inARTErable

SUMARIO NOVIEMBRE DE 2016 N° 1

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3 Editorial

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15 Museos para todos 24 Restaurar la historia Análisis sobre la inclusión de diferentes públicos en los museos.

4 Andrés Sánchez

16 Adante Mozzoni

25 Estudiar Arte

7 Arte callejero en Córdoba

20 Análisis

26 Versiones: ¿Por qué Arte?

Artista plástico cordobés.

Entrevista.

Análisis sobre el concepto de arte callejero.

La belleza antes que el concepto. Entrevista.

8 Museo Emilio caraffa 21 Palacio Ferreyra Inauguración de exposiciones. 105° Salón Nacional de Artes Visuales.

STAFF Editores

Mayra Berardo Milagros Cuello Politti Natalia Gutierrez Flavia Juárez

Colaboran en este número

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Análisis sobre la importancia de restaurar el patrimonio cultural.

Andrés Sánchez, Adante Mozzoni, Graciela Martínez Guirardi

Graciela Martínez habla sobre el Palacio.

Entrevista.

Impresión

Soluciones Gráficas Obispo Trejo 295, Córdoba

En tapa

Iglesia los Capuchinos, gentileza de Andrés Sánchez.

En la Universidad Nacional de Córdoba.

Dos versiones acerca de estudiar artes visuales.

EDITORIAL

Cada cierta cantidad de tiempo el arte necesita reubicarse en tiempo y espacio para hacer un balance sobre su composición.

Este proyecto editorial nace a raíz de querer plasmar sobre papel la situación actual de las artes visuales en nuestra querida ciudad, para que se reconozca la labor de maravillosos artistas que día a dia trabajan muy duro para llevar a cabo su modo de vida.

Esta primera edición destaca la exposición del Museo Emilio Caraffa, que se inauguró el pasado 6 de octubre; con el propósito de cuestionarnos el rol del museo en la sociedad actual.

AGRADECIMIENTOS

Queremos agradecer profundamente a Andrés Sánchez y a Adante Mozzoni, por su tiempo y gentileza para sentarse a dialogar con nosotras. También a los chicos de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba, por responder todas nuestras preguntas y aclararnos las dudas. A nuestros padres y amigos por darnos el aliento suficiente para poder realizar este proyecto, y por supuesto, a los profesores Eladio Barabani y Patricia García por su constante ayuda.

A todos ustedes, ¡Muchas gracias!

InArterable.

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Andrés Sánchez: “No soy un pintor de la calle”

Andrés Sánchez, artista plástico recibido en la Escuela de Bellas Artes Figueroa Alcorta, muestra su talento en la peatonal de la zona céntrica de la ciudad hace más de veinte años.

Aún con una importante trayectoria -fue ilustrador de dos libros de la Sociedad Argentina de Escritores con ediciones agotadas: Córdoba hoy y Córdoba viva. Asimismo, fue invitado a diversos encuentros nacionales de pintores- eligue la 9 de Julio como el espacio para llevar a cabo su misión: abrir un camino diferente a la futura generación de pintores ya que “hoy en día hace falta dibujantes y no los hay. Hace falta creadores y no los hay”.

E- ¿Por qué cree que no hay dibujantes ni creadores?

A- Se han dejado de lado las bases. Por ejemplo, si vas a arquitectura, el dibujante tiene que ser un arquitecto en potencia. Hoy solo tienen un año de dibujo; cuando yo estaba eran tres años y no había computadoras.

Iglesia Santa Catalina, por Andrés Sánchez, 2016, acuarela sobre papel, 29,7 x 42 cm. Fotografía: InArterable

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Ahora, como todo se basa en la tecnología, no te saben hacer un plano.

Si vas por Nueva Córdoba vas a encontrarte con que todos los edificios son iguales, porque todos se basan en lo mismo.

La otra vez di un curso para diseño, y muchos chicos no sabían lo que era un punto de fuga.

E- ¿En qué orientación del arte se especializa?

A- Soy especialista en acuarela, y hay pocos. En la escuela de artes ya no enseñan acuarelas.

E- ¿Por qué?

A- Se basan solamente en las pinturas como el óleo o los acrílicos, y no debería ser

ser así; la acuarela es la planos en el suelo. Entraba a base de todas las pinturas. trabajar temprano y volvía al Miguel Ángel pintaba en mediodía. Arquitectura era acuarelas, sin embargo rene- una carrera muy jodida, así gamos de ellas.En el caso que tuve que dejarla. del óleo, este apareció en el 1500 en adelante, y el acrílico empezó recién en 1900 con el surgimiento del arte moderno.

Busco que la gente vuelva de nuevo, porque es hermosa; vos mismo creas los colores.

