Sample

KUNST.INVESTOR

RÉPERTOIRE 1060 Wien, Otto-Bauer-Gasse 9 - Telefon: +43 1 943.84.33 www.repertoire.at

KUNST.INVESTOR

RÉPERTOIRE schräge schöne Sachen zum Verschenken!

Wer auf der Suche nach schrägen und schönen Sachen ist, für den gibt’s nur eine Adresse in Wien: Das Répertoire in der Otto-Bauer-Gasse 9, und das mittlerweile seit 5 Jahren. „Als wir vor einigen Jahren gemeinsam in Paris in zahlreichen Designläden unterwegs waren, entschieden wir, Wien braucht das auch“, Erkören die Gründerinnen Mimi Hofmann und Angelika Harrer.Die beiden Besitzerinnen sind seit Kindertagen ein eingespieltes Team und ergänzen sich perfekt. Während es Mimi Hofmann zu hochwertigen Designobjekten zieht, hat Angelika Harrer ein Faible für gepflegten Designer Kitsch. So entsteht eine einzigartige Mischung, die das Repertoire so spannend

macht. Neben Trendmarken wie Seletti, Uashmama und Design Letters sowie humorvollen Mitbringseln und Geschenkideen, findet man hier auch ausgewählte Produkte österreichischer DesignerInnen, wie beispielsweise Vasen von frauklarer und Taschen des Wiener Labels Kontiki. „Bei uns gibt es eine breite Palette an Produkten und Geschmacksvorlieben. So ist für jeden etwas dabei“, erklärt Angelika Harrer. Auch in Sachen Weihnachtsgeschenke wird man im Répertoire fündig. Angelika Harrer und Mimi Hofmann haben nämlich die perfekten Geschenkideen für Designliebhaber und -Genießer. www.repertoire.at

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RÉPERTOIRE 1060 Wien, Otto-Bauer-Gasse 9 - Telefon: +43 1 943.84.33 www.repertoire.at

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RÉPERTOIRE 1060 Wien, Otto-Bauer-Gasse 9 - Telefon: +43 1 943.84.33 www.repertoire.at

N r. 1 2

STARKE FRAUEN Artemisia Gentileschi Germaine Greer Marina Abramović

my Dorotheum: Interview

JOE FOURNIER

ASCHE, NÄGEL, SCHRIFT Günther Uecker

NEW REALISM Mario Schifano

RHYTHMUS Ernst Wilhelm Nay

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E D I T OR I A L

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Was bewegt Menschen dazu, Kunst zu sammeln? Unser Dorotheum myART MAGAZINE widmet sich immer wieder den spannenden und vielfältigen Aspekten des Sammelns.

Diesmal gibt der Brite Joe Fournier Auskunft, ein außergewöhnlicher Unternehmer u n d B o x e r, v o r a l l e m a b e r i n t e r e s s a n t e r K u n s t s a m m l e r.

Starke Frauen stehen ebenso im Fokus – allen voran Artemisia Gentileschi, die wohl erste Malerin, die in die Kunstgeschichtsschreibung eingegangen ist. Über sie haben wir mit der Feminismus-Pionierin und Intellektuellen Germaine Greer gesprochen. RoseLee Goldberg, Gast der kommenden VIENNA ART WEEK, finden Sie ebenso im Heft wie Marina Abramović – und natürlich viele der Herbst-Highlights aus unseren Auktionen.

Viel Freude beim Lesen und auf Wiedersehen im Dorotheum oder auf dorotheum.com!

MARTIN BÖHM Geschäftsführender Gesellschafter

Palais Dorotheum © Paul Bauer

I N H A LT AUCTION

FAVOURITE

06 GÜNTHER UECKER

Die friedliche Eroberung der Seele

10 ARTEMISIA GENTILESCHI

& DIANA DE ROSA

2

Starke Frauen

56 MY CHOICE

PASSION

Im Interview

20 ERNST WILHEM NAY

Rhythmus im Einklang

22 MERCEDES-SAMMLUNG WIESENTHAL

Vers ammelte Größen

2 4 VIT TORIO MAT TEO CORCOS Gesprächsstoff

28 FERDINAND GEORG WA L D M Ü L L E R

Gute Nachrichten

3 2 M A R I O S C H I FA N O

Starke Stimme der 1960er

Lieblingsobjekte der Experten

70 TIPPS

Dorotheum-Kooperationen

7 1 KOL OMAN MOSER Werkverzeichnis

7 2 AUGARTEN NEU INTERPRETIERT Kunstporzellankunst

74 DAMIEN HIRST

Ein Ausstellungsrückblick

76 FRANZ WEST

Ausstellung im Centre Pompidou

78 MARINA ABRAMOVIĆ B FA M I - P re i s t r ä g e r i n

3 6 A N T H O N Y VA N D Y C K

EVENTS

80 VIENNA ART WEEK

Dame mit Geheimnis

38 DAS BAUHAUS

& RON ARAD

PA L A I S DOROTHEUM

CHOICE

Umkehrschluss

3

Bildschön

14 GERMAINE GREER 18 CARLA ACCARDI 1

5 2 J U W E L E N & A LT E M E I S T E R

Promising Paradise

Design-Zeitreise

STORY

Dorotheergasse 17, 1010 Wien, Österreich Tel. +43-1-515 60-570 client.services@dorotheum.at

40 PIERRE-AUGUSTE RENOIR

82 KARL HOHENLOHE

CLIENT ADVISORY SERVICES Constanze Werner Tel. +43-1-515 60-366 constanze.werner@dorotheum.at

4 2 JA N B RU E G H E L I I .

AUKTIONSKATALOGE & ABONNEMENTS Tel. +43-1-515 60-200 kataloge@dorotheum.at

N r. 1 2

Lebensfreude

STARKE FRAUEN Artemisia Gentileschi Germaine Greer Marina Abramović

ASCHE, NÄGEL, SCHRIFT

my Dorotheum: Interview

www.dorotheum.com

Günther Uecker

JOE FOURNIER

NEW REALISM Mario Schifano

RHYTHMUS Ernst Wilhelm Nay

Coverfoto Joe Fournier © Dan Fontanelli

IMPRESSUM

Druckfehler und Irrtümer vorbehalten. Kurzfristige Änderungen vorbehalten. Bitte entnehmen Sie aktuellste Informationen zu unseren Auktionen und Veranstaltungen unserer Webseite: www.dorotheum.com. Alle Angaben ohne Gewähr.

Vorsehentlich bevor zug t

CONTACTS

44 FERNANDO BOTERO

DOROTHEUM

A d r e s s e n & Te r m i n e

Im Farbrausch

DOROTHEUM 46 JOE FOURNIER

Dorotheum myART MAGAZINE, Oktober 2018. Zwölfte Ausgabe. Palais Dorotheum, Dorotheergasse 17, 1010 Wien © Dorotheum GmbH & Co KG, DVR Nr. 0105104, FN 213974 v / Handelsgericht Wien, UID: ATU 52613505 Erscheinungsweise: 2x jährlich Konzept, Redaktion: Michaela Strebl-Pühringer, Doris Krumpl, Marie-Sophie Engel, Lea Sophie Stonner, Theresa Pichler Grafik: Studio Corsaro, Creative Director Miriam Hilz, Art Direction Bernd Ganser-Lion Lektorat: scriptophil. die textagentur Fotografen: Dan Fontanelli, Paul Bauer Druck: Gutenberg Druck Anzeigenkontakt: Annika Hahn, Tel. +43-664-500 93 10, annika.hahn@gmx.at

Botanisch unmöglich

Herzensangelegenheit

Piero Dorazio, Grille III, 1962 Schätzwert € 60.000 – 80.000 Gotthard Graubner, Ohne Titel, 1963 Schätzwert € 50.000 – 70.000 3 Detail: Hieronymus Bosch Umkreis, Ecce Homo Schätzwert € 80.000 – 120.000 4 Van Cleef & Arpels Brosche Schätzwert € 40.000 – 70.000 1

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Die Werke, die Günther Uecker seit mehr als 60 Jahren schafft, bewegen sich in ihrer Gestaltung zwischen kraftvollem Ausdruck, politischem Statement und zarter Geste. Mit seinem großen Œuvre zählt Günther Uecker zu den vielseitig sten Ver tretern der deutschen N a c h k r i e g s k u n s t . D a s N a g e l ­o b j e k t „ J o h a n n e s “ d e s K ü n s t l e r s k o m m t a m 2 7. N o v e m b e r 2 0 1 8 im Dorotheum zur Auktion.

VON PETRA SCHÄPERS UND SUSANNE ZIMMERMANN

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emeinsam mit Heinz Mack und Otto Piene begründete Günther Uecker 1958 in Düsseldorf die Künstlerbewegung ZERO. Die „angestrebte Tendenz war die Reinigung der Farbe von den Spuren des Informel und des Neo-Expressionismus, die friedliche Eroberung der Seele durch Sensibilisierung. […]

ZERO ist eine unmessbare Zone, in der ein alter Zustand in einen unbekannten neuen übergeht“, sagte Otto Piene über die Entstehung von ZERO. Günther Ueckers Werk „Johannes“ von 1995, das im Dorotheum zur Auktion gelangt, zählt zu seinen bibliophilen Werken. Diese Werkgruppe umfasst über 200 Arbeiten, darunter zahlreiche Mappenwerke, Bücher, große Objektinstallationen und Multiples, die sich mit der Sprache, mit politischen, religiösen und auch fiktiven Texten auseinandersetzen.

Sie bilden das Werk oder sind fest darin eingebunden.

DIE FRIEDLICHE EROBERUNG D E R Günther Uecker, Johannes, 6-teilig, 1995 Asche, Leim auf Papier, Graphit auf Papier, Nägel, Latex-Farbe, Leinwand über Holz, je 60 x 40 cm, Gesamtgröße 60 x 240 cm Schätzwert € 200.000 – 300.000

SEELE AUKTION Zeitgenössische Kunst 2 7. N o v e m b e r 2 0 1 8

In „Johannes“ sind dem Text der Verse 1 bis 9 aus Kapitel 1 des Johannes-Evangeliums ein Asche- und ein Nagelbild beiseitegestellt. Der Text ist integrativer Bestandteil des Gesamtwerkes und wird neben den flankierenden Arbeiten zum Kunstwerk erhoben. „Wenn man die Wörter abschreibt, erfolgt so etwas wie eine Verinnerlichung im Sinne eines Gebetes. Und wenn ich mich diesen Wörtern zuwende, dann ist bildnerisch Handeln und lesbar Schreiben ein ganz wichtiger Prozess, um auf die Ursprünglichkeit und auch auf den ethischen Ausdruck der Schrift zu kommen. Es muss auf mich übergehen, sonst würde ich nur wie ein Schreiberling abschreiben und nicht verstehen, was ich schreibe“, so Uecker. Die Worte sind mit dem Kunstwerk verbunden und als komplementärer Kommentar zu den begleitenden bildnerischen Arbeiten zu verstehen.

Mit den Aschebildern, die vor allem in der Zeit nach dem Reaktorunfall von Tschernobyl 1986 entstanden, setzt Günther Uecker ein politisches Statement. Er kritisiert

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die Zerstörung der Umwelt und des Menschen durch den Menschen. Zugleich sieht er die Asche nicht nur als Hinterlassenschaft der Vernichtung, sondern auch als Symbol des Neuanfangs, das gleichsam für Zerstörung und Heilung wie auch für Ende und Anfang steht. Uecker stellt den Beginn des Johannes-Evangeliums „Im Anfang war das Wort …“ somit in einen direkten Bezug zu dem Aschebild, das in seinem Werk „Johannes“ den Anfang symbolisiert.

Die seit Mitte der 1960er-Jahre entstehenden Nagelfelder mit ihrer starken optischen Wirkung sind auf positive Erfahrungen Ueckers zurückzuführen. Er verarbeitet darin seine Erinnerungen an die Kindheit an der Ostsee, als er mit großem Vergnügen und überaus akribisch die Felder bestellen durfte.

So suggerieren die in einem freien Rhythmus eingeschlagenen Nägel dem Betrachter, auf ein sich im Wind wiegendes Kornfeld zu blicken. Verstärkt wird dieser Eindruck durch die changierende Oberfläche, die sich aus den nur an den Köpfen weiß getünchten Nägeln ergibt.

Die künstlerische Handlung des Nagel-Einschlagens, mit der die Textblätter mittels großer Nägel an der Wand angebracht werden, enthält eine derartige sprachliche Mitteilung, die so in den Gesamtkontext des Werkes eingebracht wird. Die Asche und die Nägel werden zu chiffrenartigen Informationsträgern, die mit der zum Kunstwerk erhobenen Schrift zum bibliophilen Gesamtwerk zusammenfließen.

© Oliver Wolleh

Mit dem Nagel markiert Günther Uecker einen Punkt zwischen den polaren Prinzipien von Licht und Schatten, die für permanente Heilung, Neuschöpfung und Reinheit, aber auch für Vernichtung, Tod und Dunkelheit stehen. Als letztes Element des bibliophilen Werkes „Johannes“ nimmt das Nagelbild die Worte von Vers 9, Kapitel 1 des Evangeliums nach Johannes auf. Uecker verdeutlicht Licht und Schatten als sich bewegendes Feld und als immer unterschiedlichen Schatten der Nägel auf Wand und Blättern.

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Petra Schäpers ist Expertin für Zeitgenössische Kunst sowie Leiterin der Dorotheum Repräsentanz in Düsseldorf, Susanne Zimmermann arbeitet dort als Kunsthistorikerin.

Günther Uecker porträtiert von Lothar Wolleh

goldenesquartier.com

AUCTION 10

S TA R K E FRAUEN Zwei Künstlerinnen, zwei Gemälde der Lucretia. Das ist Frauenpower: Artemisia Gentileschi und Diana De Rosa setzten sich gegen ihre Künstlerkollegen durch. Zu ihren bevorzugten Motiven zählte die mutige Lucretia, ein Symbol des Widerstandes gegen männliche Gewalt.

DIANA D E ROSA

Diana De Rosa, gen. Annella di Massimo (1613–1649) Lucretia Öl auf Leinwand, 129 x 103 cm Schätzwert € 80.000 – 120.000

W

ie keine andere Heldin verkörpert Lucretia die vollkommene, über alle Familienbande hinausgehende Tugendhaftigkeit.

Von Livius ist überliefert, wie ihre Redlichkeit das wilde Verlangen des Sextus Tarquinius entfachte und er sie unter Todesdrohung vergewaltigte. Der Ehre beraubt, nahm Lucretia ihrem Vater und ihrem Gemahl das Versprechen ab, sich am Schänder zu rächen, und stieß sich ein Messer ins Herz.

Auch im 17. Jahrhundert galt Lucretia aufgrund ihres exemplarischen Handelns als tragische Ikone im positiven Sinn. Aus Gründen, die unbekannt bleiben, gehörten zwei Interpretationen der Heroine Lucretia zur gleichen historischen Sammlung. Dank Dorotheum sind sie heute wieder gemeinsam zu sehen: Die erste Interpretation stammt von der besten weiblichen Künstlerin des 17. Jahrhunderts in Neapel Diana De Rosa, die zweite von ihrer in ganz Italien bekannten Malerkollegin Artemisia Gentileschi.

ARTEMISIA GENTILESCHI

Artemisia Gentileschi (1593–1654) Lucretia Öl auf Leinwand, 133 x 106 cm Schätzwert € 500.000 – 700.000

AUCTION

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Dianas künstlerische Handschrift zeigt sich in der einzigartigen Komposition der offenen Bluse über der Brust der dargestellten Heldin, im Schimmer ihrer tiefblauen Robe und in den wogenden Falten des dunklen Vorhangs im Hintergrund.

Am Handgelenk und im Haar trägt sie den prächtigen Schmuck einer römischen Edeldame; ihr entrückter Ausdruck zeugt von Entschlossenheit, das größte aller Opfer zu bringen. Schon hat die Spitze des Langdolchs die Haut durchdrungen, als ihre Lippen die berühmten letzten Worte flüstern: „Es ist an euch, [Sextus Tarquinius] widerfahren zu lassen, was er verdient. Was mich betrifft, so bin ich zwar frei von Sünde, aber nicht frei von Sühne, damit vom heutigen Tage keine schändliche Frau sich je auf Lucretia berufe!“

VORBILD ANTIKE Artemisia Gentileschis „Lucretia“ war nur wenige Jahre davor entstanden. Darin spiegelt sich Artemisias eigenes Leben wider, war sie doch als junge Frau missbraucht worden und in einem aufsehenerregenden Prozess in Rom gegen ihren Peiniger aufgetreten, was für die damalige Zeit sehr ungewöhnlich war. Doch ihr Ruf war beschädigt, sie musste die Stadt verlassen und erkämpfte sich in der Folge mit Mühe hohes Ansehen als Künstlerin.

Die geballte Kraft des Bildes ist charakteristisch für Artemisias frühe Schaffensperiode in Neapel um 1630. Der starke Kontrast des chiaroscuro in den strahlenden Hauttönen und im Weiß, Gelbgold und Tiefblau der Stoffe zeigt, welche Faszination der künstlerische Erfindungsgeist ihres neapolitanischen Mentors – Kein Geringerer als Massimo Stanzione – auf sie ausgeübt haben muss.

Römische Kunst, Psyche oder Niobide Galleria degli Uffizi, Florenz

Als Betrachter vermeint man nach der leibhaftigen Lucretia greifen zu können, so dynamisch wie sie sich auf das rechte Ende der Bildbühne zubewegt.

Nach ihrer Ankunft in Neapel arbeitete Artemisia unter dem Schutzschirm Stanziones, der sie zu Beginn ihres Aufenthalts in die südliche Hauptstadt einführte und ihr zur Gunst bedeutender Mäzene am spanischen Hof verhalf.

Artemisia wiederum führte die Neapolitaner mit der „Lucretia“ an eine neue Motivik heran: Die Darstellung der römischen Edeldame in diagonaler Pose erinnert an Simon Vouets Komposition der „Lucretia“ in der Nationalgalerie Prag, und tatsächlich waren Artemisia und Stanzione mit Vouet befreundet. Spätestens im Jahr 1630 wurde Stanzione von den Neapolitanern ob seiner stilistischen Nähe zu Guido Reni auch „Guido partenopeo“ genannt;

in der Tat verschmelzen bei seiner Version der „Lucretia“ – sie befindet sich heute im Museo Capodimonte – die spätcaravaggistischen Elemente eines Vouet, der damals in Italien weilte, mit den klassizistischen Zügen eines Reni. Artemisias Bild im Dorotheum ähnelt jenem Stanziones im Capodimonte sowohl in kompositorischer Hinsicht als auch in der Darstellung des prachtvollen Gewands der Lucretia.

