Grandes mestres da arte

Organizador Ian Chilves

Grandes Mestres da Arte

Design Melissa Mazzoni

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1650-1850 3

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Organizador Ian Chilves

Grandes Mestres da Arte 1650 - 1850

SĂŁo Paulo 2016

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Grandes Mestres da Arte

Design Melissa Mazzoni

Consultor-chefe

Ficha Técnica

Ian Chilves Escritor e editor, autor de The Oxford Dictionary of Art, The Baroque and Neoclassical Age. A Dictionary of Twentieth-Century Art e The Artists Revealed: Artists and Their Self-Portraits.

Um livro de Dorling Kindersley www.dk.com Título original: Art: The Definitive Visual Guide (1700-1800) Copyright © 2009 Dorling Kindersley Limited Copyright © 2012 Publifolha - Divisão de Publicações da Empresa

Arte americana Dra. Julia Rosenbaum Professora de história da arte no Bard College, em Annandale-on-Hudson, Nova York. Entre suas publicações inclui-se Visions of Belonging: New England Art and the Making of American Identity

Folha da Manhã S.A. Todos os direitos reservados. Nenhuma parte desta obra pode ser reproduzida, arquivada ou transmitida de nenhuma forma ou por nenhum meio sem a permissão expressa e por escrito da Empresa Folha da Manhã S.A., por sua divisão de publicações Publifolha.

Proibida a comercialização fora do território brasileiro.

Colaboradores Peter Sharrock, Jude Welton, Iain Zaczek

COORDENAÇÃO DO PROJETO: Publifolha Editora-assistente: Camila Prado Coordenadora de produção gráfica: Mariana Metidieri

Museus e galerias mencionados de forma sucinta nos dados sobre as obras:

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PRODUÇÃO EDITORIAL: Estúdio Sabiá Edição: Fernando Nuno e Maria da Anunciação Rodrigues Tradução: Eliana Rocha e Carlos Eduardo Silveira Matos Revisão: Paola Morsello, Hebe Lucas e Ceci Meira Editoração eletrônica: Estúdio Carla Castilho e MOS editorial EDIÇÃO ORIGINAL: Dorling Kindersley Editoras de arte: Vivienne Brar e Mandy Earey Designers: Clare Joyce, Simon Murrell Produção: Sarah Hewitt Apoio técnico de criação: Adam Brackenbury Pesquisa iconográfica: Jenny Faithfull, Sarah Smithies Gerentes editoriais de arte: Lee Griffiths, Louise Dick Diretor de arte: Philip Ormerod Editora sênior: Janet Mohun Editores: Anna Fischel, Michael Fullalove, Neil Lockley, Ed Wilson Editora-assistende: Megan Jones Produção editorial: Phil Sergeant, Jonathan Ward Gerentes editorias: Stephanie Farrow, Julie Oughton Publisher: Jonathan Metcalf Cobalt Id Editores de arte: Annika Skoog, Lloyd Tilbury, Paul Reid Editores: Kati Dye, Susan Malyan, Marek Walisiewicz Bridgeman Art Library Imagens: Dave Nicol, Julian Page, Esmond Bridgeman Gerentes de conta: Didier Lenart, Liz Caron Gerente de projetos: Jenny Page Coordenadores de projeto: Katrien Demoor, Tamzin Phoenix, Joanne Hardy Créditos da capa - capa: Três beldades da atualidade (detalhe), c. 1793, Kitigawa Utamaro / Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts, EUA / Willian S. and John T. Spaulding Collection / The Bridgeman Art Library; lombada : Mrs. James Warren (detalhe), c. 1763, John Singleton Copley / Museum od Fine Arts, Boston, Massachusetts, EUA / Bequest of Winslow Warren / The Bridgeman Art Library; contracapa: O balanço, 1767, Jean- Honoré Fragonard / © Wallece Collection, London, RU / The Bridgeman Art Library Dados internacionais de Catalogação na Publicação (CIP) (Câmara Brasileira do Livro, SP, Brasil) -------------------------------------------------------------------------------------Arte : artistas, obras, detalhes, temas : 1650-1850 / [Dorling Kindersley] - São Paulo : Publifolha, 2012 Título original: Art : the definitive visual guide Vários tradutores.

ISBN 978-85-7914-394-6 1. Arte - Apreciação critica 2. Arte - História I. Dorling Kindersley.

12-09245 COD-709 -------------------------------------------------------------------------------------Índice para catalogo sistemático: 1. Arte: História 709 Este livro segue as regras do Acordo Ortográfico Da Língua Portuguesa (1990), em vigor desde 1º de janeiro de 2009.

Impresso na South China, China.

PUBLIFOLHA(logo) Divisão de Publicações do Grupo Folha Al. Barão de Limeira, 401, 6º andar CEP 01202-900, São Paulo, SP Tel.: (¬11) 3224-2186/2187/2197 www.publifolha.com.br Nas legendas, a primeira medida apresentada corresponde à altura da obra, a segunda à largura e a terceira à profundidade.

Os volumes que constituem a obra Arte: artistas, obras, detalhes, temas se baseiam numa edição de volume único, publicada por esta editora. A coleção em dozes tomos contém enriquecimentos e acréscimos de textos e de imagens.

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Louvre = Musée du Louvre (Museu do Louvre, Paris, França) Prado = Museo Nacional del Padro (Museu Nacional do Prado, Madri, Espanha) Uffizi = Galleria degli Uffizi (Galeria das Artes e Ofícios, Florença, Itália) MoMA = The Museum od Modern Art (Museu de Arte Moderna, Nova York , EUA) Abreviaturas c. = cerca de n. = nascimento m. = morte r. = período de reinado de um monarca

Introdução

DO ROCOCÓ AO NEOCLASSICISMO

Do Rococó ao Neoclassicismo conheça os grandes mestres da pintura e escultura do século XII ao XIX. Imagens que trazem do Rococó a arte sem influência de temas religiosos e busca refletir o que é refinado, agradável, sensual e exótico. Com o uso de cores luminosas e suaves, estilo artístico marcado pelo uso de linhas leves, sutis e delicadas.

Passando pelo Neoclassicismo que contempla a valorização da simplicidade e pureza estética, com o uso de cores frias e a valorização da perspectiva.

As cores são importantíssimas nas artes e no design gráfico, tem a capacidade de despertar emoções profundas. A História do Design trás uma compreensão aos principais estilos e movimentos da história do design e da arte capaz de estabelecer relações entre os principais acontecimentos sócio-políticos e o design. Apesar da disciplina estar no século XX, há uma análise aos períodos que antecedem esta data como revisão para entendimento que o futuro tem base nos acontecimentos passados.

As exposição universal de 1851, mostra o começo desta nova revolução. O século XIX foi um período intenso na história mundial, tanto no ocidente quanto no oriente na verdade, marca justamente a consolidação do processo de globalização que viria a se tornar a dinâmica natural da sociedade até os dias de hoje.

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1650 - 1850

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Os tipos constituem a principal ferramenta de comunicação. As faces alternativas de tipos permitiram dar expressão ao texto, para transmitir instantaneamente, e não-verbalmente, atmosfera e imagem. No uso da tipografia o interesse visual foi realizado através da escolha adequada de fontes tipográficas, composição de texto, a sensibilidade para o tom do texto e a relação entre texto e os elementos gráficos na página. “Temos a tendência de pensar sobre design gráfico em termos de bens finalizados: um cartaz, logotipo, layout ou site executados com minúcia e destreza. No entanto, o design gráfico é também um processo. O design de um artefato surge de um conjunto de perguntas cujas respostas muitas vezes ficam perdidas na obscuridade até que uma solução venha à tona.”

Ellen Lupton E todo este processo de criação e produção, foi orientado nas disciplinas que regem o 6 semestre de Desenho Industrial. Através do desenvolvimento de especificações técnicas de materiais e sistemas de reprodução gráfica, além da utilização dos materias convenientes a produção, sem causar desperdícios e danos ao meio ambiente. Como por exemplo, a escolha de papel, tipos de impressão, legislação e embalagem. Toda a orientação também foi dividida em partes, desde a criação do manual até a diagramação do livro, através da leitura de textos e livros, e orientação em sala de aula. Capacitando o entendimento do universo editorial para o trabalho em equipe em empreendimentos editoriais periódicos, em livros impressos. A produção e venda de um livro começa pelo processo criativo e seu lugar ao sol depende da demanda de mercado e como se posicionar diante dele. Como o processo criativo de um designer pode inspirar um empreendedor e quão empreendedor precisa ser um designer ? Não basta ser designer. Tem que ser vendedor, tem que entender psicologia, economia , direito, engenharia e saber para que lado o mercado está indo. A disciplina de empreendedorismo nos faz pensar, buscar soluções, refletir sobre o futuro profissional, entender a importância da criatividade e da inovação como modelo de gestão do conhecimento e do relacionamento pessoal , conhecendo o processo necessário a concepção de uma visão empreendedora.

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Sumário Rococó 1 Rococó Frances 18

Escultores 40 Rococó Alemão e Europa Central

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Artistas Venezianos

66

Rococó Britânico

76

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Rococó Italiano 60

Neoclassicismo 98 Neoclassicismo Frances

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Escultura 118 Neoclassicismo Britânico

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Aquarelistas Ingleses 141 América Colonial

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Anexos

Texto Produção Gráfica 162

Texto de Tipografia 165

Texto de Empreendedorismo 169

Representação Gráfica Digital VII 172

História do Design III 175

Projeto Gráfico II 179

Laboratório de Linguagem Gráfica II Bibliografia

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Índice 186

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ROCOCÓ

A palavra rococó tem origem no termo francês “rocaille” que é um tipo de decoração de jardim em formato de conchas.

Origens e Influências

Consta que a palavra “rococó”foi cunhada por um aluno de David logo depois da Revolução Francesa. Sua intenção era zombar da sua suposta trivialidade do ornamento estilo da aristocracia. O termo conservou esse sentido pejorativo até a primeira metade so século XIX, mas hoje está livre de qualquer conotação negativa. O estilo Rocoó exerceu enorme influência sobre a arquitetura, a decoração de interiores e a pintura. Desenvolveu-se na França, mas se espalhou por quase toda a Europa por meio de gravuras e de artistas franceses expatriados.

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Rococó é um estilo artístico que se desenvolveu na Europa no século XVIII. Surgiu em 1700, na cidade de Paris, buscando a sutileza em contraposição aos excessos e suntuosidades do Barroco. Espalhou-se pela Europa no século XVIII e chegou à América em meados deste século. Esteve presente na pintura, arquitetura, música e escultura.

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Temas

Estilos e técnicas

O estilo Rococó foi marcado pelo tratamento despreocupado e decorativo. Nos temas narrativos, a história era reforçada pela presença de putti (querubins) ou estátuas que pareciam ganhar vida, ansiosas por participar da cena. Mesmo em temas mais sombrios, os pintores se entregavam a floreados ornamentais ou efeitos de virtuosismo. Nas artes aplicadas, a ênfase na decoração foi ainda maior.

Arabescos, motivos de conchas, linhas curvas e desenhos assimétricos estavam por toda parte.

Jean-Antoine Watteau La Gamme d’Amour, c. 1710-1720, Londres.

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Os pintores do Rococó trataram muitos temas que estiveram na moda durante a era barroca, mas de forma mais leve e divertida. Temas simbólicos e mitológicos ainda eram muito presentes, mas perderam muito de seu conteúdo sério. Em muitos casos, serviam de pretexto para representações eróticas do nu feminino.

O tema do amor era muito popular.

Watteau foi pioneiro da fête galante, tema em que jovens casais elegantes e ricamente vestidos passeavam felizes por parques de sonho. As cenas pastorais ofereciam uma forma semelhante de escapismo. As figuras aristocráticas foram substituídas por pastores e pastoras em jogos de sedução.

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Madame de Pompadour François Boucher, 1759, óleo sobre tela, 91 x 68 cm, Wallace Collection, Londres, Reino Unido.

Linha do Tempo Fatos da época 1702-1713 A guerra de Sucessão Espanhola Dividiu a Europa por mais de uma década, mas também popularizou as pinturas militares. Watteau enveredeou por esse temaem 1709, quando vivia em Valenciennes.

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WATTEAU foi o pioneiro do estilo Rococó, tendo terminado sua obra-prima, Viagem a Citera, em 1717. Uma década depois, pintando cenas de Veneza, Canaleto começou a prosperar. Na Inglaterra, Hogarth produziu sátiras sociais como a série Marriage à la Mode e Gainsborough pintou elegantes retratos. O pintor austríaco Maulbertsch completou sua Apoteose três anos antes de o francês Fragonard produzir O balanço.

Galeria em ruínas na Villa Adriana Giovanni Battista Piranesi 1756, gravura, Bliliothèque Nationale, Paris , França.

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Escolas

O movimento Rococó foi criado na França onde esteve intimamente ligado ao reinado de Luís XV(1715-74).

Mais tarde, alcançou popularidade em outros países, mas quase sempre sob formas muito diferentes.

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Escola francesa

A pintura Rococó Francesa foi dominada por Jean-Antoine Watteau, François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.

Watteau desenvolveu o estilo, mas seus sucessores realizaram obras mais típicas. Em suas mãos, o Rococó se torou arte de bodoir - uma mistura de elegância, vivacidade e erotismo.

A leveza dos temas é evidente na facilidade com que eles passavam de uma técnica a outra. Boucher, por exemplo, usou as mesmas crianças e ninfas em pinturas, estatuetas de porcelana e tapeçarias.

A clareza e a informalidade também eram a tônica da escultura Rococó, exemplificada no trabalho de Jean-Antoine Houdon, seu principal nome. O estilo também causou impacto significativo na florescente indústria da porcelana.

Escola alemã e da Europa central

No ínicio do século XVIII, quando a Alemanhã começou a se recuperarda guerra dos Trina Anos (1616-48), houve um grande formento da construção. Os príncipes erigiram novos palácios, enquanto no sul católico surgia uma série de igrejas, em que a decoração Rococó alcançou pelo florescimento. Os interiores eram adornados com afrescos, e foram criados alguns dos mais elaborados trabalhos de estuque (decoração arquitetônica).

Alguns artistas, como Johann Zimmerman, trabalharam nesses dois campos.

Na mesma época, Franz Maulbertsch pintou retábulos e afrescos exuberantes em sua Áustria natal, assim como na República Tcheca, na Hungria e na Eslováquia. Ele foi um artista rococó até o fim, ignorando o surgimento da austeridade neoclássica.

Escola italiana e veneziana

Na Itália, a emergência do estilo Rococó coincidiu com o apogeu do Grand tour, e muitos de seus expoentes adequaram seu trabalho a esse mercado.

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Escola Inglesa

O Rococó teve maior impacto na Inglaterra, mas ainda assim afetou os mais importantes artistas da época.

A maior influência veio de Hubert Gravelot, pintor e gravador francês, que se estabeleceu em Londres, onde transmitiu as ideias do Rococó a seus amigos Francis Hayman e William Hogarth. Também lecionou na St. Martin’s Lane Academy, da qual Thomas Gainsborough era aluno.

Os efeitos do novo estilo foram mais evidentes na pintura de retratos de grupo-os conversation pieces, uma elegante e informal variação do tema - que ganharam grande popularidade.

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Em Roma, Giovanni Paolo Panini, Giovanni Battista Piranesi e o francês Hubert Robert encontraram maneiras próprias de retratar a grandiosidade das velhas ruínas, enquanto os graciosos retratos que Pompeo Batoni fazia dos nobres que chegavam à itália no Grand Tour eram muito procurados. Em Veneza, Canaletto alcançou sucesso semelhante com suas imagens das paisagense espetáculos da cidade. Os turistas, porém, não eram os únicos compradores. Seus afrescos e telas eram procurados para decorar algumas das mais belas villas e igrejas da região. A fama de Tiepolo se espalhou para muito além da Itália. Sua obra prima foi provavelmente produzida em Wurzburg, na Alemanha, para a Residenz, o palácio do príncipe-bispo local. A tarefa de Tiepolo era pintar afrescos que mostrassem os quatro continentes conhecidos - Ásia, África, Ámerica e Europa - e prestar homenagem a seu patrono.

A obra poderia facilmente ter resultado numa alegoria estéril de figuras simbólicas, mas Tiepolo transformou o ambiente em uma virtuosa demonstração de ilusionismo, com deuses da Antiguidade em um céu imaginário e figuras humanas nas cornijas, observando do alto os convidados do bispo.

ROCOCÓ FRANCÊS

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Jean-Antoine Watteau

Retrato por Rosalba Giovanna Carriera

Jean-Antoine Watteau, ou simplesmente Watteau nasceu em 10 de outubro de 1684, Valenciennes, França e faleceu em 18 de julh o de 17 21, Nogent-sur-Marne, França, aos 36 anos. Maior pintor francês de seu tempo, teve um papel central no desenvolvimento do estilo Rococó. Destacou-se pelas suas pinturas de temas galantes e pastorais inspirados na commedia dell’arte. Talento Watteau revelou já pequeno. Antes dos dez anos, ele rabiscava a lápis ou a carvão, fazendo esboços das coloridas cenas de sua cidade natal. Brueghel, Bosch e Rubens foram suas principais inspirações, artistas que reconhecidamente se utilizavam da luz, sombra e de cores fortes em suas obras. Considerado um homem de gênio difícil, irritável, introspectivo e inquieto. Como não se interessava por dinheiro, é provável que não desse o devido valor a seus quadros. Conta-se que certa vez trocou dois quadros por uma peruca, e ainda ficou apreensivo, acreditando que o negociante pudesse vir a sentir-se lesado. Além disso, Watteau tinha tuberculose, o que o debilitou até o matar e que cuja angústia pode ser vista em seus quadros. Watteau conseguiu ser o jovem aprendiz do pintor Jacques-Albert Gérin, que fazia o jovem copiar frisos gregos e romanos, sem dar-lhe instrução.

L’ enseigne de Gersaint Sua Obra prima final mostrava um grande interesse pelo naturalismo. 1721, óleo sobre tela, 163 x 306 cm. Castelo Charlottenburg, Berlim, Alemanha

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Grandes Mestres da Arte Gilles, 1721, OlĂŠo sobre tela, 163 x 306 cm, Castelo Charlottenburg, Berlim, Alemanha

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Viagem a Citera - Oléo sobre tela, 129 x 194 cm, Louvre, Paris, França

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Mal preparado financeiramente, com pouca bagagem em pleno inverno de 1702, Watteau chegou à Paris aos dezoito anos. Instalou em uma estalagem bastante simples próximo à ponte de Saint-Denis, onde rapidamente encontrou trabalho, que era copiar estampas e pinturas célebres para comerciantes de quadros e gravuras. Foi por meio destas cópias, mesmo não sendo das melhores e mais fiéis, ele atraiu a atenção e a amizade do pintor Claude Gillot, que exerceu grande influência em sua carreira. Watteau aceitou sua proposta de emprego e largou definitivamente as cópias dos comerciantes.

Foi através de Gillot que Watteau deslanchou entre os nobres, onde ele se apaixonou pelo teatro, que seria um dos principais temas de suas obras. Claude Audran, decorador do Palácio de Luxemburgo, também lhe ofereceu ideias frescas para novas obras, como os simétricos jardins franceses, o que serviu de plano de fundo para suas cenas do campo.

Foi através de Audran que Watteau teve contato com Peter Paul Rubens, o que o fez absorver seus toques e estilo, adaptando ao seu próprio gosto.

Foi com Rubens que Watteau teve suas lições finais, talvez até por afinidade, já que ambos eram de origem flamenga. Audran também o incluiu, entre 1707 e 1708, no seleto grupo de artistas que, sob sua orientação, decoravam com arabescos e desenhos as residências dos nobres e da aristocracia.

Sua criatividade neste tipo de arte fizeram dele um sucesso, mesclava arabescos fantasiosos com temas mitológicos ou galantarias de pastores a camponesas, introduzindo também minúsculos motivos chineses ou simiescos que seriam sucesso em toda a Europa. Sua morte prematura também foi pobre. Sem pertences e irrequieto, Watteau morreu nos braços de um amigo. As suas paisagens campestres bucólicas são palco de festas, encontros e representações teatrais onde suas pinceladas libertas representam os prazeres quotidianos da sociedade burguesa associados a uma grande variedade de trajes que fizeram moda. Seus quadros são um retrato vivo e em movimento de uma época considerada decadente mas extremamente elegante e requintada.

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Jean-Siméon Chardin

Autoretrato

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (Paris, 1699 - Paris, 1779) foi um dos mais célebres pintores do barroco francês. Foi assistente e pupilo de Noël-Nicolas Coypel e, prontamente, de Jean-Baptiste van Loo. Em 1724 tornou-se membro da Academia de São Lucas e, quatro anos mais tarde, foi aceite na Academia de Paris. Tornou-se então célebre pelas suas naturezas-mortas, representações de frutos e animais. Embora não fosse um pintor de cenas históricas, anos mais tarde, formou parte do Conselho e, em 1755, tornou-se tesoureiro da Academia. Com as «cenas de cozinha» ou «cenas domésticas», Chardin deu continuidade à tradição provinda da pintura holandesa do século XVII. Porém, representou-as sem grande excelência.

