finchè non ho trovato il mio stile personale. Il linguaggio cubista ora significa che questi corpi non potrebbero funzionare fisicamente al di fuori dei dipinti che stanno abitando.

BP Che li fa quasi sembrare prigionieri di quello stesso dipinto.

DO In un certo senso, sono imprigionati ma la cosa non sembra turbarli troppo.

BP Mi piace come trasmetti la luce. C’era un quadro dove una lampada color lavanda gettava ombre viola su una ciotola di popcorn e su una gamba di una donna: sfidava ogni logica ma era affascinante da guardare.

DO È un po’ un gioco della pittura: cercare di far funzionare lo stesso colore come colore di quell’oggetto per poi avvalersene separatamente come luce riflessa. È una negoziazione, tento di capire se riesco davvero a farcela. Oppure avrò una lampada spenta con una lampadina illuminata. Queste sono uova di Pasqua per lo spettatore. Credo che l’umorismo sia piuttosto misero in questo caso.

BP Ti preoccupi mai di copiare troppo David Hockney nelle astrazioni dei tuoi sfondi?

DO Hockney stesso è un grande copiatore!

Prende in prestito talmente spesso che è quasi divertente andargli dietro.

BP C’è una lattina di birra in un tuo nuovo dipinto. Pensi ci siano dei metodi per evidenziare una certa classe sociale?

DO Vengo da una famiglia della classe operaia dell’Indiana, quindi dipingere oggetti di lusso per persone ricche è qualcosa a cui penso continuamente. Non c’è nessun senso di colpa da parte mia, ma penso che la migrazione di classe possa essere una cosa difficile da manovrare, specialmente a New York City. La gente raramente guarda in basso nel processo di migrazione di classe, solo in alto, e così la classe sottostante è costretta ad adottare la prospettiva di quelli sopra di loro.

Content

BP Ci sono altre tracce di classi evidenziate nei tuoi lavori?

DO Da dove provengo io, fumare è qualcosa che la gente fa al bowling o dietro il 7/11. Non c’è niente di glamour. Penso che la nudità sia un altro modo per sottolineare una certa classe sociale. Nel momento in cui indossi una certa tipologia di vestiti, la gente valuta quanti soldi possiedi.

BP Il tuo quadro Opera Head non è intrinsecamente elitario già solo per la natura stessa della sua ambientazione?

DO Il pubblico dell’opera si è decisamente modificato. Ora l’opera è senza dubbio uno svago per ricchi, ma penso che fino agli anni ‘70 si poteva andare a vedere La Traviata al The Met per non molto. Ora vediamo miliardari che salvano i teatri d’opera, controllando le Arti attraverso la filantropia.

BP Perché ci sono delle inferriate davanti alle finestre in queste nuove sequenze?

DO Stavo cercando un nuovo spazio a New York. Volevo uno spazio esterno, il che implicava che gli appartamenti fossero al piano terra, quindi dovevano avere delle inferriate alle finestre per ragioni di sicurezza. Pensavo ai sacrifici della gente per avere accesso a questi minuscoli cortili di cemento.

BP Rido perché le persone con i libri nel tuo dipinto sembrano fingere di leggere.

DO C’è molto nella loro posa, e spesso le pagine dei libri sono completamente bianche, eccetto quelle dei quaderni per gli schizzi.

BP Non ci sono bambini nel tuo mondo?

DO Quando studiavo all’Hunter College ho esplorato tutto il mondo della Madonna col Bambino nella mia tesi.

BP Sono sempre rimasto affascinato da come Gesù e sua madre non abbiano mai un contatto visivo diretto tra di loro, ma solo con lo spettatore che li osserva. Questa sensazione sembra essersi trasmessa anche adesso nei tuoi dipinti.

DO Maria stessa era devota e non in grado di guardare suo figlio come il Cristo.

BP Parlami della Lampada Lava di questo tuo ultimo dipinto.

DO Stavo pensando alla distinzione arbitraria tra pittura figurativa ed astrazione biomorfa nel lavoro di qualcuno come Loie Hollowell. Non vedo alcuna distinzione utile tra questi due modi di esplorare la forma umana, ma la gente ne parla come se fossero diametralmente opposte. Mi sembra pigro e in qualche modo riduttivo. E così la lampada di lava è un modo per fare scherzosamente riferimento all’astrazione biomorfa, attraverso macchie incandescenti che possono essere lette come tette e peni. Credo che si possa chiamare pornografia biomorfica.

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A Clean Face, 2021.

Muse Talk

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My Bed, 2021.

Content

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Making Moves, 2021.

Muse Talk

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New Red, 2021.

Content

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DANIELLE ORCHARD IN CONVERSATION WITH BILL POWERS BP When I interviewed Cecily Brown about her bather paintings she pointed out that our notion of bathers now is worlds apart from how a painter like Cézanne depicted them.

DO I’m interested in art historical tropes, so the swimming pool in my work is a stand in for the classical lake or stream. The scene tends to be cropped, with only the suggestion of a pool, with the blue of the water slightly off from the aquamarine you’d see in real life. The positioning of the figures - the languid nature of the poses - is definitely a reference to a 19th century setting which no longer exists; a bather today takes on an almost aspirational feel.

BP That’s especially true living in New York City where even a bathtub is seen as a kind of luxury.

I wanted to ask you why so many of the women in your paintings have dirty feet? Someone else said that maybe it’s a nod to the famous Caravaggio painting of a Madonna and Child where Mary has dirty feet.

DO That was not at the forefront of my thinking when I painted the first dirty feet. It’s more of a studio notation. I often walk around my studio barefoot and my feet end up looking disgusting.

I see it almost as a penitent gesture, like St Francis taking off his shoes before he prays. The religious connotation is a show of humility.

BP Which is in direct contrast to someone like Matisse who would get dressed up to paint because he believed art-making was an aesthetic experience and so the painter should present himself to the canvas in attire befitting the occasion.

DO Which is still very ritualistic. I like quoting in the paintings unplanned studio habits in the which have now turned into intentional studio rituals. It’s almost a form of superstition. I think a lot of artists are superstitious.

BP Give me an example.

DO My friend Nikki Maloof and I will sometimes joke that certain stretcher bars are cursed if they’ve had a bad painting on them.

BP You have a lot of cigarettes in your paintings.

Is that because you miss smoking? I know Dike Blair will have cocktails and cigarettes in his work, almost hoping that if he paints them then he won’t have to consume them in real life.

DO For me, cigarettes and candles are durational, which makes them interesting to paint. We know as viewers where to situate ourselves on a recognizable timeline. Almost like a lit fuse on a bomb—you know how long it’s supposed to last.

BP In a recent birthday cake painting the candle and the cigarette almost mirror each other as cylindrical objects. It reminded me of a 2020 painting you had of a woman reflected in a vanity mirror where an open botanical book on the table besides her matched the tulips in a vase nearby.

DO The mirroring started as a formal device to split up the canvas, but now it has taken on more of a psychological tenor.

BP It’s akin to the joy we get from palindromes, only in your case quite fragmented.

DO Or like a fractal that’s repeated at different scales throughout an image. The mirroring gesture also points to the discrepancies between how we see ourselves and how we are seen by others, and also how things are marketed to us.

I wanted to tap into a kind of collective dysmorphia we all contend with. It’s also visually more interesting when things are slightly wrong. I might call this new exhibition in Seoul At the Muse Talk

Seam because I’ve been thinking a lot about the place where interior expectation meets an exterior reality. 02 BP Some of your figures have an outline around the arms or torsos while others seem to go directly from the flesh to their surroundings. I was struck by all the blue outlines around the subjects in Alice Neel’s paintings when I saw her retrospective at The Met. It’s like you can’t paint a blue outline around a person now without referencing to her style. She owns it!

DO Alice Neel is absolutely holding the blue outline captive, especially in this moment, but if you look back a bit further, I actually think it’s one of Seurat’s moves. His paintings are obviously pixelated but there’s also this soft blue aura hovering around the figures.

BP Is it hard to paint a cigarette without riffing on Tom Wesselmann?

DO I’m fine with just outright stealing!

BP Do you approach the canvas differently when you’re painting a single figure as opposed to a grouping of women?

DO I never think of my figures as interacting socially because they aren’t precisely alive. This is a painted world and the figures are sort of wedged into these environments. I’m also interested in depicting anti-climatic social engagements.

BP Your paintings are animated in the sense that they have presence, but often the figures seem static or frozen in their behavior so they’re read almost as sculpture.

DO And they’re often found in very uncomfortable positions. It’s a sacrifice they make to the optics of line and form. I used to do a lot of figure modeling when I was in art school at Indiana University, which was a great insight into how unnatural the modeling stances can be. And then when I continued to draw from the figures at Hunter College, I had so much more empathy for the models, who were almost always women.

BP Would you ever paint men?

DO I have said that a lot of my paintings are for a male viewer, which is maybe not such a popular stance. These are sexual women who acknowledge and enjoy the ‘male gaze’.

BP I’m thinking about your approach to portraiture as opposed to an artist like Louis Fratino who is gay and makes painting of men.

DO There’s an older painting I made of a woman in front of a mirror unclasping her bra behind her back. The position of her hands as she reaches awkwardly over her shoulder and up around her back is a gesture which was immediately recognizable to women viewers but lost on men.

A new painting of a woman pulling at the crotch of her tights is something a man might mistake as masturbatory, but it’s a gesture of discomfort familiar to anyone who has worn tights. While I enjoy the potential for misreading, I also like the idea of sending coded signals that describe female behavior, perceptible mainly to women. 01 BP When you were talking about durational symbols in your work, I noticed wilted flowers in one painting which is a different kind of time stamp.

DO There are actually both fresh and dying flowers within the same painting, meant to suggest the passing of time within one static image. That’s an idea taken from Giotto’s frescoes in the Scrovegni Chapel, which depict multiple scenes from Christ’s life, but in one long, linear image. Or Munch’s “The Dance of Life”, which shows the stages of an adulthood compressed into one scene.

BP Why are most of your women naked?

DO I might start putting clothes on them. There’s 58

talk of me doing a solo show in Shanghai next year and I wonder if the Chinese censors will allow for so much nudity.

BP Strange to think there’s still a corner of the world where people can’t handle nudity in painting.

DO Even on Instagram. My paintings are never flagged, but several of my male painter friends have work flagged all the time for breaking “community guidelines.” Women are so commonly objectified that female nudity is far more normalized.

BP You had a slice of pepperoni pizza in one painting where the pepperoni matched the color of the woman’s nipples. I think people often miss the humor in your work.

DO I’ll also use nipples as directional signs, directing the viewer’s gaze.

BP What is your relationship to Cubism? It’s like the camouflaging of Cubism, the way you integrate it.

DO I think the influence used to be more prominent until I found my own style. The Cubist language now means that these bodies couldn’t physically function outside of the paintings they inhabit.

BP Which almost makes them sounds like prisoners inside the paintings.

DO In a way they are imprisoned, but they’re not too upset about it.

BP I love how you convey light. There was a painting with a lavender light fixture casting purple shadows on a bowl of popcorn and a woman’s leg which defied logic but was dreamy to look at.

DO It’s a painting joke: trying to have the same color work as the local color of an object and then function separately as reflected light. It’s a negotiation, whether I can actually pull it off.

Or I’ll have an unplugged lamp with an illuminated bulb. These are Easter eggs for the viewer. I guess the humor is pretty dry.

BP Do you ever worry about co-opting too much David Hockney into the abstractions of your backgrounds?

DO Hockney is such a thief himself and borrows so frequently that it’s funny to go after him.

BP There’s a tall boy beer in one new picture.

Do you think about the ways in which you signal class? Or the potential for elitism?

DO I come from a working class family in Indiana so painting luxury objects for wealthy people is something I think about all the time. There’s no guilt on my side, but I do think class migration can be a difficult thing to maneuveur, especially in New York City. People rarely look down in the process of class migration, only up, and so the class below is forced to adopt the perspective of those above them.

BP What are other examples of class signaling evident in your work?

DO Where I’m from, smoking something people do at a bowling alley or behind the 7/11. There’s nothing glamorous about it. I think nudity is another way to talk about class. The moment you put on clothes, people will assess how much money you have.

BP Isn’t your painting Opera Head inherently elitist just by the nature of the setting?

DO The audience for opera has definitely shifted. Now it’s cemented as an activity for the wealthy, but I think as late as the 1970s you could go see “La Traviata” at The Met for not that much.

Now we see billionaires bailing out opera houses, controlling the Arts through philanthropy.

BP Why are there bars on the windows in a few of these new scenes?

DO I was looking for a new place in New York. I Content

wanted outdoor space, which meant the apartments were on the ground floor, so they have bars on the windows for security. I was thinking about the sacrifices people make to have access to these tiny cement ‘yards’.

BP I laugh because the people with books in your work often look like they’re pretending to read.

DO It’s a lot of posturing, and often the book pages are completely blank, except for the sketchbooks.

BP There’s no children in your world?

DO When I was at Hunter College I explored the whole Madonna and Child motif in my thesis work.

BP I’ve always been fascinated at how Jesus and his mom are not allowed direct eye contact because their primary relationship is with the viewer and not each other. That feeling seems to have carried over to your paintings even now.

DO Mary herself was devout, and wasn’t able to look upon Christ as her son.

BP Tell me about the lava lamp in this latest painting.

DO I was thinking about the arbitrary distinction between figurative painting and biomorphic abstraction in the work of someone like Loie Hollowell. I don’t see any useful distinction between these two modes of exploring the human form, but people talk about them as if they’re diametrically opposed. It strikes me as lazy and somewhat reductive. And so the lava lamp is a way to jokingly reference biomorphic abstraction, through glowing blobs that can be read as boobs and penises. I guess you could call it biomorphic pornography.

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Muse Talk

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THE MIRRORING GESTURE 02 ALSO POINTS TO THE DISCREPANCIES BETWEEN HOW WE SEE OURSELVES AND HOW WE ARE SEEN BY OTHERS, AND ALSO HOW THINGS ARE MARKETED TO US. I WANTED TO TAP INTO A KIND OF COLLECTIVE DYSMORPHIA WE ALL CONTEND WITH. IT’S ALSO VISUALLY MORE INTERESTING WHEN THINGS ARE SLIGHTLY WRONG.

D. ORCHARD

DANIELLE ORCHARD (b. 1985, Michigan City, IN) lives and works in Brooklyn, NY. She makes luscious, angular portraits of women caught up in romantic and mundane rituals. Her favorite subjects are leisurely tableaux—they’re often in states of undress, with cigarettes and drinks nearby. Her women lounge in the bath, arm-wrestle over coffee, or sip beers on a tennis court; most often, they are merely in repose, content in each other’s company. The languid torpor of Orchard’s compositions and her confident use of colors unfold into deep explorations of women’s relationships with one another and the art historical canon at large. Orchard’s recent exhibitions include A Face for Every Season at Half Gallery, Mother's Magazines at Jack Hanley Gallery, Embodiment at D.C. Moore Gallery, and Fauve at Geoffrey Young Gallery.

Content

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SKIN CONTACT

Fashion

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Photography ISABELLE WENZEL Fashion FRANCESCA CEFIS

Content

Look BOTTEGA VENETA, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Fashion

From the bottom to the top: shoes PRADA, trousers JIL SANDER. Leggins and top ADAMO, skirt ALYSI. Look ERIKA CAVALLINI, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Content

Looks GUCCI, shoes BY FAR.

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Fashion

Look ISSEY MIYAKE, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Content

Full looks PRADA.

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Fashion

From left to right: look ERIKA CAVALLINI, shoes by ISABELLE WENZEL. Full look ISA BOULDER.

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Content

From left to right: top ADAMO, trousers BOSS, shoes by ISABELLE WENZEL. Full look BOTTEGA VENETA. Look JIL SANDER, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Fashion

From left to right: look ALYSI, shoes BY FAR. Look MAGLIANO, shoes by ISABELLE WENZEL. Look BOSS, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Content

Looks JW ANDERSON, shoes CAMPERLAB.

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Fashion

From the bottom to the top: shoes CAMPERLAB, look SALVATORE FERRAGAMO. Trousers LACOSTE, jacket SALVATORE FERRAGAMO. Jacket SALVATORE FERRAGAMO.

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Content

From left to right : look PLAN C, tights FALKE, shoes by ISABELLE WENZEL. Look HERMÈS, shoes BOTTEGA VENETA. Look PLAN C, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Dancers Photo Assistant Fashion Assistant

Fashion

ANNA COLLISANI EMILY CASTELLI AND FEDERICO MENDES TEIXEIRA MICHEL WENZEL CECILIA BAISTROCCHI

From the bottom to the top: look JIL SANDER, shoes PRADA. Look HERMÈS, shoes by ISABELLE WENZEL. Look IRO, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Content

Full look ACNE STUDIOS.

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Fashion

Look MIU MIU, shoes by ISABELLE WENZEL.

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Content

Full look PRADA.

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Fashion

Full look PRADA.

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THE YOUNG AND THE RESTLESS

Photography BELLA NEWMAN Fashion AMY MACH Content

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Fashion

Look DIOR, shoes CAMPER.

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Content

From left to right : dress RUI, shoes SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO. Full look GIVENCHY. Full look BOTTEGA VENETA.

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Fashion

From left to right : look PUPPETS AND PUPPETS, coat, gloves, and shoes MOSCHINO. Full look VALENTINO.

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Content

Full look GIVENCHY, earrings VANESSA SCHINDLER.

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Fashion

Full look MIU MIU.

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Content

Look ACNE STUDIOS, top RU YENN.

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Fashion

Full looks SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO.

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Content

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Fashion

Full look PRADA.

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Content

Look CANADAS, hat PUPPETS AND PUPPETS, shoes CAMPERLAB.

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Fashion

Full look PRADA.

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Content

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Fashion

Look CHANEL, shoes SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO.

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Content

Shirt DRIES VAN NOTEN, pants LRS, belt COCO SANDS, and shoes CAMPER.

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Fashion

From left to right : sweater BALENCIAGA, pants SALVATORE FERRAGAMO, shoes LUCILE GUILMARD. Full look ALEXANDER MCQUEEN. Full look BOTTEGA VENETA. Look LRS, shoes GIVENCHY.

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Content

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Fashion

Full look VALENTINO.

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Muses

Make Up Hair Casting Director Producer Photo Assistant Fashion Assistant

Content

NYAUETH RIAM MANAMI KINOSHITA MAMMINA AKER AND THALITA FARIAS DAN DURAN DYLAN CHAVLES CLARE RHODES CYNTHIA NEWMAN JASPER BRIGG ALANA SARDO

Full looks FENDI.

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Fashion

Full look GUCCI.

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Content

Throughout the story full vintage accessories from Albright Fashion Library’s archive.

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Photography LINDSAY ELLARY Fashion AMY MACH Interview MADDALENA IODICE

I’VE FINALLY LEARNED TO TAKE A BREAK AND PUT MY PHONE DOWN. WHENEVER I FEEL MYSELF GETTING ANXIOUS, I’LL DELETE THE APP OFF MY PHONE FOR DAYS AND WAIT TIL I’M RE-CENTERED TO REDOWNLOAD AND SCROLL THROUGH.

Muse Talk

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DEVON entrepreneur LOS ANGELES JULY 26TH, 2021

Content

Look LOEWE, shoes CAMPER.

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Muse Talk

Full look DSQUARED2.

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DEVON LEE CARLSON IN CONVERSAZIONE CON MADDALENA IODICE MI Ciao Devon, sono felice di poter fare due chiacchiere con te in occasione del numero di Settembre! So che hai scattato un fantastico editoriale con Lindsay e Amy in giro per le strade di Los Angeles… Ma veniamo a noi, voglio sapere di più di te!

Imprenditrice, influencer, it-girl, trendsetter, queste sono alcune delle definizioni con le quali ti descrivono articoli e interviste… Tu come racconteresti chi sei e quello che fai?

DLC Quando mi viene chiesto di cosa mi occupo, di solito rispondo “creo cover per cellulari”, e poi sorrido notando la confusione sul viso delle persone. Mi destreggio tra cose diverse e cerco sempre nuovi modi di essere creativa. Mi diverto! Cogliendo ogni opportunità che ritengo sia adatta a me. 04 MI Sei originaria di Los Angeles? Credi che la città abbia in qualche modo influenzato la tua visione estetica?

