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COLIVING
Proyecto grupal elaborado en 2019 y reelaborado de manera individual en 2023
Integrantes: Camila Garagorri - Josefina Marsico
“Hace falta que el cuadro de testimonio de este atravesamiento: un abismo ordenado. Un abismo es nada. Un cuadro que sea orden es nada. Pero el orden propio al caos, la instauración de un orden propio al abismo, ese es el asunto del pintor”
Gilles DeluzeSiguiendo el pensamiento de Deleuze (1981) lo que busca el diagrama es suprimir la narración y la ilustración. Bajo este rol suprimir todos los datos figurativos, dados que la figuración y las narraciones están dadas, son datos percibidos por los sentidos. Así pues, se trata de pasar los datos figurativos y narrativos por el bucle del caos-germen (termino desarrollado en su libro Pintura: el concepto de diagrama, publicado en 2007) para que salga de allí algo completamente distinto: el hecho.
El termino hecho es muy bien definido por Bacon quien los describe como la secuencia del acto de pintar donde las formas sin puestas en relación con una fuerza, fuerza invisible a la vista. Pintar fuerzas, es, en conclusión, el hecho. El pintor Paul Klee aclama sobre la pintura que la misma “No se trata de reproducir
lo visible, se trata de volver visible”. Sobrentendiendo este tema el hecho pictórico es la forma deformada. Esto se debe a que ya no se busca transformar sino deformar, la deformación como concepto pictórico es la deformación de la forma, pero la fuerza no tiene forma. Es así que la deformación de la forma lo que hace visible es a la fuerza que no tiene forma.
De esta manera el proyecto coliving busca generar un orden dentro del edificio un orden que comprima el abismo generado por los grandes ventanales del espacio. La vista a la rambla de la ciudad de Montevideo genera en quienes entran al espacio una sensación de abismo, sensación generada por la inmensidad el mar y la unión del mismo con el cielo.
La enmarcación de la ventana mediante una plataforma busca orde -
nar y redireccionar la visión humana a un único punto de atención sin que este se pierda de manera horizontal. La vista proporcionada por los grandes ventanales transmite una cantidad de información de manera desmesura la cual invade al espacio y a quienes habitan. La reducción de distracción busca deformar lo que vemos y ceder al espacio su propia importancia. Dado así, es que basándonos en el texto de Deleuze que la plataforma que enmarca la ventana de la vista principal es el diagrama conceptual del espacio. Lo que allí se busca no es recrear lo que pasa afuera sino reinterpretarlo puertas adentro generando sensaciones distintas donde el usuario remita al lugar exterior, pero sin perder la condición del espacio donde habita.
El esquema conceptual de este proyecta gira en torno a la plataforma ubicada en el ventanal principal del espacio. Como se mencionó anteriormente y basándonos en el fundamento teórico dado por Gilles Deleuze, el marco de la ventana funciona como un diagrama en si mismo.
Lo que busca generar este gran marco es ordenar el caos del abismo que desde el exterior nos llega. Cuando se habla de orden no se habla de desenfocar lo que vemos afuera, o reconstruirlo sino darle una perspectiva que permita a quien habite el espacio sentir lo que la vista transmite sin sentirse absorbido. Para representar esta connotación la flecha genera antes de entrar un bucle, pero una vez que pasa por el marco se genera en ella orden y enfoque direccional.
Desde un punto de vista funcional el espacio se diagrama para el disfrute de los residentes del edificio y quienes quieran pasar un momento de descanso y encuentro. Al ingresar el usuario podrá encontrase con una plataforma dispuesta con livings individuales para pequeñas reuniones, al igual que zonas de juegos que podrán ser trasladadas por el usuario.
A la izquierda sobre el ventanal Este se dispone la cocina con una gran barra para aquellos que deseen cocinar en el lugar acompañados de mesas para cuatro personas a lo largo del salón.
Libertador Coliving busca generar en aquellos que lo visiten un sentimiento de acogida y relax con colores vibrantes y texturas a lo largo del espacio que remitan al espacio donde se encuentra emplazado el edificio.
