Revista de Diseño Gráfico

TIPOGRAFÍA

¿CÓMO ELEGIR TIPOGRAFÍAS EN DISEÑO GRÁFICO?

ener que elegir la tipografía idónea tiene la misma importancia que elegir los colores, las imágenes o el formato de un trabajo gráfico. La elección de una tipografía u otra debe estar basada en criterios estéticos y funcionales y adecuada al contenido y propósito general de cada proyecto gráfico. Elegir una u otra tipografía cambiará completamente el aspecto y resultado final de tus diseños, por esta razón no deberás elegir una tipografía guiándote únicamente por tus gustos personales.

Las tipografías pueden expresar estados de ánimo, emociones, estilos de vida, asociarse a períodos históricos concretos o a productos y marcas conocidas. Pueden ser comprimidas, expandidas, angulosas, redondas, refinadas, simples, modernas, elegantes, agresivas… y en función de los demás elementos de diseño gráfico a los que acompañen transmitirán sensaciones y mensajes muy distintos.

Una buena tipografía ayuda a comunicar la imagen que deseamos en una identidad corporativa, refuerza el diseño de un folleto o un cartel, contribuye a mejorar la legibilidad de un libro y en ocasiones puede constituir el único elemento de diseño gráfico, como ocurre en muchas portadas y portadillas de libros o en algunos tipos de carteles y pancartas.

Aspectos que influyen en la elección de la tipografía

La audiencia a la que te diriges

El tipo de letra y el diseño en general deberá ser acorde a los gustos del público al que quieras llegar, no es lo mismo diseñar y escoger tipografías para gente joven, mayores, personas de gustos tradicionales o gente moderna.

El tipo de texto

La tipografía que escojas deberá estar en consonancia con el mensaje que se comunique y el tipo de letra variará según se trate de textos informativos, educativos, promocionales, divertidos...

Las imágenes que acompañan al texto

A veces una fuente tipográfica puede escogerse en función de la estética y el estilo de las imágenes a las que acompaña.

La extensión del texto y la cantidad de espacio disponible

En textos muy largos deberás elegir tipografías que no cansen al lector, si tienes poca cantidad de espacio disponible tendrás que escoger algún tipo de letra comprimida que se lea bien, pero ocupe poco. Aprovecha los titulares, subtitulares y portadillas para usar fuentes más estéticas y originales.

El soporte en el que se empleará la tipografía

No es lo mismo elegir un tipo de letra para un libro, un cartel, un envase, un logotipo o una página web. Si por ejemplo vas a escoger la tipografía para un libro deberás fijarte que tenga buena legibilidad y que incluya negritas, cursivas, versalitas, mayúsculas, acentos, números… Si la tipografía es para usar en el titular de un cartel o en el diseño de un logotipo primará más la estética.

El aspecto general del diseño gráfico

La tipografía se convierte en un elemento más de diseño gráfico y se eligen unos tipos de letra u otros con la intención de reforzar aspectos concretos del diseño gráfico o bien se juega con las tipografías como elemento dinámico y rompedor.

Foto de: tiposformales

Claves para elegir la tipografía correcta

Vigila la correcta relación entre tamaño de letra, ancho de columna e interlineado. Si varía una de las tres cosas tendrás que adaptar las otras dos para que la proporción sea siempre la adecuada y no cansar al lector. Un tamaño entre 8 y 11 puntos es ideal para una buena legibilidad de los textos. El correcto espaciado entre letras y palabras también es importante, ya que las tipografías demasiado comprimidas o muy expandidas cansan más y se leen peor, pero pueden funcionar bien en pequeños bloques de texto o para pies de fotos. La longitud ideal de línea es la que contiene entre 60 y 65 caracteres.

Ten en cuenta el contraste de color entre las letras y el fondo, a menor contraste menos legibilidad. La mejor combinación en cuanto a legibilidad es el texto negro sobre fondo blanco. El texto negro sobre fondo amarillo se lee bien de lejos, con letras grandes y en textos breves. Los textos en blanco sobre fondo negro se leen peor y cansan la vista, si los usas hazlo en textos cortos, con tipografías muy legibles y en un tamaño mayor y más grueso que el de los textos en negro sobre fondo blanco. Los textos en color rojo o naranja cuesta leerlos, pero puedes usarlos en titulares y rótulos en los que quieras llamar la atención.

No combines más de dos tipos de letra. Aunque tipografías muy diferentes bien combinadas pueden generar contraste y diseños atractivos y dinámicos, utilizar muchos tipos de letra en un mismo trabajo genera confusión y desorden. Si necesitas más variaciones tipográficas consíguelas jugando con los tamaños de letra, el color, los espacios y la dirección del texto, pero no atiborres tu diseño con muchas tipografías diferentes. Utiliza con moderación las mayúsculas, versalitas, negritas y cursivas. Están bien para destacar palabras concretas o enfatizar una frase, pero usadas en exceso perjudican la legibilidad y el diseño.

PSICOLOGÍA DEL COLOR: SU IMPORTANCIA EN EL DISEÑO GRÁFICO

olor se define como “un campo de estudio que está dirigido a analizar cómo percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las emociones que suscitan en nosotros dichos tonos”, según el sitio web Psicología y Mente. En el mundo del diseño gráfico tiene una gran importancia porque ayuda a definir los colores que representen una marca, un producto o campaña publicitaria. A través de los colores se pueden crear experiencias o despertar emociones específicas en las personas. Si se tiene bien definido el target al que va dirigido un mensaje, se puede trabajar con los colores para lograr todo lo mencionado y más.