Preferia as «cenas burguesas»; gostava de representar cenas da vida da burguesia francesa, que se tornava cada vez mais influente.

Nestas pinturas a tranquilidade e a concentração de tons mais vivos foram combinados com uma muito refinada técnica de concepção.

Foi memorável a sua exibição, de 1761, de pinturas seleccionadas, concebidas pelos membros da Academia. Muitas delas foram trasladadas postumamente para as galerias do Louvre.Faleceu, quase cego, em 1779, na cidade de Paris.

Essa é a tela que fez a fama do artista. Chardin a apresentou à Académie Royale como obra de admissão.

A Arraia 1725, óleo sobre tela, 114 x 146 cm, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte La Bénédicte 1740, óleo sobre tela, 50 x 39 cm, Louvre, Paris, França . Chardin apresentou essa pintura ao rei Luís XV depois de se encontrarem, em 1740.

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François Boucher

Um dos maiores nomes do estilo Rococó foi François Boucher.

Suas pinturas transmitiam uma evidente sensualidade, com um talento e uma leveza que foram muito admirados nos círculos da corte. Ele também foi extremamente versátil, criando desenhos que se adaptavam bem à pintura, à tapeçaria e à porcelana. As duas principais figuras de sua Pastoral de Outono, por exemplo, foram aproveitadas como um bibelô de biscuit da fábrica de porcelana de Vincennes, enquanto a cena toda foi reproduzida em um vaso Sèvres.

Boucher tinha talentto inigualável para imitar os tons da pele humana. Isso pode ser observado nos nus femininos, disfarçados em ninfas ou deusas, e nos rechonchudos querubins que as acompanham.

LENÇOIS AMARROTADOS Os artistas do Rococó adoravam criar uma desordem decorativa em suas cenas de boudoir. Os tecidos luxuosos e a cama desfeita têm conotações eróticas.

Retrato por Gustav Lundberg

Mademoiselle O’Murphy Louise era amante de Luís XV e consta nas memórias de Casanova. 1751, óleo sobre tela, 60 x 74 cm, Wallraf-Richartz-Museum, Colônia,Alemanha

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MADAME DE POMPADOUR

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Foi a principal amante de Luís XV. Bela, inteligente e encantadora, continuou sendo maîtresse en titre (amante oficial) muito depois que os dois deixaram de ser amantes.

No fim da década de 1740 ela conheceu François Boucher, que logo se tornou seu artista preferido. Boucher pintou vários retratos de Madame de Pompadour, e ela o envolveu em muitos outros projetos, inclusive a decoração das residências reais, a produção dos desenhos da porcelana de Sèvres e a criação de figurinos e cenários para seus espetáculos teatrais privados.

Madame De Pompadour 756, óleo sobre tela, 164 x 212 cm The Wallace Collection, London

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O Triunfo de Vênus Uma das obras mais arrebatadoras de Boucher, esta pintura foi comprada por seu amigo, o conde Carl Gustav Tessin, embaixador sueco em Paris. A deusa do amor, que nasceu do mar, surge num trono em forma de concha, junto as ninfas, tritões e pombas. Conta-se que a mulher de Boucher serviu de modelo para Vênus, 1740, óleo sobre tela, 130 x 162 cm, Nationalmuseum, Estocolmo, Suécia.

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Jean-Honoré Fragonard

"A Inspiração" (1769), auto-retrato

A arte de Fragonard representa o último e magnífico florescimento do Rococó na França. Depois de um breve aprendizado com Chardin, estudou com Boucher, de quem herdou a leveza do toque e a sensibilidade da cor. Em 1752, ele recebeu o prestigioso Prix de Rome, que lhe permitiu estudar na Itália, onde fez amizade com Hubert Robert. Depois que voltou à França, Fragonard deixou sua marca no Salon com uma dramática pintura mitológica, Coresso se sacrifica para salvar Calírroe. Abriu-se a possibilidade de uma carreira de sucesso, mas ele só expôs uma vez mais no Salon, preferindo os temas decorativos e sensuais, mais adequados à alcova do que à exibição pública. Esses quadros se revelaram enormemente populares, valendo a Fragonard encomendas da amante do rei. Nos anos 1770, porém, o gosto começou a mudar, e o estilo neoclássico se firmou.

A Flecha Surpreendentemente, essa pintura audaciosa foi encomendada para ser exibida ao lado de uma cena religiosa.

A ideia era enfatizar o contraste entre o amor sagrado e o amor profano. C. 1778, óleo sobre tela, 73 x 93 cm, Louvre, Paris, França

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O balanço Essa obra de fantasia foi encomendada por um cortesão (canto inferior esquerdo) que queria uma pintura de sua jovem amante com um bispo. Fragonard substituiu o bispo por um marido traído e transformou a pintura numa cena sutil de flerte. 1767, óleo sobre tela, 81 x 64 cm, Wallace Colletion, Londres, Reino Unido

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Jean-Baptiste Greuze

Formado em Lyon e Paris, Greuze chegou cedo ao sucesso com cenas moralizantes da vida doméstica, que captam o clima da época. O influente crítico Denis Diderot (1713-1784) as descreveu como “moralidade em forma de pintura”. Greuze esperava que elas lhe dessem condição de pintor histórico - o maior elogio para um artista - , mas a Académie Royale não lhe concedeu essa honra. Decepcionado, Greuse parou de expo no Salon e voltou-se cada vez mais para o mercado com pinturas sentimentais de mulheres jovens. Na época da Revolução Francesa, o gosto do público havia mudado, e sua obra foi considerada sentimental e melodramática. Apesar da encomenda de um retrato de Napoleão, seus últimos anos foram marcados pela nobreza e pelo desprezo.

Auto-Retrato, 1803 Óleo sobre tela, 52,50 x 45,50 cm Musée des Beaux-Arts, Marseilles, France

O filho punido Numa das duas pinturas sob o título A maldição paterna, um filho desobediente, volta a casa em busca de perdão, mas descobre que o pai havia morrido. 1778, óleo sobre tela, 130 x 163 cm, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte Prece Matinal Greuze criou uma mistura inquietante de inocência, devoção e um velado erotismo em suas pinturas de mulheres jovens, que se tornaram muito populares. Óleo sobre tela, Musée Cognacq-Jay, Paris, França

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Joseph Vernet

Vernet formou seu estilo durante uma longa temporada na Itália (1734-1753), onde ficou famoso como pintor de marinas.

Produziu dois tipos muito diferentes de paisagens marítimas: cenas de portos movimentados, banhados em luz suave, e imagens de tempestades e naufrágios. Ambos forma populares, valendo-lhe algumas encomendas reais. Vernet tornou-se o primeiro de uma dinastia artística. Seu filho (Carle, 1758-1836) e seu neto (Horace, 1789-1863) tornaram-se destacados pintores.

Portrait de Joseph Vernet par Élisabeth Vigée Le Brun, 1778, musée du Louvre, Paris

Porto de Marselha Essa tela faz parte de uma série de quinze vistas de portos franceses encomendadas por Luís XV. 1754, óleo sobre tela, 165 x 263 cm, Musée de la Marine, Paris, França

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Robert aprendeu seu ofício na Itália, onde desenvolveu o gosto pela pintura de jardins luxuriantes, paisagens e vistas de cidades.

Sua obra característica foi a “ruína antecipada”- a imagem de um moderno edifício num estado futuro de decadência. No fim da vida, revelou-se um hábil administrador, tornando-se guardião da pinacoteca real. Robert teve uma longa carreira de sucesso, embora tenha sido preso durante a Revolução Francesa (contase que ele escapou da guilhotina porque um homem de mesmo nome foi executado em seu lugar).

Grandes Mestres da Arte

Hubert Robert

Portrait d'Hubert Robert, par Élisabeth Vigée Le Brun, 1778, musée du Louvre, Paris

Ruin Capriccio Robert gostava tanto deste tipo de tema que recebeu o apelido de “Robert des Ruines”. 1768, óleo sobre tela, 106 x 139 cm, Bowes Museum, Barnard Castle, County Durham, Reino Unido

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Jean-Baptiste Perronneau

Perroneau foi um dos principais retratistas de seu tempo, um pintor que se sentia à vontade com a tinta a óleo e com o pastel.

Seu tratamento era menos vivaz que o de seu rival - MauriceQuentin de La tour-, mas seu estilo sóbrio e reflexivo e sua atenção ao detalhe lhe valeram muitos admiradores. Visitou a Inglaterra, a Itália, a Holanda, a Polônia e a Rússia. Foi um artista prolífico, e sua obra está bem representada em muitos museus.

Autoportrait vers 1745, Musée des Beaux-Arts de Tours.

Retrato de Jean-Baptiste Oudry Perronneau mostra Oudry - pintor especializado em naturezas mortas e cenas de caçadas - ricamente vestido e segurando os instrumentos de seus ofícios. C. 1753, óleo sobre tela, 131 x 105 cm, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte Madame de Sorquainville, 1749

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Sétimo Severo Censura Caracala No ínicio da carreira, Greuze alcançou grande sucesso com cenas sentimentais da vida cotidiana. Ele também queria ser levado a sério como pintor histórico, mas sua vaidade lhe valeu muitos inimigos: esta pintura, com a qual tinha esperança de consolidar sua reputação, foi recebida com critícas desdenhosas. 1769, óleo sobre tela, 124 x 160 cm, Louvre, Paris, França.

ROCOCÓ FRANCÊS - ESCULTORES

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Jean-Antoine Houdon

Mais lembrado por seus vívidos retratos, Houdon foi também um versátil escultor. Estudou com Michel-Ange Slodtz e Jean-Baptiste Pigalle antes de completar seus estudos em Roma. No inicio, fez nome com uma série de sensuais figuras mitológicas no estilo rococó, mas foi cada vez mais requisitado como retratista. Nesse campo, o estilo de Houdon era direto e sem adornos, ignorando a tendência a representar estadistas em vestimentas clássicas. Houdon retratou alguns dos personagens mais importantes de seu tempo, americanos e franceses, mas caiu em desgraça durante a Revolução Francesa. Apesar de ter recebido uma encomenda de Napoleão, produziu pouca coisa digna de nota depois de 1800.

1808, portrait por Rembrandt Peale

JOVEM TREMENDO Tradicionalmente, o inverno era representado por um velho ou uma velha aquecendo-se ao pé do fogo. A opção de Houdon por uma figura mais erótica estava em sintonia com o gosto da época.

Inverno Essa estátua pertence a um par que representa o inverno e o verão. No verdadeiro estilo Rococó, Houdon decidiu esculpir as estações como jovens ninfas. 1783, mármore, 145 cm de altura, Musée Fabre, Montpellier, França

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FÁBRICAS DE PORCELANA A fábrica de porcelana de Sèvres foi fundada em 1738 como uma reação francesa ao domínio de Meissen, na Alemanaha. Foi promovida pela amante de Luís XV, Madame de Pompadour, que pediu a ajuda de seus artistas favoritos: Falconet, que se tornou diretor de escultura, e Boucher, que fez muitos dos desenhos.

Grandes Mestres da Arte George Washington - Houdon foi aos EUA para estudar Washington pessoalmente. 1785–1792 ,Carrara marble, Virginia State Capitol, Richmond, Virginia

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Grandes Mestres da Arte

Étienne-Maurice Falconet

Falconet era de origem humilde e foi aprendiz de carpinteiro antes de Lemoyne aceitá-lo como aluno. Deixou sua marca na década de 1750 quando suas encantadoras figuras de ninfas e cupidos foram um sucesso no Salon e impressionaram duas amantes do rei, Madame du Barry e Madame de Pompadour , que usou sua influência para torná-lo diretor da fábrica de porcelana de Sèvres.

Ele alcançou sucesso ainda maior na Rússia, com sua ousada estátua equestre de Pedro, o Grande. Ainda hoje, muitos recém-casados ainda a visitam para serem "abençoados" pelo braço estendido do cavaleiro. O temperamento briguento de Falconet lhe rendeu poucos amigos, mas seus textos sobre arte eram admirados, e ele estava à frente de seu tempo ao condenar " a adulação cega a tudo que é antigo".

Estátua por Marie-Anne Collot

" Adoro ideias simples, que quase sempre dizem mais do que as complicadas ou fantásticas." ÉTIENNE-MAURICE FALCONET

Pedro, o Grande Essa magnífica estátua equestre foi a encomenda mais importante que Falconet recebeu nos doze anos que passou na Rússia, embora ela só tenha sido inaugurada depois que ele voltou à França. 1782, bronze, triplo do tamanho natural , São Petersburgo, Rússia

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Grandes Mestres da Arte A banhista Quando dá um passo à frente para experimentar a água, a banhista assume uma pose modesta tipicamente Rococó. Sua figura é graciosa e erótica, mas sem sinal de vulgaridade - uma combinação que se revelou popular junto aos mecenas aristocráticos do período. Exibida sob aclamação no Salon de 1757, essa é a obra mais famosa de Falconet, reproduzida em diversos tamanhos e materiais.

1757, mármore, 81 x 26 cm, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte

Jean-Baptiste Pigalle

Pigalle foi o escultor mais versátil de seu tempo, igualmente capaz de produzir autênticas obras rococó e grandiosas esculturas tumulares. Ainda assim, seu início de carreira foi difícil. Depois de estudar com Jean-Baptiste Lemoyne, Pigalle não ganhou o Prix de Rome e passou por dificuldades para financiar seus estudos na Itália.

Mas todos esse esforço valeu a pena quando sua escultura de Mercúrio lhe trouxe o sucesso.

A estátua do jovem deus - sentado numa nuvem e com o tronco torcido para amarrar sua sandálias aladas - foi um sucesso. As primeiras versões em gesso e terracota valeram a Pigalle o ingresso na Académie Royale, e Luís XV ficou tão impressionado que lhe encomendou uma versão em mármore, com a qual presenteou Frederico II da Prússia. Já famoso, Pigalle recebeu uma série de encomendas importantes, que vão do imponente túmulo de Maurício as Sâxonia, com suas majestosas figuras alegóricas, a seu deslumbrante retrato do filósofo e dramaturgo Voltaire.

Portrait pour Marie-Suzanne Roslin, Saint Michel (1770), Paris, musée du Louvre.

Mercúrio - amarrando as sandálias aladas. Essa figura de Pigalle foi inspirada em parte em uma famosa estátua clássica, o Torso Belvedere. 1744, mármore, 58 cm de altura, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte Voltaire Pigalle - trabalhou a cabeça e o corpo separadamente, usando um modelo profissional para este último. Voltaire estava inseguro a princípio, mas aplaudiu o resultado. 1776, mármore, 150 cm de altura, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte

Guillaume Coustou

Importante escultor francês, Coustou desenvolveu seu estilo em Roma, onde se tornou grande admirador de Bernini. Sua maior realização foi o par de Cavalos de Marly, em que o violente movimento dos animais é contrabalanceado pela confiança atlética dos domadores. Fugindo do comum, as estátuas não estavam ligadas a nenhum mito ou alegoria. Sua herança clássica, no entanto, é evidente, porque elas foram inspiradas em parte na escultura dos Dióscuros, em Roma.

Portrait du sculpteur pour Jacques-François Delyen

Cavalo de Marly - Umas das duas esculturas conhecidas como Domadores de cavalos, encomendadas por Luís XV para o castelo em Marly. 1739-45, mármore, Place de la Concorde, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte Vulcan - Marble, reception piece for the French Royal Academy, 1742.

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ROCOCÓ ALEMÃO E DA AMÉRICA CENTRAL

Grandes Mestres da Arte

Johann Baptist Zimmermann Esse pintor e estucador alemão veio de uma região com longa tradição na decoração em estuque e estudou com Johann Schmutzer, especialista do ramo. Seu irmão mais novo , Dominikus (16851766), tornou-se um famoso arquiteto, e os dois colaboraram em alguns projetos. Suas obras mais notáveis foram feitas para as igrejas de Steinhausen e de Die Wies, onde a arquitetura, os afrescos e a decoração em estuque se combinam perfeitamente num projeto harmônico. Zimmermann também trabalhou para mecenas seculares e mais tarde tornou-se pintor da corte de Munique. Como em suas obras religiosas em estuque, suas telas revelam uma requintada delicadeza e leveza.

O juízo final - A igreja Die Wies, decorada em colaboração entre os irmãos Zimmermann, é considerada a mais espetacular das igrejas no estilo Rococó, reconhecida como patrimônio da humanidade pela Unesco em 1983. 1746-54, afresco do teto, Wieskirche, Die Wies, Alemanha

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49 Grandes Mestres da Arte

Johann Michael Rottmayr

Grandes Mestres da Arte

O austríaco Rottmayr pode ter feito seus primeiros estudos com a mãe, que também era pintora.

Entretanto, sua formação mais rigorosa se deu em Veneza, na oficina de Johann Carl Loth, onde ele trabalhou como assistente durante vários anos. Mais tarde, fez uma frutífera parceria com o arquiteto Johann Fischer Von ErLach decorando muito de seus edifícios. Rottmayr especializou-se em afrescos caracterizados por figuras grandes e robustas e um forte senso de movimento.

Hércules matando a hidra - Hércules derrota a serpente de muitas cabeças com sua clava, enquanto Mainerva passa em sua caroagem. 1716-22, afresco do teto, Abadia de Melk, Áustria

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51 Grandes Mestres da Arte

Paul Troger

Grandes Mestres da Arte

Troger foi um importante pintor austríaco do período de transição entre Barroco e Rococó.

Estudou na Itália durante quase uma década, onde aprendeu muito com a obra de Piazzetta, Pittoni e Ricci. Quando voltou à Áustria, recebeu importantes encomendas de afrescos, notavelmente para a Abadia de Altenburg e o Mosteiro de Gottweig. Esses afrescos têm um intenso colorido e um dramático senso de movimento. Mais tarde, Troger lecionou na Academia de Viena, onde influenciou a geração seguinte de pintores.

A apoteose do imperador Carlos VI - Estudo detalhado de Troger para o afresco de teto realizado no Mosteiro de Gottweig, na Áustria. C. 1739, óleo sobre tela, 73 x 91 cm, coleção particular

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53 Grandes Mestres da Arte

Ignaz Günther

Grandes Mestres da Arte

O mais destacado escultor em madeira de seu tempo, Günther aprendeu o ofício na oficina do pai e completou sua formação na Academia de Viena.

Em suas esculturas de santos e cenas bíblicas, combina a elegância do estilo Rococó com fervor religioso, o que lhe valeu muitas encomendas em toda a Alemanha. A maior obra de Günther foi provavelmente a decoração da igreja de Rott-AmInn, para a qual produziu muitas peças. Sua mais famosa peça individual, porém, foi a figura alongada de um anjo guardião levando Tobias pela mão, produzida para a Bürgersaalkirche de Munique.

Mary Immaculate - Munich c. 1750/1760, painted limewood, Bode-Museum Berlin

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55 Grandes Mestres da Arte

Johann Joachim Kändler

Grandes Mestres da Arte

Kändler trabalhava como escultor para Frederico Augusto, eleitor da Saxônia, quando foi transferido para a nova fábrica de porcelana de Meissen.

Durante séculos, os chineses guardaram o segredo da manufatura da porcelana, mas em 1709 os alemães aprenderam o processo. A fábrica de Meissen foi fundada em 1710 e sob a direção de Kändler, tornou a cidade o maior polo produtor de cerâmica do centro da Europa. Ele transferiu temas populares da pintura rococó para a forma tridimensional, desenhando estatuetas inspiradas em Watteau, como figuras de animais e cenas pastoris.

Figura de Meissen - de um vendedor de aves Kändler desenhou uma série de figuras de comerciantes para a fábrica, entre elas as de um seleiro, um lenhador e um vendedor de cabras. C. 1750, porcelana, Clandon Park, Surrey, Reino Unido

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57 Grandes Mestres da Arte

Grandes Mestres da Arte

Franz Anton Maulbertsch

Principal pintor austríaco de seu tempo, Maulbertsch é famoso tanto por seus retábulos quanto por seus afrescos monumentais. Depois de aprender o ofício com o pai, que também era pintor, estudou na Academia de Viena. Andrea Pozzo e Paul Troger foram suas primeiras influências, mas Maulbertsch rapidamente desenvolveu um estilo próprio. Seu primeiro afresco foi pintado para a igreja piarista de Viena, mas seu talento logo foi requisitado por instituições religiosas espalhadas pela Europa central. A decoração da igreja da Ascensão, em Sümeg, na Hungria, do palácio do arcebispo em Kremsier, na Morávia, e no Hofburg de Innsbruck são ótimos exemplos do seu estilo.

Maulbertsch foi um fascinante colorista e autor de vigorosas composições. Essa característica é particularmente evidente em seus esboços a óleo, hoje tão apreciados quanto suas obras maiores, e pode ser vista em seu arrojado retrato de São Tiago aparecendo triunfante na batalha do Clavijo.

Apoteose de São Tiago - Aqui, São Tiago esmaga os sarracenos sob os pés.