OFFLINE
Proyecto grupal elaborado en 2020
Integrantes: Camila Garagorri
“La manera de quebrantar la monotonía no consiste en detener, sino en resaltar el interés de la rutina mediante la introducción de un nuevo objeto”
Para Gombrich (2016) pensar un objeto que encaje implica una hazaña de la imaginación creativa como de una observación cualificada. Argumenta desde la psicología que la percepción es un proceso constructivo donde hay un continuo desde los mecanismos de la imaginación visual a los de la percepción visual.
proyecto de gran complejidad que movilice el asombro y la curiosidad de un espectador – actor que se mueve en un complejo proceso interactivo donde la escisión entre lo real e ideal no se manifieste como problema.
El entorno actual abarca la cotidianeidad presentando el mundo de los objetos y por extensión todo el ambiente de relaciones humanas y sociales.
E.H Gombrich¿Qué es ver? ¿Cómo percibimos el mundo? El o la observadora viven en muchos multiversos legítimos generando la realidad mediante las distinciones que hacen en su práctica. En esta conjunción entre lo real y lo virtual se genera un ámbito de apariencia pura, del mundo tal cual es, donde los fenómenos ni son puramente deterministas ni puramente aleatorios.
El objetivo es aproximarnos a un
El artilugio (los prismas) no es de tipo utilitario ni simbólico sino lúdico que manifiesta las posibilidades técnicas del objeto que juega con las reglas de la innovación. Se pone en juego la relación con los objetos, con las personas y con el tiempo libre.
Abiertos a la percepción y al pensamiento de la multiplicidad es una invitación a navegar la complejidad y jugar en un mundo de tensiones en el que cada quien se forma y se transforma en una búsqueda multiforme donde emerge la sorpresa.
La estética del diseño es la puesta en valor del objeto mediante el acondicionamiento que lo integra al entorno o ambiente desde la dimensión lúdica del sujeto. Un ambiente agradable construido a partir de la armonía de las formas y colores como a la calidad de los materiales sensibiliza e inspira. No vemos el “espacio” del mundo, vivimos nuestro campo visual; no vemos los “colores” del mundo, vivimos nuestro espacio cromático (…) no podemos separar nuestra historia de acciones de cómo nos aparece ese mundo. (H. Maturana y F. Varela,2003, p:10)
El esquema conceptual nace dadas las condiciones constructivas del espacio. La envolvente ya existente constaba de una planta libre, pero en ella aparecen de manera casi rítmica una serie de pilares y vigas. Es dada esta condición que el espacio se divide en tres franjas de manera longitudinal dando la apariencia de estar subdivididos en tres espacios. Es asi que se plantean tres prismas que recorren el espacio dándole a cada uno una función en especial. La experiencia del usuario dentro del local es una de las condiciones que se plantea desde un inicio es dado esto que se otorga un tercio del total del espacio al túnel, el primero de los tres prismas. A nivel concepto este primas es el que posee mayor relevancia dado que como afirmaba Matura el espacio no es lo que vemos sino lo que sentimos de él.
La funcionalidad del espacio gira en torno a los tres sectores de limitados por los pilares. Como se mencionaba anteriormente al entrar al local el usuario se encontrará con un gran túnel por el cual podrá acceder e ir visualizando la sala de juegos. Lo que se busca con este túnel es generar una sensación inmersiva donde quien lo atraviese pierda la noción de la realidad exterior. El segundo prisma se subdivide en cuatro capsulas, donde quien desee podrá experimentar la realidad virtual mediante videojuegos. Las capsulas son insonorizadas para no molestar a quienes se encuentran en el tercer prisma. Este ultimo prima representa el espacio de mesas del restaurante. Offline es un espacio mixuse que une la realidad virtual con la gastronomía. La idea de la experiencia es que pequeños grupos visiten el local y puedan observar cómo sus amigos juegan mientras disfrutan de una experiencia gastronómica.
