The Metal Circus' Metal Hammer España - Septiembre 2020

FINNTROLL

PAIN OF SALVATION

VREDESVÄVD

¡A LA VENTA EL 18 DE SEPTIEMBRE!

PANTHER ¡Los trolls han vuelto y están más enfadados y hambrientos que nunca!

¡YA A LA VENTA!

El esperadísimo nuevo álbum de las leyendas del folk metal finlandés que llega tras un parón de siete años.

Los maestros suecos del metal progresivo nos traen un nuevo álbum intenso, innovador y el más relevante de la banda hasta la fecha.

Mezclado con Daniel Bergstrand (In Flames, Meshuggah, Devin Townsend)

NAPALM DEATH

ESKIMO CALLBOY

THROES OF JOY IN THE JAWS OF DEFEATISM ¡A LA VENTA EL 18 DE SEPTIEMBRE!

MMXX ¡A LA VENTA EL 11 DE SEPTIEMBRE!

SKELETAL REMAINS

OCEANS OF SLUMBER

¡Los pioneros y leyendas británicas del Grindcore regresan para extirparte los tímpanos con un nuevo álbum lleno de himnos asesinos!

THE ENTOMBMENT OF CHAOS ¡A LA VENTA EL 11 DE SEPTIEMBRE!

¡Los nuevos reyes del Death Metal californiano traen al mundo un disco innato, oscuro y absolutamente brutal!

Death Metal de la vieja escuela con infl uencias de Morbid Angel, Obituary y Death.

¡Nuevo EP de esta banda de metal moderno alemana que ya no hay quien la pare! ¡El EP contiene su nuevo y exitoso single “Hypa Hypa” que en dos semanas superó los dos millones de plays en YouTube! ¡Qué empiece la fiesta!

OCEANS OF SLUMBER

¡A LA VENTA EL 4 DE SEPTIEMBRE!

www.INSIDEOUTMUSIC.com · www.CENTURYMEDIA.com

¡Nuevo álbum de estos máquinas del metal progresivo de Texas! ¡Doom, Death metal y melodías progresivas fundidas con una voz femenina preciosista!

STAFF DIRECTOR Sergi Ramos EDITOR-IN-CHIEF Dani Bueno DISEÑO Y MAQUETACIÓN Dani Bueno FOTO DE PORTADA Anton Corbijn (Metallica) Lars Ardarve (Pain Of Salvation) Sergio Albert (Obsidian Kingdom) COLABORADORES Jesús Martínez, Olga Vidal, Marc Fernández, Mikel Yarza, Tamara Ruiz, Unai García, Satur Romero, Toni de Lola, Sergio de la Torre, Andreu Abad, José Antonio Fernández, Júlia Benevelli, Melanie Silva, Rubén Macías y Juanma García.

E

EDITORIAL

l paso del tiempo nos va recordando que la generación del rock con la que muchos crecimos se está apagando poco a poco. La muerte de Pete Way y Frankie Banali a mediados de agosto nos ha recordado que el paso de los ’60 a los ’70 es el punto en el que se quedan muchas de nuestras legendarias glorias del heavy metal. Las enfermedades en algunos casos, la mala vida en otros acaban llevándose demasiado pronto a algunos de los músicos más destacados de la generación que hizo crecer el heavy metal y el hard rock tal y como lo conocemos. Vistos en global, UFO y Quiet Riot pueden parecer bandas menores al compararse con Metallica o Iron Maiden, pero que nadie se engañe: por algo todos los conciertos de la doncella comienzan con el “Doctor, Doctor” de UFO. De aquellos pioneros, estas estrellas.

Como el mes pasado hemos vuelto a optar por un número con múltiples portadas con el que ofrecer un producto de coleccionista con el que cuidar a nuestros lectores de toda la vida. Metallica, por derecho propio y tras la edición del espectacular ’S&M 2’ son uno de los protagonistas. Más sorprendentes son los progresivos Pain Of Salvation, uno de los caramelos del género en los últimos veinte años con el siempre inspirado Daniel Gildenlow al frente. Y finalmente, algo que consideramos que debemos a la escena: una portada para un grupo de aquí como son los barceloneses Obsidian Kingdom, quienes editan su nueva y compleja obra ‘Meat Machine’ y funden todo tipo de influencias noventeras, extremas y experimentales en su música. Tenemos lo clásico, lo nuevo y lo experimental liderando esta nueva época de la revista. ¡Nos leemos!

Sergi Ramos

secciones EDITA

TIENDA ONLINE www.themetalcircus.com/tienda SUSCRIPCIONES +34 659 38 97 08 mkt@themetalcircus.com Impreso en España (Made in Spain) Precio para Canarias: 4,65 € Depósito Legal B-15442-2020 09/21 Reservados todos los derechos, se prohibe la reproducción total o parcial por ningún medio, electrónico o mecánico, incluyendo fotocopias, grabados o cualquier otro sistema, de los artículos aparecidos en este número sin la autorización expresa por escrito del titular del copyright La revista de rock y metal más leída de Europa The Metal Circus’ Metal Hammer España no se hace responsable de la opinión de sus colaboradores ni se identifica necesariamente con lo publicado.

4 PHOTOPASS LEMMY KILMISTER

60 KATAKLYSM REACCIÓN EXTREMA

6 TOUR LIFE DEVILDRIVER

62 NAPALM DEATH DESAFÍO TOTAL

8 IN MEMORIAM PETE WAY Y FRANKIE BANALI

64 KAMELOT EL IMPERIO CONTRAATACA

9 5 DISCOS FAVORITOS DE… NICK HOLMES (PARADISE LOST)

66 HEATHEN EL RESURGIMIENTO

10 NEW BLOOD EVIL IMPULSE

68 TAKING CARE OF BUSINESS MASTER OF METAL

12 PAIN OF SALVATION FURIA Y ELEGANCIA

72 DISCOS MARILYN MANSON, JOHN PETRUCCI, UNLEASH THE ARCHERS, EVIL IMPULSE, NASTY,VOIVOD, OCEANS OF SLUMBER, FINNTROLL, HEATHEN, NAPALM DEATH, PAIN OF SALVATION, NECROPHOBIC, OBSIDIAN KINGDOM, SEETHER...

20 OBSIDIAN KINGDOM METAL CÁRNICO 26 METALLICA UN REGRESO ORQUESTADO 52 MICHAEL SCHENKER GROUP LISTENING SESSION 56 JOHN PETRUCCI RECONSTRUYENDO PUENTES

78 CONCIERTOS ‘77, ANGELUS APATRIDA, TOUNDRA Y DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA. PÓSTER: ALICE COOPER Y AMARANTHE

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Entrar en los camerinos de Motörhead es una experiencia casi divina. Pocas bandas acumulan semejante leyenda de peligrosidad como los capitaneados por el fallecido Lemmy Kilmister. Mi primera ocasión fue apenas con 18 años, cuando el amigo Angel Carrión, ahora en Universal Music, me consiguió una entrevista con el mismísimo él durante el festival MetalMania 2003 de Villarrobledo, en Albacete. Ahí estaba yo, hablando de la invasión de Polonia durante la Segunda Guerra Mundial con el mismísimo Lemmy. Lo 4 | metal hammer

primero que pude ver al entrar a su camerino, un módulo de obra en medio de la nada en un pueblo de Albacete, fue una gigantesca maquina tragaperras. Ahí estaba el tipo, a las ocho de la tarde, bebiéndose su whisky cola y haciéndose unas partidas. “¿Qué quieres beber?”, me preguntó Lemmy. Y le respondí “¿tienes Coca-Cola light?”. Su mirada fue un poema. En la época de los primeros ’80 me habría mandado fusilar. Unos años después, ya en 2010, Motörhead hicieron el que sería el penúltimo concierto de su historia

en Barcelona, en un agotadísimo Sant Jordi Club. Lemmy, ya visiblemente más cansado, recibió a algunos amigos del promotor del concierto al acabar el mismo pero lo hizo sin levantarse de su silla. Estaba agotado tras un show de hora y media con la intensidad habitual de cualquier concierto de la banda.

Pero cortés y sonriente y haciendo sus clásicas muecas, fue recibiendo a una serie de personas que no se había cruzado en su vida con la mayor de las predisposiciones.

Tras el, su tragaperras -de un tamaño más

TER

ARTISTA:

LEMMY KILMIS

FECHA/LUGAR:

BARCELONA (17 DE

FOTÓGRAFO:

)

DICIEMBRE DE 2010

SERGI RAMOS

PHAOSTOS P

asequible en ésta ocasión-, un cenicero lleno hasta arriba de colillas, una botella de Jack Daniels y otra de vino tinto. De fondo, algo de música, pero sin excederse con el volumen. Alguien le dio unas miniaturas artesanales de “Snaggletooth”, la mítica ‘mascota’ de Motörhead y el tipo estuvo firmando unas cuantas encantado de la vida.

No le molestamos demasiado.Todo el mundo se hizo sus fotos, Lemmy volvió a quedarse solo en su santuario y todos nos sentimos afortunados de haber cruzado unos minutos

con alguien que ha ayudado a definir la música que nos hace sentir vivos. La noche acabaría con Mikkey Dee queriendo alargar la fiesta en una discoteca heavy de Barcelona, el Hellfire de la calle Rocafort. Me tocó la labor de llevarle allí con sus acompañantes y procurarle un pequeño reservado para que los cientos de metalheads allí metidos en la discoteca no le agobiasen. La cosa acabó con Mikkey en la barra pidiendo sus copas y yo traduciéndole y los fans alucinando de estar con el batería de Motörhead al lado. A

las cuatro y media de la mañana me di por vencido y Mikkey se quedó a su suerte. Y es que nunca vas a poder quedarte de fiesta más tiempo que un miembro de Motörhead.

Ahora, el legado de la banda se revisitará con una edición especial del 40º Aniversario de ‘Ace Of Spades’, que saldrá a la venta el 30 de octubre con diversos extras y conciertos en vivo de la gira del disco. El lanzamiento, a través de BMG, lo trataremos con detalle en el próximo número de The Metal Circus’ Metal Hammer España. metal hammer | 5

TOUR LIFE

DEZ FAFARA

(DEVILDRIVER) TEXTO: SERGI RAMOS

FOTO: JESÚS MARTÍNEZ

Si algo ha hecho en los últimos años Dez Fafara ha sido lidiar con sus demonios. Tanto que ha conseguido parir un doble disco de estudio bajo el título ‘Dealing With Demons’ que verá la luz en octubre en su primera parte y a lo largo de 2021 en su segunda parte. Cuatro años después de la última entrega discográfica, Devildriver vienen con las pilas cargadas y aprovechamos para hablar por teléfono con uno de los personajes más míticos de la escena metalera de los ’90, tanto al frente de Coal Chamber como de su actual banda. Estas son las particularidades de la vida de gira de un Dez que lleva girando toda su vida. ¿De quién te cuesta mas despedirte cuando te vas de gira?

Mi esposa, mis hijos, mi doberman, mi gran danés y mi casa. Mi casa es una entidad.

Mi casa tiene mi estudio, tiene mi oficina, tiene a mis perros, tiene a mi familia, tiene la habitación en la que duermo, tiene a los gatos 6 | metal hammer

que rescatamos. Es muy, muy complicado irse.

Ahora he estado en casa más tiempo que nunca antes en toda mi vida. Va a ser muy difícil irse de casa la próxima vez que salga de gira.

No sé cuándo voy a dejar esta vida de lado. Monetariamente podría haberlo dejado

todo hace diez años, pero esto no va de dinero para mí. ¿Cuándo quiero dejar de crear? ¿Cuándo dejará de ser interesante para mí encontrarme contigo en un backstage en España y tener una conversación? Todo eso sigue siendo muy interesante para mí. Cuando deje de serlo, yo pararé. Cuando una banda que toque después de mí me haga sentir

como que no estoy a la altura, pararé. Ahora mismo estoy al tope de mis capacidades. Esa es la pregunta. ¿Es más difícil irse ahora tras acostumbrarnos a la vida familiar y a estar en casa más tiempo que antes?

Muchas de las cosas que hacíamos hace un año ahora nos suponen una cuesta arriba.

Lo que ha cambiado es lo que es prioritario y lo que no. Mira, después de que mi esposa pasase por el cáncer el año pasado una de las cosas que tengo claras es que si ella no viene conmigo, yo no giro. Si ella viene conmigo, giro.Vamos a hacernos un tatuaje en breve y te parecerá una cursilada pero me da igual. Son dos búhos cogidos de la mano, porque cuando los búhos duermen, se cogen de la mano para no separarse. Desde hace un año, me levanto cada noche a las dos de la mañana y mi esposa y yo estamos cogidos de la mano. Eso es lo que es importante en la vida. Lo importante es querer y ser leales a nuestra familia y amigos. ¿Se encuentra bien?

Sí, le hicieron dos operaciones de una vez y después de un mes y medio le hicieron la primera revisión y todo correcto. Gracias por preguntar.

Mira, así son las cosas. Tengo un nuevo disco, todo preparado, listos para arrasar, tengo otro disco listo, me esperan tres años de gira, me esperan giras con bandas muy grande que fliparías si te las dijese…y de repente nos tenemos que ir de la casa con nuestros perros y gatos y dos maletas porque un incendio forestal está amenazando nuestra casa y nuestra zona. Lo superamos. Volvemos a casa. Venga: doble disco, tres años de gira, bla, bla, bla… mi esposa tiene cáncer. Lidia con ello, lo supera, le dan el alta.Vuelta a empezar: doble disco, tres años de gira, bla, bla, bla… una jodida pandemia mundial. Disturbios en Estados Unidos. Compra dos años de comida de perros, dos años de comida para gatos, atrincherarte con suficiente comida para ti y tu familia en casa, compra trescientas rondas de munición, cierra la puerta y espera a ver qué pasa. Así estamos.Veamos que pasa ahora.

Pero volvemos a lo del principio: ¿qué es importante en la vida?

Todo me parece un montón de mierda y mentiras. Todo lo que veo a mi alrededor me parece mentira. Si algo me ha provocado todo esto es ser todavía más honesto, decir las cosas aún más a la cara y no medir las palabras. Mira, si tengo que darle un abrazo a la mujer que lleva diez años haciéndonos la compra y que no hemos podido ver en seis meses por la pandemia, se lo doy. Y si tengo que hablar contigo, te digo todo lo que pienso.

Nunca sabes cuando va a ser tu último día y es bueno ser tal y como quieres ser.

Y al final lo importante es que cuando te levantas a las 2 de la mañana, estás cogiéndole la mano a tu esposa.

Anastasia llegó cuando edité el segundo disco de Coal Chamber y yo era un maldito loco, un desquiciado. Cuando la conocí ella estaba modelando para sesiones fotográficas y un día Rob Zombie y la que sería su esposa le dijeron “¿así que estás con ‘Crazy Dez’?”.

Así es como me conocían. Yo era el tío que se había tatuado la cara antes de que la gente se tatuase la cara. Si ella no hubiese entrado en mi vida en ese momento, yo

habría acabado mal. Mi manera de ser, de actuar, de comportarme…necesité que ella me encarrilase. Las tres cosas que me han encauzado en la vida son mi esposa, mi familia y la masonería. Eso ha sido mi armadura. ¿Cuál ha sido la mayor cantidad de gente ante la que has actuado?

Tuvo que ser en Download Festival ante 110.000 personas. Fue cuando sustituí a Jonathan Davis de Korn porque tuvieron que llevarlo al hospital y tan solo había unos pocos cantantes que podían sustituirle en todo el festival.

Hemos tenido shows muy bien pagados con Devildriver también. Hablar de dinero sigue siendo algo de poco tacto, algo de mal gusto, especialmente para mí que vengo de un entorno de clase trabajadora y debería vivir en una urbanización cerrada pero no lo hago. Quiero que mis hijos se relacionen con normalidad con otros niños en un entorno de clase trabajadora. La realidad es que podría haberme retirado hace quince años.

¿Y la menor cantidad de gente?

Hay un factor de culpa en el mundo del metal cuando se habla del dinero. ¿Crees que es por el origen de clase trabajadora del género y de mucho de su público?

Debió ser al principio de mi carrera, cuando actuaba para diez o veinte personas en algunos casos. Al principio fue así con Coal Chamber. Incluso Devildriver tienen algunos shows más modestos hoy en día, donde tocamos para 300 o 400 personas en sitios donde no solemos ir de gira y no tenemos tanto seguimiento. Esos shows son a veces incluso mejores que los grandes. Como siempre digo, lo ideal es meter la energía de un gran show en un pequeño recinto. Eso es tremendo.

Lo único que te separa de la gente es el ego. Da igual que tengas cuatro millones de dólares en el banco. Si eres alguien empático, cercano y humilde, el dinero no te separa de la gente. Yo le dedico mucho tiempo a la caridad y a devolverle algo a la gente. Ahora estamos montando un servicio de streaming para que los músicos puedan ganar algo de dinero en el contexto actual, por ejemplo. Me gusta estar cerca de mis orígenes. Vengo de un mundo sin muchos recursos y no tuve una buena infancia.

¿Qué cosa u objeto nunca debes tener siempre contigo al salir de gira?

A menudo estoy cenando con otras bandas y la gente comienza a hablar de dinero, de cuánto tienen. Yo al final me levanto y me voy. Al final siempre digo ‘me podría haber retirado hace quince años y no lo hice’. Siempre he ahorrado mucho y eso me ha ayudado a poder estar bien situado.

Además, me acabo de pasar once semanas en el número uno de las listas de rock en Estados Unidos con el último single. Tienes que tener el ego a raya. El ego es una bestia y lo tienes que mantener a distancia. El 98% de los cantantes con los que hablas tienen problemas de ego.

Hmm… todo el mundo te dirá que un teléfono. Pero para ser realista te diré que lo principal es una hebilla de cinturón de la suerte que compré en Texas en el año 2000.

Tiene la letra F de “Fafara” y siempre lo llevo encima. Además de eso siempre llevo mi anillo de casado y, donde es legal, marihuana.

“Si no fuese por Dimebag, Coal Chamber no habrían tenido una carrera” (Dez Fafara) ¿Qué es lo que siempre haces antes de subir al escenario?

Escuchar música, conectar con mi banda y escuchar cantos de nativos-americanos. Por otra parte, como te decía, me considero un masón y hago mucho trabajo con los nativos americanos, con los Navajos y ellos me hicieron Navajo gracias a un chamán. Ahora soy parte de su clan y escucho muchos de esos cantos antes de subir al escenario. Son más oscuros que el black metal. Es la mierda más heavy que jamás he escuchado en mi vida. ¿Qué es lo primero que haces al bajar del escenario?

Donde es legal, fumar marihuana.

Tengo un trastorno de déficit de atención e hiperactividad, solo duermo 4 horas por la noche y me cuesta mucho dormirme y concentrarme. La marihuana es una medicina para mí. ¿Cuál es la mayor cantidad de dinero que te han pagado por un show?

Mucho dinero (risas). Me pude comprar una casa con un solo show. ¿En los tiempos de Coal Chamber?

¿Qué actitud tienes cuando alguien sube al escenario durante un concierto? Especialmente después de lo que pasó con Dimebag…

A Dime le conocía muy bien. El me sacó de gira con Coal Chamber y considero que Coal Chamber no habrían llegado a ninguna parte de no ser por él sacándonos de gira con Danzig y Black Sabbath.

Cuando alguien sube al escenario lo primero que hago es mirar sus manos. Si no veo armas, voy a pasármelo bien contigo, no te voy a tirar fuera del escenario. Si pones tu brazo a mi alrededor y me aprietas muy fuerte, voy a hacerte un movimiento de artes marciales y te voy a tumbar en el suelo, sin hacerte daño. Estás ahí para disfrutar y sé lo que cuesta llegar hasta el escenario, porque era mi sueño cuando iba a ver a bandas de punk de joven. Si no llegaba al escenario, había perdido esa noche. Así que entiendo la mentalidad de querer subir y abrazar a tu artista favorito pero siempre y cuando sea desde el respeto. Eso sí, yo siempre te voy a mirar las manos en primer lugar. ¿Cuál ha sido tu momento mas vergonzante sobre el escenario?

En Ozzfest. Devildriver tocábamos en Arizona, alguien se había olvidado de secar el suelo del escenario y salí corriendo ante unas 40.000 personas, cogí el micro y me resbalé y me quedé panza arriba. ¿Como te recuperas de eso? Si, me levanté y canté todo el set pero ya te quedas tocado para ese show, claramente. metal hammer | 7

IN MEMORIAM TEXTO: SERGI RAMOS

En el mes de agosto nos han dejado dos grandes leyendas del hard rock clásico. El bajista y miembro fundador de UFO, Pete Way, nos decía adiós a causa de los daños sufridos por un accidente. Más adelante, el baterista de Quiet Riot y muchos de los grandes discos de W.A.S.P., Frankie Banali, dejaba este mundo a causa de un cáncer pancreático. Sirvan estas líneas para recordar sus figuras y contribuciones al estilo de música que todos amamos.

Frankie Banali (1951-2020) Pete Way (1951-2020) Pete Way, uno de los miembros fundadores de UFO, Waysted y personaje inequívocamente asociado al rock and roll tal y como lo conocemos hoy en día, falleció a la edad de 69 años tras sufrir daños graves en un accidente hace dos meses. El músico falleció a las 11:35h de la mañana el viernes 14 de agosto.

Al frente de UFO, Way fue parte de discos capitales para la historia de la banda como ‘Force It’, ‘Lights Out’, ‘No Heavy Petting’ u ‘Obsession’, además del directo seminal ‘Strangers In The Night’. Su trayectoria con la banda, en la que compartió los mejores años con el guitarrista Michael Schenker, el vocalista Phil Mogg, el baterista Andy Parker y el guitarra y teclista Paul Raymond, finalizó a principios de los 80, al no estar de acuerdo con la dirección musical que estaba tomando el grupo.Way se unió al guitarrista de Motörhead, Eddie Fast Clarke, y formó el grupo Fastway en 1982. Volvería a UFO en 1992 y abandonaría las giras de la banda en 2009 por motivos médicos y por diversos problemas relativos a las drogas y el alcohol, además de limitaciones para entrar a Estados Unidos para girar. No volvió a girar con UFO, pero formaría la banda Damage Control junto a Robin George, Spike de Quireboys y Chris Slade.

La muerte de Way ha llegado apenas dos meses después de la del guitarrista Paul Chapman y un año después de la del teclista Paul Raymond. Phil Mogg y Andy Parker son, a día de hoy, los últimos miembros supervivientes que quedan de la formación de 1980, la del disco ‘No Place To Run’.

Descanse en paz.

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Frankie Banali, batería de Quiet Riot e histórico del hard rock ochentero murió tras una larga batalla contra el cáncer pancreático.

Tras 16 meses luchando el músico falleció en la tarde del 20 de agosto a la edad de 68 años.

Frankie Banali inició su carrera mudándose a Los Ángeles en 1975 y trabajando como baterista de sesión junto a multitud de artistas. Su batería se escucha en “Mony Mony” y “L.A. Woman” de Billy Idol. En 1979 participó en unos ensayos secretos junto al bajista Dana Strum y el guitarrista Randy Rhoads junto a Ozzy Osbourne, que estaba buscando a un guitarrista con el que poner en marcha su nueva banda en solitario. Finalmente, Banali unió sus fuerzas al vocalista Kevin DuBrow en 1980 y puso en marcha la formación más clásica de Quiet Riot junto al guitarrista Carlos Cavazo y el bajista Rudy Sarzo. Juntos editaron el disco ‘Metal Health’ en marzo de 1983 y contribuyeron a crear la nueva ola del heavy metal americano de los ’80, llegando a actuar en el US Festival de aquel año junto a Mötley Crue, Van Halen, Ozzy y Scorpions entre otros. Eventualmente, el disco llegó al número uno de las listas Billboard.

Aunque las tensiones terminarían minando la formación clásica de Quiet Riot, Banali siempre se mantuvo al frente a través de todas sus formaciones y eventuales reuniones. Pero mientras tanto, el baterista también trabajó largo y tendido con Blackie Lawless de W.A.S.P. en discos de importancia mayúscula como ‘The Headless Children’ o el épico ‘The Crimsol Idol’. En tiempos recientes, Banali había mantenido en marcha a Quiet Riot junto al vocalista James Durbin y más recientemente Jizzy Pearl.

Descanse en paz.

LOS 5 DISCOS FAVORITOS DE…

nick holmes

(paradise lost) TEXTO: MIKEL YARZA FOTO: ANNE C. SWALLOW

Paradise Lost ha sido, sin lugar a dudas, uno de los principales abanderados en la historia del doom metal. El quinteto británico ha sentado los cimientos y reinterpretado el género durante tres décadas, y el germen de todo ello se remonta a finales de los años ‘80, cuando determinados artistas les mostraron el camino.

Preguntado por los discos que le han marcado profundamente, el líder de la banda Nick Holmes echa la vista atrás y evoca a los grandes clásicos. Al igual que su compañero de género Aaron Stainthorpe, vocalista de My Dying Bride, centra su atención en un breve periodo de tres años.

Slayer - Reign In Blood (1986)

Hasta entonces no había escuchado nada tan increíblemente rápido. Además, la producción vino a un volumen tan alto que voló la cabeza a todos cuando se publicó, especialmente siendo un álbum tan corto. A día de hoy probablemente siga siendo el mejor disco de thrash metal que se haya hecho jamás. Creo que ‘God Hates Us All’ es también un disco realmente bueno, pero ‘Reign In Blood’ no tiene rival.

Mercyful Fate - Don’t Break The Oath (1984)

Fue el primer disco que escuché en este estilo, heavy metal de corte clásico pero con ciertos tintes progresivos, y hoy en día todavía sigue siendo uno de mis álbumes favoritos de todos los tiempos. Está en mi estante desde los comienzos de los años ‘80, desde el momento en el que se publicó, y sigo escuchándolo con asiduidad. Me encanta King Diamond, pero este disco de Mercyful Fate es una absoluta gema, adoro la portada, es fantástica. Siempre me gusta observarla, de hecho, solía pasar horas y horas mirándola cuando era un adolescente.

Metallica - Ride The Lightning (1984) Me marcó mucho, ya que es el primer disco que escuché de Metallica. Inicialmente, conocí la canción “Metal Militia” y creí que era parte de ‘Ride The Lightning’, por lo que compré el álbum. Fue así como me di cuenta de que en realidad esa canción pertenece a su debut ‘Kill ‘Em All’, pero lo dicho, ‘Lightning’ rompió todos mis esquemas. Las guitarras me dejaron sin habla, nunca había escuchado

algo así con esa fuerza en los palm mute. Fue algo tan increíble que me pregunté a mi mismo: “¿que demonios es esto?”.

Celtic Frost - To Mega Therion (1985) La portada, la estética, las letras… todo el arte perteneciente a este álbum es absolutamente fantástico. En realidad, las letras no tienen ningún sentido, pero son muy hermosas, son letras grises que están conjugadas de modo que funcionan muy bien en las canciones.

Fue un trabajo muy influyente, una banda que me ha inspirado profundamente, sobre todo, en el inicio de mi trayectoria artística.

Trouble - The Skull (1985) La influencia de Black Sabbath se palpa aquí más que en ningún otro sitio. Trouble y el resto de bandas de su generación fueron los precursores de gran parte de lo que nosotros trajimos después a la música doom. La propuesta musical que lanzaron fue muy atrevida para su época, por aquel entonces nadie se esperaba discos tan oscuros, era algo totalmente inesperado. Es otro de mis discos favoritos de todos los tiempos y todavía tengo gratos recuerdos de los días en los que lo escuchaba una y otra vez en casa de mis padres. Probablemente, se hartaron de escucharlo.

EL PLACER OCULTO Soy un gran fan de Morrissey. Es algo que llevo diciendo ya durante muchos años, pero todavía la gente se sorprende cuando lo cuento. Es un artista que se vale por sí mismo y sus letras me resultan fascinantes, es un escritor brillante. Cuando pienso en componer siempre aparece como una referencia a donde recurrir, sigue siendo una gran inspiración. El disco que me gustaría resaltar es ‘Vauxhall And I’, ya tiene más de 20 años, pero sigue siendo un álbum brillante. Es muy oscuro y las letras son fantásticas, realmente excelente. metal hammer | 9

NEW BLOOD

evil impulse TEXTO: dani bueno y OLGA VIDAL

En los años en los que lleva activa la banda (desde 2012), Evil Impulse ha pasado por distintos escenarios de la geografía española y ha podido comprobar cómo funciona este pequeño apartado de la música en nuestro país. En los últimos meses (antes del coronavirus) se vieron obligados a sustituir a dos de sus miembros (batería - Javi entró en lugar de Rodri, que se fue por otro proyecto; y guitarra - Dani entró en lugar de Alejandro) y uno de sus dos líderes desde el comienzo, Víctor, abandonó durante un par de meses la formación por motivos personales-laborales (aunque después se acabó reincorporando).

La entrada del primero mencionado, Javi, se produjo entre septiembre y octubre de 2019. El proceso se llevó de una manera prácticamente inmediata porque, por aquel entonces (cuando se podían hacer conciertos), Evil Impulse tenía una serie de compromisos cerrados. Por eso mismo, Javi entró “a saco” como definía Víctor, con quien pudimos charlar acerca de la actualidad de la banda, y se aprendió todo el repertorio necesario para los directos que tenían planeados en Madrid y Alicante. El estilo y 10 | metal hammer

foto: pedro bao

la pegada de Javi es distinta de la de Rodri, pero el estilo de música que practican los de Ciudad Real hizo que se adaptara sin demasiados problemas por su contundencia.

Más adelante, Víctor tomó un camino trascendental para él en enero de este 2020 y dejó la banda, lo que generó que Evil Impulse se sumergiera en una pequeña crisis. Víctor (guitarra) y Toño (voz) son el alma máter del grupo, y la ausencia del primero de ellos era un varapalo tanto para Evil Impulse en su seno como para el propio Víctor, que pensó que el tiempo que necesitaba por motivos laborales y personales podía compensarse de esa manera. El propio Víctor nos reconocía que “fue un error pensar que alejarme de la banda me iba a centrar más en lo que estaba haciendo y me equivoqué totalmente.

Necesito la música, es un veneno que llevo dentro”. Alejandro, el otro guitarrista aparte de Víctor que militaba en Evil Impulse, decidió poco después marcharse, y eso derivó en que tuvieran que buscar a un sustituto. Después de diversas pruebas, el escogido fue Dani, que “se ha acoplado muy bien a la banda y trabaja muy bien” como nos reconoció su compañero Víctor.

Con esta premisa, Evil Impulse se disponía a regrabar ‘Flames From The Ground’ (2012), el primer trabajo de la banda, pero la reincorporación con otra frescura de Víctor en marzo con nuevos riffs bajo el brazo y el posterior curro de todos los componentes de la formación terminó por convertirse en un nuevo álbum como hoy en día se puede escuchar ‘The Brotherhood’ (2020).

A pesar de que Dani se incorporó el último con parte del disco ya avanzado, todos han puesto su granito de arena en ‘The Brotherhood’, algo que ha estrechado lazos entre sus miembros y se ha transformado en dinámicas de banda que están funcionando bien. “Ahora mismo estamos muy contentos con la formación que tenemos y con cómo se están desarrollando las cosas”, apostillaba Víctor. El hecho de que Javi y Dani vivan en la Comunidad de Madrid no está siendo un problema, y es que la tecnología facilita (para esta y más bandas) que esto se pueda llevar a cabo de este modo. Un ensayo mensual de unas ocho o nueve horas y trabajo desde casa es el método principal que utilizan, y la sensación que obtienen es que aprovechan

A pesar de que la escena nacional de metal cuenta con una infinidad de bandas que se va ampliando día a día, es complicado encontrar dentro de ella grupos que sobresalgan por un sonido propio y personalidad que los diferencie del resto. Evil Impulse, desde Ciudad Real, es uno de ellos. Su base es el groove metal, pero no se cierran a otros estilos siempre que conlleven caña como han demostrado en su disco que acaba de salir a la luz, ‘The Brotherhood’.

bien el tiempo de ese modo. La forma de componer de Evil Impulse ha sido similar a la de siempre, pero el momento en el que cada uno se encuentra y cómo piensa la música hace que sea diferente en cada etapa. ‘Who’s Gonna Kill Who?’ (2015) tenía un toque de groove con tintes de complejidad que cambiaron en ‘The Unbroken Ritual’ (2017) para aportarle un toque más contundente y directo, y en ‘The Brotherhood’ esa pegada más directa se ha acentuado, pero Víctor defiende que esta vez no ha sido premeditado, sino que “las canciones son las que son y salen como salen”.

Las canciones de este álbum también han tenido un significado especial, y es que “Chained Shadow” está muy relacionada con todo lo que ha pasado Víctor desde principios de año y la lucha continua por lo que se cree y “Brotherhood Of Hell” recuerda al guitarrista a todos esos fans que siempre están al pie del cañón, con quien afirmaba también que “la reciprocidad es mutua, estamos siempre en contacto”. Como resultado final, también destacaba que ‘The Brotherhood’ “en general, es el que mejor representa a Evil Impulse”.