Hay un montón de cosas; todo lo que llevo de la facultad. Le debo mucho a esta ciudad.

Me gustaría recrear la calle San Martín, como era hace 50 años atrás. Gracias a Dios me acuerdo de como era.

Se lo he propuesto a la Municipalidad, porque necesito del apoyo de ellos para dedicarme de lleno a eso. No me han contestado.

“Estoy orgulloso, hoy estoy mucho mejor que antes, porque estoy haciendo lo que quiero, cuando hay un montón de gente que hace lo que no le gusta”

E- ¿Esperaba que E- ¿No hay apoyo terminaría trabapor parte de las E- ¿A partir de ahí cojando en la peatomenzó de lleno a dedicarse autoridades hacia el arte? nal? ¿Tenía otro objetivo a pintar? cuando era estudiante?

A-No hay apoyo. En Buenos Aires quizás se están moA- No, después de dejar la A- Yo empecé en otras épocarrera estuve en varios co- viendo un poco más, pero cas -hablo del año 68/69- y mercios como jefe de ventas. tampoco. Falta aún mucho eran épocas jodidas; había Luego entré en Renault. por hacer para el patrimonio una gran disciplina mucho Cuando mi hija ya se había cultural. respeto. Lo que interesaba casado renuncié a la fábrica era la superación de uno. para seguir lo que realmente E- ¿Un artista espera recoTuve que hacer un trato con amaba. No me arrepiento de nocimiento? mi vieja para seguir dibujo y nada. Con respecto a la calle me dijo que no, porque solo me lo tomo muy bien. Estoy A- Reconocimiento no es lo recién después de muertos orgulloso, hoy estoy mucho mismo que halagos... no esreciben halagos. Sin emque a todo el mundo le mejor que antes, porque pero guste; solo quiero que lo mío bargo supe que era mi vocaestoy haciendo lo que quiero, trascienda. Me interesan los ción a los nueve años; vivía cuando hay un montón de dibujando por todos lados. A gente que hace lo que no le más chicos. Todos los días pasan por acá y se paran a los quince años comencé a gusta. mirar lo que he hecho de hacer mis primeras exposi- Ahora soy un ejemplo para ciones. La perspectiva de mi muchas personas; me sirve nuevo. Eso es lo que me inmadre cambió cuando entré para estimular a los más teresa: que me tomen en cuenta como la persona que en arquitectura. grandes. los incentivó desde pequeFui padre y me tuve que casar; los padres te decían E- ¿Si tuviera que definir ños a pintar. Me estimula que que debías hacerte su arte en pocas palabras, saber que mi arte está en otro lado, que alguien más cargo. Luego vino mi se- cuáles serían? siga esa trayectoria. Se trata gunda hija. A todo esto yo seguía estudiando y también A-Siempre me gustó lo figu- de seguir, vas a encontrar trabas, pero no importa... trabajaba. Estaba en la ma- rativo. seguí luchando. ternidad y me ponía a hacer

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Iglesia Los Capuchinos, por Andrés Sánchez, 2016, acuarela sobre papel - 42 x 59,4 cm.

Fotografía: Gentileza del artista.

La Cañada, por Andrés Sánchez, 2016, acuarela sobre papel, 29,7 x 42 cm.

Fotografía: InArterable

ANÁLISIS

Arte cAllejero en córdobA: nAdA que menospreciAr Por Natalia Gutierrez

Sin título, por Andrés Sánchez, 2016, acuarela sobre papel, 29,7 x 42 cm. Fotografía: InArterable

Los artistas callejeros forman parte de la postal que a diario nos topamos cuando transitamos por la ciudad; personas particulares cuyo arte es imposible no detenerse por unos minutos a contemplar: retratos, paisajes, caricaturas, los cuales son realizados con las más diversas técnicas y que su utilización difiere según el artista.

Tal vez la palabra “callejero” suene algo marginal e inferior, pero el tener contacto con pleno con sus espectadores, disfrutar de las expresiones de satisfacción y asombro, oír sus comentarios o halagos, servir como inspiración para algunos, son experiencias únicas para estos artistas. La calle es su escenario, la plataforma para manifestar su talento con orgullo, para hacer parte a su público, nosotros, de lo que los apasiona. Por ello, su arte no se merece menosprecio alguno.

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MUSEO EMILIO CARAFFA

Arte para todos los gustos El Museo Emilio Caraffa inauguró cinco nuevas muestras, en las cuales se pueden apreciar múltiples disciplinas artísticas que van desde lo figurativo hasta lo abstracto, como pintura, dibujo, escultura, entre otras. Las muestras estarán disponibles hasta diciembre.

