Guía 17 MUSAC

Edita // Publisher MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Coordinación editorial // Editorial Coordination Carlos Ordás Proyecto gráfico // Graphic Project menoslobos Impresión // Printing Gráficas Celarayn, S.A. Portada // Cover Gwenn Thomas, Jack Smith in Jack Smith’s Fear Ritual of Shark Museum, Cologne Zoo, 1974.

Fotografía blanco y negro / Black and white photograph Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Exile Gallery, Berlin d.l. XXXXXXX-2011

Para la elaboración de esta Guía Musac 17 se ha utilizado papel ecológico libre de cloro y se han seguido procesos de impresión respetuosos con el medio ambiente. Le rogamos que si no va a conservarla la recicle de manera adecuada. Gracias.

Claire Fontaine P.I.G.S.

El colectivo Claire Fontaine propone una reflexión acerca de la sociedad contemporánea a través de obras que analizan las relaciones entre las esferas de poder, el individuo y el posicionamiento del artista en su contexto. Para la Sala 1, la propuesta gira en torno al acrónimo con el que medios financieros anglosajones se refirieron peyorativamente a Portugal, Italia, Grecia y España después de la crisis económica del 2008, P.I.G.S. (que significa “cerdos”).

P.I.G.S., obra que da título a la exposición, es la representación de un mapa conformado por cientos de cerillas, que incluye a los cuatro países y hace referencia, con gran ironía, a la inestabilidad socio-política global generada por la reciente crisis económica. Es también un comentario poético sobre las innumerables vidas desperdiciadas y sacrificadas a causa de la corrupción del sistema.

CAPITALISM KILLS LOVE (Santa María de León) hace referencia a la policromía de la fachada del MUSAC que, a su vez, alude al espectro de color digitalizado de la vidriera de la Catedral de León. Se ha utilizado la tipografía “K”, cuyo nombre es un homenaje al escritor checo Franz Kafka y su obra inconclusa Amerika, donde se anticipa la fragilidad política de Occidente y del sueño americano. La tercera obra, Private, en oposición a las otras dos piezas, es una obra totalmente horizontal y anti-monumental que conceptualmente subraya la misma violencia de la propiedad privada, utilizando el sonido de la campana que se suele asociar con la disciplina y las alarmas.

Claire Fontaine. Notas sobre economía libidinal. Publicación.

Los textos que se reúnen en esta publicación giran alrededor de la economía monetaria y la economía afectiva y permiten en su conjunto visibilizar una realidad económica con consecuencias sociales y políticas que afecta a Europa y al mundo.

Artists’ collective Claire Fontaine focuses on reflections about contemporary society, analysing through its works the relationships between spheres of power, the individual and the position of the artist. The proposal for Hall 1 revolves around the acronym P.I.G.S., coined by English-speaking financial media to refer pejoratively to Portugal, Italy, Greece and Spain since the 2008 economic downturn.

P.I.G.S., which also lends its name to the exhibition, is a representation of this selective map of Europe. Consisting of hundreds of matchsticks, it alludes ironically to the global socio-political instability that is the by-

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product of the recent financial downturn, at once a poetical comment on the countless lives that have been wasted, truncated and sacrificed by the corruption of the system. P.I.G.S. is ultimately a reminder of how, and to what extent, we are being governed.

CAPITALISM KILLS LOVE (Santa María de León) refers to the multicoloured facade of the MUSAC itself and also to the digitized colour spectrum of the stained-glass windows of Santa María's Cathedral in Leon. The font used in the text is called “K”, a typeface in turn taking its name from the Czech author Franz Kafka, as a tribute to him and to his unfinished work Amerika, which anticipated the political frangibility of the West and of the American Dream. The third work, Private, though visually discreet, being totally horizontal and anti-monumental, acoustically, it is an aggressive and invasive work that interacts with the other two pieces on display on two different levels: it cuts against the grain of their forms, yet conceptually it underscores the very violence that underlies private property by using the sound of the bell, commonly associated with discipline and alarm.

Claire Fontaine. Notas sobre economía libidinal. Publication.

The texts gathered in this publication deal with the financial economy and the affective economy, and expand the field of research proposed in the exhibition. As a whole, P.I.G.S. expands our vision of an economic reality that has social and political effects on Europe and on the world.

France (burnt) 2011

Muro de yeso y cerillas de madera. Dimensiones variables / Plasterwall and matchsticks. Variable dimensions Fotografía / Photo: Marc Dommage // Cortesía de los artistas y Courtesy the artists and Air de Paris

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Fernando Sinaga Ideas K

Fernando Sinaga, artista zaragozano asentado en Salamanca, desarrolla su trayectoria artística entre España y Alemania, y dentro del vasto movimiento escultórico que desde los años sesenta y hasta los noventa toma especial fuerza en el mundo del arte nacional e internacional. Su obra parte por lo tanto de uno de los campos de profundización poética definitorios de las artes plásticas de la segunda mitad de los sesenta, que tuvo y tiene en la actualidad importantes repercusiones, la consideración de la percepción y sus procesos como motivos en sí mismos.

Sinaga se sumerge en este ámbito con una sutileza reseñable, utilizando para ello principalmente el color y los desplazamientos perceptivos. Esa poética perceptiva, al ser tratada como proceso, abre los confines materiales de las obras y las define como interferencia con las audiencias. Adicionalmente, esta aproximación “abierta” plantea la experiencia de la escultura como operación mental, en cuanto a pensamiento y no entendimiento.

Su obra, sin embargo, frente a la “serialización” y asepsia del movimiento minimal, adopta una posición que podría calificarse de naturalista, en el sentido de que mediante contrapuntos mínimos y soportes adecuados trata de desencadenar procesos complejos de concatenación perceptiva irreversibles. Nada es dejado al azar, sino a la interdependencia infinitesimal, típica de los procesos naturales. Así, en la obra de Sinaga, la apertura interactiva hacia las audiencias se conjuga con el tono naturalista de las pequeñas variaciones desencadenantes, para conformar un claro paisajismo de interiores, en alianza con la arquitectura, en el que frecuentemente el color no sólo activa la composición, sino que la define en planos abiertos a partir del juego de correspondencias entre los espacios y las formas.