Un profesional del diseño gráfico sabrá escoger una gama cromática adecuada para una campaña publicitaria, logotipo, diseño, etc. No se trata de mera casualidad, sino de hacer conscientemente esta elección.

Incluso es útil en el diseño web, como por ejemplo cuando se van a desarrollar tiendas virtuales.

Lo ideal es estudiar las tonalidades a utilizar meticulosamente para conseguir los objetivos que se desean.

Por ejemplo, los colores se pueden dividir entre cálidos, fríos o neutros. Cada uno de ellos transmitirá emociones diferentes.

Un azul o verde dan sensación de tranquilidad, mientras un naranja o amarillo nos transmiten alegría.

Foto de: Fondox

Psicología del color y su importancia

Pero no se trata solamente de la elección de un color. La tonalidad dentro de cada color es importante también. Por ejemplo, colores pasteles se asocian con bebés, mientras que colores más sólidos con la edad preescolar.

Las intensidades de los colores van a crear sensaciones o reacciones ante los ojos del que los mira. Por eso, como comentamos anteriormente, es importante conocer qué reacciones queremos crear y a quiénes va dirigido nuestro mensaje.

La teoría del color

Hasta mediados del siglo XVII, los científicos creían que los colores existían por una combinación de luz y oscuridad. En 1665 Isaac Newton confirmó que con el uso de un prisma se podían separar los colores que componen la luz blanca.

El año siguiente, este científico creó un esquema en forma de círculo en donde colocó los siete colores del arco iris: rojo, naranja, amarillo, verde, azul, índigo y violeta.

Más adelante en 1810, el poeta alemán Goethe realizó un estudio de los colores según la percepción humana. Su objetivo era establecer una relación entre los colores y los estados de ánimo: lúcido, serio, melancólico, poderoso y sereno. De aquí derivó lo que se conoce hoy como el Triángulo de Goethe.

Foto de: Iris Gamen

Significado de los colores para el diseño gráfico

Gris

Color neutro, pero puede significar inseguridad, desaliento, depresión y falta de energía.

Marrón

Seriedad, calidez, naturaleza, confianza, apoyo, practicidad. También puede tener connotaciones negativas como falta de humor, pesadez y falta de sofisticación.

Violeta

Relacionado a la espiritualidad, significa también contención, lujo, autenticidad, verdad y calidad. Negativamente significa introversión, decadencia, supresión e inferioridad.

Negro

A pesar de que este color está asociado a opresión, amenaza, frialdad y pesadez, también puede significar elegancia, seguridad, eficacia, sustancia y sofisticación.

Azul

El azul refleja inteligencia, verdad, comunicación, serenidad, eficacia, lógica, deber, calma, lógica y reflexión. De la misma forma puede representar frialdad, reserva, falta de emoción y hostilidad.

Rojo

El rojo se asocia a fuerza, valor, calidez, energía, masculinidad, estimulación, supervivencia, combate, emoción.

Verde

Relacionado con la naturaleza, frescura y ecología. Puede usarse para representar estancamiento, aburrimiento y falta de energías.

Amarillo

Este color simboliza optimismo, alegría, autoestima, fuerza, seguridad, creatividad y amistad.

Foto de: Carolyn Kay Neeley

Fuente: https://n9.cl/u5qwa

10 REGLAS DE COMPOSICIÓN

Puedes contar con todos los elementos más hermosos del mundo, pero de nada sirve que los tengas si falla la composición en pieza. Esto siempre se puede evitar con sólo revisar las 10 reglas de oro para diseñar la mejor composición.

1. Encuentra el foco

Un elemento clave de cualquier buena composición es el punto focal, ya que ayuda a que los espectadores miren lo principal a la primera. Al elegir el punto focal, ten en cuenta que el objetivo principal de cualquier diseño es comunicar. Si estás comunicando una idea, un poco de información, o simplemente un sentimiento o emoción, el diseño cuenta una historia es pecífica, por lo que el punto focal ayuda a contaba de manera más fuerte, más eficaz.

2. Dirige el ojo con líneas principales

Al igual que cuando señalas algo que quieres que la gente mire, coloca líneas y formas de ciertas maneras para controlar el diseño y sea en ese punto en el público se focalice.

Por ejemplo, los diagramas de flujo utilizan líneas para dirigir el ojo de un punto a otro de una manera obvia. Las líneas principales también pueden guiar a varios niveles o puntos de información.

3. Escala y jerarquía

La escala y jerarquía visual pueden ayudarte a crear una gran composición, pero también a destrozarla. La jerarquía es la disposición y el diseño de elementos con el fin de señalar la importancia visual. Así, es posible hacer que un elemento sea más importante, más grande y más audaz que un elemento menos importante que podría ser más pequeño y más débil. La escala se utiliza a menudo para comunicar la jerarquía al llamar la atención hacia y desde ciertos elementos. También es una herramienta muy útil para dar proporción al diseño.

4. Equilibrio

El equilibrio es muy importante, pero cómo se logra el equilibrio perfecto. Existen dos formas. En primer lugar, está el equilibrio simétrico, es decir, funciona con el principio de simetría. El segundo es el equilibrio asimétrico, el cual carece de simetría.

Fuente: https://n9.cl/pu93sj

5. Usa elementos que complementan el uno al otro

Un error común en las composiciones es el uso de las imágenes que no se complementan entre sí. Por lo tanto, cuando utilizas más de una imagen en la composición, trata de asegurarse de que tenga un aspecto eficaz y cohe rente cuando se agrupan. Por ejemplo, usa fotos realizadas en una misma sesión. Colorea tus fotos de manera similar, es decir, usa los mismos filtros y herramientas de ajuste de imagen en todas las fotos que elijas.