DLC Sono di Newbury Park, nella periferia di L.A. Se ti vesti in modo non ordinario, le persone tendono a guardarti in modo strano, mentre ciò che amo di Los Angeles è il fatto di poter essere liberamente stravaganti senza che a nessuno interessi. Comunque, ormai sono cresciuta e uscita dalla fase nella quale mi preoccupo di quello che le persone pensano sul mio look.

MI Raccontami del tuo brand Wildflower Cases. È nato quasi come un progetto familiare giusto?

Al quale in qualche modo ha partecipato anche Miley Cyrus…

DLC Wildflower Cases è nato nel 2012. Io avevo 17 anni, mia sorella 14 e tutto ciò che volevamo era una bella cover per il cellulare che nessun altro avesse. Guardavamo ovunque, ma non ci piaceva nulla. Così, nostra mamma (Michelle), che è sempre stata molto creativa, decise di crearla per noi. Comprò delle cover basiche, aggiunse stoffa e borchie e le nascose come sorpresa nel nostro cestino di Pasqua.

Noi ce ne innamorammo subito. E così tutti quanti! Venivamo fermate in continuazione per sapere dove le avessimo comprate. Un giorno, dopo un pomeriggio di shopping, ci fermammo a cena prima di tornare a casa. Io e mia sorella andammo in bagno e mentre aspettavamo il nostro turno, uscì Miley! Io che per anni sono stata una sua grandissima fan, chiesi subito una foto. La scattò mia sorella con il suo telefono, personalizzato con la cover di nostra mamma. Miley la notò, le piacque tantissimo e ci chiese dove l’avessimo presa. Le spiegammo che l’aveva fatta nostra mamma e lei ci chiese se potesse conoscerla. Tornammo al nostro tavolo assieme a lei. Le fece i complimenti e ci disse che dovevamo assolutamente creare un business.

Nostro padre, che ha un background in graphic design e product marketing guardò Miley e disse “Il sito web sarà pronto domani mattina”.

Le regalammo tutte le cover, Miley tornò al suo tavolo e fece un Tweet con una foto delle cover ringraziandoci. Non avevamo nè un brand, nè un inventario, ma tutti volvevano le nostre cover! Nostro padre (Dave) rimase sveglio tutta la notte. Il mattino dopo rispondevamo alle persone direttamente dal sito “wildflowercases.com”.

Nove anni dopo ancora mi stupisco pensando a come le cose abbiano preso forma. Se non fosse stato per quel preciso giorno, oggi non so cosa starei facendo. Mi sento molto grata!

MI E quello non è l’unico brand che hai lanciato! Infatti hai appena presentato @lackofcoloraus. È un progetto al quale hai lavorato durante quest’ultimo anno?

DLC SI! Un progetto ispirato alle pop star che amavo quando ero una bambina, al quale abbiamo lavorato principalmente durante la quarantena. È stato fantastico lavorare con il team Content

di LOC, sono stati tutti molto pazienti considerando che sono estremamente pignola e attenta ai dettagli. I prototipi dei cappelli venivano spediti avanti e indietro tra Australia e Stati Uniti in modo che potessi assicurarmi che il design fosse esattamente quello giusto. Sono felicissima del risultato!

MI Tre consigli che daresti a chi oggi vuole creare un proprio brand.

DLC Uno: Assicurati di essere appassionata al progetto che stai per avviare. Due: Circondati di persone collaborative. Tre: Quando si tratta di budget, investi nel prodotto e mantieni le spese basse.

MI Che ruolo hanno i social media nella tua vita personale e lavorativa? Tu e tua sorella siete state sotto i riflettori sin da quando eravate molto giovani…

DLC Per me i social media sono una cosa assolutamente naturale, sin da quando avevo Myspace alle scuole medie! Adoravo scattare foto con i miei amici e creare look eccentrici. Intorno ai 20 anni ho iniziato ad avere molti followers. Sono un tipo molto socievole, anche se ancora oggi è strano pensare che così tante persone siano curiose di conoscere la mia vita. A volte credo di avere un po’ la sindrome dell’impostore.

MI Ho la sensazione che spesso i social media tirino fuori il meglio ma anche il peggio delle persone… Come fai a mantenere un rapporto sano con queste piattaforme?

DLC Credo di aver finalmente imparato a prendermi una pausa mettendo via il telefono. Ogni volta che inizio a sentire dell’ansia, cancello le App per qualche giorno. Attendo di sentirmi di nuovo centrata e serena per re-installarle. 03 MI Durante quest’anno ci siamo confrontati con importanti questioni legate al cambio climatico, il movimento #BlackLivesMatter e quello per la tutela dei diritti della comunità LGBTQ+. Tutti ci siamo domandati cosa possiamo fare per costruire un contesto socio-culturale più sicuro e consapevole. Ci sono aspetti e questioni verso le quali sei più sensibile?

DLC Io sto veramente cercando di diventare più consapevole a livello ecologico. Compro soprattutto vestiti di seconda mano e cerco di limitare gli sprechi e l’uso di plastica. Credo sia importante fare dei piccoli cambiamenti, o almeno provarci!

MI E il futuro? Mi piacerebbe sapere di più sui tuoi prossimi progetti!

DLC Il giorno del mio compleanno (3 Agosto) esce una collaborazione con Marc Jacobs! Mi sembra incredibile poterlo dire finalmente. Un sogno che diventa realtà!

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DEVON LEE CARLSON IN CONVERSATION WITH MADDALENA IODICE MI Ciao Devon, it’s so great to connect with you on the occasion of MUSE September Issue!

I know you guys had such a great time shooting with Lindsay and Amy and playing with looks around LA… But let’s get straight into this as I would love to know more about you! Entrepreneur, influencer, it–girl, trendsetter… these are some of the definitions from articles and interviews… but how would you describe yourself and what you do?

DLC Whenever I’m asked what I do, I usually reply with “I make phone cases” and then giggle at the confusion on most people’s faces. I dabble in quite a few fields of work and constantly find new ways to get creative. I’m just having fun!!

Taking any opportunity that works for me. 04 MI Are you originally from LA? How has the city influenced your aesthetic vision?

DLC I’m originally from Newbury Park, which is in the suburbs outside of L.A. I love how you can get away with wearing funky things, verses in the suburbs and getting stares if you wore something out of the ordinary. I do believe I’ve grown out of the phase of caring what people think about what I wear though.

MI Tell me more about your brand Wildflower Cases and how it came about. It started as sort of a family experience right? Which also involved Miley Cyrus…

DLC Wildflower Cases was born in 2012. I was 17 years old, my sister was 14 and all we wanted was a new cute phone case that no one had.

We looked everywhere, but nothing stood out to us. Our mom (Michelle) has always been super creative so she took it upon her talented self to make us a phone case herself. She got some clear cases, put fabric inside, added studs and put them in our Easter baskets.

We LOVED them. And so did everyone else! We would get stopped in public asking where we got them... it was crazy. One day our family went out shopping and stopped for dinner on the way home. My sister and I got up to use the restroom and as we were waiting for a stall, Miley Cyrus walked out. I, naturally being the biggest Miley fan for years, asked for a photo. My sister took our photo on her phone, which had our phone case on it. Miley freaked out at the case and immediately asked where we got it. After explaining to her that our mom had made it, she asked if she could meet her. We walked back to our table with Miley behind us. She tapped our mom on the shoulder, told her how much she loved the cases and told us to start a business.

Our dad has a background in graphic design and product marketing for years, so he looked at Miley and said “We’ll have a website up in the morning.” We gave Miley all the cases we had off our phones. She went back to her table and tweeted a photo of them, thanking us. We had no company, no inventory and people wanted our cases!

Our dad (Dave) stayed up all night making a website and by the morning we were replying to people with “wildflowercases.com”.

It still amazes me 9 years later to think about that day and how everything fell into place. Don’t know what I’d be doing if it weren’t for that exact day, but very thankful for it!

MI And it’s not the only brand you launched! @lackofcoloraus collab has just been released.

It is a project you worked on this past year?

DLC Yes! We’ve been working on this for the past year! It was mainly designed during quarantine and inspired by my favorite popstars as a child.

The LOC team was so amazing to work with, and so patient with me because I’m such a detail oriented person. Many samples were sent back and forth from Australia to US to make sure we got the hats just right! I’m super happy with the outcome.

Muse Talk

MI Three tips you would give to someone who would want to create their own brand today.

DLC One: Make sure you’re passionate about whatever you’re starting. Two: Keep a good supportive group of people around you. Three: When budgeting, put money into the product and keep a low overhead.

MI How does social media play a part in your personal and working life and how do you deal with exposure? You and your sister have been living in the spotlight since an early age…

DLC Social media has just been second nature to me since I first had Myspace in middle school!

I loved taking photos with friends and making fun outfits. I feel like I didn’t really get a strong following til my early 20s, but I’ve always been a people person and love talking to people. It still feels weird that so many people are curious to keep up with me. I definitely have a little imposter syndrome sometimes.

MI I feel right now social media technologies kind of took over putting on the table the best and worst of people… How do you keep it healthy?

DLC I think I’ve finally learned to take a break and put my phone down. Whenever I feel myself getting anxious, I’ll delete the app off my phone for days and wait til I’m re-centered to redownload and scroll through. 03 MI During this year causes such as climate change, the #BlackLivesMatter movement, LGBTQ+ community rights, have been crucial.

We all asked ourselves what can we do to build a safer and more conscious socio-cultural environment. Are there any aspects you feel particularly sensitive about?

DLC I really am trying to make an effort to be more eco conscious. I mainly shop second hand, and try to limit my plastic use and waste. I think making little changes is most important and the best we can do is try!

MI What’s next? Would love to know more about your upcoming projects!

DLC I have a collaboration with Marc Jacobs coming out on my birthday (August 3rd)! Sounds so crazy finally being able to say that. Such a dream come true and I’m so excited for everyone to get their hands on it.

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Full look VERSACE.

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Muse Talk

Full look PRADA.

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WHENEVER I’M ASKED WHAT 04 I DO, I USUALLY REPLY WITH “I MAKE PHONE CASES” AND THEN GIGGLE AT THE CONFUSION ON MOST PEOPLES’ FACES. I DABBLE IN QUITE A FEW FIELDS OF WORK AND CONSTANTLY FIND NEW WAYSTO GET CREATIVE.

D. L. CARLSON

DEVON LEE CARLSON (b. 1994, Thousand Oaks, California) is a millennial renaissance woman. Model, entrepreneur, and influencer, Carlson turned her love of vlogging into a business by the time she was 17. Now 27, she has turned her love of customizing phone cases, Wildflower Cases, into a family business and has more than a million followers across multiple platforms.

The idea of cell phones as the ultimate accessory isn’t new. And yet Carlson’s girly designs dominate social media.

I’M JUST HAVING FUN!!

TAKING ANY OPPORTUNITY THAT

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WORKS FOR ME.

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FLORIDA ESCAPE

Fashion

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Photography FUMI NAGASAKA Fashion JOHN COLVER

Content

Throughout the story full looks VERSACE JEANS COUTURE.

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Fashion

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Content

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Muses

Casting Direction and Production On set Producer Production Assistant

Fashion

ZACK, MICHAEL, ANGELA, AYSJAH, COLE, PEAR, SHELBY AND ANASTASIA DORA PRODUCTION TANYA ROUSE MICHAEL TOBIAS

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Content

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Fashion

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Content

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Fashion

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SOFTEN DISCERN

Photography THOMAS ROUSSET Fashion ANNA SCHIFFEL Content

Full look ISSEY MIYAKE.

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Fashion

Full look BALENCIAGA.

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Swimwear LA MANSO, earrings SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO, tights stylist’s own.

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Fashion

Body ISA BOULDER, trousers ALYSI, earring TETIER BIJOUX.

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Full look GIVENCHY, earrings VANESSA SCHINDLER.

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Fashion

Full look COURRÈGES, earring VANESSA SCHINDLER.

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Full look VERSACE, earring TETIER BIJOUX.

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Fashion

Full look LACOSTE.

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Muse Make Up Hair Casting Direction and Production Photo Assistant

Content

AFRICA PEÑALVER KATHY LE SANT JOHNNIE BILES CLEMENCE OROZCO BELLO NATHAN GRIMES

Full look ISSEY MIYAKE.

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MANIFESTO 132

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CULTURE CHAOS THE INTERCEPTION AND COLLISION OF CONTEMPORARY CREATIVITY. BREAKING BARRIERS, CHANGING CONVENTIONS.

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130 NATHANIEL MARY QUINN 146 ANNE IMHOF 164 DAWOUD BEY 176 ARAM BARTHOLL

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NATHANIEL MARY QUINN THE CIRCUS NEW YORK JULY 8 , 2021 TH

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Photography JON ERVIN Interview LERONN P. BROOKS Culture Chaos

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Car Crash, 2020

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Split Face, 2020

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NATHANIEL MARY QUINN IN CONVERSAZIONE CON LERONN P. BROOKS Testo di GLORIA BOERI LB Cosa vuol dire venire dalla cultura del lavoro manuale e dire, “Io faccio parte del mondo dell’arte, io sono un artista”?

NMQ L’arte è un’attività faticosa che richiede anche sforzo fisico. Anche se fai qualcosa che ti piace fare, non vuol dire che affronti ogni giorno con un senso di incredibile ispirazione e inesauribile desiderio. Molto ha a che fare con la disciplina e la perseveranza, e questo è lavoro. Mio padre si svegliava alle quattro tutte le mattine per andare al ristorante in cui cucinava, ogni giorno. Disciplina, costanza, puntualità. Sono cresciuto con questi valori e li porto con me. Sono principi ineluttabili per chiunque voglia progredire e perseguire uno scopo nella vita. Poi la vita è ingiusta, quindi averli non vuol dire necessariamente realizzare il proprio scopo, ma perseguirlo, il che conferisce un senso di valore e autostima, un posto nel mondo.

LB Per un artista, però, c’è di più del semplice lavoro, c’è qualcosa che ha a che vedere con la verità. Qual è lo scopo che vuoi raggiungere attraverso la costanza del tuo lavoro?

NMQ Il mio sforzo e la mia etica del lavoro sono applicati a qualcosa che mi dà un’incredibile soddisfazione. Amo quello che faccio, amo creare e cercare costantemente nuovi modi per risolvere problemi e capire cosa fare con il materiale.

Il mio scopo è quello di mettere in luce la variopinta gamma degli esseri umani. Lavorando nel mio studio ho ascoltato molto Thomas Sowell, un economista afroamericano cresciuto ad Harlem con un dottorato all’Università di Chicago. L’altro giorno mentre lo ascoltavo è stato interrotto dalla pubblicità di un’azienda che celebrava la musica nera e voleva onorare DJ D-Nice. Lui è un talento, ed è giusto che sia onorato, ma non riuscivo a fare a meno di pensare che questa pubblicità fosse totalmente sconnessa dal presente, perché la musica nera è la musica americana. Mi piace pensare che D-Nice sia americano. È nero, indubbiamente, ma è americano, la musica nera è ascoltata da tutti.

LB Gli afroamericani sono nel DNA della costituzione e della cultura popolare. Gran parte della cultura americana inizia con i neri, dalla cucina allo RnB, dal blues al gospel al jazz. A quanti matrimoni, a quante feste di compleanno, si sentono Diana Ross e i Motown? Indipendentemente dall’etnia, gli americani crescono con la nostra cultura.

NMQ Questo è il motivo per il quale sono così focalizzato sul concetto di umanità, non mi piace questo separatismo.

Le persone vogliono essere viste e trattate come esseri umani, e questo è il fondamento del mio lavoro. Quando mi sono trasferito a Crown Heights, ho avuto il piacere di diventare amico dei miei vicini, uomini neri, alcuni di loro con un passato in carcere. Non condivido le scelte che questi ragazzi hanno fatto ma non per questo li ho giudicati o umiliati. Siamo diventati amici perché avevo l’empatia necessaria per mettere a fuoco la loro umanità e subito hanno iniziato a condividere con me i loro sogni, le cose che volevano fare nel mondo. Semplicemente non erano abituati ad essere accettati nel loro spessore umano, vengono trattati come obbrobri della società perché hanno commesso crimini in un mercato che era il più lucrativo nella loro comunità: la droga.

LB E il più disponibile.

NMQ Se pensi ai giorni del proibizionismo, l’alcol costituiva il 70% delle entrate del governo. Tutti erano contrabbandieri. A un certo punto della storia americana una delle industrie più fiorenti era quella del circo. Andavano in giro a cercare questi fenomeni da baraccone, persone che avevano un modo di apparire o di essere non convenzionale.

LB

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Nel circo si riuniscono elementi apparentemente inadatti gli uni agli altri, il cavallo, la tigre, gli acrobati, e questo suo aspetto mi fa pensare alla tua arte.

NMQ Questo è il motivo per il quale sono così affascinato dal circo. I circhi viaggiavano ovunque, attraverso il Midwest e il sud del paese, si facevano una pubblicità incredibile e le persone accorrevano per vedere questi personaggi dare spettacolo. D’altra parte, però, i personaggi erano vittime di pregiudizi, ostracizzati all’interno della società per il loro aspetto anomalo.

LB Durante i primi del Novecento, al di là della chiesa, è al circo che grandi gruppi di persone avevano occasione di riunirsi. Invece di essere incentrato sulla religione, però, il circo era incentrato sul dibattito attorno al concetto di normalità. Esseri umani venivano definiti come fenomeni da baraccone. Tu nella tua pratica unisci elementi che la gente non unirebbe mai, un braccio, un occhio: quando lo fai tu, beh, c’è qualcosa di vero.

NMQ Questo è un riflesso della vita stessa. Ci illudiamo di poter plasmare il nostro futuro con la sola volontà ma è tutta un’illusione. Nessuno sa cosa succederà domani, e questo è il motivo per il quale lavoro alla giornata e sono molto intuitivo nella mia pratica. Lascio che le cose scorrano attraverso di me. Non controllo il cavallo, per così dire, lascio che il cavallo avanzi e cerco di trovare il ritmo con i suoi muscoli contro il mio corpo. È come l’armonia che c’è tra mamma e figlio prima che il bambino impari a parlare. Sostanzialmente, è questo che cerco sempre di dipingere. 05 LB Di fatto, quando osservo un tuo lavoro vedo dei pezzi che si congiungono, quando poi però guardo una tua figura negli occhi, arrivo alla verità. Penso che le tue figure mi dicano di più su me stesso di quanto io possa mai attribuire a loro.

NMQ È un complimento straordinario. Questo per me vuol dire che il lavoro funziona, che è vivo, che suscita una risposta negli spettatori, i quali riescono a vedersi attraverso di esso. Io sono impegnato nella creazione di ciò che siamo come umani. Siamo tutti pezzi disordinati del puzzle, assemblati attraverso esperienze di vita e credenze.

Queste esperienze danno forma alla nostra identità ma sono messe insieme in maniera approssimativa. Se fosse una nostra scelta sarebbero perfettamente connesse, senza inconvenienti, ma non lo è. Tutto sta come reagiamo alle esperienze. Credo che se potessimo vederci da fuori come siamo dentro assomiglieremmo ai miei lavori.

LB Forse quelli che andavano al cosiddetto “Freak Show” non andavano a vedere i fenomeni da baraccone. Credo finissero per osservare se stessi.

NMQ Osservavano se stessi, ma credo si perdessero in qualcosa di ancora più profondo. Erano chiamati in causa dalla loro curiosità. Credevano di sedere al posto di comando quando in realtà erano i personaggi che si esibivano a sedersi.

LB Puoi spiegarmi questa cosa?

NMQ Quando entro in una stanza piena di persone bianche e tutte si girano mostrando un senso di disagio a causa del mio corpo nero, per esempio. Ecco, una cosa è dire che la loro reazione mi ha fatto sentire in imbarazzo, un’altra è dire che quella reazione è la prova che sono io ad avere il potere, perché con la mia mera presenza riesco a farli sentire a disagio. Prendi il figlio di Meghan Markle e la famiglia reale. La famiglia reale ha combattuto guerre, ha affrontato sollevazioni popolari per tenersi stretti i suoi valori. Nessuno immaginava che per abbandonarli bastasse il pensiero della nascita di un neonato nero. Questo significa che quel neonato nero è potente, così potente da aver scosso la famiglia reale. Non un’arma, non una guerra, non una battaglia, non la minaccia di una rivalità politica, ma la semplice presenza di questo bambino.