Jueves 6 de octubre 20 hs. El museo abre sus puertas invitando al público en general a recorrer sus nuevas muestras. Hay mucha expectativa en el ambiente: artistas de otras provincias, fotógrafos, estudiantes y niños esperando a entrar.

Con respecto a los artistas elegidos, el director del Museo Emilio Caraffa, Jorge Torres, afirma: “Consideramos de vital importancia la revalorización de las obras de estos exponentes del arte locl, cuya labor ha dejado un imaginario rico y original”.

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una técnica sencilla a base de papel y carbonilla como únicos recursos, una amplia gama de personajes caricaturescos: hombrecitos, mujeres, animales, trenes, sombreros, y demás siluetas en blanco y negro.

utiliza para ello la ironía, la sátira y lo absurdo en todas sus obras.

Siguiendo el trayecto del museo, la segunda muestra se titula Krieg? Est ist dumm?, y exhibe obras del pintor cordobés Germán Wendel, basadas en el interés del artista por los aviones y sobre todo la Segunda Guerra Mundial. Pinturas que reflejan paisajes surrealistas en colores sombríos; verdes, azules oscuros, marrones y grises son los colores predominantes en su paleta, lo cual va acorde a la época que intenta describir.

Wendel forma parte del colectivo de artistas surrealistas argentinos. Su obra causa mucha emoción en los espectadores, debido a que sus temáticas Charleston, por Antonio Seguí, 2003, generalmente involucarbonilla sobre papel, 164 x 117,5 cm. cran a la infancia, los Fotografía: InArterable sueños, la guerra; y

Al subir por las escaleras principales se encuentra la primera muestra, titulada Seguí al carborundum, perteneciente al reconocido artista plástico cordobés Antonio Seguí. Es un homenaje al artista, la exposición reúne una gran cantidad de obras gráficas Seguí mantiene una pers- sumado a los colores fríos, realizadas durante la útlima pectiva crítica sobre la socie- causan mucho impacto en el década, y muestra, mediante dad y la globalización, y receptor.

La canción del mediopelo, por Germán Wendel, 2016, óleo sobre tela, 180 x 150 cm. Fotografía: InArterable.

La tercera muestra, titulada Obras en papel se encuentra en la tercera sala del museo, y está dedicada a tres artistas locales: Horacio Álvarez, Manuel Reyna y Eduardo Setrakian.

La muestra es una selección de dibujos, una disciplina que en la época en la que fueron realizados se consideraba inferior a la pintura y a la escultura.

Entre los tres autores se establecen relaciones temporales, mas se comparan sus técnicas y temáticas.

En el caso de Reyna, dentro de su obra prevalecen paisajes realizados en acuarela o pasteles a la tiza, con una paleta de colores amplia.

Utiliza muchos colores cálidos en sus creaciones: amarillos, naranjas, rosados y rojos Por su parte, los dibujos de Álvarez y de Setrakian utilizan en su mayoría lápices y prevalece el uso de tonalidades grises.

“Consideramos de vital importancia la revalorización de las obras de estos exponentes del arte local.”

(Jorge torres)

El Bordo, por Manuel Reyna, 1956, acuarela sobre papel, 19,5 x 28,5 cm. Fotografía: InArterable.

Sín título, por Manuel Reyna, 1956, pastel a la tiza sobre papel, 20,6 x 32 cm. Fotgrafía: InArterable.

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Continuando el trayecto que propone el museo, al llegar a la cuarta sala se encuentra la muestra Un lugar para cuando llegue el fin... de todas las cosas de Martín Viecens, artista visual egresado de Diseño Industrial en la Universidad Nacional de Córdoba.

Es una escultura llamativa, que, acompañada de un texto interpretativo de Ana María Batistozzi, busca reflexionar acerca de la existencia misma.

La estructura, realizada en madera con curadería de Daniel Fisher, mide 2,90 metros de ancho, y entrelaza dos salas del museo.

105° Salón Nacional

Las salas cinco, seis, siete y ocho están destinadas a exhibir una selección de obras que participaron del 105° Salón Nacional de Artes Visuales.

El Salón Nacional de Artes Visuales cumple 105 años. “Es el único concurso sostenido por el Estado Nacional que se realiza ininterrumpidamente desde 1911.

Y que sea así nos llena de orgullo” declara el director del Palacio Nacional de las Artes, Oscar Smoje.

Cada edición es importante, debido a que cientos de artistas de toda la república participan, y muchos de ellos son premiados por su esfuerzo, además, es una muestra muy enriquecedora, ya que, Smoje afirma que constituye un espacio que “además de albergar y pre10

“Es el único concurso sostenido por el Estado Nacional que se realiza ininterrupidamente desde 1911. Y que sea así nos llena de orgullo”.