1764, óleo sobre tela, 32 x 48 cm, Österreichische Galerie Belvedere, Viena, Áustria

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59 Grandes Mestres da Arte

ROCOCÓ ITALIANO Giacomo Serpotta

Grandes Mestres da Arte

Trabalhando em sua Sicília natal, Serpotta levou a escultura rococó a seus extremos decorativos. Sua técnica favorita era o estuque, que ele usou numa série de esculturas em alto-relevo para várias igrejas da ilha. Serpotta dedicou-se principalmente a temas religiosos, o que não o impediu de criar figuras de cativante delicadeza. Suas composições também eram ornamentadas. Em seu formato tradicional, a apresentação do Menino Jesus no templo pode ser um tema muito modesto, com apenas quatro ou cinco personagens, mas Serpotta transformou-a em uma cena povoada de figuras e de muito movimento. Putti (querubins) pululam ao redor das figuras bíblicas, sentados sobre a bainha de suas vestes, materializando-se entre as colunas ou espiando, maravilhados, a milagrosa criança.

Charity - Gesso. Oratorio di San Lorenzo, Palermo

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Giovanni Paolo Panini

Grandes Mestres da Arte

De início, Panini quria criar cenários para o teatro, mas ficou famoso por suas coloridas pinturas das ruínas romanas. Essas imagens foram muito populares entre os turistas ingleses e franceses, apesar da grande liberdade do artista em relação à precisão topográfica da cenas. Muitos de seus quadros evocam a velha Roma, embora ele também tenha pintado festas e procissões da época. Panini mantinha uma grande oficina para atender à demanda por suas pinturas e ainda encontrava tempo para lecionar na Academia Francesa de Roma e para pintar afrescos decorativos em villas e palácios romanos.

Ruínas romanas - com o cego Belisário Panini muitas vezes temperava suas vistas de Roma incluindo figuras do mundo clássico. 1730, óleo sobre tela, 142 x 132 cm, Temple Newsam, Leeds, Reino Unido.

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Grandes Mestres da Arte

Giovanni Battista Piranesi

Filho de um mestre construtor, Piranesi estudou arquitetura no ateliê de seu tio Matteo Luchesi, em Veneza. Também estudou com Carlo Zucchi, com quem aprendeu técnicas da gravura e da perspectiva. Armado dessas habilidades, Piranesi mudou-se para Roma em 1740, onde foi empregado pelo embaixador veneziano.

Logo depois de sua chegada, também trabalhou para os irmãos Valeriani, conhecidos por seus cenários para teatro e pinturas de ruínas. Essa formação versátil lhe seria valiosa na carreira.

Em Roma, sua principal fonte de renda vinha de suas gravuras sobre os esplendores da cidade, destinadas aos conhecedores de arte do Grand Tour. Com sua visão de arquiteto, ele retratava os monumentos antigos com precisão e um cativante senso de grandiosidade. Piranesi também se dedicou a um tema popular, o capriccio (fantasia), em sua série Prisões imaginárias. Essas gravuras extraordinárias, em parte cenário e em parte fantasia grotesca, se revelaram uma de suas realizações mais duradouras.

Coliseu - Uma das gravuras de Piranesi que retratam monumentos antigos de Roma. 1756, água-forte, 13 x 27 cm, Central Saint Martins College of Art and Design, Londres, Reino Unido

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Após aprender ourivesaria no ateliê do pai Lucca, Batoni mudou-se para Roma, onde estudou com Sebastiano Conca. A princípio, ficou famoso com desenhos primorosos de estátuas antigas, e como pintor de temas religiosos e mitológicos, embora nesse campo tenha sido apenas competente e seu estilo fosse uma pálida imitação do de Rafael. O talento real de Batoni estava na pintura de retratos, sua especialidade a partir de 1750.

Ao longo dos anos Batoni pintou papas, príncipes e governadores, mas a maioria de seus clientes eram aristocratas britânicos que realizavam o "Grand Tour". Eram retratos de suprema elegância, embora um tanto esquemáticos. Em geral, os modelos posam ao lado de um monumento ou escultura em Roma. O mesmo fundo aparece várias vezes, mas isso não importava. Batoni obteve sucesso suficiente para sustentar uma família de doze filhos e comprar uma casa grande, com salas de exposição e um ateliê. No fim da vida, tornou-se curador de coleções pontifícias.

Aquiles e a corte de Licomedes - Aqui, Aquiles está disfarçado de mulher, mas sua identidade é revelada quando ele escolhe uma espada, e não uma joia, como presente. 1746, óleo sobre tela, 159 x 127 cm, Uffizi, Florença, Itália

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Grandes Mestres da Arte

Pompeo Batoni

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Grandes Mestres da Arte

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Grandes Mestres da Arte

Pureza de coração - Esse é um exemplo magnífico dos delicados sentimentos de Batoni e de sua técnica cuidadosamente elaborada. O lírio sob a mão da jovem era um símbolo tradicional de pureza e a pomba que ela segura podia representar a castidade (ou, com mais frequência, o Espírito Santo). Outra pintura de Batoni, Mansidão ou amor, que faz par com Pureza de coração, está na mesma coleção. 1752, óleo sobre tela, 98 x 74 cm, Uppark, Sussex, Inglaterra, Reino Unido.

ARTISTAS VENEZIANOS Giambattista Tiepolo

Grandes Mestres da Arte

Legenda da foto: Retrato feito por Giuseppe Chislandi Tiepolo foi o melhor artista italiano do período rococó e o último grande mestre da tradição de afrescos de seu país. Foi aprendiz de Gregorio Lazzarini, um pintor histórico menor, mas aprendeu muito mais com a obra de Piazzetta e Veronese. A primeira grande encomenda de Tiepolo veioda família Dolfin, que o contratou para pintar os afrescos do palácio do acerbispo em Udine. Esse trabalho lhe garantiu uma série de outros afrescos, embora ele nunca tenha se restringido a esse campo, como confirmam as telas que pintou para a igreja de Sant'Alvise em Veneza.

O maior talento de Tiepolo residia em sua habilidade de pintar imensas cenas ilusionistas com muita verve e imaginação. Isso pode ser constatado em sua obraprima, a decoração da Residenz (palácio) de Würzburg.

O caminho do calvário Nessa comovente cena bíblica, Cristo cai sob o peso da cruz. À esquerda, os dois ladrões observam com compaixão, enquanto, do outro lado, Verônica segura seu véu, no qual a face de Cristo ficou milagrosamente impressa quando ela secou seu suor. C. 1740, óleo sobre tela, 450 x 517 cm, Igreja de Sant'Alvise, Veneza, Itália

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Grandes Mestres da Arte Jovem com um papagaio - Nesse belo exemplo de retratos de Tiepolo, a mulher é provavelmente uma figura alegórica que representa o verão. A jovem que serviu de modelo pode ser uma de suas filhas. C. 1758-60, óleo sobre tela, 70 x 52 cm, Ashmolean, Oxford, Reino Unido

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Grandes Mestres da Arte

Apolo conduzindo Beatriz da Borgonha a Frederico Barba-Roxa - Essa grandiosa alegoria faz parte do importante ciclo de corações que Tiepolo produziu para o Kaisersaal (salão imperial) do palácio do poderoso príncipe-bispo de Würzburg. 1751, afresco de teto, 9 x 18 cm aprox., Residenz, Würzburg, Alemanha

Grandes Mestres da Arte

Canaletto (Giovanni Antonio Canal)

Canaletto é famoso, acima de tudo, pelas magníficas vistas da cidade de Veneza. Ele estudou com o pai, um pintor de cenários de teatro, e passou os primeiros anos de sua carreira como seu assistente na pintura de cenários para óperas de Scarlatti e Vivaldi. No começo dos anos 1720, Canaletto voltou sua atenção para vistas tipográficas . Veneza podia ser comparada a um gigantesco cenário, e ele não teve dificuldade em captar o que ela tinha de dramático e espetacular. De início, seus clientes eram aristocratas ingleses que visitam a cidade como parte do "Grand Tour". Canaletto concebia suas paisagens especificamente para esses compradores, oferecendo-lhes sensíveis lembranças de sua estadia.

Pintou os pontos turísticos óbvios, como a Praça de São Marcos e o Grande Canal, assim como as festas mais coloridas: o carnaval, a regata e as festas do Dia da Ascensão. A precisão e o cuidado nos detalhes eram importantes para a venda, e por isso Canaletto fez deles a base de seu estilo. Acredita-se que ele tenha usado uma câmara escura para ajudá-lo nos desenhos, mas também dez inúmeros esboços da cidade para ter certeza de que a imagem seria sempre recente. Nos anos 1740, a Guerra de Sucessão Austríaca teve um drástico efeito sobre o turismo em Veneza, e Canaletto decidiu prosseguir sua carreira na Inglaterra.

Seu estilo continuou muito semelhante, em particular nas cenas do rio Tâmisa. Entretanto, seu trabalho era cada vez mais criticado por ser excessivamente mecânico, e correram rumores de que ele fosse um impostor. Ele nunca recuperou sua antiga popularidade, mas suas pinturas continuaram sendo muito imitadas.

Campo San Vidal e Santa Maria della Carità - Nessa pintura incomum, Canaletto apresenta uma encantadora cena da vida cotidiana em Veneza: uma mãe corre em direção ao filho caído, outra mulher tira água do poço. C. 1727, óleo sobre tela, 124 x 163 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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A volta do Bucentauro no dia da ascensão - A bordo do Bucentauro (navio estatal), o doge lança nas águas um anel, símbolo do casamento da cidade e do mar. C.1730, óleo sobre tela, 182 x 259 cm, Coleção Aldo Crespi, Milão, Itália

Francesco Guardi

Grandes Mestres da Arte

Principal membro de uma família de pintores, Guardi é lembrado pelas vistas que pintou de Veneza, quase sempre baseadas nas obras de Canaletto, apesar da abordagem muito diferente. Seu estilo era mais esquemático e espontâneo, mas suas melhores pinturas têm um tom cintilante não tão apreciado pelos turistas, que preferiam o detalhamento e a precisão de Canaletto. Por isso, Guardi não teve grande reconhecimento e morreu na pobreza, embora mais tarde tenha sido muito festejado pelos impressionistas. Guardi também se especializou no capriccio (fantasia). Suas versões apresentavam uma paisagem imaginária, com ruínas fantasiosas pitorescamente cobertas de trepadeiras. Sua irmã casou-se com Tiepolo, e seu filho Giacomo também se tornou pintor.

Veneza: Praça de São Marcos Em suas vistas, Guardi dava mais ênfase às figuras que Canaletto. C. 1760, óleo sobre tela, 72 x 119 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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Bernardo Bellotto

Grandes Mestres da Arte

Belotto era sobrinho e aluno de Canaletto, e mais tarde trabalhou em seu ateliê.

Como era de se esperar, no início seu trabalho foi fortemente influenciado pelo mestre, e algumas de suas cenas de Veneza foram erroneamente atribuídas a Canaletto. Essa confusão pode ter sido intencional, já que ele muitas vezes usava o nome do tio. Mas Belotto não viveu muito tempo em Veneza, passando maior parte de sua carreira em Dresden, Viena e Varsóvia, onde trabalhou mais para os reis que para turistas. Seu estilo maduro é marcado pela atenção ao detalhe. De fato, suas cenas de Varsóvia são tão precisas que foram usadas durante a reconstrução da cidade depois da Segunda Guerra Mundial.

Entrada do grande canal, Veneza Essa pintura é quase idêntica a uma das vistas de Canaletto. C. 1745, óleo sobre tela, 59 x 95 cm, Fitzwilliam Museum, Cambridge, Reino Unido

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ROCOCÓ BRITÂNICO William Hogarth

Grandes Mestres da Arte

Combativo, patriótico, satírico e humano,Hogarth foi o mais notável artista britânico de seu tempo. Ele dedicou a vida a elevar o nível dos artistas britânicos. Gravador criativo, também foi um talentoso retratista, mas é mais lembrado como inventor de uma nova forma de arte: uma série de pinturas sobre "modernos temas morais".

Hogarth iniciou sua carreira como gravador em prata. Em 1720, estabeleceu um negócio em Londres enquanto estudava pintura nas horas livres. Deixou de fazer gravuras de cartazes de lojas para pintar retratos de grupo, peças para teatro e suas séries de tema moral. A venda de gravuras impressas lhe trouxe sucesso financeiro, e sua campanha contra a cópia não autorizada criou efetivamente os direitos autorais dos artistas.

Marriage à la mode - A toalete Essa é a quarta cena de uma série narrativa que satiriza o casamento por dinheiro. Aqui, a jovem condessa está no seu boudoir com seu amante e seus afetados parasitas. C. 1743-45, óleo sobre tela, 71 x 91 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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Filho de um próspero clérigo galês, Richard Wilson iniciou a carreira como retratista, mas deu à pintura de paisagens britânica uma visão poética capaz de expressar ideias e emoções. Depois de seu aprendizado com um pintor de retratos londrino, Wilson trabalhava de forma independente por volta de 1735, mas foi só na década de 1750, durante uma viagem à Itália, que decidiu dedicar-se à paisagem. Ele pode ter sido influenciado pelo estímulo que recebeu do paisagista italiano Francesco Zuccarelli, mas sua maior inspiração deve ter sido a região campestre campestre ao redor de Roma e as paisagens do século XVII dos pintores Claude Lorrain e Gaspard Dughet. De volta a Londres, Wilson foi o primeiro a aplicar essa tradição clássica idealizada às vistas inglesas e galesas. Membro fundador da Royal Academy, Wilson alcançou enorme sucesso, mas sua personalidade cáustica e uma grave dependência de álcool nos últimos anos de vida o levaram ao declínio e à morte.

O monte Snowdon visto de Llyn Nantlle - Essa composição serena e de equilíbrio clássico mostra como Wilson impregnava a paisagem nativa de grandiosidade poética. Ele costumava pintar imagens populares (que davam dinheiro) mais de uma vez: há duas versões dessa famosa obra. C. 1765, óleo sobre tela, 104 x 127 cm, Castle Museum, Nottingham, Reino Unido

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Richard Wilson

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Grandes Mestres da Arte

Ceix e Alcione - Embora fosse mais famoso pelas paisagens idílicas, Wilson também abordou temas dramáticos, como esta tempestuosa cena da mitologia grega. Quando Ceix se afogou, sua devotada esposa Alcione atirou-se ao mar; os dois foram transformados pelos deuses em aves marinhas. 1768, óleo sobre tela, 101 x 127 cm, National Museum, Cardiff, País de Gales, Reino Unido

Allan Ramsay

Grandes Mestres da Arte

Allan Ramsay foi o principal retratista londrino de cerca de 1740 até meados da década de 1750, quando Joshua Reynolds começou a ganhar proeminência. Ramsay também desempenhou um papel importante na vida literária e intelectual da época.

Filho de um poeta escocês, Ramsay estudou em Edimburgo, Londres. Talvez a crescente popularidade de Reynolds o tenha feito voltar à Ítalia em 1755-57. Em 1767, tornou-se o principal pintor de Jorge III, mas é mais admirado por seus retratos íntimos, e não pelas pinturas no chamado Grande Estilo. Ele desistiu da pintura em 1773 depois de um ferimento no braço.

David Hume - Ramsay pintou este maravilhoso retrato como um presente para Hume, eminente filósofo e historiador escocês, de quem era amigo íntimo. 1766, óleo sobre tela, 76 x 64 cm, National Galleries of Scotland, Edimburgo, Reino Unido Scotland, Edimburgo, Reino Unido Retrato de Margaret Lindsay - Essa terna pintura de sua segunda esposa tem uma elegância francesa. C. 1758-60, óleo sobre tela, 74 x 62 cm, National Galleries of Scotland, Edimburgo, Reino Unido

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81 Grandes Mestres da Arte

Joshua Reynolds

Grandes Mestres da Arte

O mais destacado retratista de seu tempo, teórico da arte e primeiro presidente da Royal Academy, Reynolds fez mais do que qualquer outro na história para elevar a condição da arte e dos artistas britânicos.

Filho de um clérigo e diretor de escola, aos dezessete anos foi aprendiz de Thomas Hudson em Londres. Depois de alguns anos pintando em Devon e Londres, entre 1750 e 1752 Reynolds visitou a Itália, onde fez um estudo profundo da arte clássica e renascentista. De volta a Londres, tirou o retrato da condição de pintura de rostos e elevou-o ao nível da pintura histórica, fazendo referência à grande arte do passado.

Teve sucesso fenomenal e foi muito produtivo, e era tão versátil e criativo que raramente se repetia. Seus Discursos sobre arte - palestras proferidas entre 1769 e 1790 na Royal Academy - são a exposição do ideal acadêmico do Grande Estilo.

Ladies Waldegrave - O talento de Reynolds para compor obras que refletissem o caráter e os interesses das pessoas representadas é visto nesse retrato triplo.

Lady Charlotte e Lady Elizabeth enrolam o fio de seda, enquanto Lady Anna faz renda num bastidor . As cabeças das mulheres voltadas umas para as outras, os rostos em diferentes ângulos e os braços criando uma linha de união, evocam as estátuas clássicas das três graças. 1780, óleo sobre tela, 143 x 168 cm, National Galleries of Scotland, Edimburgo, Reino Unido

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Grandes Mestres da Arte Georgiana, condessa de Spencer, e sua filha - Este encantador esboço preliminar para um retrato íntimo baseia-se no formato de uma Madona com o Menino. 1759, óleo sobre tela, 75 x 62 cm, coleção particular

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Thomas Gainsborough

Grandes Mestres da Arte

Como Reynolds, Gainsborough foi um gigante da arte britânica do século XVIII. Mas Reynolds era culto e aplicado, enquanto Gainsborough era intuitivo e impulsivo. Apesar da influência do estilo Rococó holandês, flamengo e francês, ele foi um pintor de grande originalidade , famoso por seus retratos, paisagens e "fantasias" sentimentais.

Talento precoce, Gainsborough foi estudar em Londres quando tinha apenas treze anos. Trabalhou com o gravador francês Hubert Gravelot (aluno de Boucher) e talvez com Francis Hayman. Seu ateliê provinciano de retratos em Suffolk não era lucrativo, e uma mudança para Bath em 1759 revelou-se um ponto de mutação em seu estilo e em suas finanças. As obras de Van Dyck inspiraram-lhe um estilo novo e elegante que atraiu a rica e moderna sociedade de Bath e mais tarde de Londres.

Embora ganhasse dinheiro com os retratos, a paisagem continuou sendo sua verdadeira paixão.

A honorável senhora Graham - Esse fascinante retrato de corpo inteiro revela o estilo maduro de Gainsborough, elegante e glamouroso. C. 1775-77, óleo sobre tela, 237 x 154 cm, National Galleries od Scotland, Edimburgo, Reino Unido

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Grandes Mestres da Arte As filhas do pintor com um gato - Gainsborough pintou suas filhas várias vezes. Aqui, Mary aparentemente abraça Margaret e sorrateiramente puxa o rabo do gato. As pinceladas são mais frouxas que em suas primeiras pinturas, mas, devido à natureza íntima da obra, o quadro ficou inacabado e não exigiu o perfeito acabamento usual. C. 1760-61, óleo sobre tela, 76 x 63 cm, National Gallery, Londres

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Grandes Mestres da Arte

O senhor e a senhora Andrews - Com figuras que parecem bonecos e pinceladas fortes, essa obra-prima deliciosamente fresca é típica da primeira fase de Gainsborough. Embora seja um retrato, metade do quadro é ocupada por uma encantadora paisagem. C. 1748-49, óleo sobre tela, 70 x 119 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

Grandes Mestres da Arte A senhora Sarah Siddons - Maior atriz de seu tempo, Sarah Siddons foi retratada por muitos artistas, em especial Reynolds (p.38). Em geral, era pintada num papel teatral; Gainsborough, ao contrário, a mostra num traje elegante, mas com aparência tão majestosa que obviamente não se tratava de uma mulher comum. 1785, óleo sobre tela, 126 x 99,5 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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Grandes Mestres da Arte O senhor e a senhora William Hallet ("O passeio matinal") Esse par atraente casou-se em 1785, quando ambos tinham 21 anos de idade. A elegante sofisticação do retrato pintado por Thomas Gainsborough para marcar essa união está em forte contraste com o encanto rústico de outra tela sua, O senhor e a senhora Andrews (p.39), bem anterior, na mesma galeria. 1785, óleo sobre tela, 236 x 179 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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James Barry

Grandes Mestres da Arte

Pintor histórico de quadros em grande escala, Barry é mais lembrado por seu grandioso ciclo de pinturas intitulado O progresso da cultura humana. Com o objetivo nada modesto de pintar história do mundo, ele criou esse enorme e ambicioso - ciclo praticamente às próprias custas. Barry era um protegido do filósofo estadista Edmund Burke,que lhe financiou uma inspiradora viagem à Itália. Tornou-se professor de pintura da Royal Academy, mas foi expulso por ataques difamatórios a colegas, inclusive Reynolds. Morreu na pobreza.