Víctor y el resto están muy contentos con el sonido y la producción de este trabajo, y como es tan complicado sacar la cabeza en la escena metalera,Víctor reflexionaba que todo su esfuerzo es para demostrar de lo que son capaces y dar un puñetazo sobre la mesa y decir “oye, estamos aquí”. Nadie ha regalado nada a los de Ciudad Real, y el tesón del grupo es quien saca adelante el proyecto. Quieren que el público note que están activos, y por ello quieren desarrollar más actividad online y tratan de adaptarse a las circunstancias, algo que les ha llevado a ser parte del Heresy Fest Online, un festival online gratuito organizado desde Argentina que se celebrará en octubre con bandas de todo el mundo. Esos fans, en quienes tanto piensa Evil Impulse en todo momento, son muy fieles y, aunque no sean una comunidad enorme, siempre apoyan al grupo como remarcaba Víctor, algo de lo que se sienten orgulloso.

La situación de la escena, al no poder realizarse apenas conciertos como los de toda la vida, la hace aún más precaria y dura.

Víctor, a raíz de su situación laboral, cree que hay que reivindicarse tanto en este nicho

como en un ámbito mayor que defienda la cultura y la música a niveles más generales, algo que no se hace desde las redes sociales.

Los problemas para técnicos de sonido, salas, festivales… todo parece irse al garete, y Víctor reflexionaba que “nuestro gobierno, sea del color que sea, tiene a la escena musical totalmente ignorada y vapuleada y si no hacemos algo esto va a ser así de por vida”.

Para crecer de verdad y profesionalizarse, el guitarrista declara que el apoyo de un sello discográfico bueno y grande que apueste por grupos más pequeños sería fundamental y que sin ello es prácticamente imposible. El alto coste que conlleva este proceso hace que Evil Impulse no busque ese tipo de crecimiento más masivo, y por eso la banda quiere estar en todos los sitios (y más grandes) posibles pos sus propios medios, lo que se torna complicado sin una corporación más grande detrás. Por eso mismo, el objetivo de Evil Impulse está muy claro: disfrutar, trabajar con orgullo de lo que hacen y ser fieles a sus ideales; que el éxito llegue por sus méritos, no por bailarle el agua a nadie. metal hammer | 11

PAIN OF SALVATION FURIA Y ELEGANCIA TEXTO: MARC FERNÁNDEZ

FOTOS: LARS ARDARVE

Con el lanzamiento de ‘Panther’, el último trabajo de estudio de Pain Of Salvation, tenemos la excusa perfecta para hablar con el siempre amigable y parlanchín Daniel Gildenlöw, el genio detrás del grupo y uno de los músicos más respetados y puntales del heavy metal progresivo. Famoso por los complejos temas que desarrolla en sus intrincados álbumes conceptuales, charlamos con él durante dos horas desvariando más allá de la música hasta adentrarnos en enrevesadas inquietudes filosóficas.

Hoy en día cuesta tener conversaciones de verdad con los artistas. Es algo que cualquiera con acceso a un teléfono móvil descubre pronto. La cultura de las celebrities ha empujado a muchos a ver la fama como la plataforma perfecta para hacerse oír, aunque quizás no se tenga mucho que decir, y no es raro ver a muchos famosos opinar sin mucho fundamento o conocimiento solo porque creen 12 | metal hammer

que la repercusión que tienen sus palabras les da algún significado o relevancia. Contra esta cultura a la ignorancia y la desinformación, se encuentran auténticas joyas como Daniel Gildenlöw. No solo es alguien que se informa sobre lo que opina y que invierte el tiempo que haga falta en meditar sobre un asunto, sino que además es un aura de sencillez y optimismo cuyas inquietudes metafísicas no le impiden

estar desconectado de una realidad que los últimos meses ha sido especialmente dura.

Aunque la entrevista estaba programada para que durase unos 45 minutos, se alargó hasta las dos horas en las cuales llegó incluso a hablar mientras conducía camino a un entreno de parkour. ¿El resultado? Una serie de reveladoras y fantásticas declaraciones de una de las voces más injustamente desoídas de nuestra escena.

UNA PANDEMIA DIFERENTE En estos tiempos aciagos parece inevitable, casi de mala educación, no preguntar sobre los efectos de la pandemia, concretamente sobre cómo ha afectado a los músicos y a los distintos artistas de la industria musical.

“Bueno, en Suecia la locura no ha sido tan extrema. Los pasos que hemos seguido como nación han hecho que las renuncias como sociedad no hayan sido tan extremas, hasta el punto en que hemos podido gozar de una vida normal salvo por unas pocas medidas. Las muertes han sido bajas, y hoy por hoy son cada vez menos. Pese a todo, es imposible que estas cosas no te afecten, ya sea en tu país o viendo lo que pasa en todo el mundo. El mazazo más duro creo que se lo han llevado los músicos, que de pronto se han sorprendido a sí mismos trabajando frente a un ordenador. Por supuesto, el cambio más significativo es que no hay giras, y que todos los planes se han ido al garete. En mi círculo interno nadie se ha visto afectado de extrema gravedad, ya sabes, con ingreso hospitalario y demás, pero sí que mis colegas músicos están pasando por un muy mal momento”.

Un Daniel que nunca teme hablar de sus experiencias personales dio un punto de vista más personal sobre lo que ha sido su cuarentena. “¿Sabes qué? Me he pasado la mayor parte de mi vida pensando que la gente malgasta su energía pretendiendo, siendo falsa y dándole importancia a cosas que no valen una mierda. Y de pronto, bum, toda la gente empezó a preocuparse por cosas importantes. Empezó el virus y nos dimos cuenta de qué es lo que importa de verdad, la facilidad con la que podemos perder a aquellos a los que amamos, y que despojados de todo lo demás, nos damos cuenta de que todo lo que atesoramos no vale nada y no nos proporciona una verdadera facilidad. Es una sociedad mejor, o al menos una en la que yo me siento más feliz de pertenecer”.

Sin embargo, sobre si es la guerra mundial de una generación, si es el acontecimiento difícil que ha de hacer fuerte a una generación, demuestra ser alguien comedido y que no teme matizar cada palabra que dice. “Nunca he sido muy de la idea del macho de pelo en pecho que considera que la dureza sólo por ser dureza es buena. Lo que sí que considero es que pase lo que pase, en cualquier contexto, no hay un cambio positivo en ti como persona hasta que pasas por algo duro. La maldición de nuestro siglo es el vacío espiritual, el no saber a dónde nos dirigimos o por qué estamos aquí, y como ya dicho, esta pandemia creo que ha servido para que mucha gente reevalúe su vida. El mundo está lleno de gente que parece no encontrar su propósito, y que de pronto estallan en violencia o depresión, hasta que de un plumazo le quitas todo lo que creían que valía algo y se dan cuenta de que no tienen nada. En ese sentido creo que es un fantástico caldo de cultivo para el descubrimiento espiritual.

Antes de que me olvide, ¡gracias por incluirme en el cajón de la gente joven! es muy refrescante. Hagamos una cosa, podemos andar en círculos. Sé que me tienes que preguntar por el nuevo disco y yo he de decirte que es el mejor que hemos hecho y todo eso, así que puedes preguntarme y luego te suelto un rollo”. Aceptada su propuesta, decide darnos un último vistazo a lo que fueron sus últimos momentos justo antes de que la crisis estallara en un fenómeno global, solo que esta vez desde una perspectiva de músico. “Me gustan las estadísticas y, hasta cierto punto, sospechaba lo que iba a pasar.

Desde el momento en que en China las cosas se empezaron a descontrolar, consulté los números y vi que las probabilidades de que se extendiera hacia algo más global eran muy altas. Mucha gente no sabe leer estos datos, que yo tampoco, pero consulté a matemáticos y especialistas. Recuerdo ver las noticias con mi madre y escuchar cómo decía: ‘Pues tampoco estamos tan mal’, mientras que yo pensaba: ‘Nos estamos precipitando hacia una catástrofe’. Empecé a prepararme, no tanto como el que llena un búnker de víveres, sino en un aspecto más espiritual, mentalizándome de que la raza humana como un colectivo íbamos a enfrentarnos a algo todos juntos.

No estamos en control de todo. Es algo que parece bastante evidente, pero como raza es una experiencia que has de vivir para comprenderla en profundidad, más en esta era en la que parece que puedes controlarlo todo con un chasquido. No es la peor pandemia de la historia, y gozamos de muchas más medios que nunca para combatirla, pero esta pandemia ha golpeado con dureza a una demografía muy concreta, mientras que la gripe española golpeó más duramente a la gente de veinte años. Lo dicho, podría haber sido mucho peor, aunque claro, no por ello ha sido menos difícil. Mierda, me he puesto a divagar y he olvidado tu pregunta”, confiesa una vez más entre risas. En su defensa, había advertido de que habla mucho.

Le recuerdo que queríamos saber cómo le había afectado esta crisis como músico, y es que hasta cierto punto tuvo suerte, pues Pain Of Salvation no se encontraban de gira cuando empezó la cuarentena. “Bueno, nosotros estábamos haciendo el álbum cuando aparecieron los primeros titulares.

Teníamos planeado actuar en un crucero en Estados Unidos junto con otras bandas de prog. Sin embargo, observando los números pude augurar que los shows tenían que hacerse justo cuando esperaba que fuera a haber el boom de contagios en ese país. Eso nos planteó dos escenarios igual de terribles: estar atrapados en otro país o estar atrapados en un barco en otro país. Además, si miras a las medidas de Trump, era sencillo ver que actuó demasiado tarde y que las cosas iban a estar fuera de control. Como banda, cancelar siempre es la decisión más dura que puedes tomar, pero hay que tener un poco de cabeza.

Imagínate que eres un virus. Tu lugar ideal para estar es en un barco lleno de bandas europeas, algunos italianos, que han sido los que más duramente han sido golpeados, porque de pronto estás encerrado en un trozo de metal flotante con la gente más vulnerable a tus efectos, ancianos, gente de la mediana edad y personas con sobrepeso.

No es un festival de prog, es un festival para el virus. Me lo puedo imaginar diciendo a sus amigos virus: chicos, vamos a ir a un crucero lleno de gente de todo tipo, pasen y elijan, vamos a contagiar hasta ponernos las botas.

Así que bueno, nos centramos en terminar el álbum. No sé si lo has leído, pero Gustav dejó la banda porque estaba muy quemado de la vida en la carretera, lo que en sí mismo, teniendo que hacer audiciones, nos ha hecho querer estar lejos de la carretera, al menos durante una temporada. No voy a ponerme explicar detalles personales, porque no soy nadie para hacerlo, pero sí que ha habido situaciones personales en la banda y en la crew que habrían convertido un tour ya no solo en algo peligroso, sino en una declaración ofensiva. Por lo demás, creo que me ha sentado bien como músico. Hay algunos álbumes que se tardan años y años en producir, y nosotros, que aún hemos de sacar el nuestro, ya tenemos a su sucesor

compuesto y listo para grabar. Así que fíjate, no nos ha ido tan mal pese a todo”.

Como si pudiera leerme la mente, Daniel responde el resto de preguntas que le tenía preparadas antes siquiera de que pueda hacérselas, ya que a continuación iba a preguntarle si había estado componiendo durante la cuarentena. “No quiero decir que hago tu trabajo mejor que tú, pero…”, murmura sin dejar de reír, “estoy aquí para ayudar, espero que de todo lo que te digo puedes sacar algo interesante. ¡Ya te he dicho que hablo mucho!”.

Para averiguar algo que no se haya respondido solo, lo que le gustaría hacer durante lo que queda de 2020 es la opción que continúa la charla. “Bueno, ahora mismo todos los planes están en el aire. Al final del año pasará algo interesante que aún no puedo revelar pero que estoy seguro que a los fans les va a encantar. Antes de eso, deseo de todo corazón que a la gente le guste y aprecie ‘Panther’. De momento el feedback ha sido muy bueno, y como músico es algo que nunca puedes agradecer lo suficiente. Lo único que lamento es no poder estar en la carretera defendiendo sus temas. Lo que sí que puedo decirte es que tenemos preparado un pack de 20º aniversario del disco ‘The Perfect Element’. Con el coronavirus algunas cosas son más fáciles y otras son más difíciles, y afortunadamente es el escenario perfecto para hacerle un homenaje a un disco tan querido”.

EL PASADO, EL FUTURO Y DISFRUTAR DE LA VIDA Después de mencionar dicha reedición, indagamos acerca de si tiene planes para revisitar algún otro álbum antiguo. “Nuestro plan era tocar un concierto en septiembre en el que queríamos interpretar entero ‘The Perfect Element’. Es una sensación bastante especial. Son canciones que compusiste hace veinte años, que tocaste en el estudio pero que jamás han sido interpretadas en directo.

Toca desempolvar canciones antiguas y redescubrirlas. Te quedas como: ‘Oh vaya, con que así es como lo hice entonces’. A veces cuesta acordarse de tus propias canciones, lo cual es bastante paradójico, la verdad.

Si te soy honesto, a veces escucho algunos de nuestros álbumes viejos y me entran ganas de entrar en el estudio y regrabarlos enteros, pero cuando me calmo veo que no estaría bien. Muchas bandas que me gustan lo han hecho con su música, y no es algo que comparta, así que no quiero hacerles eso a mis seguidores. El álbum no se beneficia, lo has escuchado con esos defectos, y lo quieras o no, forman parte de la experiencia”.

Una vez más, al hacerle una pregunta tan delicada como es si le ha resultado difícil volver a aprender temas antiguos, no solo nos responde con sinceridad, sino con una autocrítica muy poco indulgente. “Sí, y es algo hasta humillante”, admite entre risas, “a veces escuchas algo compuesto por ti y piensas: ‘Wow, ¿cómo hice esto? ¿En qué estaba pensando?’, y es una sensación que se agrava cuando tienes miembros nuevos que no estuvieron en la grabación y han de enfrentarse al tema desde cero. Puedes ver el horror en sus caras.

Recuerdo que en una gira tocamos ‘Nightmist’, que tiene una sección de batería en el medio muy dura, y te prometo que en cada concierto en que tocamos esto, yo andaba con la guitarra haciendo mí: metal hammer | 13

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dubidiridubidiri, y aun así me acercaba al micro y decía: ‘Lo siento, cuando escribimos esta canción eran los ’90’.

Muchas bandas tratan de lidiar con ello con discreción, para no renegar de su historia, pero siempre trato de ser honesto con mis seguidores. Hay cosas que en su momento crees que funcionan, pero que con los años te das cuenta de han envejecido como un vaso de leche. Nunca he tratado de satisfacer a mi yo del futuro, eso te diré, y siempre he querido hacer lo que me ha apetecido en aquel momento, aunque luego pueda comprometer mi futuro. ¿Quién es el Daniel del futuro? ¿Qué ha hecho por mí? ¡Que le den!”, concluye sin haber dejado de reír ni un segundo.

Volviendo a las inquietudes filosóficas que tanto gustan al frontman, hablamos de si cree que esta cuarentena ha ayudado a la gente a autodescubrirse y si a él le ha ayudado. De nuevo, su respuesta es tan larga como reveladora.“Creo que sí, pero la humanidad tiende a olvidar todas estas lecciones muy deprisa. Ha ocurrido muchas veces en la historia, así como en mis círculos más cercanos de personas. Yo lo aprendí en el hospital. Recuerdo que me entrevistaron para un medio sueco, y cuando respondí sus preguntas tenía unas prioridades y ahora tengo otras. La vida está llena de cosas maravillosas: sal y disfrútalas. Es algo que se nos recuerda en prácticamente cualquier película que puedas poner, y aun así la gente se olvida del mensaje tan pronto saltan los créditos. Un día te despiertas y tienes esta enorme lista de cosas por hacer, y aunque es bueno tener ambiciones, puedes acabarte torturando por lo que no haces y no disfrutar las cosas buenas.

La vida es como una constante caída libre, y eso hace que muchas veces empujemos nuestras prioridades a un rincón. Todos hemos de pagar el alquiler, y eso es algo más acuciante que cualquier inquietud de nuestra brújula moral, que sencillamente te pide que te relajes, que llames a tus padres, que les digas que los quieres, que pases una tarde con tus niños disfrutando de su mera existencia. Esas son las cosas que le dan calidad a la vida, un propósito y un sentido.

Luego, como músico, puedo decirte que también está tu pasión. Iba a decirte que soy afortunado por haber podido seguir mi pasión, aunque si te soy sincero, ha habido muchos puntos en los que he estado a punto de decirme: ‘Esto es estúpido, busca un trabajo y pon tu vida en orden’. Hasta cierto punto, vivir en este limbo del artista me ha salvado de la locura de la pandemia, porque aunque el peligro de la inestabilidad económica es mayor, maldita sea, soy músico, esta clase de incertidumbre es mi día a día. Eso me recuerda a una vez que estuve en un centro para jóvenes con problemas con las drogas, no porque yo fuera un chico joven con problemas con las drogas, sino porque hace tres años esta institución me llamó porque necesitaban a alguien que les diera una charla que les ayudara a dejar atrás este mundo. Un día iba un músico, otro un bailarín, y entre otras cosas, querían que estuviéramos ahí y los acompañáramos en su rutina. Es curioso, porque esta es la clase de cosas sobre las que hablo en mi música, pero jamás lo había visto tan de cerca, y afortunadamente jamás he tenido a un amigo o a un familiar que se encontrara en esa situación. Cuando se acercaba la fecha empezó a preocuparme que la comunicación no fuera a funcionar, que me vieran como un músico que jamás ha tenido un problema de verdad, y aun así funcionó. Creo que tiene mucho que ver con que soy una persona que considera que la humanidad se centra demasiado en las cosas que nos rompen y nos provocan dolor. Conocí a todos estos chicos de entre 18 y 25 años y me resultó muy fácil hablar con ellos. Tuvimos conversaciones mucho más interesantes de las que tengo habitualmente, de la clase que deberíamos tener con todo el mundo.

No había ningún tema tabú, y tenían muy claras sus prioridades. Ahí me alcanzó una epifanía: los que han estado en los lugares más oscuros, los que la sociedad señala y encierra, terminan siendo los más sanos de todo. De pronto me di cuenta de que la música era mi droga, y que al salir de aquel lugar, miras a los ojos de la gente y te das cuenta de que están vacíos, de que no te han entendido como lo hicieron esos chicos.

El mundo está lleno de gente que es racional en el mal sentido. Ese es el tema central de ‘Panther’: el metal hammer | 15

conflicto entre un racionalismo mental y otro orientado a los objetivos. Es un concepto bastante amplio, pero la gente tiene este concepto tan venenoso de una racionalidad orientada al control, y hasta cierto punto se ha convertido en la quintaesencia de en qué consiste ser una persona racional, cuando en realidad la verdad universal e inherente a nuestra naturaleza es un racionalismo basado en los objetivos, en confiar en una persona y decidir qué pasos para llegar ahí con la ayuda de la misma. En la sociedad práctica que vivimos, un racionalismo más mental puede parecer algo más conveniente. ¿Sabes cuál es un ejemplo perfecto de racionalismo mental?

La Alemania de 1939. Ahí todo funcionaba como debía hacerlo y, sin embargo, había algo inherentemente maligno en su planteamiento como sociedad y como cultura. En el disco lo intentamos plantear como este conflicto entre las panteras, que serían el racionalismo mental, con los perros, que por el contrario representan el racionalismo de objetivos, el basado en la confianza, la convivencia y el amor. No soy de los que cree que todo debería ser gratis y que todo el mundo puede hacer lo que quiere, ni mucho menos. Se necesitan leyes y mercados, pero creo que las cosas no se están implementando bien, y que la sociedad se está volviendo loca por eso.

La respuesta nunca es sencilla, pero siempre confío en que haremos lo correcto”.

LA FELICIDAD EN LO OSCURO Tras semejante declaración de principios, optimista y desgarradora al mismo tiempo, la conversación deriva en que cómo es que siendo él así la música de Pain Of Salvation tiene esa fama de depresiva, yendo tan lejos como para decirle si dicho optimismo proviene de contemplar a la oscuridad en vez de ignorarla. “Siempre he sido un niño raro, y de hecho de pequeño solían decirme que era demasiado maduro para mi edad. Una parte de mí siempre fue muy meditabunda, y tenía muchos problemas con la vida y con la sociedad en general. Mi mayor problema siempre ha sido la angustia de no poder canalizar todo lo que hay en mi interior de una forma genuinamente auténtica, y de algún modo la música ha sido mi forma de mostrarme tal y como soy.

Sobre lo que comentas de la relación entre mi forma de ser y sobre lo que habla mi música, mis amigos solían escuchar mis canciones y me decían: ‘Wow, esto no lo puedes haber escrito tú. Eres una persona muy enérgica y positiva, ¿por qué compondrías algo así?’. Allá donde voy tengo esa energía casi infantil, un poder inocente, y aun así son pensamientos que están en mi cabeza. Pueden salir de muchas formas, como por ejemplo en una conversación como la que estamos teniendo tú y yo ahora, aunque no es algo que sea del agrado de todos. Como ya te he dicho y te habrás dado cuenta, yo hablo mucho, y hago lo mismo en las fiestas.

Cuando vas a una, esperan que hables de temas muy concretos y vacíos, esquivando un montón de tabúes que convertirían la charla en algo interesante. Es curioso, porque si estás en una esquina sin hablar eres un bicho raro, pero si hablas de depende de qué cosas, eres el enemigo público número uno. Eso sí, muchas veces salgo de una fiesta y siento que he hablado demasiado, tal vez por la ansiedad, y entonces me entra una depresión terrible, y en mi mente afloran cosas que no creo que tampoco deban ser ignoradas. Son matices de tu propia personalidad, y siempre deberás lidiar con ellos. Hablando de la música, cada vez que interpreto algo, siento que me he de proyectar al 100% en ello, y si te digo la 16 | metal hammer

verdad, a veces se me hace duro ceñirme a las letras y sus significados, porque no son agradables o son dolorosos para mí, pero si mantuviera una distancia de seguridad con mis emociones, entonces no sería real, y no solo estaría engañándome a mí mismo, sino a todos los asistentes del concierto. La vida gira en torno a lo real, en lo mucho que estemos dispuestos a mentirnos a nosotros mismos.

Si sientes que tu vida no es real es cuando sientes que debes escapar de ella, ya sea con drogas o con malas compañías, pero nunca es bueno.

Me gusta pensar en las personas como si fueran coches. Si fuéramos coches, lo lógico sería pensar que cada uno es feliz en su contexto: siendo un coche de carreras, un turismo, un camión, etc. Son todos perfectamente perfectos en sus entornos, y la sociedad trata de meternos a todos en entornos muy estrechos y concretos, y coches que quizás serían perfectos para un circuito, se creen que son peligrosos e inútiles.

Es como: ‘Tengo este enorme motor y aun así me siento un inútil, ¿qué está ocurriendo?.

Por el contrario, otros nos dicen que todos hemos de ser como un Fórmula 1, y nos damos cuenta de que son coches que no sirven para vivir en un barrio residencial, que no puedes meter tu compra en ellos, ¡seguro que ni se te ocurriría comprar un coche sin maletero! De algún modo siento que tengo este motor inmenso, esta fuerza que la gente percibe en mí, pero que puede costarme lograr que funcione. Entonces te das cuenta de que el caos ha sido tu hábitat, y que es algo a lo que mucha gente le puede tener miedo.

No puedes meter a un Nissan en un circuito, se ahogarían en el caos, mientras que yo en él me siento como en casa. En nuestro entorno es donde seremos felices y tomaremos las decisiones correctas, pero encontrar este lugar perfecto para nosotros suele ser la misión de toda una vida. En fin, esta analogía de los coches ha sido un poco rara, pero he intentado explicarlo lo mejor que he podido”. No puedo evitar decirle que es un concepto que Pixar ya intentó en “Cars”, y terminamos riendo los dos. “Definitivamente, no debería hacer un álbum conceptual sobre coches. Eso sí, ¿te imaginas una banda en la que cada miembro es un tipo de coche? Sería digno de verse, eso seguro, ¡aunque quizás luego querrían matarme! Además, seguro que acabaríamos teniendo problemas legales con Pixar (risas)”.

Para saber si esta crisis ha hecho que la música de Pain Of Salvation sea más relevante que nunca, Daniel demuestra que es tan humilde como versado en los temas que le inquietan. “Tan pronto como suceda algo relevante en la historia de la humanidad, la gente terminará tornándose hacia lo que es importante, exista mi música o no. Es humano cuestionarse cuál es tu papel en este conjunto más grande. Es inherente a nuestra especie que haya conflicto, y aunque siempre hay una sensación de decepción la idea de humanidad, hay que ser valiente para superar ese vacío que nos separa de los demás.

Creo que el secreto está en que jamás hay que rendirse, que sonará como un tópico, pero puedo decir que pese a mis tendencias misantrópicas, sigo siendo parte de la humanidad. Con el género pasa lo mismo, cuando te dicen en qué consiste ser un hombre, o sobre la madurez, cuando parece que es más importante comportarse de un modo que ser de un modo u otro. En la vida siempre te quieren hacer elegir, la sociedad es dicotómica, y eso es una mierda, dan ganas de sentarte en medio de la encrucijada y decir: ‘Me voy a quedar aquí hasta que

recuperéis la cordura’. Te diré una cosa sobre la misantropía. El misántropo será el primero en darle la espalda a la humanidad, pero el último en perder la fe en ella. Te prometo que he intentado rendirme absolutamente con la humanidad, pero es imposible, porque siempre te acabas volviendo a enamorar de ella, aunque sea en pequeños niveles. Quiero pensar que sí hay alienígenas ahí fuera, o quizás una sociedad humana mirándonos desde el futuro que cuando nos ven piensan que estamos cometiendo errores de juventud pero que no es nada que no pueda resolverse.

Al final del día me acabo volviendo a enamorar de la humanidad gracias a las pequeñas cosas.

El otro día vi en Facebook el vídeo de un granjero que salva a un pato de un pozo, y recuerdo que pensé: ‘Dios mío, esto es hermoso’. Cada día se hacen miles de cosas altruistas que pasan desapercibidas, y que estoy seguro que pasan desapercibidas para la mayoría que ve mil desgracias en las noticias, pero ahí está el secreto de mi esperanza.

La vida puede ser decepcionante, pero siempre va de la mano de tus expectativas.

Si tu estúpido compañero de trabajo hace algo malo te da igual, porque realmente lo esperas, pero si tu hermano mayor, que es tu héroe, hace lo mismo, de pronto te sientes terriblemente decepcionado. Si no elevamos las expectativas sobre la humanidad, nunca mejoraremos como especie, pero tengo esperanza”.

Hablando sobre lo poco evolucionada que puede estar la sociedad, charlamos de que existe la tendencia en la literatura de ciencia ficción llamada el escenario Corea del Norte. Según la misma, básicamente, somos un planeta cerrado en sí mismo y muy atrasado en un gran imperio galáctico, pero solo por la decisión de nuestros líderes, que nos ocultan la verdad.“Si te digo la verdad, ese escenario me parece hermoso, porque refleja la dualidad de la humanidad. La capacidad de negarse a sí misma como los líderes de esta Tierra aislada se cierran a recibir lo bueno de cualquier otro planeta. Por cosas así no me gusta la religión, porque te dicen que la vida en la Tierra es un limbo, cuando la vida es un fin en sí mismo. ¿Estamos de coña? ¡La vida es un paraíso! No puedo imaginarme un planeta mejor que habitar, de hecho es muy probable que el planeta estuviera mejor sin nosotros, y aun así no soy de los que cree que deberíamos matar a toda la humanidad, ni mucho menos, porque nosotros le damos un sentido. Ya te he dicho, quiero pensar que estamos en la adolescencia de la humanidad, pero aun así el conflicto siempre estará en nuestra naturaleza, incluso en el futuro más brillante. Siempre habrá más problemas, imagínate que un día una especie empieza a evolucionar como nosotros, ¡sería de locos!

Ahora los simios quieren ponerse a hacer centrales nucleares. ¿Les vamos a decir que no pueden basados en nuestros errores?

Eso sí que sería un buen escenario para una novela de ciencia ficción”.

Los entresijos de ‘Panther’ y si algún libro, película o algo en concreto le ha marcado para componer este álbum genera una respuesta es un poco más concisa, aunque solo un poco.

“No puedo recordar ninguno en concreto, pero este trabajo lleva tres años haciéndose, así que seguro que algo ha habido. Soy el padre de tres niños, y el más pequeño tiene autismo y síndrome de down, por lo que he notado que ya no veo tantas pelis como solía, y básicamente miro series, porque tener dos horas para mí es una ilusión. Una o dos veces al mes, mi hijo pequeño sí que duerme fuera de casa, y entonces sí que puedo pensar un poco en mí, aunque la mayoría de la familia

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solo quiere desconectar. Sobre los libros, estoy muy metido en la divulgación científica, que me otorga muchas ideas y me da que pensar, pero no es algo que haya jugado un gran papel en ‘Panther’, aunque creo que siempre hay pequeños detalles de todos los libros que he leído.

Si pudiera, vería de esas películas que tienen un poco de todo: algo de comedia y algo de drama, porque son como la vida misma.

Es algo que por ejemplo sucede en “Guía Del Autoestopista Galáctico”. Me encanta porque hay un momento en que están evacuando un planeta que va a estallar en tres naves, y en una van los intelectuales, en otra toda la gente trabajadora y en la última va la gente que no es ni una cosa ni otra, que terminan haciendo un poco de todo. Resulta que no había ninguna catástrofe, que solo querían deshacerse de todos los burócratas, que serían los racionalistas mentales de los que te hablaba antes. Al final la nave se estrella en un planeta lo suficientemente blando como para que no se maten, pero lo bastante duro como para que la nave no pueda despegar de nuevo y se tengan que quedar ahí”.

NOS PONEMOS FILOSÓFICOS Vistos los precedentes, lanzamos el reto de que explique el concepto de ‘Panther’ en diez palabras o menos, desafío que Daniel se toma con mucho humor y cierta indulgencia.

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“Antes de responderte, voy a enrollarme un poco. Los racionalistas mentales han tomado la mente humana y la han trastocado del todo. El buen raciocinio engendró a la mejor de la sociedad en primer lugar, y hay que tener en cuenta que la disfuncionalidad de una sociedad depende estrictamente del contexto. Cualquier problema que puedas tener como individuo, irá estrechamente ligado a su situación. Por ejemplo,“La Guía Del Autoestopista Galáctico” es el libro perfecto para el marginado que se ha quedado fuera de la sociedad, porque nunca ha entendido el contexto sobre el que ocurren todas las cosas que la habitan. Así que si hubiera de resumir el concepto, te diría que trata de desafiar los conceptos de racionalidad y cómo una mala racionalidad afecta a la buena racionalidad, y cómo el contexto lo es todo. Aunque mierda, creo que me he pasado de las diez palabras”.

Comentamos que sus palabras recuerdan a Ortega y Gasset y su: “Yo soy yo y mi circunstancia”, con el que afirma que la noción del yo como una constante metafísica es una falacia, y sobre si considera que al filósofo le gustaría ‘Panther’. “Al final del día somos la suma de todo el daño que se nos ha hecho, no porque lo malo sea lo único importante, sino porque al final del día los problemas, las durezas y el daño que se nos ha hecho, es lo que nos define como seres humanos.

Somos como la memoria de un ordenador, y en su interior se almacena todo este dolor,

que aunque es importante, no es lo único que hay. No puedo evitar pensar en cómo llegué a esa conclusión cuando estuve en el hospital.

Los problemas son importantes, y acaban definiéndote como persona. Puede costar encontrar tu rol en un mundo con conflicto, y por ejemplo, tengo la desgracia de tener amigos con tendencias suicidas y el dilema de estas personas es que están frustradas con la vida y afirman haber tenido suficiente. La muerte va a llegar, ¿por qué precipitar los acontecimientos? Tu vida se resume en que no existías, de pronto existes, y un día de pronto dejas de hacerlo, o al menos así es como lo veo yo, que no soy religioso. Cada segundo de una vida es precioso. Aún a riesgo de poder meterme en un apuro, me gustaría tener tantos segundos como pueda, y esos segundos serán buenos y malos, y es que sean como sean, ambos serán vida. Si te gusta existir, has de entender que tus circunstancias un día serán tristes”.

De perdidos al río, puestos a ser filosóficos, abrimos el melón de que existe una concepción moral más cercana a la filosofía oriental que afirma que lo malo existe en equilibrio con lo bueno, mientras que en occidente tendemos a pensar que el mal existe para lograr que el bien brille con aún mayor gloria. Siendo friki del todo, le explico que es por eso en “El Señor De Los Anillos” Sauron solo puede corromper, no crear. “No podría estar más de acuerdo

con la perspectiva occidental, y de hecho haré una analogía un poco estúpida, pero es como si celebras Navidad cada día. De niño seguro que dirías sí sin pensarlo, porque serías incapaz de ver el coste, y te gustaría que cada día fuera tan mágico y especial, cuando la realidad es que para que sea mágico y especial en primer lugar, son necesarios los otros 364 días. Si empiezas a recibir un montón de regalos cada día, no los valoras en absoluto. En nuestras vidas necesitamos un poco de todo. Es la sal en la comida. Si solo tienes las cosas dulces, no entiendes siquiera en qué consiste la dulzura en primer lugar”.