ENSAYO CRITICO
PERCEPCIÓN DE LA ARQUITECTURA MODERNA DESDE LA INMERSIVIDAD DE LAS ARTES CONTEMPORÁNEAS
“La percepción visual y la imaginación no están limitadas a la extensión de las imágenes ópticas en las que descansan. El sentido de la vista (…) organiza, completa y sintetiza la estructura encontrada en cada imagen óptica (…) Cuando nos movemos alrededor de nuestro medio vemos cosas desde diferentes puntos de vista (…) a través de la multiplicidad de las visiones la mente sintetiza una imagen (…) el observador (…) recibe una secuencia ordenada de proyecciones que cambian gradualmente. La coherencia de estas secuencias facilita (…) la comprensión del objeto. (… y en este sentido, la arquitectura)”
Rudolf Arnheim
Ver no es lo mismo que percibir visualmente. Se produce de esta manera un proceso de elaboración mental entre la estimulación del sentido de la vista y “lo que vemos”. Estos procesos de mediación son consecuencia de las condiciones fisiológicas propias de la vista, pero también de las condiciones mentales y culturales que nos inducen a ver unas cosas y no ver otras. De esta manera estamos induciendo mentalmente la estructura formal que hay detrás de lo que vemos, a partir de la forma visible percibida.
La estructura formal que inducimos mentalmente a partir de las imágenes que son enviadas por el sentido de la vista, se recompone y crea en base a leyes fisiológicas y hábitos mentales y culturales. Juan Navarro Baldeweg escribe:
“Cada elemento, cada forma particular, poseerá su plenitud y deberá manifestarse así, conviviendo con otras, en una apariencia gobernada por la equidad (…) He hablado de exaltación de la diferencia, pero también de equidad, o sumisión a una ley de presencias medidas por una
máxima apertura: tensión entre lo diferenciado o contrapuesto y lo homogéneo, tensión entre exaltación y calma. Y en la percepción esto, a su vez, dará lugar a una ambigüedad oscilante entre lo aparente y lo latente”
Es de esta manera que la formalización de la arquitectura, la creación de edificios como formas construidas, es la base principal de las teorías y del pensamiento arquitectónico a lo largo de la historia. Los procesos de formalización han sido abordados de dos maneras muy distintas en el clasicismo y en la modernidad.
El primero centro su atención en aspectos que marcan a la arquitectura como objeto, a la forma de la arquitectura. Por el contrario, la modernidad se ha interesado en el modo de percibir la forma arquitectónica, dada por las leyes y relaciones visuales que se establecen entre el edificio y quien lo percibe. En las teorías modernas, el problema de la formalización arquitectónica lleva una doble vertiente: por un lado, la creación de edificios en función de condiciones de percepción que por otro lado deberá tener por el otro, la manera en que percibimos los espacios existentes ya sea como usuarios o ocupantes.
Surge de esta manera la teoría moderna de la arquitectura, una malla de relaciones o estratos como la denomino Gilles Deleuze, entre proyecto, percepción, estructura formal y forma aparente, que concluye en la forma arquitectónica. Todo esto se ve condicionado por las condiciones fisiológicas y psicológicas que señalan el modo de percibir. Ahora, si la cultura moderna se caracteriza en todos sus ámbitos por la primacía que adquiere el sujeto en relación al objeto, su reflejo se ve en la consideración de la forma en arquitectura. Pero no es tanto la forma en si lo que interesa, sino
la manera como esa forma es captada por el espectador. Son las leyes subjetivas de la visualización las que adquieren protagonismo, no solo en la arquitectura, sino que se extienden al resto de las artes, viendo un giro desde las teorías clásicas al pensamiento moderno que desplaza del núcleo central el interés por el objeto y lo sustituye por los modos de percibir visualmente los objetos y los espacios.
La forma como problema principal y todas las implicaciones sociales y culturales, también son el núcleo principal de preocupación de los expresionistas abstractos.
La determinación de la forma es, para estos artistas y arquitectos, un asunto prioritario frente a cualquier otro requisito ya sea técnico, funcional o económico.