(Oscar Smoje)

servar el patrimonio cultural de la Nación, impulsa la creación e inserción del arte contemporáneo”.

Amanecer urbano, Nicolás Saavedra, 2016, acrílico sobre tela, 180 x 130 cm.

Fotografía: InArterable.

Es una muestra muy rica, ya que se pueden apreciar múltiples disciplinas como dibujo, escultura, pintura y grabado, y múltiples técnicas, como por ejemplo: óleos, acrílico, lápices de colores, arcilla, vidrio, madera, entre otros materiales. Además, los estilos y las temáticas son muy variadas, abarcan desde el hiperrealismo -corriente más fiel dentro del arte figurativo-, como también el surrealismo, el expresionismo, el puntillismo o el arte pop; y dentro del arte no figurativo se encuentran obras abstractas, existencialistas y dadaístas -que representan lo ‘absurdo’, o lo ‘antiartístico’-.

Sobre la heterogeneidad de obras, Pablo Avelluta, ministro de cultura de la Nación, expresa: “Nada es ya homogéneo ni uniforme. Es allí donde reside la enorme riqueza de la expresión artística de los argentinos”.

El N° 3 de la serie Intersticios, Valeria Calvo, 2016, acrílico sobre tela, 180 x 140 cm. Fotografía: InArterable.

Naturaleza muerta con bolsas de supermercado de la serie Naturalezas muertas, por Alejandro Rosemberg, 2016, óleo sobre tela, 70 x 95 cm. Fotografía: InArterable.

“Nada es ya homogéneo ni uniforme (...) allí reside la enorme riqueza de la expresión artística de los argentinos”. (Pablo Avelluta)

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Durante el recorrido de la muestra uno puede darse cuenta de cómo ha cambiado la manera de hacer arte en los últimos cincuenta años. Hoy en día todo comunica, así lo admite Avelluta: “El Salón demuestra así una tensión relacionada con el cambio en sus raíces: su carácter se vuelve más experimental, soprendente, sincrónico”, y agrega: “Nuestro arte -y nuestro patrimonio- expanden sus límites ofreciendo la calidad y diversidad de las propuestas de nuestros creadores.”

El 137 de la serie La Pulpo, La Spica y el metegol, por Miguel Ángel Ferreyra, 2016, grafito y lápices de colores sobre fibrofácil, 117 x 162 cm. Fotografía: InArterable.

Divergencia urbana, por Daniel Corvino, 2016, acrílico sobre tela, 240 x 195 cm. Fotografía: InArterable.

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22 hs. Muchas personas del público comienzan a retirarse del lugar, luego de haber fotografiado varias de las obras, para su recuerdo. El esfuerzo de todos y cada uno de los artistas participantes ha dado sus frutos: el reconocimiento del público.

La obra ganadora del Gran Premio Adquisición pertenece a Carolina Antoniadis y se titula El sonido de la deriva de la serie de Sonidos Mentales.

“Nuestro arte y nuestro patrimonio expanden sus límites”.

(Avelluta)

GRAN PREMIO ADQUISICIÓN El sonido de la deriva, por Carolina Antoniadis, 2016, Acrílico, laxon, tinta y laca sobre tela, 180 x 180 cm.

Fotografía: Secretaría de Cultura.

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PRIMER PREMIO ADQUISICIÓN DIBUJO Dale, Ana, por Emilio Reato, 2016, pastel tiza sobre fibrofácil, 185 x 130 cm.

Fotografía: Secretaría de Cultura

ANÁLISIS

museos pArA todos Por Mayra Berardo

Que no llega, que no alcanza, por Ricardo Ajler, 2016, carbonilla sobre tela, 200 x 150 cm.

Fotografía: InArterable.

VENÍ A CONOCER LA EXPOSICIÓN ¿CUÁNDO?

Desde el 6 de octubre al 4 de diciembre.

De martes a domingo de 10 a 20 hs.

¿DÓNDE?

Museo Emilio Caraffa, Poeta Lugones 411.

ENTRADA

$15.Estudiantes no abonan.

Gran parte de la sociedad tiende a pensar que los museos son una actividad de intelectuales o de gente de buen pasar económico; este es un prejuicio que se instala por el mismo pensamiento de algunos artífices y sus obras de arte, cuando en realidad habría aclarar que el trabajo que realizan los artistas -y que se ve reflejado en sus creaciones- es producto de un arduo trabajo, cuya finalidad es llamar a la reflexión y lograr un cierto reconocimiento de todo el público, y no solo de un sector en particular.

Hay que incentivar a la sociedad para cambiar esta idea instalada, ya que las muestras de arte son aptas para todo público.