La exposición retrospectiva Ideas K recoge el imaginario simbólico, geométrico, óptico, material y cromático que subyace en el trabajo del artista desde El desayuno alemán (1984) hasta su obra más reciente. Ideas K persigue poner de manifiesto tanto el carácter específico y experimental de la obra de Sinaga, como su carácter transversal y diversificado, mediante una contundente ordenación de las conexiones y vínculos existentes en su trabajo a lo largo de los últimos veintiséis años.

El proyecto revindica el talante independiente del artista y persigue hacer patentes la riqueza y complejidad de su obra. El traspaso de límites en el proceso creativo de Sinaga supone no sólo la interactividad entre obras, sean objetos o imágenes, sino la apreciación del espacio como un elemento

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visual y plástico, más que como contenedor neutral de creaciones, lo que a su vez implica valorar el arte más como experiencia estética en la que se participa que como contemplación distanciada.

A lo largo de los más de 600 m2 de la Sala 2 del MUSAC se despliega un bloque de piezas conformado por los trabajos fotográficos y audiovisuales de Sinaga, que se acompañan de obra sobre papel como hilo conductor, a modo de trayecto o pequeños gabinetes que salpican el recorrido.

Fernando Sinaga, an artist born in Zaragoza and established in Salamanca, developed his artistic career between Spain and Germany, and within the great sculptural movement that has taken the national and international art world in full swing from the 1960's to the 1990's. His work, that emerges from one of the defining fields of poetical exploration in the visual arts during the second half of the 1960's, is the consideration of perception and its processes as motifs in themselves, something that produced, and still produces today, major ramifications.

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Fernando Sinaga

Ideas K

Sinaga mines this domain with remarkable subtlety, to this end relying mostly on colour and perceptive displacements. That said, we should also underscore that, treated as a process, this perceptive poetics opens up the material boundaries of the works, redefining them as an interference with the audiences. Additionally, the “open” approach posits the experience of sculpture as a mental operation engaging with thought rather than understanding.

However, in contrast with the “serialisation” and asepsis proper to minimalism, Sinaga’s work adopts a position that we could regard as naturalistic to the extent that, in using minimal counterpoints and appropriate supports, he attempts to trigger complex irreversible processes of perceptual concatenation. Nothing is left to chance. Rather it is predicated on an infinitesimal interdependence characteristic of natural processes. As a consequence, in Sinaga’s practice, the interactive openness to audiences is combined with the naturalistic tone of the minute variation to give shape to a manifest landscape of interiors allied to architecture, in which colour often not only activates composition, but defines it in open planes from an interplay of correspondences between spaces and forms.

Ideas K, the survey of Fernando Sinaga’s work at the MUSAC, overviews the symbolic, geometric, optical, material and chromatic imaginary undergirding the artist’s practice from El desayuno alemán (1984) right up to his most recent work. The idea behind Ideas K is to underscore the specific and experimental nature of Sinaga’s work as well as its transversal and diversified thrust, as revealed by the compelling correlation of the connections and links running through his practice over the last 26 years.

The project vindicates the artist’s independent temperament while showcasing the wealth and complexity of his work. In Sinaga’s creative practice, crossing boundaries involves much more than a simple interactivity between the works, whether objects or images. More to the point, it involves an appreciation of space as a visual and plastic element rather than a neutral container of creations. Likewise it entails considering art more as an aesthetic experience in which one takes part than as a distanced contemplation.

Covering an area of over 600 m2, MUSAC’s exhibition Hall 2 will deploy a body of work largely consisting of photographic and audiovisual pieces by Sinaga, accompanied by works on paper that will act as a common thread running through the parcours, punctuated in turn by several small cabinets.

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Fernando Sinaga

Ideas K

[página 7] El desayuno alemán 1984 Acero inoxidable, cristal y fotografía gelatinobromuro de plata / Stainless steel, glass and photography gelatine silver bromide 44 x 62 cm

Colección Fernando Sinaga / Fernando Sinaga Collection © FernandoSinagaArchiv [esta página] Spaesamento 2000 Metacrilato, madera de okumen y 4 espejos / Methacrylathe, okoume wood and 4 mirrors 250 x 125 x 3 cm c/u

Colección Fernando Sinaga / Fernando Sinaga Collection © FernandoSinagaArchiv

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El grito / The Cry

Absalon, Allora & Calzadilla, Hernan Bas, Irina Botea, Luisa Cunha, El Resplandor, Lara Favaretto, Terence Gower, Jesper Just, David Maljkovic, Christian Marclay, Teresa Margolles, Loreto Martínez Troncoso, Olivia Plender, Ugo Rondinone, Javier Téllez, von Calhau El título de la exposición evoca este gesto liberador, ya sea como un llamado público que incita a la emancipación política o como una expresión del orden de lo privado que manifiesta un sentimiento en particular, como lo recuerda la emblemática pintura expresionista de Edvard Munch. ¿Cómo identificaríamos hoy en día el gesto artístico en una obra de arte en una exposición? Aquí no se habla del gesto como la marca que identifica la obra de arte de un artista, sino de la forma en que se expresan y estructuran las preocupaciones y emociones en nuestro tiempo.

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La exposición está organizada en tres núcleos conceptuales que abordan, cada uno, distintos sentidos de una sola pero compleja expresión: el grito de dolor, ira; el llamado de socorro, que suplica ayuda; y el clamor político, la invitación a la congregación. Estos tres acercamientos permiten localizar la manifestación o la recepción del grito en el universo del individuo, así como en la sociedad. El grito incluye la obra de diecisiete artistas plásticos, de los cuales seis participan con proyectos realizados para esta ocasión.

