Subasta de Arte Moderno y Contemporáneo. México en el Arte

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Luis C. López Morton | eorozco@mortonsubastas.com

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Eduardo J. López Morton | emorton@mortonsubastas.com

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Arte Moderno y Contemporáneo

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Vinos de Colección y Uso Diario

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Subasta de los Sábados

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ARTE MODERNO

Gerente

Ma. Fernanda Serrano

Especialista

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Especialista

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Catalogadora

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Atención a clientes

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Informes

Tel. + 52 55 5283 3140 atencion.clientes@mortonsubastas.com

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Las piezas se entregan con la documentación que aparece en la descripción del catálogo.

Informamos a nuestros clientes que la comisión de comprador es del 22% más IVA y en caso de compra a través de plataformas online, será del 25% más IVA. Se recibirán ofertas en ausencia hasta cuatro horas antes del inicio de la subasta. Los precios son en pesos mexicanos (M.N.) Las descripciones proporcionadas en los catálogos impresos y en línea no en todos los casos incluyen un reporte de condición.

La ausencia de una declaración de condición no implica que el lote se encuentre en perfecto estado o completamente libre de desgaste, daños, imperfecciones o los efectos del envejecimiento.

Se recomienda encarecidamente a los compradores interesados, solicitar un informe sobre la situación precisa de los lotes por los que tenga intención de pujar, antes de hacer una oferta.

Por lo anterior, no existe cancelación de ventas.

En caso de que la catalogación del lote adquirido indique que cuenta con certificado, documento o publicación física, estos serán entregados en conjunto con la obra en el salón de Monte Athos 179 los 5 días hábiles después a la subasta. Posterior a dichos días, los documentos se entregan en las oficinas de Monte Athos 175, directamente con el departamento de Arte Moderno y Contemporáneo.

Morton Subastas no proporciona servicios de envío de las piezas; sin embargo, podemos asesorarlo para su envío.

Aproveche 3, 6, 9 ó 12 meses sin intereses con BBVA. Además puede pagar sus compras con puntos.

SUBASTA DE ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO MÉXICO EN EL ARTE

Monte Athos 179, Col. Lomas de Chapultepec, CDMX

JUE │ 29.MAYO.25 │ 5 PM

EXPOSICIÓN

Del 22 al 27 Mayo

Lun-Vier 9.30 AM A 6 PM

Sáb 24 y Dom 25 11 AM a 2 PM

PORTADILLA | Lote 49

INFORMES Y REPORTES DE CONDICIÓN

Ana Segoviano asegoviano@mortonsubastas.com Tel. 55 5283 3410 ext. 3146

PORTADA | Lote 42

CONTRAPORTADA | Lote 71

Le informamos que la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicas, Artísticos e Históricos establece que los artistas Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, María Izquierdo y José María Velasco, entre otros, son clasificados como monumentos históricos, por lo que no pueden ser sacados del país sin permiso del Instituto competente.

LAS VENTAS DESPUÉS DE SUBASTA SERÁN SOBRE EL ESTIMADO BAJO

La expresión artística es el lugar donde se cultiva la individualidad; las obras que de ella emergen son el fruto de las interpretaciones, pensamientos, emociones y percepciones de una mente creadora que observa y transforma su entorno. El arte nace de la problemática humana y, por ello, resulta tan fascinante: nos permite, desde nuestro propio tiempo y lugar en el mundo, asomarnos a otras realidades, descubrir nuevas miradas y reconocernos en ellas.

Esta capacidad de trascendencia se refleja en las piezas que han marcado la historia social, política y artística de México, y que hoy conforman el entramado vivo del mercado del arte.

El desempeño de este mercado ha estado siempre influido por la economía y las transformaciones sociales, pero conserva un carácter prometedor y vibrante. El mundo de las subastas, en particular, ha sido testigo de sorpresas notables y de una creciente efervescencia en torno al arte mexicano, cuya presencia se ha fortalecido dentro y fuera del país. En estos espacios confluyen el gusto, la pasión y el deseo por poseer aquello que enriquece no solo el patrimonio, sino también el alma.

Morton Subastas se complace en presentar una cuidada selección de 109 lotes en su Subasta de Arte Moderno y Contemporáneo: México en el Arte. Las obras reunidas recorren distintos lenguajes, técnicas y temporalidades propias de los siglos XX y XXI.

Destacan dos extraordinarios lienzos de Pedro Coronel con su característico pincel colorido; un paisaje boscoso del llamado “impresionista mexicano” Joaquín Clausell, un imponente óleo en gran formato de Manuel Felguérez. Sobresale el trabajo de artistas de la escuela oaxaqueña como Rodolfo Morales, Francisco Toledo y Sergio Hernández. Participan también obras de artistas extranjeros cuyo trabajo fue, a su vez, influido e influyente en el arte mexicano, como la producción de Myra Landau, Ana Mercedes Hoyos, Susan Schmidt y Edgar Negret.

Les invitamos a explorar esta colección única que da testimonio del poder simbólico, económico y emocional del arte. Nuestras especialistas estarán encantadas de atenderles durante todo el proceso.

Morton Subastas

ORÍGENES

“La imagen no pretende hechizar el universo por placer sino liberarlo. Donde nosotros vemos capricho o fantasma gratuito, sin duda había angustia y súplica. El fetiche primitivo, en el que hoy vemos un ‘poema-objeto’ de funcionamiento simbólico, no da testimonio de la libertad del espíritu como del sometimiento de nuestros antepasados a la noche, con sus dioses, sus monstruos y sus sombras errantes, todos ellos acreedores sedientos de la sangre de sus deudores, los vivos”.

Régis Debray.

El ser humano, a lo largo de la historia, ha seleccionado elementos de su entorno para crear expresiones que, al entrelazarse con su pensamiento, dan lugar a narrativas únicas que han enriquecido las manifestaciones plásticas en todo el globo. Estas narrativas se consolidan a través de discursos religiosos y simbólicos que, lejos de limitarse a una interpretación literal, constituyen una compleja manera de entender el mundo. Por ello, es esencial remitirnos a los contextos propios de cada expresión cultural, para entender los motivos construidos por cada sociedad entorno a los fenómenos circundantes.

Es importante alejarnos de los prejuicios de la modernidad, ya que como bien advierte Mircea Eliade en su “Tratado de Historia de las Religiones”, al hombre moderno le falta la capacidad de comprender ciertos acontecimientos como sagrados, recordando el estrecho vínculo que se mantenía en culturas anteriores respecto a la vida sagrada en la cotidianidad por medio de mitos y símbolos provenientes de una cosmovisión presente en todos los aspectos del desarrollo humano. Así, lo que muchas veces hoy se contempla como objetos simples, en su momento eran venerados por su capacidad de representar algo más allá de lo visible: una conexión con lo trascendente, con lo inabarcable, como las representaciones sobre fenómenos naturales.

De este modo, se revela con claridad que, más que una expresión estética, las manifestaciones plásticas surgieron como un acto de necesidad: un medio para ordenar el caos. A partir de que el hombre tomó conciencia de su fragilidad produjo manifestaciones plásticas que funcionaron como protección y puentes con lo intangible.

El arte moderno y contemporáneo tiene la característica de retomar su capacidad como espacio de contenido de reflexión y ofrecer una experiencia estética que nos remite a las conexiones más puras y originarias del ser humano, en esta sección podemos apreciarlos a través de los elementos formales seleccionados por los artistas.

1 CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Hunahpú, proyecto para serigrafía de la carpeta Un canto al libro sagrado Firmado y fechado 1978

Crayón y lápices de color sobre papel 21.5 x 16 cm

Con etiquetas de Galería Arvil y Kyron Ediciones Gráficas Limitadas. Existe una versión serigráfica de esta obra publicada en: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y Papel de México S.A. de C.V., Colección CPM, 1981, pág. 188.

Carlos Mérida fue inquieto por naturaleza, un artista viajero que gustaba cambiar de ambiente. Amaba conocer otras culturas, así como experimentar y buscar en la naturaleza su inspiración, como se refleja en cada una de sus obras. En este caso, observamos el recurrido empleo como eje narrativo de sus composiciones fragmentos extraídos de la primera parte del Libro Sagrado de los Mayas: El Popol-Vuh.

Fuente consultada: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y Papel de México S.A de C.V, colección CPM, 1981, pp. 22 y 23. $120,000.00-$180,000.00 M.N.

2 CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984) Ixbalanqué, proyecto para serigrafía de la carpeta Un canto al libro sagrado Firmado y fechado 1978

Crayón y lápices de color sobre papel 21.5 x 16 cm

Con etiqueta de Kyron Ediciones Gráficas Limitadas. Existe una versión serigráfica de esta obra publicada en: DE LA TORRE, Mario. Carlos Mérida en sus 90 años. México. Cartón y Papel de México S.A. de C.V., Colección CPM, 1981, pág. 188. La transformación de Junajpu y Xb’alanke en sol y luna

“Este, pues, es el adorno de su padre por parte de ellos así adornaron a Wuqub’ Junajpu ahí fueron a adornarlo en el lugar del sacrificio de la cancha del juego de pelota.

Solamente se deseó que se hiciera su rostro fue pedido el nombre de todo: su boca, su nariz, sus ojos. Encontró primero su nombre, habló poco no dijo el nombre de cada cosa que estaba sobre su boca, también habló, así, pues, obedecieron en que se quedara el corazón de sus padres solamente se quedó en el lugar del sacrificio de la cancha del juego de pelota. ‘Aquí seréis invocados’ ‘¡Va a ser así!’. Les dijeron sus hijos

cuando fue consolado su corazón. ‘Primero salga lo que es de vosotros primero también seáis celebrados por los hijos (de mujer) de la luz los hijos (de varón) de la luz [...] ‘Nosotros somos los vengadores de vuestra muerte de vuestra pérdida, del dolor, del sufrimiento que os ha sido hecho’. Así, pues, fue su decisión.

Ya estaban vencidos todos los de Xib’alb’a.

Entonces subieron, pues, aquí en medio de la luz inmediatamente, pues, subieron al cielo para uno, pues, fue el sol para otro también fue la luna. Entonces amaneció en el interior del cielo en la superficie de la tierra en el cielo estuvieron.

Así, pues, subieron los cuatrocientos muchachos los que murieron a causa de Sipakna así, pues, sus compañeros se hicieron estrellas del cielo se hicieron”.

Fragmento del Popol Vuh.

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

3 CARLOS MÉRIDA

(Quetzaltenango, Guatemala, 1891 - Ciudad de México, 1984)

Personajes, 1983

Firmada

Escultura en bronce VI / IX en base de mármol

37 x 70 x 9 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Ma. Cristina Navas y Mérida, febrero de 2025. Presenta mínimos detalles de conservación.

La obra de Carlos Mérida es descrita como un baile de líneas y colores en la cual se observan innovaciones a nivel formal y material en comparación con la obra de la Escuela Mexicana de Pintura. Se adentró en el trabajo de varios géneros y técnicas incluyendo la pintura de caballete y mural, la obra gráfica y escultura, así como diseños para escenografías de teatro y ballet. Por otro lado, realizó obra documental dispersa en un gran número de piezas sobre motivos de danza e instrumentaría regional mexicana, en especial aventurado a tratar temas de la cultura prehispánica.

Fuentes consultadas: CULLELL, Jon Martín. “Al rescate de Carlos Mérida, el muralista olvidado”. México. El País, sección Arte, 14 de diciembre de 2018 y NOELLE, Louise. “Los murales de Carlos Mérida. Relación de un desastre”. México. Anales Del Instituto De Investigaciones Estéticas, 1987, pp. 125-143.

$430,000.00-$500,000.00 M.N.

(Ciudad de México, 1910 - Ciudad de México, 1991)

Mujer con guitarra

Firmada y fechada 85

Escultura en bronce P / A

36 x 24 x 19 cm

Con copia de dictamen de Adolfo Cantú, enero de 2023. Presenta mínimos detalles de conservación. "Esta obra probablemente se trate de un proyecto alusivo a un canto de las sirenas, citando el retorno de Ulises, si bien la manera en la que integra a la mujer dentro de un torrente que estéticamente podemos entender como el agua de donde surge esta mujer de manera espontánea pero con un toque de mexicanidad que se le da muy bien a Juan Cruz Reyes". Adolfo Cantú.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

4 JUAN CRUZ REYES

5 CARLOS PELLICER

(Ciudad de México, 1948 - )

Paisaje entablerado

Firmada al frente. Referenciada Octubre 2018 al reverso

Encáustica sobre MDF

70 x 122 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicada en: ALBERTO, Eliseo. Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encáusticas. México. Aldama Fine Art, 2019, pág. 27, catalogada 16.

Exhibida en: “Carlos Pellicer. Temples, gouaches y encáusticas”, muestra presentada en Aldama Fine Art, Ciudad de México, del 18 de enero al 18 de febrero de 2019.

Presenta mínimos detalles de conservación.

“Pellicer López abre ventanas con ánimo celebratorio. Vistos de lejos, los cuadros sugieren que la naturaleza está de vacaciones. De cerca, el impacto es diferente. El espectador advierte que el artista juega con fuego. La palabra encáustica proviene del griego y alude, precisamente, a ‘grabar a fuego’. En esta variante del arte, surgida de la lumbre, los materiales se derriten y al enfriarse encuentran un modo dramático de ser sólidos. Como las frutas, los colores de la encáustica tienen cáscara. Por eso hay que mirarlos dos veces. A la distancia, muestran una pulida superficie; de cerca, revelan las texturas, las rugosidades, las intricadas marcas de la piel”. Juan Villoro.

Fuente consultada: VILLORO, Juan et al. Carlos Pellicer. Desde la ventana. México. Seminario de Cultura Mexicana - Aldama Fine Art, 2023, pág. 11.

$150,000.00-$180,000.00 M.N.

6 EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012)

Estrella

Firmada y fechada 1994 en la base

Escultura en aluminio laqueado 22 / 30

44 x 40 x 40 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Galería Casa Negret firmado por el artista, mayo de 2007. “Negret cree que la forma es un elemento dúctil para desarrollar y transcribir plásticamente las más fantásticas imágenes libres: cree en la inteligencia que las concibe, en el orden que las realiza pero también en la emoción que no sólo las intuye sino que después debe, obligatoriamente, irrigarlas [...] Las obras últimas derrotan la lógica y al mismo tiempo son rigurosamente exactas. La fantasía con que Negret inventa uno de sus objetos puede parecer de pronto tan abierta como la de cualquier informalista y sin embargo se vierte en formas disciplinadas. En el fondo, tiene una mentalidad de arquitecto: siempre concibe en términos de edificio, tratando de conferir consistencia real a imágenes fugaces”. Marta Traba.

Fuente consultada: TRABA, Marta. “Negret” en Seis artistas contemporáneos colombianos. Colombia. Alberto Barco Editor, 1963.

$170,000.00-$260,000.00 M.N.

7 ARNALDO COEN

(Ciudad de México, 1940 - )

El silencio del sol Firmado

Óleo sobre tela

100 x 200 cm

Con etiqueta de Museo de Arte Moderno. Presenta detalles de conservación y restauración.

Se pueden reconocer distintos periodos creativos en el trabajo de Arnaldo Coen, los cuales van del expresionismo abstracto al figurativo y después al fantástico. Además de pintar ha realizado obra gráfica, experimentado con la escultura y participado en proyectos musicales, de arquitectura, teatro y danza.

Su obra forma parte de distintas colecciones como la del Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC en la Ciudad de México, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, Museum of Latin American Art en California y el Museo de Arte de San Francisco, por mencionar algunos. En 2014 fue acreedor al Premio Nacional de Ciencias y Artes.

“¿Dónde empieza el silencio? Arnaldo nos da la respuesta: el silencio empieza donde se entretejen tiempo, espacio, forma y color. Sólo falta un ingrediente más que únicamente puede darnos el artista verdadero: genialidad. Si esto se logra, estamos entonces ante una auténtica obra que trasciende lo puramente anecdótico. Lindamos ya con lo infinito. Y esto es la obra de Arnaldo Coen: convivencia con lo más profundo del hombre, del hombre verdadero que se proyecta de mil maneras y que deja el infinito en el tiempo y en el espacio”. Eduardo Matos Moctezuma.

Fuentes consultadas: RUY SÁNCHEZ, Alberto. “Reportaje gráfico: Arnaldo Coen”. México. Revista de la Universidad de México, febrero de 2011 y sitio de la Academia de las Artes www.academiadeartes.org.mx

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

8 JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Luna

Firmada y fechada 93

Escultura en bronce III / III

47.5 x 33 x 33 cm

Otras versiones de esta obra están publicadas en: PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO, CONACULTA, INBA, 2000, pág. 169, DEL CONDE, Teresa y FUENTES, Carlos. Juan Soriano y su obra. México. Instituto Nacional de Bellas Artes - Secretaría de Educación Pública, 1984, pág. 20 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net La versión monumental de esta obra, se encuentra en la explanada del Auditorio Nacional en la Ciudad de México. Durante el proceso de remodelación del Auditorio Nacional gestionado por el arquitecto Teodoro González de León entre 1989 y 1991, se invitó a Juan Soriano a colocar una de sus obras en la explanada y éste decidió colocar “La Luna”, una de sus piezas más emblemáticas. Pertenece a la última etapa creativa del artista, en la que trabajó ejes temáticos como los animales y las fuerzas de la naturaleza. Además de ser un referente de la inspiración de músicos y poetas, la figura de la luna fue para Juan Soriano la síntesis de las teorías de su amiga la filósofa española María Zambrano acerca de la relación entre el arte y la aurora. El artista comentaba que en Italia existe un culto a la aurora, pues es la promesa eterna de cada día; precede a la luz. En relación con esto, comentó que se percibía a sí mismo en un nacimiento continuo. Antes de la aurora siempre había un temor dentro de él, “la angustia de nacer cada día”, tal como para los aztecas la noche ocupaba su temor de no ver el alba de nuevo.

En 1992 cuando la versión monumental de esta obra se colocó en la explanada del Auditorio Nacional, comentó que le gustaría que esa obra se volviera punto de encuentro, como se hace con el afamado “Caballito” de Manuel Tolsá en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Diez años después se instituyó la entrega de “las Lunas del Auditorio”, premio que reciben los personajes más destacados de la industria musical nacional y desde entonces los galardonados reciben una réplica de cristal de la obra en miniatura. Debido a eso, hoy en día mucha gente se queda de ver en “La Luna”. Fuentes consultadas: FIGUEROA, Fernando. “Juan Soriano: niño de 100 años”. México. Milenio, sección Cultura, agosto de 2020 y sitio oficial del artista www.juansoriano.net

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

9 MYRA LANDAU

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018)

Ritmo algo sombrío

Firmado y fechado México 75 al reverso Óleo y pastel sobre tela

125 x 80 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Marie Louise Ferrari. Presenta ligeros detalles de conservación. El lenguaje plástico de Myra Landau se ha convertido en emblemático de la escena plástica mexicana, sus distintivas formas intersecadas contribuyeron a la consolidación del arte abstracto en nuestro país.

Derivado de la terrible situación de persecución antisemita que se dio en Europa durante la primera mitad del siglo XX, su familia se vio orillada a migrar innumerables veces hasta llegar a Brasil, donde pudieron asentarse oficialmente. Desde joven se mantuvo cercana a las artes, a inicios de los 50 se gestaron sus primeras exhibiciones, tanto en Brasil como en Argentina. Una década más tarde llegó a México, país que la acogió por más de treinta años, y donde se desarrolló exitosamente como artista plástica y docente, específicamente en la Universidad Veracruzana donde apoyó al impulso de la política cultural. Durante su estancia en México dio inicio a “Ritmos”, obras inspiradas en los trabajos huicholes y con los que la artista mencionó haber descubierto su verdadero lenguaje.

Fuente consultada: ADES, Dawn et al. Myra Landau. Geometría sensible. México. Universidad Nacional Autónoma de México - Museo Universitario Arte Contemporáneo, 2024, pp. 25-42.

$300,000.00-$380,000.00 M.N.

10 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Estrella, 1973

Firmada

Escultura en bronce

10 x 20 x 13 cm

Con certificado de autenticidad de Lily Kassner, enero de 2014. Agradecemos a Ricardo Suárez Haro, por la revisión de autenticidad de esta obra, marzo de 2025. Presenta mínimos detalles de conservación.

Mathias Goeritz fue un promotor de corrientes estéticas que marcaron de forma indeleble el desarrollo artístico del siglo XX en México. Durante su multidisciplinaria trayectoria nutrió al país con una faceta lírica y pasional adscrita al expresionismo, una etapa polémica e irónica dadaísta y en su labor arquitectónica, ayudó a darle paso al constructivismo. La escultura se convirtió para Goeritz en el medio de expresión más adecuado a su carácter y a la proyección de ideas estéticas. La transformación de la materia pareció ofrecerle posibilidades más amplias y directas. Polifacético, con un avasallante espíritu emprendedor tras la promulgación de su manifiesto de la “Arquitectura Emocional” realizó diversos diseños para pequeñas y grandes esculturas, así como proyectos para murales con el fin de detonar la máxima emoción en el hombre.

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915-1990. México. UNAM - CONACULTA. 2007, pág. 252 y sitio oficial del Patronato Ruta de la Amistad www.mexico68.org

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

11 MYRA LANDAU

(Bucarest, Rumania, 1926 - Países Bajos, 2018)

Ritmo nostálgico

Firmado y fechado 78 al reverso

Pastel sobre tela

100 x 69.75 cm

Con dedicatoria al reverso.

Con certificado de autenticidad de Galería Marie Louise Ferrari. “Hay un indudable sentido musical en el trabajo de Myra Landau. Líneas, recuadros inscritos en sí mismos, superficies blancas, grises, ocres, rojas, van constituyendo ritmos casi melódicos: acentos, silencios, énfasis, síncopas. Imagino que el proceso de la pintora al realizar un cuadro, en donde deja discurrir un sentido de libertad y de apertura ajustado, sin embargo, a reglas precisas y necesarias, se asemeja al proceso de un compositor. Esas reglas precisas y al mismo tiempo laxas que están en la base de cada construcción poética, musical, pictórica de Myra Landau no constituyen una manera o una receta, sino un modo, o más bien, un sistema”. Jorge Alberto Manrique.

Fuente consultada: SOTELO, Gina. “Llegan a Xalapa los Ritmos de Myra Landau”. México. El Periódico de los Universitarios - Universidad Veracruzana-, sección Arte, 19 de junio de 2006.

$200,000.00-$280,000.00 M.N.

12 GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Paisaje amarillo

Firmado y fechado 90

Acrílico y arena sobre tabla 29 x 38.75 cm

Con constancia de opinión de Galería Oscar Román, octubre de 2024. Desde el inicio, la carrera artística de Gunther Gerzso tuvo un impulso positivo por parte de su familia. A los 14 años recibió un regalo peculiar, el libro “Hacia una nueva arquitectura” de Le Corbusier, cuyos postulados marcaron definitivamente los fundamentos plásticos de su producción. Durante este periodo descubrió la escenografía de la mano del actor italiano Nando Tamberlani, área donde sus principales afinidades convergieron.

Tras un prolongado periodo en Europa, regresó a México al inicio de la década de los años 30, se enfocó en formarse artísticamente de manera autodidacta, haciendo énfasis principalmente en escenografía y vestuario teatral. Con propósito de continuar con su carrera profesional en 1935 se mudó a Cleveland, Ohio, donde ingresó como escenógrafo auxiliar de la compañía teatral de la ciudad. Paralelamente, gracias al pintor Bernard Pfriem se acercó a la pintura, así como en ocasiones anteriores, optó por el camino del aprendizaje personal, estableciendo preferencia por las propuestas modernistas europeas así como las presentes en el arte mexicano del momento.

A finales de 1941, regresó oficialmente a México, continúo su camino en la pintura adquiriendo influencias de su entorno, entre estas se pueden observar rasgos de la obra de Carlos Orozco Romero, Manuel Rodríguez Lozano y Julio Castellanos, relacionados también con el arte escenográfico. El conocer las pasiones de Gunther Gerzso nos permite comprender el lenguaje empleado en su obra pictórica, en el que converge su interés por la arquitectura, la escenografía, el arte prehispánico, el paisaje mexicano, así como la adopción de lenguajes de su época como el surrealismo y abstraccionismo.

Fuentes consultadas: DU PONT, Diana et al. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. España. Santa Barbara Museum of ArtCONACULTA, 2003, pp. 297-301, GÓMEZ HARO, Germaine. “Los paisajes emocionales de Gunther Gerzso”. México. La Jornada, Suplemento Cultural, 05 de julio de 2015 y “Gunther Gerzso, figura clave del arte mexicano”. México. Milenio, sección Cultura, 21 de abril de 2020.

$2,200,000.00-$2,800,000.00 M.N.

13 EDGAR NEGRET

(Popayán, Colombia, 1920 - Bogotá, Colombia, 2012)

Calendario

Firmada y fechada 1996 en la base

Escultura en aluminio laqueado 23 / 100 40 x 40 x 13.5 cm

Presenta mínimos detalles de conservación. Con certificado de autenticidad de Galería Casa Negret firmado por el artista, mayo de 2003. Existe una versión monumental de esta obra publicada en: sitio oficial del Museo Edgar Negret www.edgarnegretmuseum.com Es reconocido como uno de los escultores colombianos más importantes a nivel internacional. En su obra podemos identificar una marcada alusión a las expresiones precolombinas, específicamente las propias de Machu Picchu, observables en la integración del lenguaje abstracto y las referencias simbólicas de sus títulos. A su vez, incorporó las maneras del clasicismo moderno con las que convivió durante su estancia en Nueva York en la década de los cincuenta del siglo XX. Asimismo, su producción resalta la belleza existente en las máquinas, como se aprecia en la incorporación minuciosa de engranes y articulaciones antes sólo pensados con propósitos de funcionalidad. A lo largo de su trayectoria fue acreedor a diversos premios, entre los que destacan: el primer lugar en el XV Salón Nacional de Artistas Colombianos, el Gran Premio de Escultura en la XXXIV Bienal de Venecia y la medalla de plata de la VIII Bienal de São Paulo. En 1984 se fundó la Galería Casa Negret en Bogotá y en 1985 la Casa Museo Negret en su natal Popayán, Colombia.

Fuentes consultadas: TRABA, Marta. “Negret” en Seis artistas contemporáneos colombianos. Colombia. Alberto Barco Editor, 1963, BUENAVENTURA, Julia. “Edgar Negret”. Bogotá. ARCADIA, obituario, noviembre del 2012, CASTELLANOS, Luisa. “El pasado en el presente: la obra de Edgar Negret y Eduardo Ramírez-Villamizar”. Colombia. Á-nima - Universidad de los Andes, 2021, pp. 38-46.

$170,000.00-$260,000.00 M.N.

14 FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Planetario II

Sin firma

Escultura en acrílico y latón con base de resina

77 x 38 x 15 cm

Con certificado de autenticidad de Martín Feliciano Béjar.

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2025.

Presenta mínimos detalles de conservación.

La formación de Feliciano Béjar fue principalmente autodidacta; desde que tenía 15 años comenzó a experimentar con los materiales que hallaba a su paso. Su carrera se definió por el principio de “democratizar la belleza por medio del arte”, inspirado en José Clemente Orozco.