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Charles Bukowski, por Adante Mozzoni, 2015, Ăłleo sobre madera, 133 x 95 cm.

FotografĂ­a: Gentileza del artista

ADANTE MOZZONI La belleza por sobre el concepto El artista plástico recibido en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba muestra su trabajo, al que define como “completamente figurativo”. Reconoce al muralismo como una fuerte vanguardia en el siglo XXI y afirma que no le gusta el arte político.

E- ¿En qué momento comenzaste a interesarte por la pintura?

A- Es una cosa muy natural, de chiquito me acuerdo que dibujaba. Mi mamá se acuerda de mi copiando las imágenes que aparecían en las páginas amarillas, copiaba todo lo que veía.

Ya desde esa época tenía la figuración muy marcada, no tenía un afán de deconstrucción de la materia, sino que quería copiar cosas y que salieran igual.

Después más de adolescente dejé de pintar, y volví a retomar en la facultad; sin embargo, recién tomé la pintura como un trabajo hace poco. Fui tatuador por muchos años, hice decoración de interiores, entre muchas otras cosas.

E- ¿En qué palabras definirías tu arte?

A- Figurativo. Completamente figurativo.

Tengo una fuerte lucha con

el color, porque soy muy colorinche y me gustaría poder pintar más en tonos sepias o azulados. Estoy tratando de esquivar un poco el uso de muchos colores, pero al parecer es algo que viene conmigo.

E- ¿Cuáles considerás que son tus mayores influencias?

A- Todos los renacentistas, también el trabajo que hizo Warhol, porque le dio estética a todo lo que vino a partir de Duchamp. Además admiro a muchos contemporáneos como Lucas Aguirre o Antonio Alonso.

“Warhol le dio estética a todo lo que vino a partir de Duchamp.”

Frida Kahlo, por Adante Mozzoni, 2014, óleo sobre madera, 135 x 90 cm.

Fotografía: Gentileza del autor.

E- En la actualidad, ¿Cuál es la vanguardia o el movimiento estético predominante?

A- Básicamente, para mí, recién de acá a muchos años se va a ver claramente cuál fue el movimiento que predominó; aunque siento que hay un fuerte reconocimiento al arte urbano,

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el ‘street art’ y los comics.

Particularme no me gusta mucho el street art, me cuesta hacerlo. Pero me parece que el arte urbano, al menos en la cuestión contemporánea, está muy emergente. Gran cantidad de personas por las redes sociales publica o comparte imágenes de murales, graffitis, etc.

Junto a eso hay también un regreso a la figuración, al neorenacimiento. De hecho, el Museo de Arte Contemporáneo de Europa dice: “Que sea arte, pero si es figurativo mejor”. Está todo bien con el arte abstracto, pero creo que forma parte de una etapa que ya se está diluyendo.

E- ¿Qué papel crees que deben tomar los museos para acercar más a la gente?

A- Tiene que haber distintos espacios. El arte es para todos, pero no todos quieren consumir lo mismo, entonces debería haber diferentes epacios, pero no

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de acuerdo a valores donde el figurativo valga más que el abstracto o que el cómic, pero sí tendría que haber una posibilidad para cada uno. Hay gente que trabaja muy bien y no tiene espacio.

El problema es que los museos estatales tienen la obligación de satisfacer a todo el mundo, y eso es imposible.

Es complicado, trabajar en un museo no es tarea sencilla, yo no lo haría.

El rol del museo puede verse de dos modos: un lugar para mostrar lo que hace el pueblo, y otro, que suena más elitista, un lugar para mostrar la belleza.

E- Y el artista actualmente ¿Qué lugar ocupa en la sociedad? ¿El artista debe involucrarse en las causas sociales?

A- El artista puede hacer lo que quiera, a mí en particular no me gusta el artista activista. No me gusta el arte político. No todo el mundo puede hacer El Guernica, de Picasso, que para mí es

“El rol del museo puede verse de dos modos: un lugar para mostrar lo que hace el pueblo, y otro, que suena más elitista, un lugar para mostrar la belleza.” el ícono del arte político. En cambio hay sectores de la pintura que son más amables, en el sentido de que puede haber más vertientes sobre eso. La cuestión política está bien encasillada en el street art, porque siempre

Afrodita y yo el día que conocí el amor en Andromeda, por Adante Mozzoni, 2015, acrílico sobre madera, 240 x 60 cm el muralismo estuvo vincu lado a ese tipo de pensamientos. Hoy por hoy nadie va a descubrir la realidad a través de un mural, eso sale en las noticias. Antes sí era historia hacer un mural político, ahora hay otros soportes para transmitir un mensaje.

“Para mí primero viene la belleza y luego el concepto.”

