P R I S M A

PRISMA

Historia y Teoría II 2021 - 1S

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Facultad de Arquitectura Sede Medellín

Prisma:

1. m. Geom. Cuerpo limitado por dos polígonos planos, paralelos e iguales, que se llaman bases, y por tantos paralelogramos cuantos lados tengan dichas bases, las cuales, según su forma, dan nombre al prisma: triangular, pentagonal, etc.

2. m. Punto de vista, perspectiva.

3. m. Ópt. prisma triangular de cristal, que se usa para producir la reflexión, la refracción y la descomposición de la luz.

EDITORIAL La revista es un prisma, toma el rayo de luz completo, una luz blanca (que sería el periodo del s.XV a finales del XIX y los estilos que en este se desarrollan, lo cual se trabaja en la materia de Historia y Teoría 2, de donde se desprende esta revista), este rayo después de atravesar el prisma, la revista, se descompone en un espectro de luz, en varios colores; algunos de estos colores son los tomados para nuestra revista, dándole así un color a los artículos e infografías, relacionando el color con la época o el tema abordado.

En la revista se abordaron diversos temas, desde el renacimiento hasta el romanticismo, desde una ciudad ideal desde la perspectiva renacentista hasta los acabados del rococó.

Los invitamos a ver la luz, a ver nuestro colores. Esto es Prisma

Editorial

01

El manierismo como puente hacia una arquitectura más dramática y menos dinámica

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Palmanova, el producto de una idealización condenada

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Milímetro dorado

31

Jardines, más que una composición geométrica del Barroco

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¿Fue arquitectura neogótica o solo gótica victoriana?

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La forma del agua en la historia de la arquitectura

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Centro Reba

53

Legado del manierismo europeo en américa

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ROJO ROJO ROJO 05

Renacimiento Manierismo Barroco R

EL MANIERISMO COMO PUENTE HACIA UNA ARQUITECTURA MÁS DRAMATICA Y MENOS DINÁMICA Infografía por María Sofía Benavides Guaca ¿Cómo las influencias y orígenes del rococó se ven reflejados en sus acabados, tanto en sus estilos, materiales y colores, para así el reflejo de los orígenes es sus manifestaciones?

Resumen

Comúnmente se habla del corto impacto que tuvo el manierismo en los estilos arquitectónicos, dado que este se vio mayormente reflejado en las decoraciones de las obras donde prevalecen sus características. Sin embargo, al hablar de un paso del renacimiento, en específico el italiano, al barroco, el manierismo podría tomar ese puesto de puente entre ambos movimientos, para ello a través de plantas y demás planimetría se abordarán concretamente temas como el dinamismo y la iluminación en obras donde dicho estilo estuvo presente, esto, con el fin de corroborar la mencionada hipótesis, donde se plantea cómo, a través del estilo manierista el dinamismo fue perdiendo protagonismo y cómo las luces tenues y las penumbras lo fueron ganando para un escenario posteriormente barroco.

Esto entendiendo el dinamismo como capacidad y libertad que ofrece la espacialidad de obra a sus habitantes para desplazarse libremente por sus estancias y penumbra como iluminación notoriamente controlada que genera dramatismo a través de dispositivos arquitectónicos.

Conceptos Clave

manierismo, dinámico, penumbra, dramático

Rococó Neoclasicismo Romanticismo

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Introducción

Entre ambos movimientos donde uno, el renacimiento, representa el retorno al antropocentrismo, en el que ideas del humanismo y de la antigua Grecia y Roma hacen su reaparición, sin abandonar la religión personificándose a través de estilos de la antigua Grecia y Roma; seguidos por una búsqueda de la perfección en obras arquitectónicas desde la ́ ́perfección técnica ́ ́ es decir, desde la armonía y proporción a través de cálculos matemáticos y geometría. Y por otra parte el otro, el barroco, encarna ese contexto de decadencia vivido en la época, ese dramatismo donde el dolor, el temor, la muerte y la soledad, pero también sentimientos como el amor y la esperanza buscan ser transmitidos a través del arte en todas sus formas.

Entre ambos movimientos se sitúa el manierismo, un estilo que surgió finalizando el renacimiento. En obras desarrolladas en él se analizaran el desarrollo de dicho estilo manierista Se analizará la principalmente la obra de Andrea Palladio, en la villa barbaro y en la villa foscari; también se analizará la obra de Giulio Romano en el palacio de té y en menor medida se analizará la obra de Baldassare Peruzzi y Giuliano da Sangallo en la Villa farnesina. Esto a fin de corroborar la hipótesis mencionada Acerca de los arquitectos Andrea Palladio nació en Padua, Italia en 1508. Estuvo encargado de numerosos proyectos de palacios y villas señoriales suburbanas y edificios religiosos, llegó a ser nombrado arquitecto mayor de la República de Véneta.

Escribió los ́ ́ 4 libros de arquitectura´´ y es considerado una de las figuras de la arquitectura de la edad moderna. Sus principales obras fueron las villas palladianas, las cuales solían ser de descanso y/o de producción agrícola.

Por otro lado, está Giulio Romano de Roma Italia, 1499 quien fue decorador, arquitecto y pintor, ex aprendiz de Rafael, exiliado de Roma tanto por sus escandalosas pinturas pornográficas cuanto por poco constricción a la autoridad (1). Su obra maestra fue el palacio del té, la cual fue residencia de verano para los duques de Mantua. Romano pintó los frescos del palacio y también colaboró en la pintura del cielorraso de la villa farnesina, una de la obras que se alcanzará Baldasssare Peuzzi de Siena, Italia 1481, pintor y arquitecto; Trabajó con Rafael en la villa farnesina y en demás obras. Fue nombrado arquitecto del Vaticano y su obra maestra en el manierismo fue el Palazzo Massimo alle Colonne.

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Por último, acerca de Giuliano de Sangallo quien fue arquitecto, escultor e ingeniero militar, nacido en 1445, Italia. A una corta edad viajó a visitar las ruinas de la antigua Roma, para en 1480 volver a Venecia y participar en proyectos de villas y edificios religiosos.

Descripción de obras Entre las obras a analizar se encuentra la villa farnesina de Baldassare Peruzzi y Giuliano da Sangallo entre 1505 y 1511 en el barrio Trastevere cerca de Tíber en Italia. El edificio consta de un bloque central donde una logia recibe a sus invitados, del bloque salen dos alas laterales gemelas, la villa cuenta con dos plantas cada una de gran altura donde en los muros, frescos y el resto de la decoración son lo más deslumbrante del edificio, frescos hechos por importantes pintores contemporáneos como Rafael y el mismo Peruzzi, relatando en sus pinturas mitos de la antigua Grecia y uno que otro trampantojo. La villa guarda en sí una circulación altamente dinámica con ventanas que conectan de un extremo del bloque central con otro de una de las alas laterales, es decir, a través de un eje que conecta ventana, puerta, puerta, ventana el paisaje atraviesa en distintos ejes el bloque, dándole dinamismo y gran iluminación. Cabe aclarar que la villa pertenece al renacimiento, pero en ella el manierismo empieza a hacer sus apariciones.

Otra obra dentro del análisis es el palacio del té de Giulio Romano, construido entre 1524 y 1534 a las afueras de Mantua, Italia. Un bloque completamente cuadrado al que le continúa un jardín formal que complementa la casa, este se rodea de columnatas acompañadas de ventanas ciegas que terminan con una forma semicircular, una esedra. La cara que se ofrece franca a la mirada del recién llegado no está centralizada y, para colmo, a medida que se acerca, se hace presente, en forma sesgada, otra fachada equivalente (2) La fachada interior se reparte entre pilastra pareada, vano, pilastra pareada en todo el desarrollo, dichas pilastras, del orden dórico sostienen arcos de medio punto y las tres centrales sostienen a su vez un gran frontón triangular recto. En su interior una bóveda con gran ornamentación ortogonal es sostenida también por dichas columnas; de igual forma como en la villa farnesina, en el palacio del té, su interior se encuentra decorado con frescos y uno que otro trampantojo. El palacio no cuenta con dormitorios, pues fue pensado para celebraciones y banquetes y en la planta la fluidez en cuanto a su circulación es notoria, aunque en menor medida que en la villa farnesiana, un patio interior conecta las estancias centralmente, mientras que a su vez, a través de varios vanos, los habitáculos interiores se conectan;

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sin embargo, en el palacio son pocos los ejes los que permiten adentrar el paisaje, es decir, no se encuentra en gran medida la relación de ventana, puerta, ventana de un extremo a otro y las ventanas se encuentran en mayor medida en el exterior del palacio que en sus fachadas interiores Por parte de la obra de Andrea Palladio se encuentra la villa barbaro y la villa foscari. La primera, la villa barbaro, construida entre 1560 y 1570 se encuentra en Maser, Treviso en la región de Véneto, Italia. La propiedad consta de un bloque central del que se extienden dos alas laterales, las cuales a su vez se desarrollan también hacia la parte trasera rodeando un jardín que termina en una esedra. Al llegar lo primero en ser notado son las cuatro columnas gigantes de estilo jónico que sostienen un frontón con relieve de relevante simetría y hacia los laterales arcos de medio punto están presentes en la fachada; exteriormente la villa se acompaña también de frontones calados, que contienen es su interior un ojo de buey. Por otra parte, respecto a su planta, se observa una separación por bloques, quedando en relación el bloque central con su desarrollo trasero y por aparte los dos bloques laterales que se extienden de él. Cuenta con una segunda planta de la cual no mucha información se encuentra y un cuerpo de agua que complementa la esedra. En cuanto a su decoración, es altamente rica en trampantojos que, como los originales habitantes, custodian de la vivienda (3) Frescos de Paolo Veronese están presentes en toda la vivienda y trampantojos acompañan cada estancia y pasillos como personajes que le dan vida a la villa (4) La villa foscari o la malcontenta, construida entre 1550 y 1560 ubicada en Mira, cerca de Venecia, Italia. Se erige sobre un alto basamento debido a la humedad del lugar por su cercanía a un lago. La villa consta de un único bloque, del cual dos escaleras en L descienden en cada esquina de una de las fachadas y carece de una zona agrícola, en su interior una cruz central organiza el espacio, a su vez la planta es completamente simétrica por un solo eje.