Inicialmente se dedicó a recorrer el mundo y en 1948 presentó su primera exposición en Ward Eggleston Galleries en Nueva York. Continuó su formación en los museos de París y recorrió Europa en bicicleta. “Béjar, el mago, se entiende quizá sólo desde la lente de sus magiscopios. Feliciano, el luchador para el que darse por vencido no es opción. Un buen hombre con el que uno quisiera pasar horas reconciliándose con el valor de esos seres y cosas que el ritmo de la vida actual va dejando en el olvido”. Gabriela Rábago Palafox.

Fuentes consultadas: RÁBAGO PALAFOX, Gabriela. “Feliciano Béjar: the poetry of all things”. México. Voices of Mexico, julio-septiembre 1994, no. 28, pp. 23-28 y MATEOS, Mónica. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$180,000.00-$250,000.00 M.N.

INTROSPECCIÓN

En el extenso paisaje cultural de México, la creación artística se ha manifestado como un acto de profunda introspección. Más allá de reflejar únicamente realidades externas o contextos políticos, muchas de las obras producidas en México y también en Latinoamérica surgen de una necesidad vital: la de interpretar y reorganizar el universo desde una mirada singular, íntima y profundamente arraigada en la experiencia personal.

Para muchos artistas, crear es un modo de estar en el mundo, de enfrentarlo y también de transformarlo. La obra se convierte en un puente entre el interior y el exterior, entre el caos de lo cotidiano y la necesidad de dotar de sentido aquello que nos rodea. En este proceso, la introspección es una herramienta para explorar memorias, emociones, contradicciones y deseos que dialogan con la historia.

Las obras de arte no son solo formas de expresión, sino también modos de pensar y sentir, cartografías sensibles que revelan paisajes internos tan complejos como el territorio físico que habitan. En estas prácticas, el arte se convierte en un lenguaje para decodificar el presente, preservar lo intangible, y proponer otras formas de ver, de recordar y de existir.

Cada artista construye una manera propia de mirar el mundo: una visión que se nutre de su entorno, sus referentes culturales, sus heridas personales y colectivas, y de su posición frente a la historia. No se trata de una mirada objetiva o neutra, sino profundamente encarnada, moldeada por la memoria, la identidad, la espiritualidad y la imaginación.

El resultado es un arte que trasciende lo meramente estético: es un acto de resistencia, una declaración existencial, un gesto de conexión. Una invitación a mirar el mundo desde otras perspectivas.

15 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990) Mensaje, ca. 1950

Sin firma

Lámina perforada sobre madera

70 x 70 cm

Con certificado de autenticidad firmado por Rosa Nicolayevsky, diciembre de 2024. “Mensajes” es el nombre que recibe una serie de obras de Mathias Goeritz, las piezas que la conforman poseen como característica el no estar pintadas, sino revestidas con hojas de oro o ser trabajos sobre lámina con posibilidad de monocromía o perforación. A través de esta expresión, el artista buscó materializar su posición respecto al impulso del arte como espacio espiritual, universal y metafísico. Lo anterior se relaciona a su vez con un triste pasaje en su vida, ya que de manera contemporánea se encontraba de luto por la muerte de su ex pareja Marianne Gast.

Los “Mensajes”, también definidos por el artista como “Cloauges”, pueden considerarse como decoraciones simbólicas que a juicio de Mathias Goeritz infunden un halo de espiritualidad a través del resplandor dorado en su interacción con la luz.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 11, no. 80, marzo-abril de 2006, pp. 4-27 y KASSNER, Lily. Mathias Goeritz. Una biografía 1915 - 1990. México. UNAM, CONACULTA, INBA, 2007, pág. 137 y ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pp. 41-43.

$1,900,000.00-$2,500,000.00 M.N.

16 JESÚS PEDRAGLIO BELMONT

(Lima, Perú, 1970 - )

Space one

Sin firma

Hilo sólido de nailon trenzado e hilo de algodón sobre tubos reciclados

170 x 40 x 22 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, febrero de 2022. Su obra propone una transformación en donde el hilo se convierte en la técnica y soporte para ser paralelamente forma y argumento. Una unión entre la geometría y lo orgánico, usando materiales inusuales para investigar la estructura, formas y la vibración y tensión del color. Su propuesta estética tiene un origen conceptual en la geometría sagrada, aquella que ocurre de forma espontánea en la naturaleza. La simetría en la obra de Jesús Pedraglio Belmont alude al espejismo de la mandala y su capacidad de reflejar estados internos de la mente. Ha formado parte de ferias y exposiciones en ciudades como Toronto, Miami, Callao y Ciudad de México.

Fuente consultada: sitio oficial de Galería Alfredo Ginocchio www.ginocchiogaleria.com

$130,000.00-$180,000.00 M.N.

17 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Lluvia en la alta fantasía

Firmado y fechado 1996 al reverso Óleo y arena sobre tela

110 x 95 cm

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2025. Presenta mínimos detalles de conservación.

“Todo lo que he ido recolectando en la literatura, en los hallazgos visuales, en las experiencias de la arquitectura, de las vivencias del amor, de la misma vida, me da como resultado un resumen de energía que se refleja en esas obras que son intensas, a la vez que efímeras, pues están hechas con gestos, porque no están tan meditadas”. Sergio Hernández. Fuente consultada: MACMASTERS, Merry. “Sergio Hernández da vida a un diario personal a partir de la entomología”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 21 de septiembre de 2005.

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

18 ALEJANDRO SANTIAGO

(Teococuilco de Marcos Pérez, Oaxaca, 1964 - Oaxaca de Juárez, 2013)

Sin título

Firmado y fechado 96

Óleo, arena y mixta sobre tela 120 x 110 cm

Presenta mínimos detalles de conservación. Con etiqueta de Espacio de Arte Francisco Franco Calvo. Alejandro Santiago se formó de la mano de algunos de los pilares artísticos de México, fue integrante de la primera generación del Taller de Artes Plásticas Rufino Tamayo, donde conoció a dicho artista, ahí mismo entabló relación con Francisco Toledo y Rodolfo Nieto. Otro de sus maestros y quien influenció su línea de producción fue Shinzaburo Takeda. Su obra derivó del acercamiento a múltiples expresiones artísticas, entre ellas las que tuvo oportunidad de experimentar en Estados Unidos, donde acudió como seleccionado de un intercambio cultural. Ahí conoció la obra de Antonio Saura y Jean-Michel Basquiat cuyos estilos podemos apreciar en su obra fusionados con su arraigado origen zapoteca. A lo largo de su producción encontramos también algunas reflexiones entorno a la vida, la muerte, el ser y el renacer plasmados en diversos medios en los que destaca la mezcla de texturas con una paleta cromática que puede variar desde los ocres areniscos hasta los tonos cálidos.

Fuentes consultadas: ARANDA MÁRQUEZ, Carlos et al. Oaxaca tierra de arte. Venecia. Mondadori Electa, 2003, pág. 60 y “Se cumplen tres años de la muerte del pintor Alejandro Santiago”. México. 20 minutos Notimex, sección Artes, 21 de julio de 2016.

$250,000.00-$400,000.00 M.N.

19 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Juego de formas, 1981

Firmado

Gouache y acuarela sobre papel

23.5 x 33.5 cm

Con etiqueta de Galería de Arte Mexicano. Francisco Toledo desarrolló su carrera de manera autónoma definiendo un estilo identitario desde sus inicios. Gracias a Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. En 1983, publicó su primer libro y en 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), un espacio para difundir y exhibir su colección particular de obras gráficas, así como piezas de otros artistas latinoamericanos de gran importancia.

La visión de Francisco Toledo buscaba crear mundos con sentidos fantásticos, figuras antropomórficas que a veces son monstruosas y otras hasta divertidas y juguetonas. Entre los temas constantes en su obra están el sexo, los insectos, el estudio de la escatología, las tradiciones y cultura oaxaqueña.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp. 11-17, sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es y sitio del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México www.museoartemoderno.com

$200,000.00-$400,000.00 M.N.

20 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Mujeres

Firmado

Óleo sobre tela

180 x 180 cm

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2025. A los 16 años Sergio Hernández decidió independizarse y se mudó a la Ciudad de México para ingresar a la Academia de San Carlos y posteriormente a La Esmeralda. Después pasó un año en París conociendo las vanguardias europeas y a su regreso a México, tomó un papel destacado dentro de la plástica y la cultura de Oaxaca. Con el tiempo se convirtió en un multifacético pintor y escultor que ha producido un conjunto de obras con diversas técnicas y materiales como óleos, tintas, gouaches, acuarelas y grabados, entre otros. Al observar de manera general su producción se puede definir una iconografía auténtica: la elaboración de lienzos en colores monocromáticos, vibrantes primarios, grandes formatos, el uso de la escritura como parte del lenguaje visual y el arte geométrico, uso de materiales como sílica, barro, cerámica, plata, encáustica o cera, azúcar y densas capas o trozos de pigmento. Actualmente, su trabajo forma parte de importantes acervos de instituciones y museos públicos y privados, como el del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes, el San Antonio Museum of Art en Texas y el Museum Würth Künzelsau en Alemania.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et al. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$2,000,000.00-$2,500,000.00 M.N.

21 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Sin título

Firmada al frente. Firmada y fechada Oax 2006 al reverso

Mixta sobre papel sobre fibracel

65 x 46.5 cm

Con fotografía de la obra firmada por el artista.

Procedencia: perteneció a la colección del escritor y periodista Andrés Henestrosa. Presenta perforación.

Esta obra ha sido solicitada para ser exhibida en la muestra organizada por el Museo Tamayo titulada "Tamayo, Nieto, Toledo, Los Años de París", muestra que será presentada de agosto a diciembre de 2026.

Describir a Francisco Toledo únicamente como artista es dejar de lado gran parte de su carrera; se desarrolló como activista, filántropo y promotor cultural, además se pronunció a favor de múltiples causas en relación con la defensa de los derechos humanos y las lenguas originarias.

Respecto a su producción artística, esta abarcó diversas técnicas como grabado, escultura, pintura y otras técnicas con las que experimentó de manera exitosa.

Es bien conocida su inspiración en la cosmogonía oaxaqueña, sin embargo, también podemos observar múltiples influencias del arte internacional, como la obra de Jean Dubuffet, Joan Miró y Antoni Tàpies, que se conjuntan con la tradición mexicana para dar como resultado un estilo identificable lleno de vida.

Fuentes consultadas: AQUINO CASAS, Arnulfo. Francisco Toledo. Sembrador de Arte y Cultura. México. Dossier, enero de 2020, pp. 37-43 y sitio oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura www.inba.gob.mx

$1,600,000.00-$2,000,000.00 M.N.

22 FELICIANO BÉJAR

(Jiquilpan, Michoacán, 1920 - Ciudad de México, 2007)

Custodia

Firmada y fechada 73

Escultura en acero y cristal tallado

88 x 38 x 20 cm

Agradecemos a Martín Feliciano Béjar y a Martin Foley por la verificación de autenticidad de esta obra, marzo de 2024. En 1956, mientras Feliciano Béjar vivía en París, un nuevo elemento asomó con insistencia en su obra: las luces a manera de pequeños soles, por ello su biógrafo, Martin Foley, lo bautizó como “el recolector de soles”. A su regreso a México se involucró en la construcción de instrumentos “poblados de luz”, y así los soles escaparon de sus lienzos y maderas para convertirse en los ojos de sus nuevas esculturas. Así nacieron las obras bautizadas por Jorge Hernández Campos como Magiscopios: instrumentos de acero reciclado con lentes encapsulados. Fuente consultada: MATEOS, Mónica. “Murió Feliciano Béjar, impulsor de un arte al servicio de la sociedad”. México. Diario La Jornada, sección Cultura, 2 de febrero de 2007.

$110,000.00-$180,000.00 M.N.

(Iguala, Guerrero, 1943 - )

Cortina mineral

Firmado y fechado 86 al frente y en bastidor

Acrílico y arena sobre tela

90 x 100 cm

“La imagen mental que el pintor abstracto plasma es un diseño, una segunda cosa, que proviene de un inmenso e indefinido arsenal privado, conformado de cosas concretas. Las pinturas de Irma Palacios, incluyendo sus títulos, ejemplifican admirablemente la manera en que los circuitos sensoriales van nombrando los elementos conforme éstos se aparecen en la tela […] La pintura de Irma Palacios está poblada de signos. Éstos no son descifrables de causa a efecto, sino polivalentes, tal y como lo son las palabras que arma n una frase poética”. Teresa del Conde.

Fuente consultada: “Irma Palacios”. México. Revista Tiempo - Universidad Autónoma Metropolitana, febrero de 2002, pág. 48.

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

23 IRMA PALACIOS

24 MATHIAS GOERITZ

(Danzig, Polonia, 1915 - Ciudad de México, 1990)

Mensaje, 1959

Firmada al reverso

Lámina perforada sobre madera

22 x 45 cm

Con certificado de autenticidad de la Dra. Lily Kassner, septiembre de 2009.

“El retorno hacia el mundo interior lo hace producir, en un continuo afán de salvarse como artista, unas austeras creaciones compuestas con clavos y hojalata, cuyo significado basa en textos bíblicos, generalmente del Viejo Testamento [...] Propone una postura religiosa como única salida a aquella revolución artística. Al tomar partido contra el nihilismo de Marcel Duchamp y contra el ateísmo de los artistas modernos, señala cuál será su camino en el futuro”. Olivia Zúñiga.

Fuente consultada: ZÚÑIGA, Olivia. Mathias Goeritz. México. Editorial Intercontinental, 1963, pág. 43.

$120,000.00-$200,000.00 M.N.

25 GUNTHER GERZSO

(Ciudad de México, 1915 - Ciudad de México, 2000)

Rojo - azul - amarillo - negro

Firmado y fechado 73

Acrílico sobre cartón

38 x 53.5 cm

Con documento de Sotheby’s, agosto de 1994.

Agradecemos al Dr. Salomon Grimberg por la revisión de esta obra, abril de 2025.

Procedencia: adquirido en Sotheby’s Nueva York, 23 de noviembre de 1993.

Gunther Gerzso exhibió por primera vez en 1950 en la Galería de Arte Mexicano de Inés Amor, donde repetiría su participación en varias ocasiones. En un inicio generó impresiones divididas entre la crítica, algunos le calificaron como “carente de mexicanidad”, sin embargo, estos comentarios fueron suprimidos al conocer la inspiración en motivos prehispánicos y el paisaje de nuestra nación.

Perteneció a la generación de artistas que impulsaron la abstracción en el arte nacional. Desde sus obras tempranas podemos apreciar las influencias que marcaron su camino rumbo a un lenguaje abstracto, entre ellas destaca Le Corbusier y el desarrollo del purismo, así como el constructivismo y el cubismo, sin dejar de mencionar el importante papel del arte prehispánico en su obra, desde el carácter formal hasta su sentido místico.

“Las pinturas de Gerzso encierran en sus composiciones de planos disímbolos el espíritu sagrado de los templos prehispánicos evocados poéticamente en sus formas geométricas superpuestas, cuadrados y rectángulos aparentemente simples, que se contrastan y complementan en una atmósfera densamente hermética. Aunque su pintura se clasifica dentro de la abstracción y ha sido considerado el primer pintor abstracto mexicano, sus cuadros remiten irremediablemente a paisajes y formas arquitectónicas [...] Su paleta, también refinadísima, combina los colores de la tierra y de las piedras, pero también evoca la luminosidad del cielo y la frescura de la vegetación”. Germain Gómez Haro. Fuentes consultadas: DU PONT, Diana et al. El riesgo de lo abstracto: el modernismo mexicano y el arte de Gunther Gerzso. España. Santa Barbara Museum of Art - CONACULTA, 2003, pág. 304, RIVAS GODOY, Dulce María. Gunther Gerzso. Los diagramas luminosos de un creador multifacético. México. Instituto Cultural de Aguascalientes. 2009, pp. 6-11 y GÓMEZ HARO, Germaine. “Los paisajes emocionales de Gunther Gerzso”. México. La Jornada, Suplemento Cultural, 05 de julio de 2015.

$520,000.00-$600,000.00 M.N.

26 FRANCISCO CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1954 - Ciudad de México, 2022) Paisaje cotidiano

Firmado y fechado 85 / 9 al frente Firmado y fechado 1985 / 9 al reverso Acrílico sobre tela 130 x 112 cm

Con certificado de autenticidad del artista, octubre de 2024. Presenta detalles de conservación. El tercero de los hermanos Castro Leñero formó parte de las filas del alumnado de La Esmeralda, más tarde tuvo la oportunidad de estudiar Diseño Gráfico en Urbino, Italia gracias al apoyo de una beca. Otra de sus facetas en el entorno artístico fue la de docente, impartió clases en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, así como en instituciones de Estados Unidos y Camboya.

En relación con su labor formativa, fundó el taller experimental “La Colmena” en compañía de Luis Argudín, José Miguel González Casanova y Eloy Tarcisio, cuyo objetivo grupal era recibir y apoyar a sus alumnos más sobresalientes. Fue un artista que se enfocó en la producción de pintura y obra gráfica, además de haber producido algunas piezas en escultura y nuevos medios como la instalación. En sus piezas podemos observar una inclinación por las formas geométricas y la abstracción, el cuadrado resulta protagonista en gran parte de su producción. Por su parte, en su paleta manejaba tonalidades tierra con colores primarios como acentos para completar las composiciones.

Fuentes consultadas: sitio oficial del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura www.inba.gob.mx

$130,000.00-$200,000.00 M.N.

27 FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987)

Sin título

Firmado y fechado 71

Collage y acrílico sobre cartón 102 x 75 cm

Fernando García Ponce fue un prominente pintor mexicano que formó parte de la Generación de La Ruptura. Estudió Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México y Pintura en el taller del valenciano Enrique Climent. Bajo esta primera influencia, sus cuadros fueron retratos de familiares, sin embargo, no tardó mucho en que el geometrismo dominara sus obras y fuese la esencia de su trabajo. Realizó su primera exposición en la Galería de Arte Mexicano en 1956, posteriormente fue con una serie de collages que se hizo acreedor a una Mención Honorífica en el Salón de la Plástica Mexicana.

Durante casi dos años, Fernando García Ponce se estableció con su esposa en París y Barcelona, etapa en la que además de estudiar las vanguardias europeas, realizó carpetas de obra gráfica. En 1977, el periódico “Excélsior” anunció el regreso del prominente artista a México. Enseguida, el Museo de Arte Moderno realizó una muestra de 40 obras realizadas entre 1977 y 1978. La pintura que produjo durante estos años fue prominente, llena de expresiones y juegos geométricos, con toques abstractos y neo-figurativos. Desde entonces y sin parar, diversas galerías y museos exhibieron sus cuadros e importantes colecciones privadas adquirieron obras suyas.

Fuentes consultadas: BORRÀS, María Lluïsa. Fernando García Ponce. México. Fomento Cultural Banamex, 1992, pp. 39 y 136-138 y sitio oficial de artista www.fernandogarciaponce.com

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

28 JOSÉ CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1953 - )

Viñeta

Firmado y fechado 2018 al reveso Óleo sobre tela 82 x 112 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art. Actualmente José Castro Leñero es un artista que destaca por representar en su obra la importancia de la expresión neofigurativa mexicana. Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales en Museos de México y Estados Unidos. Las imágenes que utiliza en sus obras adquieren un sentido completamente diverso cuando las manipula, hasta convertirlas en juego con una nueva significación. Utiliza herramientas tradicionales y las nuevas tecnologías para transformar un discurso que nos introduce a un modo particular de ver la cotidianidad. Su obra comparte los valores e inquietudes visibles de la obra de uno de los grandes creadores contemporáneos que se ha servido de la fotografía como su principal soporte: Robert Rauschenberg. Fuentes consultadas: BLANCO, Alberto. José Castro Leñero. La imagen encontrada. México. Museo de Arte Moderno, 1992, sitio del taller de gráfica contemporánea La Siempre Habana www.lasiemprehabana.com y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$170,000.00-$200,000.00 M.N.

29 ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN”

(Camargo, Chihuahua, 1947 - )

Columna binomio

Firmada y fechada 2004

Escultura en fierro con esmalte acrílico 8 / 10 94 x 26 x 18 cm medidas totales

Esta pieza, en otro color, está publicada en: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pág. 579, catalogada 339.

Presenta mínimos detalles de conservación.

“Una vez que me decidí por las matemáticas y la geometría como lenguaje para llegar al fin plástico, fue sencillo. No estoy diciendo que sean fáciles, pero con un buen lenguaje uno puede decir cualquier cosa sobre la contemplación de la naturaleza [...] Es como tener un lenguaje que parte de las letras. Los poetas escriben con sílabas, palabras y frases, yo empecé a escribir esculturas, a definir cosas de dos, tres y múltiples dimensiones. Gracias a las matemáticas y la geometría pude hacer un lenguaje codificable”. Sebastian.

Fuente consultada: DELGADO, Alix. “Sebastian, escultor. Entrevista”.

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

30 JOSÉ CASTRO LEÑERO

(Ciudad de México, 1953 - )

Disponible

Firmado y fechado 14

Acrílico y tinta sobre papel

104 x 75 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

Publicado en: RUIZ REGIL, José Manuel. José Castro Leñero. Ciudad Negra. Obras en papel. México. Aldama Fine Art, 2016, pp. 8 y 34, catalogado 9.

Exhibido en: “José Castro Leñero. Ciudad Negra. Obras en papel.”, muestra presentada en Aldama Fine Art, Ciudad de México, de 18 de enero al 18 de febrero de 2017.

“‘Disponible’ es el título de una pieza en la que se ve casa tipo californiano, como las de la Colonia del Valle, y en la que se ha instalado una tienda que lleva un siete en su nombre; en lo alto ostenta un billboard con la palabra ‘disponible’. Esto puede llevar al lector a pensar que lo que está disponible es la casa o la tienda, cuando en realidad se refiere al mismo espectacular. Tres tipos de espacios distintos en una sola esquina: uno para habitar y otros dos para vender”. José Manuel Ruiz Regil.

Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. José Castro Leñero. Ciudad Negra. Obras en papel. México. Aldama Fine Art, 2016, pág. 3.

$120,000.00-$140,000.00 M.N.

31 ENRIQUE CARBAJAL “SEBASTIAN”

(Camargo, Chihuahua, 1947 - ) Monumento a la solidaridad

Firmada y fechada 1985

Escultura en fierro con esmalte acrílico 2 / 5 70 x 43 x 40 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad del artista, agosto de 2024. Publicada en: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pp. 163, 164 y 165, catalogada 237. Existe una versión monumental de esta pieza realizada en 1986 y se encuentra en Av. Fidel Velázquez, Campeche, Campeche. Presenta mínimos detalles de conservación.

Enrique Carbajal, mejor conocido como Sebastian, es uno de los escultores mexicanos más importantes de su generación. De vocación constructiva, desde mediados de la década de los 60, Sebastian inició el desarrollo de su lenguaje artístico apoyándose en disciplinas científicas como las matemáticas y la geometría, acercándose también a la topología y la cristalografía.

Además de realizar esculturas, su producción abarca también el diseño arquitectónico, pintura, diseño de objetos, mobiliario, joyería, diseño de vestuario teatral y escenografías. A lo largo de su exitosa carrera ha sido reconocido con numerosas distinciones, siendo elegido como miembro de la Real Academia de Arte de La Haya en Holanda en 1983 y condecorado como Doctor Honoris Causa por la universidad The City College of the City University en New York en 2008. En su carrera ha desarrollado diversos proyectos en los que involucra los principios del arte cinético, destacan algunas esculturas transformables como los cubos flexibles titulados “Leonardo”, “Durero” y “Brancusi”, en los que se materializa su interés y relación con conceptos matemáticos.

Fuentes consultadas: TAJONAR, Héctor et al. Sebastian. Escultor. México. Fundación Sebastian, 2009, pág. 42 y sitio oficial del artista www.sebastianescultor.com.mx

$120,000.00-$180,000.00 M.N.

32 IRMA PALACIOS

(Iguala, Guerrero, 1943 - )

Sueño de caracol

Firmada 93 al frente. Firmada y fechada 1993 en bastidor Mixta y encáustica sobre madera

150 x 180 cm

Exhibida en: “Espejismo mineral: pintura reciente”, muestra presentada en la Sala Antonieta Rivas Mercado, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, del 06 de mayo al 01 de agosto de 1993. Con etiqueta del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México.

Inició sus estudios en La Esmeralda, donde acudió al taller libre del Maestro Juan Reyes Haro y fue alumna de Francisco Castro Leñero. Fue una etapa de arduo aprendizaje, hasta que logró hallar su propio estilo, el cual se caracteriza por el uso de materiales terrosos, admiración por la cultura oaxaqueña y colores oscuros provenientes del informalismo español. Habiendo destacado como artista, fue distinguida con la beca Guggenheim y la beca del Sistema Nacional de Creadores, además fue acreedora al Primer Premio en la I Bienal de Pintura Rufino Tamayo, el Premio de Adquisición del Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes y ganadora del Segundo Premio del Salón Internacional de Estandartes en el Centro Cultural Tijuana. Fuente consultada: MASRI, Isaac et al. Variantes. Ocho Pintores. México. Impronta Editores, 1999, pág. 112.

$140,000.00-$200,000.00 M.N.

33 FERNANDO GARCÍA PONCE

(Mérida, Yucatán, 1933 - Ciudad de México, 1987)

Sin título

Firmado y fechado 71

Collage y acrílico sobre cartón

102 x 75 cm

“La pintura de Fernando García Ponce es el resultado de una preocupación fundamental por el sentido del espacio en su relación con el color y la forma. Con plena conciencia, García Ponce ha buscado una objetividad que le permita olvidar la lucha con los distintos elementos plásticos como instrumentos de expresión personal, para centrar la atención en sus posibilidades de encerrar la realidad, creándola en lugar de comentarla. Después de aceptar el influjo del cubismo y de pasar por un periodo en el que trataba de expresar en sus cuadros su lucha con la realidad, ha conseguido finalmente ese dominio interior de la forma que le permite al artista hacerse a un lado y dejar que sea ésta exclusivamente la que hable de sus obras”. Juan García Ponce.

Fuente consultada: GARCÍA PONCE, Juan. Nueve pintores mexicanos. México. DGE Ediciones, 1968.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

34 MANUEL FELGUÉREZ

(Valparaíso, Zacatecas, 1928 - Ciudad de México, 2020)

Sin título

Firmado y fechado 16

Óleo sobre tela

145 x 270 cm

Con certificado de autenticidad de Durban Segnini Gallery firmado por el artista, noviembre de 2016. Presenta mínimos detalles de conservación.

Manuel Felguérez fue un multifacético artista que se desenvolvió en ámbitos como pintura, escultura y cerámica, entre otros medios, por ello, ha sido sujeto de diversas publicaciones bibliográficas donde se remarcan las grandes aportaciones que hizo al mundo del arte por su experimentación tanto práctica como teórica. En su obra destacan las formas geométricas mas no de manera limitativa logrando explorar el expresionismo desde la abstracción lírica y elementos figurativos.

Su formación comenzó en la Academia de San Carlos, sin embargo, dadas las limitaciones académicas desertó para posteriormente ingresar a la Académie de la Grande Chaumière de París. De regreso a México ingresó a La Esmeralda, volvió a Francia en 1954 becado para estudiar en la Académie Colarossi.

Uno de los puntos clave tanto de su carrera como de la propia historia del arte se dio cuando realizó trabajos de investigación en la Universidad de Harvard gracias a la beca Guggenheim durante 1970 de la mano del ingeniero en sistemas Mayer Sasson, usando programación informática para la producción artística, dando como resultado la exposición “Espacio múltiple” además de la publicación posterior de “La máquina estética”.