Coroação dos vencedores em Olímpia (detalhe) Essa cena foi extraída de uma das seis pinturas do ciclo O progresso da cultura humana. 1777-83, óleo sobre tela, Royal Society of Arts, Londres, Reino Unido

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91 Grandes Mestres da Arte

Michael Rysbrack

Grandes Mestres da Arte

Nascido nas Flandres, Rysbrack foi o maior escultor na Inglaterra das décadas de 1720-30, até ser superado por Roubiliac . Era um artista versátil, que produziu túmulos, retratos e elementos arquitetônicos. É mais conhecido por seu monumento reclinado a Isaac Newton na Abadia de Westminster e sua estátua equestre de Guilherme II em Bristol.

Alexander Pope - Rysbrack popularizou dois tipos de busto na Inglaterra: all'antica (numa referência à Roma clássica) e em néglige (em roupas informais contemporâneas), como neste busto do poeta Pope. Mármore, coleção particular

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Louis-François Roubiliac

Grandes Mestres da Arte

Nascido na França, Roubiliac passou quase toda a carreira na Inglaterra, onde foi o maior escultor de seu tempo. Ele talvez tenha estudado em Dresden e Paris antes de se estabelecer em Londres. Uma estátua em tamanho natural do compositor Haendel fez a fama de Roubiliac, mas ele também fez sucesso com bustos de personalidades, notáveis pela impressão de vida, e com esculturas tumulares. Numa viagem à Itália em 1752 Roubiliac ficou profundamente impressionado com a obra de Bernini, o grande escultor barroco, cuja influência pode ser notada em muitos de seus trabalhos posteriores.

Sir Isaac Newton Newton morreu trinta anos antes de esta

escultura ser feita: trata-se de um ótimo exemplo do poder da imaginação e da capacidade técnica de Roubiliac. 1755, mármore, Trinity College, Cambridge, Reino Unido

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Joseph Wright of Derby

Grandes Mestres da Arte

Um dos artistas mais originais do século XVIII, Weight passou a maior parte da vida em sua cidade natal. Depois de estudar em Londres com Thomas Hudson, trabalhou como retratista em Durby. Na década de 1760, começou a pintar cenas inovadoras com forte claro-escuro. Ficou justamente famoso graças a essas "cenas à luz de velas", quase sempre sobre temas científicos ou industriais. Depois de uma viagem à Itália (1773-75), Wright adotou temas mais literários, mas imagens do Vesúvio em erupção e paisagens ao luar revelam seu continuo interesse pelos efeitos da luz.

O experimento com uma bomba de ar A obra-prima de Wright mostra o momento em que o cientista vai deixar o ar entrar na bomba para reviver o pássaro.

CIENTISTA E SHOWMAN A chamada vela coloca as expressões em relevo. Com os olhos vidrados, o cenho franzido e os cabelos em desalinho, o professor mais parece um mágico que um cientista. À época, os cientistas visitavam as famílias ricas para demonstrar as maravilhas da ciência moderna. 1768, óleo sobre tela, 183 x 244 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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Henry Raeburn

Trabalhando principalmente em Edimburgo, Raeburn foi o mais importante retratista escocês de seu tempo. Suas pinturas realistas retratam muitos cientistas, filósofos e eruditos do iluminismo escocês. Famoso pela capacidade de captar a personalidade de seus modelos, ele também era admirado por sua técnica. Raeburn foi provavelmente um pintor autodidata. Depois de uma temporada de dois anos na Itália, voltou a Edimburgo, onde desenvolveu seu estilo de pinceladas livres, sem a utilização de um desenho como esboço. Em 1810, pensou em se mudar para Londres, mas desistiu porque ali teria que competir com Lawrence. Continuou em Edimburgo, onde seu trabalho era muito procurado.

Sir Walter Scott - A técnica da pintura de Raeburn é evidente nesse famoso retrato do grande poeta e romancista histórico escocês. Segundo todos os relatos, os dois nãos e davam bem. 1822, óleo sobre tela, 76 x 63 cm, Scottish National Portrait Gallery, Edimburgo, Reino Unido

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Sir Thomas Lawrence

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Menino pródigo, Lawrence foi o mais talentoso e bem-sucedido retratista de sua geração. Era praticamente um autodidata, mas aos dezoitos anos anuncio com total confiança: "Excetuando Sir Joshua [Reynolds], na pintura de um retrato eu arriscaria minha reputação com qualquer pintor de Londres".

Com a morte de Reynolds, em 1792, Lawrence tornou-se pintor oficial de Jorge III. Foi feito cavaleiro em 1815, e em 1818 o príncipe regente o enviou numa excursão pela Europa para pintar os soberanos e estadistas envolvidos na queda de Napoleão. Na volta, foi eleito presidente da Royal Academy.

O estilo brilhante e as pinceladas fluidas e Lawrence lhe granjearam muitos admiradores na Europa, inclusive os românticos, particularmente Delacroix.

Mas sua fama declinou após sua morte, e jamais se recuperou de todo.

Retrato da princesa Darya Lieven - Esse encantador desenho mostra a esposa do embaixador russo sediado em Londres a partir de 1812. Ela era uma diplomata, anfitriã de grandes recepções e introduziu a valsa na Inglaterra. C. 1812, lápis e giz sobre tela, 77 x 64 cm, Hermitage, São Petersburgo, Rússia

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Grandes Mestres da Arte Rainha Charlotte - Obra de técnica deslumbrante, esse tocante retrato ajudou a fazer a fama de Lawrence. Entretanto, a família real não o aprovou, talvez porque o tenha julgado demasiado fiel. 1789-90, óleo sobre tela, 239 x 147 cm, National Gallery, Londres, Reino Unido

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Grandes Mestres da Arte

NEOCLASSICISMO

Origens e Influências

O Neoclassicismo nasceu em Roma, cidade cujas ruínas de edifícios e esculturas não têm rival. O conhecimento da arte da antiguidade clássica cresceu muito no século XVIII, em parte por causa das descobertas arqueológicas em Roma, e também em Herculano e Pompeia, duas cidades soterradas perto de Nápoles. Milhares de artefatos foram escavados, muitos divulgados na forma de gravuras, importantes na difusão do gosto neoclássico.

O sono de Endímion - A suavidade do desenho e do tratamento é neoclássica, mas o espírito melodramático é romântico. A deusa lunar Selene está apaixonada por Endímion e o visita sob a forma de um raio de luar. Anne-Louis Girodet, 1791, óleo sobre tela, 198 x 261 cm, Louvre, Paris

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Grandes Mestres da Arte

O Neoclassicismo foi o estilo dominante do fim do século XVII e inicio do século XIX. Em sua forma mais pura, a arte neoclássica é austera e nobre quase sempre ligada aos ardentes ideais políticos da época -, mas também tem aspectos mais intimistas e decorativos.

Como indica o prefixo neo (novo), o Neoclassicismo propôs um “Novo Classicismo”. Trata-se de um estilo inspirado na arte grego-romana - principalmente em suas qualidades de “nobre simplicidade e calma grandeza”. Essas são palavras de Johann Joachim Winckelmann (1717-68), erudito alemão cujos escritos tiveram um importante papel na difusão dos ideais do Neoclassicismo.

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Grandes Mestres da Arte

Temas

Estilos e técnicas

As pinturas de David representam o Neoclassicismo no que ele tem de mais austero e forte, e um tom altivo semelhante (embora menos inspirado) pode ser visto na escultura de Bertel Thorvaldsen.

Entretanto, muitos outros artistas da época foram muito menos austeros. O Neoclassicismo é frequentemente caracterizado como uma inflexível reação contra a frivolidade da linguagem rococó (p.4). Embora essa interpretação seja válida para alguns artistas, os dois estilos, na verdade, tinham muitos pontos de coincidência. Élisabeth Véege-Lebrun, por exemplo, combinou a pureza neoclássica das linhas coma delicadeza de sentimento e a leveza do rococó. Da mesma forma, embora os dois estilos estejam apresentados como opostos, existem algumas fortes ligações entre o Neoclassicismo e o Romantismo, que o seguiu.

Retrato de uma jovem - Élisabeth Vigée-Lebrun A clareza da forma e a precisão das pinceladas sçao neoclássicas em espírito, mas a simples beleza da obra lembra o estilo Rococó. c. 1797, óleo sobre tela, 82 x 71 cm, Museum of Fine Arts, Boston, EUA

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Grandes Mestres da Arte

Os artistas neoclássicos inspiraram-se principalmente na história, na literatura e na mitologia greco-romana, mas também escolheram muitos outros temas, entre eles os tradicionais retratos e paisagens, mas também temas mais inovadores, inspirados nos fatos políticos e sociais da época. O século XVIII costuma ser descrito como a “Era do Iluminismo” por causa visão filosófica predominante, que questionava as crenças tradicionais e enfatizava a primazia do pensamento racional. O estilo Neoclássico, com sua ênfase na ordem e na clareza, estava em sintonia com esse espírito, e alguns artistas - sobretudo Jacques-LouisDavid - usaram sua obra como veículo de suas convicções morais.

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Linha do Tempo

Grandes Mestres da Arte

As primeiras correntes do Neoclassicismo surgiram no início da década de 1720, mas só em meados do século XVIII o estilo passou a representar um sério desafio ao predomínio do Rococó. Por volta de 1770, o Neoclassicismo estava em ascensão, e continuou a florescer no século XIX - não só na arquitetura, mas também na pintura e escultura.

Napoleão cruzando os Alpes - Essa é uma evidente peça de propaganda.

Napoleão queria parecer "calmo sobre um cavalo feroz", e David criou esta imagem de autoridade rampante. Na verdade, Napoleão fez a viagem montado numa mula.

1801, óleo sobre tela, 260 x 221 cm, Château de Malmaison, Rueil-Malmaison, França

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Escolas

Embora Roma tenha sido o coração do Neoclassicismo e continuasse atraindo artistas ambiciosos graças às suas conquistas passadas, a pintura italiana neste período foi particularmente medíocre. As obras mais notáveis foram produzidas em outras países, particularmente na França.

Grandes Mestres da Arte

Escola francesa

A pintura neoclássica francesa (e, por extensão, a europeia) foi dominada por Jacques-Louis David.

Ele não só criou várias das obras-primas arquetípicas do estilo, mas também exerceu uma forte influência como mestre. Foram seus alunos alguns dos principais artistas da geração seguinte, em especial Anne-Louis Girodet, Antoine-Jean Gros e JeanAuguste-Dominique Ingres. Na obra de Girodet e Gros, a gravidade neoclássica é temperada com o glamour e o arrojo do florescente movimento romântico, mas Ingres é considerado o sustentáculo dos valores clássicos na pintura do século XIX. Um lado mais intimista do Neoclassicismo pode ser visto na obra de Élisabeth Vigée-Lebrun. Ao contrário de David, que apoiou a Revolução Francesa, ela era monarquista e deixou a França em 1789, quando passou a trabalhar em vários países, só retornando ao país natal em 1805.

Norte da Europa

Muitos dos outros países onde o Neoclassicismo prosperou estavam no norte da Europa, entre eles a Alemanha e a Dinamarca. Na Dinamarca houve um notável florescimento da pintura no final do século VXII e início do XIX, período que faz parte da era de ouro da arte dinamarquesa, expressa na escultura de Thorvaldsen e em alguns magníficos edifícios.

A pintura dinamarquesa da época em geral ignora o tom elevado da arte francesa contemporânea, concentrando-se mais na vida cotidiano do que em feitos históricos. Entretando, a clareza da forma da obra de um artista como Jens Juel é neoclássica em espírito.

Escola Britânica

Como a arte britânica tende a evitar extremos, o Neoclassicismo raramente apareceu de uma forma

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Sua influência é vista, porém, de várias maneiras, como por exemplo na dignidade e lucidez da obra de George Stubbs. Stubbs tinha inclinações científicas e fez a experiência de pintar painéis de cerâmica feitos para ele pelo famoso ceramista Josiah Wedgwood, conhecido por suas elegantes peças neoclássicas. Entre os desenhistas empregados por Wedgwood estava o escultor John Flaxman, o artista britânico mais original e mais comprometido com o Neoclassicismo.

Enquanto a pintura neoclássica foi geograficamente dispersa, a escultura concentrou-se em Roma. Quase todos os principais escultores europeus da época trabalharam na cidade num monumento ou outro, Antonio Canova e Bertel Thorvaldsen - passaram praticamente toda carreira lá. Canova tornou-se uma celebridade internacional e foi convidado a se estabelecer em Paris (por Napoleão), na Rússia (por Catarina, a Grande) e em Viena (pelo imperador Francisco II), mas rejeitou todos os convites, sustentando que sua criatividade era inseparável de Roma. Tanto Canova quanto Thorvaldsen dirigiram grandes ateliês, que se encarregaram de prestigiosas encomendas de toda a Europa.

Embora trabalhassem ocasionalmente em outros meios, seu material preferido era o mármore - com sua forte ligação com a estatuária antiga. Grande parte do trabalho de escultura era realizado por seus assistentes, mas Canova cuidava pessoalmente dos materiais e aplicava seu “último toque”.

A escultura deThorvaldsen é geralmente mais austera, sem as qualidades sensuais de Canova (mesmo quando ele próprio se encarregava do trabalho final, preferia preferia uma superfície mais fosca). Além de John Flaxman, citado anteriormente, outros escultores neoclássicos importantes foram o alemão Johann Gottfried Schadow e o sueco Johan Tobias Sergel, e todos eles passaram uma temporada em Roma.

A tradição foi mantida no século XIX com o ateliê de Thorvaldsen continuando a operar mesmo depois que ele se aposentou e voltou à sua Copenhague natal em 1838.

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Escultura Neoclássica

NEOCLASSICISMO FRANCÊS Jacques-Louis David

Grandes Mestres da Arte

Principal artista do Neoclassicismo na França, David estudou com JosephMarie Vien, mas sua verdadeira formação ocorreu em Roma, onde mergulhou no esplendor das antigas ruínas e nas obras dos grandes mestres da pintura italiana.

Quando voltou a Paris, em 1780, David se dedicou a criar uma visão própria da antiguidade, combinando temas da história clássica com um clima de austera moralidade e sacrifício heroico. Sua visão estava em sintonia com o crescente fervor republicano que dominava o país, e rapidamente o tornou uma celebridade nacional. Quando a revolução chegou, David se revelou tão apaixonado pela política quanto era pela arte. Aderiu à Convenção Nacional, participou de demonstrações republicanas e atacou a Academia. Sua ações quase o levaram à guilhotina, mas ele escapou com apenas uma curta pena de prisão. Depois, com a ascensão de Napoleão, a situação se repetiu. David colocou sua arte a serviço do imperador. Após a derrota de Napoleão, ele se exilou na Bélgica, onde continuou trabalhando até sua morte, nove anos depois.

A morte de Marat - O líder revolucionário Jean-Paul Marat tinha que passar horas no banho devido a uma doença na pele. Em julho de 1793, ele foi morto a punhaladas pela monarquista Charlotte Corday. David imediatamente pintou este tributo, que mostra Marat numa pose que lembra a morte de Cristo. 1793, óleo sobre tela, 165 x 128 cm, Musées Royaux, Bruxelas, Bélgica

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As sabinas - Essa foi a obra que David pintou depois de seu envolvimento quase fatal na política - daí seu tema conciliatório. As sabinas fazem a luta cessar levando seus filhos ao campo de batalha. 1794-99, óleo sobre tela, 385 x 522 cm, Louvre, Paris, França

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Madame Récamier - Juliette Récamier era uma famosa beldade da sociedade francesa. Os cachos à moda grega, o vestido estilo império e os pés descalços lhe dão uma convincente aparência clássica. 1800, óleo sobre tela, 174 x 244 cm, Louvre, Paris, França

Antoine-Jean Gros

Grandes Mestres da Arte

A arte de Gros marca a transição entre o Neoclassicismo e o Romantismo. Ele foi um dos brilhantes alunos de David, mas a maneira emotiva como usava a cor e o gosto por cenas de sofrimento prenunciam o estilo romântico. Delacroix e Géricault foram entusiasmados admiradores de seu trabalho.

As melhores pinturas de Gros foram produzidas para Napoleão, que ele conheceu em Milão em 1796. Juntou-se imediatamente à sua entourage, o que lhe propiciou um conhecimento direto das campanhas do general, que por sua vez lhe permitiram pintar cenas de batalha com um grau incomum de realismo.

Embora seu trabalho projete uma visão glamorizada da guerra, a pilha de cadáveres em Eylau chocou o público parisiense quando o quadro foi exibido no Salon.

Napoleão visitando as vítimas da peste de Jaffa - Essa é a cena da campanha de Napoleão na Síria em 1799. O quadro foi encomendado para desmentir acusações de que Napoleão pretendera executar executar os doentes. LÍDER HEROICO Gros sublinha a coragem de Napoleão ao mostrá-lo tocando um doente da peste, o que contrasta com o comportamento do oficial que está atrás dele, que cobre a boca para proteger-seda infecção. O gesto de Napoleão lembra algumas imagens cristãs em que Jesus aparece curando os doentes com o toque das mãos. 1804, óleo sobre tela, 5,2 x 7,2 m, Louvre, Paris, França

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Élisabeth Vigée-Lebrun

Grandes Mestres da Arte

Élisabeth era filha de Louis Vigée, artista menor que também foi seu professor, e esposa do comerciante de quadro Jean-Baptiste Lebrun. Firmou-se como importante retratista, famosa em particular por seus muitos retratos de Maria Antonieta, a malfadada rainha da França. Seu relacionamento fica imediatamente evidente nessas pinturas. Por causa de suas relações com a corte, Vigée-Lebrun foi obrigada a fugir durante a Revolução Francesa, e mais tarde trabalhou na Itália, na Rússia e na Inglaterra.

Maria Antonieta e seus filhos - O berço vazio é uma referência à princesa Sofia Beatriz, que tinha acabado de morrer. 1787, óleo sobre tela, 275 x 215 cm, Castelo de Versalhes, França

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Anne-Louis Girodet

Grandes Mestres da Arte

Como seu contemporâneo Gros, Girodet cria uma ponte entre os movimentos neoclássico e romântico. Foi um dos mais talentosos alunos de David, e recebeu o Prix de Rome em 1789. Estilisticamente, deve muito ao mestre, mas seu tratamento é outro. O sono de Endímion, pintado no auge da Revolução Francesa , era bem diferente dos dramas republicanos de David - a ideia de usar uma fonte simbólica de luz para representar a deusa teria sido condenada pelo mestre.

Benoît-Agnes Trioson - Óleo sobre tela, 1800. 73 x 59 cm, Musée du Louvre , Paris - França

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Jean-Auguste-Dominique Ingres

Grandes Mestres da Arte

Ingress ficou conhecido como defensor da tradição clássica da França. Depois de um curto período de estudos com David, passou o início da carreira na Itália, onde ganhava a vida com requintados retratos a lápis.

De volta a Paris na década de 1820, Ingres viu-se envolvido numa controvérsia estética. Com sua ênfase na técnica do desenho e nos valores clássicos, ele era um expoente da arte acadêmica , em contraste com a abordagem mais desordenada dos românticos liderados por Delacroix. Na verdade, as diferenças entre os dois eram um tanto artificiais. A preferência de Ingres por pinturas altamente acabadas - ele dizia que a tinta devia ser tão fina "quanto a casca de uma cebola" era um traço clássico, mas alguns de seus temas exóticos beiravam o romântico.

A banhista de Valpinçon - Durante toda a sua carreira, Ingres procurou criar o perfeito nu clássico. Fez essa tentativa várias vezes, em algumas delas colocando a figura em um harém, mas nunca conseguiu superar sua obra de juventude. O quadro leva o nome de seu primeiro proprietário. Pintada enquanto Ingres estava em Roma, esta é uma de suas obras mais clássicas. O tema tem potencial exótico - a banheiro abaixo do nível do piso indica uma casa de banho, por exemplo - mas o clima é apático e remoto. A linha tem precedência sobre a cor, e esta figura, perdida em pensamentos, lembra uma estátua viva. Os contornos suaves da figura contrastam com as dobras verticais do tecido. Os críticos se queixavam de que os nus de Ingres pareciam sem ossos; note-se, neste caso, que a banhista parece não ter ancas. 1808, óleo sobre tela, 146 x 98 cm, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte

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Grandes Mestres da Arte

Odalisca com escrava - As odaliscas eram concubinas que viviam nos haréns. Na França do século XIX, havia grande interesse por exóticas cenas "orientais" (nesse contexto, o termo se referia mais ao Oriente Próximo ou ao Oriente Médio, não à China ou ao Japão). Ingres pintou essa tela de extraordinária sensualidade para o rei Guilherme I de Württemberg. 1842, óleo sobre tela, 76 x 105 cm, Walters Art Museum, Baltimore, EUA

ESCULTURA

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Antonio Canova O maior e mais bem-sucedido escultor do período neoclássico, Canova trabalhou inicialmente em Veneza, mas chegou ao sucesso em Roma. Seu Teseu e o minotauro (1781-83) atraiu a atenção do público e levou-o a receber a prestigiosa encomenda de dois túmulos pontifícios. Depois disso, a reputação de Canova estava feita. Ele foi contratado, por muitas cabeças coroadas da Europa, assim como da Igreja, embora suas peças mais espetaculares sejam provavelmente as estátuas nuas de Napoleão e de sua irmã.