Dispositivos La relación vano, puerta, vano, al igual que la relación entre vano, espacio, son los dispositivos a analizar a través de las plantas y cortes, a parir de búsqueda de ejes de circulación o las propias posibles circulaciones de cada villa o palacio y a partir de la comprensión del funcionamiento en cuanto a la iluminación natural de cada villa o palacio

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Análisis dinamismo/circulación La primera planta a analizar será la villa farnesina dada su importancia para el estilo aun perteneciendo al renacimiento.

Ejes que conectan ventanas, pasillos, vanos y puertas sin ningún obstáculo para quien transite, son trazados, al igual que un ciclo cerrado de circulación. Ellos muestran más allá de la circulación, la relación entre espacios y sus posibles usos. La planta muestra espacios poco privados, dada su rica circulación, donde los habitantes son libres de recorrer el espacio sin un camino predeterminado, además de ello está la relación que guarda en sí la villa del afuera con el adentro al conectar los ejes ventanas directamente con su contraria a la fachada y lo abierta que es la vivienda a través de los vanos al exterior.

La siguiente obra a analizar es el palacio del té, donde se observa una relación directa entre vanos más escasa, dada su poca relación con el exterior en algunas de sus fachadas exteriores, sin embargo, la relación plenamente interior de los vacíos es altamente rica y ordenada respecto ejes, la mayoría horizontales. Por otro lado, acerca de una circulación continua que pueda relacionar la mayoría de los espacios, la circulación del palacio del te demuestra no ser tan dinámica, pues no es posible ingresar a todos los espacios desde sus interiores, sin embargo, el patio central interior favorece en varios ámbitos la espacialidad del palacio, tanto en la ventilación y iluminacion, como en la circulación, siendo el punto y conector central de esta

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En el caso de la villa foscari se observa simetría respecto a un eje que conecta vanos con la parte central de la vivienda. Estos ejes conectan y atraviesan todos los espacios interiores de está, permitiendo relacionar desde cualquier punto con el exterior y que de igual forma el paisaje haga presencia en todos sus espacios. La planta permite una circulación continua que al igual que los ejes atraviesa todos los espacios interiores, limitando la privacidad pero dotando de dinamismo la vivienda

Por último, la villa barbaro presenta menor relación continua entre sus espacios y vanos, salvo la zona agrícola y la circulación que conecta con la esedra. Por otra parte, la circulación permite espacios más privados, dadas las condiciones de único acceso a la mayoría de los espacios, salvo de nuevo la parte agrícola.

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Análisis de iluminación En la villa farnesina se observa una iluminación que abarca con luz directa cada espacio de la vivienda, iluminando sin penumbras dadas las geometrías de los espacios y lo abiertas que son las fachadas al exterior

En el palacio del té, al no estar muy abiertas las fachadas a los exteriores, en algunos espacios, la luz directa no llega y es alterada por la existencia de columnas en las fachadas u otros dispositivos.La mayoría de los espacios que no están dotados de iluminación por parte de la iluminación proveniente de la fachada exterior, lo está por el patio central y viceversa, sin embargo algunos espacios la reciben por ambas partes. en algunas semicircunferencias en ciertos espacios se crean pequeños espacios de penumbra que le dan dramatismo al lugar.

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En el palacio del té, al no estar muy abiertas las fachadas a los exteriores, en algunos espacios, la luz directa no llega y es alterada por la existencia de columnas en las fachadas u otros dispositivos.La mayoría de los espacios que no están dotados de iluminación por parte de la iluminación proveniente de la fachada exterior, lo está por el patio central y viceversa, sin embargo algunos espacios la reciben por ambas partes. en algunas semicircunferencias en ciertos espacios se crean pequeños espacios de penumbra que le dan dramatismo al lugar.

Por último en la villa barbaro, la zona agrícola presenta una menor iluminación respecto al resto de espacios, donde la iluminación tiene mayores entradas. una penumbra en poca medida se crea en las entradas dada sus geometrías curvas que serán más recurrentes en el barroco

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Resultados Respecto a las obras analizadas, se observa como la circulación que venía del renacimiento va transformándose en el manierismo en una más estática, sin embargo está aún guarda en sí cierta dinámica en espacios de menor tinte privado, como lo fueron las zonas agrícolas de las villas y en algunas zonas sociales. Esto es observado en la obra analizada de paladio, donde en la villa foscari la circulación permanece continua, sin obstáculos que obligan al visitante a regresar al eje o centro de ramificación de la circulación para continuar su recorrido; a diferencia de la villa bárbaro, donde por el contrario la circulación se empieza ´f́ragmentar´´ permitiendo espacios más privados, pero perdiendo la relación directa en cuanto a la circulación entre zonas comunes o menos privadas.

En cuanto a la iluminación y el dramatismo de los espacios que se observa en el barroco, se encuentra que, aunque las fachadas van perdiendo vanos por vanos ciegos, la iluminación continua siendo homogénea dadas las geometrías de los espacios, salvo en algunos donde se empieza a presenciar la búsqueda de nuevas geometrías más curvas; es allí donde la penumbra hace su aparición, donde la luz no alcanza a bañar la totalidad de las paredes y empieza difuminarse hasta hasta cubrir el espacio, formándose sombras y diferentes tonalidades a su paso.

Conclusiones Dado el análisis de la diferentes obras, finalmente se podría hilar del resultado que la circulación no sufrió en el manierismo una transición hacia perder totalmente su dinamismo; perdió parte de él, pero en las obras más cercanas a la culminación del estilo aun se ven rastros evidentes de esa circulación dinámica.

Por otro lado, respecto a la iluminación, se observa que las viviendas fueron perdiendo vanos pero la iluminación en su mayoría continuaba siendo homogénea, sin penumbras. sin embargo, en obras posteriores de Andrea Palladio se observaron geometrías menos reticuladas en pequeños espacios, en la que la penumbra empieza a parecer.

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PALMANOVA, EL PRODUCTO DE UNA IDEALIZACIÓN CONDENADA Artículo por Juan Diego Mercado Vergara Origen de Palmanova, contraste con los planteamientos predecesores y su evolución.

Resumen

A través de la historia fueron varios los proyectos de ciudad ideal propuestos, pero que al ubicarnos en la época renacentista hay uno de ellos que destaca y a su vez fue llevado a cabo: Palmanova, la famosa ciudad amurallada ubicada al norte de Italia que surge como respuesta y a su vez como producto de las ideas propuestas con anterioridad por Vitruvio, Filarete, Cataneo, Lorini y Alberti. Se compararán de este modo las propuestas predecesoras con el producto realizado, si en realidad fue una combinación o una respuesta al problema de cada una. Además, se analizará la evolución de la ciudad y cómo a pesar de ser predecible una no tan buena habitabilidad y límites en su expansión sugirió una evolución, finalizando con la propuesta a su vez de un modelo ficticio acerca de una posible estrategia de expansión tomada de la modernidad en la que respectivamente se mencionarán los puntos positivos y negativos.

Conceptos Clave

Palmanova, Renacimiento, Evolución.

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Introducción

En la historia del urbanismo se encuentra una construcción de ideas generadas en base a contrastes, desacuerdos o acuerdos que llevaron a este tener las características que se conocen actualmente, uno de los periodos importantes y que funcionará como base para los siguientes siglos es el renacimiento. Donde la proyección de las nuevas ciudades ideales mantendría características en común, pero que a pesar de los varios planteamientos solo pocas fueron llevadas a cabo, entre ellas Palmanova, el enfoque de la investigación. Para el momento de su surgimiento, proyección y construcción más que funcionar como una idea original, tendrá un desarrollo en base a planteamientos anteriores como los de Vitruvio, Filarete, Cataneo y Lorini, a cerca de una ciudad ideal amurallada y principios como los propuestos por Alberti.

La idea de una comparación ya se ha tratado antes en la literatura, habla acerca del modelamiento de la ciudad ideal renacentista a través de la historia, por lo que a pesar de que se hable de ello en la investigación, funcionará más como un método de contextualización. Luego de la contextualización, se inicia un proceso de análisis hacia la ciudad enfocada en la investigación, se compararán los planos propuestos antes de la construcción y el resultado, se analizarán los problemas urbanos, su funcionalidad y su proyección a futuro que, aunque fuese prevista y existieran planes de crecimiento urbano no fueron llevados a cabo. Además, de un análisis hacia la ciudad amurallada vista en el manga (historieta japonesa) de Shingeki no Kyojin (SNK), regida bajo los conceptos de anillos fortificados, mencionando las ventajas, desventajas y un futuro hipotéticamente proyectado en donde luego del análisis se plantee la hipótesis que lleva consigo una última comparación entre Palmanova y la ciudad amurallada presentada en SNK. El propósito es presentar un posible crecimiento que pudo haber sido llevado a cabo por la ciudad de Palmanova tomando las bases de una ciudad anillada fortificada presentada en el libro “Historia de la forma urbana desde sus orígenes hasta la revolución industrial” por A. E. J Morris y las ideas de una ciudad amurallada presentada en una historia de ciencia ficción.

