Big Format - Painting & Abstraction by Durban Segnini Gallery

Víctor Chab Manuel Felguérez Jason Galarraga Flavio Garciandia Mateo Manaure César Paternosto Eduardo Ramirez-Villamizar Juvenal Ravelo Luisa Richter Carlos Rojas Antonio Seguí Fernando De Szyszlo Beto De Volder

“Big Format. Painting & Abstraction “includes more than a dozen large-scale pictorial works, created by thirteen internationally renowned artists representing Argentina, Colombia, Cuba, Mexico, Peru and Venezuela, countries where the language of abstraction is already an artistic tradition and an essential part of its modern identity.

“Big Format. Painting & Abstraction” contempla más de una decena de obras pictóricas en gran formato, creadas por trece artistas de reconocida trayectoria internacional, en representación de Argentina, Colombia, Cuba, México, Perú y Venezuela. Todos ellos países donde el lenguaje de la abstracción es ya una tradición artística y forma parte esencial de su identidad moderna.

Participating artists are: Antonio Seguí, César Paternosto, Víctor Chab and Beto de Volder (Argentina); Flavio Garciandía (Cuba); Carlos Rojas and Eduardo Ramírez Villamizar (Colombia); Manuel Felguérez (Mexico); Fernando De Szyszlo (Peru); Jason Galarraga, Juvenal Ravelo, Luisa Richter and Mateo Manaure (Venezuela). A list of authors that includes great masters of Latin American abstract painting, as well as younger creators who are reinterpreting, in a diverse and novel way, the legacy of their predecessors. En “Big Format. Painting & Abstraction”, la pintura abstracta en su dimensionalidad se muestra al espectador con voluntad amplia en el dominio de los materiales. Las técnicas empleadas, su especificidad, evidencian una diversidad en el empleo simbólicos de estos materiales. Una diversidad que incluye, de un lado, la técnica y materiales más recurridos en la etapa moderna: pintura al óleo sobre lienzo. Aquí destacan, por ejemplo, las obras de Manaure, Garciandía, Felguérez o Galarraga. Del otro, técnicas más contemporáneas incorporadas a las practicas pictóricas de la abstracción como, por ejemplo, acrílico sobre lienzo que, respecto al óleo, aceleraba el secado de las superficies pictóricas. Su efecto es notable en los gestos expresivos de Richter, Szyszlo y Seguí, con la única obra de la muestra escorada a la figuración. Mientras que la combinación del collage, óleo y otras mixturas están presentes en los trabajos de Chab y Paternosto. “Big Format. Painting & Abstraction” además contempla obras, cuyas mixturas combinan estas técnicas con materiales sacados de la actualidad productiva, como por ejemplo, el mdf (tablero industrial con densidad media), o elementos reflectantes y metales, entre otros. Las sofisticadas laminaciones que cubren las obras de Ravelo, o las zigzagueantes imágenes de De Volder, enseñan un gran ingenio en el empleo de estos materiales.

In “Big Format. Painting & Abstraction”, the abstract painting in its dimensionality is shown to the spectator with a broad will in the domain of materials; the techniques employed and their specificity show a diversity in the symbolic use of these. A diversity that includes on one hand, the technique and materials most used in the modern stage: oil painting on canvas. Here highlights, for example, the works of Manaure, Garciandía, Felguérez or Galarraga. On the other, more contemporary techniques incorporated into the pictorial practices of abstraction, such as for example acrylic on canvas, that compared to oil, accelerated the drying of pictorial surfaces. Its effect is remarkable in the expressive gestures of Richter, Szyszlo or Seguí with a unique piece that remains some figuration. A combination of collage, oil and other mixtures are otherwise present in the works of Chab and Paternosto. “Big Format. Painting & Abstraction “also contemplates works, whose mixtures combine these techniques with materials taken from current production, such as mdf (industrial board with medium density) or reflective elements and metals, among others. The sophisticated laminations that cover the works of Ravelo, or the zigzagging images of De Volder, teach great ingenuity in the use of these materials.

DIRECTORS | DIRECTORES César Segnini Sulay Segnini ASSISTANTS MANAGER | ASISTENTES Jacqueline Cardentey Juan Carlos Webber Adalberto Grisanti BIG FORMAT - PAINTING AND ABSTRACTION NOVEMBER 2018 | FEBRUARY 2019 MUSEOGRAPHY AND EXHIBITION DESIGN | MUSEOGRAFIA Y MONTAJE Luis La Rosa GRAPHIC DESIGN | DISEÑO GRÁFICO Miguel Manrique

3072 SW 38th Avenue Miami, FL 33146. USA Ph (305) 774 7740 Fax (305) 774 7741 gallery@durbansegnini.com durbansegnini.com 4

L A R G E

Painting & Abstraction

VÍCTOR CHAB

Víctor Chab, (Buenos Aires, Argentina, 1930) He started as a self-taught artist endowed with great expressiveness, obtaining already in 1947 the Second Prize of the XXVI Annual MEEBA Salon (Mutual of Students and Fine Arts Graduates). The art critic already echoed his particular sensitivity. He contacts at the beginning of the 1950s the surrealist environment that marks the beginning of Chab’s career. Influences manifest in his first solo exhibition in 1952 in Buenos Aires and whose works of a late surrealism combines collage and poetic text. He represents Argentina in the XXVIII International Venice Biennial of 1956. Chab is a year later, the great inspirer (together with the poet Aldo Pellegrini) of the group known as “Seven Abstract Painters”, a group that strengthed the use of free abstraction in Argentina as a language of infinite expressive combinations. Between the years 1970 and 1980, Chab developed kind of landscapes, where an architecture of fragmented human bodies unfolds inside a world of psychedelic tinge, anchored as much in the fictitious as in the “real marvelous”. In the nineties the artist recovered the symbolic interest for the animals present in his work of the 1960s. He delved into his filigreed style where elements of figuration, abstraction and expressionism coexisted in a suggestive balance, turning the artist into one of the most important of his generation within the language of Latin American lyrical abstraction. Among its most important awards are: “MEEBA Hall”, Second Prize, Buenos Aires, Argentina (1947), “Silver Medal”, Universal Exhibition of Brussels, Belgium (1959) a Painting and abstractionFORMAT nd the Rubén Darío International Prize, First Prize. (1967) Highlighting from his Solo shows: Gallery Rubbers, Buenos Aires, Argentina (1957), Museum of Fine Arts of Caracas, Venezuela (1964), Pan American Union.Washington, United States (1972), Durban Segnini, Caracas, (1989), Boca Ratón United States (1990), Art Gallery, Uruguay 967, Argentina (2013), His works are present in large collections of international institutions such as, among others, National Museum of Fine Arts, Argentina, Museum of Fine Arts Venezuela, Museum of Modern Art of Latin America, United States, Luis Cuevas Museum, Mexico, Lowe Art Museum, USA and University of Essex Collection, United Kingdom.

Se inicia como artista autodidacta dotado de gran expresividad, cuando en 1947 obtiene el Segundo Premio del XXVI Salón Anual de MEEBA (Mutual de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes); la crítica se hacía ya eco de su particular sensibilidad. A principios de la década de 1950, contacta con el entorno surrealista que marca el inicio de la carrera de Chab. Influencias manifiestas en su primera exposición individual en 1952 en Buenos Aires y cuyas obras, de un surrealismo tardío, emplean collage combinados con texto poéticos. Representa a Argentina en la XXVIII Bienal Internacional de Venecia de 1956. Chab es un año más tarde, el gran inspirador, (junto con el poeta Aldo Pellegrini), del grupo conocido como “Siete pintores Abstractos”, grupo que afianza el empleo de la abstracción libre en Argentina, como lenguaje de infinitas combinaciones expresivas. Entre los años 1970 y 1980, Chab desarrolla especie de paisajes, donde se despliega una arquitectura de cuerpos humanos fragmentados dentro de un mundo de tinte psicodélico, anclado tanto en lo ficticio como en lo “real maravilloso”. En los años noventa, el artista recupera el interés simbólico por los animales presente en su obra de los años 1960. Ahonda en su estilo afiligranado, donde conviven en sugestivo equilibrio elementos tanto de la figuración, como de la abstracción y el expresionismo, convirtiendo al artista en uno de los más importantes de su generación dentro del lenguaje de la abstracción lírica latinoamericana. Entre sus premios más importantes están: “Salón MEEBA”, Segundo Premio, Buenos Aires, Argentina (1947);“Medalla de Plata”, Exposición Universal de Bruselas, Bélgica (1959) y el Premio Internacional Rubén Darío”, Primer Premio. Nicaragua (1967). De sus exposiciones individuales destacan: Galería Rubbers. Buenos Aires, Argentina (1957); Museo de Bellas Artes de Caracas. Venezuela (1964). Pan American Union.Washington, Estados Unidos (1972), Durban Segnini, Caracas, (1989); Boca Ratón Estados Unidos (1990); Art Gallery, Uruguay 967, Argentina (2013). Sus obras estan presente en grandes colecciones de instituciones internacionales como, entre otras, Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina, Museo de Bellas Artes, Venezuela; Museum of Modern Art of Latin América. Estados Unidos; Museo José Luis Cuevas, Mexico, Lowe Art Museum, Estados Unidos y University of Essex Collection, Reino Unido.