Canova era versátil e original. Dedicava uma atenção incomum à maneira de expor suas esculturas. Eros e Psiquê, por exemplo, foi concebida para ser vista em rotação e sob a luz suave e colorida. Da mesma forma, preferia mostrar suas obras aos clientes à luz de velas.

Eros e Psiquê - Em uma das mais ternas esculturas de Canova, Eros acorda sua amada desmaiada com um beijo. 1787-93, mármore, 155 cm de altura, Louvre, Paris, França

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Grandes Mestres da Arte

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Grandes Mestres da Arte

Hércules e Licas - Mortalmente ferido, Hércules se vinga do jovem que o envenenara sem querer. Alguns críticos achavam o trabalho de Canova frio e contido, mas ele também era capaz de um brilho feroz. Aqui, Hércules contrai todos os músculos, enquanto sua vítima tenta se agarrar à pele de leão do herói. Seu desespero é retratado com intensidade. 1795-1802, mármore, 350 cm de altura, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma, Itália

John Flaxman

Grandes Mestres da Arte

Desenhista e escultor, Flaxman foi o mais importante artista neoclássico da Inglaterra. Na juventude, trabalhou para Josiah Wedgwood e se interessou pela cerâmica clássica.

Sua compreensão da arte clássica é evidente em suas esculturas tumulares, muitas das quais lembram antigos relevos. Foram suas ilustrações para livros, porém, que exercem maior influência. Seus desenhos simples e recortados deram vida às obras de Homero e Ésquilo.

Cephalus and Aurora (1789-90) front right 2, Lady Lever Art Gallery, Port Sunlight, Cheshire

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Johan Tobias Sergel

Sergel passou a maior parte da carreira em sua cidade natal, mas desenvolveu seu estilo neoclássico durante uma temporada de onze anos em Roma. Ali, juntou-se ao circulo e amigos de Henry Fuseli, imergindo nos aspectos mais sensuais da cultura antiga. Isso se reflete em suas esculturas, que combinam intensa vitalidade com um velado erotismo. Seus modelos em terracota eram particularmente vigorosos, e seus desenhos a nanquim revelavam um vivaz senso de humor. Quando sua reputação cresceu, Sergel foi convocado de volta à Suécia pelo rei Gustavo III, que o nomeou escultor da corte. Seus últimos anos foram dedicados aos retratos, dos quais o mais notável é a estátua do próprio Gustavo, ligeiramente baseada numa famosa escultura clássica, o Apolo Belvedere.

Marte e Vênus - A arte neoclássica nem sempre foi nobre e séria. Muitas vezes há uma forte sugestão erótica nas esculturas de Sergel. Aqui, não fica claro se Marte está salvando ou raptando a deusa. C.1775, mármore, 93 cm de altura, Nationalmuseum, Estocolmo, Suécia

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Grandes Mestres da Arte

Bertel Thorvaldsen

Grandes Mestres da Arte

Depois de estudar na Academia de Copenhague, o escultor dinamarquês Thorvaldsen recebeu uma bolsa para estudar na Itália, onde seu estilo alcançou a plena maturidade. Seu retrato de Jasão, que deve muito a uma antiga escultura de Policleto, apresentou suas credenciais como amante da Antiguidade clássica e o ajudou a lançar-se na carreira. Em pouco tempo, recebeu tantas encomendas que precisou de quarenta assistentes para dar conta da demanda.

Apesar das súplicas para voltar à sua terra natal, Thorvaldsen continuou em Roma por uns quarenta anos mais, ciente de que isso alavancava sua carreira internacional. Tornou-se o principal rival de Canova. Faltava à obra de Thorvaldsen a versatilidade e o calor do italiano, mas ele possuía uma maior austeridade clássica.

Ganimedes e Júpiter - Júpiter assume a forma de uma águia para raptar o jovem e fazê-lo seu escravo. Existe uma ironia no fato de Ganimedes estar dando água à águia divina. Isso antecipa seu futuro papel de servir o néctar aos deuses. O barrete frígio de Ganimedes, uma indicação de que ele era troiano, tinha conotações revolucionárias na época de Thorvaldsen.

Tradicionalmente, usado pelos escravos libertos, o barrete foi adotado durante a Revolução Francesa como símbolo da liberdade.

Isso é irônico, já que Ganimedes está prestes a ser escravizado. 1817, mármore, 94 cm de altura, Thorvaldsens Museum, Copenhague, Dinamarca

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Johann Gottfried Schadow

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Uma crucial temporada de dois anos em Roma, onde se tornou amigo de Canova, moldou o estilo neoclássico deste escultor e gravador alemão. Embora seu trabalho possa ser muito imponente - sua obra mais famosa é a escultura da carruagem e dos cavalos do Portão de Brandenburgo em Berlim (hoje substituída por uma réplica) -, ele também produziu retratos que transmitem charme e intimidade genuínos.

As princesas Luísa e Frederica da Prússia - Esse é um encantador retrato duplo esculpido para comemorar as bodas das irmãs. 1795-97, mármore, 172 cm de altura, Alte Nationalgalerie, Berlim, Alemanha

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NEOCLASSICISMO BRITÂNICO

Embora sua reputação atual não seja tão grande quanto foi em seu tempo, Mengs continua sendo uma das principais figuras do movimento neoclássico.

Quando estudava com o pai, ainda muito jovem, já revelava talento, e logo se firmou como um retratista de sucesso.

Sua carreira mudou de rumo na década de 1750, quando se mudou para Roma e tornou-se amigo de Johann Joachim Winckelmann, influente arqueólogo e historiador. Winckelmann tinha acabado de publicar um tratado original em que proclamava superioridade da arte grega, o que causou um profundo impacto sobre Mengs. Em 1761, ele pintou seu Parnassus em um teto da Villa Albani, onde Winckelmann exercia o cargo de bibliotecário. Combinando a influência da estatuária antiga e o estilo de pintura de Rafael, a obra ganhou a condição de manifesto do novo movimento, ainda mais porque a Villa Albani era muito visitada por artistas e conhecedores da arte.

Parnassus - A obra mais importante de Mengs mostra Apolo cercado pelas musas. 1760-61, afresco de teto, 3 x 6 m, Villa Albani (hoje Villa Torlonia), Roma, Itália

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Grandes Mestres da Arte

Anton Raphael Mengs

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Grandes Mestres da Arte

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Grandes Mestres da Arte

Papa Clemente XIII - Essa obra foi produzida para celebrar a eleição de Carlo Rezzonico como papa. Ele assumiu o nome de Clemente XIII. Os retratos de Mengs são suas mais belas realizações. Aqui, ele capta o caráter moderado e bem-intencionado de Clemente, assim como a rica indumentária de seu novo ofício.

1758, óleo sobre tela, Ca' Rezzonico, Museo del Settecento, Veneza, Itália

Christen Købke

Grandes Mestres da Arte

Christen Købke teve um modesto sucesso durante sua curta vida, mas hoje é reconhecido como uma das figuras mais notáveis da idade de ouro da arte dinamarquesa, que abrange o fim do século XVIII e o início do XIX. Em lugar da face austera e heroica do neoclassicismo (que se mostra na escultura de seu conterrâneo Bertel Thorvaldsen), sua obra revela o lado mais íntimo do movimento - enraizado na vida cotidiana, mas marcado por dignidade e clareza.

Adolphine Købke - Esse retrato tipicamente preciso é da irmã mais nova do artista. 1832, óleo sobre tela, 42 x 35 cm, Louvre, Paris, França

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Angelica Kauffmann

Grandes Mestres da Arte

Essa pintora suíça, que passou a maior parte de sua carreira na Inglaterra e na Itália, estudou com o pai, que também era pintor. Seu estilo foi influenciado por Mengs, cuja obra ela viu em Roma. Em 1776, Angelica estabeleceu-se em Londres, onde se tornou amiga de Joshua Reynolds. Como ele, foi uma das fundadoras da Royal Academy. Depois que se casou como pintor italiano Antonio Zucchi, passou a viver na Itália.

Como na pintura acima, ela escolhia os temas neoclássicos da moda, mas os executava no estilo leve do rococó. Sua obra Vendedora de amor, por exemplo, é uma versão embelezada de um mural recém-descoberto em Herculano.

Rinaldo e Armida - Esses apaixonados amantes são personagens da obra de Jerusalém libertada, do escritor italiano Torquato Tasso, poema épico (1581) sobre a Primeira Cruzada que serviu de inspiração para os artistas. 1771, óleo sobre tela, 131 x 153 cm, Yale Center for British Art, New Haven, EUA

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133 Grandes Mestres da Arte

Jens Juel

Grandes Mestres da Arte

Filho de um clérigo, Juel estudou em Hamburgo. Homem muito viajado, trabalhou em Dresden, Roma e Paris antes de se estabelecer definitivamente em Copenhague. Ali, forjou uma impressionante reputação com seus perspicazes retratos e decorosas naturezas-mortas. Nomeado pintor da corte em 1780, Juel também era considerado um excelente mestre. Em 1784, tornou-se professor da Academia de Copenhague, onde teve como alunos Caspar David Friedrich e Otto Runge.

Natureza-morta com flores - As pinturas de flores de Juel são ordenadas e elegantes. 1764, óleo sobre tela, 53 x 39 cm, Kunsthalle, Hamburgo, Alemanha

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135 Grandes Mestres da Arte

George Stubbs

Grandes Mestres da Arte

O mais famoso pintor de cavalos, Stubbs pertence, em certos aspectos, ao florescente movimento romântico, mas a pureza de suas linhas o liga em espírito ao Neoclassicismo. Trabalhou inicialmente como retratista, embora seu maior interesse fosse a anatomia. O principal período de sua carreira comelou em 1756, quando se refugiou numa remota casa de fazendo em Lincolnshire e passou dezesseis meses dissecando cavalos. Os resultados desses estudos foram publicados mais tarde em um livro intitulado The anatomy of the horse.

Depois que se mudou para Londres, Stubbs tornou-se conhecido nos círculos das corridas de cavalos. Seu profundo conhecimento do animal lhe rendeu uma série de encomendas lucrativas para "retratos" de cavalos e cenas de corrida. Ele expandiu seu repertório para incluir aspectos do estilo de vida dos criadores de cavalos, como a caça à raposa e pitorescas cenas de trabalho agrícola em suas fazendas.

Caçada do Lorde Torrington Dois empregados de Torrington se preparam para uma caçada. C. 1765-68, óleo sobre tela, 61 x 105 cm, coleção particular

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Gavin Hamilton

Esse pintor escocês passou a maior parte de sua carreira em Roma, onde obteve uma rara distinção: a de ser mais conhecido na Europa continental do que em seu país natal. As melhores pinturas de Hamilton foram produzidas na década de 1760, muitas extraídos da Ilíada de Homero. Essas obras foram reproduzidas como gravuras, que influenciaram uma nova geração de artistas, entre os quais Jacques-Louis David.

Hamilton foi-se distanciando da pintura para se dedicar a atividades mais lucrativas. Tornou-se arqueólogo, conduzindo escavações na Villa Adriana, e um bem-sucedido comerciante de arte, vendendo obras dos velhos mestres a colecionadores britânicos.

Hebe Giving Drink to the Eagle of Jupiter - 1767, oil on canvas, 127 × 94 cm, Stanford Museum, CA , EUA

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Grandes Mestres da Arte

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Grandes Mestres da Arte

A morte de Lucrécia - Lucrécia se mata depois de ser violentada, enquanto Junius Brutus (fundador da república romana) jura vingança. Aos olhos de hoje, a pintura de Hamilton pode parecer exagerada e melodramática. Os gestos interligados das figuras mais parecem uma pantomima do que uma cena da vida real. Entretanto, este quadro inspirou outras pinturas de "juramento", em especial O juramento dos Horácios, de David 1763-67, óleo sobre tela, 213 x 264 cm, Yale Center for British Art, New Haven, Connecticut, EUA

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AQUARELISTAS INGLESES

Origens e Influências

A aquarela tem uma longa história, na Inglaterra.

Durante o período Tudor, minituristas como Nicholas Hilliard usaram o guache - aquarela opaca - para obter um brilho cristalino, enquanto na década de 1630 o retratista Van Dyck passava suas horas vagas esboçando paisagens em aquarela. Nos anos 1640, o escritor Samuel Pepys interessou-se pela aquarela, mas foi só em 1784, quando Reeves (ainda hoje uma famosa marca de produtos de arte) inventou a aquarela em tabletes, que o meio se tornou portátil para uso ao ar livre.

Aqueduto de Chirk - John Sell Cotman usou um ponto de vista abaixo e ignorou os detalhes para dar ao aqueduto uma grandiosa generalizada.

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O próprio nome “aquarela”, derivado de aqua, água, já indica suas qualidades. Fluida e translúcida, a aquarela é ideal para tons pálidos e mudanças ambíguas de cor. Um tanto subestimada, a aquarela está meio caminho entre o desenho e pintura, o que a torna ideal para pinturas ao ar livre. Daí sua grande utilização nas paisagens inglesas.

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Temas

Técnicas

A parceria entre a aquarela e o papel torna esse meio diferente de qualquer outro. A tinta a óleo se fixa no suporte, enquanto a aquarela flutua sobre o papel.

Ao contrário de outros pintores, os aquarelistas obedecem a certas regras tácitas: alguns, por exemplo, não usam tinta preta ou branca. Assim sendo, quando querem a cor branca, deixam o papel visível ou usam uma técnica chamada “stopping out”: borrar a cor enquanto a tinta está úmida. Turner, por outro lado, raspava o branco com a unha depois que a tinta tinha secado.

Os paisagistas elevaram o nível da aquarela.

Fundaram a Old Watercolour Society em 1804 e criaram obras cuja qualidade competia com a das pinturas a óleo.

David Cox, the elder (English, 1783-1859) The Fish Market on the Beach at Hastings, 1819, Watercolor 19 5/16 x 27 5/16 in.

Chazen Museum of Art, Chicago, IL

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A paisagem foi o principal tema dos aquarelistas ingleses, que se dividiam em dois grupos. No século XVIII, desenhistas militares como Paul Sandby registravam cenas numa espécie de mapa. Essa abordagem topográfica foi usada antes do advento da fotografia para fazer representações precisas de acidentes naturais ou artificiais. O outro grupo incluía artistas como Alexander Cozens e John Sell Cotman, que enfatizavam mais as qualidades criativas e poéticas que os aspectos topográficos. A tensão entre os dois grupos era alta. Os topógrafos consideravam os textos de Cozen pitorescos, e seu método de pintar paisagens um “borrão” .

Alexander Cozens

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Alexander Cozens é considerado um dos principais aquarelistas do século XVIII e um dos primeiros artistas ingleses a pintar exclusivamente paisagens. Sua obras ajudou a colocar a paisagem em destaque ao apresentá-la de um ponto de vistas subjetivo e imaginário. Essa abordagem poética culminou no estilo romântico do século XIX. Nascido na Rússia, onde seu pai trabalhava como consultor de navios, mas educado na Inglaterra, Cozens mais tarde estudou paisagem com ClaudeJoseph Vernet em Roma. De à Inglaterra, trabalhou como mestre desenhista e professoras enquanto desenvolvia suas teorias sobre a pintura de paisagens.

Cozens inventou uma técnica chamada "blot drawing", que desenvolveu a partir das ideias de Leonardo da Vinci. Ele fazia "manchas" aleatórias sobre o papel, para provocar sua mente, criando paisagens imaginárias. Essa técnica ele explica num tratado escrito em 1786, A New Method of Assisting the Invention in Drawing Original Compositions of Landscape (Um novo método para estimular a invenção de composições originais de paisagens).

Paisagem fantástica - Cozens identificou dezesseis temas paisagísticos e 27 condições de observação, como as horas do dia ou tipos de clima, que poderiam ser usados para criar paisagens poéticas. C. 1780- 85, aquarela com lápis sobre papel, 40 x 53 cm, Yale Center for British Art, New Haven, EUA

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John Robert Cozens

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John Robert Cozens foi considerado por John Constable "o maior gênio que se dedicou à paisagem". Estudou com o pai, Alexander Cozens, mas desenvolveu um estilo mais naturalista, ainda que altamente evocativo e envolvente. Suas aquarelas exerceram grande influência sobre os paisagistas britânicos durante gerações.

Cozens realizou sua primeira exposição de desenhos em 1776 na Society of Artists. Fez duas longas viagens à Europa em 1776-79 e 1782-83, quando descobriu nos Alpes, e depois, no interior da Itália o tema que iria ter uma profunda influência sobre sua arte. Suas pinturas de nuvens e montanhas pressagiam a obra de artistas como Thomas Girtin e J. M. W. Turner. A arte de Cozens tinha quase sempre um tom melancólico, provavelmente porque ele sofria de grave depressão, que acabou levando-o à insanidade e à morte aos 45 anos. Apesar disso, a visão poética de suas obras finais, como Vista de Windsor do Sudoeste (1792), supera a de qualquer um de seus contemporâneos ingleses na pintura de paisagens.

Bessanone, Sul de Tirol - Aqui, Cozens capta brilhantemente a grandiosidade e o mistério do cenário alpino que inspira a imaginação do observador. A combinação de tons de cinza, azul e verde contribui para o clima envolvente . C 1782-83, aquarela sobre papel, University of Liverpool Art Gallery, Reino Unido

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Thomas Girtin

Considerado no mesmo nível de Constable e Turner em seu campo, Thomas Girtin ficou famoso por suas criativas paisagens, sendo fundamental na efetivação da aquarela como importante forma de arte.

Suas primeiras obras mostram o estilo topográfico do século XVIII, mas mais tarde ele desenvolveu uma técnica ousada, que evocava a impressão de espaço e atmosfera. Girtin fez esboços de paisagens em suas viagens pela Inglaterra e, por volta de 1799, já tinha atraído eminentes patronos, entre eles o colecionador de arte Sir George Beaumont. Também foi amigo de J. M. W. Turner. Quando crianças, os dois tinham trabalhado como coloristas para um comerciante de gravuras.

Casa branca em Chelsea - Girtin pintou duas versões dessa cena, que mostram seu domínio da aquarela e sua força como artista. Esta vista do Tâmisa ao entardecer transmite brilhantemente um clima de calma e reflexão. 1800, aquarela sobre papel, 31 x 51 cm, coleção particular

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John Sell Cotman

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Paisagista e gravador John Sell Cotman foi praticamente um autodidata, e, no entanto, aos dezoito anos, já expunha na Royal Academy.

Em 1798, deixou sua cidade natal para estudar em Londres. Entre 1800 e 1806, fez várias viagens a Yorkshire e ao País de Gales para fazer esboços, e algumas das obras desse período estão entre as melhores paisagens de seu tempo. Em 1806, voltou a Norwich, onde expôs na Norwich Society of Artists e deu aulas.

Mais tarde, trabalhou como desenhista arquitetônico, voltando a Londres em 1834.

Ponte Greta - Durham Essa é talvez a obra mais famosa de Cotman, característica das aquarelas que ele produziu quando visitava a região. É feita quase toda de pinceladas planas de cores frias. C. 1805, aquarela, Museu Britânico, Londres, Reino Unido

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Filho de um ferreiro de Birmingham, David Cox e tornou um dos principais aquarelistas ingleses de sua época. De fato, em 1852, um artigo publicado na revista Spectator declarava que "em seu trabalho há força e percepção suficientes para sobrepujar todos os outros juntos".

Cox começou sua carreira como aprendiz de um pintor de miniaturas e também trabalhou como pintor de cenários para teatro. Em 1804, mudou-se para Londres, onde começou a expor na Royal Academy, aliando a carreira artística à de professor. Entre 1826 e 1832, fez várias viagens pela Europa para fazer esboços.

A partir de 1844, também fez visitas regulares ao norte do País de Gales, onde produziu algumas de suas mais famosas aquarelas.

Rhyl Sands - David Cox , c.1854,Oil paint on canvas,454 x 630 mm. Collection Tate Acquisition Purchased with assistance from the Friends of the Tate Gallery 1985

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David Cox

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AMÉRICA COLONIAL

Origens e Influências

No fim da década de 1700, a demanda pela pintura de retratos cresceu em todas as colônias, uma vez que ricos colonos de Boston a Filadélfia e a Charleston procuravam preservar as histórias de sua família e afirmar sua condição social e política.

A Europa, e particularmente o vibrante mundo artístico londrino, oferecia artistas e modelos de arte, e os novos patronos das artes quase sempre dependiam de gravuras e livros importados para conhecer as últimas tendências da moda.

Muitos dos artistas das colônias tinham nascido e estudado na Europa. Artistas como Benjamin West, porém cruzaram o atlântico na direção oposta para fazer carreira e nunca voltaram, enquanto outros, como Charles Willson Peale e Gilbert Stuart, foram apenas estudar e aperfeiçoar seu talento. O ateliê londrino de West, por exemplo, atraiu uma geração de pintores norte-americanos ansiosos por estudar arte e pintura.