Abordando cómo la cosas malas te marcan y definen como persona, indagamos sobre cómo ‘In The Passing Light Of Day’ emergió de su depresión como una flor surgida de entre las cenizas, y sobre si cree que eso es de lo que trata Pain Of Salvation, de encontrar la luz en las horas más oscuras.

“Recuerdo que concretamente al escribir la canción ‘In The Passing Light Of Day’ me di cuenta de que una vez contemplas lo inevitable, algo cambia en tu interior, hay un súbita sensación de paz y tranquilidad.

Te pasas la vida luchando y luchando, y sencillamente un día te das cuenta de que no puedes luchar contra todo, y entonces llega la paz. Me di cuenta de que para mí la muerte no me supone un problema, no es algo que me angustie, pero lo que sí que me inquieta es la noción de no existencia, porque soy alguien muy curioso y me gustaría estar vivo para siempre. Hay muchos que me dicen que ser inmortal, aun en una condición distinta a la vida que conocemos, existiendo como energía o algo así, debe ser una tortura, pero es algo que personalmente me encantaría. La vida puede ser aburrida, pero no creo que me importara. Me encantaría contemplar el cambio, y fíjate, aun estando vivo para siempre, no podría leer todos los libros que se han escrito. Es curioso, porque parece que la eternidad no es suficiente. Hay un miedo a no vivir, y que de vez en cuando te planteas en qué consiste existir y te entra un vértigo enorme, pero de pronto si no tienes opciones hay una extraña calma. En tu interior asumes que pase lo que pase, todo ocurre más allá de tu poder. La ilusión de control es siempre un gran obstáculo”.

LA MÚSICA Y LA VIDA PERSONAL Daniel es alguien que jamás ha temido ponerse muy personal con sus letras, y aparentemente tampoco con tus entrevistas, lo que puede haberse traducido en que quizás alguna vez se ha arrepentido de su sincera proximidad. “Hay muchas variables a tener en cuenta. Para empezar yo siempre he sido un firme defensor de profundizar en lo que defiendes. Eso, entre otras cosas, significa que todo lo que digas ha de ser significativo, y en mi caso siempre me he sentido atraído por expresiones artísticas muy auténticas.

Desde esta perspectiva siento que tengo pocas opciones, porque intento trabajar en esa área en la que siento que estoy desnudo, es decir, en la que soy totalmente honesto. ¿Es cómodo? Ni mucho menos, pero eso no significa que no deba hacerlo, porque siento que es mi deber y el precio a pagar como artista. El miedo nunca debería implicarse en la creatividad. El miedo solo es útil para huir de un oso en el bosque, pero no como algo rutinario, ni mucho menos como un motor para la creatividad. Sé que no es así para todo el mundo, pero sí que lo es para mí. Es inevitable que la gente me pregunte por cosas personales, y es algo para lo que debo estar a la altura. Como te he dicho antes, cuando sobre el escenario me toca enfrentarme a mis

letras, quiero hacerlo de forma totalmente honesta, y muchas veces es algo doloroso.

Antes hemos hablado de ‘In The Passing Day Of Light’ y mi estancia en el hospital, pero si te digo la verdad, creo que cuando siento que me llevo a mi límite es con ‘Remedy Lane’. De pronto, como con todo en la vida, si tienes un problema o una crisis, has de enfrentarte a ello en tus horas más íntimas, y procesar ese trauma es una lucha que solo te concierne a ti. Es algo extraño, si te soy sincero, desnudar tu alma a completos desconocidos, pero es algo que he mejorado con los años. En su día me negaba a interpretar nada de ‘Remedy Lane’ en directo, porque sentía que todos los temas que tratan eran problemas que ya había superado y que no quería revisitar.

Otro problema raro que viene con ello es que en el momento en que tratas de escribir sobre un problema, lo quieras o no vas a dar tu interpretación artística, del mismo, y en un punto este evento sufre una mitosis, ya que en una mano tienes el problema tal y como lo recuerdas y la interpretación que has hecho del mismo. Es una forma de extraer las memorias ocultas, como cuando ves una foto sin parar y lo que recuerdas del momento es la foto, no el momento en sí. Has visto la foto tantas veces que el momento real se ha desvanecido. En ese sentido siempre intento que mi música sea cándida y directa”.

Acerca de si el heavy metal como género tiene miedo de tratar con ciertos asuntos, su defensa con matices sorprende. “Creo que todo depende de quién esté escribiendo. Si eres íntimo escribiendo sobre tus problemas, probablemente vengas de un trasfondo metalero, eso diré en su defensa. En los ochenta por ejemplo el heavy metal consistía en decir lo mismo una y otra vez, solo que de distintas formas: confía en ti mismo, sé tú mismo, y lo bueno de todo esto desde el punto de vista psicológico de alguien de la clase trabajadora, es que narra la historia definitiva de un ‘underdog’, como Rocky. Si hablamos del prog, parece que esto se abre un poco más, pero eso no implica que no haya una fórmula muy pretenciosa y poco flexible sobre qué decir o qué callar en las letras. Yo me reconocí en muchas de esas letras, solo para darme cuenta con los años de que es la misma receta para distintas personas, pero sigue estando vacía. Lo que me gusta del metal es que es muy universal y que hay un poco para todo el mundo y que cualquiera puede encontrar a un artista que hable para él. Hay una sencillez primitiva que llega al corazón. En el prog muchas veces parece que se preocupan tanto por ser intelectuales que terminan fracasando en su cometido de hacer algo trascendental. Por ejemplo, odio los deportes pero me encanta el parkour, porque tiene las virtudes que pueden gustarme de un deporte, como es la actividad física y los desafíos a uno mismo, y con el metal me sucede algo parecido. Odio cuando la gente intenta intelectualizar algo que no necesita serlo, por el mero hecho de sentirse mejor, y es algo que por ejemplo sucede mucho aquí en las noticias en Suecia, en la que los invitados usan palabras inglesas con partes en sueco para parecer más inteligentes, cuando podrían usar una en sueco que funcionaría igual o mejor.

En lo que atañe a nuestra música, siempre he tenido las mismas inquietudes. Me gusta escribir cosas complejas porque adoro el desafío de tener que tocar eso y componerlo, pero no quiero que sea la base de mi música.

No quiero que Pain Of Salvation solo consista en hacer las canciones más complejas del mundo. Quiero que las canciones sean lo que necesiten ser. Es como cuando abres el capó

de tu coche para que surja el motor y puedas fardar. Si tu coche es rápido y cumplidor, no hace falta que lo hagas, no sientes la necesidad en primer lugar”.

Finalmente, con un tono humorístico que deja atrás nuestras inquietudes trascendentales, concluimos conversando de si ha estado entrenando, ya que en el videoclip de “Accelerator” se le ve muy fuerte. “¡Sí que es verdad que estoy en mejor forma que nunca!

Verás, cuando salí del hospital me obligaron a hacer entrenamientos de rehabilitación para poder volver a caminar y demás actividades físicas varias, porque estuve postrado en una cama durante meses. Es fácil darse cuenta de que ya no puedes hacer las cosas que hacías cuando eras joven, y asumes que no volverás a estar mejor que cuando eres joven, y no sé, quizás es porque soy un cabezón, pero me lo propuse como un desafío. Me obligaron a ir al gimnasio por primera vez en mi vida con 47 años, y me sorprendió lo poco que tardé en volver a estar mejor incluso de lo que estaba antes de mi enfermedad. El cuerpo humano puede llegar a ser algo maravilloso. No es tanto por la edad como que ya no te mueves tanto como lo hacías cuando eras joven. Lo que me pasó es que el gimnasio no me parecía muy divertido, y así fue como descubrí el parkour. Todo comenzó porque quise apuntar a mi hijo, ya que creo que es algo que podría haberme gustado a mí de joven, así que le llevé, y cuando empecé a ver lo que la gente estaba haciendo dije: “eh, yo creo que podría hacer esto”, y cuando quise darme cuenta, también estaba haciendo el entrenamiento. En ese grupo todo eran niños, así que me apuntaron el grupo senior, y claro, yo pensé que estaría con los padres de todos los chicos, pero no, resulta que senior significa más de dieciséis, y el más mayor tenía veintidós. Llegué y fue algo así como: ‘Cuidado con el abuelo’. El poder aprovecharme de estar tan en forma después del gimnasio fue algo fantástico. Me puse a entrenar y sentía que no había nada que no pudiera hacer. Hay cosas que creo que no podría haber hecho ni siquiera con dieciocho.También es curioso, porque cuando entras en aspectos más técnicos del parkour, da igual lo en forma que estés, te adentras en una dimensión en la que entra la parte mental, técnica y de vencer tus propios miedos. No puedo permitirme hacerme daño, y aun así aprendía más rápido que nadie, y puedo decir que mis compañeros se quedaron flipando con lo que podía hacer el abuelo. Siempre me empuja la pasión, y como me divierto, ahora no puedo tener suficiente, ¡me he vuelto un adicto!

Respecto al videoclip, originalmente iba a ir con una camiseta de tirantes y a representar a los perros que se enfrentan a las panteras, pero por mi cambio físico creyeron que era mejor que hiciera de Pantera. Me puse a hacer todos los saltos y volteretas que aprendí en parkour, y cuando llevábamos un par de tomas me dijeron que debía quitarme la camiseta, porque la cámara solo captaba dos brazos y una mata de pelo.

Y fue difícil, porque siempre he sido tímido, y creo que hace dos años era más musculoso, aunque estuviera en peor forma. En su día solía ir a capoeira, luego me iba o a parkour o al gimnasio, y después llegaba a casa y dormía como un tronco. Si te digo la verdad, cuesta combinar la música y los entrenamientos, y por supuesto, como músico la perspectiva de lesionarte y no poder tocar es terrible. A pesar de ello, siempre que no estoy haciendo música trato de ejercitarme y despejar la mente. Supongo que simplemente porque me divierto, y creo que el día que deje de pasarlo bien, simplemente dejaré de hacerlo”. metal hammer | 19

obsidian kingdom METAL CÁRNICO TEXTO: SERGI RAMOS

FOTOS: sergio albert

Repugnantes pero bien leídos. No son GWAR, pero el concepto bien podría serlo. El autodescubrimiento como proceso destructivo pero esperanzador. La carne es inicio y final.

Resultado y causa. Una banda de Barcelona pone patas arriba el metal sin querer queriendo.

Con lo complicado que es eso.

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La trayectoria de los barceloneses Obsidian Kingdom es, cuanto menos, díscola.

Para una banda que se encuentra en un sello de metal extremo como Season Of Mist y que empezó tocando metal extremo a cascoporro, la evolución de su música ha sido sorprendente. Hoy en día la banda se sitúa al borde de lo inclasificable, con tanto de Nine Inch Nails como de Ulver, con tanto de Cult of Luna como de Deftones. Aparentemente no hay nadie al volante estilístico de la banda, pero no os dejéis engañar: sí que lo hay -y tienen clarísimo que su caos es parte de su encanto-. Nunca sabes qué hay en un disco de Obsidian Kingdom. Es como un cuarto oscuro musical. Y cuidado por donde pisas.

Pero siempre podrás agarrarte a algo más o menos familiar. Más o menos.

Hablando de cuartos oscuros, la carne y sus vicisitudes es el tema crucial del nuevo disco de la banda, un trabajo titulado ‘Meat Machine’ que verá la luz a finales del mes de septiembre en diversos formatos y con una imaginería absolutamente repugnante. Una maquina de carne que refleja las frustraciones de la vida -pensad en la idea tras ‘The Dark Side Of The Moon’ de Pink Floyd pero con olor a parrillada-. Y a sangre. Y a “miedo, asco y diversión”, según explica Edgar Merigó, alias Rider G Omega, el único miembro fundador del proyecto, acompañado del ya también veterano y siempre curioso baterista Ojete Mordaza II. Porque alguien que elige como nombre artístico cualquier combinación con la palabra “ojete” tiene que ser, a la postre, pintoresco. Tipos de mediana edad con una visión algo nihilista del mundo que les rodea y que lo canalizan en rebanadas de música de dudoso gusto como la que nos ocupa.

“El disco tiene verdad, mala hostia y frustración, pero también iluminación y entretenimiento. Es la consecuencia directa de habernos preguntado quiénes éramos y qué narices queríamos hacer con nuestras vidas.

Nuestro primer intento de respuesta fue tratar de definir nuestras identidades, como individuos y como banda; lo que nos llevó enseguida a la carne: a la que nos sostiene, a la que comemos, a la que nos follamos”, explica sin complejos el guitarrista y vocalista.

“Nos pareció que nuestras elecciones en esas materias delimitaban quienes éramos, aunque nos equivocábamos: resulta que ni siquiera podemos elegir demasiado en la mayoría de esas cuestiones.

Y entonces empezaron a pasar cosas: algunos miembros se hicieron veganos; otros empezaron a boxear; otros dejaron de beber alcohol; otros transicionaron… Y la mayoría nos pasamos todo el proceso de composición discutiendo sobre quién tenía razón respecto de qué contar y cómo hacerlo. Fue un período agotador y muy estimulante. Pero el álbum no es un ejercicio de desnudez; no pretendemos explicarle nuestras vergüenzas al oyente tanto como invitarle a él a tomar el mismo camino de auto-descubrimiento. Una de las grandes ideas detrás del álbum es que para encontrar la propia identidad, uno debe empezar un gran viaje en el que descubrirá muchas cosas desagradables, y al final se encontrará con la tiranía de la carne; siempre la carne…”.

La banda no acaba de aterrizar en esto, tal y como se puede deducir por su discurso.

Obsidian Kingdom comenzaron su trayectoria en el año 2005. Su primer trabajo fue el maxicd ‘Matter’ en 2007, seguido más adelante del EP ‘3:11’ en 2010 y un primer disco que nunca

fue tal titulado ‘Fera’. En ese proceso la banda comenzó a sufrir distintos cambios de lineup hasta llegar a estabilizarse lo suficiente como para editar ‘Mantiis’, un trabajo que les situó a otro nivel. El disco, conceptual, causó sensación en el underground por lo experimental de la propuesta y la banda fichó en 2014 por Season Of Mist. Además de reeditar ‘Mantiis’, el grupo giró con grupos como Sólstafir por Europa y Reino Unido hasta que en 2015 se pusieron a preparar el profético ‘A Year With No Summer’. Un trabajo donde contaron con la experiencia del reverenciado productor Jaime Gomez Arellano, habitual de Paradise Lost y Ulver, entre otros.

La edición de ‘A Year With No Summer’ en 2016 les elevó a nuevas cotas de éxito, pese a que los cambios de formación siguieron siendo el talón de Aquiles de la banda. Con diferentes proyectos en el horizonte y siempre compaginándolo con sus otras ocupaciones profesionales, la banda finalmente llegó al estudio en 2019 para darle forma a lo que sería ‘Meat Machine’ con una formación en la que Rider G Omega y Ojete Mordaza II lideran el pelotón pero también cuenta con los ya muy asentados Om Rex Orale al bajo, Jade Riot Cul a los teclados y Eaten Roll I a la guitarra, posteriormente sustituida por Viral Vector Lips al poco de grabar el disco. Si cuando editaron ‘A Year With No Summer’, la Metal Hammer inglesa dijo que “han suavizado los bordes”, ‘Meat Machine’ los vuelve a hacer cortantes, afilados y, sin duda, peligrosos. Como el cuchillo de un carnicero.

PROFETAS PERO NO MUCHO La primera toma de contacto con ‘Meat Machine’ fue en una céntrica coctelería de Barcelona con luces de prostíbulo y aires de resistencia -como casi todos los bares y locales en plena pandemia-. Juntar a lo más destacado de la prensa especializada en una listening session al uso -nada de Zoom, Skype ni enlaces- fue un concepto refrescante después de cinco meses de caos mundial. Ni que solo fuese por eso y por la atenta mirada de la banda desde el escenario, te apetecía sumergirte en la locura a ratos lisérgica, a ratos destructiva, a ratos desconcertante de ‘Meat Machine’. La escucha llegaba en pleno verano del año sin verano que involuntariamente profetizaron los barceloneses en su anterior disco. Un verano sin conciertos, festivales o, de hecho, normalidad. Ni nueva ni antigua.

“Nos gustaría tirarnos el pisto de que somos capaces de prever el futuro con nuestro arte, pero la verdad es que hemos sido los primeros sorprendidos al comprobar que, una vez más, la realidad siempre supera a la ficción”, valora la banda en conversación con Metal Hammer.

“Cuando escribimos ‘A Year With No Summer’ tratamos de imaginar cómo sería una crisis global en la era de las tecnologías de la comunicación, pero tomando como referencia el año sin verano de 1816, que en aquel momento cumplía su bicentenario. Nos interesaban cuestiones muy maximalistas como la calidad cíclica de las tragedias humanas o los fenómenos como el Cisne Negro (el impacto masivo que puede tener en la política y la economía mundiales un suceso tan fortuito como la erupción de un volcán o la aparición espontánea de un virus); pero sobre todo de qué manera cualquiera de estas cuestiones podían afectar emocionalmente al ciudadano de a pie. En retrospectiva, creo que el álbum acertó en

retratar cuestiones muy actuales como el aura de depresión generalizada, la inexplicable euforia pasajera ante un cambio épico, la sensación de impotencia que en ocasiones deviene en rabia contra la clase política, el incremento exponencial de las teorías de conspiraciones, o la nostalgia de pretéritas épocas doradas”, resume.

Aquel disco les dejó en un estado prácticamente apopléjico como banda, tanto que han tardado cuatro años de calendario en resurgir con nuevas composiciones. El desgaste les provocó tener que “renovar la plantilla” porque el ciclo fue “absolutamente devastador para la alineación”, en palabras de la propia banda.

“Hemos cambiado hasta tres miembros en los últimos cuatro años, por motivos que van desde las diferencias artísticas hasta la atrición de las giras, pasando por tensiones personales”, explican.

“Evidentemente, sustituir artistas en una banda exigente como la nuestra no es nada fácil ni rápido.

Por otra parte, somos especialmente lentos escribiendo música, porque siempre buscamos la participación activa y el consenso de todos los miembros en todo lo que hacemos. Eso siempre ralentiza las cosas y nos provoca alguna que otra bronca cada semana, pero es muy enriquecedor y así es como funcionamos”, incide.

Y lo que no es menos: “En 2018 nuestro productor nos tumbó el disco entero una semana antes de entrar a estudio. ¡Tardamos un año entero en reescribirlo!”.

Jorge Mur ha sido parte integral del sonido de la banda desde el primer día.

Pese a la experiencia con Jaime Gómez en el anterior disco, Obsidian Kingdom querían volver a recuperar el toque que tuvo el más hiriente ‘Mantiis’. Por eso quisieron que Mur “asumiese el mando” nuevamente, “tanto porque creímos que ya era el momento de dar el paso como por darle manga ancha con la experimentación”.

El motivo económico también pesó lo suyo. “Grabar un disco fuera de casa y con un productor de renombre sale bastante caro.

Eso te obliga a ir por faena y rentabilizar al máximo las horas de estudio, impidiéndote perder el tiempo probando cosas y jugando con sonidos, que es justo lo que buscábamos en ‘Meat Machine’”, explican.

“Jorge siempre nos aporta perspectiva y una crítica sincera. A veces, cuando pasas mucho tiempo desarrollando una obra, acabas tan metido en ella que terminas por no distinguir el bien del mal. Es entonces cuando la visión no contaminada de un agente externo puede ayudarte a ver las cosas claras; con la ventaja de que Jorge nos conoce a fondo y comprende nuestro lenguaje, y por eso sabe por dónde y cómo apretar. Extraoficialmente, siempre ha sido un miembro más”.

Pese a todo, la banda tuvo en sus planes iniciales trabajar con Jaime Gómez nuevamente, ya que la experiencia de grabar con él fue “muy satisfactoria en lo personal y en lo musical.

Pero tenemos que confesar que, muy al principio, teníamos la intención de que ‘Meat Machine’ fuera un trabajo con un fuerte componente electrónico”, revelan. “Al final el disco ha tirado por donde le ha dado la gana, pero en el momento en que tomamos metal hammer | 21

esa decisión, Jaime quedó descartado porque, aunque ha producido trabajos de todo tipo, indudablemente su especialidad es el rock.

Sea como fuere, al final Jorge y Mr Ax han conseguido plasmar a la perfección el sonido con el que soñábamos para el álbum”.

UN DISCO DE MARCADAS TENDENCIAS NOVENTERAS El nuevo disco sitúa a la banda en un terreno más noventero por un lado y más extremo por otro. ¿Os estáis radicalizando, cual yihadistas del metal vanguardista?

No vamos a negar que, en cierto modo, ‘Meat Machine’ pueda ser una reacción violenta e inconsciente a todos esos comentarios acerca de que ‘A Year With No Summer’ es un disco gris y aburrido.

Pero el motivo real es que necesitábamos un sonido mucho más agresivo y volátil para transmitir las emociones e ideas que pretendemos retratar en nuestro último disco, que tienen mucho más que ver con los conflictos internos, la crueldad del mundo y las oscuras energías de la mente subconsciente.

No creo que vaya a suponer ninguna sorpresa, y no lo digo ya por ‘Mantiis’…

Supongo que nadie habrá olvidado que empezamos haciendo black metal. En lo tocante a nosotros, siempre deberíais dormir con un ojo abierto. ¡Es una de las grandes bazas del grupo!

El aperturismo de algunos “estribillos” recuerda a NIN, a Marilyn Manson. ¿Han sido puntos de referencia en la composición?

Sí y no. Nuestros referentes son mucho más contemporáneos y ahora mismo estamos escuchando cosas más en la línea de Death Grips, Daughters, Author & Punisher, Cult of Luna o Ulver. Aunque es verdad que algunos de los estribillos de ‘Meat Machine’ remiten más a bandas como Deftones o Nirvana…

Supongo que no podemos negar que siempre tendremos en un pedestal la música que escuchábamos cuando éramos adolescentes. Es en el momento en el que empieza a consolidarse la identidad y, como el primer amor, todo lo que pasa en ese momento lo llevas encima para siempre. De forma inconsciente, toda la música de esa generación influye en absolutamente todo lo que hacemos.

Ahora bien, a día de hoy y para bien o para mal, cualquiera que intente mezclar rock duro con sintetizadores va a ser inevitablemente comparado con Trent Reznor. Y con razón. A nosotros nos honra, la verdad.

A menudo los ’90 son como la “década denostada” en medio de las eclosiones del hard rock ochentero de masas y el nu metal masivo de Linkin Park o Evanescence. ¿Se le hace poca justicia a lo que salió de aquella década tan extraña?

Entiendo que para los estándares metaleros de aquel momento supusiera un cataclismo pasar de los pechos neumáticos de Joey DeMaio y de la testosterona concentrada de Phil Anselmo a los amaneramientos de los alfeñiques de Seattle… Pero creo que es un debate que tiene más que ver con la representación de la masculinidad en el 22 | metal hammer

mundo del metal que intrínsecamente con el sonido de los noventa. Pero para mí fue una época gloriosa para la música. Y no soy el primero ni el último en reivindicar que bandas como Alice In Chains y Soundgarden definieron el sonido del metal entonces y ahora, y que todavía suenan durísimas a día de hoy. Amén de grandes iconos del género como Rage Against The Machine o System Of A Down. O Tool. Los bichos raros de entonces son las vacas sagradas de hoy…

Y no, no creo que no se les esté haciendo justicia. Estas bandas todavía llenan estadios, y son cabezas de cartel en muchos festivales de metal en todo el mundo. ¿Crees que las propias limitaciones del público del metal para comprender la música fuera de las etiquetas son el principal handicap para el desarrollo comercial de Obsidian Kingdom? A juzgar por las reacciones en redes sociales tras los adelantos de este disco…

Seguramente, pero oye, cada cuál que escuche lo que le venga en gana. Siempre habrá conservadores y tradicionalistas en todos los géneros, y está bien que los haya.

Nosotros nos dirigimos a ese sector del metal con la mente más abierta, con curiosidad por probar cosas nuevas y que ya está habituado a consumir otros géneros musicales. Porque así es exactamente como somos nosotros, y afortunadamente existe un circuito para gente con tales gustos.

A pesar de todo, no nos engañemos: somos una banda de metal (o, a mucho estirar, de rock muy pasado de vueltas). En algún momento pusimos incluso esto en duda, pero lo llevamos en las venas. Solo hace falta escuchar ‘Meat Machine’. ¿Qué relación mantenéis con las redes en sí? ¿Dejáis que os afecten ciertos comentarios o las leéis con cierto filtro y distancia?

Somos muy activos en las redes, leemos absolutamente todo lo que se publica de nosotros y respondemos prácticamente a todos los comentarios y mensajes que nos hacen llegar los oyentes. No creemos que internet haya destruido el papel de las discográficas y la prensa en cuanto a definir el panorama musical imperante (aunque en su momento así se creyó), pero sí que ha tendido un puente importantísimo entre el artista y su audiencia.

En ese sentido, somos muy permeables a las críticas; lo que no quiere decir que necesariamente les hagamos caso. Siempre son una valiosa fuente de información respecto del impacto que está teniendo nuestra obra en el mundo. De hecho, con ‘Meat Machine’ estamos recibiendo por primera vez una buena cantidad de comentarios negativos y de crítica destructiva, cosa que raramente había pasado antes. Algo estaremos haciendo bien.

LA CARNE QUE SOMOS, LA CARNE QUE NOS DOMINA ¿Cuál es la primera frustración que recordáis con respecto a la carne?

Creo que perder los dientes; porque de haber nacido no me acuerdo. Es esa sensación desagradable de que algo va horriblemente mal y que, de forma espontánea, la realidad

de tu cuerpo está cambiado, abocándote a un mundo de terribles posibilidades… ¿Y si es permanente? ¿Me estoy muriendo? ¿Qué pensarán los demás de mí? Todo ello unido a la sensualidad de poder ir presionando el diente con la lengua, produciendo una sutil sensación de dolor y placer, a medida que te das cuenta de que estás avanzando, lenta y voluntariamente, hacia tu propia autodestrucción. Supongo que te acuerdas.

La carne y sus particularidades es algo que la banda entiende desde una perspectiva mucho más amplia que otras personas. Contáis con una mujer trans. ¿De qué modo enfocasteis el asunto? ¿Qué crees que esto aporta como experiencia vital e incluso lírica a Obsidian Kingdom?

Judit transicionó de lleno en el proceso de composición de ‘Meat Machine’, y creo que no es casual. Ella eligió hacernos partícipes de su proceso justamente como consecuencia de nuestra primera sesión de fotos promocional con la nueva formación.

Precisamente creo que esta idea de que nuestra representación del mundo contribuye directamente a moldearlo, es también uno de los grandes caballos de batalla del disco. La forma en la que elegimos presentarnos ante los demás revela cómo percibimos la realidad, y cómo nos gustaría que fuera. El poder de la imaginación sobre la materia.

Para nosotros ha supuesto un suceso mágico y una oportunidad fantástica para compartir su vivencia de primera mano. En mi caso, me alegro mucho de tenerla como amiga y agradezco la posibilidad de discutir con ella todas mis dudas sobre un tema tan complejo. Como banda, precisamente creemos que la mejor manera de contribuir a la normalización de las personas trans es no llamar específicamente la atención sobre ello.

Judit era y es la teclista de Obsidian Kingdom, sin más.

“Rendirse es la única forma de vencer”. Es una de las frases asociadas a la descripción de “Meat Star”. ¿Qué paralelismo podéis trazar entre el declive de la sociedad occidental al que estamos asistiendo como garantía de nuestra pervivencia futura? Claro que también podemos hablar de los paralelismos con el mundo de la música y su modelo exponencial condenado al fracaso eventual.

Detrás de esa máxima se esconde otra, y es que nada nunca muere, solo se transforma.

Aceptar esto implica dejar de padecer por el final de las cosas y sencillamente celebrar su transformación eterna. Rendirse implica dejar de resistirse al cambio, cuando este deviene inevitable.

El momento presente es un ejemplo claro de una situación de cambio inevitable; no en vano se está hablando de “nueva normalidad”… Independientemente de las ideas de cada uno respecto del cómo y el porqué de este ciclo, una cosa es indiscutible: la realidad está cambiando, de forma súbita y crítica. Y la única forma de disfrutar del nuevo amanecer es aceptar la muerte del ayer, y tratar de adaptarse al nuevo día. No será bonito, nunca lo es. Y al final, cuando nos hayamos acostumbrado, no habrá sido para tanto. Y respecto de la industria musical, ídem. Recuerdo un cataclismo similar cuando empezó la era del p2p en internet.

“En 2018 nuestro productor nos tumbó el disco entero una semana antes de entrar a estudio. ¡Tardamos un año entero en reescribirlo!”

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Las discográficas y la prensa musical iban a desaparecer, e iba a comenzar una nueva utopía de música gratuita, directa desde el consumidor al oyente, sin intermediarios.

Pero las discográficas se aliaron con los distribuidores digitales, y los periodistas se hicieron youtubers. Solo somos un montón de arquetipos cambiando de forma por toda la eternidad.

Edgar / Rider G Omega es arquitecto de profesión. ¿De qué modo influye esto en la manera de construir y arreglar las canciones de Obsidian Kingdom?

Pues es una pregunta muy interesante, y muy pertinente. La arquitectura y la música son ambas cuestiones de ritmo, proporción y textura. Y son lenguajes emocionantes. En mi caso, siempre encaro las composiciones, e incluso la gestión de la banda, como un gran proyecto en el que van a intervenir todo tipo de factores (humanos, técnicos, económicos, poéticos, etc.) y que, una vez terminado, va a tener un impacto sobre su usuario del que yo voy a ser solo una pequeña parte. A nivel menos abstracto, quizá en este aspecto no sea casualidad que nuestros álbumes tiendan siempre a ser conceptuales, o que la banda flirtee a menudo con el rock progresivo, uno de los estilos más cerebrales y grandilocuentes. Al final la cabra tira al monte, supongo.

Lo inclasificable de la propuesta de Obsidian Kingdom ¿juega a favor o en contra de la banda?

directo a una película de cine mudo (el festival holandés Roadburn lleva haciéndolo desde hace muchos años), sino que ya se había hecho exactamente con la misma película (KTL compusieron en 2008 su propia banda sonora para “La Carreta Fantasma”, después de recibir una invitación muy similar a la nuestra). En todo caso, y con toda modestia, lo que sí fue es un éxito. Fue apasionante participar en un evento así y todo un hito en nuestra carrera, con toda la platea llena, en un lugar tan emblemático de Barcelona. Es una pena que solo fuera una noche… Pero también su magia. El CCCB siempre abre sus ciclos de cine veraniego al aire libre con una banda sonora original en directo, y aquel año el tema era “magia, lisergia y ocultismo”; cuestiones que nos tocan muy de cerca.

Afortunadamente además, la comisaria de la exposición en la que se inspiraba el ciclo era Mery Cuesta, la misma que ya había contado con nosotros para el ciclo conceptual “Metalúrgias”: una presentación museística de las nuevas tendencias dentro del metal, también en el CCCB. Ah, y se me olvidaba decir que todos pertenecemos a la misma sociedad secreta que sacrifica bebés a Lucifer para traer el Nuevo Orden Mundial.

Al hilo de esto, se oye a menudo a un público rockero quejoso de la falta de integración del rock duro en su contexto más clásico dentro de los circuitos de contratación pública y de las entidades culturales públicas en sí. ¿Cuál es el mayor hándicap del rock duro en 2020 para ser institucionalmente apto?

“Como banda, precisamente creemos que la mejor manera de contribuir a la normalización de las personas trans es no llamar específicamente la atención sobre ello. Judit era y es la teclista de Obsidian Kingdom, sin más” Depende de a quién le preguntes; a nosotros nos gusta pensar que estamos desarrollando una trayectoria en la que la sorpresa y la imprevisibilidad son uno de los valores creativos de la banda, y que a la larga contribuirá a que se nos recuerde. No somos los primeros en hacerlo y hay mil ejemplos de otros pioneros en ser camaleónicos, desde David Bowie hasta Ulver. Pero, si somos objetivos, creo que de momento ha jugado en contra. Todavía recibimos muchas reclamaciones por haber abandonado el sonido y la estética que teníamos en ‘Mantiis’, y con ‘A Year With No Summer’ descubrimos que parte de nuestro público es más conservador de lo que habíamos imaginado.

Pero ése es el riesgo de caminar siempre por las lindes, y de no darle siempre a la gente lo que quiere. El tiempo dirá si jugamos bien nuestras cartas pero, con toda honestidad, tengo que reconocer que no sabemos hacerlo de ninguna otra manera.