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LB Le tue figure quindi detengono il potere. La coscienza che le persone possano osservare le tue figure e trarne la loro impotenza, anche attraverso la rabbia o la debolezza, dimostra una sensibilità quasi arcaica. Il tuo potere è l’empatia.

NMQ Non uso solo il carboncino nero e i pastelli, i miei strumenti sono anche la vulnerabilità e l’empatia.

LB Gli strumenti sono un mezzo per raggiungere un fine, è però la tua connessione con il mondo a conferire verità all’immagine. Tu potresti disegnare come un artista realista, ma non lo fai.

NMQ Non sono interessato a quello. Potrei ritrarre il tuo viso, ma quello è semplicemente il fenotipo del tuo DNA. Io sono interessato alla tua essenza.

LB Conosci quel detto “Le persone possono dimenticare ciò che hai detto, ma non dimenticheranno mai come le hai fatte sentire”?

NMQ Le persone ricordano come le hai fatte sentire e ricordano le tue azioni. Vedi Michael Jordan, uno dei miei idoli. Si tratta di un uomo che aveva dentro di sé l’etica del lavoro. Quando parliamo di Michael Jordan non parliamo della sua mente ma di come giocava, ed è attraverso il gioco che comunicava con le persone. Vivevo a Chicago a quei tempi, e sembrava davvero che giocasse per la gente della città, e in particolare per la classe lavoratrice. Le persone ricordano come le hai trattate, ed è l’unica cosa che conta.

LB Questo arriva al cuore di cosa sia un legame. Tu crei delle figure che fanno sentire la gente compresa, ma rimangono in una posizione di controllo. Io le guardo ma mi sento visto. C’è una lezione in questo che si estende a come affrontiamo il mondo. L’arte ci può rendere cittadini migliori.

NMQ Non è che l’arte può farlo. Spesso è l’arte a renderci persone, cittadini ed esseri umani migliori. L’arte ha il potere di tirare fuori il meglio dalle persone e mostrar loro la loro stessa bellezza. Non credo ci sia un’espressione dell’umanità più efficace di quella che passa attraverso gli accordi e i ritmi della musica afroamericana. 06 LB La musica di Al Green è educazione emotiva. Quando penso alla musica nera, penso a tutta l’educazione emotiva che riceviamo. Dalle arti visive invece, questa emerge quando osserviamo qualcosa di complesso. Il nostro desiderio di connessione o, al contrario, il nostro rifiuto, rivelano più di noi che dell’opera d’arte.

NMQ L’arte ha questo potere. Io sono influenzato da tutte le tradizioni artistiche, dalla musica alle commedie, dal cinema alla letteratura, e ovviamente le arti visive. Voglio essere bravo quanto Miles Davis oltre a Adrian Ghenie, John Currin, o Kerry James Marshall. Per me sono tutti scolpiti su quella specie di Monte Rushmore dell’espressione artistica. Si cimentano e si fondono con i materiali con cui lavorano. Il materiale permette di rendere visibile qualcosa di invisibile, per poi condividerlo con il mondo. La prima cosa che l’opera fa una volta entrata in questo mondo è servire altri individui. Tutta l’arte deve farlo.

LB E in che modo serve te?

NMQ Non c’è nessun altro luogo al mondo dove vorrei essere quanto nel mio studio. Lì mi sento come Dio. Mi sento potente, mi sento grande, mi sento bene.

LB Tu dai al mondo, però devi anche prendere dal mondo per sentirti ispirato. Cosa ti ispira?

NMQ Il processo stesso della creazione è per me fonte di ispirazione. Questa capacità di vedere diversamente. Dipingendo una fronte magari realizzo che ciò che mi interessa

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non è dipingere la fronte ma trovare un modo per imitare la pelle in quel preciso punto del viso. Posso focalizzarmi su piccoli dettagli ed elaborare a partire da loro, e così piccole cose diventano grandi. Parte della mia comprensione di questo concetto deriva dai beat dell’Hip-hop prodotti da gente come Kanye West, Pharrell o Raphael Saadiq. Loro prendono un frammento di un brano old school, lo espandono fino a farlo diventare un nuovo pezzo. Così facendo creano un suono nuovo omaggiando coloro che li hanno preceduti. È un aspetto al quale mi sto dedicando nella mia pratica: come ridurre un’informazione ai suoi elementi essenziali.

LB Tu prendi una mano, Q-Tip prende un beat di James Brown che non è neanche la parte più potente del brano, ci investe delle energie finché non si trasformano in qualcosa di totalmente inaspettato. Chi di noi può prestabilire la lezione che ci daranno quel frammento di suono o quel ritaglio di carta? È davvero una cosa molto potente questa, far crescere una cosa che gli altri considerano di poca importanza.

NMQ Anch’io lo trovo molto prezioso. Mi sono anche impegnato a trovare me stesso, ed è un percorso continuo. C’è stato un periodo in cui per rappresentare un braccio, ad esempio, provavo a tracciare i contorni con precisione, il bicipite che porta al gomito e così via, ma io non sono un artista accademico. Ora mi lascio trasportare completamente dalla mia visione. La vedo nella mia testa, prendo la tempera, la stendo liberamente, e poi parto da lì.

LB Branford Marsalis in un’intervista ha detto che Miles Davis riusciva a suonare velocemente il bebop quando era con Dizzy Gillespie e gli altri, ma a un certo punto si è reso conto che non poteva batterli. Non era un fallimento, aveva semplicemente trovato se stesso nella forma. E a partire da quel momento è andato avanti per la sua strada, con la musica modale, “Kind of Blue”… Quindi semplicemente può darsi che tu abbia trovato la forma.

NMQ È a questo che mi sto dedicando. Sono alla costante ricerca di me stesso, tento di trovare modi di rappresentare e dipingere che corrispondano alla mia verità. Ho così tante idee, così tante cose che voglio fare, visioni che porto con me da sette, dieci anni.

LB Parlando di “fenomeni da baraccone”, Miles non aveva paura di avere John Coltrane, McCoy Tyner nel suo gruppo, ha lasciato che trovassero la loro voce, e ha fatto lo stesso con Chick Corea e Herbie Hancock. Anche tu stai trovando la tua voce in questi diversi elementi e lo stai facendo in maniera naturale. Non hai paura di loro.

NMQ Ho capito che la più grande minaccia per la mia arte sono io stesso. A volte mi sento un vigliacco e quando lavoro su un’opera mi sento debilitato dalla paura. Ci vuole coraggio perché uno tende sempre a dubitare di se stesso e non vuole fallire. Uno non sa mai se funzionerà o no, ma deve provarci.

LB Nella bottega rinascimentale c’era l’associazione di diversi tipi di produzione con ingegneri, architetti e così via. Non c’erano solo le arti. Ti trovavi in un ambiente dove potevi decidere se formarti come ingegnere o come pittore o come scultore. Ma questi sono gli attrezzi e, man mano che il tuo armamentario cresce, ti ritrovi nella tua metaforica bottega, con tutte le cose che vuoi e puoi realizzare. E il punto è, come entri in questo spazio? Con tutti questi attrezzi a tua disposizione, è un po’ come se fosse il tuo circo.

NMQ È il mio circo, hai ragione. In questo momento sto preparando la mia seconda mostra alla Gagosian Gallery e sto cercando di fare il miglior lavoro della mia vita. Ancora non mi capacito di essere nato e cresciuto in quel modo e di trovarmi qui adesso a vivere il sogno che avevo allora. Sono grato per questo.

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ART DOES MAKE US BETTER 06 PEOPLE, CITIZENS AND HUMAN BEINGS. I KNOW THAT TO BE TRUE. ART HAS THE POWER TO BRING THE BEST OUT OF PEOPLE AND SEE THE BEAUTY THEY HAVE WITHIN THEMSELVES. I DON’T THINK THERE IS A MORE EFFECTIVE EXPRESSION OF HUMANITY THAN THAT WHICH COMES THROUGH THE CHORDS AND THE RHYTHMS OF BLACK AMERICAN MUSIC.

N. MARY QUINN

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NATHANIEL MARY QUINN IN CONVERSATION WITH LERONN P. BROOKS Text by GLORIA BOERI LB What does it mean to come from a working culture, from people who were closer to their labor in a more direct way, and then to say, “I am in the artworld, I am an artist”?

NMQ Art is a rather laborious activity that requires physicality. Although you are doing something that you really enjoy doing, it does not mean that you approach your work every day filled with some unimaginable sense of inspiration and inexhaustible urge. Much of it is filled with conscience of one’s own discipline and perseverance—and that is work. My dad would wake up at 4 in the morning and go to some restaurant where he would be a cook, every day. Discipline, persistence, showing up on time, doing that every day. I grew up seeing this and I carry those values with me. They are inescapable values for anyone who intends to make progress and pursue one’s goal in life.

Life is not fair, so that doesn’t necessarily mean achieving one’s goal, but pursuing it. And this gives an internalized sense of value and self-esteem, a place in the world.

LB But as an artist there’s more than just work, there is something about truth. What is your intention with the everydayness of your work?

NMQ My labor and work ethic are applied to something that does give me a tremendous amount of fulfillment. I love what I do, constantly creating and searching for new ways of solving problems and trying to figure out what to do with the material. In that pursuit my aim is to highlight the rainbow light spectrum of humanity. While working in the studio I’ve been listening to a lot of Thomas Sowell, a Black American who grew up in Harlem and an economist with a PhD from the University of Chicago. The other day I was listening to him and there was this ad about a company celebrating Black music and wanting to honor DJ D-Nice. He is remarkable and he should be honored, yet I couldn’t help but think that the ad sounded completely disconnected from our current reality because Black music is American music. I like the idea that D-Nice is an American. No doubt he is Black, but he is American, and everyone plays Black American music.

LB African Americans are in the DNA of the constitution and of popular culture. A lot of what is American culture begins with Black people, from cooking to RnB, from blues to gospel and jazz. How many weddings, how many birthday parties, no matter the race, have Diana Ross and Motown playing?

Regardless of the race, Americans are raised on our culture.

NMQ That’s why I focus so much on the concept of humanity, I don’t like the separatism of it all. People want to be viewed and treated as human beings and that is at the bedrock of my practice. When I first moved to Crown Heights, I had the pleasure of becoming friends with local neighbors, Black men, and some of them had done very long days in prison. I don’t agree with the decisions these guys made, but I didn’t judge or humiliate them. We became friends because I had enough empathy to get down to their humanity and before you know it, they started sharing with me dreams that they had, things that they want to do in the world. They were just not accustomed to being embraced with any real caliber of humanity. They’re always objectified into being this monstrosity in society because they committed crimes in a market that was the most lucrative market in their community: drugs.

LB And the most available market.

NMQ If you go back to the days of prohibitions, alcohol was 70% of the government’s revenue. Everyone was a bootlegger. At a point in American history one of the biggest

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industries around was circus. They went around to try to find ‘oddities’, people who had very unorthodox ways of looking and being.

LB In circus, you have all these seemingly unfitting parts coming together—the horse, the tiger, the acrobats—and that makes me think about your paintings.

NMQ That’s why I’m deeply fascinated with the circus. They travelled everywhere, through the Midwest and the South, their marketing was amazing, and people went and watched these participants perform. On the other hand, these participants also suffered a very high level of prejudice and were ostracized in society because they looked different.

LB In the early 1900s, outside of church, it is at the circus that large groups of people came together. Rather than around religion, however, circus revolved around the debate of what would be defined as normal. It was delineating these human beings as “freaks”. In your practice you bring together parts—like an arm or an eye—that people wouldn’t necessarily put together but when you do it, well, there is truth in that.

NMQ That’s a reflection of life itself. We seem to delude ourselves into the belief that we can somehow shape the future in accordance with our will but that’s a fantasy. No one knows what tomorrow may bring. That’s why I work in the moment, and I am very intuitive in my practice. I allow for things to flow through me. I don’t try to control the horse so to speak, I just let the horse ride and I try to find rhythm with its muscles against my body. It is like the harmony there is between a mother and child before the child learns how to speak. In essence, I am always trying to paint that. 05 LB When I see your work, I see the fact of these pieces coming together, but when I look into one of your figure’s eyes, I get the truth. I think your figures tell me more about myself than I can even put on them.

NMQ That is a remarkable compliment, thank you. That to me is the work functioning, it is alive, it elicits a response from viewers who can see themselves through it I am engaged in the creation of who we are as human beings. We are all jumbled pieces of the puzzle, pieced together through life experiences and belief systems. These experiences shape our identity but are crudely put together. If it were our choice they would be seamlessly linked, with no inconvenient, but it is not our choice. It is all about how we respond to these experiences. If we were to see ourselves inside out, I think we would see one of my works.

LB Those who went to the so-called “Freak Shows” maybe didn’t go to look at the people they didn’t want to consider normal. Maybe they got a glimpse of themselves.

NMQ They got a glimpse of themselves but they might have missed something else that is even more profound. They might have missed the point that they were in many respects summoned by virtue of their own curiosity. They presumed they were in the power seat when in fact the participants in that circus were in the power seat.

LB Can you explain that?

NMQ When I walk into a room full of white people, and they turn around and exhibit some sense of discomfort because of my Black body, for example, it is one thing to suggest that getting that reaction makes me uncomfortable, it’s another thing to say that getting that reaction is proof that I have the power, that my mere presence causes discomfort. Like Meghan Markle’s child and the British Royal Family. The British Royal Family faced wars and political upheavals, all in the name of holding on to these values.

And all this time we couldn’t realize that was required for

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them to abandon their own values was the thought of the birth of a Black baby. That means that Black child is powerful, so much so that it shook the Royal Family at its foundations. Not a weapon, not a gun, not a battle, not the threat of political rivalry, just the presence of this baby.

LB So your figures have the power. To know that people can look on that figure you created and try to work out their own powerlessness—through anger, through dismissal— is a very ancient sensibility. Your power is empathy.

NMQ I don’t just use black charcoal and soft pastels. My tools also consist of vulnerability and empathy.

LB Tools are a means to an end, but it is getting close to your own connection to the world that brings truth to the image.

You could draw like a realist artist, but you don’t do that.

NMQ I am not interested in that. I could draw your face, but that’s just a phenotype of your DNA. I am interested in your essence.

LB You know the old saying, “People may not remember what you said but they will remember how you made them feel”?

NMQ People remember how you made them feel and people remember your actions. Take Michael Jordan, one of my idols. This is a man who had all that work ethic in him.

When we talk about Michael Jordan, we don’t talk about his mind but about how he played the game. It is through sports that he was able to connect with people. I lived in Chicago when he was playing, and it really felt like he was doing it for the people of Chicago and specifically for the working class. People remember how you treated them and that’s all you have.

LB It gets to the core of what a connection is. You make figures that make the viewer feel seen. They are in the position of control: I am looking at them, but I feel seen. That extends into how we enter the world. Art can make us better citizens.

NMQ It is not that art can do it, it is often the case that art does make us better people, citizens and human beings.

I know that to be true. Art has the power to bring the best out of people and see the beauty they have within themselves. I don’t think there is a more effective expression of humanity than that which comes through the chords and the rhythms of Black American music. 06 LB Al Green is education in emotions. When I think about Black music, I think about all the emotional education we get. With the visual arts, there too is an emotional education when you look at something complicated. The will to connect or reject it speaks about you, not about it.

NMQ Art has that power. I am influenced by a lot of traditions of art making, from music to comedy, from film to literature and then of course the visual arts. I want to be good like Miles Davis in addition to Adrian Ghenie, John Currin, or Kerry James Marshall. To me they’re all in that sort of Mount Rushmore of artistic expression. They engage with and marry to the materials with which they work.

The material is like a pathway that allows you to materialize what was once invisible into the visible. Its spirits will accompany it until the very end, until it is done. And then you share it with the world. The first thing it ought to do is to provide a service to other people.

LB And how does it serve you?

NMQ There is no place on earth I’d rather be than in my studio.

It is only in my studio that I feel like God. I feel powerful, I feel great, I feel good.

LB You give to the world but you also have to take from it in order to feel inspired. What inspires you?

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NMQ I find the actual process of making work inspiring, the ability to see differently. I could be painting a forehead, and then it dawns on me that it is not that I’m interested in painting a forehead but in finding a way to mimic flesh at that part of the face. I can zero in on small parts of the forehead and expand on that. The little things become big. Part of my understanding about this concept comes from Hip-hop beats produced by the likes of Kanye West, Pharrell or Raphael Saadiq. They take a snippet of an old school song, make it big and that becomes the track. It creates a different sound, and it pays homage to those who came before. That is something I have been engaging in now in my current art practice: how to reduce information to its essentials.

LB You take a hand, Q-Tip can take a beat of a James Brown song that is not even the loudest part of the song, you invest in that and then it grows into something that now one saw coming. Who among us can predetermine what is the lesson from that little bit of sound, or that little scrap of paper? It is a powerful thing to grow something that others consider to be nothing.

NMQ I find it to be very valuable. I have also been engaging in finding myself, and that’s an ongoing journey. There was a time when, to loosely render an arm, I would try to get all the contours just right—the bicep which leads into the elbow area and so on—but I am not an academic artist.

Now I let myself to be completely led by my visions. I see it in my head, and I just take a gouache and lay down that loose and then I work from there.

LB Branford Marsalis during an interview said that Miles Davis could play bebop. He could play fast when he played with Dizzy Gillespie and the others but, at a moment, he realized he couldn’t beat them. It wasn’t failure, it was just finding himself within the form. From there he went his own way, in terms of modal music, “Kind of Blue”… So maybe you just found the form.

NMQ This is what I’m engaging in. I’m constantly in search of myself, finding out more effective ways of rendering and painting that work best in accordance with my own truth.

I have so many ideas, so much stuff I want to do—visions I have been carrying with me for seven, ten years.

LB Speaking of “freaks”, Miles was never afraid to have John Coltrane or McCoy Tyner in his band, so he let them find their voice, the same goes for Chick Corea, Herbie Hancock. And you are talking about finding voice in these different elements but letting this happens naturally. You’re not being afraid of them.

NMQ It has come to my realization that the biggest threat to my art practice is me. Sometimes I feel like I am such a coward, I feel debilitated with fear when I’m working on a piece.

It takes courage because you’re always second-guessing yourself and you don’t want to fail. You’re not sure if it’s going to work out or not but you have to go for it.

LB In the Renaissance workshop you had this consortium of different kinds of production with engineers, architects and so on. It wasn’t just the fine arts. You could be in a space where you would say oh, “I can train to be an engineer, a painter, a sculptor”. But that’s the toolbox and as your toolbox grows you have your own metaphorical workshop and have all the things you want to do and can realize. And the thing is, how do you just walk in that? With all these things in front of you, that’s like your own circus.

NMQ It is my circus, you’re right. Currently I am getting ready for my second show at Gagosian Gallery and I am trying to make the best work of my life. I still pinch myself that I was born and raised the way that I was and that now I’m here in life, living in the dream that I once had. I am grateful for that.

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Dave Foresythe, 2019

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Mr. Nightmare, 2020

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Self-Portrait After Rembrandt, 2019

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Crossover, 2017

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Fight Bully Run, 2019

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NATHANIEL MARY QUINN (b. Chicago, 1977) is a Brooklyn-based contemporary visual artist. Quinn's distinct Dada-esque portraits are collage-like hybrids comprising fragmented images drawn from mass media and personal memory. Through them, the artist delves into his past and present, and broader themes of identity. His works are replete with art historical references to Cubism, Surrealism, Francis Bacon, and others, yet his process is also very personal, drawing from his memories, experiences, traumas, and family history growing up in Chicago’s Robert Taylor housing project. Nathaniel Mary Quinn has exhibited at galleries and institutions internationally. Recent solo exhibitions include Half Gallery, New York; Luce Gallery, Torino, Italy; M + B Gallery, Los Angeles; Rhona Hoffman Gallery, Chicago; Bunker 259 Gallery, Brooklyn; Pace Gallery, London, England; and the Museum of Contemporary African Diasporan Arts (MoCADA), Brooklyn, New York; Gagosian, New York.

WE SEEM TO DELUDE OURSELVES 05 INTO THE BELIEF THAT WE CAN SOMEHOW SHAPE THE FUTURE IN ACCORDANCE WITH OUR WILL BUT THAT’S A FANTASY. NO ONE KNOWS WHAT TOMORROW MAY BRING. THAT’S WHY I WORK IN THE MOMENT, AND I AM VERY INTUITIVE IN MY PRACTICE. I ALLOW FOR THINGS TO FLOW THROUGH ME.