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Contextualización

El renacimiento le brinda al hombre una visión de orden, se hace visible la idea de un cosmos ordenado y consideraba a la arquitectura como una ciencia matemática cuyo objetivo era hacer visible el orden cósmico, lo que brinda entonces una percepción de disposición geométrica. Para su época, esta idea impulsada de cosmos centralizado con la tierra como centro influyó entonces en las proyecciones urbanas que buscarían un espacio empírico homogéneo que daría paso al término de ciudad ideal que plantearía distintos campos en los cuáles se desarrollaría; sistemas de fortificación, generación de nuevos espacios públicos junto a calles conexas a ella, restructuración de ciudades preexistentes con nuevas redes de calles principales, anexión de barrios nuevos con fines residenciales y un número ilimitado de nuevos trazados de ciudad. Para esta investigación se usarán dos fuertes referentes, iniciando por el libro “Historia de la forma urbana desde sus orígenes hasta la revolución industrial” por A. E. J Morris y la serie de animación y cómics “Shingeki no Kyojin” creada por Hajime Isayama.

El pensamiento que brindó el periodo en los urbanistas se basó entonces en tres aspectos o elementos fundamentales; la calle principal rectilínea, los barrios organizados por un trazado reticular y el uso de plazas o recintos espaciales, la interpretación de esto a pesar de ser subjetivo siempre coincidía por medio de características similares (Ver figura 1). De modo que a través del tiempo se fueron encontrando las figuras de Vitruvio, Alberti, Filarete, Cataneo y Lorini.

Figura 1. Comparativa entre Göteborg y Naarden, donde se evidencia que la principal característica compartida es su sistema de fortificación y sistema reticular.

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Vitruvio

Marcus Vitruvius Pollio (1404-1472), mejor conocido como Vitruvio expone una serie de consideraciones fundamentales que deben ser tenidas en cuenta para el planteamiento de poblaciones y rasgos distintivos de ciudades creadas a partir de planos circulares. Tales consideraciones serían interpretadas y aplicadas en su proyecto teórico de ciudad ideal (Ver figura 2), que buscaba una forma radio concéntrica con una zona de aforo principal central y encerrada por una muralla defensiva octogonal que contendría una división de 8 calles principales que parten del centro de la ciudad hacia las torres encontradas en los vértices del octágono para evitar el acceso directo al centro de la ciudad y además, propone una idea de manzanas que contendrían a su vez espacios secundarios abiertos. Como se verá habitualmente, en términos de funcionalidad la ciudad proyectada no destacaba demasiado, más en términos defensivos sí que lo hacía debido a su distribución y elementos.

Figura 2. Plano de ciudad ideal descrito por Vitruvio.

Filarete

Antonio Averlino (1404-1472), conocido también como Antonio Filarete y por ser el primero en presentar una ciudad ideal globalmente planificada (Ver figura 3). Plantea dos planos superpuestos que generan un octágono inscrito en un círculo, que contendría una estrella de 8 puntas y 16 vértices los cuales les darán el sentido a las calles que partirán desde el centro de la ciudad.

Plantea, además, que una de estas 16 calles sea usada como acueducto y se genere una vía radial a partir del centro que crea plazas en los cruces de estas 16 calles.

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El centro está definido por tres plazas; 1 principal donde se encuentran la catedral y el palacio del gobernante y 2 secundarias que van más dedicadas a propuestas mercantiles.

Figura 3. Sforzinda, ciudad ideal proyectada por Filarete.

Cataneo

Pietro Cataneo (1510-1569), también conocido como Cataneo plantea distintos planos de ciudades ideales basadas en polígonos regulares, pero donde generaba intriga su interpretación por sus propuestas simétricas que contienen elementos asimétricos como en uno de sus planos de ciudad ideal (Ver figura 4) donde se observa una fortificación simétrica y un sistema reticular donde en este último se provoca el interés por la ubicación asimétrica de las plazas.

Figura 4. Plano de ciudad propuesto por Cataneo, sistema reticular con una curiosa asimetría en la ubicación de las plazas.

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Lorini

Buonaiuto Lorini (Inicios del siglo XVI-1611), conocido como Lorini plantea lo que es una “evolución” del sistema fortificado (Ver figura 5) aumentando su profundidad y reduciendo el número y la escala de las entradas, más internamente mantiene la idea de centralizar la iglesia y que todas las calles principales den a esta. Nuevamente se observa esta estimulación mencionada inicialmente en el ámbito defensivo.

Figura 5. Plano de ciudad ideal planteado por Lorini.

¿Y Alberti?

León Battista Alberti (1404-1472) produce una serie de 12 libros relacionados a la arquitectura y las materias afines, con el propósito de responder a lo planteado inicialmente por Vitruvio debido a las deficiencias observadas.

Tales 12 libros serían meramente teóricos, debido a que estos mismos no presentan el uso de planos o gráficos, pero sí demasiado contenido rico en ámbitos en relación al planteamiento de la ciudad.

Scamozzi y ¿La primera Palmanova?

Vicenzo Scamozzi (1552-1616) a diferencia de los teóricos urbanos Scamozzi llevó sus ideas a la práctica, entre sus propuestas se encuentra el plano de una ciudad fortificada detallada (Ver figura 6) destacada por el uso de retícula en su interior, la jerarquía establecida entre plazas y una introducción al sistema de canales navegables.

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Lo interesante, son las características que esta ciudad comparte con la actual Palmanova, quitando la diferencia notable del sistema vial hace que se le atribuya a este la construcción de la ciudad de la ciudad fortificada.

Figura 6. Plano de la ciudad ideal hecho por Scamozzi que funcionaría de base para Palmanova.

Palmanova: La ciudad ideal renacentista

Construida en 1593 y producto de los planteamientos propuestos por Scamozzi, se crea la ciudad ideal renacentista ubicada en el norte de Italia, en la región de Venecia, casi en la frontera con Eslovenia y Austria. Una ciudad que tenía fines plenamente militares ya que esta funcionaria como centro o puesto de guarnición avanzado del cinturón defensivo de Venecia (Ver figura 7). La ciudad es trazada como un polígono de 9 lados con 9 puntas en los vértices y una plaza central hexagonal a la cual conectan 6 calles radiales principales, donde 3 de ellas conducen a vértices de la muralla y los 3 restantes a los accesos de la ciudad. Además, cuentan con 3 anillos de calles concéntricas y que a partir del anillo más pequeño se extenderían 12 calles radiales secundarias. En el centro Hexagonal se encontrará la plaza principal que contendría a los principales edificios públicos y 6 plazas secundarias también son planeadas para abrirse entre las manzanas de casas.

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Figura 7. Planimetría propuesta inicialmente de la ciudad de Palmanova.

Hablando inicialmente de los diferentes ámbitos donde la ciudad tuvo impacto se tiene que; en el ámbito social y cultural remarca uno de los puntos iniciales para las posteriores planeaciones urbanas y para el Renacimiento en sí, debido a que fue una de las pocas ciudades ideales construidas, marcando el punto de partida para el cambio social. Ya se hablará de forma crítica de este tema más adelante. En el ámbito ambiental y paisajístico genera una integridad entre ciudad y paisaje, debido a que planteó construcciones de no mucha altura y se encuentra rodeada por mucha vegetación, en relación a su geometría la única forma de apreciarla es desde el aire donde también se puede evidenciar la integridad dicha anteriormente, pero que a escala humana pasa inadvertida.

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Por último, en el ámbito constructivo, la ciudad marca el inicio del planeamiento urbano y la reordenación urbana, trabajando inicialmente con polígonos radio céntricos (Como sus predecesoras), para evolucionar a los polígonos regulares complementarios y terminar el sistema de cuadrícula. ¿La ciudad plantea una respuesta a los problemas de las teorías predecesoras o simplemente es tomada como una combinación entre todas con los mismos problemas? Palmanova al ser llevada a la realidad funcionará como una combinación de ideas teóricas anteriores pero que a su vez propone resaltar los mejores aspectos, para ser explícitos, la mayor parte de ciudades fortificadas presentan un problema en cuestiones de crecimiento y sociedad pero para la época donde los saqueos a ciudades y tomos forzados de esta eran tan comunes era inevitable idealizada de un modo defensivo pasando a ser un problema a futuro pero una solución para el momento, pero ya hablando de aspectos respectivos, cada plano de ciudad propuesto anterior a Palmanova ya presentaba falencias, en el caso de Vitruvio habló de una forma interesante de los vientos adversos en la teoría pero que al imaginar su práctica no se desempeñaba demasiado bien, por eso mismo Alberti planteó un tipo de censura hacia sus teorías pero que solo se quedaron en escritos ya que a pesar de ser exhaustivos no fueron siquiera graficados. La ciudad de Filarete no planteaba sistemas de acceso por tanto no se puede llegar a saber de qué forma hubiera afectado al desempeño de la ciudad o si hubiese debilitado las defensas, añadiendo a eso que dependiendo la escala imaginada el sistema de calles podría ser excesivo y afectar el habitar dentro de la manzana. Cataneo plantea un sistema que repite la duda acerca de cómo pueden afectar los accesos al funcionamiento (Debido a que tampoco plantea dónde pueden estar los accesos) y a pesar de seguir un sistema de retícula la asimetría propuesta en las plazas a pesar de rechazar las bases de la planeación regular plantea intriga. Posiblemente el plano propuesto por Lorini fue también de los más acercados a la realidad, mencionando que su diferencia notable y su posible problemática es la pequeña escala de los accesos. Palmanova entonces a pesar de presentar la limitante fortificación surgió para resolver la mayor cantidad de problemas que los otros proyectos no llegaron a solucionar, debido a su notable y buen sistema defensivo, se permite generar entradas con una escala decente para todo tipo de situación, las calles se gradúan y se ubican de modo de no afectar el habitar dentro de las manzanas, mantendría una simetría y seguiría las bases de ciudad ideal.