6. Despierta o reduce el contraste

El contraste es una herramienta increíblemente útil tanto para destacar y ocultar ciertos elementos del diseño. Cambia el contraste para destacar y llaman la atención.

El contraste también puede utilizarse para “ocultar” ciertos elementos de sus diseños, así como crear significado dentro de ellos. De tal manera que el contraste servirá para enfocar o desenfocar un elemento.

7. Repite los elementos del diseño

Para mantener la coherencia y lógico, trata de tomar elementos específicos de una sección del diseño y aplícalo a otras secciones. Por ejemplo, un estilo de tipo puede aplicarse a más de una sección, o tal vez un motivo gráfico puede utilizarse más de una vez. Es decir, trata de vincular el diseño al usar elementos repetidos. La repetición es un factor clave cuando se trata de di seños de páginas múltiples.

8. El espacio en blanco

El espacio en blanco puede ayudar a aumentar la claridad de su diseño y aspecto general equilibrando las partes más complicadas y ocupadas de la composición con el espacio que ayuda a su diseño de la respiración. No llenes cada espacio con contenido.

9. Alinea a los elementos

Si el diseño tiene muchos elementos, entonces estos deben estar alineados, pues crean lógica y orden entre muchos elementos. La alineación también es muy importante en el caso de los textos. La más fácil es la a izquierda, pues en esa dirección escanda el ojo humano.

10. Divide en tercios

La regla de los tercios es una técnica sencilla en la que los diseñadores dividen sus diseños en tres filas y tres columnas. En los puntos en donde se cruzan las líneas verticales y horizontales son los centros de coordinación.

Fuente: https://n9.cl/7gjfw

Fuente: https://n9.cl/af0mp

DAVID CARSON

¿Quién es David Carson?

Uno de los mayores méritos de David Carson como diseñador es el de haber definido por si solo la estética de una generación. Sí, son palabras mayores y pocos o ningún otro diseñador o diseñadora puede presumir de algo similar. El pintoresco David Carson nació en el estado de Texas, en los Estados Unidos, en 1955, aunque siempre ha preferido referirse a «Cocoa Beach», Florida, como su verdadero origen, ya que pasó allí gran parte de su infancia.

En la playa desarrolló una de sus grandes pasiones, el surf. En dicha disciplina llegó a postularse como el número 9 a nivel mundial, y su pasión por este deporte se ha visto plasmada en gran cantidad de sus trabajos.

En los años 70 se graduó como sociólogo con «honores y distin ción» en la universidad de San Diego, pero no fue hasta 1980 cuando descubrió su pasión por el diseño gráfico al asistir a un curso de un par de semanas.

A partir de dicho momento se vio inmerso en el mundo de las artes audiovisuales, retroalimentado por la cultura bohemia y artística del sur de California. Fue entonces cuando decidió recibir formación de diseño a nivel profesional de mano del famoso diseñador gráfico, Hans-Rudolf Lutz, en Suiza.

Trayectoria Profesional

Carson se hizo con el cargo de director de arte de la revista «Transworld Skateboarding». Durante algo más de 4 años des tacó gracias a su revolucionaria y llamativa estética, basada en el uso de inusuales tipografías artísticas y técnicas fotográficas alternativas. De esta manera, comenzaba a tomar forma lo que hoy conocemos como fenómeno grunge.

En 1989, el director de la revista «Surfer» decidió contar con Carson para diseñar un suplemento adicional. En él, el diseña dor pudo explayarse y desarrollar sus ideas más rompedoras. Carson se convirtió en sinónimo de diseño controvertido, fresco e innovador. Todo gracias al impacto de sus diseños generado dentro de un público tan hambriento de nuevas experiencias y sensaciones como el de la cultura surfera y del skate.

En 1992, tras el éxito cosechado, fue elegido para diseñar la revista de música y estilo de vida alternativo «Ray Gun». Su in genio y atrevimiento le llevó incluso a maquetar una entrevista al cantante «Bryan Ferry» empleando únicamente la tipografía «Zapf Dingbats», caracterizada por basarse en iconos y símbo los, haciéndola simplemente ilegible para el público.

Durante su etapa en «Ray Gun» llevó a cabo varios de sus dise ños más emblemáticos que lograron marcar el camino a seguir durante una época cargada de diseños inspirados en su estilo y estética.

“El diseño salvara el mundo. El diseño gráfico cambiara el mundo justo después del rock and roll” -David Carson.

En 1995 decidió abrir su propio estudio de diseño en la ciudad de Nueva York, en el que realizó numerosas campañas publi citarias para decenas de marcas que anhelaban impregnar del espíritu irreverente y transgresor que solo Carson sabía aportar y que lograba atraer a miles de jóvenes alrededor de todo el planeta.

A partir del año 2000, decidió cerrar su estudio y llevar una vida más tranquila y familiar. Desde entonces únicamente ha realizado trabajos esporádicos como freelance y la publicación de varios libros.

Influencias y estilo de David Carson

El estilo de David Carson nace de la confluencia de varias de sus pasiones, como el surf, la fotografía, la sociología y por supuesto, el diseño gráfico. Este caldo de cultivo se vio claramente impulsado por la influencia de su profesor, Hans-Rudolf Lutz. El suizo era conocido por su estudio en el campo de la tipografía y su gran variedad de diseños. En ello, jugando con la morfología, el peso y la orientación de los tipos, logró rompedores efectos y patrones que sin duda encandilaron a Carson.