Zwischen 1635 und 1640, also wenige Jahre nach Artemisia, malte Stanzione eine weitere Version nach dem Vorbild ihrer „Lucretia“. Diese Arbeit für die Genueser Sammlung Durazzo Pallavicini war als Gegenstück seiner bereits erwähnten „Kleopatra“ konzipiert.

ihrem Aufenthalt in der südlichen Hauptstadt wohl Anregungen bei Stanzione, brachte aber auch römische Einflüsse und ihre starke künstlerische Persönlichkeit ein.

Lucretia darzustellen bedeutet bis heute, sich mit der Gewalt an Frauen und dem Triumph über die erlittene Pein auseinanderzusetzen. Wer wäre dazu eher berufen gewesen als Artemisia, deren kraftvolles Bild uns bis heute den Atem raubt!

AUKTION Alte Meister 23. Oktober 2018

Information: Mark MacDonnell und Maria Cristina Paoluzzi, Experten für Alte Meister

Von wem stammt nun die Idee zu dieser spezifischen Komposition des Sujets? Wie so oft bei Arbeiten des römischen Barock dürfte der Ursprung in der antiken Bildhauerkunst zu finden sein. In der Gartenanlage der Villa Medici in Rom befand sich eine der berühmtesten Skulpturengruppen der „Niobiden“. Diese römische Nachbildung des griechischen Originals war seit dem späten Cinquecento den meisten italienischen Künstlern bekannt; sie wurde 1770 in die Uffizien von Florenz überführt. Auch die „Niobide Chiaramonti“ in den Vatikanischen Museen war im 17. Jahrhundert dank etlicher antiker Vorbilder weithin bekannt; sie diente Artemisia bei der Darstellung der „Lucretia“ ebenfalls als Inspirationsquelle. Ganz bestimmt trugen diese Skulpturen dazu bei, dass Vouet, Reni, Artemisia und Stanzione ihre Protagonistin in dramatisch geneigter Pose zeigten. Eine der Niobiden versucht sich vergebens gegen die Pfeile des Apoll zu schützen.

Bei den hier beschriebenen Gemälden nimmt die römische Edeldame Lucretia ebendiese Pose ein. Allerdings war in Neapel um 1630 die Verwendung antiker Vorbilder unüblich. Artemisia fand bei

SIMON VOUET

Inv. N. o 1416 © sbirky.ngprague.cz

Über Diana De Rosa, auch Annella di Massimo genannt, ist wenig bekannt. So viel steht fest: Sie war die Schwester des Pacecco De Rosa und brachte es als eine der wenigen neapolitanischen Malerinnen zu beachtlichem Ruhm. Einer düsteren Legende zufolge starb sie durch die Hand ihres Künstlergatten Agostino Beltrano, der angetrieben war von Eifersucht auf ihre enge, obgleich platonische Beziehung zu Massimo Stanzione, dem führenden Vertreter des neapolitanischen Klassizismus. Heute wissen wir: Als sie 1643 mit 41 Jahren starb, war sie vermögend und ein herausragendes Mitglied des Zirkels um Stanzione. In der Tat weist ihre im Dorotheum befindliche „Lucretia“ stilistische und kompositorische Ähnlichkeiten mit Stanziones Gemälde „Kleopatra“ in der Genueser Sammlung Durazzo Pallavicini auf, das auch als Grundlage für Francesco Guarinos „Heilige Agathe“ im neapolitanischen Museo Capodimonte diente.

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Inv. 305 / Sculture © Dipartimento fotografico delle Gallerie degli Uffizi

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Simon Vouet Selbstmord der Lucretia, ca. 1625 Öl auf Leinwand, 197 x 148 cm Nationalgalerie in Prag, Sternberg Palais

AUCTION 15

GERMAINE GREER

Sie holte die Renaissance-Malerin Artemisia G e n t i l e s c h i i n d e n 1 9 7 0 e r n a u s d e r Ve r ge s s e n h e i t : G e r m a i n e G r e e r, V o r d e n k e r i n , I n t e l l e k t u e l l e und weltbekannte feministische Autorin, über das Dilemma autobiografischer Interpretationen, Tr a d i t i o n s - u n d W u t ( a u s ) b r ü c h e .

VON DORIS KRUMPL

IM IN TE RVIE W

D

ie in Großbritannien lebende australische Autorin und Journalistin Germaine Greer schrieb 1970 mit „Der weibliche Eunuch“ feministische Geschichte. Im Oktober wird im Dorotheum ein Gemälde von Artemisia Gentileschi angeboten – ein perfekter Anlass, die ebenso kontroverse wie scharfzüngige Literatur- und Kunstgeschichte-Expertin zum Gespräch mit Dorotheum myART MAGAZINE zu bitten.

D o r o t h e u m my A R T M AG A Z I N E : I n I h r e m B u c h „T h e O b s t a c l e R a c e“ h a b e n S i e a l s e i n e d e r E r s te n ü b e r A r te m i s i a G e n t i l e s c h i u n d e i n e Re i h e a n d e r e r we i t ge h e n d i n Ve r ge s s e n h e i t g e ra te n e r M a l e r i n n e n ge s c h r i e b e n . D a r i n z e i ge n S i e , w i e t i e f g r e i f e n d d i e we c h s e l n d e n A r b e i t s b e d i n g u n g e n vo n d e r Re na is s a nce b is ins 1 9. Ja hrhu nd e r t da s sc höpferisc he Le b e n von Kü ns t le rinne n ge p rä g t h a ben. Wo h e r d a s I n t e r e s s e a n ve r ge s s e n e n Kü n s t l e r i n n e n ?

Germaine Greer: Nach meinem Buch „Der weibliche Eunuch“, das die Kastration von Frauen behandelt, wollte ich über die Unterdrückung weiblicher Kreativität schreiben. Dass Frauen meinten, keine Kreativität zu besitzen, war für mich ein unerträglicher Gedanke. Als ich das Weltbild von Frauen und ihre Bilder beschrieb, stellte ich fest, dass viele der von mir erwähnten Künstlerinnen weitgehend unbekannt waren. Also beschloss ich, mich auf eine Reise zu begeben, um Kunst von Frauen zu suchen, und einen Führer mit vielen Bildern wenig bekannter Arbeiten von Künstlerinnen herauszubringen.

Wie sind Sie auf Artemisia Gentileschis Gemälde gestoßen?

Bei meinen Recherchen fiel mir auf, dass viele Künstlerinnen kleine Arbeiten angefertigt hatten – klein im Sinne der Größe und der Konzeption. Ich suchte eine Künstlerin, die in Lebens- und Monumentalgröße gearbeitet hatte. Eines Tages fand ich diese Künstlerin in den Collezioni Comunali d’Arte in Bologna: Artemisia Gentileschi. Bei dem Bild handelte es sich um ein lebensgroßes Porträt eines Mannes, der heute meist „Gonfaloniere“ genannt wird; es war von Artemisia signiert und auf das Jahr 1622 datiert. Ich war hin und weg von der Bravura! Gentileschi hatte es verstanden, den Bildraum perfekt zu nutzen und die Aufmerksamkeit des Betrachters auf jeden Aspekt ihres suggestiven Bildnisses zu lenken.

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Jedes Detail ist voller Leben und Information. Die Galerie aber schien wenig interessiert, Aufmerksamkeit auf das Bild zu lenken; es war nicht einmal entsprechend beleuchtet.

Ich dachte mir: You can do it, girls! So groß zu denken, mit solcher Entschlossenheit zu konzipieren – you can do it!

A r t e m i s i a z o g a l l e R e g i s te r vo m M a s o c h i s m u s ü b e r S e l b s t m o r d b i s h i n z u r Kö p f u n g vo n M ä n n e r n .

We r d e n w i r j e e r f a h r e n , wa s d avo n vo n i h r k a m u n d wa s d i e Au f t ra g ge b e r s o h a b e n wo l l t e n ?

Das Schlimme ist, dass keine Skizzen von Artemisia erhalten sind, sonst könnten wir ihre „Handschrift“ lesen und wüssten mehr.

We n n man bedenkt , wie wenig Bea chtu ng Ar te m i s i a ge sc h e n kt worden wa r, mu ss es schwer gewe s e n s e i n , üb e rh aup t Qu ellen u nd For schu ng sma ter ia l z u f i n d e n .

Ich wollte keine Lücke mit Vermutungen füllen, sondern die Wahrheit über Artemisia herausfinden. Heute wird ihr auf Tausenden von Seiten eine Verbindung mit jedem Maler nachgesagt, der je in Italien gelebt hat. Ich machte in Bologna ein Polaroid-Foto, aber es war zu dunkel, um die Details erkennen zu können. Also fertigte ich eine Skizze in meinem Notizbuch an. Mir war nie zuvor eine Nachbildung des Gemäldes untergekommen. Ich stellte in Rom Nachforschungen an und studierte die Dokumentation des Prozesses gegen ihren Lehrer Agostino Tassi, den man beschuldigt hatte, Artemisia vergewaltigt und zwei Werke ihres Vaters Orazio Gentileschi gestohlen zu haben. Es war frustrierend, weil so viel Material fehlte; ich musste mir alles zusammensuchen.

Zu welcher Erkenntnis sind Sie gekommen?

Ich begriff, dass ihr Vater den Prozess angestrengt hatte, um die Bilder zurückzubekommen, die Tassi möglicherweise als Vorschuss auf ihre Mitgift an sich genommen hatte. Ihr Vater hatte den Fehler gemacht, sie von Tassi unterrichten zu lassen, von dem sie betrogen wurde. Obwohl sie im Zuge des Prozesses gefoltert wurde, verlor sie nie den Mut. Als man ihr die Finger quetschte, ertrug sie die Qualen, zeigte ihre Hände und sagte wieder und wieder zu Tassi: „Diese Ringe sind das Versprechen, das Ihr mir gegeben habt.“ Sie stand jedoch in der Gunst der Großherzogin der Toskana, die ihr meines Wissens eine Mitgift zukommen ließ, damit sie heiraten konnte. Ihr Leben war also nicht zu vergleichen

I n I h r e m B u c h „T h e O b s t a c l e R a c e “ b e s c h r e i b e n Sie Artemisia Gentileschi als „magnificent e x c e p t i o n “, a l s „ b r i l l a n t e A u s n a h m e f r a u “. S e h e n Sie in ihr eine Ausnahmepersönlichkeit, ein b e d e u t e n d e s h i s t o r i s c h e s Vo r b i l d f ü r a l l e Frauen, nicht nur für Künstlerinnen?

In Hinblick auf ihre Rezeption über die Jahrhunderte kann man das so nicht sagen. Eine ihrer frühesten Arbeiten, „Susanna und die Ältesten“ – sie malte sie mit 17 Jahren –, ist eine wunderbare Studie eines jugendlichen Frauenkörpers. Handelt es sich hier tatsächlich um ihren Körper? Es ärgert mich, dass ständig über Artemisia geschrieben wird, ihre Arbeiten seien autobiografisch. Dieses Verbrechen wird immer und immer wieder an Frauen begangen – ihnen zu unterstellen, sie seien ihr eigenes Motiv. Simone de Beauvoir meinte, Künstlerinnen seien durch die Konzentration auf ihr eigenes Bewusstsein verblendet und würden sich dadurch vom Gegenstand der Kunst entfernen.

mit dem eines männlichen Künstlers. Artemisia hatte weder Schüler noch ein Atelier. Sie hätte als Malerin eine der Größten werden können.

Heißt das, dass sie in ihren Werken nur zehn Prozent ihrer Möglichkeiten ausschöpf te?

Wenn überhaupt. Ihre Schaffensperiode umfasst fünf Jahrzehnte. Nach bisheriger Einschätzung hätte sie weniger als ein Bild pro Jahr gemalt.

Seit Ihr Buch veröffentlicht wurde, herrscht immer mehr Rummel um Artemisia. Was macht sie aus heutiger Sicht so faszinierend?

Ein Teil ihrer Aktualität rührt daher, dass sie eine Feministin gewesen sein soll. Für mich ergibt das keinen Sinn.

Artemisia musste hart arbeiten, wurde ständig ausgebeutet und brachte ihren Zorn zum Ausdruck. Was ihr tatsächlich gelang – und das macht sie bis heute so aktuell –, war, mit den Codes, Konventionen und der Ästhetik der Maltradition zu brechen. Nicht in allen Arbeiten, ganz sicher aber bei „Judith enthauptet Holofernes“, um ein Beispiel zu nennen.

D i e Ve r g e w a l t i g u n g w u r d e g e w i s s e r m a ß e n z u i h r e r Lebensgeschichte … … und jedes Mal, wenn sie einen Pinsel in die Hand nahm, war sie Opfer einer Vergewaltigung … Ich bitte Sie! Sie hatte vier Entbindungen und einen Nichtsnutz zum Mann, wegen dem sie verschuldet war und den sie schließlich verließ … Ich kann die offizielle Interpretation des von der National Gallery in London angekauften „Selbstporträts als heilige Katharina von Alexandrien“ nicht nachvollziehen. Da heißt es, das Rad sei eine Anspielung auf Artemisias Vergewaltigung. Nein, ist es nicht! Es ist ein Attribut der heiligen Katharina. Warum sollte Artemisia sich als Märtyrerin darstellen? Natürlich war sie voller Zorn, und gerade das macht ja ihre Bilder so aufregend – der geballte Zorn darin. Als Betrachter bekommt man regelrecht einen Schlag versetzt. Aber das Bild stellt weder sie dar noch handelt es von ihr. Angelika Kaufmann verbrannte alles, was ihr Leben dokumentierte, weil sie nicht zu ihrer eigenen Biografie werden wollte. Sie wusste sich vom Gossip zu befreien und es zu vermeiden, zu einer Legende zu werden.

Jetzt müssen wir auch unsere Artemisia vom Gossip befreien, indem wir ihr Werk neu beleuchten.

Die Fragen stellte Doris Krumpl, Pressesprecherin des Dorotheum.

Carla Accardi Integrazione ovale, 1958 Kasein auf Leinwand, 131 x 197 cm Schätzwert € 160.000 – 260.000

AUCTION 18

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„ I c h s e h e d a s M a l e n n i c h t a l s A r b e i t a n , s o n d e r n a l s Ve r g n ü ge n .

Es ist für mich das Leben. Ich glaube an die Gabe des Instinkts, der im magischen Sinn des Werks seinen Ausdruck findet.

Mir gefällt es, das Leben zum Thema meiner Arbeiten zu machen.

Ich mag Gefühle, die nicht ideologisch gefärbt sind. Ich mag die ungezwungene Wärme in menschlichen Beziehungen und b e g e g n e d e n b e d e u t s a m e n D i n g e n z u r ü c k h a l t e n d .“ C A R L A A C C A R D I Von starken kosmopolitischen Impulsen getrie­ ben, erklärten die Künstler darin ihre Absichten: „Die Notwendigkeit, die italienische Kunst auf das Niveau der zeitgenössischen europäischen Strö­ mungen zu bringen, zwingt uns zu einer klaren Haltung gegen jegliche dumme und engstirnige nationalistische Bestrebungen und gegen die nutzlose, klatschsüchtige Provinz, als die sich die italienische Kultur heute darstellt.“

Carla Accardis Malerei ist von Kontrasten und Umkehrungen geprägt, von Bewegung, die darauf abzielt, die Hierarchie der Formen und der Farben zu wenden. Der Weg führt hierbei gezielt über die Z e r s t ö r u n g d e r Tr a d i t i o n . M i t d e r A r b e i t „ I n t e g r a z i o n e o v a l e “ v o n 1 9 5 8 g e l a n g t a m 2 7. N o v e m b e r 2 0 1 8 d i e zum Bild gewordene Auflösung der Form zur Auktion.

V O N A L E S S A N D R O R I Z Z I U N D A N S P E R TO R A D I C E F O S S AT I

AUKTION Zeitgenössische Kunst 2 7. N o v e m b e r 2 0 1 8

C

arla Accardi, geboren am 9. Oktober 1924 in Trapani, beendete ihr Studi­ um im sizilianischen Palermo, wo sie bis 1947 auch blieb, um ihre Fertig­ keiten an der Akademie der Schönen Künste zu perfektionieren. 1947 hielt sie sich in Rom auf, wo die Idee zur Künstlergruppe Forma 1 Gestalt annahm. Deren Name war jenem der Zeitschrift „Forma“ entnommen, die im März 1947 auf Initi­ ative einer Gruppe gleichgesinnter italienischer Künstler – unter ihnen auch Accardi – erschien.

In dieser einzigen „Forma“-Ausgabe publizierte man das „Manifest des Formalismus“.

Courtesy Archivio Accardi Sanfilippo

Die jungen Forma-1-Künstler waren Verfechter einer strukturierten, aber nicht gegenständ­ lichen Kunst. Sie legten Wert auf Form und Zeichen in deren essenzieller, grundlegender Bedeutung, verzichteten in ihren Werken auf jeglichen symbolistischen oder psychologischen Anspruch und bezeichneten sich selbst als „Formalisten und Marxisten, die überzeugt sind, dass die Begriffe Marxismus und Forma­ lismus nicht unvereinbar sind“.

Interessanterweise kehrten die meisten von ihnen zu einer bild­ haften Formensprache zurück und suchten den inneren Dis­ kurs mit sich selbst. Von den Künstlern der Gruppe vertrat Carla Accardi die abstrakte Ausdrucksform in diesem inneren Diskurs am vehementesten. Sie war stets auf der Suche nach einer möglichst intimen, nicht gegenständlichen Ausdrucksweise.

In den frühen 1950er-Jahren wurde eine tief greifende Internatio­ nalisierung der italienischen Kunstszene offenkundig, die Impulse sowohl aus dem Ausland als auch aus dem Inland aufnahm: Die italienischen Galeristen gewannen zunehmend Ausstellungen aus Übersee für sich, Venturi hielt Vorträge über die New Yorker Avantgarde, und Schriftsteller wie Flaiano, Moravia oder Elsa Morante intensivierten vorhandene Tendenzen zur Derealisierung des Erzählens zugunsten einer imaginären Sprache. 1951 kamen immer mehr Fotografien von Namuth in Umlauf, die Pollock im Schaffensprozess seiner Dripping-Werke zeigten, die auf dem Boden ausgelegten leeren Leinwände mit Tanzschritten umkreisend.

So entstand die Idee der „Weiß auf Schwarz“-Kompositionen. Carla Accardi: „Es war ein Krisenjahr, ich war entmutigt und meinte, mit der Malerei nichts mehr anfangen zu können. In dieser Isoliertheit begann ich, direkt am Boden zu malen und Zeichen zu skizzieren.