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¿Cambió Palmanova al transcurso de los siglos? Comparando lo que es la propuesta inicialmente llevada a cabo, con la actual Palmanova se le ven ligeras diferencias (Ver figura 8) pero en donde se mantiene la esencia.

Figura 8. Comparación de planos iniciales de Palmanova con la ciudad actual.

Los principales cambios están en el cambio de una torre central por una plaza simbolizando la sociedad y su relación, así como el ayuntamiento, sede del poder civil, además de que las murallas ya no eran tan expuestas debido a que fueron rodeadas por vegetación. Con respecto a su crecimiento no se evidencio ningún cambio lo que lleva al siguiente punto. ¿Qué clase de problemas demostró? La ciudad a pesar de ser un éxito en el ámbito defensivo mostró que socialmente tenía un funcionamiento limitado, iniciando por el número de habitantes desde que existió no ha superado los 7000 esto debido a que la ciudad no cuenta con el espacio para contener a más personas, lo que lleva al siguiente punto; la única forma de incluir nuevo equipamiento urbano tendría que hacerse reconstruyendo el antiguo, se destruye lo pre existente para construir sobre este, razón por la cual la ciudad no tiende a un cambio constante sino periódico y puntual, aun teniendo distintos casos de crecimiento de una ciudad amurallada como Milán o una colonia Romana (Ver Figura 9) planteando el uso de anillos que fueran rodeando cada vez más a la ciudad, no fueron llevados a cabo por lo que generó la consecuencia de una población constante y limitada y no poder construir sin destruir o reemplazar algo ya existente. ¿Cómo hubiera sido un posible crecimiento de esta ciudad y qué problemas traería o no el hacerla crecer?

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Figura 9. Milán y sus anillos fortificados concéntricos entorno al núcleo y a su derecha una colonia romana que muestra su crecimiento a través del tiempo que fue determinado por los sucesivos sistemas de defensa.

Contextualización: Shingeki no Kyojin

Shingeki no Kyojin (SNK) inicia como una serie de mangas japoneses escritos e ilustrados por Hajime Isayama (Mangaka japonés conocido mayormente por esta obra) en 2006 siendo su piloto y en 2009 ya de forma seria trabajando para la revista “Bessatsu Shōnen Magazine” de la editorial Kōdansha y que años después en 2013 sería animada por los estudios “Wit Studio” y “MAPPA”. La trama de la serie no es el enfoque de la investigación, sino más el escenario, para ello solo se debe saber que la serie tiene por escenario a la Isla de Paradis, Isla en la cual se encuentra la ciudad fortificada que será punto de análisis y comparación en la investigación.

La ciudad amurallada de la Isla de Paradis

Para comprender la ciudad amurallada se debe hablar de su distribución y otros datos que ayuden a comprenderla. Iniciando por la distribución, se tiene que la ciudad se divide en tres sectores que son definidos mediante el uso de murallas y un sistema anillado (Ver Figura 10). El primer sector (El que se encuentra en el centro de todo) se caracteriza por ser el sector urbano e industrial, se encuentra el palacio del rey de la nación y por tener menos número de gente que en los demás sectores debido a que se habitúa que la gente dentro de este sector sea de clase alta.

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El segundo sector el cuál se encuentra por fuera del primero comparte características con el siguiente sector, que es el tercero y el más alejado del centro, ambos sectores se caracterizan por mantener una actividad más rural, donde actividades como la minería, ganadería, agricultura entre otras son las que mantienen la economía.

Figura 10. Ciudad amurallada de la Isla de Paradis. Tomado de: https://pm1.narvii.com/6859/cde675b307b7c8c355c488d1dc8ce31cf29360f7v2_hq.jpg

Añadiendo a eso, la ciudad cuenta con distritos que rodean a las murallas en los puntos cardinales y es donde se congrega el mayor número de habitantes, siendo un total de 13 distritos contando el distrito interior (Ver Figura 11), además, entre las murallas se encuentran diferentes aldeas con ubicaciones no tan exactas que también viven mediante a las actividades rurales, pero estas habitúan a trabajar y consumir para ellos, no es común que tengan propósitos de incluirse o relacionarse con la economía externa a la aldea.

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Figura 11. Distribución de los distritos en la ciudad. Tomado de: https://cdn.statically.io/img/kiotokio.com/f=auto/wpcontent/uploads/2021/03/attackontitan_mapamuros.jpg

¿Cuáles son los puntos negativos y positivos de esta distribución? Debido a que se está tratando una serie ficticia y donde se afronta una situación muy alejada del contexto, se realzarán los puntos que pueden ser aplicados en la realidad; iniciando por el lado positivo, debido a las grandes cantidades de terreno que hay entre muralla y muralla (Mínimo de 100 km) las posibilidades de hacer más grande la ciudad en su interior son prácticamente ilimitadas tomando en cuenta la población que esta tiene, además de que se puede expandir hasta cierto punto el cuál sigue siendo considerablemente grande. En sistemas defensivos la ciudad cuenta con artillería en las murallas añadiendo a eso el número de murallas con el que cuenta todo distrito tiene su sistema de defensa, lo que termina siendo una excelencia en términos defensivos. Los amplios terrenos no ocupados además garantizan un buen espacio para las actividades relacionadas al campo. Los puntos negativos terminan relacionándose de una forma estrecha con los puntos positivos, iniciando por la distribución en las murallas que genera demasiada desigualdad, generando una situación donde los que estén entre más murallas (Distrito Interior) estén más protegidos que los que estén en los distritos exteriores o aldeas entre murallas y por consiguiente sean de mayor clase económica.

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El siguiente punto está relacionado en secuencia con el anterior, los distritos entre más cercanos estén al centro podrían clasificarse para una mayor clase o estrato económico lo que estimula plenamente los casos de desigualdad. Relacionado al punto de las distancias entre muros garantiza lo que es una buena habitabilidad a futuro, pero plenamente el transporte de distrito a distrito es extremadamente extenso, por lo que en situaciones de emergencia en el que se tenga que evacuar un distrito podría resultar contraproducente. ¿Cómo hubiera sido si trasladáramos este modelo a la realidad reflejándose en Palmanova?

Palmanova como una ciudad de anillos fortificados

Evaluando cada punto tanto negativo como positivo, se plantea resolver las problemáticas de Palmanova contextualizándose en su época de modo que presente las mínimas aplicando un modelo tipo SNK, iniciando por su problema social, donde sus habitantes no superan los 7000 debido a la falta de espacio, el generar un anillo exterior al ya conocido aumentaría el ámbito defensivo y además nuevo terreno de construcción, en SNK los muros medían más de 50 m y junto a ello estaban los distritos en los puntos cardinales; el primer aspecto no se podría aplicar debido a la cantidad de material desperdiciado en exceso y que puede volver innecesaria tanta altura, además, la muralla de Palmanova por la naturaleza pasaba desapercibida y no presentaba una altura tan grande lo que generaba su integración con el paisaje, por lo que se podría generar un anillo con una altura similar a las murallas que rodean la ciudad ideal. Relacionado al punto de los distritos en los puntos cardinales puede que no presenten problema solo si la distancia para pasar a la siguiente muralla no es inmensamente grande (Con el propósito de que en las invasiones puedan evacuar de forma rápida). El siguiente punto se conecta con el anterior, al añadir más terreno representaría un mayor espacio que puede ser construido, el protagonismo de actividades rurales se disminuiría en base al terreno construido, pero pasaría a industrializarse.

La ciudad de SNK, presenta tres anillos fortificados por lo que siguiendo las recomendaciones anteriores pueden ser funcionales y acordes a lo buscado para la época, ahora bien, revaluando los problemas de la ciudad ficticia ¿Cómo se evitarían en esta nueva Palmanova? La situación relacionada al que esté más dentro es más resguardado no tendría una solución exacta, más un par de posibilidades.

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Siendo la primera el derrumbe de muros interiores para quedarse solo con un anillo exterior lo que generaría igualdad en la población (Y que dependiendo a su economía exista la posibilidad o no de que existan barrios en desigualdad) y otra posible solución a medias sería el que aunque los del centro estén más resguardados exista el espacio suficiente para que en casos de invasión todos los habitantes de fuera del centro puedan evacuar hacia este.

Luego de abordar la contextualización y el análisis expuesto hacia las ciudades predecesoras a Palmanova se confirma la primera hipótesis que abarca un segundo punto de la investigación, acerca de que esta surge como una síntesis de los planteamientos anteriormente expuestos, planteamientos a los cuales la ciudad pretendía representar sus virtudes y evitar sus errores y más importante aún, proyectarse y hacerse una realidad.

Es una realidad que la ciudad presentó puntos negativos, por eso mismo se evaluó la posibilidad de un entorno diferente generando la comparación y proyección ideal anteriormente expuesta. Entonces en un entorno ficticio, en el cual se hubieran seguido estas recomendaciones Palmanova hubiera crecido demasiado más, solucionando los problemas principales que esta presentaba y hubiera avanzado en distintos aspectos como lo constructivo o lo tecnológico.

Pero retomando, la realidad demuestra que Palmanova pudo tener un futuro que trascendía limitantes que esta misma implantó, más que no fueron llevados a cabo, entonces hacer investigaciones de su posible crecimiento solo quedan como planteamientos de nuevas ciudades ideales donde Palmanova es el núcleo o base, pero que en definitiva la deja a ésta como una ciudad ideal estancada, una idealización condenada.