La arquitectura, a través de la forma la cual es su componente mas especifico y perceptible, transmite significados, provoca estados de ánimos, expresa sentimientos, que vinculan la arquitectura de un modo evidente con la sociedad en la que va surgiendo, tanto en costumbres y valores, con la cultura del que la realiza y de quien lo ocupa. Las formas no son, por lo tanto, algo neutro o pasivo que actúa de manera diferente, si no que se ven impregnadas de sentido. Al hablar de forma se hace referencia a la forma exter-
na, a su imagen sensible, a la figura de un cuerpo tal como lo perciben los usuarios sensibilizados especialmente a través del sentido de la vista.
A diferencia de otras artes plásticas, la arquitectura no puede desvincularse de su uso y no puede ser apreciada exclusivamente por aspectos meramente visuales donde se desprecia su destino funcional, se debe a esto que la forma de la arquitectura debe ser capaz de informarnos sobre su función.
Pero de hecho no podemos hacer una valoración realmente arquitectónica si no se puede establecer estas relaciones entre formas y actividades. Es este un aspecto especifico de las creaciones arquitectónicas y de la arquitectura como arte que la diferencia de la pintura o escultura. Pero no todos los artistas plásticos equidistan de la envolvente arquitectónica (...)
La inmersividad del arte contemporáneo ha abierto en el campo de la percepción múltiples vertientes complementado con la incorporación de la tecnología en el área. El cambio en el paradigma de espectador como autor ha traído con ello el cambio en la percepción de las obras, ya no son puntos de vistas fijos donde el espectador observa desde un punto prestablecido, sino que el mismo se convierte en un caminante de los espacios creados. La innovación presentada por las performances y las instalaciones crearon un nuevo contexto también para la arquitectura contemporánea quien ha referenciando y utilizado como inspiración el campo del arte desde tiempos inmemorables.
Como precursor en el concepto de instalaciones Rothko ha creado espacios de un carácter totalmente Planta de “The Factory”
totalmente arquitectónico, cambiando las paredes de ladrillos por grandes lienzos de colores los cuales creaban una espacialidad interior, cargada de un carácter espiritual, donde el espectador podía recorrer el espacio como si estuviese dentro de la obra. Dentro del expresionismo abstracto el campo del color fue la perspectiva mas inmersiva, teniendo como foco la percepción de los cuadros desde el espectador quien caminando en la sala podría sentir como la pintura lo envolvía.
El concepto de la inmersividad no se perdió con el paso de una corriente artística a otra, siendo en el pop art la reafirmación del mismo. El loft plateado de Warhol mostro la vinculación más grande entre el arte y la arquitectura donde la caja arquitectónica se veía cubierta por la expresión artística. Los visitantes del loft como el mismo Warhol quien habitaba y trabajaba en la Factory vivían dentro de una instalación, la cual cumplía no solo funciones estéticas-políticas, sino que se diagramaba perfectamente como un espacio habitable estrictamente arquitectónico.
Pasando a un nivel mayor, ya no hablamos de una habitación como Rothko, ni un loft como con Warhol, sino la conquista del espacio urbano de una ciudad. La documenta de Kassel, es la mayor relación entre el arte y el espacio humano, aquí no interesa en particular cuales son las obras expuestas sino la relación que tienen las mismas con el entorno y la creación de espacios urbanos que las mismas implantan.
Como conclusión se llega a que la arquitectura ha jugado un papel muy importante en la inmersividad del arte contemporáneo, siendo esta un medio para la
exposición de obras y la mayor vinculación entre las mismas y el hombre debido a que ambas trabajan la percepción del observador y su participación con la envolvente.
Proyecto elaborado para el concurso “Un Showroom a tu estilo” por la Universidad ORT y Campiglia Pilay
“El artista es el origen de la obra. La obra es el origen del artista. Ninguno es sin el otro. Sin embargo, ninguno de los dos es por sí solo el sostén del otro, pues el artista y la obra son cada uno en sí y en su recíproca relación, por virtud de un tercero, que es lo primordial, a saber, el arte, al cual el artista y la obra deben su nombre”
M. HeideggerArje (Arché) en uno de sus sentidos significa punto de partida o principio, los primeros filósofos griegos tenían la convicción de que detrás del caos aparente se oculta un orden subyacente racional e inteligible. Es aquello que se encuentra en la base de todas las cosas, aquello de lo que proceden y a lo que regresan todas. Lo que se busca es develar esa armonía oculta encontrando lo uno aunador de lo plural, donde sujeto y objeto coincidan en perfecta unidad.