Ich verwendete jedoch Weiß auf Schwarz, da mich Schwarz auf Weiß nicht reizte – wegen seiner Durchschaubarkeit und weil der Künstler in diesem besonderen Moment ein Gefühl der Einzigar­ tigkeit, der Neuheit haben muss, das ihn antreibt.“ Zwischen den Linien taucht eine Anti-Malerei auf, bestehend aus Kontrasten und Umkehrungen, aus einer Bewegung, die darauf abzielt, die Hierarchie der Formen, der Farben und der Beziehun­ gen zwischen der absoluten und der individuellen Vision umzu­ kehren, wobei der Weg über die Auflösung und Zerstörung der Tradition führt. Genau das sucht Accardi in ihrer Malerei, wo ein Zeichen nicht allein für sich existieren kann, sondern in Bezug zu anderen Zeichen steht, mit diesen eine Struktur bildet und darin zum künstlerischen Ausdruck wird. Das magische und kluge Gan­ ze erlangt die Bedeutung einer rigorosen Notwendigkeit, bleibt zugleich aber ein unberechenbares Spiel.

Alessandro Rizzi ist Experte für Klassische Moderne und Zeitgenössische Kunst im Dorotheum. Ansperto Radice Fossati ist Student der Kunstgeschichte in Mailand.

Rom, „Premio di Pittura, Sorelle Fontana”, 1959

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Rhythmus im Einklang Ernst Wilhelm Nay gehört zu den wichtig sten deutschen Ver tretern der Nachkriegskunst. Seine „Rhythmischen Bilder“ bedeuten die endgültige Abkehr des Künstlers von der gegenständlichen Kunst – so auch das zur Auktion kommende Werk „Einklang“ von 1953.

VON PETRA SCHÄPERS UND SUSANNE ZIMMERMANN

E

rnst Wilhelm Nay (1902–1968) gehört jener Künstlergeneration an, deren Œuvre sich von der Gegenständlichkeit vor dem Zweiten Weltkrieg, in dem es zu einer Verfemung ihres Werkes kam, hin zur abstrakten Kunst entwickelte. Er verstand es, seine durchkonstruierte Theorie der Malerei in eine meisterhaft freie Setzung der Farbe umzuwandeln. Für Nay war die schöpferische Theorie niemals eine Fessel, sondern ein Regulativ für das „Machen“ des Bildes – „Bilder kommen aus Bildern“ (Nay 1962).

Im Nationalsozialismus als „entartet“ diffamiert, verbrachte Nay Zeit im Ausland, auf den norwegischen Lofoten. Mit den frühen Lofoten- und HekateBildern, benannt nach einem mythologisch geprägten Bild des Künstlers, bewegte sich Ernst Wilhelm Nay in den 1940er- und 1950er-Jahren noch im expressio­ nistisch-surrealistischen Bereich der Malerei, wobei das Figürliche zugunsten des Ausdrucks der reinen Farbe immer weiter in den Hintergrund drängte. Der Umzug 1951 aus dem ländlichen Taunus in das in Wiederaufbau- und Aufbruchstimmung befindliche Köln bewirkte bei Nay die endgültige Befreiung von allen gegenständlichen Bildformen.

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Das Werk „Einklang“ von 1953 ist in der Phase der „Rhythmischen Bilder“ zuzuordnen. Das kompositorische Prinzip steht bei dieser Serie ab 1952 im Vordergrund. Der bewegte Rhythmus der Serie drückt sich in kleineren, vereinzelt und in Relation gesetzten elementaren Farbformen aus, die von den schwarzen Linienstrukturen taktgebend umspielt werden. Die Primärfarben Blau, Gelb und Rot bilden bei „Einklang“ den Auftakt im oberen linken Bilddrittel. Die auf die Fläche getupften roten ovalen Formen treffen auf ein kaltes Grün, das durch den schwarzen Tupfen mittig wiederum in Verbindung mit den zwei dunkelblauen Farbformen steht. Unterstrichen wird die Verbindung durch das durchlaufende schwarze Liniengefüge. Das Goldocker ist das verbindende Element der kalten und warmen Farben und verknüpft die einzelnen Form- und Farbelemente miteinander.

Die auf die schwarzen Flächen aufgelegten kleinteiligen weißen Strichformen führen zu einer flüchtigen Beunruhigung der Komposition, ähnlich einem Staccato in der Musik.

Durch die intensive Auseinandersetzung mit klassischer, aber auch mit progressiver Musik tritt das improvisatorische Element immer weiter in den Hintergrund, aus der strengen Komposition ergibt sich eine Staffelung des Flächenreliefs. Der Gestaltwert der Farbe – so auch der Titel von Nays theoretischem Manifest von 1955 – spielt in seinen „Rhythmischen Bildern“ eine ausschlaggebende Rolle. Der erste Farbtupfen, den Nay setzt, macht aus der Fläche einen Grund; kommt ein zweiter hinzu, wird der Illusionswert der Farbe sichtbar. Über seine Arbeiten zu Beginn der 1950er schreibt Nay 1955 in seinem Manifest: „Warm und Kalt stehen sich im Verhältnis 3:2 gegenüber. […] die Balance der gesamten Farbfläche entwickelt sich durch Greifen und Hinübergreifen der Farben zu einander. Eine Farbkomposition entsteht.“ Petra Schäpers ist Expertin für Zeitgenössische Kunst sowie Leiterin der Dorotheum Repräsentanz in Düsseldorf, Susanne Zimmermann arbeitet dort als Kunsthistorikerin.

AUKTION Zeitgenössische Kunst 2 7. N o v e m b e r 2 0 1 8

Ernst-Wilhelm Nay Einklang , 1953 Öl auf Leinwand, 100 x 120 cm Schätzwert € 200.000 – 300.000

„Das Bild muss Figur haben. Figur ist Sache der Erfindung, erfundene Gestalt der Fläche.

Figur erfinden ist die Freiheit des Künstlers, sie z u g e n i e ß e n i s t d i e F r e i h e i t d e s B e t r a c h t e r s .“ N A Y, 1 9 5 4

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VERSAMMELTE GRÖSSEN

1952

Mercedes-Benz 300 S Roadster

1954

Mercedes-Benz 300 b Cabriolet D

1954

Mercedes-Benz 220 Cabriolet A

1955

Mercedes-Benz 300 SL Coupé

1957

Mercedes-Benz 300 SL Roadster

1957

Mercedes-Benz 220 S Cabriolet

1958 Mercedes-Benz 220 SE Cabriolet 1964 Mercedes-Benz 600 Pullman

Das Beste von Mercedes-Benz vereint die Sammlung Wiesenthal. 13 Spitzenkarossen der traditionsreichen Wiener Autohändlerdynastie werden in der November-Auktionswoche des Dorotheum versteigert.

W

Sie beginnt schon in den 1920er-Jahren, als Günther Wiesenthal zunächst Teilhaber der Mercedes-Benz-Vertretungen in Prag und Wien wird, später die Motor Import Gesellschaft in Wien grün-

Mercedes-Benz 230 SL

1970

Mercedes-Benz 280 SE 3.5 Cabriolet

1977

M e rc e d e s - B e n z 4 5 0 S LC

1979

Mercedes-Benz 450 SEL 6.9

1986 Mercedes-Benz 560 SEL

VON WOLFGANG HUMER

105, W119, W2008, W7990 etc., kleine, alte, schwarze Wiener Kennzeichen.

Man sah sie zuletzt nur noch selten auf Wiens Straßen, doch wo sie auftauchten, sorgten sie stets für Aufsehen, ob der Nummern, viel mehr aber noch ob der Automobile, an denen sie montiert sind. Die Rede ist von den Fahrzeugen aus dem Hause Wiesenthal, einer Sammlung, die über ein halbes Jahrhundert gewachsen ist, einer Sammlung, die nicht nur hierzulande ihresgleichen sucht. Dies ist ihre Geschichte:

1965

det und weitere Filialen in der damaligen Tschechoslowakei eröffnet. 1932 wird er zum Geschäftsführer der österreichischen Vertriebsgesellschaft ernannt, drei Jahre später geht der Aufstieg rasant weiter, als ihn die Mercedes-Benz AG als Exportleiter nach Stuttgart holt.

Troststraße im 10. Gemeindebezirk. Noch im selben Jahr stirbt er an Leukämie und vererbt 50 Prozent des Salzburger Zentralbüros an Georg Pappas. Seither ist MercedesBenz in Österreich in Ost und West geteilt.

Die Geschäfte im Osten führt nach seinem Tod seine Frau Hilde weiter.

Nach dem Krieg kehrt Günther Wiesenthal nach Österreich zurück, gründet 1955 in Salzburg das Mercedes-Benz Zentralbüro, doch nur drei Jahre später folgt er wieder dem Ruf aus der Ferne. 1958 wird er erster Präsident von Mercedes-Benz of North America und macht seinen Mitarbeiter Georg Pappas zum Geschäftsführer in Salzburg.

Ab 1972 leiten Tochter Susanne SulkeWiesenthal und Patrick Graf Douglas die Geschicke des Unternehmens und wagen ebenfalls den Schritt in die Neue Welt. Mit dem Erfolg von EuroMotorcars wird aus dem Familienbetrieb in Wien ein Weltkonzern. Auf der Leidenschaft der beiden gründet auch die Sammlung, wie wir sie heute vorfinden. In den ausgehenden 1970er-Jahren gesellen sich zu den Fahrzeugen aus dem Familienbestand zusehends Neuanschaffungen. Zu Ponton- und

1960 übernimmt Günther Wiesenthal die Wiener Niederlassung F. K. Wittke und legt den Grundstein für das Stammhaus in der

Heckflossen-Coupés kommen jene Stücke, die stets die Speerspitze der Marke waren: ein 300 S, seinerzeit das teuerste Auto der Welt, ein 600 Pullman, mit dem Kennzeichen W1000 zehn Jahre lang der erste Wagen im Lande, bis hin zu zwei 300 SL, dem elften gebauten Roadster und einem Coupé, dem legendären Flügeltürer.

Bis zu ihrem Tod haben Susanne SulkeWiesenthal und Patrick Graf Douglas die Sammlung Wiesenthal erweitert. Heute bietet sie einen Querschnitt durch die Nachkriegsmodellgeschichte von Mercedes-Benz: 13 Fahrzeuge, stets die Topmodelle, nur das Beste vom Besten, manche wunderschön restauriert, andere gänzlich original, alle von bester Provenienz.

Wolfgang Humer ist Oldtimer-Experte im Dorotheum.

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GESPRÄCHS STOFF Vittorio Matteo Corcos ist bekannt für seine Porträts eleganter D a m e n d e r P a r i s e r G e s e l l s c h a f t d e s 1 9. J a h r h u n d e r t s , d e re n Schönheit er bis ins kleinste Detail festhielt. Das Gemälde, das am 24. Oktober 2018 im Dorotheum versteigert wird, begründete seinen Ruhm über Europas Grenzen hinaus und insbesondere in amerikanischen Sammlerkreisen.

VON GAUTIER GENDEBIEN

A

ls das Gemälde „Dis-moi tout!“ (Erzähl mir alles!) im Jahr 1883 entstand, arbeitete Vittorio Matteo Corcos (1859–1933) für den Kunsthändler Adolphe Goupil: Das Unternehmen Goupil & Cie war 1861 gegründet und später nach Goupils Schwiegersöhnen Boussod und Valadon umbenannt worden.

Vincent van Goghs Bruder Theo erwarb das Bild und das gleich große Zwillingsbild „Nous verrons“ (Wir werden sehen) für die Galerie Goupil. Die Werke gingen anschließend an den amerikanischen Kunsthändler Charles Field Haseltine.

1884 ließ die Galerie Boussod, Valadon & Cie Farbkopien der beiden Bilder anfertigen, um ein größeres Publikum zu erreichen. Bald darauf war Corcos international bekannt, insbesondere im rasch wachsenden Kreis wohlhabender amerikanischer Sammler, die Paris besuchten.

Corcos studierte an der Accademia di Belle Arti in Florenz und unter Domenico Morelli in Neapel. Von 1880 bis 1886 lebte er in Paris und traf dort auf Édouard Manet, Edgar Degas und die Italiener Giuseppe De Nittis und Giovanni Boldini, die seine Arbeit nachhaltig beeinflussten.

Corcos wurde auch vom bekannten Porträtmaler der Pariser Gesellschaft Léon Bonnat inspiriert und genoss alsbald selbst den Ruf eines führenden Künstlers, er galt als „Maler anmutiger Damen“. Er unterzeichnete einen 15-JahresVertrag mit Goupil, der viele seiner Bilder an europäische und amerikanische Sammler verkaufte. Die Pariser Zeit gilt als seine stärkste Schaffensperiode.

Damals waren Corcos’ Arbeiten dank ihrer kompositorischen Finesse und technischen Vollendung heiß begehrt.

AUKTION Gemälde des 1 9. J a h r h u n d e r t s 24. Oktober 2018

Vittorio Matteo Corcos Dis-moi tout!, 1883 Öl auf Leinwand, 93 x 60 cm Schätzwert € 200.000 – 300.000

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Vittorio Matteo Corcos Porträt von Diane de la Bouchère, 1903 Öl auf Leinwand, 225 x 148 cm erzielter Preis € 186.000

Vittorio Matteo Corcos Unterhaltung im Jardin du Luxembourg, 1892 Öl auf Leinwand, 171 x 140 cm erzielter Preis € 191.300

Das angebotene Bild zeigt zwei junge Schönheiten in eleganten BelleÉpoque-Kleidern und emotionaler Ergriffenheit. Eine der beiden Damen auf der Meeresterrasse wirft ihren Blick einem Dampfer am Horizont nach, auf dem sich wohl ihr Liebster befindet; ihre Freundin hält ihr zum Trost die Hände; die volle Aufmerksamkeit des Künstlers gilt aber den prächtigen Satinkleidern.

Bei seiner Rückkehr nach Italien im Jahr 1886 genoss Corcos den Ruf eines großen Künstlers. 1887 heiratete er Emma Ciabatti, verwitwete Rotigliano, und kam dadurch mit Intellektuellen wie Gabriele D’Annunzio in Kontakt. Seine Porträts erfreuten sich in der Florentiner feinen Gesellschaft und Aristokratie großer Beliebtheit, wo der Künstler zahlreiche Aufträge lukrierte. Vittorio Corcos gilt als einer der führenden italienischen Maler der Jahrhundertwende.

Gautier Gendebien ist Experte für Gemälde des 19. Jahrhunderts im Dorotheum.

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GUTE NACHRICHTEN

Ferdinand Georg Waldmüller Die Briefleserin, 1860 Öl auf Holz, 51 x 45 cm Schätzwert € 280.000 – 350.000

Die intimen Alltagsszenen und Gemütsstimmungen, die Ferdinand G e o r g Wa l d m ü l l e r i n s e i n e r K u n s t e r z e u g t , p rä g e n d a s Ve r s t ä n d n i s d e r Biedermeierzeit bis heute. Zwei späte Arbeiten des Künstlers, die nun z u r A u k t i o n g e l a n g e n , s i n d r e p r ä s e n t a t i v e B e i s p i e l e d a f ü r.

V O N K AT H A R I N A N O R D H O F E N

G

ute Nachrichten für Liebhaber der Kunst des Wiener Biedermeiers: Die beiden bekanntesten Maler dieser Zeit, Ferdinand Georg Waldmüller (1793–1865) und Friedrich von Amerling (1803–1887), sind in der kommenden Auktion Gemälde des 19. Jahrhunderts mit insgesamt fünf Werken stark vertreten.

Mit der „Briefleserin“ lässt uns Waldmüller in ein kostbares großbürgerliches Interieur blicken. In meisterhafter Lichtregie bringt er die verschiedenen Stoffe zum Leuchten: Samtige Teppiche und üppige Blumenbouquets schaffen eine großzügige Atmosphäre.

Der malerische Fokus des Bildes liegt jedoch auf dem strahlenden Seidenkleid der jungen Dame, in dessen tiefen Rockfalten sich das Licht fängt und die Farben des umgebenden Raumes reflektiert werden. Emotional dreht sich alles um den Brief: Das Gesicht der Empfängerin ist vor Freude und Aufregung gerötet, ihre Augen strahlen. Der Brief scheint wohl gute Nachricht zu überbringen. Angesichts der freudigen Reaktion der Dame lächelt die Dienerin im Hintergrund verschmitzt.

Das einfachere Interieur des Gemäldes „Kinderzärtlichkeit“ von 1863 gibt Waldmüller mit ebenso großer Beobachtungsgabe wieder wie den Salon der Brief­leserin. Den simplen Dielenboden und die schlichte Kleidung der Familie fängt er mit flüssigem Pinselstrich ein. Im Zentrum des Bildes steht ein alltäglicher liebevoller Moment zwischen einer Mutter und ihren zwei Kindern. Stürmisch schmiegt sich der ältere Bruder an sein Geschwisterchen, das die Mutter auf dem Schoß hält. Ein kleiner Veilchenstrauß steht in einem Wasserglas auf dem Tisch, vielleicht ein Geschenk des Knaben an seine Mutter. Bei diesem Gemälde handelt es sich um eine Variation des Sujets, das sein beliebtes Bild „Mutterglück“ zum Inhalt hat.

Alle Werke Waldmüllers in der Auktion gehören seinem Spätwerk an, sie stammen aus der Phase nach seinem Konflikt 1857 mit der Wiener Akademie. In mehreren mutigen Veröffentlichungen hatte er sich für Reformen und mehr Mitbestimmung der Künstler im akademischen Betrieb ausgesprochen. Dabei war er wohl zu weit gegangen, er wurde „zwangspensioniert“. Daraufhin

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3007

Ferdinand Georg Waldmüller Kinderzärtlichkeit, 1863 Öl auf Holz, 47,5 x 38 cm Schätzwert € 140.000 – 180.000

AUKTION Gemälde des 1 9. J a h r h u n d e r t s 24. Oktober 2018

Information: Dimitra Reimüller und Christl Wolf Expertinnen für Gemälde des 19. Jahrhunder ts

I D E E N B R A U C H E N R A U M

zog sich Waldmüller nach Hinterbrühl bei Mödling zurück und wandte sich wieder verstärkt Genrebildern zu. Bildthemen des häuslichen Glücks und der Mutterliebe bildeten nun einen deutlichen Schwerpunkt seines Schaffens. In diesen überaus positiven Werken ist von seinen Schwierigkeiten nichts zu erahnen. 1864, ein Jahr vor seinem Tode, wurde er schließlich von Kaiser Franz Joseph I. rehabilitiert.

www.bai.at

Katharina Nordhofen ist Kunsthistorikerin in der Abteilung Gemälde des 19. Jahrhunderts im Dorotheum.