Aún así, la investigación generada habló de una solución ideal a su época en base a un modelo ficticio actual que representaba un modelo de defensa, de modo de que no existiera o no se viera una diferencia por temas de cronología, por lo que surge la duda acerca de por qué no se planteó un crecimiento que fuese llevado a cabo al menos para extender la ciudad en su momento o a través del tiempo para no generar ese estancamiento. Por otra parte, también existe la duda de cómo se solucionarían sus problemas en el contexto actual, pero tal duda llevaría una investigación más extensa y profunda debido a que se debe hacer un análisis de las problemáticas que presentan las ciudades actuales y cómo se podrían evitar al plasmarlos en esta ciudad ideal.

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AMARILLO AMARILLO AMARILLO AMARILLO AMARILLO AMARILLO 31

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O O

MILÍMETRO DORADO Infografía por Mateo Rúa Bedoya ¿Cómo las influencias y orígenes del rococó se ven reflejados en sus acabados, tanto en sus estilos, materiales y colores, para así el reflejo de los orígenes es sus manifestaciones?

Resumen

En la infografía se toca el movimiento artístico europeo, nacido en Francia y que se desarrolló durante el siglo XVIII (aproximadamente entre 1730 a 1770), este es el Rococó; el cual se caracterizó por ser la representación de la aristocracia de la época, por consiguiente, sinónimo y representación de la elegancia y la exuberancia de la misma; esta elegancia y exuberancia se reflejan en los ornamentos arquitectónicos del estilo. Los detalles eran diseñados al milímetro, cada elemento, cada patrón era planeada, por eso vemos en sus ornamentos un alto grado de detalle, siendo un símbolo representativo del movimiento como tal. Estos ornamentos cuentan con colores y materiales (valiosos incluso) representativos del movimiento (los cuales se verán en la infografía), además cuentan con una variedad de elementos, teniendo desde elementos influenciados por rocas (el Rocaille, del cual, junto a Barroco, son las palabras “madres” del nombre del movimiento) y hasta otros influenciados por conchas (el Collique).

Conceptos Clave

Rococó, colores, ornamentos, elementos.

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MILÍMETRO DORADO

Colores Tienen a usarse los colores claros (blanco, colores pastel, etc.) y

colores de los materiales que lo conforman o cubren (dorado, gris, bronce, etc.).

Materiales Se usaron desde maderas (principalmente en muebles), metales (sobre todo hierro, bronce e incluso oro) y materiales pétreos.

Curvas Posiblemente derivadas del Collique, floral e incluso del Rocaille Palacio de Catalina, Rusia

Copias

Se añaden elementos imitando otros objetos, para ambientar según los espacios Palacio de Marqués de Dos Aguas, España

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Comúnmente tienen un eje no de simetría, ya que el ro asimetría

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Collique Imitan las curvas y formas de las conchas.

Humanoides Vemos desde

ángeles, bustos e incluso otras deidades.

Palacio de Marqués de Dos Aguas, España

Hotel de Soubise, Francia

Vegetales Imitan las plantas, flores y frutos.

Palacio de Marqués de Dos Aguas, España

Rectas Usualmente enmarcar

se

usan

para

Palacio de Ludwigsburg, Alemania

Rocaille Imitan los contornos y formas irregulares de las rocas.

e vertical de equilibrio, más ococó se caracteriza por su Elementos

Materiales

Colores

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Eje

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VERDE VERDE VERDE VERDE

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JARDINES, MÁS QUE UNA COMPOSICIÓN GEOMÉTRICA DEL BARROCO Artículo por Gabriel J. Isaza ¿Cómo la forma del agua ligada a la arquitectura cambio con el tiempo y la llegada de nuevos estilos?

Resumen

En el artículo principalmente se van a exponer las situaciones de la época que llevaron a tener un interés particular por el diseño de los jardines, pero sobre todo el hecho de querer “imponer un orden a la naturaleza”, que relacionado al texto de Paul Frankl en la sección de fase evolutiva de la forma visible; en este momento en particular de la historia los temas de geometría, composición, contraste, teatralidad, ilusión, juego de colores y formas toman una relevancia no solo en la arquitectura, sino también en obras artísticas y en el tema a tratar que son los jardines Franceses. Se proponen cuadros comparativos entre las distintas formas, procesos y resultados de diseño en jardines de un mismo autor, uno de los exponentes más importantes de este movimiento en el campo del paisajismo como lo es el Francés André Le Nôtre.

Conceptos Clave

Historia, agua, fuentes, épocas

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Introducción Si bien los jardines del Barroco francés derivan de los jardines del renacimiento italiano, estos toman un nuevo rumbo con un sentido de transformación ligado a la derivación y exaltación de las formas que se venían construyendo; para lo cual el francés André Le Nôtre se convierte en el diseñador de jardines más relevante de la época creando obras fundamentales en la práctica del diseño, como lo son: Vaux-le-Vicomte y el palacio de Versalles, obras de las que no podemos prescindir para comprender el desarrollo e importancia de los jardines del Barroco francés donde el fundamento más importante para Le Nôtre como lo menciona Derek Clifford en su libro History of Garden Desing, es poder crear unos

paisajes que se puedan dimensionar desde las terrazas de los palacios con tan solo una mirada longitudinal hacia lo profundo del jardín, sin tener que ver hacia los lados para evitar perder de vista algún detalle.

Es importante conocer la evolución de los jardines dentro de uno de los estilos más mencionados, analizados e incluso criticados tanto en la historia de la arquitectura como en la historia misma de la humanidad. Para poder llevar a cabo un buen análisis de la importancia y aplicación de los jardines en el barroco es necesario crear un análisis comparativo entre las dos obras ya mencionadas, donde se expongan al límite temas como la geometría,

composición y formas recurrentes para generar un interés arquitectónico; todos estos puntos a debatir derivan de la intrínseca necesidad de la época por “imponer un orden sobre la naturaleza salvaje”, en este momento del artículo se vuelve imprescindible mencionar los aportes de Paul Frankl en su libro Principios fundamentales de la historia de la Arquitectura.

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Antes de comenzar el análisis de las obras mencionadas en la Introducción, es importante ponernos en contexto tanto con el autor como con la situación histórica. El jardinero francés André Le Nôtre (1613-1700) nació en una familia de arquitectos y diseñadores de jardines, tanto su abuelo como

su padre ejercieron esta profesión, según Morris (1979) su padre realizó labores paisajísticas en las Tullerías y trazados del parque en el château del cardenal Richeliu, en aquel entonces, el joven André tuvo probablemente sus primeros encuentros con el tema de la elaboración de jardines y parques a gran escala, puesto que desde que cumplió los 24 años de edad su padre ya le había prometido la sucesión de su cargo.

En cuanto a las obras que se van a exponer, ambas se encuentran en Francia, el Palacio de Vaux le Vicomte está ubicado en la ciudad de Maincy a unos 43 kilómetros al Sureste de París y cuenta con unas 500 hectáreas de extensión; el Palacio de Versalles como su nombre lo indica, está localizado en la ciudad de Versalles a unos 25 kilómetros al Suroeste de París, contando con unas 800 hectáreas de extensión.

El Palacio de Vaux le Vicomte fue mandado a construir en 1656 por Nicolas

Fouquet, un relator del Estado Francés, y para dicha obra contrato a los mejores artistas del momento, entre ellos están el arquitecto Luis Le Vau, el pintor Charles Le Brun y el ya mencionado paisajista André Le Notre; el éxito que comenzó a tener la construcción del palacio llevó a que Luis XIV sintiera envidia, por lo cual provocó la caída de Nicolas Fouquet y contrató a todo su equipo de diseñadores y planificadores del château para terminar la construcción del Palacio de Versalles a partir del año 1661.

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Es importante entender que los jardines del Barroco Frances hacían pie a principios como la simetría, la perspectiva, la idea de conjunto y el uso del agua; a los cuales ambos ejemplares responden acertadamente y a su manera, pero resulta interesante detallar como entre ambas obras se conserva, modifica y/o mejora el concepto de los mismos principios. En un primer lugar está Vaux le Vicomte siendo como lo menciona A.E.J Morris en Historia de la forma urbana “... la primera ocasión que se le presentó a Le Nôtre de crear un parque fue gracias a Fouquet con su malogrado château Vaux-le-Vicomte… donde desarrolló sus métodos de jardinería” (pg. 237238) este proyecto lo abarcó entre 1656 – 1661; por otro lado estaría el Palacio de Versalles siendo una de sus más reconocidas e importantes intervenciones paisajísticas abordada entre 1661- 1687. Y es que, aunque las obras estén una seguida de la otra, en el intermedio de sus desarrollos tuvo cabida para intervenir en otros jardines menos relevantes dentro de su historia como los de Greenwich para Carlos II de Inglaterra, lugar en el que pudo tener un progreso en los ámbitos del diseño antes de su llegada a Versalles.

El análisis se llevará a cabo por medio de planimetrías en planta que muestran en conjunto los jardines y el palacio, por motivos de una mejor comprensión estas se ubicaron hacia la misma dirección conservando el palacio siempre hacia el costado izquierdo y los jardines hacia el costado derecho.

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Planta del Palacio Vaux Le Vicomte con sus jardines

Planta del Palacio de Versalles con sus jardines

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Ejes de Composición

En ambos casos de estudio se aprecia la relevancia en el eje longitudinal que además de ser el eje de simetría sería el de mayor importancia, los ejes transversales y longitudinales de menos relevancia componen la estructura de los jardines más cercanos al área del palacio que por lo regular tienden a ser de formas que varían entre lo reticular y rectangular; otro elemento común es el eje ordenador creado por la intervención de los canales que se adentran en las zonas que delimitan entre los jardines y los densos bosques que los enmarcan u otras zonas con otro tipo de jardines más extensos, aquí

es cuando se empieza a denotar la diferencia entre ambas obras ya que Versalles (fig. 1.2) al contar con una extensión mucho más grande tiene incorporados dos canales que se cruzan formando un tipo de cruz romana y están ubicados a unos 3/4 hacia el límite del área total, en cuanto a Vaux le Vicomte (fig. 1.1) solo cuenta con un canal de agua que llega de forma transversal topándose casi con el límite del área intervenida.