De esta manera, el texano dio un paso más al mezclar las enseñanzas de Lutz con técnicas fotográficas artísticas y alternativas. De esta manera el contenido cedía protagonismo al contenedor, primando la estética y la sensación al mensaje explícito. Nunca hay que confundir legibilidad con comunicación… hay una delgada línea entre lo simple, claro y poderoso, y lo simple, claro y aburrido. Carson se le reprochó en incontables ocasiones la falta de legibilidad en sus diseños. No obstante, él siempre dejó claro que el impacto visual en el lector puede ser más importante que el generado por el mensaje.

Fuente: https://n9.cl/yebzv

LA ILUSTRACIÓN Y EL DISEÑO GRÁFICO

Con el paso del tiempo las artes se han ido ramificando hasta el punto de muchas veces aparecen conceptos no identificados para la mayoría de la población. Un ejemplo lo podemos encontrar en la ilustración. Y no, no hablamos del movimiento intelectual del s. XVIII, sino de una de las disciplinas surgidas de la pintura como una de las siete artes originales.

Ilustración en el tiempo

Fue con el nacimiento de la imprenta, en el s. XV, que comenzaron a publicarse en algunos libros las primeras ilustraciones: pequeños dibujos o viñetas que acompañaban al texto, o incluso ilustraciones completas, como el Decamerón de Boccaccio.

Años más tarde, con la popularización de la prensa escrita, la ilustración dio un giro y se volvió a ramificar en ilustraciones

editorial e ilustraciones publicitarias. Y es que es precisamente eso lo que significa una ilustración: un estímulo visual que acompaña o refuerza un texto, ya sea una fotografía al uso, un dibujo, una caricatura… Cualquier imagen gráfica es válida siempre que sea una expresión visual que comunique y transmita.

No obstante, el concepto que tenemos en la actualidad de la ilustración es asociado al diseño gráfico (y por tanto a la fotografía digital), y eso se debe a la gran transformación que ha sufrido la comunicación durante los últimos siglos. La evolución de la sociedad, sus comportamientos, y sobre todo el avance tecnológico ha provocado que no nos comuniquemos hoy por hoy de la misma manera que hace 50 años. Una ilustración puede ser algo representativo, algo simbólico, un mensaje directo o un diseño que refuerce el texto.

Fuente: https://n9.cl/1duzm

Ilustración en Diseño Gráfico

Así, existen diferentes tipos de ilustraciones que se pueden aplicar según el momento. Aunque la variedad es muy grande las más influyentes son:

Ilustración Publicitaria

Es la más importante de todas y la que más se usa, tanto para cartelería como para publicidad digital o en cuerpo. La finalidad es ofrecer un impacto visual que refuerce la identidad corporativa de la marca.

Ilustración Narrativa

También llamada ilustración literario. En este caso existe un guion, el texto del libro, al que deben estar sujetas las ilustraciones. Debe existir una coherencia entre las líneas del libro y lo que refleja el dibujo.

Ilustración Conceptual

El ilustrador no está obligado a realizar una ilustración que se ajuste al texto, sino que él elabora su propio dibujo según lo que le sugieran las palabras. Este tipo de ilustración depende del estilo de cada autor.

Ilustración Editorial

Es el tipo de ilustración más cercana a los medios de comunicación, en especial a la prensa escrita. Suele mantener la línea editorial del medio y son comunes las viñetas y caricaturas.

La última distinción con respecto a la ilustración es el modo en el que se realizan, esto es si se hacen de manera ‘tradicional’, es decir a mano, con papel y lápiz, o de manera digital, con programas y softwares concretos que permiten dibujar en aparatos electrónicos.

Fuente: https://n9.cl/8tvr5

La figura del ilustrador

La ilustración en Diseño Gráfico es una disciplina que se centra más en la parte artística, ya que el estilo del ilustrador es clave dentro del proceso de creación. Aunque el autor esté influenciado por ciertas directrices (como en la ilustración narrativa o editorial) la mayoría de las veces siempre van a prevalecer sus emociones por encima de todo. Es por esto que, en general, un ilustrador va a ser fácilmente reconocible por sus trazos y su carácter personal. Cosa que, por ejemplo, no pasa con el diseño gráfico, ya que un diseñador gráfico se ajusta a las peticiones del cliente y en general va a seguir las tendencias del momento para emitir un mensaje eficaz, aunque creativo, que incluye también, además de la propia ilustración, fuentes tipográficas, fondos, líneas…

La Ilustración en Diseño Gráfico del s.XXI

Del mismo modo que la canción protesta tuvo su auge en los años 60 y 70, a día de hoy la ilustración como soporte de causas sociales se encuentra en su punto más alto. Se trata de una manera de representar sentimientos asociados a una causa concreta o a un tipo de protesta. Son muchos los ilustradores que acompañan las luchas contra el cambio climático, los movimientos feministas o las marchas del Black Live Matter. De todas formas, la única finalidad de la Ilustración es emitir un es el mensaje visual que transmita, que emocione y que aporte información. Por eso Ilustración es sinónimo de comunicación, de arte y de estética. Pero, por encima de todo, de expresión y de sentimiento.

La ilustración es un recurso muy apropiado a la hora de transmitir emociones, dar un toque artístico y transmitir el mensaje que el diseñador quiere plasmar en su trabajo.

DISEÑO GRÁFICO Y CINE: UNA RELACIÓN DE PELÍCULA

la hora de hacer una película hay diversas disciplinas involucradas como el guion, la música, el vestuario, la iluminación, la escenografía o la cámara.

Pero ¿qué hay del diseño gráfico? El diseño gráfico de cine permite hacer del mundo en el que nos adentramos al visualizar una película algo real.

Permite comunicar sin ser apreciado a simple vista.