Para los años sesenta, la promesa de un arte latinoamericano ya había sido sembrada en el debate europeo de la modernidad, a través de una tensión entre el lenguaje abstracto y la tradición propia. Este fue un aspecto que entrelazó los trabajos de artistas como Pedro Coronel, Wifredo Lam, Alejandro Obregón y Rufino Tamayo. Aunque Manuel Felguérez formó parte de esta atmósfera artística intelectual, sus investigaciones sobre la abstracción se apuntaron hacia un terreno más experimental. Además de formar parte de una generación que contravino los preceptos nacionalistas del muralismo en México, experimentó tempranamente con elementos industriales, integró la escultura con arquitectura y desarrolló una constante búsqueda en la pintura volumétrica.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. La obra y el concepto de Manuel Felguérez. El proceso creativo XXVI Coloquio Internacional de Historia del Arte. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, 2006, MEDINA, Cuauhtémoc et al. Manuel Felguérez. El futuro era nuestro. México. Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Instituto de Investigaciones Estéticas. 2020, pp. 16-18 y KITROEFF, Natalie. “Manuel Felguérez, artista mexicano de arte abstracto, falleció a los 91 años”. The New York Times, 18 de junio de 2020.

$2,500,000.00-$3,200,000.00 M.N.

35 BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Firmado y fechado 85 Óleo sobre tela 130 x 120 cm

Con certificado de autenticidad del artista, febrero de 1998. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2025. “La etapa inicial de la obra pictórica de Byron Gálvez se alimentó de los principios del expresionismo y principalmente del abstracto aunque también con fuerte influencia de artistas universales tales como Carlos Mérida, Rufino Tamayo, Santos Balmori, Kandinsky, Wifredo Lam y por supuesto Picasso […] No obstante, después de algún tiempo trabajando como expresionista, regresa definitivamente al figurativismo geometrizante alrededor de 1980. Ha sido este su tema casi exclusivo desde entonces, aunque podemos también apreciar excursiones menores a otros temas: de regreso al abstracto, de regreso al paisaje expresionista, el arte erótico, el arte taurino: todo por supuesto con un toque muy especial […] Podemos estar seguros de que la exploración de Byron Gálvez de este medio no concluyó. Y que sus figuras, planos, colores, texturas y composiciones seguirán allí: listos para estimular nuestra imaginación, deleitar nuestra vista y elevar nuestro espíritu”. Eva Beloglovksy.

Fuente consultada: sitio oficial del artista: www.byrongalvez.com

$260,000.00-$360,000.00 M.N.

36 VLADY

(Petrogrado, Rusia, 1920 - Cuernavaca, Morelos, 2005)

Eso

Firmado y fechado 67 al frente. Firmado y fechado 67 9 Agosto al reverso Óleo sobre tela

80 x 100 cm

Nació durante el periodo bélico de la década de los años 20 en Rusia, su padre Victor Serge fue un anarquista franco-ruso y su madre Luiba Rasákova, provenía de una familia judía. Vlady heredó la ideología revolucionaria, espíritu que lo caracterizó de modo especial. Recién llegado a México, tuvo su primer contacto con los gigantes murales de Diego Rivera y el arte revolucionario, experiencia que marcó de manera determinante en su estadía y su vida. Mantuvo contacto con André Breton, Wifredo Lam y otros maestros muralistas como Diego Rivera.

Artista de personalidad inquieta e impulsiva, la obra de Vlady fluctúa entre el realismo figurativo y la semiabstracción, donde el color, la forma y el movimiento recrean ambientaciones barrocas. En su obra, el tema-imagen se manifiesta por medio de la agilidad del trazo, el sentido del humor y la maestría en la ejecución.

Fuente consultada: RENS, Jean Guy. Vlady. De la Revolución al Renacimiento. México. Siglo XXI Editores, 2005, pp. 25-30 y 121-135.

$150,000.00-$220,000.00 M.N.

37 BYRON GÁLVEZ

(Mixquiahuala, Hidalgo, 1941 - Ciudad de México, 2009)

The Mexican Firmado y fechado 77

Óleo sobre tela

120 x 130 cm

Procedencia: adquirido en Freeman’s | Hindman Auctioneers, Chicago, Subasta de Arte y Diseño, lote 56, 18 de julio de 2024; perteneció a la colección de Pamela y Brian McIver, Palm Beach, Florida. Agradecemos a Óscar Gálvez y a Eva Beloglovsky, viuda del artista por la verificación de autenticidad de esta obra, septiembre de 2024. Presenta detalles de conservación.

Originario del Estado de Hidalgo, se mudó a la Ciudad de México a la edad de 16 años con el propósito de ingresar a la Academia de San Carlos, donde recibió una sólida formación de la mano de artistas consagrados como Antonio Rodríguez Luna y Luis Nishizawa por mencionar algunos.

Su trabajo plástico fue reconocido desde sus inicios, el actor estadounidense Vincent Price, uno de los principales coleccionistas de su obra, lo llegó a llamar “Picasso mexicano”.

La obra de Byron Gálvez abarcó diversas disciplinas tales como la pintura, escultura y obra gráfica, en ella observamos una magistral ejecución de volúmenes y una paleta personal de colores fríos.

Fuente consultada: sitio oficial de Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” www.esmeralda.edu.mx

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

38 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Sin título, 1964

Firmado y referenciado París al reverso Óleo y arena sobre tela 73 x 92 cm

Con constancia de opinión de Galería Oscar Román, enero de 2025.

Procedencia: adquirido en Neal Auction, Nueva Orleans, Luisiana, Subasta Anual de Compra de Luisiana, lote 511, 22 de mayo de 2024; perteneció a la colección de Sally O’Meallie y Dr. Lawrence O’Meallie.

Presenta mínimos detalles de conservación.

Esta obra ha sido solicitada para ser exhibida en la muestra organizada por el Museo Tamayo titulada "Tamayo, Nieto, Toledo, Los Años de París", muestra que será presentada de agosto a diciembre de 2026.

La concepción del arte que Francisco Toledo profesaba no empataba con el sistema que envolvía a la escena artística de aquel momento, por lo que se dio a la tarea de crear instituciones que brindaran un apoyo certero para la producción plástica. Estos espacios continúan su labor hasta nuestros días, tal es el caso del Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo, el Centro de las Artes San Agustín (CASA) y la Bienal Internacional de Cartel de Oaxaca, entre otras instituciones impulsadas por el maestro, además de haber apoyado en la fundación del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.

“El acto de pintar se convierte en Toledo en un ritual de creaciones y destrucciones interminables [...] saca sus figuras mágicas, incansablemente como un mago de su sombrero”. Verónica Volkow.

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa. Francisco Toledo: A Retrospective of his Graphic Works. Estados Unidos. Mexican Fine Arts Center Museum, 1988 y ESPINOSA DE LOS MONTEROS, Silvina. Conversación con Francisco Toledo “He vivido deslumbrado”. México. Revista de la Universidad de México, julio de 2015.

$2,200,000.00-$3,000,000.00 M.N.

39 ENRIQUE ECHEVERRÍA

(Ciudad de México, 1923 - Cuernavaca, Morelos, 1972) Flores imaginarias

Firmado y fechado 70 al frente. Firmado y fechado 1970 al reverso Óleo sobre tela 60 x 80 cm

Publicado en: MOYSSEN, Xavier. “Enrique Echeverría, la vocación de un pintor”. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1980, pág. 35.

Con etiqueta del Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Presenta desprendimiento de capa pictórica y detalles de conservación. Gracias a que no pudo exponer en el Salón de la Plástica Mexicana colaboró en la fundación de la Galería Prisse, icónico sitio para los artistas de la Generación de La Ruptura como Vlady, Héctor Xavier y Alberto Gironella, entre otros. Posteriormente impulsó la Galería Proteo y en 1968 obtuvo el Premio de Adquisición en el recién inaugurado Salón Anual de Pintura del Salón de la Plástica Mexicana. Para el inicio de los años 70, había participado en diversas exposiciones en México, Estados Unidos, Sudamérica y Europa. Desarrolló una maestría colorística por su cuidadosa y persistente forma de trabajar la luz, planos, empastes, ritmos y la vibración de la materia pictórica.

“Enrique Echeverría fue por, vocación plena un pintor, un maestro en el arte eterno del color, arte al que hizo la entrega de lo mejor que poseía, en cuanto hombre y en cuanto artista”. Xavier Moyssen.

Fuentes consultadas: MOYSSEN, Xavier. “Enrique Echeverría, la vocación de un pintor”. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1980 y sitio oficial del Museo Fernando García Ponce-MACAY www.macay.org

$100,000.00-$160,000.00 M.N.

40 FRANCISCO TOLEDO

(Juchitán, Oaxaca, 1940 - Oaxaca, Oaxaca, 2019)

Sin título

Firmada

Mixta sobre papel amate

59 x 76 cm

Francisco Toledo desarrolló su carrera de manera autónoma definiendo un estilo identitario desde sus inicios. Gracias a Rufino Tamayo, logró realizar estudios en París y vender sus primeras obras. En 1983, publicó su primer libro y en 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), un espacio para difundir y exhibir su colección particular de obras gráficas, así como piezas de otros artistas latinoamericanos de gran importancia.

La visión de Francisco Toledo buscaba crear mundos con sentidos fantásticos, figuras antropomórficas que a veces son monstruosas y otras hasta divertidas y juguetonas. Entre los temas constantes en su obra están el sexo, los insectos, el estudio de la escatología, las tradiciones y cultura oaxaqueña.

Fuentes consultadas: MANRIQUE, Jorge Alberto. Francisco Toledo. México. Smurfit, Cartón y Papel de México, 2002, pp. 11-17, sitio del Museo Reina Sofía www.museoreinasofia.es y sitio del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México www.museoartemoderno.com

$1,200,000.00-$1,800,000.00 M.N.

“Mi pintura es una poética plástica, regida por el color que no es sino la esencia de la pasión”.

Pedro

Coronel.

41 PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1921 - Ciudad de México, 1985)

Sin título

Sin firma

Óleo sobre tela

100 x 80 cm

Procedencia: adquirido directo al artista.

Pedro Coronel estudió pintura y escultura en La Esmeralda, donde posteriormente fue maestro. En 1946 viajó por primera vez a Europa y residió en París, donde conoció a grandes exponentes de la cultura como Octavio Paz. Del mismo modo, frecuentó los talleres de Victor Brauner y Constantin Brancusi, quienes influyeron en gran medida en su proceso artístico.

A su regreso a nuestro país presentó una exhibición en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, en la cual los críticos pudieron observar las modificaciones en su obra, la cual se definió principalmente por la exaltación del color sin intenciones anecdóticas.

Su estilo se desligó de las tendencias pictóricas del ámbito nacional a partir de los años 60 para tomar un camino más personal, al cual contribuyeron sin duda sus prolongadas estancias en el extranjero. Si bien adoptó las maneras de la pintura moderna en Europa, Pedro Coronel nunca olvidó su formación académica, la cual le brindó una técnica exquisita que le permitió valorar las posibilidades de la experimentación.

Fuentes consultadas: CORONEL ORDIALES, Martín et al. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 183 y 185, TORRES ARROYO, Ana María. Pedro Coronel. Variación en el color y la forma. México. CONACULTA, 2003, pág. 18 y GONZÁLEZ MATUTE, Laura. “La obra de Pedro Coronel”. México. Discurso Visual, abril de 2005.

$3,000,000.00-$4,000,000.00 M.N.

42 PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1921 - Ciudad de México, 1985)

Sin título

Sin firma

Óleo sobre tela

80 x 80 cm

Procedencia: adquirido directo al artista.

El lenguaje de Pedro Coronel se dio como resultado de una ardua travesía por encontrar una vía para expresar sus inquietudes personales. Para ello, las maneras adquiridas en las aulas de la Esmeralda le habían resultado obsoletas, específicamente las relacionadas con los ideales de los muralistas, conocidos como: “los tres grandes”.

La experimentación plástica de Pedro Coronel comenzó a través de la escultura, medio que abrazó principalmente por los grandes referentes prehispánicos de nuestro país y que por la importancia que representaban las expresiones de la Antigüedad Clásica. Pronto, también generó un vínculo estrecho con la pintura, logrando extender sus expresiones al plantear un diálogo entre el volumen y el color de los dos ámbitos.

Si bien, por simultaneidad coincidió con la llamada generación de La Ruptura, por edad y principios congenió más con otros personajes como Carlos Mérida y algunos artistas exiliados como Leonora Carrington y Remedios Varo, con quienes empataba tanto formalmente como por los argumentos de sus composiciones.

En los diferentes periodos que pasó en Europa pudo relacionarse con diversas maneras de producción, entre ellas las propias de Constantin Brancusi, con quien colaboró en su taller. A la par, absorbió los postulados del expresionismo, cuya influencia directa apreciamos en la explotación del color con motivo de externar sus inquietudes personales, en este mismo sentido, otra gran influencia fue Sonia Delaunay, con quien estableció una amistad sólida y trabajó el manejo del color.

Justino Fernández decidió compararlo directamente con Rufino Tamayo con el objetivo de impulsar la valoración plástica equitativa de ambos y no en detrimento de uno u otro. Asimismo, respecto a otros exponentes internacionales se ha hecho hincapié en la equiparación con Wifredo Lam y Joan Miró. “Pedro Coronel es más un creador de tradición que un multiplicador de particularismos. Como los mejores exponentes de las nuevas generaciones, aborrece de nacionalismos asfixiantes. Su pintura no se deja encerrar en fronteras, aunque sean muy mexicanas sus obsesiones. Hay una gran alegría de pintar, de meterse en la tela, en la materia. El pintor se abandona a la marea; registra el oleaje o el ramalazo le cruza la cara. Camina dentro del cuadro. Registra sus sueños. Escucha voces. Avanza conduciendo, con un cabello de mujer, un dinosaurio dócil. Reinventa la pintura para sí”. Luis Cardoza y Aragón.

Fuentes consultadas: CORONEL ORDIALES, Martín et al. Pedro Coronel. México. Grupo Financiero Bital, 1993, pp. 9-11, CARDOZA Y ARAGÓN, Luis. “Pedro Coronel”. México. Revista de la Universidad de México, diciembre de 1968, pág. 4 y FERNÁNDEZ, Justino. “Pedro Coronel: ángel y demonio”. México. Revista de la Universidad de México, agosto de 1972, pp. 1-4. $2,500,000.00-$3,500,000.00 M.N.

43 ROBERTO GIL DE MONTES

(Guadalajara, Jalisco, 1950 - )

Sin título

Firmada y fechada 90 Acuarela sobre papel

48 x 65 cm

Procedencia: perteneció a la colección de la escritora, historiadora del arte y curadora Carla Stellweg.

Exhibida en: “Latino Artists Group Show” muestra presentada en Carla Stellweg Latin American & Contemporary Art, en Nueva York, en 1992. Diversos críticos e historiadores del arte han tratado de delimitar la producción de Roberto Gil de Montes bajo los parámetros de lo naïf y lo folksy, mientras él aboga por ser simplemente artista. Roberto Gil de Montes ha construido un estilo propio que condensa una vida de memorias entrañables que dan por resultado experiencias estéticas acompañadas de un discurso crítico a la sociedad de nuestros tiempos. Tanto por su selección cromática como por la manera de trabajar la pincelada observamos reminiscencias de exponentes internacionales como Paul Cézanne, Henri Matisse y Paul Gauguin, mientras que por la parte mexicana resaltan Manuel Rodríguez Lozano y José Clemente Orozco.

En 1965 se mudó a Los Ángeles, California donde entró en contacto con la producción plástica de aquel lugar. Recibió clases de Noah Purifoy y Betye Saar, ambos artistas importantes de la escena estadounidense.

En continuidad con su formación, ingresó a las filas de la Los Angeles Trade-Technical College para estudiar fotografía a través de la cual se dedicó a cuestionar su propia identidad, de tal manera que impulsó al movimiento artístico chicano con la fundación de LACE (Los Angeles Contemporary Exhibitions). Asimismo, acudió al Otis Art Institute, en donde trabajó a profundidad el dibujo y la pintura figurativa. En 1979 fue invitado por la historiadora del arte y curadora Carla Stellweg a participar en la publicación de un número especial de la revista “Artes Visuales” a través del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, por lo que el artista se trasladó por más de un año a la capital mexicana, donde además de dedicarse a dicho proyecto, dio pie a la producción de piezas clave de su carrera como los “fotomurales esporádicos”.

Su producción ha significado un espacio importante para la declaración firme de posturas sociales. Del mismo modo, desde su establecimiento en La Peñita, Nayarit, se ha pronunciado sobre las condiciones de vida de los grupos wixárika de la zona.

Fuentes consultadas: MACMASTERS, Merry. “Roberto Gil Montes y su estilo naif”. México. La Jornada. 01 de agosto de 2023 y sitio oficial de Kurimanzutto www.kurimanzutto.com

$70,000.00-$100,000.00 M.N.

44 PEDRO CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1921 - Ciudad de México, 1985)

Sin título

Firmada y fechada 1952 México DF al reverso

Encáustica sobre papel

48.5 x 68 cm

Con certificado de autenticidad de Martín Coronel Ordiales, agosto de 1992. Presenta detalles de conservación.

“Para el pintor zacatecano lo mexicano es una manera de relacionarse con la cosmogonía del pasado al hacerla presente. Los muralistas creyeron encontrar el arte nuevo o el Gran Arte en moldes europeos, crearon un clasicismo a lo mexicano. En cambio, Coronel encuentra el arte universal en la unión de contrarios, concibe lo nacionalista y lo universal, la tradición y la modernidad como una unidad en movimiento. Así, los mitos y sus símbolos pertenecen al presente, el tiempo sólo los ha transformado. Por ello, transfigura la realidad, no se queda en un mexicanismo superficial sin que se adentra en el espíritu de la cultura”. Ana María Torres Arroyo.

Fuente consultada: TORRES ARROYO, Ana María. Pedro Coronel. Variación en el color y la forma. México. CONACULTA, 2003, pág. 18. $480,000.00-$550,000.00 M.N.

45 ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - ) Elefantes en Equilibrio Firmado y fechado 2001 al reverso Óleo y arena sobre tela 120 x 200 cm

Con certificado de autenticidad de la galería Gallego Gallego firmado por el artista, 2002. Presenta mínimos detalles de conservación. Rolando Rojas es un sobresaliente artista istmeño, un pintor que gusta de desplegarse frente a su obra como coreógrafo, que apoyado en su profesión de arquitecto, guía y crea sus puestas en escena, en las cuales logra transmitir su ideal. Se consuma en el lienzo con extrema sencillez y sin desgastadas e inusuales pretensiones, él ofrece una ceremonia, un ritual de vida a cada pintura. Es un artista que busca generar una poesía más que solo un efecto visual, regido por la composición y el ritmo a través de las figuras y el color. Fuente consultada: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, septiembre del 2009, año 14, no. 101, pág. 34.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

46 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Caminando por el bosque

Firmado al frente. Firmado y fechado 2008 al reverso

Óleo sobre tela

170 x 120 cm

Agradecemos a la Oficina Sergio Hernández por la verificación de autenticidad de esta obra, mayo de 2025.

Con etiqueta del artista.

Su creatividad proviene de un amplio panorama de la historia del arte y los aspectos más destacados de su obra emanan del imaginario de la cultura oaxaqueña; así, con el tiempo brotaron los temas de los insectos, el mezcal y la muerte.

“Nací en el pueblo de Huajuapan de Léon en Oaxaca y de niño íbamos a las pozas de agua a bañarnos. Yo solía acostarme en el pasto a escuchar los sonidos de las chicharras, entre botones de amapolas. No me atrevía a verlos de cerca sólo a escucharlos e imaginaba sus formas. El sonido llenaba el espacio. Le tengo miedo al espacio abierto, necesito saturarlo con pequeños elementos […] Ahora colecciono insectos de formas extrañas de Brasil, Nueva Zelanda, Madagascar y México”. Sergio Hernández.

Fuente consultada: DEL CONDE, Teresa et al. Sergio Hernández. México. Turner, Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 34 y 323.

$750,000.00-$1,000,000.00 M.N.

47 SERGIO HERNÁNDEZ

(Huajuapan de León, Oaxaca, 1957 - )

Sin título, 2011

Sin firma

Mosaico de cerámica montado en bastidor de madera

25 x 30.5 x 5 cm

Con certificado de autenticidad del artista, enero de 2017. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica y soporte empleados. En la práctica escultórica, Sergio Hernández recurre a la cerámica y al bronce, para transformar el material, en ocasiones en superficies que parecen encontradas o extraídas de sitios antiguos, en objetos o vestigios arqueológicos, donde el tiempo ha dejado grabado del mismo modo que a los fósiles, a insectos y la vegetación. Sus esculturas son un ecosistema de entes que han salido de sus cuadros, fieras inofensivas con características compartidas entre seres marinos, aves y humanas de largas y retorcidas extremidades. “Sergio se enfrenta, con la emoción de unificar retazos de estímulos visuales, literarios y acústicos que van desde la prehistoria hasta la actualidad […] Lo mueve el ímpetu de abarcar mucho, de ir más allá, trascendiendo el imaginario de su región natal que, a querer o no, en todas formas emerge. Porque en él pueden convivir, transformados, rasgos de Edvard Munch, de Miró, de Dubuffet, del románico catalán y de la cerámica pintada maya”. Teresa del Conde. Fuente consultada: SULLIVAN, Edward et al. Sergio Hernández. México. Fomento Cultural Banamex, 2008, pp. 25-29, 31-33.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

48 LUIS ZÁRATE

(Santa Catarina de Cuanana, Oaxaca, 1951- ) Camino a Guanana, ca. 1992

Firmado

Óleo sobre tela

140 x 206 cm

Luis Zárate siempre tuvo claro que quería dedicarse al arte, sin embargo, estudió la Licenciatura en Ingeniería Industrial, manteniendo el dibujo como actividad paralela. Al terminar la carrera decidió incursionar en el dibujo y la pintura de forma autodidacta. Durante este proceso obtuvo influencias artísticas de los trabajos de Rufino Tamayo, Francisco Toledo y Rodolfo Nieto, oaxaqueños vastamente reconocidos.

En 1970 presentó su primera exposición individual en el ex-convento de Santo Domingo en Oaxaca. En 1974 se inscribió en un concurso de diseño industrial con el que obtuvo una beca para estudiar en París. En este periodo estableció contacto con Juan Soriano, y sus sabios consejos le ayudaron a encontrar su camino en la pintura. Su estancia en Francia se extendió por 14 años, realizando estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas en París y en el Atelier 17.

En 1986 decidió volver a Oaxaca, donde su obra comenzó a generar una simbiosis singular de las temáticas regionales con las maneras del expresionismo y abstracción, al mismo tiempo que se involucró cercanamente con causas sociales y la defensa de la cultura. Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Visión de México y sus artistas. Tomo III. México. Promoción de Arte Mexicano, pp. 233-236 y sitio oficial del Museo Ralli Marbella www.museoralli.es

$350,000.00-$450,000.00 M.N.

49 JORGE GONZÁLEZ CAMARENA

(Guadalajara, Jalisco, 1908 - Ciudad de México, 1980) La muchacha del collar

Firmado al frente. Firmado y fechado 1972 al reverso Óleo sobre tela 81 x 100 cm

Con documento de Marcel González Camarena, junio de 1999. Procedencia: adquirido directo al artista. Publicado en: ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et al. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, pág. 93.

Muy acorde a los ideales del arte de la primera mitad del siglo XX, Jorge González Camarena creía que la obra mural era el medio plástico idóneo para comunicarse con el pueblo. No obstante, realizó una vasta colección de obras de caballete, en donde de alguna manera siguió los lineamientos del realismo social que empleaba en sus murales, pero su preocupación estética no lo llevó a repetir el discurso formal establecido por sus predecesores. Creó un lenguaje plástico diferente basado en sus propias ideas poéticas y filosóficas. Su pintura es abundante en simbolismos y de gran riqueza cromática. Su expresión estaba basada en estructuras pétreas de composición cerrada que le dio a su obra un carácter masivo, que combinada con transparencias ofrecía una impresión más equilibrada. Abordó con su pintura una gran variedad de motivos; entre ellos el paso del tiempo, las concepciones del bien y del mal, las construcciones arquitectónicas como medio expresivo, la Revolución, la música, la identidad mexicana y las culturas precolombinas, entre otros elementos del imaginario mexicano. Fuentes consultadas: ÁLVAREZ ACOSTA, Miguel et al. Jorge González Camarena. Universo plástico. México. Democracia Ediciones, 1995, pp. 74-80 y Jorge González Camarena. El pintor de los colores mexicanos. México. SABER VER, no. 14, junio-julio 1998, pág. 13.

$700,000.00-$1,000,000.00 M.N.

50 FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Tiempo de dolor I

Firmado y fechado 76 al frente y al reverso Óleo sobre tela

80 x 60 cm

Publicado en: LOZANO, Luis-Martín et al. Francisco Corzas. México. Editorial Océano, Grupo Financiero Bital, 2001, pág. 74. Francisco Corzas recibió su formación plástica en La Esmeralda, sin embargo, fue en Italia gracias a la riqueza cultural impresa en el ambiente que el artista pudo explorar diferentes expresiones para conformar un estilo personal. Inspirado en Francisco de Goya produjo algunas de sus obras más representativas, como lo son los “Trashumantes”, definidos como figuras humanas inmersas en el ámbito de la soledad y el desconcierto, viajeros de un espacio metafísico, desposeídos, sempiternos, desterrados, en los que su mirada perdida y en ocasiones plasmada incluso borrosa remarcan su estado anímico. Para ello dotaba de personalidad propia a cada uno de sus modelos a quienes transformó en personajes individualizados.

Fuentes consultadas: SAAVEDRA, Manola. Francisco Corzas. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana - PEMEX - 1987, pp. 7-15 y DEL CONDE, Teresa, et al. Francisco Corzas. México. Grupo Financiero Bital. 2001, pp. 116-185.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$260,000.00-$500,000.00 M.N.

51 FRANCISCO CORZAS

(Ciudad de México, 1936 - Ciudad de México, 1983) Orante

Firmado y fechado 76 al frente y al reverso Óleo sobre tela

80 x 60 cm

Presenta mínimos detalles de conservación.

A diferencia de algunos de sus contemporáneos que trabajaron a través de la plataforma nacionalista, Francisco Corzas se remitió a referencias de la historia del arte para nutrir sus propias piezas, tal es el caso del simbolismo tardío como Odilon Redon, o la obra de Pablo Picasso en su etapa más temprana en las que podemos encontrar similitudes tanto en la paleta de color como en las temáticas envolventes, por otro lado, Edvard Munch, con quien congenió en plasmar situaciones emocionales a las que el humano es susceptible. “Francisco Corzas es uno de esos pintores que, más allá de las coincidencias con escuelas o tendencias pictóricas, se distingue por la visión íntima de aquellos seres y ambientes peculiares que habitan un mundo oscuro y enigmático”. Sealtiel Alatriste.

Fuentes consultadas: SAAVEDRA, Manola. Francisco Corzas. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana - PEMEX - 1987, pp. 7-15 y DEL CONDE, Teresa, et al. Francisco Corzas. México. Grupo Financiero Bital. 2001, pp. 116-185.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$260,000.00-$500,000.00 M.N.