Künstler zu „Ideen brauchen Raum” / Michail Michailov, Untitled#33 (from the series chameleon), 2017

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ein Lebensweg sollte Mario Schifano von Libyen bis nach New York führen, immer wieder aber stand Rom im Mittelpunkt, die „ewige Stadt“: 1934 im Nordwesten Libyens geboren, wurde Rom bereits in jungen Jahren zu Mario Schifanos neuer Heimat, der er bis zu seinem Tod 1998 treu blieb.

Schifano gehörte mit Künstlern wie Franco Angeli und Tano Festa der „Scuola Romana“ an, die sich ganz der Kunst des Informel und damit dem Expressionismus verschrieben hatte. Schifanos Malweise wurde damit in Richtung des französischen Nouveau Réalisme gelenkt.

Ab 1959 waren Werke Schifanos in Einzel- und Gruppenausstellungen auf der ganzen Welt vertreten. Ein Highlight und einen Meilenstein in seiner Karriere stellte sicherlich die Teilnahme an der „New Realists“-Schau in der Sidney Janis Gallery in New York 1962 dar, wo seine Werke neben jenen internationaler Größen wie Andy Warhol oder Roy Lichtenstein präsentiert wurden. „ P o p A r t k a m s p ä t e r, m i t S i d n e y J a n i s ’ A u s s t e l l u n g ‚T h e N e w R e a l i s t s ‘ i m J a h r 1962 . Da waren Warhol, Rosenquist, Segal, Wesselmann und Lichtenstein vertreten, a b e r a u c h E u r o p ä e r w i e T i n g u e l y. U n d dann war da Mario Schifano, ein junger I t a l i e n e r a u s R o m , Tr a s t e v e r e , k e i n e 3 0 Jahre alt. Er repräsentierte die Avantgarde d e r z e i t g e n ö s s i s c h e n M a l e r e i .“ Plinio de Martis, römischer Galerist und Fotograf

AUKTION Zeitgenössische Kunst 2 7. N o v e m b e r 2 0 1 8

DER 1960ER

Mario Schifano gilt als wichtiger Ver treter der it alienischen Pop Ar t und steht zweifellos repräsentativ für die Malerei der Avantgarde in den 1960er-Jahren. Für Werke des Künstlers kann das Dorotheum regelmäßig hohe Preise erzielen. Nun gelangt wieder e i n e A r b e i t a u s d e n 1960ern im Dorotheum zur Auktion.

S TA R K E S T I M M E

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„ M a r i o s H a u s w a r v o l l e r B ü c h e r, e r m o c h t e B ü c h e r.

Er kaufte sie oder ließ sie sich schenken. Er hatte viele illustrierte Bücher über den Futurismus, daraus sind auch die Bilder mit den bewegten Schablonen nach der Art Ballas entstanden. Giacomo Balla war einige Jahre davor verstorben; er hatte in der V i a O s l a v i a i m r ö m i s c h e n S t a d t v i e r t e l P r a t i g e l e b t .“ Mario Schifano A la Balla (Diptychon), 1965 Emailfarbe und Graphit auf Leinwand, 152,5 x 203,5 cm Schätzwert € 150.000 – 250.000

M e m m o M a n c i n i , „ M e i s t e r d e r F a r b e n “. E r s c h u f d a s M a t e r i a l f ü r B a l t h u s , G i o r g i o d e C h i r i c o , R o b e r t R a u s c h e n b e r g , C y Tw o m b l y , Franco Angeli und Renato Guttuso.

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„Mario sprach dauernd von Rauschenberg, Jasper Johns … Er träumte von Amerika.

E i n e s Ta g e s s a g t e i c h z u i h m : ‚ M e i n e C o u s i n e l e b t i n N e w Yo r k …‘ W i r b e s c h l o s s e n h i n z u fahren. Das war im Dezember 1963; Präsident Kennedy war gerade erschossen worden.

N a c h s e i n e r R ü c k k e h r a u s N e w Yo r k w u r d e Schifano in Rom zu einem zentralen Pol des mondänen Stadtlebens. Die mittleren Sechzigerjahre waren eine extrem kreative P h a s e . E r f e r t i g te A r b e i te n a n , d i e a l s Vo r reiter einer eigenständigen römischen oder gar europäischen Pop Art gelten konnten: Leonardo, die Hommagen an Giacomo Balla, die Peasaggi anemici, der Futurismo rivisitato wurden zu Paradigmen eines italienischen Zugangs zur neuen urbanen Landschaft. In jenen Jahren stand Schifano beim Galeristen Giorgio Marconi u n t e r V e r t r a g .“

Mario Schifano New York City, 1965 Mischtechnik mit Emailmalerei auf Leinwand (zweiteilig), 220 x 300 cm erzielter Preis € 360.000 (Rekordpreis, 2005)

Information: Alessandro Rizzi Experte für Moderne und Zeitgenössische Kunst

© Sabine Klimpt

Der Aufenthalt in New York und die Wirkung der amerikanischen Pop Art gingen nicht spurlos an Mario Schifano vorüber. Von da an verwendete er in seinen Arbeiten unter anderem Motive aus der Werbeindustrie und Elemente, die auf die Technisierung der Zivilisation anspielten. Zugleich erinnert sein Werk an Größen der Kunstgeschichte wie Piero della Francesca und Kasimir Malevich, Marcel Duchamp und Francis Picabia, Giacomo Balla und die Futuristen.

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Mario Schifano Incidente (Diptychon), 1963 Emailfarbe auf Papier auf Leinwand, 200 x 200 cm erzielter Preis € 446.800 (Rekordpreis, 2013)

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DAME MIT GEHEIMNIS Anthonis van Dyck gilt als der bekannteste und einflussreichste Porträtmaler seiner Zeit. Sein „Bildnis einer Dame mit Papagei“ ist einer der Höhepunkte der Dorotheum-Auktion Alte Meister im Oktober und als Neuentdeckung eine kunsthistorische Sensation. Wer die Dargestellte tatsächlich ist, darüber lässt sich nur spekulieren.

D

as „Bildnis einer Dame mit Papagei“ stellt einen wichtigen Neuzugang zum Werkkorpus Anthonis van Dycks dar und ist auch wegen seiner Entstehungszeit von großer Bedeutung: Es wurde während des ersten Antwerpen-Aufenthalts van Dycks von etwa 1615 bis 1621 geschaffen. In dieser wichtigen künstlerischen Entwicklungsphase machte van Dyck sich mit einer auf Porträts spezialisierten Werkstatt selbstständig und arbeitete nebenbei für das Atelier des bedeutendsten europäischen Vertreters großformatiger Historienmalerei, Peter Paul Rubens.

Möglicherweise erkannte der Meister Peter Paul Rubens das große Talent van Dycks und legte seinem Schützling das Genre Porträtmalerei ans Herz.

Vermutlich öffnete Rubens dem aufstrebenden Künstler auch Zutritt zu seinem eigenen Netz potenter Kunden und ermöglichte ihm auf diese Weise, als Porträtist zu reüssieren. Zu van Dycks Auftraggebern zählten bald Königs- und Adelshäuser sowie betuchte Bürger von Rang und Namen aus Kontinentaleuropa und England.

Bereits 1620 wurde er nach England eingeladen und war dort am Hof König Jakobs I. tätig. Von Oktober 1620 bis Februar 1621 blieb van Dyck in England, Ende 1621 brach er nach Italien auf, um sich dort sechs Jahre lang als Porträtmaler zu betätigen. Nach seiner Rückkehr nach Antwerpen im Juli 1627 wurde er Hofmaler in Brüssel und Den Haag. 1631 begab sich van Dyck auf Einladung König Karls I. abermals nach England, wo er bis zu seinem Tod in London überaus produktiv arbeitete. Im Jahr 1641 starb er als berühmtester und einflussreichster Porträtmaler seiner Zeit.

Information: Mark MacDonnell, Experte für Alte Meister

Das prächtige Gemälde „Bildnis einer Dame mit Papagei“ zeigt stilistisch eine große Nähe zu van Dycks Porträts der Isabella Brant und der Susanna Fourment mit Tochter. Auch in anderen Werken findet sich die für die Mode der 1620er-Jahre charakteristische Kombination von „Mühlsteinkrause“, Spitzenmanschetten, perlenbesetzter Kopfbedeckung und goldbesticktem Korsett, wie es die Dargestellte trägt.

Bislang ist die Identität der Porträtierten mit Augen von unterschiedlicher Farbe ungeklärt. Die Ringe an den Händen lassen auf einen Gemahl schließen, von dem vermutlich ein Pendant existiert. Vielleicht ist das Gegenstück mit dem Gemahl auch zerstört worden oder verschollen.

Das „Bildnis einer Dame mit Papagei“ stand einst im Besitz der historischen Arenberg-Sammlung; danach verliert sich seine Spur. Möglicherweise gehörte die Porträtierte dem Haus Arenberg an. Wir wissen, dass Anthonis van Dyck – wie sein Mentor Peter Paul Rubens – für die Familie Arbeiten anfertigte, allen voran für Albert de Ligne, Fürst von Arenberg und Barbançon.

Rubens war als Knabe Page der Herzogin Margaretha de Ligne-Arenberg gewesen und pflog 1616, als der junge van Dyck bereits in seinen Diensten stand, engen Kontakt zu Philipp-Karl von Arenberg, Herzog von Aarschot. Derselbe Philipp-Karl von Arenberg heiratete 1620, fünf Jahre nach dem Tod seiner ersten Frau, ein zweites Mal, und zwar Isabelle Claire de Berlaymont, Comtesse de Lalaing.

Vielleicht gab er ja anlässlich dieser Verbindung dieses Bildnis beim jungen Anthonis van Dyck in Auftrag. Handelt es sich bei der Porträtierten um die frisch vermählte Comtesse? Wir können nur spekulieren …

AUKTION Alte Meister 23. Oktober 2018

Anthonis van Dyck Bildnis einer Dame mit einem Papagei Öl auf Holz, 121 x 88 cm Schätzwert € 400.000 – 600.000

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DESIGNZEITREISE Seltener, früher Stuhl Mod. Beugel Stoel / BEUGELSTOEL Entwurf Gerrit Thomas Rietveld, 1927 Ausführung Metz & Co Niederlande, um 1930 Schätzwert € 12.000 – 15.000

Wollte man eine Zeitreise durch die Designgeschichte seit Anfang des 20. Jahrhunderts machen, das Dorotheum wäre der r i c h t i g e O r t d a f ü r. I n s e i n e r H e r b s t - D e s i g n a u k t i o n w a r t e t e s m i t a u s g e wä h l t e n O b j e k t e n a u s v e r s c h i e d e n e n S a m m l u n g e n a u f.

V O N M AT H I A S H A R N I S C H

om Bauhaus bis zu den Zeitgenossen: Die Dorotheum-Designauktion am 7. November 2018 präsentiert ein Panoptikum des modernen und aktuellen Designs.

V

Bestandteil der Auktion wird unter anderem der aus deutschem Privatbesitz stammende Prototyp des Bücherregals „This Mortal Coil“ von 1993 sein, das von Ron Arad Associates in limitierter Serie produziert wurde.

Da wären einmal Objekte Ron Arads, des 1951 in Tel Aviv geborenen Designers und Architekten. Er studierte an der staatlichen Bezalel Academy of Arts and Design und besuchte später die Architectural Association School of Architecture (AA) in London, die älteste unabhängige Architekturschule Großbritanniens. 1981 gründete er gemeinsam mit Caroline Thormann das Design- und Produktionsstudio One Off und 1989 Ron Arad Associates.

Das Bücherregal besteht aus einem gebogenen Stahlband, das schneckenförmig aufgerollt und mit Querverbindungen als Buchstützen versehen ist. „This Mortal Coil“ stammt aus jener Schaffensperiode Ron Arads, in der er vermehrt Beobachtungen und Erkenntnisse aus der Natur in seine Entwürfe einfließen ließ. In dieser Zeit entstanden auch die Chaiselongue „Beware of the Dog” und das Wandregal „Bookworm“. In ihrer Silhouette nehmen sie einen ähnlichen

Grundgedanken auf, ohne dass dabei der Unikatcharakter von Arads Arbeiten verloren geht.

Neben limitierten Editionen im Rahmen seiner Studioarbeiten sowie Skulpturen für den öffentlichen Raum entwarf und entwirft Ron Arad für weltbekannte Unternehmen wie Vitra, Fiam, Moroso, Alessi, Cappellini, Cassina, Magis, Kartell und WMF. Einer seiner frühen Serienproduktionen gehört auch der „Well Tempered Chair“ für Vitra an.

This Mortal Coil, Prototyp Bücherregal Entwurf Ron Arad, 1993 Konstruktion aus patiniertem Stahl ca. 260 x 170 x 33 cm Schätzwert € 100.000 – 150.000

Well Tempered Chair Entwurf Ron Arad, 1986 für Vitra Edition 1986–1993 Stahlblechbahnen, Flügelschrauben, Gummileisten ca. 80 x 98,5 x 80 x 48 cm Schätzwert € 9.000 – 12.000

Im Segment Bauhaus sticht das seltene frühe Sitzmöbel „Beugel Stoel“ hervor, 1927 von Gerrit Thomas Rietveld entworfen. Das zur Auktion kommende Exemplar, in den 1930er-Jahren von der Firma Metz & Co ausgeführt, entstammt der Sammlung von Frank Müsers, der eine der ersten Galerien für Bauhaus-Objekte führte. Mit Alexander von Vegesack verfasste er das Standardwerk „Deutsche Stahlrohrmöbel“ (1993).

Weiters werden in der Designauktion im November Objekte aus der Sammlung des namhaften Wiener DesignhändlerPioniers Peter Teichgräber vertreten sein. Im Juni 2018 kam bereits der erste Teil der Kollektion mit Werken von Matteo Thun, Javier Mariscal und Ettore Sottsass als Vertretern der Gruppe Memphis Milano, mit Objektmöbeln von Wolfgang Laubersheimer und Werken von Paul Etienne Lincoln, Helmut Palla sowie Peter Weibel zur Versteigerung. Nun folgt Teil zwei der Teichgräber-Sammlung mit Objekten von Massimo Iosa Ghini, George J. Sowden, Andrea Branzi, Anna Anselmi und Mario Terzic.

Krönenden Abschluss der November-Auktion bildet schließlich zeitgenössisches Design. Vertreten sind unter anderem Arbeiten von Gilbert Bretterbauer, Oskar Zieta, Luigi Colani, Patrick Rampelotto, Bernhard Hausegger, Eva Renée Nele Bode und Alfonzo Conzeta.

Mathias Harnisch ist Design-Experte im Dorotheum.

AUKTION Design 7. N o v e m b e r 2 0 1 8

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LEBENS F RE UD E

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irft man den Blick auf Renoirs (1841–1919) Kunst, so spürt man deutlich den Esprit der Zeit, das Savoir-vivre, den Chic und Charme der französischen Damen und die Empfehlung Gustave Courbets, nach dem Leben und dem bewegten Modell zu malen. Renoir rückt das Private ins Öffentliche, macht persönliche Beziehungen, Begegnungen für den Betrachter erlebbar.

1841 wird Renoir in Limoges geboren, drei Jahre später zieht die Familie nach Paris, wo sein Sein als Künstler mit der Lehre zum Porzellanmaler seinen Anfang nimmt. Renoir wird als Kopist im Louvre zugelassen, studiert Fragonard, Boucher und Rubens – Glaubt man nicht den großen Maler in Renoirs Aktdarstellungen

AUKTION Klassische Moderne 28. November 2018

Information: Alessandro Rizzi Experte für Moderne und Zeitgenössische Kunst

Pierre-Auguste Renoir Femme nue assise vue de trois-quarts, 1915–1919 Öl auf Leinwand, 31 x 26 cm Schätzwert € 170.000 – 220.000

Pierre-Auguste Renoir steht für Frankreich und dessen Kunst; seine Darstellungen, sein Blick und seine Bildauswahl prägen das Bild, das man heute vom Frankreich E n d e d e s 1 9. , A n fa n g d e s 2 0 . J a h r h u n d e r t s hat. Zwei Arbeiten Renoirs kommen am 28. November 2018 nun zur Auktion.

auch viel später immer wieder zu erkennen? – und wird schließlich in die École des Beaux-Arts aufgenommen, wo er Monet, Sisley und Bazille kennenlernt.

Diese Freundschaften prägen die Kunst Pierre-Auguste Renoirs, die Freilichtmalerei im Wald von Fontainebleau, die Auswahl der Sujets, die Kunst, das Licht einzufangen, machen ihn zu einem Maler des Impressionismus.

Die Bilder, die am 28. November 2018 zur Auktion gelangen, entstammen dem Spätwerk des Künstlers. Seine Kunst findet damals bereits allgemein Anerkennung, die Suche nach dem Paradies abseits des Alltags führt ihn in idyllische Landschaften. Die Schönheit dieser späten Gemälde ist von der Kraft der Farben geprägt; locker und offen führt er den Pinsel, lässt das Bild

VON MARIE-SOPHIE ENGEL im Licht erstrahlen. Die Arbeit „Golfe, mer, falaises vertes“ aus 1895 ist ein schönes Beispiel hierfür.

Renoirs Aktdarstellungen bestechen durch ihre Natürlichkeit. Er lässt die Figur und ihre Umwelt eins werden, der aufgelöste Raum unterstreicht das Träumerische der Porträtierten. Die üppigen weiblichen Figuren, die an Göttinnen der Antike denken lassen, scheinen wie Traumbilder des von rheumatischen Gelenksentzündungen geplagten Künstlers, der versucht, abgemagert und mit verkrümmter Hand, das Leben in seiner Fülle bis zuletzt einzufangen.

Marie-Sophie Engel ist Kunsthistorikerin im Dorotheum.

Pierre-Auguste Renoir Golfe, mer, falaises vertes, 1895 Öl auf Leinwand, 27 x 40 cm Schätzwert € 120.000 – 160.000

UNMÖGLICH 39 Blumen, verschieden in Farbe, Größe und Form. Der wesentlichste Unterschied liegt aber im Zeitpunkt ihrer Blüte. Jan Brueghel II. fasst sie alle in einem Arrangement zusammen, das es so nicht geben kann … und das an Schönheit nicht zu überbieten ist.