Un periódico con la fecha adecuada en Regreso al futuro, un mapa mágico que ayuda a Harry Potter en su aventura o un billete dorado que hace que Charlie pueda visitar la famosa Fábrica de Chocolate. El diseño de cine consigue hacernos creer que lo inimaginable es posible. Además, consigue que nos adentremos en la película, a través de diferentes disciplinas, incluso antes de empezar verla.

DISEÑO DE CARTELERÍA

Lo primero que solemos ver de una película es el tráiler o el cartel promocional. Séptimo arte y diseño gráfico se unen para crear el que será unos de los elementos decisivos a la hora de elegir si ver una película o no. Por este motivo, hay que tener especial cuidado en su elaboración, con el objetivo de que el espectador no pase de largo.

Los carteles, como las propias películas, cuentan una historia. Según el género el diseño de cartelería seguirá una serie de reglas no escritas, las cuales principalmente son:

Predominio de un color

Amarillo

Rojo

Azul

Cine indio

Comedia romántica, drama

Documental, película de animales

Negro Thrillers, terror, fantástico Basado en los protagonistas

Dos imágenes superpuestas con una imagen de los protagonistas grande en el cielo.

Espalda contra espalda

De espaldas

Corriendo

Fuente: https://n9.cl/w179e

Drama

Comedia romántica

Héroes

Acción

Ojos Terror, suspense o thriller

Fuente: https://n9.cl/vxwdz

Diseño de títulos de créditos

Uno de los usos más antiguos. Con el cine mudo aparecieron los primeros créditos. Aunque estos se basaban únicamente en el uso de tipografías legibles a partir de los años 60 se empezó a jugar con ellos para introducir al público en la trama y tema de la película. Entre los diseñadores gráficos más destacados dentro de esta disciplina encontramos a Saul Bass, creador de títulos como Psicosis o West Side Story, Maurice Binder y las películas de James Bond; o Dan Perri a quien debemos atribuir la autoría de los míticos créditos de Star Wars.

Para entender un poco mejor esta parte, dejamos el ejemplo de Saul Bass. En esta secuencia de créditos iniciales para Psicosis, apoyándose en la música consigue generar incertidumbre y tensión con elementos básicos del diseño gráfico como son las líneas y la tipografía.

Diseños de elementos dentro de la escena

El departamento de arte es el encargado de la creación del atrezzo, dentro de él encontramos a los diseñadores gráficos, los encargados de imaginar y producir todo el arte gráfico. A lo largo de la película el diseño gráfico introduce al espectador dentro del mundo de la película. Hace que elementos cotidianos se conviertan en narradores. En la mayoría de ocasiones los diseños pasan desapercibidos, pero son vitales para generar atmósferas y escenarios. Es por eso, que en esta disciplina no existen límites en cuanto a soportes, materiales, tamaños o herramientas de creación. Todo se puede crear. Cada uno de los elementos que aparecen han sido tratados y cuidados al detalle. Un claro ejemplo es la papelería, no vale con comprar un libro en una librería y ponerlo ahí. Tiene que parecer que ha sido utilizado, leído… debe tener un aspecto

real con respecto a la escena de la película donde aparece y el personaje o personajes que lo van a utilizar. Hay varios diseñadores artísticos que, a pesar de no tener un nombre tan reconocido como puede ser el nombre del director o del actor principal, destacan por su excelente trabajo. Hoy queremos que conozcas a Annie Atkins. Famosa por su trabajo en las películas de Wes Anderson, direc tor conocido por el cuidado del color hasta el mínimo detalle. Gracias a su labor, el papel de diseñador gráfico en el cine ha tomado más importancia en los últimos años. Sobre la creación de elementos que conformen parte de la pelí cula, la propia Atkins asegura que los gráficos para el cine son frágiles por naturaleza propia, y que deben crearse varias copias de un mismo elemento de forma idéntica.

Fuente: https://n9.cl/rt98u

HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO

Sería muy difícil precisar el tiempo exacto en que surgió el diseño gráfico, porque, en verdad representa uno de los compañeros inseparables de la evolución humana. Pero, si tuviéramos que decantarnos por una época específica, tendríamos que remontarnos a 20 mil años a.C. En aquel tiempo lejano del que datan las pinturas rupestres. Los diseños elaborados sobre las paredes de las cuevas representaban actividades y formas de vida, que nos han servido para intuir cómo vivían aquellas primeras sociedades.

Antiguo Egipto

Encontramos el elaborado sistema de escritura iconográfica: los jeroglíficos. Una serie de símbolos gráficos que representaban sonidos y fonemas.

Edad Media

Aparecen los primeros textos adornados con imágenes y decoraciones, acompañando textos de corte religioso. La invención de la imprenta (en 1440) sería de vital importancia para el fomento del trabajo gráfico y la investigación de materiales que colaboraran con la evolución del diseño gráfico. Surgirían especialidades y oficios específicos. Los copistas, tipógrafos y cajistas, alcanzarían cierta relevancia, consiguiendo darle a las artes gráficas y a la escritura un lugar fundamental en el desarrollo de las sociedades.

Década de 1760: La revolución industrial y la litografía

Pero seguramente, el gran salto del diseño gráfico fue en el siglo XVIII, durante la Revolución Industrial. Durante este período surgió toda una industria mecanizada que sirvió para sembrar los rudimentos de las artes gráficas.

El resultado de todos estos cambios fue el surgimiento de la técnica publicitaria y la propaganda política, que marcarían un antes y un después para el diseño gráficoProfesionales que pudieran trabajar con las formas, textos, tipos de letras y colores de una forma ordenada y convincente, para ofrecer un mensaje claro y fuerte.

Década de 1890: Modernismo o El Art Nouveau

Entre los siglos XIX y XX el diseño gráfico continuó evolucionando. Los artistas gráficos comenzaron a trabajar con elementos traídos de disciplinas más técnicas, como la arquitectura, trabajando así con diseños geométricos y angulares. Algunos artistas destacados de esta época son Charles Rennie Mackintosh y Peter Behrens.