El experimento de “The Phantom Carriage” fue novedoso y sorprendente. ¿Cómo surge que una institución como el CCCB le encargue a la banda un proyecto como ese?

Pues tengo que contradecirte, aún a riesgo de tirar piedras sobre nuestro propio tejado… No solo no fue novedoso que una banda de metal pusiera banda sonora en

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Supongo que el rock no encaja demasiado bien con las tendencias imperantes, ni estéticas ni políticas. En un mundo donde el ojo de marcas, medios e instituciones está puesto en la música urbana, las nuevas tecnologías de la comunicación y los debates sobre justicia social, me da la sensación de que el rock duro, y especialmente el más clásico, se percibe como un cliché desconectado de la realidad; un ejercicio de nostalgia que vivió sus años dorados hace ya veinte años.

Y claro, eso no vende, no es “cool”. De todas maneras y en mi opinión, el hecho de que el rock no resulte atractivo a nivel institucional no debería considerarse un hándicap, sino un logro: el rock tiene que ser, por definición, rebelde y políticamente incorrecto y, por lo tanto, anti-institucional. Lo que tenemos que preguntarnos de verdad es por qué el rock ya no provoca ni ofende a nadie… ¿No será que, precisamente por eso, ha perdido uno de sus principales atractivos y empieza a oler un poco naftalina? ¿Qué no haría jamás Obsidian Kingdom en un disco? ¿Cuál es el límite?

Resultar previsibles. Si algún día encontramos algún lenguaje que nos defina, tendrá que ser uno que se adapte a nuestros tránsitos y evoluciones, tanto a nivel individual como grupal. Nosotros no dejaremos de buscarlo.

“Nos gustaría tirarnos el pisto de que somos capaces de prever el futuro con nuestro arte, pero la verdad es que hemos sido los primeros sorprendidos al comprobar que, una vez más, la realidad siempre supera a la ficción”

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metallica UN REGRESO ORQUESTADO TEXTO: dani bueno FOTOS: brett murray, jeff yeager y anton corbijn

Vuelve Metallica. No se habían ido por mucho tiempo, pero después del concierto del ’S&M²’ y el anuncio de una nueva recaída de James Hetfield en sus adicciones que ya le habían atormentado en el pasado, este regreso cobra un brillo un poco más especial.

Desde que comenzó la cuarentena, Metallica ha estado compartiendo cada lunes un concierto histórico de su trayectoria.

Desde sus primeros directos a principios de los ’80 hasta algunos shows de la última gira pasando por sus múltiples tours por todo el mundo, la banda ha estado activa con eso, con encuestas para que el público votase su canción favorita en redes sociales o, ahora, con el lanzamiento del CD/DVD/vinilo del mencionado ’S&M²’, con el cual han vuelto a aparecer tocando en conjunto a modo de promoción (aparte de muchas entrevistas).

Este concierto sinfónico de Metallica 20 años después es una pieza en su discografía que habrá que ver cómo encaja con su amplia variedad de álbumes y cómo es aceptado por sus aficionados. Por este motivo, hemos querido analizar en este número de la revista al detalle este nuevo trabajo y el resto de su discografía al completo. ’S&M²’: AHORA PRIMA EL ESPECTÁCULO El ’S&M²’ de Metallica era uno de los conciertos más esperados de la banda en los últimos años gracias al enorme impacto que tuvo hace veinte años la celebración del primer ’S&M’ con la Orquesta Sinfónica de San Francisco.

Las diferencias después de dos décadas son obvias por el paso del tiempo, pero también ha habido bastantes similitudes con aquel concierto en el Madison Square Garden de Nueva York respecto a este ’S&M²’ en el Chase Center de San Francisco. La primera de las diferencias es la repercusión mediática que le han dado a su lanzamiento, y es que, además de engrandecer la producción de los dos conciertos similares que hicieron en 26 | metal hammer

esta segunda actuación en 2019, la primera emisión que se hizo del concierto grabado fue directamente en los cines de todo el mundo con unas pocas fechas en exclusiva antes de terminar el año.

Para este formato, sin que los aficionados fueran víctimas de los interminables anuncios y tráileres del cine cuando van a ver películas, Metallica realizó a modo de intro un minidocumental en el que explicaba algunas de las dinámicas que han seguido para la preparación del concierto en esta ocasión y los factores que han cambiado comparados con la vez anterior. La involucración de la banda en este ’S&M²’ ha sido mucho mayor, y es que en el de 1999 fue Michael Kamen quien se encargó de hacer todos los arreglos orquestales para luego ponerlos en común con el grupo e interpretarlos en un concierto muy preciso pero sin alardes de espectáculo.

En 2019 no fue así. Durante la gira europea de Metallica, Michael Tilson, director de la Orquesta Sinfónica de San Francisco, fue quien tomó las riendas como cabeza del proyecto en el ámbito orquestal para ir enviando a la banda piezas con las que complementar sus canciones.

EMPIEZA EL CONCIERTO De este modo, con un setlist modificado por el simple hecho de haber lanzado tres álbumes de estudio en estos veinte años y que algunos temas se hallen dentro de él, el 6 y el 8 septiembre de 2019 llegaron los días más esperados durante muchos años por la “Metallica family” -como denomina James Hetfield a sus seguidores-.

“The Ecstasy Of Gold” arrancó -como siempre- el directo y de qué manera. La interpretación por la orquesta en vivo le da

un toque más épico y emocionante si cabe, y en el cine nada mejor que un tema de Ennio Morricone para abrir boca. Sirve además como homenaje póstumo a su figura después de haber fallecido unos meses atrás, por lo que el CD y DVD de la actuación lanzados el 28 de agosto acentúan más lo especial que es este trabajo para la banda norteamericana.

“The Call Of Ktulu” fue la primera canción de Metallica en sonar como homenaje al inicio veinte años atrás, y a pesar de que la estructura fue bastante similar, algunos arreglos orquestales sonaron distintos para no hacerlo igual -algo imposible con Lars a la batería, que cada vez que la toca lo hace de una manera siempre que cuadre en los tiempos de la canción-.

Un seguro de vida en directo cuya simpleza y contundencia van a la par continuó el show: “For Whom The Bell Tolls” levantó a los presentes, como hace siempre, con una puesta en práctica musical casi igual que hace veinte años. La primera novedad llegó con uno de los cortes que no existían en el S&M: “The Day That Never Comes”. Metallica no modificó la manera de tocar las canciones por el hecho de estar con la orquesta ni en 2019 ni en 1999, pero aquí sí que dejó lugar a la agrupación sinfónica para la parte de la intro en el tema más épico del ‘Death Magnetic’ (2008).

Después de un comienzo bastante bueno, la canción que, sin ser de los clásicos, funciona probablemente mejor en la conexión público-banda. “The Memory Remains” dio lugar a que los fans se dejasen la garganta con esta versión en la que corearon la estrofa mítica junto a la orquesta y, finalmente, a capela. Todo iba bien, pero Metallica tiene esa capacidad de dar una de cal y una de arena,

y aquí llegó uno de los mayores “plof” de la noche. “Confusion”, uno de esos temas que ni fu ni fa de ‘Hardwired… To Self-Destruct’ (2016) que han tocado bastante en su gira de pabellones/arenas, bajó los ánimos del éxtasis del principio (aunque menos que otras veces porque con la orquesta todo les suena mejor) y más cortando a la gente cuando cantaba al unísono la parte más emocionante de “The Memory Remains”.

Otro de este álbum más reciente, “Moth Into Flame”, arregló un poco esta caída. Este sí que triunfó (salvando las distancias con sus discos de los ’80) cuando se lanzó el disco, y la gente volvió a tratar de retomar ese buen ritmo que habían impreso desde que empezó el directo la formación de San Francisco.

Fijarse en el éxito del primer ’S&M’ era una de las cosas que podía hacer Metallica para encontrar buenas sensaciones en esta nueva actuación, y una de las canciones que mejor funcionó sin ser de las más conocidas en la trayectoria del grupo fue “The Outlaw Torn”, que decidieron interpretar de nuevo de manera acertada.

La composición que realizaron expresamente en el ’S&M’ de 1999, “No Leaf Clover”, no podía faltar como otro homenaje a ese concierto, y “Halo On Fire” atacó tras ella en otra elección buena de su último trabajo para tocar junto a la orquesta para acabar la primera mitad de la velada. Un decálogo de diez temas que no están entre los más famosos de Metallica pero que en este formato funcionaron bien (excepto la citada “Confusion”, que podía haber sido sustituida por cualquiera de las decenas de canciones de la banda). El último disco tuvo bastante repercusión en esta parte, algo que siempre que sacan un LP tratan de hacer y que no siempre gusta a los fans de toda la vida.

UNA SEGUNDA PARTE MÁS ESPECIAL Lars Ulrich salió micrófono en mano para hacer un speech de agradecimiento y posteriormente presentar a Michael Tilson, director de la orquesta, para que este recogiese el testigo, diese otro pequeño speech y

empezaran un tema en solitario, en concreto una versión de Sergei Sergeyevich Prokofiev del segundo movimiento del “Scythian Suite, Opus 20 II: The Enemy God And The Dance Of The Dark Spirits”. Metallica se unió a este formato épico -que se hizo bastante largo, todo sea dicho- para tocar unidos “The Iron Foundry, Opus 19”, de Alexander Mosolov, con la orquesta haciendo su papel y Metallica una composición propia sobre sus partituras. Las tornas se cambiaron, los cuatro jinetes tenían que adaptarse a la orquesta, y su creación fue nefasta: simplona, aburrida y prescindible. Aunque fuese algo diferente a lo que había sucedido hasta el momento, se hizo pesado y podían habérselo ahorrado.

Siguieron innovando en su concepto de concierto con la orquesta para que James Hetfield se quedara solo con ella e interpretase “The Unforgiven III” cantando.

Esta idea fue más acertada que la anterior, y destacó la figura de James a la voz: no parecía encontrarse a gusto sin guitarra, no sabía dónde ponerse las manos y cómo colocarse, y fue el único momento en el que se reflejó su voz resentida en la noche. No se sabe si en esto tendrían que ver algo sus problemas desvelados poco después de dicha actuación con su recaída en sus adicciones, pero fuera lo que fuera, fue curioso su papel en un formato de la canción muy bonito.

Para seguir con estas novedades, una que ya habían practicado sin orquesta y que han empleado últimamente para hacer referencia a su fundación con la que ayudan a distintos colectivos. “All Within My Hands” del ‘St. Anger’ (2003) sonó en San Francisco con un toque sureño aparte de acústico y no disgustó a los presentes. El último punto diferencial llegó con “(Anesthesia) Pulling Teeth”, donde Scott Pingel, bajista de la San Francisco Symphony Orchestra, rindió su particular muestra de admiración y recuerdo al fenecido Cliff Burton en un corte que puso los pelos de punta. Llamó la atención que, al terminarla -donde Ulrich se había unido con la batería-, el danés fue a saludarle con las dos manos arriba para chocar y se llevó una cobra porque Pingel ni se cercioró de ello. Cinco hits restaban para concluir, y otro de los que funcionó a la perfección en 1999 con la

orquesta cayó en el Chase Center:“Wherever I May Roam”, que tuvo un conjunto de luces y láseres muy especial. “One” prosiguió con una introducción en la que los clásicos sonidos bélicos de diversas armas de fuego y bombas se cambiaron por uno de los percusionistas y Lars golpeando la baqueta del otro con una propia sobre una caja para simular descargas de metralletas. La parte que todo el mundo esperaba en la que a Ulrich le tocaba dar al doble bombo contaba con la incógnita de si lo haría bien, si como de costumbre cuando le apetece y a destiempo o si, como en otros DVDs, se le ha añadido en post producción.

Ni se molestaron. Pusieron el sonido original algo más elevado en este aspecto, pero no quisieron falsear este tramo como en directos anteriores.

“Master Of Puppets”, un infalible de su trayectoria, elevó las voces del público con una epicidad mayor que la clásica de las de Metallica en sus giras. “Nothing Else Matters” hizo que las luces se apagaran, las linternas de los teléfonos se encendieran y los corazones se abriesen en una interpretación muy emocionante, y “Enter Sandman”, con un Michael Tilson desatado, iluminó el recinto para que se viera sin problemas la comunión de aficionados-orquesta-grupo que terminó de generar el éxtasis entre los asistentes.

Es posible que en un análisis musical el concierto de 1999 fuera más preciso y, sobre todo, sobrio, pero la diversidad de luces, pantallas, cambios durante la actuación, efusividad de los músicos y actitud generó que este ’S&M²’ fuera mucho más espectacular en cuanto a lo que es la puesta en escena.

En el otro directo destacó la música, aquí el producto final, y allá cada uno qué es lo que prefiere.

Metallica ha parado durante un tiempo por la desgracia de la recaída de Hetfield, pero augura volver cuando todo esté en su sitio, y ya está en marcha con este lanzamiento y con sus primeras imágenes tocando juntos.

Su futuro es una incógnita, pero Metallica ha llegado al punto en el que cualquier cosa que haga tendrá una repercusión extraordinaria, sea buena o mala, en comparación a cualquier artista de la esfera del heavy metal. metal hammer | 27

EL PRESENTE Y FUTURO DE METALLICA La situación en la que se encuentra la banda norteamericana a día de hoy es difícil de describir para cualquiera que no pertenece al seno de la banda. El número de declaraciones que los miembros llevan a cabo son muy escasas y cuidadas al detalle. Nada debe deteriorar la imagen de Metallica, y menos algún lapsus o respuesta evitable, ya que cualquier repercusión negativa se magnifica cuando se habla de la banda/empresa más grande del heavy metal de la historia.

La salida de su segundo álbum con orquesta resumido en las páginas anteriores ha conseguido que la formación se deje ver algo más de lo habitual, y es que la promoción es lo que tiene: se te ha de ver activo y, a ser posible, con una sonrisa en la cara. El momento en el que se encontraba el grupo desde que realizaron el concierto hasta la promoción del disco ha sido complicado. Más concretamente, ha sido difícil por la situación en la que se ha visto inmerso James Hetfield, que tuvo que volver casi dos décadas después a tratarse adicciones que florecieron (otra vez) en la vida del frontman. Esto puede ser que desde las entrañas de Metallica fuera más “fácil” de prever, pero el mismo Robert Trujillo declaraba para nuestros compañeros de Metal Hammer UK: “No lo vimos venir.

James parecía estar bien, pero cuando miras atrás e intentas analizar la situación a lo largo del tiempo te das cuenta de que se podían ver señales de alerta”. Desde fuera ya se veía que algo no estaba bien -pese a las palabras de Trujillo-, la ausencia de Hetfield en la mayoría de apariciones públicas (salvo cuando entregaban los cheques en cada concierto de cada ciudad a las asociaciones caritativas desde su fundación All Within 28 | metal hammer

My Hands) y su cambio físico (a peor) que mostraba una imagen más deteriorada de James vislumbraban que quizás no todo iba como debía.

No ha de ser fácil para una persona que ya pasó por todo eso y que casi pierde su familia por ello el volver a ese tipo de momento en su vida. Robert añadía a las palabras anteriores que “el hecho de estar en la carretera puede ser un gran reto, y me puedo hacer a la idea de que James al tener que estar en el escenario frente a toda esa gente y seguir adelante mientras tu familia está lejos y todos los problemas van creciendo…”, está claro que es algo que ha generado él, pero no quiere decir que no sea duro para él y sus allegados. En esa misma entrevista, Kirk Hammett apostillaba que “en cualquier momento en el que algo como esto le sucede a un compañero de grupo, es profundamente inquietante. Es un shock. Tienes que darlo todo para tapar lo que sucede”.

Parece que todo ese calvario ha quedado atrás, al menos cara a la galería, y en las diversas apariciones de los componentes de Metallica que se han visto hasta la fecha, James ha regresado un poco “como si no hubiera pasado nada”. Obviamente, ya se encargará el staff de la banda de indicar a quien se encargue de alojar estas charlas que de ciertos temas “mejor no hablar”, pero la actitud del propio Hetfield permite ver que, desde su perspectiva, que podría ser la más delicada, se lleva con naturalidad y con ganas de empezar una nueva página en su vida.

Un reflejo de esto es la charla que tuvieron todos los músicos con SiriusXM el día de la salida de su nuevo trabajo, donde James comentó algunos aspectos de cómo ha ido su cuarentena.

“Al estar en mi ciudad aquí (en Colorado) he podido crear una comunidad con mis amigos para hacer cosas al aire libre. Somos muy afortunados de que la covid-19 no nos ha hecho confinarnos del todo al estar en la montaña como en otros sitios, y lo sé por la gente que vive en grandes ciudades. Aquí puedes seguir saliendo, montando en bici, montando en piragua, pescando, cazando y demás” confiesa James, que amplía su testimonio sobre el confinamiento añadiendo que ahora tiene “muchos amigos aquí que no podría haber tenido antes. He organizado barbacoas y quedado con gente y así se ha ido creando una comunidad con amigos que no podría haber tenido la oportunidad de construir anteriormente porque quizás decía ‘oh, no puedo, tengo que irme la semana que viene… tenemos que ensayar… tenemos que hacer esto o lo otro…’. Me he tomado mi tiempo para formar amistades de verdad. No es que no las tuviera ya, pero a un nivel local y cercano, es un gran paso para mí. También he estado en el garaje, donde me encanta estar simplemente trasteando y soldando. Lo he hecho con un par de cosas para la fundación All Within My Hands. Hice un comedero para pájaros y ahora curioseo por la ventana unos 50 pájaros diferentes que vienen a comer. Es mi nuevo tipo de televisión desde aquí (risas).

Simplemente disfruto de la naturaleza mucho más y disfruto con mi mujer a día de hoy”.

La ausencia de conciertos ha permitido también que todos los miembros de Metallica puedan desempolvar su faceta compositiva, y a eso hacía alusión el propio Hetfield en esas declaraciones sobre su cuarentena, en las que decía que “somos perros de carretera porque hemos estado en ella siempre, así que teníamos o que rodar o que componer. Como es obvio, ahora no estamos en la carretera, así que toca componer. He estado preparando

una gran cantidad de material y estoy seguro de que hay muchos músicos ahí fuera que han hecho lo mismo”. A esto se suman también las palabras de sus compañeros, que también han comentado en sus diferentes entrevistas que Metallica se encuentra componiendo, pero de una manera distinta a la habitual.

“No es fácil, pero hemos ido haciendo lo que hemos podido. Hemos intercambiado ideas”, declaraba Lars Ulrich a NME. Por su lado, Hammett asegura que “tenemos reuniones semanales y el diálogo ha estado dirigido hacia lo que íbamos a hacer en un futuro inmediato. […] Hay muchas cosas que podemos hacer a distancia, pero pienso que lo que necesitamos todos es estar juntos en una misma habitación para crear canciones y música muy, muy, muy buenas. La magia sucede realmente cuando estamos en una misma habitación respirando el mismo aire, incluso hasta cuando puede ser mortal”.

Esta broma final de Kirk no oculta el hecho de que el grupo está haciendo lo que puede para avanzar en esta situación, pero son momentos difíciles como señala Robert Trujillo a The Oakland Press: “Obviamente son tiempos locos y cuesta dar el primer paso, pero siento que lo hemos hecho. Tenemos algunas ideas sobre cómo queremos hacer música juntos. Haremos algo entre todos y va a ser emocionante musicalmente, y haremos una o dos actuaciones más (no sé exactamente cuándo, cómo o qué), pero hay cosas en las que se están trabajando.

Hemos abierto esta veda y empezamos a hacernos a la idea de cuál es nuestro próximo paso adelante a nivel creativo. Las posibilidades van creciendo, y ese es el punto en el que nos encontramos ahora”.

El concierto en un parking grabado y emitido posteriormente en autocines ha sido la única experiencia en vivo que ha podido compartir el público de Metallica en 2020 (además de sus actuaciones en el show de Howard Stern), y aparte del nuevo ’S&M’ lanzado, su versión acústica de “Blackened” (‘…And Justice For All’, 1988) es la única dosis de novedad aportada a los aficionados del gigante estadounidense. Metallica quiere avanzar, pero el propio Ulrich indica a NME que al estar separados es mucho más difícil para ellos por su forma de tocar juntos. “Lo más difícil de estar en cuatro lugares distintos es que no existe un programa que pueda hacer que toquemos a la vez para seguirnos. Puedo tocar algo y mandárselo a otro y entonces él toca y se lo manda a otro o viceversa, pero al no tocar a la vez no está presente esa impulsividad y la energía del momento”. De esta manera se gestó “la nueva Blackened”, y Lars revela que ha buscado cómo avanzar en ese tipo de métodos de composición -aunque el resultado no haya sido el que le hubiera gustado-: “He hablado con gente de tecnología para ver cómo podríamos tocar a la vez en directo, pero todavía no se puede.

Si se pudiera, lo explotaríamos, pero por ahora estamos en esta burbuja durante unas semanas y estamos deseando que en algún punto en este otoño podamos volver a otra burbuja donde componer y tocar e incluso grabar (tenemos ganas de ver las posibilidades que hay para que esto suceda)”.

La gente empieza a preguntarse cuatro años después de que saliera ‘Hardwired…

To Self-Destruct’ cuándo llegará lo nuevo de los norteamericanos, pero el mismo Ulrich recalca que ni él mismo está seguro de ello. “¡Todavía no hay que esperar nuevos temas!

Ahora mismo diría que lo más complicado es tratar de planear algo porque cinco minutos

después esos planes cambian”. La grabación de su anterior álbum tuvo polémica ya que Kirk Hammett no aparece en los créditos ya que, como alegó, perdió todo el material que tenía en su iPhone, una situación que, cuando la explicaron tanto él como James Hetfield en diversas entrevistas, parecía que podría ocultar otros motivos con esta excusa de Kirk. A pesar de ello, Hammett ha dicho a Uproxx que en esta cuarentena “He empleado este tiempo para sumergirme en todas mis ideas musicales. En los últimos tres o cuatro años son más de 600. Me ha tomado un par de meses este proceso, pero han sido enviadas a un banco de ideas enorme y ahora estamos empezando a hablar acerca de todo este material, intercambiando ideas y haciendo que la rueda gire para crear nuevo material”. Veremos (y esperamos) que esta vez no pierda todas esas composiciones, y habrá que comprobar si con eso sale un trabajo con más cohesión entre todos.

Como reflexión final de Lars, que ejerce de líder en solitario de Metallica con este paso atrás que ha tenido que dar Hetfield por sus adicciones en los últimos meses, ante una coyuntura tan complicada como la actual Lars defiende que “es la naturaleza del mundo en este momento y tendremos que aceptarla y rendirnos ante ella. Creo que es un buen recordatorio de la fragilidad del planeta y cómo deberíamos de vez en cuando parar y ser un poco más respetuosos y apreciar lo que tenemos”.

Solo queda comprobar si Metallica vuelve a su situación “normal” con Lars y James al frente y esperar qué depara a la banda su próxima actividad en directo y el devenir de su discografía con nuevas piezas (si es que se llegan a dar). metal hammer | 29

DISCOS DE METALLICA DE PEOR A MEJOR Solo con el título de este apartado, la polémica está asegurada.

Cada persona tiene una serie de criterios, y al igual que tú tienes los tuyos, yo tengo los míos y el resto de personas también, por eso esta lista de discos de Metallica probablemente no tendría el mismo orden.

Es la banda más grande en la historia del metal, guste su música o no, y que no hubiese hasta ahora un ranking en la web de sus discos (cuando hay de otras bandas como de Iron Maiden, por ejemplo), era significativo. Entre los álbumes escogidos en esta lista se han quedado fuera sus directos (salvo el primer ’S&M’) -incluido el reciente ’S&M²’ porque aún es pronto para valorarlo (hay que dejar que pase algo de tiempo para incluirlo en esta lista de una forma más reposada)para centrarnos solo en lo que es su faceta compositiva pura. Sin más dilación, aquí cuáles y por qué son los discos de peor a mejor de Metallica: 14- Lulu (2011) La amistad entre Metallica y el difunto Lou Reed, que en paz descanse, por desgracia, no llegó a buen puerto a nivel musical. El disco que lanzaron en 2011 ha sido el que ha traído consigo más críticas negativas, burlas, y, en los tiempos en los que estamos, memes.

4 temas que si se los hubiesen ahorrado nadie se hubiera molestado ni hubiera dicho nada. Intentaron darle bombo a este trabajo con la inclusión de “Hell And Back” en su gira del 20º aniversario del ‘Black Album’ dentro del setlist, pero ese tramo era sin duda el típico en el que los fans pensaban:“pues podrían haber tocado otra de las buenas”.

Con la perspectiva de los años y al ver que en 2011 Metallica lanzó tanto este ‘Beyond Magnetic’ como ‘Lulu’, se podría decir que este es el peor año del grupo en su trayectoria -a nivel discográfico- a colación de los trabajos que publicaron.

12- St. Anger (2003) Otro gran foco de las críticas a lo largo de los años ha sido el primer álbum que sacó Metallica en el siglo XXI. ‘St. Anger’ fue un paso extraño en su carrera. El estilo que practicaron no lo habían tocado antes ni lo han vuelto a hacer, y es que en ‘St. Anger’ los solos de guitarra brillan por su ausencia.

Ninguna de las diez canciones que hicieron se salva. Esa unión del particular estilo de Lou no cuaja en absoluto con la parte instrumental de Metallica, y parece un ensamblaje de pistas que no lleva a ninguna parte. Quizás alguna de las partes instrumentales como en “Mistress Dread” con su velocidad podría haber sido aprovechada por Metallica para un mejor fin en la posteridad, pero ‘Lulu’ es sin ápice de dudas lo peor que han publicado en su carrera.

Es una verdadera pena que esta fusión de artistas de gran calado como Lou Reed y Metallica diese este resultado, porque han sido grandes figuras en la historia de la música, no obstante, su unión es mejor olvidarla y hacer como que no ha sucedido.

13- Beyond Magnetic (2011) Hay una gran cantidad de gente, incluso aficionados de Metallica, que ni siquiera conocen la existencia de este EP que lanzó la banda en 2011. Básicamente, para no andarnos con eufemismos, se trata del conjunto de “sobras” que quedaron terminadas después de lanzar en 2008 ‘Death Magnetic’.

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Bob Rock grabó el bajo ya que Jason Newsted ya no formaba parte de las filas del grupo, motivo por el cual su presencia en el disco es totalmente intrascendente. Las guitarras agresivas hicieron buenos temas como el homónimo, “Frantic”, “Some Kind Of Monster” o “The Unnamed Feeling”, pero claro, si se compara con cualquier precedente de los grandes éxitos de Metallica, no tiene nada que ver.

Si algo resalta de ‘St. Anger’ es el inconfundible sonido de la batería de Lars Ulrich.Aunque se han hecho muchas bromas, el parecido de su kit, en concreto el de la caja, al de una batería pero de cocina es real, y eso enfadó y decepcionó a muchos fans porque la banda más grande de la historia del heavy metal no es digna de un sonido como ese en estudio. No está tan mal como parece, sin embargo, entre el tema del bajista, el sonido de la batería y los problemas en torno a James Hetfield sobre todo con su rehabilitación ensombrecieron este disco.

11- Load (1996) En este y el próximo llega una dura disputa por el décimo puesto.

Dos discos que empezaron a recoger la bilis de muchos de los fans molestos por el cambio radical de estilo. Como pasa con varios discos de Metallica, este ‘Load’ no es que sea malo, pero los precedentes tenían el listón tremendamente alto, y este no cumple las expectativas.

Las dos piezas que han quedado para el recuerdo de este trabajo por encima del resto han sido “Fuel”, que es la más querida dentro de este periodo que inició Metallica, y “The Memory Remains”, donde esos coros de Marianne Faithfull han hecho levantar las voces al unísono de decenas de miles de personas al mismo tiempo en los directos de la banda.

Las otras dos que también sobresalen (en menor medida) son “Devil’s Dance” y “The Unforgiven II”. Esta última es la segunda parte de esta -por el momento- trilogía, y aunque no llega a tener el nivel de la anterior, no es una mala canción. El problema básicamente viene cuando, después de estos cuatro temas, que casualmente son los primeros de ‘Reload’, los otros 9 podrían habérselos ahorrado.

Si hubieran fusionado lo mejor de ‘Load’ y ‘Reload’ en lugar de sacar tanto relleno, quizás otro gallo cantaría, pero como no ha sido así, las críticas llegaron para quedarse.

9- Garage Inc. (1998)

Tiene buenas canciones como “Until It Sleeps”, “King Nothing”, la emotiva “Hero Of The Day” o las que más destacan entre las (demasiadas) 14 que componen el redondo: “Bleeding Me” y “The Outlaw Torn”. El problema es que desde este trabajo empezó a haber relleno a mansalva, y eso hizo que el nivel no pudiera sostenerse (y más con el añadido del cambio de estilo).

El thrash ya no hacía cabalgar a los cuatro jinetes, y es que sus melenas que volaban a la par de sus veloces riffs se habían ido en detrimento de un sonido más pausado con un toque totalmente distinto. Mucha gente cataloga este disco como el inicio del declive de Metallica.

10- Reload (1997) La otra pieza que en este caso está un pequeño peldaño por encima de la primera parte, de ‘Load’. Si ‘Reload’ está un poco mejor situado en esta lista no es porque tenga muchas más canciones mejores que su antecesor -de hecho quizás es alguna menos-, sino porque de este álbum al menos salieron hits que han perdurado.

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El siguiente a los dos LPs mencionados justo arriba fue el doble disco de versiones ‘Garage Inc.’. Es cierto que carece de la originalidad que al menos tenían los dos previos ya que habían sido compuestos por Metallica, pero lo que consiguió la banda con algunas de las canciones de este doble disco de covers es algo muy destacable.

(y salvando las distancias),“All Nightmare Long” es un tema del agrado de la mayoría, “The Unforgiven III” completa esa trilogía hasta la fecha y el resto de cortes no suenan a relleno como sí sucede en otros trabajos.

Sin ir más lejos, mucha gente conoce el “Whiskey In The Jar” de Thin Lizzy gracias a los cuatro jinetes, y es que su versión de este tema ha traspasado fronteras y su volumen de escuchas en plataformas como Spotify es inmenso.

Esto mismo ha pasado con otros cortes de ‘Garage Inc.’ como “Die, Die My Darling” o “Last Caress / Green Gell” de The Misfits, “Stone Cold Crazy” de Queen, “Breadfan” de Budgie, “So What” de Anti-Nowhere League, “Turn The Page” de Bob Seger, “Helpless” o “Am I Evil” de Diamond Head y muchas más. Que el público llegue a creer que una canción es tuya y que por eso descubran a ese grupo que ha influenciado a la banda más grande del heavy metal no es moco de pavo, por lo que por eso se sitúa en este puesto de la lista.

8- Hardwired...To Self-Destruct (2016) El último disco de estudio hasta la fecha de Metallica se sitúa un poco en tierra de nadie en lo que engloba la clasificación de su discografía. Los adelantos que sacó la banda daban lugar a pensar que podría haber un retorno a los Metallica primigenios, pero cuando salió al completo a la venta todo se diluyó.

“My Apocalypse” le da el toque de velocidad junto a “That Was Just Your Life” (cierre y apertura respectivamente), “Suicide & Redemption” hizo regresar el apartado instrumental al estilo de los ’80 y las demás apoyan de manera decente el resto. Es el intento más claro de Metallica de volver a sus orígenes, y pese a que es prácticamente improbable que eso suceda, este ‘Death Magnetic’ cumplió su función.

6- S&M (1999) A lo largo de su carrera, Metallica ha lanzado bastantes discos en directo como ‘Live Shit: Binge & Purge [Live In Mexico City]’ (1993), ‘Metallica: Through The Never’ (2013) -el de su película- o el más reciente ‘Helping Hands... Live & Acoustic At The Masonic’ (2019) con su fundación All Within My Hands, pero hay uno que sobresale.

“Hardwired” tiene ese toque de velocidad y frenesí que tanto se le achaca que el grupo no lleva a cabo en los últimos tiempos, y “Atlas, Rise” era una reminiscencia al heavy metal ochentero con un estribillo “muy Iron Maiden” con sus melodías de guitarras. Sin embargo, aunque luego se salvan (con nota) otros temas como “Moth Into Flame”, “Halo On Fire” y sobre todo “Spit Out The Bone” (esta última podría estar dentro de su mejor época sin desentonar), el resto volvió a ser relleno en un trabajo del cual se podrían haber ahorrado varias canciones como “ManUNkind” o “Am I Savage?” (por escoger un par).

Está claro que, con la evolución (denominada por parte del público como involución) de Metallica, en 2016 no iban a sacar algo similar a lo de tres décadas antes, pero este ‘Hardwired...To Self-Destruct’ tiene sus puntos álgidos como los citados, y en directo dichos cortes funcionan bastante bien.