E- ¿Cuáles son tus criterios para evaluar si un artista pinta mejor o peor que vos?

A- Creo que casi todo el mundo pinta mejor que yo (risas). El problema es que tengo una fuerte autocrítica conmigo mismo, además me gusta admirar la obra de otros más que la mía.

Sí tengo un criterio para decir lo que me gusta o no me gusta, básicamente me tiene que parecer bello.

Para mí primero viene la belleza y luego el concepto.

Históricamente siempre se trató de buscar la belleza; me gusta que las pinturas tengan una construcción arquitectónica, incluso desde la abstracción.

Johnny Ramone, por Adante Mozzoni, 2015, óleo sobre tela, 30 x 40 cm.

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ANÁLISIS

no eXiste un Arte Absoluto milagros cuello

Joe Strummer, por Adante Mozzoni, 2015, acrílico y óleo sobre madera, 130 x 90 cm. Fuente: gentileza del autor

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E- De hecho estuviste de- E- ¿Qué le dirías a los fusarrollando una técnica turos pintores? que incluía a la abstracción.

A- Más allá de lo típico de que hagan lo que les gusta A- Así es, durante muchos sin importar lo que la piense años estuve desarrollando la gente, les diría que pinten una técnica que se llama ‘su- y dibujen mucho. No imrrealismo cuántico’, que porta si no terminan la obra, arrancó desde la abstrac- o si tardan años hasta hación. Era más un proceso de cerse reconocidos, pero meditación, donde meditaba pinten siempre que puedan. y plasmaba en el lienzo Ese es mi mayor consejo. aquellas figuras que imaginaba.

Existen maneras de hacer arte como artistas en el mundo, y lo curioso es que todos son igual de válidos.

El siglo pasado estuvo marcado por múltiples vanguardias artísticas, que iban despegándose cada vez más del arte academicista considerado el cánon de la belleza.

Las guerras mundiales, la guerra civil española, el psicoanálisis y la globalización son algunas de las huellas que quedaron marcadas en una sociedad que sólo tenía sus manos como recurso para expresarse.

No necesariamente todo arte debe ser bello; el concepto de belleza es subjetivo, nunca una misma obra es bella para todos, como así tampoco existe un arte absoluto. El arte expresa la intimidad del artista, y muchas veces una obra abstracta no es considerada bella porque simplemente no es comprensible, cuando en realidad, la comprensión es producto de un pensamiento particular y no el significado absoluto de la obra -que sólo le pertenece a su propio autor-.

UN RECORRIDO POR EL PALACIO FERREYRA Graciela Martínez Guiraldi, guía turística del Museo Palacio Ferreyra, comenta acerca de los artistas que están exhibidos en el palacio, sobre la familia Ferreyra y también sobre las diversas restauraciones que se tuvieron que hacer una vez que el lugar fue recuperado por el Gobierno Provincial.

E- ¿Qué podemos encontrar a nivel cultural en el Palacio Ferreyra?

G- El Palacio Ferreyra tiene una gran colección de obras de arte a nivel cultural, restaurado por el Gobierno Provincial. Esta colección es muy variada, en el sentido de pintores, escultores, diversas técnicas, escritos y demás.

Las obras más antiguas son del siglo XIX hasta el día de hoy; es decir que abarca todos los tiempos y presenta un panorama muy amplio, en donde fundamentalmente predominan los artistas locales con el

objetivo de mostrar una identidad nacional.

E- ¿Qué nos podés contar acerca del Salón Dorado del Palacio?

G- El Salón Dorado es el más importante del Palacio porque se aprecian obras de autores que se radicaron en Córdoba, pero tenían nacionalidad europea; por lo tanto, las obras tienen influencias europeas. Algunos fueron llegando a nuestra provincia mediante becas de estudio, visitas a nuestra ciudad y decieron radicarse definitivamente acá.

Esta sería la causa más im-

“El Palacio abarca todos los tiempos y presenta un panorama muy amplio. Las obras más antiguas son del siglo XIX.”

portante y por la cual se decidió recuperar el Palacio Ferreyra como un patrimonio cultural. Es por eso que

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muchas de las obras que hoy están en el Salón Dorado, antes se encontraban en el Museo Caraffa y una vez inaugurado el palacio se trasladon de forma permanente.

También es muy importante el edificio, más allá de que la colección tiene un valor histórico.

E- ¿El museo del palacio está abierto al público general?

G- El museo está abierto para todo el mundo, todos los días del año, incluído el mes de enero; más allá de que los empleados estén de vacaciones, el museo continúa abierto con una guardia mínima y en un horario reducido.

Los únicos días que no abre son: el día del trabajador, el día del empleado público, y los días 25 de diciembre y 1 de enero.