Víctor Chab (1930) Encuentro y despedida Collage y óleo sobre tela 78 1/2 x 94 1/4 (200 x 239 cm) 1987

MANUEL FELGUÃ&#x2030;REZ

Manuel Felguérez (Zacatecas, Mexico, 1928) Painter and sculptor. In the late forties, he studied at the San Pintor y escultor. A finales de los años cuarenta estudia en la Carlos Academy in Mexico City. At the beginning of the fifties, Academia de San Carlos de Ciudad de México. A principio de thanks to a scholarship from the French government he traveled los años cincuenta, gracias a una beca del gobierno francés to Paris where he studied at the Academy de la Grande viaja a París donde cursa estudios en la Academia de la Grande Chaumier and at the Colarossi Academy. There he perfected Chaumier y en la Academia Colarossi. Allí perfecciona su oficio his sculptural work with the master Ossip Zadkine, whose work escultórico con el maestro Ossip Zadkine, cuya obra influirá en will influence the young Felguérez. In the mid-fifties he became el joven Felguérez. A mediados de la década del cincuenta se one of the pioneers of the Abstract trend, provoking a true convierte en uno de los pioneros de la tendencia abstracta, renewal of the Mexican visual arts landscape in the second provocando una verdadera renovación del panorama de las half of the XX century. Between 1965 and 1990 he developed artes visuales mexicanas en la segunda mitad del SXX. Entre an intense teaching and research work that took him to Cornell 1965 y 1990, desarrolla una intensa labor docente y de University and Harvard University in the United States. He investigador que le llevan a la Universidad de Cornell y la tought Composition Classes in the National School of... Plastic Universidad de Harvard en los Estados Unidos. Imparte clases Arts and 1977 he became a researcher at the Institute of de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Aesthetic Research at UNAM. The work of Felguérez poses Nacional de Artes Plásticas y 1977 se convierte en investigador a dialectic between abstraction and expression. His paintings del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM. La articulate geometric figures as squares, triangles, circles obra de Felguérez plantea una dialéctica entre abstracción or rectangles, that collides with the imprint of an expressive y expresión. Sus pinturas articulan figuras geométricas como Informalism charged with gestural spontaneity. Among the cuadrados, triángulos, círculos o rectángulos, que colisiona most important prizes and recognitions: Great Prize of Honor con la impronta de un informalismo expresivo cargado de in the XIII Biennial of Sao Paulo (1975); Guggenheim Grant espontaneidad gestual. Entre los premios y reconocimientos Guggenheim Foundation (1975); National Prize of Sciences más importantes: Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de and Arts in the area of Fine Arts, Mexico (1988); Medal Sao Paulo (1975); Beca Guggenheim Fundación Guggenheim of the Fine Arts of Mexico (2016). The painting as well as (1975); Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Felguérez’ sculpture, has a strong conceptual profile, being an Bellas Artes, México (1988); Medalla de la Bellas Artes de art that overflows the world of sensibility to delve into concepts, México (2016). La pintura, así como la escultura de Felguérez, through which we can investigate and know the reality of the posee un fuerte perfil conceptual, siendo un arte que desborda current world.Among his most important exhibitions are Unión el mundo de la sensibilidad para adentrarse en los conceptos, Panamericana Gallery, Washington,D.C. (1960); Carpenter a través de los cuales podemos investigar y conocer la Center for the Visual Arts, Harvard University, Cambridge, realidad del mundo actual. Entre sus exposiciones más Massachusetts, (1976); Spanish Museum of Contemporary importantes se cuentan Galería de la Unión Panamericana, Art, Madrid, (1981); XLII Biennial of Venice, Mexican Pavilion, Washington, D.c. (1960); Carpenter Center for the Visual Venice (1986); “Manuel Felguérez”, Durban Segnini Gallery Arts, Universidad de Harvard, Cambridge, Massachusetts (Miami, 2016). His works are present in distinguished public (1976); Museo español de Arte Contemporáneo, Madrid, and private collections such as, among others, Carrillo Gil (1981); XLII Bienal de Venecia, Pabellón Mexicano, Venecia Art Museum, Mexico City. Manuel Felguérez Museum of (1986); “Manuel Felguérez”, Durban Segnini Gallery (Miami, Abstract Art, Zacatecas (Mexico). Museum of Modern Art 2016). Sus obras están presentes en distinguidas colecciones (Mexico) and National Bank Collection (Mexico). Among his públicas y privadas como, entre otras, Museo de Arte Carrillo most important exhibitions are Unión Panamericana Gallery, Gil, Ciudad de México. Museo de Arte Abstracto Manuel Washington,D.C. (1960); Carpenter Center for the Visual Felguérez, Zacatecas (México). Museo de Arte Moderno Arts, Harvard University, Cambridge, Massachusetts, (1976); (México) y Colección Banco Nacional (México). Spanish Museum of Contemporary Art, Madrid, (1981); XLII Biennial of Venice, Mexican Pavilion, Venice (1986); “Manuel Felguérez”, Durban Segnini Gallery (Miami, 2016). His works are present in distinguished public and private collections such as, among others, Carrillo Gil Art Museum, Mexico City. Manuel Felguérez Museum of Abstract Art, Zacatecas (Mexico). Museum of Modern Art (Mexico) and National Bank Collection (Mexico). 11

Manuel Felguérez (1928) Sin título 18/16 y 19/16 (Díptico) Óleo sobre tela 78.74 x 149.60 in. (200 x 380 cm) 2016 Publicada en el catálogo: “Felguérez” Paginas 34 – 37, foto #4. Durban Segnini Gallery. Miami, FL. Noviembre 2016 13

Manuel Felguérez (1928) Sin título 21/16 Óleo sobre tela 74.80 x 86.60 in. (190 x 220 cm) 2016

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Manuel Felguérez (1928) Sin título 8/16 Óleo sobre tela 57.09 x 106.03 in. (145 x 270 cm) 2016 17

JASON GALARRAGA

Jason Galarraga (Caracas, Venezuela, 1950) Painter and graphic designer. He studied at the Escuela de Artes Plásticas de Caracas (1968-1970) and at the Cristóbal Rojas School (1976-1979). He complements these artistic studies with those of graphic design at the Neumann Institute (1973-1977), where he will also teach in 1985. In 1980 he obtained an OAS scholarship to produce graphic arts projects in CEAGRAF, Costa Rica University. Between 1982 and 1984, he was hired by the prestigious advertising agency Arts. In 1988 he moved to Paris with an employment exchange program in Conac, where he lived for several years until he settled in Caracas in 1996. His most important grants include, among others, First Prize at the I Salón Tito Salas (Cámara de Commerce and Industry of the State Aragua, Maracay, 1980) and the “Palette de Or” Prize of the XXIIII International Painting Festival, in Cagnes Sur Mer (France, 1992). The work of Galarraga is inspired by everyday life, objects and merchandise, whose consumption conditions society and culture in times of globalization. It is a Neo Figurative painting of flat colors and aesthetic breath of a pop of urban vocation. In his pictorial work Galarraga uses iconographies made with templates and its combination with collage. A pictorial job that include winks to the world of advertising and play with the semantic values of written and visual language. It is a painting that investigates the mechanisms of communication through the multiple relationships of meaning that are established between objects and things and their representation through the images. Among his most important exhibitions are: “Mirar et revoir”, Espacio Niepce, (Paris, 1993); “Paintings”, Gallery Mailletz, (Paris, 1994), “Dames et damiers”, Art Present Gallery, (Paris, 1994); “Illo Tempore”, Durban- Segnini Gallery (Miami, 2004); “My favorite things”. 39 Gallery, (Caracas, 2009); “Twenty love drawings and a desperate painting”, French Alliance, (Caracas, 2013). His work is represented in important collections of public and private institutions such as: National Art Gallery (Caracas), Banco Mercantil de Venezuela, and the Polar Foundation, (Caracas).