Al buscar la explicación de lo múltiple en la identidad de un elemento que cumpla la función de principio generador no ofrecido por la experiencia sino como principio de razón suficiente, los griegos postularon el pensamiento como legislador implícito de la realidad.
Según Arthur Lane (1948) “Se puede llegar a la forma por métodos empíricos, como un feliz accidente que sobreviene con la manipulación experimental de un material; o ella puede ser un concepto que existe en la mente, que lucha por convertirse en algo tangible con los medios que tiene a su disposición.”
Así como su significado, Proyecto Arje en conjunto con Campiglia, buscan crear un nuevo punto de partida en los usuarios, donde estos se encontrarán con unidades diseñadas con el fin de generar una coincidencia perfecta.
Como afirma Heidegger (1973) la obra de arte es una cosa confeccionada, pero dice algo otro de lo que es la cosa, y esto otro constituye lo artístico. La esencia del arte es el
acontecer de la verdad de un ente que no solo busca un valor estético, sino que abre un mundo donde convergen la presencia y la oculta ción. En eso radica la belleza de la obra de arte y solo se comprende partiendo de su proceso de crea ción
Basándonos en esta fundamenta ción teórica es que surge proyec to Arje, el cual resulto ganador del primer puesto en el concurso “Un Showroom a mi estilo” impulsado por la Universidad ORT y Campiglia Pilay.
Como homenaje al nombre de este primer proyecto nace Estudio Arje en el cual diseñamos y construimos cuatro espacios de las nuevas oficinas de Campiglia Pilay: recepción, oficina gerencial, sala de reuniones y patio exterior.
El espacio dado por la realización del showroom fue un apartamento modelo de aproximadamente 50mts2 incluyendo servicios y un dormitorio. Las bases del concurso constaban en el diseño de un apartamento totalmente equipado el cual seria mostrado a futuros clientes. Desde una perspectiva comercial el espacio debería ser un lugar neutro que resaltaras las principales cualidades de la envolvente y que pudiera adaptarse a todo tipo de persona.
Es bajo este concepto que el diseño gira en torno a un muro equipado que incorpora las principales actividades del living: espacio para TV, comedor, espacio de guardado y recibidor. De esta manera el apartamento gira en torno a este prisma el cual nutre a los demás espacios y los organiza, de igual manera para resaltar la vista privilegiada del apartamento este muro equipado acompaña a la persona desde el ingreso al lugar hasta el remate visual de la ventana.
A mediados del 2022 Campiglia Pilay decide mudarse a sus nuevas oficinas, un espacio diseñado a cero para sus comodidades. Es ahí que surge el llamado de la empresa para el diseño de algunos de los espacios más importantes de la oficina.
El concepto detrás del diseño surge de la mano de este nuevo cambio no únicamente de espacio sino también de identidad de marca. La empresa busca generar junto a sus clientes un crecimiento el cual tiene como objetivo la creación de nuevos edificios.
Es en base a esto que el concepto de crecimiento en conjunto se busca mostrar desde un principio en la recepción, lugar de primer encuentro empresa-cliente. Los listones de madera buscan reflejar el crecimiento y la expansión, combinados con una estética que remita a los colores de la marca sin perder de foco la filosofía de la misma.
CENTRO DE GRADUADOS ORT
Proyecto grupal elaborado en 2020
Integrantes: Camila Garagorri - Federico Jourdan
“Para 1968, había comprendido que los fenómenos asociados a la percepción se entendían solo si se entendía el operar del sistema nervioso como una red circular cerrada de correlaciones internas, y simultáneamente entendía que la organización del ser vivo se explicaba a si misma al verla como un operar circular cerrado de producción de componentes que producían la misma red de relaciones de componentes que los generaba”
Humberto Matura
Es de esta forma que la idea de caja blanca empieza a formalizar el concepto de red circular que se encontrara completa una vez que los volúmenes (correlaciones internas) se sitúen en su lugar. El espacio interior como el exterior se diagraman a partir de la deconstrucción del esquema conceptual. Marcando volumetrías en el espacio las actividades se distribuyen en espacios tridimensionales que encajan, se separan o que se unen teniendo continuidad en todos los planos y pisos.