N. MARY QUINN

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ANNE IMHOF THE OPEN MAZE PARIS MAY 26 , 2021 TH

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Photography NADINE FRACZKOWSKI Interview HANS ULRICH OBRIST Text ANGELIKI KIM JONSSON Culture Chaos

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ANNE IMHOF IN CONVERSAZIONE CON HANS ULRICH OBRIST Anne Imhof ha studiato alla Städelschule e ha allestito la sua prima mostra personale “Parade” a Portikus, Francoforte nel 2013. Oggi, lavorando da più di un decennio, si è affermata come una figura di spicco nell’arte contemporanea attraverso il suo lavoro radicale, affermandosi come una delle artiste più acclamate della sua generazione.

Il lavoro di Imhof è stato esposto all’Art Institute di Chicago (2019), alla Tate Modern (Londra, 2019), all’Hamburger Banhof (Berlino, 2016), alla Kunsthalle Basel (2016), al MoMA PS1 (New York, 2015) e al Carré d’Art - Musée d’Art Contemporain di Nîmes (2014) e con la sua performance “Faust” ha vinto il Leone d’Oro per la migliore partecipazione nazionale nel 2017, in rappresentanza del padiglione Germania alla 57ª Biennale di Venezia. Quest’anno, tra Maggio e Ottobre 2021, Imhof si impossessa di tutto il Palais de Tokyo per creare un’opera onnicomprensiva e polifonica. Qui fonde spazio e corpi, musica e pittura, e le proprie opere con quelle di una serie di complici, la compositrice musicale Eliza Douglas e trenta artisti ospiti invitati. All’interno della struttura nuda del Palais de Tokyo, spogliata delle sue mura, inserisce un labirinto di pareti di vetro che frammenta lo spazio, generando contemporaneamente nuove prospettive. Ossessionata dalla pittura, dal ciclo fugace della vita e dalle perturbazioni del presente, Anne Imhof compone “Natures Mortes”.

Lo spettatore è incoraggiato a esplorare lo spazio confrontandosi con i concetti critici del lavoro contemporaneo dal vivo, come teatro e realtà, performance e verità, vita e non vita, buio e luce, passato e presente, immobilità e azione, intensità e disincanto, tutto mentre traccia liberamente il suo percorso attraverso il vasto spazio del Palais de Tokyo.

HUO Partiamo dalle origini. Parlami un po’ della tua borsa di studio in Francia.

AI Nel 2013, ho avuto la borsa di studio per un anno. Poi ho ricevuto un invito per il Carre D’Art a Nimes, ed ho alla Fondazione Hessische Kulturstiftung se potevano prolungarla per altri sei mesi. Da lì ho iniziato a fare pezzi e creare molta musica. Andavamo fuori la maggior parte del tempo e creavamo per la strada. Passavamo tutto il giorno fuori, negli spazi pubblici.

HUO Quindi gli spazi pubblici erano la tua sala prova?

AI Sì, potremmo definirla così. Era davvero bello. Il nostro motto era “Facciamo qualcosa qui!”.

HOU Come è nata l’idea?

AI Ai tempi Nadine (Fraczkowski) viveva a Parigi e la girava in ogni suo angolo. Conosceva i posti fuori dal centro città. Così abbiamo aspettato che la gente se ne andasse, per fare le registrazioni. Créteil e Ivry erano le ultime stazioni della metropolitana...

HUO É lì che andavi?

AI Esattamente. A Stalingrado (stazione della metropolitana a Parigi) ci sono dei campi sportivi che sono più isolati. Poi c’era una ex stazione ferroviaria, chiamata Le Petit Ceinture. Qui trovavi un’entrata alle catacombe e un lungo tunnel: percorrerlo interrompeva il tempo, eri solo ma ancora in mezzo alla città.

HUO E quali tipi di pezzi o frammenti sono stati testati successivamente?

AI Soprattutto Rage e pickpocket.

HUO Questa è la tua prima grande mostra a Parigi, o sbaglio?

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Non hai mai esposto qui prima d’ora, giusto?

AI Sono stata invitata una volta con questo pezzo unico, che ho presentato in passato al MoMA PS1. In realtà c’era un festival anche al Palais de Tokyo, e ho partecipato anche a quello. La cosa divertente è che ha avuto luogo nella stessa stanza dove ora stiamo provando la nuova performance.

HUO Quindi fai le tue prove qui?

AI Sì.

HUO Ci sarà una performance dal vivo quindi?

AI Sì, inizierà il 14 Ottobre. Penso sia incredibile che abbia aperto senza nessuna performance.

HUO Era la prima volta?

AI Una volta, al Castello di Rivoli, abbiamo aperto senza performance, ma a causa della pandemia. In entrambi i casi mi ha concesso di vedere le cose da una prospettiva diversa e ho potuto concentrarmi di più su altri lavori.

HUO TuttI i muri sono stati demoliti.

AI Sì, anche se non è durato troppo. È arrivato tardi rispetto a tutto il processo d’installazione, ma è stato piuttosto spettacolare. Ci è voluto tanto tempo e ho potuto passare parecchio tempo qui.

HUO Quindi, poiché tutto è stato rimosso, lo spettatore si è trovato di fronte ad un corpo spaziale fragile e vuoto, si vedono solo questi pilastri ora.

AI Sì, sapevo che sarebbe stato uno spazio enorme, ma ho anche pensato che sarebbe stato incredibile goderselo. Quando l’ho fatto, all’inizio ho pensato “Wow c’è così tanto spazio”, constatando che certi posti sono belli così, ma poi è venuta l’idea di invitare altri artisti. Mi è piaciuto osservali. È stata una grande esperienza. Ho capito quando i pezzi sono stati installati, che tipo di forza avevano.

Avevano un grande potere artistico interiore. 07 HUO Come è stato strutturato? Hai rimosso tutto e poi hai aggiunto alcune parti successivamente? Avevi un piano generale o è successo tutto organicamente?

AI Penso che si sia sviluppato organicamente perché i pezzi improvvisamente hanno funzionato per conto proprio.

C’è così tanto in ognuno di loro, così tanto lavoro e determinazione, come se fosse la storia della vita di qualcuno. Non si può vedere subito la loro connessione e questo è un bene.

HUO C’è stato un punto di partenza? Voglio dire, la tua struttura è al centro di tutto, così come il suono e il video di te ed Eliza (Douglas). C’erano dei punti fissi?

AI È difficile spiegare quale sia stato il punto d’entrata. Provo sempre a fare le cose simultaneamente il più a lungo possibile, ma il punto d’entrata rimane il materiale, il vetro in questo caso.

HUO Il vetro l’avete trovato?

AI Sì, grazie ad Andrea Faraguna e Niklas Bildstein Zaar. Mi hanno mostrato una foto di un edificio per uffici abbandonato in Italia, e hanno pensato che sarei stata interessata a lavorare con i grandi pannelli di vetro colorato che si trovavano nelle finestre. Solo che allora era davvero difficile, anche perché sarebbe stato impossibile rimuovere il vetro dall’edificio senza frantumarlo. Non potevo ricevere nessun campione e non potevo di certo volare fin là solo per dare un’occhiata. Così è stato prodotto qui e l’i-

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dea di un labirinto era proprio il fulcro di tutto, volevo creare un labirinto.

HUO Così lo hai disegnato?

AI Sì, ma non è veramente un labirinto. Lo ricorda, e hai come la sensazione di poterlo attraversare. L’idea era che i pezzi d’arte fossero collocati all’interno, per mostrare la loro diversa temporalità. Ho immaginato che funzionasse come un mausoleo, dove si potesse celebrare l’arte, percorribile al suo interno e dove all’improvviso potresti perderti.

HUO Si può seguire qualsiasi percorso o direzione. Non c’è un’unica via.

AI Sì, esatto, lontano dal centro e contro ogni direzione, questo era importante per me.

HUO Eliza ha composto tutta la musica?

AI Sì, tutta. Amo questa nozione sul suono: il suono è come se sanguinasse. Sanguina in tutte le diverse stanze.

Poi scorre, si fonde l’uno nell’altro. Naturalmente potrebbe sembrare una cacofonia perché nulla è stato prodotto insieme. Il suono è un po’ inquietante, perché è forte ed è instabile... si sente già al piano di sopra e questo è piuttosto interessante.

HUO Sì, è un magnifico sanguinamento. I suoni si fondono tra loro anche grazie all’assenza di pareti, giusto?

AI Sì, ma anche le cose nel mezzo sono importanti. Passiamo molto tempo a regolare il volume del suono e quando improvvisamente 10 persone sono dentro, suono e volume cambiano. All’inizio non mi era chiaro dove fosse il confine, come posizionare le opere d’arte e quale musica scegliere. Poi è stato chiaro che alcuni suoni si sarebbero ripetuti.

HUO Mi viene in mente quello che ha detto Margaret Mead una volta: “Se si stimola solo la vista, le persone tendono a dedicare meno tempo ai rituali. Solo se si stimolano tutti i sensi, le persone dedicano molto più tempo a rituali e mostre”. E la gente passa un bel po’ di tempo alla tua mostra, almeno secondo la mia impressione.

AI Penso che questo senso di perdizione piaccia alla gente. Intendo perdere il controllo e lasciarsi trasportare dal cambiamento.

HUO Questo lavoro lo hai sviluppato proprio durante la pandemia. Quindi la pandemia è in qualche modo presente nel tuo lavoro?

AI Sì, assolutamente. La singolarità. Ho sempre pensato che il lavoro precedente, per esempio quello di Londra, riguardasse più la solitudine o l’isolamento.

HUO Sì, quello in Picadilly del 1° Gennaio 2021.

AI Il lavoro a Picadilly è stato registrato. “One” ha preso forma da quello e in qualche modo anche questo lavoro…

Mi sono resa conto che non c’era un performer, la stessa performance live era assente, ma c’era il palco, e gli strumenti e di conseguenza per via di questi vuoti, l’idea che ci fosse qualcuno era davvero forte… o almeno lo era per me. Una sorta di metafora della situazione pandemica.

Ho sentito grande affinità verso questi aspetti. Non sentivo il desiderio di essere in compagnia, e di base questo è un aspetto centrale del mio lavoro come artista.

HUO Non era possibile.

AI Sì, ma non mi mancava nemmeno.

HUO Non ti è mancato affatto?

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AI Sì, penso di sì, ma non mi mancavano le riunioni o gli incontri. Gli incontri hanno funzionato in modo diverso e per me l’idea o l’immaginazione hanno più forza.

Tutto cambia in continuazione, ci ho riflettuto parecchio mentre venivo qui. Per esempio, anche il giardino a cui sta lavorando Precious Okoyomon ad Aspen …

HUO Il tuo lavoro è un po’ come i giardini, no? Anche loro cambiano sempre.

AI Sì, l’idea della struttura a labirinto potrebbe semplicemente estendersi anche all’esterno o avere un ulteriore dimensione. Mi piace l’idea dell’arte come cambiamento di forma, per esempio un dipinto diventa lo sfondo dello stadio successivo. E per tornare a una delle tue prime domande su quali fossero gli elementi centrali: è un po’ strano alla fine del processo, quando vedo la mostra ora penso: “Wow chissà come sarebbe andata se questa o quella decisione fosse stata presa diversamene ? C’e sempre la curiosità di sapere come sarebbe potuto essere qualcosa se le cose fossero andate diversamente e questo è un aspetto intrinseco. In qualche modo l’idea della potenzialità delle cose è estremamente eccitante.

HUO Durante una delle mie visite con Polke, ricordo che mi parlò della luce, e di come quando si passeggia alle mostre è come seguire la luce. Anche in questo caso. L’intera mostra ha a che fare con la luce.

AI Sì, è vero. Ci sono così tante finestre qui, e anche luci dall’alto, quindi non si può davvero controllare, ma in realtà mi sono seduta e ho guardato dove la luce rifletteva meglio.

Anche perché parte dei pezzi al piano di sotto possono sopportare solo una certa quantità di luce. È molto eccitante perché la luce diventa improvvisamente disturbante, quindi devi assicurarti che i pezzi non siano illuminati, ecco perché ci sono le tende al piano di sotto. Perché dalle 6 del pomeriggio il sole illumina i pezzi attraverso le finestre.

HUO Quindi cambia con le ore della giornata? Un po’ come un orologio solare?

AI Sì, più o meno. Beh, non so se succede sempre, ma in realtà le tende devono essere chiuse alle 6 del pomeriggio, così la luce non consuma l’opera d’arte.

HUO Volevo chiederti della natura morta. Il comunicato stampa dice che l’idea di base non era solo la casa infestata e l’interruzione del presente, ma la natura morta o “Natures Mortes”, puoi dirmi qualcosa di più a riguardo?

AI Quello che in realtà ho sempre desiderato è che le opere potessero essere viste in modo diverso, come una natura morta, così come l’idea del lusso e ciò che rappresenta. Si trattava di immaginare il poter stare insieme, cosa che in quel momento era un lusso. Questo è il motivo per cui ho deciso di non dare un nome alle opere, ma un genere, così da dare spazio a tutto il resto. Poi c’è l’idea sulla natura, che non è vista come la natura stessa, che si tratti del mio corpo o del corpo di altri, bisogna sempre vederlo in continuo mutamento. Per questo il video si chiama “Death Wish”, si tratta di una disforia.

HUO É interessante perché con “Natures Mortes” lo spettatore non ha modo di vivere la live performance che di solito caratterizza il tuo lavoro.

AI Sì, incredibile è pensare che sia stata intitolata ancora prima di vederla finita. Qui nella mostra in qualche modo le immagini sviluppano un’idea o qualcosa di simile, non c’è quindi una singola idea perfetta. Sono come piccoli frammenti individuali che creano quadri parlanti. Io penso prima al palcoscenico, per esempio, e poi tutto si muove lentamente verso il suo aspetto reale. Quasi come passare attraverso una poesia, in un certo senso.

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HUO Tu scrivi poesie?

AI Sì, le ho sempre riscritte in forma di canzone o testo perché so di non essere un’ottima poetessa. Quindi creando testi e canzoni ho cercato di mediare. Ho scritto parecchio e ho pensato al potere visivo del linguaggio.

HUO Tutto inizia dal labirinto.

AI Sì, ho sempre pensato a un passaggio, che si restringa in modo che anche la prospettiva cambi. La luce gioca un ruolo importante e rende ancora più potente il gioco di riflessioni. Ne arriva parecchia già dall’alto, esplodendo in più direzioni, anche se il passaggio avviene attraverso una sola.

HUO Questo invece è il film appena prodotto, il video che proviene dalla Tate, giusto?

AI Sì, e la scultura, per esempio, avrebbe dovuto essere collocata all’esterno, ma poi abbiamo visto questo raggio sotto alla quale sta perfettamente.

HUO Quindi è un raggio di luce?

AI Sì.

HUO “Più ricerca sulla luce”, direbbe Isa Genzken. Come viene creato un filmato del genere, con così tante riprese? L’hai montato tutto tu o hai qualcuno che ti ha aiutato? E quanto è lungo il film?

AI Tre ore e mezza. Ho un supporto per il montaggio. Siamo abbastanza vicini, ma non siamo riusciti a vederci durante il processo perché eravamo in piena pandemia. Quello che ho trovato difficile è stato che la musica non avesse alcun senso in rapporto con l’opera. Sembrava un documentario, così ho modificato la colonna sonora, inserendo pezzi recenti di Eliza, pezzi miei del 2008, e alcune tracce che abbiamo in parte registrato di nuovo con strumenti solisti. Era come se ci fossero due livelli diversi.

HUO E le strutture che costruite, il podio ad esempio, alla fine saranno attivate con la performance dal vivo in Ottobre, giusto?

AI Sì, forse quelli sotto, quelli grandi. Ci ho pensato a lungo: come reagiscono con la scultura, se fosse giusto il posto di prima, dipende da come percepisco l’opera. In realtà se ascolti il suono da qui e da lì, puoi sentire il suono fondersi. È stata un’idea mia e di Eliza, quella di far muovere il suono, di farlo scorrere lungo un binario.

HUO Quindi il suono vaga?

AI Sì, esatto. Al piano superiore c’è una struttura circolare chiusa con due coppie di altoparlanti, mentre nel piano inferiore viene interrotto.

HUO Come è stato creato questo lavoro?

AI Volevo creare un’appendice del film “Sex” con Eliza.

Siamo andate in Normandia e abbiamo guidato fino al mare. Eravamo li, usando tutti gli oggetti che avevamo a disposizione, per fortuna arrivò l’inondazione, le banchine di ostriche, gli argini di cemento. Noi registrammo tutto in un giorno.

HUO Tutto si muove sulle onde con intervalli, pause e silenzi.

AI Sì, le onde, sembra che l’oceano stia dietro il labirinto. Tra lo sfinimento e la convulsione.

HUO È un po’ un ossimoro, questa mostra è piena di contrasti, la luce e il buio…

AI O l’idea di esso. L’idea che tutto sia racchiuso qui.

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HUO E come hai conosciuto il lavoro di Alvin Baltrop?

AI Ho conosciuto le opere di Baltrop attraverso Douglas Crimp. Ho sentito un’intervista con lui e Juliane Rebentisch al Whitney Museum. Parlava del suo libro “Before Pictures”, e citava anche l’esposizione fotografica di Baltrop, curato da Crimp ed esposto a New York: da allora mi sono rimaste in testa.

HUO Una volta che le vedi, non puoi dimenticarle. I graffiti, più ti inoltri e più sono presenti. Come hai scoperto Oscar Murillo?

AI Ho osservato molto attentamente i suoi dipinti ed improvvisamente i suoi lavori sono comparsi ovunque. Ho osservato come si comporta con le sovrapposizioni e le composizioni.

HUO E le performance partiranno ad Ottobre?

AI Sì.

HUO Sai già dirmi cosa succederà o è a ancora troppo presto per parlarne?

AI C’è già molto lì. Funzionerà come una processione, dai piani alti verso il basso. Lo spettacolo andrà da un palco all’altro. Senza mai tornare da dove è iniziato. Ci sono molte figure, sembrerà un po’ una danza.

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Opening: full look BURBERRY. Full look BURBERRY.

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Bongs, photographed

by Nadine Fraczkowski.

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Natures Mortes, installation view

by Andrea Rossetti.

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Natures Mortes, installation view

by Andrea Rossetti.

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01–03 Natures Mortes, installation view by Nadine Fraczkowski.

04–08 Bongs, photographed by Nadine Fraczkowski.

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ANNE IMHOF IN CONVERSATION WITH HANS ULRICH OBRIST Anne Imhof studied at the Städelschule and put on her first solo exhibition “Parade” in Portikus, Frankfurt, Germany in 2013. Today, working over a decade she has established herself as a prominent figure in contemporary art through her radical work, placing her to be one of the most acclaimed artists of her generation. Imhof’s work has been shown at the Art Institute of Chicago (2019), the Tate Modern (London, 2019), the Hamburger Banhof (Berlin, 2016), Kunsthalle Basel (2016), the MoMA PS1 (New York, 2015) and the Carré d’Art – Musée d’Art Contemporain in Nîmes (2014) and with her performance “Faust” she won the Golden Lion for the best national participation in 2017, whilst representing Germany at the 57th Venice Biennale. This year between May – October 2021, Imhof takes hold of the entirety of the Palais de Tokyo to create an all-embracing, polyphonic work. Here, she fuses space and bodies, music and painting, and her own works with those of accomplices, the musical composer Eliza Douglas and thirty invited guest artists. Within the bared structure of the Palais de Tokyo, stripped down to its fragile carcass with its topography exposed, she fits a glasswalled maze that simultaneously fragments the space and generates new perspectives. Haunted by painting, the fleeting cycle of life and the disruptions of the present moment, she composes therein her: “Natures Mortes”.

The viewer is encouraged to explore the space between concepts that are critical to contemporary live work, such as theatre and reality, performance and truth, life and nonlife, darkness and light, past and present, stillness and action, intensity and disenchantment, all whilst we freely trace our own path across this vast, open scene at the Palais de Tokyo.

HUO Let’s begin with the beginning, can you tell me about your scholarship in France?

AI I had the scholarship for one year, back in 2013. Then I received an invitation for the Carre D’Art in Nimes, so I asked the Hessische Kulturstiftung, if they could prolong the scholarship for another six months. Back then I started to do these pieces and I did plenty of music. We would go outside most of the time and did the pieces in the street. We would spend the whole day ouside in public places.