Otro factor de diferencia que se hace notar es la implementación de los ejes radiales, mientras que en Vaux se ve un uso muy tímido y reservado de estos, en Versalles denota una desenvoltura que deriva en nuevas formas de articular el espacio.

Palacio Eje de Simetría Longitudinal Ejes Transversales y Longitudinales con menor importancia Figura 1.1 Planta de Vaux Le Vicomte con Ejes

Eje en base al Canal de Agua Ejes Radiales

Figura 1.2 Planta de Versalles con Ejes

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Formas Geométricas Las figuras que componen todo el espacio en los dos casos de estudio serían las mismas pero con múltiples variaciones y orden tanto espacial como de importancia, un ejemplo claro es el concepto del cuadrado, ya que

mientras que en Vaux le Vicomte (fig. 2.1) recurre más a las formas rectangulares y alargadas, en Versalles (fig. 2.2) se conserva más el cuadrado en su forma natural; en ambos casos los círculos representan una especie de “hitos” demarcados por el agua, ya sea en estanques o formas recurrentes dentro de los canales, en un orden de izquierda a derecha se va

incrementando el tamaño de dichos círculos marcando la diferencia entre los jardines y el agua. El uso más desmedido de los ejes radiales en Versalles a comparación de Vaux hace que se generen mayores formas triangulares que provocan un mayor interés al diversificar aún más los espacios, estas formas de triángulos rectángulos e isósceles van muy de la mano con las circunferencias que dan origen a los cuerpos de agua (fig.

2.2) y ayudan también a tener una transición más amena entre los jardines diseñados cuidadosamente y los bosques frondosos de los alrededores.

Palacio Triángulos Cuadrados y Rectángulos Circulos Figura 2.1 Planta de Vaux Le Vicomte con formas Geométricas

Figura 2.2 Planta de Versalles con formas Geométricas

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Conos de Visibilidad Aunque en ambos ejemplares se tenga en cuenta el aspecto fundamental de “conservar el infinito” este tiene un leve cambio que marca la diferencia entre uno y otro, nuevamente las masas de agua juegan un papel importante siendo los hitos de la distribución de los conos de visibilidad, en cada caso se cuenta con tres puntos clave a partir de los cuales se despliegan los conos en un ángulo aproximado a los 60°; pero es en esta categoría donde se logra captar la mayor diferencia, en Vaux (fig. 3.1) no tenía un desarrollo tan bien logrado con respecto a la idea de preservar el infinito ya que al trabajar con un ángulo de visibilidad que si bien ronda por los 60° está un poco más abierto, lo cual impide un buen direccionamiento de la vista longitudinalmente e incita a llevar la mirada hacia los alrededores, puede influir también la cuestión de trabajar en un espacio “pequeño”.

En Versalles (fig. 3.2) al contar con una mayor disponibilidad de zona para intervenir y teniendo una mejor destreza logra muy bien el efecto ópticoinfinito tan buscado en los jardines del Barroco Francés, aquí el ángulo es más estrecho facilitando una mirada hacia lo largo en el horizonte de los jardines, detalle que es potenciado gracias a los ejes radiales que salen a partir de las masas de agua o en este caso los “hitos”, los canales lo favorecen igualmente al tener una forma más alargada que ancha, pues, al fin y al cabo, son estos los principales ordenadores espaciales.

Palacio Conos de Visibilidad Hitos de los Conos de Visibilidad

Figura 3.1 Planta de Vaux Le Vicomte con Conos de Visibilidad

Figura 3.2 Planta de Versalles con Conos de Visibilidad

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Finalmente, podemos llegar a un acuerdo de que la evolución en cuanto a la producción, diseño e intervención de un jardín a otro es muy notoria, claro está que no hay que desmeritar los primeros intentos de Le Nôtre en el desarrollo de Vaux le Vicomte, los cuales fueron muy acertados a lo que la época y el estilo exigían, se puede percibir como en esas primeras intervenciones aunque denotara algo de limitación, ya tenía muy bien estudiados los temas de composición y juegos geométricos para generar un equilibrio adecuado en el resultado final, igualmente, supo comprender desde un inicio la importancia de integrar el agua con todo el proyecto de una forma sutil que no se llevara el protagonismo de los jardines sino que por el contrario le sirviera de complemento; vemos luego una producción mas desenvuelta de Versalles, donde se deja fluir más fácilmente con las formas y expresiones, logrando nuevas especies de entramados y jugando con los pequeños jardines que juntos forman un gran jardín; sin embargo, hay que considerar el factor de que para este proyecto ya contaba no solo con más terreno a su favor sino también con más dinero disponible.

Sería interesante a futuro analizar muchas más de las obras de Andre le Nôtre, porque si bien Versalles fue su más reconocida producción, no fue la última, así que hay bastante de su recorrido proyectual posterior para explorar, sería interesante ver que tipo de cambios o similitudes hay entre las obras previamente analizadas y algunas de sus últimas producciones.

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¿FUE ARQUITECTURA NEOGÓTICA O SOLO GÓTICA VICTORIANA? Infografía por Juan Diego Mercado Vergara Ilustración del estilo neogótico de Reino Unido y de qué forma se desarrolló en otros países

Resumen

Entre los varios estilos arquitectónicos que ocurrieron para los tiempos del romanticismo, al ubicarse para finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX surge el estilo arquitectónico neogótico, resultante del resurgimiento del gótico combinado con intereses de la época, que obedece a su contexto y como un contraste al nacionalismo del momento. El estilo entonces comienza en Reino Unido, lugar donde tiene su mayor esplendor e impacto, de este modo se mostrarán edificios representativos del espacio como la Iglesia de la santísima trinidad en Bolton o El Palacio de Westminster y se compararán con el estilo original el cuál es el gótico, además se representará cómo fue llevado el estilo en otro país de Europa como Francia con la restauración de la Sainte Chapelle y América, con Colombia en la Iglesia de Manizales y Brasil en la Catedral de Caxias do Sul con el propósito de denotar, aunque no mucho su impacto mundial y no solo nacional y también de responder la pregunta acerca de si en realidad se puede considerar como arquitectura neogótica la que salió del Reino Unido o una corriente de ésta misma llamada pseudogótica.

Conceptos Clave

Neogótico, época, estilo.

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AZUL AZUL AZUL

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LA FORMA DEL AGUA EN LA HISTORIA DE LA ARQUITECTURA Infografía por Gabriel J. Isaza ¿Cómo la forma del agua ligada a la arquitectura cambio con el tiempo y la llegada de nuevos estilos?

Resumen

Desde las antiguas civilizaciones se ha entendido la importancia del agua y por ello siempre se ha tenido una inclusión de esta dentro de las obras arquitectónicas, claro esta que en unos periodos más que otros se ha visto marcada su relevancia ya que cuentan muchos factores tanto culturales como sociales y geográficos; pero lo que es verdaderamente importante para esta infografía es el hecho de establecer un cuadro comparativo con las fuentes más importantes y exponentes de su respectivo periodo histórico destacando las similitudes y diferencias de ellas y que tan en cuenta se tuvieron al momento de estructurar toda una composición arquitectónica.

Conceptos Clave

historia, agua, fuentes, épocas

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Quattro Fontane - Roma Ubicadas en la iglesia San Carlo alle Quatro fontane, son un conjunto de cuatro fuentes casi manieristas hechas en 1588.

RENACIMIENTO Las fuentes eran un complemento directo de la arquitectura al hacer parte de ella, como en este caso que están incrustadas en las fachadas de la iglesia.

Fuente de Neptuno - Florencia También llamada Il Biancone, está situada en la Plaza de la Señoría, frente a la esquina del Palazzo Vecchio; construida en 1563.

MANIERISMO

Las fuentes representaban a personajes mitológicos y de relevancia, siendo fundamental el campo escultórico, en ocasiones como esta se desligaban de un cuerpo arquitectónico.

Fontana di Trevi - Roma Ubicada en la Piazza di Trevi y adosada sobre la fachada del Palacio Poli por mandato del papa Urbano VIII, se inauguró en 1761.

BARROCO

El estilo de las fuentes de los periodos correspondientes al Renacimiento, Manierismo y Barroco responde a un elemento decorador de las fachadas, representa mucho la figura humana y el color principal es el del mármol

Si bien la escultura sigue teniendo un protagonismo relevante, también cada vez se le brinda mas espacio a ese espejo de agua en movimiento característico de las fuentes.

Ilustración propia, Técnica de Acuarela

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La forma del agua en la historia de la Arquitectura Golden gate - Francia ROCOCÓ

Ubicada en la ciudad de Nancy, en la plaza Stanislas y construida en 1752 fue declarada patrimonio de la humanidad por la Unesco en 1983.

Siendo una representación muy acertada de este periodo con sus muchas exuberancias, la fuente se aleja aun más de ser una añadidura de las obras arquitectónicas para convertirse en un ente representante de plazas y lugares de esparcimiento.

Ubicada en la ciudad de Zaragoza, Es una fuente monumental que representa la samaritana que le dio de beber a Jesús, construida en 1866.

Fuente de la samaritana - España

En Europa es notable el reconocimiento de personajes relevantes tanto ficticios como reales para la representación de fuentes

El estilo de las fuentes de los periodos correspondientes al Rococó, Neoclasicismo y Romanticismo se separa de las fachadas para convertirse en un ente autónomo, con la característica forma de un pilar central rodeado por un tazón de agua, se conserva la representación de la figura humana

NEOCLASICISMO

Fuente de los Galápagos - España También conocida como fuente Isabel II está ubicada en Madrid, y fue construida en 1832.