7- Death Magnetic (2008) Los precedentes de los últimos cuatro trabajos de estudio (‘Load’, ‘Reload’, ‘Garage Inc.’ y ‘St. Anger’) hacían que el temor a la hecatombe final de Metallica se produjese con la salida de ‘Death Magnetic’ en 2008, pero la banda salvó la papeleta con este álbum.

Es cierto que ninguno de sus temas se ha convertido en un hit de la talla de los ’80 o del disco homónimo, pero canciones como “The Day That Never Comes” ha sido catalogada por mucha gente como una reencarnación de “One” por su parecido en la estructura 32 | metal hammer

’S&M’ corresponde al directo que Metallica llevó a cabo con la Orquesta Sinfónica de San Francisco, y a pesar de no ser un disco de estudio, merecía estar en esta lista por su trascendencia en la carrera de la banda y en su discografía. Una gran cantidad de grupos han tocado con orquestas, pero si hay un referente en este aspecto, ese siempre ha sido Metallica con su concierto de 1999.

Las versiones con orquesta de “Of Wolf And Man”, “The Outlaw Torn” engrandecen las originales, la inclusión de novedades como “No Leaf Clover” y “- Human” quedaron ideales en su repertorio, pero sobre todo el inicio épico con “The Call Of Ktulu” y el final, aún más grandioso, con “Battery” hace del ’S&M’ una pieza única digna de situarse al pie del repoker inexpugnable de Metallica. Habrá que ver cuándo lanzan el ’S&M²’ que grabaron en 2019 por el vigésimo aniversario del primero justo antes de que James Hetfield volviera a un centro de desintoxicación, pero parece que el original no lo superaron dado su alto nivel.

5- Metallica (1991) El gran cambio de Metallica. La banda se pasó a un sonido más contundente que perdía esas raíces thrasheras y que le aportaba un toque mucho más comercial para un público generalista. Mucha gente criticó este movimiento estilístico del grupo, pero eso no impidió que la base de fans de Metallica se incrementase de manera exponencial.

que tantas veces ha concluido de manera épica los conciertos de Metallica: “Seek & Destroy”. La traca final llega con “Metal Militia”, pura tralla con un frenetismo que refleja lo que transmitía el grupo en su origen. No podían haber tenido mejor pistoletazo de salida en su trayectoria.

3- Ride The Lightning (1984) Con este se podría decir que es con el álbum con el que Metallica cuajó la base del sonido y el estilo que les ha hecho únicos en la historia. Después de la velocidad y la rabia de su debut ‘Kill ‘Em All’, con la formación ya más estabilizada que en la composición del primero, cuando algunos puestos como el de Dave Mustaine bailaron y con Kirk Hammett ya como dueño y señor de la parte solista (con el permiso de James Hetfield cuando se decantase por “solear”) empezó de verdad el legado de Metallica.

Si hay dos canciones que el público más alejado del metal es probable que conozca de la formación norteamericana esas son “Enter Sandman” y, sobre todo, la balada “Nothing Else Matters” (esta última también se hizo aún más popular cuando la versionó Lucie Silvas ya que hizo que llegase a un sector aún más contrario a los sonidos duros que descubrió a Metallica).

La estructura en referencia al orden del tracklist de ‘Ride The Lightning’ fue una tónica a seguir en los siguientes trabajos, y es que el resultado de este fue tan efectivo que ¿para qué cambiarlo salvo pequeños detalles? Un cañonazo para abrir como “Fight Fire With Fire”, el tema título después, de un estilo menos rápido pero más “Metallica”, la contundente, simple y efectiva “For Whom The Bell Tolls”, la primera balada con ese in crescendo tan épico “Fade To Black”... demoledor.

Otros temas que también son archiconocidos y que sentaron las bases de “los nuevos Metallica” (gusten más o menos) fueron la potente “Sad But True” y otra balada (de un corte más progresivo en su estructura) “The Unforgiven”. Este ‘Metallica’ o ‘Black Album’ como también se le conoce tiene otros grandes hits como “Wherever I May Roam”, “Through The Never”, “Don’t Tread On Me” u “Of Wolf And Man” -por mencionar algunos-, y por esa batería de cortes que han marcado una nueva época, este homónimo se coloca en el quinteto de mejores trabajos de Metallica.

4- Kill ‘Em All (1983) La génesis de Metallica. Ningún disco se ha parecido al debut allá por 1983 posteriormente, por lo que este decálogo de canciones es único y facilitó a la banda iniciar su carrera por todo lo alto. Desde el homónimo citado, cualquiera podría estar en lo alto, y de hecho ‘Kill ‘Em All’ es el favorito de muchos aficionados que se aferran a esa autenticidad de Metallica en su arranque.

Si algo caracteriza este álbum es la búsqueda de desatar la furia que llevaban dentro en forma de música. Esa mezcla de punk y metal que se tradujo en este gran disco de thrash es un debut a la altura del legado posterior que ha asentado Metallica. “Hit The Lights” comienza este trabajo, que no da tregua con “The Four Horsemen”, “Motorbreath” y “Jump In The Fire” a continuación. “(Anesthesia) Pulling Teeth” dejó claro la importancia del bajo de Cliff Burton en una pieza para enmarcar que desemboca en “Whiplash”, uno de los clásicos de este ‘Kill ‘Em All’. “Phantom Lord” y “No Remorse” prosiguen la fiesta para desembocar en esa canción metal hammer | 33

No se queda ahí, y es que la velocidad regresa con “Trapped Under Ice” y “Escape” para dejar paso a otro himno con el que las masas gritan sin parar “die, die, die...” al unísono: “Creeping Death”. La instrumental “The Call Of Ktulu”, que se popularizó también 15 años después con el ’S&M’ mencionado, es la pieza instrumental la cual cierra el álbum de manera épica. Sería el mejor LP probablemente del 95% de bandas que te eches a la cara, pero el nivel de Metallica es muy alto y aquí se queda con la medalla de bronce.

2- Master Of Puppets (1986)

1- ...And Justice For All (1988) Vale, el bajo fue directamente eliminado (muteado) de este disco, pero si Metallica tuvo un cenit en el ámbito compositivo, este fue con ‘...And Justice For All’. No tendrá tantos hits como ‘Master’ o ‘Ride’, pero las canciones que se pueden encontrar en este álbum en cuanto a sus estructuras y el impacto al escucharlas es enorme y elevó en muchos aspectos ese toque de “simplicidad” que se le podía achacar a Metallica con tiempos alejados del 4/4 habitual que a muchos cansa.

‘Master Of Puppets’ es el disco que siempre suele aparecer en el top 1 de todas las listas en las que se clasifican los discos de Metallica (y en los puestos más altos de las que engloban los mejores discos de metal de la historia). Aquí podría estarlo perfectamente, pero no ha sido el caso.

“One” es su obra maestra (y también con la que hicieron su primer videoclip), pero el tema título, “...And Justice For All” es espectacular en cuanto a sus melodías, ritmos y estructura, y canciones como “Blackened” y sobre todo “Dyers Eve” fueron las últimas piezas frenéticas que Metallica compuso en los siguientes 20 años (y las siguientes apenas se han acercado a la fuerza de estas).

“Battery”, que da comienzo a este trabajo, se convirtió (y sigue siendo) en el tema rápido de Metallica más coreado por los fans, y es que es un cañón. Otro de una magnitud similar es el que cierra el álbum, “Damage Inc.”, donde el solo de Hammett es una delicia además del frenetismo del tema al completo. La homónima “Master Of Puppets” es simplemente un himno de la banda y del heavy metal, y la instrumental “Orion”, compuesta por el poco después fenecido Cliff Burton, es la más especial (y mejor) que ha publicado Metallica en su trayectoria.

No se queda aquí el disco, y es que la “balada” que recogería el testigo de “Fade To Black” es en este caso “Welcome Home (Sanitarium)”, otro temazo, y “Leper Messiah” y “Disposable Heroes” son otras dos que levantan a cualquiera del asiento y en la discografía de cualquier otro grupo serían top. “The Thing That Should Not Be” sería ese mínimo punto que no estaría a la altura del resto, pero claro, el nivel es demasiado alto en un álbum histórico.

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Es difícil coincidir con la clasificación de estos últimos cinco discos ya que todos son muy buenos y recordados por ello, así que en vez de discutir por quién tiene razón en cuanto a su clasificación, mejor disfrutar de ellos (y del resto también).

Veremos qué hace en el futuro Metallica para actualizar esta lista.

Ahora mismo acaban de lanzar el esperado ’S&M²’, y con la ausencia de conciertos por la situación tan complicada en la que se halla el planeta, puede que, después de lanzar su último álbum en 2016, el cuarteto se plantee componer otro redondo en el que mostrar el estado de forma en el que se encuentra.

La última vez en la cual grabaron tras una rehabilitación de James Hetfield, el resultado fue ‘St. Anger’ (2003)... sea cual sea en esta ocasión, por favor, Lars o cualquier técnico/ingeniero que se encuentre a tu alrededor, poned a punto el sonido de la batería para que no se repita eso.

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LISTENING SESSION

MICHAEL SCHENKER GROUP TEXTO: SERGI RAMOS

Michael Schenker es imparable. Su ritmo es inalcanzable por prácticamente ningún otro músico de su generación. Y con ese ritmo celebra en enero de 2021 los 50 años de su carrera.

Lo hará con un nuevo disco titulado ‘Immortal’ y estuvimos presente en la escucha digital que ofreció a los principales medios europeos desde el estudio de su productor Michael Voss.

Las listening sessions han avanzado con la pandemia. Hemos pasado de coger un pesado vuelo a una ciudad desconocida de Alemania o Escandinavia con dos escalas, a quedarnos sentados en la comodidad de nuestra habitación o despacho e intercambiar impresiones con Michael Schenker sobre su nuevo disco. Así, un viernes a la hora de la sobremesa, nos encontramos digitalmente con el legendario guitarrista alemán, quien ha decidido celebrar los 50 años de su primera grabación de estudio con la edición en enero de 2021 de un nuevo trabajo del Michael Schenker Group. Se titulará ‘Immortal’ y tiene poco de black metal noruego. Más bien todo lo contrario.

Schenker ha dejado de lado su concepto Michael Schenker Fest, bajo el que ha editado dos grandes discos de estudio como ‘Resurrection’ y ‘Revelation’. En él, reunía a los vocalistas que han protagonizado los mejores momentos de su carrera como Gary Barden, Robin McAuley o Doogie White. Sin embargo, en este nuevo trabajo ha apostado por ampliar el abanico y contar con personalidades del rock duro de origen dispar y calidad superior. Agárrense: después de 50 años, Joe Lynn Turner y Michael Schenker han trabajado juntos en este disco.

Pero es que el guitarrista alemán también ha descubierto las bondades del invencible Ronnie Romero. “Si es bueno para Ritchie Blackmore, es bueno para mí”, bromeaba Schenker con los periodistas europeos al respecto. Ah, y un tal Ralf Scheepers de unos tales Primal Fear también presta su hiriente y cortante voz para algunos de los temas más heavies de ‘Immortal’. Y no nos olvidemos del gran Michael Voss. Además de producir el disco, Voss ha prestado su voz en varias canciones ofreciendo el toque más melódico y sentido, además de infinidad de coros de apoyo en la mayoría de canciones.

Claro que siendo un disco de Schenker, no podía faltar la colaboración de McAuley, Barden y White. Sus voces resuenan en la épica re-escritura del clásico de Scorpions “In Search Of Peace Of Mind”. Según Schenker, la primera pieza que jamás grabó en un estudio a la edad de 15 años, antes de que su talento le hiciese una presa del descorazonado negocio de la música. Y en este ‘Immortal’ una muestra de que el círculo ha sido completado para el guitarrista.

A nivel musical, completan el disco tres bateristas fenomenales como Simon Philipps, Bodo Schopf y Brian Tichy (quien iba loco de ganas por trabajar junto a Schenker en este disco), el bajista Barry Sparks y teclistas como Derek Sherinian y Steve Mann. Un elenco de lujo para un disco que corona una carrera más longeva de lo que nadie habría imaginado hace veinte años, cuando Schenker se encontraba en sus horas más bajas. Ahora, renacido, y sabedor de que su creatividad no

le abandonó en su peor momento y tampoco lo hará en su madurez artística, Schenker sienta cátedra con un trabajo para el que aún faltan meses pero que se anticipa como uno de los lanzamientos de hard rock del 2021.

EL ANÁLISIS El disco arranca con “Drilled To Kill”, una pieza rápida a doble bombo que pone a prueba la stamina y resistencia de Brian Tichy.

Contiene “por primera vez” en su carrera, un solo doblado entre la guitarra de Schenker y el teclado de Derek Sherinian. Con la voz de Ralf Scheepers al frente le da un filón muy heavy y clásico al disco. Es fácil retrotraerse a 1981 en base a la energía e inspiración del tema.

Más lenta y ondulada es la aparición de Joe Lynn Turner en escena con el medio tiempo “Don’t Die On Me Now”. Con Simon Philipps a la batería, se trata de un tema algo menos contundente en ese aspecto y más creativo. El solo de Schenker, dramático y sentido, le resume en menos de treinta segundos como guitarrista.

La aparición de Ronnie Romero en escena llega con la rápida “Knight Of The Dead”, que Romero borda con maestría y descaro. Se nota que ha crecido con ésta música, que es lo que fluye por sus venas y que sus referencias son las correctas. La unión de su voz rasgada y enérgica y el riff stacatto e imbatible de Schenker es simplemente perfecta. Me sorprendería mucho que Romero no tomase un rol más continuo en la carrera de Schenker. Suenan, simplemente, demasiado bien juntos.

“After The Rain” es un baladón tremendo con Michael Voss encargándose de todas las partes vocales y un crescendo final que contiene una melodía instantáneamente familiar que te reconfortará, como un viejo pero cómodo sofá. Schenker cuenta con la colaboración de Bodo Schopf en la batería por primera vez en el disco.

“Devil’s Daughter” cantada por Ralf Scheepers es una caña de canción, repleta de doble bombo y un sabor a los temas de MSG de los dos primeros discos en cuanto al deje de hard rock gamberro ochentero y festivo.

La entrega vocal de Scheepers es alucinante para un tipo que pasa la cincuentena y que lleva toda la vida desgañitándose al frente de Primal Fear.

“Sail The Darkness” ofrece un medio tiempo con un Ronnie Romero que trabaja las melodías vocales con maestría y con el conocimiento de quien ha estudiado los dejes y aspectos distintivos de la voz de los grandes de los años ’70 y ’80 y que los incorpora a su estilo vocal con soltura. Con un toque melancólico y decididamente más

melódico, Romero brilla junto a la guitarra de Schenker en una evocadora pieza que navega con increíble destreza y finaliza de manera un poco abrupta pero con buen encaje.

“The Queen Of Thorns And Roses” es un tema animado, up tempo, con la voz de Michael Voss ofreciendo contraste melódico respecto a la garra de Romero. La manera en que la guitarra de Schenker responde a las lineas vocales de Voss es magistral y demuestra que la creatividad del alemán no se da por vencida. El solo de outro es tremendo.

“Come On Over” posee un riff muy ochentero, que podría haber estado en discos como “Assault Attack” o “MSG” y los colores de la voz de Romero acercan mucho a esa época, sin duda. Sin embargo, “Sangria Morte” nos aporta la mejor colaboración entre Schenker y un Joe Lynn Turner en estado de gracia. La manera en que la voz de Turner, un clásico impepinable de la misma época que Schenker, casa con los riffs y melodías del maestro habla por sí sola. Del mismo modo que sucede con Romero, una vez comprobado el resultado, lo que nos extraña es que no haya un disco completo de Turner/Schenker en el futuro.

El disco se cierra con la nueva versión de “In Search Of Peace Of Mind” que Schenker ha grabado junto a Romero, Barden, McAuley y White. Un viaje a la mente creativa de un chico de quince años que en apenas una semana dejó una huella indeleble en el mundo del incipiente rock duro europeo de principios de los ’70.

Grabada para “Lonesome Crow”, el primer disco de Scorpions editado en febrero de 1972, la pieza se ve alargada hasta más de seis minutos en esta versión que pone los pelos como escarpias. Los contrastes entre las distintas voces de los implicados ofrece distintos colores sobre un clásico a menudo infravalorado en el catálogo de Scorpions pero que demuestra el porqué la banda tuvo en el Schenker pequeño a su principal arma en un primer momento.Y no hay más que ver lo que Schenker parió más adelante en UFO o en discos como “Lovedrive” de los propios Scorpions. Pero como el propio guitarrista dice, siempre que se acerca a su hermano Rudolf, sale escaldado. Sirva este tributo a su pasado como lo más cerca que jamás vamos a estar de que Michael recuerde sus viejos tiempos de Scorpions.

Ya fuera del disco, como bonus track, encontramos un último tema, titulado “Fighter” y nuevamente con Ronnie Romero a la voz, que es una pieza a medio tiempo, cadente y llena de buenas melodías de hard rock ochentero, con buenos colchones de teclados de Steve Mann a juego. De hecho, desde aquí propongo una recogida de firmas al respecto. metal hammer | 53

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“Si Ronnie Romero es suficiente bueno para Ritchie Blackmore, lo es para mí” (Michael Schenker)

LAS PALABRAS DEL MAESTRO Una charla con Schenker siempre es intensa y densa. Cualquier respuesta del guitarrista no baja de cinco o seis minutos de duración y sus reflexiones, análisis y explicaciones son tan lucidas como las de una persona de 65 años que lo ha visto y vivido todo. Desconfía del artista veinteañero que está subiendo y tiene mentiras que contarte para llegar al triunfo. Confía en el tipo que está de vuelta de todo y que no tiene miedo a llamar a las cosas por su nombre. Schenker se ubica en esa segunda categoría y departir con él es el equivalente a subirse a una montaña rusa en un parque de atracciones. De algún modo sabes que acabarás en el lugar correcto pero por el camino te esperan curvas, subidas y bajadas.“He usado el Marshall JCM800 de 50W y alguna otra amplificación para las acústicas, pero sobre todo la Flying V de siempre”, dice Schenker sobre el equipo que ha usado en este álbum. “El disco ha sido todo un viaje. En un primer momento iba a ser un disco con un bajista, Barry Sparks, un batería, Bodo Schopf, un teclista como Steve Mann y Ronnie como vocalista”, explica. “Con las restricciones del coronavirus en distintos países todo ha sido más complicado. Cuando mañana vuelva a Reino Unido me tendré que pasar 14 días en cuarentena, por segunda vez, y esto son unas grandes vacaciones para mí que me permiten hacer muchas cosas creativas”, se ríe el

guitarrista.

“Hemos tenido que bailar con esta situación y pensar ideas que se pudiesen llevar a cabo. Al ser el 50º aniversario de mi carrera, quería hacer algo especial y nos encontramos con que Ronnie Romero se encontró con que tenía que hacer cuarentena y con mucho trabajo contratado, lo que no le permitía poder darse el lujo de perder dos semanas de cuarentena cada dos por tres. Por eso Michael Voss, mi productor, ofreció la idea de Joe Lynn Turner.

Y yo dije ‘venga, ¿por qué no?’. Es una buena opción si estaba interesado. Así que Michael y Joe quedaron y salió rodado. De la nada apareció la opción de trabajar con Brian Tichy a la batería. El quería contribuir al 50º aniversario de mi carrera como músico y acabó tocando en seis canciones y lo hizo gratis. Tan solo quería ser parte de todo esto.

Bodo Schopf está viviendo en Italia y tiene una buena situación que le ha permitido montarse un estudio en casa para grabar todo. Antes de este disco estuvimos ensayando durante mucho tiempo para unos shows en Japón con más de cinco horas de música y un set A y un set B donde iban a tocar Simon Philipps y Bodo Schopf. Pero con el coronavirus todo eso se tuvo que cancelar. Ensayamos todos juntos en Brighton, en el Reino Unido, y eso le sirvió a Bodo para inspirarse con el estilo de Simon Philipps y su sonido de batería. Cuando el corona comenzó, Bodo tuvo problemas de salud y no quería meterse en un avión y hacer cuarentena así que decidió copiar a Simon y construirse un estudio de primera línea en casa para grabar las baterías. Y además, eso le permite poder hacer trabajos de sesión para otros músicos sin moverse de casa”.

Sobre los vocalistas que participan en el disco, Schenker se muestra especialmente sorprendido con Ralf Scheepers. “Le pregunté a Michael sobre qué vocalista podría funcionar en determinadas canciones. Yo no escucho

música, porque me dedico a crear y no tengo la menor idea de lo que la gente escucha y lo que es popular o quienes son los artistas destacados ahora.

Mi compañera me sugirió a Ralf Scheepers de Primal Fear y dije ‘vale, vamos a ver’. Ella también es músico y tiene oído para las cosas. Como Michael le conocía porque los dos viven en Alemania fue todo rodado y Ralf estaban encantado de colaborar en el disco. Al final canta dos temas en el disco. Cuando escuché la primera, ‘Drilled To Kill’, me quedé alucinado con su voz. Es increíble el rango que tiene. Eso me permitió hacer temas más metaleros, que es algo que buscaba en este disco.

Brian Tichy nos recomendó a Derek Sherinian para el disco, que es el teclista que solía estar en Dream Theater. El caso es que cuando escuché la canción y vi el duelo de teclados y guitarra que habíamos conseguido me quedé alucinado. Era la primera vez en mi vida que hacía algo así y fue toda una revelación. La manera en que lo que él hacía complementaba mi guitarra fue increíble.

Tanto que fue la canción que escogí para abrir el disco. Ha habido tantas contribuciones increíbles en este disco que pienso que no habríamos llegado hasta aquí sin el coronavirus.

Al tener los elementos en contra tuvimos que ser creativos y buscar la manera de hacer un gran disco de celebración con las posibilidades que existían en ese momento”.

La vuelta de Michael Schenker Group en el noménclator no evita que Michael Schenker Fest vuelva a sacar la cabeza en un futuro cercano, según el guitarrista.“Michael Schenker Fest es algo que siempre va a estar ahí y que seguiremos haciendo cuando la gente se pueda permitir pagarnos por ese concepto”, se ríe jocosamente. “Este es el 50º aniversario de mi carrera, He usado el nombre de Michael Schenker Group porque podría ser cualquier line-up, ya que he usado muchos en el pasado”.

Sobre la exactitud de los 50 años de su carrera, algunos arquean la ceja porque el primer disco de Scorpions llegó en 1972, de modo que técnicamente el 50º aniversario tendría lugar en 2022, Pero Schenker pone orden rápidamente: “Mi 50º aniversario se basa en cuando la música fue creada y yo grabé las canciones de ‘Lonesome Crow’ en 1971.Yo tenía 15 años cuando grabé aquel disco y tenía 15 años cuando compuse la canción ‘In Search Of The Peace Of Mind’. Cuando el disco se editó fue 1972 y yo ya me había ido a UFO. La celebración no es por la fecha de edición, sino por cuando yo grabé mi primer disco, y eso fue en 1971”. metal hammer | 55

john petrucci RECONSTRUYENDO PUENTES TEXTO: SERGI RAMOS FOTOS: LARRY DIMARZIO Y JOHN PETRUCCI

Cuando John Petrucci anunció la salida de su primer disco en solitario en quince años, ‘Terminal Velocity’, el mundo del prog y de la guitarra eléctrica acogió con entusiasmo la noticia. Seamos realistas, Petrucci es uno de los guitarristas más agraciados técnica y compositivamente de los últimos 30 años.

Aunque Dream Theater no te acaben de gustar, podrás apreciar el valor intrínseco de Petrucci como instrumentista de altura.

Si los setenta tuvieron a Jimmy Page y Eddie Van Halen, los ochenta tuvieron a Steve Vai y Randy Rhoads, los ’90 y el nuevo milenio han sido territorio de Petrucci. Su influencia en toda una generación de guitarristas neonatos es innegable, algo especialmente inherente al hecho de que el metal progresivo de Dream Theater haya ido impregnando muchas de las formas actuales de entender el rock duro y el heavy metal. Así pues, Petrucci ha ayudado a formar el estilo y la técnica de multitud de guitarristas, probablemente muchos más de 56 | metal hammer

los que jamás lo admitirán. En pleno punto álgido de la carrera de Dream Theater, cuando las salas pasaron a ser arenas, ‘Suspended Animation’ apareció en 2005 y fue un disco que sirvió para que el guitarrista neoyorkino organizase algunas ideas que solía emplear en los directos del proyecto G3 y se diese un paseo para refrescarse tras diecisiete años al frente de su banda principal componiendo, ejecutando y produciendo la gran mayoría de los discos junto al batería Mike Portnoy.

Canciones como “Glasgow Kiss” o “Jaws Of Life” se convirtieron en clásicos menores que luego Petrucci explotaría durante una subsiguiente gira del G3 junto a Joe Satriani

y Steve Vai. Pero la maquinaria de Dream Theater marcaba los tiempos y Petrucci no ha vuelto a grabar un nuevo trabajo en solitario hasta que el confinamiento y un repentino cambio de agenda le han abierto una ventana de oportunidad para hacerlo.

“Dream Theater finalizaron su gira europea a finales de febrero con dos noches en Londres que fueron grabadas para un futuro DVD que vamos a editar”, explica Petrucci en una entrevista en directo a través del Instagram @metalhammeresp que realizó hace unas semanas. “Tras eso, el plan era parar unos meses y seguir girando

en los clinics y nunca la grabé en condiciones.

Tengo varias composiciones como esas pero ‘Gemini’ seguía gustándome con el paso de los años. De hecho, aparece en un pequeño clip del video instructivo que hice en 1995 pero nunca la grabé completa. Esta vez si que lo he hecho. ‘Happy Song’ y “Glassy-Eyed Zombies” son canciones interpreté en el G3 hace unos años y en mi guitar camp. La gente las había escuchado antes pero nunca las había grabado en condiciones, por así decirlo.

“The Way Things Fall” es otra canción de esa época que nunca grabé. Las otras cinco canciones las compuse y grabé en marzo para este disco”, detalla.

Para ‘Terminal Velocity’, Petrucci ha vuelto a contar con un formato de trio como en su primer trabajo de 2005. Dave LaRue se ha encargado del bajo pero, sorprendentemente, el puesto de batería ha ido para un viejo conocido y, parece ser, amigo: Mike Portnoy.

La foto que publicaron juntos hace un año casi rompe Internet diez años después de la agria salida de Portnoy para unirse a Avenged Sevenfold -algo que duró tan solo unos meses y que terminaría con el batería tocando en multitud de proyectos y bandas como siempre había hecho- pero más. “Dave hizo el primer disco conmigo hace quince años y hemos hecho muchas giras juntos desde entonces”, dice Petrucci loando a la formación que le ha acompañado. “Lo del disco se comenzó a convertir en una broma que me iba repitiendo de vez en cuando pero siempre le dije a Dave que contaría con él llegado el momento. Ha hecho un trabajo espléndido. Cuando Mike Portnoy estaba en Dream Theater, la formación que empleábamos en el G3 era justo esa, la de Dave, Mike y yo. Hemos tocado juntos unas cuantas veces y sabía que sonaríamos bien.

En algún momento de la composición Mike se ofreció y me dijo ‘si necesitas ayuda…’.

No lo pensé y acepté su oferta. Eso nos acercó de nuevo. Y aquí estamos. Eso nos sirvió para reunir el espíritu que tuvimos la primera vez que giré en solitario con el G3: Dave, Mike y yo”.

en primavera en Asia y Australia. Mi idea era comenzar a planificar mi disco en solitario a finales de marzo, pero los planes cambiaron drásticamente y tuve que replantearlo todo, evidentemente”.

Petrucci está sonriente a apenas unos días de que salga un disco que los fans de la guitarra eléctrica pasaran meses escuchando, analizando y haciendo covers en YouTube. El mundo puede estar yéndose al cuerno que la productividad de Petrucci no sufre. Pese a que no todas las ideas fueron originales de este período, algo más de la mitad del disco sí que lo fue. “No todas han sido canciones compuestas ahora” explica el músico. “Cinco de ellas son nuevas. Cuatro son antiguas. El tema ‘Gemini’ es una composición que solía usar en mis clinics de guitarra a mediados de los ’90. Esa pista era una de las que usaba como base de acompañamiento para tocar

Aunque la salida de Portnoy de Dream Theater no fue especialmente violenta, si que fue agria emocionalmente. La subsiguiente entrada del extraordinario batería Mike Mangini le dio a la banda un chute de energía que necesitaba desesperadamente tras muchos años con la misma formación y un Portnoy expansivo profesionalmente cuya necesidad imperante de un descanso de varios años con Dream Theater enturbió la relación con el resto de la banda. Pero tal y como asegura Petrucci, él y Portnoy nunca dejaron de ser amigos. “Asumo que mucha gente lo sabe pero no todo el mundo sabe el dato”, previene el guitarra “pero nuestras familias han tenido una relación de amistad desde hace muchos años y eso nunca se paró pese a la salida de Mike de Dream Theater.

Nuestras esposas estaban en la misma banda (Meanstreak) hace años, nuestro hijos crecieron juntos y son amigos… nunca hemos dejado de lado el contacto. Lo que pasa es que a medida que han ido pasando los años nos hemos vuelto a juntar más, en vacaciones y cosas así. Siempre de manera social, no musical. Evidentemente, que Mike toque la batería en mi disco supone lo primero que Mike y yo hemos hecho juntos desde que dejó Dream Theater hace diez años. En este disco compuse todas las guitarras, programé las baterías y toqué el bajo”, prosigue Petrucci. “Luego se lo envié todo a Mike y Dave para que se aprendieran las partes y grabasen remotamente. Al final Mike vino a mi estudio y grabó la batería

conmigo. Desafortunadamente no tocamos juntos, sino que él tocó con mis pistas ya grabadas, pero el hecho de que estuviésemos trabajando en el estudio y nos pudiésemos comunicar le dio mucha vida a las canciones e hizo que sonase mucho más vivo. Suena como un trio que está tocando en directo, todos juntos”.

Aunque había una amistad y un contacto social que iba más allá del compromiso, lo cierto es que Petrucci y Portnoy no habían vuelto a tocar juntos en todo este tiempo, siquiera de manera privada o por diversión.

“Esta fue la primera vez que hicimos música juntos desde 2010”, dice el guitarrista. “Claro que tiene un valor nostálgico y claro que la gente lo percibe. Nadie puede negar que Mike y yo funcionamos muy bien como unidad musical. Nos conocimos cuando íbamos a la universidad, a los 18 años, y tocamos juntos en una banda durante veinticinco años. Hay algo, una magia, como lo quieras llamar, que solo tenemos nosotros. Aunque yo compuse la música y el tocase la batería, él sabe de donde vengo a nivel musical, sabe cómo desarrollo mis ideas y es capaz de darle su propia vibración a mis ideas. Creo que mola mucho. Pienso que no es nostálgico solo para los fans, sino para mí también. Tenerle en el disco ha sido muy positivo. El álbum tiene de todo, desde metal a jazz pasando por latin o shuffle y Mike puede tocar todos esos estilos sin problema, de manera natural y enérgica.

El toque familiar es algo que hará a la gente feliz, que me hace feliz y que hace feliz a Mike, sin duda. Al final, estoy muy contento y agradecido de que dijese que sí cuando le pregunté si quería hacerlo”.

Pero la reunión con Portnoy ha abierto una caja de Pandora: la de si el batería podría volver en un futuro a corto o medio plazo a la que fue su banda tanto como de Petrucci. Si bien Dream Theater han sacado grandes discos en tiempos recientes como ‘A Dramatic Turn Of Events’ o el más reciente ‘Distance OVer Time’, había una magia en discos como ‘Metropolis Pt 2: Scenes From A Memory’ o ‘Awake’ que difícilmente ha vuelto a repetirse. ¿Consideraría Petrucci una reunión eventual para un concierto o una gira? “Entiendo por qué la gente piensa eso”, dice con cierta resignación. “Una de las preocupaciones que tenía a la hora de trabajar con Mike Portnoy era justamente esa: que la gente no recibiese el mensaje que no es. Mike Mangini ha sido el batería de Dream Theater durante diez años ya y ¿cuántos discos hemos hecho juntos? Hemos hecho mucha música juntos, hemos girado mucho.

No quería que la gente entendiese las cosas mal: que trabaje con Portnoy no quiere decir que vaya a volver a la banda. Siendo egoísta, para mí es genial: puedo tocar con dos de los mejores baterías del mundo, tanto en Dream Theater como en mi disco en solitario. Es maravilloso. Creo que es importante que todo el mundo entienda que, por respeto a los dos baterías, no hay intenciones ocultas tras esto. Para mí ha sido muy bonito poder tener a Portnoy en mi disco en solitario y eso es todo. Sabía que esto sucedería, de todos modos. Por eso solo me queda ser lo más transparente posible con el asunto y que la gente no tenga la idea que no es. No quiero causar dramas o malentendidos.Todo esto es positivo: he hecho un disco tras quince años y mi amigo ha tocado conmigo por primera vez en diez años” remacha.