Pintor y diseñador grafico. Estudia en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas (1968-1970) y en la Escuela Cristóbal Rojas (1976-1979). Complementa estos estudios artísticos con los de diseño gráfico en el Instituto Neumann (1973-1977), del que será docente en 1985. En 1980 obtiene una beca de la OEA para realizar proyectos de artes gráficas aplicadas en CEAGRAF, universidad de Costa Rica. Entre 1982 y 1984, ficha con la prestigiosa agencia de publicidad Arts. En 1988 se traslada a París con una bolsa de trabajo de Conac, ciudad donde vivirá por varios años hasta que fija residencia en Caracas en 1996. De sus premios más importantes destacan, entre otros, Primer premio en el I Salón Tito Salas (Cámara de Comercio e Industria del Estado Aragua, Maracay, 1980) y el Premio “Palette de Or” del XXIIII Festival Internacional de la Pintura, en Cagnes Sur Mer (Francia, 1992). La obra de Galarraga está inspirada en la cotidianeidad, en los objetos y mercancía, cuyo consumo condicionan la sociedad y la cultura en tiempos de la globalización. Es una pintura neo figurativa, de colores planos y aliento estético de un pop de vocación urbana. En su oficio pictórico Galarraga emplea iconografías realizadas con plantillas y su combinación con el collage. Un oficio pictórico que incluyen guiños al mundo de la publicidad y el juego con los valores semánticos del leguaje escrito y visual. Es una pintura, que investiga los mecanismos de comunicación a través de las múltiples relaciones de significación que se establecen entre los objetos y las cosas y su representación a través de las imágenes. Entre sus exposiciones más importantes sobre salen “Mirar et revoir”, Espacio Niepce, (París, 1993); “Pinturas”, Gallery Mailletz, (París, 1994), “Dames et damiers”, Art Present Gallery, (París, 1994); “Illo Tempore”; Galería Durban-Segnini (Miami, 2004); “Mis cosas Favoritas”. 39 Gallery, (Caracas, 2009); “Veinte dibujos de amor y una pintura desesperada”, Alianza Francesa, (Caracas, 2013). Su obra está representada en importantes colecciones de instituciones públicas y privadas como entre otras, Galería de Arte Nacional (Venezuela), Banco Mercantil de Venezuela y Fundación Polar (Venezuela).

Jason Galarraga (1950) Sin tĂtulo Ă&#x201C;leo sobre tela 75.5 x 93.75 (191.77 x 238.13 cm) 1985

FLAVIO GARCIANDÍA

Flavio Garciandía (Villa Clara, Cuba, 1954) Painter. Lives and works in Mexico. In 1967 he joined the Provincial School of Art Rolando Escardo, in 1973 at the National Art School (Cubanacan) and in 1980 graduated from the Higher Institute of Art (ISA) in Havana. Among the seventies and eighties he developed an intense teaching activity, first as a teacher of Drawing and Painting at the School of Plastic Arts of Santa Clara Leopoldo Romañach and then as a Painting professor at the ISA (1981-1990). In those years he worked as a specialist in the Department of Fine Arts. In 1978 he was awarded by the Slovak Arts Economic Forum (Czechoslovakia) and in 1982 represented Cuba in the XII Biennial de Paris (France). In 1986 he received the Guggenheim Foundation Fellowship (New York, USA), in 1988 the Distinction for National Culture and the Alejo Carpentier Medal in 1995, both awarded by the State Council of the Republic of Cuba. In the mid-seventies he made himself known in the art scene as a hyperrealist painter of neo-romantic spirituality, although later his work begun to cite expressive resources of both Abstraction and Figurative art, Conceptual and Expressionist art, to derive what the artist has ironically called “new tropical Abstraction”. Among his most important solo exhibitions highlight: On Painting, Centro Atlántico de Arte Moderno (Gran Canaria, Spain, 2013); N’a que ver, Centro Morelense de las Artes (Cuernavaca, Mexico, 2009); Rise or decline of Cuban art, Museo Nacional de Bellas Artes (Havana, Cuba, 2006); Flavio Garciandía, Paintings, Georgia State University, School of Art / Design Gallery (Atlanta, USA, 2002); Clifford Still picking mangoes in my backyard, Museum of Fine Arts (Santa Fe, USA, 2001); Flavio Garciandía, El Patio Gallery (Bremen, Germany, 1992) and Tropicalia I, The Central Space, Faroe Road Studios (London, England, 1989). Flavio Garciandía’s works are in prestigious private collections and museum institutions in Latin America, the United States and Europe such as: Museo Nacional de Bellas Artes (Havana, Cuba), Museo Carrillo Gil (Mexico), Museum of Modern Art (Lods, Poland) and Museum of Modern Art La Tertulia (Cali Colombia).

Pintor. Reside y trabaja en México. En 1967 ingresa en la Escuela Provincial de Arte Rolando Escardo, en 1973 en la Escuela Nacional de Arte (Cubanacan) y en 1980 se gradúa del Instituto Superior de Arte (ISA) de La Habana. Entre los años setenta y ochenta desarrolla una intensa actividad docente, primero como profesor de Dibujo y Pintura en la Escuela de Artes Plásticas Leopoldo Romañach de Santa Clara y luego como profesor de Pintura en el ISA (1981-1990). Por esos años, trabaja como especialista de la Dirección de Artes Plásticas. En 1978 es premiado por el Fondo Económico de las Artes Plásticas Eslovacas (Checoslovaquia) y en 1982 representa a Cuba en la XII Bienal de París (Francia). En 1986 recibe el Guggenheim Foundation Fellowship (Nueva York, USA), en 1988 la Distinción por la Cultura Nacional y en 1995 la Medalla Alejo Carpentier, otorgada por el Consejo de Estado de la República de Cuba. A mediados de los años setenta, se da a conocer en el panorama artístico como pintor hiperrealista de espiritualidad neorromántica, si bien más adelante su obra comienza a citar recursos expresivos tanto de la abstracción como del arte figurativo, el arte conceptual y expresionista, para derivar en lo que el artista ha llamado irónicamente «nueva abstracción tropical». Entre sus exposiciones personales más importantes resaltan: On Painting, Centro Atlántico de Arte Moderno (Gran Canaria, España, 2013); N’a que ver, Centro Morelense de las Artes (Cuernavaca, México, 2009); Auge o decadencia del arte cubano, Museo Nacional de Bellas Artes (La Habana, Cuba, 2006); Flavio Garciandía, Paintings, Georgia State University, School of Art/Design Gallery (Atlanta, USA, 2002); Clifford Still recogiendo mangos en mi patio, Museum of Fine Arts (Santa Fe, USA, 2001); Flavio Garciandía, Galería El Patio (Bremen, Alemania, 1992) y Tropicalia I, The Central Space, Faroe Road Studios (Londres, Inglaterra, 1989). Las obras de Flavio Garciandía se encuentran en prestigiosas colecciones privadas e instituciones museísticas de América Latina, Estados Unidos y Europa. Entre ellas destacan: Museo Nacional de Bellas Artes (La Habana, Cuba), Museo Carrillo Gil (México), Museo de Arte Moderno (Lods, Polonia) y Museo de Arte Moderno La Tertulia (Cali, Colombia)

Flavio Garciandía (1954) Wendy en su laberinto (Díptico) Óleo sobte tela 78 3/8 x 110.25 in. (200 x 280 cm) 2005 25