HUO So the public places were your rehearsal studio?

AI Yes you could say that. It was really good. Our motto was “Let’s just do something here”.

HUO How did the idea arise?

AI Nadine (Fraczkowski) lived in Paris back then and she walked through every corner of the city. So she knew places outside the city center. So we just waited until the people left, to do the recordings. Créteil and Ivry were the last metro stations…

HUO Is that where you would go?

AI Exactly. Then below Stalingrad (Paris metro station), there are sport fields, which are more isolated. Then there is an ex train station, called Le Petit Ceinture, where there was an entrance to the catacombs and there was a big railway tunnel, if you passed through it, it seemed like the time was standing still – you were in the middle of the city but still alone.

HUO And what kind of pieces or fragments of pieces were tested later?

AI Especially Rage and this pickpocket piece.

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HUO But this is your first big exhibition in Paris? You didn’t do anything here before, did you?

AI Well, I was once invited with this one piece. The one I previously presented at MoMA PS1. There was a festival, actually also at Palais de Tokyo, and I took part in that.

What’s funny is that it took place in the exact same room where we now rehearsing the new piece.

HUO So you rehearse here now?

AI Yes. HUO Will there be a live performance?

AI Yes, in October. Starting October the 14th. I think for me it was something special that it opened without the performance.

HUO Was it the first time that it happened?

AI Once in Castello di Rivoli, we opened without the performance piece but it was due to the pandemic. In both cases it gave me a different perspective and I could focus more on my other works.

HUO All the walls were removed.

AI Yes, although I did not see it for a long time. It was done quite late in the process of the installation. But it was kind of spectacular to see the process as it took so long and I could spend some time here.

HUO So because everything was removed, the viewer is confronted with the fragile and empty body of the building and you only see these pillars.

AI Yes, I knew it would be a lot of space, but I thought it is good to see it. When I did, I first thought “Wow there is so much space” maybe some places need to stay empty but then came the idea to invite other artists. I loved to see what they did and how. It was a great experience. I realized when the pieces were installed, what kind of force they had. They had a great inner art power. 07 HUO How was it structured? Did you remove everything and then you added some parts? Did you have a masterplan or did it happen organically?

AI I think it had to develop organically as the pieces suddenly worked differently together. There is so much in each and every piece, so much work and history and purpose – someone’s life history. So you cannot see the connection at once and this is good.

HUO Was there a starting point of development? I mean your architecture is in the center, the sound is really centered, the video of you and Eliza (Douglas) is centered. Were those fixed points?

AI It is always difficult to say, what the entry point was. I always try to do things simultaneously as long as possible but the entry point is often the material, so I think at the beginning there was the glass.

HUO The glass was found?

AI Yes, Andrea Faraguna and Niklas Bildstein Zaar, they showed me a picture of this derelict office building they found in Italy, because they thought I would be interested in working with its windows, these large panels of stained glass. But then it was really difficult to work with the glass, because it was almost impossible to remove it from the building without breaking it. I could not be given any samples and I could not fly over there to have a look at

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the glass. So it was produced here and the idea of a maze was the center of all of it – that I wanted to create a maze.

HUO So you drew a maze?

AI Yes, but it is not really a maze. It just indicates a maze and you have the feeling that you can slide through it. The idea was that the art pieces were placed inside, to acknowledge the different temporalities of the art pieces.

I kind of imagined that it would work like a mausoleum, where you can celebrate art – that you stroll through it and suddenly, you might get lost.

HUO Or you could take another path or direction. There is no “one way”.

AI Yes, it kind of is – away from the center and against all directions, that was important for me.

HUO Eliza composed all of the music?

AI Yes, she did all of it. I love this notion of sound: the sound bleeds. It bleeds in all the different rooms. Then it flows, melts into each other. Naturally it could sound like a cacophony because nothing was really adjusted together.

The sound is kind of disturbing, because it is loud and it is unsteady... and you hear it already upstairs and this is kind of interesting.

HUO Yes, there is a wonderful bleeding. The sound merges with the others and this is because the walls are removed, right?

AI Yes, but also the things in between are important. We spend a lot of time to adjust the sound’s volume and when suddenly 10 people are inside, the whole sound and volume changes. In the beginning it was not clear where the border was – how to place the art pieces and which sound to it. Then it was clear that some sounds would appear several times.

HUO What just came into my mind, which fits to this subject, is what Margaret Mead once said: “If you just only address the visual sense, people tend to spend less time in rituals. Only if you address all of the senses, people spend a lot of more time in rituals and exhibitions.” And people spend quite a lot of time at your exhibition, at least to my impression.

AI I think, the feeling to get lost, that is something that people like. I mean to lose control or to transform.

HUO This is the work that was developed during the pandemic. So the pandemic is present in your exhibition, right?

AI Yes, definitely. The singularity. I have always thought about it in the previous work, for example, the one that you have seen in London. It was more about solitariness or isolation.

HUO Yes, at Picadilly, on the 1st of January (2021).

AI The work at Picadilly was recorded. “One” developed from it and somehow the work here... I thought, because there is no performer, the more the live moment is not present and still there are stages for example, and instruments and therefore the idea or the imagination of someone else is so strong, because of the empty spots... or it was for me, the expression of the pandemic situation.

This felt really close to me and not isolated at all, I actually had no longing for being together, really what my actual work as an artist is about.

HUO It was not possible.

AI Yes, it was not possible but I also did not miss it.

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HUO You did not miss it at all?

AI Yes, I think so but I did not miss the event of meetings or getting together. The get togethers kind of worked differently and for me the idea or the imagination is the strongest picture. Things change all the time, I have thought about it a lot on the way here. For example, in relation to the garden that Precious Okoyomon is working on in Aspen…

HUO Your work is like gardens too, right? They also change constantly.

AI Yes, or that the idea of the maze structure, it could just proceed outside or have a further state. I love the idea of art that is like shape shift, that for example a painting becomes the background in the next state. And to come back to one of your first questions about central elements: it is kind of strange at the end of the process, when I see the exhibition now, I think: “Wow I have no idea how this (I mean I know how it happened) but what if this or that decision took a different direction? There is always an idea how something could look like or end up looking and that is actually fundamental to everything.

But somehow it is the constant idea and imagination of the states that could come, that are the most exciting.

HUO From one of my studio visits with Polke, I remember he spoke to me about light, that when you stroll through exhibitions it is like to follow the light and this is also the case here, the whole exhibition has to do something about light.

AI Yes, that is true. There are so many windows here, also lights from above, so you cannot really control it but I actually sat down and watched where the light would reflect. Because partly, the pieces downstairs could only take a certain amount of light. It is very exciting because the light suddenly becomes a disruptive factor, so you have to make sure that the pieces are not illuminated, that is why there are curtains downstairs. Because from 6pm the sun shines through the windows down onto the pieces.

HUO So it changes with the hours of the day? Like a sundial?

AI Yes, kind of. Well I don’t know if it always happens but actually the curtains has to be closed at 6 pm, so the light does not consume the art piece.

HUO I wanted to ask about the still life. Your text says that the basic idea was not only the haunted house and disruption of the present moment, but the still life or “Natures Mortes”, can you tell me something more about it?

AI What I actually always wished was that the condition of the medium, of the pieces could be seen differently, as a still life and the idea of things and luxury and what it represents. It was about imagining being together, which was kind of a luxury at that moment. That is why I liked the idea of not giving the pieces a name but a genre, because like this you give space to everything else. Then there’s the idea of nature or aspects of nature, which is not seen as the nature given, if it is my body or the body from others, you always have to see it in development, in change, that is why I think that video piece is called “Death Wish” because it is about a dysphoria.

HUO Also interesting with the title “Natures Mortes” is if you went to the exhibition for the first time, one could not experience the live performances that you usually have.

AI Yes, interesting as the name was given before we knew how it would turn out. Here in the exhibition somehow the pictures develop an idea or something like an idea, I

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mean there is no single perfect idea. It is like small, individual fragments that create speaking pictures. Because I think first of the stage for example, and then it moves slowly towards how it actually looks like. Almost like going through a poem, in a certain way.

HUO Do you write poetry?

AI Yes, I always re-wrote them into a song or lyrics because I always thought that I am not a good poet, and that is true.

So with creating lyrics and songs I could avoid being a poet. But I did write quite a lot and I thought about the visual power of the language.

HUO Everything starts with the maze.

AI Yes, I always thought of a passage, a passage that narrows down so that the perspective shifts. In the passage the lights plays already a part because where the light is, the reflection is even more powerful. Quite a lot of light comes from above into the inner part, the reflection and mirrow effects are very strong and therefore you get the feeling that it could go into many directions although the passage is only in one.

HUO That is the film that was just developed but is the footage from the Tate right?

AI Yes, and the sculpture for example, should have been placed outside but then we saw this shaft, where it just fits under.

HUO So it is a light shaft?

AI Yes. HUO “More light research”, Isa Genzken would say. How is such a movie created, with so much footage? Have you edited it or do you have someone that does that for you?

And how long is the movie?

AI 3,5 hours. I have help with the editing. We are kind of close but could not see each other during the process as it was in the middle of the pandemic. What I found difficult is that the music that comes with the piece, did not make any sense. It sounded like a documentary, so I renewed the soundtrack. With pieces that Eliza did now and with pieces that I did in 2008 and some new pieces or pieces that we partly re-recorded with solo instruments for example. It was like two different levels.

HUO And the structures that you build, the podium leader, eventually it will be activated with the live performance in October, right?

AI Yes, I think the one above not but maybe the ones below, the big ones. I thought about it quite a lot, what it does with the sculpture, if they were in place before, it has something to do with how I see the work. Actually if you hear the sound from here and there, you can hear the sound merging/connecting. And then it was Eliza’s and also mine idea, to make the sound move, to make it move on the rail.

HUO The sound wanders?

AI Yes, exactly. Upstairs there is a circular structure that is closed and two pair of speakers and downstairs it is disrupted.

HUO So how was this work created?

AI I wanted to create an appendix to the“Sex” movie with Eliza. We went to the middle of Normandy and we drove off to the sea. The result was from us just being there and using the props that we had with us and luckily the flood

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came and there are these oyster docks, these concrete banks, we recorded it all in one day.

HUO It all moves across waves with intervals, pauses, and silences.

AI Yes, the waves, it seems that the ocean is behind the maze. Between exhaustion and convulsion.

HUO It is a oxymoron, the exhibition has a lot of contrasts like light and darkness and...

AI Or the idea of it. That everything is here.

HUO How did you encounter the work of Alvin Baltrop?

AI I got to know the works of Baltrop through Douglas Crimp. I heard an interview of him and Juliane Rebentisch at the Whitney Museum. He was talking about his book “Before Pictures”, and he talked about Baltrop as well and the exhibition with his photographs, I mean Baltrops photographs curated by Crimp, which was shown in New York and since then they stayed in my head.

HUO Once you see them, you cannot get them out of your head. The graffitis are very present the deeper you go inside. How did you get to Oscar Murillo?

AI I watched his paintings very closely, suddenly his pieces were shown everywhere. I watched how he behaves with overlaps and compositions.

HUO And here the activations will take place in October?

AI Yes. HUO And do you know what exactly will happen or is it still too early to tell?

AI There is already a lot there. It will function like a procession, from upstairs down. The performance will go from stage to stage. Never back where it came from. There are a lot of figures, it will look a bit like a death dance.

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I FIRST THOUGHT “WOW THERE 07 IS SO MUCH SPACE” MAYBE SOME PLACES NEED TO STAY EMPTY BUT THEN CAME THE IDEA TO INVITE OTHER ARTISTS. I LOVED TO SEE WHAT THEY DID AND HOW. IT WAS A GREAT EXPERIENCE. I REALIZED WHEN THE PIECES WERE INSTALLED, WHAT KIND OF FORCE THEY HAD. THEY HAD A GREAT INNER ART POWER.

A. IMHOF

ANNE IMHOF (b. 1978, Giessen, Germany) is a contemporary artist known for her performance, paintings, and installation work. The artist’s use of materials like black dibond, glass plinths, heavy-metal music, and Goth performers to confront prevailing power dynamics sometimes results in unease for the viewer. The use of subtle body language, constraining spaces, and vernacular materials in her performances show human emotions in a formal, almost depersonalized, light. Since graduating, the artist has been the subject of several solo exhibitions, including DEAL (2015) at MoMA PS1 in New York and Angst II at the Hamburger Bahnhof in Berlin (2016). Her piece Faust (2017), shown at the German Pavilion of the 57th Venice Biennale, was awarded the Golden Lion for Best National Participation. Her exhibition Natures Mortes is currently on view at Palais de Tokyo in Paris with performances from 14 to 18 and 21 to 24 October.

Her new album, SEX, written together with Eliza Douglas and Billy Bultheel is now out on PAN Records.

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Hair and Makeup MICHAËL DELMAS.

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DAWOUD BEY BECOMING MYTHIC NEW YORK JUNE 25 , 2021 TH

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Portrait WHITTEN SABBATINI Text MADDALENA IODICE Culture Chaos

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“American project è un pezzo di tessuto americano con il quale non ci si è sempre confrontati e che non è sempre stato amplificato nel contesto della narrativa storica americana”. – Dawoud Bey

“Il quartiere iniziò a mutare a livello sociale e spaziale. La geografia della comunità iniziò a cambiare. Mi resi conto che volevo realizzare un lavoro che raccontasse di come questa comunità Afroamericana, dove era nata la mia narrativa personale ed il Sin dalla metà degli anni ’70, Dawoud Bey mio lavoro, stesse cambiando per via del (1953, Queens, New York) ha lavorato capitalismo globale e della gentrificazione. per esplorare le capacità e le responsabilità Quella per me era la tensione tra passato del mezzo fotografico. Ritenendo la fotoe presente. E volevo provare a ritrarre quel grafia una pratica etica alla base della quale cambiamento nel momento stesso in cui vi è un fondamentale rapporto di collabostava avvenendo”. razione con i soggetti ritratti, Bey crea intense riflessioni sulla visibilità, il potere e la Dawoud Bey è un artista profondamente razza. devoto al mezzo fotografico, il quale ha saAttraverso un’ambiziosa pratica visiva, puto attingere alle potenzialità di questo l’artista vuole dare spazio e riconoscimento mezzo enfatizzando abilmente la forza fora quelle presenze e quei soggetti che male, estetica e concettuale di ognuno nel corso degli anni sono stati marginalizdei suoi lavori. Realizza i suoi primi scatti zati, raccontando le comunità e le storie in strada con una piccola 35mm per passare ampiamente sotto-rappresentate se non a lavori formalmente più strutturati con addirittura rese invisibili dalla narrativa pre- l’uso di una macchina fotografica analogica dominante. Il suo lavoro torna dunque di grande formato, una 4×5 prima e la moall’urgenza di una conversazione riguardo numentale Polaroid 20×24 dopo. Un artista il significato di raccontare l’America con che guarda alla fotografia non solo come una macchina fotografica. a una forma di espressione personale, ma come ad un atto di responsabilità politiBey si avvicina alla pratica fotografica scat- ca volto ad enfatizzare il necessario e cotando foto ad Harlem tra il 1975 e il 1979. stante lavoro degli artisti e delle istituzioni, Imparare a conoscere la comunità locale e abbattendo gli ostacoli ed iniziando al diapermettere, allo stesso tempo, alla medelogo e al confronto. sima comunità di conoscerlo, fu un processo che gli fece comprendere l’importanza della componente sociale, la quale andava ben al di là del creare un’immagine.

Al momento dello scatto, la macchina fotografica spariva lasciando spazio all’esperienza più intima e profonda tra Bey e il soggetto ritratto.

Spaziando tra le prime serie di ritratti scattati ad Harlem ed i lavori più recenti, nei quali l’artista immagina una scappatoia alla schiavitù tramite la Underground Railroad; la retrospettiva Dawoud Bey: An American Project racconta del profondo coinvolgimento tra l’artista, il soggetto Afroamericano ed Harlem stessa.

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A Couple in Prospect Park, Brooklyn, NY, 1990, courtesy of the artist.

A Young Man Resting on an Exercise Bike, Amityville, NY, 1988, courtesy of the artist.

Cabin and Benches, 2019, courtesy of the artist.

Irrigation Ditch, 2019, courtesy of the artist.

Mississippi River and Trees, 2019, courtesy of the artist.

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06 A Woman at Fulton Street and Washington Avenue, Brooklyn, NY, 1988, courtesy of the artist.

07 Three Women at a Parade, Harlem, NY, from Harlem, U.S.A., 1978, courtesy of the artist.

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08 Moses Austin (detail), from The Birmingham Project, 2012, courtesy of the artist.

09 Two Girls from a Marching Band, Harlem, NY, 1990, courtesy of the artist.

10 A Boy in Front of the Loew's 125th Street Movie Theater, Harlem, NY from Harlem, U.S.A., 1976, courtesy of the artist.

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“My American project is a piece of the American fabric that is not always engaged or amplified in the great American narrative.”

– Dawoud Bey

me was the tension between the past and the present. And I wanted to try to make photographs about those absences and disappearances as it was taking place.”

Since the mid-1970s, Dawoud Bey (b. 1953, Queens, New York) has worked to expand upon what photography can and should be.

Insisting that it is an ethical practice requiring collaboration with his subjects, he creates poignant meditations on visibility, power, and race.

In a visually ambitious way, Bey aims at amplifying those presences and subjects that throughout the years have been marginalised, chronicling communities and histories that have been largely underrepresented or even unseen. His work lends renewed urgency to an enduring conversation about what it means to represent America with a camera.

Dawoud Bey is deeply committed to the craft of photography, drawing on the medium’s specific tools, processes, and materials to amplify the formal, aesthetic, and conceptual goals of each body of work.

Bey has moved from working “in the streets” with a small, hand-held 35mm camera to creating more formally structured portraits using a tripod mounted 4×5 camera and the monumental 20×24 Polaroid view camera. He views photography not only as a form of personal expression but as an act of political responsibility, emphasizing the necessary and ongoing work of artists and institutions to break down obstacles to access, convene communities, and open dialogues.

He learned how to make photographs by making pictures in Harlem from 1975 to 1979. Getting to know the community in Harlem and allowing the community to know him was a process that made Bey realise that there was not only the picture making part but there was very clearly the social part. The camera disappeared as those portraiture moments turned into being an experience between him and the individual.

Spanning from his earliest street portraits in Harlem to his most recent series imagining an escape from slavery on the Underground Railroad, Dawoud Bey: An American Project attests to the artist’s profound engagement with the Black subject and Harlem itself.

“The neighbourhood began to be transformed both socially and spacially. The geography of the community began to transform.

I realised I wanted to make work about how this particular African-American community, where my own personal narrative begins and where my work begins, was being transformed through those forces of global capital and gentrification. That for Manifesto

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ARAM BARTHOLL DIGITAL DYSTOPIA BERLIN MAY 27 , 2021 TH

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Photography VITALI GELWICH Interview PAIGE SILVERIA Culture Chaos

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ARAM BARTHOLL IN CONVERSAZIONE CON PAIGE SILVERIA Da circa 15 anni Aram Bartholl ricrea sculture o situazioni che mettono in discussione il nostro rapporto con Internet, i media, come usiamo questi dispositivi e quali strani atteggiamenti ne derivino. Al giorno d’oggi, tutto sta succedendo sui social media. Tutte le nostre vite passano su Instagram e altre piattaforme e Bartholl è sempre stato interessato a questo tipo di percorso: fare opere d’arte e immagini che appaiono online.

PS Come descriveresti il tuo lockdown?

AB È stato abbastanza semplice, visto che insegno arte nella scuola di Amburgo. Insegnavo su Zoom. Era una cosa nuova, ma non ho avuto grosse difficoltà come alcuni amici con eventi, spettacoli, viaggi annullati. Per me, come per molti altri, il cambiamento principale è stato quello di far diventare casa mia il mio ufficio. Come artista, lavorare da casa non è una novità, ma non andavo più a scuola. È stato molto interessante vedere cosa succedeva nel mondo dell’arte e come le istituzioni e le gallerie si stavano digitalizzando. Lavoro con i media digitali da quasi 20 anni ormai, quindi è stato intrigante. E naturalmente quest’anno è arrivata tutta la discussione sul NFT. È stato molto affascinante osservare cosa stava accadendo con le mostre digitali, lo streaming, le conferenze online. È stato eccitante. Diventa invece noioso quando sei invitato all’ennesima festa di compleanno su Zoom. La vita privata online è davvero noiosa.