52 CARMEN PARRA

(Ciudad de México, 1944 - )

Ángel músico

Firmado

Óleo sobre tela

80 x 120 cm

Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte. Publicado en: Carmen Parra. Acercamiento al misterio. La Catedral de México. México. El Equilibrista - Turner Libros - Secretaría de Desarrollo Social, 1993, pág. 74.

Con etiqueta de El Aire Centro de Arte.

Presenta detalles de conservación.

Carmen Parra ha enfocado una importante parte de su producción en la representación de ángeles, seres que según sus palabras, “nos rodean constantemente y nos ayudan a sobrellevar la tristeza”. En la reciente exposición colectiva “Las huestes celestiales en la Tierra”, presentada en el Museo Nacional de Arte en la Ciudad de México, expuso una variedad de obras que exploran el simbolismo y el papel de los ángeles como mensajeros, guardianes y ejecutores en la historia de la humanidad. Inspirándose en la iconografía virreinal y en los grandes maestros como Diego Rivera y su padre, Manuel Parra, ha logrado rescatar el simbolismo de los ángeles de una manera única. A través de su trabajo, combina técnicas modernas y tradicionales para reinterpretar estas figuras, dotándolas de una nueva dimensión contemporánea. Los ángeles no solo son símbolos espirituales en su obra, sino también metáforas de la vida misma, reflejando la conexión entre el cielo y la tierra, lo divino y lo humano.

Fuente consultada: VARGAS, Ángel. “Estamos rodeados de ángeles, si no, ya hubiéramos muerto de tristeza”. México. La Jornada de en medio, sección cultura, 14 de septiembre de 2024.

$220,000.00-$260,000.00 M.N.

53 JUAN SORIANO

(Guadalajara, Jalisco, 1920 - Ciudad de México, 2006)

Virgen con el Niño Jesús. Via Crucis: Simón Cireneo ayuda a Jesús a cargar la cruz (quinta estación)

Firmado y fechado 82

Tapiz E / A2

204 x 67 cm

Realizado por Robert Four, Tapisserie d’Aubusson, Francia. Con documento de Tapisserie d’Aubusson.

La versión en acrílico de esta obra está publicada en: FUENTES, Carlos et al. Juan Soriano. Santo y seña. México. Museo Soumaya, Fundación Carlos Slim, 2006, pág. 171.

Juan Soriano realizó una serie de cinco tapices en colaboración con Tapisserie d’Aubusson, Francia, con motivo del Via Crucis para la Capilla de San Benito en París.

Juan Soriano fue un artista independiente a la formación académica, aprendió por sí mismo el oficio de pintor, sin embargo, sus múltiples viajes al extranjero, el trabajo de sus colegas y la cultura mexicana, fueron sus principales motivaciones e influencias. También conocido como “El Mozart de la pintura”, incursionó en diversos temas y técnicas enriqueciendo y afinando su estilo a través del tiempo. A mediados de los años 70, vivió entre México y París, trabajando como agregado cultural del embajador Carlos Fuentes, experiencia que le dejó una rica inspiración artística.

Fueron años sumamente productivos tanto social como artísticamente, plasmó su experiencia de vivir entre dos naciones ricas en cultura se trasladó a su obra, evidenciando su apego a la modernidad occidental y la unión que hizo con su ideal personal del color y las formas mexicanas. Su trabajo tomó ciertas características cromáticas de los impresionistas y lo unió a su estudio del dibujo, actividad que para él era un hecho puramente intelectual que iba mucho más allá de solo un punto de partida.

Fuentes consultadas: LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 2, no. 16, abril de 1996, pp. 10-12 y PITOL, Sergio. Juan Soriano. La creación como libertad. México. MARCO - CONACULTA- INBA, 2000, pág. 40. $250,000.00-$400,000.00 M.N.

54 SANTIAGO CARBONELL (Quito, Ecuador, 1960 - )

Figura que se esconde tras el advenimiento de su propia luz

Firmada

Escultura en bronce 28 / 40 en base de metal

28.5 x 13.5 x 9.7 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, enero de 2018.

Existen diversas adaptaciones de esta pieza publicadas en: sitio oficial del artista www.santiagocarbonell.com

El tratamiento que Santiago Carbonell imprime en la figura humana es de sumo detalle, cada gesto y mirada es retratado con el objetivo de enmarcar a los personajes en determinadas actitudes y poses, en una atmósfera teatral que forma parte de su iconografía. Tanto en su obra pictórica como escultórica se hace referencia a escenarios tenebristas protagonizados por figuras ataviadas con túnicas, potencializando su carácter místico.

Fuente consultada: NAVARRO, Adriana. “Carbonell: la revuelta de la tradición”. México. La Gaceta. Universidad de Guadalajara, 17 de septiembre de 2007, pág. 5. $65,000.00-$80,000.00 M.N.

55 RICARDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1918 - Ciudad de México, 2009)

Sin título

Firmadas

Tinta sobre papel

a) 12.7 x 20.3 cm

b) 11.3 x 20.3 cm

Piezas: 2

Estas obras serán registradas para el Catálogo Razonado del Dr. Mark Ruben con los números RM-SF248 y RM-SF249 respectivamente. Ambas con etiqueta de Central de Arte.

Ricardo Martínez dotó a la plástica mexicana de una interpretación clave de la modernidad y el pasado prehispánico, cuestiones que parecían difíciles de conciliar durante una época pero que observamos convivir de manera ejemplar en la composición, figuración y color de su producción.

En la obra de este artista apreciamos la incorporación de conceptos provenientes de las vanguardias americanas y europeas, las cuales aprendió de primera mano durante su estancia en Nueva York, lugar donde además logró exhibir de manera contemporánea a grandes exponentes como Robert Motherwell, Jackson Pollock y Arshile Gorky, entre otros, de los cuales podemos rastrear sus influencias en la carrera de Ricardo Martínez.

Fuente consultada: BARREDA, Octavio. Atmósferas. Ricardo Martínez. México. Siglo XII Editores - CONACULTA - INBA, 2007, pp. 15-24.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

56 OFILL ECHEVARRÍA

(La Habana, Cuba, 1972 - )

La marcha

Firmado en vinil al frente. Firmado y fechado N. Y. oct - 2010 y referenciado Ofill Industrial al reverso Óleo sobre tela 107 x 153 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, noviembre de 2010. “Me gusta pensar que la idea principal de cualquier obra de arte proviene de un momento de lucidez, lo que ellos llaman inspiración, del propio artista. Creo que el arte es una extensión de quién lo produce. También creo que hoy el artista necesita conocer ciertos aspectos de la historia del arte para poder interactuar en el mundo del arte […] Como parte de una investigación basada en fotografía, estoy interesado en explorar temas sociales y antropológicos a través de la pintura, como técnica tradicional, así como a través de técnicas multimedia. La obra de arte, en conjunto, invita a la audiencia a reflexionar rodeada de un concepto ambiental que pretende representar el reino de las imágenes que experimentamos a diario”. Ofill Echevarría. Fuente consultada: ISLA, Mónica. “Entrevista con el artista Ofill Echevarría”. Estados Unidos. Hypermedia Magazine, 31 de julio de 2017.

$90,000.00-$120,000.00 M.N.

57 JAVIER MARÍN

(Uruapan, Michoacán, 1962 - )

Sin título

Firmada y fechada 91

Escultura en bronce PA / 1

65 x 80 x 35 cm

Con certificado de autenticidad de Terreno Baldío firmado por el artista.

Agradecemos al Maestro Javier Marín y a Terreno Baldío por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2025. “Javier Marín acepta el reto de darle un vuelco a la lengua muerta de la escultura mediante un lenguaje bien equipado para afrontar todas sus especificidades, subrayando el dinamismo de su relación con el mundo. La escultura de Marín, cuya naturaleza el artista parece proverbialmente querer bloquear u obstaculizar con el peso de la materia, la velocidad de las ideas y el carácter impalpable de la emoción, está inervada por su necesidad de avanzar y actuar en la rica complejidad de sus tiempos. El artista, solo, escala hasta llegar a la construcción de una obra que afronta la relación con la técnica en busca de algo diferente a lo cotidiano, para volver a intentar el uso de los mismos materiales: bronce, mármol, arcilla”. Achille Bonito Oliva.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.javiermarin.com.mx

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$250,000.00-$300,000.00 M.N.

58 ALEJANDRO COLUNGA

(Guadalajara, Jalisco, 1948 - )

Sin título

Firmada y fechada 07

Escultura en bronce 2 / 3

27.5 x 46.5 x 25 cm

Presenta detalles de conservación.

“Si algo le gusta a Colunga es inventar, Colunga cuando pinta, esculpe o proyecta como arquitecto sus columnatas, en realidad, inventa, inventa variada e invariablemente, concibe en volumen y colores a seres o cosas diferentes a los que podrían habitar la realidad corriente, dándoles existencia. Su obra pareciera que hubiera venido a colonizarnos con faunas, floras, y poblaciones de homínidos inéditos”. Verónica Volkow. Fuente consultada: ALBERTO, Eliseo et al. Colunga. México. GM Editores - Espejo de Obsidiana, 2008, pág. 112.

$100,000.00-$150,000.00 M.N.

59 RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Cuernavaca, Morelos, 2019)

Sin título

Sin firma

Mixta sobre papel

60 x 78 cm

Con certificado de autenticidad de Juan Rafael Coronel Rivera, septiembre de 2024.

Rafael Coronel inicialmente se mostró renuente a participar en la esfera artística, sin embargo, su inclinación por la producción plástica era evidente. El destino hizo lo debido y lo llevó a rodearse de grandes artistas como su hermano Pedro Coronel y su suegro Diego Rivera, por lo que su incursión en el arte fue inevitable.

En relación con su carácter peculiar, presentó una inquietud interna por entender los estados anímicos del humano, de confrontar lo que otros evaden: la soledad, el abandono y la desesperación que se manifiesta en aquellos momentos en los que la vida genera crisis en el ser. Por ello, en su obra observamos una clara intención por mostrar la particularidad de la existencia sin evasiones como otros artistas de su época.

Fuentes consultadas: “Rafael Coronel”, texto para exposición en la galería Vértice de Guadalajara, Jalisco, octubre de 1999 y CORONEL RIVERA, Juan Rafael. Retrofuture. Rafael Coronel. México. INBA - CONACULTA - Museo del Palacio de Bellas Artes, 2010, pp. 373 y 374.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$70,000.00-$150,000.00 M.N.

60 SOFÍA BASSI

(Camerino Mendoza, Veracruz, 1913 - Ciudad de México, 1998)

El que todo lo ve

Firmado y fechado ELC 68 Óleo sobre masonite

80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad de la artista adherido al reverso. Con constancia de opinión (reproducción autorizada) de Fundación Sofía Bassi.

Con fragmento de etiqueta del Salón de la Plástica Mexicana. Presenta mínimos detalles de conservación. Sofía Bassi mostró desde muy joven una gran inquietud por el mundo artístico, estudió Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México y su formación en la pintura fue prácticamente autodidacta aunque realizó estudios en Venecia y Roma. A pesar de que la vida de esta artista fue escenario de situaciones complejas, su carrera siempre se mantuvo firme ante su fuerte personalidad. En su madurez vivió en Acapulco y descubrió el surrealismo; desde entonces produjo un gran volumen de obra llena de sensibilidad que conmueve a quien la observa. La vida personal de Sofía Bassi presentó diversos sucesos trágicos, a los que se antepuso con gran resiliencia, observable a lo largo de su producción.

Fuente consultada: TOVAR DE TERESA, Guillermo. Repertorio de artistas de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Bancomer, 1995. pág. 142. $350,000.00-$400,000.00 M.N.

(Los Mochis, Sinaloa, 1974 - )

Boceto para un encuentro

Firmado y fechado 2009

Óleo y acrílico sobre tela

134 x 178 cm

Con certificado de autenticidad de Ginocchio Galería firmado por el artista, abril de 2010. Hugo Lugo destaca como artista visual por su trabajo en diversos medios, principalmente pintura y dibujo, además de fotografía, video e instalación. En su obra propone reflexiones sobre la condición humana en las que emplea a los personajes representados conviviendo con elementos de la cotidianidad redimensionados. Asimismo, el artista dirige estas exploraciones matérico-conceptuales hacia la creación de experiencias estéticas que revelen algo sobre nuestros modos de ver como espectadores del arte y humanos.

Fuente consultada: sitio oficial de Fundación AMMA www.amma.art

$140,000.00-$190,000.00 M.N.

61 HUGO LUGO

62 ALDO CHAPARRO

(Lima, Perú, 1965 - )

Mx Blue, septiembre 9, 2024 14:23

Sin firma

Pintura automotriz en acero inoxidable

78 x 102 x 20 cm

Con certificado de autenticidad del artista.

Presenta mínimos detalles de conservación.

Las esculturas de Aldo Chaparro hechas con acero doblado son el resultado de una cercana relación con el material. Este elemento ha estado presente en la humanidad desde la antigüedad y en esta ocasión remite a los límites infringidos entre arte y el diseño, encontrando el campo perfecto para explorar y expandir las convergencias de estas disciplinas. Su delgadez, pulcritud y calidad reflejante solo se pueden lograr con el uso de maquinaria, debido a eso, la naturaleza violenta de las esculturas crea un contraste con el estado original de estas hojas, ya que el artista las patea, dobla y salta sobre ellas usando nada más que su cuerpo y su propio peso. Los objetos resultantes de su confrontación con el material son evidencia, perpetúan el proceso de transformación por el que el material se transforma en un objeto artístico. De esta manera, sus hojas de acero arrugadas pueden interpretarse como autorretratos, ya que capturan la energía liberada por Aldo Chaparro en una fecha y hora específicas.

A medida que la precisión del reflejo en las láminas de acero se distorsiona, las esculturas nos permiten experimentar la realidad de forma paralela. Activan nuestro sentido de exploración para que la vista se transforme en conocimiento utilizando la superficie de las esculturas como teatro. Los ojos triunfan sobre el sentido del tacto. Las esculturas crean reflejos de varias maneras muy diferentes. Mediante su poder de reflexión, transforman el cuerpo en una versión alternativa e intocable de nosotros mismos.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.aldochaparro.com

$150,000.00-$250,000.00 M.N.

63 JAVIER PULIDO GÁNDARA / SHERWIN WILLIAMS

(Ciudad de México, 1980 - )

Art is bluffing, de la serie This is not art Sin firma

Gobelino alto liso en acrilán, pieza única elaborada a mano 174 x 234 cm

Esta pieza fue tejida por los artistas Solín Ibarra y Pedro Ibarra. “Art is bluffing” retoma “Concierto de aves”, obra de Frans Snyders realizada entre 1629 y 1630, pertenece a la colección del Museo del Prado.

Exhibido en: “THIS IS NOT ART / La disidencia de lo bello”, muestra presentada en Museo de Arte M108 Curaduría, Santiago de Querétaro, Querétaro, del 14 de noviembre de 2024 al 15 de enero de 2025.

Javier Pulido Gándara comenzó a pintar a los 12 años. Su formación pictórica es el resultado de una continua exploración de los grandes maestros mediante la reproducción de obras para el mercado de la decoración. Esta situación lo llevó a buscar un enfoque diferente a los medios tradicionales, por lo que decidió estudiar la Licenciatura en Artes Visuales en La Esmeralda. Ha presentado su obra de forma individual en importantes recintos como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, Ex Teresa Arte Actual, galería Arena México Arte Contemporáneo, galería Jesús Gallardo en León, Guanajuato dentro del Festival Internacional Cervantino, entre otros.

Ha creado varios alter egos que crean y firman sus propuestas interdisciplinarias: “Patrick Mallow”, “MonsterTruck!!!” y “Sherwin Williams”.

“This is not art” es una serie de obras que proponen una reflexión acerca de los procesos de valoración y legitimación del arte contemporáneo; sobre sus clichés, vicios y estigmas. Un juego utópico, irónico y maniqueísta donde lo mismo se anula y se legitima la potestad significante, integrando dos fórmulas en apariencia opuestas y discordantes.

$700,000.00-$900,000.00 M.N.

OTREDADES

“El rostro del otro me implica antes de toda elección, me obliga más allá de toda medida”. Emmanuel Levinas.

Desde el inicio de la humanidad, el ser humano ha recurrido a la representación, no sólo por la necesidad de afirmarse a sí mismo, sino también para reconocer al otro. Esta dualidad del yo y el otro se plasma como un espejo, de nuestra realidad, de nuestras aspiraciones, miedos y limitaciones. Representar al otro es también un acto de inmortalización: al fijarlo de manera plástica, lo perpetuamos, y en ese gesto, nosotros también transcendemos en este plano finito.

En la vida cotidiana, lo extraordinario se oculta en lo aparentemente común. Lo cíclico se manifiesta en los gestos que repetimos, en los rostros que reconocemos como ajenos y propios a la vez. Esa repetición constante no es estática: es dinámica, implica transformación. Representar al otro es también un acto de reconocimiento y valoración: lo individual se funde con lo colectivo, lo cotidiano con lo eterno. A través del arte, quien lo produce genera un legado que va más allá del alcanzar el éxito monetario, consciente o inconscientemente busca situarse dentro del reconocimiento social, desde lo mutuo y lo personal, como se observa por medio del recurso del retrato.

La imagen, entonces, no es solo un reflejo: es también un testigo. Del paso del tiempo, de la persistencia del conflicto, de la necesidad de entendernos más allá de los límites, tanto personales como territoriales. Representar al otro, en cualquier época, ha sido una forma de acercarse a uno mismo, de reconocer lo que anhelamos pero también honrar lo que nos enorgullece, tal como lo hace Ana Mercedes Hoyos con los homenajes plásticos a las tradiciones de Colombia o Francisco Zúñiga recordando a los “Fundadores de Nuevo León”.

En esa mirada del otro, en ese rostro que nos devuelve la vulnerabilidad compartida, se enraíza el impulso de representarlo: por admiración pero también por responsabilidad, por vínculo, por memoria.

64 ALFREDO ALCALDE GARCÍA

(Chimbote, Perú, 1961 - )

Frida, anhelo de vivir

Firmado

Óleo sobre tela

136 x 200 cm

Agradecemos al Maestro Alfredo Alcalde por la verificación de autenticidad de esta obra, diciembre de 2023.

Alfredo Alcalde García es un ícono representativo del arte latinoamericano actual, su obra es resultado del manejo cuidadoso en cuanto a lo formal, y un planteamiento riguroso de la expresividad. Su trabajo fusiona espacios de fuertes tonalidades primarias, con luces enfocadas y sombras que predominan en distintos ángulos, evidenciando una profunda interpretación fotográfica de la realidad. Su aprecio por la vida ha provocado que presente reflexiones sobre la muerte; emanando cierta seguridad de sí que le ha permitido realizar una seria y expresiva asimilación de escenas cotidianas y características de espíritu sudamericano.

“Nada inhibe a Alcalde en la persecución de su visión de un arte pictórico de peculiar giro filosófico. Lo que se manifiesta es una profundización importante de la figuración humanista en la que se enmarcaría su arte […] ”. Jorge Villacorta Chávez.

Fuente consultada: VILLACORTA CHÁVEZ, Jorge. “Alfredo Alcalde. Antología pictórica 1985-2016. Caminos, máscaras y destinos”. Perú. Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Galería Germán Krüger Espantoso, hoja de sala de la muestra presentada de julio a agosto del 2016.

Los estimados de este lote son de recuperación y no corresponden al valor real de la obra.

$320,000.00-$600,000.00 M.N.

65 JESÚS GUERRERO

GALVÁN

(Tonalá, Jalisco, 1910 - Cuernavaca, Morelos 1973)

San Sebastián

Firmado y fechado 1964

Temple, sanguina y carboncillo sobre cartón 50 x 37 cm

Agradecemos a Flora Guerrero y a Miguel Ángel Guerrero, hijos del artista, por la verificación de autenticidad de esta obra, diciembre de 2024.

Con etiqueta de Plástica de México Galería de Arte. Jesús Guerrero Galván tuvo la oportunidad de formarse en instituciones distinguidas como la National School of Plastic Arts en San Antonio, Texas, La Esmeralda en la Ciudad de México, así como la Escuela de Pintura al Aire Libre de Ixca Farías en la capital tapatía; sitios donde aprendió el valor de la educación tradicional a la par de apreciar las propuestas modernistas del momento. A lo largo de su carrera se mostró activo en movimientos vinculados con sus principios personales, entre los que destaca el “Grupo sin número y sin nombre”, en el que se velaba por apoyar el desarrollo de una nueva plástica moderna.

A partir de la década de los años 30, el artista jalisciense fortaleció la creación de composiciones protagonizadas por personajes anónimos que comparten rasgos comunes, identificables en la actualidad por los seguidores del arte moderno. En estos trabajos se aprecia la dedicación impresa en el color e iluminación de los espacios, generando una atmósfera costumbrista con elementos cotidianos de la cultura popular.

El muralismo fue otra área en la Jesús Guerrero Galván produjo destacados proyectos como los de la Secretaría de Educación y el de la Comisión Federal de Electricistas. A nivel internacional realizó “The Union of the Americas Associated for Freedom” en la Universidad de Nuevo México en Estados Unidos. Fuentes consultadas: DE LA CALLE PARDO, María Teresa. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 300-304, TOVAR DE TERESA, Guillermo et al. Repertorio de artistas en México. Tomo II. México. Grupo Financiero Bancomer, 1996, pág. 120 y sitio oficial de la Colección Blaisten www.museoblaisten.com

$140,000.00-$200,000.00 M.N.

66 JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

La fuga

Firmado y fechado 84 al frente. Firmado y fechado Gto 84 al reverso Óleo sobre tela

100 x 69 cm

“La peculiar mirada del maestro tiene su origen en una formación sui generis y lejana de los academicismos y los clichés. Su imaginario es resultado de la vida provinciana, desubicada y convulsa por los efectos de la Revolución [...] La obra de José Chávez Morado crece y adquiere su justa dimensión en el ir y venir de la mirada, en la libre asociación de ideas entre el mundo que interpreta y el que vive el espectador, un hecho que le da un carácter atemporal a su discurso. Incluso, es posible hablar de una cultura visual que se adentra a su tiempo en medida que expresa la misma fuerza simbólica sin importar el medio que utiliza y que un simple trazo puede transformarse en un argumento de peso”. Grisell Villasana Ramos. Fuente consultada: MONSIVÁIS, Carlos et al. José Chávez Morado. Los lenguajes de la pintura. México. Artes de México, 2017.

$200,000.00-$300,000.00 M.N.

67 EMILIANO GIRONELLA PARRA

(Ciudad de México, 1972 - )

Nanas de la cebolla y el Niño Yuntero (Homenaje a Miguel Hdz)

Firmado y fechado 2024

Óleo sobre tela

100 x 140 cm

Con constancia de autenticidad de El Aire Centro de Arte.

Si bien se habla de una formación autodidacta, debemos reconocer la importancia de las influencias que el artista tuvo en casa. Su trabajo en las diferentes técnicas que ha abarcado tiene una línea de conexión temática, por ejemplo, dentro de la escultura sus trabajos se decantan a lo dramático al mismo tiempo que algunos pretenden ser críticos a través de la ironía. En su trayectoria encontramos interés por medios diversos como la fotografía y el cine, además de la plástica en la que conocemos trabajos en pintura, escultura, grabado y talla directa en planchas de madera. Su trabajo ha sido expuesto y reconocido en diversas partes del mundo. Recientemente su muestra “Pluma y Plomo” fue presentada en la Casa de las Palmeras del Jardín Botánico de Tallin, Estonia, como parte del festival cultural Iberofest. Esta muestra exploraba los encuentros históricos clave entre México inspiradas en la llegada de los españoles a Tenochtitlan. Fuentes consultadas: BURILLO, Eduardo y GÁLVEZ DE AGUINAGA, Fernando. “Emiliano Gironella Parra. Plástica y maldad”. México. Revista de la Universidad de México, 2011, pág. 56 “Emiliano Gironella presenta ‘Pluma y Plomo’, en la Casa de las Palmeras del Jardín Botánico de Tallin”. La razón online, sección Cultura, 12 de julio de 2024 y sitio oficial del artista www.emilianogironellaparra.com

$150,000.00-$200,000.00 M.N.

68 RODOLFO NIETO

(Oaxaca de Juárez, 1936 - Ciudad de México, 1985)

Sin título

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela 80 x 65 cm

Con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, abril de 2024. Presenta detalles de conservación y desprendimiento de capa pictórica.

Esta obra ha sido solicitada para ser exhibida en la muestra organizada por el Museo Tamayo titulada "Tamayo, Nieto, Toledo, Los Años de París", muestra que será presentada de agosto a diciembre de 2026.

Rodolfo Nieto fue un destacado artista con fuertes raíces plásticas ligadas a la cultura de su tierra oaxaqueña a través de una visión moderna. Entre 1953 y 1954 asistió a La Esmeralda, donde fue asistente de Diego Rivera y tuvo como mentor a Juan Soriano y a otros maestros que lo impulsaron a exponer colectivamente.

Se mudó a París en los años sesenta, donde tuvo acercamiento con influencias artísticas internacionales, específicamente el informalismo y la pintura matérica como se aprecia en su obra posterior.

En la llamada Ciudad Luz, logró exponer en algunas galerías y museos, destacando su muestra individual en el Museo de Arte

Moderno de París en 1962; así mismo participó en la Bienal de París obteniendo un premio en 1963.

Durante aquella época concibió un lenguaje artístico más personal, en parte influenciado por su amistad con Francisco Toledo, Octavio Paz y Julio Cortázar. Uno de sus proyectos más reconocidos se dio en 1965, cuando ilustró el "Manual de Zoología Fantástica" de Jorge Luis Borges para la editorial de Maurice Nadau, lo que lo llevó a cultivar una relación laboral posterior con Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa. Regresó a México en 1970 ya con fama y reconocimiento en el extranjero, pero aún con un camino por delante en nuestro país, inicialmente esto le causó una gran decepción, no obstante, conforme el tiempo pasó su trabajo fue aceptado por la crítica y el público mexicano.

En su obra encontramos riqueza en la diversidad de elementos que empleó, tales como; texturas, colores, formas abstractas, fusiones de animales con humanos y temas de la naturaleza que creaban situaciones y ambientes fantásticos. Fuentes consultadas: sitio oficial del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey www.marco.org.mx y sitio oficial del Museo Ralli Marbella www.museoralli.es

$500,000.00-700,000.00 M.N.

69 ANA MERCEDES HOYOS

(Bogotá, Colombia, 1942 - Bogotá, Colombia, 2014

La procesión en la fiesta de San Basilio Firmada y fechada 01

Relieve en bronce patinado P. A. 2 / 3

38.5 x 107 x 8 cm

Con certificado de autenticidad de la artista, junio de 2011. Otra versión de esta pieza está publicada en:

-Ana Mercedes Hoyos. Visión global. Colombia. Galería El Museo, en interiores sin número de catalogación. -KALENBERG, Ángel. Ana Mercedes de Hoyos. Retrospectiva. Colombia. Villegas Editores, 2002, contraportada y pp. 366 y 367.

-SULLIVAN, Edward J. et al. Ana Mercedes Hoyos. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno de México - Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey - INBA - Ministerio de Relaciones Exteriores de Colombia - Ministerio de Cultura de Colombia, 2005, pp. 134 y 135, catalogada 75.

-Ana Mercedes Hoyos. Oro negro, ca. 1502. México. Secretaría de Hacienda y Crédito Público, 2012, portada y pp. 24 y 25 con el título “La Procesión”.