MATEO MANAURE

Mateo Manaure (Uracoa, Venezuela, 1926 - 2018) Painter, muralist, sculptor, printmaker, graphic designer and illustrator. He studied between 1941 and 1946 at the Cristóbal Rojas School of Fine and Applied Arts of Caracas. He traveled to Paris in 1947 when he won the first National Arts Award for young artists. A year later he participated in Caracas in the founding of the Taller Libre de Arte. He returned to Paris in 1950 taking part in the group Los Disidentes. Back in Caracas in 1952, he founded, together with sculptor Carlos González Bogen, the Cuatro Muros Gallery, organizing the ”Primera exposición Internacional de Arte Abstracto” in the country. Among other awards, he received prestigious ones like the John Boulton Award in 1950 and the Federico Brandt Award in 1953, both granted by the Salón Oficial. He also was awarded in 1994 the Armando Reverón Grant by the Venezuelan Association of Fine Artists. The Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure in Maturín, Monagas state, was inaugurated in 2008. In Paris, his work evolved towards geometric abstraction and then to lyrical abstraction. He made murals, geometric abstract type stained glass and polychromes, to collaborate with the Artistic Integration Project at Ciudad Universitaria. Early in the 60s he returned to the figurative art with several colleges, but went back again to geometric abstraction in the early 70s. Among his most important solo exhibitions are: “Mateo Manaure. Pascual Navarro”, Museo de Bellas Artes (Caracas, 1947); Museo de Bellas Artes (Caracas, 1965); “Suelos de mi tierra”, Eugenio Mendoza Foundation (Caracas, 1967); “Columnas policromadas. Obras recientes, materiales diversos, acrílico, laca, estampaciones”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (Caracas, 1977); Durban Gallery (Caracas 1994) and “Einblicke ins neue Jahrtausend”, María Isabel Haldner Galerie (Zurich, 1999). His works are present in museums and including, among others: Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure (Maturín, Venezuela); the Museum of Modern Art (New York, USA) and Patricia Phelps de Cisneros Collection (Caracas, Venezuela).

Pintor, muralista, escultor, grabador, diseñador gráfico e ilustrador. Entre 1941 y 1946 estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristóbal Rojas de Caracas. En 1947 viaja a París, cuando gana el primer Premio Nacional de Artes Plásticas para Artistas Jóvenes. Un año después participa en Caracas en la fundación del Taller Libre de Arte. En 1950 regresa a París, donde forma parte del grupo Los Disidentes. Vuelve a Caracas en 1952 y funda junto con el escultor Carlos González Bogen la Galería Cuatro Muros, que organiza la Primera Exposición Internacional de Arte Abstracto en el país. Destacan, entre otros galardones, el Premio John Boulton en 1950 y el Premio Federico Brandt en 1953, otorgados ambos por el Salón Oficial. En 1994 recibe además el Premio Armando Reverón de la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos. En 2008 se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure en Maturín, estado de Monagas. En París su obra evoluciona hacia la abstracción geométrica y luego hacia la abstracción lírica. Como colaboración al Proyecto de Integración de las Artes en la Ciudad Universitaria realiza murales, vitrales de tipo abstracto geométrico y policromías. A principios de la década del 60 retoma el arte figurativo con una serie de collages, pero vuelve a la abstracción geométrica a principios de años 70. Entre sus muestras personales más importantes destacan: Mateo Manaure. Pascual Navarro, Museo de Bellas Artes (Caracas, 1947); Museo de Bellas Artes (Caracas, 1965); Suelos de mi tierra, Fundación Eugenio Mendoza (Caracas, 1967); Columnas policromadas. Obras recientes, materiales diversos, acrílico, laca, estampaciones, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (Caracas, 1977); Galería Durban (Caracas, 1994) y Einblicke ins neue Jahrtausend, Galerie Marpia Isabel Haldner (Zúrich, 1999). Sus obras están presentes en museos y colecciones como: Museo de Arte Contemporáneo Mateo Manaure (Maturín, Venezuela); Museum of Modern Art (Nueva York, USA) y Colección Patricia Phelps de Cisneros (Caracas, Venezuela).

Mateo Manaure(1926 - 2018) Figura Geométrica (Tríptico) Óleo sobre tela 165 x 190 cm Total medidas tríptico. 165 x 570 cm Firmadas y fechadas por detrás de cada una de las piezas 1987 29

CÃ&#x2030;SAR PATERNOSTO

César Paternosto, (La Plata, Argentina 1931). Painter, sculptor, and writer. He studied law at the National University of La Plata between 1951 and 1958. In this same institution, he studied at the School of Fine Arts and Aesthetics and at the Philosophy Institute from 1957 to 1961. In 1965 he was awarded First Prize at the Salón de la Joven Pintura. He moved to New York in 1967, where he lived until 2004. In 1977 he immerses himself in pre-Columbian sculpture, making several trips to Argentina, Bolivia, and Perú. Two years later, Paternosto worked at the archaeological sites of Cuzco and Nazca, and in 1986 in similar projects in Mexico. He presented his research at conferences and in the exhibition “Abstraction. The Amerindian Paradigm”, held between 2001 and 2002 in Valencia and Brussels. In 1972 the John... Simon Guggenheim Memorial Foundation awarded him a painting grant. It was followed by another in 1980 from the Pollock-Krasner Foundation and finally, in 1991 the Adolph and Esther Gottlieb Foundation grant. Inspired by Joaquín Torres García and art Madí, he abandons the abstract expressionist poetics to enter the geometric field, approaching the coordinates of concreteness. Paternosto explored the expressive possibilities of the edge of the canvas in the late sixties, achieving the painting’s transformation into an object, attracting the viewer’s interest in the front perspective. Among his most important solo exhibitions are: Rubbers Internacional Gallery (Buenos Aires, 1962); Galerie Denise René (New York, 1973); Center for InterAmerican Relations (New York, 1981); “Works 1961/1987”, San Telmo Foundation (Buenos Aires, 1987); “Paintings, Sculpture & Works on Paper”, Cecilia de Torres Gallery (New York, 1995); Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente (Segovia, 2004). His works are present in museums and collections including among others: Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, USA); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, Spain); Kunstmuseum Bern (Berna, Suiza); Städtisches Museum Abteiberg (Mönchengladbach, Alemania); Ella FontanalsCisneros Collection (Miami, USA) and Patricia Phelps de Cisneros Collection (Caracas, Venezuela).

Pintor, escultor y escritor. Entre 1951 y 1958 estudia Derecho en la Universidad Nacional de La Plata. En esta misma institución estudia en la Escuela de Bellas Artes y Estética, así como en el Instituto de Filosofía de 1957 a 1961. Le es otorgado el Primer Premio del Salón de la Joven Pintura de 1965. En 1967 se traslada a Nueva York, donde reside hasta 2004. En 1977 realiza una inmersión en la escultura precolombina a través de viajes que le llevan por Argentina, Bolivia y Perú. Dos años más tarde trabaja en el registro de sitios arqueológicos de Cuzco y Nazca, y en 1986 en proyectos similares desarrollados en México, investigaciones que expone en forma de conferencias y como muestra a través de la colectiva Abstracción. El paradigma amerindio, presentada entre 2001 y 2002 en Valencia y Bruselas. En 1972 la John Simon Guggenheim Memorial Foundation le concede una beca de pintura. Le seguirían otra en 1980 de la Pollock-Krasner Foundation y por último la beca de Adolph and Esther Gottlieb Foundation otorgada en 1991. Inspirado en Joaquín Torres García y el arte Madí abandona la poética abstracto expresionista para recalar en las órbitas geométricas y se aproxima a las coordenadas del concretismo. Explora las posibilidades expresivas del canto de los lienzos a finales de los sesenta, compulsando la transformación del cuadro en objeto y despertando el interés de una perspectiva frontal del espectador. Entre sus exposiciones personales más importantes destacan: Galería Rubbers Internacional (Buenos Aires, 1962); Galerie Denise René (Nueva York, 1973); Center for InterAmerican Relations (Nueva York, 1981); Obras 1961/1987, Fundación San Telmo (Buenos Aires, 1987); Paintings, Sculpture & Works on Paper, Galería Cecilia de Torres (Nueva York, 1995); Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente (Segovia, 2004). Sus obras están presentes en museos y colecciones como: Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, USA); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España); Kunstmuseum Bern (Berna, Suiza); Städtisches Museum Abteiberg (Mönchengladbach, Alemania); Ella Fontanals-Cisneros Collection (Miami, USA) y Patricia Phelps de Cisneros Collection (Caracas, Venezuela). de Ginebra (Suiza); Museo de Arte Contemporáneo de Zulia (Maracaibo, Venezuela) y MADI Museum & Gallery (Texas, USA).