VON DAMIAN BRENNINKMEYER

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as Gemälde Jan Brueghels II. (1601–1678) zeigt ein Bouquet aus rund 40 verschiedenen prachtvollen Blumen. Ihre natürlich scheinende Zusammenstellung täuscht und muss auf den flämischen Betrachter des 17. Jahrhunderts befremdlich gewirkt haben, da die dargestellten Blumen nicht zur selben Zeit in Blüte standen. Vielmehr dürfte der Künstler sie aus etlichen im Jahresverlauf angefertigten Skizzen zum Abbild einer Wirklichkeit zusammengetragen haben, die so nicht existiert. Sie zusammen in einem Bouquet zu sehen, war aus botanischer Sicht unmöglich.

Blumenstillleben dieser Art erfreuten sich im 17. Jahrhundert großer Beliebtheit, zeugen sie doch vom Anliegen der Botaniker, den schier unersättlichen Bedarf an neuen, farbenfrohen Blumenkombinationen durch den regen Handel mit Samen und Knollen zu stillen. In den 1630erJahren wurden für bestimmte Blumenarten Unsummen bezahlt; nicht selten kostete eine Tulpenzwiebel so viel wie ein herrschaftliches Haus in Amsterdam.

Der glückliche Besitzer dieses Brueghel’schen Stilllebens sollte sich das ganze Jahr über am Anblick der Farbenpracht erfreuen, während die echten Blumen längst verwelkt waren.

Damian Brenninkmeyer ist Experte für Alte Meister im Dorotheum.

Jan Brueghel II. Blumenarrangement in einem Korb mit Tazza Öl auf Holz, 59 x 86,5 cm Schätzwert € 180.000 – 250.000

AUKTION Alte Meister 23. Oktober 2018

1 ROTE GARTENNELKE 2 ZWEIFARBIGE GARTENNELKE 3 ZWEIFARBIGE GARTENNELKE 4 APOTHEKER-ROSE 5 WEISSE PARKROSE 6 MAIGLÖCKCHEN 7 GELBE ROSE 8 PFEIFENSTRAUCH 9 STERN-ANEMONE 10 GEMEINE WEGWARTE 11 RINGELBLUME 12 ALBA-ROSE 13 ECHTER JASMIN 14 BLAUSTERN 15 STERNANEMONE 16 ACKER-GLADIOLE 17 KLEINES IMMERGRÜN 18 ARMENISCHE TULPE 19 KRONEN-ANEMONE 20 ORANGENB LÜ T E 2 1 KO R N B LU M E 2 2 F E U E R L I L I E 2 3 G A R T E N N E L K E 24 SILBERBLÄTTER 25 ROSE 26 BARTNELKE 27 SOMMERKNOTEN-BLUME 28 FLIEDER 29 SCHWARZKÜMMEL 30 ROSMARIN 31 BORAGE 32 WILDES STIEFMÜTTERCHEN 33 BRENNENDE LIEBE 34 ROTE GARTENNELKE 35 LEVKOJE 36 VERGISSMEINNICHT 3 7 K A R TÄ U S E R N E L K E 38 WEINROSE 39 FRANZÖSISCHES LEIMKRAUT 40 MOSCHUSBOCK

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Fernando Botero Rauchender Mann, 1998 Öl auf Leinwand, 39,5 x 31 cm Schätzwert € 70.000 – 100.000

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as Werk des Malers Fernando Botero (* 1932) packt uns im wahrsten Sinne mit seinen feisten Händen und nimmt uns auf eine Reise mit, die den intimsten Bereich der buchstäblich keine Grenzen kennenden Farbe offenbart.

Er gibt damit seine Prägung durch die venezianische RenaissanceMalerei preis, die den jungen Künstler auf seiner ersten Reise durch Europa – als er die Kunst der Antike erstmals mit eigenen Augen erblickte – tief beeindruckt hat.

Gerade in Italien finden sich jene Einflüsse, die Boteros grundlegende Abstraktion wesentlich bestimmen: klare, leicht zu ergründende Kompositionen, die sich möglicherweise von Piero ableiten; zarte, zurückhaltende Farbtöne; Paletten mit wenigen Farben, die einheitliche Felder ohne Konturen ausfüllen … alles Ingredienzen einer monumental anmutenden Malerei mit intensiver visueller Wirkkraft.

Fernando Botero Stillleben, 1998 Öl auf Leinwand, 36,5 x 49,5 cm Schätzwert € 100.000 – 150.000

In Mexiko hingegen beginnt der Künstler mit der Ausdehnung der Formen und Volumen in seinen Gemälden (und schließlich in seinen Skulpturen) zu experimentieren. Er entwickelt jenen unverwechselbaren Stil, der die – oft direkt dem klassischen Repertoire entnommenen – Figuren verzerrt, und spielt mit den Formveränderungen der Welt, wie Kinder sie sehen: groß, distanziert, plump.

I M FA R B R AU S C H

Die beiden Porträts, die am 27. November 2018 zur Versteigerung gelangen, lassen vor allem Monumentalität und emotionale Distanz erkennen, eine tranceartige Entrückung, frei von Gedanken, benommen und verwirrt, wie sich die Figuren des Künstlers stets zeigen.

Ein wiederkehrendes Thema in Boteros Poetik ist auch das Stillleben, wie er selbst 2010 nach einer der Bildhauerei und den Aquarellen gewidmeten Phase erklärte: „Nach all dem komme ich immer wieder auf die einfachsten Dinge zurück: Stillleben.“ Selbige erweisen sich als Schlüssel für den Künstler, der sich selbst als „den kolumbianischsten der kolumbianischen Künstler“ bezeichnete. Die Farbpalette gibt indes die Richtung für eine bevorzugte Ausdrucksweise an, während die Proportionen neue Wege der Verzerrung und Wiederentdeckung zulassen.

Die Materie ausweiten, sich aus dem eigenen inneren Drang heraus einer Vorstellung nähern – so lässt sich das Werk Fernando Boteros beschreiben. Die Arbeiten des Künstlers muten monumental in Form und Farbigkeit an.

Drei davon kommen im November zur Auktion.

AUKTION Klassische Moderne 28. November 2018

VON ALESSANDRO RIZZI UND A N S P E R TO R A D I C E F O S S AT I

Fernando Botero Society Lady, 2000 Öl auf Leinwand, 33 x 28,5 cm Schätzwert € 70.000 – 100.000

Alessandro Rizzi ist Experte für Klassische Moderne und Zeitgenössische Kunst im Dorotheum.

Ansperto Radice Fossati ist Student der Kunstgeschichte in Mailand.

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Foto: Dan Fontanelli

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Ob Fitness-Studios oder In-Lokale, Basketball oder Boxen, London oder Miami: Joe Fournier legt in a l l e m u n t e r n e h m e r i s c h e L e i d e n s c h a f t a n d e n Ta g – auch als Sammler zeitgenössischer Kunst.

V O N C O N S TA N Z E W E R N E R

HERZENSANGELEGENHEIT

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Blick vom Balkon auf „seine“ Stadt: Selfmade-Multimillionär Joe Fournier vor der Skyline von London

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Wa r u m a u s g e r e c h n e t A i We i w e i ?

Mir gefällt an Ai Weiwei seine eigene Geschichte: dass er verfolgt wurde, dass ihm seine Arbeit möglichst schwer gemacht wurde und er trotzdem, nein, gerade deshalb seine Ziele erreicht hat. Man wird ein Leben lang aus der Bahn geworfen – von Menschen, Gefühlen, gewissen Substanzen, von allem Möglichen. Aber wenn du mental und physisch stark bleibst, schaffst du es trotzdem. Ich hab meine Ziele immer erreicht, und das sicher nicht, weil ich so talentiert bin. Ich hab ein wenig Glück gehabt –

Reproduktion, produktiv: Andy Warhols „Marilyn“ Eine „Ein-Million-Pfund-Lektion“, sagt Joe Fournier: „Edith“ von Damien Hirst, 2008/2009 (Detail)

dafür danke ich Gott –, aber ich arbeite auch hart, verdammt hart. Ich schlafe nur vier Stunden. Keines meiner Projekte ist auf Anhieb rund gelaufen.

Ich feile immer weiter daran, bis es klappt. Das verbindet mich mit Ai Weiwei.

© Getty Images Sport

S i e b e s i t z e n We r ke vo n Kü n s t l e r n e r s t e n R a n ge s . N e n n e n S i e u n s e i n p a a r ?

Ich habe Arbeiten von Damien Hirst, ein paar Warhols … aber die Ai Weiweis sind mir die liebsten. Seine „Überwachungskamera“ aus Marmor ist großartig! Irgendwie hab ich einen Bezug zu seinen Sachen – anders, als wenn ich etwa ins Van Gogh Museum gehe: Ja, es war toll, Van Gogh war sicher unglaublich begabt, ein Ausnahmekünstler, aber ich bin mir nicht sicher, ob seine Arbeiten zur heutigen Zeit passen. Ich brauche etwas, mit dem ich mich identifizieren kann. Das war auch der Grund, warum ich mich überhaupt für Kunst interessiert habe.

Ich muss nicht um jeden Preis Kunst kaufen. Wenn es passt, dann passt es. Ich verkaufe auch nur, wenn

Wenn er etwas anpackt, dann zu 100 Prozent: Joe Fournier in einem Boxkampf, Gewichtsklasse Halbschwergewicht

Ein Favorit aus Fourniers Sammlung von dessen Lieblingskünstler Ai Weiwei: „Überwachungskamera“ aus Marmor, 2015

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Wann haben Sie beschlossen, eine Sammlung daraus zu machen?

Irgendwann hab ich in Großbritannien bei einem Deal viel Geld gemacht und überlegt, wie ich sie investieren soll. Hotels und Grundstücke hatte ich schon, Immobilien waren also uninteressant. Da fragte mich ein Freund: Warum nicht in Kunst investieren? Wir kannten uns seit fünf Jahren, ich

wusste auch, dass er Kunsthändler war, aber wir hatten nie über Kunst gesprochen; ich hatte mich nicht dafür interessiert. Er schlug vor, zum Einstieg ein paar Arbeiten für mich auszusuchen. Er bekam ein Budget von mir und hat es verwendet – für einen Ai Weiwei, um genau zu sein, mit dem ich sehr happy war. Damals lief es gerade nicht so gut mit der Freundin, die mich zur Kunst gebracht hatte. Ich kaufte das große Herz von Damien Hirst, das mit den Schmetterlingen, und schenkte es ihr, nach dem Motto: Gib jemandem ein Bild um eine Million Pfund und du wirst geliebt. Falsch gedacht.

Diese Lektion hat mich eine Million gekostet, aber wenigstens hat sie das Bild dagelassen. Ich habe es übrigens noch. Jedenfalls war Kunst für mich auch eine Herzensangelegenheit. Seit damals wird nach jedem Geschäftsdeal meine Sammlung vergrößert.

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o r o t h e u m my A RT M AG A Z I N E : Sie haben immer wieder das Metier ge we c h s e l t u n d s i n d s te t s i n k ü r z e s te r Ze i t z u m E r f o l g ge ko m m e n .

W i e w u r d e n S i e Ku n s t s a m m l e r ?

Joe Fournier: Meine Ex-Freundin liebt Kunst und hat sich selbst als Künstlerin versucht. Einmal ist sie vorbeigekommen und hat mir ein Bild gemalt.

Ich fand das super, weil ich noch nie von jemandem ein Bild bekommen hatte. Das Ergebnis war richtig gut. Vielleicht nicht Spitzenklasse, aber es hat sich fein an der Wand gemacht. Ein paar Jahre später sind wir nach Venedig und haben dort auch das Guggenheim besucht. Ich dachte immer, Kunst kostet Fantastillionen und ich würde nie in der Kunst-Liga spielen. Aber ich fand Gefallen an den Bildern und hab mir insgeheim eines ausgesucht, dann noch eines … Dann hab ich die Künstler gegoogelt, mir die Preise angesehen, und da wurde mir klar: Moment mal, da geht was!

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der Preis stimmt. Ich bin und bleibe Unternehmer.

Ich kaufe Sachen und sammle sie. Das meiste davon sollen meine Kinder bekommen, wenn ich einmal welche habe. Schließlich soll etwas von mir bleiben.

S e h e n S i e d a s S a m m e l n vo n Ku n s t a u c h a l s I nve s t i t i o n ?

Nein, mir ist es nie darum gegangen, Geld damit zu machen; ich weiß auch nicht, ob das geht. Kunst ist mir zu wenig liquid, um als Anlage zu taugen.

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Joe Fournier i s t e i n b r i t i s c h e r G e s c h ä f t s m a n n u n d M u l t i m i l l i o n ä r, p r o f e s -

Wie läuft das Sammeln bei Ihnen ab?

Ich kaufe sukzessive. Wenn mich etwas anspricht – zum Beispiel im Dorotheum –, kann es leicht sein, dass ich es für die Sammlung haben will. Aber alles zu seiner Zeit. Ich erzwinge nichts, fliege nicht extra nach China oder Tokio, um bei einer Veranstaltung eine Arbeit zu kaufen. Sie muss mich anspringen, wenn ich daran vorbeigehe.

professionelle Boxerkarriere. Laut WBA ist er aktuell der elft-

K u n s t s a m m l e r. G e b o r e n i n L o n d o n , ü b e r s i e d e l t e e r m i t s e i n e n Eltern später für einige prägende Jahre nach Monaco. Nach b e s c h e i d e n e n Ve r h ä l t n i s s e n i m L o n d o n e r S t a d t t e i l H o u n s l o w.

Schon früh begeisterte er sich für Sport. In der Schule begann er mit Basketball, wurde in das englische Nationalteam berufen, das er 43 Mal als Kapitän anführte. In Hounslow eröffnete Fournier ein Fitnessstudio, mit dem er ebenso Furore machte w i e m i t d e m B u c h „T h e R e d C a r p e t W o r k o u t “. C e l e b r i t i e s w i e Gwyneth Paltrow und Paris Hilton zählten zu seinen Kunden.

2012 verkaufte Fournier seine Firma. Er eröffnete Clublokale, unter anderem The Rose Club, Streaky Gin, Bonbonniere London und jüngst Bonbonniere Mykonos. 2015 startete Fournier eine beste Sportler der Gewichtsklasse Halbschwergewicht.

Der auf Social Media hochaktive 35-Jährige, der viele Wohltätigkeitsvereine unterstützt und die Joe Fournier Foundation betreibt, steht vielfach im Rampenlicht, unter anderem als G a s t g e b e r i m b r i t i s c h e n T V.

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Constanze Werner ist Leiterin des International Client Advisory Service des Dorotheum.

Mit Messer auf Leder geritzt: Mark Evans, „100 Yen“, 2016

deren Scheidung lebte Fournier mit seiner Mutter in überaus

S i n d S i e i n d e r Ku n s t s z e n e a k t i v, g e h e n S i e z u Ve r a n s t a l t u n g e n , Ve r n i s s a g e n o d e r Ku n s t p a r t y s ?

Lassen Sie mich ein Beispiel geben, das nichts mit Kunst zu tun hat: Ich konnte Yoga nie leiden – und das wegen der Leute, die sich Yogis nennen, nur weil sie einmal die Woche Yoga machen. Ich steh auf Yoga als Workout, aber ich will nicht dauernd „ommmmm“ brummen und so tun, als wär ich Yoga-Buddhist. Mit der Kunst ist es ähnlich: Wenn man in Galerien geht oder zu Auktionen, muss man auf Künstler machen. Das liegt mir nicht. Ich bin Sportler und Geschäftsmann. Ich bin ungehobelt und martialisch, das Gegenteil eines Kunstmenschen. Deshalb bin ich bei solchen Veranstaltungen auch immer fehl am Platz und nach fünf Minuten gelangweilt.

Sie sollten als nächstes ein Buch schreiben …

Das haben schon viele zu mir gesagt. Aber das Buch gilt es vorher zu füllen. Ich werde entweder Premierminister oder gehe bankrott; wir werden’s bald wissen. Für Kompromisse bin ich jedenfalls nicht zu haben.

„Kunst muss mich anspringen, wenn ich daran vorbeigehe“: „It’s Not A Laptop“ von Keith Haring, 1985, aus der Sammlung von Joe Fournier

s i o n e l l e r B o x e r, T V - S t a r, I n h a b e r v o n S z e n e l o k a l e n – u n d a u c h

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Wa s i s t d e r z e i t I h r e g r ö ßte Le i d e n s c h a f t ?

Im Moment wahrscheinlich die Familie. Ich bin Single, aber die Familiengründung steht ganz oben auf meiner Liste. Wenn du von deinem 13. Lebensjahr an nur rackerst wie ich, nimmt die Arbeit irgendwann überhand. Im Geschäftsleben gibt es nur ein Ziel: noch mehr Geld scheffeln. Aber Geld wird nie glücklich machen. Wenn ich heute 100.000 Pfund in den Sand setze, ist das kein großes Drama, und doch wär’ ich am Boden zerstört. So ist es immer, wenn ich Geld verliere. Letzte Woche zum Beispiel hab ich 10.000 beim Pokern verbraten.

Wenn ich bei einem Deal eine Million verdiene, bin ich happy, aber bei Weitem nicht so happy, wie ich sauer bin, wenn ich zehn Riesen verliere. Alles ist relativ: Du verlierst ein wenig Kohle und bist fix und fertig; du verdienst ein Vermögen und bringst es vielleicht zur Bank. Du kaufst Autos, ein Haus, und was dann? Eine Familie relativiert das alles, und das steht bei mir als nächstes auf dem Plan.

S i e a r b e i t e n s o l a n g e i n te n s i v a n I h r e n P r o j e k t e n , b i s S i e E r f o l g h a b e n . Wa s i s t Ihr Geheimnis?

Ich sage immer, dass ich nicht der Talentierteste bin, und das stimmt auch. Es ist ein bisschen wie mit dem Kunstsammeln – auch das ist mir eher in den Schoß gefallen. Überhaupt scheint mir meine Ausstrahlung Glück zu bringen. Ich mache zehn und geb’ drei davon her; anderen helfe ich dabei, zehn einzufahren. Ich war schon als Kind so. Ich bin immer mehr als spendabel zu anderen, deshalb umgibt mich ein super Karma – und das hat mir wiederum viel Glück gebracht (klopf auf Holz!).

Aber ich arbeite auch extrem viel. Ich hasse es zu verlieren; ich brauche den Wettkampf.

Foto: Dan Fontanelli

H a b e n S i e s c h o n e i n i ge d e r Kü n s t l e r p e r s ö n l i c h ge t r o f f e n ?