Monticello Thomas Jefferson - uma das mais proeminentes figuras políticas da América colonial, projetou sua casa perto de Charlottesville, na Virginia, coforme os princípios da arquitetura clássica de ordem, racionalidade e simetria.

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À medida que a população das colônias britânicas crescia e os colonos amealhavam grandes fortunas, cresceu a demanda por produtos de consumo e de luxo. O desejo de possuir objetos decorativos, belos móveis, gravuras, pinturas e outros bens não apenas apressou o comércio ultramarino, particularmente com a Grã-Bretanha, mas também impulsionou o trabalho de artistas e artesãos locais.

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Temas

Fatos da Época 1776 - O Segundo Congresso Continental das 13 colônias americanas aprova a Declaração de Independência, desencadeando uma guerra contra a Inglaterra.

1786 - Charles Willson Peale inaugura em Filadélfia um museu público que valoriza a arte e a natureza e exibe retratos dos líderes da Guerra da Independência.

1789 - Depois da ratificação da Constituição norte americana, George Washington é eleito o primeiro presidente dos Estados Unidos da América.

Mrs. James Warren - Mercy Warren, um brilhante satirista, se dividia entre a convenção e a ambição. Seu olhar direto dá uma pista disso, mas Copley se concentra em seu elegância e feminilidade de nutrir. C. 1763, óleo sobre tela, 126 x 100 cm, Museum of Fine Arts, Boston, EUA

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Os centros artísticos europeus continuaram atraindo artistas aspirantes muito depois da Guerra da Independência. Na América, floresceu a pintura de retratos de heróis políticos como George Washington.

O nascimento da nação também despertou maior interesse por esculturas públicas e pinturas históricas. A decoração do edifício do Capitólio em Washington, sede do Congresso americano, foi reformada e ampliada após danos sofridos durante a guerra contra a Inglaterra em 1812, celebrando em pintura e mármore as histórias da fundação do país e de seus líderes carismáticos.

Benjamin West

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Chamado o "pai da pintura americana", Benjamin West foi o mais famoso pintor histórico de seu tempo e o primeiro pintor histórico famoso de seu tempo e o primeiro pintor americano a alcançar fama internacional.

West fez sucesso cedo como pintor de retratos em seu país natal. Depois estudou na Europa, absorvendo as influências do Renascimento, da arte barroca e dos artistas contemporâneos antes de se estabelecer em Londres, onde viveu pelo resto da vida. Seu charme colonial intrigava os patronos, e ele rapidamente ganhou aplauso popular e a amizade de Joshua Reynolds, o mais influente pintor inglês do século XVIII. Seguiu-se o patronato oficial da realeza, o que fez West abandonar os retratos e se concentrar nos temas históricos, religiosos e mitológicos que se tornaram seu forte. Embora nunca tenha voltado aos Estados Unidos, West foi um mentor para os artistas americanos que visitavam a Europa, e sua obra influenciou profundamente o desenvolvimento da arte americana do início do século XIX.

Morte sobre um cavalo pálido - Essa visão apocalíptica marca o fim do Neoclassicismo e antecipa o estilo emocional dos românticos. 1796, óleo sobre tela, 59 x 129 cm, Detroit Institute of Arts, EUA

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Pintor, escritor, soldado e diplomata, John Trumbull ficou famoso ao pintar os principais fatos e pessoas da Revolução Americana. Depois de se formar em Harvard, trabalhou como professor e soldado revolucionário.

Fez várias visitas a Londres, onde estudou por algum tempo com Benjamin West. Em 1817, foi encarregado de pintar grandes murais para a rotunda do Capitólio em Washington, mostrando "os fatos mais importantes da Revolução Americana" . Entre eles há uma versão de sua obra mais famosa, A declaração de independência.

A declaração de independência - Essa pintura icônica de Trumbull é uma das mais reproduzidas na arte americana, chegando a figurar no verso da nota de dois dólares. Muitos dos personagens foram pintados ao vivo. 1786-1820, óleo sobre tela, 53 x 79 cm, Yale University Art Gallery, EUA

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John Trumbull

John Singleton Copley

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Considerado o maior pintor da América colonial, John Singleton Copley foi um autodidata. Seu extraordinário talento lhe trouxe sucesso precoce como retratista, e na década de 1760 ele já possuía uma pequena fortuna e convivia com a sociedade afluente. Seus retratos coloniais são às vezes rígidos e desajeitados, mas mostra grande vigor no desenho e caracterização. Muitas vezes, pintava as pessoas em sua vida cotidiana, o que ajudava a criar um clima de intimidade.

Copley mudou-se para a Europa em 1774, encorajado por seu compatriota Benjamin West. Ao contrário de West, porém não teve sucesso profissional duradouro na Inglaterra. Seu estilo tornou-se mais ornamentado, perdendo o vigor e a originalidade presentes em suas primeiras obras. Copley passou da pintura de retratos para as cenas históricas, e, apesar de alguns elogios, sua popularidade começou a declinar nos anos 1780. Morreu com dívidas.

Watson e o tubarão - Esse retrato de um fato real se concentra numa pessoa comum, um menino de catorze anos atacado por um tubarão na costa de Havana. Esta é uma versão ligeiramente posterior ao quadro que Copley expôs em 1778.

A atenção se concentra na tensão e no drama do resgate graças à composição das figuras, colocadas dentro de um "triângulo" formado pelo remos, pela vara e pelos braços estendidos. 1782, óleo sobre tela, 91 x 78 cm, Detroit Institute of Arts, EUA

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Charles Wilson Peale

Legenda da foto: Retrato feito por Rembrandt Peale Charles Wilson Peale foi um brilhante retratista americano que revelou especial talento para captar o caráter de seus modelos. Ele é mais conhecido pelos retratos de importantes figuras do período revolucionário, particularmente de George Washington. Durante sua longa vida, Peale pintou mais de mil retratos.

Seus nítidos contornos, suas cores sóbrias e emoções contidas indicam uma afinidade com o estilo Neoclássico.

Homem erudito e multifacetado, Peale também foi militar, inventor, reformador agrário, escritor, ativista político, naturalista e fundador do primeiro museu importante do país. Casou-se e enviuvou três vezes e teve dezessete filhos, dos quais vários tornaram-se artistas. Peale ajudou a fundar a Pennsylvania Academy of the Fine Arts em Filadélfia e continuou pintando até o fim da vida.

Entretanto, nos últimos anos interessou-se cada vez mais pela história natural.

George Washington - em Princeton Considerada a imagem definitiva de Washington no auge de sua carreira militar, esse retrato otimista foi aclamado em toda parte. 1779, óleo sobre tela, 233 x 148 cm, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Filadélfia, EUA

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Gilbert Stuart

Um dos mais extraordinários pintores de seu tempo, Gilbert Stuart pintou praticamente todas as principais personagens do período federalista americano.

Atribui-se a ele a criação de um estilo de retrato tipicamente americano, e sua obra é famosa pelas pinceladas fluentes, brilhante caracterização, vitalidade e naturalidade.

Stuart estudou e trabalhou em Londres com Benjamin West, e também passou algum tempo na Escócia e na Irlanda. Em 1793, voltou aos Estados Unidos, onde fez fama. É mais conhecido pelo seu retrato de George Washington, e sua obra influenciou fortemente os artistas mais jovens.

Retrato de jovem - c. 1802-04 Benjamin West apreciava Stuart pelo talento de "pregar um rosto à tela". Stuart consegue criar uma pose espontânea, como se a modelo tivesse erguido os olhos da carta que estava escrevendo, e capta o frescor da pele da jovem. C. 1802-04, óleo sobre tela, 73,6 x 61 cm, Indianapolis Museum of Art, EUA

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DESIGN E TECNÓLOGIA GRÁFICA II

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Hoje em dia, a palavra produção significa muitas coisas, que estão sendo continuamente redefinidas. Para resumir, a produção é tudo o que precisa acontecer com o design antes dele ser executado. Não faz muito tempo, especialistas treinados em uma empresa de pré-impressão, selecionadores de cor ou impressores, encarregavam-se do processo de produção. Os profissionais da pré-impressão cuidavam da separação de cores, dos retoques, do trapping (sobreposição de cores) e a composição tipográfica. Agora, mais do que nunca, o designer que gosta de fazer o melhor, precisa se preparar para ter certeza do que o espera. Bem-vindo à era digital. Os computadores revolucionaram o design. De repente, o designer tem mais controle sobre o processo, o que torna o design mais desafiador e complexo, com as constantes mudanças nas técnicas e nas tecnologias. Atualmente o designer é exigido para tomar decisões bem fundamentadas, utilizando seus conhecimentos do processo de produção. Essa compreensão da produção vai fazer a diferença entre um grande design ou apenas um grande esforço perdido

O projeto está pronto, e agora? Desde o início, visualize o fim. Desenvolva um pensamento claro e preciso desde o princípio. Esteja presente em cada passo do processo para transmitir e preservar a sua visão do design. Você é a pessoa mais indicada para transmitir as suas intenções. Saiba quais perguntas fazer, de modo a gerenciar as suas expectativas e as de seu cliente ao se relacionar com seus fornecedores gráficos. Desenvolva o relacionamento com ele para resolver qualquer problema em potencial que possa surgir. Envolva-o desde o princípio no processo de criação, de modo que o seu design não exceda nenhuma limitação ou capacidade de produção. Essas parcerias vão prevenir problemas sérios na impressão, evitar embaraços ou desapontamentos no acabamento, e, por fim, vão viabilizar os resultados como planejado.

Conhecer as opções, e o que é possível fazer, facilita a comunicação. Aprenda sobre os padrões da indústria. Identifique o melhor processo de impressão para seu projeto e esteja familiarizado com esses métodos. Depois, escolha um impressor com base na reputação, na experiência, no equipamento atualizado, na confiabilidade e na disponibilidade.

Dentre as principais técnicas de impressão disponíveis estão; OffSet, Flexografia, Rotogravura, Impressão Tipográfica/letterpress, Serigrafia e Impressão digital. A Impressão Digital sera o método de impressão escolhida para a produção deste livro, pois é um processo conhecido como impressão sob demanda, que está ganhando mercado. Esta técnica utiliza impressoras digitais de grande porte. O grafismo é gerado a partir de um arquivo digital. É particularmente indicada para projetos que necessitem de impressões rápidas e de baixa tiragem, ou tenham cronogramas apertados e possuam dados variáveis, como em malas diretas.

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DESIGN E TECNÓLOGIA GRÁFICA II Katy Brighton

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Você encontrou o impressor, escolheu o substrato, especificou as cores. Agora vem a parte divertida: uma infinidade de decisões que precisam ser tomadas para acrescentar os toques de acabamento ao seu design:

Revestimento — trata-se do processo de aplicação de um produto protetor sobre uma substrato impresso ou não. Tem a dupla finalidade de proteger ou destacar uma superfície. Por exemplo: em uma capa de livro você pode aplicar a laminação a quente (BOPP) para proteger a área impressa do manuseio do leitor. Nesta mesma capa é possível aplicar verniz UV em relevo, para destacar áreas específicas de seu design. Há inúmeras possibilidades de materiais e uso na área dos revestimentos. Consulte o seu fornecedor gráfico.

Gravação em relevo — é um processo que utiliza placas de metal (cliché) para imprimir imagens ou texto em uma área específica de seu design. A gravação pode ser em baixorelevo ou em alto-relevo, também é um processo muito utilizado para livros de capa dura e nas sobrecapas em geral.

Estampagem a quente — processo de aplicação de películas metálicas (ouro, prata etc.) por meio de placas de metal que sobre forte pressão e calor transfere imagem ou texto para áreas específicas de seu design.

Corte e vinco — processo pelo qual o papel ou cartão é cortado em formato e áreas específicas por meio de lâminas de aço especialmente desenha e montada sobre uma base de madeira. É um processo muito utilizado para a produção de embalagens, rótulos, etiquetas etc.

Vincagem — processo semelhante ao corte e vinco que consiste na formação de sulcos em uma área específica do seu design para tornar a dobradura mais fácil e impedir que o papel quebre quando for manuseado. Por exemplo, o sulco que normalmente existe na capa de um livro ao longo da lombada.

Dobra — processo que utiliza máquinas especiais para dar formato final a uma folha de papel impressa. Por exemplo, para imprimir as páginas internas de um livro (miolo) a gráfica, normalmente, monta suas matrizes de impressão (chapas) com 16 páginas. Lembre-se de que a folha de papel é impressa nos dois lados (frente e verso); portanto, ao final do processo de impressão se obtém uma folha impressa com 32 páginas do conteúdo do livro. O processo de dobra transforma esta folha no que é chamado caderno.

Encadernação — processo utilizado para juntar os vários cadernos de livros, brochuras, folhetos etc. Existem vários de tipos de encadernação. Há encadernação com costura, cola quente ou fria, grampus de metal, com espiral plástica, com anéis de aço etc. Sua escolha vai depender do número de páginas, da gramatura do papel e também de como o seu material impresso será usado. Consulte sempre o seu fornecedor gráfico sobre qual o método de encadernação é mais adequado para seu projeto.

O design não se materializaria sem a etapa de produção. Ela é a antecipação do design.Cada passo precisa ser executado e cada cenário considerado. Os relacionamentos foram desenvolvidos,e alguns problemas foram evitados, embora outros tenham sido reconhecidos como oportunidades expressivas. Bravo! A jornada rumo à preservação da integridade do design começa com um designer bem informado.

Fundamentos do design. Debbie Millman, Rosari.

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TIPOGRAFIA II

TIPOGRAFIA II Marian Bantjes

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Fazer tipografia é como escrever. Você aprende os elementos básicos para construir algumas frases simples. Você aprende um pouco mais, para ser mais eloquente. Você pratica, conforme um conjunto confuso de regras e exceções. E, finalmente, você aprende a quebrar as regras e parte para a expressão pessoal. É claro que, infelizmente, aqui não há espaço suficiente para ensiná-lo sequer os elementos básicos da tipografia. Então, em vez disso, eu resolvi redigir um apelo apaixonado para impedir que você prejudique a mim e aos outros com algumas péssimas práticas usuais. A tipografia malfeita me faz estremecer de dor. A primeira coisa que eu preciso fazer é lhe dizer para que esqueça tudo o que seu professor de datilografia do colegial lhe ensinou. A máquina de escrever, embora fosse muito boa para as secretárias na década de 1970, é hoje um equipamento primitivo. Pense nela como um carrinho de bate-bate de um parque de diversões. Agora você cresceu e está sentado na direção de uma Ferrari. Aprenda a dirigi-la sem esbarrar em nada. Existem muitos conceitos a desaprender.

Para começar não coloque dois espaços no final de um período. Pare com isso já e, por favor, nunca mais me deixe ver isso novamente. Depois, apesar de você ser “pra frente”, não sublinhe textos para dar ênfase, nem para destacar títulos de livros ou revistas. Para esse fim, use o itálico. Algumas vezes use bold para ênfase, embora normalmente itálico seja melhor. E não use a tabulação para abrir parágrafos. A tabulação tem finalidades específicas, e sinalizar parágrafos não é uma delas. Não discuta sobre isso comigo. Apenas faça o que estou lhe dizendo.

Existe uma razão para se determinar o início de um parágrafo: indicar que “um novo pensamento começa ali”. Então, você deve usar algum método. Mas vamos fingir por um momento que os espaços entre linhas, as aberturas de parágrafos (que devem ser criadas em folhas de estilo padrão) e outros recursos custem dinheiro. Vamos dizer 100 reais. Toda vez que você iniciar um parágrafo vai lhe custar 100 reais. Você vai usar um espaço entre linhas e uma abertura de parágrafo? Portanto, são 200 reais! Não faça isso. Use um método, é tudo o que você precisa. Outra forma de economizar dinheiro na abertura de parágrafos é quando você tem o início de uma seção, ou um cabeçalho: você pode (deve) eliminar a o recuo do parágrafo, no início do texto, depois da pausa ou do cabeçalho. Não queira parecer o The New Yorker. Eles fazem isso de maneira errada e são pessoalmente responsáveis pela elevação de minha pressão arterial.

Verifique se você usa aspas e apóstrofos de verdade. É algo tão básico que me aborrece ter de explicar isso. Algumas pessoas as chamam de “aspas inteligentes”, mas o apelido é irrelevante.

Embora a aparência das aspas varie conforme o estilo dos caracteres, as aspas de fechamento devem ter a forma da vírgula, e as aspas de abertura devem ser iguais, só que invertidas.

Muitas vezes elas parecem pequenos seis ou noves, mas nem sempre. O apóstrofo tem sempre a mesma forma da vírgula e deve ser exatamente igual às aspas de fechamento simples (quando ela está invertida, trata-se apenas de aspas de abertura simples e não do apóstrofo).

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O apóstrofo tem sempre a mesma forma da vírgula e deve ser exatamente igual às aspas de fechamento simples (quando ela está invertida, trata-se apenas de aspas de abertura simples e não do apóstrofo). Esses outros caracteres, que normalmente vão para cima e para baixo e não têm a mesma forma da vírgula, são chamados de plicas ou duplas plicas, e são como agulhas para os meus olhos quando usadas no lugar das aspas e dos apóstrofos. Quando eu as vejo em algum documento, sinto dor física. A questão é que as aspas não são marcas de estilo, elas têm um significado. E, por falar nisso, o significado das aspas é indicar que algo foi dito (ou pensado, ou citado como exemplo), e não, como tantos parecem acreditar, para dar ênfase.

Reforçando o conceito: use itálico (ou bold) para ênfase e aspas para citação. Elas também são úteis para indicar o sentido de ironia, que normalmente é um efeito inesperado quando erroneamente as usamos para dar ênfase. Muitos ficam confusos a respeito do uso de hífens e de travessões, mas isso é realmente muito simples. Os hífens (-) são usados para manter as coisas unidas, os travessões m (—) são usados para manter as coisas separadas, e os travessões n (–) são usados para indicar um intervalo. Se o traço cria uma pausa ou um aparte, ele deve ser um travessão m. Algumas pessoas, e eu não sou uma delas, preferem usar o traço simples com espaço em ambos os lados, em vez do travessão. O traço simples com espaço em ambos os lados é a forma de pontuação aceita para indicar a pausa ou o aparte].

Quando for necessário definir o corpo do texto, não nos deixe atordoados e doentes com espaçamento variável entre as letras de linha a linha. Por favor, mude a configuração padrão para “justificado” no programa de editoração, para que o espaçamento seja zero por cento no texto inteiro. Quer dizer, o espaçamento entre as suas letras nunca deve espremer nem oscilar, não importa o que você veja nos jornais diários ou em revistas populares. Os designers de tipos passam muito tempo calculando o espaço correto entre cada par de letras. Por favor, respeite essa competência (se você ainda não ouviu o designer de tipos Lucas de Groot falar a respeito do assunto dos pares de kerning, você vai se juntar a mim e nos recolhermos à nossa insignificância).

Porém, lembre-se de que usar comprimentos de linhas mais curtos pode causar problemas no espaçamento entre palavras. O seu texto justificado está com linhas cheias de vazios e caminho de rato? Aumente o comprimento da linha, reduza o tamanho do tipo, acrescente alguma hifenização, e, em caso de dúvida, defina o texto como desalinhado.

Dificilmente os percebermos, tão acostumados estamos com o serviço que nos prestam. Se estiver usando o texto justificado, acione a hifenização, não permita mais do que duas ou três em uma sequência, e você estará prestando um grande serviço a todos nós. Mas, se estiver trabalhando sob alguma proibição de hífens, apenas defina o texto como desalinhado e nos livre de cair em rios de espaços em branco entre as palavras.

O texto ampliado é uma coisa, tem a atenção que merece, mas se um pequeno bloco de texto ficar sozinho em um título ou chamada, ou ainda no caso de uma legenda, verifique todas as linhas, levando em conta como são lidas, quais informações devem estar juntas e o que a forma final significa. Qual forma deveria ter uma pequena peça com tipografia display? Falando em geral, pequena e pesada. Ela deve ter linhas mais curtas no topo e embaixo, e um pouco mais larga no meio.

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Neste caso, estamos pensando em um homem de meia-idade, e não na mulher cheia de curvas: a chamada deve ser curta e grossa. Está na moda colocar muito espaço entre linhas, o que me choca no fundo da alma. Por que motivo você gostaria de ler longos corpos de faixas horizontais? Toda a questão de definir a mancha texto gira em torno de facilitar a leitura. O bloco de texto deve ser coesivo, apenas com o espaço necessário para a respiração entre as linhas, e não a ponto de fazer nossos olhos saltarem de uma linha para a seguinte. Por isso é tão cansativo ler esses tipos de textos. Vamos pensar nos marcadores/bullets e nos recuos: o primeiro ponto, eles aparecem juntos, unidos em sua violência mútua. Não usa marcadores/ bullets sem recuar o texto seguinte, e verifique se o recuo se alinha corretamente embaixo da primeira linha. O mesmo vale para as listas numeradas, e tome cuidado em especial com os números que terão dígitos duplos ou triplos. Pense nisso antecipadamente, então defina uma tabulação de modo que os números se alinhem à direita sob o último dígito ou período ou qualquer marca que venha em seguida, então se permita colocar um travessão simples n ou um travessão m, e defina outra tabulação para alinhar seu texto à esquerda. Bloqueie e carregue.