Existe una versión de esta obra realizada al óleo publicada en: LAVERDE TOSCANO, María Cristina. “Viaje al Palenque Caribe de Ana Mercedes Hoyos”. Colombia. Universidad Nacional de Colombia - Universidad Central, 2001. Otra versión de esta obra fue exhibida en: “Ana Mercedes Hoyos. Retrospectiva”, muestra itinerante presentada en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia, 2005.

$900,000.00-$1,100,000.00 M.N.

“El arte tiene la obligación de comunicar, de tener mensaje y de enriquecer la identidad cultural latinoamericana”. Ana Mercedes Hoyos.

La obra de Ana Mercedes Hoyos nos permite disfrutar del resultado de una vida dedicada al estudio de la historia del arte y las tradiciones latinoamericanas, de esta manera, observamos configuraciones dinámicas al estilo de Peter Paul Rubens, con la picardía de Michelangelo Merisi da Caravaggio tocando argumentos relacionados con la vida cultural del continente. La fiesta de San Basilio de Palenque posee implicaciones de suma importancia en la historia latinoamericana, ya que este fue el primer pueblo libre de América, reconocido por Felipe V, rey de España en 1713. Asimismo, esta pieza está directamente relacionada con las raíces africanas de la región, recordando tal como su nombre lo indica, que en Colombia los palenques fueron áreas de refugio para los cimarrones (personas esclavizadas en busca de libertad). De esta manera, Ana Mercedes Hoyos se adentró en la historia de estos festejos para retratar excepcionalmente la vivacidad y color del sincretismo cultural presente. Fuentes consultadas: SULLIVAN, Edward J. et al. Ana Mercedes Hoyos. Retrospectiva. México. Museo de Arte Moderno de México - Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey - INBA - Ministerio de Relaciones Exteriores de Colombia - Ministerio de Cultura de Colombia, 2005, pp. 25-35 y LAVERDE TOSCANO, María Cristina. “Viaje al Palenque Caribe de Ana Mercedes Hoyos”. Colombia. Universidad Nacional de Colombia - Universidad Central, 2001.

70 RODOLFO MORALES

(Ocotlán de Morelos, Oaxaca, 1925 - Oaxaca de Juárez, 2001)

Mujer con pájaros

Firmado

Óleo sobre tela

90 x 70 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Rodolfo Morales A. C.. Procedencia: colección privada, Rancho Mirage, California, E.E.U.U. Presenta mínimos detalles de conservación.

A primera vista, la figura de Rodolfo Morales podía parecer la de un hombre tímido, modesto y silencioso; sin embargo, su mirada contenía una inteligencia aguda que lo apartaban de cualquier ingenuidad. A lo largo de su vida logró conjugar lo local y lo universal en una obra profundamente enraizada en su tierra, pero siempre abierta al diálogo con el mundo. En 1948 se trasladó a la Ciudad de México, donde ingresó a la Escuela de Pintura de la Academia de San Carlos. Desde entonces comenzó a integrarse activamente a los círculos intelectuales de la capital, participando en conferencias y espacios culturales. Fue un asiduo del Instituto Francés de América Latina y de las charlas en El Colegio Nacional, donde entró en contacto con figuras como Alfonso Reyes, José Vasconcelos, Salvador Novo y Mariano Azuela, experiencias que marcaron su desarrollo intelectual tanto como su formación artística.

Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería Casa de las Campanas en Cuernavaca, gracias al impulso de la escultora Geles Cabrera. No obstante, fue en 1975 cuando su carrera despegó de manera decisiva, al recibir el respaldo de Rufino Tamayo, quien reconoció de inmediato el valor singular de su propuesta artística. A mediados de los años ochenta regresó a su natal Ocotlán. Allí se volcó no solo a la creación plástica, sino también a la recuperación del patrimonio cultural de los Valles Centrales de Oaxaca. En 1992 se estableció formalmente la Fundación Rodolfo Morales A.C., con el objetivo de restaurar monumentos históricos, promover el arte popular y fomentar proyectos educativos y sociales en beneficio de la niñez y juventud de la región.

La pintura de Rodolfo Morales habita un territorio donde el pasado se entrelaza con el presente a través de un constante sentimentalismo y una nostalgia poética. Su universo visual está poblado por recuerdos de infancia, escenas oníricas, evocaciones familiares y sobre todo, por la presencia esencial de la figura femenina. Como lo señaló Edward J. Sullivan, la obra de Rodolfo Morales es también una meditación sobre la violencia latente en el México rural del siglo XX. Detrás de su aparente inocencia, sus composiciones contienen una mirada crítica sobre la historia, la memoria y las tensiones entre lo moderno y lo tradicional. Rodolfo Morales desafió los discursos hegemónicos del arte mexicano sin desligarse de sus raíces. Su obra rehúye los nacionalismos rígidos para proponer una identidad plástica más íntima, lírica y universal. Fuentes consultadas: GONZÁLEZ MELLO, Renato et al. Las artes y las ciencias, de Rodolfo Morales. UNAM: 100 años de muralismo. México. Universidad Nacional Autónoma de México. Instituto de Investigaciones Estéticas. 2002, pp. 172-175 y GONZÁLEZ MELLO, Renato. "La violencia y la modernidad". México, Gaceta UNAM, 5 de septiembre de 2022.

$1,500,000.00-$2,200,000.00 M.N.

Reverso

71 ÁNGEL ZÁRRAGA

(Victoria de Durango, 1886 - Ciudad de México, 1946)

Porteuses de cruche & étude baigneuse

Firmada

Mixta sobre cartón

26.5 x 18.5 cm

Con dibujo y anotaciones al reverso.

Procedencia: Artcurial Beurret Bailly Widmer, Basel, Suiza, Subasta de Arte Moderno y Contemporáneo, lote 112, 21 de junio de 2023; adquirido en Marambat de Malafosse, Toulouse, Subasta de Cuadros, Mobiliario, Objetos de Arte y Arte del Siglo XX, lote 95, 03 de diciembre de 2020.

A lo largo de la producción de Ángel Zárraga apreciamos un estilo cambiante derivado de las múltiples influencias recabadas en su carrera, entre ellas están el cubismo, el simbolismo y el realismo, por destacar algunas que terminaron por constituir un lenguaje propio después de una larga vida de experimentación.

Desde su juventud convivió con personajes clave de la escena cultural de la época, fue alumno de Justo Sierra, Amado Nervo y Julio Ruelas, además de ser amigo cercano de Jaime Torres Bodet. Entre 1902 y 1903 fue motivado por Luis G. Urbina, José Juan Tablada y Amado Nervo para que publicara sus primeros versos en la “Revista Moderna”.

A su ingreso a la Academia de San Carlos tuvo como compañeros a José Clemente Orozco, Diego Rivera, Roberto Montenegro y Saturnino Herrán, mientras que el equipo docente estaba conformado por maestros como José María Velasco y Santiago Rebull. Fue gracias a este último que se interesó por el clasicismo francés de Jacques-Louis David y Jean-Dominique Ingres, poniendo especial interés en la búsqueda de la perfección de la forma y del equilibrio compositivo, el estudio constante del cuerpo desnudo y la prevalencia de la figura humana como objeto precedente de representación. Estos principios se convirtieron para él en una promesa inquebrantable con su obra, mismos que le sirvieron para contrarrestar las tentaciones de la vanguardia. Se estableció en el viejo continente durante casi tres décadas, durante su estancia allí formó parte de los discípulos de grandes exponentes como Joaquín Sorolla e Ignacio Zuloaga, generó amistades con personajes importantes del momento y participó en proyectos y exposiciones con proyección mundial, recolectando grandes experiencias que marcaron su carrera como una de las más prolíficas de su momento.

Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial y el avance de las tropas alemanas, se vio obligado a regresar definitivamente a México en 1940. A su llegada a la capital fue buscado por diversas instancias y personalidades de la cultura de nuestro país para continuar con su exitosa carrera.

Fuentes consultadas: ECHEGARAY, Miguel Ángel et al. Ángel Zárraga. Primer realista mexicano del siglo XX. México. Gobierno del estado de Durango, 2006, pp. 9, 26-29 y 40, GREET, Michele et al. Ángel Zárraga. El sentido de la creación. México. CONACULTA, Museo del Palacio de Bellas Artes, Fundación Mary Street Jenkins, 2014, pp. 77-81 y NOVELO, María Luisa et al. Zárraga. México. Américo Arte Editores, Grupo Financiero Bital, 1997, pág. 26.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

Anverso

72 RAMÓN ESPINO BARROS

(Veracruz, 1918 - México, 2000)

Bellezas jarochas

Firmado

Óleo sobre tela

90 x 110 cm

Presenta detalles de conservación y perforación.

“Yo creo que pinto por la misma necesidad que respiro, bebo o como. Siento que pintar, para mí es una necesidad de tipo biológico ya que si no lo hago, si no pinto, me siento intensamente frustrado, desgraciado e inútil. Así, cuando pinto, por el contrario, siento que existo en armonía conmigo mismo y con el resto de la creación. Si dejo de pintar me asfixio como pez sacado del agua. Pintar es, por tanto, mi natural elemento”. Ramón Espino Barro.

Fuente consultada: “Con el pintor Espino Barros”. México. Norte. Revista Hispano-Americana, 1963, no. 236, pág. 36.

$100,000.00-$200,000.00 M.N.

73 ANTONIO GÓMEZ RODRÍGUEZ

(Ecuandureo, Michoacán, ca. 1886 - Pénjamo, Guanajuato, 1970)

La Revolución Mexicana, ca. 1930

Firmado

Óleo sobre tela

213 x 239 cm

Presenta detalles de conservación y perforación.

$130,000.00-$200,000.00 M.N.

74 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Niño en amarillo, de la serie Niños Mexicanos Firmado al frente. Firmado y fechado México 1964 al reverso Óleo sobre tela 56 x 45.5 cm

Con certificado de autenticidad firmado por Blanca Montoya, sobrina del artista, 08 de enero de 2025. Procedencia: adquirido en John Moran Auctioneers & Appraisers, California, Subasta de Arte y Diseño Latinoamericano, lote 119, 20 de noviembre de 2024; Art Collectors’ Gallery, Ciudad de México. Con etiqueta de Art Collectors’ Gallery.

“El color tejido por miríadas de pigmentos se convierte en instrumento de lenguaje. El artista posee las sensaciones más allá de la repentina sorpresa. El gozo del reclamo y la alegría de la captura se plasman en su pintura. Cruza sus manos errantes, toma colores y matices por todas partes, los acerca unos a otros, los fija y forma líneas que se convierten sin mayor esfuerzo en niños, en ángeles, en juguetes, en frutas”. Berta Taracena.

Fuente consultada: RULFO, Juan et al. Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pág. 216.

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

75 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Niña con canasta de flores, de la serie Niños Mexicanos Firmado

Óleo sobre tela

55 x 45 cm

“El pujante vigor de la belleza puesta en las obras de Montoya, toca a los sentimientos y llama a las emociones más nobles del espíritu. Aún en sus pinturas hechas en la manera académica, no puede dejar de superar el intenso realismo del dibujo y del color, con el dato de su lirismo, con la aportación de su personalidad. Ese dato inasible que hemos señalado, lo constituye por igual la emoción lírica, la ternura, la devoción, el sentido profundo del equilibrio entre las aportaciones de la realidad, y las aportaciones del reflejo subjetivo. En los cuadros de Montoya –en un Montoya– pueden señalarse y sentirse, hasta las gradaciones más sutiles de la objetivación: se puede sentir la temperatura de las cosas; se siente igualmente, la humedad del aire, los ojos nos llevan hasta el interior mismo del cuadro, para sentirnos rodeados del ambiente y la atmósfera en que se halla”. Humberto Olguín Hermida.

Fuente consultada: RULFO, Juan et al. Montoya. México. Litógrafos Unidos S. A., 1981, pág. 37.

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

76 ROLANDO ROJAS

(Tehuantepec, Oaxaca, 1970 - )

Viendo al animal

Firmado

Óleo y arena sobre tela

120 x 220 cm

Presenta detalles de conservación.

“Me gusta el color, y siempre cuando estoy pintando escucho música alegre, es ahí donde puedo estar sonriendo, gritando, conviviendo y tener un lienzo, y ¿por qué no ser feliz? Tal vez ahí encuentre yo la mayor felicidad como ser humano. Mientras pinto, yo creo que todos aquellos caminados descalzos alguna vez sabremos de dónde venimos. Me gusta el rojo, me gusta el azul, el amarillo que son los primarios, y ahí viene el negro, y el blanco [...] Me gusta el verde, es el campo, los animales, los perros con que yo vivo acá. Y bueno, se va dando una gama más grande de colores. Vamos a meter más dibujo, otras figuras que van saliendo poco a poco. Pero yo siempre me pregunto, o sea, ¿qué es lo que realmente quiero representar en mi trabajo? Recuerdo mucho que estando en clase del maestro (Shinzaburo) Takeda, comentaba que tienes que buscar tu propio lenguaje, tu forma de pintar”. Rolando Rojas. Fuente consultada: Documental “Rolando Rojas, artista plástico”, dirigido por Ya’asib Vázquez y Francisco Bautista, 2020.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

77 JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Gallo

Firmada

Escultura en plata con base de mármol

45 x 50 x 28 cm medidas totales con base

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake. Presenta mínimos detalles de conservación.

Chucho Reyes es sinónimo del desarrollo de la escena cultural de nuestro país. Su formación personal y profesional tuvo lugar durante un periodo de cambios históricos, la última etapa del Porfiriato y los años de reconstrucción nacional tras el proceso revolucionario, los cuales permearon directamente en su manera de percibir la vida y posterior obra plástica. Se desempeñó principalmente como anticuario y pintor, al mismo tiempo que fue partícipe de la revalorización del arte popular a través del empleo de sus técnicas y materiales en su propia producción.

Chucho Reyes comenzó con la producción de mobiliario, a partir de esto el salto a dedicarse al coleccionismo de antigüedades se dio de manera natural a raíz de la continua búsqueda por inspiración para el diseño de muebles, así fue adquiriendo excelsas piezas en travesías con personajes como Carlos Orozco Romero y Roberto Montenegro. Al mismo tiempo se trazó el camino rumbo a convertirse en artista, derivado de la convivencia con grandes pilares de la escena artística como Inés Amor, María Izquierdo y Luis Barragán, entre otros.

Fuentes consultadas: SPÍNDOLA, Humberto et al. Del arte a la arquitectura, el México de Chucho Reyes y Luis Barragán. México. Grupo Financiero Monex, 2012, pp. 155-165, TALAVERA, Juan Carlos. “Chucho Reyes, rescatan legado”. México. Excélsior, sección Expresiones, 27 de julio de 2014 y sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.inba.gob.mx

$150,000.00-$220,000.00 M.N.

78 DIEGO

(Guanajuato, Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) Mujeres en el mercado Firmado y fechado 47 Lápiz de grafito sobre papel

9.6 x 14 cm

Con documento de autenticidad del Arq. Juan Hurtado y Santa Cruz, febrero de 2025. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista. Diego Rivera fue un destacado pintor, grabador, dibujante, e idealista mexicano. Fue un titán entre los muralistas, sublime pintor de caballete, un controvertido cómplice de la revolución política y gran defensor de las artes. Después de buscar ampliar sus conocimientos entrando en contacto con las expresiones artísticas de las nacientes vanguardias europeas, regresó a México en 1922, se dedicó a estudiar a profundidad el arte maya y azteca, lo que influyó de forma significativa en su obra posterior.

Durante la década de 1920 recibió numerosos encargos del gobierno para realizar grandes composiciones murales en las que abandonó las corrientes artísticas del momento para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano. Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 16, 58-62 y LOZANO, Luis-Martín et al. Diego Rivera: Arte y Revolución. México. CONACULTA-INBA, The Cleveland Museum of Art, Ohio Arts Council, 1999.

$140,000.00-$200,000.00 M.N.

RIVERA

79 FERNANDO CASTRO PACHECO

(Mérida, Yucatán, 1918 - Mérida, Yucatán, 2013)

Sin título

Firmado y fechado 80 Óleo sobre tela

103 x 80 cm

A partir de los años 70, el pintor, escultor y muralista mexicano Fernando Castro Pacheco decidió integrar con mayor dedicación la temática de la figura humana a través del trabajo armónico del dibujo y color. Bajo el dominio del óleo y otros pequeños formatos, se inclinó hacia la figura femenina, haciendo homenaje a los rasgos y características propias de las mujeres del sureste de México, su tierra natal.

Influenciado por las vanguardias europeas y el dibujo academicista, el maestro yucateco ostentaba en cada obra un entorno indefinido, brumoso, pero siempre mágico, con líneas magistrales que se terminaban de definir con un singular uso del color, los cuales enriquecían la obra con delicados esfumados.

Fue un artista que siempre trató de dominar su lenguaje plástico con gran exquisitez y con el tiempo, hizo gala de esa virtud, la cual distinguió a artistas modernos de otras épocas. De esta manera, no debe sorprendernos la comparación de su obra con la de exponentes como Mark Rothko o Ricardo Martínez, tanto por su lenguaje como por su desempeño crítico y acercamiento a la experimentación.

Fuentes consultadas: DEL CONDE, Teresa et al. Fernando Castro Pacheco: color e imagen de Yucatán. México. Universidad Autónoma de Yucatán - Gobierno del Estado de Yucatán, 1994, pp. 13-36 y 140-163 y MARTÍNEZ JUÁREZ, Sagrario Iliana. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 160-162.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

80 DIEGO RIVERA

(Guanajuato, Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957)

Mujer de Tlaxcala Firmado

Lápiz de grafito sobre papel

9.6 x 14 cm

Con documento de autenticidad del Arq. Juan Hurtado y Santa Cruz, febrero de 2025. Procedencia: perteneció a la colección de Emma Hurtado, viuda del artista.

“Observa los tipos regionales con agudeza, los capta con emoción y los expresa con fino dibujo o esquemáticos rasgos que identifican al gran Rivera [...] Dueño de una cultura que le ofrece una amplia versión del mundo, pinta la vida del pueblo con profundidad que se sale de la simple ilustración, prolongándose su expresión plástica hacia el pasado prehispánico, dando continuidad a la tradición y afirmando tramos para el futuro”. Berta Taracena.

Fuente consultada: BREMER, Juan José et al. Diego Rivera. Exposición Nacional de Homenaje Palacio de Bellas Artes / México 1977-1978. México. Instituto Nacional de Bellas Artes - Secretaría de Educación Pública, 1978, pág. 71. $140,000.00-$200,000.00 M.N.

81 LUIS COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1919 - Poza Rica, Veracruz, 1987) Mercado de flores, ca. 1950

Firmado

Gouache sobre masonite 34 x 28 cm

Procedencia: adquirido en Doyle Auctions, Nueva York, lote 74, 02 de abril de 2003. Con etiqueta de Doyle Auctions. Luis Covarrubias se desarrolló en el medio pictórico por influencia familiar. Abandonó su carrera de químico bacteriólogo para experimentar las artes plásticas con su hermano mayor Miguel Covarrubias, arqueólogo, etnólogo y notable pintor que lo apoyó en esta carrera. Fue así, que poco a poco desarrolló una pasión por lo cultural, que lo motivó a realizar estudios sobre artesanías, música, danza y textiles mexicanos, siendo algunos publicados por importantes editoriales. Tuvo una estrecha amistad con Diego Rivera y José Clemente Orozco, de quienes se influenció para la realización de murales, entre los que destacan los del Museo Nacional de Antropología y los de los hoteles Reforma, Majestic, del Prado y Camino Real de la Ciudad de México y Guadalajara. Fuente consultada: LÁMBARRY, Margarita et al. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pp. 208 y 209.

$130,000.00-$200,000.00 M.N.

82 MIGUEL COVARRUBIAS

(Ciudad de México, 1904 - Ciudad de México, 1957)

Tehuana con cesta, ca. 1930

Firmada

Tinta sobre papel

27 x 19.8 cm

Procedencia: adquirida en Swann Galleries, Nueva York, E.E. U.U., Subasta de Arte del siglo XIX y XX: Presentando dadaísmo y surrealismo, lote 390, 23 de marzo de 2023; colección privada, California, E.E. U.U.; colección privada, Chicago, Illinois, E.E. U.U.. Miguel Covarrubias, conocido como “El Chamaco” en su círculo más cercano, fue un importante pintor, dibujante, investigador y promotor de la cultura.

Su interés por el arte fue temprano, abandonó sus estudios de preparatoria para iniciar su carrera como caricaturista, en la cual tuvo gran éxito al instalarse en 1924 en Nueva York. En la Gran Manzana presentó su primera exposición, publicó en diversas ocasiones en títulos como “Vanity Fair”, “The New Yorker” y “Fortune”, lo que lo hizo alcanzar fama mundial. Fue en aquella ciudad estadounidense donde entró en contacto con Rufino Tamayo, Carlos Mérida y Carlos Chávez, otros nombres relacionados con la transformación cultural del país.

Se desarrolló también en el ámbito antropológico y etnológico al tener gran interés y respeto por las culturas originarias de todo el mundo. Se conocen textos e ilustraciones que realizó sobre grupos prehispánicos, indígenas del continente americano, así como investigaciones sobre poblaciones de diversas latitudes como fue el caso de Bali, Indonesia. Fuentes consultadas: PONIATOWSKA, Elena. Miguel Covarrubias. Vida y mundos. México. Ediciones Era, 2004, pp. 13-15 y RUBIN DE LA BORBOLLA, Daniel F. “Miguel Covarrubias 1905-1957”. Reino Unido. American Antiquity, Cambridge University Press, no. 23, julio de 1957, pp. 63-65.

$80,000.00-$130,000.00 M.N.

83 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Las gemelas, de la serie Niños Mexicanos Firmado Óleo sobre tela 55.8 x 50.8 cm

Procedencia: adquirido en John Moran Auctioneers & Appraisers, California, Subasta de Arte y Diseño Latinoamericano, lote 139, 23 de abril de 2024.

Con etiqueta de John Moran Auctioneers & Appraisers. Perteneciente a la Escuela Mexicana de Pintura, Gustavo Montoya fue un artista que experimentó con nuevas técnicas y temáticas, así como con colores y formas que obedecían a su inspiración. Entre sus obras más conocidas destacan las naturalezas muertas y aquellas en las que se tienen como protagonistas a niños, piezas de gran demanda tanto en México como en el extranjero por la excelente narrativa y espontaneidad plástica dedicada a las tradiciones populares mexicanas.

En la afamada serie de “Niños Mexicanos” observamos una delicada vinculación con la identidad nacional, en la que niños de rasgos indígenas portan con orgullo elementos propios del imaginario mexicano.

Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pp. 77-79 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, no. 40, julio-agosto 1999, pp. 10-12.

$280,000.00-$400,000.00 M.N.

84 GUSTAVO MONTOYA

María Tereza Montoya, 1923. Fotografía de la Compañía Industrial Cinematográfica, de la colección Carlos Monsiváis / Museo del Estanquillo

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003) Retrato de María Tereza Montoya

Firmado y fechado 1936 Óleo sobre tela 167 x 87 cm

María Tereza Montoya (Ciudad de México, 1900 - Ciudad de México, 1970), conocida como “La Montoya” en su esfera más cercana, es considerada como uno de los pilares de la industria actoral en México. Se le ha colocado a la par de Virginia Fábregas, tanto por su trayectoria en los escenarios como por el impulso que otorgó al desarrollo de instituciones en favor de los trabajadores del medio actoral. Al provenir de una familia de estirpe artística, hija del actor y director español José Felipe Agustín Montoya Alarcón y de Dolores Pardavé Bernal, una tiple afamada de comienzos del siglo XX, el dedicarse a los escenarios se le dio antes de cumplir siquiera el año de edad, cuando de último minuto se requirió a un bebé en una de las obras que su padre protagonizó. Su árbol genealógico fue prolífico de talento, por el lado paterno fue prima del pintor Gustavo Montoya mientras que del materno lo fue del actor Joaquín Pardavé. A lo largo de su vida representó más de 500 obras teatrales y algunas cintas cinematográficas, trabajando en las compañías más exitosas del continente. En 1922 formó su propia compañía de la mano de su hermano Felipe y de Ricardo Mondragón, con quienes alcanzó el éxito en giras internacionales.

Por su profesionalismo y gran presencia en el escenario, en 1934 fue invitada por el presidente Abelardo L. Rodríguez para realizar un montaje con motivo de la inauguración del Palacio de Bellas Artes, la obra seleccionada fue “La verdad sospechosa” de Juan Ruiz de Alarcón. En este mismo año, fungió como socia fundadora de la Asociación Nacional de Actores (ANDA) junto a Fernando y Andrés Soler, Jorge Negrete, Sara García y Mario Moreno “Cantinflas”, entre otros, honrando así el papel de su padre como participante de la primera unión de actores mexicanos.

Como la gran figura que fue, en 1956 inauguró bajo su propio financiamiento el Teatro María Tereza Montoya en Monterrey, Nuevo León. Después de su muerte, en el año 2008 la Casa de la Cultura del Periodista de la Ciudad de México se rebautizó como Teatro María Teresa Montoya.

Fue ampliamente reconocida tanto a nivel nacional como internacional. Recibió distinciones como la medalla del Círculo de Bellas Artes de Madrid, así como la placa de la Orden de Alfonso X el Sabio y la investidura por parte del rey Alfonso XIII de Borbón como Dama de la Orden de Isabel la Católica. En la actualidad su legado continúa siendo honrado, la Asociación Nacional de Críticos de Arte otorga el reconocimiento “María Tereza Montoya” a lo más destacado en el arte escénico, mientras que la Asociación Nacional de Actores entrega la medalla del mismo nombre por méritos en el extranjero. Fuentes consultadas: RULFO, Juan et al. Gustavo Montoya. México. Litógrafos unidos S. A., 1981, pág. 65, ADAME, Domingo. Teatros y Teatralidades en México Siglo XX. México. Ediciones AMIT, 2004 y BAÑOS, Sughey. “María Tereza Montoya, una artista que murió en el escenario”. México. El Universal, sección Teatro, 17 de junio de 2020.

$450,000.00-$600,000.00 M.N.

“La figura humana, preferentemente la de la mujer, ha sido el centro de inspiración de este artista. Pintor de ideales paganos, cuando la mujer desaparece de sus cuadros, salta dentro de ellos el caballo. Fantásticos potros irrefrenables coquetean jadeantes bajo la tragedia luciente de los cielos, cuando las nubes gigantescas se hinchan amenazadas por el negro caos. La mujer como belleza, el paganismo como alegoría y el destello de la oscuridad como armonía pictórica, son puntos dominantes que definen a Montoya: es un pintor escéptico y brillante”.

Manuel

Oscoy Jr.

85 FRANCISCO ZÚÑIGA

(San José, Costa Rica, 1912 - Ciudad de México, 1998)

Fundadores de Nuevo Laredo Firmada y fechada 58

Escultura en bronce en base de ónix

60 x 40 x 25 cm medidas totales con base Publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 173, catalogada 225.

Existe una versión monumental de esta obra, que se encuentra en instalada en el Puente Internacional de Nuevo Laredo, Tamaulipas y publicada en: ZÚÑIGA, Ariel et al. Francisco Zúñiga. Catálogo Razonado. Volumen I: Escultura 1923-1993. México. Editorial Albedrío, Fundación Zúñiga Laborde A.C., 2003, pág. 173, catalogada 226.