La diagramación espacial debe responder siempre al usuario y su forma de recorrer el espacio, es esencial conocer el comportamiento humano para diseñar espacios adaptables. Es asi que la psicología plantea dos polos “Sapiens y Demens” los cuales confluyen en el habitar de las personas. Además,
el propio cerebro humano, ese cerebro hipertrofiado, funciona con mucho ruido y desorden; pero sin ese desorden, no habría posibilidad de creación e invención. Cuando Rimbaud (poeta francés) dijo “Termino por considerar sagrado el desorden de mi mente”, muestra que ha comprendido que hay en el desorden algo sin lo cual la vida no sería más que insipidez mecánica. Entonces en la copula de sapiens y demens, tenemos la creatividad, la intervención, la imaginación… pero también la criminalidad, el mal, la maldad.
Entonces, ¿ser racional no sería comprender los límites de la racionalidad y de los misterios del mundo? La racionalidad es un instrumento maravilloso, pero hay cosas que superan la mente humana. La vida es una mixtura de lo no racionalizable y de la racionalidad.
Habría que aprender a jugar, lúdicamente en cierto modo, con esa parte irracional de nuestras vidas y saber aceptarlas.
Es así que este espacio busca llegar al equilibrio entre el racionalismo del espacio de trabajo tradicional con el lado lúdico del encuentro interdisciplinario.
‘’Intuitivamente, está claro que hay tipos de simplicidades que se unen con facilidad de montaje, además también muestran las ventajas del principio jerárquico: unidades agrupadas para formar unidades mayores que, a su vez, pueden encajar fácilmente en un todo de mayor tamaño. Todas estas ventajas inherentes de la estandarización están a la disposición del hombre apenas éste se muestre dispuesto a planificar sus actividades. ‘’
Los juegos lúdicos inician desde muy temprana edad en los niños, su enfoque se basa en la interacción con objetos y la relación personal con los mismos. Los espacios de trabajo-estudios tienen una filosofía parecida, o deberían de tenerla, ya que en ellos el desarrollo de conocimiento y la eficacia a la hora de producir depende del espacio donde nos encontremos.
Tomando este punto de vista el esquema conceptual de este proyecto surge de los puzles tridimensionales en los cuales las figuras deben encastrar en sus respectivos espacios.
Es así que el Centro de Graduados ORT se construye mediante prismas que se encastran en otros, que se encuentran en el espacio y se relaciona. Los prismas reflejan la interrelación de los estudiantes de diversas carreras y como los conocimientos interdisciplinarios pueden coexistir en un mismo espacio y nutriste entre ellos.
El edificio se compone de cuatro plantas, en las cuales se dividen distintos tipos de espacio de trabajo. En relación al concepto la envolvente del edificio se ve interceptada por prismas que atraviesan los distintos pisos, como el cilindro central el cual se ve en los cuatro niveles, cumpliendo distintas funciones. El nivel cero abarca una oficina para diez personas, una oficina pequeña y un espacio de reunión al centro de la planta. Este nivel al igual que el nivel uno son accesibles. En la siguiente planta se dispone la entrada principal donde está la recepción y las cabinas telefónicas, además de espacio de trabajo colectivo. En el tercer nivel se dispone de una sala de reunión pequeña y un sector de biblioteca y proyecciones para aquellos que dispongan de material audiovisual. El ultimo piso a diferencia de los demás no busca focalizar la atención en el trabajo sino en distender al usuario proponiéndole un sector gastronómico y salas de descanso.