PS Ho partecipato alla festa del Cinco de Mayo su Zoom! È impressionante la quantità di lavoro che hai creato e presentato nell’ultimo anno. Puoi parlarmi di alcuni di questi progetti?

AB Il progetto principale dell’anno scorso a Berlino è stato Unlock Life, ossia lo slogan della società di noleggio scooter e biciclette Lime. Da un lato mi piace parlare di Internet, ma poi parlo anche di queste start-up più recenti. Sono andato nei canali qui a Berlino e ho recuperato gli scooter e le biciclette gettati in acqua dai ragazzi. Gli scooter a noleggio sono arrivati in città solo nel giugno 2019.

Per me sono come le aziende di Internet che arrivano fisicamente nel nostro spazio pubblico. Sono così colorati e spuntano in città. Sono nuovi, freschi e ti attirano con il loro colore. Tuttavia, il modo in cui queste aziende si comportano è sprovveduto. Non chiedono nulla alla città. E si verificano parecchi problemi. E i ragazzi che li usano sono fuori controllo, gettandoli pure in acqua. Così, una volta recuperati, diventano la testimonianza di queste startup tecnologiche, i dinosauri di questa era digitale, anche se hanno solo due anni. Tutto questo si adatta molto bene al tempo del Corona Virus, con la sensazione che le cose siano completamente in sospeso. Non funzionano più come una volta. C’è questa contraddizione tra il tempo di Internet e il tempo fisico con i relativi sviluppi che si stanno evolvendo. Questi pezzi hanno viaggiato in un paio di mostre diverse. E poi c’è stata una mostra alla fine dell’anno scorso sull’Isola dei Musei. Era una mostra politica berlinese. Nel centro della città stavano finendo di ricostruire il castello. Era stato deciso negli anni ‘90 di farlo, ma era molto contestato. C’era una tale connessione con la vecchia Germania dei Kaiser, gente che avrebbe voluto riavere lo Schloss. Prima hanno abbattuto il Palast der Republik, il palazzo della gente ai tempi della GDR. La GDR (Deutsche Demokratische Republik, Repubblica Democratica Tedesca) ha abbattuto il castello Schloss, che era stato distrutto durante la guerra. Poi con la riunificazione con la Germania Ovest, hanno distrutto quel palazzo e ricostruito il vecchio castello.

PS Che aspetto aveva il lavoro?

AB C’era questo negozio abbandonato dell’agenzia viaggi

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Tropicana e i miei amici avevano organizzato una mostra collettiva di fronte al castello. Durante la costruzione, c’è stato un breve incendio sullo Schloss, c’erano quindi immagini di queste enormi nuvole nere che lo ricoprivano.

Ho stampato delle cartoline con queste immagini dei social media del castello in fiamme. Per me rappresentano tutti i problemi politici e storici associati a quel castello.

PS Cosa ne pensi del fatto che alcuni sfruttino la proprietà d’immagine del tuo lavoro?

AB Di recente ho esposto un mio lavoro nel giardino del castello di Karlsruhe e i giornalisti lo hanno fotografato per vendere poi le immagini su piattaforme di foto stock.

Penso che per il giornalismo sia giusto che rivendichino la proprietà d’immagine, specialmente per quanto riguarda le leggi europee sul copyright. Non sono nemmeno sicuro che possa pubblicare le loro immagini sul mio sito web. Se questa fosse un’opera d’arte contemporanea in una galleria, ci sarebbero regolamenti diversi, ma è in uno spazio pubblico e sta lì da molto tempo. Quindi tutti possono prendere una foto e usarla per uso commerciale. So che alcuni artisti rintracciano e fanno causa alle persone che usano le loro immagini, ma io non l’ho mai fatto.

Quando guardi il mio sito web, c’è scritto che le immagini sono sotto licenza creativa comune. Sono lì per uso pubblico non commerciale. Credo molto nella cultura della condivisione di Internet come era una volta. Oggi la maggior parte dei servizi sono commerciali e ora dipendiamo da un’infinità di piattaforme. Penso che sia sempre importante ricordare i programmi che ci rendono possibile la condivisione di contenuti online. La capacità di creare e distribuire attraverso server, siti web e piattaforme come Wikipedia è da riconoscere. Internet ci aiuterà a creare una società migliore e più democratica. E ora sappiamo che ci ha aiutato e ha reso possibili molte cose, anche se allo stesso tempo, abbiamo diversi problemi con queste piattaforme. Molte di queste cose sono andate fuori controllo.

PS Interagisci ancora con le tue Dead Drops (USB)?

AB Ne no create 2 pochi giorni fa per una galleria a Berlino.

Ho iniziato con loro nel 2010 ed erano grandiose. Sono state esposte in diversi luoghi nel mondo come al MoMA e al PACE di New York. È diventato un progetto di Internet molto importante. La gente si è divertita a interagire con loro, rimane un bellissimo esempio di condivisione di idee. Se vai su YouTube e cerchi Dead Drop, ci sono tantissimi video di persone che spiegano come cementare una chiavetta USB in un muro. È diventato un gesto culturale virale ed è pure apparso nei programmi televisivi.

PS Si sono evolute anche loro?

AB Ora stiamo usando la spina piccola, invece dell’USB. L’immagine dell’USB era potente perché risultava totalmente inutile per collegare il computer. Il trasferimento tramite la spina trasforma la casa in un dispositivo di archiviazione. Mette in discussione la città, lo spazio pubblico e questa connessione ad Internet. Quindi l’unico cambiamento che ho fatto è quello di utilizzare la chiave molto piccola, il nuovo standard USB. Apple lo ha sui suoi iPad e Mac, ma non ancora su iPhone, purtroppo. Ma tutti i nuovi Android hanno queste nuove spine, così ora puoi semplicemente collegare il tuo telefono. La gente interagisce ancora con i Dead Drops. Puoi vedere online, ce n’è uno nuovo ogni due settimane. Naturalmente non so cosa ci sia dentro e sono in uno spazio pubblico, quindi possono sparire nel tempo. C’è una mappa online e si può vedere dove sono stati caricati. Ora vedo che l’ultimo caricamento è stato ieri a Buenos Aires. Non puoi sapere cosa ci sia in quel posto e per scoprirlo devi arrivarci. É sempre comunque pericoloso collegare il tuo computer in uno spazio pubblico; potrebbe esserci un virus, ma anche quando vai in un ufficio e qualcuno ti presta una

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chiavetta USB, non sai cosa c’è dentro. C’è sempre un rischio. Siamo su Internet e pensiamo di essere al sicuro.

Allo stesso tempo, quando vai fisicamente in uno spazio pubblico, questo più diventare pericoloso di notte. Internet ci fa sentire al sicuro, ma potrebbero esserci grandi misteri nelle nostre e-mail. I Dead Drops tirano fuori molti di questi argomenti.

PS Per non parlare dei furti online nelle agenzie o compagnie di carte di credito. Anche in strada puoi essere derubato della tua carta di credito, ma online qualcuno può prosciugarti completamente il conto corrente.

AB E ci sono molte più persone. C’è un mio vecchio lavoro, Forget Your Password del 2013, che è stato mostrato diverse volte. Fu il periodo di quando LinkedIn venne hackerato. E poi un anno dopo, questi 4,7 milioni di password di LinkedIn sono apparsi su Internet: così li ho stampati (solo le password, ovviamente!). In questo modo hai una specie di rubrica e puoi controllare se possiedono o meno la tua password. Come quel famoso tizio in Australia, ha un database dove puoi controllare se sei stato hackerato o meno. Il punto è che dovrebbe essere segreto, ma ormai molte cose sono di dominio pubblico. L’ho esposto in una piccola mostra vicino a Monaco. Il direttore di una banca ha trovato la sua password e si è dovuto sedere, era completamente scioccato. Sentiamo parlare di hacking tutto il tempo ora. È un problema interessante.

Le nostre password devono essere una serie di parole e simboli che possiamo ricordare, ma allo stesso tempo, se possiamo ricordare, è fin troppo facile. E bisogna trovare un modo alternativo per fare una verifica. Tutti questi account personali online che sono un’estensione di noi sono parte di queste grandi aziende. Se sei in viaggio e accedi a Facebook da un altro computer, devi dimostrare che sei tu. È interessante quanto siamo esposti.

PS La vedi come cosa positiva o negativa questa digitalizzazione nel nostro mondo?

AB Sono assolutamente un nerd! E mi affascina tantissimo il mondo digitale, i videogiochi e tutto quello che ci sta intorno.

PS Perché lo trovi così affasciante?

AB Quando ho iniziato la scuola qui a Berlino a metà degli anni ‘90, Internet stava nascendo. Avevo un solo amico con un indirizzo e-mail. Sono andato al campus di tecnologia per sedermi davanti questo schermo nero con la barra di comando del terminale per scrivere un’email. Erano i primissimi tempi e la gente mi chiedeva: “A cosa ti serve un indirizzo email?”. Dieci anni dopo: “Perché non sei su Facebook? È cambiato tutto così velocemente. Una volta ero più entusiasta, più positivo. Alcune idee di allora, che potevano sembrare ingenue, come il MIT che suggeriva di far possedere ai bambini in Africa un computer per risolvere tutti i problemi. Naturalmente ora sappiamo che non funziona così! Riguardando il tutto, non è poi così grandioso, con Twitter e tutte queste piattaforme digitali dove la gente provoca e semina odio. Penso che sia necessario pensare a quali dovrebbero essere le regole.

PS Cosa ne pensi della censura di Trump da parte di Twitter e di Facebook?

AB È un bene! Ma la libertà di parola è un tema enorme. Soprattutto negli Stati Uniti.

PS Ma anche in Germania, giusto? Discorsi d’odio e sull’Olocausto, per esempio?

AB La libertà di parola contro la dignità personale. La libertà di parola consente di ferire altre persone molto velocemente. Spesso negli Stati Uniti la gente dice: “Oh sì, qui non si può dire niente”. Avrebbero sicuramente dovu-

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to occuparsene prima. È una questione davvero delicata. Ognuno ha un’opinione diversa a riguardo. Il mio amico stava scrivendo un testo in Google Docs e il suo documento è stato cancellato a causa delle parole che ha usato. Si è imbattuto in qualche filtro ed è sparito, completamente censurato dalla piattaforma. Quindi ovviamente c’è un problema quando una società privata si occupa di questioni che dovrebbero essere invece affrontate direttamente da un tribunale. I nostri attuali sistemi politici fanno fatica a stare al passo con lo sviluppo. Non sarà solo la tecnologia a salvarci. Questa è una classica convinzione. Non preoccupatevi del riscaldamento globale, possiamo risolvere con la tecnologia!

PS Vero, la tecnologia è uno strumento che noi umani dobbiamo implementare. Ci mostra come fare qualcosa ma non la cosa giusta. Dobbiamo occuparci anche della moralità.

AB C’è molta responsabilità di cui dovremmo occuparci. L’industrializzazione ha portato a un miglioramento della vita, poi c’è anche il solutionism, un termine di Silicon Valley. Qualunque sia il problema, troveremo una soluzione nel software, nell’ottimizzazione e nell’IA. Ma questo tralascia quelle che sono le vere esigenze della gente. Cosa può succedere alla nostra società se tutti dipendiamo da uno smartphone? 08 PS E tu cosa ne pensi?

AB Facciamo sempre parte di questo spazio virtuale che compie qualcosa apposta per noi. È un evoluzione, naturalmente. Nella mia classe in questo momento ci stiamo chiedendo: siamo già cyborg? Inizialmente si ha l’immagine molto stereotipata di occhi rossi e personaggi di Star Trek, ma in un certo senso tutto sta già accadendo.

Non è ancora impiantato sotto la nostra pelle necessariamente, ma i nostri telefoni sono un’estensione di noi stessi. Dal telefono touch, poco più di un decennio fa, il modo in cui comunichiamo e funzioniamo è cambiato radicalmente ed è molto cyborg. In un lavoro di una mia mostra in Svizzera nel 2019, ho esposto una pila di vecchi telefoni riciclati. Nel momento in cui un vecchio telefono si rompe, diventa tossico. Per esempio, potrebbe prendere fuoco a causa della batteria, ci sono ancora dati sul telefono che sono privati e le aziende che riciclano questi telefoni non dovrebbero darli via per questo motivo. I telefoni in mostra sono stati conservati tra la ghiaia per evitare che prendessero fuoco e il gallerista non ha nemmeno voluto ospitare la scultura durante la notte per la paura. L’idea dei telefoni è duplice: da un lato sono super high tech, lucidi e legati alla connessione umana, ma nel momento in cui ce ne disfiamo diventano oggetti tossici. Dipendiamo così tanto dalla tecnologia e questa migliora le nostre vite in modo incredibile, ma può anche essere pericolosa. È una specie di paradosso. 09 PS Ho una marea di vecchi telefoni in casa mia, ora che mi ci fai pensare! [ride] AB Sì! Basta pensare ai telefoni Samsung. Quando la batteria viene stressata troppo, esplode. Dai un’occhiata alle immagini di The Perfect Beach, sono le tipiche immagini di isole da poster che puoi scaricare da un desktop.

PS Come quelle che i ragazzi delle confraternite appendono ai muri delle loro camere in collegio.

AB Sì! La spiaggia vuota sembra un paradiso, in realtà è piuttosto photoshoppata e ritoccata, non è affatto reale.

Rappresentano un’idea di paradiso che la gente desidera. Queste sono scattate ad Hanan Beach, che è molto famosa e costosa. Qui sembra tranquilla, ma di solito è piena di gente. Quando si guarda l’hashtag della spiaggia su Instagram, la gente riesce ancora a fare foto senza nessuno, il che è interessante. Ho portato questi poster in spiaggia e la gente si metteva in posa davanti a

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loro senza chiedere nulla. Nessuno che diceva: “Guarda, qui c’è una spiaggia migliore. Voglio andare qui”. L’obiettivo di questo progetto era quello di indagare sulla prospettiva reale delle persone: è questo il modo in cui viviamo ora? La stessa cosa vale per i video mentre si assiste a un concerto. Dovresti semplicemente goderti lo spettacolo dal vivo o catturarlo attraverso la tua videocamera?

Abbiamo realizzato questo progetto sulla spiaggia per alcuni giorni, e i ricchi turisti della zona rimanevano confusi e infastiditi. Ci hanno chiesto cosa stesse succedendo e perché lo stessimo facendo. I turisti locali, invece, erano più tranquilli.

PS Come è stata la tua infanzia?

AB La mia infanzia, oh! Sono cresciuto a Bremen nella Germania Ovest. I miei genitori erano molto attivi politicamente negli anni del Maggio del ‘68. Questo ha influito particolarmente sulla mia carriera artistica, che si concentra molto sul messaggio collettivo e da sempre sono stato esposto alle proteste, alle manifestazioni e simili. L’influenza culturale locale è arrivata dall’università, conosciuta come un’università di “Nuova Sinistra”. Il mio interesse per il mondo tecnologico è iniziato sperimentando alcuni dei primi computer negli anni ‘80 con amici, giocando ai videogiochi che oggi ricordo con profonda nostalgia.

PS É molto bello avere genitori così politicamente attivi.

AB Sì, mia madre era una femminista e mio padre appoggiava gli sforzi per i diritti. Quando c’era una manifestazione, lui aiutava a costruire le strutture per queste. L’arte è parte integrante della mia famiglia da parecchio tempo.

Mio padre è un artista, mio nonno era un artista. Non l’ho mai incontrato prima che morisse, ma era attivo all’epoca della Bauhaus e del movimento Arts and Crafts. Mio padre ha dipinto e disegnato per tutta la vita, ma non ha seguito una vera e propria carriera artistica. Sono venuto a Berlino a metà degli anni ‘90, quando avevo vent’anni, per studiare architettura e arte alla scuola d’arte UDK Berlin. Era una scuola abbastanza libera dove si poteva sperimentare molto. L’intero ambiente negli anni ‘90 a Berlino era molto interessante, e poi sono gli anni della caduta del Muro.

PS Come è stata viversi quell’esperienza da artista studente?

AB Naturalmente, come spesso accade quando avvengono grandi cambiamenti sistemici, si produce tanta creatività intorno. C’erano spazi gratuiti e molto economici a disposizione, tantissime feste negli studi e molte possibilità. Durante il mio periodo scolastico mi sono spostato sempre più in questo spazio digitale. Ho lavorato in alcuni studi di architettura facendo rendering 3D e sistemando la rete locale. Ci sono voluti alcuni anni, forse a partire dal 2005, quando ho deciso di definirmi come artista e di impegnarmi completamente. Ho scritto una lettera ai miei genitori per condividere con loro le mie intenzioni, chiedendo un sostegno economico, che mi hanno dato per alcuni anni. Gliene sarò sempre grato. E poi, in seguito, sono stato in grado di guadagnarmi da vivere in modo indipendente facendo workshop, conferenze e spettacoli, viaggiando parecchio. Diventare un artista è stato un lungo processo. All’inizio, quando ne parlavo la gente era molto scettica e tutto questo mi ha perseguitato per parecchio tempo. Ad un certo punto, nel 2011, un editore ha prodotto un intero catalogo sui miei lavori e allora mi sono detto: “Ok, forse ora sono un artista?” Ma questo è il bello, non è un termine protetto. Chiunque può essere un artista. 10 PS Quali sono le tue considerazioni sul tempo?

AB Bella domanda. I miei genitori sono piuttosto anziani, questo può essere senz’altro un punto. Per quanto mi ri-

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guarda, mi chiedo spesso se ho la password per accedere a tutti i miei contenuti salvati. Nessuno conosce la password, quindi devo premurarmi che la mia compagna e i miei figli abbiano la password, perché altrimenti molte cose possono andare perse. C’è la morte per invecchiamento, per esempio, ma potrei anche camminare verso la palestra ed essere investito da una macchina.

Come artista speri sempre che un po’ di te stesso sopravviva da qualche parte. Qualsiasi cosa creiamo, speriamo venga osservata dalla gente e che permanga nel tempo.

Se rifletto a lungo termine, sul discorso del cambiamento climatico e di come l’umanità ha distrutto il pianeta, è purtroppo ovvio che non ci sarà più nessuno di noi tra 100.000 o un milione di anni. In fondo, sono abbastanza felice della mia situazione in questo momento. Ho lavorato come artista indipendente per quasi vent’anni, e ho cresciuto una famiglia con due bambini. Ora ho una cattedra a tempo pieno ad Amburgo. Essere soddisfatto ti dà una nuova prospettiva sulle cose, posso cogliere meglio le opportunità che ricevo e questo è un privilegio.

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THE IDEA

A. BARTHOLL

OF PHONES

ARAM BARTHOLL (b. Bremen, Germany, 1972) is a Berlin-based conceptual artist known for his examination of the relationship between the digital and physical world. His works often deal with anonymity and privacy. According to the paradigm change of media research Bartholl not just asks what man is doing with the media, but what media does with man. The tension between public and private, online and offline, technology infatuation and everyday life creates the core of his producing. In public interventions and public installations Bartholl examines which and how parts of the digital world can reach back into reality. He will be on view at Canadien Cultural Centre, Paris, with Decision Making – L’instant décisif in December 2021.

IS BINARY: ON ONE SIDE THEY’RE SUPER HIGH TECH, POLISHED AND ATTACHED TO HUMAN CONNECTION, AND THEN THE MOMENT WE DISPOSE OF THEM THEY BECOME THESE TOXIC OBJECTS. WE DEPEND SO MUCH ON TECHNOLOGY AND IT ENHANCES OUR LIVES TREMENDOUSLY, BUT IT CAN ALSO BE DANGEROUS.

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Map, 2006-2019.

Keep away from children, 2016.

Common Ground, public sculpture, 2019.

Are you human? (prints), 2017.

Isolated On White (series), 2019.

The Perfect Beach, performance in public, 2018.

Obsolete Presence, site specific installation, 2017.

Keep away from children, 2016.

Sad by design, 2019.

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WHATEVER THE PROBLEM, 08 WE’LL FIND A SOLUTION IN SOFTWARE, OPTIMIZATION AND AI. BUT IT REALLY LEAVES BEHIND THE PROVISIONS FOR WHAT PEOPLE REALLY NEED.