1919: Bauhaus

Tan sólo una década más tarde surgiría la Escuela de Bauhaus, fundamental para comprender la evolución del diseño gráfico. Tomando el ideal de la Grasamtkuntwer, esta escuela reunió a escultores, pintores, arquitectos y artistas de todas las disciplinas, para componer un movimiento que valorara el trabajo especializado sin distinguir entre oficios. Cabe mencionar que, el gran lema de esta escuela era: «la forma sigue a la función»; lo cual significa que la forma y la estética deben ir de la mano y toda obra de arte debe tener un objetivo funcional.

Década de 1970: Posmodernismo

Durante los años 60 y 70 tuvieron lugar muchísimos cambios en el mundo: la guerra de Vietnam, el surgimiento de los hippies y los beatniks en Estados Unidos, el nuevo mapa de países en Europa y el surgimiento de las telecomunicaciones, colaborarían con notables avances para el diseño gráfico. De hecho, podríamos decir que en esta época se ubica el período dorado de la publicidad. El avance de disciplinas como la fotografía y la infografía, asimismo, colaboraron con la diversidad y la especialidad en el diseño gráfico: creando una forma de expresividad totalmente nueva para este arte.

Década de 1990: Las herramientas digitales

Desde los años ochenta y ya bien entrados los noventa el diseño gráfico vivió una nueva revolución. La llegada de los ordenadores personales y la aparición de programas informáticos específicos para el trabajo de los diseñadores posibilitaron una especialización y un desarrollo inusitado para la disciplina.

El presente del diseño gráfico

A partir del año 2000 y hasta el presente el diseño gráfico se volvió fundamental para el desarrollo de las marcas. Actualmente, la combinación de técnicas artísticas con programas y servicios informáticos es fundamental en el diseño gráfico, porque puede llevar al desarrollo de una marca exitosa.

El futuro del diseño gráfico

El futuro del diseño gráfico se presenta en esa misma dirección: el liderazgo del minimalismo y la búsqueda de imágenes corporativas sencillas y contundentes. Seguir las estrategias publicitarias que son tendencia, podría servir para lanzar marcas contundentes, que se posicionen de forma orgánica y colaboren con el aumento de las ventas. Se estima, asimismo, que en un futuro no muy lejano el diseño gráfico se apoye en la inteligencia artificial para el desarrollo de marcas cada vez más eficientes.

Fuente: https://n9.cl/kmudo

Fuente: https://n9.cl/h2h3z

EL DISEÑO GRÁFICO EN LA DISCOGRAFÍA

Cuando se quiere adquirir un disco (físico o virtual), “no deberíamos fijarnos mucho en la portada, sino más bien en el contenido”. Pero en la mayoría de ocasiones, las ilustraciones mostradas, nos transporta a un viaje maravilloso, tratando de buscar el significado o la historia que nos quieren transmitir los músicos a través de técnicas, colores, detalles, tipografías del diseño gráfico (que es utilizado como soporte o base para presentarlo ante el público) en sus portadas, por eso es fundamental, darle un valor muy importante dentro de la música. Así, el diseño gráfico sirve a la música vistiendo el formato físico y digital para los ojos de las personas, lo que acabará disfrutando con el oído.

Antecedentes

Alex Steinweiss conocido como “el padre de las cubiertas de discos”. Nació el 24 de marzo del 1917 en Brooklyn, New York, Estados Unidos. Luego de concluir sus estudios básicos, consiguió una beca para estudiar en la Parsons The New School For Design en la ciudad de New York. Luego de haberse egresado, comenzó a aprender el oficio de cartelista trabajando como asistente de diseño de Joseph Binder (diseñador austriaco que aplicó los principios de composición reductora derivada del cubismo y De Stijl a sus carteles, entre ellos el que diseñó para la Feria Mundial de Nueva York en 1939). Columbia Record contrata en 1939 a Steinweiss, quien tenía 23 años. Él planteo a la productora un cambio en el formato de presentación de los álbumes, ya que estos carecían de diseño, solamente eran de papel marrón, naranja o verde, con un recorte circular que dejaba ver la información. Así que comenzó a diseñar las portadas para cada álbum. Pero, a pesar de las dificultades, pudo salir a la luz un disco de música clásica con una sinfonía de Brahms en donde las ventas se dispararon en un 800% gracias a la portada.

Sus carátulas para Columbia presentan una personalidad vibrante, hipnótica y provocativa en las que combina tipografía impactante con ilustraciones modernas y elegantes. Este estilo revolucionó la forma de vender los discos y la manera de ver la música.

John Berg

Fuente: https://n9.cl/vxcw7

Nació el 12 de enero del 1932 en Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos. Después de graduarse en Bellas Artes, comienzó a trabajar en varias agencias de publicidad y revistas como Esquire. Berg está detrás de la dirección de arte de buena parte de la discografía de Bob Dylan desde sus primeros álbumes para la CBS fotografiado por Don Hunstein, uno de estos fue el álbum Greatest Hits (1968) de Bob Dylan, basado en una ilustración de Milton Glaser.

A lo largo de su vida Berg rechazó siempre la idea de estilo propio, su método de trabajo de John Berg se basaba en la búsqueda de un concepto y una narración visible en el resultado final. Cada trabajo requería, pues, un determinado tratamiento. Lejos de imponer un estilo, buscaba adaptarse a las circunstancias.