Pese al contexto actual, Petrucci no descarta la posibildad de sacar el proyecto a la carretera si las condiciones son mejores que las actuales. “Nunca se sabe. No sabemos metal hammer | 57

que va a pasar con las giras y todas las bandas del planeta estamos en una situación similar. Cuando las cosas vuelvan a cierta normalidad, la atención va a estar focalizada en Dream Theater obviamente pero si surge la oportunidad de hacer un G3 o shows en solitario me gustaría llevar esta música al directo. Ahora que tengo dos discos en solitario puedo ir alternando canciones, que llevo quince años tocando las mismas canciones”, se ríe.

El confinamiento le ha llevado a componer un disco en solitario y darle forma, pero también para ir sentando las bases del próximo trabajo de su banda madre. “Tenemos muchas cosas en marcha este año”, avisa. “Todo el mundo intenta mantenerse creativo. Nuestra agenda ha cambiado, porque habríamos girado durante primavera y verano y descansado en otoño e invierno. Ahora estamos yendo al estudio porque nadie quiere quedarse sentado viendo la vida pasar. Somos músicos, somos personas creativas y vamos a hacer música.

Lo que ha pasado es que nuestra agenda se ha invertido, por así decirlo”.

El streaming ¿ha sido la panacea que se decía que iba a ser durante el encierro de los últimos meses? Petrucci no lo tiene claro. “Siendo realista, tengo más acceso a los números de mi propio disco en solitario que a los de Dream Theater, porque mi disco lo edito yo mismo y lo distribuyo con The Orchard”, detalla. “Tengo más acceso directo a las herramientas y he visto que los números han subido, eso lo tengo claro. En el mundo de Dream Theater debe haber pasado algo similar pero no tengo acceso directo a esas cifras. Además, nosotros no hemos hecho ningún evento de directo en streaming, aunque quizá lo hagamos dependiendo de lo que dure este parón. Hay mucha gente que, al no poder disfrutar de la música en directo,

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intenta conectar con los artistas de una manera distinta. Los recientes comentarios del CEO de Spotify, Daniel Ek, diciéndole a los artistas que quizá no es viable que sigan editando un disco cada tres años levantó ampollas entre multitud de creadores. Los mensajes, mayoritáriamente negativos, tienen una lectura distinta para el guitarrista de Dream Theater. “Hay muchos pensamientos al respecto. En lo que respecta a que la gente pase tiempo escuchando música… bueno, de eso iba ‘The Astonishing’ para mí: sobre la desaparición de la música, sobre lo horrible que será que la música ya no fuese parte de nuestras vidas. Eso era parte de un concepto, una historia, más amplia.

En lo que respecta a Dream Theater y a la comunidad de fans de la banda, la gente sigue consumiendo la música de la misma manera que a nosotros nos parece adecuada.

Los fans de la banda están más inclinados a comprar ediciones físicas de LP o CD para disfrutar mirando el artwork y las letras, lo cual me parece alucinante. En lo que respecta a las otras plataformas, conviene no engañarse respecto a lo que son. Apple Music, Spotify y demás están cambiando la manera en que la gente digiere la música, pero son tan solo parte de un pastel más grande y una herramienta más que tenemos disponible para hacer llegar nuestra música y mensaje a la gente. Cuando nosotros empezamos no existía nada de esto y era muy difícil que tu música llegase a la gente”, rememora. “Teníamos que enviar cintas de cassette por correo, no te olvides. Si lo miras a nivel global, el streaming empodera a los artistas independientes para que su música pueda llegar al público y tener una carrera en este mundillo. Pero has de ser listo y entender lo que es cada cosa: la recaudación del streaming es la que es y no puedes engañarte. Como te decía, creo que Dream Theater estamos contentos con que nuestros

fans compren el producto y nos apoyen. El streaming es una manera conveniente y fácil de llegar al contenido cuando te apetece y ojalá hubiésemos tenido herramientas como esas hace muchos años. Como músico has de tener perspectiva y entender para qué sirve cada cosa. Si escuchas el ruido de todo el mundo, que si el CEO dice esto o lo otro, te puedes volver loco”. ¿De qué modo condicionan los hábitos actuales de consumo de música a un Petrucci que ha visto como todo cambiaba en los últimos treinta años? Muchos artistas han pasado a editar EPs porque los ratios de abandono en Spotify comienzan a partir de la tercera canción. Otros hacen canciones de una duración más adaptada a la capacidad de atención del público. Pero Dream Theater son un animal muy distinto, donde no hay límites. ¿O los hay? “Es difícil describir un proceso creativo pero normalmente todo empieza con una semilla de inspiración que, a medida que la vas desarrollando, te dice por si misma si debe ser más largo o más corto”, explica el neoyorkino. “No somos artistas de pop, nunca lo hemos sido y nunca nos hemos preocupado por hacer canciones fácilmente digeribles. Hay gente que lo hace y lo hace muy bien, pero cuando compongo un tema instrumental o un tema épico de Dream Theater no puedo pensar en si la gente se va a aburrir o si no tienen la retentiva suficiente para asumirlo. Lo único que podemos hacer como compositores es hacer las cosas lo más interesantes que sea posible para nosotros mismos. Si no nos aburrimos a nosotros mismos y no queremos saltar de canción posiblemente la gente tampoco querrá. El feedback que estoy recibiendo de mi disco en solitario es justamente que la gente se engancha, que las canciones les llaman la atención. Eso es muy complicado de conseguir con un disco en solitario instrumental de guitarra”.

“No quería que la gente entendiese las cosas mal: que trabaje con Portnoy no quiere decir que vaya a volver a Dream Theater” (John Petrucci)

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kataklysm REACCIÓN EXTREMA

TEXTO: SERGI RAMOS No es el mejor momento, pero nunca lo fue para el metal extremo. Kataklysm debe ser el grupo con el nombre más apropiado para el momento actual y su nuevo disco es una genial banda sonora para el momento apocalíptico que vivimos.

El retorno de Kataklysm es especialmente necesario en la situación actual. Dos años después de la edición de ‘Meditations’, el grupo canadiense -aunque la mitad de sus miembros andan afincados en Estados Unidos a día de hoy- vuelve con un trabajo contundente, preciso y detallista. ‘Unconquered’ llega en un momento complicado y la banda se encuentra con problemas añadidos: apenas unos días después de esta entrevista, el técnicamente intachable batería Oli Beaudoin anunciaba su salida de la formación. Y no solamente eso: nuestra entrevista fue la previa a que el líder (además de guitarrista y productor) del grupo, Jean François Dagenais fuese confirmado como positivo por covid-19 y tuviese que desaparecer de primera linea durante una temporada. Pero para un grupo de metal extremo con casi treinta años de historia, todo eso son minucias. ¿Qué tal está gestionando Kataklysm el cataclismo mundial en el que nos encontramos sumergidos?

Todo esto ha cogido a todo el mundo por sorpresa. Nosotros, como banda, estamos en una posición financiera lo suficientemente buena como para poder sobrevivir y contarlo. Podemos aguantar la embestida como para que no nos tire abajo todo esto.

Lo triste es que no hemos podido tocar en directo este año. Teníamos muchos festivales y giras previstas y se ha cancelado todo.

Queríamos darle mucha promoción al nuevo disco y esos planes han quedado afectados.

Lo positivo es que yo trabajo en mi propio estudio de grabación y como las bandas no están pudiendo girar, están grabando mucho material. Tengo muchísimo trabajo de grabación, mezclas y masterización y estoy comprometido hasta mediados de 2021.

Normalmente tengo bastante trabajo, pero con esto ha sido incluso más exagerado. Es genial porque eso me permite seguir en pie y mantiene mi salud mental y mi moral bien arriba.

Por otro lado, tengo una hija que tiene cinco años y está a punto de comenzar el colegio. He podido estar con ella en este último año antes de empezar el colegio y eso no tiene precio. Espero que esto finalice pronto y el mundo se abra de nuevo y todo sea normal. El mundo se ha parado, pero los artistas no se paran. Ellos quieren seguir haciendo arte y creo que el año que viene y el otro vamos a ver una enorme ola de nuevos discos y nueva música que va a ser genial. Me encantará ver esa respuesta. ¿Teníais el disco ‘Unconquered’ listo antes de la pandemia?

Todo estaba listo antes del coronavirus.

El año pasado estábamos finalizando nuestra gira del disco anterior y a lo largo de los meses que estábamos en la carretera fuimos trabajando. Yo volé a Chicago, quedé con Maurizio, nuestro vocalista, y nos pusimos manos a la obra. Tenemos una química especial a la hora de componer juntos y así es como componíamos cuando empezamos con la banda. Hemos compuesto el disco 60 | metal hammer

juntos y hemos ido grabando entre gira y gira y lo acabamos en diciembre. La intención era sacarlo en primavera pero, una vez llegó la pandemia, el sello nos dijo que sería mejor guardarlo hasta 2021, que no lo malgastásemos en medio de todo esto porque era un gran álbum. Tuvimos que pelearnos un poco para sacar el disco y creo que es el momento adecuado para la música, para el entretenimiento. La gente lo necesita y nuestros fans van a apreciar que editemos el álbum justo ahora, aunque eso implique perder algunas ventas por no poder estar girando. Sentimos que el momento era el adecuado.

Los fans no van a dejar de ser fans porque haya pasado todo esto. Querrán nuevos álbumes y querrán nuevo material. Como artista, lo que tienes que hacer es tener a tus fans entretenidos y sacarlos del aburrimiento, pase lo que pase.

En este disco habéis trabajado con Colin Richardson, después de estar en el pasado con Jay Ruston. ¿Qué ha motivado el cambio?

Sí, con él hicimos el anterior trabajo y todo fue genial pero por varias circunstancias, Colin Richardson nos cayó del cielo y es un tío que ha grabado algunos de nuestros discos favoritos de todos los tiempos. Yo soy amigo de un amigo suyo y un día estábamos hablando del tono de guitarra que Richardson consigue. Me dijo “tío, vive muy cerca de mí, si quieres hablo con él”. Nos pusimos a hablar de tonos de guitarra en un primer momento, porque quería que me crease un tono y le pedí que mezclase el álbum. Colin es un tipo que ya está retirado, tiene sesenta y pico años, pero aceptó hacer este disco porque le gustaba. La experiencia ha sido tremenda.

Tuvimos una buena experiencia con Jay. Es canadiense, aunque vive en Hollywood. Pero Colin ha grabado algunos trabajos que me encantan, como los de Slipknot, los primeros de Machine Head o el ‘Heartwork’ de Carcass. Incluso Napalm Death, Bullet For My Valentine… tiene un currículum tremendo. Su sonido de guitarra y su capacidad mezclando es algo que me llamaba mucho la atención.

la microfoneo por arriba y por abajo. Luego grabo buenos samples de cada parte de la batería para poder sustituir alguna cosa si no suena bien. No utilizo mucha compresión ni EQ cuando grabo baterías. Intento que lo que sale venga de los micros siempre, que sea natural. Medimos la distancia entre los micros, entre los micros y la caja, etc. Somos muy perfeccionistas a la hora de alinearlo todo para que el sonido respire adecuadamente. El toca todo lo bien que puede y yo lo capturo lo mejor que sé.

Kataklysm han estado trabajando con Nuclear Blast durante casi 25 años. Las bandas fluctúan mucho de un sello a otro o licencian su contenido a distintas compañías. ¿Por qué os habéis mantenido fieles a un mismo sello?

Nuclear Blast son los responsables de que nosotros tengamos una carrera.

Cuando firmaron con nosotros era 1993. Por entonces era un sello super underground con solo diez bandas y nosotros éramos una de ellas. El sello apenas llevaba 4 años en activo cuando entramos. Las únicas bandas que quedan de esa era son Meshuggah, Hypocrisy y Benediction, si no recuerdo mal. Nosotros hemos visto todos los cambios en las oficinas, la gente que ha ido y ha venido pero siempre ha estado Markus Staiger, Jaap Wagemaker y la gente que nos ha cuidado todos estos años.

El equipo trabajó muy duro para los grupos y es como una pequeña gran familia. Esperamos seguir con ellos el resto de nuestra carrera.

Claro que podemos tener alguna oferta sobre la mesa en algún momento, pero esperamos seguir con ellos siempre.

Aunque las giras están en suspenso por el momento, ¿habéis considerado opciones como el streaming o conciertos en aparcamientos como están haciendo algunos artistas?

La técnica como batería de Oli y el sonido de batería que consigue no tienen parangón en el metal extremo. ¿Cómo le capturas con tanto detallismo cuando grabas sus partes de batería? Pese a hacer cosas muy rápidas nunca se pierde ni un solo matiz en el sonido final.

Nosotros necesitamos la intensidad del público en directo.Vamos a esperar hasta que las cosas estén normalizadas y podamos tocar un show como los de siempre. Quizá hacemos algo en streaming eventualmente pero lo veo complicado porque cada uno de nosotros estamos en una parte de Norteamérica. Si las cosas se relajan un poco quizá alquilamos una sala y hacemos un evento en streaming, pero no lo estamos planificando todavía. Por ahora esperamos que las cosas se relajen y todo vaya mejorando. De momento solo nos queda hacer entrevistas y promocionar el lanzamiento como estamos haciendo.

Él es un gran batería y toca de una manera en que todo suena bien. Es fácil capturarle y grabarle, por así decirlo. Podrías tener la mejor batería del mundo, afinada a la perfección, pero si el batería no la golpea como tiene que golpearla, no sirve de nada.

Oli va al estudio y sabe bien lo que hace. Sí, yo pongo todos los micrófonos del mundo alrededor de su batería y platos. Intento ponerle de seis a ocho micros aéreos para pillar todos los platos que tiene. La caja se

No soy muy fan de los conciertos virtuales y de ver a las bandas en mi ordenador o TV. Quiero ver a los artistas en directo. No soy alguien que se siente durante dos horas a ver un concierto en vivo. Algunos colegas si que se pasan noches viendo DVDs y bebiendo cerveza. Yo soy distinto. Necesito la energía de estar ante la banda o sobre el escenario ante el público. Eso nunca lo vas a conseguir en el comedor de tu casa. Por eso no creo demasiado en el tema del streaming.

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NAPALM DEATH DESAFÍO TOTAL

TEXTO: mikel yarza

FOTO: GOBINDER JHITTA

16 discos de larga duración y cuatro décadas repartiendo brutalidad sonora sobre las tablas avalan la trayectoria de Napalm Death. Lejos de amilanarles, el paso del tiempo ha empujado al indomable cuarteto británico hacia horizontes artísticos aún más ambiciosos. Charlamos con su vocalista, Mark “Barney” Greenway, sobre la actualidad de la banda y su nuevo álbum, ‘Throes Of Joy In The Jaws of Defeatism’, además de repasar su singular método compositivo y la presencia del neofascismo en la industria musical.

Han pasado más de 30 años desde que publicasteis vuestro disco debut, ‘Scum’. A día de hoy, ¿cuál es vuestra principal motivación a la hora de crear música?

El objetivo es seguir avanzando, tanto en el aspecto musical como en el lírico. No hacer el mismo álbum dos veces, ya que cuando llegas al punto en el que has lanzado 16 discos, utilizar ese recurso sería como engañar al oyente. Siempre tratamos de evolucionar y, a su vez, preservar las cosas importantes, que en nuestro caso son la agresividad musical y un acercamiento a ella a través de la confrontación. Ese es el objetivo, otra cosa es que le guste a la gente.

En las dos últimas décadas el metal extremo se ha expandido en muchas direcciones diferentes, pero pocas bandas han sido capaces de replicar vuestra visceralidad. ¿Qué elemento destacarías como el más particular de vuestro sonido?

Creo que en la escena del grindcore ha habido un puñado de bandas que han llegado a límites de agresividad realmente impresionantes, nosotros somos una más. La escena seguirá adelante gracias al conjunto de grupos que la componen, no nos corresponde a nosotros dictar la dirección que debe tomar.

En cuanto a la personalidad de nuestro sonido, no considero que seamos una banda de metal.

Quizás esa sea una de las claves desde el punto de partida. Definitivamente, el metal es parte de nuestro sonido, pero no cubre más que un pequeño espacio. También tenemos partes de hardcore, punk y una mezcla de sonidos industriales alternativos, por lo que calificar a Napalm Death como una banda de metal sería una categorización simplista, demasiado limitada.

El hecho de explorar ese amplio abanico es lo que nos hace sonar diferentes. Es más, a la hora de dar forma a un álbum, creo que bebemos de muchas influencias que otras bandas ni se plantearían incorporar. ¿Cuáles son esas influencias?

Barrelhouse, Joy Division, Throbbing Gristle… en algunos aspectos incluso Cocteau Twins está presente en el nuevo disco. Esta última fue una banda de pop escocesa con un sonido muy etéreo y ambiental. Aunque a algunos pueda resultarles extraño, incluso grupos de ese tipo pueden influir a Napalm Death, tratamos de mezclar lo que hacían en todo tipo de direcciones y el abanico acaba siendo muy amplio.

Entre vuestras nuevas canciones destaca “Amoral”, pieza con la que tratáis de homenajear el sonido original de la banda. ¿Podrías echar la vista atrás a esos tiempos primigenios?

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Como sabéis, cuando el álbum debut, ‘Scum’, fue publicado yo todavía no formaba parte de Napalm Death, pero seguía la pista a la banda y conocía a sus integrantes. Aquellos tiempos fueron realmente importantes para mí, al igual que el propio ‘Scum’. No haber sido el vocalista durante esos años me sirve ahora para mirar atrás y rememorar esos días desde una perspectiva externa y, de verdad, creo que los discos publicados en aquellos años iniciales fueron auténticos hitos. Llámalo como quieras: grindcore, metal… fueron álbumes cruciales para la música en general, ya que mostraron que era posible llegar a ciertos extremos desconocidos hasta entonces.

Otro de los temas que llama la atención es “Joie De Ne Pas Vivre”, que en francés significa “El Placer De No Vivir”. ¿Podrías explicar su significado y la razón que os llevó a titular la canción en francés?

El tema es una especie de homenaje libre a la banda francosuiza The Young Gods, una formación industrial extravagante y poco convencional. Muchos de sus títulos son en francés, por lo que optamos por seguir esa vía. En cuanto a la letra, se trata de revertir conceptos. “El placer de vivir” es una frase hecha que hemos tomado prestada del francés y empleamos con asiduidad en el inglés, por lo quise dar la vuelta a su significado.

El mensaje es una especie de advertencia hacia cierta gente, hacia esas personas que acaban sospechando tanto del “otro” que, al final, pasan más tiempo odiando al resto que queriéndose a sí mismas. Ahí tenemos un problema, es una situación bastante alocada y quise reflejarla en la canción. ”El otro” es precisamente el concepto en torno al que giran las letras del nuevo disco. ¿Hubo algún suceso en particular que te llevó a desarrollar esta idea?

Para mí, es realmente importante que Napalm Death se mantenga actual. Puedes hacer lecturas generales de situaciones particulares en la vida, pero intento que nuestros seguidores u otras personas que en alguna ocasión se hayan interesado por la banda sean capaces de conectar con algo, y creo que eso no se consigue de forma tan efectiva mediante lecturas generales. En los últimos tres o cuatro años hemos presenciado un significativo ascenso de populismos y nacionalismos a nivel mundial y uno de los efectos derivados es que se han generalizado conductas muy discriminatorias hacia ciertos grupos sociales. Hemos llegado al punto en el que en Europa existen gobiernos con fuertes políticas y discursos anti LGTBIQ+.

En algunos casos los propios representantes gubernamentales son la encarnación física de esas políticas y esto es realmente problemático.

Es por ello que quisimos subrayarlo. Por supuesto, la respuesta de Napalm Death es que esto no es admisible, todos somos seres humanos y merecemos igualdad, dignidad, paz y seguridad. ¿Sientes que estos mensajes populistas están calando entre las bandas y la industria musical?

Bueno, debemos recordar que la comunidad musical no es más que un microcosmos del mundo en su conjunto, no somos una zona especial y, en esencia, reflejamos lo que la sociedad está haciendo.

El lado positivo es que no escucho muchos discursos negativos y desalentadores en el mundillo musical. Debes recordar que, personalmente, no estoy en redes sociales, por lo que probablemente no vea y experimente todo lo que sucede ahí fuera, pero al menos no lo he notado en el día a día y eso es algo positivo.

“Contagion” es otra de las canciones que destaca en estos tiempos pandémicos. ¿Está relacionado de algún modo a la crisis provocada por el coronavirus?

En absoluto, no es más que pura coincidencia. El álbum entero fue escrito antes de la aparición de la COVID-19. La conexión de palabras parece bastante obvia, pero, en realidad, esa letra es bastante específica y trata sobre los procesos de migración. Nuestro bajista Shane Embury se encargó de escribirla y habla sobre un tren en Sudamérica que se usa habitualmente para transportar a gente entre países. Las condiciones son muy duras, pero aun así la gente se mete al tren para tratar de escapar de lo que consideran malas vidas. No podemos estar ahí para ratificarlo en primera persona, pero quisimos contar su historia ya que es algo que puede afectarnos a todos por igual. Quisimos remarcar las dificultades que estas personas deben superar para alcanzar un lugar seguro.

Este disco no cuenta con composiciones de vuestro guitarrista, Mitch Harris. ¿Hasta qué punto condicionó esto el proceso creativo?

Menos de lo que uno podría suponer.

Shane tenía una idea clara de la dirección que quería tomar musicalmente, es más, creo que tuvo a Mitch en mente en muchos de los momentos en los que escribía las nuevas canciones. Quiso incorporar ese matiz que diferencia a ambos estilísticamente cuando se ponen a trabajar con el instrumento.

Teniendo en cuenta que lleváis tres décadas tocando juntos, ¿cómo abordáis este tipo de desajustes?

No hay nada siniestro en nuestra relación.

Simplemente, Mitch lleva sin actuar con la banda desde 2014 debido a asuntos personales y no parece que eso vaya a cambiar en el futuro próximo. Le propusimos que tocara en este disco, pero en ese momento no se sentía capaz, no era viable y lo entendimos.

No hay resentimiento. En cuanto al futuro, nadie puede predecirlo, aunque cabe resaltar que no hemos necesitado grandes cambios en el seno de la formación. Mitch es como mi hermano y ha pasado tantos años en la banda… no hay historia que fabricar en torno a su ausencia.

En vuestro caso, la ingeniería musical va más allá de la producción y cobra especial importancia en el enfoque artístico. ¿Cuál es el sonido más extraño que os haya inspirado musicalmente?

Probablemente, bandas que hayan utilizado elementos como un esmeril angulador en su música. No lo llamaría extraño, sino inventivo, ya que siempre trato de dar al arte el enfoque más artístico posible, valga la redundancia. Si me propusieras tirar un cubo de basura desde el tejado y poner unos micros en ellos, de modo que podamos incorporar ese sonido a la música, lo haría. Es tan interesante como tocar un instrumento.

Todo aquello que podamos hacer dentro del espectro sonoro me resulta atractivo.

Durante tres décadas, Napalm Death ha sido testigo de todo tipo de cambios a nivel mundial. ¿Cuáles destacarías como los más significativos?

Musicalmente, destacaría la irrupción de internet y el streaming. Lo ha puesto todo patas arriba y es bueno en muchos aspectos, tienes el mundo al alcance de tu mano, aunque también acarrea muchos aspectos negativos.

Desde un punto de vista más general, diría que el adiós de la Unión Soviética fue muy significativo, cambió la dinámica de las cosas.

Personalmente, no creo que haya cambiado.

Me considero la misma persona que se sumó a la banda en los años ’90. Soy un tío corriente, como tú o como otro cualquiera, solo que me uní a un proyecto que ha resultado ser bastante bueno y productivo.

Hemos visto diferentes géneros de música ir y venir, y hemos tenido la oportunidad de observar todo ello, mientras seguíamos siendo Napalm Death. Quizás haya aprendido a cuidar más de mí mismo, sobre todo en el apartado físico, lo cual es algo realmente importante si quieres vivir la mayor cantidad de experiencias posibles en esta vida. Otra de las grandes lecciones es que la violencia no es

la solución, ya que no hace más que perpetuar esa misma violencia. Luchas constantemente y el resultado que buscas nunca llega realmente, las cosas no pueden funcionar de esa manera.

No hay acuerdos ni metal final si seguimos peleando todo el tiempo.

Napalm Death es una banda especialmente respetada por sus extensas giras y frenéticas actuaciones de directo. ¿Contempláis la posibilidad de un ciclo de disco al completo sin subiros a los escenarios?

En realidad, puede que la opción no esté ni en nuestras manos. Sabemos lo que hay y no tenemos control sobre ello. Por supuesto, nos gustaría dar conciertos y hemos estado pensando sobre alternativas en internet, la opción de hacer un show online… no diré que no lo haremos jamás, pero en este preciso instante no sentimos que sea lo correcto.

Veremos cómo avanza todo. En cualquier caso, publicaremos el disco en septiembre.

Muchas bandas están posponiendo sus lanzamientos, pero no haremos algo así, a fin de cuentas, a día de hoy la música tiene vías de salida. Hemos hecho todo lo que estaba en nuestras manos y no sentimos ni un atisbo de arrepentimiento por publicar ‘Throes Of Joy In The Jaws of Defeatism’ ahora. metal hammer | 63

KAMELOT

EL IMPERIO CONTRAATACA TEXTO: sergi ramos foto: tim tronckoe

El 013 de Tilburg, en Holanda, es seguramente uno de los mejores recintos de Europa para ver un concierto. Por sus dimensiones, acústica y diseño arquitectónico, el espacio resulta especialmente agradable para vivir grandes conciertos -a medio camino entre la sala grande y el arena gigante-. A lo largo de los años, los shows que ha acogido el recinto son incontables pero, sin duda, uno que quedará en el recuerdo es el de Kamelot en el año 2019.

En plena gira de presentación de ‘The Shadow Theory’, la banda desplegó un espectacular concierto que fue recogido en DVD y CD y que ahora nos sirve, involuntariamente, como recuerdo de cuando los conciertos existían y, de hecho, acudíamos a ellos y nos gritábamos esputos en la oreja.

“The times they are a changin’”, que cantaba Dylan, pero si el nuevo lanzamiento de la banda sirve de algo es, precisamente, para poner de relieve el impresionante cambio que ha vivido nuestra realidad en apenas año y pico. Un 14 de septiembre de 2018 estás tan feliz viendo a Kamelot en Tilburg y apenas dos años después estás poniéndote hidrogel para sacarte un moco en un semáforo. Lo que es la vida.

“Canté varias canciones con Kamelot como otras muchas veces a lo largo de los años”, explica Alissa White-Gluz de Arch Enemy. “Siempre me ha gustado mucho tocar con ellos y tocar a su lado. Me hizo muy feliz ser parte de la grabación del DVD y espero volver a hacer estas cosas en persona de nuevo en breve”, explica la artista con cierta sorna. White-Gluz es una de las invitadas de excepción que le da color a un show que también contó con Charlotte Wessels (Delain), Sascha Paeth (Avantasia), Elize Ryd (Amaranthe) y Lauren Hart (Once Human).

Wessels recuerda que “fue una gran tarde, con muchos músicos amigos” y asegura que “no puedo esperar a ver el resultado final”.

“Yo canté ‘Under Grey Skies’ con ellos, como en el disco, y fue toda una experiencia. Será bueno ver el DVD ahora que no tenemos la posibilidad de ver concierto de verdad”.

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Con una escenografía mejorada, aprovechando las posibilidades del recinto, y un setlist bastante equilibrado donde pesa especialmente la nueva época de Tommy Karevik como vocalista (apenas cinco canciones de la era de Roy Khan en el repertorio saben a poco), ‘I Am The Empire - Live At The 013’ sirve como pequeño pasatiempo hasta que llegue la próxima obra de estudio de la banda, que -dicho sea de paso- comienza a ser necesaria tras casi tres años desde que acabaron las grabaciones de ‘The Shadow Theory’. Hablamos con el vocalista Karevik sobre las novedades de la formación.

Un disco en directo en plena crisis sanitaria mundial. ¿Hubo planes de retrasarlo o cancelarlo en algún momento o habéis seguido el calendario previsto?

No pensamos en retrasar el disco. Creo que la gente necesita música y, especialmente, recordar lo que era la música en directo.

Sabíamos que íbamos a tener una ventana de oportunidad en 2020 para editar el disco en directo antes de que llegase un nuevo trabajo de estudio y la hemos aprovechado. ¿Había algún motivo concreto para escoger el 013 de Tilburg de cara a la grabación del directo?

Históricamente ha sido un buen lugar para Kamelot en Holanda. Tenemos muchos fans y la recepción siempre ha sido buena.

Creo que hemos tenido once o doce shows agotados en Tilburg, seguidamente. Yo estuve

colaborando con Ayreon en la grabación de su DVD en directo y se hizo justamente en el 013.A través de eso estuve en contacto con el director del DVD, Jens de Panda Productions, y eso nos abrió la puerta a hacerlo con él.

Hemos tocado varias veces en ese recinto, nos lo conocemos y de hecho creo que fuimos la primera banda en actuar cuando lo reabrieron tras la reforma. Tilburg es un lugar que está en medio de todo y facilita que la gente de muchos lugares del mundo pueda asistir a un evento así.

Estuve en la grabación de ‘One Cold Winter’s Night’ en 2007, cuando Roy Khan era el vocalista.

En cierto modo estaba comparando y lo que observo es que en este tiempo Kamelot se ha convertido en una banda mucho más ambiciosa a nivel escénico. ¿Has visto en alguna ocasión el anterior DVD o hubo algunas ideas captadas de aquel trabajo audiovisual?

No he visto el primer DVD al completo pero he visto algunas partes. De todos modos, queríamos centrarnos en que fuese algo nuevo y, de hecho, la selección de canciones es muy distinta. Estos son los nuevos Kamelot y ya llevamos tres discos con esta formación, además de ocho o nueve videoclips.

Queríamos que esta era de Kamelot tuviese su propio lanzamiento en directo y mostrar el tipo de concierto que hacemos, la interacción con los fans y lo que es la experiencia mágica de un show de Kamelot. En eso nos hemos centrado.

Aquel primer DVD estuvo muy bien para la época en la que se editó y fue muy especial, además de que se filmó con un toque más artístico. El nuevo es una buena instantánea de lo que son Kamelot en este momento, de lo que la gente puede esperar ver cuando venga a un concierto de la banda.

Estuve hablando con Roy Khan recientemente y reconocía que Kamelot es una banda más grande hoy sin él. También me reconoció que cada vez se sentía menos cómodo en un rol tan prominente como el de frontman, con todo lo que eso implica. Tras ocho años en la banda ¿cómo te sientes tú sobre el escenario? ¿Te sientes confiado? ¿Te sientes inseguro?

Es algo que tuvo que ir creciendo en mi personalidad. No fue algo natural.

Además estaba entrando en una banda que ya tenía una trayectoria cuyos fans tenían unas expectativas. Kamelot requiere una determinada presencia escénica y actitud por parte del vocalista.

Recuerdo que en el primer show, en el Masters Of Rock de Polonia ante 30.000 personas, me lo jugué todo. Tuvimos cuatro días de ensayo con la banda en Alemania antes de ese concierto. Tocábamos el set completo dos veces al día y yo tomaba apuntes sin parar. Era como un ensayo de producción, por así decirlo. Fue muy bueno para mí porque me permitió ir ganando confianza en esos días y es algo que no tenía. Yo venía de tocar en una banda de prog metal, donde la gente está quieta en una sola posición todo el rato.

Tuve que acostumbrarme pero, a partir de entonces, ha sido una evolución orgánica a partir de tocar cientos de shows. Aprendes rutinas, patrones y al final los incorporas y los sientes como naturales.

Lo cierto es que sobre el escenario creas una personalidad determinada que no es necesariamente la que tienes cuando bajas de él. Yo soy una persona que se considera introvertida y para mí, el lugar ideal, no es bajo los focos, sino entre bambalinas. Normalmente, como persona, me gusta tener mucho espacio a mi alrededor. De ese modo puedo salir con mucha energía al escenario. Pero vaya, que no es algo natural para mí ponerme ante los focos.

“No soy un tipo muy fan del power metal en general: no es mi estilo de música habitual. Es con lo que comencé pero no es lo que suelo escuchar”.

(Tommy Karevik) La lista de invitados en este directo es espectacular: Elyze Rid de Amaranthe, Alissa de Arch Enemy… En su día los invitados de altura eran el bajista de Whitesnake o el guitarrista de UFO, por decir algo. Pero todos esos músicos ya no significan nada para el público de una banda actual como Kamelot. ¿Es la elección de invitados sintomática de dónde os queréis posicionar como banda -a nivel generacional-?

Hemos tenido muchas colaboraciones a lo largo de los años y lo que queríamos era reunir a esas personas que cantan en los discos para el concierto del DVD. Es como cerrar el círculo. Es mejor presentar un frente unido dentro del metal que funcionar como una banda aislada que lleva su propia lucha independiente. Creo que las colaboraciones le dan sabor a un disco en directo.

¿Cuál es el momento del show de Kamelot que, da igual lo que haya pasado durante el día, te hace sentir escalofríos?