Los días lunes por lo general se realizan tareas de mantenimiento, pero si alguien necesita realizar una consulta puede hacerlo, ya que el palacio funciona de puertas adentro.

E- ¿Hay visitas guiadas para los turistas e información acerca de la historia del palacio?

Fotografías: Secretaría de Cultura 22

G- Tenemos visitas guiadas todo el año. En enero y febrero se adaptan más al horario de verano. Las recorridas por el museo se pueden realizar de manera grupal o individual, desde un jardín de infantes, colegios, estudiantes universitarios, hasta centros de jubilados.

E- Además de las visitas guiadas ¿Hay otro tipo de espectáculos dentro del palacio?

G- Si, en realidad se han presentado espectáculos, pero en el marco de la Agencia Córdoba Cultura.

Hay algunos eventos específicos, como por ejemplo los que realiza la cafetería del palacio, que está consecionada; es decir, la cafetería organiza los eventos dentro del horario del museo y no se pueden realizar más que en ese lugar.

Se realizaron obras de café concert, reuniones, cataciones de té, exposiciones de productos, entre otros.

Los espectáculos que ya se organizan desde el palacio siempre están organizados por la Agencia Córdoba Cultura. En los últimos meses se realizó la presentación de la temporada del Teatro Real, tuvimos la actuación de compañías de danza, galas de tango, congresos,

encuentros culturales, desfiles de moda y la gran presentación de Maximiliano Guerra y su ballet; todos organizados por el Gobierno de Córdoba.

E- ¿Y sobre la restauració de las obras del Salón Dorado, qué nos podés contar?

G- En realidad toda la planta que corresponde al Salón está restaurada de forma completa y se denomina ‘La Planta Noble’. Era la parte social de la familia Ferreyra, donde se recibían visitas, y al ser habitaciones compartidas podemos apreciar además la tipología de la vivienda y la distribución de los ambientes.

Las habitaciones más importantes están alrededor del hall principal; en cambio, las que utiliza el personal de servicio doméstico de la familia están más ocultas y se encuentran en el tercer piso del palacio.

En el subsuelo estaba la cocina, las salas de máquinas, la bodega, la cochera, el gimnasio y una sala de esgrima.

En la parte de la esquina del Salón Dorado está el escritorio de Martín Ferryra, y atrás se encuentra la biblioteca, que se habilitará en poco tiempo totalmente restaurada.

Hay una parte del Salón que está más liviana, porque tiene varias grietas en el piso, y si bien no se notaban demasiado, era necesario reparlas para que el museo quede perfecto. Estas grietas se ocasionaron por el mismo peso de la estructura a causa del deterioro. El objetivo es recuperar lo que se pueda recuperar y lo que no tratarlo de mantener de la mejor manera.

E- ¿Qué otras muestras encontramos en la colección del museo?

G- En el medio del salon tenemos una mesa vitrina con todas las fotos de la epoca.

En una de las fotografias se puede apreciar como estaba ambientada la habitacion principal con muebles traidos exclusivamente desde Paris, que luego la familia se los llevo y por eso no estan en la coleccion. Hay que destacar que cuando se adapta el palacio y se restaura como sala de exhibicion, se trata de preservar con mucho cuidado el material que quedo. En ocho meses se restauraron todas la instalaciones del Salon Dorado y dentro de esa

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transformacion, se colocan paneles porque no en lugar de aires acondicionados porque afectaban la estructura de las paredes. Tambien podemos ver que la iluminaria esta mas suave por la misma razon. La restauracion del palacio Ferreyra es muy estudiada.

Dentro del museo vemos que las cortinas son de seda traidas desde Francia.

Algunas que estaban muy desgastadas se les colocó un soporte por detras para mantenerlas igual que las originales.

Lo fundamental de todas estas transformaciones es respetar el valor historico del lugar para que de ese modo las personas que nos visitan se lleven una buena imagen del palacio Ferreyra como patrimonio cultural de la ciudad de Córdoba.

“cuando se adapta el palacio y se restaura como sala de exhibicion, se trata de preservar con mucho cuidado el material que quedó.”

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Fotografría: Secretaría de Cultura

ANÁLISIS restAurAr lA historiA Por Flavia Juárez

Sin dudas que para sentar las bases de nuestra cultura y aggiornar el pasado al presente que actualmente vivimos, es necesario restaurar la historia.

En el caso del imponente Palacio Ferreyra, al recorrer sus instalaciones podemos delucidar los secretos que se esconden en las habitaciones de esta gran mansion, desde los comienzos del siglo XX. Queda demostrado que Martin Ferreyra, quien fue un ciudadano ilustre de la ciudad de Cordoba, deslumbró con su creatividad y al momento de la construcción de su residencia, no escatimó en gastos, incorporando a cada rincón de su mansión influencias europeas provenientes de París.