Actualmente

El diseño para las portadas de los discos musicales, es una rama dentro del diseño editorial debido al proceso de maquetación previa, el impacto que deben tener los diseños de tapas, teniendo una síntesis semántica y sobre la comunicación del contenido. Algunos discos que estilo son los siguientes:

Dangerous (1991) – Michael Jackson

Ilustrado por el dibujante Mark Ryden. Tardo seis meses para acabarlo. Su vida está reflejada en la portada del disco a través de imágenes simbólicas. Según palabras del dibujante: “Michael me dijo que el diseño debía resultar misterioso, para que la gente lo interpretara a su manera”. Se terminó conceptualizando un poster de circo con toques enigmáticos.

99.9% (2016) – Kaytranada

El lanzamiento de este álbum trajo consigo un halo de secretismo, que finalizo por dar a conocer un enorme mural callejero que representaba un retrato del DJ haitiano-canadiense y una serie de elementos simbólicos como aviones, un corazón roto, una virgen, un hombre con seis ojos, una tormenta, etc. El mural fue un adelanto a lo que se convertiría en el último álbum de Kaytranada.

Diseño de portada de discos

La carátula de tu álbum es bastante importante porque es una ventana visual del alma de la música en el álbum. Algunos consejos para dar inicio al diseño de las portadas de discos:

• Tu música propone imágenes, figuras, formas, colores, debes de asociarlo.

• Sustentarse de conocimiento, visita los logs de diseño o piérdete navegando en una búsqueda de imágenes en Google.

• Es necesario elegir un del packaging con el que vendrás tu trabajo discográfico.

• Elegir a un diseñador y o consultar el diseño de portadas de los artistas que admires.

• Averiguar las últimas tendencias en el diseño de portadas verificando los álbumes actuales.

• Preguntarte: ¿Qué es lo que me llama la atención de esta portada?

• Maquetar y o hacer bocetos de tu idea.

LIBROS DE DISEÑO GRÁFICO QUE TIENES QUE LEER

Arte y Percepción visual: psicología del ojo creador (Rudolf Arnheim)

Clásico entre los clásicos. La primera edición data de 1954. El libro que ha enseñado los conceptos básicos de la composición visual a casi todos los pintores, fotógrafos, ilustradores y diseñadores gráficos. Una obra maestra escrita por Rudolf Arnheim, filósofo y pedagogo alemán, que supuso en su momento el primer intento de aplicar a las artes visuales los principios básicos de la psicología de la Gestalt. El libro constituye un manual imprescindible para conocer los fundamentos del lenguaje visual y además enseña a analizar el arte con una mirada crítica.

La sintaxis de la Imagen: introducción al Alfabeto Visual (Donis A. Dondis)

Su autora Donis A. Dondis fue una diseñadora gráfica formada en el Massachussets College of Art y fue profesora en la prestigiosa School of Public Communication de la Boston University. La obra intenta establecer los principios de una teoría de la composición gráfica que aporte a los estudiantes las reglas de la gramática visual. El libro incluye numerosos ejemplos y referencias que recorren la pintura, la escultura, el cine, la arquitectura, la publicidad y la televisión.

Psicología del color (Eva Heller)

Este libro explora cómo actúan los colores sobre nuestros sentimientos y emociones. Su autora defiende que las asociaciones entre los colores y los sentimientos no son accidentales ni obedecen a una cuestión de gustos. Se trata de experiencias universales que están profundamente arraigadas en nuestro lenguaje. “Psicología del color” proporciona una gran profusión de datos y curiosidades sobre los colores. El libro, que está estructurado en trece capítulos que se corresponden con trece colores distintos.

Cómo ser diseñador gráfico sin perder el alma (Adrian Shaughnessy)

Su autor, es profesor de Comunicación Visual en la School of Communication del Royal College of Art de Londres, ha sido director creativo del famoso estudio londinense Intro y en la actualidad es consultor en “This is real art”, una compañía de diseño virtual. Es una guía práctica que recorre todas las cuestiones a las que debe enfrentarse un diseñador gráfico al terminar sus estudios y enfrentarse al mundo profesional: tipos de trabajos, cómo funciona un estudio, consejos para autónomos, cómo captar clientes, etc.

Manual de Tipografía (John Kane)

Este Manual ofrece todo lo que un estudiante de Diseño Gráfico debe saber sobre tipografía. El libro expone los principios básicos de la tipografía y sus principales aplicaciones a través de un interesante recorrido por la historia y una equilibrada combinación de teoría y práctica. Sus páginas son un compendio de sabiduría sobre el uso de la tipografía y reúnen todo lo que hay que saber: descripción de las partes de la letra, clasificación de los distintos tipos o cómo funcionan los sistemas de retículas. La obra también incluye una breve historia de la tipografía, así como numerosos ejemplos y ejercicios prácticos.

Diseño de logos (David Airey)

David Airey es un conocido diseñador gráfico norirlandés. En este libro comparte muchas de las experiencias con un lenguaje directo y sencillo. La obra constituye una guía para diseñadores gráficos que quieran conocer a fondo el proceso de creación de un logotipo. Desde el briefing y los bocetos iniciales hasta el resultado final. El libro contiene numerosos casos reales y testimonios de expertos diseñadores como Paula Scher, diseñadora de los logos de Microsoft Windows o City, o Lindon Leader, creador de la identidad visual de FedEx.

Fuente: https://n9.cl/4f6hc

El arte de llevar una vida creativa (Frank Bernbach)

Para los profesionales de la creatividad no es oro todo lo que reluce. El oficio de un profesional creativo suele acarrear largas jornadas laborales, incertidumbre y el temible miedo a la hoja en blanco. Este libro ayuda a armonizar el trabajo creativo con las rutinas propias de la vida diaria y ofrece numerosos recursos y herramientas para mantenerse centrados y no caer en el estrés o la ansiedad. cumplir con los plazos de un proyecto, estar a la altura de las expectativas del cliente, trabajar de forma disciplinada o mantener la motivación.