A. BARTHOLL

WHAT HAPPENS TO

OUR SOCIETY IF EVERYONE

IS DEPENDING

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ON A SMARTPHONE?

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ARAM BARTHOLL IN CONVERSATION WITH PAIGE SILVERIA For 15 years or so Aram Bartholl has been producing sculptures or situations that question our relation to the Internet, media and how we use these devices and what weird situations occur. Nowadays, it’s just happening all the time on social media. All of our lives are taking place on Instagram and other platforms. He has always been interested in this feedback loop, making artwork and pictures appearing online.

PS How would you describe your lockdown?

AB It was pretty straight-forward since I’m teaching art at the school in Hamburg. Everything was on Zoom, online teaching. This was new as well, but I didn’t have all of this trouble that friends had with events, shows, travel canceled. For me, as for many others, the main change was to go into a home office. As an artist, working from a home is nothing new. But I wasn’t going to school anymore.

And then it was very interesting to see what happened in the art world and how institutions and galleries were trying to pick up new forms of digital exhibitions. I’ve been working with digital media and all of these computer-related questions for almost two decades now, so it was intriguing. And of course this year the whole NFT discussion came in. It was very interesting to observe what was going on in terms of digital exhibitions, streaming, online conferences. That was exciting. And then it becomes boring when you’re invited to another birthday party on Zoom. The private life online is just boring.

PS I did go to a Cinco de Mayo party on Zoom! It’s so impressive how much work you were creating and presenting over the past year. Can you speak about some of these projects?

AB The major project last year was this installation piece in Berlin, Unlock Life, which is the slogan for the Lime rental scooter and bike company. On the one hand I like to talk about the Internet, but then I’m also talking about these more recent start-up companies. I went to canals here in Berlin and retrieved scooters and bikes that kids threw in the water. The rental scooters only came to the city in June 2019. For me, they’re like these Internet companies coming into our physical public space. They’re so colorful and they pop up in the city. They’re new, fresh and they allure you with their color. However, the way these companies behave is very careless. They don’t ask the city. A lot of trouble occurs. And the kids that use them are just as careless as the companies, throwing them in the water.

So once I retrieve them, they become witnesses of these startup tech companies. They immediately become dinosaurs of this digital age, even though they’re just two years old. This fits very well in the Corona time, with the feeling that things are on hold. They’re not working as they used to be anymore. There’s this contradiction with Internet time and physical time and the developments taking place. These pieces traveled through a couple of different shows. And then there was a show at the end of last year about the Museum Island. It was a specific, Berlin political show. In the center of the city they were finishing the rebuilt castle. It was decided in the ‘90s to do this, but it was very much disputed. There was such a connection with the old Kaiser Germany, people who would have loved to have the Schloss back. First they took down the Palast der Republik palace of the people from GDR times (Deutsche Demokratische Republik); the GDR took down the Schloss, which was destroyed in the war. Then with the reunification with West Germany, they took down that palace and rebuilt the old castle.

PS How did the work manifest?

AB

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There was this abandoned Tropicana tourist office shop and my friends had a group show organized across from the castle. During the construction, there was a brief fire on the Schloss, so there are images of these huge black clouds above it. In response, I just printed postcards with these social media images of the castle on fire. For me, they represent all of the political and historical trouble associated with the castle.

PS How do you feel about others claiming ownership over images of your work?

AB I recently had a public piece in the Karlsruhe Schloss garden and journalists were documenting it and then selling the pictures of that work on stock photo platforms. Well I think for journalism it is right they’re claiming ownership of the picture, especially concerning European copyright laws. I’m not even sure if I’m supposed to be posting their images on my website. If this was a contemporary artwork in a gallery, there would be different regulations, but it’s in a public space and standing there for a long time. So everybody can take a photo and use it for commercial use. I know some artists track down and sue people for using their images, but I’ve never done that.

When you look at my website, it says that the pictures are licensed under creative commons. They’re there for public use in a noncommercial way. I believe very much in the sharing culture of the Internet as it used to be. Today, most services are commercial and now we’re depending on a handful of platforms. I think it’s always important to remember programs that make it possible for us to share content online. The ability to create and distribute through servers, websites and platforms like Wikipedia is worth acknowledging. It’s that classic idea that the Internet will help us. It’ll help us to make a better and more democratic society. And we know now that it did help and made a lot of things possible. But at the same time, we have problems with these platforms. A lot of that stuff got out of control.

PS Do you still interact with the Dead Drops?

AB I just made one a couple of days ago at a gallery space in Berlin. They were really big in 2010 when I started them.

They were shown in different places around the world like the MoMA and PACE in New York. It became this very Internet culture project. People had fun making things for it. It’s a beautiful example of sharing ideas. If you go to YouTube and search for Dead Drop, there are tons of videos of people explaining how to cement a USB key in a wall. It became this viral cultural gesture. It appeared on TV shows.

PS Have they evolved?

AB Now we’re using the small plug, instead of the USB. The image of the USB was so powerful because it wasn’t very useful for connecting your computer to. The transfer to the plug turns the house into a storage device. It questions the city, public space and this connection to the Internet. So the only change I’ve made is to use the very small key, the new USB standard. Apple has it on their iPads and Macs, but not on the iPhones yet, unfortunately.

But all of the new Androids have these new plugs so now you can just plug in your phone. Today people still submit things to the Dead Drops. You can see online, there’s like a new one every other week. Of course I don’t know what’s on them and they’re in a public space so they can disappear over time. There’s an online map and you can see where they’re uploaded. I can see now that the last upload was in Buenos Aires yesterday. Part of the point is that you don’t know what’s on them. You have to go to that place. And always, it’s so dangerous to plug your computer into a public space, a virus could be on there.

But when you go to an office, and someone hands you a USB key, I mean you don’t know what’s on there. There’s

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always a risk. We are on the Internet and we think we’re safe. At the same time, when you physically go to a public space, they can be dangerous at night. The Internet just feels safe but there could even be things in our emails.

The Dead Drops bring a lot of these topics up.

PS And the safety of online when agencies or credit card companies get hacked. Like in the street you can be robbed of your credit card, but online someone can strip your entire bank account.

AB And there are way more people on there. There’s an older work of mine, Forget Your Password from 2013, which has been shown several times. This was around the time that LinkedIn was hacked. And then a year later, these 4.7 million passwords from LinkedIn appeared on the internet and I printed them out — just the passwords of course. So you have this phonebook collection and you can check to see if they have your password. Like that famous guy in Australia, he has a database where you can check to see if you’ve been hacked or not. The point was that it’s supposed to be secret, but so much is public knowledge now. I had this shown in a small exhibit near Munich. A bank director found his password and he had to sit down.

He was totally shocked. We hear about hacking all the time now. It’s this interesting problem. Our passwords need to be a string of words and symbols that we can remember. But at the same time, if we can remember, it’s too easy. And you need to have other ways of verification.

All of these really personal accounts online that are an extension of us are a part of these really big companies. If you’re traveling and you log in to Facebook from a different computer, you have to prove that you are you. It’s interesting how much of ourselves is externalized.

PS Do you think it’s a good thing or a bad thing, the digitizing of our world?

AB I’m a nerd and into technology. As a kid, I was always fascinated by computer games and things.

PS What about them was so fascinating?

AB When I started school here in Berlin in the mid ‘90s, the Internet was coming up. I had one friend with an email address. I went to the campus of the technical community to sit down at this black screen with the terminal command line to write an email. That was super early times and people would ask, “What do you need an email address for?” Ten years later and it’s, “Why are you not on Facebook?” It changed so quickly over time. I used to be more enthusiastic about it, more positive. Some ideas back in the day that may have been naive, were like MIT suggesting that all children in Africa should have a computer and then everything will be fine. And now of course we know it’s not working that way! Now looking at it, it’s not so great, like with Twitter and all of these platforms where people are thriving on hate and emotional unrest.

I think we just need to think about what the regulations should be.

PS What do you think of the censorship of Trump for instance on Twitter and Facebook?

AB It’s good, yeah. But the freedom of speech topic is very big. Especially in the US. PS But also in Germany, right? Hate speech and denying the Holocaust?

AB Freedom of speech versus the dignity of everyone. Very quickly freedom of speech gives way to a license to hurt other people. Often in the US, people say, “Oh yeah you can’t say anything here.” They definitely should have dealt with this earlier. It’s a really problematic issue. Everyone has a different opinion on it. My friend was writing

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a text in Google Docs and his doc was deleted because of words he used. He ran into some filter and it was just gone, censured and deleted by the platform. So obviously there’s a problem when a private company is in charge of situations that are supposed to be decided on by a judge. It should go to court or something. Our current political systems are having a hard time keeping up with the development. It’s not just technology that will save us. It won’t happen, that classic belief. Don’t worry about global warming, we can answer that with technology!

PS Yeah tech is a tool that we as humans must implement.

Shows us how to do something but not what to do or if we should. We must bring the morality.

AB There’s a lot of responsibility we need to take care of.

From industrialization came such an improvement of life, and then this so-called solutionism, a term from Silicon Valley. Whatever the problem, we’ll find a solution in software, optimization and AI. But it really leaves behind the provisions for what people really need. What happens to our society if everyone is depending on a smartphone? 08 PS What do you think?

AB We’re always a part of this online space. It does something to us. It’s an enhancement of course. In my class right now, we’re discussing the question: Are we already cyborgs? You initially get this very cliche image of red eyes and characters from Star Trek, but in a way it’s already happening. It’s not yet implanted under our skin necessarily, our phones are an extension of ourselves.

Since the touch phone just over a decade ago, the way we communicate and function has changed dramatically and it’s very cyborgish. In work from a gallery show I did in Switzerland in 2019, you can see a pile of old, recycled phones. The moment an old phone breaks, it becomes this toxic item. For example, it could catch fire from the battery, there’s still data on the phone which is private and the companies that recycle these phones aren’t supposed to give them away because of that. The Phones in the show were stored between gravel to prevent them from catching fire and the gallerist wouldn’t even host the sculpture overnight because of the risk. The idea of phones is binary: on one side they’re super high tech, polished and attached to human connection, and then the moment we dispose of them they become these toxic objects. We depend so much on technology and it enhances our lives tremendously, but it can also be dangerous.

It’s a paradox of sorts. 09 PS I have a stack of phones in my room, I didn’t realize they could catch fire. [Laughs] AB Yeah, like the Samsung phones. When the battery is stressed too heavily, it’ll just explode. Take a look at the images from The Perfect Beach, these typical island posters that you can download from a computer or on a desktop.

PS Like what all the frat boys in college would have in their bedrooms.

AB Yeah! The empty beach is alluded to being a paradise, but it’s actually quite photoshopped and doctored, not a lens into reality at all. But they represent an idea of paradise that people want. These are shot at Hanan Beach, which is very famous and expensive. It looks serene here but the real beach is always full of people. When you look at the beach’s hashtag on Instagram, people still manage to take pictures with no one in them, which is interesting. I brought these prints to the beach and people would pose in front of them unprompted. It wasn’t even a question like, “Look, here’s a better beach. I want to go here.”

The goal of this project was to inquire about people’s perspective of reality: is this the way we live now? The same

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discussion can be had about taking videos of a concert while actually being there. Should you just enjoy the actual show or capture it through your camera?

We did this beach project for a few days, and wealthy tourists in the area were confused and annoyed. They asked about what was going on and why we were doing this. The local tourists were more fine with it.

PS What was your childhood like?

AB My childhood, oh wow. I grew up in Bremen in West Germany. My parents were politically active from the May ‘68 generation. That influence carried through to my work today, which focuses a lot on messaging in public space, which I was surrounded with early on through exposure to protests, demonstrations and similar things.

Local cultural influence came from the university in the town, which was kind of known as a “New Left” university. My interest in the technical world started through experiencing some of the first home computers in the ‘80s with friends, playing games that are viewed today with nostalgia.

PS That’s great, to have parents that are so politically active.

AB Yeah, my mother was a feminist and my father would support efforts in the street. Like whenever there was a demonstration, he helped to build structures for it. Art has been in the family for a while actually. My father’s an artist and my grandfather’s an artist. I never met him before he died, but he was active in the era of Bauhaus and the Arts and Crafts movement. My father painted and drew his whole life, but didn’t really follow an artist’s career. I came to Berlin in the mid-‘90s, when I was in my early twenties, to study architecture and art at the art school UDK Berlin. It was quite a free school where we could experiment a lot. The whole environment in the ‘90s in Berlin was very interesting, and then the Wall came down.

PS What was that like to experience, as a student artist?

AB Of course, as often when big systemic changes happen, there’s a lot of creative output going on. There were a lot of free and very cheap spaces available, a lot of parties in studios and possibilities. During my school time I shifted more and more into this digital space. I worked in some architecture offices doing 3D renderings and fixing the local network. It took some years, maybe starting in 2005, when I decided to define myself as an artist and to commit to it wholly. I wrote my parents a letter to share my intentions with them and ask for financial support, which they gave me for a few years. I was grateful for it. And then after that I was able to make an independent living doing workshops, lectures and shows, traveling around. It was a longer process of becoming an artist.

At the beginning, when I would tell people about it they were very skeptical and that followed me for sometime.

At some point in 2011, a publisher produced a whole catalogue of work and then I said to myself, “Ok, maybe now I’m an artist?” But that’s the great thing, it’s not a protected term. Anyone can be an artist. 10 PS What are your thoughts on time?

AB That’s a great question. My parents are kind of old, so that’s certainly a topic. For myself, I have this one internal question about having passwords to my content saved.

Nobody knows the password so I need to think about my partner and my sons having the password, because a lot of things would be lost otherwise. There’s definitely just death by aging, for example. But I could also be walking to the gym and get hit by a car. As an artist you always hope that some of yourself survives somewhere Whatever we create, we hope it will be seen by people and have a legacy. In the long-run, around the conversation of climate change and how humanity has destroyed the plan-

Manifesto

et, it’s unfortunately very obvious that there won’t be any of us left in 100,000 or a million years anyway. At the core, I’m quite happy with my situation right now. I’ve worked as an independent artist for almost two decades, and I’ve raised a family and two kids. Now, I have a full-time professorship in Hamburg. Being content gives you a new perspective on things. I can better curate the opportunities I take on and that’s a privilege.

Come Get Some, 2014.

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AT SOME POINT IN 2011, 10 A PUBLISHER PRODUCED A WHOLE CATALOGUE OF WORK AND THEN I SAID TO MYSELF, BUT THAT’S THE GREAT THING, IT’S NOT A PROTECTED TERM. “OK, MAYBE NOW I’M AN ARTIST?” ANYONE

A. BARTHOLL

CAN BE

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AN ARTIST.

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FASHION 198 MODEL BEHAVIOR CHANEL F/W 2021 Photography BENJAMIN LENNOX Fashion BRIAN CONWAY 212 SINK OR SWIM Photography BLOMMERS & SCHUMM Fashion PATRICK WELDE 228 MIRROR MIRROR DIOR F/W 2021 Photography ADRIAN SAMSON Fashion SARA GILMOUR 240 EVE OF DESTRUCTION Photography ROBERT LINDHOLM Fashion JOHN COLVER

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Index

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FALL/WINTER 2021 264 KIM JONES. A TRIBUTE TO FAMILY Portrait CASPER SEJERSEN 278 SO GOOD SO RIGHT Photography VENETIA SCOTT Fashion SARA GILMOUR 290 THE MAGIC HOUSE Photography NADINE FRACZKOWSKI Fashion RAY TETAUIRA 322 THE SPACE BETWEEN THEN AND NOW Photography TINA BARNEY Fashion STELLA GREENSPAN 334 WHERE THE SUN MEETS THE MOON Photography BEN BEAGENT Fashion TEREZA ORTIZ 354 IMAGINATION TAKES FLIGHT Photography DREW JARRETT Fashion KIRBY MARZEC

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Model Behavior Chanel F/W 2021

Photography BENJAMIN LENNOX Fashion BRIAN CONWAY

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Throughout the story full looks CHANEL.

Muse Make Up Hair Casting Director Production Company Producer Photo Assistant Fashion Assistant

FLORENCE HUTCHINGS CHIAO LI HSU YUMI NAKADA DINGLE IKKI CASTING 360PM KERRY DAWSON SHANE RYAN ANTONI JANKOWSKI

Throughout the story full looks CHANEL.

Sink or Swim

Photography BLOMMERS & SCHUMM Fashion PATRICK WELDE

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Opening : full look VERSACE. Look CELINE, shoes ABRA. Look IRO, shoes CHRISTIAN LOUBOUTIN.

Full look PRADA.

Jacket stylist’s own, t-shirt BALENCIAGA, shoes and bags ABRA.

Shirt and belt IRO, trousers BALENCIAGA, shoes ABRA.

Look COMMISSION, shoes DIOR.

Full look DSQUARED2.

Look HERMÈS, shoes CHRISTIAN LOUBOUTIN.

Dress MOTO GUO, t-shirt stylist’s own, shoes ADIDAS.

Cap DSQUARED2, sunglasses VERSACE, bag ABRA, shoes CHRISTIAN LOUBOUTIN, necklace D’HEYGERE, coat IRIÉ PARIS.

Look KENZO, bag BALENCIAGA.

Cap DSQUARED2, sunglasses VERSACE, bag AMBRA, shoes CHRISTIAN LOUBOUTIN, necklace D’HEYGERE, coat Full look BOSS. IRIÉ PARIS.

Muse Make Up Hair Casting Director Producer Photo Assistant Fashion Assistant

BENTE OORT KATHINKA GERNANT HESTER WERNERT MONIKA DOMARKE LEO MARCUS JORDI DE VETTEN CHARLIEN FELDER

Throughout the story full accessories stylist’s own.

Full look SAINT LAURENT BY ANTHONY VACCARELLO.

Mirror Mirror Dior F/W 2021

Photography ADRIAN SAMSON Fashion SARA GILMOUR

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Throughout the story full looks DIOR.

Muses Make Up Hair Casting Director Producer Photo Assistant Fashion Assistant

SEGOLENE AND IGGY SIDDHARTHA SIMONE PAL BERDHAL TREVOR SWAIN SOPHIE WALSH ARON TARJANI YURIKO HIRATSUKA

Throughout the story full looks DIOR.

Eve of destruction

Photography ROBERT LINDHOLM Fashion JOHN COLVER

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Look LOURDES, jacket ALAÏA, boots CELINE.

Full look PRADA.

Full look CHANEL.

Look LOUIS VUITTON, shoes CONVERSE.

Full look MIU MIU.

Dress FENDI.

T-shirt GAP, jeans GUESS.

Lebanon Valley Speedway.

West Lebanon, New Hampshire.

Full look GUCCI.

Full look BALENCIAGA.

Jeans GUESS, t-shirt by LEBANON VALLEY SPEEDWAY, vintage jacket.

Full look MARC JACOBS.

From the bottom to the top: Shoes PRADA, trousers JIL SANDER. Leggins and top ADAMO, skirt ALYSI. Look ERIKA CAVALLINI, shoes by ISABELLE WENZEL.

Muse Make Up Hair Casting Director Photo Assistant Fashion Assistant

Full look K-WAY.

MYA GHOURBANI FRANCELLE DALY DYLAN CHAVLES TREVOR SWAIN NATHANIEL JEROME MEGHAN YATES

Look ISSEY MIYAKE, shoes by ISABELLE WENZEL.

From the bottom to the top: Shoes PRADA, trousers JIL SANDER. Leggins and top ADAMO, skirt ALYSI. Look ERIKA CAVALLINI, shoes by ISABELLE WENZEL.

KIM JONES A tribute to family

Interview PAMELA GOLBIN ROME, JULY 21ST, 2021

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Fendi Couture FW21 by BRETT LLOYD.

KIM JONES in conversazione con PAMELA GOLBIN Calmo, cauto e composto, questo è come Kim Jones, il nuovo virtuoso del made-in-Britain del mondo della Moda, mi saluta al telefono da Londra.

Jones ha una stravagante ma versatile visione che va ben oltre la differenziazione di genere preesistente, portando un lusso più accessibile e innovativo per tutti. Un viaggiatore di mondo, Jones è conosciuto come un esperto dello street-style, costantemente ispirato dalle sub culture della strada e dalla loro energia musicale, che fa emergere in abiti sartoriali, ricreando un guardaroba completamente nuovo. Kim Jones, a soli 47 anni, possiede due titoli di Direttore Creativo senza precedenti, seguendo le collezioni di Dior Men a Parigi e la collezione donna di Fendi a Roma.