Ich habe Ai Weiwei kennengelernt. Ein tolles Treffen, aber leider nur sehr kurz. Ich lebe das halbe Jahr über in Miami und bin dort mit vielen interessanten Künstlern befreundet. Ich besitze zwar keine Werke von ihnen, habe aber großen Respekt vor ihrer Arbeit. Ich lasse die Dinge einfach auf mich zukommen, wie es meine Art ist. Wann immer ich etwas erzwingen wollte, ist es in die Hose gegangen, ob privat oder geschäftlich.

Philibert Torret, gen. Il Narcisso Porträt der Kurfürstin Henriette Adelheid von Savoyen Öl auf Leinwand, 96 x 77 cm erzielter Preis € 23.213

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BILDSCHÖN FAVOURITE Schon immer galt es sich zu schmücken: Schmuck als Zeichen der Stellung und des Ranges, Schmuck zur Dekoration, als Wertanlage, als Erinnerung. Im Bild festgehalten, lässt sich seine symbolische Bedeutung vermitteln und bleibt so erhalten.

Gewähren uns heute Hochglanzmagazine und T V-Reportagen Einblick in die Schmuckkästchen der Reichen und Schönen, tat das über Jahrhunderte die Porträtmalerei. Juwelen-Expertin Astrid Fialka-Herics und Alexander Strasoldo, Experte für G e m ä l d e A l t e r M e i s t e r, b e l e u c h t e n g e m e i n s a m B i l d e r u n d d a z u passende Juwelen, die im Herbst zur Auktion kommen.

VON ASTRID FIALKA-HERICS UND ALEXANDER STRASOLDO

Brillant-KulturperlenOhrclipgehänge Schätzwert € 4.500 – 5.500 Auktion Juwelen 24. Oktober 2018

A U F G E P E R LT

AUKTION Juwelen 24. Oktober 2018 2 9. N ove m b e r 2 0 1 8 Pietro Antonio Rotari Porträt einer jungen Dame Öl auf Leinwand auf Panel, 45 x 35 cm erzielter Preis € 62.500

ALEXANDER STRASOLDO: Der St. Petersburger Hofmaler Pietro Antonio Rotari (1707–1762), bekannt für seine Serien von Darstellungen sehr junger attraktiver Frauen, schmückte seine tief dekolletierte, lasziv blickende Schöne mit einem matt schimmernden und mit einem Glanzlicht versehenen tropfenförmigen Perlohrring. Dessen Kostbarkeit setzt einen starken Akzent neben dem porzellanhaft glatten Kolorit von Gesicht und Büste. Eine rote, diamantbesetzte Masche wird zu einem wichtigen Bestandteil der Komposition.

ASTRID FIALKA-HERICS: In kunstvolle Juwelen gefasste Steine zieren das Antlitz adeliger Damen oder umschmeicheln als Symbol ewiger Jugend und Schönheit die Trägerin.

Insbesondere Perlen gelten seit der Antike als Inbegriff weiblicher Anmut und Vollkommenheit. Nicht zuletzt wegen ihres zauberhaften Glanzes ist die Perle Gegenstand unzähliger Mythen und Legenden, die Kleopatra und die Königin von Saba mit realen Königinnen der Geschichte und deren Liebe zu Perlen verbinden. Ob in Tropfenform zu prächtigen Ohrgehängen verarbeitet oder zu einem schlichten Collier geknüpft: Perlen sind absolute Klassiker!

ALEXANDER STRASOLDO: Auf Philibert Torrets (1600–1669) elegantem Bildnis Prinzessin Henriette Adelaides von Savoyen (1636–1676), der späteren Kurfürstin von Bayern, trägt die Dargestellte ihrem Rang entsprechend Haarschmuck, eine Perlenkette, kostbare Ohrgehänge und einen Brustschmuck aus Perlen und Diamanten. Der Schmuck und emblematische Elemente wie die Rose sind feste Bestandteile barocker Porträtkunst, die von den Hofmalern immer wieder eingesetzt wurden.

ASTRID FIALKA-HERICS: Mag es ihr kalter Glanz, das besonders harte Material oder die schwierige Förderung aus den Tiefen der Erde sein: Diamanten faszinieren! Bis ins 19. Jahrhundert wurden kleinere Steine vorwiegend zu schlichten Rauten und Rosetten geschliffen. Mit den technischen Möglichkeiten änderten sich auch die Schliffarten: Unterschiedliche Formen mit immer mehr Facetten rückten die wahre Stärke des Diamanten in den Vordergrund – sein intensives Leuchten! Über alle Stilepochen hinweg erfreuten sich vor allem Ohrringe mit Diamanten großer Beliebtheit. Funkelnder Höhepunkt sind die, ab dem 18. Jahrhundert modernen, Chandelier- oder GirandoleOhrgehänge, die an mehrarmige Kronleuchter erinnern. Bis heute werden sie gerne bei festlichen Veranstaltungen getragen, bringt doch das einfallende Licht durch die Bewegung der Trägerin die Facetten des Diamanten besonders zum Glitzern. Silber-, später Platin- und Weißgoldfassungen unterstreichen den Farbglanz. Diamanten demonstrieren aber auch Reichtum und Macht: Keine herrschaftliche Insignie kommt ohne sie aus!

AltschliffbrillantOhrringe zus. ca. 10 ct Schätzwert € 30.000 – 40.000 Auktion Juwelen 24. Oktober 2018

ZURECHT GESCHLIFFEN Ravasco-Diamantohrringe zus. ca. 12 ct Schätzwert € 30.000 – 50.000 Auktion Juwelen 24. Oktober 2018

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Peter Krafft Porträt der Anna Obermayer, um 1819 Öl auf Leinwand, 81,5 x 65,5 cm erzielter Preis € 4.445

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PerlenAltschliffdiamant-Brosche Schätzwert € 2.000 – 3.000 Auktion Juwelen 29. November 2018

ALEXANDER STRASOLDO: Peter Krafft (1780–1856) porträtierte hier eine Dame aus gehobenen bürgerlichen Kreisen namens Anna Obermayer. Sie ist reich gekleidet, trägt dezenten, aber kostbaren Schmuck und gehört ganz offenbar zu einer wohlhabenden Familie. Goldschmuck war in dieser Zeit nicht mehr nur dem Adel vorbehalten, auch nichtadelige Damen trugen ihn, ihrer gesellschaftlichen und finanziellen Position entsprechend. Beliebt waren Halsketten mit angehängten Kreuzen, mehr und mehr ein modisches Accessoire.

ASTRID FIALKA-HERICS: Ab dem ersten Drittel des 19. Jahrhunderts griff man bei der Schmuckherstellung nicht nur auf alte Goldschmiedetechniken wie die Filigranarbeit zurück, sondern auch auf seit der Antike bekannte Steine, die dem Diamanten im Wert deutlich unterlegen sind.

Lapislazuli findet sich neben Perlen, Topas, Smaragd oder Rubin neben Amethyst und Peridot. Mittels feinen Golddrahtes (Cantille-Technik) wurden die oft dünnen, gepressten Schmuckstücke spielerisch verziert oder leicht und luftig verarbeitet. Sie wirken besonders dekorativ und sind dank ihres geringen Gewichtes angenehm zu tragen.

FAVOURITE

A. E. Köchert Teile / Broschen eines kaiserlichen Hochzeitsdiadems Diamanten zus. ca. 40 ct Schätzwert € 60.000 – 120.000 Auktion Juwelen 24. Oktober 2018

BROSCHEN UND SCHLEIFEN

Topas-Kreuzanhänger Schätzwert € 1.000 – 1.400 Auktion Juwelen 24. Oktober 2018

ALEXANDER STRASOLDO: Das Porträt der Königin Maria Anna von Spanien (1634–1696) zeigt, dass auch die Darstellung fürstlicher Damen im Jagdkostüm nicht ohne reichen Schmuck auskam. Sie trägt kostbaren Brust- und Armschmuck, der offenbar zur Darstellung ihres Status unverzichtbar war. Die Jagd war in allen europäischen Residenzen wichtiger Bestandteil des höfischen Lebens und vor allem am spanischen Hof höchst zeremoniell durchorganisiert.

GAR NICHT BIEDER Spanischer Hofmaler, 17. Jh. Porträt von Maria Anna von Spanien im Jagdkostüm, um 1656 Öl auf Leinwand, 206 x 108 cm erzielter Preis € 16.800

ASTRID FIALKA-HERICS: Diamanten zieren nicht nur Kronen und einfache Diademe. Oft lassen sich diese mit einigen Handgriffen zu Broschen oder Colliers umarbeiten und eröffnen so mehrere Tragemöglichkeiten. Als Motive sind dabei Schleifen und Maschen besonders beliebt.

Astrid Fialka-Herics ist Leiterin der Abteilung Uhren und Juwelen, Expertin für Juwelen, Juristin und gelernte Goldschmiedin.

Alexander Strasoldo ist Experte für Gemälde Alter Meister im Dorotheum.

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MY CHOICE Dorotheum-Experten über ihre Lieblingsobjekte aus kommenden Auktionen

Theaster Gates Conqueror, 2015 Holz, glasierter Ton und Metall 258,5 x 27 x 27 Schätzwert € 60.000 – 80.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

H A LT U N G „T h e a s t e r G a t e s g e h ö r t m i t s e i n e r g r e n z ü b e r s c h r e i t e n d e n k ü n s t l e r i s c h e n Praxis zu den wichtigsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst. Er arbeitet in unterschiedlichsten Disziplinen von Raumentwicklung, Objektkunst, Skulptur und Malerei, Performance und Musik, wobei es ihm stets um die Verbindung von Kunst und Gesellschaf t und die kritische Inter vention und Veränderung derselben geht .

In dieser mehr als zweieinhalb Meter hohen Arbeit, die ebenfalls aus der Ausstellung in der White Cube Gallery stammt, nimmt Gates Bezug auf Constantin Brâncuși, der mit seiner Endlosen Säule reine Formen, totemistische Stammeskunst und symbolische Zentralität beschwörte - und mit einem Werk der Freiheit und Hoffnung eine spirituelle Wiederbelebung, eine Rückkehr zu höheren metaphysischen Kategorien andeutete. Wichtig sind diese Themen auch für Gates, der die modulare Wiederholung der Form mit seinem Conqueror - einem primitiven und neutralen Gipfel der m e n s c h l i c h e n F i g u r - a b s c h l i e ß t .“ A L E S S A N D R O R I Z Z I

Maria Lassnig „Blasse Hockende“, 1972 Öl auf Leinwand, 130 x 112 cm Schätzwert € 130.000 – 250.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

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Agostino Bonalumi Rosso (Red), 1973 Geformte Leinwand und Vinyl Tempera, 151,5 x 114 cm Schätzwert € 90.000 – 120.000 Auktion Zeitgenössische Kunst, 27. November 2018

Karl Hagenauer großer Spiegel mit figural durchbrochenem Rahmen Entwurf: um 1930 Ausführung: Werkstätten Hagenauer Wien bis Mitte der 1970er Jahre, Messing, 59,3 x 47,9 cm Schätzwert € 12.000 – 15.000 Auktion Jugendstil, 12. Dezember 2018

DRITTE DIMENSION Wenn der Kunsthistoriker Otto Breicha über die Brüder Franz und Karl Hagenauer 1974 r e s ü m i e r t : „ S i e w a r e n D e s i g n e r, e h e n o c h d i e s e r B e g r i f f e r f u n d e n w o r d e n w a r “, e r k e n n t er den enorm avancierten Anspruch und die künstlerischen Umsetzungen der Werkstätte Hagenauer in ihrer frühen Zeit. Der figural und ornamental durchbrochene Spiegel von K a r l H a g e n a u e r, d e r a b d e n f r ü h e n 1 9 3 0 e r Jahren bis Mitte der 1970er ausgeführt wurde, überzeugt nicht nur durch seine sorgfältige Ausführung in vernickeltem Messing, auch verführt er sowohl zum optischen „ Abtasten“ a l s a u c h z u m h a p t i s c h e n „ A n f a s s e n “.

Caspar Gras (1585–1674) zugeschrieben Reiterstatuette Kaiser Leopold I. Bronze, Gesamthöhe 47,5 cm, 2. H. 17. Jh. Schätzwert € 70.000 – 140.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

Die moderne Formensprache der Motive ist enorm: Elegante Figuren bewegen sich in gewollter Asymmetrie zwischen geometrischen Naturmotiven und stilisierten Tieren.

E i n l e b h a f te s D u rc h d r i n ge n u n d Ve r s c h m e l z e n von Art-déco-Formen und New Modernism entlässt den Rahmen in den Wohnbereich.

Nicht zu vergessen: In der Mitte, im strengen Rechteck des Spiegels, können wir alles im Auge behalten …

M AG DA P FA B I G A N Alberto Burri Nero Cellotex, 1991 Acryl und Vinavil auf Cellotex 54 x 74 cm Schätzwert € 150.000 – 200.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

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Alexej von Jawlensky Oliven, Mauer, Wind, 1907 Öl auf Leinwand 49,7 x 52,7 cm Schätzwert € 180.000 – 250.000 Auktion Klassische Moderne 28. November 2018

Otto Friedrich „Tänzerin“, 1908 Öl auf Leinwand, 180 x 140 cm Schätzwert EUR 40.000 – 60.000 Auktion Klassische Moderne, 28. November 2018

BILD W E LT E N

Giorgio de Chirico Oreste e Pilade, 1966 Öl auf Leinwand, 40 x 30 cm Schätzwert € 140.000 – 180.000 Auktion Klassische Moderne 28. November 2018

Bernard Buffet Annabel en torero assise, 1986 Öl auf Leinwand, 130 x 90 cm Schätzwert € 130.000 – 180.000 Auktion Klassische Moderne 28. November 2018

Henri Rousseau Paysage Champêtre avec Cours d’Eau Pêcheur et Promeneurs, ca. 1875-1880 Öl auf Leinwand, 37,9 x 45,8 cm Schätzwert € 120.000 – 180.000 Auktion Klassische Moderne 28. November 2018

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Anselm Kiefer Nascita di Venere, 2012 Aquarell, Bleistift auf Velinpapier (in 2 Teilen), 61 x 50 cm Schätzwert € 200.000 – 300.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

Otto Muehl „Stilleben“, 1987 Acryl auf Leinwand, 90 x 90 cm Schätzwert € 25.000 – 35.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

Markus Lüpertz Der heilige Franziskus verhindert die Vernichtung der Ratten 1987, Öl, Gips, Kreide auf Wellpappe auf Holz, 241 x 157 cm Schätzwert € 40.000 – 60.000 Auktion Zeitgenössische Kunst, 27. November 2018

Hans Hartung T1989-U22, 1989 Acryl auf Leinwand 162 x 130 cm Schätzwert € 85.000 – 125.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

Bernar Venet 84 Arcs/ Disorder (12 Elemente), 2013 Walzstahl, jedes ca. 28 x 33,5 x 13 cm Schätzwert € 200.000 – 300.000 Auktion Zeitgenössische Kunst, 27. November 2018

Heimo Zobernig Ohne Titel, 2001, Acryl auf Leinwand, 100 x 89,2 cm, Schätzwert € 30.000 – 45.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

CHOICE 6 4 Kippenberger Martin ohne Titel, 1987 Collage, Acryl, Plexiglas, Karton auf Holz, 80 x 40 cm Schätzwert € 90.000 – 150.000 Auktion Zeitgenössiche Kunst 27. November 2018

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Alex Katz Peonie Incarnation II, Peony Incarnation II, Pansy with Aqua, Pansies (3 Teile), Öl auf Karton, je 22,9 x 30,5 cm Schätzwert € 100.000 – 150.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

1965 Lancia Flaminia Super Sport Zagato Schätzwert € 340.000 – 420.000 Auktion Klassische Fahrzeuge 20. Oktober 2018

Günther Uecker Poesie der Destruktion, 1984 Holz, Leinwand, Nägel, Farbe 61 x 61 x 14 cm Schätzwert € 160.000 – 240.000 Auktion Zeitgenössische Kunst 27. November 2018

AUF DER SPUR

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John William Godward Sweet dreams, 1904 Öl auf Leinwand, 56 x 42,5 cm Schätzwert € 160.000 – 180.000 Auktion Gemälde des 19. Jahrhunderts 24. Oktober 2018

ROMANZEN

Das Diadem wurde im Auftrag der Erzherzogin M a r i e Va l e r i e vo n Ö s te r re i c h a n l ä s s l i c h d e r H o c h z e i t i h r e r To c h t e r E r z h e r z o g i n H e d w i g m i t Bernhard Graf zu Stolberg-Stolberg angefertigt.

E s i s t i n s i e b e n B r o s c h e n t e i l b a r.

A. E. Köchert Kaiserliches Hochzeitsdiadem Diamanten zus. ca. 40 ct Schätzwert € 60.000 – 120.000 Auktion Juwelen, 24. Oktober 2018

Altschliffbrillant-Collier zus. ca. 19 ct, Arbeit um 1900 Schätzwert € 15.000 – 20.000 Auktion Juwelen, 24. Oktober 2018

Carl Moll Stillleben mit Rosen, ca. 1927 Öl auf Leinwand, 60 x 50 cm Schätzwert € 120.000 – 180.000 Auktion Klassische Moderne 28. November 2018

Altschliffbrillant-Ohrringe zus. ca. 10 ct, Arbeit 1. Drittel 20. Jh. Schätzwert € 30.000 – 40.000 Auktion Juwelen, 24. Oktober 2018

Altschliffdiamant-Armband zus. ca. 14 ct, Arbeit 1. Hälfte 20. Jh. Schätzwert € 10.000 – 13.000 Auktion Juwelen, 24. Oktober 2018

P. Miethe Deckelvase mit Weichmalerei, 1900 für die Weltausstellung Paris 1900, Höhe 125 cm KPM-Berlin Schätzwert € 70.000 – 120.000 Auktion Antiquitäten 25. Oktober 2018

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GLÄSERNE SCHÄTZE „Glaskunst in seiner enormen Vielfalt zu zeigen, mit musealen Gläsern und seltenen Stücken, ist mir eine besondere Freude. In der Auktion im Oktober dürfen wir eine noch nie da gewesene Auswahl präsentieren, darunter Glasarbeiten aus allen Epochen, von Renaissance und Barock über b e s o n d e r s s c h ö n e A r b e i t e n v o n M i l d n e r, M o h n u n d K o t h g a s s e r b i s z u a u s g e f a l l e n e n G l ä s e r n m i t j ü d i s c h e n I n s c h r i f t e n u n d G l a s s e r v i c e n v o n S a i n t - L o u i s u n d L o b m e y r.“ U R S U L A R O H R I N G E R 1

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Musealer Pokal mit Diamantriss und Kaltmalerei Glas, Höhe 17,8 cm, Hofglashütte Innsbruck 1570–1591 Schätzwert € 25.000 – 40.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

3 Russischer Pokal mit dem Porträt Zarin Elisabeth Glas, Höhe 25,4 cm, St. Petersburg 1741–1762 Schätzwert € 2.600 – 4.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

Becher mit Hochzeits-Zeremonie im Schtetl Glas, Höhe 15,5 cm, Deutschland 1863 Schätzwert € 1.200 – 2.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

5 Kothgasser-Ranftbecher mit „Stephansdom“ und Monogramm FJN Glas, Anton Kothgasser, Wien 1823 Schätzwert € 10.000 – 15.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

6 „Roßbach fecit“ Pokal, Glas, Höhe 18,2 cm, Berlin oder Potsdam um 1710 Schätzwert € 4.000 – 6.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

Samuel Mohn-Becher Glas, Höhe 10 cm, Dresden 1810 Schätzwert € 10.000 – 15.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

9 Goldrubin-Flasche mit Vermeilmontierung Glas, Höhe 28,5 cm, Potsdam oder Süddeutschland, Ende 17. Jh. Schätzwert € 5.000 – 9.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

Johann Josef Mildner-Becher Glas, Höhe 11 cm, Gutenbrunn, Niederösterreich 1789 Schätzwert € 3.000 – 5.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

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7 Museales Passglas mit vier Ringen Höhe 19,5 cm, Ø 10 cm, Deutschland, Mitte 17. Jh. Schätzwert € 10.000 – 15.000 Auktion Antiquitäten, 25. Oktober 2018

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VON MÜNZE ÖSTERREICH UND DOROTHEUM JUWELIER Exklusiv im Münze Österreich-Shop Wien, in den Filialen des Dorotheums sowie unter www.wachgekuesst.at.