A excepción de las obras de Absalon (1963-1993) y de Teresa Margolles, que ponen en escena un grito audible, real, constante y desgarrador, el conjunto de obras de la exposición evocan y desencadenan otras asociaciones relacionadas con esta expresión, que van desde el grito silencioso y ahogado, su reverberación en comunidad, pasando por sus repercusiones en el otro, como testigo ineludible de un acontecimiento.

En la parte central de la exposición se encuentra la “plaza pública”, que es la plataforma en donde se presentarán tres performances del grupo El Resplandor, del dúo von Calhau, y de la artista Loreto Martínez Troncoso,

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El grito / The Cry

generando así un espacio social, sonoro, activo. El diseño museográfico de la exposición es un proyecto especial del artista Terence Gower, quien ha participado activamente en el proceso curatorial y desarrollado lo que podríamos llamar una “arquitectura emocional” (término acuñado por el artista mexicano Mathias Goeritz) para acoger las obras de los artistas invitados. La identidad gráfica del título de la exposición, que retoma las inquietudes que queremos manifestar en este proyecto, ha sido realizada por Scott Ponik.

The title of the exhibition evokes this liberating gesture, whether as a public call that incites political emancipation or as a more private sort of expression that manifests a particular sentiment, as Edvard Munch’s emblematic expressionist painting reminds us. What is explored here is not gesture as the mark that identifies an artist’s work of art, but the way in which concerns and emotions are expressed and structured in our time.

The exhibition is organized into three conceptual blocks each of which addresses different meanings of a single complex expression: the cry of pain, ire; the call for help, which pleads for assistance; and the political clamour, the invitation to the congregation. These three approaches enable locating the manifestation or the reception of the cry in the universe of the individual as well as in the society. The Cry includes the work of seventeen visual artists, six of whom participate with projects produced for this occasion. Except for the works by Absalon (1963-1993) and Teresa Margolles, which stage an audible, real, constant and bloodcurdling scream, the set of works in the exhibition evoke and unleash other associations related to this expression, which range from the silent and hushed cry, its reverberation in the community, to its repercussions in the other, as inescapable witness to an event.

In the central part of the exhibition is the “public plaza”, which is the platform for the presentation of three performances by the El Resplandor group, the von Calhau duo and the artist Loreto Martínez Toncoso. This public plaza will therefore embody an active, social, sound space. The exhibition design is a special project by the artist Terence Gower, who has actively participated in the curatorial process and developed what we might call an “emotional architecture” (a term coined by the Mexican artist Mathias Goeritz) to house the works by the guest artists. The graphic identity of the exhibition title, which draws on the considerations we wish to convey in this project, was produced by Scott Ponik.

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[página 10] Allora & Calzadilla

Sediments Sentiments (Figures of Speech) 2007

Performance, instalación, técnica mixta / Performance, installation, mixed media 235 x 320 x 220 cm

Cortesía de los artistas y / Courtesy of the artists and Lisson Gallery, London [página 11] Teresa Margolles

Recados Póstumos (Cine Metropólitan) 2006

Fotografía color de la intervención / Colour photograph of the intervention 135 x 159 cm

Cortesía / Courtesy Colección Fundación ARCO. CGAC, Santiago de Compostela © Foto / Photo: Mark Ritchie [esta página] Absalon Bruits 1993

Vídeo color y sonido / Colour video with sound 3’23”

Cortesía / Courtesy Galerie Chantal Crousel, Paris

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I Was a Male Yvonne de Carlo

El arte crítico puede ser sofisticado, incluso entretenido / Critical art can be sophisticated, even entertaining Ignasi Aballí, John Baldessari, Robert Crumb, Guy Ben-Ner, Julien Bismuth & Jean-Pascal Flavien, Stanley Brouwn, Guy de Cointet, Kirsten Mosher, Itziar Okariz, Allen Ruppersberg, Jack Smith I Was a Male Yvonne de Carlo. El arte crítico puede ser sofisticado, incluso entretenido es una exposición comisariada por artistas, y por lo tanto basada más en una actitud que en una trayectoria profesional en este ámbito.

La exposición nace del deseo de comprender y rendir homenaje a la obra de los artistas Guy de Cointet y Jack Smith. Tan alejada como pueda parecer la práctica artística de ambos creadores, comparten una serie de rasgos comunes: la elegancia, el humor, la osadía, el gusto por la provocación y un finísimo sentido del camp; de hecho el término fue adoptado por Susan Sontag para describir la obra de Smith. Más específicamente, comparten algo que queda plasmado en el título de la exposición: una capacidad crítica (crítica del establishment cultural, crítica del status quo, crítica del imaginario colectivo) preñada de estilo: humor, comedia, inteligencia.

La exposición estriba en la obra de estos dos artistas. De que la comedia constituye una estrategia idónea para la crítica institucional da prueba sobrada la gran tradición de comediantes (judíos), de Jerry Lewis a Andy Kaufman. Así, entre la comedia de situación y la bufonada, nos encontramos con la obra de Guy Ben-Ner (Stealing Beauty, 2007) y Kirsten Mosher (Gumhead, Gumhead Sister y Gumhead, Ready or Not, todos de 2011). Más bien en la tradición del absurdo acerbo podríamos situar la obra de Ruppersberg (Sin título, 1991) y Baldessari –Teaching a Plant the Alphabet (1972), I Am Making Art (1971) y I Will Not Make Any More Boring Art (1971)–, que cuestiona sin miramientos la sacralidad del arte y la literatura contemporáneos. Esta díscola irreverencia hacia todo lo institucional se percibe claramente en la obra de Itziar Okariz (Mear en espacios públicos y privados, 2011), al tiempo que la obra de Ignasi Aballí se sitúa más cerca de la broma ingenua e infantil que avergüenza al superego paterno (Listado (Sexo), 2011, y Soplidos (Blows), 2008).