E, por falar nisso, os marcadores/bullets são bolinhas e não balas de canhão, então que sejam pequenos! Grandes o suficiente para que se possa vê-los, mas não tão grandes que espantem o leitor ao visualizá-los. A questão é criar hierarquia e ordem; portanto, mantenha tudo limpo e arrumado. Na medida do possível, não me venha com todas as letras digitadas em maiúsculas, se você tiver versaletes de verdade disponíveis. Elas vêm num formato separado das fontes Type 1, ou incluídas na maioria das fontes Open Type. Se você não as tiver, não as falsifique tornando-as maiúsculas encolhidas, ou usando aquele estúpido botão (Tt) dos softwares de editoração que deforma o desenho original da letra. Nesse caso, usar maiúsculas serve. Mas, em qualquer escolha, dê-lhes um pequeno espaçamento entre as letras: de 50 a 100 unidades, para uso no texto corrido, talvez mais, quando utilizado em títulos e cabeçalhos. Em todos os casos, mantenha consistência. Ela é a chave de tudo. Não use maiúsculas aqui, e minúsculas ali.

Se usar algarismos antigos, use-os do começo ao fim (e, em geral, se estiver usando algarismos antigos, você também deve usar minúsculas. Se usar itálico para ênfase, use do começo ao fim.

Agora, uma palavra ou duas sobre o texto de títulos e chamadas, quer dizer, o texto que fica sozinho, em destaque no corpo do documento, normalmente em tamanhos maiores do que o texto. Não confie no espaçamento de letras definido pelo software ou pelo designer de tipos, em corpos maiores a maioria dos tipos disponíveis precisa de algum ajuste. A primeira conduta necessária é um ajuste geral das letras. Quanto maiores forem, mais concentradas devem ficar.

Então, quase sempre será preciso fazer algum ajuste manual de kerning. De maneira similar, você provavelmente precisará ajustar a entrelinha de um tipo maior e, de novo, quanto maior o corpo, menor a proporção entre o corpo e a entrelinha.

O título é para ser visto! Não desmereça a tipografia deixando-a abandonada, virando-se por conta própria, parecendo uma garota com o vestido preso na roupa debaixo.

Siga em frente. Faça direito e faça bem-feito.

Fundamentos essenciais do design gráfico, Debbie Millman Rosari, 2002

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EMPREENDEDORISMO

EMPREENDEDORISMO

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Você já está demitido e não sabe.

Vitor Boccio Não. E não é culpa da crise, até por que elas vem e vão.

Existe uma coisa chamada crescimento exponencial, e isso faz o mundo andar cada vez mais rápido. Do crescimento da população ao desenvolvimento de novas tecnologias, velocidade de obsolescência das coisas e grandes mudanças culturais.

Um ser humano inventou o Uber e destruiu o esquema do taxi.

Outro, o Whatsapp e matou o sms.

O smartphone transformou operadoras de telefonia (existe?) em distribuidoras de banda. Você paga sua tv a cabo e nem assiste.

E mais mil exemplos desses. E assim caminha, rapidamente, a humanidade.

Se quiser se basear na fé, talvez encontre um pensamento mágico que nos salve.

Dirão os céticos: “sempre existem os cavaleiros do apocalipse, que diziam que tal coisa ia morrer, e tal coisa ia matar tal coisa”. De fato, não necessariamente uma coisa mata a outra.

Mas sim, uma coisa mata a outra se essa outra não olhar pra dentro e se reinventar.

Deixando de lado a fé, vamos voltar aos fatos.

– Quanto vale a marca Uber? Como ela se fez? Quanto de comunicação investiu? Qual o jeito de fazer e quanto tempo levou? O mundo todo conhece o Uber tanto quanto grandes marcas globais.

– E os estudantes de cinema de Berlim que fizeram um filme (Que filme!) para a Johnnie Walker. Visto pelo planeta. Aplaudido pelo planeta.

– A Netflix com faturamento gigantesco ameaça o negócio da TV. A queda de audiência de quem ainda protege o modelo de negócios no Brasil. Os bureaus de mídia pelo mundo e o jeito como a própria disciplina tem se reinventado, com aprofundamento de ROI e mensuração, mídia programática, customização de canais, etc.

– Indústria automotiva em pânico (e excitação) com os carros que andam sozinhos. Os Ubers que andam sozinhos. Os drones que levam pessoas pelos céus. Os drones Uber que farão a humanidade chegar no De Volta para o Futuro. O Google é concorrente e/ou parceiro de todo mundo. Até de você. Indústria alimentícia repensando tudo. Bancos, Imóveis, Escolas, Supermercados.

– A morte de todos os tipos de agentes, que não faziam nada mais que ser agentes. Corretores de imóveis, agências de turismo, operadora de hotéis, cartões de crédito tradicionais, cooperativa de táxi. Fim dos intermediários que não tem um valor além de, simplesmente, intermediar.  – Falência moral e/ou financeira das instituições duras: Fifa, governos e classe política, Sindicatos, Grupos disso ou daquilo. O Vaticano, por exemplo, tenta desesperadamente com o Papa Francisco se conectar a outros tempos, outros valores, sobreviver.

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Os Youtubers e influencers com mais reputação, audiência e moral que os velhos atores de sempre, da novela de sempre. Qualquer um pode ser a nova sensação do último minuto da próxima semana. Antes tinha um papo de “isso é coisa pra internet”. Acabou. Ninguém entra mais na internet. A vida é uma internet.

E diante de toda essa loucura, a primeira tentativa é a mais banal: protecionismo. CBF peitando a Primeira Liga com ameacinha coronelista, boba, colegial.

TV’s tentando apavorar a Netflix. Processos contra o Whatsapp.

Taxistas enfiando porrada no motorista do Uber.

Em vão. É tipo o velho casamento, que só se mantinha por causa de um papel. Separar era feio, e isso protegia a instituição casamento (e nos bastidores todo mundo fazia de tudo).

Protecionismo é coisa do século velho.

O negócio é: Entenda a mudança e, como diz a Dori pro Nemo, o peixe: “Continue a Nadar”.

O seu jeito de fazer não funciona mais. O que você faz será feito de outro jeito.

A proposta de valor da sua empresa não será a mesma. A ferramenta não será a mesma. A estrutura da empresa ou necessidade dos clientes não será a mesma.

O velho planejamento e o planejar não funcionam mais.

Mas cá entre nós, que tesão viver nesse mundo, não?

Nunca foi tão fácil aprender.

Nunca foi tão acessível se conectar com gente que pode ajudar. Nunca foi tão interessante mensurar Nunca foi permitido errar como se pode errar e corrigir hoje. Nunca foi tão convidativo e rápido mudar, rever, construir.

Enfim. A mudança é forte e rápida.

De alguma maneira, ela irá chegar até você.

E por isso você já está demitido.

Demitido do seu velho você. Do que ele fazia, pensava e agia.

E, na minha opinião, esse é o primeiro passo para que alguma transformação aconteça.

Precisamos de profissionais pra transformar, por exemplo, as agências.

Dar uma nova perspectiva, sustentabilidade e relevância na vida das (novas) companhias.

Resgatar o respeito, o papel, a estratégia, o espaço, o talento, a motivação.

Vamos assistir todo mundo querendo ir trabalhar em qualquer outra coisa? A fonte secar?

Saber que estamos ameaçados pode ser um combustível pra nos fazer acordar mais cedo, prototipar coisas, tentar o que ninguém tentou. Inverter ou subverter a lógica. Cruzar agência de propaganda, lab de inovação, startup, academia, engenharia, tudo! Chamar a responsa.

Percebemos e repensamos. Ganhamos uma nova vida.

Muito mais legal, inspiradora, e em busca de ter maior relevância.

Uma vida que quer se plugar num mundo mais flexível, inspirador, democrático, orgânico e de possibilidades infinitas. Sem a demissão, nada aconteceria.

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REPRESENTAÇÃO GRÁFICA DIGITAL VII

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REPRESENTAÇÃO GRÁFICA DIGITAL VII

A alfabetização em design, ou alfabetização visual na prática do design, é uma preocupação fundamental para quem está envolvido na criação de comunicação visual. O entendimento das inter-relações entre as considerações formais de forma, cor, organização e composição e os sinais culturais embutidos na comunicação gráfica está no cerne das abordagens bem-sucedidas e eficazes ao design. Embora seja difícil apontar um corpo de conhecimento considerável que pudesse constituir uma epistemologia do design gráfico, em especial teorias e ideias que estejam diretamente relacionadas ao ato de criar design, é razoável aceitar que muitos dos aspectos formais do design estão fundamentados em uma vasta gama de ideias e teorias subjacentes.

Princípios como a Gestalt – que significa o todo unificado, oriundo da psicologia e do entendimento de como a percepção visual humana se comporta – estão no cerne do design gráfico. As formas como os elementos visuais formam um design são capazes de comunicar de maneira mais ou menos eficaz dependem, em grande parte, de uma série de fatores que são descritos por alguns dos princípios definidores da Gestalt e da percepção. O princípio fundamental da Gestalt é conhecido como Prägnanz, e baseia-se na tendência humana de organizar elementos de maneira regular, simétrica e, em grande medida, baseada na simplicidade. A teoria dos princípios inatos pelos quais os objetos e suas relações podem ser percebidos como estando organizados ou agrupados é um alicerce útil para o designer no entendimento de como a composição pode comunicar sentido para o espectador. Essa análise da forma e das relações dentro de uma composição tem como base o pensamento sobre design em termos de conceito como fechamento, semelhança, proximidade, simetria e continuidade.

Essas ideias, extraídas de um ramo da psicologia que tem sua base no holístico, podem ser descritas, em geral, como o todo sendo maior do que a soma de suas partes.

Max Wertheimer, uma das figuras centrais e fundadoras da psicologia da Gestalt, também descreve como o pensamento pode ser classificado em dois modos: pensamento produtivo e pensamento reprodutivo. O primeiro é baseado na solução de problemas e em sua relação com a noção de insight: respostas espontâneas e imediatas a situações e ambientes. O segundo modo, pensamento reprodutivo, é baseado no que foi previamente aprendido e compreendido.

Essas ideias estão relacionadas a uma abordagem mais deliberada à comunicação visual e aos processos em ação durante a criação de um design, bem como aos fatores em ação nos sistemas de comunicação.

Há muitas outras ideias significativas que podem ser incorporadas a partir de áreas fora do design e que poderiam também ser consideradas úteis para descrever as bases de uma abordagem rigorosa à alfabetização visual / em design. Essas ideias podem ser classificadas como pertinentes à composição, à cor, aos materiais e à forma.

O grid ou sistema de trabalho base de um projeto – uma estrutura criada para garantir a harmonia e consistência interna de um layout de um livro ou cartaz – pode ser pensado usando ideias relacionadas à razão áurea, também conhecida como “proporção áurea” ou “número áureo”.

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ALFABETIZAÇÃO VISUAL NA PRÁTICA DE DESIGN

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Essa razão pode ser encontrada na natureza, na arte e na arquitetura, e pode ser descrita matematicamente por meio da divisão de uma linha em duas partes de modo que a parte mais longa, dividida pela parte mais curta, seja igual ao comprimento total dividido pela parte mais longa.

Argumenta-se que essa relação é geralmente capaz de criar uma preferência estética fundamental na maioria dos indivíduos. Assim como muitas dessas “leis” ou “princípios”, seu valor não está em oferecer um código rígido ou uma doutrina de atuação para designers, mas sim em oferecer uma racionalização ou explicação – uma ferramenta e um guia para o entendimento. A composição e editoração podem ser abordadas pela utilização de uma técnica conhecida como “regra dos terços”. Mais uma vez, essa técnica está fortemente relacionada à razão áurea, e baseia-se na divisão de uma determinada área de terços, tanto vertical quanto horizontalmente, para criar uma estrutura de grid formada por nove retângulos e quatro interseções. Esse conhecimento pode ser útil na construção de um layout.

O entendimento de relação entre os matérias empregados em um design e a mensagem que é “transmitida” é um fator significativo que pode ser explicado pela teoria das affordances.

Essa teoria está relacionada às propriedades físicas empregadas em um design – sua “materialidade”. Por exemplo, a formatação e a capa de um livro criam um efeito ou resposta emocional no usuário, seja pela escolha dos materiais empregados, pela forma ou escala do livro ou pelo uso de ilustrações ou fotografias. Embora a fotografia ou reprodução, por si só, não possibilite affordance alguma, ela desencadeia uma associação com a affordance do objeto na mente do espectador.

Outras áreas importantes da alfabetização em design envolvem a questão de como a cor é utilizada dentro de uma composição geral. Embora a seleção inteligente de paletas de cores e de combinações de cores possa ser empregada para criar um design esteticamente agradável para o espectador, ela também pode funcionar para enfatizar hierarquias, estruturas e relações. Em muitas partes do mundo, a utilização de cor indica um sentido, quando associada à forma. Os sistemas de sinalização de trânsito nas estradas são um bom exemplo disso. À medida que as tecnologias permitem que nos tornemos mais e mais interconectados, a maneira como nos comunicamos tem um contexto cada vez mais global. Isso cria a exigência adicional de que o comunicador visual compreenda o sentido de muitos dos elementos menores de um projeto. Forma e cor, por exemplo, e como elas são entendidas, não são baseadas em convenções universais e estão abertas à interpretação. O estudo dessa questão é conhecido como semiótica e está relacionado também a áreas como imagem e texto. A semiótica, ou semiologia, pode ser compreendida como a ciência dos signos e de como eles operam no mundo. Seria fácil pensar em alfabetização visual em design como algo que diz respeito apenas aos aspectos formais da composição, mas para que um design funcione de maneira eficaz, um conjunto mais amplo de aspectos culturais deve ser compreendido para garantir que os processos de interpretação e denotação estejam igualmente integrados a uma abordagem geral à comunicação visual. Esses entendimentos formam as bases a partir das quais é possível criar um projeto eficaz.

Noble, Ian. Pesquisa Visual: introdução às metodologias de pesquisa em design gráfico Ian Noble, Russell Bestley. 2a edição. Porto Alegre: Bookman, 2013.

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HISTÓRIA DO DESIGN III

HISTÓRIA DO DESIGN III

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As Exposições Universais e a Reconstrução do Tempo Este texto pretende discutir como as Exposições Universais estabeleceram novos paradigmas não somente para estas nações, mas para as ideias de progresso e futuro que irão se desenvolver ao longo do século XX. Pretendemos também delinear como as Expos ( como passaram a ser conhecidas a partir de um momento) ajudaram a estabelecer a noção moderna de um mundo de fronteiras cada vez mais próximas e de um tempo reconstruído em intervalos cada vez mais curtos.

A Grande Exposição Universal de 1851: o império têm urgência O pioneirismo em montar uma exposição para apresentar novos produtos e invenções pertence aos franceses: desde 1798 eles montavam mostras periodicamente, mas elas costumavam ser “uma mistura agradável de produtos agrícolas, invenções mais ou menos convincentes, objetos de arte e bibelôs à venda.” Estas mostras eram de cunho nacional: “as nações estrangeiras não eram convidadas: os ‘industriais’ franceses não queriam se esbarrar na concorrência” .

A exibição inglesa de 1851 quebrou a monotonia: intitulada A Grande Exposição dos Trabalhos da Indústria de Todas as Nações , ela mudou os parâmetros de montagem de mostras expositivas. Sua primeira inovação foi convidar outras nações a exibirem suas criações: 32 países teriam participado da mostra, segundo nos informa JACKSON (2008). A mostra rompeu escalas, a começar com a grandiosidade do edifício que a abrigou: “uma estrutura gigantesca de ferro e vidro cobrindo mais de sete hectares de terreno, com um vasto espaço interior onde caberiam quatro igrejas do tamanho da catedral de St. Paul” . .. Nomeado Palácio da Grande Exposição dos Trabalhos da Indústria de Todas as Nações, o edifício foi apelidado de Palácio de Cristal pela revista semanal inglesa Punch. Montado em cinco meses e meio apenas, ele era “magnífico; porém mais ainda por ser tão repentino, tão surpreendente por ser todo de vidro, tão gloriosa e inesperadamente real” . A rapidez com que foi montado ilustrava a velocidade que a modernidade impunha às novas sociedades industriais: a urgência em sua construção espelhava a urgência de uma nação que apressava o passo e colocava-se à frente dos demais países do continente europeu. Em seis meses, a mostra recebeu 6 milhões de visitantes, um número impressionante para a época.

Mas se a mostra de 1851 apresentava uma escala suprahumana e números exponenciais, foi a sua influência no cotidiano das pessoas comuns um dos seus maiores legados. O encanto que a mostra causava nos visitantes era notável, e visitá-la era quase uma obrigação. O maravilhamento das pessoas começava com o edifício, a maior construção em vidro já feita até então. Sua monumentalidade foi alcançada graças aos avanços da Revolução Industrial, cujo desenvolvimento tecnológico tornou possível a utilização do ferro pré-moldado e dos paineis de vidro em grandes estruturas arquitetônicas. O fato de ser todo em vidro dava ao edifício uma atmosfera especial, uma aura espectral, quase fantasmagórica. Uma vez passado o torpor causado pela monumentalidade da construção, o visitante se encantava com os produtos expostos: as máquinas apresentadas na Exposição prometiam organizar as tarefas diárias, tornando-as mais rápidas e eficientes.

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A exibição trazia ainda a ideia de um mundo encurtado, menor: em uma única visita era possível ver pavilhões de países distantes como o Egito, a Índia, a Turquia. Para a maior parte dos visitantes, a possibilidade de entrar em contato com culturas tão diversas era fascinante, algo impensável até há pouco tempo. Para o homem comum de meados do século XIX, cuja vida inteira se passava, muito provavelmente, em uma única cidade e às vezes em um único bairro ou distrito , visitar uma exposição universal era uma experiência transformadora. O próprio ato de se deslocar até a exposição, já propiciava, por si só, o vivenciar de um lampejo da modernidade: na nova era das máquinas, deslocar-se, viver a cidade e suas transformações são os fundamentos da nova época.

Quando Napoleão III se instalou no poder em 1852, projetos de modernidade estavam em seus planos: entre eles, a realização da Exposição Universal de 1855. Ela não foi um sucesso como a exposição inglesa de 1851, mas sua ocorrência e aquelas que a seguirão vão marcar o tom das próximas exposições internacionais: Mesmo não sendo tão grandiosa como a mostra de 1851, a mostra de 1855 espantava os visitantes ao apresentar-lhes a fotografia e a “aplicação doméstica da eletricidade” .

Na exposição de 1867, as fronteiras entre os países se tornam cada vez menores, possibilitando os visitantes transitarem de uma cultura à outra em minutos. O experimentar outras culturas era mediado também pelo olfato e paladar. As mais novas tecnologias serão exibidas nas Expos: na mostra de 1878, a iluminação elétrica foi instalada na Avenue d’Opera e na Place de l’Opera. A eletricidade ampliava as possibilidades da noite como espaço de entretenimento: o tempo diário se estendia, o dia se alongava.

Em 1889, na Expo que comemorava o centenário da Revolução Francesa, seus maiores trunfos foram duas joias arquitetônicas que competiam com a engenhosidade do Palácio de Cristal e glorificavam o poder da máquina: a Galerie des Machines e a torre Eiffel. A exposição, apesar da recusa de alguns países em participar de um evento que comemorava uma revolução, foi um triunfo: 32 milhões de pessoas a visitaram ( JACKSON 2006). A exposição celebrava a arquitetura do ferro, que já havia sido glorificada com a construção do Palácio de Cristal em 1851. Mesmo com um antecedente deste porte, a construção da torre Eiffel foi um espanto: com seus 320m de altura, ela causava vertigens nos visitantes. Sua iluminação elétrica também foi um sucesso: milhares de lâmpadas a adornavam, enquanto um raio tricolor saía de seu topo e iluminava os céus todas as noites. A mostra de 1900 foi montada em uma Paris bem diferente daquela que recebeu a exposição de 1855. O processo de reurbanização conduzido por Georges Haussmann durante o Segundo Império havia deixado a cidade mais rápida, pois as novas avenidas reduziram o tempo gasto nos deslocamentos. Flanar pela cidade havia se tornado um hábito de seus moradores, não mais circunscritos a pequenas distâncias entre os bairros em que moravam. Os pavilhões da mostra de 1900 e o deslocar-se entre eles eram um retrato desta cidade feérica, que exigia trilhos e relógios: “antes da estrada de ferro, possuir um relógio era um sinal de riqueza; desde então, tornou-se uma prova de civilização .”

A exposição de 1900 inaugurou um século que será pautado pela inovação tecnológica e pela construção do futuro. As expos subsequentes, realizadas em várias partes do mundo , reafirmaram este posicionamento. Mas nenhuma delas talvez tenha levado a ideia do futuro de maneira tão ousada e completa como a exposição de 1939, realizada em Nova York.