Ilustración propia, Técnica de Acuarela

ROMANTICISMO

Ya la fuente es similar a las de la actualidad, en donde el tazón de agua es mas representativo que el cuerpo central escultórico de donde sale, acompañada de un movimiento y caída mas suaves

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MORADO MORADO MORADO MORADO MORADO 53

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CENTRO REBA Artículo por Mateo Rúa Bedoya ¿Cómo la geometría de las iglesias europeas se ven afectadas en el renacimiento y el barroco, para así entender las formas y motivos que estos estilos buscaban lograr?

Resumen

Los templos o iglesias son un símbolo del poder de la elite eclesiástica, de su poder tanto económico como político (cuando lo tuvo), desde la perspectiva actual resultan una buena fuente de información y punto de cuestionamientos, para encontrar la respuesta sobre cómo se expresaban y lo que buscaban los estilos a los que pertenecen estos edificios eclesiásticos, ya que resultan siendo un resultado que sintetiza estos estilos en todo su esplendor, lo anterior es el resultado de que se contaban con buenos fondos para realizarlos, ya que no se podía escatimar en gastos para el edificio que sería el “rostro” que debe proyecta el poder y estatus de la élite eclesiástica. Se aborda y focaliza en obras que sean de Italia, esto por el hecho de que es cuna, o por lo menos gran exponente, de estos estilos. Por lo anterior, en este artículo se analizarán dos obras, estas son, para el estilo renacentista el Templo di Santa Maria della Consolazione, en Todi; y para el estilo barroco la Iglesia Sant'Andrea al Quirinale, en Roma. En el análisis se abordarán temas como, por ejemplo, la composición, los espacios existentes, la jerarquía de los espacios, la distribución.

Conceptos Clave

Élite, iglesia, templo, planta, composición, jerarquía, distribución.

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Introducción Según la época, las formas de expresión cambian, esto debido a desarrollos tanto científicos como estéticos, por consiguiente, la arquitectura se ve afectada en su configuración de acuerdo a este contexto, haciendo que esta se adapte a los estándares y motivaciones de la época. Además, la élite eclesiástica no tenía en gastar (siempre que no estuvieran cayendo a la miseria) su dinero o incluso el de otros, por eso el recinto de los rituales, el templo, la iglesia, la “casa de Dios”, no era la excepción a este gasto indiscriminado. Por lo anterior, contexto y el gasto de dinero, se trabajará con las edificaciones eclesiásticas. Aunado a esto, se trabajará en la tierra desde donde se dirigió y dirige la religión, y desde donde surgen grandes referentes arquitectónicos a lo largo de todos los periodos de la edad moderna.

La composición, la geometría, y la jerarquía son los componentes teóricos básicos que se reflejan en la arquitectura, por lo cual, en sus plantas también, por eso serán los componentes analizados; esto mediante el análisis de las plantas y fachadas de los edificios del clero, para comprender cómo el contexto modificó características de la arquitectura de las edificaciones clericales.

En la literatura es evidente el análisis de plantas de obras de los distintos estilos, su comparación es existente, y la comparación entre el renacimiento y el barroco es evidente, ya que son momentos que se contraponen en muchas de sus características.

Para dejar todo claro, se analiza la geometría, la simetría y equilibrio, los conos visuales, la circulación y la profundidad. Las obras que se analizaran serán la el Tempiodi Santa MariadellaConsolazione,en Todi; y para el estilo barroco la Iglesia Sant'Andreaal Quirinale, en Roma; ambas obras de planta central.

Para dejar todo claro, se analiza la geometría, la simetría y equilibrio, los

conos visuales, la circulación y la profundidad. Las obras que se analizaran Iglesia Sant'Andreaal Quirinale, en Roma; ambas obras de planta central. De lo anterior surge el título, centro de la planta central de estas obras y REBA de las dos primeras letras de cada estilo.

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Como ya se mencionó, Italia fue la región predilecta, no solo por ser una gran exponente en la mayoría de los estilos de la Edad Moderna sino también por ser la base desde donde operaba y opera la élite religiosa.

Renacimiento Durante el movimiento de origen florentino que se extendió desde el s. XV al XVI, presidido por la Peste Negra, la Caída de Constantinopla, la llegada de Cristóbal Colón a América, y la imprenta. Dentro de este movimiento dominado por el orden cosmológico de todas las cosas, la retoma de los órdenes clásicos, la simetría, la proporción áurea, la figuras platónicas, la geometría, la monocromía, la luz plana y la perspectiva, se construye el tempiodi Santa MariadellaConsolazione (en español, Templo de Santa Mariade la Consolación), entre 1508 y 1607, en Todi.

Este templo de planta central cuadradada con un

círculo inscrito en su interior y que en sus cuatro lados cuenta con accesos semicirculares con diámetro igual al lado del cuadrado central. Se presume que fue Bramante su autor, pero no

Tempio di Santa Maria della Consolazione. Recuperado de ExploringUmbria“SANTA MARÍA DE LA CONSOLACIÓN EN TODI”

podemos dejar por fuera otras figuras a las que se le atribuye su creación o participación en el f proyecto, comzolo son Cola da Caprarola, Antonio da Sangallo, Peruzzi, Vignola e IppolitoScalza. Esta dificultad para conocer su autoría se debe a falta de documentación que avale la autoría de la obra1. Se encontró las siguientes imágenes para la planimetría y la fachada;

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Fachada

Santa

Maria

della

Consolazione.

Planta

Santa

Fachada

Santa

Mariad

ella

Consolazione.

Maria

della

Planta Santa Maria della Consolazione.

Consolazione.

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Donato d'AngeloBramante (1444 -1514), fue un arquitecto italiano conocido principalmente por ser el primer diseñador del plan de la basílica de San Pedro del Vaticano. Se formó desde joven en los talleres de los maestros de Urbino, una de las grandes capitales artísticas del Quattrocento, se rodeó de maestros como Perugino, Piero della Francesca y Pinturicchio.

Barroco Presidido por el manierismo, el renacimiento, declive de la iglesia, la Reforma

Bramante. Recuperado de Historia

NationalGeographic “BRAMANRE, Luterana y el Concilio Trento. el periodo del” s.

EL ARQUITECTO DEL RENACIMIENTO XVII al XVIII caracterizado por el espacio ROMANO fenomenalizado1, sistematización, el dinamismo, el color y la reafirmación de la supremacía de la fécatólica. Dentro de este supre periodo se construyó la Iglesia Sant'Andreaal Quirinale(en español, Iglesia de San Andrés del Quirinal), entre 1658-1678, en Roma.

La iglesia, también de planta central pero oval, está rodeada por 8 “recintos” alrededor, dos de los cuales cuentan con mayor tamaño y se ubican

en las puntas del eje menor, ubicándose en uno de estos el acceso a la iglesia.

Esta es una de las obras maestras de Bernini.

Entre las aaaaa

Iglesia Sant'Andrea al Quirinale. Recuperado de Vigo en Fotos - ROMA “Roma: Iglesia de Sant Andrea al Quirinale”

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imágenes de planos y fachadas encontradas se eligieron las siguientes:

Planta y Sección Sant'Andrea al Quirinale. Dibujo de autor no encontrado.

Recuperado de Wikiarquitectura

Planta regular

Sant'Andreaal de

quirógrafo

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la

Quirinale.Trazado

planta

del

segundo

Fachada Sant'Andreaal Quirinale.Dibujo de autor no encontrado. Recuperado de Wikiarquitectura.

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Fachada Sant'Andreaal Quirinale.Dibujo de

PlantaSant'Andreaal Quirinale.Dibujo de

autor no encontrado. Recuperado de

autor no encontrado. Recuperado de

Wikiarquitectura.

Wikiarquitectura.

Gian Lorenzo Bernini (1598–1680), fue el artista que forjó muchas obras emblemáticas de la Roma de la Contrarreforma. La basílica de San Pedro tal como hoy la contemplamos, con el célebre baldaquino de bronce, la Scala Regia y la majestuosa perspectiva de la plaza, es tan sólo una parte de su extraordinario legado.

En estas dos obra analizaremos la planta y fachada, esto desde su geometría, la simetría y el equilibrio, la relación con lo áureo, la profundidad, la circulación y las visuales.

Las dos obras se redibujaron digitalmente las fachadas y plantas, esto para estandarizando las dimensiones debido a las diferencias en

Bernini.Recuperado de Historia NationalGeographic“GIAN LORENZO BERNINI, EL ÚLTIMO GENIO ROMANO”

Rococó Neoclasicismo Romanticismo

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tamaños y proporciones, posiblemente debidas a los procesos de dibujo, cambios de esc barroca, posiblemente debido a su geometría), y además se simplifican un poco para facili

Santa Maria della Consolazione

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Renacimiento Manierismo Barroco R

cala mal hechos y malinterpretaciones de dimensiones(esto sucede sobre todo en la obra itar los análisis. El resultado fue el sieguiente

Sant'Andrea al Quirinale

Rococó Neoclasicismo Romanticismo

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El Tempio di Santa Maria della Consolazione, en su planta, se observa al interior la presencia principalmente de cuadrados, círculos y semicírculos, pero

en el exterior tres de estos semicírculos se convierten en medios decágonos, manteniendo así uno de los semicírculos (específicamente el superior), en donde se ubica el altar; y en el alzado además de los ya mencionados círculos, semicírculos y cuadrados, encontramos también triángulos isósceles.