El humor y la mofa de toda autoridad quedarían incompletos sin la presencia de Robert Crumb. Este excelente dibujante y estrella rutilante de la contracultura nos sorprende, en el tarjetón de invitación de la exposición, con una visión

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inmisericorde del artista (siempre el propio Crumb) con los pantalones bajados, vacilando entre sus fantasías sexuales y el compromiso social. El opuesto diametral, si cabe, del humor blanco y abstracto de un Stanley Brouwn. En 3 Corners (2007), Brouwn reduce al absurdo la esencia de la arquitectura, la escultura y la vivienda. Se trata de un artista inscrito en la mejor tradición dandiana de frialdad, distanciamiento e inteligencia.

Lenny Bruce solía decir que “la comedia es tragedia más tiempo”. Aquí efectivamente se percibe una cierta nostalgia por un tiempo pretérito, en los trágicos semblantes presentados por Jack Smith en su aparición en el zoo de Colonia (Jack Smith in Jack Smith’s Fear Ritual of Shark Museum, Cologne Zoo (serie), fotografías de Gwen Thomas, y Jack Smith: Cologne de Birgit Hein, 1974).

Esta misma sensación de sinsentido, del artista como héroe errante, solitario y absurdo, aparece en la performance concebida por los artistas Julien Bismuth & Jean-Pascal Flavien y su descenso por un río de agua somerísima. Y por supuesto, los excesos orientales de Jack Smith en Flaming Creatures (1962), Normal Love (1965) o la película que presta su nombre a la exposición, I Was a Male Yvonne de Carlo (1970), que cierran el círculo con la obra de Guy de Cointet. Las mujeres de Guy de Cointet, etéreas, bellísimas, elegantes e ingeniosas, que intercambian frases espléndidas, que nos recuerdan alternativamente a Oscar Wilde y a Dallas, son la personificación misma del subtítulo de la exposición: la crítica puede ser sofisticada, incluso entretenida.

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I Was a Male Yvonne de Carlo

I Was a Male Yvonne de Carlo. Critical Art Can Be Sophisticated, Even Entertaining is an exhibition curated by artists, and therefore emerges more from a question of attitude than a professional curatorial stance. It is an exhibition born of the desire to understand and pay homage to the work of artists Guy de Cointet and Jack Smith. No matter the distance separating the work of these two artists, both share common traits: elegance, humour, bravura, defiance, and a very delicate sense of camp – actually the term was adopted by Susan Sontag to speak about Smith’s work. But most specifically, they share what the title of the exhibition describes: the capacity to critique (critique the cultural establishment, critique the status quo, critique the collective imagination) with style: humour, comedy, intelligence.

Hence it is from the work of these two artists that the exhibition takes form.

The fact that comedy is a brilliant strategy for institutional critique is no news to the great tradition of (Jewish) stand up comedy from Jerry Lewis to Andy Kaufman. Here, between sitcom and slapstick, we encounter the work of Guy Ben-Ner (Stealing Beauty, 2007) and Kirsten Mosher (Gumhead, Gumhead Sister, Gumhead, Ready or Not, all 2011). We could place the work of Ruppersberg – (Untitled, 1991) and Baldessari (Teaching a Plant the Alphabet (1972), I Am Making Art (1971), and I Will Not Make Any More Boring Art (1971) – more in the tradition of caustic nonsense challenging, in an absolutely undaunted manner, the sacredness of contemporary art and literature. This wayward disrespect for the institutional is clearly felt in the work of Itziar Okariz (Mear en espacios públicos y privados, 2011), while we feel the work of Ignasi Aballí is closer to the innocent, childish prank which embarrasses the superego parents (Listado (Sexo), 2011, and Soplidos (Blows), 2008).

Humour as derision of any authority could not be complete without Robert Crumb. The wonderful draughtsman and revered star of counterculture surprises, in the image on the invitation to this exhibition, with a merciless vision of the artist (always Crumb himself), trousers down, doubting between sex fantasies and social engagement.

Quite the opposite, we could say, of Stanley Brouwn’s white abstract humour.

In 3 Corners (2007), he reduces ad absurdum the essence of architecture, sculpture and habitation; he is an artist in the best dandyish tradition of coolness, detachment, and intelligence.

Lenny Bruce used to say “comedy is tragedy plus time”. So indeed there is a sense of a bygone era, a certain nostalgia, in the tragic figures composed by Jack Smith in his appearance at the Cologne Zoo (Jack Smith in Jack Smith’s Fear Ritual of Shark Museum, Cologne Zoo (series), photographs by Gwen Thomas, and Birgit Hein's Jack Smith: Cologne, 1974). This same sense of

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the senseless, the artist as a lonely and absurd wandering hero, appears in the performance conceived by artists Julien Bismuth & Jean-Pascal Flavien and their descent through an extremely shallow river. And then, the oriental excesses of Jack Smith in Flaming Creatures (1962), Normal Love (1965) or the film that gives title to the exhibition, I was a male Yvonne de Carlo (1970) all send us back full circle to the work of Guy de Cointet. Guy de Cointet's women: ethereal, beautiful, elegant and witty, exchanging wonderful lines of dialogue that sometimes make us think of Oscar Wilde and at others, of Dallas, are the very epitome of the exhibition subtitle: criticism can be sophisticated, even entertaining. [página 15] Guy de Cointet

De la serie / From the series My Marriage... 1981

Tinta y lápiz de colores sobre papel / Ink and colour pencil on paper // 28 x 35,5 cm

Foto / Photo: DR // Cortesía / Courtesy The Estate of Guy de Cointet y / and Air de Paris [esta página] Robert Crumb Sin título / Untitled 2006