César Paternosto (1931) Saywite Técnica mixta sobre tela 63.98 x 63.98 in. (162.5 x 162.5 cm) 1977

EDUARDO RAMÍREZ-VILLAMIZAR

Eduardo Ramírez-Villamizar, Pamplona, (Colombia), 1923 – Bogotá, 2004. Painter and sculptor. He studied architecture for four years, a career he gave up for painting. He started as an expressionist painter, a tendency that he left behind in 1950 in Paris, when he discovered geometric abstraction. In 1955 he made the first non-objective mural in Colombia. In 1959 he won first prize in painting at the XII Salón Nacional de Artistas with his artwork Horizontal en blanco y negro, and that same year he carries out in Bogotá the mural Relieve dorado, a large format and clear allusions to the pre-Columbian design. A creative combination of flat shapes related through straight lines or curves and organically articulated, characterized the visualization of his geometric abstract poetic. Ramírez Villamiz... ar lived and worked in New York from 1967 to 1974. In 1973 he performed other public sculptures in the United States: Hexagon in New York and De Colombia to John Kennedy in Washington. In 1976 Ramírez Villamizar is invited to the XXXVI Venice Biennale. Among his most important solo exhibitions are: “Eduardo Ramírez, Sculptor”, David Herbert Gallery (New York, 1960); “Eduardo Ramírez Villamizar: exposición retrospectiva, 1958-1972”, Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1972); “El espacio en forma: Eduardo Ramírez Villamizar, exposición retrospectiva 1945-1985”, Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, 1985-86); Museo Rufino Tamayo (Mexico, DF, 1990); Galerie Denise René (Paris, 1998); “Ramírez Villamizar: Geometry, Abstraction, Connotation: Sculptures”, Durban Segnini Gallery (Miami, 2007). His works are represented in major museums and collections including, among others: Museum of Modern Art (New York, USA); Banco de la República (Bogotá, Colombia); Museo de Arte Moderno de Bogotá (Bogotá, Colombia); Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro (Río de Janeiro, Brasil); Banco de la República (Bogotá, Colombia) and and South Window Collection (Glendale, California, USA) Museo de Bellas Artes (Houston, USA). MFAH., Colección Patty y Gustavo Cisneros (Caracas, Venezuela), Museo de Bellas Artes (Caracas, Venezuela), Museo Sofía Imber (Caracas, Venezuela) y Museo Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela).

Pintor y escultor. Estudia Arquitectura durante cuatro años, carrera que abandona por la pintura. Se inicia como pintor expresionista, tendencia que deja atrás en 1950 durante su estancia en París, cuando descubre el abstraccionismo geométrico. En 1955 realiza el primer mural no objetivo en Colombia. En 1959 gana el Primer Premio de Pintura en el XII Salón Nacional de Artistas con la obra Horizontal en blanco y negro, y ese mismo año lleva a cabo en la capital colombiana el mural Relieve dorado, de gran tamaño y claras alusiones al diseño precolombino. Una combinación creativa de formas planas relacionadas a través de líneas rectas o curvas que se articulan orgánicamente entre sí van a caracterizar la visualidad de su poética abstracta geométrica. Entre 1967 y 1974 reside y trabaja en Nueva York. En 1973 realiza o... tras esculturas públicas en Estados Unidos: Hexágono en Nueva York y De Colombia a John Kennedy en Washington DC. En 1976 Ramírez Villamizar es invitado a la XXXVI Bienal de Venecia. Entre sus exposiciones personales más importantes están: Eduardo Ramírez, Sculptor, David Herbert Gallery (Nueva York, 1960); Eduardo Ramírez Villamizar: exposición retrospectiva, 1958-1972, Museo de Arte Moderno (Bogotá, Colombia, 1972); El espacio en forma: Eduardo Ramírez Villamizar, exposición retrospectiva 1945-1985, Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, Colombia, 1985-86); Eduardo Ramírez Villamizar, esculturas: homenaje a los artífices precolombinos, Museo Rufino Tamayo (México, DF, 1990); Galerie Denise René (París, 1998); Ramírez Villamizar: Geometry, Abstraction, Connotation: Sculptures, Durban Segnini Gallery (Miami, 2007). Sus obras están presentes en importantes museos y colecciones y museos: Museum of Modern Art (Nueva York, USA); Banco de la República y Museo de Arte Moderno de Bogotá (Bogotá, Colombia); Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro (Río de Janeiro, Brasil); Banco de la República (Bogotá, Colombia) y Window South Collection (Glendale, California, USA) Museo de Bellas Artes (Houston, USA). MFAH., Colección Patty y Gustavo Cisneros (Caracas, Venezuela), Museo de Bellas Artes (Caracas, Venezuela), Museo Sofía Imber (Caracas, Venezuela) y Museo Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela). 35

Eduardo Ramirez-Villamizar (1922 – 2004) Sin título Acrílico sobre tela 66.93 x 66.93 in. (170 x 170 cm) 1994

JUVENAL RAVELO

Juvenal Ravelo (Caripito, Venezuela, 1932) Painter. Lives and works in Venezuela. Between 1952 and 1958 he studied at the School of Fine and Applied Arts of Caracas and at the School of Visual Arts Martin Tovar y Tovar of Barquisimeto, Lara (Venezuela). He teached the chairs of History of Art, Drawing and Printmaking at the School of Fine Arts Cristobal Rojas in Caracas. In 1964, he traveled to Paris and attended the University of the Sorbonne, where he studied Sociology of Art with Pierre Francastel and Jean Cassou. In 1971 he obtained the National Prize at the III Cagnes-sur-Mer International Art Festival, France; in 2006 the National Prize of Fine Arts and two years later the National Culture Award. Inspired by the work of Mateo Manaure, the production of Juvenal Ravelo develops a formal disqu... isition on the pictorial Kinetic within the abstract-geometric language through what he calls “fragmentation of light” from monochrome structures. Juvenal’s world of art works is the world of relativity. His pieces introduce the events of a reality that is reluctant to be apprehended by human perception. No categorical system can reveal the complexity and totality of reality, hence all knowledge must be said, not absolutely but in relative magnitudes. Among the most important personal exhibitions held around Juvenal Ravelo’s work highlight: Juvenal Ravelo. Fragmentation of light and color, Durban Segnini Gallery (Miami, USA, 2015); Art of participation in the street (Marcigny, France, 2012); Expo Laboratorio, Museum of Contemporary Art of Zulia (Maracaibo, Venezuela, 2008); Mural en espacio urban. Módulos cromáticos, Avenida Libertador, Chacao (Caracas, Venezuela); Fragmented light, Latin American Area (Paris, 1981). Juvenal Ravelo’s work is present in public and private collections among which are: Foundation Bertrand Russell (Nottingham, England); Ministry of Culture (France); Museum of Havana (Cuba); Museum of Ciudad Bolivar (Venezuela) and Museum of Modern Art of the City of Paris (France).