© Belvedere, Wien

Martin Johann Schmidt Anbetung der Heiligen Drei Könige, 1784

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WERKVERZEICHNIS MULTITALENT DER WIENER MODERNE

KUNSTHISTORISCHES MUSEUM WIEN

A LT E M E I S T E R I M G E S P R Ä C H 2 9. O k to b e r 2 0 1 8

KOLOMAN MOSER

BELVEDERE

IM BLICK: MARTIN JOHANN SCHMIDT (1718–1801), GENANNT KREMSER SCHMIDT

Das Kunsthistorische Museum Wien widmet Pieter Bruegel dem Älteren (um 1525/30–1569), dessen Todestag sich 2019 zum 450. Mal jährt, die weltweit erste große monografische Ausstellung. Im Rahmen der vom Dorotheum unterstützten Vortragsreihe „Alte Meister im Gespräch“ spricht Daniela HammerTugendhat über Bruegels Haltung zur Welt.

In dem Vortrag werden exemplarisch drei sehr unterschiedliche Werke Pieter Bruegels d. Ä. analysiert: „Der Bauer und der Vogeldieb“, „Die Bekehrung Pauli“ und „Der Triumph des Todes“. Dennoch eint die Bilder eine tiefe Gemeinsamkeit: Das Verbindende ist Bruegels Verfahren der Auseinandersetzung, seine Haltung, die keine Lösungen präsentiert, sondern Fragen stellt.

1868 – 1918

25. Oktober 2018 – 3. Februar 2019

Daniela Hammer-Tugendhat: „Kein Weg-Weiser, nicht im Leben, nicht im Tod: Bruegels Haltung zur Welt“ Mo., 29. Oktober 2018 Anmeldung unter: altemeister@khm.at KHM, Treffpunkt 19.00 Uhr, Kuppelhalle www.khm.at

DOROTHEUM ALS KUNSTFÖRDERER

Die vom Dorotheum unterstützte Ausstellungsreihe „Meisterwerke im Fokus“ hat einen neuen Namen: IM BLICK. In den Blick rückt diesmal Martin Johann Schmidt, besser bekannt als Kremser Schmidt.

Er wird mitunter als letzter großer Maler seiner Zeit angesehen, und doch reichen seine Einflüsse weit in die nächste Künstlergeneration hinein. Martin Johann Schmidt zählt bis heute zu den populärsten mitteleuropäischen Barockmalern. Er genoss überregionale Bekanntheit, führte seine Aufträge aber von Stein bei Krems aus, das er als Lebensmittelpunkt wählte.

Niemand Geringerer als Kaiser Joseph II. besuchte ihn in seinem Haus dort. Im Oberen Belvedere ist dem Künstler ab 25. Oktober 2018 eine Ausstellung IM BLICK gewidmet. Ausgehend von den Werken Schmidts, die sich im Belvedere befinden, wird in der Ausstellung sein umfangreiches Œuvre in allen wichtigen Facetten umrissen.

Koloman Moser Männlicher Akt (gelb und blau) um 1913, Öl auf Leinwand Belvedere Wien Lg 1891

Koloman Moser Illustration „Vorfrühling“ von Rainer Maria Rilke „Ver Sacrum“, 1901, Jg. IV, H. 21, S. 356 Buchdruck in Farbe Belvedere Wien

www.belvedere.at

Präsentiert wird das Œuvre Koloman Mosers auf der frei zugänglichen Forschungsplattform für Werkverzeichnisse des Belvedere.

STILLLEBEN. EIGENSINN DER DINGE Das Stillleben als Genre wird von der zeitgenössischen Kunst derzeit immer wieder neu aufgegriffen und diskutiert. Künstlerinnen und Künstler hinterfragen in der Fotografie das Stillleben radikal als Ausdrucksmöglichkeit. Die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten knüpfen oft an spezifische Bildtraditionen an, die in der Geschichte der Malerei ebenso wie in jener der modernen Fotografie zu finden sind.

Expertengespräch Vom historischen Stillleben zur aktuellen Fotografie Mi., 14. November 2018, 18.00 Uhr Mit: Martin Prinzhorn (Linguist und Kunstkritiker), Alexander Strasoldo (Experte für Gemälde Alter Meister im Dorotheum), Bettina Leidl (Direktorin des KUNST HAUS WIEN) Anmeldung: anmeldung@kunsthauswien.com www.kunsthauswien.com

Elad Lassry, Tomatillos, 2010

© Elad Lassry. Courtesy Pomeranz Collection, Wien

KUNST HAUS WIEN

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Online-Werkverzeichnis Koloman Moser betreut von Gerd Pichler und Stefan Üner

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n der Reihe „Belvedere Werkverzeichnisse“ erscheint anlässlich des 100. Todestages von Koloman Moser das Werkverzeichnis seiner Malerei und Druckgrafik.

Nach jahrelanger Forschungsarbeit eines Expertenteams ermöglicht das Dorotheum durch die Förderung der Reihe die Publikation des Online-Werkverzeichnisses zu Koloman Mosers Malerei und Druckgrafik. 2019 soll es durch die Veröffentlichung der Zeichnungen ergänzt und abgeschlossen werden.

Die Idee des Gesamtkunstwerks als Ausdruck modernen Lebens in Wien um 1900 hätte ohne Mosers Beitrag nicht Umsetzung gefunden. Mit der Transformation des floralen Jugendstils zur geometrischen Stilisierung im Gesamtkunstwerk definierten Josef Hoffmann und Koloman Moser nicht nur die Wiener Moderne in Buchdesign und Einrichtungsstil – heute eine Weltmarke –, sondern ebneten in der Secession zusammen mit ihren Freunden den Weg in die geometrische Abstraktion bis hin zum Neo-Geo. Seine experimentelle Haltung motivierte Moser, auch in seiner Malerei koloristisch neue Wege zu gehen. Er nutzte optische Erkenntnisse des Postimpressionismus und die Farbenlehre Goethes als Inspirationsquellen.

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1 Dorothee Golz, „Alleinerziehend mit Zwillingen“ 2 Andreas Fogarasi, „Roof Study I (Augarten)“ 3 Peter Kogler, „Mokkaservice“ 4 Hubert Scheibl, „Aug“ 5 Christian Eisenberger, „Splitter Movie“, Scribble 6 Hans Kupelwieser, „Pferdeschwanzvase“ 7 Michael Kienzer / Otto Zitko, „Balance“ 8 Plamen Dejanoff, „Trophy I“ 9 Thomas Stimm, „Vier Pflaumen“ 10 Rita Nowak, „Yet Luminous“, Triptychon

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Von 26. September bis 6. Oktober 2018 sind die Porzellanobjekte im Dorotheum zu besichtigen.

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nen, mit unterschiedlichen künstlerischen Ansätzen und medialen Schwerpunkten.

Dazu kamen später noch Rita Nowak und Christian Eisenberger mit reinen Foto- und Videobeiträgen. Die für die Herstellung von Porzellan erforderliche hochkomple­ xe Technologie hat Künstler wie Andreas Fogarasi, Thomas Stimm, Michael Kien­ zer und Otto Zitko keineswegs gehindert, sondern inspiriert, ungewöhnliche Wege

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lf Künstlerinnen und Künstler haben sich der Aufgabe gestellt, über ihre Beziehung zu einem fas­ zinierenden Material nachzuden­ ken und Gestaltungsideen zu entwickeln – nicht als Designer oder Produktgestal­ ter, sondern ausschließlich im und aus dem Kontext ihres bisherigen Werks.

Eingeladen wurden bewusst Vertreterin­ nen und Vertreter mehrerer Generatio­

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Ein Projekt zeitgenössischer Kunst der Wiener Porzellanmanufaktur Augarten und des Dorotheum mit österreichischen Künstlerinnen und Künstlern anlässlich des Jubiläums 300 Jahre Wiener Porzellan– kuratiert von Edelbert Köb.

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zu gehen. Andere wie Dorothee Golz, Plamen Dejanoff, Peter Kogler, Hans Kupelwieser und Hubert Scheibl such­ ten von Anfang an einen direkten Zugang zum Thema, indem sie die aktuelle Pro­ duktpalette historischer und moder­ ner Formen zum Ausgangspunkt ihrer Überlegungen machten oder sich von Pro­ duktionsprozessen (etwa dem Garnieren) inspirieren ließen. So unterschiedlich wie

die Biografien der Künstler sind erwar­ tungsgemäß auch die Ergebnisse ihrer individuellen Auseinandersetzung mit der Thematik. Die in den vergangenen zwei Jahren entstandenen Werke zei­ gen ein durchaus repräsentatives Bild der Komplexität und Vielfalt heutigen Kunstschaffens, das ja weniger medial als vielmehr konzeptuell und interdiszipli­ när geprägt ist. Wie auch im Titel zum

Ausdruck gebracht, evoziert das Thema Porzellan in besonderem Maße die heute zentrale, aber weitgehend wertfrei gestellte Frage nach dem Wesen der Kunst und ihrer Abgrenzung zu anderen Disziplinen – hier zu Kunsthandwerk und Design.

Edelbert Köb, ehemaliger Präsident der Wiener Secession und Direktor des mumok, ist Kurator des Projektes.

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PASSION Alle Fotos © Damien Hirst and Science Ltd. All Rights Reserved, DACS 2018 Photo by Pete Huggins

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Damien Hirst, Sensation, bei St. Martin’s Church in Houghton Hall, Norfolk

Damien Hirst, Colour Space series, im Salon von Houghton Hall, Norfolk

Von 25. März bis 15. Juli 2018 war im englischen Landsitz Houghton Hall die Damien-Hirst-Ausstellung „Colour Space Paintings and Outdoor Sculptures“ mit dem Dorotheum als Hauptsponsor zu sehen. Das Schloss und der Garten bildeten die Kulisse für etliche berühmte Plastiken und 46 bislang nicht öffentlich gezeig te Bilder aus der neuen Serie „Colour Space“ des Künstlers.

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Martina Batovic ist Leiterin der Dorotheum-Repräsentanz in London.

Damien Hirst, Charity, bei den Ställen in Houghton Hall, Norfolk

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DAMIEN H I RST IN H O U G H TO N H A L L

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Als eines der ältesten Auktionshäuser Kontinentaleuropas legt das Dorotheum großen Wert auf Tradition und Geschichte, durch die Förderung und den Verkauf moderner und zeitgenössischer Kunst ist es aber auch offen für alles Neue. In Zusammenarbeit mit Houghton Hall eine Hirst-Ausstellung auszurichten war die perfekte Gelegenheit, das Historische mit dem Zeitgenössischen zu verbinden, aber auch die Unterstützung von Kultureinrichtungen und gemein­ nützigen Organisationen zu intensivieren.

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Houghton war von den Architekten Colen Campell und James Gibbs geplant und 1722 vom ersten britischen Premierminister Sir Robert Walpole errichtet worden.

Es ist eines der bedeutendsten Beispiele palladianischer Architektur im Vereinigten Königreich. 1797 wechselte das Schloss durch Heirat in den Besitz der Familie Cholmondeley, die es bis heute bewohnt und in den Sommermonaten regelmäßig für Besucher öffnet. Im Lauf der Zeit trug man eine eindrucksvolle Sammlung ortsspezifischer zeitge-

Damien Hirst, Temple, im Garten von Houghton Hall, Norfolk

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nössischer Kunstwerke, etwa von James Turrell, Rachel Whiteread und Richard Long, zusammen – ein ideales Setting für die Arbeiten Hirsts. Bei der jüngsten Ausstellung waren erstmals zahlreiche Werke des gefeierten Turner-Preisträgers im historischen Rahmen eines klassischen englischen Landsitzes zu sehen, dessen Ambiente eine wunderbare Kulisse für Hirsts große Themen Kunst, Schönheit, Religion, Wissenschaft, Leben und Tod bildete.

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urator Mario Codognato inszenierte die Ausstellung mit viel Gespür in den Prunkräumen des Schlosses aus dem 18. Jahrhundert, wo Hirsts Bilder den angestammten Platz der Alten Meister einnahmen. Ein besonderes ästhetisches Erlebnis bot der Kontrast zwischen den opulenten, in Gold getauchten Prunkräumen und den bunten „Punktebildern“, hauchte er doch der beschaulich-altehrwürdigen palladianischen Architektur neues Leben ein.

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Freiluft-Installationen werden im Forum des Centre Pompidou und in anderen Museen sowie Institutionen im Stadtviertel Marais, etwa dem Musée national Picasso, dem Musée Cognacq-Jay und der Historischen Bibliothek der Stadt Paris, gezeigt.

Die 1992 für die documenta 9 in Kassel geplante Installation „Auditorium“, eine Anspielung auf Sigmund Freuds Sofa, wird Plattform für begleitende Performances und Diskussionsrunden sein.

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einahe 200 Werke geben Einblick in 40 Schaffensjahre des Künstlers. Selten zu sehende Zeichnungen aus den frühen 1970er-Jahren finden sich ebenso wie die Serie der Passstücke, performative Skulpturen, Papiermaché-Arbeiten oder Werke aus Kollaborationen mit Kollegen wie Herbert Brandl, Heimo Zobernig und Albert Oehlen.

Franz Wests Arbeiten sind von Kontroversen geprägt, kreierten eine neue Form von Ästhetik. Neben seinem Werk versucht die Ausstellung den Blick auf Wests Leidenschaft für Musik, Philosophie und Psychologie zu lenken, den Einfluss von Ludwig Wittgenstein und Sigmund Freud, ebenso aber auch von anderen zeitgenössischen Künstlern.

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Das Centre Pompidou in Paris zeigt bis 10. Dezember 2018 die bisher größte Retrospektive von Franz West (1947–2012), dem im Ausland wohl bekanntesten zeitgenössischen österreichis c h e n K ü n s t l e r. D i e A u s s t e l l u n g in Paris wird vo m D o rot h e u m gesponsert.

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Von 20. Februar bis 12. Mai 2019 ist die Ausstellung in der Tate Modern in London zu sehen.

Franz West 12. September – 10. Dezember 2018 Centre Pompidou Paris Öffnungszeiten: täglich außer Dienstag 11 bis 21 Uhr

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AUDITORIUM, PERFORMANCE-PROGRAMM UND VERSAMMLUNGEN Die Vorträge und Gesprächsrunden werden durch die Unterstützung des Dorotheum ermöglicht, sie alle finden in englischer Sprache statt.

2 4 . O kto b e r 20 1 8 An d rea Üb e rb a ch e r u n d In e s Tur i an geb en E i n b l i ck i n d e n Allt a g von F ra nz West s S tud i o .

3 1 . O kto b e r 20 1 8 E va B a d u ra -Trisk a , mu mok W i e n un d D i rek to r i n d es Fra n z We st Arch ivs, u n d Peter Pakesch , eh em a lige r G a le ri st d e s K ü n st ler s, üb er F ran z We st in d e n 1 970 e r u n d 8 0er J ah ren .

7. November 2 01 8 Kasper König , Di re ctor d e s Ludwig Museum Köl n, ü b e r d a s Frü hwerk vo n Franz West .

14 . Novembe r 2 01 8 Andreas Reiter Ra a b e , K ü n stl er, über seine Z us am me n a rb e i t mit Franz West vo n 2000 bis 2010.

28 . Novembe r 2 01 8 Christine Mac el , Ce n tre Pompidou, und Mark Godfrey, Ta te Mod e rn , Kurato ren der Ausstel lu n g ü b e r d i e kurato risc hen Herausford e ru n ge n der Ausstel l ung .