Hay muchos a lo largo de los años. Unas horas antes de que se grabase el DVD tuvimos la idea de tener un escenario secundario en medio del público para cantar la balada. Fue un momento muy bonito, con un mar de luces ante nosotros y nosotros en la intimidad de estar en medio de la multitud. Fue precioso.

Una de las primeras canciones que canté con Kamelot fue “Center Of The Universe” y si tocas esa canción en España o Sudamérica, la gente se vuelve loca. Es una de esas canciones fijas de los viejos tiempos que todo el mundo disfruta. Con esa me emociono también porque la gente me lo hace vivir a través de sus ojos. ¿Qué otro tema de Kamelot te gustaría recuperar en el set en algún momento? Hay viejas canciones como “Nights Of Arabia” o “The Fourth Legacy” que hace tiempo que no están en el set.

Tengo algunas canciones que me encantan.

No estaba muy familiarizado con Kamelot antes de entrar en la banda. Tuve que escucharles, aprender a componer para ellos y escuchar todo el fondo de catálogo para que sus canciones tengan una continuidad.

Hay una canción de ‘The Black Halo’ llamada “Moonlight” que me gusta mucho y me gustaría tocar en directo.

No soy un tipo muy fan del power metal en general: no es mi estilo de música habitual.

Es con lo que comencé, pero no es lo que suelo escuchar. Tiendo a gravitar hacia piezas mas artísticas como la que te he mencionado o “Memento Mori”, cosas así. metal hammer | 65

HEATHEN EL RESURGIMIENTO

En estos tiempos confusos de pandemia, en los que el mundo parece desmoronarse por los cuatro costados siguen quedando pequeñas cosas que mantienen de cierta forma la ilusión de la gente. En este caso, la de los seguidores de Heathen, que tras once años de silencio musical por fin han dado vida a su cuarto trabajo de estudio.

TEXTO: TAMARA RUIZ La que es considerada como una de las bandas de culto del thrash de la Bay Area de San Francisco ha dado vida al que podría catalogarse como uno de los mejores álbumes de su carrera, o si no el que mejor sonido condensa. ‘Empire Of The Blind’ llega tras varios años de trabajo, y es que su producción no ha sido posible hasta ahora ya que, según nos contaba su vocalista David White entre risas, Exodus ha estado robándoles a sus dos guitarristas, Lee Altus y Kragen Lum. Este disco cuenta, además, con una nueva formación a la que se han sumado el bajista Jason Mirza y el batería Jim DiMaria, viejos conocidos de la banda y que aportan un toque de frescura. Pero las sorpresas no se acaban ahí; en este álbum también está presente la colaboración de grandes músicos del mundillo como Gary Holt, Rick Hunolt y Doug Piercy.

Las colaboraciones entre los músicos de la zona son comunes en Heathen como bien explicaba su vocalista, que emocionado contaba como todos los músicos de la escena de la Bay Area de una manera o de otra forman una gran familia. Les gusta dejar que otros músicos aporten su esencia, y así la formación casi al completo de Exodus participó en el anterior disco ‘The Evolution Of Chaos’. “Yo he ido al instituto con esos chavales”, narraba David a modo de anécdota, aunque la verdadera finalidad de estas colaboraciones no es otra si no que agradar a sus fans.

Cuando se le pregunta sobre la actual pandemia, se siente afortunado al no haber afectado esta a la grabación de su disco, que tanto tiempo llevaba gestándose, pero sí a sus actuaciones en directo. Admite que el nuevo quinteto está más que preparado tras numerosos ensayos, pero que no sabrán la efectividad real de la formación hasta que no les sea posible volver a tocar en directo.

Acto seguido, dicha conversación le lleva a rememorar la genial experiencia que tuvieron tocando en nuestro país en el ya lejano 66 | metal hammer

FOTO: CHRISSIE DIEU 2012: “Siempre es genial tocar en España. Con el paso de los años hemos hecho muchos amigos allí y nos sentimos como en familia”.

La ocasión se presentó en forma de uno de los típicos tours que juntan a bandas de la famosa bahía californiana, en concreto a Exodus, Death Angel y Heathen. “Hicimos muchas fechas, pero el concierto de Madrid en particular lo hicimos con mucha más energía y mucho más fuerte”, recordaba White con entusiasmo, quien en seguida expresó sus deseos de volver a tocar en España cuando escampe la tormenta.

Otro derrotero que abarcó la interesante conversación fue aquel descanso que desafortunadamente tuvo que tomar la banda a principio de los años ’90. Cuando la escena metalera se desvaneció casi por completo y la demanda era el rock clásico o grunge que tanto estaba de moda, las bandas de metal (las de thrash en este caso) se vieron afectadas: “dieron la espalda al heavy metal”.

Eso sumado a la entrada de Lee Altus en una banda de techno, que le obligó a dejar sus obligaciones en Heathen, y a que en la espera el resto de miembros acabaron abordando diferentes proyectos terminó por debilitar al grupo por aquel entonces.

Según su experiencia, David White cuenta como llegado el nuevo milenio todo comenzó a resurgir de nuevo: “los seguidores lo han revivido todo en los últimos 20 años. En cuanto a la música en general, ahora hay un montón de nuevas bandas que se ven influenciadas por los artistas old school, es increíble lo que está pasando con ellas. Los grupos de la vieja escuela como Heathen, Testament, Exodus, Destruction o Kreator están sacando álbumes muy potentes y sólidos, discos que son mejores que nunca”.

Todo esto indica a que Heathen tiene un gran futuro por delante con su nuevo trabajo a la venta y muchos planes de gira que darán comienzo cuando la covid-19 lo permita.

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(master of metal) TEXTO: UNAI GARCÍA

Esta nueva sección pretende principalmente dar a conocer el trabajo de los profesionales detrás de nuestras bandas y músicos favoritos. Nos adentraremos en el día a día de estos profesionales para obtener una idea más concreta sobre la importancia de su labor a los mandos de la carrera de los artistas con los que trabajan, explicando a fondo su desempeño.

Profundizaremos en las distintas y tan diversas profesiones vinculadas a la industria del espectáculo musical: desde managers a técnicos, desde promotores de eventos a tour managers, desde productores musicales a periodistas especializados, pasando por programadores de festivales, directores de sellos discográficos o agentes de contratación tratando de dar luz a todo ese titánico trabajo que ocurre tras bambalinas.

Es un honor inaugurar esta sección con una pareja que ha dedicado su vida a la escena metal desde sus inicios allá por primeros años ’90 en la antigua Yugoslavia. A base de esfuerzo, pasión y total dedicación han conseguido crecer profesionalmente realizando prácticamente todos los trabajos posibles vinculados al espectáculo. Se trata de los responsables de la agencia Master of Metal, Ana Lipec y Bastian Doblekar, dos eslovenos afincados en Barcelona con muchas experiencias que compartir con todos nosotros.

Contadnos un poco cómo entrasteis en contacto con la música heavy metal allá a finales de los años ’80 en la antigua Yugoslavia…

Bastian: Por aquel entonces apenas existía música metal, todo comenzó en los mercados callejeros los domingos. Empezaron a aparecer puestos de cintas, la mayoría piratas, y ahí es donde empezamos a tener contacto con este estilo musical. Recuerdo descubrir así Iron Maiden y quedarme totalmente enganchado. En esa época no había escena, ni locales, ni bandas, ni siquiera clubs donde sonase esta música. Ni que decir que a los medios de comunicación no les interesaba lo más absoluto difundir este tipo de bandas y todavía no había llegado este estilo musical a las tiendas de discos. Así que fueron unos años duros, de aprendizaje clandestino. Como mucha otra gente de otros países empezamos a intercambiar cintas cassette y fanzines con metalheads de otros países y empezamos a crear nuestra red de contactos. ¿Cómo pasasteis de simples aficionados al heavy metal a profesionales?

Bastian: Fue un proceso paulatino.

Primero empezamos a editar nuestro propio fanzine y conseguimos convencer a una radio 68 | metal hammer

local para que nos dejase realizar nuestro propio programa, el cual duró unos 10 años en antena. Al inicio de los años ’90 la música metal consiguió hacerse un hueco en las tiendas de discos, aparecieron las primeras distribuidoras especializadas. Es ahí donde yo tuve la oportunidad de empezar a trabajar en la sección metal de una tienda de discos. A partir de ahí fui creciendo profesionalmente, pasando a trabajar de la tienda a una distribuidora especializada. Después con todo ese aprendizaje y conocimiento nos lanzamos a sacar adelante el primer mailorder y la primera tienda especializada en metal del país.A la vez empezamos a organizar nuestros primeros conciertos. Era algo muy novedoso en Eslovenia por aquel entonces, este tipo de bandas nunca habían tocado en el país, hasta entonces estábamos totalmente fuera del circuito de giras.

Fuimos pioneros y estamos muy orgullosos de ello, conseguimos crear una comunidad y finalmente los agentes internacionales acabaron colaborando con nosotros, lo que nos permitió seguir creciendo y aprendiendo.

¿Cómo fueron esas primeras experiencias como promotores de eventos?

Ana: Poco a poco fuimos accediendo a más gente hasta convencer al director del canal de televisión nacional para emitir un programa musical. Yo me encargaba de todo, de producirlo, escribir el guión y presentarlo.

El canal simplemente proporcionaba un técnico de cámara y un técnico de edición.

Se llamó “Metalurgia”, se emitía los sábados a las 19:00h y tan sólo duraba 20 minutos. Con el tiempo más y más gente se fue interesando en esta música hasta que MTV me ofreció presentar la versión local del famoso “Headbanger´s Ball”. Lo increíble de este proyecto es que nos ofrecía la oportunidad de cruzar fronteras y no sólo emitir para Eslovenia sino para todos los países de la antigua Yugoslavia, lo que catapultó nuestra audiencia y radio de acción. Recuerdo que el programa fue muy popular en Croacia, me llegaban un montón de cartas de fans. Este tipo de exposición en los medios es lo que verdaderamente nos hizo ser exitosos.

Ana: Tenemos que decir que a pesar de ser muy trabajadores y perseverantes hemos tenido también mucha suerte. Siempre digo que hemos nacido con estrella. No quiero decir que no merezcamos lo que hemos conseguido, pero se dieron muchas oportunidades que supimos aprovechar.

Como podéis imaginar nuestro país era un territorio con muchas carencias. Ningún agente ni manager conocía la zona ya que no existía mercado para este tipo de música, lo tuvimos que crear nosotros mismos.

Empezamos con conciertos pequeños y poco a poco conseguimos convencer a los agentes y managers y fuimos entrando en el circuito y poniendo Eslovenia en el mapa de giras.

Nos enfrentamos a mucho papeleo, permisos, leyes fronterizas cambiantes, etc. Mucha burocracia en una época donde no existían teléfonos móviles, apenas Internet, con suerte tenías acceso a un fax. Uno de los mayores retos era que los cachés de las bandas eran excesivamente caros para la realidad del país, pero poco a poco conseguimos que sus agentes razonaran. Siempre nos tocaban los peores días de la gira, domingos y lunes, pero era lo mejor para todos. Para las bandas era mejor ganar algo menos que no ganar nada y tener un día libre lleno de gastos. Asumimos el riesgo y nos tiramos a la piscina ya que no existían promotores de este tipo de música por aquel entonces, no había competencia.

¿Cuál fue el siguiente desafío?

Bastian: Durante la década de los ’90 conseguimos organizar anualmente más de 40 conciertos internacionales y empezamos a trabajar con bandas locales. La tienda de discos y el mailorder seguía creciendo, pero el gran reto era hacer este estilo más popular y llegar a más gente. Por ello la estrategia fue centrarse en el trabajo de promoción. Ana se encargó de dicho departamento. Ya teníamos el programa de radio, pero no era suficiente así que decidimos editar la primera revista especializada del país.

A partir de este momento es cuando os embarcáis en uno de los proyectos más complejos de vuestra carrera, el desarrollo y puesta en marcha de un gran festival con proyección internacional, el Metal Camp.

Bastian: Habíamos organizado algunos festivales pequeños con anterioridad, pero nuestro gran proyecto profesional era organizar un festival que no tuviese nada que envidiar de los festivales europeos que

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habíamos visitado. Como somos grandes fans de la música metal habíamos viajado a todos los festivales de la época y ahora era nuestro momento para crear nuestra versión.

La idea era organizar un festival que la gente realmente disfrutara, el objetivo era ofrecer a nuestros asistentes la experiencia única de unas auténticas vacaciones heavy metal.

Estamos muy orgullosos de lo conseguido, ya que vemos en festivales y eventos actuales tan de moda como Metal Cruise o 70000 Tons Of Metal y en esos cruceros la esencia de nuestra propuesta.

Ana: Desde el principio tuvimos claro el enclave, el bosque de Sotocje al sur de Tolmin.

La localización está dentro de un parque natural, un valle en medio de los dos ríos más puros de Europa, el Tolmika y el Isonzo, dentro de los Alpes julianos. Dichos ríos generan unas zonas perfectas para el baño y disfrute veraniego. El lugar es maravilloso, una zona perfecta para acampar y disfrutar de la naturaleza. Al principio todo el mundo nos decía que era una locura, que era imposible, que era muy difícil conseguir los permisos siendo la zona parque natural. Pero poco a poco y con decisión fuimos convenciendo a las autoridades y a los lugareños hasta ganarnos la confianza de los dueños de los terrenos. Al final, tras muchas gestiones y papeleos, conseguimos hacer la primera edición en 2004 con Danzig como cabeza de cartel -por primera vez en el país de forma exclusiva-.

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Bastian: En 2005 el gran logro fue convencer a Slayer, conseguir el show de Anthrax con Joey Belladona de vuelta a las voces y el último show de Dissection en el país.

Ana: El éxito fue el maravilloso enclave y conseguir ampliar el concepto de vacaciones añadiendo días al evento hasta llegar a siete días consecutivos en 2007. A nivel de programación siempre trabajamos duro por conseguir conciertos exclusivos y de reunión, primicias en el país como fueron los shows de Immortal, Carcass y Dissection. Siempre tuvimos claro que teníamos que atraer al público internacional, de hecho el 80% de los tickets se vendían en el extranjero. La gente viaja desde países como Iran o Irak, desde Asia. Recuerdo unos moteros suecos que se hicieron toda la ruta desde el norte. Estas historias nos inspiraban para seguir creciendo y mejorando.

Vuestra andadura con el festival llegó a su fin después de 10 años en 2014 cuando una nueva directiva asumió el mando y cambió el nombre a MetalDays. Es entonces cuando decidís mudaros a Barcelona y empezar un nuevo capítulo.

Bastian: Después de 10 años trabajando en el festival necesitábamos un cambio de aires y un respiro y la idea era tomarnos un año sabático. Prácticamente en nuestro país

habíamos conseguido todas nuestras metas: tener nuestra tienda, nuestro programa de radio y TV, nuestra agencia de conciertos y nuestro propio festival. No había más cosas por lograr allí así que teníamos que empezar a trabajar en otros mercados y países. Por un momento pensamos que el destino sería Holanda, pero tras estudiarlo detenidamente el mercado Español nos parecía menos saturado, más interesante y con mayores desafíos. Siempre que veníamos de gira con bandas nos encantaba Barcelona como ciudad y al final nos decidimos por probar en la ciudad condal.

Ana: En un principio la idea era descansar y vivir la vida plácidamente, pero rápidamente empezaron a surgir proyectos. Por un lado se nos encargó un estudio sobre merchandising falsificado de bandas. Teníamos experiencia en nuestro país al respecto trabajando con aduanas, autoridades y demás organismos legales y durante años conseguimos erradicar la mercadería pirata en Eslovenia. En España es mucho más complicado al ser un país mucho más grande, pero al final del estudio concluimos que el consumidor español está concienciado, simplemente no diferencia entre la copia y el original. El aficionado entiende que el dinero debe ir al artista y no al falsificador.

Bastian: También teníamos el proyecto de abrir una academia musical de metal, que al final nuestro amigo y compañero mío de

banda Carlos Leonardo tomó las riendas del proyecto y le va genial con Metal Academy Of Music. Debido a la experiencia con la tienda en Eslovenia que estuvo operativa desde 1999 a 2016 decidimos probar abriendo una tienda física en el mercado de Camello. Al cabo de un tiempo la cerramos para dedicarnos exclusivamente a la representación de bandas.

Es aquí cuando empezáis a trabajar como managers de Crisix...

Ana: Ellos son la razón por la cual seguimos viviendo en Barcelona. Nuestro contacto con ellos comenzó a través de nuestro amigo Carlos Leonardo, que había compartido conciertos con ellos con su antigua banda Aggression. La banda estaba en un momento crítico bastante perdida y desmotivada y necesitaba nuevos estímulos.

Estaban acabando de grabar su tercer disco en el estudio y no tenían ni management ni agencia de booking. Nos encantaba su propuesta y su increíble directo y sabíamos que la solución era proyectar la carrera internacional de la banda ya que en España ya habían llegado a un techo. Entonces nos pusimos a desarrollar una estrategia internacional y conseguimos llegar a un acuerdo con el sello francés Listenable Records para editar ‘From Blue To Black’.

Desde entonces no hemos parado de picar piedra y trabajar duro haciendo giras por toda Europa, Japón y USA. Con esfuerzo hemos conseguido colocar a la banda en la mayoría de festivales internacionales del circuito; han sido por ejemplo la primera banda española en tocar en el Graspop Metal Meeting. ¿Qué buscáis en una banda a la hora de ficharla?

Bastian: La verdad es que no buscamos bandas, nos escriben y hacen propuestas ellas mismas de forma orgánica. Se ha corrido la voz y nos contactan directamente. Buscamos sobre todo originalidad y compromiso, es muy difícil ser original hoy en día. Una banda debe tener identidad y saber desarrollar su marca, debe tener una presencia escénica impactante. Nuestra filosofía es ser totalmente sinceros con la banda, saber cuales son sus necesidades y sus carencias, hacer de psicólogos y ayudar a la banda a tener la correcta visión de su proyecto.

Solemos armar una estrategia basados sobre todo en la proyección internacional. Tanto con Crisix, Brothers Till We Die o Childrain, con quienes hemos estado trabajando hasta hace poco, al cantar todas ellas en inglés, la idea es no cerrarse únicamente al mercado español sino plantear los proyectos como algo internacional e ir poco a poco conquistando otros países y territorios. La única banda con la que solamente trabajamos el mercado estatal es Vita Imana, con quienes llevamos algo más de un año trabajando desde su vuelta a los escenarios con nuevo cantante después de un largo parón. ¿Qué opinión os merece la escena metal española?

Ana: La verdad es que vemos el estado español como un territorio con muchas posibilidades, un montón de festivales de pequeño y mediano formato y varios festivales grandes como Resurrection Fest o Barcelona Rock Fest de gran calidad y con reconocimiento internacional. Al ser extranjeros y viviendo de un país tan pequeño como Eslovenia donde no había recursos ni medios y todo era complicado,

la escena y circuito en España nos parecen geniales. En España existen buenos medios especializados, programas de radio con buena audiencia, buenos clubs, muchas tiendas de discos, excelentes productores y estudios pero sobre todo muy buenas bandas. Ahora que llevamos unos años ya afincados en Barcelona de alguna manera nos sentimos en deuda y queremos seguir promocionando bandas estatales por todo el mundo. ¿Cuáles son vuestros planes a corto y medio plazo con la agencia?

Bastian: Seguir creciendo con Crisix y las bandas con las que trabajamos y llegar lo más lejos posible. Acabamos de fichar a una banda portuguesa llamada Sullen la cual es increíble, tienen una propuesta muy auténtica y personal. Próximamente anunciaremos también el fichaje de una banda madrileña que lleva unos años en activo. Hemos tenido ofertas de trabajar con bandas más reconocidas y establecidas, pero nos gusta la lucha y el desafío que supone trabajar con bandas menos conocidas y hacerlas crecer.

Esperamos que el trabajo y resultado de las bandas con las que trabajamos inspire a otras bandas más jóvenes.

Ana: Nuestro plan es mejorar todo lo posible y seguir aportando buenas bandas a la escena metal internacional. Respecto a la situación actual de pandemia por el COVID-19 nos hemos visto afectados como todos nuestros compañeros en la industria y hemos tenido que cancelar un montón de conciertos y ediciones, pero somos pacientes.

No va a ser la primera ni la última gira que vamos a cancelar por una u otra razón, ¡pero saldremos adelante! metal hammer | 71

panther

pain of salvation insideout music FOTO: lars ardarve

Un álbum de Pain Of Salvation se convierte en una experiencia auditiva bastante exigente. Es tal el cúmulo de ritmos, melodías, detalles y sorpresas inesperadas que puede apabullar al oyente menos minucioso, aunque una vez que el hechizo de la banda sueca surge efecto ya no hay marcha atrás. Sería redundante afirmar a estas alturas que son una de las bandas más originales e inspiradas en el género progresivo, aunque al ser un espécimen único difícil de encuadrar en una corriente aledaña a las demás formaciones, se convierte en una rara avis que no pertenece a ninguna comunidad. Pain Of Salvation es una banda de metal progresivo, sí, pero su capacidad compositiva es tan amplia que la etiqueta se queda corta. Es lógico que desde su debut ‘Entropia’ de 1997 se haya mermado es su capacidad de sorpresa, pero hasta en este nuevo ‘Panther’ son capaces de demostrar varios atisbos de inquietudes artísticas con el que el metódico Daniel Gildenlöw y compañía desafía a sus seguidores más veteranos.

La reputación que se ha ganado la banda a lo largo de sus casi tres décadas de existencia no ha sido fortuita. Si bien en sus inicios su sonido era más elaborado y metálico como se refleja en su citado debut, ‘One Hour By The Concrete Lake’ (1998),‘The Perfect Element, Part I’ (2000) y ‘Remedy Lane’ (2002) -sin olvidar la mágica aventura de ‘Be’ (2004)- la visión musical de Pain Of Salvation ha ido mutando de forma libre. ‘Scarsick’ (2006) parecía una travesura endiablada para romper los esquemas del progresivo, y con ‘Road Salt One’ (2010) y ‘Road Salt Two’ (2011) evocaron una atractiva mezcla de blues rock de los ’70 y proto-metal sin abandonar su esencia. Esa es la magia de esta banda: arriesgar sin perder nunca su personalidad. ‘Falling Home’ (2014) e ‘In The Passing Light Of Day’ (2017) fueron más que eficaces y bailaban al ritmo de los instintos de su líder, pero quedaba claro que su estilo no está en venta.

A pesar de los numerosos cambios de componentes en los últimos años, Gildenlöw ha sabido capear el temporal y ‘Panther’ es la prueba de que Pain Of Salvation se encuentra en su mejor momento.

El inicio con “Accelerator” parece una declaración de principios, ya que puede recordar a cierta banda progresiva noruega que empapa sus composiciones con tintes electrónicos. Ese empuje acompañado por la camaleónica voz de Gindenlöw y los repentinos cambios de ritmos es pura adrenalina. Por el contrario, “Unfuture” es un tema del estilo más reconocido de la banda. Metal progresivo de pura cepa en la que no faltan los adornos de acústicas y esos juegos de coros tan identificativos de la formación nórdica que trabaja con cuatro y hasta cinco armonías, cuando lo habitual es doblar armónicamente la voz principal o incluir una segunda voz.

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Avisaba su líder que elegir “Restless Boy” como single de este álbum podía llevar a engaño. De un inicio cargado de sintetizadores, surge una voz llena de efectos que luego transmite una multitud de sentimientos en un entorno musical un tanto extraño. La imaginación de la batería de Léo Margarit es de escándalo y lo que resultaba un tema aparentemente de relleno es una explosión de intensidad y mala baba. Como muchas otras veces en el pasado –“Sister” o “Iter Impius” por ejemplo- la balada “Wait” se construye a partir de una melodía minimalista a la que le van sumando elementos de forma sutil hasta que su cantante explota con toda la pasión y sensibilidad que sus cuerdas vocales le permite. Esta canción debería ser escuchada por real decreto hasta en la aldea más perdida de Katmandú.

Vuelven a los sonidos progresivos más naturales con “Keen To A Fault”, y es que en este terreno también destacan aunque encuentren más competidores. Con estribillo potente y cortante precedido de unos momentos de relax, consiguen el efecto de sorpresa deseado.

“Fault” es un tema corto y acústico que funciona como perfecto interludio para tramo final de este trabajo que se origina con la propia “Panther”. Los primeros segundos recordará a Linkin Park por uso y abuso de sintetizadores y elementos electrónicos, pero con varias paradas en seco y con la personal voz de su frontman la convierte en otra jora sonora para la colección.

Si con lo ya expuesto los fans de Pain Of Salvation no han calmado sus ansias, no podrán evitar rendirse a los pies de “Species”. Solo una banda tan inspirada y fresca sería capaz de componer y grabar este semejante monstruo musical. Tirando de ambientaciones bluesy en su arranque, la canción va fluyendo a golpes de corazón hasta alcanzar el frenesí lirico y musical en un final por todo lo alto. ¿Podría ser más apropiado para Pearl Jam que para una banda progresiva? Sí; pero hasta en este terreno Pain Of Salvation sale victorioso. El corte de más duración se reserva para el final, “Icon”. Una banda tan perfeccionista no se puede permitir bajar el nivel en ningún momento y ponen su rúbrica con letras doradas en una canción variada y deliciosa que invita al oyente a bucear en un mar de detalles de innegable talento. Las letras de este trabajo se merecen un reportaje aparte por su profundidad, interpretación y los aires cinematográficos de las mismas, pero está claro que el objetivo está más que conseguido. “Panther” es el fiel reflejo de la definición más amplia del progresivo: un estilo en el que se buscan nuevas formas, nuevos sonidos y nuevos caminos para hacer música con la que expresar el sentimiento más recóndito y personal.

satur romero

KATAKLYSM UNCONQUERED

NUCLEAR BLAST RECORDS Dos años después de la salida de ‘Meditations’ (2018), Kataklysm lanza el que será su decimocuarto trabajo de estudio.

‘Unconquered’ llega como un acto de rebeldía y es una buena muestra del excelente estado que atraviesa la banda.

Aunque este álbum siga la estela de sus composiciones anteriores, los magnates del death melódico canadiense han confeccionado un disco que abarca un abanico de influencias y estilos mayor. Desde temas que incluyen toques de black metal como el single principal (“The Killshot”) o “Defiant” pasando

por composiciones más melódicas -marca de la casa como pueden ser- como “Cut Me Down” o “Icarus Falling”. Todas ellas sin perder su peculiar personalidad y que encajan perfectamente en el extenso catálogo de canciones que ha compuesto el cuarteto a lo largo de su trayectoria.

Otro cambio a observar son las letras de las mismas, que tratan temas más cercanos al entorno de los músicos narrado bajo la voz de su vocalista Maurizio Iacono, que mejora con los años.

El cuarteto pretende demostrar que, a pesar de llevar tres décadas a pie del cañón, aún le queda energía para mucho más.

Los nueve temas, cargados de energía, dan pie a una fácil escucha que incluso dejan al oyente con ganas de más. Además, las canciones quedan encuadradas bajo el marco de una producción cuidada al extremo que enaltece todos los elementos que forman cada una de sus composiciones, lo que lleva a ‘Unconquered’ a posicionarse como uno de los mejores discos de la carrera de Kataklysm. tamara ruiz

para convertirse en una almagama de punk, grindcore, death metal y música alternativa de la que sus miembros están muy orgullosos.

NAPALM DEATH

THROES OF JOY IN THE JAWS OF DEFEATISM CENTURY MEDIA RECORDS A día de hoy, tras 30 años de carrera, es indiscutible decir que Napalm Death están en la cima más alta de la música extrema.

Son un referente para miles de bandas que buscan los sonidos más bizarros y contundentes, y en esta última entrega muestran de nuevo todo su potencial. Su idea es no repetir nunca las fórmulas de sus anteriores álbumes de estudio mientras mantienen alerta a todos sus seguidores, los cuales nunca salen decepcionados.

“Throes Of Joy In The Jaws Of Defeatism” busca reunir todas las características compositivas de sus anteriores 15 discos

Stars”, hasta canciones puramente power metal como “Faster Than Light” pasando por temas largos y de corte más clásico como “The Wind That Shapes The Lan”, el cual recuerda a Iron Maiden en algunos tramos. La formación ha logrado de esta manera que sea un trabajo que se disfruta de principio a fin y que no importe escucharlo una y otra vez.

UNLEASH THE ARCHERS ABYSS

NAPALM RECORDS ‘Abyss’ es el quinto álbum de los canadienses Unleash The Archers. Un disco en el que la banda sigue evolucionando su sonido haciéndolo más melódico y actual gracias al uso de elementos sintetizados en muchas de sus canciones, lo que deja un poco de lado el sonido más crudo y metalero de sus primeros trabajos. A pesar de ello, consiguen no perder su fuerza y esencia de con la voz de Brittney Slayes, una vez más, la gran protagonista. En este ‘Abyss’ se puede encontrar un amplio abanico de estilos e influencias; desde temas de corte hard rock como “Through

La diferencia respecto a discos anteriores se hace más notable en temas como “Abyss”, donde los sintetizadores están presentes durante toda la canción, o sobre todo en “Legacy”, un corte con una intro que podría haber firmado el mismísimo Devin Townsend.

Destaca también “Carry The Flame” por la participación en las voces por parte del guitarrista de la banda Andrew Kingsley.

En definitiva, ‘Abyss’ es un álbum muy bueno con temas verdaderamente trabajados que seguro que ayudará al grupo a hacerse un merecido hueco dentro del panorama internacional y que cualquier fan del metal debería escuchar.

RUBÉN MACÍAS

EVIL IMPULSE THE BROTHERHOOD

AUTOPRODUCIDO Uno de los grupos españoles del movimiento underground nacional de más calidad en España regresa renovado y con más ganas que nunca. Evil Impulse llegan desde Ciudad Real con un nuevo trabajo bajo el brazo, ‘The Brotherhood’, un disco en el que la banda ha sufrido un lavado de cara, concretamente en sus filas. La reciente inclusión de Daniel y Javier (guitarra y batería respectivamente) han insuflado un toque de aire fresco a Evil Impulse, y es que la dificultad de crecimiento para los artistas pequeños que tiene la escena española requiere de

Este disco lleva gestándose desde 2017 cuando Greenway, Embury y Herrera (con la colaboración de John Cooke a la guitarra y Russ Russell como productor) deciden juntar todas esas ideas sobre las relaciones humanas que se deterioran con el paso de los años y transforman esos pensamientos y denuncias sociales en 12 cortes que te aplastan con cada nueva reproducción. No solo hacen referencia al movimiento Black Lives Matter, sino a todo tipo de maltrato social que produce terror a todas aquellas personas que lo sufren por su condición.

“Zero Gravitas Chamber”, “Contagion” o “A Bellyful Of Salt And Spleen” son tres de las mejores composiciones que se encuentran en este apetitoso álbum. Sin duda es una nueva muestra de cómo un grupo veterano crece y renace tan fresca como en sus inicios.

SERGIO DE LA TORRE

gente con ganas para sacar proyectos como este adelante. No es para nada atrevido las comparaciones de Evil Impulse con un grupo de la talla de Lamb Of God, y es que sus composiciones así lo demuestran diversos pasajes de la voz, riffs y ritmos. Si hay una banda en nuestro país que represente ese groove metal más “puro”, esa es Evil Impulse, y en canciones como la de apertura (“Son Of The Devil”), la siguiente “Chained Shadow” o la final “Everlasting”.

En otras como “Lone Wolf ” se encuentran hasta blast beats que le dan un toque más extremo a este álbum, y en “Even Flow” se halla ese toque sureño que también ha caracterizado a la formación desde sus comienzos.

Han tirado más por estructuras más directas y potentes en detrimento de otras más complejas, y eso hace que tenga más pegada en una escucha inicial (algo que ya iniciaron en ‘The Unbroken Ritual’).

‘The Brotherhood’ es el paso adecuado para Evil Impulse en su crecimiento en un momento complicado como el actual. Se merecen llegar lejos. dani bueno

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EMMURE HINDSIGHT

MARILYN MANSON WE ARE CHAOS

LOMA VISTA RECORDS Algo indiscutible en la vida es que el paso del tiempo es igual para todo el mundo, incluidas las estrellas del rock. Para estos, el envejecimiento se torna considerablemente más complicado que para un simple mortal y hay que considerar la rebeldía y estridencia -junto a los innegables excesoscomo sus principales estandartes. No pasa desapercibido que Brian Hugh Warner, mundialmente conocido como Marilyn Manson, ha ido rebajando las revoluciones en sus composiciones así como el ritmo de sus actuaciones en vivo. Esto ha dado pie a una etapa de madurez donde sus temas se alejan de ser grandes hits como lo fueron en su día “The Beautiful People” o “This Is The New Shit”, pero que siguen encerrando grandes dotes de creatividad y la inconfundible personalidad oscura que caracteriza al músico.