Pintor. Reside y trabaja en Venezuela. Entre 1952 y 1958 estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas y en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar y Tovar de Barquisimeto, Estado Lara (Venezuela). Se desempeña como docente en la Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas de Caracas, donde imparte las cátedras de Historia del Arte, Dibujo y Grabado. En 1964 se traslada a París y asiste a la Universidad de La Sorbona, donde realiza estudios de Sociología del Arte con Pierre Francastel y Jean Cassou. En 1971 obtiene el Premio Nacional en el III Festival Internacional de Arte de Cagnessur-Mer, Francia; en 2006 el Premio Nacional de Artes Plásticas y dos años más tarde el Premio Nacional de Cultura. Inspirada en la obra de Mateo Manaure, la producción de Juvenal Ravelo desarrolla una disquisición formal sobre el cinetismo pictórico dentro del lenguaje abstracto-geométrico, a través de lo que él llama «fragmentación de la luz» a partir de estructuras monocromas. El mundo de las obras de Juvenal es el mundo de la relatividad; sus piezas introducen los acontecimientos de una realidad que se muestra reacia a ser aprehendida por la percepción humana. Ningún sistema categorial puede desvelar la complejidad y totalidad de la realidad, de ahí que todo conocimiento debe afirmarse, no en lo absoluto, sino en las magnitudes relativas. Entre las muestras personales más importantes llevadas a cabo en torno a la obra de Juvenal Ravelo se cuentan: Juvenal Ravelo. Fragmentación de la luz y el color, Galería Durban Segnini (Miami, USA, 2015); Arte de participación en la calle (Marcigny, Francia, 2012); Expo Laboratorio, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (Maracaibo, Venezuela, 2008); Mural en espacio urbano. Módulos cromáticos, Avenida Libertador, Municipio Chacao (Caracas, Venezuela); Luz fragmentada, Espacio Latinoamericano (París, Francia, 1981). La obra de Juvenal Ravelo está presente en colecciones públicas y privadas entre las que destacan: Fundación Bertrand Russell (Nottingham, Inglaterra); Ministerio de Cultura (Francia); Museo de La Habana (Cuba); Museo de Ciudad Bolívar (Venezuela) y Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París (Francia).

Juvenal Ravelo (1934), FragmentaciĂłn de la luz y el color AcrĂlico sobre mdf, metal y elementos reflectantes 78.74 x 42.52 in. (200 x 108 cm) 2014

Juvenal Ravelo (1934) FragmentaciĂłn de la luz y el color AcrĂlico sobre mdf, metal y elementos reflectantes 42.52 x 78.74 in. (108 x 200 cm) 2014

Juvenal Ravelo (1934) FragmentaciĂłn de la luz y el color AcrĂlico sobre mdf, metal y elementos reflectantes 42.52 x 78.74 in. (108 x 200 cm) 2014 43

LUISA RICHTER

Luisa Richter (Besigheim, Germany, 1928 - Caracas, Venezuela, 2015) Painter. In 1946 until 1949 she joined the März Academy of Stuttgart and the Independent School of Art (Germany). Between 1948 and 1955 she studied at the National Academy of Fine Arts in Stuttgart with master Willi Baumeister, European Abstractionism key figure; in that mentioned city she also took Existential Philosophy courses with Max Bense at the Technical University. While publishing illustrations for the magazines Stuttgarter Leben or Die Welt der Frau and editorials such us Egon Schuler and Bechtle Verlag, she traveled to Paris and Rome. In 1955 she fixed residence in Caracas, where between 1969 and 1987 she worked as a teacher for Analytical Drawing and Composition at the Neumann Institute. In 1967 she received the National Prize for Drawing and Printmaking and in 1978 represents Venezuela in the XXXVIII Venice Biennale. Four years later she was granted with the National Prize of Fine Arts. Her first pieces run through the figurative-expressionist poetic, though in the sixties her work heeled toward Abstraction with expressionist dyes that mark his later career. Luisa Richter’s work has its discursive sources in existential philosophy as well as in literature and mythology of German Romanticism, elements retaken afterwards by great figures of German art such as Anselm Kiefer. Among her most important exhibitions highlight: Cultural Association Humboldt and Goethe Institute Caracas (Venezuela, 2009); Bietigheim City Gallery (Germany, 2006); Leaves of my diary (Caracas, Venezuela, 2001); Poesie über Grenzen, American Institute (Berlin, 1998); Collages of Luisa Richter, Durban Segnini Gallery (Caracas, Venezuela, 1991); National Museum of Visual Arts (Montevideo, Uruguay, 1981); On paper, Museo Nacional de Bellas Artes (Caracas, Venezuela, 1969). Her works are present in prestigious private collections and public museums in Europe, the United States and Latin America, among which stand out: Braniff, University of Texas (USA); National Gallery (Stuttgart, Germany); Museum of Modern Art (Rio de Janeiro, Brazil); UNESCO (New York, USA); Anzoategui Museum (Barcelona, Spain) and Museum of Contemporary Art (Bogota, Colombia).

Pintora. Entre 1946 y 1949 ingresa en la Academia März de Stuttgart y en la Escuela Independiente de Arte (Alemania). De 1948 a 1955 estudia en la Academia Nacional de Artes Plásticas de Stuttgart con el maestro Willi Baumeister, figura clave del abstraccionismo europeo; en esa misma ciudad cursa también Filosofía Existencial con Max Bense en la Universidad Técnica. Mientras publica ilustraciones para las revistas Stuttgarter Leben o Die Welt der Frau y las editoriales Egon Schuler y Bechtle Verlag, viaja a París y Roma. En 1955 fija residencia en Caracas, donde entre 1969 y 1987 se desempeña como docente e imparte clases de Dibujo Analítico y Composición en el Instituto Neumann. En 1967 recibe el Premio Nacional de Dibujo y Grabado y en 1978 representa a Venezuela en la XXXVIII Bienal de Venecia. Cuatros años más tarde recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. Sus primeras piezas discurren por la poética figurativa-expresionista, aunque ya en la década de los sesenta su trabajo se escora hacia una abstracción de tintes expresionistas que marcan su trayectoria posterior. La obra de Luisa Ritchter tiene sus fuentes discursivas en la filosofía existencial, así como en la literatura y la mitología del romanticismo alemán, elementos que luego retomarían grandes figuras del arte alemán como por ejemplo Anselm Kiefer. Entres sus exposiciones más importantes destacan: Asociación Cultural Humboldt e Instituto Goethe Caracas (Venezuela, 2009); Galería de la Ciudad Bietigheim (Alemania, 2006); Hojas de mi diario (Caracas, Venezuela, 2001); Poesie über Grenzen, Instituto Iberoamericano (Berlín, Alemania, 1998); Collages de Luisa Richter, Galería Durban Segnini (Caracas, Venezuela, 1991); Museo Nacional de Artes Plásticas y Visuales (Montevideo, Uruguay, 1981); Sobre papel, Museo Nacional de Bellas Artes (Caracas, Venezuela, 1969). Sus obras están presentes en prestigiosas colecciones privadas y museos públicos de Europa, Estados Unidos y América Latina, entre las que resaltan: Braniff, Universidad de Texas (USA); Galería Nacional (Stuttgart, Alemania); Museo de Arte Moderno (Río de Janeiro, Brasil); UNESCO (Nueva York, USA); Museo de Anzoátegui (Barcelona, España) y Museo de Arte Contemporáneo (Bogotá, Colombia).

Luisa Richter (1928 â&#x20AC;&#x201C; 2015 ) Viene del mar del viento de unos barcos AcrĂlico sobre tela 150 x 250 cm. 1992

CARLOS ROJAS

Carlos Rojas, (Facatativa, Colombia, 1933 – 1997) Painter and sculptor. Began studying architecture at the Javeriana University in Bogotá, though he interrupted in 1958 to travel to Italy on a scholarship. In Rome, he studied art at the School of Fine Arts and Design Institute of Applied Arts in Rome. In 1958 he was invited to the Venice Biennale and in 1975 to the XIII Biennale of São Paulo (Brazil). In 1961 he worked as a professor of design and drawing in the Department of Architecture at the Universidad Nacional de Colombia. In 1963 he went to the United States and Mexico to study. He received the first special award in painting at the XVII Salón de Artistas Nacionales of 1965 and the same distinction, four years later, at the XX Salón de Artistas Nacionales. He was the professor of architectural design at the Colegio Mayor de Cundinamarca, and for painting at the School of Fine Arts at the Universidad de Los Andes and the Universidad Jorge Tadeo Lozano of Bogotá. His early works are compositions in which emerge Cubist and pop art influences with motifs of traditional painting, tendencies he left behind to plunge into the waters of geometric abstract poetics. Characteristic of his work is a rationalization of lines and planes, whose trajectories create right angles on the canvas or its space, fueled by colored bands and horizontal planes inspired by nature, the popular culture and the Colombian rural landscape. Among his most important exhibits are: “Ingeniería de la visión”, Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, 1969); “Un proceso”, Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1974); “Del cubismo a El Dorado”, Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1984); “Carlos Rojas: Carlos Rojas vuelto a ver”, Galería Casas Riegner (Bogotá, 2007). His works are in museums and collections among which are: Museum of Modern Art (New York, USA); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Buenos Aires, Argentina); Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, Colombia); Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (Caracas, Venezuela); Museu de Arte Moderna (Río de Janeiro, Brasil) y Museo Nacional de Colombia (Bogotá, Colombia).