Presenta detalles de conservación en la base. Francisco Zúñiga comenzó su formación en la Escuela de Bellas Artes de San José en Costa Rica, paralelamente sirvió de aprendiz de talla de imágenes religiosas con su padre. Estos cimientos trabajados durante esta época le sirvieron para la definición de su lenguaje, identificado por el delicado manejo de la línea y el volumen.

Con tan sólo 23 años de edad arribó a nuestro país con intención de potencializar su talento, previamente reconocido en su natal patria. A su llegada fue recibido por un mexicano destacado, Manuel Rodríguez Lozano, quien le acompañó en su periodo de adaptación.

Una de sus primeras labores fue como ayudante de Oliverio Martínez en el proyecto escultórico del Monumento a la Revolución, donde además de continuar con su camino de aprendizaje, demostró sus habilidades en la materia. Más tarde obtuvo la oportunidad de desempeñarse como docente de escultura y fundición en La Esmeralda, donde formó a alumnos ejemplares por treinta años como Pedro Coronel y Manuel Felguérez.

El maestro trabajó hasta el final de sus días a pesar de las adversidades que la vida le presentó, demostrando que su talento podía hacer frente a cualquier advenimiento.

Fuentes consultadas: KASSNER, Lily. “Francisco Zúñiga”. México. Revista de la Universidad de México, septiembre de 1996, no. 548, pp. 33-40 y CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. (Compiladores) Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 110.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

86 RAFAEL CORONEL

(Zacatecas, Zacatecas, 1931 - Ciudad de México, 2019)

Sin título

Firmado

Acrílico sobre tela

101 x 127 cm

Agradecemos a Juan Coronel Rivera por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2021.

Rafael Coronel estudió en la Escuela Nacional de Arquitectura, en la academia High American School y en La Esmeralda. Su obra está repleta de elementos fantásticos y místicos, y uno de sus personajes más recurrentes es la imagen de un viejo, de estructura huesuda y dedos alargados, quien recuerda a la figura de un profeta o mago; así, trae a la mente a personalidades como El Quijote que pinta El Greco o hasta al mismo Merlín. La narrativa que crea en estos personajes casi sagrados nos envuelve en un ambiente misterioso y ritual.

"Rafael Coronel, artista de sensibilidad mágica, intrigante, profunda, es dueño de un virtuosismo inherente a los grandes maestros de la pintura. Su interés por la naturaleza humana y preocupación por su intimidad lo ha llevado a captarla y volverla susceptible de transformación en forma plástica". Josephine Siller.

Fuente consultada: sitio oficial del artista www.rafaelcoronel.com

$500,000.00-$700,000.00 M.N.

REVELACIONES

Para muchos artistas mexicanos, el viaje ha sido una experiencia transformadora que amplía los límites de su mirada y nutre su práctica artística. Al recorrer paisajes distintos y convivir con culturas ajenas a la propia, los artistas no solo descubren otras formas de vida, sino que también profundizan en la comprensión de su identidad y contexto. Ver el mundo desde otros horizontes les permite volver la vista hacia su país con una sensibilidad renovada.

Los paisajes que encuentran en el extranjero —desde ciudades modernas hasta parajes naturales— no son solo escenarios: son detonadores de reflexión. En ellos, el artista proyecta su experiencia, sus preguntas y su historia personal. Lejos de perderse en lo exótico, estos viajes les permiten construir puentes entre lo vivido y lo visto. Al observar otros territorios, ensanchan el suyo.

Así, el paisaje deja de ser un fondo decorativo y se transforma en testimonio. Es el escenario donde se entrelazan la memoria personal, la historia colectiva y la sensibilidad que el artista ha cultivado.

Este impulso de observación y registro también se manifiesta en géneros más íntimos, como el bodegón. En apariencia sencillos, estos conjuntos de objetos dispuestos con cuidado son en realidad construcciones simbólicas, donde cada elemento puede remitir a un recuerdo, una influencia, o una sensación detenida en el tiempo. El bodegón funciona como una ventana hacia el mundo interior del artista, donde se entrecruzan lo cotidiano, lo aprendido y lo vivido.

Así, tanto los grandes paisajes como las composiciones más cercanas revelan una intención común: la de comprender y reinterpretar el mundo a través de la experiencia individual. El artista que viaja y observa se convierte en testigo de su época, y su obra, en una forma de construir memoria y sentido desde la mirada propia.

87 JUAN O’GORMAN

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 1982)

Boceto para el fresco “Retablo de la Independencia” Firmado

Lápiz de grafito sobre papel

25.5 x 29.5 cm

Este boceto fue realizado para el mural al fresco “Retablo de la Independencia” realizado en el Castillo de Chapultepec, Ciudad de México entre 1960 y 1961.

Exhibido en: “Dibujos y estudios preparatorios de Juan O’Gorman”, exposición presentada en el Museo de Historia Mexicana de Monterrey de septiembre a noviembre de 1997.

Con etiqueta de Museo de Historia Mexicana de Monterrey.

Al tratarse de un boceto, presenta detalles de conservación normales por el uso.

Arquitecto de profesión, Juan O’Gorman se convirtió en uno de los artistas más completos y reconocidos de su generación. Se formó en la Academia de San Carlos y la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México, donde adquirió una perspectiva social que mantuvo a lo largo de su vida, tanto en el plano profesional como en el personal. Por otro lado, se ha reconocido que gran parte de su lenguaje formal fue retomado de las lecciones instruidas por su padre, Cecil Crawford O’Gorman, durante su juventud.

Su carrera estuvo plagada de proyectos de magna importancia, entre los que destacan la realización de edificios funcionalistas. Por otro lado, también cabe mencionar su papel como muralista, con la ejecución del mural de la Biblioteca Central de Ciudad Universitaria y algunos dentro de las instalaciones del Castillo de Chapultepec, entre otros.

Fuente consultada: BRIUOLO DESTÉFANO, Diana. “Juan O’Gorman, un alemán y muchos mexicanos”. México. Crónicas. El Muralismo, producto de la Revolución Mexicana en América, 2010.

$60,000.00-$80,000.00 M.N.

88 DIEGO RIVERA

(Guanajuato, Guanajuato, 1887 - Ciudad de México, 1957) a) Río Elba, Alemania

b) Estación de Ferrocarril de Leipzig, Alemania

Firmados y fechados 1956

Carboncillo sobre papel

20.5 x 28.5 cm medidas de cada uno Piezas: 2

Cada uno con documento de Emma Hurtado, viuda del artista, octubre de 1973.

Cada uno con constancia de opinión de Galería de Arte Mexicano, octubre de 2024.

Diego Rivera comenzó su formación en la Academia de San Carlos, sin embargo, su camino se forjó fuera de las aulas. En 1907 realizó su primera exposición, la cual le valió una beca otorgada por el Gobernador del Estado de Veracruz, gracias a la cual pudo viajar a Europa para complementar sus estudios.

Primero viajó a España, donde tuvo la oportunidad de estudiar de cerca la obra de Francisco de Goya, Diego Velázquez y El Greco. Más tarde, en París visitó exposiciones y asistió a conferencias y cursos de pintura al aire libre, madurando su estilo pictórico y consolidando amistades con figuras clave de la historia del arte.

Continuó por su recorrido por Europa, destacando también su paso por Italia, de donde se vio influenciado por las expresiones renacentistas que le sirvieron de inspiración para la futura ejecución de sus murales.

Si bien volvió a México con el objetivo de dar forma a un nuevo programa social a través de las artes, los viajes no cesaron, uno de los más importantes y que tuvo la oportunidad de repetir durante sus últimos años de vida fue la visita a la Unión Soviética, donde acudió como invitado por su compromiso político.

En adición a destacar su reconocimiento internacional podemos hablar sobre los diversos encargos que realizó en Estados Unidos, en ciudades como Detroit, San Francisco y Nueva York, donde plasmó tanto su gran talento como sus firmes convicciones sociales.

Fuentes consultadas: TARACENA, Berta. Diego Rivera. Pintura de caballete y dibujos. México. Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 1979, pp. 16, 58-62 y LOZANO, Luis-Martín et al. Diego Rivera: Arte y Revolución. México. CONACULTA-INBA, The Cleveland Museum of Art, Ohio Arts Council, 1999.

$200,000.00-$280,000.00 M.N. a b

89 RINA LAZO

(Guatemala, Guatemala, 1923 - Ciudad de México, 2019)

Cosechando elotes

Firmado y fechado 1983

Óleo sobre tela

95 x 70 cm

Publicado en: Diego Rivera y sus discípulos en el estudio: Rina Lazo, Arturo Estrada, Arturo García Bustos. México. Sistema de Transporte Colectivo Metro, 1987, pág. 39.

Exhibido en: “Diego Rivera y sus discípulos en el estudio: Rina Lazo, Arturo Estrada, Arturo García Bustos”, muestra presentada en la estación Zócalo de la línea 2 del Sistema de Transporte Colectivo Metro, Ciudad de México, del 28 de noviembre al 14 de enero de 1987.

En 1947, Rina Lazo llegó a México gracias a una beca que obtuvo por la delicada ejecución de la obra “Naturaleza muerta con Xipe”. Ingresó a estudiar a La Esmeralda, donde comenzó a forjar su camino en el mundo del arte. De manera inmediata, su talento fue reconocido por lo que pudo colaborar con Diego Rivera en la realización del mural “Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central”.

A partir de aquel momento, el maestro guanajuatense volcó sus enseñanzas en ella, al apreciar su gran potencial y dedicación. El muralismo mexicano le permitió comprender la relevancia de expresar una conciencia política y social, sin embargo, ella dotó de un carácter personal a sus composiciones. Como reconocimiento a su trayectoria, a partir del 15 de agosto de 2024, se puede apreciar de manera permanente el mural “Xibalbá, el inframundo de los mayas” en el Museo del Palacio de Bellas Artes, convirtiéndose en la primera mujer en ocupar un espacio entre los exponentes más grandes del muralismo nacional.

Fuentes consultadas: LAZO, Rina. “Mi participación en el muralismo mexicano”. México. Crónicas. El Muralismo, producto de la Revolución Mexicana en América, 22 de junio de 2015, pp. 235-249 y STEINHAUER, Jillian. “Rina Lazo: la muralista que hizo del arte un vehículo de emoción y activismo”. Estados Unidos. The New York Times, sección Obituario, 20 de diciembre de 2019.

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

90 JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935)

Entrada de árboles

Firmado

Óleo sobre tela sobre masonite

83.3 x 93.5 cm

Con sellos del Instituto Nacional de Antropología e Historia - Museo Nacional de Historia al reverso.

Con ensayo documental de María Amparo Clausell, marzo de 2025. Presenta mínimos detalles de conservación.

Como artista fue autodidacta, pues nunca pasó por una escuela de arte. En sus obras destaca la sensibilidad, intuición, exaltado amor y profunda comprensión de la naturaleza mexicana. Fue en Europa alrededor del año 1896, cuando conoció a Claude Monet y al magnético mundo parisino impresionista, cuyas técnicas y colorido representarían un hito en su trayectoria artística siendo el único pintor mexicano que dedicó el total de su obra a este movimiento; pintor de las reverberaciones de la luz, de las transparencias del aire, del rico olor de su vegetación, de las rocas, del agua. Joaquín Clausell ocupa un lugar destacado en la pintura mexicana del siglo XX. Es “nuestro pintor impresionista por excelencia”, su manera de capturar pequeñas escenas de paisaje y volverlas una realidad completa no ha sido superada. En su obra abundan las tonalidades delicadamente iluminadas, trabajadas con pastocidades que dotan de personalidad a las escenas que retrata, de esta manera se afirma el adjetivo de impresionista que el artista se ganó con el paso del tiempo. La obra y la vida de Joaquín Clausell reflejan las circunstancias que le tocaron vivir, los lugares por los que pasó, sus inquietudes y temperamento. Gerardo Murillo, Dr. Atl, describió a Joaquín Clausell como un hombre recto y claro, quien aparte de ser un artista de magno talento se desempeñó como defensor de causas sociales, por lo que la armonía impresa en sus obras era resultado del equilibrio diario bajo el que se manejaba. Vivió una época compleja de la historia nacional, llena de contradicciones sociales y políticas, las cuales se contrapusieron a su desarrollo personal y profesional; desde su formación como abogado y político durante el Porfiriato, en el que desempeñó un papel importante como firme opositor al régimen existente. Asimismo, a su inicio en la pintura a principios de siglo; el desarrollo del movimiento armado de la revolución, etapa en la cual abandonó la pintura y, por último, el periodo de reconstrucción del país momento en el que retomó su actividad artística hasta su muerte.

Fuente consultada: MURILLO, Gerardo y MONTENEGRO, Roberto. Joaquín Clausell. La exposición general de su obra. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1945 y TOVAR Y DE TERESA, Rafael, et al. Joaquín Clausell y los ecos del impresionismo en México. México. Museo Nacional de Arte. 1995. pág. 65.

$4,500,000.00-$5,500,000.00 M.N.

91 ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Sin título

Firmado y fechado 1991 Óleo sobre tela

79 x 56.5 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Alfredo Zalce comenzó a los dieciséis años a trabajar como fotógrafo para financiar sus estudios en la Academia de San Carlos, institución en donde tuvo como maestros a Germán Gedovius y Leandro Izaguirre, formadores de generaciones destacadas del arte mexicano. Paralelamente se integró al movimiento estudiantil a favor de la autonomía universitaria y la lucha por la reforma de la Escuela de Artes Plásticas encabezada por Diego Rivera.

El trabajo gráfico de Alfredo Zalce ha sido sumamente destacado, entre sus actividades en el mundo del arte fungió como dibujante, grabador, pintor, muralista y profesor.

La obra de Alfredo Zalce ofrece un guiño al panorama tan complejo y cambiante del arte del siglo XX, muestra de ello es el carácter nacionalista que el artista imprime en su obra tras haber vivido en carne propia los estragos de la Revolución Mexicana durante sus primeros años de vida.

En 1979 el gobierno de Michoacán creó el Premio de Artes Plásticas Alfredo Zalce y en 1993 se añadió su nombre al Museo de Arte Contemporáneo de Michoacán, reconociendo su labor.

“La expresión de Zalce es siempre nítida y su color original, con frecuencia en claras tonalidades; así ha desarrollado su obra de caballete, con escenas de la vida mexicana en el campo y las costas. Nada hay en ella que no sea sabiduría y sentido de medida, de manera que de sus obras trasciende la poesía y la nobleza de su personalidad”. Justino Fernández.

Fuentes consultadas: LARA DE ELIZONDO, Lupina et al. Alfredo Zalce. Noventa años. Recuerdos de una vida. Trabajos de un pintor. México. Promoción de Arte Mexicano - TELMEX, 1998, pág. 101, “Alfredo Zalce, renovador de la gráfica mexicana”. México. Instituto Nacional de Bellas Artes - Secretaría de Cultura, boletín no. 28, 12 de enero de 2020 y sitio oficial del Museo Blaisten www.museoblaisten.com

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

ALFREDO ZALCE

(Pátzcuaro, Michoacán, 1908 - Morelia, Michoacán, 2003) Sin título

Firmado y fechado 1988

Óleo sobre masonite

61 x 79 cm

Con certificado de autenticidad de Fundación Cultural Alfredo Zalce firmado por Beatriz Zalce. Alfredo Zalce formó parte de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR), donde tuvo la oportunidad de incursionar en el grabado en madera, además de participar en proyectos muralistas como el titulado “Los trabajadores contra la guerra y el fascismo”, en el que dejó ver su compromiso político. Más tarde, en 1937, junto con Leopoldo Méndez y Pablo O’Higgins, formó parte de los miembros fundadores del Taller de Gráfica Popular.

A lo largo de su producción observamos una constante respecto al empleo de la pintura figurativa, claramente influenciado por la Escuela Mexicana de Pintura de la primera mitad del siglo XX, llegando a ser llamado “el último gran muralista posrevolucionario”. “Podemos resumir la pasión de Zalce en tres bellas palabras: belleza, servicio y libertad. Ama el color, la línea sensible y la invención, rompe lo estéril y renueva lo cansado, agita lo estancado, ataca lo injusto, exige responsabilidad y entrega a labor”. José Chávez Morado. Fuentes consultadas: “Alfredo Zalce”. México. Revista Digital Universitaria, 30 de diciembre de 2002, vol. 3, no. 4 y AUDEFROY, Joel. “Alfredo Zalce: grabador, pintor y muralista”. México. Revista Esencia y espacio, julio de 2008, pp. 77 y 78.

$300,000.00-$500,000.00 M.N.

93 VALETTA SWANN

(Eastbourne Sussex, Inglaterra, 1904 - Ciudad de México, 1973)

Sin título

Firmado y fechado 1947

Óleo sobre tela

56 x 89 cm

Presenta mínimos detalles de conservación.

Nacida en Inglaterra, Valetta Swann fue una mujer solidaria con los problemas sociales del mundo pero en especial con nuestro país a través de su mirada etnográfica al igual que su pareja Bronislaw Malinowsk. Alguna vez se negaría ante la solicitud de un importante galerista de Nueva York quien le pidió dejar de pintar “despreciado pueblo de color” y augurarle gran éxito económico. Su obra se describe entorno al impresionismo europeo y costumbrismo mexicano como las obras producidas de las provincias pintorescas de México.

“Cuando pinto, no veo otra cosa que la alegría creadora que se derrama de los tubos de color en la tela a través del pincel, al impulso de un mandato”. Valetta Swann.

Fuentes consultadas: “Influencia de México en la pintura de Valetta Swann”. México. Revista de la Universidad de México, UNAM, no. 27, marzo de 1949 y SERNA DIMAS, Adrián. “Amor salvaje. Tempestades en el relato etnográfico. Promesa recóndita. Relatos sobre la cultura y el amor romántico”. Argentina. CLACSO, 2017, pp. 43-84.

$90,000.00-$150,000.00 M.N.

94 JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977)

Naturaleza muerta con frutas

Firmada al frente y con monograma al reverso

Anilina sobre papel de manila

70 x 94.5 cm

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake. Publicado en: SPÍNDOLA, Humberto et al. Del arte a la arquitectura, el México de Chucho Reyes y Luis Barragán. México. Grupo Financiero Monex, 2012, pp.158 y 159. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. La formación plástica de Chucho Reyes fue autodidacta, plasmando las manifestaciones plásticas del pueblo mexicano de manera libre y plena. Sin duda, las obras más reconocidas dentro de su producción son las anilinas en papel china, surgidas originalmente como envoltorio de los productos en su espacio de antigüedades. Comenzó a decorar el papel con un estilo que paulatinamente se volvió característico y que reflejaba las nuevas posibilidades del arte mexicano, incorporando motivos de la cotidianidad nacional. Obtuvo reconocimiento internacional después de presentar su obra en espacios como el Salón Independiente y en galerías de Nueva York y Londres. Tras su muerte en 1977, su obra continuó siendo exhibida. En 2006, formó parte de “Muerte sin fin … una cotidianeidad” en el Museo de Arte Popular de la Ciudad de México. Además, en 2018, el Museo del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México presentó la exposición “Chucho Reyes. La fiesta del color” en conmemoración de su 40 aniversario luctuoso. Fuentes consultadas: SPÍNDOLA, Humberto et al. Del arte a la arquitectura, el México de Chucho Reyes y Luis Barragán. México. Grupo Financiero Monex, 2012, pp. 155-165, TALAVERA, Juan Carlos. “Chucho Reyes, rescatan legado”. México. Excélsior, sección Expresiones, 27 de julio de 2014 y sitio oficial del Museo del Palacio de Bellas Artes www.museopalaciodebellasartes.inba.gob.mx

$80,000.00-$100,000.00 M.N.

95 ROBERTO MONTENEGRO

(Guadalajara, Jalisco, 1885 - Pátzcuaro, Michoacán, 1968)

Sin título

Firmado al frente. Firmado y fechado 1962 al reverso Óleo sobre tela

61 x 91 cm

Con dedicatoria al frente y al reverso. Presenta mínimas craqueladuras.

Roberto Montenegro se mudó a temprana edad a la Ciudad de México, donde estudió en la Academia de San Carlos bajo la tutela de Julio Ruelas, Germán Gedovius y Antonio Fabrés y fue condiscípulo de Saturnino Herrán, Armando García Núñez, Diego Rivera y José Clemente Orozco. En 1907 viajó a París para inscribirse en la École de Beaux Arts y en L’Académie de la Grande Chaumière donde perfeccionó su técnica. Tras estallar la Primera Guerra Mundial pasó algunos años en España para después regresar a México en 1921, cuando José Vasconcelos le encargó la creación de varios murales para la Secretaría de Educación Pública, así como para la Librería Iberoamericana y la Escuela Nacional de Docentes. En 1934 fue nombrado director del Museo de Artes Populares de Bellas Artes y en 1967 fue galardonado con el Premio Nacional de las Artes.

Fuente consultada: BALDERAS, Esperanza et al. Roberto Montenegro. La sensualidad renovada. México. CENIDIAP - Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, 2001, pág. 30.

$280,000.00-$350,000.00 M.N.

96 OLGA COSTA

(Leipzig, Alemania, 1913 - Guanajuato, Guanajuato, 1993)

Sin título

Firmado y fechado 73

Pastel sobre papel

33.5 x 43.5 cm

Olga Costa, de nombre originario Olga Kostakowsky Fabricant, llegó a nuestro país en 1925 acompañada de su familia proveniente de Alemania, orillados por la persecución que se acrecentaba para quienes poseían ideales socialistas como los de su padre. El ambiente cultural que se respiraba en nuestro país durante sus años de formación impulsaron su interés por las artes. Ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas donde recibió clases de Carlos Mérida. Ahí mismo conoció a Diego Rivera, Frida Kahlo y Rufino Tamayo, personajes con quienes su nombre compartiría reconocimiento posteriormente. En 1935 se casó con José Chávez Morado, con quien compartió el resto de su vida y forjó un legado cultural incalculable y apreciable en la actualidad en el Museo de Arte Olga Costa - José Chávez Morado de Guanajuato, Guanajuato. “Hemos dicho mexicanidad en la obra de Olga Costa, y aquí se precisa explicación: mexicanidad, sí y no remedo, ni caricatura. Pues lo ‘mexicano’, como categoría estética, como emoción, como forma de tomar el toro de la sensibilidad por los cuernos que es, no se refiere a simples nociones de nacionalidad o de origen”. José Revueltas.

Fuentes consultadas: ZAMORA BETANCOURT, Lorena. Olga Costa, un espíritu sensible. México. CONACULTA, 1996, LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen. Pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 3, no. 33, septiembre de 1997, pp. 5-8 y “Olga Costa trabajó con fervor en la conformación del imaginario de la mexicanidad”. México. CONACULTA, comunicado no. 1312, 22 de agosto de 2013.

$80,000.00-$120,000.00 M.N.

97 GUSTAVO MONTOYA

(Ciudad de México, 1905 - Ciudad de México, 2003)

Sin título

Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela

70 x 90 cm

Con certificado de autenticidad firmado por Blanca Montoya, sobrina del artista, marzo de 2025. Gustavo Montoya pensaba que la mejor manera de finalizar un cuadro era eliminando los elementos inútiles que frecuentemente eran impedimento para su libre expresión, tanto la serie de Bodegones como la de Niños Mexicanos fueron representativas de estas ideas. Tal como otros grandes exponentes del género como Agustín Arrieta, Gustavo Montoya plasmó escenas de la cotidianidad mexicana con las que el público conecta de manera inmediata ya que los elementos continúan tan vigentes como el día que los pintó. Asimismo, podemos identificar a los bodegones de Gustavo Montoya por un carácter formal definido, protagonizado por composiciones limpias, una paleta de color sobria y falsas perspectivas que nos permiten apreciar la totalidad de los elementos expuestos. En 1951, la Galería de la Plástica Mexicana exhibió una serie de casi quince bodegones de frutas, verduras, flores y panes de dulce en los que Gustavo Montoya exaltó orgullosamente su compromiso por resaltar la importancia de las costumbres mexicanas. Fuentes consultadas: MARTÍNEZ LAMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 442 y LARA ELIZONDO, Lupina. Resumen pintores y pintura mexicana. México. Promoción de Arte Mexicano, año 4, no. 40, julio-agosto 1999, pp. 7-8.

$250,000.00-$350,000.00 M.N.

98 JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Casas en ruinas junto al lago

Firmado y fechado 95 al frente. Firmado y fechado Gto 95 al reverso Acrílico sobre tela 80 x 100 cm

Con certificado de autenticidad firmado por el artista, junio de 1999. Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo mexicano Rosendo González Gómez, discípulo del Maestro Fernando Gamboa. Una variación de esta obra pero de gran formato forma parte de la colección permanente de la residencia oficial de Los Pinos, hoy Centro Cultural Los Pinos, en la Ciudad de México.

José Chávez Morado fue un artista completo: pintor, grabador, caricaturista agudo, muralista, maestro de artes plásticas, promotor de la cultura a través de la fundación de museos e instituciones, denominado por teóricos como Raquel Tibol como un adelantado a su época.

Comenzó su formación desde temprana edad en su biblioteca familiar, en la que temas como la historia, ciencia y poesía forjaron su futura labor. Por razones personales a los 16 años emigró a Estados Unidos donde cultivó un interés especial por el diseño de escenografías. En 1930 ingresó a la Chouinard School of Art en Los Ángeles, anticipándose a David Alfaro Siqueiros, temporal y prácticamente, a través de la experimentación de técnicas de lo que se consagró posteriormente como “action painting”. En 1931 su educación continuó en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde se acercó al grabado, pintura y litografía.

Su primer acercamiento con el muralismo se dio cuando vio a José Clemente Orozco mientras éste trabajaba en los frescos de Pomona College en Claremont, California, de este modo, la ejecución de su primer mural tuvo lugar en la Escuela Normal de Veracruz en Xalapa gracias a su afiliación a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios.

Fuentes consultadas: CONCHEIRO, Elvira y PACHECO, Victor Hugo. Raquel Tibol. La crítica y la militancia. México. Centro de Estudios del Movimiento Obrero y Socialista, A. C. 2016, pág. 149 y DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Ediciones La Rana, 2001.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

99 JOSÉ CHÁVEZ MORADO

(Silao, Guanajuato, 1909 - Guanajuato, Guanajuato, 2002)

Superficie

Firmado y fechado 97

Óleo con grisalla y arena sobre tela

70 x 100 cm

Con certificado de autenticidad firmado por el artista, diciembre de 1998. Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo mexicano Rosendo González Gómez, discípulo del Maestro Fernando Gamboa. José Chávez Morado formó parte del Partido Comunista Mexicano y del Taller de la Gráfica Popular, sus afiliaciones reflejan su carácter de artista preocupado por compartir temas nacionalistas para comunicar a través de su arte la gran proliferación cultural mexicana. En Guanajuato desarrolló gran número de proyectos de la mano de Olga Costa y su producción manifestó madurez creativa a la par de una carga emocional sobre temas que simbolizaban su visión folclórica e histórica de México.

Desde el punto de vista formal, la obra de José Chávez Morado puede ser considerada como prototípica del realismo que se desarrolló paralelamente a la pintura mural posrevolucionaria, con abundantes antecedentes del arte popular tanto en lo cromático como en la reflexión temática.

Fuentes consultadas: DE SANTIAGO SILVA, José. José Chávez Morado. Vida, obra y circunstancias. México. Instituto Estatal de la Cultura, Ediciones La Rana, 2001, pp. 55-57 y 67-69 y TIBOL, Raquel. José Chávez Morado. Imágenes de identidad mexicana. México. Universidad Nacional Autónoma de México, Coordinación de Humanidades, 1980, pág. 43.