Las Leyes De La Simplicidad (John Maeda)

John Maeda es una de las mentes más brillantes del diseño multimedia y es un ferviente defensor de la simplicidad. En este libro, John Maeda, norteamericano de origen japonés, licenciado en Bellas Artes e ingeniero por el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), proporciona diez claves para crear ideas que ofrezcan soluciones sencillas a problemas complejos. Esta metodología puede aplicarse en el diseño, los negocios, la tecnología, pero también en la vida diaria.

ETAPAS DEL PROCESO CREATIVO

1.- Información

En esta etapa es muy importante saber “escuchar” a nuestro cliente, es decir, no basta sólo con “oír”, hay que poner toda nuestra atención a sus palabras, a lo que dice, a lo que quiere, y de esta manera podremos plantearle una solución gráfica acorde con sus requerimientos.

En esta etapa debemos preguntar todo aquello que necesitemos saber para realizar un buen diseño. Ejemplo: Debemos conocer: ¿qué se quiere comunicar?, ¿cómo?, ¿cuándo?, ¿cuánto tiempo se dispone para realizar el diseño?, ¿quién o quiénes emiten el mensaje?, ¿qué colores se pueden utilizar?, ¿cuáles son los textos que van presentes en el diseño?, ¿qué es lo que NO SE QUIERE en el diseño?, son numerosas las preguntas que le podemos hacer a nuestros clientes y ellas dependen del tipo de diseño que vayamos a realizar.

2.- Investigación y experimentación

En esta etapa debemos dedicar un tiempo que nos permita conocer a profundidad a nuestro cliente, a sus principales competidores y al sector en el que se desenvuelve.

Con respecto al cliente debemos conocer su producto o servicio, sus características, sus funcionalidades, etc., debemos dar un paseo por su negocio, institución, organización, fábrica o local, visitar su página web, leer sus folletos, revisar sus redes sociales, entrar en contacto con el entorno físico y digital en el que se desenvuelve nuestro cliente. Debemos conocer quiénes son sus principales competidores, lo que hacen y cómo lo hacen, el sector en el que se desempeñan y de esta manera obtendremos un panorama más amplio para poder plantear una solución diferenciadora con respecto a ellos. De esta forma obtendremos más datos, más información para poder realizar experimentos gráficos en nuestro laboratorio de ideas, que vayan acordes con la estrategia planteada y que den con la solución más adecuada.

3.- Bocetos rápidos

En esta etapa suelo dejar a mi parte creativa suelta, que haga lo que quiera, agarro lápiz y papel y empiezo a trazar líneas torpes, a hacer garabatos, plasmar ideas rápidas hechas en segundos. No es recomendado quedarse con la primera idea que se nos ocurra, ésta por lo general ya ha sido planteada por otra persona. Por eso es importante que realicemos la mayor cantidad de bocetos posibles y luego seleccionamos aquel que cumpla con los requerimientos y estrategias planteadas previamente.

4.- Bocetos semirrefinados

Llegó el momento de pulir esos garabatos previamente realizados, tomamos los bocetos que van más acorde con la solicitud del cliente y se amplían de tamaño. Perfeccionando todos los detalles correspondientes a la composición, encuadre, trazos, tipografía, color, una vez se hayan realizado todos estos ajustes, se puede dar por concluida esta etapa.

5.- Bocetos digitales

Luego pasamos a digitalizar el o los bocetos seleccionados, utilizando la herramienta de diseño de nuestra preferencia, es recomendable mostrar el diseño ya impreso para que el cliente vea como se ve en físico, sino es posible porque el cliente se encuentra en un país distinto al nuestro le mostramos el diseño en formato digital.

Hay quienes prefieren entregar un sólo boceto y hay quienes prefieren entregar hasta un máximo de dos o tres bocetos, eso depende de la metodología de trabajo de cada diseñador.

6.- Aprobación del diseño

Es aquí cuando le toca al cliente aprobar el diseño, mientras más información hayamos recaudado en las etapas 1 y 2, hayamos sido capaces de traducirla en elementos gráficos, y hayamos realizado una estrategia que vaya acorde con el perfil del cliente, mayor será la probabilidad de aprobación por parte del mismo.

En caso de que el cliente no apruebe la propuesta gráfica, debemos solicitarle razones objetivas de por qué no funciona, tenemos todo el derecho de saber cuál es el problema, para poder empezar desde el principio y entender cuál o cuáles fueron las fallas que se cometieron.

Por otro lado, es importantísimo entender que el diseño, no se trata de un concurso de belleza, por lo tanto, no debemos aceptar una asamblea de personas para aceptar un diseño. Siempre se debe establecer una relación directa con el cliente, hay que casarse con el cliente, entender que es él el dueño del diseño y el único que tiene derecho a opinar sobre la solución gráfica que le está planteando el diseñador.

7.- Impresión

Una vez elegido el diseño se debe preparar técnicamente el arte final para su reproducción en imprenta, pero antes de esto deberíamos utilizar un corrector de textos para que lea y corrija, o enseñarle el diseño a algunas personas que estén alrededor nuestro, para que lean y vean si existe algún error ortográfico. También deberíamos corregir pequeños detalles, como los espacios de tensión, anomalías, manchas, y cualquier defecto gráfico que pudiese estar presente, debemos refinar dichos detalles, antes de mandar a imprenta, tener en cuenta que el sangrado verificado es de 5mm de exceso y usar el formato CMYK cuando se va a imprimir.

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