Pintor y escultor. Inicia estudios de arquitectura en la Universidad Javeriana de Bogotá, que abandona en 1958 para viajar a Italia con una beca. En Roma estudia arte en la Escuela de Bellas Artes y Diseño Aplicado del Instituto de Artes de Roma. En 1958 es invitado a la Bienal de Venecia y en 1975 a la XIII Bienal de São Paulo. En 1961 colabora como profesor de diseño y dibujo en el Departamento de Arquitectura de la Universidad Nacional de Colombia. En 1963 realiza un viaje de estudios por Estados Unidos y México. En 1965 recibe el Primer Premio Especial en Pintura del XVII Salón de Artistas Nacionales, que cuatro años después le otorga la misma distinción. Fue profesor de dibujo arquitectónico en el Colegio Mayor de Cundinamarca y de pintura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de los Andes, así como en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. Sus primeras obras son composiciones en las que afloran influencias cubistas y del pop art, con motivos de la pintura tradicional, tendencias que deja atrás para sumergirse en las aguas de la poética abstracto geométrica. Es característica de su obra la racionalización de las líneas y planos, cuyas trayectorias forman ángulos rectos sobre el lienzo o el espacio, avivados por bandas de colores planos y horizontales inspirados en la naturaleza, la cultura popular y el paisaje rural colombiano. Entre sus exposiciones más importantes están: Ingeniería de la visión, Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, 1969); Un proceso, Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1974); Del cubismo a El Dorado, Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1984) y Carlos Rojas: Carlos Rojas vuelto a ver, Galería Casas Riegner (Bogotá, 2007). Sus obras están presentes en diferentes museos y colecciones entre las que destacan: Museum of Modern Art (New York, USA); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Buenos Aires, Argentina); Biblioteca Luis Ángel Arango (Bogotá, Colombia); Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber (Caracas, Venezuela); Museu de Arte Moderno de Río de Janeiro (Río de Janeiro, Brasil) y Museo Nacional de Colombia (Bogotá, Colombia).

Carlos Rojas (1923 – 1997) Sin Título Técnica mixta sobre tela 67 x 67 in. (170 x 170 cm) 1988

Carlos Rojas (1923 – 1997) Sin Titulo Técnica mixta sobre tela 67 x 67 in. (170 x 170 cm) 1989-90

ANTONIO SEGUÍ

Antonio Seguí (Córdoba, Argentina, 1934) Painter, sculptor and illustrator. He studied at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid and at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. He returned to Córdoba in 1954 and worked as an editor in the local newspaper Orientación covering the police and judicial sections. That same year he began studies of advocacy that he would quit later to dedicate himself entirely to the art world. In the late fifties and early sixties, he traveled to Latin America with a particular stop in Mexico, where he became friends with the great Mexican muralist Siqueiros. For those years he works intensely as an illustrator for magazines and other publications. In 1963 he was invited to the Biennial of Young Painting organized by the... Museum of Modern Art of Paris and he established his study in the city. Among his awards and recognitions are: Prize of the Museum of Lodz, Poland, (1967); Bibliophilia Prize, Office de Promotion de I’Edition Francaise Paris, France (1978); Chevalier de L’Oré des Arts et des Lettres France (1983), the Grand Prize of Plastic Arts of the Di Tella Institute of Buenos Aires, Argentina (1989); Corresponding Member of the European Academy of Sciences, Arts and Letters, France (1993). The work of Seguí has a marked figurative character, with Expressionist inspiration but with cynicism, humor and parody staining the spirit of his characters. Spreading out narratives like great frescoes, about the contradictory relationship between city and man, between his private existence and public life in modern society. Among his most important exhibitions are: “Antonio Seguí” Galerie Claude Bernard (Paris, 1968); Lefebre Gallery, (New York, 1972); Musée de Louvain-la-Neuve (Belgium, 1983); Museum of Fine Arts (Caracas, 1991); Rufino Tamayo Museum (C. Mexico, 1997); Durban Segnini Gallery, (Miami, 2013); “I followed, the peinture in miroirs”, Musée de l’Hospice Saint-Roch, (Issoudun, 2016). His work has been represented in numerous private and public collections, such as: National Museum of Fine Arts, (Argentina); Städtisches Museum, Leverkusen (Germany); Museum of Modern Art (Brazil); Museum of Modern Art, MOMA, (U.S.A) Solomon R. Guggenheim Museum (U.S.A) and Museum of Fine Arts (Venezuela).

Pintor, escultor e ilustrador. Estudia en Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid y en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de París. Regresa a Córdoba en 1954 y trabaja como redactor en el diario local Orientación, cubriendo las secciones policiales y judiciales. Ese mismo año comienza estudios de abogacía que abandona para dedicarse al mundo del arte. A finales de los años cincuenta y principio de los sesenta, viaja por Latinoamérica con una parada particular en México, donde traba amistad con el gran muralista mexicano Siqueiros. Por esos años trabaja intensamente como ilustrador de revistas y otras publicaciones. En 1963 es invitado a la Bienal de Pintura Joven organizada por el Museo de Arte Moderno de París y establece su estudio en la ciudad. Entre sus premios y reconocimientos destac... an el Premio del Museo de Lodz, Polonia, (1967); Premio Bibliofilia, Office de Promotion de I’Edition Francaise París, Francia (1978); Chevalier de L´Odre des Arts et des Lettres Francia (1983);el Gran Premio de Artes Plásticas del Instituto Di Tella de Buenos Aires , Argentina (1989); Miembro correspondiente de la Academia Europea de las Ciencias, las Artes y las Letras, Francia (1993). La obra de Seguí tiene un marcado carácter figurativo, de inspiración expresionista, pero con el cinismo, lo humorístico y la parodia tiñendo el espíritu de sus personajes. Desplegando narraciones como grandes frescos, sobre la relación contradictoria entre la ciudad y el hombre, entre su existencia privada y la vida pública en la sociedad moderna. Entre sus exposiciones más importantes destacan: “Antonio Seguí” Galerie Claude Bernard (París, 1968); Lefebre Gallery, (New York, 1972); Musée de Louvain-la-Neuve (Bélgica, 1983); Museo de Bellas Artes (Caracas, 1991); Museo Rufino Tamayo (C. México, 1997); Durban Segnini Gallery, (Miami, 2013); “Seguí, la peinture en miroirs”, Musée de l’Hospice Saint-Roch, (Issoudun, 2016). Su obra se haya representada en numerosas colecciones privadas y públicas como, por ejemplo: Museo Nacional de Bellas Artes, (Argentina); Städtisches Museum, Leverkusen (Alemania); Museo de Arte Moderno (Brasil); Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, (Francia) Museum of Modern Art, MOMA, (U.S.A) Solomon R. Guggenheim Museum (U.S.A) y Museo de Bellas Artes (Venezuela).

