Historia Del Arte: Artistas del Tardo Barroco Al Modernismo

Historia del ARTE: Artistas Del Barroco Tardío Al Modernismo Barroco Tardío Características y Principales pintores

El Modernismo Características y Principales pintores

Sumario Editorial Últimos Albores del Barroco.

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Editorial Este es el primer y último numero de la revista “Del Barroco Tardío Al Modernismo” espero que disfruten leyéndolo tanto como disfrute escribiéndolo.

En esta revista se habla acerca del barroco tardío y el modernismo, se trata de explicar de forma breve en que consisten estos periodos de la historia del arte, las cosas que los caracterizan y sus principales exponentes, hacerla investigación para escribir esta revista fue un proceso muy interesante y enriquecedor, espero haber podido transmitir esa experiencia en este pequeño resumen, sin mas que decir, gracias por leer y que lo disfruten.

ULTIMOS ALBORES DEL BARROCO. BARROCO TARDÍO. El barroco comúnmente lo definen como el “arte de parecer”, que fue generado principalmente con el afán de expresar el triunfo, más como un tipo de propaganda, ya que se originó en Europa en un siglo de crisis políticas, guerras, surgieron monarquías, pero al mismo tiempo surgieron los primeros parlamentos, hubo crisis demográfica y rebrotes de epidemias. Por lo cual el arte fue usado para aparentar y atraer; donde el arte estaba al servicio del poder, principalmente de la iglesia.

Abarco desde la segunda mitad del siglo XVI hasta la primera mitad del siglo XVIII. Aunque comenzó en Europa principalmente en Italia también se difundió a América Latina.

} El barroco a diferencia del Renacimiento tenía una identidad crítica y compleja, ya que representaba la época en la que se dio, la cual fue de grandes cambios y crisis.

El Barroco tiene tres elementos de su estética que son considerados fundamentales:

• El efectismo • La espectacularidad • Y la emocionalidad

El barroco tuvo tres etapas que caracterizaron a este movimiento artístico y cultural: Barroco temprano o primitivo, entre los años 1590 y 1625; Barroco pleno, entre 1625 y 1680; y Barroco tardío, entre 1680 y 1750, esta última etapa dio paso al rococó.

BARROCO TARDÍO (1680 – 1750)

Algunos historiadores a veces no consideran que la tercera y última etapa del Barroco, no es una etapa como tal, sino más bien el inicio del siguiente movimiento: el rococó. Pero otros historiadores creen que hubo manifestaciones en este periodo que son netamente barrocas.

En esta etapa todas las artes mantuvieron el mismo nivel de importancia y desarrollo, pero con un mayor énfasis histórico para la pintura, la música y el teatro.

La pintura del barroco tardío tuvo su centro en ciudades como Roma y Venecia, con pintores como Luca Giordano y Sebastiano Ricci. La mayoría de los frescos de las principales iglesias italianas fueron realizados en este periodo.

Respecto a la música la mayor parte de las composiciones barrocas fueron realizadas en esta época. Sus principales manifestaciones fueron el concierto y la sinfonía, así como la sonata y la cantata. La música estuvo muy relacionada con el teatro.

El arte escénico se consolido en esta etapa y seria cada vez más importante internacionalmente. El teatro al igual que las otras representaciones artísticas, también se centró en el aspecto religioso.

A pesar de que el Barroco termino como periodo artístico, el término “barroco” continúa en uso para describir características o atributos de piezas artísticas que son como los de esta época.

PINTORES DEL BARROCO TARDÍO LUCA GIORDANO Italia, 1634 – 1705

Pintor Italiano, que tenia un estilo popular pero en decadencia, aunque el decias que “el buen pintor es aquel que le gusta al publico”. Su estilo era variado, incluo llego a copiar “la manera” de los grandes maestros del arte italiano de su epoca. Ese fue tal vez su aspecto mas criticado, el de ser un poco “copión”.

Desde muy joven, Luca empezó a trabajar en Ribera en Nápoles y viajo por toda Italia, adquiriendo gran desteza en el arte de la printua. El pinto sobre todo arte religiosos y mitológico, contratado por todo tipo de clientes incluyendo reyes.

Luca destaco por ser muy rapdio “Luca fá presto” era su apodo, con mucha producción y de un estilo muy versatil. Su estilo propio era un combinación de estilos, fusión de Nápoles y Venecio conRoma. Sus criticos lo acusasn de ser muy “comerciante de todos los estilos” y tras sus muerte sus criticos lo consideraron como el responsable de la decadencia de la pintura española en el S.XVII.