Com o slogan “O Amanhã é Hoje”, a feira de 39 foi pautada pela vontade norte-americana de mostrar que os difíceis anos de depressão econômica já tinham sido superados. “Construindo o mundo de amanhã com as ferramentas de hoje” : a nação agora mirava o futuro e mostrava ao mundo que, se havia um país pronto para chegar lá primeiro, estes seriam os Estados Unidos da América.

A feira de 1939 presentificava o sonho pensado em 1851: a crença em um mundo melhor, uma época futura em que a humanidade, sob os auspícios da máquina e da tecnologia, caminharia para uma era de paz e cooperação internacional. A Segunda Guerra Mundial irrompeu antes do término da feira, adiando os sonhos.

CLARK ( 2004), comentando a respeito da pintura de Manet sobre a exposição Universal de 1867, afirma que “ninguém acredita propriamente em uma Exposição, pelo menos não na sua pretensão de representar o mundo” . Difícil concordar com esta afirmação, quando se pensa na história das Exposições Universais. Seus organizadores e público acreditavam nas mostras, nas experiências que elas proporcionavam. Mais ainda, acreditavam no poder transformador destas experiências.

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Patrícia Helena Soares Fonseca

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PROJETO GRĂ FICO II

PROJETO GRÁFICO II

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A produção de um Livro independente A publicação de um trabalho significa que há mais de uma cópia dele e está disponível, de alguma maneira, a um público, seja grande ou pequeno. A publicação pode ser local e manual ou pode alcançar um vasto público no mundo todo. Fazer um álbum de recordações não é realmente publicar, mas produzir várias cópias de um livro de fotos e dá-las para os amigos e familiares, trata-se de um tipo informal de publicação. Para um trabalho ser publicado de modo mais formal, precisa ser acessível a um público mais amplo, tornando-se parte de um discurso partilhado —o registro público. Um trabalho público é disponibilizado onde qualquer pessoa pode vê-lo. Publicar envolve coragem e risco, é uma iniciativa empreendedora, no sentido intelectual e também financeiro, além disso, é expor-se e proclamar que você tem algum conteúdo que vale a pena compartilhar.

Publicar envolve tanto produzir quanto distribuir um trabalho. Primeiro você tem de apresentar seu conteúdo de uma forma física que as pessoas possam entender, e então precisa possibilitar que as pessoas o encontrem. (Se você tem 5 mil cópias impressas de um livro guardadas em sua casa, ele não está realmente disponível ao público; foi produzido, mas não distribuído.) Antes, livros e revistas só podiam ser encontrados em bibliotecas e livrarias, e era difícil introduzir publicações independentes naqueles lugares. Hoje, existem maneiras de esses pequenos formadores de conteúdo alcançarem o mercado.

O editor de um livro é, como o produtor de um filme, responsável por decidir se vale a pena publicar, fazer o seu design, imprimir, montar, comercializar e distribuir um determinado trabalho. O editor investe dinheiro e encontra as pessoas e serviços que farão todas essas coisas acontecer; o objetivo final é levar o livro até as mãos de leitores, vendendo-o a livrarias e a distribuidores, ou diretamente ao público.

A indústria editorial costumava ser uma comunidade fechada e controlada por um pequeno grupo de elite. Hoje, embora algumas poucas editoras grandes dominem o ramo editorial, empresas de menor porte estão começando a aparecer por toda parte, graças a novas tecnologias e maneiras de fazer, comprar e vender livros. Cada vez mais os editores estão criando trabalhos dirigidos para segmentos do mercado (de beatlemaníacos a designers), e eles estão usando a internet para alcançar os leitores diretamente.

A publicação independente abrange uma série de iniciativas empresariais, da iniciação de um único projeto de livro por um autor solitário a esforços contínuos por parte de organizações e indivíduos. Milhares de pequenas editoras em todo o mundo produzem livros em quantidades relativamente pequenas e os distribuem on-line, bem como por intermédio de livrarias.

Alguns serviços de publicação própria (como a Lulu.com) trabalham com os arquivos digitais do autor, prontos para imprimir, enquanto outros cobram taxas adicionais para fazerem editoração, projeto gráfico, impressão, marketing e distribuição. Em contrapartida, as editoras comerciais assumem o custo de todos esses serviços e (em geral) remuneram o autor pelo conteúdo.

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FUNDAMENTOS DA PUBLICACAO Ellen Lupton e Kelley McIntyre

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Grandes Mestres da Arte

Estabelecimentos que fazem publicações pagas com frequência são menosprezados com o termo “imprensa da vaidade”, mas essas conotações negativas estão mudando à medida que iniciativas independentes, de pequena escala, se tornam mais vitais e disseminadas. Na música, no cinema, na arte e no jornalismo, a ideia de mídia “independente” agora é aceita e até mesmo celebrada por artistas que também querem ser empreendedores e desejam trabalhar fora da indústria convencional.

Ao se tornar um editor, o autor ganha muita liberdade. Ele também assume o risco financeiro, a responsabilidade por todos os detalhes da produção e da distribuição. Por que alguém assumiria essas tarefas tão árduas quando existe uma indústria e profissionais para fazer isso?

Muitas pessoas começam suas próprias publicações porque não têm acesso às editoras —elas não têm contatos na área, não são conhecidas como autores, foram recusadas por editores e agentes literários, estão trabalhando em um gênero novo ou incomum, ou estão escrevendo para mercados especializados ou não valorizados. Outros querem ter total controle do design e da apresentação de sua obra. Alguns autores ou instituições fazem sua própria publicação a fim de realizarem o trabalho com mais rapidez, enquanto outros adoram a emoção de fazer um produto e vê-lo ganhar vida. Ao arcarem com o risco, eles poderão colher os lucros, se o seu negócio der certo.

De fato, a maioria das editoras começa com a visão de um indivíduo empreendedor (ou grupo).

Esses pequenos negócios às vezes se tornam lucrativos —ou pelo menos autossustentáveis. A maioria dos negócios editoriais, no entanto, não é tão motivada pelo lucro, mas mais pelo desejo de compartilhar ideias. Este guia é dirigido aos autores e artistas que estão começando a experimentar a ideia de fazer publicações independentes.

Cuidado: publicar um livro, assim como começar uma banda ou construir um blogue, é uma maneira improvável de enriquecer rapidamente ou de ficar famoso depressa. Publicar exige um trabalho manual intenso. Faça isso porque você se importa muito com o que tem a dizer, você quer dizer algo às pessoas, e porque tem o prazer de fazer as coisas acontecerem.

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LABORATÓRIO DE LINGUAGEM GRÁFICA II Técnicas de Video

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LABORATÓRIO DE LINGUAGEM GRÁFICA II Técnicas de Video

FILMES DO ROCOCÓ AO NEOCLASSICISMO Amor e Inocência 1795. Jane Austen (Anne Hathaway) tem 20 anos e começa a se destacar como uma escritora. Enquanto ela está mais interessada em desvendar o mundo, seus pais querem que ela logo se case com um homem rico, que possa assegurar seu status perante a sociedade. O principal candidato é o sr. Wisley (Laurence Fox), neto da aristocrata Lady Gresham (Maggie Smith), mas Jane se interessa é pelo malandro Tom Lefroy (James McAvoy), cuja inteligência e arrogância a provocam.

Em virtude da morte do marido, uma viúva e as três filhas passam a enfrentar dificuldades financeiras, pois praticamente toda a herança foi para um filho do primeiro casamento, que ignora a promessa feita no leito de morte de seu pai que ampararia as meias-irmãs. Neste contexto, enquanto uma irmã prática (Emma Thompson), usando a razão como principal forma de conduzir as situações, a outra (Kate Winslet) se mostra emotiva, sem se reprimir nunca com uma sensibilidade flor da pele.

A Duquesa Georgiana Spencer (Keira Knightley) casou-se aos 18 anos com o Duque de Devonshire (Ralph Fiennes), que queria a todo custo ter um filho. Possuindo o título de Duquesa de Devonshire, logo Georgiana demonstrou sua inteligência e perspicácia perante a corte inglesa. Entretanto ela não conseguia dar ao duque um filho, com todas as suas tentativas de ficar grávida resultando em abortos ou em filhas. Isto faz com que o relacionamento entre eles se deteriore, pouco a pouco.

Maria Antonieta A princesa austríaca Maria Antonieta (Kirsten Dunst) é enviada ainda adolescente à França para se casar com o príncipe Luis XVI (Jason Schwartzman), como parte de um acordo entre os países. Na corte de Versalles ela é envolvida em rígidas regras de etiqueta, ferrenhas disputas familiares e fofocas insuportáveis, mundo em que nunca se sentiu confortável. Praticamente exilada, decide criar um universo à parte dentro daquela corte, no qual pode se divertir e aproveitar sua juventude. Só que, fora das paredes do palácio, a revolução não pode mais esperar para explodir.

Todos os filmes indicados pela disciplina serviram de inspiração , base e referência para a produção deste livro. Roteiros que inspiram e fazem entender a influência que os períodos trouxeram para esses grandes mestres, que com seu brilhantismo nos fazem querer saltar para dentro de suas obras; que nos ajundam a entender e sentir como se estivesssemos vendo atraves de seus olhos.

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Grandes Mestres da Arte

Razão e Sensibilidade

BIBLIOGRAFIA

HASLAM, ANDREW. O Livro e o Designer II. 2 ed. São Paulo: Rosari, 2010.

LUPTON, ELLEN. PENSAR COM TIPOS. 2 ed. São Paulo: São Paulo, COSAC NAIFY, 2013

Grandes Mestres da Arte

WEBGRAFIA

http://warburg.chaa-unicamp.com.br/obras/view/8347 http://www.louvre.fr/en https://www.bridgemanimages.com/en-US/ https://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/?lng=pt https://www.city-discovery.com/madrid/attraction-397-prado-museum?gclid=Cj0KEQiAperBBRDfuMf72sr56fIBEiQAPFXszUTVw9q5XAclfpIrcEQ4DooQiRWtDlAK0EjIxzuRPbcaAo0E8P8HAQ http://www.florence-museum.com/uffizi-gallery-tickets.php?gclid=Cj0KEQiAperBBRDfuMf72sr56fIBEiQAPFXszZPuF10l2cWJ_nsua0dZc8EIKg5139l--K31DnOSQBoaAuJn8P8HAQ https://www.moma.org http://www.70anosdecinema.pro.br/2515-DESIREE,_O_AMOR_DE_NAPOLEAO_(1954)

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Grandes Mestres da Arte O Design deste livro foi composto por Melissa Mazzoni e impresso pela editora Desígnio , 1a. edição, 2016 , Português, tipografia big caslon medium e futura. 190 páginas, 19,5 cm x 24 cm (largura x altura), Polen 130 g/m², 4 x 4 cores, capa dura

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Índice

Grandes Mestres da Arte

A Academia de Viena Academia Royale Adolphine kobke Alameda do gim (Hogarth) Alemão e da Europa Central Rococó Rococó Italiano Alexander Pope (Rysbrack) Antíoco e Estratonice (David) Apolo Conduzindo Beatriz da Borgonha a Frederico Barba-Roxa (Tiepolo) Apoteose de Homero (Ingres) Apoteose de São Tiago (Maulbertsch) Apoteose do Imperador Carlos VI, A (Troger) Apresentação no templo (Maulbertsch) Apresentação no templo (Serpotta) Aquarelistas Aqueduto de Chirk (Cotman) Aquiles e a corte de Licomedes (Batoni) Arraia, A (Chardin) Arte Romana e Neoclassicismo Autoretrato com Angelica Peale e Retrato de Rachel (Peale)

Boilly, Louis-Léopold Boucher, François Britânico Aquarelistas Neoclassicismo Rococó Burke, Edmund

C Caçada de Lorde Torrington (Stubbs) Cachorro preto de Joe (Weiss) Caminho do Calvário, O Tiepolo Campo San Vidal e Santa Maria della Caritá (Canaletto) Canaletto (Giovanni Antonio Canal) Canova, Antonio Capriccio arquitetônico com obelisco (Robert) Capriccio com Ruínas Capriccio de um arco do triunfo visto através de um arco ornamentado (Canaletto) Carpaccio, Vittore Carregamento de carvão em navios de carga (Bewick) Carriera, Rosalba Giovanna Carroça da colheita, A (Gainsborough) Casa branca em Chelsea (Girtin) Catarina, A grande, imperatriz da Rússia Cavalo atacado por um leão (Stubbs) Cavalo de Marly (Coustou) Ceix e Alcione (Wilson) Chardin, Jean-Siméon Clemente XIII, papa Coliseu (Piranesi) Collot, Marie-Anne Conca, Sebastiano Constable, John Copley, John Singleton Corday, Charlotte Coração dos vencedores de Olímpia (Barry) corridas de cavalo Cotman, John Sell

B Balanço, O (Fragonard) Banhista, O (Falconet) Banhista de Valpinçon, A (Ingres) Banho Turco, O (Ingres) Barry, James Batoni, Pompeo Beatriz de Borgonha Beckford, William Bellotto, Bernardo Bernini, Gianlorenzo Brssanone, Sul do Tirol (Cozens) Bewick, Thomas

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Fragonard, Jean-Honoré Friedrich, Caspar David Fuseli, Henry

Coustou, Guillaume Cox, David Cozens, John Robert Crianças Graham, As (Hogarth) Crianças Peterson, As (Raeburn)

D

Gainsborough, Thomas Galeria em ruínas na Villa Adriana (Piranesi) Ganimedes e Júpiter (Thorvaldsen) Garrick, David Georg Friedrich Handel(Roubiliac) George Washington (Houdon) George Washington em Princeton (Peale) Gerard, M Gersaint, Edm Gilles (Watteau) Gillot, Claude Girodet, Anne-Louis Girtin, Thomas Gravelot, Hubert Greuze, Jean-Baptiste Gros, Antoine-Jean Guardi, Francesco Guardi, Giacomo Gunther, Ignaz Gustavo III, rei da Suécia

David Hume (Ramsay) David, Jacques-Louis Declaração da Independência, A (Trumbull) Degas, Edgar Delacroix, Eugène Descida da cruz (Rubens) Desfile ou cavalos de corrida diante do público, O (Degas) Diderot, Denis Dolfin, família du Barry, Madame Dughet, Gaspard Durer, Albrecht

E Eckersberg, Christoffer Wilhelm Educação do amor, A (Falconet) Entrada do grande Canal, Veneza (Bellotto) Eros e Psiquê (Canova) Escola de Atenas (Rafael) Escolha de Hércules, A (Flaxman) escultura, Neoclassicismo Experimento com uma bomba de ar, O (Wright of Derby)

H Hamilton, Gavin Hayman, Francis Henrique, oitavo lorde Arundell de Wardour (Reynolds) Hércules e Licas (Canova) Hércules matando a Hidra (Rottmary) Hogarth, William Honorável senhora Graham, A (Gainsborough) Houdon, Jean-Antoine Howard,Henry Hudson, Thomas Hume, David

F fábrica de porcelanas Falconet, Étienne-Maurice Figura de Fantasias (Fragonard) Figura de Meissen de um vendedor de aves (Kandler) Filhas de um pintor com o gato, As (Gainsborough) Filho Punido, O (Greuze) Fischer, Johann Michael Fischer von Erlach, Johann Flaxman, John Flecha, A (Fragonard)

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Grandes Mestres da Arte

G

I II bacino di San Marco (Canaletto) Ingres, Jean-Auguste-Dominique Interior da Basílica de São Pedro, Roma (Panini) Inverno (Houdon)

Grandes Mestres da Arte

J Janinet, Jean-François Josi, Christian Jovem com um papagaio (Tiepolo) Jovem Jóquei (Stubbs) Juel, Jeans Juízo final, O (Zimmermann) Juno e Júpiter (Hamilton) Juramento dos Horácios, O (J-L David)

K Kandler, Johann Joachim Kauffmann, Angelica Kobke, Christen

Mademoiselle O’Murphy (Boucher) Marat, Jean-Paul Marriage à la mode (Hogarth) Marte e Vênus (Sergel) Maulbertsch, Franz Anton Meissen Mengs, Anton Raphael Mercurio amarrando as sandálias (Pigalle) Monticello Monumento a Lorde Mansfield (Flaxman) Morte de lucrécia, A (Hamilton) Morte de Marat, A (J-L David) Morte sobre um cavalo pálido (West) Mr. e Mrs. Ralph Izard (Copley) Música (Falconet)

N Napoleão I, imperador Napoleão cruzando os Alpes (J-L David) Napoleão na batalha de Eylau (Gros) Napoleão visitando as vítimas da peste de jafta (Gros) Natureza morta com flores (Juel) Neoclassicismo Netuno oferecendo presentes a Veneza (Tiepolo) Ninfa Adormecida (Canova)

L Ladies Waldegrave (Reynolds) Landseer, Edwin Lawrence, Sir Thomas Lazzarini, Gregorio Lebrun, Jean-Baptiste L’enseigne de Gersaint (Watteau) Leonardo da Vinci Lucchesi, Matteo Lundberg, Gustav

M Madame de Pompadour (Boucher) Madame Moitessier (Ingres) Madame Recamier (J-L David)

O Odalisca com escrava (Ingres) Opie, John

P Paisagens fantásticas (A. Cozens) Panini, Giovanni Paolo Papa Clemente XIII (Mengs) Parnassus (Mengs) Pauline Borghese como Vênus (Canova) Peale, Charles Wilson Pedro, O Grande (Falconet) Perroneau, Jean-Baptiste Piazzetta, Giambattista Piranesi, Giovanni Battista

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Pittoni Pompadour, Madame Pompeia Ponte de Westminster com a procissão do prefeito, A (Canaleto) Ponte Greta, Durham (Cotman) Ponte Morpeth (Girtin) Porão (Piranesi) Porto de Marselha (Vernet) Prece Matinal (Greuze) Pureza de coração (Batoni)

Q R Raeburn, Henry Rainha Charlote (Lawrence) Ramsay, Allan Rapto de Helena (Hamilton) Rei do Vale, O (Landseer) Retrato de George Washington (Copley) Retrato de Jean-Baptiste Oudry (Perronneau) Retrato de Jovem (Stuart) Retrato de Margareth Lindsay (Ramsay) Revolução Americana Revolução Francesa Revolução Industrial Rinaldo e Armida (Kauffmann) Robert, Hubert Rococó Rococó Francês Rococó Alemão Rococó Britânico Rococó da Europa Central Roma Rottmaryr, Johann Michael Roubiliac, Louis-François Rousseau, Henri Royal Academy Ruínas romanas com o cego Belisário (Panini)

S Sabinas, As (J-L. David) São Jerônimo em seu gabinete (Van Eyck) São Jorge e o dragão (Uccello) São Pedro (Gunther) Schmitzer, Johann Senhor e Senhora Andrews, O (Gainsborough) Senhora Sarah Siddons, A (Gainsborough) Senhora Siddons como a musa Trágica, A (Reynolds) Sergel, Johan Tobias Serpotta, Giacomo Sétimo Severo censura Caracala (Greuze) Sir Isaac Newton (Roubiliac) Sir Walter Scott (Raeburn) Sir Watkin Williams Wynn e amigos (Batoni) Sono de Endímion, O (Girodet) Stuart, Gilbert Stubbs, George

T Thomas William Coke(Batoni) Tiepolo, Giambattista Triunfo de Vênus (Boucher) Troger, Paul Trumbull, John

U Uccello, Paolo

V Van Dyck, Anthony Vaughan, William Veneza: Praça de São Marcos (Guardi) Vernet, Joseph Veronese, Paolo Viagem a citera (Watteau) Visão de Santo Agostinho (Carpaccio)

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Grandes Mestres da Arte

P

Runge, Philipp Otto Rysbrack, Michael

V Van Dyck, Anthony Vaughan, William Veneza: Praça de São Marcos (Guardi) Vernet, Joseph Veronese, Paolo Viagem a citera (Watteau) Visão de Santo Agostinho (Carpaccio) Vista do norte de gales (Cox) Volta do Bucentauro no dia da ascensão (Canaletto) Voltaire (Houdon) Voltaire (Pigalle)

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W Washington, George Watson e o Tubarão (Copley) Watteau, Jean-antoine Weiss, Benjamin Whistlejacket (Stubbs) William Gordon of Fyvie (Batoni) Wilton House vista do sudeste (Wilson) Wright of Derby, Joseph

X Y Z Zimmermann, Johann Baptist Zuccarelli, Francesco Zucchi, Antonio Zucchi, Carlo

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“Adoro ideias simples, que quase sempre dizem mais do que as complicadas ou fantásticas. ” Étienne-Maurice Falconet

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Aprecie algumas das mais significativas pinturas e esculturas européias do Rococó ao Neoclassicismo, em ordem cronológica e com o aporte de dados históricos. Conheça o trabalho de mais de oitenta artistas, entre eles Watteau, Copley, Hogarth, Gainsborough e Canova.

Por meio de análises, compreenda os aspectos criativos e técnicos das obras. Visualmente empolgante, esta é uma galeria única da arte produzida entre meados do século XII e meados do século XIX.

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