Cuando un visitante llega al palacio, queda sorprendido por la gran variedad de muestras culturales y arquitectónicas que en algunos casos tienen una mínima restauración, con el objetivo de dejar la estructura lo mas original posible. Lo positivo de este gran patrimonio cultural de Cordoba es que al tener sus puertas abiertas para todo el mundo, todas las generaciones tienen acceso a la información y de una manera u otra ejercitan la restauración de nuestra Historia.

Estudiar Arte y no morir en el intento Anualmente, durante el mes de septiembre, se lleva a cabo la muestra de carreras “La UNC te espera” dentro de la Universidad Nacional de Córdoba. Este año la actividad tuvo lugar desde el 4 al 9 de septiembre inclusive. Es aquí donde alumnos de muchos colegios secundarios de la ciudad acuden para conocer las diferentes alternativas de formación profesional, fechas de inscripción, ingreso, requisitos y demás.

La Facultad de Artes ofrece una amplia gama de posibilidades para todo aquel que esté interesado en tener una sólida formación artística y académica; Ornella, estudiante de quinto año nos cuenta más acerca de esto.

E- ¿Qué ofrece la Facultad en relación a las Artes Visuales?

O- La Facultad, primero y principal, tiene la Licenciatura en Artes Visuales, cuya duración es de 5 años más la elaboración de un trabajo final o tesis.

E- ¿Cómo está compuesta la carrera?

O- Se divide en dos ciclos: los dos primeros años forman el ciclo básico, donde se ve el arte más tradicional, como la pintura, la escultura y el grabado. Luego vienen las especializaciones en donde se empiezan a abordar los lenguajes más contemporáneos del arte.

Hoy ya todo vale, depende del desarollo que cada uno vaya tomando, la salida que quiera hacer, decir dependo de estos medios y puedo hacer esto.

Se hace mucho hincapié en cómo enseñar el arte para que llegue a todas las personas.

E- ¿Y hay muchos alumnos que busquen más por el lado de la docencia?

O- Está el Profesorado Superior en Artes Visuales, recientemente se ha cambiado de plan de estudios. En el plan viejo estaban las dos opciones y cualquier alumno podía cursar ambas al mismo tiempo.

Hoy eso cambió porque o nos inscribimos para ser solamente licenciados o solamente profesores.

Hay más especialización en el área pedagógica.

Fotografía: InArterable

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Y vos, ¿Por qué estudiás Arte?

Conversamos con dos estudiantes de la carrera Profesorado Superior en Artes Visuales, y nos contaron el por qué de su elección, qué les gustaría hacer y a futuro cómo se ven ejerciendo su profesión. luciA colmAn 18 AÑos primer AÑo estudio Arte porque es lo que sAle, no me Veo hAciendo otrA cosA. estAr en este Ambiente y Ver que de esto Voy A dedicArme, me llenA en todAs lAs formAs posibles. me gustAríA Aprender sobre su historiA y sus moVimientos, cómo eVolucionó.

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VictoriA AndrAdA 22 AÑos tercer AÑo elegí estudiAr Arte por que me gustA todo lo relAcionAdo con él, desde dibujos, pinturAs, esculturAs; en pArte tAmbién me gustA lA docenciA, sino hubiese elegido lA tecnicAturA. según mi criterio, el Arte trAtA de eXpresAr lo que lAs pAlAbrAs se limitAn.

tAmbién me gustAríA Aprender diVersAs rAmAs, no solo dibujAr, sino Abrir mi mente en distintAs técnicAs.

como futurA docente pude eXperimentAr con niÑos y cómo AmAn el Arte, sobretodo hAcerlo. pArA niÑos que todAVíA no sAben leer eXperimentAr con témperA es geniAl.

espero recibir conocimientos y logrAr eXpAndir mis posibilidAdes ArtísticAs. logrAr un proyecyo personAl formAdo.

quiero ser reAlmente unA docente de Artes VisuAles, romper con el esquemA trAdicionAl de lA clAse de dibujo.

A futuro no sé muy bien qué me Veo hAciendo, me gustAríA llegAr A ser unA ilustrAdorA reconocidA, o tAmbién como historietistA; Aunque me intrigA lA ideA de no sAber A dónde Voy A terminAr.

A futuro quisierA esforzArme pArA que mis Alumnos recibAn lo mejor de mí, que eXpresen con libertAd, que puedAn encontrAr su lugAr en el mundo del Arte.

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Ningún ser humano puede escapar de la realidad.

Ningún ser humano puede escapar al arte.

Sólo el arte puede hacerle al ser humano escapar de la realidad.