La creación del hombre. Fresco

El sueño de Salomón

El arcángel san Miguel y los ángeles caídos

Sebastiano Ricci Belluno, 1659-Venecia, 1734

Pintor italiano. En Bolonia trabajó en el taller de Dal Sole, y en Parma pudo estudiar la obra de los Carracci y Correggio. Posteriormente viajó a Roma y en 1694 a Lombardía. A fines de siglo regresó al Véneto y pronto se orientó hacia una recuperación de los esquemas compositivos y el cromatismo luminoso de Veronés. La colaboración con su tío, iniciada en la decoración del Palacio Marucelli, se intensificó entre 17121716 en Inglaterra.

En su último período realizó importantes retablos, como los de la iglesia de San Rocco, en Venecia, que fueron todo un referente. Es uno de los pintores más señalados del Setecientos veneciano.

En 1734 termina su última obra importante, la Asunción de la Karlskirche de Viena. Se somete a una operación quirúrgica, pero muere el 15 de mayo.

Susana ante Daniel, 1726

Juan Battista Tiépolo.

Venecia 1696 - Madrid 1770

A Juan Battista Tiépolo lo consideran como el último gran pintor barroco. Destacó en Italia por su uso del rococó. Fue reconocido en toda Europa como el mejor fresquista de ese periodo.

Tiziano, Tintoretto y, más que nadie, Veronés fueron sus principales influencias. Su carrera se desarrolló en su ciudad, pero su prestigio como maestro del fresco recorrería toda Europa hasta llegar a Madrid, donde desarrollaría su pintura en sus últimos años.

Carlos III lo llamó para decorar los techos del Palacio Real de Madrid, y ya se quedó en la ciudad, donde cuenta con numerosos ejemplos de su pintura. Goya la estudiaría a fondo.

El Modernismo El modernismo o Art Nouveau es el termino con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX y hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en la época. En la estética nueva que se trato de crear, predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la revolución industrial, como el acero y el cristal, superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo XIX. Dos ideas son fundamentales para entender la cultura moderna que estaba emergiendo: la conciencia de que “el futuro ya ha comenzado”, que se relaciona con el concepto de progreso; y la convicción de que para tener futuro no sirven las pautas o doctrinas de etapas anteriores, sino que es necesario crear sus propias normas. Existe la ruptura con el pasado y la apuesta con el futuro desde el mismo presente.

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o socializar el arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El

modernismo no solo se dio en las artes tales como la pintura, escultura y arquitectura, sino también las artes aplicadas o decorativas, en las artes gráficas y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica y azulejería, lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario urbano, que pasó a tener gran importancia

Características del Modernismo Se caracteriza por su rechazo al historicismo académico de finales del siglo XIX, así como por su voluntad de llevar el arte a todas las facetas de la vida. Sienten especial predilección por la línea y sus valores expresivos, a lo que añaden cierta tendencia a la abstracción.

Artes plásticas, arquitectura y literatura son las disciplinas donde el modernismo influyó de manera importante. En la pintura, la esencia del estilo fue una ruptura notoria con cualquier canon artístico existente hasta ese momento.

Para lograrlo se aprovecharon las nuevas técnicas que traía consigo la revolución industrial, las cuales permitían por primera vez, el replicado del arte a gran escala: técnicas de impresión y serigrafía. Estas tecnologías en sí mismas, configuraron en no menor parte el tipo de figuras, colores, ilustraciones y mezclas que caracterizarían al estilo.

Entre los académicos no hay un acuerdo unánime sobre qué se debe clasificar como "modernista", no pocos autores incluyen hasta el impresionismo y el cubismo como parte del movimiento.

Pintores del Modernismo Alfons Mucha fue un pintor y artista decorativo checo, ampliamente reconocido por ser uno de los máximos exponentes del Art Nouveau.

Mucha se mudó a París en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidad.

Su salto a la fama lo logró con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel anunciaba la

obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una auténtica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones.

Otros carteles famosos para el Théâtre de la Renaissance son: • La Dame aux camélias (1896)

Lorenzaccio (1899)

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La Samaritaine (1897)

Piet Mondrian fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich.

El arte de Mondrian siempre estuvo íntimamente relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó por el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX. Blavatsky creía que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado únicamente por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «Solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

Composición en rojo, amarillo, azul, blanco y negro, 1921.

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Alfons Mucha. (16 Abr. 2021). En Wikipedia. https://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Alfons_Mucha&oldid=134802986

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