El talento del artista es perfectamente palpable desde la portada, pues aparte de su faceta de músico es bien conocido su lado de pintor (como también el de escritor o actor). La apretada agenda del señor Warner -como la de su productor Shooter Jennings- sumada a la actual pandemia del coronavirus ha derivado en una demora respecto a la fecha original de lanzamiento. ‘We Are Chaos’ se inicia de una manera sombría y agresiva con “Red, Black, And Blue”, que casi recuerda a sus composiciones de antaño. Carece de adrenalina, pero crea una perfecta atmósfera de incertidumbre que invita al oyente a querer descubrir lo que se avecina a continuación. Muy diferente es el tema que da título al álbum, que deja a un lado la oscuridad más absoluta para abrirse paso entre los derroteros del pop setentero. La admiración del vocalista por David Bowie es innegable, y lo demuestra tanto en esta canción como en la que viene a continuación, “Don’t Chase The Dead”, donde se aprecian, además, toques de rock y glam de los ‘80. La presencia del fallecido artista estará muy presente en todo el disco y se hace muy notable también en “Solve Coagula”.

El decimosegundo trabajo del estadounidense es de los más ricos y variados que ha compuesto hasta la fecha. Como él mismo indica, este disco es como un espejo donde ha tenido que mirarse para abrirse por completo y de esa manera dejar al descubierto todos y cada uno de los entresijos de su mente.

Buena muestra de ello es “Paint You With My Love”, un corte que podría tildarse de balada, con influencias de country moderno y un toque de piano exquisito.

Una fórmula similar a lo que pudo observarse en “Speed Of Pain” de su pasado ‘Mechanical Animals’. “Half-Way & One Step Forward” marca el ecuador del disco y llama la atención mayoritariamente por el piano desenfadado y su templada melancolía.

La cara B se inicia con “Infinite Darkness”, que recupera oscuridad agresividad a partes iguales, algo que intenta continuar en “Perfume” y que, sin embargo, se queda medio camino. “Keep My Head Together” es la canción más hardrockera del álbum y bebe influencias directas de Depeche Mode. ‘We Are Chaos’ llega a su final con “Broken Needle”, que vuelve a tener a Bowie presente y crea un ambiente doliente y sombrío que cierra de una manera magistral. Diez temas que cuentan con una impecable producción donde queda claro que Manson no va a retomar la senda del macarra del ‘Antichrist Superstar’. Lo que sí demuestra en esta etapa más madura es que es capaz de seguir forjando esa personalidad tan siniestra, especial y peculiar que tanto le caracteriza. Marilyn Manson sigue moldeando su arte según le venga en gana y, aunque no saque trabajos según lo esperado, continúa dando forma a piezas impecables como este ‘We Are Chaos’.

tamara ruiz 74 | metal hammer

SHARPTONE RECORDS Tres años no son nada si espera algo como ‘Hindsight’.

La losa de ser el sucesor de ‘Look At Yourself’ se vuelve liviana y manejable en manos de Frankie Palmeri y compañía. desde el primer encontronazo con “(F)inally (U)nderstanding (N)othing”, donde comienzan ¿avisando?, ¿advirtiendo?, ¿amenazando?: “Damas y Caballeros, aquí estamos... ¡Una vez más!”... Y así es. Entregan un crudo, rudo, potente y rotundo trabajo. Puede que a primera vista resulte insulso, pero la gran virtud de este disco es que posee la genialidad de las semillas: quedan ocultas bajo tierra hasta que, pasado un tiempo, germinan ofreciendo su verdadero valor. toni de lola

MORSE/PORTNOY/GEORGE COV3R TO COV3R ANTHOLOGY INSIDEOUT MUSIC La creación de un proyecto en el cual la intención sea dar un enfoque distinto a temas clásicos de algunas bandas es cuanto menos una tarea ardua.

Cuando se habla de Neal Morse, Mike Portnoy y Randy George, esa tarea resulta un poco menos complicada. La compilación de los tres volúmenes de ‘Cov3r To Cov3er’ lleva a un universo de grandísima destreza musical a través de canciones emblemáticas de David Bowie, Yes o Cream.

Material imperdible donde la buena ejecución es visible desde el minuto uno donde resaltan sobre el resto un himno como la mítica “Baker Street” u otras como “Life On Mars” o “Black Coffee In Bed”. juanma garcía

las melodías han tenido más protagonismo, y es que en un disco bajo la firma de John Petrucci es normal que su sello personal tenga un peso mayor en este aspecto.

JOHN PETRUCCI TERMINAL VELOCITY

SOUND MIND MUSIC/THE ORCHARD Los fans del progresivo vuelven a subirse al “tren del hype” con el segundo disco de estudio que lanza el virtuoso guitarrista John Petrucci por su cuenta. Este disco en solitario no solo tiene atractivo por poder escuchar de nuevo al músico en su salsa, sino, sobre todo, por la compañía que ha tenido para este trabajo. 10 años después de dejar de tocar juntos en Dream Theater, John Petrucci y Mike Portnoy han vuelto a juntarse en un mismo proyecto.

El resultado de esta unión es un disco que recuerda a las etapas de Dream Theater (como no podía ser menos) en las que

El archiconocido dentro de la escena de la producción internacional Andy Sneap (quien además es el sustituto de Glen Tipton en Judas Priest) ha sido el encargado de mezclar y masterizar un álbum en el que se pueden hallar facetas muy distintas de Petrucci.

No faltan los solos interminables (como era de esperar), y las complejas métricas del progresivo no están tan presentes en el disco.

El gusto por hacer canciones más asequibles para más oyentes ha prevalecido en lugar de la dificultad técnica de los tiempos, y “Happy Song” es una muestra de ello. Otras como “Out Of The Blue”, de un toque más bluesy, muestran que no todo es metal en la vida para John. Habrá que ver si sale a la carretera (cuando se pueda) con ‘Terminal Velocity’ y con quién. dani bueno

HEATHEN

EMPIRE OF THE BLIND NUCLEAR BLAST RECORDS Once años después de la salida de ‘The Evolution Of Chaos’ la espera para los seguidores de Heathen toca a su fin. El disco que ocupa el cuarto peldaño en la carrera de los californianos se materializa bajo el nombre de ‘Empire Of The Blind’, una propuesta que ve la luz ocho años más tarde de su comienzo.

La implicación de su guitarrista y líder de la banda, Lee Altus (Exodus), ha derivado en que el quinteto quede en parte a la sombra del resto de grupos compatriotas y su actividad quede reducida únicamente a alguna gira.

su género. Con todo lo positivo y negativo que ello pueda tener.

FINNTROLL VREDESVÄVD

CENTURY MEDIA RECORDS La magia del número siete debería ejercer su influencia sobre el nuevo trabajo de Finntroll. Es el séptimo disco de la banda (excluyendo ‘Visor Om Slutet’), hace siete años que no editaban nada nuevo y ellos son siete miembros.

Si se deja la numerología como una mera anécdota, esta entrega de los de Helsinki se podría encuadrar dentro de su etapa más clásica y fructífera -suponiendo entonces una vuelta hacia atrás- para asentarse en los cimientos de aquellos ritmos y letras que los encumbraron como uno de los grandes en

Esa falta de evolución o avance después de tanto tiempo puede ser vista como refrendo de que el filón está agotado.

Pero si así fuese, lo están agotando de muy buenas formas. Concebido casi como una banda sonora desde la introducción (llena de aromas de Hans Zimmer o Ramin Djawadi) hasta el tema final, el disco es una pura fiesta imparable: “Att Döda Med En Sten” pone a Vreth en su registro más gutural para no perderlo ya y lanza al oyente a toda caña hacia su propio mundo, que incluso cuando parece relajarse (“Gränars Väg”) es para seguir acelerando. “Stjärnornas Mjöd”, “Ormfolk” o “Myren” piden a gritos un circle pit, pero a pesar de ello cabría esperar algo más del grupo. Supone una calculada apuesta sobre seguro: coger lo que saben que funciona y repetirlo aplicando todos sus conocimientos y experiencia, alejándose del riego y ofreciendo un manjar sabroso -que no empalaga pero tampoco satisface las expectativas generadas.

TONI DE LOLA

La que es considerada una banda de culto dentro del thrash de la Bay Area de San Francisco ha dado vida a un álbum potente y agresivo, pero que cuenta a su vez con un proceso de escritura cuidada. Su concepto se define como una crítica a la sociedad moderna y a sus respectivos problemas actuales y es bien apreciable desde la portada a cada una de las letras. Además la entrada de Jason Mirza al bajo y Jim DiMaria a la batería aporta toques de frescura a la formación.

Aparte del poderoso, energético y frenético thrash marca de la casa que defienden temas como “The Blight” o “The Gods Divide”, se encuentran piezas que se inclinan más hacia el heavy clásico como “Sun In My Hand” o tintes de baladas como “Shrine Of Apathy”.

Los doce cortes del álbum quedan perfectamente defendidos por David White, que muestra un gran estado de forma y da a entender que el grupo tiene un futuro muy prometedor por delante. tamara ruiz

a Green River, Nirvana, Foo Fighters o Alice In Chains, con las tendencias comerciales hardrockeras más actuales.

SEETHER

SI VIS PACEM, PARA BELLUM FANTASY RECORDS Después de tres años de silencio, ‘Si Vis Pacem, Para Bellum’ de Seether ve la luz. Un redondo con trece pistas gestado para triunfar. Shaun Morgan junto con sus compañeros de banda (Dale Stewart -bajo, coros-, John Humphrey -batería- y el recién llegado Corey Lowery -guitarra principal-) presentan un álbum con letras trabajadas, coros pegadizos, mezclas brillantes de guitarra y percusión y un estilo que se atisba lo suficientemente bueno como para satisfacer las exigencias de cualquier amante de la música. ‘Si Vis Pacem, Para Bellum’ conjuga lo mejor del grunge de finales de los ’80 con pasajes que recuerdan

Destacan sobremanera “Dangerous”, su primer sencillo, y “Beg”, temas paridos para perdurar y que sirven de tránsito entre ‘Poison The Parish’ y ’Si Vis Pacem, Para Bellum’.

Como contrapunto, “Wasteland” de corte melódico y desgarradoras voces o “Bruised And Bloodied” donde, aplicando la técnica del pushpull, se mezcla la sensibilidad del cantautor con los ritmos de rock más pesados de la banda.

El problema surge cuando se intenta aplicar la misma fórmula exitosa a demasiadas canciones.

Cortes como “Dead and Done” y “Liar” comparten muchos rasgos similares hasta el punto de hacerlas casi predecibles: riffs típicamente repetidos tres veces con un giro descarado en el cuarto. Aun así, destilan calidad.

En resumen, un trabajo que se augura superventas y con temas adrenalíticos que serán carne de esas radiofórmulas afanadas en acercar a lo más mainstream.

J. A. FERNÁNDEZ

metal hammer | 75

algunas de las guitarras se grabaron online y Matthi acabó haciendo todas las voces y coros, un detalle que se aprecia especialmente en algunos temas en los que se escuchan voces limpias, algo poco habitual en él.

NASTY MENACE

CENTURY MEDIA RECORDS Los belgas Nasty presentan su nuevo trabajo ‘Menace’ después de la fama obtenida tras su último disco, con el que supieron ganarse al público.

En este álbum no han variado mucho la fórmula que utilizaban en sus composiciones lo cual no es necesariamente malo: han descubierto lo que les funciona y está claro que piensan explotarlo mientras puedan (desde luego, si no te gusta el beatdown, no es un grupo para ti).

Para grabar este álbum han tenido que adaptarse a la situación que estamos viviendo:

VOIVOD

THE END OF DORMANCY CENTURY MEDIA RECORDS Voivod presenta ‘The End Of Dormancy’, un EP de tres canciones donde versionan el tema del álbum ‘The Wake’ (2018) e incluyen su sorprendente directo en el Montreal Jazz Fest de 2019.

“The End Of Dormancy (Metal Section)” es muy similar a la original y añade instrumentos de viento que la acompañan. En esta canción, Voivod demuestra su versatilidad de sonido. La mezcla de thrash y prog está muy marcada; por momentos la canción recuerda a Annihilator y otros a Pink Floyd. A la canción le acompaña un video musical 76 | metal hammer

Sin duda el gran fuerte de la banda es su directo, algo que lamentablemente no se disfrutará por el momento. La gran vuelta de tuerca que presenta este trabajo con respecto al anterior son las líneas de guitarra, con una notable mejora en su riqueza y creatividad, lo que se puede apreciar sobre todo en la última canción “Ballad Of Bullets”, un tema instrumental que se aleja completamente de su estilo, incluso acercándose a un sonido mucho más metal, y hace que sea un cierre perfecto para este disco.

De momento Nasty tienen a los fans de su parte, habrá que ver si es de esas bandas que continúan utilizando la misma fórmula que perdura en el tiempo o si por el contrario se atreverán a explorar nuevos horizontes musicales.

MELANIE SILVA

donde aparecen tocando dentro de un laboratorio mientras los doctores experimentan con ellos, siguiendo el estilo sci fi que les acompaña desde hace décadas. Si alguien hubiera dicho hace 30 años que Voivod tocaría en un festival de jazz probablemente aún estaría encerrado.

No obstante, con los arreglos de la versión anterior, el directo de la canción en el festival de jazz no solo no desentona, sino que se convierte en un acierto absoluto.

En esta versión los instrumentos de viento cobran mucho más protagonismo e incluyen un solo de saxofón más propio de una canción de Miles Davis que de thrash metal. Voivod se guarda la artillería pesada para el final e interpreta el clásico del álbum ‘Nothingface’, “The Unknown Knows”, tal y como se grabó: sin arreglos de viento ni nada que opaque el headbanging de una de las canciones más populares de la banda. En ‘The Wake’, Voivod ya mostraron que aún tienen mucho que decir, y esta creatividad sigue en este EP, que mezcla la agresividad del thrash, la técnica del prog y la belleza del jazz de forma impecable.

ANDREU ABAD

evolución suave y fluida que se esperaría del blackened death original de la banda, además de la aportación de detalles más creativos -sobre todo en la dimensión guitarrística-.

NECROPHOBIC

DAWN OF THE DAMNED CENTURY MEDIA RECORDS Con más de 30 años de experiencia a sus espaldas, la agrupación sueca Necrophobic vuelve a la carga con su noveno álbum de estudio desde su LP debut en 1993 ‘The Nocturnal Silence’. Tras un disco un poco más flojo, el retorno de los guitarristas Sebastian Ramstedt y Johan Bergebäck encamina de nuevo su sonido hacia el ‘Mark Of The Necrogram’ en 2018, cuya línea sigue el inminente ‘Dawn Of The Damned’, que aporta más energía y agresividad.

La legendaria formación ya curtida por lo años continúa en ‘Dawn Of The Damned’ con la

OCEANS OF SLUMBER OCEANS OF SLUMBER

CENTURY MEDIA RECORDS Oceans Of Slumber es una banda excepcional, de eso no cabe duda, y su nuevo álbum homónimo no es una excepción. La poderosa voz de Cammie Gilbert acompañada por un extraordinario grupo de instrumentistas hacen un combo con una personalidad sonora y una calidad técnica de lo más reseñable. Su característico doom melódico con tintes góticos toma otro nivel con este nuevo álbum, a pesar de que el listón ya estaba alto con su anterior entrega ‘The Banished Heart’. La atmósfera de oscuridad bañada en una belleza arrebatadora engloba esta nueva entrega en más de una hora

El elemento más sensible que destacar es, sin duda, el uso de largas y agudas notas de guitarras tintadas de ligeras fluctuaciones de tono a modo de vibrato palpitante que se encuentran a lo largo de los diez cortes que componen el trabajo: desde la intro “Aphelion”, pasando por el elemento puntual de “The Shadows” y, por supuesto, el single anticipado “Mirror Black”, donde adquiere especial protagonismo en el primer minuto.

Dicho vibrato no mina la presencia de los riffs de guitarra, que mantienen su aura oscura y potente y se hallan acompañados de solos virtuosos; grandes cortes como “The Infernal Depths Of Eternity” o “The Return Of a Long Lost Soul” combinan elementos de oscuridad y creatividad que dan como resultado un trabajo que, como se esperaba, no decepciona.

JÚLIA BENEVELLI

de canciones con una emoción desgarradora.

La oscuridad que absorbe cada nota del álbum refleja, en el fondo, un mensaje de esperanza.

La pesadez instrumental y los cambios rítmicos lentos e intensos por momentos dan paso a otros más melódicos, lo que ya es una seña de identidad de la banda y se aprecia en canciones llenas de sorpresas y variaciones estilísticas como la cambiante “Soundtrack To My Last Day”, “A Return To The Earth Bellow” con una impresionante línea vocal, “The Colors Of Grace” y “September (Those Who Come Before) y su magia instrumental, y la bella oscuridad de “I Mourn These Yellowed Leaves”, los mejores ejemplos que representan este magnífico álbum. La banda es tan polifacética compositivamente que se puede disfrutar de voces melódicas, intensos guturales, ritmos lentos y pesados y otros atronadores y frenéticos, sonidos más viscerales y otros más melódicos, en un todo que lleva un sello personal bañado en un gran talento musical que convierten al grupo en una formación con un potencial innegable.

OLGA VIDAL

MAD SIN

UNBREAKABLE CENTURY MEDIA RECORDS Después de una década desde que publicaran su anterior ‘Burn And Rise’ (2010), la banda de psychobilly más gamberra de Europa vuelve con nuevo material bajo el título ‘Unbreakable’.

Un conjunto de 16 temas que hacen brincar como nunca antes al oyente. Köfte “The Big Chief” DeVille y sus camaradas alumbran con eléctricas composiciones como “Are You Ready”, “All My Friends” o “Agression”, las cuales fueron escritas durante esta década como ideas que aparecieron, según el propio DeVille, directamente en la mente de su líder. Con este nuevo proyecto la banda promete volver a impactar con sus movidos directos.

SERGIO DE LA TORRE

ESKIMO CALLBOY MMXX

CENTURY MEDIA RECORDS El EP ‘MMXX’ celebra la primera década de vida de la banda alemana Eskimo Callboy con 6 canciones que son la carta de presentación de su nuevo vocalista Nico Sallach. Su potencial es indudable; se maneja con destreza tanto con los guturales como con canto melódico, pero no llega al nivel de personalidad del anterior vocalista Sushi.

Respecto al sonido de ‘MMXX’, tiene momentos reseñables como la divertida y pegadiza “Hate Love”, la potente “MC Thunder II (Dancing Like A Ninja)” o la intensa “Dramaqueen”. A pesar de ser un EP, cuenta con la variedad y la calidad suficiente para defenderse y ganarse un hueco más que decente en su discografía.

OLGA VIDAL

OBSIDIAN KINGDOM MEAT MACHINE SEASON OF MIST Obsidian Kingdom acaba de parir su tercera criatura, ‘Meat Machine’, que está muy lejos de ser un disco sencillo, fácil, blando y digerible. Exige acercarse con ganas de que sus garras dejen profundas marcas, de esas que no cicatrizan con rapidez. Carece de luces brillantes, arcoíris surcados por unicornios y frases de Mr. Wonderful; está dirigido a escarbar en la parte más oscura, angustiosa, retorcida y real del ser humano.

La complejidad de este trabajo salta ya desde los primeros acordes de “The Edge”, donde los puñetazos de inicio hacen confiarse al oyente para de nuevo volver a agarrarle de la pechera, zarandearle y no soltarle con unas melodías nada lineales y un ritmo forjado a base de bruscos giros continuados que prosiguen en “The Pump”, uno de esos temas que funciona como espejo de su antecesor de tal forma que, pareciéndose mucho, sus diferencias son tan claras como para no caer en la monotonía. A estas tempranas alturas atacar con un tema casi lento podría parecer una especie de apuesta de riesgo, pero si está construido a la manera más clásica del industrialismo a la vez que lleno de personalidad propia, entonces es que se está comprendiendo de dónde surgió y hacia dónde se dirige “Mr. Pan”. Con “Naked Politics” ya no queda duda alguna de que Obsidian Kingdom está entregando un disco hecho desde el corazón y las tripas, como bien arrojan directamente al centro del entendimiento del oyente: “A body is just a body / And a body is just a frame / Feed the inner monster / Let disorder reign”, todo un rompepiernas sonoro y emocional para poner a prueba todo conato de resistencia. “Flesh World” debería convertirse en uno de los cortes a mantener y recordar de este disco. Lleno de cimas, valles y planicies entre los que la banda desgrana un descarnado lamento lleno de interesantes imágenes y evocadoras metáforas -es casi obligado escucharlo con la letra delante para saborear también visualmente su oscura profundidad-.

Superado el ecuador, la fuerza y la furia aumentan unos cuantos puntos con “Meat Star”, la más desgarradora hasta el momento y una de las mejores del álbum con un tercio final arrebatador y devastador. Hay que continuar con los puños en alto, con las garras bien abiertas, y eso es “Spanker”. Vuelven de nuevo a la senda menos furiosa, pero no exenta de tensión envuelta en un formato más clásico -menos arriesgado pero, aun así, interesante-. “Vogue” abre la tríada final. Puede que sea la menos llamativa de ‘Meat Machine’ por esa extraña parte central que parece como cosida en medio de la lógica general de la canción, pero que sirve de corte hacia su propia segunda mitad más fuerte y dinámica.

El trallazo incontestable es “Womb Of Fire”, una composición que logra atrapar con sus continuos cambios como si fuesen el catálogo de este nuevo disco de Obsidian Kingdom con el que muestran todo lo que contiene -pero sin desvelar nada ni hacer innecesarios sus más de cinco minutos de genial desarrollo-. No terminan aquí las sorpresas, cuando la adrenalina está en alto a la espera de dispararse llega “A Foe”, una balada -incluso para Obsidian Kingdom-.

Tal vez como cierre de disco quede un poco sosa, fuera de lugar, como un relleno, no obstante, la parquedad de su ritmo se compensa con lo enrevesado de su sonido y la profundidad de la letra. Es casi un réquiem (salvando las distancias, por supuesto), el gran lamento, el profundo aullido de dolor no gritado sino susurrado con el que la banda dice al oyente que el viaje interior que es ‘Meat Machine’ llega a su fin, no de forma brusca, sino diluyéndose como el día en la noche, como la felicidad en el dolor.

toni de lola metal hammer | 77

‘77

CONCIERTOS

CASTELL DE MONTJUÏC (BARCELONA) TEXTO Y FOTO: SERGI RAMOS

Si algo ha conseguido la pandemia es que, en cierta manera, aprendamos a valorar mucho más el talento local. Sencillamente porque no hay ningún otro talento disponible para girar dada la situación y al final, el pueblo quiere rock and roll (o trap, pero eso es otro tema). La cuestión es que los ciclos de conciertos organizados en diferentes puntos del estado han puesto de manifiesto que tenemos mucho y muy variado talento en nuestro país y que si la burbuja de los hiper-cabezas de cartel no nos dejaba apreciarlo, bien, para eso está la covid-19.Toundra, Angelus Apatrida, Medina Azahara… incluso las bandas tributo tan denostadas públicamente pero tan necesarias hoy para revivir cancioneros clásicos cuyos autores son población de riesgo en su mayoría se han vuelto la única expresión de lo que es el rock en directo en el verano de 2020. Ese mismo verano en el que Kiss, Judas Priest, System Of A Down, Korn, Aerosmith, Queen y Guns N’ Roses nos iban a dejar incapaces de encontrarnos el culo con las dos manos -económica y emocionalmente- ha terminado siendo el verano en el que hemos visto a Toundra sentados, a Angelus Apatrida en plan cine de verano y a ’77 en un lugar tan único como el castillo de Montjuïc. La búsqueda de espacios abiertos capaces de albergar shows con distancia prudencial de seguridad entre personas -una mamarrachada cuando vamos apelotonados en transporte público, todo sea dicho- ha dado pie a que se hayan popularizado de pura necesidad los conciertos en petit comité en lugares gigantes preparados para albergar miles de personas o que, como el caso del castillo, no tienen una gran tradición en ese sentido. El concepto de La Sala BCN, auspiciado por la ASSACC, ha supuesto una inyección de moral -la económica no tanto- al maltrecho tejido de salas de conciertos de Barcelona, cerrado desde marzo. Y al final, en cierta manera, la historia de Rocksound -la única sala de conciertos 78 | metal hammer

netamente rockera de Barcelona- y ’77 va casi de la mano. La banda de los hermanos Valeta ya había puesto a prueba su conocimiento de Black Sabbath cuando realizaron un doble concierto en Rocksound hace unos años homenajeando el repertorio clásico de los de Birmingham. Ahora, en los 50 años de la edición de los dos primeros discos de la banda, los de Barcelona volvían a atacar un repertorio al que, pese a lo aparentemente simple de la música no es fácil hacerle justicia. Armand Valeta se desprendió de su guitarra en la cálida (demasiado, de hecho) noche de Montjuïc y encarnó al mejor Ozzy Osbourne como su voz canaliza al mejor Bon Scott cuando canta los temas de ’77. Con la entrega incontestable del guitarrista LG, el batería Andy -brevemente de retorno en la banda tras abandonar en febrero- y el bajista Daniel Martín, ’77 hicieron justicia con himnos como “War Pigs”, “Paranoid”, una lisérgica “Planet Caravan” o la poderosa “Iron Man”. Todo esto en un espacio y contexto muy especial que sumaba a la experiencia. Elecciones menos obvias del repertorio como “Rat Salad” fueron más que bienvenidas por el público y el grupo despidió la primera mitad de su set con una enorme versión de “Fairies Wear Boots”. Pero no quedaría ahí la cosa: la banda siguió en escena con un repertorio de temas suyos.

Cañones de cosecha propia como “High Decibels”, “Last Chance” o la final “We Want More Rock And Roll”, donde alguno ya no se podía contener y acabó subido en su silla -y LG correteando por el público incorregible- sirvieron para llevar a su fin un concierto que, seamos realistas, nadie quería que acabase. Necesitamos más rock and roll, pero ojalá su escasez esta temporada nos haga valorar mucho más la tremenda calidad del producto autóctono que a menudo malvive en garitos y salas. Bandas como ’77 deberían comerse el mundo.

angelus apatrida parc del fòrum (barcelona)

TEXTO: dani bueno FOTOs: sergi ramos

CONCIERTOS

La vuelta de Angelus Apatrida a esta nueva normalidad fue un soplo de aire fresco para la banda tanto a nivel emocional (al haber regresado al escenario para tocar en directo) como a nivel profesional (ya que los ingresos por shows en los tiempos que corren para un grupo en el cual sus miembros viven de lo que generan como banda son cruciales). Con esta premisa, los de Albacete llegaban a la ciudad condal dentro del ciclo de actuaciones organizadas por el Primavera Sound, un festival caracterizado por su eclecticismo, y decidieron poner sobre la mesa todas sus cartas para resultar ganadores de una partida a la que nuca se habían enfrentado.

Thrash metal y gente sentada es una combinación que suena casi incompatible, pero no se puede pedir otra cosa en la situación en la que nos hallamos generada por el auge del coronavirus hace unos meses atrás. Raro para quienes contemplaban y escuchaban sentados en la pista y en la grada y raro para quienes tenían la labor

de interpretar sus canciones sobre el escenario, Angelus Apatrida salió sin miramientos a hacer un concierto sin ningún tipo de complejo. El show arrancó con una de las piezas claves de su último trabajo de estudio, “Sharpen The Guillotine”, y dio pie a más cortes destacadas de su ‘Cabaret De La Guillotine’ (2018) como “One Of Us”, “Downfall Of The Nation” y una menos común “The Hum”, que explicaron que habían decidido tocar durante la prueba de sonido. No excluyeron de su repertorio sus temas más clásicos, y de esta manera también sonaron “Vomitive”, “Of Men And Tyrants”, “Violent Dawn”, “End Man”, “Serpents On Parade”, “Give ‘Em War”, “Versus The World”, su versión de “The Antichrist” de Slayer o su ya mítico cierre con “You Are Next”. Un setlist que congregó buena parte de los éxitos de Angelus Apatrida, que aprovecharon como siempre para expresar sus pensamientos sobre situaciones de actualidad sin ningún pelo en la lengua. metal hammer | 79

TOUNDRA + acid mess

CONCIERTOS

UNIVERSIDAD DE OVIEDO TEXTO Y FOTO: JOSÉ ANTONIO FERNÁNDEZ

En el marco del edificio histórico de la Universidad de Oviedo tuvo lugar uno de los conciertos que, encuadrado dentro de la actividad “Tiempos nuevos” (tiempos salvajes), con un público acomodado al son del marcial protocolo anticoronavirus. Arrancaron la velada los locales Acid Mess, que basaron la primera parte de su intervención en su zeppeliano ‘II’, trabajo con excelentes sonidos psicodélicos sacados de lo mejor de los ‘70 y que tan buen resultado les dio en el arranque de su carrera. De él desplegarían “Atomic Garden” y “Freedom Woman” para rematar con la celebrada “Madre Muerte”. De repente dieron un giro inesperado que a más de uno pilló con el paso cambiado. Se sacaron de la manga una nueva paleta de sonidos con la que experimentar: folk, ritmos latinos, garaje, punk…

Era momento de presentar su nuevo redondo ‘Sangre De Otros Mundos’, del que extraerían la nueva versión de su “Hechicera” y, en primicia, “Futuro Sin Color” y “Fuego Al Templo”. Cuarenta minutos bien aprovechados, para mostrar su pasado y su halagüeño futuro.

Después de quince minutos de “descanso” y con la recomendación de no levantarse de la silla, era el turno de los madrileños Toundra.

El setlist escogido para la ocasión reflejó la esencia de la banda: una 80 | metal hammer

exquisita panoplia de lo mejor de sus publicaciones de la última década, desde ‘II’, ‘III’, ‘IV’ hasta, cómo no, ‘Vortex’. Precisamente con uno de sus temas más destacados de su último álbum, la musculosa “Cobra”, iniciaría el show. Más adelante sonó “Tuareg” y tras ella llegarían los sonidos más crudos y furiosos con cortes como “Bizancio” o “Kitsune”. Toundra tiene una manera peculiar de contar sus historias a través de las guitarras imaginativas de Maca y Esteban y una base rítmica sin igual maquinada por Alberto y Álex. Sin prisa pero sin pausa, esas historias explotan y sumergen a la audiencia en un torrente de sensaciones que solo los grandes grupos consiguen hacer sentir. “Cielo Negro” y “Magreb” son claros ejemplos de ello. Con un lacónico “nos vamos yendo”, encararon el tramo final con “Mojave”, una canción diferente con partes muy épicas, para cerrar con “Cruce Oeste”. Apenas treinta segundos de aplausos y comenzó el desalojo, de uno en uno, de atrás hacia adelante, por otra puerta diferente…

Todo tan controlado, tan ordenado, tan marcial, tan frío…El formato resultó tan encorsetado que aniquiló cualquier resquicio de emoción y adulteró el resultado esperado y para dejar un agridulce sabor a los asistentes. Quizá es así como sabe la “nueva normalidad”.

DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA FINCA EL PORTÓN (ALHAURíN DE LA TORRE) TEXTO: satur romero FOTO: guillermo L. Los sevillanos Derby Motoreta’s Burrito Kachimba formaban parte de un ciclo de conciertos veraniegos que se podría calificar como raros y extraños, sin embargo esta es la cruda realidad en unos tiempos inciertos. Una vez implantadas ciertas normativas sanitarias para prevenir los contagios del coronavirus, el público que mantenía la distancia social mascarilla en rostro esperaba con ansias una velada de música en directo. Al ritmo de “The New Gizz” salieron a escena con la misma fuerza de siempre en un anfiteatro rodeado de una vegetación de película. No tardaron en poner

al público a sus pies con las canciones que forman su único y homónimo trabajo -además de algunas sorpresas-. Dandy Piranha al micro dominó en todo momento al respetable y sus movimientos eléctricos, apasionados e inesperados aparecían de forma natural durante las interpretaciones de “Samrkand” o “Aliento De Dragón” y en las versiones de Camarón de la Isla “Viejo Mundo” y “Nana Del Caballo Grande”. Nunca han sonado tan eclécticas las coplas del cantaor gaditano.

En el repertorio de una banda compacta en directo que no teme a las improvisaciones ni a la lucha de solos de guitarras se incluyó prácticamente todo el material que ha publicado hasta la fecha (incluido “Alas del

Mar”, grabada junto a Kiko Veneno, y su nuevo single “El Valle” a modo de adelanto de su segundo trabajo, que se estima a comienzos del próximo año).“El Salto Del Gitano” cerró una actuación mágica y cargada de emociones que consiguió que la audiencia se olvidara de unos duros meses en el que se ha echado de menos mirar de tú a tú al arte y la cultura.

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba continúa gestionando con humildad un éxito más que justo. Con cada show dejan la sensación de que lo mejor está por llegar, no sin antes dejarse la piel sobre el escenario con una técnica e imaginería compositiva a la altura de unos pocos elegidos. Cuando se levanta ciertos recelos entre los de tu misma estirpe, es que las cosas marchan bien.

CONCIERTOS metal hammer | 81

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