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1 Friedl Kubelka, Graf Zokan (Franz West), 1969. Video still von Graf Zokan (Franz West) [S&W, 3 min] Foto Courtesy sixpackfilm 2 Franz West, Viennoiserie (Rooseum, Malmö, Suède), 1998. Sofa, Tisch, Skulpturen, Panel, Arbeiten auf Papier (Seamus Farrell, Richard Jackson, Roland Kollnitz, Paul McCarthy, Otto Muhl, Raymond Pettibon), Variable Dimensionen, Tate Modern, London, Foto © Tate, London, Dist. RMN – Grand Palais/Tate Photography 3 Franz West, Plakatentwurf (Die Aluskulptur), 2000. Collage und Gouache auf Papier, 86 x 61,5 cm, Franz West Privatstiftung, Wien 4 Franz West, Plakatentwurf (Gagosian Gallery, New York), 2001. Acryl und Collage auf Karton, 104 x 152 cm, Private Collection, Gernot Schauer, Foto © Markus Schauer 5 Franz West, Rrose/Drama, 2001. Aluminium und Autolack, 210 x 540 x 240 cm, Telenor Art Collection, Foto © DR / All rights reserved

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6 Franz West, Knotzen, 2002, lackiertes Aluminum, rote Sculptur 60 x 110 x 106 cm, grüne Sculptur 68 x 113 x 106 cm, gelbe Sculptur 58 x 109 x 105 cm, Collection Maja Hoffmann / LUMA Foundation, Foto Courtesy Galerie Eva Presenhuber, Zürich / New York 7 Franz West, Kugel, 2006. Lackiertes Aluminum, Ø 180 cm, Selvaag Art Collection, Courtesy Peder Lund, Foto © Jon Benjamin Talleras 8 Franz West, Plakatentwurf (Passstücke, Gagosian Gallery N. Y.) 2008. Collage auf Karton, 114 x 133 cm, Franz West Privatstiftung, Foto © Birgit und Peter Kainz, Franz West Privatstiftung 9 Franz West, Sex Trivial, 1972. Gouache auf Papier, 14,3 x 21 cm, Privatsammlung, Courtesy David Zwirner, New York / London / Hong Kong Photo © Auktionshaus lm Kinsky GmbH 10 Franz West, Ohne Titel (Zeichnung im Aktionismusgeschmack), um 1974. Stift, selbstklebendes Papier auf Papier, 21 x 15 cm, Franz West Privatstiftung, Foto © DR / All rights reserved 11 Franz West, Erstes Passtück, 1978/ 1994. Gips, Stahl, Farbe, 23,6 x 29,7 X102 cm, Hauser & Wirth Collection, Switzerland, Foto © Stefan Altenburger Photography Zürich

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12. SEPTEMBER – 10. DEZEMBER 2018

12 Franz West, Römische Allüre, 1985. Metall, Gips, Gaze, Papier-Maché, Drei Objekte, 122 x 49,5 x 31 cm, 186 x 50 x 25 cm, 200 x 50 x 25 cm, Friedrich Christian Flick Collection im Hamburger Bahnhof, Berlin, Foto © Stefan Altenburger Photography Zürich 13 Franz West, Heimo Zobernig, Herbert Brandl, Otto Zitko, Ohne Titel, 1988. Holz, Papier-maché, Farbe, variable Dimensionen, Hauser & Wirth Collection, Switzerland, Foto © Stefan Altenburger Photography Zürich 14 Franz West, Ohne Titel, 1990. Papier-maché, Stahl, Installation mit Relief 176 x 201 x12 cm, Sitz, 75 x 164 x 57 cm, Filiep & Mimi Libeert Collection, Foto © Michaela Obermair 15 Lemurenköpfe (Studio Franz West, Wien) 1992. Gips, Gaze, Karton, Eisen, Acryl, Schaumstoff, Gummi, Vier Objekte, 243,8 x 127 x 121,9 cm / 243,8 x 137,2 x 76,2 cm / 218,4 x 124,5 x 53,3 cm / 221 x 109,2 x 73,7 cm, Pinault Collection, Foto © Harald Schönfellinger 16 Franz West, Plural, 1995. Eisen, Holz, Farbe, Linoleum, 387 x 396 cm, Museum Ludwig, Cologne, Foto © Rheinisches Bildarchiv, Marion Mennicken

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© Marina Abramovic, Courtesy Lisson Gallery, Photographer Dawn Blackman

GUTE PERFORMANCE Marina Abramović, The Cleaner, 2017

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m Juni 2018 wurde die international gefeierte Performance-Künstlerin Marina Abramovi ć beim 18. BFAMI „Women in Art Lunch“ im Londoner Dorchester Hotel geehrt. Dieses 2001 von den British Friends of the Art Museums of Israel (BFAMI) ins Leben gerufene Fundraising-Event würdigt alljährlich bedeutende Künstlerinnen für ihr Werk.

In London ansässig, unterstützt die NonProfit- Organisation die Schulungs­ programme des Art Museum of Israel mit Spenden. Das Dorotheum London unter der Leitung von Martina Batovic hatte bereits im vergangenen Jahr die Veranstaltung zu Ehren von Jenny Holzer unterstützt; 2018 trat man zum zweiten Mal als Hauptsponsor auf.

Vor dem „Women in Art Lunch“ besuchten die 350 geladenen Gäste eine Pop-up-Ausstellung ausgewählter Werke Abramovićs im Hotel The Dorchester. Die Schau und der Lunch wurden von 45 Park Lane, Wedgwood, der Lisson Gallery und dem venezianischen Luxury Collection Hotel Danieli unterstützt.

Maïa Morgensztern, Leiterin des BFAMIKulturprogramms und Chefredakteurin von CULTURE ALT.com, sprach mit Marina Abramovi ć über Performancekunst, den Mangel an Künstlerinnen und über Projekte, für die Abramović in Erinnerung bleiben will.

Maïa Morgensztern: In vielen Ihrer Arbeiten setzen Sie sich mit d e r R o l l e d e r F r a u a u s e i n a n d e r.

So haben Sie in „Art Is Beautiful, Artist Must Be Beautiful“ ebendiese titelgebende Phrase skandiert und sich dabei energisch das Haar gekämmt. Dass Sie immer wieder als Feministin bezeichnet werden, stört Sie dennoch. Warum?

Marina Abramović: Mir ist es sehr wichtig zu zeigen, dass ich zwar – jawohl – eine Frau, vor allem aber Künstlerin bin.

Mein Frau-Sein spielt für meine Kunst keine Rolle, weil Kunst kein Geschlecht hat. Genau das ist der Punkt an Kunst: dass sie geschlechtsneutral ist. Ob trans­ gender, lesbisch, schwul oder afroamerikanisch … all das ist irrelevant. Es zählt nur, ob Kunst gut oder schlecht ist.

Natürlich bleibe ich auch als Künstlerin Frau; natürlich ist die weibliche Energie unglaublich wichtig. Aber man muss keine Feministin sein, um für etwas einzustehen. Wir Frauen sind von Natur aus mächtig. Wir können in unserem Körper neues Leben schaffen – gibt es Kraftvolleres? Wir dürfen bloß nicht schwach sein oder den Männern erlauben, uns zu beherrschen. Wir sind die Stärkeren, und wenn wir uns diese Rolle nehmen lassen, sind wir selbst schuld.

Haben nicht doch auch die Männer S c h u l d ? G e h ö r e n s i e e r z o ge n ?

Nein, sie sind schuldlos. Wir Frauen haben sie zu ihren Fehlern erzogen. Sehen Sie sich doch an, wie Italiener mit ihren Kindern umgehen: Die Frauen sind Sklavinnen ihrer Söhne, verehren sie wie Götter. Das Muster wiederholt sich, wenn Mädchen heiraten, und so perpetuiert sich ihre Kultur immerfort.

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N SO R PO E

P E R F O R M A N C E

Bereits zum zweiten Mal unterstützte das D o ro t h e u m h e u e r d e n „Wo m e n i n A r t L u n c h“ – ein von den British Friends of the Art Museums of Israel initiiertes Fundraising-Projekt in London. Diesjähriger Ehrengast war Performance-Pionierin Marina Abramović.

N SO R PO E

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© Marina Abramović; Courtesy Lisson Gallery

PASSION

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Marina Abramović, Porträt mit schwarzem Lamm, 2010

P E R F O R M A N C E

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G U T E

G i b t e s H o f f n u n g a u f e i n e n Wa n d e l ?

Kö n n e n w i r u n s e r e n S ö h n e n b e i b r i n ge n , a n d e r s z u s e i n ?

Nein, es sei denn, wir ändern uns selbst.

Das Problem sind wir. Wir Frauen sind stärker als alle Männer dieser Welt. Wir sind es, die die Welt beherrschen – wir haben es bloß vergessen. Wenn wir die Männer ändern wollen, müssen wir uns wieder unserer eigenen Kraft besinnen.

Gibt es eine bestimmte Arbeit, für die Sie in Erinnerung bleiben wollen?

Ich möchte doch sehr hoffen, dass man mich für vieles in Erinnerung behalten wird! (Lacht.) Ich war es, die Performancekunst vor den Vorhang geholt und sie breitenwirksam gemacht hat. Dafür habe ich 50 Jahre gebraucht. Die Performancekünstler meiner Generation treten nicht mehr auf; die meisten von ihnen haben schon in den 1970ern aufgegeben.

Die zweite Sache, für die ich im Gedächtnis bleiben will, ist meine LangzeitPerformance „The Artist Is Present“. Und schließlich die „Re-Performance“. Nur diese drei Dinge, das wär’s.

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EVENTS

EVENTS

DIE VIENNA ART WEEK V E R S P R I C H T DA S PA R A D I E S Ist es nun ein viel versprechendes Paradies oder ein Paradies, das versprochen wird?

Vo n 1 9. b i s 2 5 . N ove m b e r 2 0 1 8 f i n d e t h e u e r d i e V I E N N A A R T W E E K u n te r d e m M ot to „Promising Paradise“ statt.

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und 200 Veranstaltungen wie der performative Interview-Marathon im MAK, Ausstellungseröffnungen, Performances, Sonderführungen, Talks und Diskussionen behandeln die Frage. Zu den spannendsten Gästen der VIENNA ART WEEK zählt die renommierte New Yorker PerformanceSpezialistin RoseLee Goldberg, die mit ihren Publikationen die Sicht von Performance-Kunst maßgeblich prägte. Robert Punkenhofer, Künstlerischer Leiter der VIENNA ART WEEK, traf sie vorab zum Gespräch über Performance-Kunst und die Suche nach dem Paradies.

Ro b e r t P u n ke n h o f e r : W i e k a m e s d a z u , d a s s S i e a l s Ku ra to r i n u n d W i s s e n s c h a f t l e r i n I h r e n S c h we r p u n k t a u f Pe r f o r m a n c e - Ku n s t s e t z te n ?

H a t e i n b e s t i m m te r M o m e n t , e i n e w i c h t i g e p e r s ö n l i c h e B e ge g n u n g d e n A u s s c h l a g d a f ü r ge ge b e n ?

RoseLee Goldberg: In Südafrika, wo ich aufwuchs, war der Alltag sehr stark von Musik, vom Körper, von Politik und Gesellschaft geprägt. Ich habe schon sehr früh zu tanzen begonnen, mich auch mit Malerei auseinandergesetzt und war im Zwiespalt: Tanz oder Malerei? Als ich das Thema meiner Dissertation am Courtauld

Institute of Art festlegen musste, entdeckte ich Oskar Schlemmers Arbeiten über Performance – und fand vollkommene Übereinstimmung. In den 1970ern kam ich nach New York und begann über die Tanzszene zu schreiben. Von da an ergab eins das andere.

Vor 40 Jahren erschien Ihr bahnbrechendes Buch über Performance. Wie weit hat sich die Performance-Kunst seither veränder t? Und f inden sich aktuell Strömungen, die richtung weisend sein könnten?

Das Buch, das den Bogen von der Performance des beginnenden 20. Jahrhunderts weg spannt, spiegelt den Wandel des kulturellen und politischen Klimas wider. Die Kunst des 20. Jahrhunderts dreht sich weitgehend um Live-Performance. Nehmen wir als Beispiel den Dadaismus, in dem es stets um Sprache und Handlung geht. Performance ist fixer Bestandteil der Geschichte der Kunst; seit der Renaissance haben Künstler live performt.

Mein neues Buch über Performance seit der Jahrtausendwende richtet den Blick auf die Szene in Indien und Südafrika. An jedem Ort unterliegen Kunst, Performance, Musik und Klang ganz eigenen Regeln.

Die VIEN N A A RT W E E K s te h t h e ue r un te r dem Motto „ P ro m i s i n g Parad i s e“. A s s o ziieren Sie e twas d am i t – p e r s ö n l i c h , kü nstler isc h , i n B ez ug auf Pe r fo r m an c e ?

Das Paradies erscheint mir als Bruegel’sche oder Bosch’sche Parodie, als fantastische Vision. Obwohl Utopie, kann es doch auch dystopische Wesenszüge tragen.

Nichts davon ist statisch, die Vorstellung des Versprechens ist eine immerwährende. Das Paradies steht wohl auch für die Wirklichkeit, in der wir uns tagtäglich wiederfinden. Wir sehnen uns nach mehr Menschlichkeit. Wir schlagen morgens die Augen auf und versuchen, die Welt zu einem empfindsameren, einfühlsameren Ort zu machen.

In der Entwicklung der österreichischen Nachkriegskunst spielte der Wiener Aktionismus eine gewichtige Rolle. Welcher Einf luss kam und kommt dem Aktionismus international zu?

Der Wiener Aktionismus hat eine bedeutende Stellung in der Geschichte der Kunst und der Politik. Er bringt die Beklommenheit und das große Leid dieser Zeit zum Ausdruck und wird sowohl in der zeitgenössischen Kunst als auch generell stets beispielhaft für ein Werk von besonders starker Symbolkraft stehen.

Robert Punkenhofer ist künstlerischer Leiter der VIENNA ART WEEK, RoseLee Goldberg ist Expertin für PerformanceKunst, Gründungsdirektorin und Chefkuratorin von Performa.

PODIUMSDISKUSSIONEN IM DOROTHEUM „DAS MUSEUM HEUTE – EIN INTERNATIONALER KONZERN?“ Do., 22. November 2018, 17.00 – 18.00 Uhr | In englischer Sprache „LEARNING THROUGH ART. KÜNSTLERISCHE AKTIVITÄT FÖRDERT FANTASIE UND KREATIVITÄT“ Do., 22. November 2018, 18.30 – 19.30 Uhr | In deutscher und englischer Sprache „FASZINATION KUNST – DER ANTRIEB DES SAMMELNS. WELCHE PERSÖNLICHKEITEN STEHEN HINTER PRIVATSAMMLUNGEN UND WESHALB SAMMELN SIE KUNST?“ Fr., 23. November 2018, 16.30 – 17.30 Uhr| In deutscher Sprache „KUNSTMARKT GLOBAL – ÜBER DIE ZUKUNFT VON KUNSTKAUF, KUNSTVERMITTLUNG UND KUNSTMESSEN IM DIGITALEN ZEITALTER“ Fr., 23. November 2018, 18.00 – 19.00 Uhr | In englischer Sprache

RoseLee Goldberg, Performa 17 Biennial Hub, 2018

Robert Punkenhofer

Foto Paula Court, Courtesy Performa

© Florian Rainer

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AUSGEWÄHLTE AUKTIONEN

VORSEHENTLICH BEVORZUGT VON KARL HOHENLOHE

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rnst Ingenham war ein Einzelkind. Seine Eltern hatten wenig Geld, aber umso mehr Zuneigung, mit der sie ihn zeitlebens unter sich begruben. Schon in jungen Jahren drängten sie ihn in alle möglichen Museen, die er zuerst hasste und dann als Orte der Befreiung empfand.

Nach der Schule studierte er Bildnerische Erziehung, weniger weil er sein Wissen an Jüngere weitergeben wollte, sondern weil er Gefallen an der Betitelung „Herr Professor“ gefunden hatte.

In Wahrheit war ihm seine Profession zutiefst zuwider, alleine der Begriff „Bildnerische Erziehung“, den er umgehend mit dem Bild stupide vor sich hin stierender Pubertierender verband, löste bei ihm eine leichte Form der Wut aus, die sich erst nach ein, zwei Gläsern Wein verflüchtigte.

Mehr trank Professor Ingenham nicht, er war auch in seinen Unzulänglichkeiten diszipliniert, und so wartete er Jahrzehnte auf ein Ereignis, das ihn dauerhaft positiv stimmen würde. Als seine Eltern starben, hinterließen sie dem Unverheirateten eine kleine Barschaft, die er in eine atypische Schiele-Skizze investierte, als man Schiele-Skizzen noch um ein paar hundert Schilling kaufen konnte. Wobei „kaufen“ nicht ganz der Wahrheit entsprach, er

ersteigerte den Schiele, und endlich hatte Ernst Ingenham einen Zeitvertreib gefunden, der ihn das nächste halbe Jahrhundert seines Zornes berauben würde.

So vergingen die Jahre, mit bescheidenen Mitteln kaufte und verkaufte er, Ingenham erwarb keine Reichtümer, sammelte jedoch enormes Wissen, was ihm aber nicht sonderlich wertvoll erschien. Er liebte die Auktionshäuser, wie Mädchen ihre Puppenhäuser lieben und Axel Munthe San Michele. Immer öfter nickte er bei den Auktionen ein, und als er dann aufwachte, fühlte er sich erfrischt und von der Vorsehung bevorzugt.

Als man die atypische Schiele-Skizze, die er vor Jahren verkauft hatte, erneut versteigerte, war er als Erster im Auktionssaal, nicht, weil er sie erwerben, nein, weil er sie begleiten wollte. Vier Minuten, bevor man die Schiele-Skizze verkaufte, schlief Herr Professor Ingenham ein. Er wachte nie wieder auf. Alle, die ihn gekannt hatten, sprachen von einem glücklichen Tod und davon, dass ihn die Vorsehung wohl bevorzugt behandelt habe.

Karl Hohenlohe ist Moderator, TVGestalter, Kolumnist und Herausgeber des Restaurantführers „Gault Millau“.

Für ORF III moderiert Hohenlohe unter anderem die Sendung „Was schätzen Sie?“.

2. Oktober 2018

Meisterzeichnungen, Druckgraphik bis 1900, Aquarelle und Miniaturen

20. Oktober 2018

Klassische Fahrzeuge

23. Oktober 2018

Alte Meister

24. Oktober 2018

Juwelen

24. Oktober 2018

Gemälde des 19. Jahrhunderts

25. Oktober 2018

Antiquitäten – Möbel, Skulpturen, Glas und Porzellan

30. Oktober 2018

Briefmarken

7. November 2018

Design

7. November 2018

Druckgrafik und Multiples

8. November 2018

27. November 2018

Zeitgenössische Kunst I

28. November 2018

Juwelen

28. November 2018

Klassische Moderne

29. November 2018

Zeitgenössische Kunst II

30. November 2018

Armband- und Taschenuhren

4. Dezember 2018

Stammeskunst

5. Dezember 2018

Bücher und dekorative Grafik

10. Dezember 2018

Ölgemälde und Aquarelle des 19. Jahrhunderts

11. Dezember 2018

Alte Meister

12. Dezember 2018

Jugendstil und angewandte Kunst des 20. Jahrhunderts

Historische Waffen, Uniformen, Militaria

13. Dezember 2018

Silber und Russisches Silber

10. November 2018

Jagd-, Sport- und Sammlerwaffen

18. Dezember 2018

Briefmarken

14./15. November 2018

Münzen, Medaillen und Papiergeld

19. Dezember 2018

Moderne und Zeitgenössische Kunst

16. November 2018

Orden und Auszeichungen

19. Dezember 2018

Möbel und dekorative Kunst

26. November 2018

Autographen

20. Dezember 2018

Glas und Porzellan

20. Dezember 2018

Spielzeug

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