Antonio Seguí (1934) Una mañana cualquiera Acrílico sobre tela 78.7 x 78.7 in. (200 x 200 cm) 2013 Publicado en el catálogo:“Seguí” Foto # 19, Pág. 43. Durban Segnini Gallery. Noviembre 2013. Miami, FL 55

FERNADO DE SZYSZLO

Fernando De Szyszlo (Lima, Perú 1925 - 2017) Painter, sculptor, teacher and writer. He started studying architecture at the Universidad Nacional de Ingeniería, although he never finished it, entering in 1944 in the Escuela de Artes de la Pontificia Universidad Católica. In 1947 he founded, together with the poet Emilio Adolfo Westphalen, the cultural magazine Las Moradas. Between 1949 and 1953 he traveled and lived in Europe; during his stay in Paris, Szyszlo got to know Octavio Paz and André Breton. He becomes acquainted with informalist trends, particularly with the abstraction and neoplasticism. The paintings of those years show a tendency towards an abstract poetics with surreal appearance, achieved by the lyricism of color, the use of textures and control of a unique light that characterizes his later wor... k. In 1956 he worked as a professor of painting at the Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica. He was invited in 1957 to the Bienal de São Paulo (Brasil). In 1963 he taught at the Department of Painting at the Cornell University (New York) and in 1973 at the Department of Art at the University of Texas (Austin). Among his most important solo exhibitions are: Instituto Cultural Perúano-Norteamericano (Lima, 1947); Mai Galerie (Paris, 1950); Museu de Arte Moderna (Rio de Janeiro, 1956); White Art Museum, Cornell University (New York, 1963); Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1972); Museo de Arte Contemporáneo de América Latina (Washington DC, 1985); Durban Segnini Gallery (Caracas, 1990) and Museo de Arte de Lima (Lima, 2011). His works are present in different museums and collections, among which are: Museum of Modern Art (New York, USA); Museo de Arte Contemporáneo de Lima (Lima, Perú); Museum of Fine Arts (Dallas, USA); Museo de Bellas Artes (Caracas); The Solomon Guggenheim Museum (New York, USA); Casa de las Américas (La Habana, Cuba); Musée national d’art moderne, Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou (Paris, France) and Pérez Simón Collection (México DF, México)

Pintor, escultor, profesor y escritor. Inicia estudios de Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería —que no concluye— y en 1944 ingresa en la Escuela de Artes de la Pontificia Universidad Católica. En 1947, junto al poeta Emilio Adolfo Westphalen, funda la revista cultural Las Moradas. Entre 1949 y 1953 viaja a Europa y reside allí durante un tiempo. En su estancia en París conoce a Octavio Paz y André Breton, y toma contacto con las tendencias informalistas, en particular con la abstracción y el neoplasticismo. Las pinturas de esos años muestran su tendencia hacia una poética abstracta de apariencia surrealista, lograda por el lirismo del color, el empleo de texturas y un singular manejo de la luz, características que van a marcar su obra posterior. En 1956 trabaja como profesor de pintura de la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica. En 1957 es invitado a la Bienal de São Paulo (Brasil). En 1963 ejerce como profesor en el Departamento de Pintura de la Universidad de Cornell, Nueva York, y en 1973 en el Departamento de Arte de la Universidad de Texas, Austin. Entre sus exposiciones personales más importantes destacan: Instituto Cultural Perúano-Norteamericano (Lima, 1947); Galería Mai (París, 1950); Museu de Arte Moderna (Río de Janeiro, 1956); White Art Museum, Cornell University (Nueva York, 1963); Museo de Arte Moderno (Bogotá, 1972); Museo de Arte Contemporáneo de América Latina (Washington DC, 1985); Galería Durban Segnini (Caracas, 1990) y Museo de Arte de Lima (Lima, 2011). Sus obras están presentes en diferentes museos y colecciones, entre las que destacan: Museum of Modern Art (Nueva York, USA); Museo de Arte Contemporáneo de Lima (Lima, Perú); Museum of Fine Arts (Dallas, USA); Museo de Bellas Artes (Caracas, Venezuela); The Solomon Guggenheim Museum (Nueva York, USA); Casa de las Américas (La Habana, Cuba); Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou (París, Francia) y Colección Pérez Simón (México DF, México).

Fernando De Szyszlo (1925 - 2017) Paracas la noche (DĂptico) Carboncillo, acrĂlico y pastel, 70.5 x 157 in. (180 x 400 cm) Orrantia 2013

Fernando De Szyszlo (1925 - 2017) Camino a Mendieta (DĂptico) AcrĂlico sobre tela 59 x 118.1 in. (150 x 300 cm) Orrantia 2017

Fernando De Szyszlo (1925 - 2017) La Casa de Venus (Díptico) Acrílico sobre tela 78.74 x 157 in. (200 x 400 cm) Orrantia 2011 Publicada en el catálogo: “Szyszlo: Sombras y Sueños” Paginas 16 – 17. Durban Segnini Gallery. Miami, FL. Noviembre 2011. 63

BETO DE VOLDER

Beto De Volder, Buenos Aires, (Argentina), 1962. Painter and sculptor. Lives and works in Argentina, where he studied at the National School of Arts Manuel Belgrano (19861989). In 1993 he received the first Prize at the III Biennial of Young Artists, Feria de Palermo (Buenos Aires) and a year later he was worthy of a grant from the Antorchas Foundation to work in the Barracas workshop conducted by Luis Fernando Benedit and Pablo Suárez . De Volder takes up the linear concept used by Carmelo Arden Quin as an entity that outlines forms and delimits spaces, employed in the constructivist version during its beginnings with the MADI group. Though De Volder also connects to a more ethereal and less tangible vision that connects with the theory of Kandinsky, where the geometric line runs as an invisible entity, as a kind ... of point moving on the plane; in the fusion of both visions he develops a very personal work that takes us into a world whose dynamic articulates on antithetical values: the implosive against the expanded, the linear transformed into curvature, the chaotic against the organized. It is a work whose poetic navigates at a permanent uncertainty where reflection and expression overlap curled in a dizzying kinetic art that does not let up, opening our sensitivity to understand and accept reality like a cluster of appearances. Among his personal exhibitions highlight: Beto De Volder, Durban Segnini Gallery (Miami, USA, 2012); Sin título, Galería Palatina (Buenos Aires, Argentina, 2007); Poco color, Zavaleta Lab (Buenos Aires, Argentina, 2005). Beto De Volder art works are present in many private collections in Latin America and the United States and also in collections of major contemporary art museums, among which are: Malba, Museum of Contemporary Art of Buenos Aires (MACBA) and Buenos Aires Museum of Modern Art (MAMBA)

Pintor y escultor. Reside y trabaja en Argentina, donde estudia en la Escuela Nacional de Arte Manuel Belgrano (1986-1989). En 1993 recibe el Primer Premio de la III Bienal de Jóvenes Artistas, Feria de Palermo (Buenos Aires) y un año después es merecedor de una beca otorgada por la Fundación Antorchas para trabajar en el taller Barracas a cargo de Luis Fernando Benedit y Pablo Suárez. De Volder retoma el concepto lineal empleado por Carmelo Arden Quin como entidad que esboza formas y delimita espacios, interpretado en la versión más constructivista durante sus inicios con el grupo MADI. Pero De Volder conecta también con una visión más etérea y menos tangible que entronca con la teoría de Kandinsky, donde la línea geométrica discurre como un ente invisible, como una especie de punto en movimiento sobre el plano; es en la fusión de amb... as visiones donde desarrolla un personalísimo trabajo que nos introduce en un mundo, cuya dinámica se articula sobre valores antitéticos: lo implosivo frente a lo expandido, lo lineal que se trastoca en curvatura, lo caótico frente a lo organizado. Es una obra cuya poética navega en una incertidumbre permanente, donde reflexión y expresión se superponen enroscadas en un cinetismo vertiginoso que no da tregua, abriendo nuestra sensibilidad a comprender ?y aceptar? que la realidad es como un cúmulo de apariencias. Entre sus exposiciones personales destacan: Beto De Volder, Galería Durban Segnini (Miami, USA, 2012); Sin título, Galería Palatina (Buenos Aires, Argentina, 2007); Poco color, Zavaleta Lab (Buenos Aires, Argentina, 2005). Las obras de Beto De Volder están presentes en numerosas colecciones privadas de América Latina y Estados Unidos, y también en las colecciones de importantes museos de arte contemporáneo, entre los que destacan: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires y Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (Argentina).

Beto De Volder Sin tĂtulo Rubber E.V.A. esmalte y aluminio 98 x 47.44 in. (249 x 120.25 cm) 2012

Beto De Volder (1962) Sin tĂtulo AcrĂlico sobre MDF Medidas variables 2012

Beto De Volder (1962) Sin tĂtulo AcrĂlico, MDF y tornillos Medidas variables 2012 69

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