$220,000.00-$300,000.00 M.N.

100 JESÚS REYES FERREIRA “CHUCHO REYES”

(Guadalajara, Jalisco, 1882 - Ciudad de México, 1977) Flores

Firmada y con monograma

Anilina sobre papel de china

70 x 94.5 cm

Con certificado de autenticidad de Rodrigo Rivero Lake. Presenta detalles de conservación a causa de la técnica empleada. “Dándose cuenta que los papeles de china que pintaba para envolver los pequeños regalos que obsequiaba a sus amistades eran a veces más admirados que el propio regalo, empezó a pintarlos para que fueran el obsequio en sí mismo. Ramos de flores, gallos con cresta y cola doradas, ángeles y arcángeles, caballos y pescados fueron saliendo de su taller en números interminables y pronto se convirtieron para Chucho en una magnífica fuente de entradas”. Inés Amor.

Fuente consultada: MANRIQUE, Jorge Alberto y DEL CONDE, Teresa. “Una mujer en el arte mexicano. Memorias de Inés Amor”. México. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2005. pág. 104.

$70,000.00-$100,000.00 M.N.

101 VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009)

Sin título Firmado

Acrílico sobre tela

100 x 70 cm

Agradecemos a la Sra. Andrea Velasco Levy, viuda de Gandía por la verificación de autenticidad de esta obra, noviembre de 2024. Vicente Gandía llegó de España a México en la década de los cincuenta. Al poco tiempo de residir en nuestro país ingresó a la Universidad Nacional Autónoma de México para estudiar Arquitectura.

No sólo ejerció los oficios de pintor y dibujante, sino que también experimentó con la técnica del grabado. Además, trabajó como diseñador gráfico y comercial en algunas revistas mexicanas. Participó en más de 100 exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero, y actualmente su obra forma parte de la colección del MoMA en Nueva York, la Colección BANAMEX y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, entre otras.

Fuente consultada: MARTÍNEZ LÁMBARRY, Margarita. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo I. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 268.

$180,000.00-$300,000.00 M.N.

102 JOSÉ ANTONIO FARRERA

(Ciudad de México, 1964 - )

Deuxième bouquet qui lèvite

Firmado y fechado 2025 al reverso Óleo sobre tela

100 x 120 cm

Con certificado de autenticidad de Aldama Fine Art.

“El detalle en la cualidad física de los jarrones es un estudio en sí mismo; el bouquet es un conjunto compacto que forma parte de la composición, aunque a veces se interrumpe. Hay un espacio vacío entre el jarrón y el follaje, un silencio musical entre el acorde sólido de la base y el subibaja de escalas de la melodía. No importa. No queremos una representación realista, sino una impronta, un golpe de color, una revelación de presencias, de grados emocionales que entren en conflicto y armonicen a la vez”. José Manuel Ruiz Regil.

Fuente consultada: RUIZ REGIL, José Manuel. Carmen Parra / José Antonio Farrera. La flor de loto y el cardo. México. Aldama Fine Art, pp. 10, 11 y 14.

$240,000.00-$280,000.00 M.N.

103 VICENTE GANDÍA

(Valencia, España, 1935 - Morelos, México, 2009)

Sin título

Firmado

Acrílico sobre tela 80 x 90 cm

Presenta mínimos detalles de conservación.

“En su obra ha dibujado, pintado, grabado y esculpido todo, desde paisajes, casas de vecinos, invernaderos y casas de cristal, hasta laberintos, floreros, frutas y la propia imagen de las casas en que ha vivido a lo largo de los años. Hay, sin embargo, un elemento que pocos han descubierto en su obra, una preocupación por lo arquitectónico que aparece en forma de pilares, puertas, ventanas, habitaciones y paisajes. En su mundo, los ojos y los orificios se han vuelto espejos. La vinculación de la obra del artista con la arquitectura tiene una larga tradición en la crítica y en la historiografía del arte […] Gandía aportó a su pintura una dicción dinámica, valiéndose de fragmentos y yuxtaposiciones del universo que lo rodeaba […] Un lienzo de Gandía no es sólo un deleite para los sentidos. También es una puerta o una ventana que se abre a un fragmento del universo”. Miguel Ángel Muñoz.

Fuente consultada: MUÑOZ, Miguel Ángel. “Vicente Gandía: la memoria de la luz”. México. Revista Casa del Tiempo, Universidad Autónoma Metropolitana, 2010, no. 33-34, pp. 50 y 51.

$130,000.00-$180,000.00 M.N.

104 LUIS SELEM

(Cuernavaca, Morelos, 1975 - )

Bordeaux

Sin firma

Óleo sobre tela

199.5 x 99.5 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por el artista, junio de 2024. Luis Selem realizó estudios en Arquitectura, sin embargo, se especializó en Artes Plásticas con maestros como Santiago Carbonell cuyas herencias realistas se ven plasmadas en su obra. Su producción presenta una composición tradicional en la que el papel periódico posee protagonismo, utilizándolo como elemento protector de lo preciado tal como se usa en la vida cotidiana para resguardar piezas de alto valor.

“Utilizo en mi obra el papel periódico porque cuando era pequeño y me cambiaba de casa, mi mamá me decía que protegiera mis juguetes y otros objetos en ese papel, y se trata de seguir envolviendo lo que uno quiere conservar a través del tiempo”. Luis Selem.

Fuentes consultadas: SÁNCHEZ MEDEL, Leticia. “Luis Selem”. México. Milenio, sección Opinión, 04 de julio de 2024 y sitio oficial de la Galería Alfredo Ginocchio www.ginocchiogaleria.com

$190,000.00-$250,000.00 M.N.

105 SUSAN SCHMIDT

(Nueva Jersey, E.E. U.U., 1953 - )

Modo seguro (Standby)

Firmado al frente. Firmado y fechado 2018 en el bastidor Óleo sobre tela

132 x 196 cm

Con certificado de autenticidad de Galería Alfredo Ginocchio firmado por la artista, diciembre de 2024.

Publicado en: sitio oficial de la artista www.schmidthazen.com

“Dueña del dibujo perfecto y de total dominio sobre las figuras, particularmente la humana, en los cuadros de esta artista es común encontrar personajes inmensos rodeados de objetos en miniatura o viceversa, figuras diminutas enmarcadas por enormes muñecas, flores, manzanas o cualquier otra cosa como espejos, pájaros volando, caracoles o un nutrido bosque. No obstante a esa contradicción los cuadros presentan una simetría completa ya que cada figura, cada componente posee la proporción exacta logrando así un todo absolutamente armonioso y bello”. Fuente consultada: “Susan Schmidt exhibe obra en México”. México. Excélsior, 3 de diciembre de 2001.

$650,000.00-$800,000.00 M.N.

106 GUILLERMO GÓMEZ MAYORGA

(Puebla, México, 1887 - 1962)

Sin título

Firmado

Óleo sobre tela

98 x 145 cm

Guillermo Gómez Mayorga estudió en la Academia de San Carlos, donde fue un destacado alumno. Tuvo de maestro de perspectiva a Tomás Cordero, de dibujo a Leandro Izaguirre y de color a Germán Gedovius, de hecho, fue el propio director Alfredo Ramos Martínez, quien lo distinguió y recomendó en el medio del arte en México.

Durante sus estudios logró viajar a Francia e Italia, con el fin de pulir su técnica. En aquella época pintó varios cuadros con temáticas marinas y de costa, logrando exhibirlos en algunas galerías y muestras en Turín, Italia. Fue un destacado pintor del mar, género que ejecutó con gran majestuosidad, marcando la bravura del mar y las zonas de agua espumosa que provocan una sensación de belleza clásica, siendo estas las características que más llamaron la atención de los críticos y coleccionistas. Incluso el mismo Jorge González Camarena, comentó que: “Mayorga era un estupendo pintor de marinas”. Además, el autor del libro “José María Velasco y sus contemporáneos” Javier Pérez de Salazar y Solana, dijo que: “el pintor oriundo de puebla fue un extraordinario creador de célebres marinas que constituyen joyas de arte pictórico”.

Fuente consultada: AMERLINCK, Rodrigo et al. Guillermo Gómez Mayorga. México. Fernández Cueto Editores, 1998, pp. 30-37 y 101-107.

$350,000.00-$550,000.00 M.N.

107 JOAQUÍN CLAUSELL

(San Francisco de Campeche, 1866 - Lagunas de Zempoala, Morelos, 1935) Espuma en medio Firmado al frente y al reverso Óleo sobre tela sobre cartón 15 x 20.5 cm

Con carta de opinión de Patricia Clausell, nieta del artista, octubre de 2024. Presenta detalles de conservación.

“Joaquín Clausell, hombre de corazón generoso, de amplia inteligencia, captó desde su juventud, la clarísima luz de esta tierra, la gracia de los paisajes marinos, la majestad de los bosques y las montañas; fue, en esencia un enamorado de nuestra naturaleza la que supo interpretar con sin igual maestría y con un decidido instinto pictórico”. Roberto Montenegro. Fuente consultada: MURILLO, Gerardo y MONTENEGRO, Roberto. Joaquín Clausell. La exposición general de su obra. México. Museo del Palacio de Bellas Artes, 1945.

$320,000.00-$500,000.00 M.N.

108 RAYMUNDO MARTÍNEZ

(Ciudad de México, 1938 - Ciudad de México, 2023) Valle de México

Firmado y fechado 10 - V - 1962 al frente y al reverso Óleo y acrílico sobre tela 111 x 220 cm

Con etiqueta de Galería Misrachi. Presenta mínimos detalles de conservación. Raymundo Martínez es un paisajista inclinado a pintar los volcanes y los valles de México. utiliza recursos como la fotografía, helicópteros, video y otros medios que tiene a su alcance, de la misma manera que los artistas del siglo XVI, XVII y XVIII usaron la cámara oscura como su recurso técnico. Esto no atenta contra la artisticidad de sus obras, al contrario, lo mantiene al día respecto a aquellos adelantos técnicos que favorecen su quehacer. Su influencia principal proviene de los principios de José María Velasco y los paisajes del siglo XVIII. En su obra, emplea el manejo de las formas de la naturaleza, la luz y los colores con una gran calidad artística.

“Raymundo que es amoroso conocedor del campo, particularmente en sus despliegues de libertad y fuerza, ama por igual a la ciudad y sabe identificarse con ella y asumir sus problemas […] La pintura empuñada así como un acto típicamente creador, como una acción que confronta o mejor todavía, que complementa y armoniza el espacio como extensión y el espacio como recinto, redunda en un planteamiento cívico sin equivalencia”. Ernesto de la Peña.

Fuente consultada: sitio oficial de Colección de Arte Sura www.sura.com

$350,000.00-$450,000.00 M.N.

109 LUIS NISHIZAWA

(Estado de México, 1918 - Ciudad de México, 2014)

El nevado al atardecer, 1973

Firmado al frente y al reverso

Temple sobre tela sobre masonite

21 x 77 cm

Agradecemos a Gabriel Nishizawa por la verificación de autenticidad de esta obra, abril de 2025.

Procedencia: perteneció a la colección del museógrafo mexicano Rosendo González Gómez, discípulo del Maestro Fernando Gamboa.

La obra de Luis Nishizawa no se reduce a una corriente estética y, como él mismo señaló, sus inicios se remontan a la Escuela Mexicana de Pintura, donde obtuvo un estilo realista de contenido social muy marcado, del que poco a poco se fue separando. Pasó por varias etapas: expresionismo, gestualismo, hasta llegar al abstraccionismo y de vuelta a la figuración. Dentro de estos estilos utilizó diversas técnicas pictóricas, tanto en el caballete como en mural.

Asimismo, trabajó temáticas como la figura femenina y la naturaleza muerta, sin embargo, el paisaje fue su género más concurrente, recreó la vista panorámica de los valles y volcanes mexicanos, de los cuales capturaba elementos clave y los trasformaba en puntos focales a través del color y la luminosidad. Las influencias principales para sus paisajes atmosféricos provinieron de la tradición pictórica de José María Velasco y Dr. Atl; sin embargo, él mismo mencionó que su principal influencia fue Francisco Goitia.

Fuentes consultadas: CASTILLO SÁMANO, María del Socorro. La colección de pintura del Banco Nacional de México. Tomo II. México. Grupo Financiero Banamex, 2002, pág. 470 y PÉREZ, Fernando. “Luis Nishizawa”. México. Revista Horizontal, sección De Reojo, 17 de septiembre de 2014.

$230,000.00-$400,000.00 M.N.

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Con , podrá realizar sus compras a 3, 6, 9 ó 12 meses sin intereses. Además, tiene la opción de utilizar sus puntos BBVA para facilitar sus compras.

GLOSARIO DE TÉCNICAS PLÁSTICAS

Las técnicas pictóricas están conformadas por pigmento (sustancia que permite colorear las superficies al dejar partículas adheridas a ellas), aglutinante (que permite que la mezcla sea estable y garantiza su permanencia en el soporte) y diluyente (que permite adelgazar, homogenizar y disolver la materia).

Tipos de soporte:

Aglomerados: Tableros fabricados a partir de elementos fibrosos de madera prensada y unidos por medio de distintos procesos y aglutinantes; los más utilizados son: fibracel, masonite y MDF. En ocasiones llevan un recubrimiento industrial como en el caso de la melamina y formaica.

Cartón: Material compuesto por varias capas de papel a base de fibra virgen o de papel reciclado superpuestas. Es grueso, duro y resistente.

Láminas de metal: Suelen ser de cobre o zinc.

Madera: También catalogada como “tabla”. Los tipos de madera más usados en la pintura son: caoba, pino y laminados como el triplay.

Papel: Hoja delgada que se hace con pasta de fibras vegetales. Puede ser de fabricación industrial o a mano, lo que brinda a las hojas distintas texturas y cualidades.

Polipropileno: Polímero termoplástico, parcialmente cristalino. Se fabrica en diversos grosores y grados de flexibilidad. Tiene gran resistencia contra solventes químicos y al calor.

Tela o lienzo: Usualmente preparado con una imprimatura para pintar sobre él. Los más utilizados son los fabricados en lino, yute, cáñamo, algodón o fibras sintéticas.

Vinilo: Se obtiene a partir del cloruro de vinilo, un material que se usa para fabricar PVC (policloruro de vinilo), utilizado en una variedad de productos plásticos. Puede ser usado como soporte de impresión, entre sus propiedades destacan la durabilidad y la maleabilidad. También se utiliza como material de rotulación pues su alta maleabilidad permite que sea deformado y cortado, permitiendo construir siluetas y textos.

Técnicas bidimensionales:

Acrílico: Emulsión integrada por pigmento y cola vinílica soluble en agua que se distingue especialmente por la rapidez del secado.

Acuarela: Pigmentos aglutinados con goma arábiga que al ser diluidos en agua resultan traslúcidos y ofrecen una textura visual muy ligera.

Anilina: Pigmentos de origen natural, usados principalmente en la industria alimenticia.

Barniz: Producto que suele aplicarse al finalizar la obra, forma una película sólida, transparente, con propiedades protectoras o decorativas.

Bolígrafo: Instrumento que produce un trazo uniforme y de secado rápido. Contiene un tubo de tinta y, en la punta, una bolita metálica que gira permitiendo el dibujo.

Crayón: Barra hecha con cera y pigmentos.

Carboncillo: Trozo de madera carbonizada que permite trazar líneas ágiles y gradaciones.

Collage: Procedimiento que consiste en pegar trozos de diferentes materiales como telas, cartón, papel, fotografías y recortes de periódicos, sobre una superficie para crear una composición.

Conté: También se le conoce como lápiz de carbón compuesto, similar al carboncillo, pero ofrece un trazo más preciso al estar aglutinado con cera o arcilla.

Encáustica: Pigmentos disueltos en cera que se extienden con ayuda de una espátula o pincel sobre el soporte. Se le suele aplicar fuego directo para crear diversos efectos y texturas.

Esmalte: Pasta vítrea, brillante y dura, que se obtiene mediante fusión de polvo de vidrio coloreado con óxidos metálicos, y que se aplica sobre cerámica o metal.

Gouache: Pintura opaca en la que los pigmentos están aglutinados con goma arábiga y mezclados con un medio inerte como el yeso, carbonato de calcio o creta.

Hoja de oro: Lámina muy fina de oro batido o metal que imita metales preciosos. Se adhiere a diversas superficies previamente preparadas.

Lápiz: Barras de madera que contienen en su interior una mina de pigmento aglutinado. Los tipos más usuales son: De grafito: Su mina está compuesta de grafito (un mineral de carbono casi puro), arcilla y agua; da distintas tonalidades de gris de acuerdo al grado de dureza que tenga, en una escala indicada con las siglas H (hard) a B (black).

De color: Su mina está compuesta por pigmentos de colores aglutinados con cera de abeja.

Mixta: Cuando se combinan varias técnicas o se introducen elementos extra pictóricos como arena, polvo de mármol o tierra.

Óleo: Pigmentos integrados con aceites y resinas vegetales, se disuelven en trementina (aguarrás). Se puede controlar su fluidez y espesor, aplicándolo de manera directa o por medio de veladuras.

Pastel: Barras secas de pigmentos aglutinados con goma. Su textura permite mezclarlos o difuminarlos.

Pastel graso: Combinación de pigmentos con aceite y cera. Estas barras son blandas, de consistencia cremosa y colores brillantes.

Piroxilina: Laca sintética a base de nitrocelulosa; su uso es principalmente industrial.

Poliuretano: Polímero que puede fabricarse para que sea rígido o flexible, por ejemplo como espuma.

Sanguina: Óxido férrico aglutinado con goma arábiga que se utiliza en forma de lápiz o barra para trazar en una gama de colores rojizos.

Temple: Su característica principal es la emulsión de agua y materia grasa. Los pigmentos se encuentran aglutinados con yema de huevo, caseína, goma o grasa animal.

Tinta acrílica: Gracias a su base acrílica seca rápidamente, es permanente y resistente al agua.

Tinta china: Está formada por partículas de pigmento negro carbón con un aglutinante de cola proteica, los cuales se disuelven en agua.

Tinta saiboku: Barritas de tinta hechas con pigmentos inorgánicos y cola animal. Su color es intenso.

Técnicas de obra gráfica:

Grabado: Conjunto de técnicas de arte gráfico cuya característica común es la creación de imágenes a partir de los cortes o tallas que un grabador efectúa sobre una matriz de madera o metal. Este corte o incisión puede ser realizado utilizando instrumentos cortantes, punzantes o soluciones químicas mordientes. La clasificación más simple de las técnicas de grabado es la que introduce dos categorías, dependiendo del sistema de impresión correspondiente a cada una de ellas: estampación en hueco o en relieve. Hay dos tipos en relieve:

Grabado calcográfico: Su matriz de incisión es una lámina de metal.

Grabado a fibra: Xilografía, linografía, etc.

Estampa: Es un soporte (generalmente papel) al que se ha transferido la imagen contenida en una matriz trabajada previamente mediante alguno de los procedimientos de arte gráfico. La imagen del soporte original pasa a la estampa tras entintar aquél, poner en contacto ambos y someterlos a presión. La estampa es el producto final del arte gráfico y la multiplicidad su característica más genuina. Recibe este nombre porque el proceso de impresión se denomina estampación.

Es importante aclarar que grabado no es sinónimo de estampa: el grabado es una operación técnica y estampa es un producto artístico, el resultado del proceso de estampación de una matriz trabajada previamente, que puede estar grabada o puede no estarlo, sino estampada o impresa.

Acrilografía: Creada por Byron Gálvez, en ella se utilizan placas de acrílico que poseen texturas creadas a base de resinas y cargas de polvo de mármol o carbón.

Aguafuerte: Utiliza una plancha de metal recubierta de barniz sobre la cual el artista traza el dibujo con un punzón y dejando así el metal al descubierto al sumergir la plancha en una solución de ácido nítrico, este graba únicamente las zonas que quedaron sin barniz.

Aguatinta: Técnica pictórica de grabado calcográfico que permite la obtención de semitonos o gradaciones de un mismo color. Sobre la superficie de la lámina se espolvorea resina de pino pulverizada que actúa de aislante, así, al sumergirla en ácido, éste sólo ataca los intersticios entre los puntos de resina.

Al azúcar: Técnica alternativa al aguatinta, en la que se espolvorea azúcar en lugar de resina.

Fotograbado: Técnica que utiliza una placa cubierta de una solución de colodión sensible a la luz para capturar una imagen negativa y transferirla a la placa de impresión.

Gofrado: Proceso que consiste en producir un relieve sin tinta en el papel por el efecto de la presión a un mordido muy profundo.

Gicleé: Impresión por inyección de tinta de gran calidad sobre papeles de algodón, lienzo y papeles de acabado fotográfico.

Impresión digital: Se realiza con un dispositivo periférico a un ordenador, permite producir gráficos almacenados en formato electrónico, imprimiéndolos en medios físicos utilizando cartuchos de tinta o tecnología láser.

Impresión offset: Método de reproducción de documentos e imágenes, consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica.

Linograbado: Recibe su nombre porque el material utilizado como matriz es el linóleo: formado a partir de una pasta de aceite de linaza, resinas de pino, corcho en polvo e ingredientes colorantes prensada y laminada sobre tela de yute. Es flexible, impermeable, ligero y fácil de cortar con gubias.

Litografía: La matriz es una plancha de piedra sobre la cual se dibuja la imagen con una materia grasa. La piedra se humedece y las superficies no dibujadas absorben el agua mientras que las dibujadas la rechazan. En seguida se aplica tinta grasa que es repelida por la humedad y se deposita únicamente en la zona dibujada.

Mixografía: Procedimiento a partir de un cliché de cobre fundido en relieve negativo que permite la producción de estampas texturadas con detalles muy refinados en la superficie. El cliché es entintado utilizando los colores elegidos para esa impresión y en él se extiende pasta de papel mojado para después introducir los dos elementos en una prensa. A causa de la presión, la tinta queda absorbida por el papel, lo que le confiere cualidades pictóricas.

Piezografía: Impresión digital de inyección de tinta que tiene la virtud de proporcionar una extraordinaria calidad, similar incluso a la fotográfica. Permite la impresión sobre sustratos que la fotografía convencional no puede, tales como papeles de algodón 100% libres de ácido. Emplea tintas pigmentadas a base de carbón con diversidad de tonos, desde fríos hasta sepias.

Pochoir/esténcil/estarcido: Técnica en la que se corta una plantilla que permite reproducir en serie una imagen. Esta se sitúa sobre un soporte y se aplica pintura de modo que la forma trasferida quede limitada por la plantilla.

Punta seca: Técnica que se basa en la utilización de una punta de acero afilada con la que el grabador dibuja directamente sobre la superficie del metal.

Ruleta: Ruedecilla giratoria dentada que se utiliza para crear texturas de forma directa o sobre barniz a la cera.

Serigrafía: Se interviene sobre una malla de seda, tejido sintético o metal, tensada en un marco. Se obturan ciertas zonas de su trama, ya sea aplicando un líquido de relleno o adhiriendo una película recortada en las áreas donde no habrá imagen, quedando libre la zona por donde pasará la tinta. También existen sistemas de obturación fotomecánicos. Para estampar se esparce tinta que se filtrará sólo por las partes no obturadas.

Xilografía: La plancha es de madera, en ella se talla un relieve con la imagen deseada con una gubia o buril.

Las obras gráficas se numeran de acuerdo al que se haya realizado, es decir, de cuántos ejemplares conste la edición. Antes de llegar al resultado final se requieren de varias pruebas, las cuales son identificadas por el artista comúnmente con abreviaturas:

E.E Edición Especial. T ienen alguna particularidad especial o superior.

H.C Hors Commerce (fuera de comercio). Estampa definitiva de una tirada, no incluida en la edición venal numerada.

P.A. Prueba de artista. Estampas definitivas reservadas para la colección personal del artista.

P.C. Prueba de color. El artista las lleva a cabo para comprobar el resultado de las tintas, tipo de papel y método de estampación más adecuado.

P.E. Prueba de estado. En ellas el artista hace una revisión de la composición de la imagen, construcción de luces y sombras. Varían considerablemente de una a otra y por lo tanto cada una de ellas es única.

P.T. Prueba de taller. Reservadas para ser de propiedad del taller donde se imprimió la estampa, generalmente conservan al menos una de cada edición.

BAT Bon á tirer. Con la que el artista queda satisfecho y sirve de modelo de la tirada.

Fotografía: Las técnicas fotográficas permiten capturar imágenes mediante un dispositivo sensible a la luz.

Analógica: La fotografía tradicional, para cuyo revelado es necesario un proceso fisicoquímico que involucra el uso de un material fotosensible activo (aplicado sobre placas de vidrio o sobre una película flexible de material traslúcido) y su revelado, para la obtención y el procesado de las imágenes.

Digital: Se utilizan dispositivos dotados de una serie de fotodetectores electrónicos.

Instantánea: Se obtiene con una cámara que utiliza una película que contiene los químicos necesarios para revelar y fijar la fotografía al momento, se les conoce como “Polaroid” por la compañía pionera en su desarrollo.

Plata sobre gelatina: Imagen fotográfica desarrollada a partir de una emulsión de gelatina y plata, que se encuentra aplicada sobre un papel de composición definida que muestra la imagen a través de una sustancia reveladora. Puede ser a color (cromógena) o en blanco y negro.

Técnicas tridimensionales:

Escultura: Obra tridimensional tallada, modelada o construida en barro, cerámica, piedra, madera, metal u otro material.

Relieve: Obra adosada a un plano; adherida a una superficie que le sirve de fondo, por lo que tiene un punto de vista frontal.

Las técnicas más comunes son:

Fundición: Técnica para obtener esculturas en metal. Predominan dos procedimientos: la fundición a la cera perdida y a la arena.

A cera perdida: Consiste en realizar un modelo en arcilla que se recubre con una capa de cera, que a su vez se recubre con alguna sustancia refractaria y se deja endurecer. Una vez secos, se le hacen unos orificios por donde se deja salir la cera y posteriormente se rellena con bronce fundido. Al enfriarse el metal, se rompe la capa exterior de arcilla.

A la arena: Consiste en dividir la pieza en diversas partes, que se ponen en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las distintas piezas se unen mediante remaches.

Ensamblaje: Técnica que consiste en pegar o soldar distintos objetos y materiales para crear una composición con tridimensionalidad.

Labra: Técnica sustractiva en la que se parte de un bloque de piedra (mármol, ónix, basalto, etc.) y se desbasta con mazo y cincel, para crear una forma.

Modelado: Técnica aditiva que consiste en añadir materia e ir moldeándola, ya sea con las manos o algún instrumento como espátula o estiques. Los materiales más comunes son la arcilla, cerámica, cera y plastilina.

Pátina: Medios químicos que posibilitan cambiar el tono de la superficie de una escultura. Su nombre proviene de emular la “pátina”, barniz o tono que adquieren ciertos objetos antiguos con el paso del tiempo.

Soldadura: Procedimiento por el cual dos o más piezas de metal se unen por aplicación de calor, presión o una combinación de ambos.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA? MORTON SUBASTAS, S.A. DE C.V.

Bienvenido al mundo de las subastas, donde tendrá la oportunidad de adquirir emocionantes tesoros como lo son antigüedades, arte, joyas, relojes, muebles, libros, vinos, entre muchas otras cosas.