LIMITE APARTHOTEL
Proyecto grupal elaborado en 2022
Integrantes: Camila Garagorri
“Vamos a reunir lo Uno y lo Múltiple, los reuniremos, pero lo Uno no se disolverá en lo Múltiple y lo Múltiple será, asimismo, parte de lo Uno”
Edgar MorinEl efecto prismático busca combinar la exagerada precisión con la maleabilidad de las formas que se recomponen y atraviesan las relaciones humanas a través de otras narrativas. Estos modelos como creaciones formales o constructos hipotéticos tienen una potencia explicativa de un campo amplio y relativamente heterogéneo de fenómenos, permitiendo el surgimiento de nuevas figuras y formas. Aquí se entrelazan conceptos emergentes que buscan explicar lo que sucede dentro del prisma, lleno de matices y perspectivas como el propio objeto. Aquí es posible la pluralidad de intersecciones como formas de uso y apropiaciones individuales y sociales del espacio. Se busca tramar, entrecruzar los tejidos y las redes. El filósofo Edgar Morin define la complejidad de tramas de la si-
guiente manera: “es un tejido de constituyentes heterogéneos inseparablemente asociados: presenta la paradoja de lo uno y lo múltiple” Fenómenos como la imaginación, la iluminación, la libertad o la creatividad permiten reconocer la capacidad de trabajar con lo insuficiente y lo impreciso, desde donde emerge la individualidad irreductible del artista (o diseñador) El diálogo entre lo uno y lo múltiple produce la complejidad en una recursividad organizacional donde el diseñador produce un objeto, pero a la vez es producido por él. El mundo entonces se organiza desintegrándose a través del principio Hologramático, generador de un movimiento productor de conocimientos. Podemos concluir que los objetos ya no son solo objetos, las cosas ya no son cosas; todo objeto será considerado ahora en función
de su organización, su entorno y su observador.
Basados en esta fundamentación filosófica el proyecto utiliza la intersección de dos prismas para crear nuevos espacios con matices entre ellos, creando la zona de restaurant, recepción y cowork. A su vez estos prismas ordenan las nuevas tramas de cerramientos vidriados, mobiliario, luminarias y todo objeto que se implante en ellos. La palabra limite sigue las tramas dadas por cada uno de los primas. El concepto busca diluir los límites físicos en el espacio, pero aun así algunos de ellos se ven representados en el ambiente. Es por esto que la palabra busca salir de los cuadrados.
Lo uno y lo múltiple se ve relacionado en la naturaleza de manera infinita, la pertenencia de un uno en lo múltiple puede durar como no, puede modificarlo como no, pero lo que allí importa no es únicamente el conjunto sino la individualidad del objeto. Tomando como punto de referencia el pensamiento filosófico de Edgar Morin, Limite aparthotel es lo uno y lo múltiple. La envolvente dada por el edificio genera un marco al cual se le superponen dos prismas uno dominado por el color negro y otro por la materialidad de la madera. Cada uno conforma un espacio distinto con características y funciones dispares. Pero es allí donde ambos prismas se juntan que forman una nueva materialidad la cual está dada en partes iguales por la identidad de los mismos, generando un territorio neutro.
Los prismas quedan contextualizados dentro del edificio, ambos espacios funcionan por separado, cada uno con accesos diferentes, actividades distintas pero en su unión conforman el programa arquitectónico del aparthotel.
El edificio consta de una planta baja y una planta tipo que se repite a lo alto de la construcción. La planta baja se compone por dos espacios bien definidos: un cowork y un restaurante, los cuales se encuentran enmarcados en los primas conceptuales. En primera instancia se localiza la envolvente dada por un plano que alberga a los demás, en el centro de la misma se ubica de manera prismática los servicios. El siguiente prisma, dominado por la madera constituye el espacio de cowork donde la trama vidriada define subespacios dentro de este. Con un color negro se instaura por encima el restaurante, con espacios de mesas y una extendida barra a lo largo del prisma de servicios. De esta manera la intersección de los prismas genera un nuevo espacio: la recepción la cual tiene la combinación de ambas texturas, piso de madera y cielorraso negro. La confluencia se da en la entrada en donde se busca que el usuario apenas entre note la tensión que se genera entre ambos espacios y deba decidir que materialidad seguir.