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Per descrivere la tua prima collezione di Fendi Couture presentata a Gennaio, hai usato questa bellissima citazione di Virgina Woolf: “Cambiano il nostro punto di vista che abbiamo sul mondo e il punto di vista che ha il mondo su di noi”. Ad oggi, quale è il tuo punto di vista? È abbastanza complesso, credo. Sto facendo viaggi molto intensi in Europa, poi torno a Londra perché bisogna fare la quarantena lì.

Direi che è un momento un po’ strano.

Tra un paio di giorni presenterai una nuova collezione.

Sì, sono piuttosto eccitato per lo show di Fendi Couture di giovedì.

Sembri molto impassibile…

Beh, sto lavorando molto attualmente, ma mi piace moltissimo e mi piace rendere felici le persone dopo un periodo così difficile. Mi sento ottimista nei confronti del futuro e nel ritorno alla socializzazione.

Ho pensato fosse il momento giusto per condividerlo.

Cosa pensi che guardino le persone nei vestiti oggi?

In qualche modo le persone stanno cercando un senso di realtà, e questo rende la Couture ancora più ultraterrena. Affronto la Couture e il Ready-to-Wear in maniera differente, ma in entrambi i casi, ascolto molto le donne che conosco e con cui lavoro. Sono costantemente impegnato nel soddisfare i bisogni della loro vita, cercando di renderle ancora più indipendenti nei loro diversi ruoli. Il movimento e la libertà sono temi ai quali sono particolarmente legato.

Nella sfilata Autunno-Inverno 2021, celebri i valori dell’eredità di Fendi e tutte le donne che ne fanno parte. Qual è la prima cosa che ti ha colpito?

Con la mia prima presentazione Couture mi sono spostato dall’Inghilterra a Roma, mentre con questa collezione Ready-to-Wear, racconto l’Inghilterra a Roma, da dove tutto ha avuto inizio. Quello che mi ha colpito da subito è l’importanza che Fendi dedica all’artigianalità, e questo è stato il punto di partenza per la mia ispirazione. Volevo davvero creare una collezione intorno alle qualità della Maison. Sono stato affascinato anche dall’interesse delle donne Fendi per la sartorialità, dai tagli perfetti delle giacche di Delfina (Delettrez) all’uniforme di Silvia (Venturini Fendi). Le maniche a campana sono in visone, così come la fodera delle camicie. Le giacche sono estremamente leggere e strutturate con monogrammi Karligraphy tagliati a laser nel camoscio. Volevo ce-

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lebrare le donne della potente dinastia Fendi. Silvia e sua figlia Delfina sono state due muse oltre che collaboratrici creative. Entrambe svolgono un lavoro brillante e sono state un’importante fonte di ispirazione.

Da Fendi hai avuto una doppia eredità da acquisire: quella dell’azienda fondata nel 1925 e quella di Karl Lagerfeld che ha iniziato a lavorare con le sorelle Fendi nel 1965. Come hai fatto a sviscerare tutto questo?

Sta tutto nell’andare avanti, e prendere una direzione leggermente diversa, per portare una nuova prospettiva, più fresca. Fendi rappresenta la più alta qualità dell’artigianalità, e si concentra sulla famiglia. È da tre generazioni che Fendi mette qualcuno della famiglia al comando, e io sono semplicemente un ospite che guarda il passaggio di testimone.

Sono qui, circondato da donne potenti, a cui voglio bene e rispetto molto, e voglio portare la loro energia in quello che faccio. È importante sottolineare il cambiamento nel contesto della continuità, della famiglia e della tradizione. Voglio proseguire nel rispettare il fondatore del marchio e osservare da dove ha iniziato, ma non mi piace essere nostalgico, perché preferisco guardare avanti. Karl Lagerfeld è insostituibile, anche solo nel nominarlo. Guardo il mondo che ha creato ed è una vera e propria eredità. La cultura del marchio mi ha permesso di disegnare un ampio numero di collezioni. Da quando sono arrivato in Fendi, circa dieci mesi fa, abbiamo creato sette collezioni. E altrettante da Dior. Quindi in totale sono più o meno quindici. Non è poco.

Assolutamente, specialmente se si considera il periodo in pandemia.

Come fai a tenere tutto sotto controllo o forse è la fluidità che ti aiuta?

Mi fa sorridere questa tua domanda. Di recente ero con un’amica che non vedevo da molto, e le ho mostrato i miei disegni. Ha commentato il mio lavoro dicendo che ero migliorato perché oggi sono legato ad una cultura locale. Ho pensato che fosse interessante da sottolineare.

Hai sempre detto quanto fosse importante per te celebrare l’immagine della donna indipendente. Ora stai lavorando con Lila Moss per la prossima campagna di Fendi, e sappiamo che Kate è una tua cara amica.

Da sempre mi piace celebrare la famiglia, sia quella che si sceglie che quella d’origine. E Lila è come se fosse una di famiglia per me. La conosco da quando è nata. Ha un’energia incredibile. È importante anche saper ridere quando si sta lavorando. Per me non c’è differenza tra vita e lavoro, perché quando si lavora così tanto, diventa una cosa unica. Apprezzo come una famiglia porti avanti le cose. Credo che la moda sia una grande comunità. Anche se è diventata un’enorme potenza economica, è fantastico poter lavorare con persone che ammiri, ami e da cui puoi sempre imparare. 11 Le collaborazioni fanno parte del tuo DNA. Assolutamente, ho un rapporto solido con il mio team ed è sempre stimolante includere nuove persone. È un processo che mette insieme diversi argomenti che mi interessano. Si tratta di avere un dialogo e connettermi con altre persone. Ho lavorato con artisti, musicisti, e la prossima volta collaborerò con uno scrittore. Qualcuno lo criticherà, ma io lavoro duramente, e so che cosa piace ai clienti. 12 Fendi ha spinto molto sui limiti tecnici e fisici della pelliccia come materiale. Che cosa ti interessa in questo momento?

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Con Silvia abbiamo cercato di minimizzare gli sprechi, pensando al riciclo e a come rendere il processo più ecosostenibile. Entrambi crediamo fermamente che sia una sfida continua. Sono basito da quanto lavoro richieda ogni pezzo, è intensissimo e gli artigiani che lo svolgono si preparano una vita per raggiungere l’eccellenza... C’è molto rispetto per il materiale e per la manifattura. Continuo a chiedermi: “Cosa vuole il cliente e cosa possiamo fare in termini etici?”.

Cosa vuoi aggiungere al discorso moda?

Un’ampia e nuova prospettiva. Comprendo la velocità con la quale si muove la moda e come sia necessario reinventarsi per far sì che le persone continuino ad interessarsi al brand. Devi essere cosciente di quello che sta succedendo nel mondo. Il mio interesse principale è l’interazione con i clienti. Quando comprano qualcosa del brand, si sentono come parte di un club, legati da una certa fedeltà. Voglio insistere in questa direzione.

Hai lavorato in una casa di moda parigina, vissuto a Londra e ora stai scoprendo Roma. Che cosa stai cercando per Fendi?

Sto esplorando le origini dell’Italia, con il suo artigianato e la sua manifattura. È un po’ più romantico e familiare, ma rimane comunque un buon modo di fare business. In passato ho lavorato con case storiche che non hanno più in vita il fondatore d’origine. Spesso penso: “Cosa starebbe facendo oggi?” Con Fendi sono al corrente della notevole storia della Maison grazie ai molti membri della famiglia. Ammiro il modo in cui hanno vissuto la loro vita e la libertà che si sono concessi.

Come descriveresti Roma?

Per quanto riguarda Roma, è come se fossi ancora in luna di miele.

A causa della pandemia, ci sono stato poche volte, ma già il solo fatto di lavorare nel Palazzo della Civiltà Italiana di Fendi è sorprendente.

A Roma c’è molto a cui ispirarsi. La vedo un po’ come gli strati di una torta: ci sono infiniti livelli di storia sotto i tuoi piedi e li esplori anche solo camminando per le sue strade. Assorbi tutto senza nemmeno rendertene conto. È come se le temporalità fossero deformate. Dall’antica Roma al Medioevo e dal Rinascimento fino alla Roma moderna, tutto in una sola strada, come una specie di viaggio nel tempo.

Sei una sorta di interprete.

Sì, un traduttore visuale. È interessante perché hai l’opportunità di raccontare agli altri come sia la loro città, immagino possa essere d’aiuto.

I ALWAYS LIKE TO CELEBRATE 11 THE IMPORTANCE OF FAMILY – BOTH REAL AND CHOSEN. AND, LILA IS LIKE FAMILY TO ME. I’VE KNOWN HER SINCE SHE WAS BORN. SHE HAS THIS INCREDIBLE ENERGY. IT’S IMPORTANT TO HAVE A REALLY GOOD LAUGH WHEN YOU’RE ON THE JOB. THERE’S NO SEPARATING LIFE AND WORK FOR ME BECAUSE WHEN YOU WORK THIS MUCH, IT’S KIND OF EVERYTHING.

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Portrait CASPER SEJERSEN.

KIM JONES in conversation with PAMELA GOLBIN Calm, cool and collected that’s how Kim Jones, the fashion world’s new made-in-Britain virtuoso, greets me on the phone from London. Jones asserts an extravagant but wearable vision that goes beyond established genres bringing an innovative spirit to customize luxury for all. A world traveler, Jones is known as a street-style connoisseur constantly inspired by streetwear subcultures and their musical energy to reimagine tailoring and the modern wardrobe. Kim Jones, at just 47, holds the unprecedented double title of Artistic Director for both Dior Men’s collections in Paris and womenswear at Fendi in Rome.

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For your first Fendi Couture collection presented in January, you used this wonderful quote about clothes from Virginia Woolf, “They change our view of the world and the world’s view of us.” What’s your view of the world at the moment?

It’s in quite a tricky place, I would say. I’m doing these intensive travel periods, going to Europe, and I come back to London to be very quiet on my own because we have to quarantine in the UK. So it’s quite a strange moment.

You are showing a collection to be shown in a couple of days.

Yes, I’m rather excited to show Fendi Couture collection on Thursday.

You seem rather unfazed...

Well, it is a lot of work at the moment but I really enjoy it and I like making people feel a bit more joyous after quite a rough time in the world. I am feeling optimistic about the immediate future and being able to socialize properly. I thought it was a nice moment to share that.

What do you think people are looking for in clothes today?

People are looking for a sense of reality in a certain way and that makes Couture even more otherworldly. I treat Couture and Ready-to-Wear quite separately, but in either case, I really listen to all the women that I know or work with. I am constantly looking to address the needs in their lives and to make them more independent in their multiple roles.

The movement and freedom of things are quite interesting to me.

For the Autumn-Winter 2021 collection, you are paying tribute to the Fendi house codes and the women who embody its legacy. What first struck you?

So my first Couture show was England to Rome, and with this Readyto-Wear collection, it is England in Rome where we start. What struck me most was Fendi’s dedication to craftmanship and that was the starting point of my inspiration. I was really looking at how to build a collection around the incredible skills of the house. I was also quite attentive to the Fendi women’s love of tailoring from Delfina’s (Delettrez) perfectly cut jackets to Silvia’s (Venturini Fendi) daily uniform. Bell sleeves are made of washed mink and a shirt jacket has a bonded mink interior. The jackets are featherlight through a suspended construction and Karligraphy monograms are laser cut into suede. With this collection, I wanted to celebrate the Fendi women as a powerful dynasty. Silvia and her daughter Delphine were both

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muses and also creative collaborators. They both do a brilliant job and were very inspiring.

At Fendi, you have a double heritage to embrace: that of the house that was founded in 1925 and that of Karl Lagerfeld who began working with the Fendi sisters in the 1965. How do you start to unpack all of that?

It’s about moving forward and taking it in a slightly different direction to bring a fresh new perspective. Fendi represents artisanal quality of the highest order, and it is all about family. It is in its third generation with a Fendi at its helm, and I am guest starring while bringing in the fourth. Here, I am surrounded by strong, powerful women who I love and respect, and want to bring their energy into what I do. It’s important to frame change within the context of continuity, family, and history. I always want to respect the founder of the house and look at his/her starting points but I don’t like being nostalgic. I like to bring it forward. Karl Lagerfeld is irreplaceable so to speak. I looked at the world he created and as a whole, it’s an amazing legacy. The rich culture of the house has allowed me to design a large number of collections. Since arriving at Fendi only ten months ago, we’ve done seven collections. And then there’s that many at Dior. So that’s fifteen or so in all. It’s a lot.

Indeed, especially since many were done during the pandemic. How do you keep it all constrained or maybe it’s the fluidity that helps you?

Funny you should mention it. I was recently with a friend who I hadn’t seen in a while, and I was showing her my latest designs. She commented that my work was better now because I was bound to local culture. And I think that was quite an interesting thing to say.

You’ve always made a point to celebrate powerful women. You are currently working with Lila Moss for the upcoming Fendi campaign.

Her mother Kate is a very close friend.

I always like to celebrate the importance of family – both real and chosen. And, Lila is like family to me. I’ve known her since she was born.

She has this incredible energy. It’s important to have a really good laugh when you’re on the job. There’s no separating life and work for me because when you work this much, it’s kind of everything. I like how a family of people move things forward. I think fashion is a community of people. Even if it has become a huge global economic powerhouse, it’s a great thing to be able to work with people you admire, love and from whom you can learn. 11 Collaborations are very much part of your DNA. Indeed. I have a close collaborative relationship with my teams and it’s inspiring to bring other people in. It’s a process that brings together the different areas that interest me. It’s about dialogue and connecting with people. I’ve worked with artists, musicians and next time, I’m going to do a writer. Some people criticize it but I work hard and I know the customer likes it. 12 Fendi has pushed the technical and physical boundaries of fur as a material. What are you interested in at the moment?

With Silvia, we have been looking at how best to minimize waste, at ways of recycling and of making the process more sustainable. We

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both really believe in this ongoing challenge. My mind is blown away by the amount of work that goes into each piece. It’s incredibly labor intensive and the specialized artisans have trained all their lives to excel in their field. There is a lot of respect for the material and the workmanship. I always keep asking myself, “What does the customer want and what can we do ethically?”.

What do you want to bring to conversation?

I bring an outside perspective. I understand how fashion moves so fast now and how you need to refresh to keep people interested in your brand. You have to be really aware of what’s going on in the world.

My main interest is the interaction with consumers. When they buy something from a brand, they feel like they’re part of the club fostering a certain loyalty. I want to encourage that.

You work at a Parisian house, live in London and now are discovering Rome. For you, what are you looking at for Fendi?

I’m looking at the history of Italy, the craftmanship, and the workmanship. It’s slightly more romantic, but it’s also very business way of working and also very family friendly. In the past, I have worked with heritage houses where the founder is no longer alive. I often think, “What would he be doing today?”. With Fendi, I am privy to the remarkable history of the house through many of the family members. I admire the way that they lived their lives and the freedom that they created for themselves.

How would you describe Rome?

With Rome, I am still in the honeymoon phase sort of speak. Because of the pandemic, I have only been a few times. Just working in Fendi’s Palazzo della Civiltà Italiana is quite amazing. In Rome, there’s so much to be inspired by. I see it more like layers of a cake. There are endless levels of history that are underneath your feet that you just walk past in Roman streets. You’re absorbing it and taking it in without even realizing it. It’s as if temporalities are warped. From Ancient Rome to the Middle Ages and the Renaissance through Modern Rome, all in one street, it’s almost a kind of time travel.

You’re a bit like a translator.

Yeah. A visual translator. It’s interesting because you’re giving someone an idea of their own city. I guess, it can be quite helpful.

I HAVE A CLOSE COLLABORA12 TIVE RELATIONSHIP WITH MY TEAMS AND IT’S INSPIRING TO BRING OTHER PEOPLE IN. IT’S A PROCESS THAT BRINGS TOGETHER THE DIFFERENT AREAS THAT INTEREST ME. IT’S ABOUT DIALOGUE AND CONNECTING WITH PEOPLE.

K. JONES

Fendi FW21 by MALICK BODIAN.

LILA

SO GOOD SO RIGHT

Photography VENETIA SCOTT Fashion SARA GILMOUR

Throughout the story full looks FENDI.

Muse Make Up Hair Casting Director Producer Photo Assistant Fashion Assistant

LILA MOSS GEORGINA GRAHAM NEIL MOODIE SIMONE SCHOFER TINA LIVERAS JONO TERRY AND AMY LOUISE RYALL YURIKO HIRATSUKA

Throughout the story full looks FENDI.

SARA

THE MAGIC HOUSE

Photography NADINE FRACZKOWSKI Fashion RAY TETAUIRA

Opening: full look BALENCIAGA. Full look GIVENCHY.

Full look GIVENCHY.

Full look MIU MIU.

Full look BOTTEGA VENETA.

Full look BALENCIAGA.

Full look BOTTEGA VENETA.

Opposite: full look GIVENCHY. Full look MIU MIU.

Full look GUCCI.

Full look MIU MIU.

Full look GUCCI.

Cap DSQUARED2, sunglasses VERSACE, bag AMBRA, shoes CHRISTIAN LOUBOUTIN, necklace D’HEYGERE, coat Full look BOTTEGA VENETA. IRIÉ PARIS.

Full look PRADA.

Full look GUCCI.

Muse Make Up Hair Casting Director Producer Photo Assistant Fashion Assistant

Full look GIVENCHY.

SARA GRACE WALLERSTEDT CAROLINE FENOUIL MICHAEL DELMAS SIMONE SCHOFER ANDREA THIRION LISA MARLEEN MULLER ALICIA BARNET

Full look GUCCI.

Full look KENZO.

Full look GUCCI.

Full look BOTTEGA VENETA.

Full look KENZO.

Look CHANEL, shoes PRADA.

Full look LOEWE.

Full look LOUIS VUITTON.

Full look CHANEL.

Full look KENZO.

Full look LOUIS VUITTON.

EMILY

THE SPACE BETWEEN THEN AND NOW

Photography TINA BARNEY Fashion STELLA GREENSPAN

Opening: look NOIR KEI NINOMIYA, shoes MARC JACOBS. George Rickey. Estate of George Rickey, licensed by VAGA at Artists Rights Society (ARS), NY.

Look MARNI, shoes MANOLO BLAHNIK.

Full look RICHARD QUINN. Small Archipelago Table, 2017, David Wiseman, courtesy of Wiseman Studio.

Look PRADA, shoes MANOLO BLAHNIK.

Full look BOTTEGA VENETA. Shirt and 2019, Untitled, belt IRO, Bosco trousers Sodi, BALENCIAGA, courtesy the artist shoes and ABRA. Kasmin.

Muse Make Up Hair Casting Director Producer Fashion Assistant

EMILY KRAUSE KUMA DYLAN CHAVLES IAN BAUMAN NORMA JEAN MARKUS LILY ZHANG

Look WOMENS HISTORY MUSEUM, shoes BOTTEGA VENETA.

SOFIA

WHERE THE SUN MEETS THE MOON

Photography BEN BEAGENT Fashion TEREZA ORTIZ

Opening: full look LOUIS VUITTON. Full look ISABEL MARANT.

Full look MIU MIU.

Full look DSQUARED2.

Full look FEY FEY.

Full look KNWLS.

Shirtlook Full andGUCCI. belt IRO, trousers BALENCIAGA, shoes ABRA.

Top A. ROEGE HOVE, tights ACNE STUDIOS.

Muse Make Up Casting Direction Production Photo Assistant Fashion Assistant

SOFIA HANSSON JOHANNA NOMIEY ORTIZ CASTING LUNDLUND AGENCY WILLY CUYLITS KATIJA HIRSCH

Full look BOTTEGA VENETA.

Full look MIU MIU.

Full look GIVENCHY.

Full look MARNI.

Full look DSQUARED2.

Full look PRADA.

ARIEL

IMAGINATION TAKES FLIGHT

Photography DREW JARRETT Fashion KIRBY MARZEC

Throughout the story full looks LOUIS VUITTON.

Muse Make Up Hair Casting Director Photo Assistant Fashion Assistant

ARIEL NICHOLSON WITH DNA MODELS DICK PAGE BOB RECINE CLARE RHODES @CASTINGBYUS JAVIER VILLEGAS GREG MITOLA

Throughout the story full looks LOUIS VUITTON.

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