Participar en una subasta es muy sencillo y no requiere invitación. Usted podrá acudir, o en su caso, comprar en línea, disfrutar del momento, y participar para llevarse el lote de su preferencia. A continuación, le damos algunas recomendaciones, reglas y requisitos para que pueda disfrutar de esta experiencia única:

¿LA

SUBASTA ESTÁ ABIERTA AL PÚBLICO?

Sí, la subasta es un evento público y gratuito. Usted es bienvenido sin necesidad de invitación, e incluso puede asistir aún sin estar seguro de adquirir un lote.

(Lote: cualquiera de las piezas o conjunto de piezas que se subastarán, tiene un número y aparece en el catálogo correspondiente.)

¿QUÉ DEBO HACER ANTES DE LA SUBASTA?

Usted puede asistir antes de la subasta a la exposición en la cual podrá ver las piezas que se van a subastar. Asimismo, es recomendable adquirir el catálogo mediante la suscripción por teléfono o acudiendo directamente a nuestras oficinas, ya que en él se encuentran las fotos y la descripción detallada de cada lote.

Para poder participar en la subasta es indispensable registrarse.

¿CÓMO

ME REGISTRO A UNA SUBASTA?

El registro puede ser de las siguientes maneras:

A) Para participar en vivo:

Directamente en las oficinas de Morton Subastas, ya sea previamente o durante la celebración de la subasta.

B) Para participar en línea o con una oferta en ausencia:

Directamente entrando a la pagina de www.mortonsubastas.com mediante la plataforma de Bidsquare, o bien descargando la aplicación de MORTON SUBASTAS

Comunicándose a los teléfonos de Morton Subastas (55 5283 3140)

Enviando un correo electrónico a la dirección ofertasenausencia@mortonsubastas.com

En el registro se le solicitará su identificación oficial vigente, nombre, dirección y un depósito en garantía para sus compras (ya sea en efectivo o tarjeta).

Al registrarse para la subasta se le asignará un número de paleta, con la cual usted podrá realizar las pujas que considere convenientes.

¿CÓMO

SE LLEVA A CABO LA SUBASTA?

• Al dar inicio, el martillero indicará el lote a ser subastado, ya sea por medio del número que corresponda de acuerdo al catálogo de la subasta o dando lectura a la descripción, las características y el precio de salida.

• La subasta de cada lote se iniciará cuando el martillero pregone el precio de salida del mismo y entonces, los licitadores podrán hacer efectivas las pujas o aceptar la postura ofrecida por el martillero.

• El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

• El martillero podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva, por medio de las pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

• Para que el martillero adjudique un lote será necesario que no haya pujas que mejoren la anterior; por lo tanto, el precio mencionado por el martillero constituirá el precio de martillo o de venta que deberá pagar el licitador.

• La mercancía se subasta, adjudica y entrega en las condiciones en que se encuentra, por lo que le recomendamos acudir a nuestras exhibiciones o verificar plenamente que el lote a subastar reúna las condiciones y características de su interés. Una vez adjudicado un lote, no se aceptan cancelaciones y devoluciones.

¿CÓMO REALIZAR UNA COMPRA EN LA SUBASTA?

Cuando salga a remate el lote que usted desea adquirir simplemente levante la paleta que le fue asignada cuando el subastador proponga el precio de venta en subasta y usted esté de acuerdo con dicha cantidad. El subastador continuará elevando el precio mientras haya personas que sigan ofreciendo por el mismo lote.

Al último precio indicado por el subastador al dejar caer el martillo se le conoce como el precio del martillo, y esa es la cantidad, más la comisión (22% ó en caso de compra a través de plataformas online, será de 25%) más el I.V.A. de la comisión, que usted pagará por el lote adquirido.

¿CÓMO SE COMPRA EN SUBASTA SIN ESTAR PRESENTE EN EL SALÓN?

¿Se pueden hacer ofertas sin asistir al salón de subastas?

Sí, existen tres sencillas formas de hacerlo:

EN AUSENCIA

Usted debe llenar el formato de ofertas en ausencia, mismo que se encuentra a su disposición en nuestras oficinas y en el presente catálogo, en el cual tendrá que indicar el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. De esta manera, uno de nuestros representantes podrá hacer las ofertas en su nombre y representación.

El personal autorizado por Morton podrá hacer efectivas las pujas en representación de los licitadores sin ningún cargo adicional, y de acuerdo a las siguientes reglas:

1. El licitador podrá hacer llegar su postura a Morton hasta cuatro horas antes de celebrarse la subasta, mediante la entrega de la ficha de registro para ofertas en ausencia directamente en nuestras oficinas, con acuse de recibo por correo electrónico a la siguiente dirección: ofertasenausencia@mortonsubastas.com.

2. Será necesario que Morton haya recibido las posturas del licitador señalando un monto máximo como límite de cada puja.

3. En el caso de que el límite máximo fijado por el licitador en ausencia se iguale con la última puja de la sala, usted puede autorizar a Morton Subastas a subir a la siguiente puja por cuenta del licitador en ausencia por una sola vez; de lo contrario el licitador presente en la sala tendrá la prioridad sobre el lote. Esta información se considera confidencial. Es importante que usted seleccione la casilla correspondiente en el formato para autorizar a Morton Subastas. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

4. Como garantía de pago, en el caso de que el licitador se presente en Morton para registrar ofertas en ausencia deberá firmar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

5. Los lotes se adjudicarán al precio final que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la sala.

6. En caso de que hubiera dos o más licitadores en ausencia, con ofertas por el mismo lote y por la misma cantidad, se adjudicará el lote al licitador cuya oferta haya sido presentada primero en día y hora. En lo demás, son aplicables todas las reglas de la subasta.

7. Morton Subastas NO es responsable si alguna de las ofertas en ausencia no se logra realizar.

8. Morton Subastas NO acepta ofertas sin límites.

POR TELÉFONO

1. Pueden hacerse ofertas vía telefónica en el salón de subastas durante el transcurso de la subasta, presentando una solicitud por escrito y entregado a Morton por lo menos con dos días hábiles de anticipación, siempre y cuando la cifra sea mayor a $10,000.00 M.N. por cada lote de su interés. Las condiciones para hacer efectivas las pujas son las mismas que para ofertas en ausencia. Puede hacernos llegar sus ofertas y demás documentos a la dirección electrónica: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

2. Previo a la subasta, usted elige el lote o lotes por los que hará sus ofertas.

3. Al momento que el lote salga a remate, uno de nuestros representantes se comunicará con usted vía telefónica y así estará pasando sus ofertas al subastador.

4. Es importante que antes de hacer sus ofertas por teléfono se cerciore de los lotes, ya que no hay cambios ni devoluciones una vez adquirido un lote.

NOTA: No se aceptarán ofertas por teléfono que no tengan postura, ni ofertas menores a $10,000.00 M.N.

EN LÍNEA

1. En www.mortonsubastas.com encuentre la subasta en la quiere participar y de click en “Participe en línea”. Entrará a la plataforma Bidsquare en la que podrá crear una cuenta gratuita con un correo electrónico y una contraseña. Una vez creada su cuenta, podrá registrarse para participar en la subasta; el sistema le indicará si su registro fue aprobado automáticamente para participar o si necesita contactar al personal de Morton para que éste sea autorizado. Una vez que suceda esto, puede dejar sus ofertas desde el momento que quiera o bien, tiene la opción de seguir la subasta en vivo a través de la transmisión de audio y video, y hacer sus ofertas con un click.

2. En caso de venta a través de plataformas online, el Premium será de 25% más el I.V.A. del 16%.

EL

FORMATO DE OFERTAS EN AUSENCIA SE ENCUENTRA EN LA ÚLTIMA PÁGINA DE ESTE CATÁLOGO.

INFORMACIÓN IMPORTANTE

1. El martillero podrá abrir la puja de cualquier lote colocando un precio a nombre de un vendedor.

2. El subastador podrá pujar por el lote en nombre del vendedor, hasta el precio de reserva por medio de pujas sucesivas o consecutivas, o colocando pujas en respuesta a otros compradores.

3. Todas las piezas se venden en el estado en que se encuentran, favor de revisarlas bien antes de comprar; si tiene alguna duda, no compre, ya que no se aceptan cambios ni devoluciones.

4. Todas las piezas incluidas en los catálogos están revisadas y muchas de ellas autentificadas, ya sea por los propietarios o por algún experto. Por favor si tiene dudas o requiere más información, estamos a sus órdenes y le asistiremos en lo más que podamos aclarar.

5. Si por alguna razón nuestra descripción no es de su entera satisfacción, usted puede revisar las piezas previamente a la subasta y traer a su experto dentro del horario de exposición.

6. Los precios estimados son en pesos mexicanos (M.N.).

7. Si por alguna razón no puede pasar a liquidar el precio, haremos efectivo el cargo a la tarjeta de crédito, cobrando también el porcentaje correspondiente a la comisión más el I.V.A. de la comisión.

8. Las compras menores de $20,000.00 (veinte mil pesos 00/100 M.N.) se cargarán el mismo día a la tarjeta de crédito, más el porcentaje de comisión de la subasta y el I.V.A. correspondiente.

9. En los lotes que no llevan estimado, la salida será por debajo de $2,000.00 M.N.

10. Una vez asignado el lote en la subasta no hay devoluciones ni cancelaciones.

11. Morton Subastas le proporciona factura únicamente por el Premium (comisión) y el I.V.A. correspondiente.

12. Una vez emitida la factura no hay cambio de nombre.

13. De acuerdo a lo establecido en el Artículo 16 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos y el Artículo 35 de su Reglamento; es necesario realizar el trámite INAH-00-002 para obtener el PERMISO DE EXPORTACIÓN TEMPORAL O DEFINITIVA DE MONUMENTOS O BIENES MUEBLES HISTÓRICOS. Para realizar dicho trámite es necesario ingresar a www.tramites.inah.gob.mx en la opción de Exportación y Transporte.

14. En caso de adquirir un lote que se considere monumento histórico o artístico en términos del artículo 36 de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos, deberá de dar aviso al instituto competente, de acuerdo a lo establecido en el artículo 26 de la mencionada ley e inscribirlo en el Registro Público correspondiente, en términos del artículo 18 del Reglamento de la Ley Federal sobre Monumentos y Zonas Arqueológicos, Artísticos e Históricos.

15. El transporte es por cuenta del comprador.

16. Cualquier reclamación de todo tipo contra Morton Subastas en relación a los lotes que adquiera, tendrá una vigencia únicamente por cinco años contados a partir de la compra respectiva.

17. El adquirente tendrá un plazo máximo de 5 días hábiles a partir de la fecha de la subasta en que se le adjudicó el artículo para pagar en su totalidad y recogerlo en el domicilio de Morton en el cual se haya realizado la subasta y en el horario que se le indique.

RETIRE SUS PIEZAS COMPRADAS EN SUBASTA A TIEMPO

Las piezas de esta subasta se deberán recoger en los siguientes días y horarios, en Monte Athos 179, Lomas de Chapultepec:

Viernes 30 de mayo de 9:30 am a 6:00 pm

Lunes 2 de junio de 9:30 am a 6:00 pm

Martes 3 de junio de 9:30 am a 6:00 pm

Miércoles 4 de junio de 9:30 am 6:00 pm

Jueves 5 de junio de 9:30 am 6:00 pm

¿QUÉ SIGNIFICAN LOS VALORES ESTIMADOS QUE APARECEN EN EL CATÁLOGO?

Los catálogos de Morton Subastas muestran dos valores: un estimado bajo y un estimado alto.

El lote puede venderse por debajo del estimado bajo (si el consignante no ha fijado un precio mínimo) y puede venderse por arriba del estimado alto en el momento de la subasta.

¿CÓMO FUNCIONA EL INCREMENTO DE PRECIOS?

Las pujas, es decir, la cantidad que el licitador ofrece respecto al precio de salida o a la postura anterior, se regirán dentro de los parámetros que se encuentran en el gráfico de incremento de precios.

¿CUÁNTO DEBO PAGAR POR UN LOTE ADQUIRIDO EN SUBASTA?

1. La persona a la que el martillero adjudique el lote se convierte en el propietario del mismo, como consecuencia deberá pagar lo siguiente:

• El precio de venta o de martillo del lote subastado.

• Comisión del comprador: Al precio de venta o de martillo de lote subastado se le agregará un 22% adicional correspondiente al Premium, que es la comisión por la compra, más el 16% de I.V.A. que se aplicará únicamente al Premium.

• En caso de venta a través de plataformas online, el Premium será de 25% más el I.V.A. del 16%.

2. Como consecuencia de la adjudicación del bien, personal de Morton presentará al comprador una hoja de adjudicación, un estado de cuenta y realizará el cierre del comprobante de la tarjeta de Crédito Bancario o American Express, según sea el caso.

3. Si requiere factura a nombre de su compañía, favor de solicitarla al momento de liquidar, mostrando el Registro Federal de Contribuyentes. No habrá cambios en las facturas una vez completado el trámite. $100 $1,000 $5,000 $10,000 $20,000

Gráfico de incremento de precios

GUÍA PARA COMPRADORES

Si usted no ha comprado antes en nuestras subastas, por favor lea las siguientes reglas de subasta.

En cada catálogo aparece el directorio de todo el personal quien lo atenderá con gusto, así como el personal de los mostradores de la recepción y de la sala de ventas. Usted puede consultarnos y le responderemos a todas sus preguntas

I. GENERALES

1. Morton Subastas, S.A. de C.V., en adelante denominada Morton, actúa únicamente como comisionista en la venta de bienes muebles propiedad de terceros, en virtud de contratos de consignación previamente celebrados con estos, de quienes se presume tiene la propiedad de los mismos.

2. Los datos o contenidos en el catálogo de la subasta o cualquier otra declaración hecha acerca del autor de la obra, origen, edad, fecha, estado, autenticidad o precio de la misma, son responsabilidad única y exclusiva de sus propietarios.

3. La subasta se llevará a cabo en moneda nacional y con la participación mínima de licitadores que previamente determine Morton.

II. LOTES

1. Para efectos de la subasta se le denomina licitador, posible comprador o postor, en adelante denominado “Licitador”, a aquella persona que tiene la facultad de hacer ofertas por los lotes en el transcurso de la subasta.

2. Los bienes a subastar serán organizados en lotes integrados por uno o más bienes, en el orden y bajo la numeración que Morton indique.

3. Los lotes serán descritos y en algunos casos incluidas sus fotografías en el catálogo para la subasta que elabore Morton.

4. Los lotes serán exhibidos para su inspección, en el lugar designado para ello por Morton, cuando menos con tres días naturales de anticipación al de la celebración de la subasta, por lo que el personal de Morton estará a su disposición para mostrar en detalle cualquier lote.

5. Los lotes serán subastados en el estado físico en que se encuentran en el momento de celebrarse la subasta por lo que NO se aceptarán devoluciones ni reclamaciones sobre daños, desperfectos o restauraciones, aunque estos no se hayan hecho constar en el catálogo de la subasta.

6. Propóngase un precio máximo de compra para las piezas antes de que salgan a subasta. Esto le ayudará a comprar mejor. Si tiene duda sobre alguna pieza, por favor NO ofrezca, ya que si se le asigna deberá pagarla.

7. Los valores estimados que aparecen impresos bajo las descripciones del catálogo son los precios aproximados que se espera sean obtenidos, sin incluir la comisión de la Casa de Subastas. No se proporciona estimado de precio de los lotes cuya salida sea menor de $2,000.00 M.N.

8. Los lotes que se subastan se ofrecerán sujetos a un precio mínimo de venta previamente acordado entre el propietario y Morton, y sólo podrá ser modificado previo acuerdo por escrito entre los mismos.

III. OFERTAS PRESENCIALES

Para hacer una oferta en la subasta, usted deberá registrarse acudiendo a la mesa de registro en presencia, mediante una hoja de registro establecida para ese fin.

1. Como garantía a Morton, por el o los lotes que les sean adjudicados durante la subasta la contraprestación (Premium) y el impuesto correspondiente, deberá dejar un comprobante de tarjeta de crédito bancario o American Express, firmado a la orden de Morton Subastas, S.A. de C.V.

2. Comisión al comprador (Premium): Corresponde al 22% sobre el precio de venta, más el 16% de I.V.A., ó en caso de venta a través de plataformas online, el Premium será de 25% más el I.V.A. del 16% sobre dicha comisión, que serán incrementados al importe de la compra de cada lote. Ejemplo: precio de martillo $5,000.00 M.N. más comisión $1,100.00 M.N. más I.V.A. $176.00 M.N., total de la factura a pagar $6,276.00 M.N.

3. Una vez registrado el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que lo identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente el licitador, ya que es individual e intransferible. Por esta razón es importante que la conserve durante todo el desarrollo de la subasta y la devuelva personalmente al abandonar la sala de subastas. Si se diera el caso de que no se le adjudicará ningún lote, su depósito en garantía le será devuelto en ese momento.

4. Con la entrega de registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote más el 22% por concepto de la contraprestación más el I.V.A. correspondiente.

5. Para que los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Por favor, hágalo con rapidez para que la dinámica de la subasta continúe. Las ofertas aumentan aproximadamente un 10% en cada puja.

6. Se considera que el licitador que hizo efectiva la última puja, es decir la más alta, ha adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento en que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste.

IV. OFERTAS EN AUSENCIA Y OFERTAS EN LÍNEA

7. Refiérase a las páginas de este catálogo: “¿Cómo se compra en subasta sin estar presente en el salón?”

V. EXPORTACIÓN

8. El comprador siempre deberá revisar si se requiere de autorizaciones, permisos o licencias de exportación o importación. Al participar en la subasta, acepta que es su sola responsabilidad obtener cualquier licencia, autorización o permiso de exportación o importación y que la negativa a cualquier permiso, autorización o licencia o cualquier retraso en obtenerlos, no justificará la rescisión de ninguna venta ni cualquier retraso en hacer el pago total de la propiedad adquirida. EL COMPRADOR RENUNCIA A REQUERIR CUALQUIER REEMBOLSO en cualquiera de los casos anteriormente mencionados. Las leyes locales pueden prohibir importar o exportar cierta propiedad y/o pueden limitar la reventa de alguna propiedad.

9. Para mayores informes consulte: www.tramites.inah.gob.mx

AVISO DE PRIVACIDAD

Los datos personales serán tratados de conformidad con lo dispuesto en la Ley Federal de Protección de Datos Personales en Posesión de los Particulares, la reglamentación respectiva y el aviso de privacidad están a su disposición en la siguiente liga https://www.mortonsubastas.com/terminos-condiciones-y-aviso-privacidad/

Por favor, consulte el aviso de privacidad antes de proporcionar sus datos.

ESTOY DE ACUERDO SI NO

RECIBIÓ

(REPRESENTANTE DE MORTON)

NOMBRE Y FIRMA

FECHA Y HORA DE RECEPCIÓN

Acepto se me haga el cargo en garantía establecido de acuerdo a lo señalado en los requisitos del punto no. 8 letra C, reembolsable en el caso de que no se me adjudiquen los lotes. Acepto las condiciones del catálogo, las reglas de la subasta y del presente documento.

FIRMA

Ciudad de México. a

Nota: Las ofertas en ausencia se recibirán hasta cuatro horas antes de la subasta. del año de

Informes: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

Teléfono. +52 55 5283 3140 Ext. 3149

FICHA DE REGISTRO PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

NOMBRE DE SUBASTA

FECHA

AUTORIZA UNA PUJA MÁS

NOMBRE COMPLETO

NÚMERO DE PALETA

OFERTA POR TELÉFONO

SI SI NO NO

CALLE No.

COLONIA

ALCALDÍA / MUNICIPIO

E-MAIL

TELÉFONO

IDENTIFICACIÓN

NÚM DE TARJETA DE CRED.

NÚM DE SEGURIDAD

NÚMERO SEGÚN

CATÁLOGO

CELULAR

C.P.

FECHA DE VENCIMIENTO

DESCRIPCIÓN

LÍMITE SUPERIOR DE OFERTA

CONDICIONES PARA REALIZAR OFERTAS EN AUSENCIA

AL FIRMAR LA FICHA DE REGISTRO DE OFERTAS EN AUSENCIA, USTED ACEPTA LO SIGUIENTE:

1. Las reglas y condiciones que aplican para las subastas en Morton Subastas, S.A. de C.V. (“Morton”) y/o las del catálogo, las cuales se encuentran a su disposición en Morton.

2. Que el personal de Morton haga efectivas las pujas en su nombre y representación en la subasta en la que se registra, por las piezas que se describen en la ficha de registro para ofertas en ausencia, hasta por la cantidad que aparece en el apartado “Límite superior de la oferta”.

LÍMITE DE OFERTA:

3. No están permitidas las ofertas en ausencia sin límite superior.

RESPONSABILIDAD:

4. Que Morton en ningún caso y por ningún motivo es responsable que usted logre que se le adjudique(n) la(s) pieza(s) por las que ofertó en ausencia.

UNA PUJA MÁS:

5. Que en caso de que el monto máximo fijado por usted como Límite Superior de la Oferta para una pieza se iguale con la última puja de la sala, podrá autorizar una puja más, según lo establezca el recuadro denominado: “Autoriza una puja más”. En caso de que este recuadro no se haya requisitado, se entenderá que no acepta subir a la siguiente puja.

ADJUDICACIÓN:

6. Que en caso de que existan dos o más ofertas en ausencia por la misma pieza y por la misma cantidad señalada como Límite Superior de la Oferta y no haya una puja superior en la sala, la pieza se adjudicará a la Oferta en Ausencia que se haya recibido primero en Morton.

7. Que el fallo de adjudicación lo emitirá Morton y será inapelable, por lo que Usted renuncia desde este momento a cualquier acción y/o derecho alguno para ejercer en contra de Morton y/o a quien sus derechos represente, por cualquier conflicto o controversia que surgiera por esta causa.

REQUISITOS:

8. Que Morton no hará efectiva la Oferta en Ausencia si no cumple con los siguientes requisitos:

a) Llenar completamente el presente documento y firmarlo de conformidad, indicando claramente el número de lote por el que desee ofrecer y la cantidad establecida con Límite Superior de la Oferta.

b) Entregar firmado el presente documento al personal autorizado de Morton a más tardar a la fecha de celebración de la subasta y hasta cuatro horas antes de la misma, en el domicilio de Morton.

c) Efectuar un depósito en garantía del cumplimiento de las obligaciones que pudiera llegar a tener como adquiriente, de acuerdo a lo siguiente:

Subastas de Antigüedades, Arte Moderno, Obra Gráfica, Joyería y Relojes, Libros, Vinos: $20,000.00 M.N.

Subastas de los Sábados: $5,000.00 M.N.

El monto de la garantía podrá ser cambiado por Morton sin previo aviso al cliente.

d) La garantía no podrá ser cubierta con tarjeta de débito, ya que en caso de no tener adjudicación alguna de los lotes, la devolución de la misma es demasiado complicada.

CONDICIONES DE PAGO:

9. En caso de que se adjudique la pieza, pagar por el precio martillo, más el 22% por concepto de comisión, ó en caso de venta a través de plataformas online, será de 25%, más el Impuesto al Valor Agregado sobre dicha comisión (16%). Recuerde que usted tiene 3 días hábiles después de la subasta para liquidar el total de su compra y recoger los artículos adquiridos en el lugar de la subasta.

OFERTAS POR TELÉFONO:

10. Las ofertas en ausencia también se recibirán por teléfono, previa entrega del presente documento firmado y enviado vía correo electrónico a Morton con cuando menos dos días hábiles antes de la fecha de la celebración de la Subasta, siempre y cuando el precio estimado de la pieza por la que oferta sea de $10,000.00 M.N. o mayor.

CONFIDENCIALIDAD

11. La información aquí contenida se considera Confidencial, por lo que su divulgación está prohibida y da derecho al pago de daños y perjuicios que causen por este hecho.

NAME AND SIGNATURE

DATE AND TIME OF RECEPTION

I DO HEREBY ACCEPT THE CONDITIONS DESCRIBED IN THIS DOCUMENT AND CATALOGUES FOR THE AUCTION

AUCTION TITLE

DATE

ABSENTEE BID FORM

PALETTE NUMBER

ONE MORE BID AUTHORIZE

FULL NAME

TELEPHONE BIDS

ADRESS ZIP CODE

E-MAIL

TELEPHONE

ID NUMBER

CREDIT CARD

SECURITY CODE LOT NUMBER

MOBILE

EXPIRING DATE

SIGNATURE (Date)

CITY

Please note: On the day of the auction last absentee bids are received 4 hours before the auction.

Telephone. +52 55 5283 3140 Ext. 3149

Enquiries: ofertasenausencia@mortonsubastas.com

ABSENTEE BID TERMS AND CONDITIONS

BY SIGNING THIS ABSENTEE BID REGISTRATION FORM YOU AGREE TO THE FOLLOWING TERMS AND CONDITIONS:

1. You agree to the terms and conditions that apply to the auctions at the Morton Subastas, S.A. de C.V. (Morton) premises and/or those described in the catalogues available at Morton. WHO MAKES THE BIDS:

2. Allow the personnel of Morton to make effective the bids on your behalf during the auction to which you are registered, and for the pieces only described herein, up to the amount inserted in the top limit bid.

BIDS LIMIT:

3. Unlimited bids are not permitted.

RESPONSIBILITY:

4. In no case and by no means, Morton takes responsibility for the adjunction of the piece(s) for which you made absentee bids.

ONE MORE BID:

5. In case the amount stated by you as the top limit bid for a piece is matched by the last bid made in the auction room, and if the option on the “One more bid authorized” section is chosen as “Yes”, you will then be allowed to place a higher bid for the piece. In case this option was chosen as “No” or left blank, your bid will be stopped.

ASSIGNATION:

6. In case that two or more absentee bidders appear for the same piece and for the same top limit bid stated, and in case there is not a higher bid in the auction room, the piece will be adjudicated to the absentee bid first received by Morton.

7. The decision for the adjudication will be decided by Morton, and thus, will be unappealable. By signing this form you agree to not taking any legal action against Morton or its representatives if any conflict or dispute arise due to disagreement.

REQUIREMENTS

8. Morton will not make effective the Absentee Bid if the following requirements are not met:

a) This document should be duly filled in and properly signed for in the agreement section, making sure that is clearly entered the lot number of the piece you are interested in, and well stated your top limit bid for it.

b) This document should be delivered only to the authorized personnel at latest the day of the Auction at the address of Morton in which the auction will be held.

c) Allow a deposit as a guarantee for the payment of the piece and amounts generated by the adjudication of the piece. The deposit will be in the following amounts, and will be taken under the name of Morton.

Antiques, Modern Art, Prints and Multiples, Jewelry and Watches, Fine Books, Wines Auctions: $20,000.00 MXP

Weekly Auctions: $5,000.00 MXP

The amount of the guaranty may be changed by Morton prior notice to the customer

d) Guaranty may not be paid with a debit card since, in case of there is no awarding of lots, reimbursement would be too difficult.

PAYMENT CONDITION:

9. If the piece is adjudicated to you, the price of the piece plus twenty two percent of commission fee shall be paid, or in case of sale through online platforms will be twenty five percent of commission, plus the corresponding VAT (16%) calculated over the commission.

BIDS OVER THE TELEPHONE:

10. Absentee bids by telephone are welcome, previous delivery of the present document duly filled and signed is required, sent to Morton with at least two working days before the date of the auction if your bid is $10,000.00 MXP or more. Long distance calls to and for the auction should be made by yourself.

CONFIDENTIALITY

11. Information contained herein is deemed Confidential, and its disclosure is prohibited, entitling the payment of damages and looses caused by this fact.