Impresión sobre cartón pluma / Impression on foam core board // 87 x 94 cm

Foto / Photo: Jean-Paul Planchon

Cortesía / Courtesy Musée Régional d'Art Contemporain Languedoc-Roussillon

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Laboratorio 987

Uqbar (Irene Kopelman & Mariana Castillo Deball) Ciclo expositivo Amikejo / Amikejo Exhibition Series Amikejo es un ciclo de cuatro exposiciones a cargo de parejas de artistas en el Laboratorio 987 de MUSAC. Amikejo, un estado minúsculo que existió de 1908 a 1920 entre los Países Bajos, Bélgica y lo que hoy es Alemania, se fundó sobre el anhelo de propiciar una comunicación internacional más efectiva mediante el lenguaje sintético del Esperanto –Amikejo significa “lugar de gran amistad” en ese idioma–. Este episodio-lugar –una peculiar síntesis de cartografía, lengua, nación, política y economía– brinda el tratamiento de ubicación gemela del Laboratorio 987, prestando su nombre y sus fronteras conceptuales al ciclo.

Uqbar es una colaboración puntual entre Irene Kopelman (Córdoba, Argentina, 1976) y Mariana Castillo Deball (Ciudad de México, México, 1975) iniciada en 2006. Su práctica artística ha generado instalaciones escultóricas, seminarios y publicaciones, a menudo incorporando la participación de personas ajenas al ámbito artístico como científicos o escritores.

Para Amikejo, Uqbar explora la idea del trabajo colectivo como tema en sí mismo. Los “intercambios, mutaciones, transmutaciones, metamorfosis y contaminaciones implícitos en el trabajo conjunto, los híbridos que creamos juntas, que no pertenecen a una ni a otra sino que generan una zona intersticial”, en palabras de las artistas. La exposición se basará en el principio de la quiralidad: la propiedad de un objeto que no se puede superponer sobre su imagen especular. Las manos humanas constituyen el ejemplo más inmediatamente reconocible de la quiralidad aunque también se puede observar en las plantas, moléculas y cristales. Uqbar ‟tomará este fenómeno como metáfora de dos organismos que trabajan juntos... reflexionando sobre los mecanismos recíprocos aunque manteniéndose totalmente diferentes y ajenos”. La exposición se compone de una escalera espiral, desde la que se observan ecosistemas quirales psicodélicos de epífitos en papier-mâché, microfósiles de piedra y fábulas animadas de criaturas híbridas.

Amikejo is a series of four exhibitions by artist duos at MUSAC’s Laboratorio 987. Amikejo was a tiny state that existed from 1908 to 1920, between the Netherlands, Belgium and present-day Germany and was founded on a desire to foster more effective international communication through the synthetic language Esperanto – Amikejo means “place of friendship” in Esperanto. This episode-place was a unique synthesis of cartography, language, nationhood,

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politics, economics and subjectivity, and is entreated as a twin site to Laboratorio 987 by lending its name and conceptual borders to the exhibition series.

Uqbar is an occasional collaboration between artists Irene Kopelman (born 1976, Córdoba, Argentina) and Mariana Castillo Deball (born 1975, Mexico City, Mexico) initiated in 2006. Its practice has led to sculptural installations, seminars and publications, and frequently involves the cooperation of individuals outside the artistic field, including scientists and writers.

For Amikejo, Uqbar explore the idea of working together as a subject in itself.

The “interchanges, mutations, transmutations, metamorphosis and contaminations that working together entails, the hybrids we create together, not belonging to one or the other but rather creating an in-between zone”, as the artists have described. The exhibition is based on the principle of chirality, a property of an object that is not superimposable on its mirror image. Human hands are the most recognisable example yet chirality can also be observed in plants, shells, molecules, and crystals. Uqbar “take this phenomenon as a metaphor of two organisms working together... mirroring each other yet at the same time being completely different and alien to each other”. The exhibition is dominated by a spiral staircase which serves as a viewpoint for a psychedelic chiral ecosystem including papier-mâché epiphyte sculptures, stone microfossils and animated fables of hybrid creatures.

Calipso, 2011

Cortesía de las artistas / Courtesy of the artists

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Proyecto Vitrinas

Yona Friedman Métropole Europe / Europa Metrópolis Yona Friedman (Budapest, Hungría, 1923. Vive y trabaja en París). Su obra abarca diversos campos como la arquitectura, el arte, el cine de animación, la pedagogía o la escritura. Ha desarrollado conceptos urbanos como la Ville Spatiale, basada en la libre organización de la ciudad por parte de sus ciudadanos gracias a modelos móviles y reutilizables de bajo coste. Como el mismo Friedman afirma, su trabajo consiste en “ver el mundo no sólo como una entidad descriptible por los métodos de la estadística, sino como un mundo compuesto de entidades individuales que he llamado gránulos de espacio. Entidades con un comportamiento imprevisible”, a partir del cual es posible dar vida a una arquitectura móvil y a una sociedad emancipada.

Métropole Europe hace énfasis en la importancia de generar una reflexión acerca de la idea de una metrópolis europea, la “no-ciudad más grande del mundo”. Ya existen las bases para la definición de esta metrópolis, constituida por una red de grandes ciudades comunicadas entre sí por un sistema de trenes de alta velocidad. Sólo falta la voluntad política que subvencione tarifas económicas para ponerla en marcha. Esta red facilitaría una mayor circulación de los ciudadanos, se reestructuraría el tejido social y se plantearían nuevas estrategias en el mercado del trabajo y la vida cultural. Este proyecto permitiría abordar desde otro punto de vista las problemáticas económicas, sociales, culturales, políticas y administrativas que las recientes crisis económicas han hecho evidentes.