Encontramos un eje vertical, tanto en el plano como en el alzado, el cual funge como eje de simetría total; la simetría total no se cumple con el eje horizontal, en el plano por la diferencia de forma exterior entre la protuberancia superior e

inferior, además del hecho de que esta ultima cuenta con una horadación que sirve como entrada son lo que imposibilitan esta simetría total. En el alzado se observa una clara diferencia hasta de volúmenes, lo cual complica incluso la posibilidad de ubicar un eje de equilibrio horizontal, se resuelve que este se ubica en las molduras entre el segundo tramo y las cúpulas. Además, en planta se puede hablar de un equilibrio central, mas no de simetría central, por la protuberancias.

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diferencia

en

sus

Renacimiento Manierismo Barroco R

La Sant'Andrea al Quirinale cuenta con geometrías principalmente curvas en su planta y alzado. Además, en planta, se encuentra una relación entre el ovalo central y el ovalo exterior, no solo por su coincidencia en la ubicación de sus ejes

menor y mayor, sino también el eje mayor del ovalo exterior es tres veces la mitad del eje mayor del ovalo interior (en la imagen lo observamos plasmado con la ayuda de círculos), además se observa que cada uno de los dos “brazos” que encontramos en el exterior en la parte inferior, tienen una curvatura que puede ser inscrita en un círculo.

En esta obra, a excepción del eje de simetría vertical de la fachada, y si nos vamos a los detalles no encontraremos más ejes de simetría total, pero si ejes de equilibrio; en planta contamos tanto con un eje en sentido vertical que coincide con el eje menor de los óvalos, y se podría trazar uno horizontal,desplazado un poco hacia abajo respecto al eje mayor de los óvalos, esto para equilibrar los “brazos” que sobresalen.

La posibilidad de un eje horizontal en el alzado presenta, al igual que en la obra renacentista, dificultades para encontrarse, el cual se resuelve que está

en las molduras entre el primer tramo y el segundo. Además, existe la posibilidad de trazar un equilibrio central en planta.

Rococó Neoclasicismo Romanticismo

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En planta, en la obra renacentista se encuentra una mayor relación con lo áureo (espiral aurea, rectángulo áureo, proporción aurea), ya que se encuentra el rectángulo áureo con mayor obviedad y rigor en esta; su parte central y una de

sus protuberancias cumplen con esta proporción aurea, además en su alzado se puede llegar a encontrar, aunque puede ser un poco más complicada y forzada esta relación, una de las protuberancias con una a su lateral, la cumplen, al igual que la linterna y su

cúpula, y que el segundo nivel y su cúpula. En cambio, en la obra barroca esta se puede llegar a encontrar en su alzado, pero forzándolo un poco, haciendo que el cuerpo central desde uno de sus laterales hasta la columna de la entrada al lado opuesto (con altura de piso hasta que el inicio del frontón), coincidan con el cuadrado y desde esa columna hasta el “brazo” cumplan con el resto de la dimensión del rectángulo; la linterna, su cúpula y casi todo su decorado superior a excepción de la cruz, podrían cumplirla, y la entrada también logra encajar decentemente. Ya en planta no se puede encontrar ninguna relación con lo áureo.

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Renacimiento Manierismo Barroco R

La obra renacentista, cuenta con tres accesos lo que condiciona el espacio a ser ocupado en gran medida por la circulación, cosa que en la obra barroca no pasa debido a su único acceso y la posibilidad de la forma de generar la circulación de forma periférica; esto último de hacerse en Tempiodi Santa Mariadella Consolazioneocuparía mayor espacio, dejando menos espacio para el estar.

Debido también a esa única entrada en la obra barroca se permite desde la entrada observar el altar completo, cosa que en la renacentista solo pasa si se accede desde la entrada frontal. Pero esta diversidad de entradas permite

diversidad de perspectivas, además en la obra barroca debido a los recintos que rodean el ovalo dificulta la visual de los recintos al lado de la entrada, cosa que en la renacentista pasa en menor escala, por la dimensión de las protuberancias, observando las cuatro a la vez, no completamente, pero si en gran porcentaje.

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El Tempiodi Santa MariadellaConsolazionecuenta con juego de profundidades en su fachada, debido a que a la forma cuadrada del centro desde donde se desprenden los volúmenes periféricos que generan

diferencia de niveles y la linterna, aunado a eso la forma angulada de la fachada (contrario a su interior circular y curvo), genera más juego de profundidades entre las caras del medio decágono; aunque los decorados tienden a esta pegados en la fachada. En la Sant'Andreaal Quirinalese ve también con un juego de profundidades, no solo por la linterna, el desfase del segundo tramo con respecto al primero y los los“brazos” que salen, sino que, aunque su volumen general tiene una forma curva, lo cual genera un cambio de profundidades mas sutil, es remarcado por las aletas con volutas que comunican el segundo tramo con el primero, además los acabados y detalles sobresalen y juegan más con la profundidad, sobre todo los de la entrada

Fachada Sant'Andreaal Quirinale.Foto de

FachadaSantaMariadella

Hesperetusa. Recuperado de Flickr

Consolazione. Foto recuperada de exploringumbria

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Renacimiento Manierismo Barroco R

Gracias a lo anterior se puede entender que la evolución y cambio entre el renacimiento y el barroco es existente y evidente. Está evolución radica en un aumento en la complejidad de la comprensión y el diseño, entonces, ¿esa complejización es buena o mala? La respuesta a esto es algo compleja y algo que no se busca abordar, pues las opiniones pueden ser tan diversas como individuos en el mundo.

La complejización observada se denota sobe todo en el paso de figuras geométricas "explicitas" o platónicas (cuadrado, circulo y polígonos

regulares), a unas de un carácter más complejo (como por ejemplo los óvalos observados en la obra barroca). Y no solo en la geometría en planta, las perspectivas, la profundidad y el juego con estás es más libre, más experimental en la obra barroca, mientras en la renacentista es más cohibida; además la circulación y la relación con el espacio-uso se resuelve en la obra barroca de una manera que permite mayor espacio para la habitación y menos para la circulación.

Esta complejización se da, y da más libertad a los artistas.

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NEGRO NEGRO NEGRO NEGRO NEGRO 69

Renacimiento Manierismo Barroco R

EL LEGADO DEL MANIERISMO EUROPEO EN AMERICA Infografía por María Sofía Benavides Guaca ¿Cómo las influencias y orígenes del rococó se ven reflejados en sus acabados, tanto en sus estilos, materiales y colores, para así el reflejo de los orígenes es sus manifestaciones?

Resumen En la infografía se tratará cómo, qué relación y similitudes hay entre el manierismo que floreció en Europa y el que heredó América latina específicamente en la arquitectura de 5 diferentes iglesias las cuales son la iglesia de la compañía, la iglesia de la compañía de Jesús en Quito, la iglesia de San José en Popayán, las ruinas de San Miguel de las Misiones y la iglesia de san Nicolás de Tolentino en comparación con las iglesia del Gesú en Roma. Se compararan elementos como columnas, y frontones además de plantas.

Se observará como surgió y llegó correspondientemente en ambos continentes, y el desarrollo que tuvieron.

Se hará una comparación del contenido y producción de obras.

Para todo ello se partirá de la idea de que el manierismo nace en Italia en el siglo de las colonias, el XVI, y llega a América a través de la evangelización a fin de ilustrar en el tema religioso tanto en pintura, escultura y arquitectura.

Conceptos Clave: manierismo

Iglesias,

contexto,

elementos,

Rococó Neoclasicismo Romanticismo

concepto,

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El legado del manierismo europeo en América El frontón calado, el cual en su tímpano tiene un ojo de buey se encuentra presente en la iglesia del Gesú y se repite en las ruinas de San Miguel de las misiones, en la iglesia de San José, en la iglesia de la compañía, entre otras. Se encuentra presente variando en sus dimensiones y formas, entre lo curvo y lo recto, lo alargado y lo corto

Frontón de la Iglesia San Nicolás Tolentino,

Frontón de la iglesia de la compañía

Comparación entre frontones Ojo de buey

Iglesia del Gesú

frontón de las ruinas de San Miguel de las misiones

Frontón de la iglesia de san José en Popayán

Comparación entre columnas Como elemento arquitectónico decorativo, en la iglesia del Gesú, fueron implementadas columnas pareadas, dicho elemento se repite en con diferentes estilos de capitel en las iglesias de la compañía de Jesús, la iglesia San Nicolás Tolentino, la iglesia de la compañía y en las ruinas de San Miguel de las misiones.

Columna de la iglesia de la compañía de Jesús, Quito, con capitel estilo toscano y fuste liso

Iglesia de la compañía

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Columna de Iglesia San Nicolás Tolentino, Medellín, con capitel estilo jónico y fuste liso

Columna de la iglesia de la compañía de Arequipa con capitel estilo corintio y fuste liso

Iglesia de san José en Popayán

Iglesia de la comp Jesús, Quito

Renacimiento Manierismo Barroco R

Entre las semejanzas a partir de la planta, se encuentra el parecido entre su distribución de espacios siendo común entre la iglesia de la compañía de Jesús en quito, la iglesia de la compañía en Arequipa y la iglesia de san José en Popayán común con la iglesia de Gesú en Roma, el contar con una nave central que en sus laterales son capillas las que le acompañan

Nave central

Capillas Planta iglesia del Gesú

Ruinas de San Miguel de las misiones

Iglesia San Nicolás Tolentino, Medellín

Planta iglesia de la compañía de Jesús

pañía de o

Planta iglesia de la compañía

a

Comparación entre plantas

Iglesia del Gesú

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Maria Sofia Benavides Guaca Gabriel Jaime Isaza Ruiz Juan Diego Mercado Vergara Mateo Rúa Bedoya