Este proyecto es una extensión de la monografía Arquitectura con la gente, por la gente, para la gente. Yona Friedman de la Colección AA MUSAC editada por MUSAC / ActarBirkhäuser, con textos de Kenneth Frampton, Hans Ulrich Obrist, Manuel Orazi, Yona Friedman y María Inés Rodríguez.

Yona Friedman (Budapest, Hungary, 1923. Lives and works in Paris). His work has spanned areas ranging from architecture, art and animated film to education and writing. He created urban concepts such as the Ville Spatiale, based on the free organisation of a city by citizens using low-cost mobile and reusable modules. According to Yona Friedman himself, his work consists in “seeing the world not only as an entity that is describable by statistical methods but as a world comprised of individual entities that I have called granules of space. Entities of unforeseeable behaviour”, through which it is possible to create a mobile architecture and an emancipated society.

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This exhibition emphasizes his reflection on the advantages of realizing the idea of a European metropolis, the “biggest non-city in the world”. The groundwork for the creation of this metropolis, consisting of a network of big cities connected to each other by systems of fast trains, already exists.

All that is necessary for this to be put into practice is a political will to subsidize affordable fares. This network would give rise to increased mobility among citizens, the social fabric would be restructured and new strategies in the labour market and cultural life would be embraced. This project would enable alternative approaches to the economic, social, cultural, political and administrative problems that the recent financial crises have brought to light.

This showcase has been produced as an extension of the monograph Architecture with the people, by the people, for the people. Yona Friedman from the Collection AA MUSAC, published by MUSAC / ActarBirkhäuser, with texts

by Kenneth Frampton, Hans Ulrich Obrist, Manuel Orazi, Yona Friedman and María Inés Rodríguez.

Métropole Europe / Europa Metrópolis 2011

Detalle de la instalación / Detail from the installation

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Programa de actividades MUSAC Junio-septiembre 2011

El documental del mes Primer jueves de cada mes. 20:10 h.

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

7 de julio Olímpicamente grandes. Alemania (2010). 94 minutos A medida que la población de Occidente envejece, en los clubs deportivos la media de edad aumenta. Esta es la realidad de Autumn Gold, un documental protagonizado por cinco atletas de entre 80 y 100 años. Todos ellos han superado diversas pérdidas y crisis personales, han sobrevivido a guerras y a otras tragedias e incluso han ganado la batalla a una enfermedad terminal. Ahora les une un mismo objetivo: participar en los campeonatos del mundo de atletismo en Finlandia el próximo verano.

4 de agosto Hombres sincronizados. Reino Unido y Suecia (2010). 60 minutos Una humorística y conmovedora mirada a un grupo de hombres que consiguen el éxito como miembros del equipo sueco de natación sincronizada. Lo que empieza como una actividad semanal para escapar de la rutina diaria y de las responsabilidades familiares, se convierte gradualmente en un compromiso mucho más serio.

1 de septiembre Saris rosas. UK, India (2010). 96 minutos Sampat Pal es la líder de “Gulabi Gang” un grupo de mujeres de la provincia de Uttar Pradesh que, uniformadas con saris rosas, luchan contra los matrimonios forzados, los abusos sexuales y la degradación de las mujeres que pertenecen a las castas más bajas.

22 de septiembre Repetición del documental de agosto Cine Infantil y juvenil Miércoles de julio. 20:10 h.

Entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

El eSe8 organiza este ciclo de cine infantil y juvenil en colaboración con el Goethe Institut. La filosofía de este ciclo es acercar al público más joven, un cine de difícil acceso, que no se encuentra en los circuitos habituales. Películas en versión original, todas ellas forman parte de un programa europeo, que se difunde por canales televisivos, festivales, instituciones públicas y privadas. La selección de películas abarca distintos géneros cinematográficos, ficción, animación y documental. El género documental enfocado al público infantil y juvenil brilla por su ausencia en el panorama nacional, en esta programación se han seleccionado cinco documentales de diferentes países europeos, que abarcan diferentes temáticas.

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6 de julio Sergeant Pepper. Alemania (2003). 98 min. Dir: Sandra Nettelbeck 13 de julio La conferencia de los animales. Alemania (1969). 95 min. Dir: Curt Linda 20 de julio Volar a ciegas. Alemania (2004). 88 min. Dir: Bernd Sahling 27 de julio Sesión dedicada al género documental. La selección de cinco películas documentales para niños y jóvenes pertenece a un programa que intenta emplear películas documentales con fines pedagógicos en todo el mundo. Duración total: 60 min.

Safari. Hungría (2001). 10 min. Dir: Boglárka y Róbert Pölcz

Adiós. Francia/Colombia (2000). 4 min. Dir: Jean-Stéphane Sauvaire

Ayla, la niña del tsunami. Países Bajos (2005). 15 min. Dir: Wilma Ligthart

Cambio de colegio: el colegio libre. Países Bajos (2003). 15 min. Dir: Ingeborg Jansen ¡Genial! Adrián baila. Alemania (2003). 15 min. Dir: Manuel Fenn Talleres infantiles con las exposiciones Del 12 al 15 y del 26 al 29 de julio Interesados enviar mail a deac@musac.es Actividad gratuita Visitas guiadas durante julio y agosto De martes a viernes a las 12:00 y a las 18:00 h.

Fines de semana a las 11:30 y 13:00 h y a las 17:30 h y 19:30 h.

Actividad gratuita Visitas con comisarios Domingo 26, a las 13:00 h. Visita general con Agustín Pérez Rubio a las exposiciones del nuevo ciclo.

Domingo 3 de julio a las 13:00 h. Visita con María Inés Rodríguez a la exposición El grito.

Actividad gratuita * Estos dos domingos no habrá visita general a las 13:00 h.

Taller de Antropología Visual y del Arte 7 y 8 de septiembre.

Matrícula: 30 euros. Estudiantes ULE y desempleados: 25 euros

En el marco del XII Congreso Internacional de Antropología que se celebrará en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de León del 6 al 9 de septiembre, se propone este taller, con los siguientes objetivos: ¬ Indagar en el mundo actual, desde un análisis antropológico y a través de la imagen. ¬ Facilitar un entorno de debate sobre las nuevas propuestas y avances que están teniendo lugar en la antropología visual.

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Ponentes: Dra. Lourdes Méndez, Catedrática Antropología Social, Universidad del País Vasco.

Dr. José Carmelo Lisón Arcal, Titular Antropología Social, Universidad Complutense, Madrid.

Dra. Elisenda Ardevol, Profesora Antropología Visual, Universitat Oberta de Catalunya.

Dr. Jesús Martín Barbero, Escritor y profesor de Antropología y Arte. Bogotá, Colombia.

Estéticas y políticas de la memoria Conferencia a cargo de Jesús Martín-Barbero.

Salón de actos del MUSAC 9 de septiembre a las 20:00 h.

Taller de Daniel G. Andújar. Capital, parte II. Del 13 al 16 septiembre Encuentro/taller teórico-práctico impartido por Daniel G. Andújar.

Desarrollo de proyectos en forma de micro-investigaciones que pondrán en práctica los conocimientos y estrategias que se desarrollaran como contenidos del proyecto Capital. Se confeccionará un archivo de ámbito local. Cada sociedad se dota de una maquinaria específica acorde a su tiempo y a sus retos. En esta sociedad de la información, última mutación del capitalismo, hemos relegado la propiedad y la producción para centrarnos en procesos de gestión y manejo de la información.

Biblioteca Centro de Documentación del MUSAC La Biblioteca - Centro de Documentación del MUSAC está especializada en arte contemporáneo a nivel nacional e internacional. Ubicada en la planta baja del museo, con acceso directo desde el hall, consta de dos plantas: la planta baja, reservada para consulta, visionado de material audiovisual, hemeroteca y acceso a Internet; y la segunda planta, que alberga el fondo bibliográfico.

La entrada es gratuita para investigadores del mundo del arte y para el público en general.

La Biblioteca - Centro de Documentación alberga el Archivo Documental de Artistas de Castilla y León (ADACYL), también en línea: http://www.musac.es/adacyl Servicios La Biblioteca - Centro de Documentación del MUSAC ofrece: • Consulta en sala de los fondos de libre acceso.

• Información y referencia.

• Acceso a Internet para consultas especializadas y conexión WiFi. • DSI (Difusión Selectiva de Información) y alerta informativa.

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• Visionado de material audiovisual.

• Acceso a recursos digitales especificos.

• Préstamo interbibliotecario restringido.

• Atención al público on-line.

• No hay servicio de préstamo.

La Biblioteca - Centro de Documentación del MUSAC no tendrá programación durante los meses de junio a septiembre. No obstante, periódicamente organiza actividades como:

¬ Virtualizarte: un proyecto de alfabetización informacional en el campo de la edición digital. Se centra en ofrecer conferencias, mesas de debate y talleres de formación y producción utilizando las nuevas tecnologías. ¬ Publico Arte: una actividad que parte con el objetivo de dar a conocer, presentar y analizar publicaciones de arte, ya sean revistas especializadas, colecciones específicas, líneas editoriales, así como publicaciones independientes, a nivel internacional y nacional.

¬ Foros de la Edición: una prolongación de Publico Arte, cuyos objetivos son reflexionar acerca de los factores cruciales que involucran a la crítica y al lugar desde donde ésta se ejerce, así como realizar diferentes análisis del estado de las publicaciones especializadas. Ya se han celebrado tres ediciones basadas en diferentes temáticas y con conferencias ofrecidas por importantes ponentes.

¬ Grupo de Discusión: un foro abierto al intercambio de ideas y reflexiones, una iniciativa dirigida a todas aquellas personas interesadas en compartir, ampliar y enriquecer de forma distendida sus experiencias y reflexiones sobre el arte contemporáneo y la creación actual.

¬ Pequeño Bibliotecario: los Pequeamigos hacen suya la Biblioteca del MUSAC conociendo diferentes aspectos del trabajo diario realizado en una biblioteca.

Este proyecto se hace en colaboración con el programa Pequeamigos del DEAC (Departamento de Educación y Acción Cultural).

¬ Congresos, encuentros y otras actividades: – Encuentro de software libre, arte y mujer. Encuentro donde participaron artistas, periodistas, investigadoras y gestoras. Gracias a sus aportaciones pudimos conocer y estudiar la relación actual de las mujeres con nuevas tecnologías en diferentes ámbitos: políticos, sociales y fundamentalmente artísticos.

– I Encuentro de Redes Sociales en Museos y Centros de Arte. Exitoso encuentro donde se analizó la visibilidad de los museos y centros de arte contemporáneo en las redes sociales. Se estudió el papel de los agentes y las acciones específicas desarrolladas a través de casos reales; así como la figura del community manager y la reputación digital.

Horario De martes a viernes no festivos: de 10:00 a 14:30 h y de 17:00 a 19:45 h.

Agosto: De martes a viernes no festivos: de 10:00 a 15:00 h.

E-mail: biblioteca@musac.es

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Claire Fontaine P.I.G.S.

Comisaria / Curator María Inés Rodríguez Coordinación / Coordination Eneas Bernal

Fernando Sinaga Ideas K

Comisaria / Curator Gloria Moure Coordinación / Coordination Helena López Camacho

El grito / The Cry

Comisarias / Curators Sofía Hernández Chong Cuy y María Inés Rodríguez Coordinación / Coordination Cynthia González García En colaboración con / In collaboration with Conservatorio Profesional de Música José Castro Ovejero, León

I Was a Male Yvonne de Carlo

Comisaria / Curator Marie de Brugerolle y Dora García Coordinación / Coordination Carlos Ordás

Laboratorio 987 Amikejo

Comisarios / Curators Latitudes Coordinación / Coordination Carlos Ordás Con el apoyo de / With the support of

Proyecto Vitrinas

Yona Friedman Métropole Europe / Europa Metrópolis

Comisaria / Curator María Inés Rodríguez Coordinación / Coordination Cynthia González García

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Normas del museo / Museum Regulations Horario De martes a viernes: de 10:00 a 15:00 h y de 17:00 a 20:00 h

Opening Hours Tuesdays to Fridays: from 10 a.m. to 3 p.m and from 5 to 8 p.m.

Sábados, domingos y festivos: de 11:00 a 15:00 h y de 17:00 a 21:00 h

Saturdays, Sundays and festivities: from 11 a.m. to 3 p.m and from 5 to 9 p.m.

Lunes cerrado. ENTRADA GRATUITA 24 y 31 de diciembre: de 10:00 a 15:00 h 25 de diciembre y 1 de enero: CERRADO La recepción cierra a las 14:30 y a las 20:30 h.

El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Facilidad de acceso Puede accederse a las salas e instalaciones del museo con sillas de ruedas y cochecitos para niños. En la recepción del museo se podrá solicitar una silla de ruedas sin cargo.

Closed on Mondays. FREE ADMISSION December, 24th and 31st: from 10 a.m. to 3 p.m.

December, 25th and January 1st: CLOSED Thereceptioncounterwillcloseat2:30p.m.and8:30p.m.

The galleries will start to be vacated fifteen minutes before the closing time.

Access Facilities The galleries and installations of the museum can be accessed with wheelchairs and strollers.

In the reception counter of the museum these wheelchairs may be requested for free.

Recepción Para proteger las obras de arte de posibles accidentes, se deberán dejar en la recepción o en las taquillas las mochilas (de todos los tamaños), paraguas, paquetes y bolsas, así como cualquier bulto grande.

Reception Counter To protect the works of art from possible accidents, all backpacks (of all sizes), umbrellas, bags and large packages should be left in the reception counter or lockers.

Animales Está permitida la entrada de animales cogidos en brazos y perros-guía.

Animals The entry of animals is permitted to small dogs and guide dogs.

Niños Los niños deben ir controlados y acompañados en todo momento para que cumplan estas normas y evitar que corran por las salas, ya que podrían molestar a los otros visitantes.

Normas de acceso Se permite tomar fotografías en las salas únicamente con cámaras de mano. No se permite el uso del flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de vídeo únicamente en la entrada y en los patios del museo. Queda prohibida la reproducción, distribución o venta de fotografías sin el permiso del museo. No está permitido fumar en el interior del museo, ni entrar con alimentos y bebidas. El uso de teléfonos móviles no está permitido dentro de las salas de exposiciones.

Medios de transporte Autobuses urbanos: 7, 11, 12 y 13 Estación de autobuses: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.es Ferrocarril: RENFE. Calle Astorga s/n. www.renfe.es Aeropuerto: Aeropuerto de La Virgen del Camino a 7 km del centro de la ciudad.

Aparcamientos: Muy cerca del museo hay un aparcamiento público.

Children Children must never be left unattended so as to make them follow these regulations and to avoid them from running around the galleries as they may disturb other visitors.

Entry Regulations Photographs may be taken inside the museum only with hand cameras. The use of flash or tripods is not permitted. Video may be taken only in the entrance and in the courtyards of the museum. Smoking is not permitted inside the museum, nor entering with food and drinks. The use of cellular phones is not permitted in the galleries.

Transportation Bus Lines: 7, 11, 12 and 13 Bus Station: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.es Railway Station: RENFE. C/ Astorga s/n. www.renfe.es Airport: La Virgen del Camino Airport.

7 km from the city center.

Parking: There is a public parking area near the museum.

MUSAC, PLATAFORMA DE PENSAMIENTO MUSAC, PLATAFORMAS DIGITALES Plataformas de trabajo en red

Para profesionales de la educación en museos: http://educacion.deacmusac.es/ Para comisarios: www.plataformacuratorial.es Para agentes culturales en Castilla y León: www.todapracticaeslocal.com Plataformas artísticas

www.primerproforma2010.org Archivos digitales

Archivo de artistas de Castilla y León: www.adacyl.org Blogs de divulgación educativa

Actualidad // Comunidad // Conferencias // Cursos // Revista Hipatia // // Jornadas // MUSAC escuela // Radio // Talleres // http://deacmusac.es/ Para niños y niñas: http://www.pequeamigosmusac.blogspot.com/ Redes sociales

Página de MUSAC en Facebook: http://www.facebook.com/pages/Leon-Spain/MUSAC/#!/ pages/Leon-Spain/MUSAC/63038883760?ref=ts&ajaxpipe=1&__a=6 Canal youtube MUSAC: http://www.youtube.com/user/musacmuseo

MUSAC

Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Avda. Reyes Leoneses, 24 24008 León (España) Tel. +34 987 09 00 00 Fax +34 987 09 11 11 musac@musac.es

www.musac.es

Horario De martes a viernes: Mañanas: de 10:00 a 15:00 h Tardes: de 17:00 a 20:00 h Sábados y domingos: Mañanas de 11:00 a 15:00 h Tardes de 17:00 a 21:00 h Lunes cerrado.

ENTRADA GRATUITA

La recepción cerrará treinta minutos antes del cierre del museo El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

Opening Hours Tuesdays to Fridays: Mornings: from 10:00 a.m. to 3:00 p.m.

Afternoons: from 5:00 p.m. to 8:00 p.m.

Saturdays and Sundays: Mornings: from 11:00 a.m. to 3:00 p.m.

Afternoons: from 5:00 p.m. to 9:00 p.m.

Closed on Mondays.

FREE ADMISSION The reception counter will close thirty minutes before the closing time The galleries will start to be vacated fifteen minutes before the closing time.